Koreana Autumn 2011 (Spanish)

O T O ÑO 2011

Cultura y arte de Corea

Artesanías y diseño

To m o 20, N -º 3

Especial O TO Ñ O 2011

La estética coreana en el diseño

Mobiliario de madera; arte textil; alfarería; pintura con laca; artesanía con metal.

ISSN 1225-4606

To mo 20, Nº- 3

Un vistazo a las obras de artesanos modernos

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Escena de un video introductorio a la exhibición de la diseñadora textil Chang Eung-bok “Flores ocultas”, organizada en Seúl el año pasado.

Caligrafía © Kang Byung-in

“Mar matutino” (detalle), pintura a laca de Jun Yong-bok, 60 cm x 60 cm, 2010.

El mundo actual de la artesanía en Corea Todas las civilizaciones poseen una estética familiar,que puede verse en los objetos cotidianos. También en Corea, donde pueden rastrearse generaciones de menestrales encargados de fabricar productos para el uso diario. Son artistas anónimos cuyo legado está vivo en sus creaciones, admiradas como obras de arte en la actualidad y fuente de inspiración, consciente e inconsciente, para sus herederos, los artesanos del presente, a los que está dedicada la sección especial de este número.

Estos artistas se han ganado el respeto y admiración de todos por sus propios trabajos.

Son los pioneros de una nueva generación que ha adquirido una personalidad diferen-

ciada de la de sus predecesores, aunque enriquecida por ellos y sus obras, en las que se palpa la esencia de la estética nacional.

Koreana se enorgullece de presentar una panorámica general de este mundo de artesanos contemporáneos, representantes de nuestra época, que buscan crear arte innovador.

Pretendemos mostrar a los lectores a este grupo de artistas modernos y a los artesanos de antaño y explorar la singularidad de sus trabajos.

José María Areta y Kim Un Kyung Editores jefes de la versión en castellano de Koreana

eSpecial Artesanías y diseño

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introducciÓn

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Choi Joon-sik

Mobiliario de madera

Lee Jeong-sup revive la tradición del mobiliario tradicional de Joseon

Goo Bon-joon

arte textil

Chang Eung-bok enriquece las imágenes tradicionales

Jeon Eun-kyung

alfarería

Yi Yoon-sin fomenta la cerámica de uso cotidiano

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Jeon Eun-kyung

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Pintura con laca

Jun Yong-bok extiende los límites del arte del lacado

Park Hyun-sook

artesanía con metal

Yu Kuk-il diseña altavoces metálicos para reproducir los sonidos puros de la naturaleza Kim Young-woo

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Estética en el diseño: simple, natural y humana

Foco I

Explorando el futuro de los estudios coreanos en el mundo

Huh Jin-suk

Foco 2

Libros de la monarquía de Joseon regresan a casa tras 145 años en Francia

Lee Kyong-hee

critÍca de arte

Paisajes de mil años capturados en la ‘Luz del Tiempo’

entrevista

Lee Moon-jae

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Tras la extravagancia, cierto sentimiento de tristeza: Lee Yong-baek en la Bienal de Venecia 2011 Koh Mi-seok en el escenario global

Un éxito de ventas global: Por favor cuida de mamá , de Shin Kyong Sook

Kim Mi-hyun

ARtesano

Kim Il-mahn preserva la antigua tradición de la alfarería onggi

Park Hyun-sook

en el camino

Peregrinación del milenario del Tripitaka coreano

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Venerable Sungahn

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Publicaciones Kim Hak-soon Traducción inglesa de la antología de clásicos del erudito de Joseon Jeong Yak-yong

Admonitions on Governing the People

Las maravillas naturales de Corea logran estrellas Michelin

Corée. Le Guide Vert (guía verde de Corea) Publicada por Michelin Música más allá de la música: última tecnología de grabación y tradición

Echoes of the Great Pines (ecos de los grandes pinos) (CD) 31st Productions 88

80 82 86 88 92

Entretenimiento

Soy cantante lidera los programas televisivos de entretenimiento

Lee Young-mee

Delicias de gastrÓnomo Bindaeddeok

Tortitas coreanas para cualquier ocasión

Ye Jong-seok

opiniÓn desde la lejanÍa

¡Multiculturalismo! ¡Globalización! ¡Internacionalidad!

Nuevos paradigmas en la sociedad coreana. Dorlisca Hilares Estilo de vida

Los ‘gaviotas’ de Busan: apasionados del equipo de béisbol de los Lotte Giants jornadas de literatura coreana

CrÍtica Guía de destinos sin camino: la ficción de Kim Mi-wol Guía de la cueva de Seúl, de Kim Mi-wol

Lee Kwang-ho

Song Young-man

introducciÓn

Artesanías y diseño

Estética en el diseño: simple, natural y humana ¿Qué elementos crean el ADN cultural de los modernos diseñadores coreanos? Podemos hallar pistas en la exquisita mezcla de lo natural y lo artificial en sus toscos recipientes de cerámica y el singular trabajo de costura con retales para telas de envolver de la Dinastía Joseon.

Choi Joon-sik Profesor del Departamento de Estudios Coreanos de la Escuela de Posgrado de Estudios Internacionales de la Universidad Femenina de Ewha

Tela de retales para envolver (Museo Nacional de Bordados) y un “jarrón luna” (Museo Nacional de Corea).

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os sentimientos artísticos expresados en el arte tradicional son tan variados como larga es la historia del país. Por ello, es poco práctico examinar todos los detalles. Por ejemplo, la comparación del arte de Baekje, de hace 1.500 años, y el de Joseon, de hace 100, mostrarán que ambos son tan distintos como el de dos naciones diferentes. Por ello, este artículo es una aproximación al arte tradicional desde una perspectiva moderna. Sorprendentemente, lo que los coreanos consideran tradicional no es tan antiguo, sino, en gran parte, de la última mitad de Joseon (desde finales del siglo XVI a finales del XIX). Por ejemplo, una forma vocal tan singular como el pansori, incluida en la Lista del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad de la UNESCO, alcanzó su forma presente a finales del siglo XIX. Son las características estéticas de las obras creativas de esta etapa las que vamos a examinar aquí.

Arquitectura palaciega Un aspecto particularmente obvio del arte coreano de este periodo es la expresión estética poco convencional de la asimetría y espontaneidad. Los coreanos parecen tener una resistencia inherente al orden habitual. Esto es evidente si comparamos las creaciones nacionales con las de China y Japón, que entran en la misma esfera cultural del Noreste de Asia. En estos dos países vecinos se prefiere una simetría perfecta, pero a finales de Joseon, era la asimetría la que dominaba tanto en la cerámica como en la arquitectura civil.

La edificación palaciega es otro ejemplo de esta distinción. En China, como vemos en la Ciudad Prohibida, se basa en un eje central desde la puerta principal a la trasera, a lo largo del cual se levantan los edificios simétricamente. De los cinco palacios de Joseon que quedan en Seúl, sólo el de Gyeongbok adopta esta distribución. Los demás, especialmente el de Changdeok, Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO, se alzaron sobre una planta asimétrica determinada por la orografía del terreno, sin adaptarla a ese eje convencional.

Telas de retales para envolver y ‘jarrón luna’ Cuando discutimos la estética asimétrica de Joseon, no deberíamos pasar por alto las telas de retales para envolver, hechas con trozos sobrantes, que requieren técnicas de costura meticulosas, aunque es su composición lo que hace que destaquen. Como se hacen con retazos, cada obra resultante es única, asimétrica. Uno se pregunta cómo podían hacerse tejidos tan prácticos de recortes con formas tan distintas.

Una vez finalizada, la composición es una bella mezcla de colores y formas, con un orden interno basado en su propia asimetría y espontaneidad. Cuando estas obras se exhiben en el extranjero, quienes las ven a menudo preguntan quién es el artista, por su apariencia tan llamativa. Pero, como todos los coreanos saben, estas piezas eran el trabajo de mujeres corrientes de Joseon, que nunca habían estudiado arte o diseño, aunque lograban obras de tal belleza.

Otro aspecto esencial en cualquier discusión sobre la estética del diseño coreano es lo que se conoce como “jarrón luna”, una vasija de porcelana blanca en forma de tinaja característica de finales de Joseon. De todas las que quedan en la actualidad, no hay dos de color o forma idénticas. Son, en cierto sentido, únicas. Son, además, asimétricas o irregulares en su apariencia. La mayoría de las veces un lado está torcido o abollado. Es difícil de hallar esta alfarería en China o Japón, pero en Corea era la norma.

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Es interesante hacer notar que este tipo de recipiente se elaboraba soldando dos secciones, una superior y otra inferior, y la marca de la unión se deja al descubierto. Si nos acercamos y nos fijamos en la zona central a menudo vemos las grietas que se han formado alrededor de la junta. Es otra característica de la cerámica de aquí: los artistas estaban poco interesados en los detalles y no se preocupaban por pequeños defectos que pudieran aparecer durante el proceso de fabricación. Para los artesanos de los países vecinos mencionados, habría sido una forma irregular de trabajar. Muchas obras de arte coreanas omitían atrevidamente algunos detalles y, por el contrario, se centraban en el tema central, por lo que parecen más atractivas desde la distancia y más toscas según nos acercamos. Si los artesanos no eran buenos la pieza era de una calidad pobre; pero cuando esta concepción se combinaba con una habilidad excepcional, los resultados podían ser incomparables.

Este espíritu artístico también se puede ver en los cuencos “ásperos”. Estos objetos de cerámica eran muy populares en Japón desde el siglo XVII debido a su aspecto poco refinado y su dureza.

Esta concepción artística podía asociarse con el problemático concepto de naturalismo. Los artesanos que crearon estos objetos intentaban destacar la naturalidad de sus resultados: quienes dieron forma a estas vasijas permitían que el vidriado fluyera libremente mientras las horneaban y no les preocupaban si una mitad se abombaba. Así expresaban la estética coreana de la imperfección como recurso, que creaba una apariencia natural atractiva para los japoneses, por ejemplo, acostumbrados a la simetría. No obstante, estos cuencos sin refinar no tuvieron ningún éxito en China.

Mobiliario No debemos olvidar otro aspecto estético en el arte coreano muy distinto de la asimetría y la espontaneidad: su simplicidad o, incluso, ingenuidad. La mayoría de las obras de finales de Joseon tienen una apariencia simple, debido posiblemente a las influencias del confucianismo y del neoconfucianismo, en particular, que abogaba por la moderación. Los jarrones que hemos mencionado serían ejemplos arquetípicos de esto. En nuestro entorno geográfico hay poca cerámica como el “jarrón luna”, totalmente blanca y sin decoración alguna.

Este concepto de la estética es una combinación de espontaneidad y simplicidad pero hay otras obras de arte que presentan un estilo muy refinado aunque simple. El ejemplo más representativo es el mobiliario de Joseon, trabajos de inigualable calidad por su sentido de la proporción, su simplicidad y la naturalidad de su apariencia, y que debería tratarse desde distintas perspectivas.

Aquí nos centramos en su sencillez.

Los muebles tienen formas regulares por su función en el hogar. Una gran parte del mobiliario coreano es simple, según los principios citados del neoconfucianismo. La complejidad de las obras de arte chinas no puede verse aquí, donde se renuncia a toda la ornamentación posible en muchos objetos.

Es lo que ocurre con el mobiliario, aunque estos objetos eran excepcionales por su sentido ideal de la proporción, único parámetro importante, que nos recuerda la elegancia de la pagoda de Seokgatap, en el templo de Bulguk, con su concepción minimista, la más simple por su diseño en Corea pero la más excepcional gracias a sus dimensiones. Los artesanos de Joseon prescindieron de la elaborada decoración de los muebles chinos o japoneses y se centraron en la sencillez, intentando preservar el veteado de la madera. Evitar el artificio es una característica de la estética de Joseon, obvia también en su mobiliario.

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Muchas obras de arte coreanas omitían atrevidamente algunos detalles y, por el contrario, se centraban en el tema central. Si los artesanos no eran buenos la pieza era de una calidad pobre; pero cuando esta concepción se combinaba con una habilidad excepcional, los resultados podían ser incomparables.

Cuencos “ásperos” de Joseon y estantería decorativa de madera (Museo Nacional de Corea).

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Mobiliario de madera

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Lee Jeong-sup revive la tradición del mobiliario tradicional de Joseon Lee Jeong-sup es un reconocido carpintero que ha ayudado a revivir el mobiliario tradicional del periodo de Joseon. Empezó siendo pintor pero se desvió de ese camino y terminó en un pueblo de montaña, donde fabrica sus objetos según el espíritu de la antigua arquitectura coreana.

Goo Bon-joon Periodista de The Hankyoreh | Ahn Hong-beom Fotógrafo

1. El salón de té del Space Hanok en el edificio del Space Group, amueblado con trabajos de Lee Jeong-sup: una mesa, un anaquel bajo y una estantería para los utensilios.

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uando el Space Group abrió una librería en su edificio de Wonseo-dong, Seúl, fue amueblada con las mesas, sillas, estantes y otros objetos de Lee Jeong-sup, lo cual se convirtió en la comidilla de los círculos culturales de la ciudad. El edificio, diseñado por Kim Swoogeun, el arquitecto fundador del grupo, ya fallecido, que modernizó el diseño de edificios, es una visita obligada para los estudiantes de arquitectura y un lugar de interés para los profesionales de esta rama que visitan Seúl. Space Architecture, una de las firmas líderes en su sector, quedó impresionada con el refinamiento de los objetos de Lee y por ello se dedican a hacerlos conocidos. Los visitantes a esta librería pueden sentarse y hojear libros especializados en sillas hechas por él.

Competir con las importaciones Los muebles de Joseon suelen tener un tono oscuro aunque preservan la sutileza y características de la madera; tienen formas simples, sin adornos pero bien proporcionados. Irradian la calidez de una época pasada pero, al mismo tiempo, son más modernos que los de hoy en día por su estilo sencillo y limpio. Es por ello por lo que recuperar su fabricación ha sido un fin persistente de los diseñadores coreanos modernos.

Lee, a quien le gusta que le llamen carpintero antes que diseñador de muebles, es considerado el principal artesano de este gremio en mantener la estética de Joseon. Sus obras se caracterizan por tener un diseño extremadamente simple, con énfasis en una apariencia natural y mínima, pero son duraderos, en armonía con la verdadera naturaleza de la madera que emplea. La ligera curva ascendente en los asientos de sus sillas nos recuerda la línea de los tejados de los edificios coreanos tradicionales, mientras que el encaje entre el asiento y las patas nos trae a la mente las columnas de dichas construcciones.

El reconocimiento de Lee y sus obras ha sido, no obstante, reciente. A finales de 2007, abrió el taller de carpintería Naechon, en Cheongdam-dong, Seúl, área repleta de tiendas de muebles importados, para así competir directamente con ellos. Aunque los resultados económicos de esta aventura todavía no están claros, sus obras pronto comenzaron a despertar el interés de la gente. Su mobiliario, que armoniza la estética tradicional y elementos de diseño moderno, es una adición atractiva para espacios clásicos y actuales, por lo que pronto se hicieron populares. A Lee, como diseñador, a veces se le compara con el gran maestro carpintero japonés americano George Nakashima.

‘No hay eso que llaman creación’

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En Corea, los arquitectos eran tradicionalmente carpinteros. E incluso en la actualidad, los encargados de erigir edificaciones tradicionales son de este gremio, ya que el material prevalente es la madera. En la antigüedad, todas las construcciones, desde el palacio de mayor tamaño hasta la vivienda más pequeña, las hacían los carpinteros, de los que hay dos tipos en

2. Mesa con patas de hierro forjado. Esta pieza muestra la armonía de sus dos partes, el soporte, de Junji Kawai (herrero, profesor adjunto de la Universidad de Arte de Musashino y de la de Tokio) y el tablero de madera, de Lee Jeong-sup.

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el país: los que levantan edificios y los que hacen muebles y otros elementos, como ventanas y puertas. Ambos gremios están claramente separados.

Pero Lee trabaja en ambos, ya que primero se dedicó a hacer casas. Al principio, soñaba con ser pintor. Se especializó en pintura en la Universidad Nacional de Seúl, pero pronto perdió el interés cuando descubrió que el mundo de las bellas artes está institucionalizado y es muy exclusivista. Dejó de lado ese anhelo y comenzó a hacer lo que siempre quiso hacer.

Aparte de gustarle hacer pequeños objetos, siempre se sintió intrigado con una pequeña casa que su tío había levantado en su pueblo. Esa humilde morada de ese familiar, que no era ni

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1. La librería Space, en el edificio del Space Group, amueblada por Lee. 2. Un anaquel bajo, que muestra la artística construcción de singulares proporciones de nuestro artesano.

3. “Hago muebles cuando llueve y trabajo en la casa cuando no”, dice nuestro carpintero.

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carpintero ni arquitecto, fue su fuente de inspiración y creatividad.

Quería levantar viviendas en las que pudiera vivir, que fueran funcionales, sin grandes pretensiones en cuanto al diseño, que se volverían más atractivas cuando fueran habitadas. Para ello, se matriculó en una escuela de arquitectura tradicional y se hizo carpintero. No fue ninguna sorpresa que nadie pidiera a este joven sin licencia de arquitecto y sin experiencia que le construyera una casa. Así que se interesó por los muebles. Comenzó a hacerlos porque nadie estaba fabricando los que a él le gustaban.

Le agradaban los objetos simples “atractivos y con buenos materiales”, que fueran resistentes. Pero como no hallaba lo que quería comenzó a hacerlo él, con una estética minimista en cuanto al diseño. Su elegancia, sin necesidad de adornos, se expresa en su estructura.

Nunca pensó en considerar la viabilidad económica de esto y prescindió de los métodos de producción en masa. Todo lo que creaba estaba hecho a mano. Las noticias de su artesanía pasaron rápidamente de boca en boca Después de destacar como maestro de muebles, fue capaz de cumplir su sueño de convertirse en arquitecto. Los que quedaron impresionados por su minimismo querían que les construyera casas del mismo estilo. Al igual que sus muebles, las edificaciones que diseñó y construyó son simples para que resalte la belleza natural de sus materiales.

Lo interesante es que Lee nunca dice que crea sus propios diseños. Por el contrario, para él, los mejores diseños de la humanidad han existido desde tiempos remotos y él simplemente toma prestadas esas ideas. “Cuando vi la alfarería de Mesopotamia en el Museo Británico,

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En toda su vida profesional, Lee se ha resistido a la moda, pero sus obras son auténticas piezas maestras de nuestro tiempo porque ha conservado los valores de la honestidad y sinceridad, simples pero difíciles de mantener.

me di cuenta de que los diseños más perfectos se hicieron hace mucho. No hay eso que llaman creación. Simplemente hago muebles con una combinación de proporciones existentes”, nos dijo.

Taller en un pueblo de montaña Lee pasa todo el tiempo en su taller en Naechon-myeon, comarca de Hongcheon, provincia de Gangwon, rodeado de madera. Hace 10 años que se trasladó aquí, a unas dos horas y media en automóvil desde Seúl, donde el entorno natural está preservado perfectamente y la vitalidad del pueblo puede sentirse fácilmente. Su casa, construida con sus dos manos y llena de muebles simples, es un ejemplo vivo de su estética. Aquí, como dice: “Hago muebles cuando llueve y trabajo en la casa cuando no”.

Como el proceso de fabricación de un mueble comienza con la elección de una madera adecuada, que tiene que curarse al menos durante cinco años para acabar convertida en una pieza resistente que pueda colocarse por ahí sin sufrir mayor daño, su producción es muy limitada. Todos los materiales que emplea, incluso los adhesivos, tienen el certificado de seguridad de la FDA y si no halla una parte que le gusta la hace él mismo. En toda su vida profesional, Lee se ha resistido a la moda, pero sus obras son auténticas piezas maestras de nuestro tiempo porque ha conservado los valores de la honestidad y sinceridad, simples pero difíciles de mantener.

1. Casa de huéspedes de Lee. 2. El salón de la librería Space, amueblada por el artista, con un sofá, un sillón y una mesa baja redonda.

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Arte textil

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hang Eung-bok es el tipo de diseñadora que puede tomar un diamante en bruto y convertirlo en una brillante gema. Estudió Artes Textiles en la Universidad de Hongik, tras lo cual fundó Mono Collection en 1985. Durante los últimos 25 años, ha trabajado como diseñadora textil, cimentando su reputación artística dentro y fuera del país.

Delicado diseño de interiores Las telas de Chang tienen una apariencia claramente artesanales. Se inspira en motivos tradicionales coreanos, como zapatos con dibujos de flores, abanicos, bodegones, moldes para pastelillos de arroz, orlas y calzado de goma. No obstante, su traza es moderna. Sus telas son de primerísima calidad y se emplean a menudo como elementos decorativos en los hogares.

En cuanto a este aspecto, Chang nos explica: “Hago las telas pero las uso para crear muebles o decorar interiores. Mi ‘delicado diseño de interiores’ es sólo eso: delicado y variable para que mis clientes puedan concebir sus propios espacios. Para decirlo de otro modo, aunque quizá quienes valoren la privacidad puedan ver algún problema en ello, diseño espacios que son orgánicos y fomentan la interacción”.

Chang ha trasladado su taller a Gwacheon, cerca de Seúl. Este amplio espacio abierto es una representación de su delicada concepción del estilo de interiores, con puertas correderas cubiertas de varias telas de su creación para dividir espacios. Otra ventaja del tejido es que es reusable y fácil de manipular. La versatilidad de estos espacios permite crear otros nuevos con unos cuantos paños, sin gastar demasiado ni tener que derribar paredes. Las particiones,

Chang Eung-bok enriquece las imágenes tradicionales Chang Eung-bok es una diseñadora textil de primer nivel, que reinterpreta la sensibilidad estética coreana desde una perspectiva moderna. Trabaja con varias telas y suele cruzar el límite entre el diseño de mobiliario y para interiores. Ahora quiere llevar su “delicado diseño de interiores” a un nuevo nivel.

Jeon Eun-kyung Editora jefe de Monthly Design | Ahn Hong-beom Fotógrafo

La diseñadora textil Chang Eung-bok junto a una puerta corredera cubierta con una tela con dibujos de zapatos con flores. Estos diseños suyos se usan en una gran gama de productos, desde ropa interior a muebles.

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las luces, los muebles y las cortinas son algunos de los elementos que pueden aprovechar al máximo las telas.

Motivos de la pintura tradicional “Creo que los sentimientos de los coreanos, chinos y japoneses difieren en cómo expresan su apreciación por la naturaleza”, nos dijo Chang. “Mientras que nuestros vecinos isleños buscan crear una representación en miniatura de la naturaleza en sus jardines, los chinos los prefieren grandes y elaborados. Nosotros, por otro lado, hallamos un lugar con una buena vista y construimos un cenador para disfrutar del entorno”.

Al igual que sus antepasados “tomaron prestado el paisaje” como decorado, Chang adopta las imágenes tradicionales coreanas y las incorpora a sus diseños.

“Me inspiro en distintos temas pero muchas obras tienen motivos prestados de cuadros de género. He tomado muchos motivos de las pinturas costumbristas coreanas.

He utilizado ideas de gran número de objetos cotidianos, como zapatos con dibujos de flores, abanicos y mesas.

También de otros más conocidos”, nos cuenta.

Chang nació en una casa tradicional en el barrio de Jeongneung, donde las características de la Corea más tradicional todavía son evidentes. “La gente dice que mis diseños son ‘muy coreanos’, y creo que se debe en gran parte al entorno en que nací. Mi abuelo, que me dio el nombre, era un especialista en los clásicos chinos. Frecuentemente realizábamos las ceremonias funerarias en casa. Vivía sin lujos con mi padre, que era funcionario, y mi madre, bastante diestra. Crecí en un entorno muy conservador pero entonces no sabía apreciarlo”, recuerda.

Su barrio y entorno deben haber sido como el pasado vivo. Incluso recuerda que un tratante de antigüedades llamó a su puerta porque quería comprar las bandejas de cerámica que vio en su patio. En los años

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Chang disfruta del proceso de crear nuevos ambientes en interiores o en la ropa con sus dibujos. Abajo, un biombo con el tema de un cuadro de la montaña Kumgang (diamante) de Jeong Seon, un reconocido pintor de paisajes de Joseon.

“He tomado muchos motivos de las pinturas costumbristas coreanas. He utilizado ideas de gran número de objetos cotidianos, como zapatos con dibujos de flores, abanicos y mesas. También de otros más conocidos”.

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60 y 70 del siglo pasado, cuando comenzó la era del plástico, no había nada de este material en su casa. Recordando esto, su entorno le ofrecía experiencias únicas, pero ella no se daba cuenta. Más tarde lo abandonó para viajar.

Conocer el mundo “Cuando tenía treinta y cuarenta años los pasé en la carretera, explorando el mundo.

Hubo un momento en que seguí el ‘Orientalismo como exportación’ mientras revivía tradiciones coreanas para llegar a final de mes. Pero ahora me siento libre de esa presión”, nos dijo.

Después de 25 años como diseñadora, ya no necesita depender del adjetivo “coreano” para describir su trabajo, ya que ha desarrollado un estilo propio.

La Mono Collection ha logrado resultados impresionantes en exhibiciones en todo el mundo y también en la Seoul Living Design Fair (feria del diseño de Seúl), la mayor de su tipo en Corea. Todo comenzó en 1994, con la Japan Heimtex, Tokio. Luego, en 2000, fue elogiada e n la Heimtextil, Fráncfort, Alemania. Se vio también en la exhibición “Elegancia del Silencio”, en el Museo de Arte Mori, Japón, en 2005. Las telas y otros productos de su colección fueron exportados a Roche Bobois, Francia, en 2007.

Recientemente, Chang ha lanzado una marca de decoración de interiores, Bogg, como parte de su línea de alta gama, en la que podemos hallar ropa de cama, tan elegante como cualquiera de sus diseños, pero producida industrialmente, que ha sido bien aceptada.

Hoy en día, Chang tiene una nueva preocupación: cómo trabajar en los mundos digital y analógicos de hoy superando la era del papel y la pluma.

“En el pasado, no paraba de tomar fotos y hacer bocetos. Si el proceso se automatiza y es demasiado fácil, ¿no perderá parte de su atractivo para la gente?”.

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Chang dice que la fuerza de la decoración de interiores no intrusiva es la capacidad de crear nuevos espacios con unas cuantas telas o accesorios.

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alfarería

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Qué tipo de vajjilla usa regularmente? Incluso la comida más simple puede convertirse en un festín si se sirve en los platos adecuados. En este sentido, el crítico de arte británico Herbert Read afirmó que la creatividad de las personas puede calcularse por la cerámica que usa cotidianamente.

Corea siempre ha sido admirada por su tradición en la porcelana, especialmente la verdeceladón de Goryeo y la blanca de Joseon. En la actualidad, no obstante, esta cultura ha experimentado cierta regresión y ahora palidece en comparación con su antigua gloria. Ese patrimonio cultural tan preciado fue descuidado durante el periodo colonial nipón y la era del desarrollo en los años 60 y 70 del siglo pasado. A pesar de la buena infraestructura de la industria, los esfuerzos se centraron principalmente en la preservación de la tradición. La cerámica no parece tener lugar en las frenéticas vidas diarias de los coreanos del presente.

Esta lamentable situación condujo a Yi Yoon-shin a desesperarse, por lo que se dijo: “Los platos que yo haga se usarán en la mesa”.

Cerámica diaria para el estilo de vida moderno Yi es de la primera generación de alfareros coreanos dedicados a fabricar lo que se conoce como “cerámica cotidiana”. Estudió tanto grado como posgrado en Bellas Artes en la Universidad de Hongik y también alfarería en la Escuela de Posgrado de la Universidad Municipal de Arte, en Kyoto, Japón. Cuando empezó la carrera, hace unos 25 años, “la vajilla de lujo” no era para el uso diario, sino para mostrarla y que la admiraran. Pero mientras estudiaba en el país vecino, donde la cerámica se usa de forma cotidiana, sintió remordimiento y envidia, que la motivaron a hacer para el uso diario en las comidas, no obras de arte. Con esta idea en mente, Yi pensó que lo prioritario era la funcionalidad y un diseño adecuado a los tiempos.

“Cuando consideramos la mentalidad de Goryo y Joseon, es obvio que la porcelana verdeceladón y la blanca eran fruto de su tiempo. Del mismo modo, pienso que surgirán ciertos tipos de cerámica de la Corea del siglo XXI. La loza de antaño era excepcionalmente bella pero no sería funcional en el presente”, nos dijo Yi. Para fabricar objetos adecuados para la sociedad contemporánea, prefiere los hornos de gas a los tradicionales de madera. Cree, pues, que es más importante la fabricación de vajillas simples pero elegantes, modernas, que insistir en procesos caducos.

“En la cerámica como arte se puede tardar meses en hacer una única pieza y todo el esfuerzo se centra en el proceso de fabricación. La de uso cotidiano se hace con su comercialización en mente así que hay que tener en cuenta muchos aspectos, incluso después de que

Yi Yoon-shin dice que la persona que usa el plato le otorga su valor.

Yi Yoon-sin fomenta la cerámica de uso cotidiano Según Yi Yoon-shin, las vajillas de cerámica han de estar en la mesa, no en el aparador. En 2010, inauguró su taller de alfarería Yido, un espacio cultural multiuso en Bukchon, Seúl, donde pretende fomentar el atractivo de la porcelana coreana y defender un nuevo estilo de vida cultural.

Jeon Eun-kyung Editora jefa de Monthly Design | Ahn Hong-beom Fotógrafo

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se ha elaborado”, nos explica. “Mi intención “Cuanto más valioso sea un plato, más debería usarse, porque es que aumente el número de gente que la usa regularmente. Para lograrlo, es neceaumenta su valor. La función y belleza de este objeto es importante sario producir las piezas en cadena así que pero tiene más importancia el discernimiento del individuo que lo necesito compartir mis secretos de producción con el personal”. elige y usa”.

Por supuesto, esta “producción en masa” no quiere decir una automatización completa. Gran parte del trabajo hay que hacerlo a mano así que sólo pueden fabricarse de 100 a 200 piezas a la vez, más o menos el mismo número que se elaboraba antiguamente en hornos de gran tamaño. Esta adaptación ayuda a preservar el aspecto tradicional de la cerámica y permite, al mismo tiempo, hacer vajillas prácticas. El nombre de su taller, siguiendo este principio, estaba compuesto con los ideogramas chinos que significan literalmente “alfarería de Yi” (李陶); en 2006, sin embargo, lo puso en alfabeto latino, Yido, esperando extender esta cerámica de todos los días a los mercados internacionales.

Vajillas que complementan la comida La cerámica de estilo coreano no siempre ha estado en concordancia con los gustos en otros países, pero los platos de Yido están pensados tanto para la cocina coreana como para la japonesa o la occidental; en los hoteles y restaurantes europeos, se usan para servir pasta, ensaladas y postres. Son tradicionales pero tienen un aspecto informal, moderno, perfectos para todo tipo de alimento y ocasión. Otra ventaja es que se pueden combinar piezas de distintas vajillas sin que desentonen. No son artificiosas, por lo que transmiten una sensación de modernidad. Aunque no están muy decoradas y no son tan coloridas como las de cerámica fina de Japón o Europa, pueden complementar cualquier comida que se sirva en ellas.

Cuando hace su cerámica, Yi siempre tiene en cuenta que se empleará para

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servir comida, no para ponerla en un aparador. Como el valor y la belleza de la vajilla se optimizan cuando se usa es natural que sus propietarios quieran ponerla sobre la mesa tan a menudo como sea posible.

Esta cerámica está muy bien considerada, especialmente en Europa. Para destacar la campaña de “Visite Corea (2010-2012)”, se ha emitido en la cadena estadounidense PBS el programa The Kimchi Chronicles (crónicas del kimchi), una serie de documentales centrados en los comentarios culinarios del famoso chef neoyorquino Jean-Georges Vongerichten y su esposa, Marja, que es de origen coreano. En el programa aparecía la vajilla de Yido en la mesa.

Yi aconseja a la gente que no deje los platos en la alacena sólo porque están fabricados por una artesana conocida sino que los use regularmente. Ella misma lo hace con los suyos y con los de otros artistas famosos. “Cuanto más valioso sean, más deberían usarse, porque aumenta su valor. La función y belleza de estos objetos es importante pero tiene más importancia el discernimiento del individuo que los elige y usa. Al final, el valor de una pieza sólo se aprecia por su empleo. Utilice sus platos y compruébelo usted mismo”, nos dijo.

Para acercar la cerámica de uso cotidiano a más gente, ha unido fuerzas con la revista mensual de estilo Haengbok-i gadeukhan jip (hogar feliz) para promover una “campaña de platos”, que ofrece una oportunidad todos los meses de reemplazar la loza del aparador.

También realiza su “exhibición feliz de 10.000 wones” todos los años, nombre tomado del precio por el que vende las piezas.

Para servir bocadillos o bibimbap Después de varios años de planificación, Yi finalmente abrió su taller de cerámica Yido, un espacio cultural multiuso donde pretende fomentar el atractivo de la alfarería coreana, el auténtico valor de la artesanía y defender un nuevo estilo de vida cultural. Este local está en un edificio moderno al final de un callejón en Gahoe-dong, área que retiene el carácter tradicional de Corea. Ahí tiene expuesta una gran variedad de piezas de porcelana que pueden usarse cotidianamente, desde tazas de té a cuencos para arroz, boles de mayor tamaño, platos e incluso grandes cántaros, además de obras de alfareros coreanos de prestigio, todo a la venta. La academia Yido ofrece clases de distribución en las mesas, estilismo de alimentos y alfarería.

En la edición recientemente publicada de la Guía Michelin (mayo de 2011), junto con otros destinos turísticos como el palacio de Gyeongbok y el barrio de Bukchon, en Seúl, la aldea de Hanok, en Jeonju, y la fortaleza de Hwaseong, en Suwon, se incluía información sobre su tienda en la sección de restaurantes y cafés recomendados. El restorán en el segundo piso, Il Cipriani, utiliza platos de Yido para servir sus cafés y bocadillos.

Esta marca es el fruto del trabajo de esta artista por acercar la cerámica a los consumidores de Corea y de otros lugares. Ella dice que los platos que alguien usa dicen mucho sobre esa persona. Las vajillas y este espacio cultural de Yi nos cuentan muchas cosas sobre ella.

“Si tuviera que empezar de cero, volvería a ser ceramista. Y creo que la segunda vez sería mejor”, dice. Su sueño es convertir Yido en una marca de primera línea que pueda crecer incluso sin su presencia. Predice que el mercado para sus productos se extenderá más allá de Corea, entre las generaciones más jóvenes de clientes potenciales.

El interés en la cultura popular de Corea y en su gastronomía, como el makgeolli , el bibimbap y el bulgogi está creciendo en Francia y otros países. Yi cree firmemente que para que la historia de la “gastronomía lenta” de Corea sea compartida por el mundo, también la vajilla coreana debe transmitir el espíritu de esa comida, al igual que la cocina nipona armoniza perfectamente con la cerámica del país. Gracias a los esfuerzos de Yi Yoon-shin, pronto llegará el día en que veremos que los alimentos coreanos se sirven en una elegante vajilla también coreana, tanto aquí como en el extranjero.

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La tienda de cerámica Yido, situada en el espacio cultural multicultural del mismo nombre situado en Gahoedong, Jongno-gu (página anterior). Estos platos se adaptan tanto a la gastronomía asiática como a la occidental.

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Pintura con laca

Artesanías y diseño

Jun Yong-bok extiende los límites del arte del lacado La carrera artística de Jun Yong-bok enraíza con el arte tradicional del lacado pero en su estilo hay influencias niponas y sus propias técnicas.

Jun ha ampliado, por ello, los horizontes de esta singular artesanía Park Hyun-sook Colaboradora | Ahn Hong-beom Fotógrafo

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Cu l tu ra y A rte d e Co re a

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principios de abril, se organizó una exhibición de arte con laca natural en el Museo Nacional de Arte, en China, que despertó gran atención. Se titulaba “La eterna pintura con laca”, en la que se presentó a Jun Yong-bok en un museo dedicado especialmente a exhibir, coleccionar y estudiar obras chinas, desde la antigüedad hasta la época moderna, y que no suele exponer trabajos extranjeros. No obstante, la muestra de Jun atrajo a más de 25.000 visitantes en los 10 días que duró.

Este artista comenzó a hacerse conocido cuando le encargaron la restauración de Meguro Gajoen, un enorme salón de banquetes de principios 2 de los años 30 del siglo pasado en Tokio. Tenía que reparar grandes pinturas de laca en las paredes y otros 5.000 objetos también lacados. Uno de los cuadros, Paisaje de las cuatro estaciones (26,3 m x 1,4 m), presenta toda la gama de técnicas tradicionales de pintura con laca de origen coreano y japonés.

Diversas aplicaciones del arte del lacado Los cuadros pintados con este producto se crean con la savia que se extrae del árbol de la laca, que se filtra para eliminar las impurezas. Una pintura así requiere más de 30 procesos muy meticulosos, que duran unos seis meses. Además, el secado se ve afectado por la temperatura y la humedad por lo que trabajos a gran escala son muy difíciles de producir. No obstante, en su exhibición en China, Jung presentó más de 50 obras de gran formato, entre los que estaba Regreso a casa (5,6 m x 1,8 m), la imagen de un salmón subiendo corriente arriba para volver al lugar de nacimiento. También había guardarropas, cajas para artículos de escritorio y tocadores decorados con dibujos a laca de paisajes coreanos de estilo tradicional. Había también relojes de pulsera con esferas lacadas e instrumentos musicales como un violonchelo, un violín y una guitarra, también lacados.

Jun dice que las peculiaridades de este producto le han animado a superar las dos dimensiones del lienzo: “La laca natural posee unas cualidades estéticas singulares que no se hallan en otro tipo de pintura: su luminosidad, calidad decorativa y textura moldeable”. Añadió: “También permite una gran variedad de técnicas expresivas. Asimismo, la duración de los objetos lacados es evidente en el hecho de que varias reliquias descubiertas en excavaciones han sobrevivido más de 10.000 años. Una capa de esta savia absorbe los elementos tóxicos de los edificios de cemento, bloquea las ondas electromagnéticas de los ordenadores y emite rayos infrarrojos, beneficiosos para la gente. Se dice que crea gi, como denominan los coreanos a la energía, la fuerza vital y fuente de la longevidad”.

Jun experimentó varios contrapiés hasta que logró crear sus técnicas artísticas con este producto. Para aplicar la laca a un panel de metal en lugar de madera, ensayó con diversos utensilios. Finalmente, descubrió un método de endurecimiento por calentamiento a alta temperatura que hizo posible aplicarla a paneles de ascensores y esferas de reloj.

La técnica de rociar oro o plata en polvo sobre un lacado soplando por una cañita, conocida como kuchibuki makie en japonés, es otra de las innovaciones de este artista. La descubrió

1. Melodía en primavera , laca sobre madera, 80 × 60cm, 2007.

2. La exhibición de Jun Yong-bok en el Museo del Arte de la Laca, en la prefectura de Iwate, Japón.

3. Arcón de estilo moderno con técnicas tradicionales de lacado.

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Jun con un guardarropa pintado con laca.

Abajo tenemos dos ejemplos de sus arcas nupciales lacadas.

cuando practicaba la técnica tradicional nipona del makie, consistente en golpear una caña de bambú llena con el polvo de esos metales para espolvorearlo sobre la superficie. Después de innumerables intentos de controlar cómo dar los golpes para producir un espolvoreado uniforme, Jun resopló exasperado. Sorprendido, descubrió que el oro se había dispersado de la manera buscada. Aunque fue un accidente, su éxito puede también atribuirse a su incansable dedicación.

En la actualidad, tiene su propio estudio de arte de laca, donde busca técnicas innovadoras con equipos más avanzados de láser y asistidos por ordenador. También educa a una nueva generación de artistas en la academia que tiene.

El encanto de la laca “Como mi familia no tenía recursos, nunca he recibido formación artística. A duras penas acabé el bachillerato. Tuve que ayudar a mi familia y trabajé como frutero, obrero de la construcción y otras profesiones. Luego, cuando descubrí el arte de la laca, busqué a maestros especialistas con los que aprender y también trabajé duro para crear mis propias técni-

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Pinturas del artista en distintas superficies: una mesa de comedor y una guitarra.

cas”, nos dijo. “Aunque mi juventud fue difícil, me consolaba con lo que veía. Cuando descansaba, por ejemplo, en la obra en la que trabajaba, con la pala clavada en la tierra, me quedaba fascinado por la grieta que esa herramienta había dejado en el terreno. Por la noche, cuando regresaba exhausto tras la jornada, la luz de la luna reluciendo en el bosque de bambú y la suave brisa me revivían”.

De niño, Jun quería ser artista. A menudo, coleccionaba objetos sin valor, como trozos de cerámica, ramas e incluso las ristras de paja que habían colgado sus vecinos en la puerta para anunciar el nacimiento de un bebé, y así crear cierta estructura, a la que él llamaba arte.

Sus dos tíos maternos le inspiraron ya que ambos eran pintores, uno de estilo occidental y el otro asiático. Sin embargo, la pobreza le impidió alcanzar su sueño: fue a trabajar para un fabricante de muebles, que recompensó su talento artístico con un salario atractivo y promociones rápidas. Cuando había alcanzado cierta estabilidad económica, pudo volver a su sueño infantil.

La fabricación de muebles, aparte de ser su fuente de ingresos, le dio la oportunidad de conocer los barnices y descubrir los encantos de la laca natural. Después de todo, parece que estaba destinado a convertirse en pintor con laca. En una de sus obras, aplicó varias capas de esa savia a un armario tradicional y decoró la parte frontal con la reproducción en laca de un paisaje del pintor Kim Eun-ho. Destacó los picos de las montañas con esquirlas de concha de oreja de mar incrustada a intervalos regulares, una técnica básica de los objetos tradicionales coreanos con madreperla.

En sus cuadros, Jun a menudo emplea una técnica tradicional de pincelada denominada bubyeokjun , o textura del corte de hacha, empleada para crear una textura rugosa con marcas de tinta repetidas como si fueran hachazos. Se esforzó, como vemos, en crear nuevos efectos en las pinceladas y en las incrustaciones de madreperla. Como resultado, creó un estilo original.

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Por encima de todo, Jun quiere expresar la vitalidad y la belleza de la naturaleza. Ha hallado que la laca es el medio 贸ptimo para ello.

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Ko re a n Cu l tu re & A rts

Exhibición itinerante por todo el mundo En 1986, diez años después de que conociera la laca, Jun recibió el primer premio en el Concurso de Artes y Artesanías Contemporáneas por una obra realizada con la técnica tradicional de aplicar este barniz al barro cocido. Dos años después, mientras vivía en Japón, recibió el premio especial en el Concurso de Artes y Artesanías de la prefectura de Iwate. En el primero de ellos, en Corea, Jun expresó su creatividad mediante técnicas tradicionales. En el segundo, mostró métodos innovadores con espuma de poliestireno y laca seca.

“Observaba una cabeza de ajos que había traído a casa y pude ver la imagen de una mujer desnuda en su superficie. Exclamé: ‘¡Eso es!’, y fui a crear una obra que expresara la sensibilidad coreana con las líneas y las formas que reflejan una estética asiática”, nos cuenta. “Primero, hice un molde en espuma de poliestireno con la elegante forma de una cabeza de ajos, luego pegué tejido de cáñamo a la superficie y apliqué una capa de laca mezclada con arcilla roja. Tras aflojar el tejido para exagerar la textura, puse capas de cáñamo y laca alternativamente. Cuando el barniz se secó, derretí el molde. El resultado era una novedosa obra con laca en forma de un tarro de porcelana. La llamé Deseo, una emoción que, creo, es el principio de la envidia, o el lamento, o el pesar, o una mezcla de todos, algo como lo que los coreanos llamamos han”.

Ahora está preparando una exhibición mundial de sus obras con laca, que comenzará en otoño del próximo año.

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1. Guardarropa con puertas adornadas con un cuadro de la montaña Kumgang al amanecer.

2. Pinturas de laca sobre madera.

3. Jarrón de cerámica lacado.

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artesanía con metal

Artesanías y diseño

Yu Kuk-il diseña altavoces metálicos para reproducir los sonidos puros de la naturaleza Yu Kuk-il es un diseñador de altavoces que emplea el metal principalmente por su capacidad para transmitir los sonidos originales casi a la perfección.

Estos artilugios han sido elogiados en todo el mundo por su calidad y elegancia.

Kim Young-woo Periodista de Monthly Design | Ahn Hong-beom Fotógrafo

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1. Tardó cuatro años en hacer esta obra, “The Swan”, que recibió el premio Red Dot 2010.

2. Yu Kuk-il trabajando en su estudio.

3. Como podemos ver en Moon III, Yu busca combinar el mejor sonido y con la belleza, para lo cual utiliza distintos elementos, como agujeros y otros pequeños detalles.

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u Kuk-il se especializó en Arte y Diseño con Metal en la universidad pero desde su infancia adora la música. En 1992, logró unir ambos mundos al empezar a diseñar altavoces.

Seis años después, fundó Metal Sound Design (MSD, diseño del sonido metálico), que llegó a un acuerdo de colaboración técnica con Accuton, empresa alemana fabricante de los transductores más avanzados del mundo, que forman parte de los altavoces de mayor calidad. Los de Yu son muy elogiados por la forma en que su elegancia integra la tecnología para producir un sonido auténtico utilizando las propiedades del metal. Han logrado tres premios a la Innovación en el Consumer Electronics Show (CES), la feria de electrónica más grande del mundo.

¿Por qué metal?

El nombre de su empresa describe el foco de su trabajo: diseña altavoces metálicos.

Como ingeniero de sonido, busca formas que puedan producir el sonido más original. A excepción del diafragma y el sistema de circuitos, todo el aparato está realizado en ese material, incluyendo los componentes internos. Aunque es más pesado y más rígido, produce un sonido más claro y puro con menos distorsión que el de madera porque causa menos vibración. Esto es lo que le atrajo al uso de ese componente.

Por otra parte, es un material delicado, difícil de procesar. Incluso la menor falla inutilizará toda la unidad. Los mejores fabricantes del mundo no los suelen producir porque el coste y el esfuerzo son mayores. No obstante, Yu se ha pasado veinte años haciéndolos y ahora son famosos en todo el mundo por la excelente calidad de su sonido y su elegancia.

“Los diseñadores han de saber exactamente con qué materiales han de trabajar y entender a la perfección todo el proceso de producción. Hay que ver todo el cuadro y considerar los detalles, incluyendo cómo conectar las superficies durante el ensamblaje, cómo se escuchará y la imagen del producto final”, nos explicó. “Creo que los buenos resultados dependen de Koreana ı Otoño 2011

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Las líneas curvas de los altavoces son tan elegantes que es difícil creer que sean metálicos, algo que refleja el singular talento de Yu para crear esas formas naturales. Esa elegancia sirve, en realidad, para mejorar la pureza del sonido.

la armonía entre las características de los materiales y el diseño general”.

Entre los distintos metales, Yu eligió el duraluminio, que se emplea en la industria aeronáutica, por su ligereza y durabilidad, que reduce la vibración y es más fácil de manejar, tras varios intentos con bronce, hierro fundido y acero inoxidable. Las líneas curvas de los altavoces son tan elegantes que es difícil creer que sean metálicos, algo que refleja el singular talento de Yu para crear esas formas naturales. Esa elegancia sirve, en realidad, para mejorar la pureza del sonido.

Armonizar lo visible y lo invisible “Lo que uno ve es importante pero yo considero los factores invisibles, así que siempre intento armonizar ambos.

Quiere decir que, primero, usa metales para los elementos internos, y segundo, “diseña” para los sonidos invisibles. Esto es posible por su agudo sentido del oído y su capacidad para hacer delicados ajustes. Como diseñador, en vez de crear sólo una apariencia atractiva, busca la forma ideal para el sonido perfecto, que luego se convierte en un objeto muy sugerente.

Un buen ejemplo de esto es la serie “Rhea W”, que recuerda el contorno de un mapa. Es la representación de un cielo estrellado, diseñada para reducir la longitud de onda, que supuestamente produce un sonido más claro, y así disminuir la distorsión causada por el eco. Recibió el premio a la Innovación en el CES de 2009.

Antes, en 2005, con “Moon II” Yu había ganado el primer galardón de esa clase en la misma Feria. Para este producto, que parece sugerir la escena de nuestro satélite circunvalando la tierra, mejoró los registros más altos instalando dos cilindros que funcionaban como cajas de resonancia. Los agujeros alrededor de la unidad sirven para reducir la distorsión y representan la Vía Láctea. El modelo “Planet”, el primero en colaboración con Accuton, se asemeja a marte en órbita. Los altavoces para agudos rotan en todas

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1. “Lyra”, altavoz de alta frecuencia para los sonidos altos.

2-3. Los altavoces de alta frecuencia para agudos “Planet” (arriba) giran vertical y horizontalmente parar poder hallar el mejor punto para el sonido.

4. Este trabajo reciente, “Yeon”, representa las ondas en un estanque en forma de hoja de loto. Fue diseñado para ser encajado en el techo de una casa tradicional coreana.

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las direcciones para crear el sonido óptimo. Este modelo, que recibió el premio del CES en 2006, es otro ejemplo de los esfuerzos de Yu para “combinar lo visible y lo invisible”.

Inspiración en el cielo nocturno Para sus diseños, Yu se inspira en la naturaleza. Desde 2001, el tema básico de sus altavoces ha sido el cielo de noche. De hecho, todos sus modelos tienen el nombre de estrellas y cuerpos estelares. Para él, todo en el mundo puede ser el principio de un producto. “Creo que es importante que un diseñador aprecie lo que tiene alrededor. Un sentimiento provoca una imagen y esta conduce a un boceto”, nos dijo.

Pasa todo el tiempo necesario con cada proyecto. “The Swan”, con el que en 2010 recibió el Red Dot Award, uno de los galardones de diseño más importantes del mundo, le llevó cuatro años de trabajo. Insiste en que sus altavoces estén bien hechos, sin nada que falte o sobre, independientemente del tiempo que se tarde.

Si llevamos un cuenco de porcelana verdeceladón de Goryeo al extranjero adquiere una apariencia diferente por factores como la intensidad de la luz y el tono del entorno. Lo mismo ocurre con las estrellas. En el desierto tienen una tonalidad rojiza, pero en el mar parecen azuladas. Todo refleja su entorno”, nos dijo. Con eso quiere expresar que busca expresar sus sentimientos derivados de la naturaleza y nunca ha querido transmitir lo que llaman la “belleza de estilo coreano”.

Los altavoces de MSD incluyen transductores de Accuton y circuitos de Mundorf, dos fabricantes alemanes considerados los mejores en componentes de audio. Cuando Yu fue a ver este último en 2008 le dijeron: “Gracias por usar partes de esta empresa para sus bellos altavoces”. Accuton, el principal fabricante de transductores del mundo, que suministra a 34 países, lista MSD entre sus 14 principales clientes en su página web.

Aunque todos elogian sus creaciones, Yu dice que quiere hacer diseños que satisfagan sus propias expectativas antes de tener prestigio. “Creo que el diseñador es quien mejor entiende sus propias obras. Estoy haciendo lo que más me gusta para mismo; para nadie más”, nos dijo.

1. El pedestal de “Moon III”.

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2. “Rhea W,” que recibió el premio a la Innovación 1 en el CES de 2009.

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Foco 1

Explorando el futuro de los estudios coreanos en el mundo La Asamblea de la Fundación Corea 2011 se celebró en el hotel Lotte, Seúl, con la participación de unos 200 especialistas en estudios coreanos, incluyendo 86 provenientes del extranjero. Bajo el tema “Nuevos enfoques para los estudios coreanos: entender Corea en el contexto global” la conferencia exploró formas de desarrollar en otros países las investigaciones en seis áreas relacionadas: idioma, humanidades, ciencias sociales, teorías y política, metodología pedagógica y centros de estudios.

Huh Jin-suk Periodista de The Dong-a Ilbo

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a Fundación Corea (FC), para conmemorar su XX aniversario este año, organizó por primera vez una gran conferencia que reunió a una gran cantidad de expertos en estudios coreanos y directores de centros especializados en todo el mundo. Al igual que cualquiera que cumple veinte años y hace planes para el futuro, la FC quería discutir propuestas para potenciar investigaciones en ese campo entre la comunidad internacional para los años próximos.

Durante las últimas dos décadas, se han creado 100 cátedras en 69 instituciones de 12 países, funcionan 40 centros especializados en 13 naciones y el número de estudiantes en cursos relacionados alcanzó los 9.000 en 2010, todo con la ayuda de la FC. Hay que hacer notar que el número de alumnos por clases superó los 20, el mínimo necesario para un curso regular.

‘Abarcar los estudios norcoreanos’ Durante la conferencia se ofrecieron varias sugerencias para desarrollar estas investigaciones. Varios participantes sugirieron expandirla como parte de los estudios en ciencias sociales aplicadas e ir más allá de los límites de las disciplinas académicas tradicionales, como la filosofía, la religión, la ideología y la historia. Otros enfatizaron la necesidad de incluir a Corea del Norte dentro de la especialidad.

John Lie, profesor de la Universidad de California, Berkeley, se lamentó de que los expertos en el desarrollo económico del país no Koreana ı Otoño 2011

sean considerados especialistas en estudios coreanos según la clasificación tradicional y, por ello, no puedan recibir apoyo. Para asegurar la sostenibilidad de la disciplina reiteró la importancia de mantener un sistema intelectual viable. También avisó de que Corea debería evitar el error de Japón, que ofrecía apoyo para los estudios nipones pero no a los especialistas críticos con el país.

Uno de los asistentes enfatizó la importancia de expandir la disciplina desde “una perspectiva de consumidor”. Según él, una de las razones por las que muchos extranjeros se interesan en Corea es porque necesitan información para su negocio, lo cual quiere decir que la administración de empresas debería estar incluida en esos estudios. La investigación sobre la cultura del país también debería expandirse a disciplinas prácticas, como “cultura coreana para propósitos empresariales”.

En una entrevista, Cho Sung-taek, profesor de Filosofía de la Universidad de Corea, observó lo siguiente: “Hay mayor necesidad de apoyo en todas las disciplinas, incluyendo las ciencias políticas, la sociología y la economía más allá de los límites tradicionales de las humanidades, como la historia, la cultura y el arte, en consideración del crecimiento económico del país y de la influencia del hallyu”.

Cho está a cargo de un proyecto de investigación acerca de formas de fomentar las investigaciones sobre el país bajo el patrocinio de la Academia de Estudios Coreanos. “Necesitamos formular una estrategia adaptada a las características específicas de distintas regio-

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“En el pasado, el interés sobre Corea en el extranjero se centraba en su singular condición de seguridad y en su rápido crecimiento económico, pero recientemente, el hallyu , o la popularidad de la cultura pop local en el exterior, ha surgido como un factor que hace que se vea el país desde otra perspectiva. Por eso, el Gobierno de la nación o la Fundación deberían apoyar la investigación de este fenómeno”.

nes, como Norteamérica o el Sudeste de Asia, considerando que la demanda se ha diversificado notablemente en estos años”.

No obstante, varios asistentes sugirieron que todavía es necesario intensificar el apoyo a las disciplinas tradicionales de humanidades.

Afirmaron que “los horizontes de los estudios sobre China y Japón sólo se ampliaron cuando se ofreció ayuda suficiente a las materias clásicas”.

gido como un factor que hace que se vea el país desde otra perspectiva. Por eso, el Gobierno de la nación o la Fundación deberían apoyar la investigación de este fenómeno”.

El profesor Kang acentuó que el hallyu, que se está extendiendo independientemente de otros mecanismos culturales, debe ser tema de investigación académica.

Sugerencias ‘El Hallyu como campo de estudio serio’ La popularidad de la cultura pop coreana en el extranjero, el hallyu u ‘ola coreana’, fue un importante tema de debate. Durante la rueda de prensa conjunta, el 7 de julio, los especialistas extranjeros presentaron varias anécdotas relacionadas con este fenómeno y sus estudiantes y pidieron más apoyo para potenciar su investigación académica.

El profesor Antonio Fiori, de la Universidad de Bolonia, Italia, dijo que muchos estudiantes de aquel país, que nunca habían oído hablar de Corea, gracias a su música (K-pop) estudian el idioma. El profesor Niu Linjie, de la Universidad de Shandong, que tiene el mayor departamento especializado en Corea de China, apuntó: “En el pasado, muchos alumnos se matriculaban para conseguir trabajo en una firma coreana al graduarse. Pero ahora más de la mitad de los 150 nuevos alumnos dicen que han decidido estudiar sobre Corea porque les gusta su música y telenovelas”. El profesor Vyjayanti Raghvan, de la Universidad de Jawaharlal Nehru, India, mencionó que la sociedad de su país se ha visto muy influida tanto por la cultura pop de Corea como por su cultura empresarial gracias a Hyundai Motor Co. En una encuesta del diario The Dong-a Ilbo a 20 especialistas asistentes a esta Asamblea, el 80 por ciento esperaba que el reciente boom del hallyu, centrado en la música K-pop, tuviera un efecto positivo en la promoción del país en todo el mundo.

Victor Cha, profesor de la Universidad de Georgetown, experto en temas coreanos, y David Kang, de la Universidad de Southern California, enfatizaron la necesidad de considerar este fenómeno como un ‘campo de estudio serio’. Cha dijo: “En el pasado, el interés sobre Corea en el extranjero se centraba en su singular condición de seguridad y en su rápido crecimiento económico, pero recientemente, el hallyu, o la popularidad de la cultura pop local en el exterior, ha sur-

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La conferencia constaba de seis sesiones sectoriales dedicadas al idioma, humanidades, ciencias sociales, teorías y política, metodología pedagógica y centros de estudios. El 9 de julio, como conclusión, los participantes hicieron sugerencias políticas para que la Fundación las tome en consideración y así fomentar los estudios coreanos.

Primero, en relación con la enseñanza del idioma, acentuaron la necesidad de crear más material para su enseñanza como lengua heredada y contratar más profesores de coreano como lengua extranjera. Para las disciplinas de humanidades, apuntaron la preponderancia de la investigación de la era moderna y pidieron más apoyo para la Corea premoderna.

También se recomendó que se potencien los programas de apoyo para los estudios coreanos relacionados con las ciencias sociales, ya que el énfasis en Norteamérica y Europa ha pasado de las humanidades a la política y sociedad contemporánea de Corea.

En cuanto a mejorar la capacidad de control y construir una red informática, reiteraron la importancia de crear una base de datos del idioma coreano que ayude a potenciar la colaboración entre los educadores y los especialistas, de organizar más seminarios para los expertos extranjeros y fomentar su interacción.

También se propuso que se funden centros para la promoción de estas disciplinas en regiones distintas a Norteamérica y que se potencien las investigaciones sobre la diáspora coreana. Asimismo, pidieron más apoyos para más centros coreanos y más esfuerzos para construir una base de datos multifuncional de materiales de audio y vídeo, programas educativos, tesis y otros documentos necesarios para la enseñanza y el análisis. También señalaron la importancia de crear una red interdisciplinar entre los especialistas en estudios coreanos y los investigadores de otras disciplinas.

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Especialistas en estudios coreanos de todo el mundo se conocen Clark W. Sorensen Profesor de Estudios Internacionales de la Universidad de Washington, EE.UU.

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a primera Asamblea de la Fundación Corea fue una reunión importante para cerca de 100 expertos de América del Norte y del Sur, Europa, Australia, el Noreste y Sudeste de Asia y, por supuesto, Corea.

Soy un especialista norteamericano de la “segunda generación”, es decir, aprendí de los pioneros en el campo, que podían realizar investigaciones en coreano. La mayoría ya ha fallecido y, para mi sorpresa, me he convertido en un “experto mayor” ahora y se supone que he de aconsejar a los estudiosos de las nuevas generaciones en Estados Unidos.

Lo bueno de esa veteranía es que he conocido a muchos de los estudiosos del tema en mi región. Para este grupo fue una estupenda oportunidad poder vernos de nuevo y poner al día nuestros lazos, pero la Asamblea me ofreció la oportunidad de conocer a nuevos eruditos en este campo del saber: una sensación especial. Entre los participantes a los que no tenía el placer de conocer personalmente y cuyo trabajo me es familiar ahora, siento un especial agrado por uno, cuyo artículo publicaremos en Journal of Korean Studies, revista de mi Universidad.

Como especialista veterano, que estudió con uno de los fundadores de estos estudios en los EE.UU., James B. Palais, recordé en mi presentación el hecho triste pero real de que esta materia académica apareció en mi país por su expansión en la región de Asia-Pacífico. A diferencia de China y Japón, que han estimulado la imaginación de los estadounidenses durante más de un siglo, Corea ha sido una civilización que no les interesaba mucho. Afortunadamente, la puesta en marcha de esta especialidad –con una ayuda considerable de la Fundación Corea– ha ofrecido una vía para penetrar en el público general. Además, el crecimiento económico y la popularidad de las telenovelas y otros productos culturales coreanos fascinan a la generación más joven.

El futuro parece brillante pero lo que enfaticé es lo que veo como el vínculo inevitable entre los estudios coreanos y el ámbito político americano. Esta especialización surgió porque el Gobierno de EE.UU. necesitaba administradores y analistas de inteligencia que hablaran coreano tras la Segunda Guerra Mundial. Algunos de ellos quedaron fascinados por el país y fundaron los programas de investigación.

Destaqué la capacidad de los expertos de reflexionar sobre su trabajo e intentar superar las limitaciones de las generaciones anteriores y las estructuras institucionales en las que trabajaban, pero también quise mencionar giros políticos críticos en los EE.UU., particularKoreana ı Otoño 2011

mente el anticomunismo de finales de la década de 1940 y principios de 1950 y la retórica crítica que surgió a finales de la de 1960 y principios de la de 1970, que fue, al menos parcialmente, en respuesta a la Guerra de Vietnam.

Tuve una respuesta esperada y otra inesperada a mi presentación. La primera fue que unos cuantos miembros de la audiencia, que habían experimentado personalmente los giros académicos que intentaba describir, corrigieron algunas de mis interpretaciones. Es algo que esperaba que ocurriera. Más tarde, pregunté a un par de asistentes sobre el tema para tener una información más fidedigna.

En cuanto a la reacción inesperada, los expertos americanos más jóvenes, que no conocían la historia de esta especialidad, me expresaron su gratitud por haberla explicado. Esta reacción fue agradable porque no estaba seguro de que mi ponencia fuera tan útil.

Una respuesta todavía más inesperada provino de los asistentes europeos –no simplemente a mi tesis sino a una serie de ellas de expertos americanos sobre la naturaleza de los estudios regionales y el lugar de los coreanos en ellos. Mientras que los estudiosos estadounidenses nos hemos centrado en cómo la política cultural de nuestro país ha podido afectar a nuestra especialidad, varios europeos nos recordaron que mientras que la retórica norteamericana sobre Corea tenía un matiz particular por las circunstancias políticas en que había aparecido y las controversias que han exasperado periódicamente al mundo académico, esta historia es específica de los EE.UU. ¡Olchi!, como diríamos en coreano. En Norteamérica tendemos a ser las proverbiales “ranas del pozo” y pensamos que lo que ocurre en nuestro mundillo académico es absoluto y universal. Nuestros amigos coreanos suelen compartir esta tendencia por la influencia de la educación estadounidense aquí y por la estrecha alianza entre los dos países, que ha influido de forma similar en la política del mundo académico a ambos lados del océano. Nuestros colegas europeos no comparten los traumas políticos del reciente pasado americano y por ello están menos inclinados a tomar posiciones absolutistas sobre la naturaleza política de los estudios regionales basándose en el ejemplo americano.

La Asamblea de la Fundación Corea fue, pues, divertida y llena de contenido para mí. Nos conocemos y admiramos el trabajo de los demás. Y sin embargo, hasta que no vinimos a una conferencia y tuvimos que escribir nuestras ideas sobre los estudios coreanos no sabíamos que no estábamos de acuerdo en asuntos de gran importancia. Estoy agradecido de que ahora nos conozcamos mucho mejor.

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Entrevista con un participante en la Asamblea de la Fundación Corea

Corea: un claro ejemplo de las relaciones internacionales de Asia Antonio Fiori Cátedra Patrocinada por la Fundación Corea /Profesor de Ciencias Políticas de la Universidad de Bolonia, Italia

Q. ¿Cuál es el aspecto más importante de la Asamblea de la Fundación Corea?

A. En primer lugar, era una reunión de especialistas en estudios coreanos de todos los rincones del mundo para hablar sobre el futuro de su rama de estudios y hallar la manera de mejorar esta disciplina académica. Creo que estas oportunidades de dialogar con expertos de otros países e intercambiar ideas es el sistema más provechoso para ello.

Q. ¿Cómo se interesó por los estudios coreanos? ¿Tenía alguna motivación especial? ¿A qué dificultades se ha enfrentado como especialista y cuáles han sido las principales recompensas?

A. ¡Me interesé en aprender coreano cuando descubrí que su alfabeto no se componía de ideogramas! Gradualmente, sentí fascinación por su cultura, su sociedad, su historia y su desarrollo político.

Nunca me he arrepentido de dedicarme a ello ya que para un politólogo, Corea es una fuente valiosa de inspiración. A veces, otros sociólogos piensan que este campo de estudio es muy limitado, pero estoy convencido de que el país es un microcosmos interesante y un claro ejemplo para los interesados en las relaciones internacionales de Asia.

Q. ¿Cómo describiría la situación actual de los estudios coreanos en Italia?

A. En la actualidad, es satisfactoria. Hay tres universidades importantes (L’Orientale, en Nápoles, La Sapienza, en Roma, y Ca’ Foscari, en Venecia) que ofrecen cursos de estudios coreanos, muchos centrados en la lengua y la literatura. En la de Bolonia, por el contrario, se creó la Cátedra Patrocinada por la Fundación Corea en la Facultad de Ciencias Políticas, donde enseño política y relaciones internacionales, tanto en grado (centrado en el desarrollo político y social del país desde 1910) como en posgrado (relaciones internacionales de Corea y las relaciones intercoreanas). Desde que se creó la Cátedra, en 2008, el número de estudiantes interesados en la política coreana ha crecido rápidamente y su popularidad puede verse en el creciente número de artículos sobre el país, tanto de estudiantes de grado como de posgrado.

En el futuro, queremos ampliar los cursos creando una plaza para una cátedra de lengua coreana, que haría que el programa fuera más atractivo para los estudiantes y contribuiría a aumentar el prestigio de la Universidad.

Q. Describa la situación de los estudios coreanos en Europa en su conjunto. ¿Qué espera respecto a su desarrollo?

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A. La tradición en los estudios coreanos en Europa es larga. Creo, personalmente, que su futuro es brillante, al menos si tenemos en cuenta el creciente número de alumnos interesados. Sin embargo, es importarte integrar mejor las universidades europeas y, a este respecto, debería iniciarse el proceso de digitalización y construcción de redes: esto permitiría que estas instituciones educativas europeas crearan una especie de consorcio que fuera útil para atraer especialistas de distintas áreas de los estudios coreanos a universidades donde no se enseñan. Esto reducirá costes. Además, creo que habría que implantar más programas de doctorado en esta especialidad para incrementar el número de expertos jóvenes y para que sean más competitivos.

Q. ¿Cuáles son las áreas donde hay más carencias en los estudios coreanos en Europa? ¿Qué mejoras específicas habría que introducir?

A. En los últimos años, esta especialidad ha entrado en una fase de consolidación sustancial en todas las universidades donde están presentes. Sin embargo, en el contexto general de los estudios asiáticos, los de Corea deben luchar duramente con los de China y Japón, que han sido siempre más atractivos para los alumnos y con ayudas económicas más accesibles. Creo que para mejorar las condiciones de nuestra especialidad es fundamental crear –y consolidar– más cátedras centradas en Corea. Serían también importantes más iniciativas públicas para hacer que el país fuera más conocido entre el público en general. El papel de la Fundación Corea es central en la diseminación de esta disciplina por Europa ya que algunos países, como el mío, estamos en medio de importantes reformas del sistema educativo universitario.

Q. A la vista de la creciente popularidad del K-pop en Europa, ¿qué sugeriría al Gobierno y al mundo académico coreano para fomentar un interés más duradero en Corea entre la generación más joven en Europa?

A. No soy especialista en el hallyu, aunque algunos de mis alumnos se han interesado en esta disciplina por las películas, telenovelas, música, cómics y expresiones culturales coreanas similares. Por ello, pienso que esta “ola” ha sido útil para atraer a nuevos estudiantes y ha incrementado el interés general del público en Corea y su cultura, así que su crecimiento y popularidad me parecen una buena noticia.

Cu l tu ra y A rte d e Co re a

Entrevista con un participante en la Asamblea de la Fundación Corea

“La ola coreana” (hallyu), crucial para expandir la percepción general de los extranjeros sobre Corea Carolina Mera Profesora de Estudios Coreanos de la Universidad de Buenos Aires, Argentina

Q. ¿Qué le impulsó a realizar estudios sobre Corea y cuál es la rama que más le interesa?

A. El factor que me motivó fue la presencia de inmigrantes coreanos en mi país. Desde 1991 ese ha sido el tema que más me ha interesado y, con el tiempo, fueron tomando también importancia algunos aspectos de la cultura y la historia del pueblo coreano como la familia, la religión y los cambios políticos contemporáneos.

Q. La Universidad de Buenos Aires (UBA) es la única institución en América Latina que mantiene un centro especializado en estudios coreanos. ¿Cuáles fueron las bases del establecimiento del centro y cuáles son las futuras perspectivas?

A. Las actividades sobre Corea en la UBA comenzaron en 1995 en el Instituto de Investigaciones Gino Germani de la Facultad de Ciencias Sociales, sede del proyecto de investigación acerca de la Inmigración Coreana en Argentina. En 1997, y como resultado de esta investigación, publiqué en la editorial de esa institución el libro Migración coreana en Buenos Aires.

Asimismo desde el año 1999, trabajé en un estudio en el mismo Instituto acerca de la identidad de la segunda generación de coreanos en Argentina.

En el año 2000 se organizaron diversos eventos en relación con los 35 años de la comunidad coreana en Argentina, que incluyeron seminarios, actividades culturales y conferencias. Entre las mismas podemos destacar la muestra "35 años de la colectividad coreana en Argentina".

En 2001, a partir de la reunión de la Comisión Mixta de Cooperación Científica y Técnica entre la República Argentina y la República Popular de China, celebrada en Pekín el 30 de mayo de ese año, en la que participó el entonces Director del Instituto Gino Germani, Pedro Krotsch, surgió el Grupo de Estudios del Este Asiático (GEEA) con el fin de promover y difundir los estudios e investigaciones sobre la región.

Como parte del Área de Cultura del Instituto, y bajo mi coordinación, el GEEA se convirtió en un grupo de estudios interdisciplinarios conformado por graduados y estudiantes de la UBA, dedicado a proyectos de trabajo e investigación en cuestiones referidas a las problemáticas del Este de Asia.

Se fueron llevando adelante diversos cursos, seminarios y proyectos de investigación relacionados específicamente con la República de Corea, reflejando la creciente importancia global que el país ha adquirido recientemente. A partir de este trabajo en el Instituto, se profundizó en el intercambio de conocimientos y experiencias entre ambas naciones y fueron surgiendo cada vez más intereses y proyectos Koreana ı Otoño 2011

comunes en los campos académico, científico y cultural entre la UBA y Corea.

En este marco, surgió el Proyecto de creación del Centro de Estudios Corea–Argentina de la Universidad de Buenos Aires (CECA), gracias al apoyo de la embajada coreana en mi país, a través del embajador, Choe Yang Boo, la Fundación Corea, a través de su presidente, Kwon In Hyuk, y la UBA, a través del entonces rector, Guillermo Jaime Etcheverry.

Q. ¿En qué fase considera que se encuentran los estudios coreanos en América Latina? ¿En qué medida se realizan intercambios entre los especialistas de la región?

A. Los estudios coreanos en América Latina todavía se encuentran en un estado muy incipiente. Si bien se ha comenzado a consolidar una red de académicos interesados en Corea, la construcción institucional a mediano y largo plazo es muy lenta ya que necesita de tiempo para formar a las nuevas generaciones. Para que este crecimiento sea sostenible a largo plazo es muy importante la promoción de los estudios coreanos en disciplinas como las ciencias sociales, la literatura y las artes, la economía, la lengua y las ciencias políticas, entre otras.

Sólo en la medida en que los jóvenes investigadores de estas disciplinas se vuelquen en Corea como objeto de estudio, el desarrollo de los estudios coreanos podrá brindar producciones científicas y académicas autónomas.

Q. ¿En qué medida se ha difundido “la ola coreana” (hallyu) en Argentina? ¿Cuáles cree que son los esfuerzos que el Gobierno de Seúl y los círculos de especialistas extranjeros deben realizar para que el interés en la cultura popular coreana se extienda a todos los temas en toda su amplitud?

A. El conocimiento e interés en la cultura popular ha tenido un gran impacto en el conocimiento general sobre Corea. Sin embargo, creo que el desafío para el ámbito académico es lograr que esas personas que se aproximan con un interés superficial como la música pop o las telenovelas transformen su inquietud en un interés más profundo sobre el país, su cultura, su historia. Considero que “la ola coreana” es muy importante para difundir un conocimiento general sobre Corea, pero no es suficiente para establecer ámbitos académicos serios y sistemáticos que consoliden los vínculos entre nuestras universidades.

Q. ¿Cuál es el campo relacionado con la cultura coreana que más interés se tiene en Argentina?

A. Hablando de la cultura popular es sin duda el taekwondo y, más recientemente, la música K-pop. En otros ámbitos el cine de autor coreano ha provocado mucho interés.

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Foco 2

Libros de la monarquía de Joseon regresan a casa tras 145 años en Francia Con la llegada del último lote el pasado 27 de mayo, los 297 volúmenes de los protocolos de la monarquía de Joseon, guardados en la Bibliotèque nationale de France, en París, han regresado a Corea. La devolución de estos ejemplares, de inmenso valor cultural y académico, ha venido acompañada de varios actos conmemorativos.

Lee Kyong-hee Periodista de The JoongAng Ilbo | Suh Heun-gang Fotógrafo

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n 1782, durante el sexto año de reinado de Jeong­ jo, se construyó una oficina local de Gyujanggak, 1 la biblioteca y archivos reales, en la isla de Ganghwa.

Se llamó Oegyujanggak (literalmente, “Gyujanggak exterior”), donde se trasladaron 5.000 volúmenes de la capital. Entre este material estaban los ejemplares del protocolo, documentos detallados de importantes acontecimientos de estado. Pero en 1866 (el tercer año del reinado de Gojong), las tropas de un navío francés invadieron la isla y se llevaron como botín 340 libros de la colección, incluyendo 297 de los protocolos. Los demás fueron quemados por los invasores.

El paradero de estos documentos era desconocido hasta que el bibliógrafo coreano Park Byeong-seon, que trabajaba en la Bibliotèque nationale de France (BnP), descubrió los libros y publicó un listado de los documentos en 1975. Jikji simche yojeol o Jikji simgyeong (antología de las enseñanzas de los grandes monjes budistas zen ) también la halló Park en el mismo lugar. Es el primer libro impreso con tipos metálicos móviles, publicado en 1377, durante la Dinastía Goryeo.

1. Portada de Jangnyeol wanghu jonsung dogam uigwe (1986, protocolo real del otorgamiento de honores a la reina Jangnyeol). El libro relata el proceso para otorgar un título ilustre a dicha reina (1624-1688), segunda esposa del rey Injo. Esta copia, creada para el rey, tiene tapas de seda verde con dibujos de nubes. El título está escrito en una tira separada cosida.

Negociaciones para su devolución En 1991, la Universidad Nacional de Seúl, encargada del mantenimiento del material de los archivos de la realeza de Gyujanggak, empezó las gestiones para que fueran devueltos. Al año siguiente, el Gobierno coreano envió una solicitud oficial al francés. Durante la reunión en la cumbre entre ambas naciones en 1993, cuando Francia buscaba exportar su tecnología del tren de alta velocidad (TGV) a Corea, el entonces presidente de la república gala, François Miterrand entregó Hwigyeongwon wonso dogam uigwe (protocolo real del traslado de la tumba de Hwigyeongwon), parte del botín de 1866, y prometió devolver el resto.

Este compromiso no se pudo cumplir por la oposición que había en el país europeo, incluso con protesta de los bibliotecarios de la BnF. Las negociaciones entre ambas naciones tampoco tenían éxito y varias veces se rompieron.

Finalmente se produjo un avance importante en 2010. Durante la Cumbre del G20

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Ko re a n Cu l tu re & A rts

2. Palanquín con la réplica del protocolo real que fue seguido por una gran procesión de 500 integrantes, entre los que había una escolta de funcionarios, una banda militar tradicional, bailarines y soldados de caballería.

3. La marcha pasa por el patio del principal salón del trono del palacio de Gyeongbok.

K o r e a n a ı A u t u mm 2 0 1 1

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Los libros que acaban de ser devueltos tienen un valor especial porque la mayoría son originales muy detallados preparados para el monarca.

Además, 30 de los volúmenes son ejemplares únicos.

1. Ilustración de Yeongjo jeongsun wanghu garye dogam uigwe (1759, protocolo real de la boda del rey Yeongjo y la reina Jeongsun), que muestra la procesión del monarca para recibir en persona a su segunda esposa, tras el fallecimiento de la primera. En otros protocolos de matrimonios de la realeza, la mujer suele ser recibida por un emisario no por el propio soberano pero en esta lámina vemos por primera vez el palanquín del rey en la procesión.

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Cu l tu ra y A rte d e Co re a

2 2. Munhuimyo yeonggeoncheong deungnok (1789, documento de la construcción del santuario de Munhui) es una copia del registro oficial guardado en la agencia gubernamental encargada.

en Seúl, los presidentes de ambos países acordaron el retorno de los ejemplares en régimen de préstamo quinquenal renovable. Aunque muchos coreanos no se sintieron satisfechos con ese acuerdo, el Gobierno aseguró que era el compromiso más pragmático para lograr que los libros regresaran a Corea ya que una devolución sin condiciones sería posible sólo si las autoridades francesas decidían reformar las leyes pertinentes. En cualquier caso, las bibliotecas nacionales de ambos países firmaron un acuerdo y los libros fueron devueltos en cuatro entregas por vía aérea desde el 14 de abril al 27 de mayo.

Protocolos de la realeza de la Dinastía Joseon La mayoría de estos libros son protocolos reales de la Dinastía Joseon, que son documentos detallados de importantes acontecimientos de Estado o de la monarquía que tuvieron lugar durante los 500 años que duró la era, documentados con texto manuscrito y con ilustraciones a color.

La palabra coreana para protocolo real es uigwe, formada por ui (ceremonia) y gwe (estándar ejemplar). Por ello, podría decirse que el término designa los “estándares ejemplares para las ceremonias”, o libro blanco para distintos acontecimientos solemnes, que servían de guía para las generaciones futuras. Estos documentos de Joseon fueron incluidos en el Registro de la Memoria del Mundo de la UNESCO ya que, junto con Joseon wangjo sillok (anales de la Dinastía Joseon), otro conjunto de escritos también incluidos en la misma lista de la UNESCO, son los mejores ejemplos de la tradición

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3 3. Uiso seson yejang dogam uigwe (1752, protocolo real del funeral del gran heredero Uiso) documenta las exequias del primogénito del príncipe heredero Sado.

Contiene muchos detalles sobre la ceremonia, incluso el tamaño de cada prenda empleada en los ritos.

de documentación de Corea. Los anales son una crónica de los acontecimientos acaecidos durante el reinado de cada monarca, sólo con texto. Por el contrario, los protocolos ofrecen una visión más vívida de la historia por sus exquisitas ilustraciones.

Estos protocolos siguen las vidas de los miembros de la familia real. Por ejemplo, cuando nacía un príncipe, se elegía un lugar para la construcción de la cámara de su placenta, donde se guardaría como estaba prescrito, y todo el proceso se documentaba en forma de protocolo real. Lo propio se hacía con la proclamación del heredero y los procedimientos relacionados.

En el caso de una boda, todo el evento se detallaba, incluyendo la elección de la novia, la lista de la dote y la procesión del novio para darle la bienvenida. Se publicaba un protocolo cuando fallecía el rey, la reina, el príncipe heredero o su esposa, cuando se construían tumbas para la monarquía y se consagraba la tablilla memorial del rey en el santuario de la realeza, Jongmyo, tras los tres años obligatorios de luto. Asimismo, se documentaba detalladamente la construcción o reforma de un palacio o fortaleza, los banquetes de estado importantes, la publicación de los anales de cada monarca y la creación de retratos del soberano.

Todos estos documentos de la Dinastía son notables por su atención al detalle, como la lista de personas involucradas en cada proceso, sus perfiles personales, las dimensiones y materiales de cada objeto creado o usado y los gastos, hasta la última moneda. Por ejemplo, en Hwaseong seongyeok uigwe (protocolo real de la construcción de la fortaleza de Hwaseong) se listan los nombres de los 1.800 artesanos y otros trabajadores que participaron en la obra, con detalles sobre sus salarios, según el número de días empleados, incluso hasta medias jornadas. La detallada contabilidad de estos documentos ayudaba a prevenir el despilfarro al hacer públicos todos los pormenores de un proyecto.

Las ilustraciones de estos documentos fueron realizadas por los artistas con más talento de Dohwaseo, la oficina real de pin-

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1. Una ilustración de Jangnyeol wanghu gukjang dogam uigwe (1688, protocolo real del funeral de la reina Jangnyeol), que documenta el cortejo fúnebre de la segunda esposa del rey Injo. Se pusieron pantallas a ambos lados del féretro para ocultarlo. Los dolientes que marchaban tras él también estaban ocultos por cortinas blancas.

En las exequias del monarca no se empleaban ni pantallas ni cortinas.

2. Celebración delante del salón del trono principal del palacio de Gyeongbok.

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tura. Estas obras tienen tal nivel de calidad y detalle que se usan para recrear los eventos que describen. Por ejemplo, la fortaleza de Hwaseong, en Suwon, que quedó muy dañada durante la Guerra de Corea, fue restaurada en 1975 según el protocolo correspondiente, escrito hace casi 200 años. El hecho de que este monumento fuera inscrito como lugar patrimonio de la humanidad de la UNESCO se debe en gran parte a estos textos, que sirvieron como una referencia indispensable.

Importancia académica Durante la Dinastía de Joseon, se hicieron múltiples versiones del protocolo para cada evento. Una era para el rey y otras se almacenaban en los archivos históricos y dos departamentos distintos a cargo de los rituales de la corte. Los libros que acaban de ser devueltos tienen un valor especial porque la mayor parte son los originales preparados para el monarca. Además, 30 de los volúmenes son ejemplares únicos.

La versión para el soberano se preparaba en pintura y papel de gran calidad (chojuji) y se encuadernaba con tapas de seda y abrazaderas de bronce. Por el contrario, las empleadas para las oficinas gubernamentales se hacían con papel de morera (jeojuji ), con tapas de cáñamo y abrazaderas de hierro. Los que ha devuelto Fran-

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cia tienen una calidad superior a los 3.800 volúmenes de protocolos del Instituto Gyujanggak para Estudios Coreanos de la Universidad Nacional de Seúl y la Academia de Estudios Coreanos.

Entre los 297 volúmenes retornados, cerca de la mitad tratan de funerales de la realeza y el resto son crónicas de bodas, distintas ceremonias, investiduras de príncipes herederos y la construcción y reparación de palacios y fortalezas. Shin Byeong-ju, profesor de Historia en la Universidad de Konkuk, que ha inspeccionado personalmente estos documentos en cinco ocasiones, apunta: “Las ilustraciones banchado son perfectas. Las distintas figuras, alineadas según su rango, están tan detalladas que incluso se distinguen los pelos de las barbas”.

A excepción de los 30 volúmenes que son las únicas copias existentes, en Corea existen versiones del resto. No obstante, como todas las versiones de un protocolo fueron escritas e ilustradas a mano, podemos hallar diferencias en las portadas, los estilos de encuadernación y otros detalles. En las copias que se preservan en el país hay muchas omisiones en las ilustraciones de las ceremonias así que estos ejemplares retornados, que, como hemos apuntado, eran para el rey, tienen descripciones más detalladas, según Shin.

Los 30 ejemplares únicos fueron digitalizados en 2005 para los gobiernos de París y Seúl. Como no existían garantías de que fueran

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devueltos, los especialistas coreanos deseaban estudiar el material, incluso en formato electrónico. Ahora que están de vuelta, pueden examinarlos de cerca para ver detalles más sutiles, como la calidad del papel, las tapas y la pintura. “Obviamente, los libros ofrecen más información que las fotografías. Es necesario estudiarlos desde una perspectiva más general tomando nota de factores ajenos al contenido, como el material y la calidad del papel, los estilos descriptivos y la pintura”, nos dijo el profesor.

En resumen, estos documentos tienen un valor académico inmensurable y contribuirán considerablemente a la investigación de la historia y la bibliografía, aparte de la tradición y el arte. La tapa de casi todos los ejemplares, excepto 12 volúmenes (siete títulos), ha tenido que ser reparada. Se cree que fueron dañadas por el fuego o el agua, antes o durante su transporte a Francia, donde se restauraron. Por ello, los 12 preservados en su forma original tienen incluso un valor mayor como material de consulta.

Acontecimientos festivos Si excluimos el primer volumen retornado en 1993, los demás fueron transportados a Corea en cuatro grupos. Después de una Koreana ı Otoño 2011

fiera competencia entre Asiana Airlines y Korean Air, las dos aerolíneas se repartieron la tarea. Tras la llegada, los libros fueron guardados en el Museo Nacional, en Seúl.

Se hicieron celebraciones por su regreso en la isla de Ganghwa y en la capital coreana el 11 de junio. Esa mañana, unas 500 personas, de todos los sectores sociales, marcharon en procesión desde la puerta meridional de la fortaleza de Ganghwa hasta el lugar donde estaban originalmente los archivos de Oegyujanggak. La recreación de la comitiva se basó en Naegak illyeok (diario del gabinete), el texto guardado en Gyujanggak, que documentó el traslado de materiales desde este archivo en Seúl hasta el de la isla en 1783. También se celebró un rito conmemorativo para festejar el regreso de los libros de los reyes de Joseon.

El Ministerio de Cultura, Deporte y Turismo ha formado un equipo de investigadores y especialistas, que celebrarán un simposio en diciembre del próximo año. En 2013, ya estarán completadas las bases de datos digitalizadas de estos protocolos devueltos por Francia. Las versiones electrónicas de esos 30 ejemplares únicos se podrán consultar online este año.

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critĂ?ca de arte

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1. Buda, Bodhisattva y las vírgenes celestiales grabados en la cara este de Sagangbul, Tapgol, un valle en las laderas del monte Nam, Gyeongju, 1986.

2. Tumbas de Nodong-dong, Gyeongju, 1984.

Paisajes de mil años capturados en la ‘Luz del Tiempo’

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Kang Woon-gu es un pionero entre los fotógrafos con temática documental en el país. Su exhibición “Paisajes antiguos” es el fruto de décadas de exploración de los arquetipos culturales de Corea, como los mitos del periodo de los Tres Reinos, las tumbas de la realeza del Reino de Silla y distintos objetos budistas.

Lee Moon-jae Poeta y profesor del Departamento de Escritura Creativa de Kyung Hee Cyber University | Kang Woon-gu Fotógrafo

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usan, aparte de ser la segunda ciudad del país y el principal puerto marítimo, se ha hecho famosa como la “ciudad del cine” desde principios de este siglo. Durante los últimos 16 años organiza el Pusan International Film Festival (PIFF), aclamado en la actualidad como uno de los festivales cinematográficos más dinámicos. Una exhibición fotográfica, incluso una “retrospectiva” (aunque el artista lo niega), no despierta el mismo interés, pero la de Kang Woon-gu, titulada “Paisajes antiguos”, merece especial mención. Se llevó a cabo en la nueva sucursal del Museo GoEun de Fotografía, el segundo centro especializado en este arte en el país fuera de Seúl, después del original, del mismo nombre, que abrió sus puertas hace cuatro años. Ambos están en el área de la playa de Haeundae.

Esta exposición de Kang se celebró al mismo tiempo que otras dos en la ciudad: “Piedras silenciosas”, de Kwon Tae-gyun, en la sede del GoEun, y “Jardín de los dioses”, de Suh Heun-gang, en el Toyota Art Space, artistas famosos que pertenecen a lo que se denomina “equipo de Kang Woon-gu”, miembros de la segunda generación de creadores de este arte, influidos por el pionero de la fotografía documental.

Ambos presentaron sus obras en la misma ciudad y al mismo tiempo, con el tema de la cultura tradicional del país. Por ello, desde abril a principios de julio, esta ciudad fue la cuna de este arte.

Tres temas de historia La exhibición de Kang explora el patrimonio cultural del país a través de tres temas históricos. Hace diez años, en otra muestra que hizo en Seúl, titulada “Imágenes de tres pueblos”, presentó instantáneas de tres remotas comunidades en la montaña. Publicó asimismo un libro de fotografía con el mismo título.

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Escena de un Buda tallado en un acantilado en Yaksu, un valle del Mt. Nam, Gyeongju, 1985.

Pero los tres pilares de esta exposición son las tumbas de la realeza del Reino de Silla, varios lugares mencionados en Samguk Yusa (notoriedades de los Tres Reinos), que detalla los mitos y leyendas de ese periodo, y las reliquias budistas de Silla. Estos tres temas, que Kang ha explorado durante los últimos 40 años, son iconos de la cultura tradicional del país, que han sobrevivido más de un milenio.

Samguk Yusa , compilado por el monje e historiador Ilyeon en 1281, durante la Dinastía Goryeo, contiene las fábulas, cuentos y mitos de Corea, desde la era mitológica de la fundación del país por Dangun hasta el colapso de Silla Unificada, periodo del que Silla ocupa cerca de mil años (57 a.C.-935 d.C.). Aunque la mayoría son leyendas, el libro menciona fechas históricas y lugares actuales que todavía pueden visitarse. “He aprendido que los mitos no son historias sobre los cielos, sino sobre la tierra, basados en realidad”, escribió Kang en el folleto informativo sobre la muestra.

La exposición constaba de 100 fotografías pero la mayoría de los asistentes parecían sentirse atraídos por las de los objetos budistas de Silla hallados en el monte Nam, o Namsan. Esta elevación, al sur de Gyeongju, sólo tiene 471 metros de altura, pero podemos hallar templos, pagodas y Budas de piedra en cada valle y cada cresta. Es

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un auténtico museo al aire libre impregnado del resplandeciente ambiente del budismo de aquella época. Kang no ha dejado piedra sin remover en esta montaña desde que empezara a finales de los años 70, cuando por primera vez peinó el lugar como fotógrafo entusiasta pero inexperto. Acabó desechando las fotos de todo un año, que supuestamente se iban a incluir en su primer libro.

“Intenté con todo mi esfuerzo tomar buenas instantáneas pero resultaron infantiles”, nos recuerda. Durante los años siguientes, siguió tomando imágenes de la montaña pero en vez de intentar dominar las estatuas budistas esperó pacientemente para que su esencia surgiera de forma natural. Esperó el momento oportuno, cuando la intensidad o el ángulo de la luz daban vida a los rostros.

Sus obras son el producto de la espera. No es raro que espere uno o dos días para tomar una única instantánea. Para capturar las tumbas de la realeza en invierno, sin embargo, tuvo que aguardar años, escuchando continuamente el parte meteorológico. Si anunciaba nieve, se apresuraba a ir, pero hallaba que ya se había derretido. Ciertos temas ofrecían sólo una oportunidad al año, como la estatua budista que halló en una cueva rocosa, cuyo rostro quedaba iluminado sólo una vez anualmente. Esta foto, Rosto del Buda sentaCu l tu ra y A rte d e Co re a

Pagoda occidental del templo de Mireuk, Geumma-myeon, Iksan, provincia de Jeolla del Norte, 1996.

do de la cueva de Bulgol (1984) se mostró en la exhibición de Busan.

Un monje que admiraba la instantánea de esta escultura incluida en su libro Gyeongju Namsan (1987) quiso recrearla pero en las distintas veces que visitó el lugar la luz no era la adecuada, algo de lo que se lamentó ante el fotógrafo en la exposición. Cuando completó ese libro, Kang escribió: “Mi único método era visitar el lugar en repetidas ocasiones, con empeño, tomando innumerables imágenes.

Si logré capturar el objeto más o menos adecuadamente se debió a esta tenacidad”.

Descubrimiento de paisajes El uso de la palabra “antiguos” en el título de esta exposición tiene un doble significado. Por una parte, se refiere al tiempo, ya que las fotografías describen un patrimonio cultural coreano que ha sobrevivido más de mil años. Por otra parte, indica que las fotos pertenecen a una etapa ya pasada en la carrera del artista. La clave de estas imágenes no es la claridad sino la duración. En cualquier instantánea, la luminosidad desempeña un papel crucial, pero en las de Kang más importante es la “luz del tiempo”, un concepto reflejado en el título de uno de sus libros. Las fotografías de esta exhibición Koreana ı Otoño 2011

parecían enfatizar el “entonces (allí)”, antes que el “ahora (aquí)”.

Por supuesto, las tomas de un pinar, el cielo al atardecer, la costa, una pagoda de piedra y el aislado rincón de una tumba de la realeza revelan las fases asociadas con el objeto, pero el “entonces” y el “ahora” no están claramente definidos.

La titulada “Tumbas de Nodong-dong, Gyeongju” (1984) capta un conjunto funerario con el fondo de cuatro hileras de crestas. La imagen nos retrotrae mil años al pasado. Si fuera posible descubrir un paisaje, esta foto sería un ejemplo de ello. No muestra el tiempo de la luz, sino la luz del tiempo. Aquí, el tiempo parece ser una metáfora de época e historia, del propio tiempo y de la subjetividad del autor.

Como el mismo dice, esta instantánea es el resultado de la armonía fortuita del objeto y la forma de expresión. Pero en sus trabajos, esta última no es tan importante ya que no son muy complejas técnicamente y en la mente de los artistas más jóvenes se asemejan a las de un aficionado. Pero Kang insiste en lo básico como la naturaleza inherente a este arte.

Estudió esta forma artística en los años 60 mientras era un universitario matriculado en Literatura Inglesa. Tras graduarse, trabajó para una revista de actualidad pero se desilusionó por su falta de

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1. El templo de Mujang, en el bosque de Amgok-dong, Gyeongju, 1995.

2. Talla de Avalokitesvara, el bodhisattva de la Compasión, de pie en el monte Nam, Gyeongju, 1985.

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independencia y libertad creativa. Le despidieron en 1975, cuando aldeas” (2001), “Por la tarde” (2008) y “Todos los sedimentos” (1997). el régimen militar intentó intensificar el control sobre los medios de Desde sus primeros años como fotógrafo por cuenta propia, se ha comunicación. Mientras estudiaba la historia de este arte a menudo dedicado a varios géneros pero nunca ha reconocido ninguna obra se preguntaba: “¿Qué es realmente la fotografía?”. Así que después encargada como suya, sin importar lo artística que pudiera ser. “Sólo de perder su empleo, se convirtió en el primer colaborador del país. el fotógrafo puede protegerse a sí mismo”, aconseja. Es ese tipo de En esos duros tiempos, cuando un fotógrafo sólo tenía obligaciones, artista raro que ha emparejado su vida y su obra. Yi Gi-ung, editor de no derechos, Kang viajó por todo el país, que estaba siendo sistemála mayoría de los libros de Kang, escribió en el prólogo a Kang Woongu’s Philosophy of Photography (la filosofía de la fotografía de Kang ticamente destruido por la política de desarrollo, y así crear su propio lenguaje.

Su filosofía puede definirse como “teoría de la fotografía bap”. En esta La imagen nos retrotrae mil años al pasado. Si fuera posible descubrir un frase, bap es el término coreano para “arroz cocido”. Como sugiere, paisaje, esta foto sería un ejemplo de ello. No muestra el tiempo de la luz, “al igual que este cereal, con el que se pueden hacer grandes platos, sino la luz del tiempo. la esencia de la fotografía es documentar”. Esta concepción ha sido Woon-gu), publicado el año pasado: “Es un artista pertinaz. Nunca la base de la fotografía documental en Corea. En cuanto a Kang, las abandona sus convicciones. Pero casi siempre son correctas, ya que mejores fotos son aquellas que registran los objetos rápida y adelas ha adquirido por medio de mucha observación, reflexión y estucuadamente. Una de las tareas del periodista gráfico es comunicarse dio”. con el público por medio del realismo de sus imágenes. Kang es muy Este año Kang cumple 70 años. Considerando su edad, su ciclo respetado entre los jóvenes artistas del país por su constancia en la vital parece asemejarse a sus paisajes antiguos. Pero su arte y su aplicación de esta concepción a sus obras. Sus trabajos se agrupan espíritu siguen siendo jóvenes porque se adhieren a la esencia de la generalmente en “la historia de la tierra” y “la historia de la historia”. fotografía y a su dignidad profesional. Por ello, Kang Woon-gu será Este último grupo se ha presentado en esta exhibición de paisajes joven siempre. y en el libro del mismo título, mientras que el primero puede verse en estas exposiciones y libros: la ya mencionada “Imágenes de tres

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2 Koreana 覺 Oto簽o 2011

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entrevista

Tras la extravagancia, cierto sentimiento de tristeza: Lee Yong-baek en la Bienal de Venecia 2011

La LXIV Exhibición Internacional de Arte de la Bienal de Venecia de este año (4 de junio-24 de noviembre), dirigida por el historiador y crítico suizo de arte Bice Curiger, comprende una exposición principal con el tema “ILLUMInaciones” con un récord de 89 pabellones nacionales. Corea está representada por el artista conceptual Lee Yong-baek, cuyas obras han generado un considerable entusiasmo entre los visitantes.

Koh Mi-seok Periodista de la sección de Arte y Diseño de The Dong-a Ilbo

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an pronto como regresó de Venecia tras la ceremonia de apertura de la exhibición de arte de la Bienal, Lee Yong-baek apagó el móvil y se fue a pescar en las profundas aguas de la costa meridional de Corea. Le fui a ver a su estudio en Gimpo, provincia de Gyeonggi-do, cuando regresó. Moreno, con el pelo desarreglado, enjuto y fuerte, parece más un marinero que un cosmopolita a la vanguardia del arte en distintos formatos y tecnologías de la comunicación.

Su ciudad es una pequeña población al oeste de Seúl, donde regresó tras completar sus estudios hace 20 años. Aquí construyó una casa y un taller en lo alto de un cerro. Su estudio es parte de una estructura de hormigón construida hace tres años y el taller parece como una fábrica desordenada. El espacio está repleto de grandes monitores de televisión, herramientas por todos los lados y un enorme altavoz que parece parte de un estudio de grabación. Tras echarle un vistazo, nos sentamos alrededor de una mesa de madera en el área de la cocina.

Pez de plástico , un lienzo que muestra gran variedad de atractivas carnadas artificiales de vibrantes colores (izquierda).

Piedad – muerte propia, una versión contemporánea de este tema icónico, en el que el molde sujeta la pieza moldeada.

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Koh: ¡Felicidades! El pabellón coreano, que muestra 14 obras suyas, como las instalaciones Ángel soldado y Espejo roto, la escultura Piedad y el cuadro Pez de plástico, ha sido elogiado en esta Bienal. ¿Qué piensa de su exhibición?

Lee: He estado antes allí, un par de veces, como espectador. Pero esta vez, como artista, mostrando obras mías, es una experiencia totalmente distinta. Es un campo de batalla. He oído que en su pabellón, que incluye un tanque boca abajo, los EE.UU. se han gastado más de 4 millones de dólares. La competitividad es fiera. Al considerarlo, pensé: “¡Vale! Vosotros podéis pelear en una Guerra. Yo

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voy en la dirección contraria”. Como los pabellones nacionales han adoptado una estrategia tan agresiva, lavé uniformes militares con dibujos de flores como camuflaje y los colgué en el tejado. Esto significa tiempo de descanso, paz, nuestra intención de no ir a la guerra. Cuando los medios de comunicación internacionales empezaron a hablar de mis obras y se corría la voz entre los visitantes, comencé a recibir una respuesta entusiasta.

Flores e imágenes militares Los visitantes a este pabellón se acercaron al artista para expresar su aprobación y le dijeron que era “la mejor exposición”. Cuando recuerda estos elogios, nos comentó en voz baja: “Aunque eran extravagantes exteriormente, estas obras me producían cierta tristeza interior. Creo que la gente podía notar esto”.

Koh: El título de la exhibición, “El amor ha desaparecido pero la cicatriz sanará” suena a romanticismo. ¿Qué quiere decir este título y cómo eligió las obras para exponerlas?

Lee: El comisario del pabellón coreano, Yoon Jae-gap, sugirió ese título. Y me gustó, ya que lo interpreté como un proceso gradual de superar nuestro amor no correspondido por el arte occidental. La herida ha sanado y ahora hemos llegado al punto en que podemos competir de igual a igual. Antes de decidir qué obras exponer, pensé en el espacio donde estarían. La sala estaba diseñada para parecer llena incluso sin objetos. Por ello, elegí obras de distintos medios: pintura, escultura e instalaciones. Esperaba que la gente se viera atraída a alguna de estas formas y quería conducirla a las restantes.

La primera impresión que uno suele tener de mis creaciones es que son bonitas y ostentosas. Sin embargo, si uno se acerca, se enfrenta a una realidad más seria. En el caso de Ángel soldado, que una instalación de vídeo y fotografía, la

pantalla muestra imágenes de distintos colores armónicos como militares camuflados con flores, armados con rifles y avanzando sigilosamente. Las flores son el primer tabú en el arte moderno, pero yo las uso. Lo que vemos es su belleza. Pero ocultan terror y tensión bajo su superficie, algo que nos alcanza como un puñetazo, dada la situación política tan dolorosa de la división de Corea.

Koh: Las esculturas Piedad muestran una forma inusual, ya que el molde sujeta la pieza moldeada. El uso de la horma ha sido elogiado ya que suele destruirse cuando se crea la figura.

Lee: Los humanos estamos divididos por la dualidad de nuestra naturaleza: amándonos u odiándonos demasiado. Estas obras expresan esos dos aspectos: la figura humana sujetándose a sí misma ya muerta o atacándose a sí misma. Piedad originalmente representa el propio dolor humano. Pero en Occidente, la imagen de la Virgen María sujetando a Jesús muerto en sus brazos ha sido empleada como iconografía religiosa. Creo que el pesar real es nuestra propia muerte. No me refiero sólo al fallecimiento físico, sino a la pérdida de nuestros sueños.

Koh: Espejo roto es un espejo real que se rompe al sonido de un disparo cuando un espectador se para frente a él. Tiene también mucho éxito por ser una forma artística interactiva.

Lee: Ese objeto representa la ruptura propia, sugiriendo así un reflejo personal filosófico. A causa del escandalo-

La instalación Ángel soldado (bajo estas líneas) y su creador, Lee Yong-baek (página siguiente). Si se mira de cerca podemos ver figuras armadas con rifles que avanzan ocultándose.

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“Estoy planeando hacer documentales serios sobre la naturaleza cuando cumpla 60 años. Quiero filmar las islas deshabitadas de Corea mientras disfruto de la pesca en aguas profundas y del submarinismo. Para subsistir como artista es muy importante saber cómo disfrutar”.

so ruido, nos sobresaltamos; algunos incluso gritan. Comencé a trabajar con espejos cuando estudiaba en la Academia de Arte y Diseño de Stuttgart, Alemania. Como soy varón no me miro mucho en él, pero mientras estudiaba en el extranjero, a menudo lo hacía para preparar mis presentaciones. Hablaba conmigo o miraba mi reflejo. Entre la realidad de uno y su fascinante imagen soñada entran en juego muchos elementos.

La realidad que se aproxima a la fantasía significa que los sueños se hacen realidad, mientras que la realidad que no llega a la fantasía nos frustra. Quería mostrar un estado intermedio por medio de romper espejos.

Pez de plástico, un cuadro de coloridas carnadas artificiales de atractivos colores, es una reprimenda sobre las imitaciones de la naturaleza empleadas para capturar su esencia. La exhibición de estas obras pueden considerarse un reflejo acertado de la moderna historia de Corea y las privaciones del siglo pasado.

Influencia de Nam June Paik Como artista, Lee admira sobre todo a tres de los más influyentes de nuestra época: John Cage, Nam June Paik (Paik Nam-june) y Joseph Beuys, cuyas exploraciones vanguardistas de expresión e interacción artística a través de medios modernos han cambiado el paradigma del arte en muchos campos. Paik dejó una marca indeleble en Lee. Lee: Cuando estaba estudiando en Alemania, desde el 91 al 96, vi estudiantes que corrían apresurados por el recinto. Pregunté a uno: “¿Qué ocurre?”, y me contestó: “¡Nam June Paik está aquí!”. Los seguí y le conocí. En otra ocasión, fui a una galería a comprar unos libros y me encontré con él. Me presenté como estudiante coreano y me invitó a comer algo, así que pasé un par de horas hablando de arte en el restaurante de un hotel. Le dije que no sabía qué hacer cuando terminara los estudios y me dijo: “¿Hay algo más que te pueda enseñar la escuela? Ve a Corea, América o cualquier otro sitio donde puedas vivir y trabajar en tu arte”. También dijo que era importante entender la diferencia entre divertido e interesante.

De los consejos de Paik durante su encuentro, Lee recuerda este: “No muestres en qué eres bueno e intenta minimizar tus Koreana ı Otoño 2011

errores”. Esto ha sido su guía en la Bienal de Venecia. Pero no ha sido fácil. Como Paik le sugirió, volvió a Corea tras sus estudios pero le fue difícil vivir de su arte, incluso en su país.

tirse puede ser más difícil que trabajar duramente. Para hacer una obra de arte uno necesita estar motivado por algún estímulo o inspiración.

Lee: Después de regresar a Corea en 1996, tras dos años aproximadamente, una galería de arte me ofreció organizar una exhibición. Luego contrataron un nuevo conservador y canceló el proyecto seis meses antes, así que fui al Museo de Arte de Sung­kok para ver al encargado de muestras, cuyo nombre ni siquiera conocía, y le pedí que me diera media hora para explicarle mi trabajo. Ahí mismo aceptó organizar una exposición mía. ¿Y sabe qué? Era Lee Won-il, recientemente fallecido. Fuimos afortunados con esta exhibición de un desconocido: mucha gente vino y las críticas fueron favorables. En 2000, mostré una obra interactiva, Emoción artificial, en la que los espectadores se enfrentaban a la respiración de una vaca moribunda. Sólo la vieron treinta. Me sorprendió que nadie mostrara interés en ella.

Koh: Habrá sido realmente frustrante Lee: Definitivamente lo fue. Pero pensé que debía detenerme un rato. Un artista nunca sobrevive solo. Aparte de vender obras, un experimento necesita de cierto estímulo. Fue difícil asimilar que nadie se preocupaba. En 2001 no organicé ninguna exposición y trabajé en proyectos audiovisuales. Me ganaba la vida sumergiéndome a 30 metros con equipo pesado y filmar escenas para documentales de la naturaleza.

El artista y su tiempo

Hasta el año pasado desde que tenía treinta y tantos, Lee trabajó haciendo ese tipo de programas para vivir y para invertir en su arte.

Un proyecto fue presentar los monumentos históricos de Corea, como el templo de Bulguk, para la página de internet de la Administración del Patrimonio Cultural. A los 41 años, pudo finalmente vender sus obras de arte.

Lee: Arte y reportajes es lo que me gusta hacer.

Estoy planeando hacer documentales serios sobre la naturaleza cuando cumpla 60 años. Quiero filmar las islas deshabitadas de Corea mientras disfruto de la pesca en aguas profundas y del submarinismo. Para subsistir como artista es muy importante saber cómo disfrutar. Diver-

Las obras de Lee son francas y provocativas. “Mientras que muchos artistas crean trabajos conceptuales, ambiguos o personales, Lee Yong-baek destaca la estética de las relaciones, algo que me gusta”, nos dijo Yoon, el comisario. “Sus obras, para decirlo claro, expresan cierta sociología del arte pero también revelan asuntos vitales. Tiene un estilo propio que no puede hallarse en Occidente”.

Koh: Usted trabaja con varios medios, como pintura, escultura e instalaciones.

Lee: Sí. Uso varios formatos porque viví en un periodo en que la libertad artística y la expresión franca estaban prohibidas. Comencé mis estudios en 1985 en la Universidad de Hongik, donde el 100 por cierto de los profesores favorecían el minimismo. Me oponía frontalmente a una educación tan sesgada. Fui a la universidad porque quería hacer mi propio arte, pero reprimían cualquier creatividad, lo cual me sofocaba.

Bajo la dictadura militar, también había mucha autocensura. El arte, como lo veo yo, es expandir ideas y percepciones.

Sin embargo, en esos años, me sentía como en una casa dirigida por un patriarca conservador de una única idea. Fuera de la universidad surgían nuevas voces, la del arte popular. No podía aceptar esa dicotomía.

Creo que las artes son, fundamentalmente, sobre la libertad individual y, como resultado, poder ayudar a otros a liberarse. Eso no estaba permitido en mis años de universitario. No tuve otra opción que irme al extranjero; quise ser lo más libre posible den-

tro de la legalidad. Al principio, me atrajo el “arte procesual”, en el que las obras dejan de existir tras ser exhibidas. Para ello, necesitaba una videocámara para grabarlas. Además, pensé que la competición con los occidentales podía ser dura en la pintura y escultura tradicionales, pero en el nuevo videoarte había igualdad. Por esto he experimentado con varios métodos.

Después, Lee ha desarrollado la práctica de considerar una idea desde distintas perspectivas relacionada con varios medios. La forma final que decide, nos explica irónicamente, depende de su “saldo bancario”.

Koh: Una reseña del distinguido especialista estadounidense John Rajchman, de la Universidad de Columbia, ha despertado una gran atención. Afirmó que el arte moderno autóctono coreano surgió después del movimiento en pro de la democratización de 1987 y que sus obras están muy relacionadas con la política, la historia y las condiciones sociales de Corea. ¿Se consideraba usted un estudiante activista?

Lee: Asistí a manifestaciones pero no era miembro del núcleo [de ningún grupo].

Durante una protesta, arrojé una piedra que golpeó a un policía, que cayó. Desde entonces, no lancé ninguna más. Cuando iba al estudio de arte en bachillerato, los maestros estaban divididos en modernistas frente a partidarios del arte popular. Odiaba a ambos grupos. En retrospectiva, nuestra generación, educada durante el régimen de Park Chung-hee, estaba acostumbrada a la coacción. El arte popular no era muy diferente. Después de considerar la creación de doctrinas, organizaciones y normas autoritarias, no veía diferencias con el modernismo. Creo que si decidimos la manera como queremos ver el mundo por adelantado y mantenemos esa mentalidad nunca podremos ser artistas.

En la línea de salida de nuevo Las obras de Lee son atractivas visualmente. Esto se relaciona con su noción de la supervivencia como artista. Primero intenta que el espectador baje la guardia con la belleza y el brillo, pero entonces tiene que ver la verdad real en él

mismo y sondear los temas de nuestra época. Al igual que el artista rechazó la dicotomía mencionada durante sus años de universitario, todavía rehúsa que sus obras se vean restringidas por factores externos.

Lee: Mientras estudiaba en el extranjero, inicié varias obras experimentales. Si el público reaccionaba positivamente, dejaba de trabajar en ellas inmediatamente y comenzaba proyectos nuevos. Mientras intentaba entender cómo quería vivir mi vida, leí un perspicaz pasaje de un libro, que decía: “Si pones una trampa para cazar un conejo, tras lograrlo, deberías tirar la trampa”. He aplicado esto a mi propia vida. El arte es un medio de comunicación. Una vez que se ha completado el proceso, hay que deshacerse del medio, así que cuando completé mis estudios en el extranjero, tiré la mayoría de mis obras, tantas, que llenaron dos contenedores, y regresé a mi país sólo con trabajos en papel.

Koh: ¿Cuáles son sus planes para el futuro?

Lee: En septiembre, organizaré una gran exhibición privada en la galería Pin, en el Distrito de Arte 798 de Pekín.

La Bienal de Venecia es la práctica; el juego real es la exposición de China.

Me explicó los planes de este proyecto con una mirada perpleja. No puede imaginarse pasar toda su vida trabajando en un único tema porque cree firmemente que un artista con vitalidad también es muy autorreflexivo y suficientemente inteligente para desprenderse de la trampa una vez que ha logrado su presa. Esto es por lo que debemos esperar innumerables sorpresas de Lee Yong-baek.

Piedad – autoodio : una escultura ataca la figura materna caída, el molde del que proviene (página anterior). Lee cuelga uniformes militares con dibujos de flores en un tendedero improvisado en el tejado del pabellón coreano de la Bienal de Venecia como símbolo de paz (bajo estas líneas).

en el escenario global

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Un éxito de ventas global:

Por favor cuida de mamá , de Shin Kyong Sook Tras su éxito en los Estados Unidos desde que se publicó en abril, la novela

Por favor cuida de mamá , de Shin Kyung Sook, está teniendo gran acogida en Europa.

Este logro se debe a su maestro retrato del simbolismo de la figura maternal.

Kim Mi-hyun Profesora de Filología Coreana de la Universidad Femenina de Ewha

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lcanzó el millón de ejemplares vendidos tan sólo a los 10 meses de publicarse aquí en noviembre de 2008, el libro de ficción coreano que más rápido lo ha logrado. En junio de 2011, se había logrado vender 1,75 millones y firmar contratos de publicación en 28 países. Ha sido la primera traducción de una obra literaria coreana en el Reino Unido, Portugal, Israel, Serbia, Finlandia e Islandia, entre otros. La librería virtual Amazon la nombró una de sus 10 principales publicaciones en la primera mitad de 2011 mientras que apareció en el número 14 en la lista de mejores libros de ficción del diario The New York Times. La autora ha regresado de una exitosa gira de promoción por siete ciudades estadounidenses y ocho países europeos.

Estos son los datos del éxito de la novelista Shin Kyong-sook dentro y fuera del país. En una entrevista, comparó una vez la fama que ha logrado en el extranjero a la “primera nieve” que cae en territorio foráneo también para la literatura nacional. Para mí, sin embargo, su comentario parece moderado: esta “primera nieve” tiene proporciones de tormenta en cuanto a su triunfo literario y comercial. Sus logros son el premio a su perseverancia y dedicación desde que iniciara su andadura literaria en 1985 con un relato publicado en una revista literaria.

[Puede hallarse más información sobre la autora en la edición de invierno de 2010 de esta revista. –Nota de los editores] La aceptación internacional de esta novela de Shin se debe a distintos factores y contribuciones de distintas fuentes, como la del Korea Literature Translation Institute y la Daesan Foundation, que subvencionaron la traducción al inglés. La gran traducción de Kim Chi-young y la experiencia en mercadotecnia de la editorial Alfred A. Knopf, Inc., también ayudaron al éxito del proyecto. Pero al final, el aclamo internacional se debe al atractivo universal de la novela.

Más allá de los límites de la literatura coreana

2 1. La novelista Shin Kyung-sook en el Centro Lincoln para las Artes Interpretativas, Nueva York. Dice que iba ahí a menudo durante la temporada que pasó como investigadora visitante en la Universidad de Columbia desde septiembre del año pasado a este agosto (fotografía: Lee Jae-an).

2. La edición estadounidense de Por favor cuida de mamá .

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La fama de Por favor cuida de mamá no apoya la noción popular de que “lo que es más coreano es lo más universal”. Evidentemente, hay elementos que refuerzan su resonancia universal que atraen a lectores de distintas culturas y países. Sobre todo, la novela es sobre “mamá”, que hace posible que la ficción logre cierto nivel de familiaridad. En la obra, este personaje está descrito como una figura heroica que se sacrifica personalmente y evita que los valores de la estirpe se vuelvan obsoletos. Para ello, a veces se halla en conflicto con otros parientes, por medio de los cuales se esfuerza para mantener y transformar a todo el grupo. Los lectores tienen que interpretar y entender esta figura maternal desde su propia perspectiva. Para algunos, puede ser la personificación de Dios, la vida (matiz o patria) o la cualidad de ser diferente. Puede considerarse incluso como si representara al propio lector. Ella es una síntesis de los valores y sentimientos que se han perdido pero han de recuperarse y restaurarse.

El atractivo universal de la protagonista resuena entre los lectores de todo el mundo. “La novela es la historia de una familia coreana, pero también de cualquier familia americana si los nombres y los lugares fueran distintos”, dijo un lector en un comentario en Amazon.com. “Captura el dilema que experimenta cualquier familia en el mundo”, según otra nota en una bitácora de Ms. Magazine.

Por favor cuida de mamá, sin embargo, no se contenta con describir el sacrificio personal del personaje maternal. Por el contrario, el relato quiere luchar contra la ideología convencional. La autora define la novela como una obra que revela la verdad sobre “mamá”, que rompe sus estereotipos y deconstruye la figura

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La autora firma copias de su libro en el festival de Hay, en Hay-on-Wye, Gales, Reino Unido, en mayo de este a単o.

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en un ser humano independiente y autosuficiente. Aunque la obra parezca defender los valores patriarcales conservadores de una concepción de la maternidad anticuada, los lectores van descubriendo poco a poco un personaje progresista y autónomo. En otras palabras, podemos decir que es como un caballo de Troya sobre ese tema.

Su sacrificio transciende lo que podría considerarse “antimoderno” o “antifeminista”. La novelista crea un personaje que es posmoderno y posfeminista. Por ello, la “mamá” bondadosa no describe una existencia pasiva que “es” sino una persona dinámica y multifacética que “hace”. Como ha dicho la autora en varias ocasiones, el tema subyacente no es tanto rememorar esa figura como esforzarse para identificarla y conocer la verdad de su vida. En este sentido, describe la maternidad y la familia del siglo XXI.

Logro literario Aparte de la enorme popularidad de la obra, también se ha destacado que es un éxito artístico. Desde la primera frase del libro (“Hace una semana que desapareció mamá”) hasta la última (“Hace nueve meses que desapareció mamá”), la historia mantiene la tensión de una novela de misterio. Es también impresionante su cuidadosa narrativa, que incluye las diferentes perspectivas del hijo, la hija, el esposo y la propia madre. Los primeros tres narran en segunda persona, mientras que “mamá” habla en primera, con mayor “La novela es la historia de una familia coreana, pero también de carga emocional. El refinamiento artístico de cualquier familia americana si los nombres y los lugares fueran la novela queda destacado por el uso magistral de símbolos como los zapatos de la prodistintos”. tagonista, algunos pájaros y La piedad , de Miguel Ángel.

Los lectores también prestan atención a distintos recursos literarios. Por ejemplo, Oprah Magazine recomendó el libro en su edición de abril de este año junto con una lista de preguntas que incitaban a la reflexión: “¿Por qué la narración en segunda persona es un modo poco común pero se usa en toda la primera sección de la obra (relato de la hija, Chi-hon) y la tercera (relato del marido)? ¿Qué pretende con esa elección de voces? ¿Qué refleja sobre los sentimientos de los personajes hacia la madre? ¿Por qué cree que “mamá” es el único personaje que cuenta su historia en primera persona? ¿Por qué la comida es un elemento tan importante en los recuerdos de Hyong-chol sobre su madre? ¿Cómo explica el hecho de que varias personas recuerden ver a la madre con sandalias azules de plástico, con un pie malherido, aunque cuando desapareció llevaba sandalias marrones de tacón bajo?”.

De este modo, los lectores se ven invitados no sólo a seguir el argumento sino también a apreciar la presentación artística de la novela. Una lectura en profundidad y el resultado de la buena recepción del público como un gran logro literario es una oportunidad para dar a conocer otras obras de la autora a los lectores de todo el mundo. Según Shin, la literatura es una fuente de reflexión y de atractivo artístico que refuerza la solidaridad humana y da reposo a los débiles y frágiles. Cree que el papel de su narrativa no es denunciar o criticar lo absurdo del mundo. Si los lectores siguen buscando valores intrínsecos sobre la condición humana y sobre el arte, la demanda de obras de Shin Kyong Sook aumentará.

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ARtesano

Kim Il-mahn

preserva la antigua tradición de la alfarería onggi Desde la antigüedad, los coreanos usaban vasijas de barro para almacenar el kimchi ,

la verdura fermentada típica del país, y otros condimentos, como el doenjang (pasta de soja), el gochujang (pasta de pimentón picante) y el ganjang (salsa de soja). Las porosas paredes de estos recipientes crean un entorno óptimo para la transformación.

Park Hyun-sook Colaboradora | Ahn Hong-beom Fotógrafo

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l proceso de fermentación produce bacterias beneficiosas para el organismo; no sólo mejora el sabor del alimento sino que lo hace más sano. La sapidez característica de los platos sometidos a este tipo de proceso tiene una calidad extrañamente atractiva. El futurista Alvin Toffler predice en La tercera ola que es el sabor del futuro. Cree que la gastronomía del mundo se volverá hacia productos derivados beneficiosos y se alejará de la preferencia por la sal y salsas preparadas. La fermentación mejora el valor nutricional de los alimentos al crear subproductos beneficiosos. Para ayudar a este proceso, los coreanos se han ayudado de unos toscos recipientes de barro denominados onggi. Cerca del 90 por ciento de los platos típiKoreana ı Otoño 2011

cos del país incorporan ingredientes fermentados.

Mejores resultados de los métodos tradicionales Para fabricar un recipiente onggi se necesita amasar la arcilla con mucho esmero, darle forma en el torno y hornearlo con madera de roble. Este tipo de objetos pueden tener un vidriado marrón oscuro (oji geureut) o quedar sin vidriar (jil geureut), poco frecuente ahora.

Las superficies duras y brillantes de estos contenedores están repletas de poros microscópicos que permiten la circulación del aire sin que se vierta líquido. A causa de esto, los coreanos se refieren a ellos como “jarrones que respiran”. En el pasado, cuando este tipo de

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1. El maestro alfarero Kim Il-mahn alisa la boca de una tinaja, el paso final de darle forma.

2. Se apilan anillos de arcilla en el torno para formar el recipiente.

3. El interior y exterior de una vasija de barro se alisan y endurecen golpeándolos con una paleta.

4. Las vasijas ya terminadas se dejan secar completamente y se vidrian antes de cocerlas.

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alfarería básica era normal en todos los hogares, las mujeres tenían mucho cuidado en limpiar la superficie para que las vasijas pudieran respirar adecuadamente. Al hacerlo, el sabor del kimchi y la salsa de soja que se almacenan ahí mejora.

La importancia de estas vasijas en la vida de antaño es clara. En Samguk sagi (historia de los Tres Reinos), se dice que la Dinastía de Silla (57 a.C.-935 d.C.) tenía una agencia gubernamental, denominada Wagijeon, que supervisaba la producción de tejas y recipientes de cerámica. Más recientemente, en los años 60 del siglo pasado, había más de 500 hornos en todo el país para fabricarlos.

La alfarería tradicional en el país se ejemplifica bien en dos estilos, ambos de porcelana horneada a altas temperatura: la verdeceladón, que nos recuerda la nobleza, y la blanca, a menudo comparada a una belleza inocente y sutil. Las dos han sido consideradas las

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mejores para exhibirlas y apreciarlas. Por contraste los cacharros de barro eran de uso diario, como “una simple y dedicada ama de casa”, según palabras de Jeong Ji-yong en su poema “Nostalgia del hogar”.

Estas vasijas no tienen una belleza cautivadora pero con el tiempo y el uso revelan una belleza funcional sin pretensiones.

El maestro alfarero Kim Il-mahn, de 70 años de edad, aprendió esta artesanía cuando tenía 15, como preparador de arcilla responsable de filtrar las impurezas de la no refinada mezclándola con agua. Por su dedicación completa a estos recipientes le otorgaron el título de ‘Importante Patrimonio Cultural Intangible número 96’.

“Cuando pongo las piezas en un horno tradicional, sólo el 50 por ciento de ellas sale bien. Muchas explotan porque la temperatura en el interior no es uniforme. Si usara un horno de gas no tendría que pasar la noche alimentando el fuego con madera y podría salvar casi Cu l tu ra y A rte d e Co re a

todas las piezas. Además, un torno eléctrico es más manejable que uno manual. Sin embargo, esas no son opciones para un auténtico artesano”, nos explica.

Legado de ocho generaciones de alfareros

capacidad para 100 litros. Los tres son el hijo mayor del maestro, Seong-ho, de 49 años, el hijo menor Yong-ho, de 37, y el nieto, Myeong-jin, de 23. Los cuatro hijos de nuestro alfarero son parte del negocio de la familia; el segundo, Jeong-ho, de 46 años, y el tercero, Chang-ho, de 43, tienen sus propios talleres. Todos los productos se venden con la marca “Obuja Onggi” (alfarería onggi del padre y sus cuatro hijos). Su nieto representa la octava generación de ceramistas en la familia. Como ocurrió con su padre, la carrera de Seongho comenzó a los 15 años. Con más de 30 de experiencia, todavía se considera “aprendiz”.

“Todavía estoy aprendiendo. Ningún paso es fácil, ni siquiera preparar la arcilla bruta”, nos dice. “La recogemos de todo el país para tener la mejor calidad en el torno y el horno. Creo que mi padre tiene

Su inquebrantable fe en los métodos tradicionales la muestra con orgullo a la entrada de su taller, junto a su hogar. Su complejo “Yeoju Ipo-ri Onggi Kiln” consiste en tres hornos de estilo tradicional construidos hace más de 150 años. Cada uno es distinto en tamaño y forma. El más grande tiene una cámara espaciosa y puede hornear una gran cantidad de tinajas de gran tamaño de una vez. El túnel tenía originalmente 40 metros de largo cuando lo construyeron pero ahora sólo mide 24,5 metros de longitud, 2,4-2,8 de anchura y 1,531,75 de altura. El segundo (10,73 x 1,5 x 1,15 m) lo usa principalmente para jarras y recipientes para cocinar al vapor de tamaño medio. El más “Si usara un horno de gas no tendría que pasar la noche pequeño (7 x 1,95 x 1,15-1,27 m) sólo lo usa para alimentando el fuego con madera y podría salvar casi todas las pequeñas vasijas sin vidriado.

“Nací en Andong, provincia de Gyeongsang piezas. Además, un torno eléctrico es más manejable que uno del Norte, y en mi familia ha habido alfareros durante seis generaciones, incluyéndome a manual. Sin embargo, esas no son las alternativas de un mí. Este oficio era y es duro porque no se gana mucho dinero. Para complicar las cosas, mi auténtico alfarero”. padre se bebía todo el dinero que ganaba vendiendo sus vasijas. Vagaba por el país, sin hogar razón y por eso seguimos con los métodos tradicionales. Proviene propio, trabajando como alfarero itinerante. Yo soy el primero de mi de su creencia de que las máquinas no pueden sustituir las manos familia dueño de un horno. Cuando me trasladé aquí, a Ipo, en 1980, y esto le lleva a cuidar al máximo su trabajo. Un horno tradicional era un pueblo de ceramistas, con hornos esparcidos por doquier. puede producir un mayor porcentaje de pérdidas, pero las obras que Ahora casi todos han desaparecido y los tres que tengo en mi taller salen de él intactas son más duraderas y atractivas. Además, a difeson una rareza”. rencia de los tornos eléctricos, yo puedo mantener un ritmo y velociDelante de los hornos hay un estudio donde se moldean las piedad adecuadas con el pie y sólo entonces puedo alzar la pieza, suave zas. Los cinco tornos son manuales y se hacen girar con el pie, a y estable”. la manera antigua. Hay tres jóvenes torneando jarras, algunas con

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1. Los hornos tradicionales de su empresa, Obuja Onggi, se encienden cuatro veces al año durante cinco días cada vez.

2. Kim comprueba las vasijas cocidas cuando se enfrían. En un horno tradicional, la temperatura es tan desigual que casi la mitad quedan destruidas.

El nieto, Myeong-ji, estudió alfarería en formación profesional y ahora está en la universidad, donde estudia Artes Visuales. Dice que por su abuelo él siente alegría y orgullo de ser un artesano que continúa la tradición familiar. Su tío, Chang-ho, le interrumpe: “Esta alfarería onggi requiere procesos muy laboriosos desde el principio.

Para un horneado, pasamos al menos cinco noches despiertos porque tenemos que controlar el calor. El último día, cuando el fuego se ha extinguido, todos los alfareros están agotados. Cuando era joven, mi padre era el único que volvía al torno el mismo día. Viéndole tan dedicado a su vocación decidí continuar sus pasos”.

Kim Il-mahn trabaja en su torno en la parte más recóndita del estudio, tras sus dos hijos y su nieto. Forman un cuadro vivo: el padre, con la sabiduría que da la edad, observa con cuidado a sus hijos, orgulloso. “Un joven fuerte puede hacer girar su torno vigorosamente y golpear rítmicamente la arcilla mientras levanta las paredes de la vasija. Pero yo ya soy viejo, así que mi torno gira débilmente y tiemblo al tocar las paredes. ¡Mírelos! ¡Con qué energía…!”. El maestro sabe que sus hijos y su nieto son los herederos de su legado.

También siente orgullo en sus tornos manuales. “Cuando era más fuerte, podía moldear una vasija de 1.200 litros yo solo. No quiero decir que sea especialmente habilidoso, pero otros alfareros no podían hacerlo. He oído que en otros países varios artesanos colaboran para hacer un recipiente de un tamaño especialmente grande y que lo hacen por partes. Los alfareros coreanos hacen las paredes apilando anillos de arcilla y uniéndolos a pellizcos. Así, podemos hacer el cuerpo más sólido y resistente”.

Las paredes de las vasijas elaboradas de esta manera tienen que suavizarse por dentro y fuera simultáneamente, con herramientas en ambos lados. Este es el paso más importante para hacer un recipiente onggi resistente. Mientras que un alfarero con dos o tres años de experiencia puede tener la habilidad de apilar los anillos de arcilla adecuadamente, se necesitan más de 10 años para ejecutar este paso de alisamiento tan crítico.

Arcilla vieja para que respire Al igual que el kimchi está mejor cuando ha fermentado totalmente, la arcilla tiene que envejecer para asegurarse de que la vasija “respira”. La importancia de este proceso se refleja en este dicho de

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1

los alfareros: “La arcilla que preparas hoy estará mejor si la usa tu nieto”.

“Las propiedades del barro varían según regiones”, nos explica Kim. “Suelto o pastoso, arenoso o fino… Son diversas. También si es arenoso puede diferenciarse en el contenido de arena. Los alfareros tienen que aprovechar las cualidades individuales de la materia prima, así que no quedan satisfechos con un tipo. Desde la antigüedad, se sabe que cuantos más se combinen, la mezcla será mejor.

He viajado por todos los lugares del país cuya tierra es famosa y he recogido muestras de tantas fuentes como me ha sido posible para hallar las combinaciones más adecuadas”.

Una vez que se prepara la mejor mezcla, la arcilla en bruto se sumerge en agua para eliminar impurezas, como hierbas o arena, Cu l tu ra y A rte d e Co re a

2

antes de dejarla macerar. Cuando se asienta, se quita el agua, se deja secar y se golpea hasta convertirla en un polvo fino. Luego se mezcla con agua y se amasa en tiras grandes. Un trozo se coloca en el torno, se rocía con arcilla blanca y se extiende y golpea hasta logar la forma del fondo que se quiere. Luego, se apilan anillos a lo largo de los bordes para crear las paredes.

Una vez se tiene la forma, se deja secar de una semana a un mes, dependiendo de la estación. Se aplica el vidriado, una mezcla de ceniza y arcilla roja, de 2-4 meses de “curado”, a las piezas secas.

Normalmente lleva 50-60 días completar todo el proceso, desde la preparación de la arcilla al horneado de las vasijas completas.

“Encendemos los hornos cuatro veces al año: dos en primavera y dos en otoño. Horneamos de 350 a 400 recipientes en cada una. El Koreana ı Otoño 2011

combustible es pino rojo de corteza fina de Gangneung porque esta madera produce mayor calor. La temperatura pasa de los 100º C el primer día a los 1.200-1.300. El fuego se extingue a los cinco días”, nos relata el maestro.

Todas las vasijas de cerámica sin refinar podrían parecer similares para mucha gente pero el maestro y sus cuatro hijos pueden distinguir sus creaciones de las de otros. Así es para todos los alfareros experimentados, según nos cuentan. Aunque ya no son productos de primera necesidad para los coreanos de hoy en día, hay gente que todavía busca recipientes bien fabricados. Para satisfacer las expectativas de estos consumidores, su familia quiere mantener viva esta tradición de la alfarería onggi incluso con las nuevas generaciones.

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en el camino

En 2011 se cumplen mil años de la edición original del Tripitaka (Canon Pali) coreano.

Para conmemorar esta ocasión se representó durante tres días el transporte de estas planchas de madera, unos 100 días antes de la celebración principal, el “Primer milenario del Tripitaka coreano”, que comienza oficialmente el 23 de septiembre de este año.

Venerable Sungahn Director del Departamento de Preservación del Instituto del Tripitaka Coreano del templo de Haein. | Ahn Hong-beom Fotógrafo

Peregrinación del milenario del Tripitaka coreano

1. La procesión, encabezada por un palanquín que transportaba una plancha original del Tripitaka da la vuelta a la pagoda en el patio principal del templo de Haein antes de partir hacia Seúl.

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Ko re a n Cu l tu re & A rts

Una plancha del Tripitaka coreano. Han pasado mil años desde que se grabaron las originales, que se quemaron durante la invasión mongola de 1232 y de las que sólo se conservan algunas. Cuatro años más tarde se inició su reproducción, que se completó 15 años después.

E

l 18 de junio, se hizo sonar cinco veces la gran campana del pabellón de la música en el templo de Haein, que reverberó hasta la mañana del sábado. Un coro con vestimentas tradicionales cantó “Los tres refugios” y el venerable Nojeon recitó el “sutra del corazón”. Tras el “informe a Buda”, realizado por el rector de la Escuela Universitaria de Haein Sangha, el responsable del templo sacó una de las 81.258 planchas de impresión del Tripitaka del lugar donde se conservan y la colocó en un palanquín. La ceremonia de marcha significó el primer paso en una gran procesión hasta Seúl.

Comienza la peregrinación La procesión iba encabezada por una banda tradicional, cuyos miembros llevaban trajes amarillos y tocaban cornetas y tambores. Tras ellos, iban los monjes, con distintos objetos rituales: un quemador de incienso, un estandarte del bodhisattva que guía a las almas, otro con cinco colores, una sombrilla y un gran abanico de llantén. Iban seguidos por el palanquín con la plancha e innumerables monjes del templo, incluyendo el abad, junto con los de su centro de meditación y otros que estudiaban las escrituras, más algunas monjas que participaban en el retiro espiritual de verano. Al final de la procesión iban los fieles, cada uno con una réplica del bloque de madera sobre la cabeza.

Después de salir del salón de Beopbojeon (de la Joya del Dharma ) y tras pasar por el de la Gran Luz de la Tranquilidad, se dirigió al camino de las Estelas, donde el abad entregó la plancha de madera al gobernador de la comarca de Hapcheon. Con esta entrega, terminó el primer día de ceremonias. Tras un acontecimiento conmemorativo en Seúl, el bloque de madera viajaría de vuelta al templo de Haein a través del embarcadero fluvial de Gaegyeong, recreándose así el mismo viaje de hace siete siglos.

Se dice que la cultura más exquisita surge en tiempos de prosperidad.

El Tripitaka coreano es un auténtico tesoro nacional que ejemplifica los logros económicos y culturales logrados por la Dinastía Goryeo (918-1392).

El venerable Uicheon, príncipe preceptor nacional de Goryeo, notó que la compilación del Tripitaka fue la “tarea de trasladar la sabiduría de nuestro milenio a otro en el futuro”. El pueblo de esa época acumuló el conocimiento y la tecnología del milenio anterior, que dieron como resultado estas planchas, que nos han llegado mil años después. La inmensidad de K o r e a n a ı S u mme r 2 011

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1 1. De regreso al templo de Haein, devotas budistas llevan una réplica de una plancha en la cabeza por una carretera desde la ermita de Gilsangam.

2. La ceremonia de partida delante del almacén donde se guarda el Tripitaka coreano, en el templo de Haein.

esta ocasión histórica se hizo evidente en la representación de la peregrinación de las planchas.

Ciento ocho pasos El templo de Haein, donde está el Tripitaka desde el siglo XIV, se halla en las laderas del monte Gaya. Si subimos hacia el pico por el prístino valle de Hong­nyudong, veremos que este lugar aparece ante nuestros ojos sobre un área verde. Más allá de la puerta de Un Pilar (Iljumun), la entrada principal, hay dos más –la del Fénix (Bonghwangmun) y la de los Cuatro Guardianes (Sacheonwangmun), que nos conduce a unas escaleras de piedra. Pasadas las tres, surge una más, la de Nirvana (Haetalmun), donde hay un letrero que dice: “Gran monasterio de la orden Hwaeom del budismo coreano”, que conduce a un patio espacioso, donde al otro lado vemos el pabellón de los Nueve Rayos de Luz (Gugwangnu).

Esta estructura tiene dos pisos. El primero sirve como entrada al patio princi-

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pal, donde hay una pagoda de tres niveles y un farol de piedra del periodo de Silla (57 a.C.-935 d.C.). A la derecha está el salón de Avalokitesvara (Gwaneumjeon), y a la izquierda, el de la Suprema Verdad (Hyeondang), donde viven los novicios.

Si subimos por las escaleras, llegaremos al salón de la Gran Luz de la Tranquilidad, el principal del templo, donde está consagrado el Buda Vairocana. A la derecha hay tres estructuras: el salón de la Dicha Zen (Seonyeoldang), residencia del abad, el del Juicio de los Muertos (Myeongbujeon), donde está consagrado el bodhisattva Ksitigarbha, y el de Arhat (Eungjinjeon). En la parte de atrás del de la Gran Luz está la zona más antigua del templo, donde hallamos los dos almacenes del Tripitaka (Janggyeong Panjeon). En lo alto de una empinada escaCu l tu ra y A rte d e Co re a

K o r e a n a 覺 A u t u mm 2 0 1 1

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2

lera a esta área hay una puerta con el siguiente rótulo: “Los ochenta mil Tripitaka” (Palman Daejanggyeong).

Las escaleras, que ocasionalmente se ven en la ruta desde la puerta de Un Pilar a los edificios donde se guarda el Tripitaka , tienen 108 escalones, número basado en la noción budista de que todos los humanos experimentan 108 tipos de ilusiones, raíz de todo sufrimiento.

Según esta religión, estas ilusiones pueden disiparse andando desde la puerta hasta el almacén sin saltarse ninguno de los peldaños: uno a uno nos liberaremos de esas fantasías. Por ello, cualquiera que no sienta calma y paz tras llegar a este lugar debe haberse saltado un paso o dos.

1. Las planchas del Tripitaka están almacenadas muy juntas en los estantes del almacén. El venerable Sungahn inspecciona una de ellas.

2. La procesión del Tripitaka coreano pasa por el barrio de Insa-dong, Seúl

1

Cuando me ordené en este templo, ofrecí 3.000 reverencias en el salón principal, me afeitaron la cabeza y me puse la túnica marrón de novicio. Cada uno tenemos asignada una tarea relacionada con la comunidad. A mí me correspondió la oficina de administración general por lo que tenía como responsabilidad diversos asuntos del recinto. Uno de los más importantes era suplir al monje a cargo de la vigilancia del almacén del Tripitaka durante las tres comidas diarias, limpiar la oficina a cargo de su gestión y también hacer labores de vigilancia en el depósito de las planchas.

Almacén del Tripitaka coreano Más allá de la puerta de los Ojos Panópticos (Boanmun) hay un letrero con el nombre Sudarajang, que significa “almacén para los sutras”. El nombre está compuesto por sudara y jang. La primera parte es la transliteración de la pala-

K o r e a n a 覺 A u t u mm 2 0 1 1

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2

bra hindi sutra, un término general para los textos de los discursos y enseñanzas de Buda y del budismo en general, mientras que la segunda es una palabra sinocoreana que significa “depósito”.

Los edificios donde se guardan las planchas de madera del Tripitaka son las estructuras más antiguas del templo de Haein, construidas en 1488, a principios de Joseon. Para proteger los bloques de madera y evitar daños y deterioro, fueron diseñados para que mantuvieran una temperatura y una humedad constantes, factores fundamentales para conservar ese material. La situación, distribución y orientación de los edificios, así como su estructura interna, configuración de las ventanas y estructura de los estantes, están todas pensadas para conseguir una iluminación y ventilación adecuadas, requisitos para tener un entorno correcto de almacenamiento. Estas edificaciones, más funcionales que estéticas, están repletas de simbolismo budista: el número de pilares es de 108, que, como hemos visto, es el número de deseos humanos, mientras que el tamaño total de la planta de los edificios es de 365 pyeong (unos 1.200 m2),

El proceso de grabado de estos bloques comenzó en 1236 y duró 15 años.

Requirió el equivalente a 1,3 millones de días de trabajo (hoy en día, un trabajador a tiempo completo representa unos 252 días de labor por año). El número de ideogramas grabados es de 52 millones, similar al de Joseon wangjo sillok (anales de la Dinastía Joseon), escrito durante el transcurso de 5 siglos.

Tres templos relevantes de Corea representan los tres tesoros del budismo: Buda, el Dharma y el Sangha. El de Tongdo, donde están consagradas reliquias de Buda (sarira ), es el del tesoro de Buda; el de Haein, que ha propagado las enseñanzas de Buda al imprimir las escrituras con estas planchas de madera, es el del Dharma; y el de Songgwang, de donde han surgido muchos monjes reverenciados, es el del Sangha.

Deslumbrante procesión por Seúl

El segundo día de la peregrinación se realizó una ceremonia en el templo de Jogye, en la capital, donde había un claro ambiente festivo con mezcla de cantos religiosos y versos del “sutra del gran dharani” adaptado para el ritmo más acelerado de la música contemporánea. El Milenario del Tripitaka Coreano 2011, previsto para septiembre, no es sólo un evento religioso para la comunidad budista sino un festival nacional para todos. Por ello, las recientes celebraciones han contado con la participación de figuras públicas de distintos sectores sociales. Por ejemplo, Ceferino Valdez, máximo representante de Paraguay en Seúl, ha sido nombrado embajador de buena voluntad para estos próximos festejos. También ha participado Lee Hee-ah, “la El venerable Uicheon, príncipe preceptor nacional de Goryeo, pianista de cuatro dedos”.

Al ritmo de cornetines, partió la procenotó que la compilación del Tripitaka fue la “tarea de trasladar sión. En Insa-dong, barrio donde los residentes y los turistas extranjeros acapala sabiduría de nuestro milenio a otro en el futuro”. ran las calles los domingos por la tarde, la gente aplaudió y animó a la comitiva, El pueblo de esa época acumuló el conocimiento y la tecnología cuyos miembros llevaban la réplica de una del milenio anterior, que dieron como resultado estas planchas, plancha. La multitud no paraba de tomar fotos con sus cámaras y móviles, mientras que nos han llegado mil años después. que los niños admiraban boquiabiertos los carros tirados por bueyes que llevaban las réplicas de los bloques de madera. que representa el número de días del año. Otro rasgo A la procesión de Seúl se sumaron participantes que no estaban en Haein, con destacable es que se han usado piedras mínimamente escoltas oficiales, soldados armados, funcionarios civiles y militares y portadotalladas. res que llevaban planchas de madera a la espalda, aparte de los carros tirados El edificio del centro, el pabellón de las Ochenta Mil por bueyes mencionados y una banda musical de agricultores. Este desfile pasó, Escrituras, alberga 6.791 libros impresos con las planaparte de Insa-dong, por Jongno Cheonggye 2-ga y Cheonggyecheon-no antes chas del Tripitaka. Es una colección tan enorme que, si de dirigirse al puente de Gwangtong, llenando el ambiente de colorido. La proceuno leyera un libro al año, tardaría 18 en leerlos todos. sión duró dos horas y, a pesar del calor estival, los rostros mostraban serenidad, Los estantes en los dos edificios de depósito, Sudarajang como si las planchas los consolaran. y Beopbojeon, están repletos de lo que parecen innumerables planchas de madera. Para describir esta inmenLa apoteosis de la peregrinación El último día, el 20 de junio, se realizó una recreación de la entrega hace sidad, difícil de comprender, se ha calculado que si se siglos de las planchas al templo de Haein en el embarcadero de Gaegyeong, en la apilaran, alcanzarían una altura de 3.200 metros, y si se comarca de Goryeong, provincia de Gyeongsang del Norte. Se sabe que se habían alinearan alcanzarían una distancia de 60 kilómetros. En realizado en la Dirección General del Tripitaka (Daejang Dogam) y su sucursal, total, pesan 280 toneladas.

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Cu l tu ra y A rte d e Co re a

La ceremonia en el embarcadero de Gaegyeong. Se cree que estas planchas, realizadas en varios lugares, fueron transportadas en barcos de madera hasta este lugar, el muelle fluvial más cercano al templo de Haein.

pero no está claro cómo y cuándo fueron transportadas al templo. No hay duda, sin embargo, de que el viaje se hizo al puerto mencionado, conocido desde hace tiempo como el “puerto del Tripitaka ”. En aquellos días, la forma más práctica de transportar una carga de ese calibre habría sido en barcos de madera. Además, este muelle fluvial era el más cercano al templo. Por este motivo, la última celebración comenzó en un barco de carga fondeado aquí.

Era un carguero similar a los de transporte de cereales de la Dinastía Joseon, que llevaban la cosecha de las provincias meridionales a Seúl. La actuación en el muelle rivereño pretendía simular la descarga de las planchas.

Después, la misma comitiva de Seúl marchó al monumento de piedra recientemente construido para conKoreana ı Otoño 2011

memorar el papel histórico de este puerto en el traslado de las planchas. En ese lugar, se recalcó de nuevo la importancia de toda la peregrinación y, como acto final, el gobernador de Goryeong entregó la plancha auténtica al de Hapcheon.

El desfile a Haein se retomó en Gilsangam, una ermita cercana al templo. Los frondosos árboles de la carretera daban sombra a los participantes, que parecían refrescados mientras respiraban el aire puro escuchando a la banda musical de la marcha. En el sendero desde Gilsangam hasta Haein, paralelo al valle de Hongnyudong, la sombra y el murmullo del agua fluyendo por el riachuelo sirvieron de alivio del calor para todos.

Finalmente, la comitiva terminó al entrar al templo por la puerta de Un Pilar y la plancha original volvió al almacén. El abad y todos los participantes dieron tres gritos de júbilo para marcar así la conclusión de estos tres días de festejos.

Desde lejos, sonó una campana mientras atardecía en Haein y el viento hacía tintinear las campanillas bajo los aleros. Cuando caía la noche en las montañas, el almacén de las planchas se ocultó en la vetusta calma de este monasterio.

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Publicaciones Kim Hak-soon Periodista

Traducción inglesa de la antología de clásicos del erudito de Joseon Jeong Yak-yong

Admonitions on Governing the People Traducción de Choi Byeong-hyeon, Berkeley University Press, 1.174 páginas, 95 dólares (tapa dura).

Mongmin simseo (Admonitions on Governing the People – consejos para el gobierno del pueblo–), obra maestra de Jeong Yak-yong, erudito de la Dinastía Joseon, se ha considerado uno de los principales clásicos del país.

gente, para la que no son más que ladrones”.

Se dice que Ho Chi Minh, el líder vietnamita admirado por su honestidad, siempre tenía una copia de este libro a mano.

En una encuesta fue elegida la principal lectura obligatoria para todos los

Esta primera traducción al inglés, de finales del año pasado, permite

coreanos. Es, en una palabra, una guía para el gobierno local que trata de

que el texto sea accesible a más gente. Choi Byeong-hyeon, el traductor,

las reglas, regulaciones y virtudes de esa tarea, aparte de la mentalidad

es profesor de Filología Inglesa en la Universidad de Honam. Siempre ha

requerida en aquellos con cargos de autoridad.

creído que este libro era “un auténtico clásico, al mismo nivel de La Repú-

Al escribirlo, Jeong quiso mejorar el gobierno local aunque su ambición

blica, de Platón”. Se siente satisfecho de la publicación: “Ahora que está en

más general era la reforma de todo el sistema político centrándose en el

inglés, ocupará el lugar que le corresponde entre las publicaciones más

bienestar de la población. Con lógica y honestidad, el autor profundiza en

importantes del mundo”.

los temas y costumbres de su época y, tras identificar el origen de los pro-

El original son 12 volúmenes, por lo que Choi tuvo que abreviarlo en uno

blemas, sugiere un remedio. La intensidad de sus esfuerzos investigadores

solo. A pesar de ello, todavía contiene 66.000 palabras, que ocupan 1.174

es evidente en cada página, así como el cariño por el pueblo, su honradez y

páginas. El proyecto ha tardado una década en realizarse: siete años para

su humildad como erudito.

la traducción y otros tres para pulir el texto y publicarlo.

La virtud más importante de un funcionario público, según el autor, es

Otra traducción de Choi, Jingbirok (The Book of Corrections – el libro de

“la integridad”, de la que dice: “Es el deber del gobernante, la fuente del

las correcciones–), publicado por Berkeley en 2003, se usa como manual

bien y la base de la virtud; sin ella, no se puede gobernar. Un líder codicioso

para temas de estudios coreanos y asiáticos en distintas universidades, como

pronto afectará a todos los que están a sus órdenes y enseguida todos sólo

la de Michigan, la de Ball State y la de British Columbia. En la actualidad, está

se dedicarán a acumular riqueza. No es más que chuparle la sangre a la

compilando un glosario para la traducción al inglés de clásicos coreanos.

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Cu l tu ra y A rte d e Co re a

Las maravillas naturales de Corea logran estrellas Michelin.

Música más allá de la música: última tecnología de grabación y tradición

Corée. Le Guide Vert (guía verde de Corea)

Echoes of the Great Pines (ecos de los grandes pinos) (CD)

Publicada por Michelin, 450 páginas, 25 euros.

31st Productions, 15.000 wones.

Si la serie de guías de Lonely Planet se considera esencial para via-

“Hace unos años tuve la oportunidad de asistir a un servicio religio-

jar, las de Michelin son la biblia para los gastrónomos. Incluyen una

so matutino en el templo de Songgwang. Entonces pensé que la músi-

turísticos y Roja, con información sobre restaurantes de calidad, y una

ca sacra hacía que la Quinta Sinfonía de Beethoven palideciera en com-

Verde, con distinta información sobre temas varios: cultura, sociedad,

paración. Cuando se editó el CD lo compré inmediatamente y no me

historia, atractivos turísticos y restaurantes.

sentí decepcionado”. Son las palabras de un médico coreano. “¡Suena

La primavera pasada se publicó la primera edición en Francia sobre

genial”, fue la reacción de John Newton, un ingeniero de sonido de

Corea. En mayo, en la presentación del libro en la Korea Tourism Orga-

fama internacional, director ejecutivo de Sound Mirror y ganador de

nization, Bernard Delmas, presidente de la división para el Este de Asia,

numerosos Grammy.

dijo lo siguiente: “El principio fundamental de Michelin es que si ofre-

El templo de Songgwang, además de tener más de un milenio de

cemos una información interesante y valiosa, los lectores tendrán una

antigüedad, es uno de los tres principales lugares de culto de Corea –y

buena experiencia”.

Este libro otorga tres estrellas, su máxima puntuación, a 23 destinos turísticos en todo el país. Entre ellos están los palacios de Gyeong-

ahora, por primera vez en el país, se ha utilizado la tecnología “DSD 5.0

surround-sound” para grabar la música de sus servicios religiosos al amanecer.

bok y de Changdeok y la Aldea de Hanok de Bukchon, en Seúl. En la

Es bien sabido que estas ceremonias sagradas son las más reve-

provincia de Gyeongsang del Norte nos hallamos con el templo de Bul-

renciales y de mayor calibre entre todos los ritos. Y las de este lugar

guk, la gruta de Seokguram, y los pueblos de Hahoe y Yangdong. En

son especialmente famosas por su singular sonido. Por encima de

Gyeongsang del Sur, el templo de Haein. En la isla de Jeju, el Pico del

todo, puede considerarse un oficio sacro “musical”.

Amanecer de Seongsan. Y en Jeolla del Sur, los templos de Seonam y de Songgwang y la bahía de Suncheon.

Este cedé es un logro significativo en varios aspectos. Existen, claro está, muchos álbumes de ritos budistas. Se han publicado ya dos de los

Hay alguna sorpresa entre los lugares que lograron esta puntua-

de Songgwang, famosos por su musicalidad. Pero esta nueva graba-

ción, como el Parque de la Independencia, en Maisan, y el Museo de

ción ha despertado mucho interés por el perceptible perfeccionamiento

Dólmenes, en Gochang, provincia de Jeolla del Sur. El motivo para esta

de la calidad del sonido. Generalmente, los cedés emplean la tecnolo-

valoración tan alta, según Delmas, era: “Los turistas extranjeros que

gía MIC (modulación por impulsos codificados, o PCM, por sus siglas

vienen a Corea están interesados primordialmente en lo singular del

en inglés); sin embargo, Echoes of the Great Pines se ha realizado con

lugar”.

DSD (siglas inglesas de Direct-Stream Digital), un claro avance respec-

Michelin ha asignado estrellas a 110 lugares de todo el país. Entre

to a la anterior tecnología.

ellos hay varios mercados tradicionales. Por ejemplo, el de Jagalchi, en

Si cerramos los ojos y escuchamos nos sentimos transportados al

Busan, recibió dos y el de Seomun y de Medicina Tradicional de Daegu,

propio templo durante la ceremonia matutina. Este cedé reproduce el

una. En Seúl, el de Gwangjang y otros especializados en medicina her-

sonido de cada canto, cada sílaba, en el salón de nuestro hogar, con

bolaria, coches usados, y diversos mercadillos, a pesar de no haber

tanta claridad como el original. Uno puede perderse en las voces que

recibido ninguna, también están listados por su interés. Los occidenta-

despiertan a toda la creación en cada amanecer y, como se sugiere en

les disfrutan de un turismo más tranquilo de paseos pausados. Quizá

el forro del álbum, podremos sentirnos más cerca del nirvana. Escu-

por ello otros lugares como Itaewon o Myeong-dong, ambos en la capi-

charlo mientras conducimos nos ayudará a tranquilizar nuestro espíri-

tal, no aparecen en el libro.

tu, disipando la frustración de los tediosos atascos.

El hecho de que la sauna seca típica coreana, jjimjilbang, haya sido

La grabación y producción de este álbum fue supervisada por

mencionada como “experiencia útil y singular” quizá también sea una

Hwang Byeong-joon, encargado de Sound Mirror Korea y uno de los

sorpresa. La guía explica que estos lugares “representan la cultura

ingenieros musicales más prestigiosos del país. Hwang fue parte del

coreana de compartir”. El libro también presenta distinta información

equipo de Grechaninov: Passion Week, que logró el Grammy a la Mejor

sobre diversos aspectos del país, como su economía, las costumbres al

grabación de un álbum de música clásica en 2008. Hwang declaró

beber licor y el consumo de carne de perro.

Michelin planea editar la versión inglesa de esta guía en Noviembre de este año, aparte de publicar la Guía Roja sobre el país.

Koreana ı Otoño 2011

que Echoes también será candidato para otro Grammy. Por ello, todo, desde el título a las notas de la funda están en inglés. El álbum ha sido publicado simultáneamente en Corea y en los EE.UU.

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Entretenimiento

Soy cantante lidera los programas televisivos de entretenimiento Hoy en día, la fiebre de la ‘telerrealidad’ inunda los programas de entretenimientos más populares de televisión. En la actualidad hay unos 10 espacios con formato similar en las emisoras regulares y por cable, y es probable que esta cifra aumente. El más visto de ellos es Soy cantante .

Lee Young-mee Crítico de cultura popular y profesora adjunta de la Universidad de Sungkonghoe

S

oy cantante (Naneun gasuda ) es un programa dominical de la cadena MBC (canal 11) en el que compiten siete artistas de la canción. Todos son famosos en el país por su extraordinaria capacidad. Cada episodio es evaluado por un jurado, compuesto por 500 miembros de la audiencia en el plató, en cinco grupos de edad, desde adolescentes a gente de 50 años. Los jueces observan las actuaciones en un estudio y votan por sus favoritos.

Según el resultado, aquel con menor puntuación durante dos rondas es eliminado. Además de la función básica de hallar el más popular, el programa ofrece diversión de ‘telerrealidad’ al mostrar imágenes de los protagonistas fuera del escenario, quienes se sortean las “canciones misión” que han de interpretar, y sus arreglos y prácticas, aparte de escenas de los momentos antes de su actuación

Reflejo de la sociedad coreana Está claro que estos programas de “supervivencia” están creados sobre patrones de otros espacios televisivos en el extranjero, pero su popularidad no es gratuita; la preferencia de los televidentes de aquí por estos espacios ha surgido en el país, como puede verse en los cambios que se están viviendo en la sociedad. Desde 2001 a 2006, se han emitido varios de este tipo, pero no despertaron el interés que tienen hoy. El hecho de que hace 10 años no fueran tan populares pero ahora haya 10 con grandes audiencias revela cambios notables en la actitud del público coreano y en su psicología social.

Alrededor del año 2000, los espacios televisivos tendían a fomentar campañas con algún tipo de causa en un formato de entretenimiento. Símbolo de exclamación era un buen ejemplo.

Los telespectadores, animados por este espacio, sintieron un interés renovado por la lectura, se abrieron pequeñas librerías en distintas áreas y se prestó nueva atención al patrimonio cultural del país. En esa ápoca, Corea se recuperaba de una seria recesión económica, conocida como “crisis del FMI”, resultado de los problemas financieros asiáticos de 1997-98. Con la nueva administración de Kim

80

Cu l tu ra y A rte d e Co re a

Dae-jung, que se hizo cargo de la nación en 1998, el público apoyaba los esfuerzos conjuntos para superar los problemas, incluso donando sus joyas de oro para recuperar las reservas de capital en una efusión de cooperación ciudadana. En este entorno, los programas televisivos asociados con campañas públicas eran más populares que los de tipo de “supervivencia”. La opinión pública incluso apoyó renunciar a espacios que valoraban la música pop.

Desde 2003, se hicieron populares nuevos programas de entretenimiento que combinaban la educación con la cultura. Un ejemplo típico era Esponja, un espectáculo mixto de información y entretenimiento, el denominado infotainment , centrado en preguntas de cultura general aportadas por la audiencia, presentadas en un formato divertido. Estos espacios estimulaban la curiosidad del espectador y ofrecía soluciones a problemas por medio de concursos, discusiones y demostraciones. Después llegaron Vitamina, un concurso entre personajes famosos para comprobar su conocimiento relacionado con la salud, el ejercicio y la dieta, y Maldaliza, que enseñaba los aspectos menos conocidos del idioma coreano. Este tipo de entorno educativo se vio influido por la nueva administración del presidente más joven de Corea, Roh Moo-hyun, autodidacta de gran curiosidad intelectual, que daba énfasis a la lectura, la discusión y la educación.

Consecuencias de la extrema competitividad La reciente popularidad de estos concursos de eliminación de ‘telerrealidad’ se ha visto potenciada por la psicología social. Estos espacios reflejan la sociedad tal y como es: una competitividad fiera aun sin odio o malicia hacia los adversarios; es, simplemente, una carencia de oferta lo que los lleva a competir con tal ferocidad. Desde hace poco, los coreanos viven en un entorno social con la mayor rivalidad de su historia. Por ello, los espectadores se han aficionado a programas en los que los participantes han de sobrevivir, sumergiéndose en experiencias indirectas de ciclos emocionales de tensión y alivio, subidas y bajadas, supervivencia y derrota.

Soy cantante merece su popularidad como concurso que presenta a profesionales de primer orden en sus respectivas actividades. Hay otros espacios similares en que compiten cantantes y celebridades televisivas, por ejemplo, para cantar arias, bailar o incluso patinar sobre hielo. Pero hay pocas consecuencias para los “derrotados”. Este no es el caso con el programa que nos ocupa. Aquí, los cantantes compiten entre ellos en sus propias facetas profesionales. Ser eliminado puede suponer un terrible golpe para su imagen y su carrera. Dicen que no importa el puesto en que terminan pero el miedo al rechazo es palpable y causa una considerable angustia.

Practican hasta el agotamiento para estar en plena forma a veces llevando al límite sus emociones y sus voces. A pesar de años de experiencia como profesionales, acaban exhaustos hasta el punto de necesitar ayuda para andar después de cada actuación, o se retiran tras una o dos sesiones por enfermedad.

Por ahora, los coreanos parecen adorar este tipo de espectáculos ya que viven en una sociedad extremadamente competitiva y por ello sienten empatía hacia los artistas. Los espectadores, estresados y sufriendo, sienten lástima y simpatía por los cantantes, lo que a su vez les sirve de catarsis.

Por último, los aficionados a la música pop vuelven a estar interesados en cantantes con voces poderosas y vibrantes. Por este programa, la audiencia, desde los más maduros, que tienen vivos recuerdos de los grandes músicos del pasado y se sienten decepcionados con los grupos de chicos y chicas de la actualidad, hasta los adolescentes, que sólo conocen las imágenes llamativas y la música elemental del entretenimiento pop, tiene la oportunidad de apreciar y reconocer el verdadero talento musical, más allá de la fama de quien está en el escenario o de unas voces mejoradas electrónicamente. Nos queda por ver si la música pop coreana usa esta experiencia como paso en una nueva dirección.

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Delicias de gastrÓnomo

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as tortitas, en sus distintas variedades, forman parte integral de la tradición gastronómica en todo el mundo. Tenemos, por ejemplo el jian bing y cong you bing (China), el okonomiyaki (Japón), el blin (Rusia), los panqueques (EE.UU.), la pizza (Italia), la dosa y uttapam (India), la injera (Etiopía), el crêpe (Francia), la tortilla (México), y el bánh xèo (Vietnam). En cada país se emplean distintos ingredientes, se cocina de manera singular y se come de forma diferente. Pero en todos los casos, es un plato de la gente corriente. Su venta en puestos ambulantes confirma su atractivo.

¿‘Torta de los pobres’?

En Corea, hay muchos tipos distintos de tortas, variaciones de jeon , con nombres basados en su ingrediente principal: pajeon (cebolleta), gamjajeon (patata), kimchijeon (kimchi), hobakjeon (calabacín), saengseonjeon (pescado) y gogijeon (carne). Pero el versátil bindaeddeok es, sin duda, uno de los favoritos, característico del país, junto con el kimchi y el bulgogi. Como en otras naciones donde las tortitas tradicionales son parte de la alimentación de todas las clases sociales, en Corea, el bindaeddeok se conoce como ‘comida de la gente corriente’. Por ello, su origen está imbuido de folclore, y se piensa que su nombre deriva de binjaddeok, o ‘torta de los pobres’.

Este plato se prepara con una masa de alubias verdes remojadas molidas, a la que se añade carne y varias verduras, como campánula, brotes de helecho, cebolleta, kimchi y guindilla. Luego se fríe en una sartén hasta que se dora y se sirve caliente, en trozos pequeños, que se mojan en una salsa de soja aderezada. Antaño, se ponía carne o pescado sobre ella como ofrenda durante los ritos funerarios o en otras ocasiones especiales. Tras la ceremonia, se regalaba al servicio doméstico. Con el paso del tiempo, el bindaeddeok se ha independizado como plato.

Durante el periodo de Joseon, siempre que había sequía, los indigentes se reunían fuera de la puerta del Sur, entrada a la capital, para recibir alguna limosna. En estos casos, las familias acomodadas decidían preparar montañas de bindaeddeok, que se transportaban en carro hasta la puerta, con el anuncio de: “Esta limosna es de la familia de…”. Era una forma primitiva de ayuda.

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1. Un sabroso bindaeddeok grande y grueso surge dorado de la plancha del chiringuito de Sun-hee. La masa es una mezcla de kimchi y alubias verdes, la cual se fríe en una sartén con bastante aceite.

2. Una ración de bindaeddeok en el restaurante de Pyeongnaeok, una masa elaborada con alubias verdes, carne de cerdo picada y cebolleta.

Referencias en libros de cocina antiguos Este plato se menciona por primera vez en Eumsik dimibang (recetas de gourmet), de 1670 aproximadamente, el primer libro sobre la gastronomía del país escrito por una mujer en hangeul, el alfabe-

Bindaeddeok

Tortitas coreanas para cualquier ocasión El Bindaeddeok es uno de los acompañamientos favoritos para cualquier tipo de licor coreano.

Se prepara con una masa hecha con alubias verdes molidas, a la que se añaden distintas verduras, carne o marisco, y se fríe hasta que se dora. Se sirve caliente, se corta en trozos pequeños y se moja en una salsa de soja aderezada.

Ye Jong-seok Profesor de la Escuela de Negocios de la Universidad de Hanyang | Ahn Hong-beom Fotógrafo

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to coreano. La señora Jang, la autora, nacida en Andong, escribe: “Remoje las alubias verdes, exprímalas para eliminar la piel y muélalas hasta que se conviertan en una masa espesa. Coloque una pequeña cantidad en una sartén con aceite hirviendo. Ponga en el centro de esta masa algunas alubias rojas peladas y ya hervidas glaseadas con miel y cúbralas luego con más masa. Fríalo todo hasta que adquiera el color amarillo del cidro”. Esta receta, a diferencia de la de hoy, da como resultado un alimento dulce.

Otra preparación similar se halla en Gyuhap chongseo (enciclopedia femenina), de 1809. La única diferencia es que se sustituyen las alubias rojas por nueces con miel, y un acompañamiento de piñones y azufaifas, como en el hwajeon (tortita con flores). El bindaeddeok se servía antes, pues, como postre, con un acompañamiento atractivo.

Algo más cercano a lo que conocemos hoy lo vemos en Joseon mussang sinsik yori jebeop (las mejores recetas de la nueva cocina coreana), de 1924. Sin embargo, era un plato para la clase alta con ingredientes caros, como oreja y cohombro de mar y setas, muy distinto del de la actualidad. Es razonable pensar que el bindaeddeok ha pasado de ser un manjar para los más privilegiados, los nobles yangban, a otro para la gente común.

“Un caballero del bindaeddeok ”, un éxito de 1948 del cantante Han Bok-nam, describe cómo las clases menos favorecidas disfrutaban de este alimento en esa época. La letra habla de un hombre que bebe y come en un restaurante pero no tiene dinero para pagar. Después de que le golpeen y arrojen del local, la gisaeng sonríe con desprecio y le dice: “Si no tienes dinero, ¿por qué no te quedas en casa y comes bindaeddeok?”. Este pasaje cómico gustó mucho al público.

Las cualidades de las alubias verdes El plato que nos acupa, a diferencia del resto de las tortitas de Corea y de otros países, se hace con alubias verdes y no con harina. De esta legumbre se dice en textos como Dongui bogam (ejemplar de medicina coreana) y Bongcho gangmok (Bencao gangmu , en chino, –compendio de conocimientos médicos–) que es “el más nutritivo entre los cereales y las legumbres de todo el mundo”. Estas alubias son más conocidas por la gente en forma de brotes.

Según los principios de medicina tradicional, es antipirética y ayuda a desintoxicar al eliminar los residuos. Además, contiene ácidos grasos esenciales eficaces para controlar la diabetes y la hipertensión. Contiene asimismo aminoácidos y vitaminas B1 y B2, que ayudan a revitalizar el organismo.

1. Una pila de estas tortitas recien hechas tienta a los transeúntes.

2. Se usa una piedra para moler las alubias verdes remojadas.

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En noches lluviosas, a muchos coreanos les apetece disfrutar de makgeolli acompañado de bindaeddeok . Ese vino de arroz lechoso es perfecto para esta deliciosa tortita.

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Antojo de días lluviosos El bindaeddeok es uno de los acompañamientos favoritos para cualquier tipo de licor coreano. Hay una enorme variedad de aperitivos para aquellos que salen a tomar una copa en grupo, una costumbre vital para la socialización en la mesa coreana. Hay un dicho popular: “Buenos aperitivos crean una buena bebida”. Una taberna tradicional siempre ofrece este plato como acompañamiento. De las muchas bebidas coreanas, la perfecta para esta tortita es el makgeolli.

Los coreanos prefieren este plato en días lluviosos. Hay muchas teorías sobre la causa. Una es que en la antigua sociedad agraria, la gente no trabajaba en el campo cuando llovía, así que se quedaba en casa disfrutando de esta tortita, fácil de hacer, para pasar el tiempo. También se dice que las hormonas se ven influidas por la cantidad de luz solar, por lo que un día lluvioso supone el aumento de la melatonina, que estimula el apetito. Otra idea es que, cuando llueve, las temperaturas más bajas provocan que se acelere el metabolismo, lo cual induce el deseo de comer alimentos fritos, como el bindaeddeok. Finalmente, hay quienes asegusan que el sonido de las gotas de lluvia hace que la gente recuerde el borboteo de este alimento al cocinarse. Sea como fuere, una tarde lluviosa inducirá a muchos coreanos a buscar el simple placer de un trago de makgeolli acompañado de esta tortita.

Hoy en día hay muchos restaurantes en Seúl famosos por este plato. Entre los más populares está Hanseong, en Nonhyeon-dong, al sur del río Han, y Pyeongnaeok, en Jeo-dong, al norte. Sun-hee, en el callejón de casas de comidas del mercado de Gwangjang, en Jongno 5-ga, lo sirve grueso, de un tamaño impresionante; según dicen, proviene de una receta de la provincia de Pyeongan, en Corea del Norte.

En casa se puede añadir cualquier ingrediente a la masa de alubias verdes, se fríe en una sartén con bastante aceite hasta que el exterior esté crujiente, y así se puede disfrutar de un lujo difícil de batir en cuanto a facilidad de preparación y sabor. Además, de este tipo de “plato de consuelo” uno puede deleitarse en cualquier momento, llueva o no.

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OPINIÓN DESDE LA LEJANÍA

¡Multiculturalismo! ¡Globalización! ¡Internacionalidad!

Nuevos paradigmas en la sociedad coreana.

Dorlisca Hilares Docente universitaria dedicada a la enseñanza del idioma español en Corea del Sur.

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n los últimos años, Corea ha dado pasos gigantes en el proceso de globalización (segyehwa 세계화) expresada también en la ‘visión’ y ‘misión’ de las organizaciones e instituciones coreanas. Las relaciones bilaterales con otros países, la expansión de la cultura coreana hacia el mundo a través del fenómeno llamado “hayllu” (ola coreana), los tratados de libre comercio, los intercambios y proyectos económicos, políticos, educativos y culturales que se vienen dando en este nuevo milenio, han generado nuevas manifestaciones y pensamientos. ¡Corea ha entrado a una nueva etapa en su historia demográfica y cultural!

Uno de los efectos inevitables de esta globalización es el complejo y controversial hecho del incremento de matrimonios internacionales, consecuentemente la formación de familias internacionales y el surgimiento de una nueva identidad coreana.

Como se sabe, hasta hace unos años atrás y aún hasta hoy la homogeneidad étnica es una característica peculiar de Corea, particularidad que enorgullece a la mayoría de sus pobladores, a pesar de que en los años 50 ya existían algunos matrimonios entre coreanas y militares de la tropa estadounidense y en los años 80 feligresas japonesas de cierta iglesia, inmigraron a Corea con fines matrimoniales; sin embargo, el multiculturalismo y la inclusión no eran reconocidos por la sociedad coreana, situación que va mejorando en estos tiempos.

El giro de este exclusivismo étnico y en cierta medida el inicio del reconocimiento de la presencia e inclusión de otras etnias y culturas en la sociedad coreana, tiene como inicio los años 90.

Corea, al integrarse a la economía global, obtuvo la facultad de ampliar su industria a nivel internacional, estableciendo sucursales en algunos países vecinos del este de Asia y China. En ese entonces, las empresas coreanas impulsaron la capacitación de

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su personal extranjero trayéndolos al país para ese fin. Posteriormente las pequeñas y medianas empresas coreanas dieron la bienvenida a una nueva mano de obra de trabajadores migrantes (documentados e indocumentados) de Vietnam, Bangladesh, Indonesia y Filipinas, entre otros, y recientemente de de otros países como Brasil, Nigeria, Uzbekistán e India, quienes realizan trabajos de agricultura y pesca.

Como consecuencia de una creciente demanda e interés de la población por aprender idiomas extranjeros, particularmente el inglés, se produce un incremento de inmigrantes en el sector profesional, por lo que han llegado al país profesores e instructores especialmente provenientes de países de habla inglesa tales como Estados Unidos, Inglaterra, Canadá, Australia, Nueva Zelanda, etc.

Debido al auge de la industria coreana y el establecimiento de sus empresas o sucursales en otros países, las zonas rurales van perdiendo importancia y las ciudades se tornan más atractivas, particularmente para el sector femenino deseoso de desarrollarse profesionalmente. El número de mujeres en las zonas agrarias se ve diezmado, además de la notable desproporción entre varones y mujeres, realidad que tiene un impacto directo en el estado civil de los campesinos, quienes ven limitados sus posibilidades de casarse y formar sus propias familias con sus connacionales (para la sociedad coreana tradicional, quedarse soltero y no tener hijos es considerado como inconcluso el círculo de la vida y, por ende, algo triste o trágico). Para menguar esta situación, los campesinos, solterones en su gran mayoría, tuvieron que recurrir a las agencias matrimoniales dedicadas a encontrar futuras novias y esposas en el extranjero, inicialmente provenientes de China y Vietnam y más tarde de otros países del Asia Central y del

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Este. Irónicamente la implementación de estos matrimonios con extranjeras se da en un sector rural supuestamente tradicional y menos expuesto a los cambios de la vida moderna y son ellos quienes tienen que enfrentarse a los desafíos culturales propios del establecimiento de una familia multicultural.

Aunque los matrimonios internacionales fueron una respuesta inmediata al problema del cambio de estado civil de la población rural soltera, al mismo tiempo generó serios e innumerables problemas sociales, debido a la excesiva brecha generacional y cultural de las parejas (matrimonios de hombres de edad avanzada con mujeres jóvenes), diferencias culturales, idioma, exclusión y hasta la marginación de los hijos de esos matrimonios por parte de la sociedad coreana, entre otros. Sin embargo, considero que fueron estos problemas los que coadyuvaron a la apertura hacia el multiculturalismo y la necesidad de tomar conciencia sobre este fenómeno. Al hacerse notorias y públicas estas dificultades, las autoridades y la sociedad civil intentan dar respuestas.

De acuerdo a las estadísticas del Ministerio de Género y Familia de Corea, las uniones internacionales constituyen el 10% del total de matrimonios; el número de niños de estas uniones internacionales se ha incrementado de 44.258 en el 2007 hasta 121.935 en el año 2010. Se asume que en la actualidad la población coreana interracial representa un 2% de la población total pero en pocos años se estima que se multiplicará. Estudios arrojan que para el año 2020 la población multirracial en Corea será de un 5%.

Como el número de estas familias viene creciendo, el Gobierno ha establecido un comité oficial de apoyo bajo la supervisión del Primer Ministro. Once ministerios del gobierno y especialistas del sector privado participan de este comité.

Las instituciones gubernamentales y la población civil están tomando conciencia del significado de la presencia de los inmigrantes y de lo que representan para el futuro de Corea. El director del Instituto de Salud y Asuntos Sociales de Corea dijo: “El número de niños de raza mixta continuará aumentado, el destino de la población coreana dependerá de los descendientes de los inmigrantes”.

Asimismo, el gobierno coreano, para ayudar a las familias internacionales, viene abriendo centros de apoyo; hasta el momento, hay 160 dedicados a la enseñanza del idioma y la capacitación para el trabajo. De esta manera, el cónyuge extranjero tiene la posibilidad de ingresar al mundo laboral y social del país. Las leyes migratorias y las leyes de familia se vienen revisando y cambiando. El Ministerio de Administración Pública y Seguridad ha abierto una página web para que las familias multiculturales puedan comunicarse a través de videos directos con

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sus familiares de fuera del país.

Aunque hay planteamientos y estudios contrarios a la apertura y disposición de la sociedad coreana hacia el multiculturalismo, considero que en la actualidad se han dado pasos positivos para abrirse a la diversidad cultural e integración. En una encuesta realizada por el periódico The Korean Times los resultados reflejan que de cada 10 coreanos 7 están de acuerdo y a favor del multiculturalismo. Asimismo, es destacable el esfuerzo por parte de los medios de comunicación escrita, radial y televisiva que promueven la conciencia multirracial. Podemos apreciar también documentales sobre la vida en Corea de las familias internacionales, así como entrevistas a las esposas extranjeras. Otro aspecto positivo es la trasmisión de anuncios contra la exclusión racial y la apertura a la inclusión de cantantes extranjeros en grupos musicales de K-pop . Por otro lado, las zonas comerciales y calles de Corea están cada vez más transitadas por extranjeros, el país es más cosmopolita, hay museos dedicados a exponer la cultura de otras naciones, la apertura de parques temáticos dedicados a algún país o continente y muchos lugares públicos proveen espacios donde los extranjeros y locales pueden expresarse multiculturalmente, (grupos musicales de música anglo, latina, etc.). También han proliferado los restaurantes de comida extranjera con cocineros foráneos en las zonas aledañas a las universidades, zonas comerciales y de entretenimiento. Las páginas web coreanas de las instituciones públicas y privadas no solo están en el idioma coreano sino también en otras lenguas extranjeras, así también los anuncios por los altoparlantes del sistema de transportes.

La mayoría de las universidades han incrementado sus programas de intercambio con múltiples instituciones educativas del mundo e incluido en sus programas curriculares el multiculturalismo. Como resultado del avance tecnológico e industrial, muchas empresas trasnacionales vienen estableciéndose en Corea y traen consigo su propio personal. Corea un país acogedor y anfitrión de múltiples eventos internacionales tales como la Copa Mundial de Fútbol 2002, la Cumbre del G20, el último Campeonato Mundial de Atletismo Daegu 2011, la futura Olimpiada de Invierno PyeongChang 2018, entre muchos. Todos estos hechos son aspectos positivos para la realización de una verdadera globalización.

Considero que las diferencias culturales y el reconocimiento de la presencia de las familias internacionales en la sociedad coreana es un reto y al mismo tiempo un valor que enriquece.

El multiculturalismo basado en el mutuo respeto y sin dominación impulsa el crecimiento integral del país y contribuye a la paz mundial.

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Estilo de vida

Se dice que para los residentes de Busan solo hay tres tipos de días de diario: cuando los Lotte Giants (gigantes), el equipo local de béisbol profesional, ganan un partido, cuando pierden, y los lunes, cuando no hay juegos.

Este sentimiento define una forma de vida prevalente entre los aficionados de este grupo deportivo desde que se inició la liga profesional en Corea hace tres décadas.

Los ‘gaviotas’ de Busan: apasionados del equipo de béisbol de los Lotte Giants

Song Young-man Presidente de Hyohyung Publishing Company

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a pasión en Busan por el equipo de béisbol local, los Giants, es extraordinaria. Si lleva varios partidos sin perder, los mercados de la ciudad están repletos de actividad pero, si pierde demasiadas veces, están apagados y nadie compra nada ni tiene ganas de comer nada. Cuando una vez llegó a la fase final, el consumo se disparó 150.000 millones de wones (unos 158,8 millones de dólares), según las estadísticas. Esto, dice la gente, es el “efecto de los Lotte Giants”.

Un crítico cultural se preguntaba cómo la gente en esta ciudad podía pasar los largos días de invierno, frase que indicaba su curiosidad por saber cómo los aficionados pueden vivir cuando no hay liga de béisbol.

Estas apasionadas legiones de bulliciosos seguidores se conocen como los ‘gaviotas’, por el título de una cancioncilla popular que han adoptado como su himno. Haga el tiempo que haga, con bolsas de basura de brillante color naranja en la cabeza, abarrotan el estadio de Sajik, donde juega el equipo, en el distrito de Dongnae de esa ciudad meridional. Los contagiosos rugidos de estos hinchas, es un ritual en todos los juegos, como un culto religioso. Animado por este entusiasmo, el equipo suele terminar primero en los partidos de exhibición de primavera aunque no en los partidos de desempate en otoño. Esto provoca un cariñoso lamento en las gradas: “¡Bom-tte!” y “Sibeom-tte!”, expresiones que significan que Lotte suele jugar bien sólo durante los partidos de exhibición (sibeom) en primavera (bom).

“Aficionados natos” Los seguidores de Lotte Giants son comparados a menudo con los cristianos conversos. Acuden al estadio para animar a su equipo, generación tras generación, como los hijos de familias de nuevos creyentes (motae) se bautizan y acuden a la iglesia de sus padres. Este fervor se proclama, con orgullo, en carteles que estos fieles del equipo llevan con ellos al campo: “Motae Lotte”. Este fenómeno se apoya en la larga tradición de aficionados al béisbol de Busan, cultivado por generaciones de abuelos ‘gaviotas’ y padres ‘gaviotas’.

Esta ciudad está en el extremo meridional de la península, muy cercana a Japón. De hecho, la isla de Tsushima está más cercana a Busan que a Fukuoka. Por ello, la televisión nipona podía verse aquí hasta principios de los

1. El bateador de los Lotte Giants Lee Dae-ho estableció un récord mundial en número de jonrones en nueve partidos consecutivos.

2-3. Los aficionados del equipo convierten el estadio en un mar naranja con su peculiar gorro: bolsas de basura de ese color con formas curiosas, algo esencial para animar a los jugadores.

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90. Así se conocieron la pasión por el béisbol de Japón y las técnicas sionante, tanto que toda la ciudad disfrutó de la magia del momende sus equipos, por lo que los institutos de bachillerato de la ciudad to. Los partidos de casa atrajeron a 1,2 millones de espectadores, un empezaron a crear competiciones de este deporte. número inimaginable en aquella época. Durante la temporada reguPor ello, los institutos de Kyungnam y Busan y las escuelas lar, otros lanzadores, como Yoon Hak-gil y Yum Jong-suk, también comerciales del mismo nombre lograron atraer estudiantes con ocuparon su plaza en los corazones de los ‘gaviotas’. Cuando surgió talento, que más tarde se convirtieron en líderes nacionales y regiola primera generación de aficionados, las consignas de ánimo eran nales. Este deporte definía la identidad de la ciudad según se extenbásicas y monótonas, con poco respeto por los equipos visitantes. A día entre sus habitantes, caracterizados por su euforia y su compesar de las dificultades, estos seguidores estaban muy preocupapetitividad. El campeonato nacional de institutos de bachillerato dos por la actuación de su equipo en el campo.

Hwarang Flag (bandera de Hwarang), patrocinados por un periódico local, no desmerecía de cualquier otra competición similar en Tras un bajón, llega un salvador Los triunfos de los Giants desaparecieron durante un tiempo. El Seúl. Estas instituciones educativas estaban muy bien consideradas equipo de Lotte acabó subcampeón en 1995 y 1999, año en el que durante la época dorada de los torneos de este tipo en los años 70 y compitió contra la escuadra de Samsung. Casi a punto de quedar eli80. minado, con una victoria frente a tres derrotas, el equipo de Busan En 1982, en un periodo negro de la política nacional, la dictadura ganó tres partidos seguidos, todos a 6-5, por lo que toda la ciudad buscaba una forma de evasión para las emociones reprimidas del explotó de alegría. Pero este dramático triunfo fue sólo el anuncio de pueblo, lo que condujo a la creación de la liga profesional de béisbol. una década fatídica en el nuevo milenio.

Los entusiastas de Busan tenían al final una manera de dar rienda Entre 2001 y 2007, la escuadra cayó en picado y ocupó el puessuelta a su energía en el estadio de Gudeok, el campo de los Giants to octavo durante cuatro años, luego el quinto, y dos más el séptidesde 1982 hasta 1985. mo. Muchos aficionados le dieron la espalda. En un partido en 2002, Sólo tres años antes, en 1979, los ciudadanos se habían lanzado a el número de asistentes al campo fue de 69, el menor en la histola calle junto con los de la cercana población de Masan para oponerria. Los seguidores se lamentaban: “Dios ha dado el peor equipo a se a la dictadura de Park Chung-hee, aunque el silencio reinaba en Busan pero, afortunadamente, ha permitido que tenga los mejores otros lugares. Hoy en día, muchos todavía comparan la pasión de los forofos”. Comenzaron a referirse a su equipo con nombres despecciudadanos de Busan por su equipo a la de sus vecinos de Gwangju por los Haitai Tigers (tigres).

Se dice que el truco del béisbol es lanzar la bola. Un estadio repleto Cuando los Lotte Giants fueron eliminados en la fase final de la liga del hasta la bandera quedará tan silenaño pasado, circularon rumores según los cuales el mánager, Jerry Royscioso como un templo cuando le toca el turno al pícher local. Y después, ter, iba a ser sustituido. Los aficionados recaudaron fondos para poner un de repente, la multitud enloquecerá. Este comportamiento refleja un anuncio en el periódico que pedía: “¡Que Royster se quede!”. estereotipo de los residentes de la ciudad, de tener el temperamento de pescadores, ya que es la ciudad portuaria mayor del país. En tivos: kkol-tte , basado en kkoljji (habitante de los sótanos o perdedor). ese sentido, su situación geográfica, sus victorias en los torneos de Entonces llegó Jerry Royster, antiguo jugador de la liga profeinstituto, la red social en que se convierte este deporte y el entorno sional americana. Fue el primer extranjero en ser contratado como marinero han contribuido a que los ciudadanos de esta población se mánager de un equipo de béisbol en Corea para que reviviera ese vuelquen en el equipo. Desde la primera generación de ‘gaviotas’, la conjunto moribundo. Le acompañó un importante jugador, Karim identificación entre ciudad y equipo era clara.

García. Para los desanimados aficionados, el nuevo directivo fue Durante la tercera temporada de la liga profesional, en 1984, Choi un regalo divino, ya que infundió coraje a la escuadra y aumentó su Dong-won, lanzador legendario del equipo, se convirtió en héroe moral. El jardinero (outfielder ) Karim García, que había jugado con local. Durante la temporada regular de 100 partidos (actualmente, se los Yankees de Nueva York, aportó una gran experiencia. Su firma juegan 133), obtuvo 23 victorias. Luego ayudó a ganar cuatro más y personal: romper un bate en dos con un golpe en su rodilla tras ser lograr el campeonato. Sus actuaciones electrizaron a los aficionados, eliminado (ponchado ) fue un éxito rotundo entre los jugadores y los lo cual dio lugar al concepto de “fanáticos de Lotte”, por el frenético forofos, que habían estado largo tiempo lamentándose de sí misapoyo que brindaban a su equipo local. mos. Gracias al “efecto Royster”, Lotte llegó a las eliminatorias en El equipo también ganó el título en 1992. Aunque acabó tercero la primera temporada. Luego lo hizo dos años más, por primera vez en la clasificación, su actuación durante los desempates fue impre-

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Aficionados extranjeros al béisbol muestran su apoyo por los Lotte Giants.

en mucho tiempo, iluminando el cielo de los ‘gaviotas’.

A partir de entonces, estos seguidores adquirieron nuevas formas. Las rutinas para animar al equipo se hicieron más creativas y, sorprendentemente, más inclusivas. La fiebre por este deporte contagió a todo el país cuando el equipo nacional terminó tercero (2006) y segundo (2009) en el World Baseball Classic. Además, ganó la medalla de oro en las Olimpiadas de Pekín. Este ímpetu hizo que el número de asistentes a los estadios, entre los que cada vez había cada vez más mujeres, se disparara.

El estadio de Sajik se transformó en un paraíso deportivo, con colores brillantes y pancartas con mensajes y lemas atractivos. Las antiguas formas de vitorear al equipo se reemplazaron por estilos independientes e interactivos. Incluso espectadores extranjeros llevaban el gorro característico de los ‘gaviotas’: bolsas de basura de color naranja chillón anudadas en forma de pajaritas o similares. A la señal de los animadores, todo el estadio estallaba en gritos: “¡Mah!” (¡no lo hagas!), “¡Sserira!” (¡golpéala!) y “¡Ah Jurah!” (¡dale la bola al niño más cercano!).

Ahora, esto no sólo se ve en el estadio de Busan, sino en el de Jamsil (Seúl) o Munhak (Incheon). Es el resultado de la presencia de los ‘gaviotas’ en los desplazamientos de los Giants por los distintos estadios del país, donde siempre realizan su rutina. No importa si el conjunto gana o pierde, sus forofos siempre están animados y vitorean a su escuadra. Este ardiente entusiasmo se ha contagiado a los seguidores de otros equipos, lo cual provoca una energética interacción durante todo el encuentro. La canción “Gaviotas de Busan”, que se ha convertido en el himno de los aficionados, anima a la multitud siempre que juega el equipo y hace que los estadios se conviertan en lo que alguien ha descrito como el mayor karaoke del mundo. Si pregunta a cualquiera nacido en esa ciudad portuaria sobre su pasión por esta escuadra de béisbol probablemente le responderá que es su vida y su alegría.

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Lealtad y obsesión Cuando se aproximan las finales de postemporada, las calles alrededor del estadio de Sajik se convierten en lugar de acampada ya que los aficionados colocan tiendas o extienden alfombrillas para pasar largas horas a la espera de lograr una entrada, lo cual revela de nuevo su maniático entusiasmo.

Pero esta pasión de los ‘gaviotas’ tiene doble filo. En época de triunfos, los partidos son otro paso en la lucha por el “santo grial”.

Pero en temporadas de fracasos, parecen estar condenados a “beber una pócima venenosa”. Cuando los Lotte Giants fueron eliminados en la fase final de la liga del año pasado, circularon rumores según los cuales el mánager, Jerry Royster, iba a ser sustituido. Los aficionados recaudaron fondos para poner un anuncio en el periódico que pedía: “¡Que Royster se quede!”. Fue una muestra sin precedentes de apoyo ya que los forofos no suelen inmiscuirse en la gestión del equipo.

Se dice que el puesto de primer entrenador de este conjunto es una bendición y un maleficio. En esta era de internet, los aficionados examinan con detalle y juzgan cada estrategia del mánager y cada actuación de los jugadores. A menudo, los Giants parecen ser muy agresivos e incluso temerarios en su táctica. Algunos críticos dicen que juegan de forma demasiado física pero otros elogian su estilo por su dedicación y deportividad, por lo cual el equipo es respetado.

Pero cualquier escuadra acaba perdiendo si la estrategia no es la correcta. Los ‘gaviotas’ están disfrutando de una época dorada porque su equipo ha llegado a las eliminatorias finales en las últimas tres temporadas. Además, están deseosos de ver si el gran bateador Lee Dae-ho logra de nuevo su hazaña: establecer el récord mundial de jonrones en nueve partidos consecutivos en nueve días.

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Jornadas de Literatura Coreana

¿Cómo este “yo” va a sobrevivir en esa cueva de Seúl? ¿Es posible escapar del pánico del confinamiento y haber perdido el camino? El relato “Guía de la cueva de Seúl” es un perfecto ejemplo de que tales

CrÍtica

Guía de destinos sin camino: la ficción de Kim Mi-wol Lee Kwang-ho Crítico literario

cuestiones sirven como punto de partida de las obras de ficción de Kim Mi-wol.

Kim Mi-wol

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uía de la cueva de Seúl es también el título de la primera colección de cuentos de Kim Mi-wol (n. 1977), publicada en 2007. El relato del mismo nombre trata del aislamiento de los individuos en la actualidad, apartados como están de la vertiente principal de la sociedad. Su primera novela, Oedulbunjje Bang (la octava habitación), hace uso de una prosa humorística y entusiasta para describir el desarrollo y la frustración de los jóvenes de la actualidad, que viven en ese espacio problemático conocido como “habitación”.

Los personajes de la ficción de Kim Mi-wol son seres extremadamente aislados. Aun así, no son los mismos individuos con los que nos encontramos en la década de 1990, caracterizados por encerrarse en sí mismos, apartados del mundo. En lugar de interactuar con los demás, estos individuos modernos establecen algún tipo de relación con objetos que les rodean, experimentan internamente diferentes formas de vida e, incluso, recrean una especie de paraíso virtual por ellos mismos.

Como resultado, lo que se describe en la ficción de Kim Mi-wol no es una recuperación de la identidad sino más bien un “nuevo individuo” que vive en un mundo fantástico personal.

La literatura de Kim Mi-wol sugiere una obsesión en un paraíso personal pero al mismo tiempo muestra que no está necesariamente apartado de la realidad. En este sentido, los espacios que representan tales edenes no suponen nada similar a Utopía sino, más bien, son realidades mínimas y privadas. Un cielo mínimo es el ensueño propio formado por una generación frustrada por no haber tenido la posibilidad de alcanzar una utopía colectiva mediante relaciones sociales. Este entorno virtual está cubierto por la realidad de la vida diaria, aunque no por las esferas de la violencia y la falsedad, también partes del mundo real. Tampoco es un símbolo de felicidad de una comunidad ni un espacio totalmente distinto a Utopía. Es, más bien, un espacio localizado dentro del tiempo ordinario, desubicado en la memoria de los individuos y desprovisto de presencia, una realidad ajena a la memoria y la realidad. Aun así, no coincide con el significado que puede tener el término “paraíso” ya que comprende tan sólo una posibilidad mínima de alcanzar los deseos personales de uno mismo, y, como consecuencia, no puede establecerse la relación con el “aquí y ahora” que corresponden al cuerpo y el alma.

Cu l tu ra y A rte d e Co re a

“Guía de la cueva de Seúl” ilustra muy bien el típico punto de partida de la ficción de Kim. Hay una gruta que representa una especie de espacio virtual. La protagonista es una mujer inadaptada, identificable como la inquilina de la habitación 203 de un estudio-pensión (gosiwon) de Seúl. Este tipo de alojamiento consiste en una serie de diminutas habitaciones, donde “había más de cuarenta personas acostadas como perchas”. Se describe desde un principio como un caos total y, por momentos, los oscuros corredores se asemejan a cuevas inexploradas.

La narradora, en primera persona, trabaja en una caverna artificial y su tarea es servir de guía atendiendo a grupos de estudiantes de primaria para mostrarles esa tosca imitación vestida de espeleóloga. Se asemeja en gran medida a la estructura del gosiwon.

Los jadeos y las indigestiones, problemas físicos de la narradora, están ligados a sus dos recuerdos. El primero es la visión de una mujer ahogada en la playa sosteniendo a una niña muerta entre los brazos; el otro es la experiencia del pánico que sufrió en la oscuridad total al perderse mientras exploraba una cueva real cuando era universitaria. Sin embargo, lo que subyace en ambos es la imagen de su propia madre, ahogada al intentar salvar a la niña al creer que era su hija. La dependienta de la farmacia, que le vendía los medicamentos para tratar sus problemas de salud, vive en la habitación contigua.

Todos los días, en el corto tiempo en que son vecinas, emite gemidos “como si estuviera atragantándose de mayonesa”. La narradora llega a conocer algunos aspectos de su vida. A diferencia de lo que se imaginan los demás, se pasaba las noches viendo vídeos protagonizados por un hombre que se parece a alguien que recuerda. Al final del relato, la acusan de robar medicamentos y la despiden de la farmacia.

También desaparece del gosiwon. En sus habitaciones tan cercanas y separadas tan sólo con delgadas particiones de madera, el gosiwon no es un lugar propicio para comunicarse con otros. ¿Cómo este “yo” va a sobrevivir en esa cueva de Seúl? ¿Es posible escapar del pánico del confinamiento y haber perdido el camino? La gruta artificial está estructurada de tal manera que la entrada y la salida son ambas el punto de partida y llegada. La forma de entrar y salir del gosiwon consiste también de una simple puerta de vidrio. ¿Es posible escapar de un lugar como éste? En la última parte del relato, la narraKoreana ı Otoño 2011

dora se cuestiona qué debe hacer si la luz roja y la verde del semáforo están encendidas a la vez. Es un eco de la pregunta que se hace al principio de la obra. “Al hallarse ante el paso de peatones, ¿qué se debía hacer si tanto la luz roja como la verde están encendidas? Me hago frecuentemente esa pregunta viendo abajo el letrero iluminado de la farmacia. Claro que la respuesta siempre es 1) cruzar así no más, 2) no cruzar, que no pasan de ser cosas que incluso a los niños se les pueden ocurrir”. Esa es la estructura de la cueva llamada Seúl.

En un espacio donde la salida es la misma entrada, la palabra “camino” no tiene sentido alguno, ya que tan sólo puede existir una ruta.

Luego en un espacio cerrado como éste, no tiene sentido buscarlo y el trabajo del guía es puro teatro. Por tanto, el empleo de la narradora es una decepción. En la escena que describe la falsedad de la noción de buscar el camino, el relato expresa de manera fría y sosegada la crítica situación a la que se enfrentan aquellos que viven en la cueva llamada Seúl. Una cueva con frecuencia simboliza la estrechez, el encierro y la constricción, pero en este relato, mediante la superposición de la imagen del mundo virtual y la Seúl actual, la cueva se transforma en símbolo de la ausencia de camino de la modernidad.

Describiendo los habitáculos de los jóvenes adultos de la nueva generación, aislados y frustrados con respecto a la sociedad en que viven, Kim Mi-wol retrata el paraíso mínimo de los individuos del presente: no es un lugar que los conforta en su soledad sino, más bien, un emplazamiento donde pueden admitir que esa soledad es algo inevitable. Muestra que el aislamiento no es una mera actitud sino la realidad de la vida y, al mismo tiempo, recrea la estética de la existencia de la juventud. No intenta sugerir que la humanidad tiene que mostrar fuerza de voluntad para superar la desdicha sino que describe el esfuerzo que los individuos hacen para cambiar su actitud ante la despreocupación y la indiferencia. Los personajes no tienen un carácter fuerte para enfrentarse valientemente al mundo sino que los describe como gente capaz de mantener una realidad mínima de autonomía. Por todo esto, las obras de Kim Mi-wol muestran de manera exquisita y sorprendente algo que podríamos llamar una “activa pasividad”, que sirve como otra vertiente existencialista de la ficción contemporánea.

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IMAGEn de cOREA

A

ntes de que yo naciera, el mundo ya estaba ahí, con su inmutable indiferencia. Veía entonces ese entorno a través de su luz azul. Después de irme, sé que seguirá en el mismo lugar, tan indiferente como siempre. Miraré desde el más allá este globo garzo, el color de una vida consumada por las llamas de una pasión frívola, con sus cenizas dispersas en el aire. En este índigo, donde no hay causa alguna ni para la alegría ni para la tristeza, ya no existiré más.

“El hombre no nace para vivir eternamente. Por tanto, una vez que ese día se acerca inexorablemente a todo ser viviente, el universo será un lugar vacío de donde ha desaparecido el ser humano. La civilización que ha edificado y las victorias que ha logrado obtener se desvanecerán conjuntamente con el hombre. Desaparecerán sus creencias, sus dudas y sus justificaciones y nada quedará de su voluntad. Y, se crearán muchas cosas para que mueran luego. Aparecerán diferentes formas de vida y se extenderán diferentes formas de pensar en el mundo. Luego, retornarán todos a una existencia sin forma” (Le Clézio).

Los reyes de Silla permanecen en silencio en un largo sueño de más de 1.500 años. Abrazando los gérmenes del silencio incognoscible en el que esos innumerables túmulos que son sus tumbas han llegado ahora a ser olas eternas que lentamente se ponen y declinan en el tiempo con el ritmo de las distantes montañas. El momento se desmenuza con los años y se vuelve azul por sí mismo. Los árboles erguidos, en un grueso círculo, se miran indiferentemente entre el azul y las eternas olas. Parecen atestiguar: “Y todavía el mundo se mantendrá siempre allí con cualquier cosa. Alguna sustancia –alguna sustancia imperecedera- seguirá todavía existiendo en el lugar y tiempo más lejanos que podamos imaginar”. Luego, se despertará la conciencia en el azul que se ilumina.

El azul y las olas de la eternidad Kim Hwa-young Especialista en Literatura Francesa Kang Woon-gu Fotógrafo

Koreana ı Otoño 2011

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