2020 Koreana Summer(German)

SOMMER 2020

KOREANISCHE KULTUR UND KUNST

SPEZIAL

VOR K-POP

Lieder aus der Zeit des Verlustes; Die Eighth-Army-Shows und die Entwicklung der Koreanischen Populären Musik; Trot, Ballade und Tanzmusik; Von Rock-Legende Shin Joong Hyun bis zu Indie-Bands; Populäre Musik im Zeitalter der Neuen Medien

JAHRGANG 15, NR. 2

ISSN 1975-0617

IMPRESSIONEN

© Ahn Hong-beom

Das Geheimnis des Sojasprossen-Wässerns

O

bwohl in dem großen Raum nur wenige Tische und Stühle stehen, sitzen die Kinder weit voneinander entfernt. So sieht ein Klassenzimmer in der heutigen Zeit aus, in der aufgrund der Covid-19-Pandemie Soziale Distanzierung Alltag geworden ist. Noch vor rund 30 Jahren bot sich ein völlig anderes Bild: Damals saßen die Schüler dicht an dicht gedrängt in den sog. „Sojasprossen-Klassenzimmern“. In der Wärme unserer Körper, die wie keimende Sojasprossen in einem traditionellen irdenen Siru-Dämpfer dicht an dicht gedrängt waren, fanden wir Trost.

Sojasprossen oder Kongnamul, die schon seit alters her in Nordostasien in großen Mengen durch Keimung gezüchtet werden, ist eins der Lieblingsgemüse der Koreaner. Die in Wasser eingeweichten Bohnen werden in einen Jilgeureut, einen atmungsaktiven, unglasierten Tontopf mit Löchern im Boden, gegeben. Der Topf wird in eine schattige Zimmerecke gestellt und mehrmals täglich gewässert. Innerhalb einer Woche drängen sich lange Sprossen mit gelben Köpfen und weißen Stengeln dicht an dicht wie die Kinder in den überfüllten Klassenzimmern in den Zeiten der Armut.

Während die Samen keimen, entwickeln sie ein angenehmes Aroma. Der Proteingehalt sinkt zwar leicht ab, dafür reichern sich Ballaststoffe und Aminosäuren an. Zudem entsteht Vitamin C, das in den ruhenden Keimen nicht enthalten ist. In 100g Sojasprossen steckt dreimal so viel Vitamin C wie in der gleichen Menge eines Apfels. Da die in den feinen Faserwurzeln vorhandene Asparaginsäure den Abbau

von Alkohol im Blut unterstützt, sind Sojasprossen eine beliebte Zutat in Haejangguk-Katersuppen.

Die überall in Korea günstig erhältlichen Sojasprossen werden auf verschiedene Weise zubereitet: blanchiert und gewürzt als Beilage, als Einlage in Suppen gekocht oder zusammen mit Reis gedämpft. Für mich, der ich auf dem Land in einer Zeit aufwuchs, in der die Menschen noch weitgehend Selbstversorger waren, war das Geräusch des Wassers, das durch den in der dunklen Zimmerecke stehenden Tontopf lief, gleichsam wie das Geräusch der Fußstapfen der Zeit, die meine Kindheit davontrugen. Wenn ich aus der Schule nach Hause kam, lüpfte ich als Erstes das Hanfleinentuch über dem Siru-Dänpfer und goss das Wasser, das sich in einer Schale darunter gesammelt hatte, genau wie meine Großmutter zu tun pflegte, mit einer Flaschenkürbis-Schöpfkelle über die Schösslinge. Es sickerte immer sofort wieder unten heraus. Die Sprossen gediehen aber aufs Prächtigste! „Mäßigung kommt durch Gewohnheiten. Worte und Verhaltensweisen, die immer wieder wiederholt werden, gehen in Fleisch und Blut über und kommen dann von selbst zum Vorschein. Es ist wie das Sammeln von Lichtfunken, um die Flamme der Erleuchtung zu entzünden. Das gilt auch für das Leben. So wie die Sojasprossen dank des schnell durchfließenden Wassers wachsen, wenn sie wiederholt gewässert werden, so werden auch aus deinen alltäglichen Worten und Handlungen Gewohnheiten, die letztendlich dein Schicksal verändern“, sagt Abt Dongeun des Tempels Cheoneun-sa.

Kim Hwa-young Literaturkritiker, Mitglied der Korean National Academy of Arts

Von der Redaktion

Erinnerungen an den Krieg – inmitten der Pandemie Erstellt man eine Vierteljahreszeitschrift, ist man gewissermaßen „zwei Jahreszeiten voraus“. Im Februar, als die Vorbereitungen für die Sommerausgabe 2020 starteten, hatten die meisten noch keine Ahnung von der bevorstehenden Katastrophe. In Südkorea begannen die Alarmglocken zu läuten, als im Zusammenhang mit einer Kirchengemeinde in einer Großstadt die Infektionszahlen hochschnellten. Treffen, Interviews und Exkursionen – all diese für die Erstellung einer Zeitschrift notwendigen Aktivitäten wurden erschwert.

Innerhalb von nur vier Monaten ist die Welt eine völlig andere geworden.

Räumliche Distanzierung, Gesichtsmasken und rigoroses Händewaschen wurden zum New Normal und medizinische Fachausdrücke wie „pathogen“, „Antikörper“, „Beatmungsgerät“ und „Schutzausrüstung“ sind geläufig geworden. In der Zwischenzeit hat COVID-19 weltweit 7.442.050 Menschen infiziert und zu 418.563 Todesfällen in 216 Ländern geführt, so die Statistiken der Johns Hopkins Universität (Stand: 12. Juni 2020).

Da die MitarbeiterInnen von KOREANA sich mit bislang nie dagewesenen Beschränkungen konfrontiert sahen, musste die Planung umgestellt werden: Themen wurden geändert und neue Interviewpartner gesucht, um Schwierigkeiten zu umschiffen bzw. der Pandemie-Situation gerecht zu werden. Positiv war jedoch: Wir konnten uns bei der Redaktionsarbeit eingehender mit den Widrigkeiten der derzeitigen Weltlage auseinandersetzen, den Ursachen der Pandemie nachgehen und mit der Frage nach der Verhinderung weiterer Ausbrüche beschäftigen. (Siehe INTERVIEW, S. 42) Die SPEZIAL-Reihe „Vor K-Pop: Die Populäre Musik nach dem Koreakrieg” blickt zurück auf das Aufkommen der koreanischen Populären Musik Mitte des 20. Jh. und ihre Entwicklung. Erinnert wird zudem an den 70. Jahrestag des Ausbruchs des Koreakriegs am 25. Juni 1950. Durch QR-Links werden die LeserInnen eingeladen, Lieder, die den Koreanern Volk während und nach dem tragischen Konflikt Mut und Trost schenkten, zu teilen. In Verbindung mit der SPEZIAL-Reihe befasst sich „Geschichten aus zwei Koreas“ (S. 54) damit, wie sich die Künstler im Norden und Süden an den Krieg erinnern.

VERLEGER Lee Sihyung REDAKTIONSDIREKTOR Kim Seong-in CHEFREDAKTEURIN Ahn In-kyoung REDAKTIONSBEIRAT Han Kyung-koo

Benjamin Joinau

Jung Duk-hyun

Kim Hwa-young

Kim Young-na

Koh Mi-seok

Charles La Shure

Song Hye-jin

Song Young-man

Yoon Se-young COPY EDITOR Anneliese Stern-Ko KREATIVDIREKTOR Kim Sam LEKTORAT Ji Geun-hwa, Noh Yoon-young KUNSTDIREKTOR KIm Ji-yeon DESIGNER Jang Ga-eun, Yeob Lan-kyeong LAYOUT & DESIGN Kim’s Communication Associates

44 Yanghwa-ro 7-gil, Mapo-gu

Seoul 04035, Korea www.gegd.co.kr

Tel: 82-2-335-4741

Fax: 82-2-335-4743 ÜBERSETZER

Ahn In-kyoung Anneliese Stern-Ko Do Young-in Park Ji Hyun Eom Yuseong

Preis pro Heft in Korea 6.000 Won Außerhalb Koreas US$9 Detailinformationen zu den Subskriptionspreisen finden Sie auf Seite 88.

THE KOREA FOUNDATION BERLINER BÜRO c/o Botschaft der Republik Korea Stülerstraße 8-10, 10787 Berlin, Germany Tel: +49-(0)30-260-65-458 / Fax: +49-(0)30-260-65-52 E-mail: koreana@kf.or.kr

Ahn In-kyoung Chefredakteurin der deutschen Ausgabe

KOREANISCHE KULTUR UND KUNST SOMMER 2020

Published quarterly by THE KOREA FOUNDATION 55 Sinjung-ro, Seogwipo-si, Jeju-do 63565, Korea https://www.koreana.or.kr

Boundless 33 Gosce 2019. Verschiedene Materialien auf Leinwand, 117 x 92 cm.

GEDRUCKT SOMMER 2020 Samsung Moonwha Printing Co. 10 Achasan-ro 11-gil, Seongdong-gu, Seoul 04796, Korea Tel: 82-2-468-0361/5 © The Korea Foundation 2020 Alle Rechte vorbehalten. Kein Teil dieser Publikation darf ohne vorherige Genehmigung der Korea Foundation in irgendeiner Form reproduziert werden. Die Meinungen der Autoren decken sich nicht notwendigerweise mit denen der Redaktionsmitglieder oder der Korea Foundation. Koreana ist als Vierteljahresmagazin beim Ministerium für Kultur, Sport und Tourismus registriert (Reg. Nr. No. Ba-1033, August 8, 1987) und erscheint neben Deutsch auch auf Arabisch, Chinesisch, Englisch, Französisch, Indonesisch, Japanisch Russisch und Spanisch.

SPEZIAL

Vor K-Pop: Populäre Musik nach dem Koreakrieg

04

SPEZIAL 1

Lieder aus der Zeit des Verlustes Lee Jun-hue

12

SPEZIAL 2

Die Eighth-Army-Shows und die Entwicklung der koreanischen populären Musik Lee Kee-woong

20

SPEZIAL 3

Trot, Ballade und Tanzmusik Zhang Eu-jeong

26

SPEZIAL 4

Von Rock-Legende Shin Joong Hyun bis zu Indie-Bands SeoJeong Min-gap

32

SPEZIAL 5

Populäre Musik im Zeitalter der Neuen Medien Kim Zak-ka

The Kim Sisters in den1950er Jahren. Beitrag auf S. 18f. © Freundliche Genehmigung von Zhang Eu-jeong

36

50 KUNSTKRITIK

68 LIFESTYLE

Bong Joon-hos Fragen und Anliegen

Verbindung mit dem Unsichtbaren

Während Sie schlafen

Song Hyeong-guk

Park Young-taek

Kim Yong-sub

42

54

72

FOKUS

INTERVIEW

GESCHICHTEN AUS ZWEI KOREAS

Zwei geniale Impfstoffe gegen Virus-Pandemien

Unterschiedliche Erinnerungen an den Krieg

Kang Yang-gu

Kim Youngna

REISEN IN DIE KOREANISCHE LITERATUR

Licht und Schatten der Hoffnung Choi Jae-bong

Das Festival der Asche Park Chan-soon

46

HÜTER DES TRADITIONELLEN ERBES

60 UNTERWEGS

Unveränderter Tagesablauf, unveränderliche Hingabe

Unterbrochene Verbindungen, bleibende Erinnerungen

Kang Shin-jae

Lee Chang-guy

SPEZIAL 1

Vor K-Pop: Populäre Musik nach dem Koreakrieg

Lieder aus der Zeit des Verlustes Der Koreakrieg (1950-1953) kostete Millionen Menschen das Leben und legte die Koreanische Halbinsel in Schutt und Asche. Für die Koreaner war der Bruderkrieg eine grausame Erfahrung, deren Leiden und Wunden in die populäre Musik einflossen.

Lee Jun-hue Außerordentlicher Professor an der Sungkonghoe University

4 KOREANA Sommer 2020

Nachdem UNO-Truppen die vorrückenden chinesischen Einheiten in der Schlacht von Uijeongbu (1. bis 4. Jan. 1951) nördlich von Seoul zurückgeschlagen hatten, flohen die Bewohner zu Fuß Richtung Süden; sie nahmen nur das, was sie tragen konnten, mit. © gettyimages; Foto von Joe Scherschel

KOREANISCHE KULTUR UND KUNST 5

D

ie moderne koreanische populäre Musik kam in den 1910er Jahren auf. Als die westliche Musik unter der japanischen Kolonialherrschaft eingeführt wurde, schwand die in vormoderner Zeit übliche Unterscheidung der Musik nach gesellschaftlichem Stand und Region, und es erschienen Lieder, die mit ihren neuen Formen und Texten Gefühle und Geschmack der Mehrheit des Volkes widerspiegelten. In den 1930er Jahren stieg der gesellschaftliche Einfluss dieser Lieder neuen Stils durch satte Albumverkäufe und Radiosendungen, und ihr Status als wichtiger Bestandteil der Populärkultur festigte sich.

Die populäre Musik stand in engem Bezug zu unruhigen Szenen der damaligen Zeiten. Vor der Befreiung 1945 wurden einerseits die Wünsche der Koreaner nach der Wiederherstellung ihrer Souveränität in metaphorischen Texten indirekt ausgedrückt. Andererseits wurden auch Militärlieder, die die Kriege durch Japan verherrlichten, unter dem japanischen Druck produziert und verbreitet. Die Geburtsstunde der koreanischen Plattenindustrie schlug Anfang des 20. Jh., als sich ausländische Musiklabels in Korea ausbreiteten. Später stießen japanische Musikunternehmen auf den koreanischen Markt vor, indem sie in Korea Niederlassungen gründeten.

Die Plattenindustrie nach der Unabhängigkeit

In den späten 1940er Jahren, als sich die koreanische Halbinsel nach der Befreiung 1945 im Chaos der Teilung befand, bestand eine der dringlichsten Aufgaben der südkoreanischen Populärmusik-Industrie darin, ein eigenes Plattenproduktionssystem zu schaffen.

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Da nach dem Abzug der japanischen Besatzer die Ausrüstung für Radiosendungen und Live-Auftritte zurückblieb, konnte der Konzertbetrieb zwar von Koreanern, die sich mit den Anlagen auskannten, fortgesetzt werden, die Plattenproduktion war jedoch eine völlig andere Sache. Während der Kolonialzeit waren zwar Planung, Vertrieb und teilweise auch Aufnahme in den Filialen der japanischen Musikunternehmen in Seoul möglich gewesen, Plattenproduktionsanlagen gab es jedoch nur in den Hauptquartieren in Japan. Daher wurden Live-Auftritte auf Theaterbühnen unmittelbar nach der Befreiung zum Hauptkanal für die Verbreitung der Populärmusik.

Die Musikproduzenten hatten zwar allerlei Hürden zu nehmen, aber im August 1947, genau zwei Jahre nach der Unabhängigkeit, erschien schließlich die erste ausschließlich mit koreanischem Kapital und koreanischer Technologie produzierte Platte. Sie wurde unter dem ersten Plattenlabel des Landes, Korea Records, veröffentlicht. Das Lied war die Nationalhymne Aegukga. Es folgte Verschwinde, 38. Breitengrad, die erste Single mit populärer Musik.

Eine weitere bemerkenswerte Entwicklung in der Plattenindustrie der Zeit war die Gründung von Plattenlabels außerhalb der Hauptstadt Seoul. 1948 eröffnete Corona Records in Busan,

1949 folgte Orient Records in Daegu. Da die Plattenfirmen in diesen großen Regionalstädten, die während des Krieges vergleichsweise wenig Schaden erlitten hatten, ansässig waren, konnten auch während des Konflikts weiterhin neue Songs produziert werden.

Noch bevor der Krieg 1950 durch den Blitzangriff der nordkoreanischen Truppen entfacht wurde, hatten sich bereits seit 1948, als in Seoul und Pjöngjang jeweils eine eigene Regierung eingerichtet worden war, wegen der wiederholten Grenzscharmützel Angst und Besorgnis über einen Bruderkrieg breitgemacht. Das vor diesem Hintergrund veröffentlichte Lied Verschwinde, 38. Breitengrad drückte Ängste und Unsicherheit der Menschen auf ergreifende Weise aus und thematisierte den Wunsch, dass die entlang des 38. Breitengrads verlaufende Barriere des Kalten Kriegs, die die beiden Koreas bis heute trennt, verschwinden möge.

Es traf auf entsprechend große Resonanz und war Inspiration für mehrere andere Lieder, die die Realität der Landesteilung beklagten. (Einen Link zu diesem Song finden Sie auf Seite 10) Die in diesen Jahren veröffentlichten Songs beschrieben normalerweise Gefühle und Reaktionen der Öffentlichkeit auf die Teilung der Nation. Damals wurden mehr Songs mit politischen Themen produziert als jemals zuvor in der Geschichte Koreas.

Bruderkrieg

Die Anzeichen eines Kriegs verstärkten sich nicht nur in der Schallplattenindustrie, sondern auch auf der Bühne. Eins der Scharmützel, das

1949 zehn südkoreanische Soldaten am 38. Breitengrad das Leben kostete, wurde als Musical unter dem Titel Zehn mutige menschliche Geschosse auf die Bühne gebracht. Das mit staatlicher Unterstützung produzierte Stück tourte durch alle großen Städte des Südens. 1951, als im Krieg das Militär zur Hauptzielgruppe der Entertainer avancierte, wurden Künstler-Truppeneinheiten ins Leben gerufen, die im Rahmen der Heeresbetreuung Shows auf die Bühne brachten.

Der Koreakrieg brach am frühen Morgen des 25. Juni 1950 aus.

Die nordkoreanischen Einheiten strömten über den 38. Breitengrad, eroberten Seoul und hielten die Hauptstadt für die folgenden drei Monate besetzt. Um ihren Vormarsch aufzuhalten, wurden die Brücken über dem Fluss Han-gang von den südkoreanischen Streitkräften gesprengt, sodass viele Bewohner nicht mehr nach Süden fliehen konnten. Unter ihnen war Park Si-chun, Komponist des Liedes Verschwinde, 38. Breitengrad und des Musicals Zehn mutige menschliche Geschosse, dem nichts anderes übrigblieb als unterzutauchen. Es war ungewiss, was im Falle einer Verhaftung passieren würde. Kim Haesong, sein Kumpan und mit ihm rivalisierender Komponist, wurde gefangen genommen und starb bei der Verschleppung in den Norden.

Im September 1950 wurde der Vormarsch der Nordkoreaner, deren Versorgungslinien zusammengebrochen waren, in der Nähe der am weitesten im Süden gelegenen Hafenstadt Busan gestoppt. Die südkoreanischen Truppen und die UN-Streitkräfte gewannen in einem Gegenangriff Seoul zurück und drangen Richtung Norden vor. Dies war der Hintergrund für Park Si-chuns neues Lied Schlaft gut, liebe Waffenbrüder. Das Militärlied – zugleich ein Unterhaltungslied – war so erfolgreich, dass selbst Kinder mitsangen. Noch heute gilt es als einer der größten koreanischen Hits der Kriegszeit.

Nachdem die Alliierten Pjöngjang erobert und bis zum chinesisch-nordkoreanischen Grenzfluss Yalu vorgedrungen waren, wuchs die Erwartung, dass der Krieg bis zum Jahresende mit einem Sieg des Südens enden würde. Aber mit Chinas Eingriff ins Kriegsgeschehen im Oktober 1950 wendete sich das Blatt erneut. Als Seoul

1. Shoeshine Boy (Schuhputzerjunge), eine Gramophonplatte von Star Record aus dem Jahr 1954, thematisiert auf lustige Weise das Leben junger Männer, die sich mehr schlecht als recht mit Schuhputzen über Wasser halten.

2. Nocturne an der Front, eine 1952 von Orient Gramophone herausgebrachte Single. Das Titellied erzählt von einem in Lebensgefahr schwebenden Soldaten, der sich nach seiner Mutter sehnt.

3. Verschwinde, 38. Breitengrad war das erste Populärmusik-Album, das ausschließlich mit koreanischem Kapital und koreanischer Technologie produziert wurde. 1948 von Korea Records herausgegeben, entstand es in der Zeitbrücke zwischen dem Zweiten Weltkrieg und dem Koreakrieg.

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Die Beziehung zwischen Koreakrieg und koreanischer populärer Musik sollte als eine immer noch im Entstehen begriffene Geschichte betrachtet werden, die einer noch exakteren Bestimmung bedarf.

im Januar 1951 von den kommunistischen Truppen zurückerobert wurde, flohen viele Bewohner, darunter auch Künstler, Richtung Süden. Einige setzten übers Meer bis auf die Insel Jeju-do über, während andere vorübergehend in Busan oder Daegu Zuflucht fanden und dort in der Künstler-Heereseinheit weiter als Musiker aktiv waren. Einige setzten sogar heimlich nach Japan über. Da so viele Künstler der Populärmusik Seoul verlassen hatten, wurden zeitweilig Daegu und die provisorische Hauptstadt Busan zu Zentren der Populärmusik-Szene.

Es war nur natürlich, dass die meisten neuen Lieder direkt oder indirekt mit dem Krieg zu tun hatten, aber Themen und Ausdrucksmethoden unterschieden sich sehr. Ein Hit war z.B. Nocturne an der Front, das die Bedingungen und den psychischen Zustand der stets zwischen Leben und Tod schwebenden Soldaten an der Front thematisierte. (Link auf S. 10) Andere Favoriten handelten von Familienangehörigen und Nichtkombatanten. Das Lied der Frau brachte die herzzerreißenden Gefühle einer Frau zum Ausdruck, die ihren Mann an die Front schickt. Sei tapfer, liebe Geumsun beschrieb auf dramatische Weise die Tragödie derer, die im Krieg Familie und Zuhause verloren. (Link auf S. 11) Aber nicht alle Lieder waren traurige Klagen über die Unbilden des Krieges. Es gab auch Songs, die den Zeitgeist aus einer anderen Perspektive einfingen. So schildert Shoeshine Boy auf amüsante Weise den Alltag hinter der Frontlinie aus Sicht eines jungen Schuhputzers, der ums Überleben kämpft. Lieder wie Warum sich die Wassermühle dreht, eine lyrische Beschreibung pastoralen Lebens, trugen dazu bei, in der vom Krieg heimgesuchten Welt Müdigkeit und Trostlosigkeit zu lindern. Einige Liedermacher und Sänger veröffentlichten Songs für all diejenigen, die eine Weile der harschen Realität ganz entfliehen wollten, darunter Weihrauch aus Indien, das den Hörer in ein exotisches, fernes Land entführte.

Auch heute noch Trostspender im Alltag

Das im Juli 1953 unterzeichnete Waffenstillstandsabkommen

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stoppte den Kanonendonner, aber nicht den Strom von Populärliedern mit Kriegsbezug. Viele Menschen konnten Schock und Elend des Krieges nicht einfach abstreifen. Die komplexen Emotionen derer, die aus der provisorischen Hauptstadt Busan nach Seoul zurückkehrten, wurden in Abschied auf dem Bahnhof Busan beschrieben. Heimat, von der ich träumte sang von der Verzweiflung von Flüchtlingen aus dem Norden, die nicht wieder nach Hause zurückkehren konnten. Die Leiden der durch den Krieg zerrissenen Familien fanden Ausdruck in Miari-Hügel voller Schmerzen. Da dieses Lied über die individuelle Ebene hinaus die Tragödie des ganzen Volkes beschrieb, wurde es zu einem Lieblingssong der Nation. (Link auf S. 11; dazugehöriger Beitrag auf S. 60ff.)

In den 1950er Jahren erinnerten die Schlager weiterhin an die Wunden des Krieges. Zweifelsohne war es eine Zeit schrecklicher Schmerzen und Verluste. Jeder hatte etwas verloren, sei es sein Leben oder einen Körperteil, Familienangehörige oder Heimatort, Haus oder Geld. Die Lieder wurden zu einer Quelle der Kraft für all diejenigen, die sich bemühten, aus dem Tal der Verzweiflung herauszukommen und zielstrebig voranzuschreiten.

Der Einfluss des Koreakriegs auf die populäre Musik beschränkte sich nicht auf die Lieder der Kriegszeit. Während und nach dem Krieg waren Zehntausende amerikanische Soldaten in Südkorea stationiert. Die zu ihrer Unterhaltung in EightArmy-Shows rekrutierten koreanischen Musiker und die von denen übernommene amerikanische Popmusik spielten eine große Rolle bei der Veränderung der koreanischen Musikszene der 1960er

© gettyimages; mit freundlicher Genehmigung von Interim Archives

UNO-Streitkräfte beim Überqueren einer Brücke über den 38. Breitengrad nach ihrem Rückzug aus Pjöngjang.

Im Nachfeld des Waffenstillstandes von 1953 beklagten viele Populärlieder die durch die innerkoreanische Grenze symbolisierte Teilung des Landes in Nord- und Südkorea.

Jahre. Nach dem Krieg wurden im Süden zahlreiche Werke von Musikern, die – sei es freiwillig oder gekidnappt – in den Norden gegangen waren, verboten. Erst seit den 1990er Jahren, als das System des Kalten Krieges zusammenbrach, sind ihre Songs wieder zu hören.

Selbst heutzutage, wo die Erinnerungen an den Krieg langsam verblassen, zählen die Kriegslieder immer noch zu den geliebten Oldies.

Die Beziehung zwischen Koreakrieg und koreanischer populärer Musik sollte als eine immer noch im Entstehen begriffene Geschichte betrachtet werden, die einer noch exakteren Bestimmung bedarf.

Denn die Teilung, die den Frieden der Nation bedroht, besteht bis auf den heutigen Tag als düstere Realität, auch wenn Südkorea die verheerende Armut eines völlig zerstörten Landes überwunden hat.

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Verschwinde, 38. Breitengrad

Nocturne an der Front

Text: Lee Bu-pung Melodie: Park Si-chun Gesang: Nam In-su

Text: Yoo Ho Melodie: Park Si-chun Gesang: Shin Se-yeong

Aah, versperrt der Berg deinen Weg zu mir?

Aah, versperrt das Wasser deinen Weg zu mir?

Die Erde derselben Heimat, die wir durchstreiften, Geteilt in Nord und Süd, tausend Meilen voller Groll.

In jedem Traum such ich nach dir, nach dir, Wehklagend über den 38. Breitengrad.

Welke Blätter wirbeln durch diese mondhelle Nacht an der Front.

Selbst der lautlos fallende Tau ist kalt.

Schlaflos wälze ich mich hin und her, Im Ohr Mutters Stimme, Die mich den Weg des echten Mannes lehrte.

Aah, wie sehr ich mich nach ihr sehne.

Aah, wirst du endlich zurückkehren, Wenn die Blumen blühen?

Aah, wirst du endlich zurückkehren, Wenn der Schnee fällt?

Ich überquerte den Pass, mein Bündel auf dem Rücken.

Die Bergvögel, lamentierend, überquerten ihn mit mir.

Freiheit, für dich, für dich Gebe ich mein Leben.

Aah, wie lange noch, bis er explodiert?

Aah, wie lange noch, bis er verschwindet?

Wer nannte ihn als Erster 38. Breitengrad, Lässt uns weinen beim Überqueren jedes Passes?

Die Hände gefaltet, flehe ich, flehe ich: Verschwinde, 38. Breitengrad!

https://youtu.be/jqkh26uaMAU

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Das ferne Läuten der Glocken ist mein Schlaflied – Im Traum laufe ich zu unserem alten Haus im Heimatdorf, Wo Mutter über einer Schale frisches Quellwasser betet, Betet für ihren Sohn.

Ihr Haar, von so blendendem Weiß, Ließ mich weinen.

Aah, wie sehr mich verlangte, Sie zu umarmen!

https://youtu.be/ZjjqCRGZXgI

Sei tapfer, liebe Geumsun

Miari-Hügel voller Schmerzen

Text: Kang Sarang Melodie: Park Si-chun Gesang: Hyeon In

Text: Ban Ya-wol Melodie: Lee Jae-ho Gesang: Lee Hae-yeon

In dem im eisigen Wind wirbelnden Schneeflocken, Lief ich am Kai von Heungnam rufend und suchend umher.

Oh, Geumsun, wo bist du nur hin?

Irrst du verloren herum?

Blutige Tränen vergießend, kam ich nach dem Truppenrückzug alleine hierher.

Miari – Hügel der Tränen, Hügel des Abschieds, über den mein Liebster ging.

Geblendet vom Schießpulverrauch, Taumelte ich, die Augen geschlossen.

Du – die Hände fest mit Stacheldraht gefesselt, Schautest zurück und wieder zurück, Barfuß, hinkend und hinkend, Als sie dich schleppten über diesen Hügel.

Oh, Miari-Hügel – so voller Gram!

Einsam, ohne Blutsverwandte, was machst du jetzt?

Ich bin nun Händler auf dem Gukje-Markt.

Oh Geumsun, wie ich dich vermisse, Wie ich die Träume von Zuhause vermisse! Über dem Geländer der Yeongdo-Brücke schwebt einsam der Neumond.

Der Eiserne Vorhang, mag er auch unsagbares Leid bringen – Zwischen Himmel und Erde kann dich und mich nichts ändern.

Liebe Geumsun, sei tapfer!

Wenn Nord und Süd eins werden, Dann lass einander halten und weinen, Einander umarmen und tanzen!

https://youtu.be/KQazL-qi2_Y

(Erzählung) Liebling, wo bist du jetzt? Was machst du gerade? Der kleine Yong-gu hat sich heute Abend wieder nach seinem Vater gesehnt. Gerade eben erst ist er eingeschlafen.

In diesen endlosen Mittwinternächten, wenn Nordwind und Schnee zu wüten beginnen: Wie sehr du im Gefängnis leiden musst! Ob zehn Jahre vergehen, ob hundert: Komm nur lebend zu uns zurück, ja? Mein Liebling!

Sich nach seinem Vater sehnend, schläft der Kleine ein.

In diesen endlosen Mittwinternächten, in denen Nordwind und Schnee wüten.

Wie sehr du im Gefängnis leiden musst!

Ob zehn Jahre vergehen, ob hundert: Komm nur lebend zu uns zurück! Über diesen Hügel, begossen von Tränen.

Oh, Miari-Hügel – so voller Gram!

Oh, Miari-Hügel – so voller Gram!

https://youtu.be/2Zz77mDiA-U

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SPEZIAL 2

Vor K-Pop: Populäre Musik nach dem Koreakrieg

Die Eighth-Army-Shows und die Entwicklung der koreanischen populären Musik Mit der Unterzeichnung des Waffenstillstandsabkommens im Juli 1953 wurden die Kriegshandlungen eingestellt und die Militärische Demarkationslinie teilte fortan die koreanische Halbinsel. US-Truppeneinheiten blieben im Süden stationiert. Mit Blick auf diese spezielle Zielgruppe entwickelte sich daraufhin ein neuer Trend in der Unterhaltungsindustrie. In den „Eighth-Army-Shows“, die in den Clubs der 8. US-Armee zur Unterhaltung ihrer Soldaten aufgeführt wurden, traten viele koreanische Musiker auf, die wiederum den Wandel in der koreanischen populären Musik vorantrieben.

Lee Kee-woong Forschungsprofessor für das Projekt Humanities Korea, Institute for East Asian Studies an der SungKongHoe University

Hollywood-Star Marilyn Monroe singt für in Südkorea stationierte US- und UNO-Truppen. Während ihres viertägigen Besuchs im Februar 1954 absolvierte die Monroe zehn Auftritte in Militärcamps im ganzen Land, darunter Camps in Seoul, Dongducheon, Daegu und im Landkreis Inje-gun. Trotz Minustemperaturen stand sie in einem hautengen Trägerkleid auf der Bühne und verzauberte die Zuschauer.

12 KOREANA Sommer 2020

© gettyimages

KOREANISCHE KULTUR UND KUNST 13

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ie Beliebtheit von K-Pop, die über Asien hinaus die ganze Welt erfasst hat, wirft auch einige Fragen auf: Welche Charakteristika des K-Pop haben eigentlich zu dieser Popularität geführt? Über welches kulturelle Potential verfügt ein Land, dessen Musik so einflussreich ist? Welche Veränderungen hat diese Musik im Laufe der Geschichte erfahren, um zu diesem Punkt zu kommen? Die grundlegendste Frage dürfte jedoch die nach den eigentlichen Ursprüngen des K-Pop sein.

Eine der gängigen Meinungen diesbezüglich ist, dass K-Pop auf die Eighth-Army-Shows der 1950er Jahre zurückgeht. Danach soll die koreanische populäre Musik stark von der amerikanischen Popmusik beeinflusst worden sein, die sich über diese Shows verbreitete. Dass damit auch ein Auditioning-System zur Suche nach neuen Talenten aufkam und Unterhaltungsagenturen enstanden, wird ebenfalls als Beleg dafür gewertet.

Diese Behauptungen sind sicherlich nicht völlig unbegründet, aber wohl eine allzu starke Vereinfachung. Denn zwischen den Eighth-Army-Shows und dem K-Pop von heute besteht ein zeitli-

cher Abstand von 30 Jahren, und die Wegstrecke, die die koreanische populäre Musik in diesem Zeitraum zurückgelegt hat, ist von ebenso großer Bedeutung wie der Wandel der Populärmusik-Szene, zu dem diese Shows beigetragen haben.

Waffenstillstand und Stationierung der US-Truppen

Das 20. Jh. war ein Zeitalter der Kriege, und zwar der „totalen Kriege“, für die umfangreiche Truppenkontingente und Ressourcen mobilisiert wurden. Und es war zu Beginn des 20. Jh., dass die Regierungen damit begannen, durch den Einsatz von Unterhaltungskünstlern Moral und Patriotismus der Soldaten zu stärken. Die US-Regierung plante diese Art der Truppenbetreuung an der Front schon während des Ersten Weltkriegs, im Zweiten Weltkrieg nahmen die Planungen schließlich

© Park Seong-seo

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in Form der United Service Organizations (USO), einer gemeinnützigen Organisation, konkrete Gestalt an. Auch nach Korea kamen unter Federführung der USO während und nach dem Koreakrieg namhafte Stars wie Marilyn Monroe, Louis Armstrong und Nat King Cole.

Die Anfänge des Entertainment-Geschäfts für die US-Truppen in Korea finden sich in der Zeit direkt nach der Befreiung von der japanischen Kolonialherrschaft 1945. Das 24. Korps der US-Armee führte im Süden der koreanischen Halbinsel eine Militärregierung, was die Nachfrage nach Vorführungen in den Clubs für die US-Soldaten anregte. Damals gab es in Seoul mehrere koreanische Show-Truppen und Unterhaltungskünstler, die bereits seit der japanischen Kolonialherrschaft aktiv waren. Sie standen in ihren Büros oder einem Kaffeehaus auf Abruf für Auftritte vor den US-Truppen bereit. Ihr Einsatz war möglich, weil sie bereits mit der amerikanischen Popmusik vertraut waren. Schon seit den 1920ern hatte sich die westliche populäre Musik wie die lateinamerikanische Musik, Chansons und Jazz unter den Koreanern v. a. in den städtischen Gebieten verbreitet.

Außerordentlich erfolgreich war zu Beginn vor allem Kim Hae-song mit seiner Musiktheatergruppe KPK. Kim war bekannt als Ehemann der Sängerin Lee Nan-young und Vater von Sue und Aija, die zur Mädchenband Kim Sisters gehörten.

Er hatte seine Karriere 1935 als Sänger und Komponist gestartet und sich schon bald einen Namen als einer der besten Jazz-Musiker Koreas gemacht.

Dass die Unterhaltungsshows für die US-Soldaten den Startschuss für den Einzug der amerikanischen Popmusik in Korea gaben, ist von daher eine vorschnelle Behauptung.

Die Eighth-Army-Shows starteten richtiggehend durch, als die ursprünglich in Japan stationierte Eighth United States Army (8. US-Armee) 1957 ihr Hauptquartier in das Seouler Stadtviertel Yongsan verlegte und die United States Forces Korea

Kim Hae-song (1911-1950?) bei einem Auftritt mit seiner Band KPK, die er 1945 kurz nach der Befreiung Koreas von der japanischen Kolonialherrschaft gründete. Kim und seine Band traten regelmäßig in den Eighth-Army-Shows auf, wobei sie meist im Jazz-Stil arrangierte koreanische Volkslieder zum Besten gaben.

(USFK; US-Streitkräfte in Korea) aufgestellt wurden. Amerikanische Stützpunkte wurden nicht nur in Yongsan, sondern landesweit eingerichtet, darunter in den Städten Pyeongtaek und Dongducheon in der Provinz Gyeonggi-do und der Stadt Daegu in Gyeongsangbuk-do.

Gleichzeitig stieg in ihrer Umgebung die Zahl von Clubs zur Unterhaltung der Soldaten stark an, sodass die Nachfrage nach Unterhaltungsprogrammen entsprechend in die Höhe schoss. Mitte der 1950er soll es allein in Hauptstadtnähe und den Gebieten an der Militärischen Demarkationslinie 264 Clubs des US-Militärs gegeben haben.

Daher war es nicht mehr möglich, die Nachfrage nach Live-Entertainment nur durch die sporadischen Auftritte von aus den USA gesandten Berühmtheiten oder koreanischen Sängern zu decken.

Entertainment im amerikanischen Stil

Die Eighth-Army-Shows wurden in Folge der steigenden Nachfrage und des zunehmenden Angebots zunehmend systematischer organisiert. 1957 wurde mit Hwayang in Korea die erste Unterhaltungsagentur gegründet, gefolgt von Universal und Gongyeong, womit alles Organisatorische einschließlich Entsendung der Künstler, Vorführungsplanung, Management und Training von Talenten sowie Vorbereitung für Auditions professionalisiert wurde. In dem vom Krieg verwüsteten Land waren Auftritte in den Army-Clubs wie das große Los im Lotto. Die USFK bezahlte Anfang der 1960er pro Jahr etwa 1,5 Mio. US-Dollar an die koreanischen Künstler. Die Unterhaltungsagenturen wuchsen rasant. 1962 berichtete eine Zeitung, dass diese von „nicht-fachmännischen Schaustellern“ gegründeten Agenturen 1.000 Unterhaltungskünstler, die zu 25 Show-Truppen und 60 Bands gehörten, managten.

Je mehr Entertainer die Unterhaltungsbühnen der US-Soldaten anvisierten, desto härter wurde die Konkurrenz. Zu ihren Hauptaufgaben zählte die Vorbereitung auf die Auditions, die alle drei bis sechs Monate vor einer aus dem US-Verteidigungsministerium gesandten Jury, die die Künstler benoteten, abgehalten wurden.

Das Honorar hing von der Note ab: Nur ein „AA“ garantierte hohe Gagen, während Künstler mit schlechteren Bewertungen für ihre Auftritte auf dem Land in Militärlastwagen von einem Stützpunkt zum anderen ziehen mussten. Note „D“ bedeutete „nicht bestanden“.

Diese Auditions wurden damals von den Vertretern des US-Militärs zwar zur Sicherung der Show-Qualität eingeführt, die dabei geltenden Anforderungen dienten den koreanischen Künstlern aber auch als eine Art Richtlinie. Nur bestimmte Musikgenres, Performance-Stile, Sounds sowie Art und Weise des Auftretens wurden gefördert, während alles davon Abweichende ausgeschlossen wurde. Musik im koreanischen Stil oder Originalität wurden abgelehnt, umgekehrt war die Belohnung um so größer, je originalgetreuer der amerikanische Entertainment-Stil nachgeahmt wurde. Die angelegten Kriterien wie „korrekte Aussprache des Englischen“, „Fähigkeit, Gefühle auf natürliche und stilvolle Weise auszudrücken“, „eindrucksvolle Dar-

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stellungskunst“ usw. brachten die koreanischen Künstler dazu, die Besonderheiten des amerikanischen Unterhaltungsstils zu internalisieren und ihre eigenen kulturellen Vorlieben und Geschmacksrichtungen entsprechend anzupassen.

waren eher Konzertsäle, während mit „normalen Clubs“ kleinere Lokale mit Alkoholausschank-Genehmigung gemeint waren. Sie unterschieden sich auch im Musikstil: Während die Clubs für Offiziere auf die weiße Klientel über 30 abzielten und ein Repertoire aus meist Classic Pop, gehobener Unterhaltungsmusik und Jazz anboten, lief in den Pendants für Unteroffiziere und Soldaten vorwiegend Rock and Roll, Jazz, R&B und Country-Musik .

Koreanische Unterhaltungskünstler mussten also alle Genres beherrschen. Spezialisierung auf eine Musikrichtung bedeutete automatisch weniger Arbeitsgelegenheiten. Dieses Phänomen ging darauf zurück, dass die Eighth-Army-Shows als eine Art Ersatz für die amerikanische Kultur das Heimweh der Soldaten lindern und ihren Patriotismus stärken sollten. Die koreanischen Unterhaltungskünstler, die in diesen Shows auftraten, wurden nolens volens zu „gesichtslosen Technikern“ oder lebenden Jukeboxen, die für die US-Soldaten Klänge und Gefühlswelt der Heimat heraufbeschwörten. Um über das reine Imitieren hinaus eine eigene

Allround-Talente

Anfangs umfasste das Repertoire meist beliebte Jazz-Hits und koreanische Lieder, die im Jazz-Stil arrangiert wurden. Doch nach der Einführung des Audition-Systems bestand es nur noch aus amerikanischer Popmusik mit Ausnahme von einigen bekannten asiatischen Liedern wie dem koreanischen Volkslied Arirang oder dem japanischen Popsong Shina no yoru (China Nights). Als Vorbereitung auf ein Audition galt es daher, mit Hilfe der Jukeboxen auf den Militärbasen der US-Armee, des Radiodienstes des Senders AFKN (American Forces Network Korea), amerikanischer Liederbücher wie The Song Folio oder mittels Notenblättern die aktuellsten Songs einzustudieren. Dadurch wandelten sich die koreanischen Entertainer kulturell gesehen zu „Amerikanern“.

Die zunehmende Nachfrage äußerte sich in einer Spezialisierung der Clubs je nach Klientel: So entstanden Clubs exklusiv für Offiziere, Unteroffiziere und Mannschaften sowie „weiße“ und „schwarze“ Clubs. Je nach Art der Dienstleistung wurde zudem zwischen Service-Clubs und normalen Clubs unterschieden. Die Service-Clubs

Obwohl sie umständehalber ihre Originalität nicht musikalisch zum Ausdruck bringen konnten, waren die Unterhaltungskünstler der Eighth-Army-Shows doch stolz auf ihre Karriere. [...] Zudem galt die von ihnen gespielte populäre Musik im amerikanischen Stil als kultiviert und urban. © AP Photo von Horst Faas

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Musikwelt schaffen zu können, bedurfte es einer anderen Art von Bühne.

Ihre Glanzzeit erlebten die Eighth-Army-Shows von 1957 bis 1965, kurz bevor die US-Streitkräfte in Korea wegen des Vietnamkrieges stark reduziert wurden. Etwa zeitgleich erfuhr die amerikanische Popmusik durch den Trendwandel von Swing und Classic Pop zu Rock and Roll einen Umbruch. Die Eighth-Army-Shows reagierten schnell: Ab Ende der 1950er Jahre erschienen auch in Korea zahlreiche Sänger und Bands nach dem Vorbild von Elvis Presley und den Beatles, wobei die meisten jedoch nicht über das Niveau von Cover-Sängern bzw.

-Bands hinauskamen.

Komprimiertes Wachstum

Obwohl sie umständehalber ihre Originalität nicht musikalisch zum Ausdruck bringen konnten, waren die Unterhaltungskünstler der Eighth-ArmyShows doch stolz auf ihre Karriere. Viele von ihnen hatten sogar einen Hochschulabschluss, was zu der Zeit bei Entertainern eine Seltenheit war. Generell war eine höhere Bildung aber von Vorteil, da

die Shows auf Englisch moderiert wurden. Auch die hohen Gagen und die fortgeschrittene amerikanische Kultur waren für die koreanische Elite attraktiv. Zudem galt die von ihnen gespielte Populärmusik im amerikanischen Stil als kultiviert und urban, während die v.a. in ländlichen Regionen und bei den einfachen Stadtbürgern beliebte Trot-Musik in lautmalerischer Nachahmung ihres typischen Zweiertakt-Rhythmus herabsetzend als „Ppongjjak“ bezeichnet wurde. Der kulturelle Status der Trot-Musik sank noch weiter, als das Lied Fräulein Kamelie (Dongbaek agassi) der Sängerin Lee Mi-ja 1965 als „japanisch beeinflusst“ verboten wurde. Im Gegensatz dazu konnte die populäre Musik amerikanischen Stils den Mainstream erobern, da die Mitte bis Ende der 1960er gegründeten privatrechtlichen Fernsehsender zahlreiche Musiker der Eighth-Army-Shows für ihre Programme engagierten.

Wie dieser Wandel hin zur populären Musik amerikanischen Stils mit dem K-Pop von heute zusammenhängt, ist noch unklar. So wie es in zahlreichen anderen Ländern der Welt, in denen keine US-Truppen stationiert waren, der Fall war, so dürfte auch die populäre Musik in Korea keine wesentlich andere Entwicklungsrichtung eingeschlagen haben. Unbestritten ist jedoch, dass diese Shows den Entwicklungsprozess bis zum heutigen Stand der koreanischen populären Musik stark verkürzt haben. Und es ist sicherlich interessant, dass die „komprimierte Modernisierung“, die als größte Besonderheit des gesellschaftlichen und wirtschaftlichen Wachstums in Korea gilt, auch im Bereich der populären Musik erkennbar ist.

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1. The Korean Kittens bei einer Aufführung für US-Soldaten in der Bob Hope USO Christmas Show in Tan Son Nhat, Vietnam, im Jahr 1966. Yoon Bok-hee (geb. 1946, Mitte), die Leaderin der 1964 gegründeten Gruppe, debütierte bereits in jungen Jahren in den Shows der Eighth U.S. Army und wurde zum Megastar.

2. Ein Foto von Kim Hui-gap (geb. 1936), einem berühmten Komponisten, der ab den späten 1960er Jahren eine Reihe Hits herausbrachte. Kim startete seine Karriere als Gitarrist in den EighthArmy-Shows im Jahr 1955, direkt nach seinem Oberschulabschluss.

2 © Kim Hyeong-chan

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The Kim Sisters erobern Las Vegas Zhang Eu-jeong Musikhistorikerin, Professorin für Allgemeine Bildung an der Dankook University

A

uftritte in der Ed Sullivan Show und Dean Martin Show , die erste asiatische Girlgroup, die es nach Las Vegas schaffte

– das sind einige der Bravourstücke der koreanischen Mädchen-

band The Kim Sisters, die schon rund 60 Jahre vor dem großen Durchbruch der Boygroup BTS die amerikanischen Bühnen eroberte. Die Band bestand aus Sue Kim (Kim Suk-ja) und Aija (Kim Ai-ja), den Töchtern des Komponisten Kim Hae-song und der Sängerin Yi Nan-yeong, die die Anfänge der koreanischen Populären Musik stark geprägt hatte, sowie Mia Kim (Kim Min-ja), der Tochter des Komponisten Lee Bong-ryong, dem älteren Bruder von Lee Nan-young. Nach ihrem Karrierestart 1953 erlangten die Kim Sisters mit ihrem Talent für verschiedene Instrumente, Gesang und Tanz so große Beliebtheit in den Shows für die Eighth Army (in Korea stationierte amerikanische Truppeneinheit), dass sie 1959 zu Aufführungen in die USA eingeladen wurden.

2016, dem 100. Geburtsjahr von Lee Nan-young, hatte ich zweimal die Gelegenheit, mit Sue Kim, der Leiterin der Gruppe, zu sprechen, die heute in Henderson, Nevada, lebt. Hier eine edierte Version des Interviews von damals:

Wie kam es zur Gründung der Kim Sisters?

Meine Mutter hat die Band gegründet. Mein Vater wurde zu Beginn des Koreakrieges nach Norden verschleppt, sodass meine Mutter für den Lebensunterhalt der Familie sorgen musste. Zunächst trat sie dafür alleine in den Eighth-Army-Shows auf. Doch als ihr das zu viel wurde, schlossen sich meine ältere Schwester Yeong-ja und ich ihr an. Ich erinnere mich noch, dass wir Stepp © Newsbank

The Kim Sisters im Mai 1970 bei einer Homecoming Show im Seouler Rathaus. Es war ihr erster Korea-Besuch nach zwölf Jahren. Ihre an vier Tagen präsentierten Shows waren Riesenerfolge. Von links: Mia, Sue und Aija Kim.

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getanzt und dazu ein spanisches Lied gesungen haben. Aber dann machte Yeong-ja plötzlich einen Wachstumsschub. Ihren Platz nahmen daher meine jüngere Schwester Aija und unsere Cousine

Min-ja (Mia) ein. Aus uns dreien wurden dann

sche Insel Okinawa, wo wir vor US-Soldaten

die Kim Sisters.

aufführten. Erst danach flogen wir im Januar 1959 nach Las Vegas. Wir hatten einen

Seit wann bekamen Sie Musikunterricht und was haben Sie gelernt?

Vertrag für vier Wochen bekommen. Da wir damals aber in einer Situation waren, in

Schon in jungen Jahren haben wir von

der eine Rückkehr nach Korea unmöglich

Vater Musikstunden bekommen. Ich war

war, haben wir wirklich unser Bestes ge-

damals sechs. Wenn Vater irgendwo plötz-

geben. Glücklicherweise war bereits unser

lich auftauchte und „Eins, zwei, drei!“ rief,

erster Auftritt ein großer Erfolg und unser

mussten wir sieben Geschwister sofort einen

vierwöchiger Vertrag wurde immer wieder

© Newsbank

Kanon schmettern oder in Harmonie singen.

verlängert. Wir traten dann sogar 22 Mal in

Machte einer einen Fehler, bekamen wir auch

der beliebten Ed Sullivan Show auf, in der

The Kim Sisters und die Sängerin Lee Nan-young (1916-1965; Mitte) bei einem Auftritt in der Ed Sullivan Show im Jahr 1963.

schon mal die Rute zu spüren. Er nahm uns

damals nur die bekanntesten Sänger wie

gelegentlich zu seinen Treffen mit Freunden

Elvis Presley oder Louis Armstrong zu sehen

und Bekannten mit, wo er uns dann folgen-

waren. Die Entscheidung über Auswahl und

tritt anstand. Eines Tages brach Aija dann

dermaßen vorstellte: „Ich mag zwar nicht

Arrangement der Lieder und Kostüme lag in

weinend zusammen und sagte, dass sie

viel Geld haben, aber meine Kinder sind mein

meiner Hand.

unbedingt Kimchi essen müsse. Schließlich schickte man uns ein Paket Kimchi aus Korea

Vermögen.“ So sehr liebte er uns und war stolz auf uns. Aber er war sparsam mit Zärt-

Ihre Mutter muss sich große Sorgen

zu, es brauchte Ewigkeiten, bis es ankam. Als

lichkeiten, sodass mir, wenn ich an ihn denke,

gemacht haben, als sie ihre noch jun-

ich es dann abholen ging, war es aber nicht

zuerst seine strenge Miene einfällt. Ich erin-

gen Töchter in die weit entfernte USA

mehr da. Die Kimchibrühe war ausgelaufen,

nere mich noch ganz genau daran, wie Mut-

geschickt hat. Gab es irgend etwas, das

sodass man es weggeworfen hatte.

ter damit drohte, ihre Sachen zu packen und

sie Ihnen besonders ans Herz legte?

das Haus zu verlassen, weil sie mit seinen Lehrmethoden nicht einverstanden war.

Meine Mutter war ganz anders. Um uns

Sie hat uns nur um zwei Dinge gebeten: „Vertragt euch miteinander“ und „Lasst euch

Wie sah das Leben der Kim Sisters in den USA danach aus?

nicht auf Liebeleien ein“. Mutter wollte, dass

Im März 1967 heiratete Aija, im April dann

auf die Bühne der Shows in den Clubs der

wir drei zusammenhalten und gut mitei-

Mia. Ich fühlte mich danach sehr einsam.

US-Soldaten zu bringen, lernte Mutter die

nander auskommen. Sie riet uns, uns von

Im April 1968 heiratete ich meinen jetzigen

englischen Lieder zunächst selbst und brach-

Männern fernzuhalten, da es zu einem Bruch

Mann John. Er war ein großer Fan von mir

te sie uns dann – anders als Vater – mit liebe-

zwischen uns kommen könnte, wenn ein

und hatte unsere Show acht Mal gesehen.

voller Aufmerksamkeit bei. Im Übungsraum

Mann auf der Bildfläche erschiene. In Korea

1973 lösten sich The Kim Sisters auf, aber

gab es immer einen mit einem weißen Tuch

hatte keine von uns einen Freund gehabt,

1975 kam meine große Schwester Yeong-ja

bedeckten Korb voller Obst wie Bananen, die

und auch in den USA hatte keine das Bedürf-

dazu und wir traten bis 1985 auf. Nachdem

damals nur schwer zu bekommen waren.

nis, Männerbekanntschaften zu machen.

Yeong-ja ausgeschieden war, haben Aija und ich mit unseren Brüdern Yeong-il und Tae-

Mutter versprach, uns eine zu geben, aber erst, wenn wir das neu zu lernende Lied be-

Ist Ihnen aus der damaligen Zeit in den

herrschten, weshalb wir uns natürlich eifrigst

USA etwas besonders in Erinnerung

The Kim Brothers“ weitergemacht. Als Aija

bemühten.

geblieben?

1987 an Krebs starb, trat ich mit Yeong-il und

seong unter dem Namen „The Kim Sisters &

Wir vermissten das koreanische Essen

Tae-seong als „Sue Kim & The Kim Brothers“

Wann gingen Sie zum ersten Mal in die

sehr. Aijas Sehnsucht nach Kimchi war so

auf. 1994 verletzte ich mir dann bei einem

USA und wie waren die Reaktionen?

groß, dass sie sogar einmal Gelbsucht be-

Verkehrsunfall den Rücken, sodass ich nur

1958 unterzeichnete Mutter mit einem

kam. Damals waren die Arbeitsbedingungen

noch selten auftrat. Ich bereitete mich auf

amerikanischen Agenten einen Vertrag. Es

noch schlecht. Nach einem Auftritt konnten

die Immobilienmaklerprüfung vor, die ich im

ging aber nicht sofort in die USA, sondern

wir uns nur kurz auf einem Bett neben der

achten Anlauf bestand. Seitdem arbeite ich

im Winter zunächst einmal auf die japani-

Bühne ausruhen, bevor der nächste Auf-

schon über 20 Jahre als Maklerin.

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SPEZIAL 3

Vor K-Pop: Populäre Musik nach dem Koreakrieg

Trot, Ballade und Tanzmusik Trot-Musik, die geprägt von der nationalen Gefühlslage unter der japanischen Kolonialherrschaft in den 1930ern konkrete Gestalt annahm, Balladen, die meist von Herz und Schmerz singen, und die Tanzmusik der Idolgruppen, die das Herzstück des K-Pop bildet – diese drei Genres der populären Musik, die sich sowohl in ihren Anfängen als auch in ihrer Entwicklung voneinander unterscheiden, erfreuen sich bei den Koreanern anhaltender Beliebtheit und entwickeln sich beständig fort.

Diese in den 1960ern von LKL Records produzierte 30cm-Vinylplatte enthält eine Sammlung von Lee Nan-youngs Hits. Es ist eine Reproduktion von zwölf beliebten Singles, darunter auch der zeitlose Schlager Die Tränen von Mokpo.

Zhang Eu-jeong Musikhistorikerin, Professorin für allgemeine Bildung an der Dankook University

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935 erschien ein Lied, das zum Meilenstein in der Geschichte der koreanischen Popmusik wurde: Die Tränen von Mokpo von der legendären Sängerin Lee Nan-young (1916-1965). Dieses Lied wird auch heute noch landauf, landab gern gesungen, nicht nur von den Bewohnern der Hafenstadt Mokpo.

Es ist im typischen Trot-Stil gehalten, für den eine Moll-Pentatonik im Zwei-Viertel-Takt charakteristisch ist. Dafür vertonte der Komponist Son Mok-in den Text von Mun Il-seok, der den Anfang 1935 von Okeh Records ausgeschriebenen Liedtext-Wettbewerb gewann.

Besungen wird die Sehnsucht nach dem Geliebten, was als metaphorischer Ausdruck der Trauer des koreanischen Volkes über den Verlust des Vaterlandes interpretiert wurde und Die Tränen von Mokpo zum „Lied des Volkes“ machte. Der Musikstil war zwar ungewohnt, da aber der Text den Schmerz der Koreaner von damals zum Ausdruck brachte, konnte sich Trot-Musik als Genre in Korea etablieren.

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Trot und nationale Befindlichkeit

Trot kam Anfang des 20. Jh. unter der japanischen Kolonialherrschaft (1910-1945) auf. Das Genre stieß anfänglich auf starke Kritik bei denjenigen, die es als japanisch beeinflusst betrachteten, einige brandmarkten es sogar als vulgär. Jedoch war das japanische Musikgenre „Enka“, von dem die Trot-Musik beeinflusst worden sein sollte, nicht rein japanischer Herkunft. Japan, das die westliche Kultur und damit auch die Musik bereits früh angenommen hatte, verband den herkömmlichen japanischen Musikstil mit der neuen westlichen Musik, woraus die sog. „Ryukoka“ (populäre Lieder) hervorgingen. Die in Korea eingeführte Version dieses Genres wurde „Yuhaengga“ (populäre Lieder)

1. Das Original-Soundtrack-Album von Fräulein Kamelie (1964), produziert von Midopa Records, enthält zwölf Lieder von sechs Interpreten. Der Erfolg dieses Albums machte Lee Mija (geb. 1941), die das Titellied sang, über Nacht zur Berühmtheit mit dem Beinamen „Königin der Elegie“. Das OST-Album führte in der vom StandardPop dominierten Musikszene der Zeit zu einer zweiten Blüte des Trot.

2. Dieses Album von Na Hoon-a (geb.

1947) wurde 1972 veröffentlicht, nachdem der Trot-Sänger auf dem Zenit seiner Berühmtheit einen Exklusivvertrag mit Jigu Records unterzeichnet hatte. Das Titellied Die Wassermühle dreht sich brachte ihm zum vierten Jahr in Folge die Auszeichnung „Die zehn besten Sänger“ der Rundfunk- und Fernsehanstalt MBCein.

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3. Dieses 1973 von Jigu Records herausgegebene Sammelalbum enthält zehn Lieder von fünf Interpreten. Nam Jin (geb. 1946), der das Titellied sang, war neben Na Hoon-a einer der Könige der Trot-Szene der 1970er Jahre. Die beiden hauchten dem schwächelnden Populärmusik-Markt der Zeit neues Leben ein.

4. Dieses Splitalbum mit Titeln von Cho Yong-pil (geb. 1950) und der Band Young Sound, wurde 1976 von Seorabeol Records herausgegeben.

Cho’s Kehr zurück in den Hafen von Busan war das Highlight des Albums, das mit einer Million verkauften Exemplare einen neuen Rekord aufstellte. Zu der Zeit durften in Japan lebende Koreaner, die Nordkorea unterstützten, zum ersten Mal nach Südkorea reisen, wodurch das Lied auch in Japan populär wurde.

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genannt, nach den 1950ern wurde die Bezeichnung „Trot“ gebräuchlich. In Japan kam es im Zuge der Festigung der nationalen Identität zur Umbennung der „Ryukoka“ in „Enka“, womit eine Erhöhung des Status als traditionelle japanische Musikgattung einherging.

Nach der Befreiung Koreas 1945 veränderten sich die Stilcharakteristika des Trot: Die Restriktionen in Bezug auf die Verwendung von Tonleitern fielen allmählich weg, das Tempo wurde schneller, die Rhythmen vielfältiger. Daraus entstanden neue Trot-Lieder verschiedenster Art, die beim Publikum auf positive Resonanz stießen. Während zuvor die Texte die Sehnsucht nach geliebten Menschen, die Heimat oder die Trauer über den Verlust des Vaterlandes eher metaphorisch zum Ausdruck gebracht hatten, wurden nun Gefühle direkter und offener artikuliert.

Unbeugsame Lebenskraft

Nach ihrem Aufkommen Mitte der 1930er Jahre haben sich die Trot-Lieder als Hauptströmung der koreanischen populären Musik durchgesetzt, was ihrer Anpassungsfähigkeit an die Zeitläufte

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geschuldet ist. In den turbulenten Jahren vom Ausbruch des Koreakrieges 1950 bis zum Waffenstillstand 1953 waren diese Lieder stets an der Seite des koreanischen Volkes, indem sie von Wunden und Leid, die der Krieg mit sich brachte, erzählten.

Neuen Schwung in das Trot-Genre brachte schließlich das Lied Fräulein Kamelie von Lee Mi-ja, das 1964 erschien und sich landesweit außerordentlicher Beliebtheit erfreute. Musikalisch gesehen war es ein typisches Trot-Lied, der Text hatte jedoch etwas stark Heimatverbundenes.

Trotzdem wurde es 1965 unter dem damaligen Militärregime als „japanisch beeinflusst“ gebrandmarkt und im Rundfunk verboten. Erst 1987 wurde das Verbot aufgehoben. Nichtsdestoweniger flaute der Trot-Boom, der durch talentierte Sänger wie Bae Ho, Nam Jin und Na Hoon-a fortgesetzt wurde, nicht so leicht ab.

Nach der Ausrichtung von internationalen Sportevents wie den Asienspielen 1986 und den Olympischen Sommerspielen in Seoul 1988 wurde die koreanische Gesellschaft offener und entwickelte stärkeres Interesse an Spaß und Unterhaltung. Damit gewann Trot als Unterhaltung für Erwachsene wieder an Beliebtheit, sodass die zu dieser Zeit erschienenen Songs auch „Erwachsenen-Schlager“ genannt wurden. Doch sie kamen nicht nur bei Erwachsenen gut an. Das Lied Olala! (Eomeona) von Jang Yun-jung aus dem Jahr 2004 z. B. war so populär, dass Alt und Jung es nachträllerten. Während Trot bis dahin als rührselig und auf die Tränendrüsen drückend gegolten hatte, verbreitete sich mit diesem Lied die Erkenntnis, dass diese Musik auch Lachen und Freude schenken kann.

Lyrische Balladen

Die Trot-Lieder nahmen in Kombination mit anderen Genres der populären Musik auch neue Formen an. Anfang der 1970er Jahre, als Rock und Folk die junge Generation begeisterten, wurden jedoch einige namhafte Stars in einen Marihuana-Skandal hineingezogen. Die Regierung startete daraufhin unter dem Vorwand, „gesunde“ Lieder zu fördern eine „Bewegung zur Reinigung der populären Musik“. Das versetzte der Populärmusik-Szene einen großen Schlag, unter dem v.a. die als subversiv gebrandmarkte Rockmusik zu leiden hatte. Daraufhin entstand der sog. „Rock-Trot“, eine Kombination aus den beiden Genres. Als Kehr zurück in den Hafen von Busan (1976) von Cho Yong-pil zum absoluten Hit wurde, begannen Rocksänger aus überlebensstrategischen Erwägungen Elemente des publikumsnahen Trot in ihre Musik zu integrieren.

Der Begriff „Ballade“ geht auf das italienische „ballare“ für „tanzen“ zurück und bezeichnete im Mittelalter Tanzlieder. Der Tanzliedcharakter ging jedoch im Laufe der Zeit verloren und im 16. Jh. stand die Bezeichnung nur noch für populäre, erzählerische Lieder. Im Koreanischen hingegen sind mit „Ballade“ allgemein sanfte Weisen im langsamen Tempo gemeint. Entsprechend erzählen sie meist von romantischer Liebe und die Melodien sind weich und lyrisch.

Die Ursprünge der koreanischen Balladen finden sich in den JazzSongs, die in Korea unter dem Einfluss der westlichen Schlagermusik in den 1930er Jahren in Mode kamen, und Liedern unter dem Einfluss des in den 1960ern beliebten amerikanischen „traditional pop“. Die Ballade als eigenständiges Genre in der heutigen Form wurde jedoch erst viel später geboren und erlebte in den 1980er Jahren durch die Kollaboration des Komponisten Lee Young-hoon mit dem Sänger Lee Moon-sae ihre Glanzzeit. Zu den ersten Balladensängern zählt auch Byun Jin-sup, der 1988 sein erstes Album unter dem Titel Alleine gelassen zu sein herausbrachte. Hoch bewertet werden auch die Lieder von Yoo Jae-ha, der 1987 sein erstes und gleichzeitig letztes Album veröffentlichte, bevor er noch im selben Jahr bei einem Verkehrsunfall ums Leben kam. Er wird allseits dafür

1. Das erste (und letzte) Album von Yoo Jae-ha (1962-1987), das kurz vor seinem plötzlichen Tod bei einem Autounfall herauskam. Das Album enthält neun Titel, die mit ihrem progressiven Sound zur Weiterentwicklung der Balladen-Musik beitrugen. Es hatte großen Einfluss auf spätere Musiker.

2. Das erste, 1988 veröffentlichte reguläre Album von Byun Jin-sup (geb. 1966) verkaufte sich über 1,8 Millionen Mal, was ihm noch im selben Jahr den Best Rookie Award einbrachte, und ein Jahr später den Großen Preis bei den Golden Disk Awards. Er erfreute sich von den späten 1980er bis in die frühen 1990er Jahre großer Popularität als „Balladen-Prinz“ und trat damit die Nachfolge von Lee Moon-sae an.

3. Lee Moon-sae, der ohne Zweifel der Doyen der koreanischen „BalladensängerLinie“ ist, brachte 1987 sein viertes Album heraus. Ab seinem dritten Album kollaborierte er mit dem Komponisten Lee Young-hoon (1960-2008). Dieses berühmte Duo schuf eine beachtliche Anzahl von Hits.

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geschätzt, das Niveau der Ballade durch Kombination mit Elementen der klassischen Musik und des Jazz angehoben zu haben. Auch heute noch, nach über drei Jahzehnten, rühren die Lieder dieser Sänger ans Herz des Publikums und bleiben nicht ohne Wirkung.

Balladen, die hauptsächlich aus Vers und Chorus bestehen, beginnen meist leise und sanft, um sich dann zu einem emotionalen Höhepunkt aufzuschwingen und aufs Ende zuzubewegen. Gesangsstil und Ausdruck der Gefühle haben sich im Laufe der Zeit etwas geändert.

So wird z. B. mehr Umgangs- und Alltagssprache verwendet als in den 1980er Jahren. Grob gesehen lassen sich zwei Gesangstechniken unterscheiden: Während typische Balladensänger gewöhnlich mit zarter, feiner Stimme singen, beanspruchen Rockballadensänger stark ihre Stimmbänder, um dem Song eine „rauchig-verkratzte“ Note zu geben. Nach den 1980er Jahren hat sich die Ballade auch durch Crossover-Experimente mit anderen Musikrichtungen wie Rock, R&B und Soul weiterentwickelt.

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Tanzmusik: Triebkraft des K-Pop

Schon seit alter Zeit hat das koreanische Volk eine ausgesprochene Vorliebe fürs Singen, Tanzen und Trinken. Die heutzutage populäre Tanzmusik geht jedoch auf westliche Einflüsse zurück und kam erst in den 1980ern im koreanischen Mainstream an. Auch in Korea erfreute sich nach dem Disco-Boom Ende der 1970er Jahre die Musik von Michael Jackson und Madonna, die vor allem Dance-Pop-Lieder mit starkem Beat und einfacher Struktur darboten, großer Beliebtheit. Das führte zur Entwicklung eines Tanzmusikstils, der zwar ähnlich, aber doch distinktiv koreanisch war.

Mit der landesweiten Verbreitung des Farbfernsehens Anfang der 1980er wurde die „Musik zum Anschauen“ genau so wichtig wie die „Musik zum Hören“. Die Tanzmusik-Szene der Zeit führten die Sängerin Kim Wan-sun, der Sänger Park Nam-jung und die dreiköpfige Dance-Group Sobangcha (Feuerwehrauto) an. In den 1990ern erlebte die koreanische Musikszene unter dem Einfluss von Hip-Hop und Rock – angeführt von Bands wie der Boygroup Seo Taiji and Boys – weitere Veränderungen. Gleich nach der Millenniumwende folgte dann ein beachtenswerter Generationswechsel: Große Manage-

1. Das erste, 1992 von Seo Taiji & Boys (aktiv 1991-1996) herausgebrachte Album kombinierte Tanz mit Metal und Rap. Es schlug dermaßen ein, dass einige die koreanische populäre Musik in „die Zeit vor und nach Seo Taiji“ einteilen.

2, 3. Nach einer Pressekonferenz in einem Hotel im Seouler Viertel Gangnam gibt Psy (geb. 1977) 2012 vor dem Verlassen der Bühne seinen berühmten Pferdetanz zum Besten. Der Titelsong seines 6. regulären Albums Gangnam Style rangierte sieben Wochen in Folge auf Platz zwei der Billboard Hot 100.

4, 5. Das zweite reguläre Album von EXO, einer neunköpfigen Boyband (oben), und das erste Mini-Album von Blackpink, einer vierköpfigen Girlgroup. In den 2000er Jahren kamen Idolgruppen auf, die mit ihrer Tanzmusik die Musik-Szene beherrschen, in den meisten Fällen das Resultat systematischen Trainings durch große Entertainment-Agenturen.

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Trot-Lieder werden von allen Leuten, insbesondere aber von den älteren Generationen bei vergnüglichen Zusammenkünften konsumiert, und Balladen genießen als Liebeslieder mit langsamem Tempo nach wie vor breite Popularität.

Tanzmusik führt die K-Pop-Welle an, was das Potential der koreanischen populären Musik weltweit demonstriert.

ment-Agenturen zogen durch systematisches Intensivtraining Idolgruppen heran, für die sie massenweise Dance-Lieder produzierten, die den Weg für die Koreanische Welle „Hallyu“ ebneten. Nicht unerwähnt bleiben sollte in dem Kontext der bemerkenswerte Hit Gangnam Style des Sängers Psy aus dem Jahr 2012, der mit dem sog. Pferdetanz die ganze Welt begeisterte.

Aktuell genießt die dritte Idolgruppen-Generation – darunter BTS, TWICE, Blackpink und EXO – weltweit große Beliebtheit. In den letzten zwei, drei Jahren ist in der K-Pop-Industrie der Gewinnanteil durch Bühnenauftritte zwar geschrumpft, dafür erhöhten sich aber die Einnahmen durch digitale Musik-Contents. Streng genommen sind nicht alle Richtungen der Idolgruppen-Musik Tanzmusik und selbst bei der Tanzmusik lassen sich bei genauer Betrachtung Unterschiede ausmachen, aber die ganzkörperlichen Performances der Gruppen lassen sich kaum außerhalb der Großkategorie „Dance Music“ definieren.

Tatsächlich lassen sich die Stilrichtungen der populären Musik nicht immer exakt voneinander trennen und ein Sänger bleibt auch nicht unbedingt nur einem Genre treu. Ein gesundes Populärmusik-Ökosystem kann zudem nur dann entstehen, wenn verschiedene Musikgenres koexistieren und einander beeinflussen. In diesem Sinne lässt sich behaupten, dass sich die koreanische Populärmusik durch die Konkurrenz zwischen den erwähnten drei Hauptrichtungen robust weiterentwickelt hat. Trot-Lieder werden von allen Leuten, insbesondere aber von den älteren Generationen bei vergnüglichen Zusammenkünften konsumiert, und Balladen genießen als Liebeslieder mit langsamem Tempo nach wie vor breite Popularität.

Tanzmusik führt die K-Pop-Welle an, was das Potential der koreanischen populären Musik weltweit demonstriert.

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© Newsbank

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SPEZIAL 4

Vor K-Pop: Populäre Musik nach dem Koreakrieg

Von Rock-Legende Shin Joong Hyun bis zu Indie-Bands Es dauerte lange, bis sich die Rockmusik in Korea als eigenes Genre der populären Musik etablierte. Trotz der anfänglichen harten Landung gefolgt von politischer Unterdrückung und allerlei Turbulenzen konnte sie dank der vielen Bands, die mit Talent und Originalität den jeweiligen Zeitgeist einfangende Meisterwerke schufen, überleben und sich weiterentwickeln.

SeoJeong Min-gap Populärmusik-Kritiker

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964 traten die Beatles in der beliebten amerikanischen Ed Sullivan Show auf und markierten damit einen historischen Moment in der sog. „British Invasion“. In Korea hingegen scheiterten die ersten ehrgeizigen Schritte einer jungen Rock-Band an der kalten Reaktion des Publikums: Shin Jung Hyun, der heute als „Vater der koreanischen Rockmusik“ bezeichnet wird, hatte eine Band namens „Add4“ gegründet und mit ihr zusammen das erste Rock-Album in Korea herausgegeben, die Resonanz war jedoch niederschmetternd.

Es war ein Moment, in dem die bis dahin erfolgreiche Karriere von Shin Jung Hyun, der sich in jungen Jahren selbst das Gitarrespielen beigebracht hatte und seit seinem Debüt 1955 in einer Show für die in Korea stationierten US-Soldaten hohe Bekanntheit genoss, einen Knacks bekam. Auch als er das Album etwas später zusammen mit dem Leadsänger Seo Jeong-gil erneut veröffentlichte, ließ es das Publikum kalt. Es dauerte noch eine Weile, bis die Songs in diesem Album wie Frau im Regen oder Du brichst mein Herz als Meisterwerke, die eine neue Ära in der koreanischen populären Musik eröffneten, Anerkennung fanden. In Korea begann die Geschichte der Rockmusik also mit einem Misserfolg.

Koreanisierte Rockmusik

Damals wurde Rock nur auf den Bühnen der Clubs für die US-Soldaten oder in Live-Musik-Cafés für wenige koreanische Fans

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gespielt. Rundfunksendern und Plattenindustrie fehlte das Verständnis für Rockmusik und es mangelte am technischen Know-how zur Wiedergabe des Rock-Sounds. Nach seinem Misserfolg plante Shin, sich den Truppenbetreuern, die für die Unterhaltung der Soldaten im Vietnamkrieg zuständig waren, anzuschließen. Hätte er aber vor seinem Aufbruch nicht beschlossen, ein Album für die Mädchengruppe Pearl Sisters zu produzieren und wäre dieses Album kein Hit geworden, wäre der Titel „Vater der koreanischen Rockmusik“ womöglich an jemand anderen gegangen.

1967, drei Jahre nach dem gescheiterten Debüt der Add4, fand in der Eissporthalle Dongdaemun in Seoul zum ersten Mal in Korea ein Wettbewerb für Gesangsgruppen statt, der von Pops Koreana, dem ersten koreanischen Popmusikmagazin, ausgerichtet wurde. Danach veranstaltete die Unterhaltungsagentur Playboy Production von 1969 bis 1971 in der Citizens’ Hall in Seoul (dem heutigen Sejong Center for the Performing Arts) den landesweiten Gesangsgruppe-Wettbewerb Playboy Cup. Im ersten Jahr konkurrierten 17 Bands vor rund 40.000 Zuschauern, was für die enorme Beliebt-

1 © Kwon Hyouk-jae

1. Der legendäre Rock-Gitarrist und Sänger-cumLiedtexter Shin Joong Hyun mit einer spezialangefertigten Gitarre, die ihm von Fender geschenkt wurde. Der amerikanische Musikinstrumenten-Hersteller hat solche Gitarren bislang nur einigen wenigen Rock-Koryphäen verliehen, darunter Eric Clapton und Jeff Beck. 2009 wurde Shin der sechste damit geehrte Musiker.

2. Koreas erste Rockband The Add4, gegründet von Shin, veröffentlichte 1964 ihr erstes Album Frau im Regen. Es war ein totaler Fehlschlag.

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heit des Wettbewerbs spricht. Nur drei Jahre nach Shins gescheitertem Versuch mit Rock hatte sich die Stimmung in der koreanischen Musikwelt also komplett verändert. Verschiedene, zu der Zeit abgehaltene Gesangswettbewerbe wurden für die koreanischen Musiker, die ihre Fähigkeiten in den Unterhaltungsshows der GI-Clubs weiterentwickelt hatten, zum Sprungbrett auf die Bühnen mit einem breiteren Publikum. Das stärkte mehr und mehr die Überlebenskraft der Rock-Bands.

1974 veröffentlichte Shin mit seiner neu gegründeten Band Shin Jung Hyun & Yup Juns (Yup Jun: runde Münzen mit einem quadratischen Loch in der Mitte) ihr erstes Album mit dem Lied Die Schöne, das heute als Klassiker des koreanischen Rock gilt. Von diesem Album, dessen Songs sich durch einfache und eingängige Texte und kurze, aber den Hörer in ihren Bann ziehende Melodien auszeichneten, wurden 100.000 Exemplare verkauft, was in Anbetracht der damaligen Flaute der Plattenindustrie eine beeindruckende Leistung war. Diese Dynamik wurde durch die Band Geomeun Nabi (Schwarzer Schmetterling) mit ihrem ersten Album einschließlich des Remakes Du weißt nicht fortgesetzt. Es verkaufte sich über 50.000 Mal und demonstrierte den Status der koreanischen Rockmusik, die innerhalb von nur zehn Jahren einen erstaunlichen Wandel herbeigeführt hatte.

Eigentlich waren das Remake von In A Gadda Da Vida der Band Iron Butterfly, das Shin mit seiner neuen Band Questions vorführte, und die psychedelische Performance seiner 1972 gebildeten SessionBand The Men damals schon auf dem Niveau bekannter westlicher Rock-Bands. Aber auch andere, etwa zur gleichen Zeit aktive Bands konnten die verschiedenen Strömungen der Rockmusik, die die ganze Welt überschwemmte, aufnehmen und verinnerlichen und dadurch schließlich eine koreanisierte Rock-Version schaffen, die sich deutlich von der westlichen Variante abhob. Mit einem Wort: Die koreanische Rockmusik war in der ersten Hälfte der 1970er Jahre bereits stark entwickelt.

KOREANISCHE KULTUR UND KUNST 27

Dunkle Zeiten und Anbruch einer neuen Ära

Der Erfolgsserie der Rockmusik wurde jedoch 1975 ein jähes Ende gesetzt, als die autoritäre Regierung unter Präsident Park Chung-hee bezüglich Bühnenwerke und populärer Lieder sowie in Zusammenhang mit einem Marihuana-Skandal, in den u.a. prominente Rockstars verwickelt waren, zum Zensurstift griff. Unter dem Verdacht des Drogenmissbrauchs wurde auch Shin festgenommen, woraufhin mehrere seiner Lieder und 1 auch Live-Auftritte für längere Zeit verboten wurden. Shin war nicht das einzige Opfer, sodass die koreanische Rockmusik ab Mitte der 1970er Jahre dunkle Zeiten durchmachte. Es waren Zeiten des endlosen Wartens, in denen nicht wenige Rockmusiker jegliche Hoffnung verloren und die Musik ganz aufgaben.

Dann aber erschienen Bands, die an Musikwettbewerben für Studenten teilnahmen, und mit ihrer schlichten, offenherzigen Musik, die sich von der der professionellen Rock-Bands unterschied, die Aufmerksamkeit auf sich zogen. Repräsentativ dafür war die Band Sanullim (Berg-Echos), die 1977 debütierte. Sie bestand aus den Brüdern Kim Chang-wan (Gitarre, Gesang), Chang-hoon (Bassgitarre, Gesang) und Chang-ik (Schlagzeug). Ihre Musik, die reine Gefühle und psychedelische Klänge miteinander verband, löste eine große Sensation aus und brachte endlich Licht in die dunklen Zeiten der koreanischen Rockmusik. Von ihrem ersten Album wurden innerhalb von 20 Tagen 400.000 Platten verkauft. Bei dem Konzert, dass das Trio im Februar 1979 vor dem Einzug der beiden jüngeren Brüder zum Militärdienst gab, war die Schlange der auf den Eintritt wartenden Fans über 500m lang. Zu den wohl talentiertesten Bands der späten 1970er zählte auch Saranggwa Pyeonghwa (Love and Peace).

Ihr Debüt-Album mit dem Lied Es ist eine Weile her aus dem Jahr 1978 gehört unbestreitbar zu den 100 besten Alben der koreanischen populären Musik.

Die zweite Hälfte der 1970er Jahre war zwar insgesamt eine dunkle Zeit für die koreanische Rockmusik, aber sie vermochte trotz allem die Saat der Hoffnung für die Musiker der nächsten Generation zu säen, sodass die 1980er Jahre produktive Jahre wurden.

Vielfalt und Reife

Um die 1980er Jahre erschienen weltweit neue Genres wie New Wave, Punk, Fusion, Hard Rock und Heavy Metal, die die koreanischen Rockmusiker begeistert aufnahmen. Großer Beliebtheit erfreute sich dabei die Band Songgolmae (Wanderfalke) mit ihren Songs, die gekonnt typisch koreanische Stileigenschaften mit westlichem Pop verbanden. Durch ihre häufige Präsenz in Rundfunk und Fernsehen trug die Gruppe außerdem zur Popularisierung der Rockmusik bei.

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© Kim Hyeong-chan

1. Der private Rundfunk- und Fernsehsender MBC veranstaltete 1979 das erste Riverside Festival im Cheongpyeong-Freizeitpark. Dieser Liederwettbewerb für Studenten, der vielen als Sprungbrett zum Erfolg diente, brachte zahlreiche Star-Musiker hervor.

2, 3. Rocker Jeon In-kwon (geb. 1954) bei einem Auftritt auf dem 2016 Seoul Arirang Festival auf dem GwanghwamunPlatz in Seoul. Als Leadsänger der Rock-Band Deulgukhwa (aktiv von 1985 bis 1995) schlug Jeon mit seiner rauhen, durchdringend lauten Stimme die jungen Leute der 1980er Jahre in seinen Bann. Das Debüt-Album der Band gilt als eins der größten Meisterwerke der koreanischen populären Musik.

4. Die Indie-Rockband Kiha & The Faces (aktiv von 2008 bis 2018) bei einer Aufführung im KT&G Sangsang Madang im Hongdae-Viertel. Mit ihren radikal innovativen Texten und Melodien sowie ihrem skandierenden Gesang wurde die Band zu einer der Ikonen der koreanischen Indie-Musik der zweiten Generation. Die Mimi Sisters, die Chorsängerinnen der Band, machten sich 2011 als Duo selbstständig.

Ebenfalls beachtenswert war die Band Deulgukhwa (Wilde Chrysanthemen), die mit ihren Auftritten außerhalb des kommerziellen Mainstream zum Symbol der Musik der 1980er wurde. Die Rockgruppe begeisterte ihre Anhänger mit Live-Konzerten auf kleineren Bühnen. Das Trio zog die Fans aber nicht nur mit ihren guten Songs an, in denen sie verschiedene Genres wie Rock, Blues, Pop und Folk gekonnt mischten. Es war der Sound, bestehend aus herzerweichender Stimme, klassisch-lyrisch klingendem Klavier und markerschütterndem Schlagzeug, der die Herzen der jungen Generation von damals so heiß erglühen ließ wie die Molotow-Cocktails, die aus Protest gegen die depressive Düsternis des Zeitalters der politischen Unterdrü-

Eigenwüchsige Indie-Szene

4 © Newsbank

ckung geschleudert wurden. Ihr erstes Album mit dem Titelsong Haengjin (Marsch, 1985) behauptete am längsten den ersten Platz auf den Listen der 100 besten Alben der populären Musik, die von verschiedenen Medien zusammengestellt werden.

Neben Deulgukhwa wurde diese Ära von verschiedenen anderen Bands geprägt, die – gewappnet mit Originalität und Talent – u.a. Pop und Progressiven Rock kombinierten oder auch Musik im Fusion-Stil oder Blues im koreanischen Stil präsentierten. Dank dieser Bands konnte die koreanische Rockmusik der 1980er Jahre Vielfalt und Reife zugleich gewinnen.

In den 1990ern setzten einige Musiker die Trends der vorherigen Generation fort, während andere sich in völlig unterschiedlichen Stilen versuchten.

Die Ersteren spielten u.a. Folk Rock und legten Wert auf Gemeinschaftsgefühl, während die Letzteren eine Musik schufen, die Individualismus und kritischen Geist der neuen Generation repräsentierte.

© Seoul Arirang Festival

2

Die Gegend um die Hongik Universität in Seoul mit ihrer hohen Konzentration an privaten Kunstschulen, Werkstätten und Kunstgalerien gilt seit langem als ganz spezieller Kulturraum. Als dort 1984 eine U-Bahnstation eröffnet wurde, zog die Gegend 3 vor allem Künstler und junge Leute an, die von dieser Atmosphäre angetan waren. Auf diese Weise machte sich das im Volksmund kurz als „Hongdae“ (Akronym für Hongik Universität) bekannte Viertel einen Namen als Kultur-Hotspot. Darüber hinaus ließen sich dort dank der relativ günstigen Mietpreise mehrere Live-Clubs nieder, die die neusten Musikformate wie Punk und Modern Rock verbreiteten. Zu dieser Entwicklung trugen v.a. die hier ansässigen Musiker bei, die das Produktionssystem großer Managementagenturen ablehnten, um durch eigenständige Produktionen in kleinerem Format Musik nach ihrem Geschmack zu machen, und auf diese Weise eine nachhaltige musikalische Karriere anstrebten. Es waren diese Musiker, die letzendlich den tektonischen Wandel herbeiführten, der die koreanische populäre Musik in die Zeit vor und nach den 1990ern aufteilte.

Diese jungen Musiker, die sich als „Indie“ verstanden, wurden zudem vom Internet, das sich zu der Zeit verbreitete, beeinflusst.

So wurde z.B. die Band Delispice, die sich in experimenteller Musik auf Grundlage von Modern Rock versuchte, von Mitgliedern eines Chat-Forums auf der Online-Kommunikationsplattform Hitel gegründet. Das Lied Chow Chow aus ihrem ersten Album sowie Lasst die Pferde rennen der Punkrock-Band Crying Nut waren Vorboten einer neuen Musikergemeinde mit Basis in Hongdae, die Geburt und Rebellion der koreanischen Indie-Musik vorantrieb.

Später nahm die koreanische Band-Musik auch Genres wie Garage Rock, Modern Rock und Hardcore auf, womit sie die Fans der 2000er Jahre in ihren Bann schlugen und die Vorreiterrolle des Rock in der Indie-Szene befestigten. Daher wurde im Koreanischen der Begriff „Indie-Musik“ für eine Weile mit „Indie-Band-Musik“ gleichgesetzt. Eine Reihe von Bands errang Starruhm, wobei kiha & The Faces, The Black Skirts und Brocolli, you too? den Höhepunkt der koreanischen Indie-Szene markierten. Gegen Ende der 2010er Jahre bewegten sich dann Bands wie Jannabi und Hyukoh auf Grundlage der in den Jahren davor aufgebauten Infrastruktur zur Musikproduktion über die Grenze zwischen Mainstream und Indie hin und her. Heute überrascht es nicht weiter, dass koreanische Indie-Bands mit südostasiatischen Bands kollaborieren oder ihre Musik in westlichen Ländern präsentieren.

Mainstream- und Indie-Musik stimulierten und lernten voneinander. Auch wenn die Rock-Bands heute leider nicht mehr im Mittelpunkt der koreanischen populären Musik stehen, entwickelt sich der koreanische Rock doch stets weiter und das Kapitel über die 2020er Jahre seiner Geschichte bleibt noch zu schreiben.

KOREANISCHE KULTUR UND KUNST 29

Wurzeln der afroamerikanischen Musik in Korea Kim Zak-ka Musikkritiker, Juror der Korean Music Awards

H

ip-Hop, einst eine Subkultur von afroa-

merikanischen Jugendlichen im kalifor-

nischen Compton und der Bronx in New York City, brachte in den 1980er und 90er Jahren eine Reihe von Stars hervor und eroberte den Mainstream der afroamerikanischen Musik, der bis dahin von R&B angeführt worden war. Hip-Hop, der auch die jungen Koreaner der damaligen Zeit immens beeinflusste, besitzt bis heute einen hohen Stellenwert in der koreanischen populären Musik.

Hip-Hop Während sich unter den koreanischen Musikfans in den späten 1980er Jahren der Rock

1 © Gramho

als Mainstream-Genre und repräsentative

2

Jugendkultur etablierte, entstand zeitgleich eine erste Fangemeinde für afroamerikani-

Dieser Club brachte die bekanntesten Tanz-

Mit dem landesweit spektakulären Erfolg des

sche Musik. Sie formierte sich im Moon Night,

musiker hervor, die mit ihren TV-Auftritten

auf Gangsta-Rap basierenden Songs Come

einem Nachtclub im Seouler Stadtteil Itae-

die koreanische Musikszene der 1990er Jahre

Back Home (1995) aus dem vierten Album

won, wo die aktuellste westliche Tanzmusik

anführten. Die Gruppe Seo Taiji and Boys,

von Seo Taiji and Boys konnte Hip-Hop in der koreanischen Musikszene Fuß fassen.

gespielt wurde. Dieser Club, zu dem zunächst

deren Mitglieder sich einst im Moon Night

nur die in Korea stationierten US-Soldaten

vergnügten, bewies, dass Rap auch in korea-

Etwa zu dieser Zeit fungierte Black Loud

Zugang hatten, stand einige Jahre später

nischer Sprache funktioniert, und begeisterte

Exploders (BLEX), ein Chat-Forum für Fans af-

auch Einheimischen offen. Junge koreanische

mit dynamischen Tanz-Performances. Dank

roamerikanischer Musik auf der Online-Kom-

Tanzamateure lernten dort nicht nur bereits

dieses Trios rückte die Tanzmusik in den Mit-

munikationsplattform Hitel, als Inkubator für

etablierte afroamerikanische Tanzmusik wie

telpunkt der koreanischen populären Musik,

Underground Hip-Hop in Korea. BLEX-Mit-

Disco und Funk kennen, sondern auch die

woraufhin die Management-Agenturen alle

glieder erstellten Mixtapes mit Rap aus selbst

neuesten Trends wie Hip-Hop und New Jack

auffallenden Tanztalente im Moon Night re-

komponierten Beats oder nutzten ihren Free-

Swing.

krutierten und ihnen zum Debüt verhalfen.

style-Rap als Freizeichenton für ihre Pager,

30 KOREANA Sommer 2020

1. Ein Tanzwettbewerb im Moon Night, einem Nachtclub in Itaewon, Seoul. Der als Wiege der Tanzmusik in Korea bekannte Club produzierte in den 1990ern viele Tanzmusik-Aufführungen der ersten Generation.

2. Das Logo von Moon Night, das den Club als „Legende von Itaewon“ tituliert.

3. Eine Szene aus Show Me the Money, einer Hip-hop Survival Show des Musik-Kabelsenders Mnet. Seit der Ausstrahlung der ersten Staffel im Jahr 2012 wurde die Show auf der Welle der anhaltenden Hip-hopPopularität reitend jedes Jahr ausgestrahlt.

3

4. Zusammen mit dem Männer-Trio Solid führte Lena Park (geb. 1976) den R&B-Craze an, der die koreanische Populärmusik-Szene in den späten 1990ern erfasste.

damit andere ihn sich anhören konnten. Sie

noch keine systematische Ausbildung im Be-

schrieben aber nicht nur ihre eigene Musik,

reich der populären Musik existierte, war es

sondern sammelten und bewerteten auch

schwierig, die typischen Gesangtechniken der

relevante Materialien und Informationen aus

afroamerikanischen Musik wie das Vibrato

dem Ausland, wodurch sie die Basis für eine

zu erlernen. Von daher war es nur natürlich,

noch reifere und reichere Hip-Hop-Kultur in

dass koreanische Musiker, die bereits von

Korea schufen. Beflügelt wurde die Nachfra-

jungen Jahren an u.a. in den Kirchengemein-

ge auch durch Master Plan, einen Live-Club in

den in den USA mit dem R&B-Gesang ver-

der Hongdae-Gegend, in dem Hip-Hop-Musi-

traut waren, diesen Gesangsstil am authen-

ker regelmäßig auftreten konnten.

tischsten wiedergeben konnten.

In den 2000er Jahren führten Mega-Hits

R&B

© Captured von Mnet

4 © Captured von KBS

musik (EDM) ist Hip-Hop heute ein Element,

wie Schon ein Jahr des Duos Brown Eyes

das in der Musik koreanischer Idolgruppen

Während sich Hip-Hop in Korea eigenstän-

und Think About' Chu der Band Asoto Union

nicht fehlen darf. Dank der Beliebtheit der

dig entwickelte, brauchte R&B die Unterstüt-

dazu, dass die afroamerikanische Musik ei-

koreanischen TV-Castingshow Show Me the

zung von Korea-Amerikanern. Es gab zwar

nen beträchtlichen Anteil am Mainstream der

Money, die seit Anfang der 2010er Jahre den

auch beeindruckende Versuche von einhei-

koreanischen Populären Musik ausmachte.

Hip-Hop-Boom angeführt hat, konnten die

mischen Musikern wie Dein Duft , komponiert

Um über die Imitation von ausländischen Mu-

Hip-Hopper ihre Präsenz in den Musik-Charts

und gesungen von Yoo Young-jin, aber die

sikstilen hinauszugehen, bemühte man sich

und auf Universitätsfestivals verstärken. Be-

ersten, die die R&B-Gesangstechniken erfolg-

weiterhin, die „koreanische Seele“ in den R&B

denkt man, dass Hip-Hop in Korea vor den

reich mit koreanischen Texten kombinierten,

einfließen zu lassen. Resultat waren die sog.

1990ern noch als „Kohlebrikettmusik“ ver-

waren koreanischstämmige, in den USA

„Mid-Tempo-Balladen“, die Mitte der 2000er

spottet wurde, belegt die aktuelle Entwick-

aufgewachsene Interpreten, die in Korea de-

Jahre zu einem Megatrend der koreanischen

lung, welch radikaler Wandel sich seitdem

bütierten. Ein repräsentatives Beispiel dafür

Musikszene wurden.

ist Solid, ein Trio aus Korea-Amerikanern, darunter der Leadsänger George Han Kim. Mit

vollzogen hat. Doch auch damals schon gab es eine Ausnahme: Michael Jackson.

Michael Jackson

Rückblickend betrachtet, übte Michael

dem Lied Am Ende dieser Nacht festhaltend,

Die Akzeptanz der afroamerikanischen

Jackson einen entscheidenden Einfluss auf die

1995) landete er einen absoluten Hit, der R&B

Musik in Korea ist noch weiteren Faktoren

vielen Star-Anwärter aus, die im Club Moon

in Korea Fuß fassen ließ.

geschuldet: Komponisten, die größeren Wert

Night die Tanzböden abnutzten. Aus einigen

Bald darauf erzielte die Korea-Amerikanerin

auf den Beat als auf die Melodie legten, und

wurden bekannte Tanzmusiker. In diesem

Lena Park mit dem Song P.S. I Love You (1998)

der Weiterentwicklung von MIDI-Software,

Sinne markierten Michael Jackson und seine

einen großen Erfolg, der den R&B-Stil populär

die es ermöglicht, Töne, für die reale Instru-

Musik einen wichtigen Wendepunkt in der

machte und in den Mittelpunkt des Balla-

mente nicht ausreichen, zu erzeugen.

Geschichte der koreanischen populären Mu-

den-Genres rücken ließ. Da bis dahin in Korea

Gemeinsam mit der elektronischen Tanz-

sik.

KOREANISCHE KULTUR UND KUNST 31

SPEZIAL 5

Vor K-Pop: Populäre Musik nach dem Koreakrieg

Populäre Musik im Zeitalter der Neuen Medien Koreas Populärmusik-Landschaft des 21. Jh. erfuhr durch traditionelle Medien wie Fernsehkanäle und Neue Medien des mobilen Zeitalters wie soziale Netzwerke und Streaming-Plattformen eine verstärkte Diversifizierung.

Kim Zak-ka Musikkritiker, Mitglied des Auswahlausschusses der Korean Music Awards

1

© Kyeonggi Ilbo

32 KOREANA Sommer 2020

V

ielfalt in Form und Stil prägt die heutige populäre Musik Koreas. Ein dominierendes Genre identifizieren zu wollen, ist im Zeitalter der Neuen Medien jedoch ein frustrierendes Unterfangen. Streaming ist heutzutage der Trend beim Musikhören, wobei traditionelle Musiksendungen, die auf Basis der wöchentlichen Rekordund Albenverkäufe Musikcharts veröffentlichten, aus dem Mainstream-TV-Programm verdrängt wurden. Doch was die Bestimmung der Top-Performer betrifft, so besitzen auch die Echtzeit-Streaming-Charts keine große Glaubwürdigkeit, da eine große K-Pop-Fan-Basis die Songs ihrer Lieblingsidolgruppen rund um die Uhr streamt, um ihre Rankings zu verbessern.

Für Musiker ohne ein solches Fandom sind die Musikcharts daher nichts anderes als „ein Spielplatz für Idole“. Doch einige Künstler schaffen es mit ihren Neuerscheinungen immer wieder an die Spitze der Streaming-Charts, und das, obwohl sie weder K-Pop-Idole sind noch in Unterhaltungsshows für Furore sorgten. Sie singen hauptsächlich Balladen oder akustische Lieder, die den Reiz ihrer attraktiven Stimme zur Geltung bringen. Anstatt sich auf Visuals, also das physische Erscheinungsbild, zu verlassen, das ein wesentlicher Bestandteil des K-Pop ist, setzen die neuen Chart-Anführer auf ihren Gesang, der sich ins Ohr schmeichelt. Deswegen werden sie auch oft als „Geliebte(r) fürs Ohr“ bezeichnet. Diese neue Sorte Interpreten setzt damit die Traditionen der „Radio Stars“ von einst fort.

Außenseiter stürmen die Charts

Die Verbreitung des Internets nach der Millenniumwende ging mit seismischen Verschiebungen auf dem Musikmarkt einher. Das physische Spei-

1. Bei einem Trotmusik-Konzert im Suwon Convention Center (2019) bewegt sich das Publikum im vollgepackten Saal begeistert zur Musik.

2. Trot-Sensation Song Ga-in spricht auf einer Pressekonferenz (2019). Song ist die Gewinnerin des 2019 von TV Chosun ausgestrahlten Gesangswettbewerbs Miss Trot.

3. Im Young-ung freut sich über seinen Sieg in Mr. Trot, dem männlichen Teilnehmern vorbehaltenen Pendant des Contests, den TV Chosun von Januar bis März 2020 präsentierte. Die Abschlusssendung hatte die höchste Einschaltquote, die je eine TV-Varietévorstellung in Korea erzielte.

2 © News1

chermedium CD wich dem virtuellen MP3-Format. Mit dieser neuen Form des Musikkonsums luden die Menschen auf illegalen 3 Peer-to-Peer-Plattformen (P2P) © Starnews Songs kostenlos herunter, um sie als Hintergrundmusik für ihre Profile auf den Sozialen Netzwerken oder als Handy-Klingelton zu verwenden.

Der Rückgang physischer Albenverkäufe sowie das Fehlen legaler Download-Wege führten zur Stagnation des Musikmarktes. Das Blatt begann sich mit der weitverbreiteten Nutzung des Smartphones in den 2010er Jahren zu wenden. Das Herunterladen machte dem Streamen Platz, dessen Ausmaß so gewaltig war, dass ein digitaler Musikmarkt entstand.

Mitte der 2010er Jahre hatte sich Streaming als Hauptquelle für Musikkonsumenten etabliert. Dann tauchten absolute Chartstürmer auf. Heize debütierte 2015, erlangte allmählich Bekanntheit und eroberte schließlich mit Hits wie Don’t Come Back und Star die Charts. Das Frauenduo Bolbbalgan4 zog zu Beginn ihrer Karriere kaum Aufmerksamkeit auf sich, wurde jedoch berühmt, als ihr Song Galaxy bis auf Platz eins der Hitliste kletterte.

Ein entscheidender Faktor für die Chart-Erfolge dieser Sänger ist die Mundpropaganda in den Sozialen Medien, nicht die TV-Präsenz.

Was die Viralität erzeugt, sind die Songs, die durch Melodie, Text und Gesang die Hörer ansprechen – im Gegensatz zu den Idolgruppen, deren Stärke in ihrem atemberaubenden Äußeren und fetzigen Performances liegen. Obwohl das Zeitalter des Radios von einigen als totgesagt gilt, ist die Nachfrage immer noch da. Nur Plattform und Form des Musikkonsums haben sich verändert. Die Chartanführer sind ein lebendiger Beweis dafür.

Rückkehr der Talentshows

Die Geschichte der Survival-Gesangscontests für populäre Musik

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1 © Ukopia

reicht bis 1977 zurück, als das MBC Campus Music Festival zum ersten Mal stattfand. Der Talentwettbewerb markierte die Wiederbelebung der Jugendkultur, die 1975 durch das harte Vorgehen der Regierung gegen Cannabis rauchende Entertainer einen Rückschlag erlitten hatte. Der erste Hauptpreis ging an die Band Sand Pebbles für ihren Song Was soll ich tun? Schon ein kurzer Blick auf die mit dem Hauptpreis gekrönten Songs genügt, um die Hits der 1980er Jahre aufzulisten.

Mitte der 1990er Jahre verlor der Wettbewerb jedoch allmählich an Einfluss. Grund dafür war das Aufkommen von Entertainment-Agenturen, was zu dramatischen Veränderungen auf dem Markt der populären Musik führte. Selbst Teenager, die von einer Musikkarriere träumten, klopften an die Türen der Talentagenturen. Diejenigen, die angenommen wurden, durchliefen oft ein jahrelanges hartes Training, bevor sie schließlich als Mitglied einer Idolgruppe debütieren konnten. Es war die Zeit, in der K-Pop heranreifte, und just die Zeit, als immer mehr Haushalte Internetanschluss bekamen und die Erstellung von Webseiten exponentiell zunahm. Am anderen Ende des Spektrums befanden sich aufstrebende junge Musiker mit einem ureigenen, unverwechselbaren Musikstil, die in dem für seine LiveClub-Days bekannten Ausgehviertel Hongdae auftraten.

Talentwettbewerbe feierten 2009 mit Superstar K, das auf Mnet (Akronym für Music Network, einen Kabelmusiksender) ausgestrahlt wurde, ein Comeback. Im Gegensatz zum MBC Campus Music Festival konnten sich Interessierte jeden Alters bewerben.

Außerdem rückte Superstar K nicht nur das Talent der Teilnehmer ins Scheinwerferlicht, sondern auch ihre persönliche Geschichte, die die Zuschauer oft zu Tränen rührte, und der Wettbewerb fand sowohl

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1. Die Zuschauer jubeln bei einer der Vorentscheidungsrunden von Mnets Superstar K, Staffel 3, die 2011 in New York ausgetragen wurde. Das TV-Audition zog auch im Ausland beachtliches Interesse auf sich, da die Teilnahme Interessenten aus aller Welt offen stand.

2, 3, 4, 5, 6. Das 1977 gestartete MBC Campus Music Festival war Wegbereiter für die Talentwettbewerbe in Korea. In den 2000er Jahren kamen TV-Talentshows auf, die eine breite Palette von Musikstilen abdeckten, darunter Hip-hop, Trot und Crossover. Oben links beginnend sind die Poster für Phantom Singer (JTBC), K-Pop Star (SBS), The Voice of Korea und High School Rapper (beide Mnet) sowie TOP Band (KBS) zu sehen.

auf Bühne als auch außerhalb der Bühne statt. Als weiterer Publikumsmagnet wirkte, dass neben der Experten-Jury auch die Zuschauer vor den heimischen TV-Geräten für ihren Lieblingskandidaten stimmen konnten. Der Sänger Seo In-guk, der Gewinner der ersten Staffel, stieg in die Schauspielkunst ein. Die weiteren Sieger wurden in ähnlicher Weise in den Starhimmel katapultiert.

Der Riesenerfolg von Superstar K ermutigte zu Gesangswettbewerb-Produktionen wie K-Pop Star, die ab 2011 sechs Staffeln lang ausgestrahlt wurde, und Show Me The Money, deren achte Staffel 2019 zu sehen war. Als unschlagbar profilierte sich Produce 101, mit dem Mnet 2016 einen Riesenhit landete. Die Zuschauer gaben nicht nur ihre Stimme

ab, sondern bildeten auch Fangemeinden, um die Teilnehmer noch aktiver zu unterstützen. Sie hissten Banner und Plakate und feuerten ihre Lieblingskanditaten während der Auftritte lautstark an.

Diese vollendete Verbindung zwischen Fans, Musikern und Fernsehsendern hat Musik zu einer Arena des Wettbewerbs werden lassen, die an die Sportwelt erinnert. Musiker ohne große Agentur im Rücken treten wie Gladiatoren in einem Kolosseum gegeneinander an. Die Öffentlichkeit sieht wild jubend zu, wie sie ums Überleben kämpfen.

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Trot-Renaissance

Bis noch vor Kurzem war es sehr schlecht um die vom Publikum vernachlässigte Trot-Musik bestellt: Ihr Anteil am Streaming-Markt betrug 2019 nur 2%; nur noch wenige Musikgeschäfte verkauften Trot-Tonträger. Haupteinnahmequelle war der Verkauf von Alben auf Autobahnraststätten und Auftritte bei kleineren lokalen Events. Vor diesem Hintergrund ist der jüngste „Trot-Boom“ ein Phänomen, mit dem niemand gerechnet hat.

Vorbote der derzeitigen Trot-Begeisterung war der Komiker Yoo Jae-suk, der quasi als „Moderator der Nation“ gilt. Er debütierte 2019 als Trot-Sänger unter dem Künstlernamen „Yoo San-seul“ in der MBC TV-Varietéshow Hangout with Yoo. Die Show verfolgte seine Metamorphose in einen Rookie-Trotsänger, der an der Produktion neuer Songs teilnahm, die dann zu Überraschungshits wurden. Als Yoo San-seul gewann der Komiker bei den MBC Entertainment Awards 2019 sogar den Preis für den besten Newcomer in der Kategorie „Varieté“. Er bewies, dass Trot-Musik das Potential hat, zu einem „Bluechip“-Genre der Unterhaltungsindustrie zu werden.

Die Musik-Castingshow Miss Trot, die 2019 auf dem Kabelsender TV Chosun ausgestrahlt wurde, trug zu dem von Yoo ausgelösten Trot-Boom bei, und die Gewinnerin Song Ga-in wurde auf Anhieb zum Superstar. Song, die sich als namenlose Sängerin jahrelang abgemüht hatte, widersetzte sich dem vorherrschenden Fusion-Trot-Trend und gewann mit ihrem authentischen Gesangsstil die Herzen des Publikums. Sie zeigte auch, dass Zuschauer mittleren Alters und darüber eine enorm loyale Fangemeinde sein können.

TV Chosun, vom Erfolg von Miss Trot ermu-

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tigt, produzierte mit Mr. Trot, eine „männliche Variante“ der Show.

Sie wurde von Januar bis März 2020 ausgestrahlt und brachte mit Lim Young-woong einen weiteren großen Star hervor. Im Gegensatz zu Miss Trot, in deren ersten Folgen Nullachtfünfzehn-Kandidatinnen auftraten, die die Zuschauer kaum zu begeistern mochten, war Mr. Trot schon von Anfang an ein Publikumsmagnet. Männer mit Profil verliehen ihren Auftritten einen modernen Touch und legten auch erstaunliche Tanzfähigkeiten an den Tag. Die letzte Folge dieses Contests erreichte eine Einschaltquote von über 35%, die höchste für ein TV-Unterhaltungsprogramm. Das bedeutet, dass die Sendung nicht nur Zuschauer mittlerer und älterer Jahrgänge überzeugte, sondern auch bei jüngeren Leuten ankam.

Die Gewinner beider Shows wandten sich vom Trend hin zum Fusion-Trot ab. Die jungen Sängerinnen und Sänger hielten sich an den klassischen Trot-Stil der 1960er und 1970er Jahre, der Blütezeit des Trot-Lieder, die Stars wie Lee Mi-ja und Na Hoon-a hervorgebracht hatten. Mit traditioneller Gesangskunst, die lange als verstaubt zur Seite geschoben worden war, rührten sie an die Herzen der Zuschauer.

Aber auch den jungen Trot-Stars ist die wiederauflebende, generationenübergreifende Popularität des Genres zu verdanken, da sie ihre Zeitgenossen, die auf YouTube klassische Oldies hören, ansprechen. YouTube und seine Content-Kuratierung überbrücken die zeitliche Kluft zwischen Inhalten und Konsumenten. Aus diesem Grund erfreut sich City Pop, ein Popmusik-Genre aus den 80er Jahren, erneuter Beliebtheit und die Dance-Hits der 1990er erleben auch online ein großes Comeback. Für die YouTube-Generation bedeutet „alt“ nicht länger „kitschig“.

KOREANISCHE KULTUR UND KUNST 35

FOKUS

BONG JOON-HOS

© gettyimages

Regisseur Bong Joon-ho mit der Oscar-Trophäe in der Hand bei der 92. Oscar-Verleihung am 9. Februar 2020. Für seine schwarze Komödie Parasite heimste Bong an dem Tag gleich vier Auszeichnungen ein, und zwar für Bester Film (die erste Auszeichnung für einen nicht-englischsprachigen Film überhaupt), Beste Regie, Bestes Originaldrehbuch und Bester internationaler Film, womit Bong sowohl die Geschichte der Oscar-Verleihung als auch die des koreanischen Films neu schrieb. Vorausgegangen war die Ehrung mit der Goldenen Palme bei den 72. Internationalen Filmfestspielen von Cannes im Jahr 2019.

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FRAGEN UND ANLIEGEN Snowpiercer (2013) und Parasite (2019) von Oscar-Preisträger Bong Joon-ho weisen Ähnlichkeiten auf: Beide Filme beleuchten die Konflikte zwischen der herrschenden und der beherrschten Klasse, zwischen Bourgeoisie und Proletariat. Dafür wird ein Zug als horizontaler Raum bzw. eine Treppe als vertikaler Raum genutzt. Vor allem vermitteln beide Werke über die Grenzen des jeweiligen Raumkonzepts hinaus eine Botschaft, die auf tiefe Resonanz beim Publikum stößt.

Song Hyeong-guk Filmkritiker

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nter den kommerziellen koreanischen Filmproduktionen gibt es etliche originelle und kreative Werke, aber auch viele Streifen, die ein einziges offensichtliches Motiv ausschlachten. Die nenne ich „Konzeptfilme“. In den frühen 2000er Jahren wurden sie v.a. in Form von Gangsterkomödien zuhauf produziert. In den damals beliebten Plots muss ein Gangsterboss die Oberschulbank drücken oder eine Staatsanwältin heiratet in einen Clan der organisierten Kriminalität ein. Als dieses Strickmuster Kassenerfolge einbrachte, entstanden jahrelang zahlreiche darauf aufbauende Formelfilme.

In den 2010er Jahren kam man zwar von den Formelfilmen ab, doch die Versuche der Filmemacher, nur mit einem originären Konzept das Publikum anzulocken, gehen weiter. Die Absicht, die Neugier des Publikums zu erwecken, ist zwar allzu verständlich, aber es ist problematisch, wenn es, wie in vielen Filmen der Fall, nicht über bereits bekannte Handlungstränge und klischeehafte Ausgänge hinausgeht.

Solche Streifen mögen zwar gut sein, um die Zeit totzuschlagen, tragen aber kaum zur Erweiterung des persönlichen Horizonts bei.

Regisseur Bong Joon-ho hat einen anderen Weg eingeschlagen. Er stachelt zwar auch durch die Anwendung eines interessanten Konzepts die Neugier der Zuschauer an, macht dann aber doch noch einen Schritt weiter und erschließt so

neues Terrain für den Genrefilm – ein Ansatz, der ihm die höchste Anerkennung in der koreanischen Filmbranche einbrachte.

Motive auf den Kopf stellen

Als Bongs Parasite (2019) im Anschluss an seine Auszeichnung mit der Goldenen Palme bei den Filmfestspielen in Cannes im vergangenen Jahr bei den Academy Awards 2020 den Preis für den besten Film gewann, wuchs das Interesse an der Anwendung des vertikalen Raums im Film.

Dieses Interesse dehnte sich dann auf den horizontalen Raum aus, in dem die Handlung einer seiner früheren Arbeiten spielt: Snowpiercer (2013), ein futuristischer Science-Fiction-Thriller und Bongs erste englischsprachige Produktion.

In Snowpiercer rücken die sozial Unterdrückten in den hinteren Waggons „horizontal“ in den vorderen Zugteil vor, in dem sich die Privilegierten befinden. In Parasite steigt eine arme, in einer Kellerwohnung hausende Familie von Trickbetrügern über Treppen „vertikal“ nach oben, indem sie sich in den Haushalt der reichen Familie von Park Dongik, die in einem am Berghang gelegenen Nobelviertel residiert, einschleicht. Die Konzepte dieser beiden Filme laden quasi dazu ein, die räumlichen Kontexte oberflächlich, sprich schwarz-weiß, zu interpretieren: Die hinteren Zugtei-

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le in Snowpiercer stehen für die beherrschte Klasse und die vorderen Waggons für die herrschende Klasse; in analoger Weise symbolisiert in Parasite das unterirdische Geschoss Armut, während die überirdischen Etagen für Reichtum stehen. Eine solche Interpretation wäre auch nicht ganz falsch, würde aber die Breite der möglichen Vorstellungen beschneiden, die aufblühen können, wenn die Bilder im Film auf die unterschiedlichsten persönlichen Erinnerungen der Zuschauer treffen. Anstatt nur eine einzige, eindeutige Antwort zu geben, sind Bong Joon-hos Filme voller Fragen und Vorschläge. Wer seine Werke in vollen Zügen genießen möchte, sollte daher darauf achten, sich nicht von dem an der Oberfläche Wahrnehmbaren vereinnahmen zu lassen.

Die Kulisse von Snowpiercer ist der Planet Erde in einer zweiten Eiszeit. Die Überlebenden der Klimakatastrophe leben nach sozialem Status getrennt in einem Zug, der endlos um den vereisten Planeten kreist. Während die Handlung fortschreitet, revoltieren die Bewohner in den hinteren Waggons gegen die unmenschliche Behandlung, der sie ständig ausgesetzt sind, und erkämpfen sich Waggon für Waggon ihren Weg in den „vorderen“ Bereich der Ersten Klasse. Hätte der Film nur das zu bieten, würde er sich nicht von anderen Konzeptfilmen unterscheiden. Doch Regisseur Bong stellt das Motiv unerwarteterweise auf den Kopf und „weicht seitlich aus“ – im wortwörtlichen wie im übertragenen Sinne. Während die Aufständischen um Curtis (dargestellt von Chris Evans) durch die Verbindungstüren nach vorne drängen, richtet der Sicherheitsspezialist Namgoong Min-soo (Song Kang-ho, der auch in Parasite mitspielt) seinen Blick auf eine Seitentür. Um die Bedeutung dieses Blicks zu entschlüsseln, müssen wir Bongs „Konzept innerhalb eines Konzepts“ untersuchen.

Die veränderte Außenwelt

Die Dampflokomotive ist ein Symbol der Neuzeit. Die Erfindung der Dampfmaschine führte zu industrieller Massenproduktion und Explosion der städtischen Bevölkerung.

Es folgte die Weiterentwicklung des Zeitmanagements zur Kontrolle der Fabrikarbeiter, die zuvor daran gewöhnt gewesen waren, von Sonnenaufgang bis Sonnenuntergang zu arbeiten. Die Fabriken mussten Pendel- und Schichtzeiten einplanen und die Züge hatten fahrplanmäßig einzutreffen.

Da eine einzige Maschine die Arbeit von hundert Menschen erledigen konnte, stieg die Maschine in der Wertschätzung, während der Mensch zu Wartungsarbeiten wie Reinigen und Schmieren abkommandiert wurde. Im 20. Jh. verehrte die Menschheit die Maschine, und die elitäre Minderheit, die sie besaß, beherrschte die Welt – ähnlich wie die herrschende Klasse im „Snowpiercer“ und dessen Motor, die beide nur dann Bestand haben können, wenn jede Komponente ihre Rolle spielt und erfüllt.

Wie in Charlie Chaplins Stummfilm Moderne Zeiten (1936) dargestellt, wurden Arbeiter in der mechanisierten Welt zu austauschbaren Komponenten einer riesigen Maschine. Snowpiercer thematisiert die Trennung der Klassen in der grauenvollen Szene, in der kleine Kinder im Zugmotor entdeckt werden, wo sie die Funktionen der defekten Teile übernehmen. Ministerin Mason (Tilda Swinton) befiehlt den Rebellen: „Bleibt an eurem Platz!“ Außerdem erklärt der Zugbesitzer und Oberherr Wilford (Ed Harris) dem Rebellenführer: „Curtis, jeder hat seinen ihm vorbestimmten Platz!“ Die herrschende Elite setzt verschiedene Maßnahmen ein, um nicht nur die Maschinerie des Zuges, sondern auch die Zahl der Menschen und Tiere an Bord langfristig unter

1. Zu Beginn von Parasite blickt Kim Ki-taek aus dem Fenster der Kellergeschoss-Wohnung, in der seine Familie lebt. In den 1980er Jahren mussten freistehende Häuser mit Blick auf den Kriegsfall mit SouterrainRäumen ausgestattet sein. Die Regierung erlaubte schließlich das Mieten dieser Räume – eine erschwingliche Option für Haushalte mit niedrigem Einkommen.

2. Das Haus der Familie Park in Parasite unterstreicht die enorme Einkommenskluft in Korea. Einer Untersuchung aus dem Jahr 2019 zufolge liegt das durchschnittliche Haushaltseinkommen pro Monat bei 1,3 Mio KW (rd. 960 C) im unteren Quintil und 9,5 Mio KW (rd. 7.000 C) im oberen Quintil.

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3. Kim Ki-woo und seine Schwester Ki-jung versuchen im Badezimmer ihrer Kellergeschosswohnung einen kostenlosen WiFi-Hotspot zu finden.

Die Toilette einer Wohnung im Kellergeschoss liegt gewöhnlich auf einer höheren Ebene. Liegt sie tiefer als die unterirdische Klärgrube, kann das Schmutzwasser zurück nach oben fließen .

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Kontrolle zu halten. Das entspricht der unmenschlichen Logik der von Maschinen und Produktionskapital dominierten industrialisierten Neuzeit. Im späten 20. Jh. begann sich die Welt jedoch zu verändern. Das System des Kalten Kriegs brach zusammen und das Zeitalter der Ideologien verschwand in der Geschichte. Die IKT-Revolution sorgte dafür, dass immaterielle digitale Daten, die sich ohne physische Einschränkungen frei bewegen können, Geld und Macht anziehen. Finanzkapital und digitale Macht sind zu den herrschenden Kräften geworden, und das Maschinenzeitalter hat dem durch das Internet repräsentierten Informationszeitalter nachgegeben. In dieser neuen Ära scheint die beherrschte Klasse gegen einen unsichtbaren Feind aus der virtuellen Welt zu kämpfen. In ähnlicher Weise erfährt die Welt außerhalb des Zuges immense Veränderungen, während die geknechtete Unterschicht in Snowpiercer ihren Kampf im Stil des 20. Jh. fortsetzt.

Das wird in einer symbolhaltigen Szene eindrucksvoll dargestellt: Im Gegensatz zum Rebellenführer Curtis Everett (Chris Evans), dessen Blick nur auf die Verbindungstüren vor ihm gerichtet ist, schaut Namgoong Min-soo häufig zur Seite aus dem Zugfenster. Dabei entdeckt er eine dahinsegelnde Schneeflocke. Sie schwebt hierhin und dahin, in ihrer Richtung bestimmt von den komplexen Bedingungen der Umgebung, angefangen bei Temperatur und Feuchtigkeit der Atmosphäre über Luftströmungen bis hin zum Atem lebender Organismen. Es ist eine andere Art Bewegung, die

sich vom hartnäckigen Vormarsch der Rebellen zu Beginn des Films unterscheidet. Diese Bewegung ist vergleichbar mit einem digitalen Signal, das aus dem modernen Zeitalter, in dem „jeder seinen ihm vorbestimmten Platz hat“, entwichen ist. Auf diese Weise stellt Bong Joon-ho das vermeintliche Konzept des Films – die geradlinige Bewegung vorwärts – in Frage und regt dazu an, nicht nur nach vorne zu starren, sondern die Veränderungen in der Welt um uns herum wahrzunehmen.

Unsichtbare Kraft

Der vertikale Raum in Parasite ist ebenfalls nichts weiter als ein Konzept. Die Metapher der „Treppe“ dient Bong dabei als Köder. Der täuschend simple Werbeslogan des Films „Was passiert, wenn eine arme Familie im Haus reicher Leute arbeitet?“ lässt den Kinogänger erwarten, dass der Klassenkampf zwischen Arm und Reich thematisiert wird. Doch in der zweiten Filmhälfte stehen die Scharmützel zwischen der armen und der noch ärmeren Familie im Mittelpunkt. Die wohlhabende Familie Park ist sich dieses Konflikts überhaupt nicht bewusst und weder die Medien noch die Polizei begreifen, was wirklich vor sich geht.

Kehrte die Welt etwa in die Vormoderne zurück, als es – um es mit Thomas Hobbes auszudrücken – einen „Krieg aller gegen alle“ gab, während die Oberschicht fleißig damit beschäftigt war, ihre Rolle „treu, aber ohne Selbstreflexion“ zu spielen? Das im Film ständig thematisierte Problem der

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Beschäftigung erinnert das Publikum an die unerwünschten Konflikte zwischen regulär und irregulär Beschäftigten, zwischen Entlassenen und von der Entlassung Verschonten sowie zwischen kleinen selbständigen Unternehmern und den bei diesen Jobbenden.

Die Unterschichtler in Snowpiercer sind unablässig bemüht, sich einen Weg nach vorne zu bahnen, richten gegen Ende des Films ihren Blick jedoch in eine andere Richtung. Die arme Familie in Parasite versucht entsprechend, sich nach oben zu arbeiten, stürzt aber letztendlich in den Keller, wobei sie feststellt, dass etwas nicht stimmt.

Nach der blutigen Auseinandersetzung zwischen der Familie Kim und einem noch verzweifelteren Ehepaar, der Haushälterin der Familie Park und ihrem Mann, die sich auf der Flucht vor Kredithaien im Bunker der reichen Familie versteckt haben, flieht Ki-Woo, der Sohn der Familie Kim, aus

1. Bong Joon-hos Snowpiercer aus dem Jahr 2013 basiert auf der gleichnamigen Comicroman von Jacques Lob und Jean-Marc Rochette.

In dem post-apoklayptischen Sci-Fi-Thriller befinden sich die einzigen Überlebenden einer globalen Eiszeit in einem Zug, der um die zur Eiswüste gewordene Erde kreist.

2. Die Armen an Bord des Snowpiercer scharen sich um den spirituellen Führer Gilliam (John Hurt), der möchte, dass der Rebellenführer Curtis (Chris Evans) seinen Platz übernimmt.

3. Der verschwenderische Lebensstil der Elite im vorderen Teil des Zugs ist nur dank der Opfer der im hinteren Zugteil zusammengepferchten armen Passagiere möglich.

dem Haus. Als er im strömenden Regen die Treppen hinunterrast, hält er plötzlich inne und überlegt: „Wie ist es eigentlich dazu gekommen, dass ich mich nur mit Leuten, denen es noch schlechter als mir geht, einen Schlagabtausch liefere?“ In diesem Sinne stellen die Treppen im Film gewissermaßen die Frage, ob es in unserer Gesellschaft eine unsichtbare Kraft gibt, die letztendlich die sozial Benachteiligten gegeneinander ausspielt. Diese Kraft könnte etwas sein, das im Cyberspace allgegenwärtig, aber mit bloßem Auge nicht zu erkennen ist, etwas, das der Welt in den Virtual-Reality-Geräten ähnelt, die Park Dong-ik, der reiche Familienpatriarch, in seinem globalen IT-Unternehmen entwickelt. Aus diesem Grund scheint Parasite und seine Sicht der Gesellschaft des 21. Jh. eine Note pessimistischer zu sein als Snowpiercer und seine philosophischen Reflexionen über das 20. Jh. Die Krise des globalen Kapitalismus, rasche tektonische Verschiebungen in der Arbeitswelt, anti-ökologische Entwicklung der Natur und das daraus resultierende Auftauchen eines Monsters – das sind Anliegen, denen sich Bong Joonho immer wieder widmet. Selbst in der heutigen, stark vernetzten Welt werden Entscheidungen noch auf nationaler Ebene getroffen, was nicht dazu beiträgt, die gemeinsamen globalen Herausforderungen der Menschheit wirksam anzugehen. Das ist wohl der Grund, warum Bongs Filme weiterhin pointiert Fragen zur Realität aufwerfen und gleichzeitig seine tiefe Sorge um die Menschheit vermitteln.

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INTERVIEW

Zwei geniale Impfstoffe gegen Virus-Pandemien Choe Jae-chun, Professor für Soziobiologe und Ethologe an der Ewha Womans University, warnt schon seit langem vor den Gefahren der Zerstörung von Ökosystemen. Während sich die ganze Menschheit durch COVID-19 inmitten eines beispiellosen Chaos befindet, betont er erneut, dass wir die Natur stärker schützen müssen, um uns auf die Post-Corona-Zeit vorzubereiten.

Kang Yang-gu Wissenschaftsjournalist Fotos Heo Dong-wuk

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ie Blattschneiderameise ist der Star des National Institute of Ecology in Seocheon-gun in der Provinz Chungcheongnam-do. Diese in den tropischen Regionen Mittel- und Südamerikas heimische Ameisenart schneidet Baumblätter ab, bringt sie zu ihrem Nest und zerkaut sie, um sie zum Düngen ihrer Pilzgärten zu verwenden. Die Ameisen „bestellten“ schon weitaus länger das Land als die Menschen, die erst vor ca. 10.000 Jahren mit Viehzucht und Ackerbau begannen.

Bei genauer Beobachtung dieser pilzzüchtenden Ameisen wird deutlich, dass einige der emsig herumkrabbelnden Tierchen mit einer Art weißem Pulver bedeckt sind. Bei diesem Pulver handelt es sich um Bakterien, die antibiotische Substanzen produzieren. Die Ameisen versorgen sie mit Nahrung und die von den Bakterien erzeugten Antibiotika sterilisieren quasi im Gegenzug den Schädlingspilz, der ihre Pilzgärten befällt. Diese Symbiose zwischen Blattschneiderameisen und Mikroorganismen besteht bereits seit zig Millionen Jahren.

Es war Professor Choe Jae-chun, Ökologe und Gründungsdirektor des Instituts, der die Blattschneiderameisen ins Labor brachte. Bekannt als „Ameisendoktor“ und Verfechter der „Einheit des Wissens“, ist Choe seit Langem der Überzeugung, dass „die Menschheit der Klimakrise proaktiv entgegentreten und Maßnahmen ergreifen muss, wenn sie die biologische Vielfalt erhalten will“. An einem Frühlings-

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tag, als die Forsythien in voller Blütenpracht standen, traf ich ihn auf dem Campus der Ewha Frauenuniversität.

Ein Virus bedroht die Menschheit. Sie haben schon lange vor einem solchen Ausbruch gewarnt, nicht wahr?

Als Biologe, der sowohl Ökologie- als auch Evolutionsforschung betreibt, war es für mich unmöglich, mir keine Sorgen über die schwelenden Probleme zwischen Mensch und Virus zu machen. Lassen Sie uns zunächst einmal zugeben, was zugegeben werden muss: Wenn Mensch und Virus gegeneinander antreten, hat der Mensch keine Chance, siegreich aus dem Kampf hervorzugehen. Viren existieren schon viel länger auf der Erde als der Mensch und auch in diesem Moment gibt es weltweit unzählige Virenarten, die nur darauf warten, zuzuschlagen und bei der nächstbesten Gelegenheit zu mutieren, um den Menschen zu ihrem Wirt zu machen. Die meisten davon scheitern natürlich. Aber dann erscheint ein unglaublich schlaues Virus: Selbst wenn es noch kaum Symptome gibt, breitet es sich bereits leicht aus, aber mit einer nicht zu hohen Sterblichkeitsrate; ihm ist es daher gelungen, sich mit dem Menschen als Wirt auf der ganzen Welt zu verbreiten.

Jetzt leidet die ganze Welt unter dem Virus. Was kann man dagegen tun?

Die Menschheit wird die jetzige Pandemie schon irgend-

Professor Choe Jae-chun und Dr. Jane Goodall beim Besuch des DrachenmoorFeuchtgebiets Yongneup am Berg Daeamsan in der Provinz Gangwon-do im Jahr 2017 anlässlich einer Veranstaltung zur Förderung des Umweltschutzes der von ihnen geführten Stiftung für Biodiversität.

Die Stiftung unterstützt Forschungen im Bereich Tier- und Umweltstudien sowie Entwicklung und Distribution von diesbezüglichem Aufklärungsmaterial. Yongneup ist das erste koreanische Feuchtgebiet, das in die RamsarKonvention aufgenommen wurde. © Cho Soo-jeong

wie überwinden. Das größere Problem ist, dass damit nicht alles ein für allemal vorbei sein wird. Vielmehr wird ein neues Virus nach dem anderen versuchen, den Menschen als Wirt zu besiedeln. Selbst wenn es uns in den kommenden anderthalb Jahren gelingt, eine Vakzine gegen das neuartige Coronavirus zu entwickeln, besteht die Möglichkeit, dass zu dem Zeitpunkt, wenn der Impfstoff bereitsteht, schon wieder ein neues Virus auftaucht.

Was sollte die Menschheit dann tun?

Wir brauchen grundlegende Gegenmaßnahmen, die gegen die Ausbreitung aller Arten von Viren eingesetzt werden können. Die würde ich gerne „Öko-Impfstoffe“ und „Verhaltensimpfstoffe“ nennen.

„Verhaltensimpfstoff“ klingt nach verstärkter „räumlichen Distanzierung“, oder?

Das stimmt. Die räumliche Distanzierung ist ein Beispiel für einen hervorragenden Verhaltensimpfstoff. Es mag geradezu primitiv klingen, aber wenn wir die ganze Welt für genau zwei Wochen vollständig „in Ruhemodus bringen“ könnten, würden alle Übertragungswege von COVID19 blockiert, sodass wir nur noch die bereits Infizierten zu behandeln bräuchten. Wenn sich die Welt auf einen solchen Stillstand einigen könnte und alle gleichzeitig still stehen könnten, wäre das der wirksamste aller Impfstoffe.

Was ist ein „Öko-Impfstoff“? Bedeutet das, dass damit der rücksichtslosen Zerstörung von natürlichen Ökosys-

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temen, die die Menschheit bisher angerichtet hat, ein Ende gesetzt wird?

Genau. Der Grund, weshalb Viren ständig Menschen angreifen, ist, dass viele ihrer ursprünglichen pflanzlichen und tierischen Wirte und die Naturökosysteme dieser Wirte verschwinden. Lange Zeit gab es so gut wie keine Gelegenheit, dass ein Virus, das mit einer Fledermaus als Wirt in einer Waldhöhle lebte, je auf einen Menschen traf. Es gab keinerlei Grund für Fledermäuse, Zibetkatzen, Kamele und Schuppentiere, Kontakt mit dem Menschen aufzunehmen.

Die Virenangriffe sind das Resultat der zunehmenden Zerstörung von Wäldern sowie der Jagd und Domestizierung von Wildtieren. Ab jetzt müssen wir wilde Tiere in Ruhe lassen, damit Viren nicht auf den Menschen überspringen können. Klimawandel und der dadurch bewirkte Rückgang der Biodiversität: Diese beiden Probleme stehen aus eben diesem Grund in direktem Zusammenhang mit der Virus-Pandemie.

Die Menschheit hat bisher ökologische Zerstörung als unvermeidlichen Bestandteil des Wirtschaftswachstums betrachtet.

Das ist das Problem. Wir waren so mit der Jagd nach Wirtschaftswachstum beschäftigt, dass wir die Zerstörung von Ökosystemen nie als problematisch betrachtet haben.

Aber was ist jetzt das Resultat davon? Wegen der Pandemie ist die ganze Weltwirtschaft zum Stillstand gekommen und der Schaden, der dadurch angerichtet wird, ist unermesslich.

Wir müssen in uns gehen, über die Zerstörung natürlicher Ökosysteme im Namen des Wirtschaftswachstums nachdenken und echte Reue zeigen. Tatsächlich ist es viel wirtschaftlicher, die Natur zu schützen, als sie zu entwickeln.

Und wir sollten verstehen, dass ein Öko-Impfstoff das grundlegendste aller Rezepte ist, um weitere Virenausbrüche zu verhindern.

Glauben Sie, dass die jetzige Krise eine Gelegenheit sein könnte, eine andere Richtung einzuschlagen?

Wenn das nur geschehen könnte! Der Mensch ist ein vergessliches Wesen. Sobald die Pandemie vorbei ist, wird es Leute geben, die wieder genau so leben wie davor. Aber ich bin mir sicher, dass diese Pandemie zu einem Katalysator für ein ökologisches Erwachen wird und die Zahl derjenigen, die bewusst handeln, allmählich zunimmt. Das Han-

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deln all dieser Leute muss dann gebündelt werden, um wirklich bedeutsame Veränderungen auf den Weg zu bringen.

Was die vorhin erwähnten Verhaltensimpfstoffe betrifft, so scheint es, dass die räumliche Distanzierung zu etwas Alltäglichem werden muss.

Der Mensch ist das einzige Tier auf der Erde, das sich in eine Richtung entwickelt hat, die ihm erlaubt, mit sehr vielen unbekannten Individuen derselben Art frei zu interagieren. Selbst wenn 20 bis 30 uns unbekannte Leute im Starbucks sitzen, können wir ohne Angst alleine hineingehen.

Was würde in einem solchen Fall in der Welt der Schimpansen passieren? Die Schimpansengruppe würde den Fremdling angreifen und in weniger als einer Minute töten. Gleiches gilt für die Ameisenwelt. Wir Menschen werden wegen des Virus zwar noch eine Weile Abstand voneinander halten, aber ich glaube nicht, dass solche Vorsichtsmaßnahmen auf Dauer eingehalten werden. Da der Mensch das Produkt eines phänomenalen Evolutionsprozesses ist, wird er auch in Zukunft mit Seinesgleichen zusammenkommen, Zusammenhalt und Hautkontakt suchen. Sollte es weitere größere Virenausbrüche geben, werden wir jedes Mal das gesamte

Procedere der räumlichen Trennung wiederholen müssen.

Wir werden uns für eine Weile trennen und dann wiedersehen, wobei wir einander auch noch etwas mehr lieben und schätzen lernen werden.

Wegen COVID-19 wird an den Hochschulen online unterrichtet. Wie verbringen Sie Ihre Zeit?

Ich habe so viel Zeit wie schon seit Jahren nicht mehr.

Die meisten geplanten Vorträge und Konferenzen im Inund Ausland wurden abgesagt. Ich treffe meine Studenten im Online-Raum und genieße die unerwartete Freizeit.

Ich konnte sogar das Manuskript für ein Buch, mit dem ich wegen meines vollen Terminkalenders nicht so recht vorangekommen bin, so gut wie abschließen. Ich denke, es kann schon bald veröffentlicht werden.

Worum geht es in diesem Buch?

Es geht um Grundregeln für gute Diskussionsführung.

Das Thema mag auf den ersten Blick nicht zu einem Ökologen passen, nicht wahr? Doch das stimmt nicht. Viele in der freien Natur lebende Tiere sind lernfähig. Aber unter all diesen Tieren ist nur der Mensch zur „Krone der Schöpfung“ geworden. Der ausschlaggebende Grund dafür ist, dass der Mensch ein Tier ist, das gewissermaßen seine „Startlinie“ in sich trägt.

Ein Tier, das seine Startlinie in sich trägt?

Unter allen Tieren ist der Mensch das einzige, das sein angesammeltes Wissen aufzeichnet und weitergibt. Jede Generation schiebt ihre Startlinie genau bis zu den Errungenschaften der vorherigen Generation nach vorn und entwickelt sich von dort aus weiter. Das Wichtigste für den Menschen ist also, von den früheren Generationen zu lernen, einander zu vertrauen und das Wissen allgemein zugänglich zu machen. Um das zustande zu bringen, müssen wir gut diskutieren können. Das ist auch der Grund, warum ein Ökologe sich dafür interessiert.

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1. Während des in seinem Büro geführten Interviews betont Professor Choe Jae-chun, wie wichtig es ist, sich gezielt mit Klimawandel-Fragen zu befassen. Professor Choi, ein Verfechter der „Einheit des Wissens“, ist als Professor und Abteilungsleiter an der Ehwa-Frauenuniversität tätig.

2. Professor Choe erklärt einer Gruppe von Grundschülern, die eine Sonderausstellung über das Leben der Ameisen im Nationalinstitut für Ökologie besuchen, die Ökologie dieser Insekten (2015). Von 2013 bis 2015 leitete er das Institut als Gründungsdirektor.

Es wäre schön, wenn diese Pandemie sich positiv auf die bewegliche Startlinie der Menschheit auswirken könnte.

Dr. Jane Goodall, die stets von Hoffnung spricht, sagte erst vor Kurzem zu mir: „Auch gute Dinge werden geschehen.

Wir haben das doch schon ein paar Mal durchgemacht und vielleicht werden die Leute endlich erkennen, dass es tatsächlich gut für uns ist, die Natur möglichst in Ruhe und einfach so, wie sie ist, zu lassen; vielleicht kommen sie ja jetzt zu der Einsicht.“ Ich hoffe wirklich, dass genau das geschieht.

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HÜTER DES TRADITIONELLEN ERBES

Ahn Sang-min, der in dritter Generation den 70 Jahre alten Familienbetrieb Biwon Tteokjip führt, hat die Geschäftsleitung vor acht Jahren von seinem Vater übernommen. Auch wenn er das Logo des Ladens und die Verpackung mit einem moderneren Touch versehen hat, hält er sich bei der Reiskuchenherstellung strikt an altbewährte Traditionen.

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Unveränderter Tagesablauf, unveränderliche Hingabe Biwon (auch: Piwon) Tteokjip, ein Reiskuchenladen in der Nähe des Palastes Gyeongbok-gung in der Seouler Altstadt, ist bekannt für seine nach Rezepten des Joseon-Königshofs hergestellten Tteok-Reiskuchen. Ahn Sang-min, der dieses 70 Jahre alte Geschäft in der dritten Generation führt, betrachtet es als seine Berufung, den Geschmack jahrhundertealter Köstlichkeiten unverfälscht zu bewahren.

Kang Shin-jae Freiberuflicher Autor Fotos Ahn Hong-beom

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s gab kein Schild an der Fassade, nur die kleine Dachtraufe über dem Ganzglasfenster gab etwas Aufschluss darüber, um was für einen Laden es sich handelte. Im Inneren fand sich die gleiche Dachziegeldekoration wie an der Außenwand über der Vitrine. Holztüren und -fußboden erinnerten an die Holzdiele eines traditionellen koreanischen Hanok-Hauses. Im Schaufenster zogen fünf Sorten von ordentlich nebeneinander angeordneten Reiskuchen die Blicke an.

Was mir zuerst auffiel, war Duteoptteok, für den der Laden bekannt ist. Für diesen Reiskuchen wird Klebreisteig mit gehackten Walnüssen, Kastanien, Pinienkernen und Jujuben gefüllt, die zuvor alle mit Yujacheong (in Honig eingelegte Schalen der Yuja-Zitrusfrucht (auch: Yuzu) Honig und Zimtpulver gemischt wurden. Danach wird das Stück zu einer Kugel geformt, mit Pulver aus gerösteten roten Bohnen bestreut und gedämpft. Duteoptteok-Reiskuchen, der vermutlich in der späten Goryeo-Zeit (918-1392) aufkam, war eine Delikatesse, die im Joseon-Reich (13921910) auf der Geburtstagstafel des Könige serviert und auch von der wohlhabenden Oberschicht genossen wurde.

Ein sanfter Biss in ein großzügig mit rotem Adzukibohnenpulver bestreutes Stück dieses Reisküchleins verbindet den Kaugenuss knuspriger Nüsse mit dem süß-würzigen Geschmack der Yujacheong. Nicht viele Reiskuchenläden können diesen köstlichen Snack, dessen Zubereitung neben viel Zeit und Mühe teure Zutaten erfordert, fachgerecht herstellen.

Subtiler Kaugenuss

2017 führte die Stadt Seoul ein Programm zur Unterstützung von Geschäften ein, in dessen Rahmen Läden von besonderem historischen Wert als „Orae Gage“ (Alte Geschäfte) designiert werden. Dazu gehört auch das Biwon Tteokjip (Geheimer Garten Reiskuchenladen), das stark ins Rampenlicht der Medien gerückt ist. Die betreffenden Artikel beschreiben seinen Ursprung wie folgt: Han Hui-sun (1889-1972), die letzte Hofdame von Joseon, die unter der Herrschaft von König Gojong (reg. 1863-1907) und König Sunjong (reg. 1907-1910) für die Palastküche verantwortlich war, gab die königlichen Reiskuchenrezepte an Hong Gan-nan (1925-1999) weiter. Hong eröffnete 1949 das Biwon Tteokjip und überließ den Laden 1984 ihrem Neffen Ahn In-cheol, der dort das Traditionshandwerk seit den 1970er Jahren gelernt hatte.

Das Geschäft wird jetzt von seinem Sohn Ahn Sang-min, dem Inhaber in der dritten Generation, geführt. Vor 14 Jahren, als Ahn 23 Jahre alt war, begann er mit dem Handwerk, vor acht Jahren übernahm er den Familienbetrieb. Während ich ihn interviewte, lief er geschäftig zwischen Küche und Hauptraum hin und her. Als ich ihn fragte, wie seine Großtante Können und Zubereitungsmethoden von Joseons letzter Hofköchin gelernt habe, erwartete ich eine fesselnde Geschichte. Aber seine Antwort war schlicht: „Ich weiß nichts Nähres darüber. Und mein Vater hat von meiner Großtante wohl auch nichts Weiteres erfahren.“ Was auch immer ich ihn fragte, seine Antworten waren

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nie lang. Ahn sagte, er sei von Natur aus wortkarg. Als ich ihm die Frage stellte, was er nach 14 Jahren Arbeit über das Handwerk wisse oder noch nicht wisse, war er so lakonisch wie immer: „Ich kann alles alleine schaffen. Mein Vater hat mir alles anvertraut.“ Als ich daraufhin wissen wollte, ob es denn keine Fertigkeit gebe, die er trotz aller Anstrengungen noch nicht gemeistert hätte, meinte er nur: „Nein, es gibt keine.“ Ich bekam schließlich eine etwas ausführlichere Antwort, als ich mich erkundigte, ob er verglichen mit seinem Vater, der über 40 Jahre Reiskuchen zubereitet hatte, irgend einen Zubereitungskniff noch nicht völlig beherrsche. „Da gibt es nichts. Ich denke, ich mache es besser“, sagte er. „Ich habe die Konsistenz unserer Reiskuchen nach meinen eigenen Maßstäben ein wenig abgeändert, was zu höheren Umsätzen und guten Kundenbewertungen geführt hat.

Z. B. war früher unser Seolgi (in Tonformen gedämpfter, locker-flockiger Reiskuchen) klebriger und kaufester als die jetzige Variante, deren leichtere Konsistenz mit der von Pfundkuchen zu vergleichen ist.“ Als ich wissen wollte, ob er dabei den Geschmack der jungen Leute berücksichtigt habe, verneinte er, Maßstab sei sein eigener Geschmack gewesen. Das ließ mich nachhaken, welche Qualitäten nach Meinung dieses jungen TteokLadenbesitzers denn einen guten Reiskuchen ausmachen. „Na ja, da gibt es viele Kriterien, aber am wichtigsten ist wohl die Konsistenz, jede Sorte Reiskuchen verlangt ihre eigenen Konsistenzstandards, mehr nicht“, erklärte er. Und welche Faktoren sind dafür ausschlaggebend? „Drei: die Partikelgröße des Reismehls und die Menge von Wasser und Salz. Entscheidend für die Konsistenz ist die Partikelgröße des Reismehls. Je nachdem, wie fein oder grob das Reispulver ist, wird das Küchlein eher zäh-klebrig oder angenehm bissfest sein, schnell hart werden bzw. länger weich bleiben.

Ich mache mir viele Gedanken darüber.“

Eine moderne Note

Es war die Optik seiner Produkte und seines Ladens, die er neben der Konsistenz des Reiskuchens veränderte. Da die meisten seiner Kunden Stammgäste waren, suchte er nach Wegen, neue Kunden anzusprechen, insbesondere jüngere Leute in den Zwanzigern und Dreißigern. Als Erstes ersetzte er die handelsüblichen Verpackungen, bei denen die Reiskuchen auf Styroporschalen gelegt und mit Plastikfolie umwickelt wurden. Er verpackte jedes Stück einzeln und entwarf ein neues Ladenlogo und eine neue Verpackung nach dem Vorbild berühmter Bäckereien. Er begann auch damit, elegante Geschenksets mit einzeln verpackten Reiskuchen in weißen Papierschachteln anzubieten. Danach belie-

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fen sich die Einkäufe jüngerer Kunden auf rund 30% des Gesamtumsatzes.

Doch keine dieser Veränderungen beeinträchtigte die Essenz der in der Familie überlieferten Geschmacksnote.

Bezüglich seiner Arbeit schien Ahn ganz sicher zu sein. Er strahlte die Sicherheit und Gelassenheit eines Mannes aus, der ein Geschäft betreibt, das seit über siebzig Jahren tagtäglich die gleichen Produkte auf die gleiche Weise herstellt, eines Mannes, dessen Fachkönnen kein Produkt zum Ladenhüter werden lässt und das von der Kundschaft geschätzt wird. Dass er genau wie sein Vater weiterhin hochwertige Zutaten aus heimischer Produktion verwende, ließ mich nur verstehend nicken. Ich fragte, ob es den Geschmack der Reiskuchen merklich beeinträchtigen würde, wenn eine der Zutaten von geringerer Qualität wäre. Er schien etwas verwirrt und sagte dann: „Wahrscheinlich. Aber ich habe keine Ahnung, wie sich der Geschmack verändern würde, weil ich immer noch genau die Zutaten verwende, die schon mein Vater verwendet hat.“ Als ich fragte, was denn das Schwierigste beim Herstellen von Duteoptteok sei, bei dem mehr als ein Dutzend Zutaten aufeinander abgestimmt werden müssen, machte er zum ersten Mal eine Pause, bevor er antwortete: „Ich weiß nicht, was schwer oder was leicht ist. Ich habe die Reiskuchenherstellung ja nirgendwo eigens gelernt, sondern immer nur hier gearbeitet, das heißt, ich kann keine Vergleiche anstellen. Ich bin mir daher auch nicht sicher, wie ich die Frage bentworten soll.“

Fest strukturierter Tagesablauf

Ahn Sang-min wuchs damit auf, die Dinge durch den aus den Töpfen in der Küche aufquellenden Dampf des Reiskuchenladens zu betrachten. Der Anblick seines Vaters, der „stundenlang vor dem Topf stand und die geschälten Roten Bohnen vor dem Mahlen röstete“, schmerzte ihn, weshalb er schließlich beschloss, den Laden zu übernehmen. Sein einziges Ziel war, dieser Arbeit Anerkennung zu verschaffen, obwohl sie im Vergleich zum erforderlichen Krafteinsatz nur kümmerlich belohnt wurde. Sofort nach der Absolvierung seines Militärdienstes begann er, ganztags im Laden zu helfen, wobei sein Arbeitstag schon um drei oder vier Uhr in der Frühe begann. Seine Pläne für ein Studium, an dem er sowieso kein besonderes Interesse hatte, legte er auf Eis. Nach und nach gewöhnte er sich an die Alltagsroutine des Reiskuchenladens, der für ihn der einzige Ort auf der Welt war, über den er einen vollen Überblick hatte. „Was war bisher das Schwierigste bei der Arbeit?“, fragte ich noch einmal.

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1. Zwei Stück gefüllte Reiskuchen werden für Ssang-Gaepitteok in Form von menschlichen Lippen zusammengesetzt. Die Füllung, für die geschälte Adzukibohnen gekocht und zu Brei verarbeitet werden, wird in einen Reisteigmantel eingeschlagen.

2. Für Yaksik wird Klebreis gedämpft und dann mit Honig, Rohzucker und Sojasoße gemischt, um den Reis braun zu färben. Anschließend werden halbierte Kastanien, getrocknete, geviertelte Jujuben und Sesamöl hinzugegeben, bevor die Mischung erneut gedämpft und mit Pinienkernen garniert wird.

3. Duteoptteok, die Spezialität des Ladens, ist Ahns Lieblingssorte. Ein Biss in diesen mit feinem Rote-Bohnen-Pulver bestäubten Reiskuchen lässt das reiche Aroma von fein gehackten Nüssen und süßem YujaExtrakt voll zur Geltung kommen.

„Mal abgesehen davon, dass die ganze Familie 24 Stunden am Tag aufeinander hängt und wir ab und zu über Kleinigkeiten aneinander geraten, gibt es eigentlich nichts“, erwiderte er. „Empfinden Sie jetzt, wo das Geschäft soweit auf die richtige Spur gebracht worden ist, manchmal Selbstzufriedenheit oder Langeweile, weil alles längst Routine geworden ist?“ – ich probierte es mit einem anderen Ansatz. „So ein Gedanke ist mir nie in den Sinn gekommen“, ant-

wortete er. „Gab es irgendetwas beim Betreiben des Geschäfts, dass sich anders als erwartet entwickelt hat? Hat sich vielIeicht der Grad der Zufriedenheit mit Ihrem Leben verändert?“ – versuchte ich es erneut.

Er erwiderte: „Ah, wegen der Arbeit? Nein, nichts dergleichen. Ich genieße meine Freizeit und die Familienmitglieder kommen so gut miteinander zurecht, dass wir oft zusammen verreisen.“ „Haben Sie einen Masterplan für den Laden?“ – ich gab nicht auf. „Nicht wirklich. Ich mache einfach Tag für Tag das, was ich bisher immer gemacht habe“, antwortete er.

Seinen Antworten haftete nicht die geringste Spur der Glorifizierung seiner Arbeit an. Sein Laden ist zwar durch die beständige Medienberichterstattung bekannt geworden, aber er erwähnte keine Pläne für z. B. die Entwicklung ausgefallener Produkte in Zusammenarbeit mit Bäckereien, oder ein Dessert-Café, das Klassisches mit Zeitgenössischem kombiniert.

Ganz im Gegenteil, erklärte er weiter, es wäre eine Überlegung wert, die Produktauswahl zu reduzieren, um sich auf die wichtigeren Reiskuchensorten zu konzentrieren.

Als ich mich fragte, warum ich mit seinen Antworten ständig unzufrieden war, wurde mir meine eigene Voreingenommenheit bewusst: Ich hatte erwartet, dass der junge Besitzer eines traditionsreichen Familienunternehmens eben diese Traditionen neu interpretieren und entsprechend innovativ sein sollte. Diese Erkenntnis öffnete mir die Augen in Bezug auf den völlig gewöhnlichen Alltag eines Menschen. Es war ein einfaches Leben, in dem die Tage im Laden beginnen und enden, genau wie die seines Vaters. Ein Leben, in dem er bis spät in die Nacht arbeitet, wenn sich die Bestellungen häufen, oder erleichtert früher schließt, wenn die Regale leer sind. Ein Leben, geführt mit der bescheidenen Haltung, sich nicht mit anderen Berufstätigen zu vergleichen und die Aufgaben, die heute anstehen, in Ruhe zu Ende zu bringen sowie den morgigen Tag mit derselben Gleichmut zu begrüßen, anstatt sich von Sorgen um das, was die Zukunft bereithalten mag, plagen zu lassen.

Als ich den Laden, in dem ein solches Leben seinen Lauf nahm, verließ, schien von der mit der Zeit glänzend gewordenen Holztür etwas auszuströmen: Es war der kostbare Wert des alltäglichen Lebens, der in jeder Gasse der Welt spürbar ist, aber nur selten wirklich wertgeschätzt wird. Der ununterbrochene Rhythmus eines gewöhnlichen Lebens, ein Rhytmus, der nie bemerkenswert ist, aber – wenn man ihn erst einmal bemerkt – von ganz eigener Schönheit.

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KUNSTKRITIK

D Verbindung mit dem Unsichtbaren Die Ausstellung Korean Video Art from 1970s to 1990s: Time Image Apparatus , veranstaltet vom Nationalmuseum für Moderne und Zeitgenössische Kunst in Gwacheon, bot eine bedeutende Retrospektive auf die Geschichte der koreanischen Videokunst von den 1970er bis in die 1990er Jahre. Bedauerlicherweise durfte die für den Zeitraum vom 28. November 2019 bis 31. Mai 2020 anberaumte Ausstellung aufgrund der Covid-19-Pandemie für längere Zeit nicht besucht werden.

Park Young-taek Kunstkritiker, Professor für Westliche Malerei und Kunstmanagement an der Kyonggi University

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ie koreanische Videokunst entwickelte sich zeitgleich mit ihrem westlichen Pendant, aber abgesehen von den Werken des weltberühmten Künstlers Nam June Paik (1932-2006) ist das Genre als solches der breiten Öffentlichkeit nur wenig bekannt.

Korean Video Art from 1970s to 1990s präsentierte über 130 Werke von rund 60 Künstlern von den Anfängen bis zur 1990 einsetzenden Blütezeit dieser Kunstgattung. Den Besuchern bot die Ausstellung eine seltene Gelegenheit zu verstehen, wie sich die Videokunst in Korea etablierte, wobei die frühen Werke der heute international renommierten Künstler ein besonderer Blickfang waren.

Experimentelle Kunst

Die 1970er waren Jahre, in denen sich die verschiedenen experimentellen und avantgardistischen Bewegungen der zeitgenössischen koreanischen Kunst besonders stark entwickelten. Zu einer Zeit, als ganze Serien experimenteller Arbeiten in Form von Happenings, Installationen, Fotos und Videos entstanden, versuchten sich einige wenige Künstler erstmals an der Videokunst. Nicht ohne Ironie ist dabei, dass die harte Realität der Militärdiktatur als Nährboden der Avantgardebewegung diente.

Die meisten Künstler von damals nahmen das Video weniger als Ausdrucksmittel einer neuen, unabhängigen Bildästhetik auf, sondern eher als ein Medium zur Ausübung der Avantgarde- oder Konzeptkunst. Repräsentativ hierfür sind u.a. Kim Ku-lim (geb. 1936), Lee Kang-so (geb. 1943) und Park Hyun-ki (1942-2000). Sie begannen, mit dem neuen Medium ihre Überlegungen bzgl.

Zeitlichkeit, Prozess und Handlung, Wahrnehmung und Existenz sowie Konzept und Sprache zu visualisieren.

Wiping Cloth (1974/2001), eins der frühen Werke von Kim Ku-lim, einem der Wegbereiter der experimentellen Kunst in Korea, komprimiert beispielsweise den Prozess des Abwischens eines Schreibtisches mit einem Tuch, das mit jeder Wischbewegung schmutziger wird, bis es am Ende völlig schwarz gefärbt in Stücke zerfällt.

Als Pionier der Videokunst im eigentlichen Sinne ist nicht zuletzt Park Hyun-ki zu nennen, der bereits seit 1973 in dieser Kunstrichtung aktiv ist. Seine Reihe Untitled (1979-1982), auch bekannt als TV Stone Tower, erforscht die Thematiken „Natur und Technologie“, „Realität und Fantasie“ sowie „Original und Repräsentation“, indem er für seine Exponate echte Steine und

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1. Untitled von Park Hyun-ki. 1979. 14 Steine, 1 TV-Bildschirm. 260 × 120 × 260 cm (WDH).

Nationalmuseum für Moderne und Zeitgenössische Kunst.

2. TV Buddha von Nam June Paik. 1974/2002. Buddha-Skulptur, CRT TV, interne Kamera, Farbe, stumm.

Variable Größe. Nam June Paik Art Center.

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deren visuelle Repräsentationen kombiniert. Es heißt, Park sei tief beeindruckt gewesen, als er während des Koreakriegs sah, wie Menschen auf der Flucht Steinchen sammelten, zu kleinen Türmchen aufstapelten und vor ihnen beteten. Für ihn war ein Stein sowohl ein materielles als auch ein kulturanthropologisches Objekt, auf das Wünsche projiziert wurden, und seine Kunst wirft einen kleinen Blick auf die Bedeutung von Steinen im koreanischem Schamanismus. Die Besucher konnten die Wiedergeburt des Okkultistischen und Schamanistischen in den der traditionellen koreanischen Kunst inhärenten Images durch Hochtechnologie erleben.

Künstlerische Zweckentfremdung Good Morning Mr. Orwell (1984) ist ein Videokunstwerk, zusammengestellt aus Ausschnitten von Paik Nam Junes gleichnamiger TV-Show, die am 1. Januar 1984 weltweit live übertragen wurde und ausschlaggebend für die weite Verbreitung der Videokunst in Korea war. Paik wurde früh auf die besonderen ästhetischen Eigenschaften der selbstleuchtenden, in Fernsehapparaten verwendeten Braunschen Röhre aufmerksam, die sich von den lediglich aus Schatten bestehenden Fotos und Filmen unterschied. Als junger Mann hatte er Musik studiert und war in Japan und Deutschland als experimenteller Gegenwartsmusiker aktiv. In den frühen 1960er Jahren präsentierte er Arbeiten, in denen er durch beliebige Manipulation des Fernsehgeräts die eindirektionale Übertragung der Informationen im kommerziellen TV veränderte. Nach 1965 begann er, die neue Videotechnologie in seinen Werken anzuwenden, was in der Medienkunst eine gewaltige neue Welle lostrat.

Paik hatte die künstlerischen Möglichkeiten des Fernsehapparates entdeckt und verstand es, durch Transformation von Apparatus und Bildern das Medium gekonnt zweckzuentfremden. Einige meinen, seine Vorstellungskraft „leite sich von der flexibeln und übergreifenden Denkweise der Koreaner ab, die sich nicht von den gegebenen Funktionen oder Stereotypen eines Objektes

Himmel, Erde & Mensch von Oh Kyung-wha. 1990. 16 TVs, Video- und Computergraphiken, Farbe mit Ton, 27 Minuten und 4 Sekunden. Artist’s Collection.

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einschränken lassen, sondern alles multifunktional interpretiert und verwendet haben“. Allerdings war das auch eines der Hauptmerkmale der zeitgenössischen Kunst im 20. Jahrhundert, was z.B. an Marcel Duchamps (18871968) Fountain (1917), einem zum Springbrunnen umfunktionierten Urinal, zu erkennen ist.

Anhand des starren Mediums Fernsehapparat machte Paik nicht nur plastische Formexperimente, sondern auch philosophisches Denken möglich und hauchte dem Objekt zudem noch Leben ein. Obwohl nicht Teil dieser Ausstellung, ist TV Buddha (1974) repräsentativ für Paiks meditative und ritualistische Frühwerke. Auf einem langen Sockel steht ein Fernsehgerät, gegenüber sitzt eine bronzene Buddhastatue. Eine Kamera hinter dem TV nimmt die Statue frontal auf und wirft das Antlitz auf den Monitor, während der Buddha still sein Abbild betrachtet. Diese Installation zog wegen der Verbindung östlicher Religion und westlicher Technologie die Aufmerksamkeit auf sich. Das Ziel der Meditation ist die Erreichung einer Zeit und Raum überschreitenden absoluten Leere, aber das Bild auf dem Monitor spiegelt den Körper Buddhas wider, den er nicht abzustreifen vermag. Der künstlerische Beitrag Paiks lag gerade in der Kombination östlicher Philosophie bzw. traditionellen koreanischen Denkens mit avantgardistischem westlichem Geist und deren Verkörperung in der Sprache der zeitgenössischen Kunst.

Videoskulpturen In den späten 1980er Jahren kam die Videoskulptur als neue Kunstform auf. Geboren aus dem wachsenden Interesse an Verlassen der Zweidimensionalität, Post-Genre, Mixed Media und Technologie bestanden Videoskulpturen anfangs hauptsächlich aus mehreren aufeinander gestapelten oder versetzt übereinander angebrachten Fernsehapparaten. Ab Mitte der 1990er Jahre erschienen kinetische Videoskulpturen, die physische Bewegungen mit Bewegtbildern kombinierten. Die Werke von Kim Hae-min (geb. 1957) und Yook Tae-jin (1961-2008) stehen dabei im selben Kontext wie die von Park Hyun-ki und Nam June Paik, da sie sich ebenfalls mit ideologischen und existenziellen Themen befassen.

Kim Hae-min ist ein Künstler, der mittels seines Scharfblicks in Bezug auf das Medium die feinen Grenzen zwischen Virtuellem und Realem, Vergangenheit und Gegenwart, Existenz und Nicht-Existenz zum Aus-

druck bringt. Sein repräsentatives Frühwerk TV Hammer (1992/2002) bietet die einzigartige Erfahrung des Überschreitens der Grenzen zwischen Realität und Virtualität: Mit jedem Schlag des auf dem TV-Monitor zu sehenden Hammers ist ein Knall zu hören und das Gerät wackelt.

Yook wiederum erschloss durch die Kombination von Objekten wie z. B. antiken Möbeln und sich wiederholenden Handlungen einen originären Bereich der Videoskulptur: In Ghost Furniture (1995) öffnen und schließen sich zwei Schubladen anhand eines eingebauten Motors automatisch, während in den Schubladen installierte Videobilder einen Mann zeigen, der mit dem Rücken zum Betrachter eine unendliche Treppenflucht hochsteigt. Er erinnert an Menschen, die wie Sisyphos immer neue Höhen zu erklimmen versuchen, aber deren Los es ist, in der Absurdität des Seins eingeschlossen zu bleiben.

Schamanistische Kunst Künstler sind Alchemisten. Durch Zurechtformen und Verbinden von Allerweltsmaterialien schaffen sie Neues. Künstler sind auch Schamanen, die die Seele von Materialien zu lesen verstehen. Dabei transformieren sie Steine und Bäume in Menschen oder erwecken tote, unscheinbare Materie zum Leben, indem sie ihr eine Seele einhauchen. Möglich ist dies, weil sie nicht menschenzentriert denken, sondern alle Dinge der Schöpfung als gleich betrachten. Der Schamanismus wurzelt in der animistischen Vorstellung, dass alle Materie im All lebendig ist und Gott die Kraft ist, die sie zum Leben erweckt. Schamanismus und Animismus kennen keine dichotomen Aufspaltungen und Grenzen wie Leben und Tod, Licht und Dunkelheit. Der Schamanismus ermöglicht Kommunikation mit dem Reich der Toten und Reisen dorthin. Wie beim Schamanismus, so finden sich auch die Anfänge der Kunst in dem Bestreben, mit dem Tod zu kommunizieren, die unsichtbare Welt sichtbar zu machen oder das Unerreichbare erreichbar. Kunst ermöglicht ein Entkommen aus der vom Sichtbaren dominierten Welt.

Hochinteressant ist, dass die dem koreanischen Schamanismus inhärente Kommunikation mit dem Übernatürlichen und Ekstase mit dem High-Tech Medium Video kombiniert wird. Das ist wohl eine der attraktivsten Seiten der koreanischen Videokunst. Diese Ausstellung hat noch einmal daran erinnert.

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GESCHICHTEN AUS ZWEI KOREAS

Unterschiedliche Erinnerungen an den Krieg Künstler aus den beiden Koreas brachten unterschiedliche Erinnerungen an den Koreakrieg (1950-1953) zum Ausdruck. Bei der Darstellung von Tod und Zerstörung während des Bruderkriegs unterscheiden sich ihre Perspektiven und Kunststile deutlich.

Kim Youngna Kunsthistorikerin, Ehrenprofessorin an der Seoul National University

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I

nnerhalb von nur drei Tagen nach Beginn des Koreakrieges am 25. Juni 1950 wurde Seoul von den nordkoreanischen Truppen eingenommen. Künstler, die nicht rechtzeitig fliehen konnten, sahen sich gezwungen, unter Führung der linksgerichteten Koreanischen Künstlerallianz Großporträts des russischen Diktators Josef Stalin oder des nordkoreanischen Staatsgründers Kim Il-sung zu malen. Als die Truppen Südkoreas und der Vereinten Nationen im September desselben Jahres Seoul zurückeroberten und die nordkoreanischen Soldaten zum Rückzug zwangen, wurden diese Künstler der Kollaboration mit dem Feind beschuldigt. Maler wie Gi Ung (1912-1977) und Kim Man-hyeong (1916-1984), die unter der kurzen kommunistischen Herrschaft mit der nordkoreanischen Armee zusammengearbeitet hatten, flohen in den Norden. Zusammen mit denen, die bereits vor oder während des Krieges freiwillig nach Nordkorea gegangen waren, sollen rund 40 Künstler die Seiten gewechselt haben. Darunter gab es sicherlich welche, die sich aus Überzeugung dafür entschieden, aber auch welche, die aus der Befürchtung überliefen, dass die von ihnen während der kommunistischen Herrschaft begangenen Taten Konsequenzen nach sich ziehen würden.

Kunst im Süden

Über die nationale Tragödie des Bruderkriegs sind in der Literatur nicht wenige Meisterwerke entstanden, für die Malerei lässt sich das jedoch kaum behaupten.

Bedenkt man die Brutalität des Konflikts, der auf beiden Seiten erhebliche Verluste forderte, ist die Zahl der Werke, die Schlachtszenen realistisch darstellen, eher gering. Eines davon ist Die Schlacht bei Dosol-san von Yu Byeong-hui, der dem südkoreanischen Verteidigungsministerium unterstehenden Fernmeldetruppe angehörte. Das Werk zeigt eine erbitterte Schlacht, die 1951 im felsigen Hochland des Taebaek-Gebirges ausgefochten wurde. Während die südkoreanische Nationalflagge hoch oben in der Bildmitte flattert, liegt die nordkoreanische Nationalflagge blutgetränkt auf dem Boden. Bei dieser Schlacht, die zu den fünf wichtigsten Operationen der südkoreanischen Marineinfanterie zählt, verloren schätzungsweise 2.260 nordkoreanische und 700 südkoreanische Soldaten ihr Leben.

Elend der Flüchtlinge

Niemand hat den Koreakrieg so im Detail festgehalten wie Kim Seong-hwan (1932-2019), der bei Kriegsausbruch die Oberschulabschlussklasse besuchte und zu der Zeit bereits die Comicserie Meongteongguri (Blödmann) in der Zeitung Yeonhap Shinmun veröffentlichte. Als Seoul fiel, versteckte er sich auf dem heimischen Dachboden, um nicht von der nordkoreanischen Volksarmee zwangsrekrutiert zu werden. Er hinterließ an die 110 lebensnahe Aquarellskizzen von Szenen, die er auf der Straße beobachtet hatte. Eins der Werke zeigt südkoreanische Soldaten, die einen sowjetischen T-34 Panzer erbeuteten, um den die Leichen nordkoreanischer Soldaten verstreut liegen.

Im Gegensatz dazu hielten die meisten Künstler im Süden das leidvolle Leben

Der 38. Breitengrad von Kim Won. 1953. Öl auf Leinwand. 103 × 139 cm.

Das Gemälde zeigt eine Gruppe von Flüchtlingen bei dem Versuch, die Grenzlinie zwischen den beiden Koreas zu überqueren. Der dunkelblaue Erdboden und der rote Himmel stehen für ihre Verzweiflung und für ihren Schmerz, die hellen Strahlen über dem Hügel am rechten Bildrand symbolisieren Hoffnung.

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der Flüchtlinge oder das Chaos auf ihren Fluchtrouten fest. Das war nämlich die erdrückend bittere Realität, mit der sie sich als Flüchtlinge selbst tagtäglich konfrontiert sahen. Kim Won (1912-1994), der vor Kriegsbeginn Pjöngjang verlassen hatte und nach Seoul gezogen war, stellt in seinem Werk Der 38. Breitengrad (1953) eine Kolonne von Flüchtlingen dar, die die Trennungslinie zwischen den beiden Koreas überschreiten wollen. Vorne in der Kolonne umklammern einige bitterlich weinend Tote, andere tragen Kinder in den Armen oder auf dem Rücken und versuchen krampfhaft, über den Hügel zu kommen. Das tiefe Dunkelblau des Erdbodens und das Rot des Himmels drücken ihre Verzweiflung und ihr Leid aus, während das leuchtend helle Licht rechts über dem Hügel ihre Hoffnung symbolisiert.

Abstrakt vs. realistisch

Die schrecklichen Erinnerungen an den Krieg wurden auch noch in der Nachkriegszeit, als in der koreanischen Gesellschaft eine gewisse Stabilität eingekehrt war, bildlich zum Audruck gebracht, meist aber metaphorisch oder abstrakt. Der Grund dafür war, dass der in der damaligen Sowjetunion und in Nordkorea vorherrschende sozialistische Realismus in der Kunst allgemein als politisch „verschmutzt“ bzw. stark propagandistisch gefärbt betrachtet wurde.

Dieser Trend war auch global zu erkennen: Nach dem Zweiten Weltkrieg wandte man sich in der westlichen Kunstwelt vom Realismus ab und legte den Akzent auf abstrakte Kunst. Die realistische Malerei wurde als politisch bzw. linksgerichtet wahrgenommen, einige erkannten ihr sogar jeden künstlerischen Gehalt ab. Auch die koreanischen Künstler der Nachkriegszeit waren bemüht, jede „politische Farbgebung“ zu vermeiden, und drückten ihre Wut über die Wunden, den Schmerz, das

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1. Spuren der Geschichte von Nam Kwan.

1963. Öl und Collage auf Leinwand mit einem imitierten Rosteffekt. 97,5 × 130,5 cm.

Nationalmuseum für Moderne und Zeitgenössische Kunst, Gwacheon.

In dieser melancholischen und emotionalen Rückblende auf tragische Momente im Krieg deuten abstrakte Formen langer und kurzer Striche mitleiderregende Szenen an, die sich vor einem Kreuzschraffur-Hintergrund aus Licht und Schatten abspielen, in dem die Zeit still geblieben zu sein scheint.

2. Sieg von Lee Quede (Auschnitt). 1958. Ein Wandgemälde im Chinesisch-koreanischen Freundschaftsturm. Ölgemälde. 200 × 700 cm. Pjöngjang.

Der mittlere Teil dieser gewaltigen Wandmalerei zeigt mehrere Kampfszenen mit versprengten US-Soldaten auf der rechten Seite und siegreichen chinesischen Truppen auf der linken.

Gefühl der Sinnlosigkeit und den Verlust der Familie in abstrakter Form aus. Nam Kwan (1911-1990) hatte auf der Flucht oft Tote gesehen und diese Schreckensbilder des Kriegs brannten sich unauslöschlich in sein Gedächtnis ein. Die verborgenen Erinnerungen kommen durch die düster gefühlsgeladene Stimmung in seinem Werk Spuren der Geschichte (1963) zum Ausdruck. Die Leinwand ist bedeckt mit menschlichen Gestalten, Symbolen und hieroglyphenähnlichen Zeichen, die zu schweben scheinen. Vor einem Hintergrund, in dem die Zeit stehen geblieben zu sein scheint und sich Licht und Schatten überschneiden, bergen diese Formen aus langen und kurzen Strichen tragische Geschichten in sich.

Kunst im Norden

Die im Nachkriegs-Nordkorea angefertigten Gemälde zum Koreakrieg, der dort „Krieg zur Befreiung des Vaterlandes“ genannt wird, unterscheiden sich völlig von denen aus dem Süden. Das liegt daran, dass sich Nordkorea nach Kriegsende am sozialistischen Realismus orientierte. An der Kunsthochschule Pjöngjang war russische Kunst ein Pflichtfach und die Studierenden lernten, wie man heroische Personen dramatisch in Szene setzt.

Unter den nach Nordkorea übergelaufenen Künstlern thematisierte vor allem Lee Quede (1913-1965), der schon im Süden für seine beeindruckende Geschichtsmalerei bekannt gewesen war, den Krieg. Lees repräsentatives Werk Sieg (1958) ist

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Die im Norden gefertigten Gemälde zum Koreakrieg, der dort als „Krieg zur Befreiung des Vaterlandes“ bekannt ist, unterscheiden sich völlig von denen aus dem Südens. In der nordkoreanischen Kunst werden statt Kampfszenen hauptsächlich heldenhafte Bürger dargestellt, die den nordkoreanischen Volksarmisten zur Seite stehen.

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1. Bürger von Goseong, die die Front unterstützen von Chung Chong-yuo. 1958/1961 (retuschiert).

Chosonhwa. 154 × 520 cm. Koreanische Kunstgallerie, Pjöngjang.

Das Gemälde zeigt die Einwohner von Goseong, Provinz Gangwon-do, die während eines Schneesturms Munition und Essen an die Front transportieren.

2. Frauen im Dorf am Fluss Nam-gang von Kim Ui-gwan. 1966. Chosonhwa. 121 × 264 cm.

Koreanische Kunstgallerie, Pjöngjang.

Das Gemälde zeigt heldenhafte, bewaffnete Frauen in einem Dorf am Nam-Fluss im Kreis Goseong, die Soldaten verstecken und Vieh hüten, beim Durchqueren des Flusses.

ein Wandgemälde im Sino-Koreanischen Freundschaftsturm, den Nordkorea im Pjöngjanger Stadtbezirk Moranbong errichten ließ, um China für seine Unterstützung im Krieg zu danken und die freundschaftlichen Beziehungen beider Länder zu stärken. In der Mitte des Gemäldes finden sich Szenen verschiedener Schlachten, darunter die Schlacht von Sanggamnyeong, in der die chinesischen Streitkräfte die amerikanischen und südkoreanischen Truppen besiegten; rechts sind die versprengten amerikanischen Soldaten zu sehen, in der oberen Hälfte die siegreichen chinesischen Einheiten.

In der nordkoreanischen Kunst werden jedoch statt Schlachtszenen häufiger heldenhafte Bürger porträtiert, die den nordkoreanischen Soldaten helfen. Der nach Nordkorea übergelaufene Maler Chung Chong-yuo (1914-1984) erhielt bei der Nationalen Kunstausstellung die Goldmedaille für sein Werk Bürger von Goseong, die die Front unterstützen (1961), das die Einwohner von Goseong in der Provinz Gangwon-do darstellt, die während eines Schneesturms Munition und Essen an die Front transportieren. Die Menschen und Tiere bewegen sich gleichsam rhythmisch von rechts nach links und die angedeutet wirkenden Pinselstriche, abgestuften Tuschetöne sowie die perspektivische Anordnung vermitteln ein lebendiges Gefühl von Tiefe und Raum.

Erwähnenswert ist, dass in Nordkorea selbst in den 1950er Jahren noch weit mehr Maler Ölfarben statt asiatische Tusche verwendeten. In den 1960ern wurde dann jedoch die sog. „Joseonhwa“ (koreanische Malerei) gefördert, da der Oberste Führer Kim Il-sung sagte: „Statt der Ölmalerei aus dem Westen ist die einzigartige Joseonhwa, die traditionelle Pinsel und Tusche verwendet, die Kunst des Volkes und sie muss eigenständig weiterentwickelt werden.“ Darüber hinaus wies er darauf hin, dass ein Schwachpunkt der Joseonhwa die mangelnde Farbe sei, und fügte hinzu, Farben seien wichtig, „um den Kampf des Volkes lebendig, prägnant, schön und kraftvoll darzustellen.“ Zu den von dem Staatsgründer ausdrücklich gelobten Werken gehören Frauen im Dorf am Fluss Nam-gang (1966) von Kim Ui-gwan (geb. 1939) und Großvater am Fluss Nakdong-gang (1966) von Ri Chang (geb.

1942). Das Erstere zeigt heldenhafte, mit Gewehren bewaffnete Frauen, die mit Reisgarben beladene Kühe durch eine Furt in einem Dorf den Fluss Nam-gang, Kreis Goseong, führen und nordkoreanische Soldaten verstecken. Das Werk erhielt den ersten Preis bei der Nationalen Kunstausstellung.

Interessant ist allerdings, dass es in der nordkoreanischen Kunst nur wenige Gemälde gibt, die den Koreakrieg thematisieren. Weitaus größer ist die Zahl der Bildnisse, die den von Kim Il-sung geführten anti-japanischen Widerstand verewigen. Das dürfte daran liegen, dass der „Krieg zur Befreiung des Vaterlandes“ ein gescheiterter Feldzug war und der Fokus entsprechend auf die Idolisierung von Kim Il-sungs Kampf gegen Japan gelegt wurde.

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UNTERWEGS

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Unterbrochene Verbindungen, bleibende Erinnerungen Gyeongheung-daero („daero“: große Straße) war der einzige Verkehrsweg der Joseon-Zeit (1392-1910), der sich von Seoul bis nach Gyeongheung (heute Eundeok) in der nordöstlichen Grenzprovinz Hamgyeong-do (heute in Nordkorea) erstreckte. Im Süden wird diese Straße nach wie vor als Nationalstraße genutzt, sie endet jedoch hinter Uijeongbu und Cheorwon vor der Demilitarisierten Zone (DMZ). Dieser Weg, der nicht mehr in den Norden führt, symbolisiert den Wunsch zurückzukehren: in die Heimat, zum verlorenen Ich oder zu einem nicht näher bestimmten Ziel.

Lee Chang-guy Dichter, Literarturkritiker Fotos Ahn Hong-beom

Blick vom Dream Forest, dem viertgrößten Park in Seoul, auf ein Berghang-Wohnviertel mit Mehrfamilienhäusern.

Nordkoreanische Soldaten überquerten bei ihrem Rückzug im Koreakrieg den Fuß des Berges Opae-san, wo sich heute der Park befindet.

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ie seit März 2020 abrufbare Staffel 2 der von Netflix produzierten koreanischen Zombie-Serie Kingdom spielt im Joseon-Reich des 17. Jh. Die erbitterteste Schlacht der 2020 herausgekommmen zweiten Staffel der Serie findet auf dem mehrmals in den Untertiteln erwähnten Mungyeong Saejae, dem „Vogelpass von Mungyeong“, statt. Dieser steile Pass an dem in der Joseon-Zeit erschlossenen Hauptverkehrsweg Yeongnam-daero, der auch als Hauptschlagader des kulturellen Austauschs fungierte, war für die Verteidigung der Hauptstadt von strategischem Vorteil. Im April 1592 traf jedoch die von Feldherr Konishi Yukinaga angeführte japanische Hauptarmee, die nach der Eroberung von Busan ihren Vormarsch Richtung Hauptstadt fortsetzte, beim Überqueren des Passes auf keinerlei Widerstand.

Grund war die Fehleinschätzung eines Kommandanten von Joseon, der allzu großes Vertrauen in seine 8.000 Kavalleristen gesetzt hatte und sie auf der Ebene unterhalb des Passes kampieren ließ.

Sobald König Seonjo (reg. 1567-1608) davon hörte, ergriff er hastig im Morgengrauen die Flucht in den Norden. Innerhalb von drei Tagen nahmen die japanischen Truppen die Hauptstadt Hanyang (alter Name von Seoul) ein. Für Kim Eun-hee, die Drehbuchautorin von Kingdom, scheint die schmerzvolle Erinnerung an das Geschehen in Mungyeong Saejae als Impuls für ihre Vorstellungskraft gewirkt zu haben, die die Handlung der Serie vorantreibt.

Während Burgen zu den Hauptschauplätzen in westlichen Historiendramen gehören, legen koreanische Geschichtsdramen großen Wert auf Straßen. Dabei symbolisieren die Routen der Pässe und das Durchqueren ihrer Tore oft Leid oder eine Wendung der Lage.

Mungyeong Saejaes historischer Stellenwert wird noch durch die Schönheit der natürlichen Landschaft dieses Passes unterstrichen.

Während einige Passwege heutzutage noch als geschichtsträchtig und malerisch erinnert werden, würdigt man andere keines zweiten Blickes. Diesmal führt unsere Reise auf eine Route ohne gepflegte Parkanlagen oder Gedenkstätten mit erklärenden Tafeln. Eine unsichere, träumerische Reise in die „nicht offiziell bestätigte Geschichte“ lässt das Herz stets höher schlagen.

Aufbrechen mit digitalem Reiseführer

Blickt man mit Google Earth auf den Unterlauf des Flusses Tumen (auch Duman-gang), der die nordöstliche Grenze der Koreanischen Halbinsel bildet, sieht man eine schöne kleine Bucht mit mehreren Lagunen. Gegenüber liegt die russische Grenzstadt Chassan, und zwar so nah, dass man glaubt, Russisch hören zu können.

Was die Einwohner der Provinz Hamgyeong-do betrifft, über die der Silhak-Gelehrte Lee Jung-hwan (1690-1756, Silhak: konfuzianische Lehre vom Praktischen Wissen) in seinem Geographiebuch Taengniji (Führer durch Korea) bemerkt, „dass das Volk an der Grenze zu den Barbaren kräftig und wild ist“, so hätten sie wohl tatsächlich leicht einiges verstehen können. Der Charakter dieses

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1. Blick aus der chinesischen Provinz Jilin auf eine Brücke über den Fluss Tumen, die Nordkorea und Russland verbindet. Die Fahrt mit dem Zug aus der Sonderwirtschaftszone Rason [Rajin-Sonbong] in Nordkorea nach Khasan in Russland führt über diese Brücke.

2. Überreste eines Zugfahrgestells und eines von UNO-Truppen bombardierten nordkoreanischen Güterwagens auf dem Gelände der Bahnstation Woljeong-ri, einer Touristenattraktion in der Nähe der Südlichen Demarkationslinie der Demilitarisierten Zone, die die beiden Koreas voneinander trennt. Der Bahnbetrieb im Landkreis Cheorwon, Provinz Gangwon-do, ist seit der Teilung eingestellt.

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© Yonhap News Agency

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Volkes lässt sich z. B. daran ablesen, dass ein niederrangiger Zivilbeamter namens Jeong Mun-bu (15651624) während der japanischen Imjinwaeran-Invasion (1592-1598) 3.000 Freiwillige sammelte und die 28.000 Mann starke japanische Armee besiegte. Um ihren Verdienst zu ehren, ließ König Sukjong (reg.

1674-1720) in Gilju, Provinz Hamgyeong-do, das Siegesdenkmal Bukgwan Daecheopbi errichten. Als ein japanischer General das Denkmal während des Russisch-Japanischen Krieges (1905) entdeckte, veranlasste er seine Verlegung zum Yasukuni-Schrein in Tokio. Nach einer langwierigen Restitutionskampagne wurde es 2005, ein Jahrhundert später, von der japanischen Regierung zurückgegeben. Im Jahr darauf wurde es schließlich nach Nordkorea zurückgebracht, was für Schlagzeilen sorgte.

Flussabwärts südlich von der kleinen Bucht liegt die oft in den Nachrichten erwähnte Sonderwirtschaftszone Rajin-Sonbong (heute Rason), die erste in Nordkorea eröffnete Freihandelszone. Das östliche Ende der Bucht scheint der Platz zu sein, wo sich einst der Hafen Seosura befand, aber auf Google Maps sind keinerlei Spuren oder diesbezügliche Markierungen zu entdecken. Während der JoseonZeit befand sich dort, der erste der Signalfeuerposten, über den Seoul im Falle eines feindlichen Angriffes gewarnt wurde. Über Seosura steht der Ortsname „Gyeongheung“, der alte Name der heutigen Stadt Eundeok. Der nach Seoul führende Verkehrsweg Gyeongheung-daero erstreckt sich von Seosura über Gyeongheung, verläuft kurz stromaufwärts am Fluss Tumen entlang und bahnt sich dann wie ein feines Äderchen einen Weg nach Süden entlang einer durch schroffe Berge führenden Strecke über Hamheung und Wonsan und ab dort über den Cheollyeong-Pass in der Provinz Gangwon-do.

Wie auf der Karte zu sehen, ist Cheollyeong ein sich eher schlängelnder Pfad mit zahlreichen Windungen als ein hoher, steiler Passweg. Diese topographischen Vorteile nutzend, unterhielten das Königreich Goryeo (918-1392) und das Nachfolgereich Joseon die Festung Cheollyeong-gwan als nordöstlichen Verteidigungspunkt des Passes.

Mit der Festung als Orientierungspunkt wurde das Gebiet der Hamgyeong-Provinz nördlich der Festung „Gwanbuk“ (nördlich des Cheollyeong-gwan) genannt, und das Gebiet der Provinz Pyeongan-do westlich der Festung „Gwanseo“ (westlich des

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Cheollyeong-gwan). Geht man hinter Cheollyeong wieder Richtung Süden, führt der Weg in das berühmte Gebirge Geumgang-san in Nordkorea. Lässt man es mit Bedauern hinter sich und biegt nach Westen Richtung Seoul ab, werden die Wege immer vager: ein Hinweis auf die Nähe der Demilitarisierten Zone. Weit auf der anderen Seite der DMZ jenseits von Gimhwa-Ebene, Pocheon und Chukseongnyeong in Uijeongbu angelangt, tauchen plötzlich die drei imposanten Spitzen des Gebirges Bukhan-san an der nördlichen Peripherie von Seoul auf. Nimmt man an der Station Uijeongbu die U-Bahn, erreicht man in 40 Minuten die Station Dongdae-mun in Seoul-Mitte.

Aufbruch in Seoul

Offizieller Aufbruchspunkt für eine Reise auf der Gyeongheungdaero war das Osttor Dongdae-mun in der alten Hauptstadt Hanyang, aber die Gesandten des Jurchen-Volkes scheinen das nördlicher gelegene Hyehwa-mun genutzt zu haben. Das Hyehwamun, eines der vier Nebentore der Hauptstadt, wurde 1938 während der japanischen Kolonialzeit im Zuge der Erweiterung der Stadtmitte abgerissen und 1994 im Rahmen der Restaurierung der Festungsmauer zehn Meter nordwestlich des ursprünglichen Standorts wieder aufgebaut. „Hyehwa“ bedeutet „durch Wohltaten kultivieren“ und soll sich auf die Zivilisierung der Jurchen beziehen. Um von Hyehwa-mun nach Uijeongbu zu gelangen, musste man den Donamdong Gogae, einen Hügel zwischen dem Fuß des Berges Bukhan-san und des angrenzenden Gaeun-san, überqueren. Der ursprüngliche Name des Passes war „Doeneomi Gogae“, was so viel wie „Hügel, der von

Doenom überquert wird“, bedeutet, wobei „Doenom“ eine abwertende Bezeichnung für fremdstämmige Einwanderer aus dem Nordosten war. Irgendwann wurden die Jurchen die Hauptnutzer des Passes.

Der Grund dafür steht in engem Zusammenhang mit König Taejo (Yi Seong-gye, reg. 1392-1398), dem Gründer des Joseon-Reichs. Sein Vater, der in der nordöstlichen Region großen Einfluss besaß, hatte entscheidend dazu beigetragen, diese fast ein Jahrhundert von der chinesischen Yuan-Dynastie (1279-1368) beherrschte Region zurückzuerobern.

Yi Seong-gye, der Amt und Macht seines Vaters übernahm, nutzte seine Position als Basis, um das Gebiet gegen die ständigen Aggressionen ausländischer Mächte zu schützen. Seine freundschaftlichen Beziehungen zu den Jurchen erwiesen sich als außenpolitischer Pluspunkt bei der Gründung des Joseon-Reichs. Als die Rebellenorganisation der Roten Turbane im Zuge des Aufstands des chinesischen Han-Volkes gegen die mongolische Herrschaft (1352-1365) einfiel, führte Yi Seong-gye seine Armee über die Gyeongheung-daero, um die Hauptstadt Gaegyeong (heute Gaeseong/Kaesong in Nordkorea) zu verteidigen. Auch nach seiner Abdankung reiste Yi den Rest seines Lebens noch oft auf dieser Straße. Sie führt auch nach Geonwolleung, seiner letzten Ruhestätte.

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1. Baudenkmal und Statuen errichtet zu Ehren der Soldaten, die während des Koreakriegs an der Schlacht am Chukseongnyeong-Pass in Uijeongbu teilnahmen.

2. Miari-Hügel beim Ausbau der Verkehrswege im Jahr 1964. Zu der Zeit gab es keinen Bürgersteig neben der Straße, weshalb die Fußgänger den Fahrzeugen ausweichen mussten.

3. Heutzutage ist Miari-Hügel eine viel befahrene Straße, die das alte Seouler Stadtzentrum mit den nordöstlichen Außenbezirken verbindet. Im Juni 1950 überquerten die nordkoreanischen Truppen den Miari-Hügel bei ihrem Vormarsch auf Seoul.

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2

Hügel voller Schmerzen

Der Donamdong Gogae (Donamdong-Hügel) wird auch „Miari Gogae (Miari-Hügel)“ genannt, da gleich jenseits dieses Hügels die Verwaltungseinheit „Mia-ri“ lag. Das Viertel Donam-dong gehört heute zum Verwaltungsbezirk Seongbuk-gu in der nördlichen Hälfte von Seoul. Vor der Urbanisierung der Hauptstadtregion lag das Gebiet jedoch noch außerhalb der Stadtgrenze. Gibt man im Internet den Suchbefehl „Miari“ ein, erscheinen Treffer zur Schließung des als „Miari Texas“ bekannten Rotlichtviertels und zu „Miari Gogae“ als Ort, wo während des Koreakrieges die letzte erbitterte Schlacht zur Verteidigung Seouls stattfand. In den Schlachten von Dongducheon und Uijeongbu wurden die süd-

koreanischen Streitkräfte vom Ersten Korps der nordkoreanischen Hauptarmee überrannt.

Sie lieferten sich bis zum bitteren Ende auf dem Rücken des Berges Gaeun-san ein heftiges Feuergefecht, um die Panzer, die von der Mia-Kreuzung in Richtung Donam-dong vordrangen, aufzuhalten. Die Kämpfe ließen den Berg entwaldet und kahl zurück, aber heute, wo der Pulverdampf und die Erinnerung daran verzogen sind, steht an der Stelle ein © Stadtregierung Seoul Apartmentkomplex mit schöner Aussicht.

1956, drei Jahre nach Kriegsende, wurde das Lied Miari-Hügel, voller Schmerzen zum Hit (s. Seite 11) und der Name des Viertels war wieder in aller Munde. Die Einwohner der Gegend bevorzugen jedoch den Namen „Donamdong-Hügel“ vor „Miari-Hügel“, da letzterer mit großem Leid und Schmerz behaftet ist. Tatsächlich erscheint die Bezeichnung „Miari-Hügel“ nicht einmal in den Plänen des Projekts, mit dem die Gebietskörperschaft sich bemüht, die alten Straßen wieder instandzusetzen und in Kulturwanderwege zu verwandeln. Der Gedanke, als Ort einer nationalen Tragödie erinnert zu werden, die im Lied durch den Geliebten, der „die Hände fest mit Stacheldraht gefesselt“ verschleppt wird, symbolisiert ist, erschien ihnen wohl nicht ganz angenehm.

Darüber hinaus lässt sich nicht mit Sicherheit sagen, ob es sich bei dem Verschleppten um einen Rechtsgerichteten handelte, der von den sich zurückziehenden nordkoreanischen Truppen gefangen genommen und getötet wurde, oder um jemanden, der im Vertrauen

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KOREANISCHE KULTUR UND KUNST 65

auf die Versprechen der Regierung in Seoul geblieben war, um dann wegen des Verdachts der Kollaboration mit dem Feind verhaftet und getötet zu werden. Nach der Rückeroberung von Seoul wurden rund 50.000 Personen aufgrund solcher Anschuldigungen festgenommen, ca. 160 wurden exekutiert.

Ferne Erinnerungen

Die Nationalstraße 3, die sich von der Mia-Kreuzung über den Suyuri-Hügel zwischen dem Bukhansan-Gipfel Kalbawi („kal“: Messer, „bawi“: Felsen) und dem Berg Opae-san erstreckt und dann den Fluss Jungnyang-cheon entlang nordwärts Richtung Uijeongbu verläuft, dürfte bis auf wenige Streckenabschnitte mehr oder weniger der alten Route der Gyeongheung-daero folgen. Höhere Erhebungen gibt es nicht. Wenn man die Atmosphäre alter Straßen noch etwas intensiver spüren möchte, gibt es einen Block links von der großen Straße der Banghak-Kreuzung Richtung Uijeongbu eine kleinen, etwa 10m breiten und 3km langen Weg, der bis zur U-Bahn-Station Dobong-san führt. Dieser Weg liegt auf der

Sehenswertes in Miari Kyonghung

Mia

Sosura

Dream Forest Park

Hamhung

Pocheon

1 Sang Sang Tok Tok Gallery

Chollyeong Cheorwon

Seoul Uijeongbu Mia-Sageori [Mia Kreuzung]

Gyeongheung-daero. Auf beiden Seiten der Straße finden sich hauptsächlich Geschäfte oder Marktgassen, etwa auf halber Strecke liegt die Bukseoul-Mittelschule. Die weit über 500 Jahre alte Straße erfüllt erstaunlicherweise noch heute ihre Funktion, und zwar nicht als historische Stätte, sondern als Teil des Alltagslebens. Die hier lebenden Menschen kehren ihre Höfe, kaufen oder verkaufen Waren und sind augenscheinlich desinteressiert an Staunen, Schreien und Freuden, deren Zeuge diese Straße einmal war. Nur hier und da geben Schilder am Straßenrand detaillierte Beschreibungen zu den Rundwegen auf dem Berg Dobong-san, zu den Wegen zu Grabstätten der Königsfamilie oder einflussreicher Männer der Joseon-Zeit.

Für diejenigen, die im nordöstlichen Teil von Seoul oder in der Gegend von Uijeongbu in der Provinz Gyeonggi-do lebten, war der Miari-Hügel eine Art Tor zur Hauptstadt. Ohne den Hügel zu überqueren, konnte man nämlich weder gescheite Sachen kaufen noch echte Sehenswürdigkeiten genießen. Selbst Allerweltsgerichte wie Gamja Gukbap (Reis-Kartoffelsuppe) oder Ugeoji Dwaenjangguk (Suppe aus Basis von Sojabohnenpaste und den äußeren Blättern des Chinakohls) mit Seonji (geronnene Ochsenblutstücke) schmeckten klarer und besser auf dem Jeil Markt im Viertel Donam-dong, das auch in der Nähe lag. Der Grund dafür war, dass die Station Donamdong der letzte Haltebahnhof der Straßenbahn war. Alles dahinter war plattes Land.

Die 1939 eröffnete Straßenbahnlinie, die fast drei Jahrzehnte (bis 1968) in Betrieb war, galt als eine Art Wahrzeichen von Miari. Aber als Miari 2002 von der Stadtregierung Seoul in das New-Town-

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3

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Gireum 2 Miari Arts Theater 3 Miari Fortunetellers’ Village (Wahrsagerdorf)

4 Hyehwa Gate (Tor)

Mt. Gaeun Park

Sungshin Women’s University

Hansung University

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U-Bahnhöfe

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1. Dream Forest eröffnete 2009 auf dem Standort eines ehemaligen Vergnügungsparks. Es gibt dort ein 50m hohes Observatorium.

2. Der Jeil Markt in Donam-dong eröffnete 1952 und wurden in den 1970ern erneuert. Dieser traditionelle Markt ist zwar nicht groß, aber voller alter Läden.

Er ist Bestandteil des Alltagslebens der Anwohner und auch Touristenattraktion.

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Projekt für ausgewogene Stadtentwicklung einbezogen wurde, änderte sich der Lauf der Geschichte des Viertels erneut. Ausmaß und Geschwindigkeit der Entwicklung waren dermaßen rasant, dass die Erinnerungen der Menschen an Miari innerhalb von nur zehn Jahren auf den Kopf gestellt wurden. Ein symbolischer Ort dafür ist der North Seoul Dream Forest, ein Ruhe- und Kulturort am Fuße des Berges Opae-san. Von der dortigen Aussichtsplattform bietet sich ein Blick auf das alte und das neue Seoul, auf Vergangenheit und Zukunft.

Die von der Station Uijeongbu Richtung Nor-

den verlaufende Straße gabelt sich in zwei Richtungen: Die sich nach rechts, Richtung Nordosten erstreckende Straße ist die Gyeongheung-daero, die über Chukseongnyeong, die DMZ sowie Wonsan und Hamheung in Nordkorea bis zum Tumen-Fluss reicht. In meiner Vorstellung sehe ich die Rücken der Leute, die Schweißgeruch verströmend mit schwingenden Armen vorbeiziehen: Ein Gelehrter aus Bukgwan (anderer Name der Provinz Hamgyeong-do), den der Hunger jeden Standesdünkel vergessen und sich unter die Kaufleute mischen ließ, legt sein Gepäck auf das Boot und überquert mit erleichterter Miene den Fluss Jungnyang-cheon – im Herzen den Wunsch, eines Tages als ehrwürdiger Gelehrter in die Heimat zurückkehren zu können. Ein junger, adliger Yangban, den Kopf voller dummer Ideen, reitet auf einem Maultier und schwankt kurz schlaftrunken, als der Weg ansteigt. Die jungen Diener, die ihm vollbeladen mit Gepäck hinterhertrotten, sind froh gestimmt. Bis zum Gebirge Geumgang-san ist es noch weit.

Der junge Soldat, der mit einem langen Gewehr auf der Schulter lauthals Marschlieder singend am Ende der Kolonne marschiert, verliert plötzlich vor Heiserkeit die Stimme. Ich kann mich nicht für eine Richtung entscheiden und bleibe lange, einfach in die Ferne schauend, dort stehen.

KOREANISCHE KULTUR UND KUNST 67

LIFESTYLE

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or noch nicht allzu langer Zeit kauften viele Leute einmal pro Woche bei einem großen Einzelhändler ein. Diese meist am Wochenende stattfindenden Großeinkäufe glichen Familienausflügen, bei denen man sich mit allem Lebensnotwendigen für eine Woche eindeckte und den Kühlschrank auffüllte.

Was den Early-Morning-Express-Lieferdienst betrifft, so hatte ihn ein Start-up-Unternehmen 2015 eingeführt, was dann zu einem ungeahnten Aufschwung von Lieferdiensten dieser Art führte. Denn einmal auf den Geschmack dieses bequemen Serviceangebots gekommen, erscheint der zeitaufwändige Akt des Einkaufens als unbequem. Daran liegt es wohl, dass die zuvor noch ständig wachsende Zahl der Supermarkt-Filialen nach und nach abnimmt und eine nach der anderen sich gezwungen sieht, den Betrieb einzustellen.

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© Market Kurly

Vom Essen bis hin zur Wäsche

Sollte früher alles fürs Frühstück Notwendige bereits am Abend zuvor zubereitungsfertig im Kühlschrank liegen, so ist das heute nicht mehr nötig. Man kann sich nach dem Abendessen mit der Familie über den Essensplan für den nächsten Morgen austauschen und die Lebensmittel in der Frühe liefern lassen.

Bestellungen sollten in der Regel möglichst bis etwa 22.00 Uhr getätigt werden (bei manchen Händlern aber auch bis Mitternacht), damit die Lieferung am Tag darauf zwischen zwei und sieben Uhr früh ankommt. Lieferbar sind nicht nur verarbeitete, lange haltbare Lebensmittel, sondern auch Frischkost wie Obst oder Fleisch bis hin zu sofort genießbaren Fertiggerichten. Der Express-Versand ist nicht auf Lebensmittel beschränkt. Ein koreanisches Modeunternehmen bietet z.B. einen Lieferservice an, bei dem Kunden, die vor 10.00 Uhr bestellen, ihre Ware noch am

2 © Coupang

Während Sie schlafen „Early-Morning-Express“ (meist bis 22.00 Uhr bestellt, zwischen 02.00 und 07.00 Uhr geliefert) und „Bullet-Express“ (bis 15.00 Uhr bestellt, am selben Tag geliefert) gehören derzeit für die großstädtischen Haushalte zum Alltag. Das nachts bestellte Essen steht am Folgetag auf dem Frühstückstisch.

Kim Yong-sub Trendanalyst

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Nachmittag desselben Tages bekommen. Auch immer mehr Kosmetikmarken werben mit ihrem „Bullet-Express“ (bis 15.00 Uhr bestellt, am selben Tag geliefert). Die Liefergeschwindigkeit hängt also nicht mehr von der Art des Produktes ab. Zu reinigende Wäschestücke wie z.B. Anzüge oder Hemden braucht man nur in einer Papiertüte vor die Tür zu stellen, sie werden dann noch im Morgengrauen abgeholt. Am übernächsten Tag hängen sie in der Frühe gereinigt am Haustürknopf. Ein Auftrag per Smartphone-App erledigt das alles ganz einfach. Neben Kleidung aller Art kann man auch Bettdecken, Schuhe und Taschen reinigen oder reparieren lassen.

Lieferarbeiter

Wie sind solche Expresslieferungen möglich geworden? Da besteht eindeutig ein Zusammenhang mit der „ppalli-ppalli (schnell-schnell)“-Mentalität der Koreaner. Die rasche Industrialisierung, die Korea in den 1960/70er Jahren erlebte, verlangte schnelles Handeln und schnelle Antworten, Eigenschaften, die dann quasi zur zweiten Natur wurden. Es dürfte kaum Länder geben, in denen die Behörden so zügig ihre Arbeit erledigen wie in Südkorea. Diese Eigenschaft ist besonders bei Katastrophen bzw. in Krisenzeiten relevant und manifestierte sich z.B. auch darin, wie medizinisches Personal, Regierungsstellen und die allgemeine Öffentlichkeit auf den Ausbruch der Corona-Pandemie reagierten.

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1. Die Beschäftigten dieses Logistikzentrums haben rund um die Uhr alle Hände voll zu tun mit dem Sortieren von Bestellungen und dem Verpacken von Waren.

2, 3. Arbeitsrechtliche Fragen und Arbeitsbedingungen rücken mittlerweile verstärkt in den Fokus, da immer mehr Shopper die von ihnen bestellten Lebensmittel und auch andere Artikel vor der Morgendämmerung zugestellt bekommen möchten.

KOREANISCHE KULTUR UND KUNST 69

Es gibt jedoch auch eine Kehrseite. Aufgrund der Besessenheit, dass selbst nicht dringend Notwendiges schnellstmöglich geliefert werden sollte, ist die Belastung der Logistikarbeiter enorm.

Sie spielten eine Hauptrolle bei der Verbreitung der Early-Morning- und Bullet-Express-Services, müssen jedoch schlechte Arbeitsbedingungen hinnehmen, damit die Verbraucher bequeme Dienstleistungen zu günstigen Preisen genießen können. Um wettbewerbsfähig zu bleiben, berechnen die Lieferunternehmen für kleine bis mittelgroße Bestellungen die sehr geringe Gebühr von 2.500 bis 3.000 Won (rd. 1,85-2,22 €), größere Bestellungen werden kostenlos geliefert. Trinkgeld ist in Korea nicht üblich, den Arbeitern bleibt also nur ihr Lohn. Jüngst wurde das Problem der Supergeschwindigkeit, mit der die Logistikarbeiter die Bestellungen der Superexpressdienste ausliefern müssen, zur Sprache gebracht und Forderungen nach angemessener Bezahlung wurden laut.

Übermäßige Verpackungen

Kern des Early-Morning-Express ist sicherlich die schnelle Lieferung frischer Lebensmittel. Um Frische zu garantieren, werden Styroporkisten mit zusätzlichem Polstermaterial gefüllt. In der Frühphase der Expresslieferdienste wurde das Problem der übermäßigen Verpackung angesichts der Erleichterungen, die der Lie-

ferdienst mit sich brachte, schlichtweg übersehen. Als dann jedoch Unbequemlichkeiten im Alltag wie z.B. das getrennte Sammeln des Verpackungsmaterials fürs Recycling entstanden, rückte die Thematik verstärkt in den Fokus. In den Haushalten, die diesen Lieferservice oft in Anspruch nehmen, stapelten sich nämlich nicht biologisch abbaubare Styroporkartons, Füllmaterial etc. und das Entsorgen schien kein Ende zu nehmen.

Heutzutage werden daher möglichst wiederverwertbare Materialien verwendet und man ist um minimalistischeres Verpacken bemüht. So werden z.B. Papierbeutel mit gefrorenem Wasser statt Kühlkissen benutzt und Klebeband aus Papier statt aus Kunststoff. Einige Firmen entlasten ihre Kunden, indem sie die Verpackungen wieder abholen.

Solche Veränderungen, die mit dem hauptsächlich für Lebensmitteleinkäufe genutzten Early-Morning-Service aufkamen, breiten sich heutzutage auf andere Branchen aus. Beispielsweise stellte eines der führenden koreanischen Kosmetikunternehmen Verpackungskartons her, die sich an der Produktgröße orientieren, um beim Versand weitgehend auf Polstermaterial verzichten zu können. Diese Firma ersetzte auch

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© SSG.COM

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Nicht nur die Bequemlichkeit der Lieferdienste erwies sich jüngst als unschätzbarer Pluspunkt, sondern auch die Kontaktlosigkeit. In Zeiten der Covid-19-Pandemie, in der soziale Distanz wichtig geworden ist, ist das nicht weiter verwunderlich, denn die Lieferdienste machen Supermarktbesuche und direkten Kontakt mit dem Lieferpersonal unnötig.

1. Seit dem Ausbruch der COVID-19-Pandemie stellen die Lieferanten die Pakete immer öfter vor die Haustür oder hängen sie an den Türknauf, um direkten Kontakt mit den Kunden zu vermeiden.

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2, 3. Die Logistikunternehmen bemühen sich neuerdings um sparsames Verpacken und die Entwicklung ökofreundlicher, wiederverwertbarer Materialien, da das Verpackungsaufkommen zu einem gesellschaftlichen Problem geworden ist.

© Market Kurly

Luftpolsterfolien aus Kunststoff durch Polster aus recycelbarem Papier. Das bedeutet zwar höhere Kosten für die Unternehmen, aber weniger Abfall.

Kontaktlose Lieferdienste

Weltweit hat die Covid-19-Pandemie die Menschen in vielen Ländern zu Hamsterkäufen verleitet, aber Korea war eine Ausnahme. Das ist nicht nur eine Frage des Bürgerbewusstseins, sondern hängt auch eng mit dem Vorhandensein stabiler Logistik- und Lieferketten zusammen. Da alles, was man möchte, in kürzester Zeit bis an die Türschwelle gebracht wird, muss man sich nicht im Großmarkt mit Vorräten für mehrere Wochen eindecken.

Aber nicht nur die Bequemlichkeit der Lieferdienste erwies sich jüngst als unschätzbarer Pluspunkt, sondern auch die Kontaktlosigkeit. In Zeiten der Covid-19-Pandemie, in der soziale Distanz wichtig

geworden ist, ist das nicht weiter verwunderlich, denn die Lieferdienste machen Supermarktbesuche und direkten Kontakt mit dem Lieferpersonal unnötig.

Kontaktfreie Lieferungen sind auch deshalb möglich, weil Waren in der Regel nicht verloren gehen. Ist der Kunde nicht zu Hause, können die Lieferanten die bestellte Ware beim Hausmeister der Wohnhochhausanlage abgeben oder einfach vor die Haustür stellen. In Korea verschwinden nur selten Dinge, selbst dann nicht, wenn man z.B. in einem Café Laptops oder persönliche Gegenstände einfach auf dem Tisch liegen lässt und zur Toilette geht. Geschäfte stellen ihre Produkte unbesorgt vor dem Ladeneingang aus. Ohne diese grundlegende Atmosphäre des Vertrauens in der Gesellschaft wäre es schwierig gewesen, die Early-Morning-Lieferungen als neuen Lebensstil zu etablieren. Denn wer würde diesen Service überhaupt nutzen, wenn er vor lauter Sorge, dass die morgens früh an die Wohnungstür gelieferte Ware gestohlen werden könnte, nachts kaum ein Auge zumachen könnte?

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REISEN IN DIE KOREANISCHE LITERATUR

REZENSION

© Park Jae-hong

Park Chan-soon debütierte 2006 im Alter von 60 Jahren mit der Auszeichnung beim Frühlingsliteraturwettbewerb der Zeitung The Chosunilbo. Die Schriftstellerin, die davor jahrelang ausländische Filme und TV-Serien übersetzt hatte, hat seitdem drei Erzählsammlungen veröffentlicht und steht in puncto schriftstellerischem Können ihren jüngeren KollegInnen in nichts nach.

Choi Jae-bong Reporter, The Hankyoreh

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ie ersten Erzählungen von Park Chan-soon beschreiben zum großen Teil multikulturelle Szenen jenseits der Grenzen von Räumen und Ethnien. Der Protagonist ihres Debütwerks Lammspieße aus Garibong ist ein chinesischer Koch koreanischer Abstammung, der sich illegal in Korea aufhält, und in Garten à la Balhae, der Titelerzählung ihres ersten Erzählbands, erscheint der Handelsvertreter einer koreanischen Firma, die ihr Geschäft nach Usbekistan ausgeweitet hat. Auch Prag und die Dschungel Südostasiens oder Thailands dienen als Schauplätze ihrer Erzählungen, in denen z.B. eine aus Nordkorea geflüchtete Frau oder ein chinesischer Junge erscheinen. Multikultureller Hintergrund und Figuren aus verschiedenen Kulturräumen als solche sind nichts Neues in den koreanischen Erzählungen

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Park Chan-soon:

„ Schließlich war das, worauf ich mich verlassen konnte, die ganz trivialen, kleinen Dinge, der reinste Atem, den die vergänglichen Wesen im letzten, hilflosen Augenblick ihres Lebens aushauchen.“ der 2000er Jahre, aber der multikulturelle Kontext spielt in Parks Werken eine wichtige Rolle als Maßstab, der vor einem Wendepunkt oder vor einer Sackgasse im Leben die Möglichkeit bzw. Unmöglichkeit des Hoffens auslotet. Die „Grenzmenschen“ sehen sich zwar mit einer trostlosen Realität konfrontiert, doch die Autorin betrachtet diese Menschen, die ihr hartes Leben ertragen, mit warmem Blick und sucht nach Hoffnung.

Parks erster Erzählband Garten á la Balhae (2009) enthält elf Erzählungen, von denen drei sich insofern unter eine Kategorie subsumieren lassen, als dort Übersetzer von Spieloder Dokufilmen erscheinen. Das hängt wohl auch damit zusammen, dass die Autorin selbst dreißig Jahre lang ausländische Spielfilme und Fernsehserien übersetzte, bevor sie mit dem Schreiben von Erzählungen begann. Es ist anzunehmen, dass ihre Erfahrungen als Radioproduzentin, Übersetzerin von englischsprachigen Filmen und Fernsehserien sowie als Dozentin einer Graduiertenschule für Übersetzen und Dolmetschen als multikulturelle Grundlage ihres ersten Erzählbands dienten.

In ihrem zweiten Erzählband Marienkäfer fliegen hoch oben (2013) sind neun Erzählungen enthalten. Wie bereits in der Erzählung Spaziergang mit Rousseau, in der ein Junge aus Sri Lanka nach Korea kommt, um in einer Fabrik Geld zu verdienen, zu sehen ist, richtet die Autorin ihren Blick beständig auf multikulturelle Szenen in der Gesellschaft und auf sozial Schwache. Auch die Handlungsorte wie die Maisfelder im US-Bundesstaat Iowa, Key West in Florida, die japanische Großstadt Sendai oder die kubanische Hauptstadt Havanna stehen für Internationalität. Der Titel ihres dritten Erzählbands Bummelzug nach Amsterdam (2018) belegt ihr profundes Interesse an fernen Ländern.

Das auffälligste Charakteristikum, das ihren jüngsten Erzählband von seinen Vorläufern unterscheidet, ist der „literaturhistorische Zug“. Schauplatz der Erzählung Teheran Syndrom ist zwar – wie der Titel andeutet – die Hauptstadt Irans, inhaltlich geht es aber um eine koreanische Residenzautorin, die iranischen Studierenden Unterricht in koreanischer Literatur gibt und dabei u.a. auch die Werke von Kim Seung-ok (geb. 1941) behandelt. Im Mittelpunkt von Ein

Platz für Zitronen stehen Anekdoten über den koreanischen Dichter Jeong Ji-yong (1902-1950) aus seiner Studienzeit an der Universität Doshisha in Kyoto sowie den japanischen Schriftsteller Motojiro Kajii (1901-1932), einen Zeitgenossen Jeongs. Das Nord-Süd-Anthologie Orchester fokussiert auf den palästinensichstämmigen Literaturkritiker Edward Said und den jüdischen Pianisten und Dirigenten Daniel Barenboim.

Die Erzählungen Wie man sich den Fluss Sincheon um den Leib bindet – Ein Tag im Leben des Schriftstellers Kubo und Seongbuk-dong 230 sind bemerkenswerterweise als Hommage an den Schriftsteller Pak Taewon (1910-1986) gedacht. Pak, der in den 1930er Jahren mit dem Roman Am Fluss und der Erzählung Ein Tag im Leben des Schriftstellers Kubo Aufmerksamkeit auf sich gezogen hatte, ging 1950, während des Koreakriegs, nach Nordkorea, wo er den historischen Roman Gabo-Bauernkrieg, der ihm große Anerkennung brachte, schrieb. Nebenbei ist anzumerken, dass Bong Joon-ho, der Regisseur des Films Parasite, sein Enkel ist. Wie dem auch sei: Park Chan-soon macht in den beiden Erzählungen keinen Hehl aus ihrer Wertschätzung und ihrem Respekt vor den älteren Schriftstellern, die durch Pak Taewon repräsentiert werden, und vor der koreanischen Literatur als solche. Das könnte durchaus auch als Ausdruck des Stolzes auf ihren eigenen Platz in der koreanischen Literaturgeschichte verstanden werden.

Die Erzählung Das Festival der Asche in dem Erzählband Bummelzug nach Amsterdam sticht vielleicht auf den ersten Blick unter den anderen Erzählungen des Bandes nicht besonders hervor, zeugt aber von der weltanschaulichen Reife der Autorin, die inzwischen in ihren Siebzigern ist. Im Nachwort des Bandes sagt sie: „Schließlich war das, worauf ich mich verlassen konnte, die ganz trivialen, kleinen Dinge, der reinste Atem, den die vergänglichen Wesen im letzten hilflosen Augenblick ihres Lebens aushauchen.“ Die Figuren in Parks Erzählungen leben zwar weiterhin – jeder seine eigene Trauer tragend – ein von Mühsal geprägtes Leben, doch die Autorin fängt die selbst dort noch leise existierende Schönheit ein. Das ist wohl auch der Grund, warum Park weiterhin schreibt.

KOREANISCHE KULTUR UND KUNST 73

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qÝŸĭńƪō Ýōā qĈ by Lee Jimin Trans. Chi-Young Kim UK, Fourth Estate, 2019

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