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CIENCIAS DE LA COMUNICACIQN

ESTUDIOS SOBRE HIBRIDACIONES, TRANSFERENCIAS E INTERTE><TUALIDADES EN LA FOTOGRAFfA Y EL AUDIOVISUAL

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Estudios sobre hibridaciones, transferencias e intertextualidades en la fotografía y el audiovisual

COMITÉ CIENTÍFICO DE LA EDITORIAL TIRANT HUMANIDADES Manuel Asensi Pérez Catedrático de Teoría de la Literatura y de la Literatura Comparada Universitat de València

Ramón Cotarelo Catedrático de Ciencia Política y de la Administración de la Facultad de Ciencias Políticas y Sociología de la Universidad Nacional de Educación a Distancia

M.ª Teresa Echenique Elizondo Catedrática de Lengua Española Universitat de València

Juan Manuel Fernández Soria Catedrático de Teoría e Historia de la Educación Universitat de València

Pablo Oñate Rubalca ba Catedrático de Ciencia Política y de la Administración Universitat de València

Joan Romero Catedrático de Geografía Humana Universitat de València

Juan José Tamayo Director de la Cátedra de Teología y Ciencias de las Religiones Universidad Carlos III de Madrid

Procedimiento de selección de originales, ver página web: www.tirant.net/index.php/editorial/procedimiento-de-seleccion-de-originales

Araceli Rodríguez Agustín Gómez

Editores

Raúl Roydeen García

Coordinador

Estudios sobre hibridaciones, transferencias e intertextualidades en la fotografía y el audiovisual

tirant humanidades Valencia, 2023

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Índice Prólogo Pensar, analizar y reflexionar sobre las imágenes........................................................................................................

Araceli Rodríguez Mateos y Agustín Gómez Gómez

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Fotografía El fotograbado en España como iconosfera de las imágenes contemporáneas: una revisión histórica.................................................................

Bernardo Riego Amézaga

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La significación de A Rapa das Bestas en las fotografías de Rafael Sanz Lobato, Cristóbal Hara y Jaime Villanueva, y en la película As bestas............

Raúl Álvarez Gómez

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Cine, ciudad y salas cinematográficas La memoria que conserva los recuerdos cinematográficos en Almería........

Daniel Parra Berenguel

57

El cine como memoria de la ciudad en Andalucía. La capital hispalense en Soñar con Sevilla de Juan Sebastián Bollaín.....................................................

Miguel Ángel Pérez-Gómez

71

Cines de verano en Levante: aproximaciones a una forma alternativa de exhibición cinematográfica...................................................................................

Antonio Rivera Arnaldos

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Análisis de películas Boudu salvado de las aguas (Jean Renoir, 1932): un elogio a la juventud y al inconformismo contra la sociedad burguesa....................................................

Alba Navarro Herrera

101

Las vanguardias cinematográficas como agentes precursores de la videodanza.......................................................................................................................

Alma Llerena Fernández y Víctor Manuel Barbera Hernández

113

Las periodistas en el cine de la Gran Depresión: star system y personajes independientes en la era Pre-Code..........................................................................

Valeriano Durán Manso

127

La mirada de Ofelia. Una contra-genealogía de su representación como motivo visual....................................................................................................................

Edurne Larumbe Villarreal

143

Bernarda: la última adaptación al cine de La casa de Bernarda Alba..............

Aurora María Cerezo Vílchez, Lucia Ballesteros–Aguayo y Francisco Javier Ruiz del Olmo

159

‘Yo soy su madre’: la maternidad frustrada como fuente de opresión en Audiencia pública (1946) y La hija (2021)..................................................................

Laia Puig Fontrodona

173

Posthumor cinematográfico y crisis en España. Hacia una interpretación sintomática de la incomodidad en Gente en sitios (2013)..................................

Alejandro Morala Girón

183

Revisión bibliográfica sobre la cinematografía de Pixar Animation Studios, una lectura en clave sociocultural............................................................

Ingrid Zacipa-Infante y Victoria Tur-Viñes

195

Audiovisual digital, transmedia y transversalidades culturales El beso literario y el beso cinematográfico en Josep Carner............................

Albert Gener

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Serie Transmedia Go!azen. Visibilización de problemáticas sociales de la población infanto-juvenil............................................................................................

Leire Junguitu

221

Ansiedades digitales en el cine contemporáneo: una aproximación desde las narrativas modulares y la cultura visual digital..................................

Luis Cemillán Casis y Francisco José Jiménez Alcarria

235

Comunicar el terror en la era de streaming: La representación juvenil en El Club de la Medianoche............................................................................................

Gustavo Adolfo León Duarte y Alejandro Esqueda Villegas

249

Nuevas ventanas para la distribución audiovisual y la captación de audiencias: CanalSur Más, la primera plataforma autonómica OTT en España...............................................................................................................................

Eduardo Ramos Rodríguez

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RESONANTES. Procesos creativos a través de nuevos lenguajes, espacios expositivos y educación.............................................................................

Fernando Jesús García Puya

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Índice

Prólogo

Pensar, analizar y reflexionar sobre las imágenes Araceli Rodríguez Mateos Universidad Rey Juan Carlos

Agustín Gómez Gómez Universidad de Málaga

Este libro trata sobre la fotografía y el audiovisual, una mirada sobre estas formas de creación que los estudiosos afrontan desde muy diversas perspectivas.

Aunque resumirlo es una tarea complicada, casi imposible por la heterogeneidad de los trabajos presentados, podemos decir que engloban variadas formas de abordar las imágenes fotográficas por un lado y audiovisuales por el otro, pero que coinciden en la convergencia de todo tipo de hibridaciones formales y relatos que se despliegan a través de los múltiples medios y plataformas de comunicación que existen en el universo audiovisual en la actualidad. Los investigadores, desde metodologías diferentes, actualizan viejos modos de abordar la construcción de imágenes fijas y en movimiento, las deudas con otras formas culturales en las que convergen necesaria o interesadamente.

Analizar y reflexionar sobre la pluralidad de imágenes que configura la cultura visual contemporánea sigue siendo un ejercicio imprescindible para entender las sociedades de nuestro tiempo. Este libro recoge un conjunto de estudios que tratan las formas de creación en fotografía y en el audiovisual a partir de diferentes perspectivas conceptuales y metodológicas. Desde el origen del fotograbado en España hasta las narrativas modulares propiciadas por las transformaciones operadas en era digital no sólo ha transcurrido tiempo, algo más de un siglo, sino también se han diversificado los contextos de producción, difusión y circulación de las imágenes. Al mismo tiempo, los planteamientos narrativos y estéticos han hecho evolucionar el lenguaje de la imagen y del audiovisual, en constante interrelación con referentes artísticos y literarios, e incorporando las posibilidades tecnológicas en cada contexto. Con ello también se han propiciado nuevas formas de relación entre los públicos y la imagen. En la actualidad, los relatos se despliegan a través de múltiples medios y plataformas, abrazando la experiencia transmedia y ofreciendo un vasto panorama de posibilidades para la investigación. Pero la importancia histórica de los cines como espacio colectivo

de esa experiencia audiovisual sigue siendo objeto de reflexión en un sentido sociológico y cultural. Las voces reunidas aquí ofrecen nuevas contribuciones a la comprensión de esos relatos, sus formulaciones y relevancia cultural. El libro está estructurado a partir de cuatro bloques permeables, que se interrelacionan en momentos y se alejan en otros, pero que siempre tienen en común que la imagen es deudora de otra imagen.

Fotografía

El primer capítulo presenta dos aportaciones que colocan la fotografía como eje de investigación desde los enfoques histórico y estético. La idea vertebradora no es otra que la necesidad de interpretar culturalmente los significados de las imágenes que han originado un nuevo régimen perceptivo en las sociedades contemporáneas, como ya argumentaba Pierre Sorlin en 1997.

Bernardo Riego Amézaga revisa y actualiza el conocimiento sobre los orígenes del fotograbado en España. Aplicado en el naciente modelo de prensa moderno, anticipado por las revistas gráficas, el fotograbado constituyó el elemento clave en la popularización de la fotografía a finales del siglo XIX y de su importancia configuradora de la cultura visual contemporánea. El autor enfoca con detalle su valor comunicativo dentro del ecosistema coetáneo de imágenes existente, configurado también por el cine y las tarjetas postales ilustradas. Al tiempo que revisa los procesos tecnológicos hoy ya abandonados, pondera la contribución de estas imágenes impresas a la evolución de los modos informativos durante el siglo XX y a la difusión de valores en la sociedad liberal.

La dimensión cultural y comunicativa de la fotografía también se aprecia en su capacidad para articular de manera visual mitos, que explican la identidad de un pueblo o una comunidad, así como para sugerir los distintos significados que estos mitos pueden cobrar en el transcurso del tiempo. Sobre esta base teórica, la misma que enhebra El ritual de la serpiente de Aby Warburg, se apoya Raúl Álvarez en su análisis sobre el ritual A Rapa das Bestas como motivo iconográfico. A partir del filme de Rodrigo Sorogoyen, As Bestas (2022), el autor rastrea y analiza algunas de las representaciones y significados previos que dicha fiesta popular suscitó en la obra de tres fotógrafos españoles, pertenecientes a tres generaciones distintas (desde los años 50 del siglo XX hasta las dos primeras décadas del XXI), que fotografiaron de manera asidua esta tradición. De la fotografía documental al estudio antropológico, pasando por el reportaje turístico, A Rapa se erige para

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Araceli Rodríguez Mateos y Agustín Gómez Gómez

estos autores en un motivo complejo y polisémico, aunque siempre dotado de un halo ritual, que, ya antes de la película de Sorogoyen, permitía establecer discursos acerca de esa España rural, acaso eterna, que oscila entre el mito, el realismo mágico y el costumbrismo.

Cine, ciudad y salas cinematográficas

Aunque no hay una fecha fija, ni una única causa, la desaparición de los cines como un espacio colectivo en el que no se sabía si se iba a ver una película o se iba al cine, comenzó hacia la década de los años sesenta y fue aumentando progresivamente hasta finales del siglo pasado. La televisión, la ampliación de otras ofertas culturales y de ocio, los videoclubs y la especulación inmobiliaria fueron los principales, seguramente no únicos, motivos por los que los cines fueron desapareciendo y trasladándose a los centros comerciales en las periferias de las ciudades. Con la llegada del siglo XXI, las ciudades perdieron los cines en el centro de la ciudad, pero ahora el motivo principal fue el cambio de tendencia de lo colectivo a lo individual, de la sala compartida a la tableta o móvil para ver una película en el autobús, en la cama, el baño o el Congreso de los Diputados. Si el modelo colectivo de los hermanos Lumière triunfó frente al individual de Edison, ahora el americano, también en esto, se ha impuesto al europeo.

Tres textos centran estas cuestiones en el bloque “Cine, ciudad y salas cinematográficas”. Se refieren a cuatro provincias españolas —Almería, Sevilla, Murcia y Alicante—, pero pueden ser extrapolables a todo el territorio nacional. No obstante, los autores van desgranando algunas de las características específicas de estos territorios, desde el caso de Almería que fue durante décadas el escenario cinematográfico más importante de España, o los casos de Murcia y Alicante que destacan por sus terrazas de verano, una forma de exhibición que estaba reservada especialmente a la España meridional por las lógicas cuestiones climatológicas.

Daniel Parra da cuenta de un proyecto de recuperación de la memoria de aquella forma de ir al cine en la que se entrevistó a quince mayores de 65 años.

Lleno de anécdotas y un cierto melancolismo, llega a esa misma conclusión que apuntábamos: los cines han desaparecido y solo queda la memoria, el recuerdo de una tierra de cine sin cines.

Miguel Ángel Pérez Gómez realiza su estudio a partir de la obra de Juan Sebastián Bollaín, uno de los directores más inclasificables de la Transición, momento

Pensar, analizar y reflexionar sobre las imágenes

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en el que retrató la transformación urbanística de Sevilla con un ácida crítica, no exenta de humor. Se trata de cuatro obras —Sevilla tuvo que ser, Sevilla en tres niveles, Sevilla rota y La ciudad es el recuerdo— todos de 1979 que se engloban en una tetralogía llamada Soñar con Sevilla. Aunque el texto no se detiene en los cines, estos serían otros de los damnificados en la destrucción y transformación de la capital bética, entre los que desfilan, por ejemplo, el Cine Ideal y el Cine Alameda.

El capítulo de Antonio Rivera Arnaldos, sobre los cines de verano en el Levante, circunscrito a Murcia y Alicante, repasa las características de esta particular forma de exhibición, su decadencia frente a otras formas más normativizadas y concluye que la idiosincrasia de los cines de verano del Levante español apostó por una difuminación de normas y convenciones sociales y por la articulación de una determinada libertad en el uso y disfrute del espacio.

Análisis de películas

El tercer bloque lo conforman ocho capítulos que, desde diferentes atalayas metodológicas, temáticas, formales e históricas, coinciden en el análisis de obras audiovisuales. Es un síntoma de la necesidad de volver a actualizar las visiones de viejas obras y aportar valor a los nuevos relatos. Desde el mismo instante en el que se construyó la primera obra audiovisual, y lo podemos extrapolar a la primera fotografía, nació el análisis de esa obra. Cuando releemos los textos de principio del siglo XX referidos a las obras cinematográficas, vamos observando cómo se ha construido la ciencia audiovisual. Los textos aquí recogidos son tanto deudores de aquellos, como los que vengan después lo serán de los presentes. Es tan sencillo como decir que las obras permanecen, pero las visiones cambian con los tiempos.

El primero es de Alba Navarro, que trata precisamente de una obra clásica — Boudu salvado de las aguas (1932)— de un autor clásico, Jean Renoir, que a su vez muestra una ciudad soñada, París, cuando el cine sonoro comenzaba su andadura, cuando la cultura ilustrada tenía un valor en la sociedad, cuando la crítica a la burguesía era una obligación y donde se dan la mano las diferencias sociales como la lucha entre lo apolíneo y lo dionisiaco.

Alma Llerena y Víctor Manuel Barbera tratan de la relación de algunas obras cinematográficas de la década de los años veinte y treinta del pasado siglo, especialmente de Viking Eggeling, Hans Richter, Walter Ruttmann, Oskar Fischinger,

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Mary Ellen Bute y Len Lye, basadas en la experimentación de la abstracción mediante el desplazamiento rítmico de los elementos en la imagen como precursoras de las piezas de videodanza no narrativas contemporáneas.

Siguiendo con la mirada puesta en el cine clásico, Valeriano Durán nos introduce en los análisis de género. Entre las décadas de los treinta y cuarenta se hicieron las películas sobre el periodismo que marcaron un género y entre ellas Durán destaca dos clásicos, Danzad, locos, danzad (Harry Beaumont, 1931) y Un grito en la noche (Albert Ray, 1933) y los papeles que interpretan Joan Crawford y Ginger Rogers. Estas mujeres ponen de manifiesto su espíritu independiente, su carácter resolutivo y su comportamiento decidido conviertiéndose en prototipos de la working girl.

Edurne Larumbe, sin abandonar los estudios de género, dialoga entre las obras pictóricas de los Pre-Rafaelistas, la fotografía, el cine, la pintura y la literatura, o dicho de otra manera, la obra de John Everett Millais, a través de las miradas de Tom Hunter, Elena López Riera, Alice Pike Barney, Natalie Clifford Barney, Alessandra Sanguinetti, Sofia Coppola y Julia Margaret Cameron en un ejercicio de re-significación de los motivos visuales. Se pasa así a una Ofelia que abre los ojos y mira por sí misma y decide ser la protagonista de su mirada.

Siguiendo con las relecturas de clásicos, Aurora María Cerezo, Lucia Ballesteros y Francisco Javier Ruiz del Olmo, nos trasladan ahora a las adaptaciones cinematográficas, en este caso la película Bernarda (2018) de Emilio Ruiz Barrachina, adaptación cinematográfica de La casa de Bernarda Alba (1936) de Federico García Lorca. Las conclusiones no podían ser más precisas: el universo lorquiano está presente en la adaptación, tanto de la propia obra de la que parte, como de otras del poeta granadino y de sus símbolos más recurrentes. Además, añaden, que la obra de Ruiz Barrachina aporta una relectura propia con un sello muy personal.

Si Edurne Larumbe nos recordaba las palabras de Ana en El Agua de Elena López Riera “Yo soy mi madre. Yo soy mi abuela. Yo soy esa mujer”, Laia Puig Fontrodona, nos conduce a la maternidad a través del “Yo soy su madre”. Aquí el planteamiento parte de los motherhood studies, por un lado, y del análisis comparativo fílmico, por el otro, al entrar en juego una obra de Florián Rey, Audiencia pública (1946), y otra de Manuel Martín Cuenca, La hija (2021). En ambos filmes existe un conflicto entre la madre biológica y la madre no biológica e infértil. La obra realizada durante el franquismo se resuelve con el castigo para la madre biológica que pierde su hijo, mientras que Martín Cuenca muestra la cosificación de la mujer y, aquí sí, la madre biológica conseguirá quedarse con su hijo.

Pensar, analizar y reflexionar sobre las imágenes

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Alejandro Morala realiza una lectura de la película Gente en sitios (Juan Cavestany, 2013) desde el posthumor, es decir, desde un humor incómodo en el contexto de la crisis económica que se inició en 2008 y llegó hasta la filmación del filme. De esta manera, el autor pone de manifiesto cómo la enunciación remite sintomáticamente —según concepto acuñado por Freud y aplicado al análisis fílmico por Bordwell y Stam— a la inestabilidad social.

El último de los textos es el realizado por Ingrid Zacipa y Victoria Tur. Aunque se presenta como una revisión bibliográfica cinematografía de Pixar Animation Studios, va mucho más allá al tratarse de un estudio en clave sociocultural que parte de una pregunta: ¿cuál es el estado actual de las investigaciones sobre cinematografía animada en el campo de los estudios de las ciencias humanas y sociales? El análisis se realiza como una ecuación de búsqueda de palabras clave relacionadas con la animación, de la que se extraen, entre otras conclusiones, que existe un vacío de conocimientos en cuanto al análisis de la cinematografía animada como representación de las dinámicas sociales contemporáneas y la lectura de las sociedades de consumo en la perspectiva neocapitalista.

Audiovisual digital, transmedia y transversalidades culturales

El cuarto y último bloque de investigaciones está dedicado a las narrativas, lenguajes, formas de creación y de consumo de producciones en los entornos digitales (plataformas de streaming, OTT, canales temáticos, ficciones transmedia y otras formas del audiovisual contemporáneo). Es este, sin duda, un campo de exploración académico vasto que ha emergido con fuerza en las dos últimas décadas para reflexionar sobre las transformaciones constantes en los procesos creativos propiciadas por las nuevas tecnologías digitales.

Antes de la revolución digital, sin embargo, en el mundo analógico de finales del siglo XIX y XX en el que nació el cinematógrafo, se encuentran los primeros ejemplos de las concomitancias entre el medio audiovisual y otras artes, como el teatro y la literatura. Albert Gener enfoca la figura del poeta barcelonés Josep Carner (1884-1970) para explicar su conexión con el cine, desde el momento en que se implantaba en Cataluña. El escritor comenzó escribiendo la mayoría de las producciones exhibidas en la Sala Mercè en Barcelona, abierta en 1904 y una de las salas pioneras en España en su pretensión de síntesis de las artes. A partir de entonces, su pulsión creadora le llevó también a firmar guiones para cine y

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teatro, expresiones artísticas sobre los que reflexionó y debatió con los intelectuales coetáneos.

Leire Junguitu aborda un producto transmedia, la serie Go!azen, creada por la Televisión Pública Vasca (EITB) y la Productora Pausoka, observando los modos en los que presenta problemáticas propias del público infanto-juvenil al que está destinada. Las conductas de riesgo, la discapacidad, el acoso, la familia, las relaciones sociales, la violencia, la salud y el medio ambiente, son, entre otros, temas que se exponen de una manera atractiva al público menor y que son considerados relevantes por organismos e instituciones públicas en sus estrategias de protección a la infancia y la juventud. Su éxito consiste en haber conseguido la implicación activa de los receptores a través de los diferentes elementos que configuran el mundo transmedia y que se expanden en distintas plataformas y medios más allá de la televisión.

Francisco José Jiménez y Luis Cemillán parten también de la esencial transformación que la cultura digital ha supuesto para los modos de creación, circulación y consumo de lo audiovisual para profundizar en las llamadas narrativas modulares, que sustituyen a los modelos narrativos clásicos basados en la lógica de la causalidad. El fenómeno modular conecta conceptualmente con las estructuras de las bases de datos digitales y propone parámetros narrativos de diversa naturaleza, que alteran las nociones de orden entre los elementos representados y de temporalidad del relato. La película Open Windows (Nacho Vigalondo, 2014) sirve como caso de estudio a los autores para reflexionar en torno a estas prácticas narrativas y algunas problemáticas derivadas en la era digital, las llamadas ansiedades postmodernas.

Las plataformas streaming, grandes contenedores de oferta audiovisual, constituyen un fenómeno clave en la articulación de nuevas formas de consumo para distintos públicos, especialmente el joven. Gustavo Adolfo León y Alejandro Esqueda se interesan por el lugar y las formas que ocupa actualmente el género de terror en los contenidos de estos canales. Tomando como referencia la serie El Club de la Medianoche (Mike Flanagan, 2022), producida por Netflix y orientada a una audiencia juvenil, los autores identifican las temáticas abordadas y las claves en las que se construye a los personajes juveniles en este género, interpretando sus significados desde los postulados teóricos de la Teoría del Símbolo enunciada por Norbert Elias en 1991.

Además de los grandes y pequeños operadores de streaming, en España surgen otros actores que, desde las corporaciones televisivas públicas, abren un

Pensar, analizar y reflexionar sobre las imágenes

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hueco que viene a complementar o a desplazar el consumo del medio televisivo convencional. Eduardo Ramos estudia el caso de CanalSur Más, la primera plataforma autonómica OTT en España, creada por Radiotelevisión de Andalucía (RTVA) y en funcionamiento desde 2022. Para comprender los pormenores de esta empresa pionera, el autor ofrece una perspectiva amplia de su viabilidad económica, oferta de contenidos, eventos específicos creados para ella, cuota de mercado inicial, perfiles de audiencia y la posibilidad de erigirse como una nueva vía de negocio para la televisión pública andaluza.

Finalmente, pasamos de la experiencia perceptiva circunscrita al marco en la pantalla a la materialidad de una experiencia sensorial más compleja. Fernando Jesús García describe los fundamentos de la propuesta artística Resonantes, desarrollada con un planteamiento que combina arte, asociacionismo y educación.

El proceso creativo ha articulado diferentes lenguajes y disciplinas artísticas, en concreto, las artes escénicas, la música y las artes plásticas. Resulta en una experiencia de instalación en la sala Ana Puya González en La Amalgama, en Málaga, que recupera la partitura de papel como materia prima para desarrollar esculturas y formas en el espacio. La clave de la propuesta experimental ha consistido en conjugar forma, sonido y la participación activa del público. Sin duda, constituye un valioso referente de la investigación en las prácticas artísticas contemporáneas.

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Araceli Rodríguez Mateos y Agustín Gómez Gómez

FOTOGRAFÍA

El fotograbado en España como iconosfera de las imágenes contemporáneas: una revisión histórica Bernardo Riego Amézaga Universidad de Cantabria

1. El fotograbado una tecnología olvidada en la investigación histórica

Para poder entender la extensa difusión de las imágenes que se producen en la sociedad contemporánea es necesario estudiar también las tecnologías que lo hicieron posible. Durante siglos, las imágenes se obtuvieron desde diversas técnicas y habilidades manuales, o, siguiendo los conceptos acuñados por Roman Gubern, las imágenes tuvieron históricamente un carácter quirográfico, es decir, se elaboraron a través de la mano de pintores, dibujantes y grabadores.. Pero en el siglo XIX, tras un largo proceso de tanteo y experimentación con dos vías iniciales divergentes en su aspecto y resultados, irrumpió la fotografía, una tecnología de base fotoquímica de captación de imágenes por medio de dispositivos de mediación derivados de la cámara oscura, que dieron respuesta al reto cultural y técnico planteado desde el siglo XVIII del logro del facsímil fotoquímico frente a los sistemas de copiado mecánico como el pantografo1. La aparición de imágenes fotográficas en la sociedad, a partir de 1839, crearon de inmediato una división conceptual en la cultura decimonónica, al introducir el concepto superior de veracidad fotográfica por la captación espontánea de la naturaleza hecha luz, frente a las interpretaciones gráficas del artista de las escenas que realizaba y que se entendían como expresiones del alma creadora2. Además de las diversas soluciones pictóricas de obras únicas, la multiplicación de las imágenes había sido hasta entonces posible gracias a la imprenta y las técnicas de estampa que lograron, 1

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La aparición y desarrollo de la tecnología fotográfica y sus antecedentes, ha sido objeto de muchos estudios, una visión de la transición cultural y tecnológica de la invención puede verse en: Bernardo Riego. (2000): La introducción de la Fotografía en España. Un reto tecnológico y cultural. CCG Ediciones. Girona.

No es objeto de este texto debatir estas cuestiones que tienen otro ámbito de análisis e investigación, remito a los interesados a obras como la de Aaron Scharf. (1994): Arte y Fotografía. Alianza Forma. Madrid.

entre otros aspectos, la aparición junto a los textos de escenas diversas en grabado en madera o xilografía, una técnica económica, junto a otras más restringidas y consideradas de superior calidad gráfica como la litografía o el aguafuerte. En ese sentido, a lo largo del siglo XIX, la estampa y sus imágenes difundidas por razones funcionales convivieron con la fotografía como medio de intervención directa sobre la realidad. Las imágenes en grabado que proliferaron en las nuevas revistas dedicadas, como las denominadas pintorescas e ilustradas que trasladaron, como enseguida veremos, las escenas a dibujos haciendo de ese modo una traducción comunicativa y sobre todo semántica de la información visual. Durante las primeras décadas de su existencia, la fotografía circuló por otros canales diferentes a los de la imprenta y lo hizo con un alcance muchísimo menor, hasta que en la década de los años ochenta del siglo XIX, en un proceso internacional con varias velocidades e hitos similares, las imágenes impresas con el aspecto tonal fotográfico comenzaron a aparecer en las páginas de la prensa y también en algunos libros. Aunque se ha hecho una distinción un tanto discutible en algunas historiografías, lo cierto es que, de nuevo, debemos a la hegemonía de la estampa, con las nuevas técnicas del fotograbado de las que nos ocuparemos en este texto, el motivo por el que las fotografías se pudieran contemplar masivamente en la sociedad de las masas en el nacimiento de las revistas gráficas o magazines, que eclosionarán, y no por casualidad, junto al cinematógrafo de los orígenes3 y a la extensa difusión de la tarjeta postal ilustrada4, que, gracias a una serie de técnicas de imprenta entre las que habría que sumar a la fototipia y al huecograbado además de las reproducciones en medio tono que constituyen el fotograbado, el método más extendido y económico de reproducir las imágenes fotográficas en las páginas primero de las revistas y los libros y luego en la prensa diaria.

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El cinematógrafo, como cultura, ha tenido una extensa dedicación por autores muy importantes que han intentado explicar su importancia social y cultural, más allá de los límites historiográficos de autores con visiones meramente artísticas y visceralmente anti Hollywood como la de George Sadoul. En el caso español, hay dos trabajos recomendables que no entran en los propósitos de este texto: por un lado, la obra de Emeterio Diez Puertas. (2003): Historia social del cine en España. Fundamentos. Madrid. Y el libro de Vicente J. Benet. (2012): El cine español, una historia cultural. Paidós Comunicación. Barcelona.

Sobre la tarjeta postal ilustrada en España. Véase el libro de Bernardo Riego (Editor y autor). (2011): España en la tarjeta postal. Un siglo de Imágenes. Lunwerg. Barcelona. con textos de Isidro Sánchez, Rafael Villena Espinosa, Esther Almarcha y Martín Carrasco y la preparación documental de Oscar Fernández Olalde.

Bernardo Riego Amézaga