Koreana Spring 2016 (Spanish)

Primavera 2016

cuLtura y arte de corea

rePortaJe eSPecIaL

teatro coreano

Teatro coreano actual: Gente y tendencias

lee Byoung-bok, artista teatral: Medio siglo como “faro” del teatro coreano; Daehangno, distrito teatral representativo de seúl

Tomo 25, Nº- 1

1225-4606 Korean CultureIssn & arts 3

IMAGEN DE COREA

La magia del parque Marronier Kim Hwa-young Crítico literario y miembro de la Academia Nacional de las Artes

ste es el parque Marronnier de Daehangno, una calle del centro de Seúl. Un actor con un sombrero rojo y una chaqueta roja realiza una interpretación en el centro de la plaza. ¿Será un mago? Pronto, una multitud comienza a reunirse a su alrededor.

Es una actuación callejera. En esta calle, cada día y a cada momento hay una actuación.

Pero basta apartar un poco la exuberante capa exterior para descubrir un trozo de la historia moderna de Corea.

Esta sección noreste del centro histórico de la capital acoge a un sinnúmero de pequeños teatros –puerta con puerta- en una especie de clúster, incluyendo al Teatro de las Artes Arko, del Consejo de las Artes de Corea. La zona de Daehangno, que se extiende en un radio de 1,5 kilómetros en cualquier dirección desde la estación de metro Hyehwa, es una zona cultural designada por el Estado. Es un área con un rico pasado, alimentado por la proximidad de lugares históricos tales como el monte Nak, que llega hasta la parte posterior, los palacios de Changgyeong y de Changdeok, y el santuario de Jongmyo, todos situados a poca distancia.

El nombre Daehangno, que literalmente significa “calle universitaria” proviene de que aquí fue establecida la Universidad Nacional de Seúl, la primera universidad moderna de Corea, en 1946. En 1961, entré en la Facultad de Artes Liberales y Ciencias para graduarme en literatura francesa. Al fondo, donde asoman los ladrillos rojos del Teatro de las Artes Arko, está el clásico edificio de ladrillos de color beige, que albergaba la biblioteca de la universidad y los despachos de muchos profesores. Allí es donde por primera vez leí El extranjero, de Albert Camus.

Delante había un bosque de árboles de zelkova. La senda que atravesaba el césped, entre el aroma de las lilas, conducía a la puerta principal de la universidad. A partir de ahí, cruzando el puente sobre el arroyo al frente, que llamábamos ‘Sena’ pues soñábamos constantemente con París, se llegaba hasta la carretera, que hoy en día se llama Daehangno. Al otro lado de la carretera, el Hospital de la Universidad Nacional de Seúl y la Facultad de Medicina siguen en pie en el mismo lugar.

El viejo edificio de ladrillo fue también el lugar donde di mi primera y última conferencia en mi “alma mater”, tras regresar de mis estudios en Francia en el otoño de 1974. En 1975, la Universidad Nacional de Seúl se trasladó a un nuevo a un vasto campus ubicado al sur, a las afuera de la ciudad, y la zona del viejo campus se convirtió en centro juvenil y cultural de Seúl.

Pero eso no es todo. Antes de establecerse la Universidad Nacional de Seúl, aquí es donde la Facultad de Derecho de la Universidad Imperial de Keijo fue fundada por el gobierno general de Japón en 1924. Los dos árboles gigantes en la parte posterior de la foto son castaños de indias (Marronnier) y fueron plantados en 1927 por Ueno Naoteru, un profesor de estética de la escuela, que los trajo aquí desde Francia; y que dieron al Parque Marronier su nombre. ¿Será el actor del sombrero rojo consciente de la arqueológica magia de tiempo y de historia que esta plaza contiene? (Traducido por Javier Castañeda)

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dIrector edItor eJecutIvo edItoreS Jefe conSeJo edItorIaL

Carta de los editores

Sin nombre, sin rostro, dos corazones En una tarde lluviosa del pasado invierno, visitamos a Sun Mu en su estudio en Goyang, en la periferia norte de Seúl. Su estudio era parte de una casa habilitada no lejos de la autopista junto al río, en dirección hacia el norte. Si no hubiera una frontera que separase a las dos Coreas, tan sólo necesitaría un par de horas para llegar a su ciudad natal, al sur de la provincia de Hwanghae, en Corea del Norte, donde vive su familia. Allí, él pintaba con el estilo que había aprendido en el Norte, donde mayormente se trabaja en rojo y en azul, los colores de la bandera nacional.

Lleva algunos minutos discernir el verdadero mensaje que encierran los lienzos de este hombre, conocido por su seudónimo Sun Mu, hasta poder descifrar qué quiere decir cuando afirma que tiene “dos corazones”. La visita pudo concretarse sólo después de mucho insistir, pues suele mostrarse muy reacio a salir en medios de comunicación. Así, en vez de contar con su foto para ilustrar esta historia, este “artista desertor que sueña con una Corea sin fronteras”, nos proporcionó un fichero digital con su autorretrato.

Y con una pena similar en el corazón queremos presentar a nuestros lectores al protagonista del drama musical Fábula de Baek Seok que figura en la portada de este número. Baek Seok es uno de los poetas más populares entre los surcoreanos en la actualidad, pero fue olvidado -prohibido en realidad- durante la época de la Guerra Fría. Todo porque se encontraba en su ciudad natal del Norte cuando la nación se dividió hace siete décadas. Incapaz de adaptarse al sistema del Norte, se sabe que murió en una granja colectiva en una remota región montañosa.

La Fábula de Baek Seok es una de las últimas producciones de la Compañía de Teatro Callejero, conocida por llevar al escenario obras de fuerte contenido y mensaje social. Asimismo, Uds. podrán conocer más de cerca los entresijos de la comunidad teatral de Corea en el reportaje especial Teatro coreano actual: Gente y tendencias. Por último, este número también estrena una nueva columna titulada “Un día ordinario”, que ofrece una perspectiva cotidiana de la vida de los coreanos de a pie.

dIrector creatIvo edItoreS dIrector artíStIco dISeñadoreS

Yu Hyun-seok Yoon Keum-jin Javier Castañeda, Kim Un Kyung Bae Bien-u Charles La Shure Choi Young-in Han Kyung-koo Kim Hwa-young Kim Young-na Koh Mi-seok Song Hye-jin Song Young-man Werner Sasse Kim Sam Lim Sun-kun, Noh Yoon-young, Park Sin-hye Lee Young-bok Kim Ji-hyun, Lee Sung-ki, Yeob Lan-kyeong

comPoSIcIón y dISeño Kim’s Communication Associates 44 Yanghwa-ro 7-gil, Mapo-gu Seoul 04035, Korea www.gegd.co.kr Tel: 82-2-335-4741 Fax: 82-2-335-4743 traductoreS

Kim Un Kyung, Javier Castañeda, Raimon Blancafort, Atahualpa Amerise, Joo Hasun

Precio por número en Corea ₩6.000 Resto del mundo US$9 Para conocer el precio en detalle de las suscripciones, lea por favor la página 84 de Koreana.

SuScrIPcIón/correSPondencIa otraS ZonaS (IncLuyendo corea) The Korea Foundation West Tower 19F Mirae Asset CENTER1 Bldg.

26 Euljiro 5-gil, Jung-gu, Seoul 04539, Korea

Javier castañeda y Kim un Kyung Editores-jefe ImPreSa en PrImavera 2016 Samsung Moonwha Printing Co. 10 Achasan-ro 11-gil, Seongdong-gu, Seoul 04796, Korea Tel: 82-2-468-0361/5 © Fundación Corea 2016 Todos los derechos reservados. Esta publicación no admite reproducciones totales ni parciales sin el permiso de la Fundación Corea.

Las opiniones expresadas por los autores no necesariamente representan a los editores de Koreana o a la Fundación Corea.

Koreana, registrada como revista trimestral en el Ministerio de Cultura, Deporte y Turismo (número de registro Ba-1003 con fecha 8 de agosto de 1987). También se publica en alemán, árabe, chino, francés, indonesio, inglés, japonés y ruso.

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Cartel publicitario del drama musical Fábula de Baek Seok , escrita y dirigida por LeeYoun-taek, y estrenada por la Compañía deTeatro Callejero en agosto de 2015 en el Centro de Artes y Cultura de Daejeon. El drama narra la vida y obra del poeta de Corea del Norte Baek Seok(1912-1996).

Una publicación trimestral de la fundación corea 2558 Nambusunhwan-ro, Seocho-gu Seoul 06750, Korea http://www.koreana.or.kr

foco

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Cho seong-Jin: el futuro de la música clásica de Corea Park Yong-wan

eNTrevisTa

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Insooni: “Quiero transmitir esperanza a la gente” Cho Sung-sik

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críTica de arTe

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seis fotógrafos interpretan la arquitectura tradicional Mok Soo-hyun

HisTorias de las dos coreas

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artistas desertores sueñan con una Corea unida Kim Hak-soon

eNamorado de corea

ryan Cassidy: una voz que resuena a través de las culturas

REpORtAJE EspECIAl

UN día eN sU vida

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lee Byoung-bok, artista teatral: Medio siglo como “faro” del teatro coreano

Álvaro Linzoain Pontigas

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Kim Seo-ryung

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esTilo de vida

Comida a domicilio en tu smartphone Jeon Sung-won

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jorNadas de liTeraTUra coreaNa

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el ajo, una especia y un vegetal de lo más versátil

Kim Su-mi

rePorTaje esPecial 2

Mi aventura coreana

la tienda de banchan, encontrando un nuevo camino que estaba allí hacía tiempo

HisToria de los iNGredieNTes

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oPiNióN desde la lejaNía

Darcy Paquet

Teatro coreano actual: Gente y tendencias rePorTaje esPecial1

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Canto surrealista de división por un bohemio Cho Yong-ho

el caminante nunca se detiene

Kim Jin-young

Lee Ze-ha

Daehangno, distrito teatral representativo de seúl Choi Yoon-woo

rePorTaje esPecial 3

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¿Por qué deberíamos revisitar a Chéjov en Corea? Historia de la compañía de teatro callejero Lee Chang-guy

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rePorTaje esPecial 4

el changgeuk regresa a la vida Kang Il-joong

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REpORtAJE EspECIAl 1 Teatro coreano actual: Gente y tendencias

lEE ByOuNG-BOK, ARtIstA tEAtRAl: MEDIO sIGlO COMO “fARO” DEl tEAtRO COREANO Kim su-mi Crítico teatral Ahn Hong-beom Fotógrafo

lee Byung-bok es una pionera que abrió paso al arte estético del teatro coreano moderno. Abrió un café-teatro en 1969 en el que presentó al público una gran variedad de obras de teatro contemporáneas occidentales, dramas coreanos populares y otras originales obras de la época. pese a ser la artista escénica que lideró la Compañía de teatro Jayu durante 40 años, lee se define humildemente a sí misma como “una artista oculta”. pero las jóvenes generaciones de artistas de teatro la consideran como la “estrella polar” que guiaba su viaje teatral.

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n diciembre del año pasado, una pequeña fiesta celebraba el 90 cumpleaños de Lee Myung-bak, en su taller en Jangchung-dong, en Seúl. Durante esta modesta reunión con sus familiares y algunos otros artistas, la actriz septuagenaria Son Suk le dijo: “Tu tenacidad ha ayudado a productores de teatro como nosotros a perseverar en este país. Hemos llegado hasta aquí porque nunca te perdiste a lo largo de tu vida; y eso es algo que nosotros realmente apreciamos”.

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El Café teatro y la Compañía de teatro Jayu Lee Byoung-bok dirigió la Compañía de Teatro Jayu durante 40 años (1964-2004).

A diferencia de otras organizaciones de este tipo, donde el director suele ser un gestor que lleva todos los asuntos administrativos, Jayu estuvo dirigida por una artista del escenario; algo que fue posible gracias a su especial sistema de “creación colectiva”. En todo el proceso de producción, incluyendo la selección de las obras a estrenar, la compañía colaboraba con especialistas en diversos campos. Como experta en vestuario y elementos escénicos, Lee Byoung-bok también participó activamente en dicho proceso, lo que contribuyó al desarrollo del arte escénico y del diseño teatral en Corea.

La compañía fue concebida después del grupo de teatro francés Compañía Renaud-Barrault, fundado por la pareja formada por Madeline Renaud y JeanLouis Barault; y el socio de Lee fue el director Kim Jeong-ok, amigo al que conoció cuando ella estudiaba en Francia. En la década de los 60 ambos jóvenes unieron su entusiasmo por el teatro para fundar una compañía, pero en aquel entonces era difícil encontrar un teatro en Corea. Los integrantes estaban muy motivados y precisaban un lugar donde poder actuar de forma regular. Entonces, recordando los pequeños teatros repartidos por las calles de Montparnasse y a lo largo del Sena en París, Lee pensó en abrir un café-teatro. Trabajando con su marido, el artista Kwon Ok-yeon, alquiló un decadente lugar en Chungmu-ro 2-ga, en Seúl, y comenzó a renovarlo por su cuenta. Trazó unas líneas en el suelo con una tiza para dividir el espacio, según los usos de cada zona: la entrada (con la marca del lugar exacto para las puertas), el escenario, la sala de máquinas, el hall, la taquilla con servicio de guardarropa, un pequeño bar, aseos y cocina. Después de muchos días y noches de esfuerzo y duro trabajo, el Café Teatro de Myeongdong abrió sus puertas en abril de 1969. Era un lugar donde la gente podría disfrutar de representaciones teatrales junto con unas bebidas, y fue el primero de este tipo en Corea. Acogía obras de teatro universitario los lunes, y dramas populares, canto pansori, y marionetas los viernes; mientras que el resto de días los reservaba para las actuaciones de Jayu y otras compañías. El café introdujo obras occidentales contemporáneas, como La cantante calva, de Eugène Ionesco o Historia del zoo de Edward Albee; aunque también tenía un amplio repertorio de obras originales muy aclamadas, como Regordete sobre patines, interpretada por O Tae-seok, así como nuevas versiones de los años 20 y 30. Al mostrar a los jóvenes realizando actuaciones tradicionales como títeres y pansori, y al ofrecer disponibilidad a muchas compañías de teatro (Jayu, Minye, Gwangjang, Gagyo y Minjung) con ansias de representar sus obras, el Café Teatro destaca por su monumental aportación a la promoción del pequeño teatro en Corea. En su apogeo, también se consolidó como lugar para socializar entre los artistas y la gente de los círculos culturales. Mientras que la Compañía de Teatro Jayu fue el eje en la carrera de Lee Byung-bok que la llevó a comprender la importancia de actuar en comunidad y en colaboración, el Café Teatro, su otro eje, le recordaba la importancia del pequeño teatro y de conectar con la audiencia. Las numerosas coordenadas que fue capaz de crear mediante estos dos ejes, así como Cultura y arte De Corea 5

las crisis y tensiones que surgen en torno a ellos, ayudaron a impulsar el sector de los artistas del teatro coreano, instándolos a acariciar sus sueños.

Vestuario experimental y diseño escénico Lee se fue a Francia en 1957. Por aquel entonces, se tardaba un mes de viaje en barco para llegar desde Corea. Con determinada decisión dejó atrás su casa, y a sus tres hijos pequeños a cargo de su suegra, no porque ambicionara convertirse en una artista escénica o diseñadora de renombre mundial, sino porque quería ayudar a su marido con sus estudios de arte en Francia. Con el tiempo, su formación intelectual como graduada en una universidad coreana de prestigio especializada en literatura inglesa, y su diligente y audaz naturaleza, le ayudaron a encontrar su propia carrera. Mientras ayudaba a su marido en sus estudios, aprovechaba el “tiempo libre” aprendiendo en una escuela de sastrería.

“Me expulsaron porque me aventuré con la tela, cuando me pidieron que hiciera los planos de los patrones. Yo sólo trataba de ahorrar tiempo, haciendo todo lo que podía, pero terminé siendo expulsada a los seis meses”, afirma Lee. Disgustada, comenzó a trabajar en el taller de una modista, y su experiencia en el departamento de vestidos de noche le hizo desarrollar un fino olfato para la confección. “Había una modelo solo con ropa interior durante horas y horas, por lo que podíamos cortar la tela no para un maniquí, sino para un ser vivo.

Con frecuencia solíamos vestir a la modelo y pedirle que se moviera para ver la caída del vestido, y luego cambiar el diseño de ser necesario. Ese tipo de aprendizaje jamás lo pude experimentar en la escuela”, recalca Lee. Gracias a esa experiencia obtuvo una muy buena base para su trabajo en Corea, después de regresar en 1961. Durante ese período, comenzó a sentir

cada pieza de ropa no como un objeto, sino como un ser que vive y respira. Además, comenzó a desarrollar su propia firma y estilo en el vestuario teatral, que armonizaba maravillosamente con los actores.

Con esta artística puesta en escena -en la que los trajes, los accesorios y otros elementos creaban una coherente armonía- Lee Byoung-bok, introdujo un nuevo concepto de diseño escénico en el teatro de aquella etapa en Corea, que comenzó a florecer con la presentación de ¿Qué seremos? (1978), y continuó desarrollándose en Onagras (1982), donde un grupo de espectadores era representado por muñecos de tela con rostros sin ojos que colgaban de unos arbustos con forma de trébol, y en obras como Las flores florecen incluso en días de viento (1984), donde los títeres y las máscaras figuraban en primer plano como personajes centrales, incluidos en la pieza de la obra de teatro que contenía máscaras.

En Si los gallos no cantan las gallinas lo harán (1988), Lee fue aclamada por las más de 70 piezas de trajes hechas con papel de morera. El papel permite expresar una amplia variedad de estilos en vestuario escénico, en función de las colas usadas como materia prima, ya que su consistencia determina la rigidez, y el uso de múltiples capas de papel también genera una gran diferencia. Los trajes de papel de Lee eran adap-

Mientras que la Compañía de Teatro Jayu fue el eje en la carrera de Lee Byung-bok que la llevó a comprender la importancia de actuar en comunidad y en colaboración, el Café Teatro, su otro eje, le recordaba la importancia del pequeño teatro y de conectar con la audiencia. Las numerosas coordenadas que fue capaz de crear mediante estos dos ejes ayudaron a impulsar el teatro coreano.

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tados a la rigurosidad y frecuencia de los movimientos de cada actor. Completados con apuntes tridimensionales, sus trajes eran claramente estilizados y destacaban el ritual de la actuación. La irreal calidad de la ropa hecha con papel, añadía profundidad al tiempo y lugar descrito en la pieza teatral, y sus descoloridos tonos recreaban una atmósfera antigua y elegante.

Las faldas enrolladas utilizadas en Bodas de sangre (1988) para expresar la sensibilidad de la plebe, y los pantalones hinchados en forma de vasijas de barro coreanas en Los pájaros vuelan contra el sol de poniente (1992), o el altar funerario construido con un toldo hecho con 400 rollos de tela de cáñamo colgando del techo inclinado hacia el telón de fondo, eran todos producto de la perspectiva e imaginación artística de Lee. El escenario creado aprovechando esa forma y textura resonaría con la audiencia, aumentando aún más la sensación de movimiento. La etapa en la que vio culminar su arte fue la del drama ritual ‘Exorcismo del vestuario’ (1999), que contó con el mayor número de trajes usados en escena hasta ese momento, desdibujando los límites entre el drama, el vestuario y la escenografía.

Un mueble con cajones almacena ordenadamente todo tipo de materiales usados por Lee en sus diseños, incluyendo sacos vacíos de arroz, hojas amarillentas de

periódico, gemelos, rollos de plástico y restos de papel de morera. Sus elegantes trajes en realidad están hechos con residuos domésticos. Usaba calabazas de su propia cosecha, secadas con una esponja, para dar volumen a la ropa; y marcaba las insignias de las vestiduras reales mediante diversos y repetidos experimentos de torsión, adjuntando tiras de hilo y trozos de rollos de film transparente. A pesar de haber usado simples materiales, fáciles de encontrar en cualquier parte, los combinaba de tal forma que nadie hubiera conseguido sin frustrarse ante los repetidos fracasos y laboriosas tareas. Su actitud experimental ha inspirado a muchos compañeros de trabajo, en diversas formas y múltiples ocasiones.

Lee explica: “El buen papel de morera es bastante duro. Por tanto, puedo guardar las piezas de trajes defectuosos para hacer máscaras. No hay nada que pueda tirar, ya que cualquier cosa puede convertirse posteriormente en un gran recurso en el escenario. El césped que reprodujo una vez para El baile de los ladrones fue confeccionado con tiras de metal de desecho. La idea se me ocurrió al pasar por un taller de metal mientras estaban cortando una lámina.

Las tiras sobrantes aparentaban ser un suave hilo de seda, y juntas llegaban a tener un volumen natural. Solía recoger una bolsa con ese tipo de restos de chatarra cada vez que salía”.

Pero de entre todos los elementos que usaba, destacan sus máscaras, al ser especialmente singulares. O bien no tenían ojos, o solo tienen unas estrechas rendijas: y sus trituradas narices y torcidas bocas parecen feas a simple vista.

Pero estas máscaras feas y extrañas, generan múltiples expresiones al ser vistas desde distintos ángulos. Así, las máscaras de Lee reflejaban la estructura sin forma que compone la base de la sensibilidad coreana.

Actuación-homenaje del Teatro de Danza a Myung Sook Park, durante la ceremonia de inauguración de la exposición “Lee Byoung-bok: Acto 3, Escena 3”, celebrada en el Teatro de las Artes Arko en 2013. Las largas piezas de tela drapeadas de forma natural y los trajes de papel de morera, así como otros elementos simbólicos usados en escenografía por Lee Byung-bok, son ya un clásico en las actuaciones de danza.

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Un regimiento de marionetas de tela de cáñamo compone el telón de fondo en Bodas de sangre . Al sentir un especial fervor por la obra del dramaturgo español Federico Lorca, Lee Byung-bok realizó en repetidas ocasiones adaptaciones coreanas de su escenografía.

©Arko Centro de arte, Joom

“lee Byung-bok no está en ninguna parte” Hace una década, una exposición única tuvo lugar en Geumgok, Namyangju, en la provincia de Gyeonggi, para mostrar los trajes de escena, los objetos, las marionetas y otros elementos creados por Lee hace más de 50 años. No sólo era de ese tipo de exposiciones que rara vez se celebra en Corea, sino que además tenía un nombre singular, “Lee Byoung-bok no está en ninguna parte”, que expresaba su intención de deshacerse de todas las obras creadas durante su vida.

Una colección de elementos que abarque más de medio siglo de vida de una artista, podría ser un material muy valioso para la historia del arte. Pero, qué fácilmente podrían arruinarse o perderse estos materiales, a menos que se adopten las medidas adecuadas para su conservación tras la muerte de la artista. Consciente de ello, la exposición “Lee no está en ninguna parte” era su singular forma de protestar contra la lamentable situación de su país, donde el valor de la historia artística y la grabación de dicho acto no fueron debidamente reconocidos. Con el dolor de una madre que sobrevive a su hijo, estaba decidida a quemar todas sus obras.

Afortunadamente, el Museo de Artes escénicas fue creado en el Teatro Nacional de Corea en diciembre de 2009; y aunque el museo no está exclusivamente dedicado al teatro, muestra una amplia variedad de materiales usados en las artes escénicas de Corea, recogidos durante más de medio siglo -desde la década de 1950- que se muestran al público mediante exposiciones y programas educativos.

Recientemente, uno de sus principales proyectos es cuidar de una propiedad en Geumgok, de casi 3 hectáreas, que alberga diez casas tradicionales coreanas. Junto con su marido, antes de fallecer en 2011, se encargaron de trasladarlas desde varios puntos del país para reconstruirlas allí. En los años 70 y 80, cuando Corea atravesaba fuertes cambios sociales y rápidos movimientos económicos, el paisaje urbano se transformó drásticamente. Bajo la bandera del Movimiento Saemaul, un proyecto de desarrollo impulsado por el gobierno a gran escala, la arquitectura tradicional fue reemplazada en gran medida por edificios de estilo occidental. En aquellos días, la pareja se vio más afectada por la desaparición de casas tradicionales en mal estado. que por la aparición de nuevos edificios de lujo.

Uno de los edificios del complejo llamado Gungjib (que significa “villa real”) es la casa que Yeongjo, el 21º rey del imperio Joseon, construyó para su hija menor -la princesa Hwagil- en el SXVIII. Reconocido por su valor como bien cultural, la casa fue designada en 1984 como Bien Material Importante del Folclore. Tras ubicar este edificio histórico en el centro, Lee y su marido trasladaron algunas casas en ruinas -halladas en Yongin, Gunsan y otras regiones- e incluso otras con tejado de paja de las proximidades, para repararlas o hasta reconstruirlas. Les llevó muchos años plantar los árboles, excavar pozos para crear arroyos, y nivelar el suelo del terreno.

La principal obra de su vida ‘El príncipe Hodong’ (1991) también fue estrenada en Geumgok. El escenario construido sobre el estanque en el contexto del antiguo edificio, en sí mismo ya era algo fantástico de ver. El escenario al aire libre, fuera de los usuales confines rectangulares de un teatro, junto con la excelente actuación de artistas de primer nivel como Park Jeong-ja y Yun Seok-hwa, y tan exquisitos trajes y accesorios, creaban entre sí una perfecta armonía. Hasta la fecha, esa actuación sigue siendo mencionada como una obra de arte que representa los logros escenográficos de Corea.

El príncipe Hodong marcó el final de la OISTAT (Organización Internacional de Escenógrafos, Arquitectos de Teatro y Técnicos), un congreso mundial celebrado en Corea, y la actuación hizo vibrar tanto a los miembros de otros países asiáticos como a los de Corea. No en vano, algunos actores chinos y japoneses alabaron la

actuación, orgullosos del trabajo de sus compañeros asiáticos por destacar entre artistas escénicos de todo el mundo. “Corea es muy competente en diseño de escenarios y nuestras capacidades han sido demostradas en múltiples ocasiones en la Cuatrienal de Praga desde los años 90”, expresa Lee Byoung-bok. El Concurso de Teatro de Arquitectura de la Cuatrienal de Praga le otorgó una medalla por diseño de vestuario en 1991, la primera obtenida por un coreano, mientras que otros artistas de la escena, como Shin Seon- Hui y Yun Jeong-seob, siguieron su ejemplo. Hoy en día, los jóvenes escenógrafos coreanos tratan de obtener tan reconocido galardón cada año.

Para Lee Byung-bok, Geumgok es un amado lugar que condensa los más preciosos momentos, tanto de su vida como de su carrera. Sin embargo, cada vez le resulta más difícil mantener estos típicos edificios coreanos, recientemente convertidos en bienes culturales. A pesar de que fueron restaurados después de

su traslado, eso fue hace más de 40 años, y todos tienen décadas o siglos de antigüedad, lo que hace que sean bastante difíciles y costosos de mantener o de conservar. Para empeorar las cosas, las casas fueron atacadas por ladrones.

El día en que algunos de esos bienes culturales valiosos se perdieron de forma irrevocable, ella permaneció durante mucho tiempo sentada y medio aturdida bajo el alero. Pero ahora ya no tiene energía para luchar de nuevo con el valor que mostró hace una década al hacer la exposición “Lee no está en ninguna parte”. Casi ha perdido la audición de un oído y sufre artritis en las muñecas.

Pero incluso así, Lee Byoung-bok va a Geumgok siempre que puede, aunque sólo sea para realizar tareas como escardar o barrer las hojas muertas, detalles que nunca descuidó durante más de 50 años. Su dedicación a estas tareas mundanas refleja su vida como artista escénica entre bambalinas, con tareas como adaptar los trajes de los intérpretes y ultimar los detalles del escenario, hasta el último minuto antes de levantarse el telón. Tras el glorioso éxtasis que deslumbraba en el escenario, siempre estuvieron sus callosas manos y sus silenciosos aplausos. A diferencia de los actores que brillan ante la audiencia, Lee Byoung-bok se rebaja a sí misma al auto denominarse como “artista oculta”. (Traducido por Javier Castañeda)

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REpORtAJE EspECIAl 2 Teatro coreano actual: Gente y tendencias

DAEHANGNO, DISTRITO TEATRAL REPRESENTATIVO DE SEúL

Choi yoon-woo Crítico teatral y editor-jefe de la revista digital “Yeongeuk-In” Ahn Hong-beom Fotógrafo

Entre sus calles se alinean unos 160 pequeños teatros en un radio de 2,5km que anualmente acoge la representación de unas dos mil obras de teatro, musicales y espectáculos de danza. En un día cualquiera, unos 150 espectáculos tienen audiencia. las obras que aquí se representan suponen aproximadamente el 80% del total de ventas del mercado teatral coreano, un creativo negocio que incumbe al 70% de los actores escénicos en Corea. Daehangno, que en coreano significa “calle universitaria”, es la meca de la cultura y las artes de seúl.

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1 Callejones en el corazón de Daehangno. Al aumentar el número de pequeños teatros que programan comedias románticas y alegres de gusto popular, los teatros más concienciados con temas serios y de mensaje social, se han movido a las afueras del distrito, creando el término “off-Daehangno”.

2 El Teatro de las Artes exterior Arko simboliza la juventud y la libertad de Daehangno.

onocido como “la meca teatral” de Corea, Daehangno rebosa de gente que va a disfrutar de las obras de teatro y de los musicales, o que simplemente gusta de pasear por las calles y de empaparse del ambiente “sin coches” durante los fines de semana. Sin embargo, esta zona no fue originalmente planificada como distrito teatral. En sus inicios, albergó la sede de la Universidad Imperial Keijo durante la era colonial japonesa; y al ser cerrada dicha entidad, la Universidad Nacional de Seúl abrió en su lugar. Cuando la Facultad de Artes Liberales y Ciencias y la Facultad de Derecho de esta universidad se trasladaron a su actual campus en Gwanak en 1975, los edificios universitarios fueron demolidos. El moderno edificio de ladrillo rojo de la Facultad de Artes Liberales y Ciencias quedó sin uso y junto con tres castaños de Indias (Marronnier) se mantuvieron como símbolos históricos del

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lugar. En esa zona se creó un parque que la gente comenzó a llamar Parque Marronnier.

Desarrollo del distrito teatral Se construyeron edificios de ladrillo rojo alrededor del parque y uno de ellos, el Teatro Munye (actual Teatro de las Artes Arko), abrió en 1981, jugando un papel fundamental en el desarrollo de la zona como centro teatral de Corea. Durante la década de los 80, también abrieron el Teatro Pájaro Azul Samtoh y el Teatro Marronnier, además de unos diez pequeños teatros del distrito universitario de Sinchon, incluyendo el Pequeño Teatro Batangol, el Centro de Arte Dongsoong, el Teatro Yeonwoo y el Teatro Daehangno, que fueron reubicados aquí buscando un alquiler más barato. Al disponer de mayores organizaciones culturales y artísticas, como el Cultura y arte De Corea 11

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Daehangno ha acogido diversos festivales de artes escénicas, reuniendo a artistas de todo el mundo para compartir puntos de vista artísticos y debatir sobre su trabajo. Desde el Festival ASSITEJ para niños y adolescentes, hasta el Festival de Artes Escénicas de Seúl y el Festival de Pequeño Teatro de Daehangno, cada año se sucede una amplia variedad de festivales de diversos géneros, que aportan una creativa y dinámica energía a Daehangno.

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1 Los carteles, que cubren la totalidad de la pared, intentan atraer a los paseantes al teatro.

2 Escena de “Fantasía del mago de Oz”, musical familiar organizado por Play of Art 21, que obtuvo el premio al arte teatral en la 12ª Edición de ASSITEJ, Festival de Invierno de Corea de Seúl, en enero de 2016.

3 Villa de Ihwa, situada entre las callejuelas del parque Marronnier y el parque Naksan. Las viejas paredes entre callejones se han convertido en un atractivo singular, tras ser decoradas con murales como parte de un proyecto de arte público.

Consejo de las Artes de Corea y la Asociación Nacional de Teatro de Corea, también establecidas en la zona, Daehangno rápidamente se convirtió en un centro cultural de Corea. Por aquel entonces se suavizaron las regulaciones sobre el establecimiento y la gestión de pequeños teatros en el centro de Seúl, dando lugar a una afluencia de pequeños teatros, así como de grupos teatrales y diversas infraestructuras culturales. Es así como Daehangno llegó a adquirir su identidad de barrio teatral.

Cuando el Gobierno Metropolitano de Seúl empezó a usar oficialmente el nombre de Daehangno en 1985, su plan era crear un destino cultural global como Montmartre en París -que una vez fue meca del arte moderno-, el activo barrio de la moda de Harajuku en Japón o Piccadilly Circus en Londres. Hoy en día, Daehangno se ha convertido en un famoso distrito teatral ampliamente conocido entre los artistas escénicos de todo el mundo, lo que demuestra que los ambiciosos planes de la ciudad han dado sus frutos.

Por aquel entonces, al ser designada como zona peatonal durante los fines de semana, las calles de Daehangno revivieron gracias a los festivales culturales. La plaza frente al edificio del Consejo de las Artes de Corea era usada libremente como escenario para diversas exposiciones, representaciones, juegos tradicionales y lectura de poesía. Así pues, el distrito teatral empezó a ser conocido como zona de festivales y de juventud. Entre sus calles se instalaron infraestructuras culturales adicionales como simbólicas obras de arte, esculturas, tablones de anuncios de carteles, taquillas de entradas, farolas y bancos. Las representaciones al aire libre en el Parque Marronnier también atraían multitudes entre semana, y Daehangno se estableció firmemente como centro de las artes escénicas donde abunda una amplia variedad de actuaciones durante todo el año.

artistas de todo el mundo. En enero, el Festival ASSITEJ para niños y adolescentes inaugura cada temporada, seguido por los festivales New Stages y ARKO Young Art Frontier para nuevos jóvenes artistas. En marzo, llevan a cabo el Taller de Teatro de Directores de Asia con la participación de directores de Corea, China y Japón, y llevan a escena las obras teatrales de los concursos literarios de primavera organizados por los principales periódicos coreanos. El representativo Festival de Teatro de Seúl se programa desde abril hasta mayo. Le siguen el Festival de Teatro Independiente de Seúl, desde julio hasta agosto, el Festival de Espectáculos Callejeros de Daehangno en septiembre, el Festival de Artes Escénicas de Seúl y el Festival de Pequeño Teatro de Daehangno en octubre y noviembre. Esta amplia variedad de festivales de diverso género que se desarrolla durante todo el año, aporta una creativa y dinámica energía a Daehangno.

Daehangno encarna la pasión y la visión de la cultura y la comunidad artística de Corea. Allí es posible calibrar las tendencias de las artes escénicas en los actores locales, además de jugar un importante rol en la configuración de la política artística y cultural del Gobierno. Pero, sobre todo, Daehangno es un lugar donde los jóvenes actores -y los que aspiran a serlo- desarrollan y pulen su talento teatral, a veces enfrentando contratiempos, pero sin duda nutriendo sus sueños. (Traducido por Raimon Blancafort)

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Diversificando la audiencia Mientras que en el pasado Daehangno era popular entre la gente joven, mayormente veinteañeros y treintañeros, hoy en día su público se ha ampliado a grupos de diversas edades. Aunque la gente joven todavía compone una gran parte de la audiencia, se ha producido un notable aumento en el número de familias con niños y de parejas de mediana edad, como resultado de la variedad y la abundancia de los espectáculos que se ofrecen.

Los turistas que visitan el Parque Naksan y el Pueblo Mural Ihwa en las cercanías, van a Daehangno a explorar las calles o ver un espectáculo. El mercadillo callejero filipino organizado cada domingo frente a la catedral en la rotonda de Hyehwa-dong es otra atracción única; pues los trabajadores inmigrantes de Filipinas se reúnen allí para socializar y vender gran variedad de productos, desde comida nativa filipina hasta electrodomésticos y mercancías muy diversas. Apodado como “Pequeña Manila”, este exótico mercado ha atraído a grandes multitudes durante más de veinte años.

Recientemente, Daehangno ha acogido diversos festivales internacionales de artes escénicas durante todo el año y ha reunido a Cultura y arte De Corea 13

REpORtAJE EspECIAl 3 Teatro coreano actual: Gente y tendencias

¿pOR qué DEBERíAMOs REVIsItAR A CHéJOV EN COREA? HIstORIA DE lA COMpAñíA DE tEAtRO CAllEJERO para las personas de la comunidad artística que aspiran a crear un teatro claramente contemporáneo y distintivo de Corea, la Villa del teatro de Miryang alberga un festival anual de teatro en verano. Mediante este evento, la Compañía de teatro callejero ofrece una agradable experiencia a los amantes del teatro y envía reflexivos mensajes para aquellos que aprecian la cultura y las artes. lee Chang-guy Poeta, crítico literario Ahn Hong-beom Fotógrafo

n el SXIV, que fue testigo de una coexistencia de obras religiosas con el tema de la salvación -simbolizado por el pan y el vino consagradosy los laicos dedicados al entretenimiento, el obispo de Salisbury (presumiblemente, Simón de Ghent) criticó a todos los actores profesionales que él consideraba obscenos, por adular y tratar de despertar la alegría de la embriaguez. Aunque según los registros también consta que dijo: “Pero también hay otros, llamados bufones, que cantan las hazañas de los gobernantes y las vidas de los santos, y proporcionan consuelo a los hombres en sus enfermedades, o cuando tienen la moral baja, si bien no inventan innumerables infamias -como hacen los bailarines y las muchachas que danzan- u otros que ofrecen vergonzosas representaciones, o aparecen para ser vistos a través de encantamientos o mediante otros métodos”. - Oscar G. Brockett (1977). Teatro y drama en la Baja Edad Media. Historia del Teatro. p. 127.

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una compañía de teatro itinerante En septiembre de 1999, un grupo de actores dejó su teatro en Daehangno en Seúl, donde habían representado infinidad de obras de teatro, ofreciendo consuelo para sus audiencias y encontrándose a sí mismos mientras lo hacían. Si por un casual esta descripción trajera a su mente la imagen de un grupo de teatro machacado por una mala gestión o por conflictos internos, les invito a 14 Koreana Primavera 2016

pensar de nuevo. Durante casi 13 años, desde su creación, esta compañía ha atraído a un considerable público con un repertorio de piezas experimentales y una inusual combinación, tanto de dramas y rituales tradicionales de exorcismo; como de otras obras más convencionales, para expresar la conciencia social.

Más de una década de éxitos llevó a una de las compañías pioneras de Corea a introducir el teatro coreano en el extranjero. Un año antes, en 1998, su interpretación de Un sentimiento, como el paraíso obtuvo cinco premios, incluido el premio a la mejor interpretación, en el Festival Internacional de Teatro de Seúl. Teniendo en cuenta que se trataba de un momento en el que Corea se hallaba bajo el programa de rescate del FMI, después de una crisis por default, no hay duda de que la compañía tuvo bastante éxito.

Pero pese al esplendor de ser centro de atención y de lograr el aplauso de la audiencia, se sentían física y mentalmente agotados.

Habían hecho todo lo posible por evitar la tendencia social de la comercialización y la popularización, actuando en la calle mientras repartían flyers , o realizando desesperadas llamadas telefónicas para conseguir un pequeño espacio de publicidad entre las páginas del periódico; pues incluso tras toda una serie de aclamadas producciones, sus circunstancias apenas habían cambiado. Todavía llevabam una inestable “vida underground, dormir, ensayar y actuar en un teatro subterráneo”, que además amenazaba su salud.

Lee Yun-taek, director artístico de la Compañía de Teatro Callejero, dirige un ensayo. Insiste en que los actores han de mover las marionetas de una forma que muestre significado, con expresiones y movimientos sutiles.

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“El Chéjov que representamos es vulgar, crudo y ruidoso… En el lugar donde la unidad y el equilibrio del realismo duro se rompen, ese violado y arruinado huerto de cerezas, emerge una energía revolucionaria aún más poderosa. Esta obra es un derivado de Chéjov, destilado en la Corea del SXXI”.

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En ese momento, el fundador de la compañía de teatro Lee Yuntaek, escribió una columna periodística en la que explicaba los motivos que le llevaban a retirarse, en la que usó una expresión altamente literaria: “Elijo permanecer como un hombre del siglo XX para siempre”. Pero sus integrantes probablemente solo sintieron que se iban “para dedicarse al teatro desde la salud física y mental”. Así, el grupo encontró un nuevo hogar en el edificio de una escuela que permanecía cerrada en Miryang, una ciudad a 350 kilómetros al sur de Seúl, con una población de unos 100.000 habitantes. Un total de sesenta integrantes de la compañía optó por esa “salida de emergencia”, y el grupo en cuestión es la Compañía de Teatro Callejero, que este año celebra el 30 aniversario de su fundación.

Han sido nombrados con muchos apodos, como “guerrilleros culturales” o “anarquistas culturales”, y también como “comunidad teatral idealista”, según les definió recientemente un erudito japonés. Pero por peculiares que puedan parecer, estos apodos no son tan descabellados, ya que de alguna forma reflejan el modo de vida elegido por estas personas. Llevan una vida en común, viven juntos y producen obras de teatro juntos, a veces viajando por todo 16 Koreana Primavera 2016

el país como los grupos teatrales itinerantes de los viejos tiempos, que actuaban bien bajo demanda o bien por necesidad.

‘El poder de los débiles’ Su modo de vida es claramente distinto al de otros realizadores de teatro establecidos en las grandes ciudades, que es donde se produce la mayor parte del consumo cultural. Pero esto no es algo nuevo del todo: En la Corea pre-moderna, unas comparsas de vagabundos llamados namsadangpae interpretaban activamente por todos los rincones del país en la era tardía de Joseon. Japón también tuvo un ejemplo similar en el teatro kabuki; y los teatros ambulantes europeos tras la Edad Media podrían ser otro antiguo ejemplo. Más recientemente en Francia, el Teatro del Sol (Le Théâtre du Soleil) ha estado activo durante más de cincuenta años bajo lemas como igualdad en la distribución, producción colaborativa y gestión colectiva. En Vermont, EE.UU., el “Bread and Puppet Theater” ha desarrollado una nueva propuesta de comunidad teatral que se autoabastece mediante la agricultura: comparten el pan, fabrican los títeres con subproductos agrícolas y producen espectáculos de títeres. Con todo, estas comunidades de “bufones” desde el

principio supieron que no serían capaces de convertir su instinto teatral en un valor (intercambio) de sus tiempos, para poder vivir como cualquier otro integrante de la sociedad (capitalista). A pesar de la frustración, crearon un estilo de vida optimizado a sus entornos sociales.

Como resultado de esta elección, sin embargo, se hallaron a sí mismos habitando una zona de penumbra entre la estructura social establecida y sus límites. Las vidas de aquellos que pierden las competiciones podrían no parecer tan especiales como para tomar notas, al no poseer nada que merezca respeto. Sin embargo, el antropólogo Victor Turner prestó atención al “poder de los débiles”, aquel que poseen los seres liminales (a quienes definió como “miembros de la communitas”), como los pobres, los discapacitados, los enfermos mentales, los artistas, los chamanes, los profetas, etc. En estas personas socialmente desfavorecidas vio a los que maximizan ciertos valores relativos que van siendo olvidados por la sociedad (como la homogeneidad, la igualdad, la moral, la propiedad común, la igualdad de distribución, etc.) por medio de su “poder simbólico” (peligrosidad, contagiosidad, anarquía, anonimato, etc.) para facilitar el paso de una estructura social actual a la siguiente.

Este punto de vista se refleja en el camino tomado por la Compañía de Teatro Callejero, y los valores que sus integrantes han perseguido durante los últimos 30 años.

la vida en común Pero las cosas han cambiado mucho desde que naciera la Villa del Teatro de Miryang. Equipada con alojamientos, salas de espectáculos y otras instalaciones auxiliares para la compañía, el pueblo también se ha convertido en sede del Festival Anual de Verano de Artes Escénicas de Miryang. El principal objetivo de este festival es dar a conocer una amplia gama de obras de teatro y performances, tanto de Corea como del extranjero, pero también ofrecer experiencias teatrales para los “culturalmente desfavorecidos”. Por otra parte, mediante el programa de "Producciones de Jóvenes Directores" el festival ha logrado impulsar piezas experimentales de directores noveles que intentan hallar su propio método expresivo.

También forma parte de la villa el Instituto de Teatro Uri, creado para ofrecer cursos de formación para artistas de teatro. Cualquier persona que desee unirse a la Compañía de Teatro Callejero tiene que completar un curso de un mes y pasar por un entrenamiento en diversos ámbitos. Este planteamiento difiere totalmente del sis-

tema de producción teatral convencional, donde el productor o el promotor eligen la obra que subirá a escena y también a los actores, mediante audiciones. Uno de los primeros graduados del instituto es el líder de la troupe, Kim So-hee, quien trabaja con aproximadamente una docena de sus integrantes desde hace mucho tiempo -algunos llevan más de 20 años de experiencias comunes- que participan en la gestión de la compañía y comparten una amplia gama de tareas.

La compañía cuenta ahora con unos 80 integrantes, que trabajan en tres o cuatro grupos para representar unas cinco producciones de larga duración, por lo que cada actor desempeña cuatro funciones como mínimo. y siete u ocho como máximo. Ofrece alojamiento y comida gratis a sus integrantes, y comenzó a pagar salarios hace diez años. El salario mensual se compone de un salario base, que oscila entre 500.000 y 2.000.000 won, y beneficios que incluyen diversos incentivos.

El sistema salarial es distinto al de las empresas comerciales al uso, que suelen poner más énfasis en el valor que en el resultado. Kim Mi-sook, actriz y una de las que participa en la gestión, exolica que no hubo ningún conflicto a la hora de determinar los salarios, si bien no puede afirmar que eso 2 implicara la satisfacción de 1 Ensayo de “Una familia en la carretodos. tera”, obra que se representará en Desde que conviven en el marzo en el Festival Iberoamericano pueblo han surgido muchos de Teatro de Bogotá, Colombia. Para retratar la vida y el talento del artista matrimonios entre los inteLee Jung-seob, el decorado incluye grantes de la compañía. Las algunos de sus motivos favoritos, parejas casadas disponen de como vacas y mariposas. Kim Sohee, líder de la compañía, en seguncuartos separados para la vida do lugar a la derecha. familiar. Lee Seung-heon, un 2 El Instituto de Teatro Uri ofrece actor de unos 40 años que se cursos de formación para actores.

Cualquiera que desee unirse a la unió a la compañía con 26, se Compañía de Teatro Callejero ha de casó con una joven integrancompletar este curso básico. te en febrero del año pasado.

Según Lee, nunca se ha arrepentido de la elección que hizo para su carrera, y se basa en la comunidad tanto para el futuro de su familia, como para el suyo propio. El director técnico Cho In-kon perdió a su esposa y colega, Lee Yun-joo, directora y prometedora actriz, la primavera pasada. Ahora, su hija de 11 años crece entre el amor y la protección de los integrantes de la compañía. En el calendario que cuelga en la pared de su oficina, la fecha de la boda de otra pareja está marcada en rojo.

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la cuna del teatro del absurdo en Corea Desde el momento en que se establecieron en Miryang, su carácter se ha vuelto más pronunciado, a medida que se ha ido convirtiendo en una compañía con sus propias metodologías de producción teatral. Basada en el trabajo de un equipo estable, ellos mismos confeccionan la mayoría de los accesorios y disfraces para sus shows, lo que reduce los costes de producción. Sus aspiraciones se han fortalecido para desafiar el conformismo del mercado y aportar nuevas perspectivas al sector. Su trabajo se ha impregnado del interés por la historia y de una preocupación por lo menos común, se ha reforzado con elementos rituales e ideas imaginativas para lograr interpretaciones dinámicas, subversivas y absurdas. En consecuencia, el motor de Miryang ha generado una impresionante serie de producciones como “El académico rural Jo Nam-myeong”, retrato de un erudito confuciano de principios del SXVI que se resistió al reino de los potentados; “Deliberación” sobre la trágica vida del científico Jang Yeong-sil, que surgió de lo más humilde de la Dinastía Joseon; “La fábula de Baekseok” sobre el legendario poeta sacrificado por los sistemas políticos de las dos Coreas; “La voluntad: un original texto sobre la Vida”, un drama de fantasía ambientado en un vertedero; y “Un hombre revolcándose por el suelo”, que versa sobre un hombre socialmente introvertido. El público los ha recibido entre aclamaciones y los círculos críticos han respondido a

sus producciones con los principales premios.

En la próxima primavera, la Compañía de Teatro Callejero presentará dos grandes obras: El jardín de los cerezos , de Chéjov (en el Teatro Nunbit de Seúl del 8 abril al 1 mayo de 2016) y Una familia en el camino (en Bogotá, Colombia, del 19 al 21 marzo de 2016). Retratando la vida del artista Lee Jung-seob, Una familia en el camino se presentará en el Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, país del reconocido artista Fernando Botero, siendo la tercera vez que el grupo ha sido invitado a este festival. Una de las actrices del elenco es Claudia Osejo (ver apartado), quien durante un tiempo se formó en la Villa de Teatro de Miryang, como estudiante subvencionada por una beca estatal de Colombia. Las impresionantes interpretaciones de la Compañía de Teatro Callejero que vio en Bogotá, actuaron como un revulsivo y motivaron su decisión de venir a Corea. Sin embargo, aún le resulta difícil acostumbrarse a las interminables jornadas de ensayo, que se extienden hasta altas horas de la noche.

En Corea, las obras de Chéjov comenzaron a interpretarse en el escenario en la década de los 90, cuando un gran número de productores teatrales volvieron de Rusia después de estudiar teatro allí. Las obras rusas de teatro, y en especial las de Chéjov, eran en esa época muy populares; tanto entre los universitarios como en las compañías de teatro profesional. Las obras de tan distinguido

Escena de “Deliberación”, obra que representa la trágica vida de Jang Yeong-sil, científico de la dinastía Joseon de origen humilde. Fue organizada para celebrar la inauguración del Teatro Andersen para niños en noviembre de 2015, en el condado de Gijang, de Busan.

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dramaturgo ruso fueron ampliamente introducidas en Corea, como parte del aprendizaje del método Stanislavski, para explorar la elevación de la mente humana, o del método Vakhtangov, caracterizado por llevar a los personajes a sus extremos. Recientemente, las obras teatrales de Chéjov se han reintroducido en el teatro de Corea gracias a la Compañía de Teatro Callejero cuyo estilo está más relacionado con la cultura coreana autóctona que con todo lo ruso. Comenzando el año pasado con Tío Vania (dirigida por Lee Youn-taek) y La Gaviota (dirigida por Kim So-hee), la compañía llevó al teatro siete obras y cuentos cortos de Chéjov, adaptadas y dirigidas por cuatro directores diferentes, con su propios estilos. La pieza que culmina la serie, El jardín de los cerezos tendrá lugar en la celebración del 30 aniversario de la fundación de la compañía. Su director artístico Lee Yountaek explica así su intención al dirigir esta obra: “El Chéjov que representamos es vulgar, crudo y ruidoso. En nuestra adaptación, la señora Ranevsky, propietaria de la finca y del jardín de cerezos, es una mujer de mediana edad con demencia senil; su hermano Gaiev es un libertino; Lopakhin, un hombre de negocios hijo de campesinos, es un hombre muy práctico; y Pishchik, el noble recién llegado al barrio, es un personaje como de Hamlet. Y al igual que en una comedia slapstick, todo se exagera. En el lugar donde la unidad y el equilibrio del realismo duro se rompen, en ese violado y arruinado huerto de cerezas, emerge una energía revolucionaria aún más poderosa.

Esta obra es un derivado de Chéjov, un destilado de la Corea del SXXI”.

Coincido con Ralph Waldo Emerson cuando dijo: “La sociedad nunca avanza”. La sociedad es una marea: cuando un extremo avanza, el otro se retrasa. Cuando la tecnología prevalece, la esencia humana es sacrificada. Cuando se obtienen beneficios, la libertad se pierde. Sin embargo, al margen de la era a la que pertenezcamos, el instinto teatral de los seres humanos jamás se perderá. Más bien, nos excitará, nos enfurecerá, y con frecuencia nos ayudará a consolarnos. Es por eso que en la Corea del SXXI deberíamos revisitar a Chéjov, y por eso la obra Una familia en el camino –a interpretarse en Bogotá- nos emociona por adelantado. (Traducido por Javier Castañeda)

LA COMPAÑÍA DE TEATRO CALLEJERO VISTA POR UNA ACTRIZ EXTRANJERA Claudia Osejo Actriz

Cuando vi por primera vez a la Compañía de Teatro Callejero en 2012, actuando en el Festival Iberoamericano de Teatro realizado en mi ciudad natal Bogotá, Colombia, me sentí profundamente conmovida por la excelente mezcla de artes coreanas clásicas con las tradiciones occidentales en el Hamlet que representaba la compañía. Me reuní con ellos nuevamente años después en 2014, también en Bogotá, donde presentaron Bodas de sangre, escrita por Federico García Lorca, y nuevamente quedé sorprendida por la forma en la que introducían su tradición.

Después de verles, decidí que quería estudiar teatro con ellos y participé en un taller llamado “La respiración durante la actuación .” Pero no fue suficiente y mi sed de actuar se hacía cada vez más fuerte. Mi deseo de estudiar teatro en Corea fue cumplido gracias a una subvención especial para jóvenes artistas del gobierno colombiano. Tuve ocasión de venir aquí (a Corea) y de vivir con la compañía para aprender todo sobre sus procesos de producción y sus técnicas de actuación.

Mi primer trabajo fue fotografiar todos los procedimientos de producción, que incluían tanto los ensayos como las actuaciones reales. Al realizar esta tarea descubrí que todo el equipo acometía el proceso de producción desde un compromiso de profesionalidad; trabajando, gestionando y creando para producir grandes espectáculos. Después empecé a participar en las actuaciones, bien actuando o bien estando a cargo de la iluminación. Ahí aprendí cómo se esperaba que cada escena fuera exacta y rigurosa; cómo cada movimiento requería controlar la energía y la respiración; cómo la música era indispensable; y cómo las voces expresaban intenciones y matices no sólo al cantar, sino también en las conversaciones.

Al estar imbuidas de conciencia histórica, las piezas biográficas de la compañía sobre la vida y la mente de honorables coreanos de diversas épocas, me han llevado a reconocer que la memoria dota de significado a las artes, y que es un instrumento esencial para hacer que los mensajes lleguen a todos. Además, el director de arte Lee Youn-taek parecía ser especialmente eficaz a la hora de ayudar a los actores a afinar sus habilidades para convertirlos en singulares, potentes y profundos. Por otro lado, las técnicas especiales de la compañía para insertar ruidos de la vida cotidiana, enriquecen cada escena y llevan al público a sumergirse en la actuación.

Vivir junto con la Street Theatre Troupe implica mucho más que hacer obras de teatro. Más bien, gira en torno a un determinado conjunto de reglas para mantener y gestionar el espacio vital, incluido el teatro y la residencia. Por ejemplo, los actores son lo suficientemente humildes como para limpiar el teatro donde la obra se va a representar. Como actor, considero que limpiar la sala de ensayo y el escenario es parte del proceso de aprendizaje, y ayuda a formar buenas personas.

Mi vida en Corea como estudiante de teatro perdura y tengo un largo camino por delante; pero esta experiencia ha mostrado ser una valiosa oportunidad de aprender, no sólo sobre teatro, sino también sobre la vida. La Compañía de Teatro Callejero está dejando un importante legado al teatro, no sólo en Corea sino de Asia y del mundo en general. (Traducido por Javier Castañeda) Cultura y arte De Corea 19

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El CHANGGEuK REGREsA A lA VIDA Kang Il-joong Crítico de teatro

la modernización del changgeuk está en curso bajo la denominación de “ópera pansori”.

Mediante audaces experimentos para romper con los viejos contenidos y formas, el pansori tradicional ha renacido y está atrayendo una gran respuesta del público de todas las edades.

En el núcleo de estos avances se sitúa la Compañía Nacional de Changgeuk de Corea.

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l pansori es un arte vocal tradicional de Corea descrito en general como una narración musical, que ha sido designada como Propiedad Cultural Intangible Importante Nº 5 del país e inscrita en la lista del patrimonio cultural inmaterial de la humanidad de la UNESCO. La puesta en escena del pansori es muy simple, ya que la llevan a cabo solo dos personas: un cantante o sorikkun, que cuenta la historia con su voz mientras sostiene un abanico en una mano, y un percusionista, el gosu, que aporta el acompañamiento. Las melodías, cantadas al ritmo del tambor, se intercalan con la narrativa hablada (aniri ). La situación descrita en la canción se potencia con gestos (ballim) y expresiones faciales.

Hay otro elemento importante que sirve para completar el pansori: las exclamaciones cortas llamadas chuimsae. Estas exclamaciones, pronunciadas en ciertos momentos de la narración por parte del percusionista o los integrantes de la audiencia, sirven para elevar el ánimo, expresar admiración por las habilidades del cantante o formular observaciones sobre la historia.

En el pansori tradicional un solo de ópera depende casi en su totalidad del talento del cantante. Antiguamente, los artistas de pansori practicaban bajo una cascada. En el mundillo del pansori tradicionalmente se creía que si la canción no podía imponerse sobre el ruido de la cascada, no podía decirse que se hubiera “logrado el sonido”. Para los cantantes de pansori, alcanzar el sonido es un concepto amplio y profundo.

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©Teatro Naúonal de Corea

la decadencia del pansori y el surgimiento del changgeuk El pansori comenzó a propagarse ampliamente entre el pueblo llano desde finales del siglo XVII, en pleno ecuador de la dinastía Joseon.

Hacia mediados del siglo XIX había llegado a su apogeo en cuanto a popularidad no solo entre las masas, sino también entre la clase dominante llamada yangban , y surgieron muchos cantantes famosos. De ellos, quienes actuaban en presencia del rey obtenían incluso varios títulos oficiales.

A resultas de una variedad de factores internos y externos el pansori entró, sin embargo, en un período de decadencia. En lugar de unos pocos cantantes destacados había muchos intérpretes mediocres.

El público se cansó de las actuaciones en solitario: llegaron al país el nuevo teatro japonés (shinpa geki), la ópera de Pekín y el teatro occidental moderno, y se construyeron teatros de estilo occidental. Al avanzar en el siglo XX, estas tendencias se intensificaron aún más.

El mayor cambio en aquel momento fue la aparición de un nuevo género de interEscena de “El señor Conejo pretación vocal que aportaba no uno, sino y el Rey Dragón”, dirigida por Achim Freyer. Situado sobre dos o más cantantes. Era una versión avanuna falda de tres metros de zada de pansori llamada changgeuk, algo altura, el gran cantante de que podría ser descrito como “teatro musipansori Ahn Sook-seon hace de comentarista y narrador. cal”. La primera representación de chanEs el primer resultado de ggeuk fue una obra titulada “El mundo de los intentos de la Compañía plata” (“Eunsegye”), escrita por Lee In-jeok Nacional Changgeuk por modernizar el changgeuk, y y puesta en escena en Wongaksa, Seúl, fue estrenada en septiembre en el año 1908, que marcó el comienzo de 2011 en el Teatro Nacional.

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del teatro coreano moderno. El número de artistas de changgeuk aumentó gradualmente y, a medida que este género se desarrollaba bajo entornos realistas en teatros de estilo occidental, se convirtió en un arte dramático integral. Sin embargo, durante mucho tiempo no pudo impulsarse debido, entre otros motivos, a la falta de nuevas obras creativas.

la modernización del changgeuk Esta situación permaneció invariable durante mucho tiempo, pero en los últimos años se han producido algunos cambios significativos. El changgeuk había sido considerado un arte para una audiencia de media y avanzada edad, pero en un cierto momento los jóvenes, en su mayoría aficionados a la ópera y al teatro, comenzaron a ocupar las butacas en estas representaciones. Algunas actuaciones de changgeuk incluso colgaron el cartel de “no hay billetes”. El changgeuk volvió a nacer gracias a una serie de obras creativas capaces de aportar nuevas interpretaciones y una renovada y más elegante puesta en escena. Este movimiento dirigido por la Compañía Nacional de Changgeuk, una entidad del Teatro Nacional de Corea, se desarrolla básicamente en tres direcciones.

Primero, de las doce obras originales de pansori, las cinco que permanecen hoy intactas –‘Simcheong-ga’ (la canción de Sim Cheong), ‘Chunhyang-ga’ (la canción de Chun-Hyang), ‘Heungbu-ga’ (la canción de Heungbu), ‘Jeokbyeok-ga’ (la canción de los acantilados rojos) y ‘Sugung-ga’ (la canción del palacio submarino)- están siendo reeditadas en piezas de changgeuk por prestigiosos directores artísticos coreanos y extranjeros sin experiencia en el género. En segundo lugar, se están adaptando obras clásicas extranjeras para representaciones de changgeuk.

Estos dos enfoques poseen un gran atractivo para los coreanos que no están familiarizados con las obras tradicionales de su propio país, pero sí lo están más con las artes dramáticas occidentales.

Por otra parte, reinterpretar el changgeuk a través de los ojos de los extranjeros o exponer las obras clásicas del mundo occidental mediante el teatro musical tradicional, facilita el disfrute del changgeuk a las personas de otros países.

En tercer lugar, las siete obras de pansori que han sido adaptadas solo de forma parcial, como Byeon Gangsoe Taryeong (la canción de Byeon Gang-soe) y Baebijang Taryeong (la canción del general Bae), han sido reinterpretadas y reconstruidas de forma audaz, reflejando el estado actual del mundo y enfatizando el lado dramático del changgeuk.

La sinergia generada por estos tres enfoques lidera el renacer y la evolución del changgeuk como forma de arte más contemporánea y universal. La respuesta entusiasta del público actual sugiere que el changgeuk ya no es algo anticuado o del pasado.

Al tiempo que mantiene la dignidad de un espectáculo tradicional, está en contacto con los nuevos tiempos y conecta con el público de hoy.

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tres óperas pansori La llegada del nuevo changgeuk vino marcada por la representación de El señor conejo y el rey dragón, de la Compañía Nacional de Changgeuk que, después de un largo período de preparación, se estrenó en septiembre de 2011 en el Teatro Nacional. Fue el primer resultado del programa La elección del maestro, en el que se invita a personalidades famosas del teatro a nivel internacional, para reinterpretar de una manera nueva las obras de changgeuk. La persona a la que se invitó a trabajar en El señor conejo fue Achim Freyer, un reconocido director alemán de ópera.

La interpretación y la puesta en escena de Freyer eran totalmente nuevas para los aficionados del changgeuk en Corea. La historia original, La canción del palacio submarino (Sugung-ga) es una fábula. El rey dragón del mar está muy enfermo. Cuando se entera de que el remedio para su enfermedad es el hígado de un conejo, envía a la leal tortuga a la tierra para que atraiga a un conejo hasta su hogar bajo el agua. El conejo llega incauto al palacio, pero cuando comprende lo que está sucediendo, afirma que ha dejado su hígado en la tierra y se las arregla para escapar. La obra satiriza el conflicto entre la gente común, simbolizada por el astuto conejo, y la clase dominante, encarnada por el rey dragón y la tortuga.

La producción de Freyer de El señor conejo y el rey dragón retrataba a la tortuga como un personaje terrenal en busca de fama y fortuna, al conejo como un astuto héroe que trabaja duro para superar todo tipo de dificultades, y al rey dragón como un gobernante que -para prolongar su vida- recurre a todos los métodos y medios a su alcance. En el escenario, el palacio submarino estaba cubierto por un techo de botellas de plástico, en una sátira sobre la contaminación ambiental existente en el mundo de hoy. Freyer, que también tiene fama como pintor expresionista, diseñó todos los telones de fondo, así como los trajes y las máscaras que llevaban los artistas mientras actuaban y cantaban. Nunca antes se 1 Escena de “Un Chunhyang diferente”, dirigida por Andrei Serban. Esta obra, habían observado unas imágeque incluía la actuación del joven nes visuales tan poderosas en artista de pansori Lee So-yeon, tuvo lugar en noviembre de 2014 en el una actuación de changgeuk.

Teatro Nacional.

El contenido satírico y 2 Escena de “Medea”, un changgeuk humorístico, que originalmente basado en la tragedia griega clásica de Eurípides, interpretada en el forma parte de las caracterísTeatro Nacional en mayo 2013, por la ticas del pansori, fue revisaCompañía Nacional Changgeuk. Con do a fin de atraer a un público Park Ae-ri en el papel protagonista, fue un espectáculo aclamado por más actual. Por ejemplo, en la “trasladar la esencia de la tragedia escena en la que a petición de griega a la canción coreana”. la tortuga el rey dragón orde3 Escena de “Madame Ong”, estrenada en 2014 como parte de un proyecna pintar un retrato del conejo, to de readaptación de siete obras aparecen artistas de la talla de de pansori. Fue el primer pansori Kim Hong-do, Ai Weiwei, Andy dirigido por Koh Sun-Woong y hasta ahora figura como el mayor éxito de Warhol, Alberto Durero y Pablo la Compañía Nacional de Changgeuk.

Picasso. El changgeuk, un Ya tiene programadas repeticiones género que podría haber llegapara este año.

Kim Sung-nyeo, directora artística de la Compañía Nacional de Changgeuk, considera que “mientras el pansori debe ser bien preservado y mantenido como un arte vocal tradicional de Corea, el changgeuk, un arte dramático derivado del pansori, ha de cambiar y adaptarse a los nuevos tiempos”.

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varias imágenes al girar o cambiar de posición, para convertirse en la colina en la que Cao Cao se sitúa al mando de sus tropas en la batalla, en la casa de Zhuge Liang donde Liu Bei lo visita tres veces para reclutarlo, en un buque de guerra e incluso en un pájaro. A medida que se desarrollan las escenas, en el suelo del escenario y en la parte posterior de la pantalla aparecen imágenes de pinturas de tinta sobre bambú, puntos, líneas, planos, y la mítica tierra de la flor del durazno. Entre estos decorados simples pero altamente simbólicos, los solos del maestro Song Soon-seop y los coros de los otros cantantes, emanan una poderosa energía.

Otros logros A medida que el público ha ido abrazando con entusiasmo la reinterpretación y la adaptación del changgeuk a los tiempos contemporáneos, asistimos a otra forma de divulgación. Mientras se trabaja para restaurar las siete piezas de pansori heredadas de forma incompleta, una de ellas Byeongangsoe Taryeong (La canción de Byeon Gang-soe), renacía como Madame Ong bajo la dirección de Ko Seong-Woong. Esta pieza representada en junio de 2014 quitó protagonismo a Byeon Gangsoe, el hombre de la libido legendaria, para poner de relieve los pen-

Escena de “Canción del Acantilado Rojo”, dirigida por Lee So-young e interpretada en septiembre de 2015 en el Teatro Nacional. Fue aclamada por la sinergia creada con el set, con simples pero altamente simbólicos decorados, y también por los poderosos solos interpretados por el maestro Soong Soon-seop.

©Teatro Naúonal de Corea

do a considerarse arcano para el público joven, se había vestido con ropas nuevas. De este modo, en lugar de changgeuk, estas nuevas representaciones se han denominado “ópera pansori”.

“Una Chunhyang diferente”, la segunda de estas óperas pansori, se estrenó en noviembre de 2014 en la pequeña sala Dal del Teatro Nacional. Dirigida por Andrei Serban, un estadounidense de origen rumano muy activo en la escena de la ópera y el teatro, tanto en Estados Unidos como en Europa, está basada en la obra de pansori La canción de Chunhyang, y trata sobre el amor entre Yi Mong-ryong, hijo de un juez, y Song Chunhyang, hija de una gisaeng (mujer de entretenimiento) retirada. Aunque se trata básicamente de una historia de amor entre diferentes clases sociales, el director Serban representa a la protagonista de Una Chunhyang diferente como una heroína que no tiene miedo a arriesgar su vida para alcanzar el ideal del amor. Por el contrario, Mongryong no es tan puro de corazón. Este hijo de un funcionario de alto rango se enamora de Chunhyang, que es de una clase social inferior, pero tras sopesar las pérdidas y beneficios de su aventura decide olvidarse de ella.

La puesta en escena es bastante radical. A uno y otro lado del escenario se levanta una fría estructura metálica en espiral de color negro, mientras el suelo está cubierto de arena y se utiliza agua para marcar el curso de un arroyo. El video es un recurso bastante utilizado. En el vídeo de fondo Chunhyang y Mongryong aparecen como amantes vestidos con el tradicional hanbok, aunque en el escenario Mongryong es un joven que escribe en un cuaderno.

La tercera obra que cabe mencionar es La canción del acantilado rojo, dirigida por Lee So-young, una destacada directora de ópera coreana, que ejerce como directora artística de la Compañía Nacional de Ópera. En esta obra, estrenada el 25 de septiembre en la sala principal Hae del Teatro Nacional, la puesta en escena y el canto armonizan perfectamente entre sí. Tomando como base el episodio de la Batalla de los Acantilados Rojos, de la antigua novela china Romance de los tres reinos, “La canción del acantilado rojo”aborda la retirada de Cao Cao al sendero de Huarong tras su derrota en la batalla. Lee decidió convertir la historia en la sátira política. La obra de pansori original es muy masculina y cuenta con la aparición de innumerables héroes y generales que exhiben su valor en la batalla; pero la directora le dio la vuelta para destacar la difícil situación de la gente común que muere en la guerra de forma anónima.

El arte sobre el escenario se percibe de forma maravillosa en esta representación. Desde el foso de la orquesta se eleva un gran tambor que soporta el escenario, y sobre éste se levanta una sola estructura en forma de ventilador gigante. El ventilador es viejo y el papel está hecho jirones, dejando ver su esqueleto desnudo. La pantalla que ocupa el fondo del escenario, que parece hecha de papel tradicional, muestra el típico pansori interpretado por una cantante, al ritmo del tambor y con un abanico en la mano. El pansori en su forma original es utilizado aquí como un elemento compositivo del escenario. La estructura del ventilador se combina con

samientos de su devota esposa Ongnyeo. Madame Ong se convirtió así en la primera producción de la historia de la Compañía Nacional de Changgeuk en lograr un lleno total en todas sus representaciones, que sumaron hasta 23.

Antes, en noviembre de 2011, la novela coreana clásica sobre dos hermanas Janghwa Hongryeon-Jeon fue producida de nuevo como un thriller con el título de Janghwa Hongryeon, bajo la dirección de Han Tae-seok. La trama se basa en un asesinato perpetrado en un complejo residencial de clase media, rodeado por un parque y un estanque, y representa de forma escalofriante el egoísmo y la apatía de la gente de hoy.

En otro tipo de experimento, a la tragedia clásica griega Medea se le otorgó el tratamiento de changgeuk, lo que sirvió para demostrar las posibilidades de expandir el género. La nueva obra fue dirigida por Seo Jae-hyeong y estrenada en mayo de 2013. Por otra parte, la célebre y exitosa película ‘Seopyeonjae’ se convirtió en una obra de changgeuk, dirigida por Yun Ho-jin bajo el mismo título, y estrenada en marzo de 2014. Más tarde, en marzo de 2015 y a petición de la Compañía Nacional de Changgeuk, el director coreano nacido en Japón Jeong Ui-sin, transformó El círculo de tiza cauca-

siano de Bertolt Brecht en una obra de changgeuk que alcanzó una gran popularidad.

preservación y modernización Los principales impulsores de estos movimientos para popularizar y modernizar el changgeuk son Ahn Sang-ho, director del Teatro Nacional, y Kim Sung-nyo, directora artística de la Compañía Nacional de Changgeuk. Kim considera que “mientras el pansori debe ser bien preservado y mantenido como un arte vocal tradicional de Corea, el changgeuk, un arte dramático derivado del pansori, ha de cambiar y adaptarse a los nuevos tiempos”.

La mencionada obra El señor conejo y el rey dragón , dirigida por Achim Freyer, se representó con éxito en el teatro de ópera de Wuppertal en diciembre de 2012; y en el mes de septiembre del año siguiente llegó al Teatro Nacional. En cuanto a La señora Ong, se pondrá en escena en París el próximo mes de abril por invitación del Teatro de la Villa. Sin duda, no está muy lejos el día en que el changgeuk asuma su lugar junto a la ópera de Pekín y el kabuki japonés, para ser representado en todo el mundo. (Traducido por Atahualpa Amerise)

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fOCO

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CHO SEONG-JIN: EL FUTURO DE LA MÚSICA CLÁSICA DE COREA En el Concurso Internacional de piano fryderyk Chopin 2015, el primer premio y el premio de la polonesa fueron otorgados al joven pianista coreano Cho seong-jin. la “fiebre Cho seongjin” ha motivado a la gente a ver de forma más seria y profunda la industria de la música clásica de Corea. park yong-wan Ex editor de “Gaeksuk” y funcionario del Ministerio de Cultura, Deportes y Turismo

©Bartek Sadowski_NIFC

“Sorprendentemente, no estaba nervioso en el ensayo final. Mis manos tocaban a su antojo, mientras yo disfrutaba de la música que estaba interpretando”. Cho Seong-jin, entrevistado tras ganar el concurso.

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n día de otoño del año pasado, la imagen de un chico joven aparecía en mi biografía de Facebook continuamente. Mis amigos de esta red social, en su mayoría aficionados a la música o relacionados con la industria de la cultura, le dedicaban numerosas alabanzas. En seguida la cara de este joven acaparaba la página principal del mayor portal online de Corea. Por lo general, esto suele suceder con una celebridad o una estrella del deporte, pero esta vez fue un caso muy inusual para el país, ya que todas las miradas se enfocaban en un pianista.

El 21 de octubre del año pasado se anunció el ganador del XVII Concurso Internacional de Piano Fryderyk Chopin. El mundo vio nacer a una nueva estrella cinco años después de que la ganadora de 2010, Yulianna Avdeeva de Rusia, tomara el relevo de Rafal Blechacz de Polonia, galardonado en 2005. El primer premio fue para Cho Seong-jin, que con ello se convirtió en el primer coreano en ganar la competición. A la noticia siguió inmediatamente un anuncio de la agencia de promoción de la música clásica, Credia, que comunicó que el concierto de gala del Concurso Internacional de Piano Fryderyk Chopin con Cho y otros premiados se llevaría a cabo en el Centro de Artes de Seúl el 2 de febrero de 2016. Cuando se abrieron las taquillas online para la venta de entradas el 29 de octubre del año pasado, el servidor del sistema de reservas de la agencia llegó a caer en un determinado momento, algo insólito para un concierto de música clásica. En solo una hora se colgó el cartel de no hay billetes.

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la historia de éxito del Concurso de Chopin Entre las competiciones más importantes de música clásica se incluyen el Concurso Internacional de Piano Chopin, el Concurso de Música Tchaikovsky de Moscú y el Concurso Reina Isabel de Bélgica. El hecho de que estos eventos estén dedicados de forma mayo-

ritaria o exclusiva a los pianistas indica que éstos representan la mayor parte de la población de intérpretes de la música clásica. El Concurso Chopin es una competencia dedicada por completo a las obras de un solo compositor. Es irónico que, aún con todas sus restricciones, haya impulsado a la mayoría de las estrellas y también generado la mayor parte de los escándalos.

El Concurso de Piano Chopin se remonta a 89 años atrás. Varsovia y toda Polonia fueron golpeadas trágicamente por el estallido de la Primera Guerra Mundial y para curar sus heridas físicas y mentales los polacos recurrieron a los deportes en lugar de a la música.

Jerzy Żurawlew, profesor en el Conservatorio de Varsovia y especialista en Chopin, estaba profundamente preocupado ante la posibilidad de que Polonia pudiera perder su fama como potencia cultural. Después de mucho pensar, se le ocurrió una solución: celebrar unos Juegos Olímpicos musicales o, en otras palabras, un concurso para llevar de nuevo al pueblo polaco a las salas de conciertos.

El primer Concurso Chopin se celebró el 23 de enero de 1927 en la Filarmónica de Varsovia. Los concursantes solo podían interpretar obras de Chopin, una norma que se ha mantenido hasta la actualidad. El primer ganador fue Lev Oborin de Rusia. La segunda y tercera competiciones se llevaron a cabo en 1932 y 1937 respectivamente, pero en plena confusión por la II Guerra Mundial el evento se suspendió durante un tiempo. En 1949, ya después de la guerra, la competición se reanudó con motivo del centenario de la muerte de Chopin. La cuarta edición del evento dio lugar a la primera ganadora de Polonia, Halina Czerny-Stefanska, que compartió los honores con Bella Davidovich.

Desde 1955 el Concurso Chopin se celebra cada cinco años y en 1960 apareció su primera “gran estrella”, nada menos que Maurizio Pollini. En 1965, los honores fueron a parar a Martha Argerich. A ésta le sucedió en 1970 Garrick Ohlsson, el primer estadounidense

1 El pianista Cho Seong-jin, ganador oficial, junto a los otros premiados, durante la entrega de premios del 17º Concurso Internacional de Piano Federico Chopin, celebrado en la sala de conciertos de la Filarmónica de Varsovia, en Polonia. A su izquierda, el ganador de la medalla de plata, Charles Richard-Hamelin de Canadá y, a su derecha el bronce, Kate Liu, de EE.UU. 2 Cho Seong-jin saluda a la audiencia tras su actuación en el Concurso Internacional de Piano Federico Chopin, en la sala de conciertos de la Filarmónica de Varsovia en Polonia.

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en ganar el primer premio, y luego en 1975 fue el turno del pianista polaco Krystian Zimerman. Argerich volvió a ganarse al público de Varsovia en el X Concurso Chopin que tuvo lugar en 1980. Cuando Ivo Pogorelich no pudo llegar a la final a pesar de su actuación “de genio” renunció al jurado como protesta. Sin embargo, no es necesario recordar que el ganador de la competición de 1980, Dang Thai Son, ha sido siempre considerado un especialista en Chopin.

Después de que Stanislav Bunin ganara el concurso de 1985, sin embargo, el premio no se otorgó de nuevo hasta el año 2000.

En el siglo XXI nació un nuevo genio. El chino Li Yundi saltó a la fama en el año 2000 al ser el primer artista en recibir el premio en 15 años y también el ganador más joven hasta la fecha. La XV competición, en 2005, también pasó a la historia. Treinta años después de la victoria de Zimerman en 1975 otro pianista polaco se alzó con el primer premio, lo que fue una noticia celebrada en toda Polonia. Además, la competición no dejó un segundo ni quinto premio y cuatro asiáticos compartieron los galardones tercero y cuarto: Los

hermanos coreanos Lim Dong-Min y Lim Dong-Hyek alcanzaron el tercer lugar y los japoneses Shohei Sekimoto y Takashi Yamamoto ocuparon la cuarta plaza.

un sueño mayor que ganar el concurso Regresamos de nuevo con Cho Seong-jin, cuyo nombre ocupó los titulares en Corea el pasado otoño. Nacido en 1994, se graduó en el Instituto de Yewon y la Escuela de Arte de Seúl en Corea y desde 2012 ha sido estudiante de Michel Beroff en el Conservatorio de París. Alcanzó la fama internacional en 2008 cuando ganó el primer premio en el Concurso Internacional Chopin para pianistas jóvenes y en 2009 destacó al convertirse en el ganador más joven del Concurso de Piano de Hamamatsu en Japón. Continuó destacando al alzarse con el tercer premio en el Concurso Internacional Tchaikovsky en Rusia en 2011 y también en la competición Arthur Rubinstein de Tel Aviv en 2014.

Fue en diciembre de 2008 cuando conocí por primera vez a Cho. Cultura y arte De Corea 29

y el idioma difícil. Todo es nuevo y emocionante. Creo que mi persoHabía regresado a Corea después de ganar el Concurso Chopin para Jóvenes Pianistas en Moscú. El entonces estudiante, vestinalidad ha cambiado y ahora tengo menos miedo. Solía ser tímido, pero creo que ahora es todo lo contrario. Me siento más a gusto, do con el uniforme del Instituto Yewon, entró con bastante torpeaunque la otra persona pueda estar un poco incómoda”, comentó za en el estudio para una sesión fotográfica. Su cara era redonda Cho. El muchacho se había convertido en un hombre, y sin embary rolliza, pero recuerdo que sus ojos eran brillantes y parecían llenos de curiosidad, hasta el punto de asemejarse al hielo. Me contó go, todavía tenía el mismo brillo helado en sus ojos. No estaba una historia sobre la primera competición en la que participó en seguro de si trataba de hacerme reír o de provocarme, pero en su Corea, cuando cursaba segundo grado. Al observar cómo tocaban conversación detecté indicios de ambas intenciones. En su corazón los demás aspirantes, se sorprendió y pensó: “Vaya, todo el mundo parecía tener un pequeño horno en el que se fraguaba una extraña toca así. Yo creía que solo los auténticos pianistas llegaban a ese mezcla de pasión y despreocupación. Mi última pregunta que fue: nivel”. En cuanto a su victoria en la Competencia Chopin para Jóve“¿De verdad deseas tener éxito?”

“Me han dicho que soy un asceta. Tengo ambiciones, pero nes Pianistas, comentó: “Los participantes que conocí en Rusia depende de lo que consideres ambición”, fue la respuesta de Cho. estaban muy seguros de su música y jugaban en casa. Comparado con ellos me sentí pequeño. Estaba seguro de que me enfrentaría a un montón de “No me gusta que me definan como ídolo de la música clásica. Solo barreras y limitaciones al estudiar música occidental, por lo que necesitaba trabajar quiero seguir siendo un músico clásico por mucho tiempo. Algunas más y estar más preparado”. personas incluso me denominan “especialista en Chopin” pero, Un año después, en enero de 2009, Cho aún hoy, Chopin es para mí uno de los compositores más difíciles. tocó “La sonata de Dante” de Liszt en el Concierto de Año Nuevo celebrado en la Beethoven o Brahms compusieron una música más ligera en sus Sala de Arte Geumho. ¿Podía un simple últimos años, y pienso que es porque se fueron desprendiendo de niño de su edad expresar el amor de Liszt, las cosas poco a poco. En mi opinión, la vida es así. Por el mismo y el cielo y el infierno de Dante, tan solo siguiendo las notas y los símbolos dibujamotivo, creo que estoy en esa etapa de la vida en la que tengo dos en el pentagrama musical? La interque obtener mucho y así tendré muchas cosas que dejar de lado pretación de Cho despejó mis dudas y con cuando sea mayor”. su música me transmitió de forma nítida la historia de Liszt y Dante. Si un niño viniera “¿Se puede considerar que un músico tiene éxito cuando gana una a contarme la historia con palabras, ¿quizá me conmovería? Impogran cantidad de dinero, o cuando conmueve a la gente con su brisible. Sólo la música tiene esa clase de poder. A través de su melodía el joven transmitió el mensaje de que la música en sí y su interllante música? Un músico puede sentir que la música es exclusivapretación son algo maravilloso. mente para él y quedarse en su habitación, tocando para su propio Me encontré de nuevo con Cho en la Sala de Arte Geumho en el placer. Alguien así también podría ser considerado un músico con invierno de 2011. Esta vez él estaba con la pianista Son Yeol-eum, éxito. El éxito no se puede definir fácilmente. Tengo un sueño muy una amiga cercana que era como una hermana para él. Estaba grande. Quiero reproducir música maravillosa. No es simplemenprogramado que ambos interpretaran juntos un dueto. Durante la te decir, bien, ahora está tocando Cho Seong-jin. Quiero interpretar larga conversación que mantuvimos, Cho mencionó repentinamencomo Radu Lupu, Grigory Sokolov o Murray Perahia. Su música es sagrada. Puede que algunas personas no denominen a eso éxito, te un episodio ocurrido en Okinawa: “Hace poco estuve de gira en pero para mí es un sueño enorme, mucho más grande que ganar Okinawa y tomé un día libre, la primera vez que lo hacía después de un concurso de piano”. una actuación en el extranjero. Al mirar alrededor, me di cuenta de ¿Qué significado tienen las competiciones para los músicos jóveque la gente se ponía muy contenta con las cosas pequeñas. Fue entonces cuando empecé a reflexionar sobre qué es la felicidad”. nes? La pianista Son Yeol-eum, que logró el segundo puesto en el ¿Por qué a los diecisiete años de edad el pianista hablaba de la feliConcurso Internacional Tchaikovsky de 2011 en Rusia en el que Cho acabó en tercer lugar, comentó lo siguiente acerca de los concurcidad en una calurosa isla del sur?

Pasaron otros dos años y nos encontramos de nuevo en 2013. sos de música: “He pasado por muchas cosas en una gran cantidad Él estaba estudiando en el extranjero, en París, y había llegado a de competiciones, y me he desilusionado. Recuerdo lo que dijo en Corea un mes antes de que tuviera lugar aquí un concierto con la aquel momento mi maestro, Kim Dae-jin. Me explicó que quizá yo Filarmónica de Munich bajo la dirección de Lorin Maazel. “Estoy pueda pensar que la competición no tiene sentido -y puede haber feliz con mi vida en París, con la excepción de que la ciudad es cara algo de verdad en eso- pero una vez que estás en el gran mundo 30 Koreana Primavera 2016

no hay nada más justo que una competición. Creo que tenía razón”.

Para los jóvenes de todo el mundo que buscan convertirse en músicos profesionales una competición es lo más cruel, pero también la puerta de entrada más segura hacia el éxito. Y, sin embargo, ganar solo sirve para abrir esa puerta. Cho suena del todo sincero cuando asegura que no solo quiere ganar los concursos y que también tiene grandes sueños de “interpretar música maravillosa”.

Cho ha firmado recientemente un contrato con Solea Management, una empresa francesa de representación de artistas, que anunció la noticia el 5 de enero en su página web. La compañía fue fundada por Romain Blondel en 2005 y representa a una veintena de músicos, entre ellos el pianista Menahem Pressler, el violinista Daniel Hope, el violonchelista Jean-Guihen Queyras, y el flautista Emmanuel Pahud. Cho, que actualmente estudia en París, permanecerá activo en Europa bajo la gestión de Solea, cuya sede también se halla en la capital francesa.

¿El efecto Cho seong-jin?

Hay diferentes puntos de vista sobre cómo el éxito de Cho en el concurso Chopin afectará al mercado nacional de la música clásica en Corea. En el momento en que se presentó la grabación en directo de su actuación salieron nuevos álbumes de los populares jóvenes pianistas coreanos Lim Dong-hyek y Kim Sun-wook. Los tres discos se vendieron bien, al generarse una sinergia. Sin embargo, queda por ver durante cuánto tiempo y en qué medida continuará el efecto Cho Seong-jin. Fundamentalmente, la industria de la música clásica coreana es demasiado pequeña. No existen estadísticas

claras sobre ingresos por categoría o un análisis demográfico del público de los conciertos. Debido a la ausencia de datos adecuados es difícil concebir unas medidas realistas para revitalizar la industria. En palabras de un joven intérprete, “lo frustrante es que en Corea solo hay músicos, nadie más. No hay prácticamente un mercado ni un medio de comunicación que se ocupe adecuadamente de la música, y tampoco hay consumidores ni proveedores”.

El resultado final de la “fiebre Cho Seong-jin” está en nuestras manos. Sea cual sea el rumbo que tome la industria, el éxito del pianista de 22 años de edad en el concurso Chopin es significativo, ya que ha logrado que la gente vea de forma más seria y profunda la industria de la música clásica de Corea.

En una entrevista el reportero pidió a Cho que dijera algo a sus seguidores. Cho respondió: “No me gusta que me definan como ídolo de la música clásica. Solo quiero seguir siendo un músico clásico por mucho tiempo. Algunas personas incluso me denominan “especialista en Chopin” pero, aún hoy, Chopin es para mí uno de los compositores más difíciles. Beethoven o Brahms compusieron una música más ligera en sus últimos años, y pienso que es porque se fueron desprendiendo de las cosas poco a poco. En mi opinión, la vida es Tras el lanzamiento de la grabación en vivo de la actuación así. Por el mismo motivo, creo que de Cho Seong-jin el Concurso estoy en esa etapa de la vida en la que Internacional de Piano Fedetengo que obtener mucho y así tendré rico Chopin 2015, presentada por Deutsche Grammophon, muchas cosas que dejar de lado cuanel álbum subió a la cima de do sea mayor”. (Traducido por Atahualpa las listas de música clásica y desde entonces sigue allí.

Amerise)

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ENtREVIstA

INsOONI

“quIERO tRANsMItIR EspERANzA A lA GENtE” Cho sung-sik Reportero del diario Dong-a Ilbo Ahn Hong-beom Fotógrafo

Insooni es una de las vocalistas coreanas más brillantes y ha demostrado su talento en diversos estilos, desde el trot hasta el soul y la música de baile. saltó a la fama en los años 80 como una diva de la música dance y, con su increíble habilidad para el canto, sumada a su larga experiencia vital que aporta profundidad y pasión a sus canciones, se ha convertido en una figura reconocida y adorada en todo el país.

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engo que empezar hablando de la figura de una madre.

Todos los fines de semana la gente se conmueve a causa de las madres al ver telenovelas como “Por favor, mamá” (KBS2) y “Mamá” (MBC), que protagonizan madres que se dedican por completo a sus familias. Cuando los espectadores ven esas series se ven obligados a contener las lágrimas, ya que piensan en sus propias madres. La popularidad de la figura materna en estas telenovelas está muy relacionada con la banda sonora. La canción que comienza con la frase “Recorriendo un largo y sinuoso camino / más allá del corazón de la vida”, es tan dolorosa como la luz del sol que se proyecta seca entre los árboles de invierno que otrora se veían hermosos. Es una canción con un tono dulce, aunque claro y elegante, que crea una melodía lírica y apasionada. Reconozco que me enamoré de esa canción el día en que la escuché por primera vez. Las emociones se ensancharon como el viento que llena las velas de un antiguo barco y me transportaron a otro tiempo y lugar.

En ese momento fui consciente una vez más de la inmensa fuerza de la cantante Insooni.

Al llegar a nuestro punto de encuentro observo que Insooni está llena de vitalidad. Es casi imposible creer que se encuentra a punto de cumplir sesenta años. Viste un suéter de cuello alto, pantalones de algodón y zapatillas deportivas. Su cabello plateado crea una interesante combinación con la pared gris de la cafetería. Para ella, ¿qué tipo de persona era su madre?

“Ella era muy fuerte, nunca se rendía ante la adversidad. Era el tipo de persona capaz de asumir de frente todos los desafíos que le planteara la vida. Si en algún momento le ponían la zancadilla y caía, inmediatamente se levantaba y seguía adelante”.

Su madre falleció hace diez años. Insooni recuerda: “Pienso que, a mi manera, yo era una buena hija, pero ahora que ella ya no está aquí, sigo pensando en las cosas que me gustaría haber hecho por ella y no hice”.

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El reto de enfrentarse a la discriminación Insooni ocupa un lugar interesante en la historia de la música popular coreana. Esto se debe a que fue la primera cantante que logró superar el tratamiento de frialdad y discriminación hacia los coreanos de raza mixta, hasta llegar a lo más alto en la industria de la música gracias a su excepcional talento. Tras llevar a cabo su debut en 1978 en el grupo femenino de las Hermanas Hee, con el éxito de rock and roll “De noche, cada noche” en 1983, Insooni se unió a la lista de estrellas más populares del momento. Sin embargo no presentó un nuevo “hit” en los diez años siguientes, tiempo durante el cual se subía frecuentemente al escenario en discotecas. No fue hasta 1996 cuando volvió a la escena con la canción “De nuevo”. Más tarde protagonizó una serie de éxitos como “Amigo”, un dúo con el rapero JoPD de 2004, y las baladas “El sueño de un cisne” en 2007 y “Padre” en 2009. A día de hoy, Insooni disfruta de una segunda etapa dorada en su carrera, que acumula un total de diecinueve álbumes, incluyendo catorce discos completos.

Insooni nació en 1957. Su padre era un soldado estadounidense y su madre una joven coreana. Cuando aún era niña, su padre partió de vuelta a Estados Unidos para no regresar nunca a Corea.

Por eso, para ella tiene un significado especial la canción “Padre”, una de las más conocidas de su repertorio, en la que canta: “Nos amábamos, a veces nos odiábamos / te echo de menos, cuidaste de mí como ningún otro”. La canción se hizo aún más famosa cuando Insooni la interpretó en 2011 en el reality show “Soy cantante” de la cadena MBC, donde el público seleccionaba con sus votos las mejores actuaciones de las estrellas del pop. A continuación, en 2014, en el programa “El cantante escondido 3” (JTBC), donde las estrellas del pop y sus imitadores cantaban juntos en un concurso a ciegas, el episodio en el que aparecía Insooni se convirtió en un “festival de lágrimas”, con todos los intérpretes superados por la emoción al cantar sus temas, creando otro revuelo mediático.

La canción “Padre” también recibió una sonora ovación durante un concierto en honor a 107 veteranos de la Guerra de Corea, celebrado en el Carnegie Hall de Nueva York en 2010. Ese día Insooni se dirigió a la audiencia y dijo: “Si por casualidad alguien aquí siente un peso en su corazón, porque cree que cuando partió de Corea dejó atrás un niño como yo, puede liberarse de esa carga. Todos y cada uno de nosotros hacemos lo posible para vivir la vida y cada uno de ustedes es como un padre para mí”. Entre los presentes pocos pudieron reprimir las lágrimas.

“Padre” combina letras poéticas y una desgarradora melodía, pero para mí lo más destacado es la última frase: “Sí, yo te quise una vez”. Como si se resistiera a poner fin al tema, Insooni entona “yo te quise” incidiendo en cada nota y luego, antes de añadir “una vez”, deja escapar un breve suspiro, casi un sollozo. Le digo a la cantante que eso solo podía ser obra de un verdadero profesional; pues sorprende cómo la última línea logra sacarme el aliento.

“No puedo cantar la última parte exactamente igual en todas las ocasiones, de la misma forma que sentimos distinto en función si llueve o si es un día soleado. Sale de manera diferente dependiendo de si canto de noche o durante el día, o si hay más hombres o más mujeres en el público. Si bajo la guardia un solo segundo, termino llorando; pero si mantengo demasiado el control no suena tan bien.

Por eso a veces no me apetece cantarla, pues no puedo autorregularme”.

El sueño de un cisne De entre sus temas, el que ha logrado mayor repercusión es su versión de “El sueño de un cisne”. La canción original bajo el mismo título fue lanzada en 1997 por Kim Dong-ryul y Lee Juck, en un proyecto de colaboración. La potente interpretación de Insooni aportó una segunda oleada de popularidad a esa melodía, diez años después de haber sido compuesta.

La cantante Insooni afirma Con la frase inicial “Yo una vez tuve un que eso de “ser la mejor” no sueño”, la canción es conocida por su existe, pues todavía continúa dificultad técnica. estudiando canto.

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“Sobre el año 2000 me hice la siguiente pregunta: ¿Qué recuerdo me gustaría dejar en la gente como cantante? En ese momento pensé que me entusiasmaría ser una cantante capaz de transmitir esperanza a la gente y, curiosamente, todos y cada uno de los temas que interpreté desde entonces eran canciones de esperanza, o bien relacionadas con la familia”.

“Lloraba mucho cada vez que la ensayaba, por los recuerdos de los tiempos difíciles. Hasta entonces nunca había tenido una segunda reflexión sobre mis propios sueños. Creo que solo me concentraba en trabajar duro y ganar mucho dinero. Preguntarte a ti mismo “¿qué clase de vida voy a llevar?”, creo que eso es lo que significa para mí tener un sueño. Yo quería convertir ese tipo de sueño en un tema de conversación para los jóvenes, y creo que lo logré. Gracias a esa canción, pude protagonizar una gran cantidad de apariciones en televisión y también vivir bien” (Sonríe).

Muchos críticos opinan que la vida de Insooni, una mujer que a pesar de las dificultades logró llegar a lo más alto hasta en dos ocasiones, se refleja en esta canción con el mensaje de mantener la confianza y no renunciar a los sueños.

“Sobre el año 2000 me hice la siguiente pregunta: ¿Qué recuerdo me gustaría dejar en la gente como cantante? En ese momento pensé que me entusiasmaría ser una cantante capaz de transmitir esperanza a la gente y, curiosamente, todos y cada uno de los temas que interpreté desde entonces eran canciones de esperanza, o bien relacionadas con la familia”. No es que hubiera dicho nada a los compositores ni a los letristas, pero supongo que ellos pudieron sentir el modo en que yo estaba cambiando con el paso del tiempo”.

Otra canción a la que tiene un especial cariño es “A mi hija”. En 34 Koreana Primavera 2016

1994 Insooni se casó con el catedrático Park Kyung-bae y dedicó esa canción a su única hija, Jasmine. El video musical es como una larga panorámica de la vida de Jamsine, desde el momento en que nace, y relata su proceso de crecimiento hasta convertirse en una mujer joven. Insooni siente tanto amor por su hija que en 2013 llegó a publicar un libro bajo el mismo título.

“Ya sabe, a medida que pasan los años el vínculo entre madre e hija se convierte en una relación de amigas. Entonces, en algún momento la madre se vuelve más y más como una hija. En mi caso, después de haber tenido a mi hija, finalmente empecé a entender mejor a mi propia madre. Cada vez que sentía una cierta emoción hacia mi hija pensaba: “Ah, mi madre también debió haber tenido ese sentimiento hacia mí”.

una escuela alternativa para jóvenes multiculturales Ella le dijo a su hija “haz lo que más te guste” y también le enseñó que “si no contribuyes, no puedes esperar beneficios”. Estas palabras incidían en la necesidad de que un ser asuma la responsabilidad de su propia vida y no dependa de sus padres.

“Desde muy temprana edad adquirió el hábito de ser frugal, por lo que mi hija no suele comprarse cosas caras. Yo soy igual. Salir al escenario es mi trabajo, así que creo que tengo que hacerlo lo

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1 Insooni da todo en el escenario durante el "Concierto del compartir", un evento benéfico organizado para recaudar fondos para la Escuela Haemil, un centro alternativo para jóvenes de familias multiculturales que la cantante preside.

2 Cartel de la Escuela Haemil pintado por los propios estudiantes

mejor posible e invertir en eso, pero realmente no gasto mucho dinero en cosas para mí misma. Si es para otras personas, sin embargo, sí me hace feliz gastar. Me produce una gran alegría ver a alguien sentirse bien por el modo en que yo he usado mi dinero”.

Tras prestar servicios como voluntaria en orfanatos y asilos de ancianos en los últimos años, a día de hoy su principal dedicación y enfoque es dirigir la Escuela Haemil, un centro de enseñanza alternativo para jóvenes de familias multiculturales. La palabra coreana ‘haemil’ describe el cielo despejado que sigue a la lluvia. Establecida en 2013 en Hongcheon, provincia de Gangwon, la escuela tiene quince estudiantes en su programa de secundaria y el pasado diciembre se graduaron los primeros alumnos.

La escuela está dirigida por la organización sin ánimo de lucro “Insooni y Buena Gente”, de la cual Insooni es la presidenta. Los costes operativos los aportan unos doscientos donantes. Hasta ahora los alumnos tenían que pagar su comida, pero a partir de este año la escuela ha establecido la política de proporcionar una educación completamente gratuita, por lo que precisa más donaciones. Este verano también comenzará a construir un edificio propio, en un edificio de un antiguo colegio cerrado, recientemente adquirido por la organización.

Los alumnos de la Escuela Haemil tienen padres coreanos,

mientras que sus madres generalmente son de otros países del sudeste asiático. Los niños dicen que tienen dificultades para comunicarse con sus madres, y en parte se debe a que los padres se niegan a que aprendan los idiomas nativos de ellas. Insooni lamenta que, en tales circunstancias, “hay poco que una madre pueda hacer por su hijo”. Pido a la cantante que me cuente una de las historias personales representativas de este problema, pero ella rechaza con un movimiento de cabeza.

“Estamos formando a estos niños para ayudarles a crecer en un entorno feliz, no creo que sea bueno ir por ahí hablando de sus problemas”.

Su vida debe haber tenido muchos vaivenes. Le pregunto cuando se sintió más desanimada. ¿Hubo algún momento en el que pensó que había tocado fondo? Su respuesta me resulta sorprendente.

“Nunca he sentido eso. Si hubiera pasado cada dificultad como un gran obstáculo nunca habría sido capaz de salir adelante. En la vida a veces nos toca soportar la lluvia y la nieve, y nos encontramos con piedras en nuestro camino de vez en cuando. No creo que haya nadie que viaje por un camino completamente llano”.

su descripción me atraviesa como una puñalada “Todavía no tengo un solo amigo con el que pueda hablar con total franqueza. La gente no tiene realmente un gran interés en mí como persona, y yo tampoco estoy muy interesada en los demás.

Estos días pienso que puede ser agradable sentarse con alguien y compartir una comida, pero eso es todo. Tampoco mantengo una relación particularmente estrecha con los productores de televisión. Siempre he tenido la idea de que no debería ir por ahí persiguiendo a la gente, sino que debería hacer que las personas quisieran venir a mí. Afortunadamente hay personas que reconocen mi talento, y así es como he llegado donde estoy ahora”.

Me pregunto si hay algo particular que ella quiera hacer este año y me dice dos cosas. La primera es subir a la cumbre del monte Baekdu, y la segunda es limpiar las aproximadamente 2.300 lápidas que hay en el cementerio Memorial de las Naciones Unidas en Busan. Este cementerio es el lugar donde descansan los restos de los soldados extranjeros que lucharon del lado del Sur en la Guerra de Corea (1950-53).

“Cuando sucedió la Guerra de Corea casi todos esos soldados eran adolescentes, chicos menores de veinte años. Mi padre probablemente tenía esa misma edad cuando estuvo aquí. ¿Cómo podría haber actuado de otra forma? A esa edad, casi todos los chicos giran en torno a escuchar la música que les gusta y en perseguir a las chicas. Pensando así, para mí no es difícil en absoluto entender a mi padre. Me siento agradecida a todos los soldados extranjeros que dieron su vida por nuestro país. Es por eso que cuando me enteré de lo de las lápidas pensé, “esto es algo que tengo que hacer”, y me puse manos a la obra de inmediato”.

Tras escuchar su respuesta, siento como si hubiera recibido una picadura en la punta de la nariz. (Traducido por Atahualpa Amerise) Cultura y arte De Corea 35

CRítICA DE ARtE

SEIS FOTÓGRAFOS INTERPRETAN

Mok soo-hyun Historiador de arte Ahn Hong-beom Fotógrafo

©Leeum, Mudeo de Arte Samsung

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LA ARQUITECTURA TRADICIONAL leeum, el Museo de Arte de samsung, organizó una exposición titulada “la sabiduría de la tierra: un Homenaje a la Arquitectura de Corea” del 19 de noviembre de 2015 al 27 de marzo de 2016. se trata de una exposición que sitúa a la arquitectura como punto de encuentro entre las personas y la naturaleza, y dota sentido a la arquitectura tradicional coreana como receptáculo de la cultura humana.

1 “Changdeokgung” por Bae Bien-U. La foto muestra las vistas del jardín trasero de Changdeok Palace desde Yeonghwa Dong.

2 Maqueta a escala 1:200 de “Gyeongbokgung y la calle de los Seis Ministerios”. Los visitantes pueden comparar el palacio real oficial de la dinastía Joseon y la calle en la parte delantera, con la perspectiva actual (Colección de Patrimonio Cultural de la Universidad Nacional de Corea).

36 Koreana Primavera 2016

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Cultura y arte De Corea 37

naugurado en 2004, el Museo de Arte Leeum es una combinación de edificios creados por los mejores arquitectos del mundo -como son Mario Botta, Jean Nouvel, y Rem Koolhaas- y podría decirse que es una obra de arte en sí mismo. La galería de exposiciones especiales, una estructura modernista de techo alto, acogió recientemente a Rem Koolhaas, con una exposición sobre la arquitectura tradicional coreana. La muestra surgió de un proyecto para publicar una serie de libros de fotos de arquitectura coreana, con el objetivo de conmemorar el 50 aniversario de la Fundación Cultural Samsung. Un comité ejecutivo integrado por historiadores de arquitectura, seleccionó diez espacios arquitectónicos representativos de Corea, que luego fueron capturados por seis fotógrafos para crear diez volúmenes distintos. Pero parecía una lástima que esas imágenes, tan devotamente elaboradas, tan sólo pudieran verse en papel, por lo que también planearon realizar una exposición. Por decirlo con las palabras de Lee Joon, subdirector de Leeum y comisario de la muestra: “Esta exposición de arquitectura fue planeada... para expandir un proyecto trascendente de la publicación al reino del discurso constructivo de las exposiciones”.

I

las palabras clave de la arquitectura coreana: Cielo, tierra y Humanidad La exposición se compone de tres partes esenciales. En base a cómo utilizan el espacio, las obras arquitectónicas tradicionales fueron divididas en lugares para actividades religiosas, espacios para mantener las reglas y el orden, y zonas de vida cotidiana; que respectivamente simbolizan el cielo, la tierra y la humanidad. La arquitectura se usó como medio para explorar las diversas formas en que las personas se comunican con el cielo, crean orden en la tierra y viven en armonía los unos con los otros.

La sección del cielo se titula “Tierra de silencio y majestad”. Los lugares en ella explorados incluyen templos budistas como Haeinsa, Bulguksa, Tongdosa y Seonamsa, así como Jongmyo, santuario real de la Dinastía Joseon y expresión del espíritu confuciano de la época. La sección de la tierra se titula “Gestión del espacio y construcción del orden” y abarca el Palacio de Changdeok, uno de los principales palacios de la dinastía Joseon, y la fortaleza de Hwaseong en Suwon, la ciudad nueva creada por el rey Jeongjo en el SXVIII, ambos designados como Patrimonio de la Humanidad. La sección de la humanidad se titula “Zonas de vida y actividad social”. En este apartado se incluye la Villa de Yangdong, una 38 Koreana Primavera 2016

aldea de la clase alta cercana a Gyeongju que se ha mantenido intacta desde el SXV; Dosan Seowon, una institución educativa dedicada a propagar el neo confucianismo -la ideología dominante en Joseon- y Soswaewon, un complejo jardín en Damyang, en la provincia de Jeolla del Sur, que es considerado el súmmum de la jardinería tradicional coreana. A medida que estos espacios conducen a la galería, los visitantes 1 también son dirigidos a ella.

No es fácil planificar una 1 “Yucheon Dong”, reinterpretación exposición destinada a mosmoderna de la composición espacial trar el espacio arquitectónide la antigua casa del clan Muco. Los amplios espacios de la cheomdang en Yangdong, donde se observan unas estructuras de acero arquitectura deben ser conañadidas a la estructura de madetraídos en una galería cubierta, ra tradicional. Desde el pequeño la profundidad espacial debe porche (que mide 1,8m x 1,8m), las perspectivas del paisaje de Yangdong recrearse con fotos de dos pueden verse en una pantalla, mosdimensiones y, lo más importrando cómo las casas tradicionales tante, la vida de la gente que coreanas construían los edificios en armonía con el paisaje. construyó las estructuras y 2 “Serenidad solemne”, proyección de vivió en ellas debe ser mostravídeo con tres canales realizada por el documentalista Park Jongwoo. Al da. Estos elementos se exhisentarse en la sala de proyección a ben primero mediante fotos a oscuras y con cortinas negras, los gran escala de los diez sitios visitantes experimentan virtualmente cómo era Jongmyo, su arquitectura elegidos dispuestas en las y ritos, así como la música ritual y el paredes, para atraer a los visisonido de la lluvia. tantes a los edificios, ya que explican los espacios mucho mejor que las palabras. Para ofrecer a los visitantes una más enriquecida experiencia visual, y ayudarles a comprender mejor todos los aspectos, la exposición también incluye diversas aportaciones complementarias, como imágenes escaneadas y vídeos en 3D que muestran cómo se construyeron los edificios, así como planos, modelos, pinturas y otras reliquias relacionadas con la arquitectura tradicional. También se exhibe una instalación textil que reproduce la sección de un hanok, o casa tradicional coreana, titulado “Muro Norte”. Creado por Suh Do-ho, es una interpretación moderna de los recuerdos y experiencias de vivir en este tipo de casa.

El encuentro de la Arquitectura con la fotografía Los seis fotógrafos que participaron en este proyecto son Joo Myung-duck, Bae Bien-u, Koo Bohnchang, Kim Jae-Kyeong, Seo Hyun-kang y Kim Dokyun. Su experiencia y áreas de especialización son variadas y abarcan desde el trabajo documental hasta los

paisajes del patrimonio cultural. Por su edad también cubren un amplio espectro desde 40 hasta 70 años. Y aunque su forma de ver y sus perspectivas individuales puedan ser distintas, la exposición muestra conjuntamente su trabajo con un relato unificado.

Estos fotógrafos intentaron capturar la entidad arquitectónica en su conjunto, así como el paisaje al que los edificios se orientan. Janggyeong-Panjeon, depositario de las planchas de madera de la Tripitaka Koreana, que contiene los cánones budistas tallados en 80.000 bloques de madera, se presenta a través de los ojos de Joo Myung-duck. Las fotos están tan finamente detalladas que hasta pueden verse todos y cada uno de los copos de nieve, mientras caen sobre los techos de los pasillos del templo Haeinsa. Las diapositivas cambian lentamente y, girando la cabeza hacia uno y otro lado, los visitantes son guiados a través de un lento paseo por el templo. Las imágenes no sólo incluyen edificios estáticos, sino la vida de los monjes a medida que avanzan en su formación ascética, mostrando el templo como un centro religioso lleno de vida.

De forma natural, las pisadas de los visitantes se detienen frente a las fotos de Jongmyo de Bae Bien-u, unos solemnes y largos marcos con imágenes del santuario principal cubierto de nieve junto a las piedras del patio delantero. La experiencia espacial de este real y ancestral santuario se ve reforzada por un vídeo en 3D titulado “Serenidad solemne”, del documentalista Park Jongwoo.

La pequeña sala de proyecciones está separada por una cortina repleta de imágenes de Jongmyo en 3D y la pieza, de cinco minutos, parece un pedazo de eternidad. Estas reservadas escenas en blanco y negro condensan la monumentalidad y la ritualidad del espacio en el santuario, generando múltiples experiencias y estímulos sensoriales gracias a la arquitectura, las personas que llevan a cabo los ritos, las melodías de la música ritual y el sonido de la lluvia.

Las fotos de Bulguksa de Suh Heung-kang transmiten la dignidad de dicho templo budista, construido por el estado en el SVIII, a partir de la imagen de un lugar turístico animado, como es actual-

De forma natural, las pisadas de los visitantes se detienen frente a las fotos de Jongmyo de Bae Bien-u, unos solemnes y largos marcos con imágenes del santuario principal cubierto de nieve junto a las piedras del patio delantero. Estas reservadas escenas en blanco y negro condensan la monumentalidad y la ritualidad del espacio en el santuario, generando múltiples experiencias y estímulos sensoriales gracias a la arquitectura, las personas que llevan a cabo los ritos, las melodías de la música ritual y el sonido de la lluvia ©Leeum, Mudeo de Arte Samsung

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Cultura y arte De Corea 39

mente. Capturan escenas de Dabotap, o Pagoda de los muchos tesoros, de Cheongung (puente de nube azul) y de Baegungyeo (puente de nube blanca), que en realidad son escaleras en vez de puentes, del patio de Geungnakjeon (sala del paraíso), y también detalles como una base de piedra artificial o la colorida pintura dancheong comúnmente usada en los edificios. Por su parte, Koo Bohnchang presenta un enfoque bastante distinto al fotografiar Tongdosa. Al estar distribuida su arquitectura entre cauces de ríos, el templo es difícil de capturar en un solo enfoque, y por eso optó por fotografiarlo mirando hacia abajo, desde el bosque de pinos situado tras el Altar de los Preceptos con forma de rombo, que es el corazón del complejo del templo. En tanto Soswaewon, un jardín construido en torno a un arroyo, es un lugar que encarna el pensamiento coreano sobre la naturaleza y la arquitectura. Centrado en la perspectiva natural que puede contemplarse mientras se está sentado dentro de los pabellones del jardín, Koo nos invita a ver no sólo la arquitectura, sino la arquitectura instalada en la naturaleza.

Es también el caso de las fotos del Palacio Changdeok, que se dispuso libremente en función del terreno, en vez de seguir un patrón estricto. Todas estas fotos muestran cómo la arquitectura coreana interpreta el espacio y se comunica con la naturaleza. Y si bien la arquitectura tradicional de China, que también está compuesta principalmente de madera, se caracteriza por expresar un deseo de grandeza y monumentalidad, por el contrario en los espacios de la arquitectura tradicional coreana la importancia no reside en el tamaño o en la estructura, sino en la forma en que los espacios se relacionan entre sí. Este punto de vista refleja la concepción de la arquitectura tradicional coreana, pero también de la naturaleza.

fusionar arte antiguo con tecnología digital La disposición de pinturas tradicionales y mapas antiguos junto con la arquitectura relacionada con obras de artesanía en puntos cruciales en la exposición, permite ampliar el espacio arquitectónico y sentirlo más cerca a la vez. “Cheado Seokcheon (Ilustraciones de mis espacios de trabajo)” es un registro pictórico producido por un erudito funcionario de Joseon del SXIX, que pintó todas las oficinas en las que había servido a lo largo de su carrera durante 42 años.

Prestado por la Biblioteca Yenching de la Universidad de Harvard, se muestra al público de Corea por primera vez.

‘Vista de la Oficina Provincial de Gyeonggi’, un biombo de 12 paneles que muestra la oficina del gobierno desde el exte40 Koreana Primavera 2016

rior de la puerta oeste de la capital y sus alrededores, es una buena representación de los edificios coreanos del SXIX y refleja los movimientos de la gente en la vida cotidiana de la época. Usar la “lupa digital” permite ver la arquitectura y el pueblo en detalle, ya que ambos pueden ampliarse y ser observados mediante un monitor.

La tecnología digital se utiliza para crear imágenes simuladas de una pagoda de bronce dorado restaurado. La pagoda forma parte de la colección de Leeum y es una pequeña estructura vertical de 110cm de alto. A pesar de que se compone actualmente de sólo cinco niveles, sugieren que originalmente tenía nueve pisos, y por tanto se optó por recrear la apariencia de la pagoda completa digitalmente. Los diversos elementos estructurales -como remates, techos y barandas- son claramente visibles, al igual que otros detalles más sutiles, como las campanas de viento bajo los aleros y las figuras budistas grabadas en el cuerpo.

En general la exposición usa más vídeos que textos escritos. El vídeo 3D que muestra la Gruta de Seokguram desde el SVIII, presentado en una muestra especial titulada “Silla: Reino de oro de Corea”, que acogió el Museo Metropolitano de Nueva York en 2013, arroja luz sobre las circunstancias y las condiciones que permitieron crear una estructura con tan perfecto acabado. Asimismo, otros vídeos muestran la cons1 “Pared del Norte” por Suh Do-Ho, es trucción de Paldalmun, una una elaborada instalación textil que de las puertas de la fortaleza recrea el tejado y las tejas de una casa tradicional coreana restaurada de Hwaseong en Suwon; y el con ladrillos, puertas y ventanas pabellón Gwangpunggak, en modernas.

Soswaewon, desde el desbro2 “Tejados de Sudarajang y Beopjeong” de Joo Myung Duck. Bajo los techos zado inicial del terreno hasta la de estos dos edificios del templo colocación del rótulo final con Haein, se conservan los bloques de el nombre. Al mantener una madera usados para imprimir la Tripitaka Coreana, inscritos en el estructura de madera constanRegistro Memoria del Mundo de la te, que se completa con unos UNESCO y conservados durante más pilares colocados sobre bases de 600 años. de piedra –pilares que a su vez soportan unas vigas en la parte superior- los visitantes pueden fácilmente conocer las estructuras con madera que se usaban en la arquitectura tradicional de Corea.

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pasado y presente de la arquitectura de Corea A pesar de las limitaciones de espacio, la exposición Leeum también cuenta con algunas réplicas a tamaño natural de elementos arquitectónicos. En la entrada hay una réplica a tamaño natural

2 ©Leeum, Mudeo de Arte Samsung

del éntasis de una columna de Muryangsujeon, la sala principal del templo Buseok. A la vez que transmite el calor de la madera como material de construcción, muestra tanto la fuerza de la columna, como la suavidad que aportan las líneas curvas. Al final de la exposición hay una instalación titulada “Yucheon Dong”, una interpretación moderna de Mucheomdang (Casa sin desgracias para los ancestros), una de las emblemáticas casas antiguas de Yangdong Village.

Es obra de Kim Bong-ryol, historiador de la arquitectura y presidente de la Universidad Nacional de Artes de Corea, quien cambió el primer carácter del nombre “mu”, que significa “no existe”, por “yu”, que significa “existe”, en una ingeniosa referencia a la “adición” que aporta la recreación moderna de una estructura tradicional. Esta instalación adquiere relevancia por el hecho de que los visitantes pueden quitarse los zapatos y sentarse en el interior para experimentar la sensación de habitar este espacio. Las tablas de madera del suelo de la terraza aportan la apariencia de una casa tradicional, mientras que las imágenes del entorno del pueblo de Yangdong se pueden contemplar a simple vista mientras se está sentado.

Desde su apertura, Leeum ha organizado varias exposiciones especiales cada año, como “Los pintores de la corte de la dinastía Joseon” o “Exquisito y precioso: El esplendor del arte coreano”, con objetos y pinturas de su propia colección. También ha alberga-

do exposiciones basadas en obras de artistas modernos famosos, como Andy Warhol y Anish Kapoor. No obstante, “La sabiduría de la Tierra: Un Homenaje a la arquitectura coreana”, es sin embargo la primera propuesta del museo sobre arquitectura.

El subdirector Lee Joon afirma que es “la primera exposición que analiza exhaustivamente la fusión entre pasado y presente, entre arte y arquitectura, entre tecnología y humanidades”. Más del setenta por ciento de la vida actual en Corea se desarrolla en el espacio urbano. Pero la experiencia tradicional del espacio habita en los coreanos que han crecido en esta tierra, tanto si son conscientes de ello como si no. Los coreanos aún perciben la importancia de los lugares rodeados de acogedoras montañas, la importancia de comprobar si una casa está orientada hacia el sur, o de buscar ventanas que permitan la entrada de aire del exterior y permitan ver las estrellas por la noche. Consideran que es natural quitarse los zapatos antes de entrar a una casa y conservan un nostálgico anhelo por los suelos cálidos, y también por las ventanas y puertas de papel que dejan entrar la luz y los sonidos del exterior.

Si los visitantes de la exposición han logrado sentir o percibir las características esenciales de la arquitectura coreana, como era la intención de los comisarios, entonces la exposición habrá sido un éxito. (Traducido por Javier Castañeda) Cultura y arte De Corea 41

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HIstORIAs DE lAs DOs COREAs

ARtIstAs DEsERtOREs suEñAN CON uNA COREA uNIDA

Kim Hak-soon Periodista; Profesor visitante de la Escuela de Medios y Comunicación, Universidad de Corea

Más de 28.000 desertores norcoreanos se han establecido en el sur después de escapar de su país de origen, bien en busca de libertad o bien huyendo del hambre. Entre ellos hay no pocos artistas. Al vivir como marginados mientras el conflicto entre las dos Coreas no muestra signos de remitir, mediante sus obras expresan los recuerdos de sus ciudades en el Norte y también el anhelo de reunificación.

42 Koreana Primavera 2016

primera vista, muchas de las obras de artistas desertores norcoreanos, obviamente contienen mensajes de propaganda, pese a que sus implicaciones ya no son las mismas que tendrían en el Norte. De hecho, Sun Mu, un pintor en sus cuarenta y tantos años, ya ha experimentado las consecuencias de su arte por ofrecer una impresión engañosa. En una ocasión fue llevado a comisaría para ser interrogado. En 2007 realizó su primera exposición en Corea del Sur en una galería en Jongno-gu, en el centro de Seúl. Un día, un oficial de policía irrumpió en la galería y dijo: “¿Podría venir conmigo para responder a unas preguntas?”. Más adelante se supo que los residentes locales y los visitantes de la galería, habían informado a la policía de una exposición con pinturas que “ensalzaban a Corea del Norte”, un delito considerado por ley como atentar contra la seguridad nacional del país. Durante la Bienal de Busan en 2008, sus obras fueron retiradas pues contenían la cara de Kim Il-sung.

Song Byeok, otro artista desertor del Norte, tuvo una experiencia similar. Tenía obras que representaban a Kim Jong-il y a Kim Jong-un en su estudio, en un centro comercial de Gangnam, al sur de Seúl. Algunos hombres de edad avanzada que las habían visto informaron a las autoridades, lo que provocó la visita de un agente del Servicio de Inteligencia Nacional.

A

Ni límites, ni fronteras Sun Mu salió de Corea del Norte en 1998 y llegó a Corea del Sur en 2002, después de vagar por China, Laos y Tailandia. Es conocido como el primer artista del Norte que desertó al Sur; aunque a diferencia de otros, él no huyó del Norte porque no le gustara el régimen.

De joven fue boy scout. Estudió arte durante tres años y posteriormente sirvió en el Ejército norteño, como artista al servicio de la propaganda. Pero huyó del Norte por casualidad. Mientras vivía en China, realizaba varios trabajos provisionales para ganarse la vida, cuando se aproximó el día de las elecciones en el Norte. En ese país, todos los ciudadanos están obligados a participar cuando hay elecciones y, si alguno no vota, será condenado como delincuente político y enviado a un campo de concentración. Pero comprobó que le resultaba casi imposible volver a su casa, en la provincia de Hwanghae, una región muy lejos de la frontera entre Corea del Norte y China, para llegar a tiempo para las elecciones y poder votar. Entonces decidió dejar el Norte para siempre. Hasta cierto punto, la idea pudo haberse ido gestando en su mente; pues quedó impresionado por el acomodado estilo de vida del Sur, que llegó a conocer

desde China.

Después de llegar a Seúl se matriculó en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Hongik, donde llegó a completar los estudios de posgrado, y se convirtió en artista profesional. Comenzó a utilizar el seudónimo Sun Mu (“Sin límites”) para expresar su esperanza de que la frontera entre las dos Coreas algún día desaparecería. Todavía oculta su verdadero nombre y nunca muestra su rostro en público, por temor a que su vida en el Sur pueda causar daño a sus familiares y parientes del Norte.

Las obras de Sun Mu se caracterizan por una incisiva crítica de los dirigentes de Corea del Norte y del sistema socialista. Brillante y engañosamente alegre, incorpora el arte de la propaganda de Corea del Norte en estilo el pop-art, hasta generar obras -implícita y devastadoramente- subversivas, como se ejemplifica en ‘Kim Jong-il en Adidas’ y ‘Un Jesús en Corea’.

2 Sus paradójicas represen1 “Quítate la ropa” por Sun Mu, 2015, óleo sobre taciones de la realidad norcolienzo, 130 cm x 190 cm reana han llamado la atención 2 “Autorretrato” por Sun Mu, 2009, Óleo sobre lienzo, entre las comunidades del arte 100 cm x 40 cm. Una nota garabateada en la pintura dice: “Ahora estoy a unos 10 años de distancia de ti. internacional. Ha realizado dos Me pregunto cuándo se abrirá la puerta”. exposiciones individuales en Nueva York, dos conciertos en Berlín y espectáculos en Jerusalén, Oslo y Melbourne; y además este año planea participar en una exposición colectiva en Francia. Los medios de comunicación occidentales le han presentado como el “artista sin rostro”, al resaltar que sus obras satirizan a unos líderes que llegó a adorar como a dioses.

“soy sun Mu” Muchas de las obras recientes de Sun Mu muestran las características de la vida en cada una de las dos Coreas. Las personas, situaciones y anécdotas de ambas son representadas unas junto a otras, en paralelo. Esto refleja su deseo constante por la paz, la reconciliación y la convivencia. Su obra trata de repasar, de un vistazo, las circunstancias peculiares de la división nacional y de la realidad del Norte, mediante un prisma o perspectiva artística distanciada de la proCultura y arte De Corea 43

confiscado junto con sus obras de arte, que todavía siguen en Beijing. Su intención era mostrar el deseo del pueblo coreano por la reunificación nacional, mediante reproducciones, principalmente en rojo, blanco y azul, colores de las banderas nacionales de los seis países que integran la estancada ronda sixpartita para el desarme nuclear de Corea del Norte.

“De todos modos, yo no pensaba asistir a la apertura por razones de seguridad. Cuando mi exposición fue cancelada tenía mucho miedo de ser eliminado, dejando a mi esposa y a mis dos hijas solas”, afirma.

Al vivir como un marginado, sus ojos siempre miran hacia afuera, hacia un mundo abierto. “Cuando visité Nueva York para realizar mi exposición, comprendí que en todo el mundo hay muchos países diferentes -de Oriente Medio, África, América Latina y Europa- además de las dos Coreas. Quiero crear obras sobre la vida de las personas en esas tierras”, explica.

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paganda política, pues “no quiere ser nuevamente víctima de la ideología”, según afirma.

Para entender la obra de Sun Mu, hay que ir más allá de una interpretación simplista. Aunque ya han pasado 14 años desde que llegó al Sur, afirma que todavía tiene dificultades para adaptarse a su nuevo hogar. Muchas veces, sueña que aún vive en el Norte, y despierta para encontrarse perdido entre sus circunstancias de la vida real en el Sur. El documental ‘Soy Sun Mu’, elegido para inaugurar la 7ª Edición del Festival Internacional de Documentales de Cine de la DMZ, celebrado en septiembre de 2015, ofrece una visión de la clase de hombre y de artista que es. Este documental de 87 minutos, producido por el cineasta estadounidense Adam Sjoberg, explica su vida y su obra, así como de lo que pretende provocar con su arte.

La película muestra por qué no pudo celebrar una exposición individual en Beijing prevista para 2014. El día de apertura, en una galería de los suburbios de Beijing, la policía china impidió a las personas que entraran a la galería. El anuncio de la puerta fue retirado y

¡quítate la ropa!

Song Byeok es otro artista pop cuyas obras satirizan el régimen norcoreano.

Al igual que Sun Mu, Song es oriundo de la provincia de Hwanghae y también utiliza un alias. Pero a diferencia de Sun Mu, Song se involucra en actividades públicas y su rostro es relativamente conocido.

Una de sus principales obras es una parodia de Kim Jong-il, donde superpone su cara sobre la de Marilyn Monroe, en la famosa imagen en que ella está de pie sobre un respiradero del metro, mientras sujeta su falda, en una escena de la película americana de 1955 llamada La tentación vive arriba. Song tituló su obra Quítate la ropa, mensaje que en realidad insta a la apertura del Norte.

En las obras de Song a menudo aparecen palomas y mariposas, que simbolizan los “sueños de libertad ocultos en los corazones de la gente de Corea del Norte”, según afirma.

Song dibujó carteles de propaganda de Corea del Norte durante siete años antes de huir del país para escapar del hambre. Su primer intento de fuga falló en agosto del 2000, cuando su padre murió ahogado en la rápida corriente del río Tumen, crecido por las fuertes lluvias. Song fue capturado por un guardia de la frontera y enviado a un campo de concentración, donde perdió la punta del dedo índice de su mano derecha, un bien preciado para un artista, mientras trabajaba. Después de ser liberado hizo otro intento en 2001, y finalmente llegó a Corea del Sur a través de China en 2002. Recibió la noticia de la muerte de su madre en 2005, y dos años más tarde tuvo éxito en ayudar a su hermana más joven a huir del Norte.

Tras graduarse en 2007 en el Departamento de Educación en Arte de la Universidad Nacional de Gongju, se matriculó en la escuela de postgrado de la Universidad Hongik, donde estudió pintura oriental. Realizó diversos trabajos para ganarse la vida, incluso en una empresa de mudanzas.

En 2011, inauguró su primera exposición individual titulada “Eterna huida, eterna libertad”, en Insadong, Seúl. Posteriormente realizó tres exposicio-

Para entender la obra de Sun Mu hay que ir más allá de una interpretación simplista. Aunque ya han pasado 14 años desde que llegó al Sur, afirma que todavía tiene dificultades para adaptarse a su nuevo hogar. Muchas veces sueña que aún vive en el Norte y despierta para encontrarse perdido entre sus circunstancias de la vida real en el Sur. 44 Koreana Primavera 2016

nes en Estados Unidos, incluyendo Washington D.C. y Atlanta. A su exposición de Washington D.C. en 2012 acudieron numerosas celebridades; como Robert King, enviado especial de Estados Unidos para temas de derechos humanos de Corea del Norte, o Kathleen Stephens, ex embajadora estadounidense en Seúl. La exposición fue cubierta por las principales cadenas de medios globales -como CNN, BBC y NHK- y fue invitado a dar conferencias en varias universidades de Estados Unidos.

Song fue invitado a realizar otra exposición en Frankfurt en octubre de 2015, durante un evento para celebrar el 25º aniversario de la Reunificación alemana, donde “Kim Jong-un y Marilyn Monroe" captaron la atención de los medios, entre otras obras. Actualmente prevé celebrar otra exposición cerca de la antigua frontera este-oeste de Alemania, en septiembre de 2016.

Pero Song dice que no quiere limitarse a seguir siendo un experto en Corea del Norte. Con su arte, espera poder llevar paz y esperanza a personas de todo el mundo que, al igual que los ciudadanos de Corea del Norte, sufren de hambre y opresión. Una nota a mano en el escritorio de su estudio, que suele llamar la atención de los visitantes, dice así: "No sometas tu ser a la realidad y no dejes de aceptar retos: sigue tu propio camino de forma firme y persistente”.

un terreno común a través de las artes Kang Jin-Myung, el mayor de los artistas de Corea

del Norte que se asentaron en el Sur, llegó muy enfermo a Seúl en 1999, 10 años después de huir del Norte, donde solía dibujar carteles de propaganda. Después de escapar a Qingdao, trabajó en una fábrica de accesorios a cargo de un 2 hombre de negocios de Corea 1 En la Plaza por Sun Mu, 2015, óleo sobre lienzo, del Sur, haciéndose pasar por 160 cm x 130 cm coreano-chino. Era un artista 2 Song Byeok trabajando en su estudio. de élite, graduado en la Escue3 Soñando con la libertad por Song Byeok, 2013, acrílico sobre papel grueso de arroz, 82 cm x 110 cm la de Arte de Pyongyang que, además de ser profesor, había trabajado como artista en el Ministerio de las Fuerzas Armadas Populares.

Realizó su primera exposición individual en Insa-dong, en Seúl, en febrero de 2010, con unas 70 obras de arte que representaban paisajes naturales de las dos Coreas. Pero murió de cáncer de hígado el mes siguiente, a la edad de 57 años. Trabajó duro día y noche para preparar la exposición, y mientras era sometido a tratamiento contra el cáncer repetía con pesar: “Quiero dedicarme al arte hasta que se reunifique nuestra nación, pero mi cuerpo es demasiado débil para resistir”.

El tema de su primera y última exposición fue “Soñando con la libertad”. Su pintura al óleo Olas de Libertad, atestigua cuán sinceramente anhelaba la libertad.

Las palabras de Kang reflejan su profundo deseo de ver una Corea reunificada: “La cultura y las artes son el terreno donde las dos Coreas pueden convertirse en una, más allá de las ideologías, si ambas partes tratan de acercarse mutuamente a través de las artes”. (Traducido por Javier Castañeda)

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Cultura y arte De Corea 45

ENAMORADO DE COREA

RyAn CAssIdy

uNA VOz quE REsuENA A tRAVés DE lAs CultuRAs

Darcy paquet Escritor independiente Ahn Hong-beom Fotógrafo

para muchos coreanos no es común ver a un hombre de raza caucásica con un hanbok practicando la técnica del pansori. pero el entusiasmo de Ryan Cassidy por este arte muestra su atractivo universal, y destierra la percepción de que es un género congelado en el tiempo.

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unca es fácil involucrarse en un ambiente poco familiar cuando destacas de entre los demás por algún motivo. Ryan Cassidy se enfrentó a una situación como esta cuando en 1997 se mudó de Canadá a Corea. “En aquel entonces no creía que me fuera a quedar en Corea por mucho tiempo, así que decidí aprender algo que no pudiera hacer en mi país”, recuerda. Tras barajar algunas opciones, se inscribió en una clase de dibujo monocromático en la oficina de su distrito. “Al comenzar me di cuenta de que no solo era el único extranjero en clase, sino también el único hombre”, recuerda, entre risas. Ante una situación similar, muchos quizá se hubieran echado atrás, pero Cassidy permaneció y aprendió los fundamentos de este nuevo pasatiempo. Y fue este tipo de persistencia y su interés natural por las artes tradicionales lo que finalmente le conducirían hasta el pansori.

Descrito en algunas ocasiones como “ópera popular”, el pansori es una forma de arte dramática musical que interpreta un cantante en solitario (sorikkun) y un solo percusionista (gosu). Cassidy llevaba una década viviendo en Corea cuando fue por primera vez a un espectáculo de pansori. “Me sorprendió”, asegura. “Parece muy simple, pues es una voz acompañada por un instrumento aparentemente muy básico, pero me asombró la variedad de emociones expresadas en aquel concierto”.

La intérprete era So Ji-young quien, al igual que Cassidy, vive en la ciudad de Chuncheon, al noreste del país. Después de ir a varias de sus actuaciones, la conoció en persona y se interesó por el aprendizaje del tambor (buk). “Ella me dijo personalmente que no podía enseñarme a tocar el tambor, pero que si me inscribía en sus clases vocales podría aprender las primeras nociones de percusión”, comenta. Cassidy nunca se había planteado cantar y era el tipo de persona que evitaba los noraebang (salas de karaoke) en la medida de lo posible. Sin embargo, la atracción del pansori tiró de él y desde entonces ha estado estudiando con la maestra So.

n Ryan Cassidy canta acompañado de su hijo Cian, que toca el tambor. Influenciado por el pasatiempo de su padre, Cian se introdujo en el pansori. y ahora toma lecciones.

Echar raíces en Corea Antes de llegar a Corea la pasión de Cassidy era cocinar. En la década de los 90, cuando vivía en la localidad canadiense de Whistler- conocida por albergar un complejo de esquí- su plan original era ahorrar algo y estudiar para sacar el título de cocinero. Sin embargo, al ver limitadas sus perspectivas en Whistler, hizo caso a un amigo que le recomendó ir a Seúl para enseñar inglés.

“Mi primera clase, al día siguiente de llegar al país, fue con un grupo de niños de siete años. No tuve formación como profesor; simplemente me metieron en una habitación y me dijeron: ¡Adelante! Solo seis meses más tarde, cuando el centro nos ofreció un curso de inglés como segundo idioma, comprendí que realmente me gustaba la docencia”, comenta. En pocos años logró obtener un certificado CELTA de enseñanza de inglés y finalmente un diploma M.A. Para quien se describe a sí mismo como “un tipo de un pueblo pequeño” la ciudad de Seúl resultó en cierto modo un choque cultural. “En Canadá vivía en una localidad muy pequeña, de unos 4 km de largo por 2 km de ancho, con una población de unas 2.000 personas en temporada baja”, asegura. Después de conocer a la que sería su esposa, Kim Hyun-sook, con la que se casó un año más tarde, vivió en Gangneung durante unos años antes de trasladarse a Chuncheon en 2002. Ahora tienen dos hijos: su hijo Cian de 11 años y su hija Hannah de 8. Actualmente Cassidy es profesor en la Facultad de Estudios Internacionales de la Universidad de Hallym, y sus clases se centran en las habilidades académicas para la lectura y el pensamiento crítico en inglés.

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“Me gustaría que la gente se familiarizase más con este género musical, ya que así podría disfrutarlo de forma natural. No hay que ser un experto para escuchar pansori; se puede disfrutar del mismo modo que la gente escucha música clásica occidental” los primeros pasos como entusiasta del pansori Entre tanto, el pansori se ha convertido en un apasionante hobby para él. Como era de esperar, aprender a interpretarlo le exigió cierta persistencia. “En el pansori no hay música que se pueda leer. Uno termina de escuchar a su maestro y repite. Se empieza con una sección pequeña y después se sigue practicando hasta que lo haces bien, para posteriormente avanzar a la siguiente parte”, explica. “Recordar la letra es especialmente complejo. El lenguaje está basado en los hanja [caracteres chinos] y gran parte de ellos han quedado completamente en desuso. A veces enseño mi libro a nativos coreanos y no saben qué significa. Por eso he tenido que esforzarme mucho para memorizarlo.

Cassidy ha dedicado la mayoría del tiempo a trabajar en las secciones del “Simcheong-ga”, una obra basada en un cuento popular sobre una hija filial llamada Sim Cheong que, mediante su sacrificio, ayuda a recobrar la vista a su padre.

Aunque originalmente había doce obras completas del repertorio de pansori, a día

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de hoy solo cinco continúan interpretándose: “Simcheong-ga” (“la canción de Sim Cheong”) “Chunhyang-ga” (“la canción de Chun-Hyang”), “Heungbu-ga” (“la canción de Heungbu”), “Jeokbyeok-ga” (“la canción del acantilado rojo”) y “Sugung-ga” (“la anción del palacio bajo el mar”). Una actuación completa de cualquiera de estas obras puede durar de cuatro a seis horas, o incluso más.

Al principio, para Cassidy el pansori no era más que una afición a la que se dedicaba cuando tenía tiempo libre. Más tarde comenzó a actuar en público, aunque su primera experiencia en el escenario no fue del todo bien. “Me pidieron que participara en un concierto especial de televisión para profesores extranjeros que interpretaban música tradicional coreana y pensé, claro, ¿por qué no? Pero no tenía ni idea de la potencia de ese programa llamado “Gugak Hanmadang”. Fue mi primera vez cantando ante el público. Previamente, nunca había sentido miedo escénico, ni en la enseñanza ni en las representaciones de esgrima tradicional coreano. Pero ese día, de repente, me asusté. Fue un verdadero desastre”,

recuerda.

Sin embargo, no se dio por vencido y se inscribió en un concurso organizado por la Sociedad de Preservación del Pansori. En su segunda experiencia sobre el escenario mostró una gran mejora respecto a la primera y, tal y como él mismo lo describe, “desde entonces lo he llevado bien”.

El hallazgo de una nueva comunidad Estos días no es raro ver a Cassidy actuar en Chuncheon en diversos conciertos por todo el país. Además de cantar, también acompaña a menudo a su maestro en el tambor, en parte debido a la falta de percusionistas expertos en su ciudad.

La mayoría de la comunidad de la música tradicional coreana lo ha acogido con los brazos abiertos. “La gente me ha aceptado muy bien”, asegura Cassidy. “A pesar de mis limitadas habilidades, no he recibido ni una sola reacción negativa, al menos frontal. Creo que la gente se queda muy sorprendida, y seguramente contenta, de que un extranjero se sienta atraído por una de las artes tradicionales de Corea”.

De hecho, a veces actúa con otros extranjeros que al igual que él han “descubierto” la música tradicional coreana.

“Hice un par de conciertos con una mujer suiza, Hendrikje Lange, que se dedica a la percusión popular, el samul nori . Ella renunció a su carrera como terapeuta y se trasladó a Corea, después de ver tocar a Kim Duk-soo. También hay una mujer en Daejeon llamada Jocelyn Clark que toca el gayageum , y está la profesora Hilary Finchum-Sung de la Universidad Nacional de Seúl, que se dedica al haegeum . Creo que ellas piensan igual: a la gente le sorprende que un extranjero pueda encontrar esta música atractiva, considerando que la mayoría de los coreanos no la conocen bien”.

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En todo caso, el entusiasmo de Cassidy hacia el pansori se refleja claramente en el modo en que lo describe. En cuanto a la diferencia entre los sori (las vocalizaciones realizadas por un cantante de pansori) y las melodías ordinarias, explica: “Una canción incorpora un rango muy limitado de sonidos que son en su mayor parte agradables a los oídos. Pero en el caso de los sori, el rango es mucho mayor e incluye tanto los sonidos agradables, como los que no son tan agradables. Hay sonidos de la naturaleza, como pájaros y truenos, que el cantante de pansori tiene que imitar. En una escena en “Chunhyang-ga”, cuando se separan Chun-hyang y Mong-ryong, hay un sonido muy triste de aves de fondo, y cualquiera que escuche a mi maestro reproducirlo juraría que hay un pájaro en la habitación.

Es bastante asombroso”.

El futuro del pansori El interés de Cassidy por el pansori ha sido heredado por sus dos hijos y ahora ambos toman lecciones. “Todo el mundo piensa que forzamos a nuestros hijos a aprender, ¡pero no es verdad! [ríe]. Mi hijo vino a mis conciertos y le gustaron, así que

1 Ryan Cassidy vive en Chuncheon con su esposa, Kim Hyun-Sook, y sus hijos Cian y Hannah. Enseña en la Facultad de Estudios Internacionales de la Universidad de Hallym.

2 Ryan Cassidy canta la parte de Sim de mayor, abriendo sus ojos mientras interpreta “Canción de Sim Cheong”, en el palacio de Deoksu, en 2014.

le pregunté: “¿Quieres probar?”. Y lo mismo ocurrió con mi hija. Los tres actuaron juntos recientemente en un concierto para recaudar fondos para las víctimas del terremoto en Nepal. Su hijo, Cian, ha mostrado una especial rapidez a la hora de aprender.

“Es un poco irónico”, dice Cassidy. “La gente me pregunta: ¿cómo pueden sus hijos estudiar algo tan difícil? Y sin embargo veo a los niños coreanos de la misma edad esforzarse para tocar piezas extremadamente difíciles al piano y al violín”.

Cassidy sostiene que en la Corea actual el pansori es visto en general como una forma de arte para expertos. Hay quienes lo conocen muy bien, aunque la gran mayoría sabe muy poco sobre este arte. Tal vez lo que necesita Corea, sostiene, es más gente que se sitúe en un punto medio.

“Me gustaría que la gente se familiarizase más con este género musical, ya que

así podría disfrutarlo de forma natural. No hay que ser un experto para escuchar pansori; se puede disfrutar del mismo modo que la gente escucha música clásica occidental”, afirma. También elogia el trabajo de los compositores que escriben nuevas obras de pansori. La cantante Lee Ja-ram, por ejemplo, ha compuesto una innovadora obra basada en “El alma buena de Szechwan” de Bertolt Brecht que ha sido muy aclamada en el extranjero.

“Las cinco obras originales son excelentes, pero estos nuevos trabajos son un importante paso para que cada vez haya más personas interesadas por el pansori”, explica Cassidy. “El motivo por el que el pansori siguió siendo popular a lo largo de la historia es que pudo adaptarse al público. El pansori comenzó en los mercados como forma de entretenimiento de la clase baja, y en el siglo XIX, los yangban de la clase alta se interesaron por este arte y su formato fue cambiando. Sin embargo, desde el siglo XX ha permanecido congelado. Si pudiéramos apoyar su evolución y desarrollo, podría convertirse en un género más atractivo para los jóvenes”. (Traducido por Atahualpa Amerise)

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uN DíA EN su VIDA

La tienda de banchan, encontrando un nuevo camino que estaba allí hacía tiempo Kim seo-ryung CEO, Old & Deep Story Lab Ahn Hong-beom Fotógrafo

un plato de arroz y unos pocos banchan (platos acompañantes). A esto se añade una sopa o un guiso y el resultado es una placentera comida para los coreanos. Ella es la “mano invisible” que ayuda a los clientes de su tienda a preparar un delicioso festín, con tan solo añadir algunas cosas a las sobras de la nevera.

las 9:30 de la mañana sale de su casa en el barrio de Gugi-dong, Seúl. A sólo cinco minutos de distancia está su tienda, un lugar luminoso y soleado que recibe al visitante con una puerta de cristal. Lo primero que hace es abrir la ventana, que da a la carretera, y poner la música que almacena en su ordenador portátil. El aire se llena de energía para un nuevo día. Mientras respira fuertes bocanadas de aire, limpia la tienda.

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los placeres simples de la vida Park Nan-yee nació en 1963. Es la dueña de una tienda que vende banchan, como se denomina a los platos pequeños que acompañan al arroz cocido en una comida típica de Corea. El nombre de la tienda es “Banchan sencillos”. Hace unos años llegó a la conclusión de que en la vida lo realmente importante no es lo más grande, sino las pequeñas y simples cosas de la vida cotidiana, aquellas que pueden parecer triviales. Desde entonces ha tratado de encontrar la felicidad en las pequeñas cosas, y de ahí el nombre de su tienda.

Sus días están repletos de alegría mientras despacha bonitos platos junto a la ventana y elabora los banchan, poniendo el alma en cada platillo. Los clientes que vienen a comprarlos o a reservarlos, se quedan asombrados ante su buen sabor. Estos días, aunque está mucho más ocupada, también es 50 Koreana Primavera 2016

más feliz.

Prepara por encargo platos acompañantes como el jangjorim (estofado de ternera en salsa de soja), japchae (fideos de arroz salteados con verduras) y varios tipos de jeon (crepes salados y pasados por la sartén). “Lo curioso es que las suegras jóvenes a veces encargan estos platos para sus yernos, pues pese a que desean mostrar sus habilidades en la cocina, no tienen la suficiente confianza como para prepararlos por sí mismas. Cuando su yerno o su hija les piden que vuelvan a preparar esos acompañantes, ya no pueden evitar decir la verdad y confesar que los compraron en una tienda, así que, acuden una y otra vez por los mismos platos”, asegura Park.

Pero su tienda de banchan es también un espacio de terapia emocional, pues las madres jóvenes le confían problemas derivados de la relación con sus hijos o su marido. Después de haber pasado por todo, a menudo puede ver claramente la solución. Les consuela, diciéndoles que realmente no se trata de un gran problema, que todo pasará y que el tiempo lo curará. También les recomienda llevar sofrito de bardana o de raíz de loto y estofado en salsa de soja.

Las hortalizas de raíz ayudan a relajar la ira y a calmar la mente.

sentir los ingredientes En su tienda de banchan, Park prepara siete u ocho tipos de guarnición y uno o dos tipos de sopa al día. Estas comidas se suman al doenjang (pasta de soja), el cheonggukjang (pasta de soja enriquecida), y a diferentes variedades de jeotgal (mariscos salados), y por supuesto al kimchi, que siempre está a la venta.

Después de limpiar la tienda, Park prepara los ingredientes hasta las 11 de la mañana, lo cual supone un duro trabajo. Las preparaciones básicas para la cocina coreana incluyen pelar la piel de las cebollas, las zanahorias y las cebolletas, y también cortar las patatas, la bardana y el rábano, así como pelar y picar el ajo y el jengibre. El método de cortar, picar o triturar es diferente, así

Park Nan-yee, ex redactora profesional que se ha reinventado y convertido en propietaria de una tienda de banchan, afirma que ha logrado apreciar el valor de trabajar no sĂłlo usando la cabeza, sino tambiĂŠn el cuerpo.

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“No puedes llevar una tienda de banchan si no sientes alegría al manipular las raíces y las verduras, quitando la suciedad, apreciando los colores, y sintiendo las formas y texturas”

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como la presión a aplicar, en función de cada ingrediente. “No puedes llevar una tienda de banchan si no sientes alegría al manipular las raíces y las hojas de las verduras, quitando la suciedad, apreciando los diferentes colores y sintiendo sus diversas formas y texturas”, explica Park.

Park hace sola la mayor parte del trabajo. Su ayudante viene solo media jornada los lunes y los miércoles, cuando prepara kimchi. Sin embargo sigue siendo feliz, incluso cuando tiene que pelar patatas durante largo tiempo.

“Si contrato a un empleado tendría que hacer más platos acompañantes, así que estaría más ansiosa y preocupada por venderlo todo. Prefiero preparar solo pequeñas cantidades y vender mis productos a aquellas personas a las que les gusta mi comida. Según una vieja tradición procedente del budismo, tomar alimentos y compartirlos con los demás es la mejor forma de ayudar al prójimo. Mi hermano mayor es monje budista. Dice que la oración no es solo hacer reverencias frente a Buda y recitar las escrituras budistas; preparar una buena comida y compartirla con mucha gente, también puede ser una forma de oración”.

Pero, ¿es siempre la pequeña tienda de banchan un lugar tranquilo que invita a la reflexión?

“Hay momentos en los que me siento atada a este pequeño lugar, porque no puedo salir libremente o irme de viaje. Un mes después de la apertura de la tienda, de repente me puse a llorar sin motivo mientras preparaba acompañantes”.

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fiel a sus sentimientos Los platos son distintos cada día en función de la temporada, del clima y de la frescura de los ingredientes que recibe el día anterior. No planifica de antemano sino que hace caso a sus sentimientos.Una vez preparados los ingredientes, comienza a cocinar: saltea, condimenta, prepara estofados y asa ingredientes a la parrilla. Estos días hace ocho tipos de guarnición: áster condimentado; brotes de soja y plantas marinas sazonadas; también algas en vinagre; tortitas a la sartén con maesaengi (una variedad local de algas que son de temporada en invierno); kimchi fresco de repollo de primavera; berenjenas fritas con salsa de ostras al estilo chino; pato ahumado; y caballa a la parrilla espolvoreada con polvo de curry y zumo de limón. También cocina yukgaejang (sopa picante de carne) con carne coreana de vacuno y un montón de brotes de helecho y de soja. Otras guarniciones deshidratadas -como huevas saladas de abadejo, pulpo pequeño salado, anchoas secas salteadas, tiras de calamar seco frito o jangjorim- que no tienen por qué venderse en el día, se almacenan en la nevera. Los platos recién hechos no los guarda en el frigorífico. A excepción de la calurosa temporada de verano o de los platos que se sirven fríos, coloca la mayoría de los alimentos sobre la mesa en un plato grande que cubre con una tapa.

En lugar de potenciadores del sabor artificiales, Park utiliza semillas tostadas de sésamo, harina coreana y caldo hecho con anchoas, algas y rábano. Esta es la razón por la que sus platos tienen un sabor profundo y no son muy salados.

Cada paquete cuesta unos 5.000 wones (algo más de 4 dólares), más caro que

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3 1 Cuando cocina, le habla a los ingredientes.

2 Park prepara de siete a ocho platos al día. Coloca la comida en grandes y redondos platos que ordena sobre la mesa, antes de que sus clientes empiecen a llegar a la hora de la cena. A veces las mujeres le hacen pedidos por teléfono que sus maridos recogen en su camino del trabajo a casa.

3 El marisco salado, las conservas vegetales y los platos a la brasa los almacena en la nevera en envases pequeños. Los paquetes de encargo llevan pegatinas con el mismo logo del cartel de su tienda.

en los mercados y más barato que en los grandes almacenes. El precio es similar al de los grandes almacenes, pero las porciones son más grandes.

Encuentro casual con una profesora de cocina Park termina de cocinar en torno a las 2 de la tarde. Entonces puede permitirse hacer un tranquilo receso y comer. A veces lee libros de cocina, a fin de obtener ideas para nuevas recetas. A ella, que tiene un instinto natural para cocinar, siempre le ha gustado hacerlo para los demás, aunque tenga que preparar grandes comidas para nutridos grupos de personas.

Cuando era joven, Park trabajó como redactora en una importante agencia de publicidad. A medida que se hacía mayor pasó a trabajar a tiempo parcial, pero con el tiempo empezó a sentir que eso no la llevaba a ninguna parte. Con el desesperado anhelo de hacer algo con su propio nombre, se preguntaba a qué podría dedicarse que pudiera hacerla feliz. Sus amigos le sugirieron que aprovechara sus habilidades en la cocina y se decidiera a abrir un restaurante. Después de todo, los cocineros están de moda estos días. Sonaba atracti-

vo, pero ella ni siquiera sabía por dónde empezar. “Fue entonces cuando, por casualidad, me encontré con una profesora de cocina en Insa-dong. A veces un incidente fortuito puede cambiar tu vida. La profesora me enseñó a preparar este plato, en el que se vierte 1 kg de semillas de perilla en su propio aceite, se rehoga durante mucho tiempo y se sazona. Lo probé en casa y me sorprendió la intensidad de su sabor. Entonces sentí que si pudiera preparar y vender estas recetas sería realmente feliz”, recuerda Park. Así que, como primer paso, se hizo una tarjeta de visita. Como veterana redactora, eligió un texto sencillo: “Park Nan-yee, una mujer que cocina”.

Los clientes empiezan a llegar sobre las 5 de la tarde. Este antes solía ser el momento en el que las amas de casa estaban ocupadas preparando la cena para el resto de la familia, que regresaba tras un largo y duro día en el trabajo o la escuela. Pero hoy las cosas han cambiado. Actualmente, uno de cada cuatro hogares en Corea en este momento es unipersonal. Incluso en las familias tradicionales -con padre, madre e hijos- ha habido una marcada disminución en el número de personas que se juntan en casa para cenar. Lo mismo les ocurre a las mujeres que son amas de casa a tiempo completo y cocinan la cena; pues preparar la comida en casa se ha convertido en algo poco rentable.

"La gente con familia numerosa no viene a la tienda. Tampoco lo hacen las madres con adolescentes, ya que los chicos suelen tener un apetito voraz. Simplemente les saldría muy caro. Más o menos la mitad de mis clientes viven solos. La otra mitad son madres jóvenes con niños en edad preescolar. Las jóvenes madres trabajadoras no tienen tiempo para cocinar. Lleva demasiado tiempo preparar recetas como el namul (verduras sazonadas) y, a pesar del tiempo y el esfuerzo invertidos, los platos pueden ponerse malos antes de que se los acaben. Así pues, les costaría más hacerlo ellas mismas.

Por la noche su hijo más joven, estudiante de secundaria, se acerca a la tienda para cenar. Le hace feliz que su trabajo le permita preparar comidas sanas para él. Su otro hijo, el mayor, estudia arte en Dresden, Alemania.

El sueño de abrir un pequeño restaurante nocturno Park, quien ahora vive el segundo capítulo de su vida, tras la exitosa reconversión laboral de un trabajo con palabras abstractas a uno que implica alimentos tangibles, escribe en su perfil de la aplicación Kakao Talk: "Encontrando un nuevo camino que estaba allí hacía tiempo”. Se refiere a su nueva relación con el arroz y los banchan, que han sido durante mucho tiempo la base de la dieta de Corea. Ella heredó de su madre el ADN de cocinera. Al poseer una nariz y una lengua naturalmente dotadas con un agudo sentido del gusto, y también unas manos entrenadas, pudo reunir el valor necesario para seguir adelante con su pasión. En el camino ha llegado a apreciar el valor de trabajar no solo usando la cabeza, sino también el cuerpo.

“Creo que ahora puedo comprender por qué las abuelitas que venden en los mercados calculan siempre las medidas exactas. Si dieran solo un gramo extra a cada cliente acumularían una cantidad enorme, pero el dinero sería el mismo. Antes yo no era muy ahorrativa, especialmente en las cosas pequeñas, pero cada céntimo ahorrado es un céntimo ganado”.

Su humilde sueño es abrir un pequeño restaurante nocturno, un lugar en el que servir comida caliente a las almas cansadas y solitarias, donde una tenue y relajante luz permanezca encendida para confortar a los que cenan solos. (Traducido por Atahualpa Amerise)

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HIstORIA DE lOs INGREDIENtEs

EL AJO,

Kim Jin-young Representante de Traveler’s Kitchen shim Byung-woo Fotógrafo

una especia y un vegetal de lo más versátil El ajo, originario de Asia Central, es un vegetal con raíz bulbosa que se cultiva en todo el mundo, ya sea en Asia del Este, donde se ubican Corea y China, en la región de Asia Occidental, a la que pertenece India, en el sur de Europa, donde se sitúan España e Italia, y también en Estados unidos. En Corea, el ajo es una especia indispensable que se usa en casi todas las recetas, pero además es un vegetal que se sirve crudo junto a otras hortalizas y ocupa un digno lugar en la mesa de los coreanos.

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ara los coreanos, el ajo es un ingrediente de cocina con mucha historia; tanto que incluso aparece en la leyenda fundacional de Corea. En ésta, Hwanung (hijo de Hwanin, el Emperador de los Cielos) dice a un tigre y a un oso que si desean convertirse en humanos deben vivir 100 días en una cueva sin ver el sol, alimentándose únicamente con ajo y artemisa.

El tigre, sin poder aguantar, abandona la cueva antes de tiempo. El oso, en cambio, permanece en la cueva 100 días para finalmente convertirse en una mujer, casarse con Hwanung y dar a luz un varón. La leyenda cuenta que este niño -de nombre Dangun- es quien funda luego Gojoseon (el primer reino de Corea) y por ende, es el progenitor del pueblo coreano.

El ajo, según la medicina tradicional de Corea, “inyecta calor o energía yang en el cuerpo y elimina el frío del organismo, además de expulsar la mala energía”. Es más, existen libros antiguos que aluden a que la gente aumentaba el consumo de ajo, cuando corrían rumores de alguna enfermedad contagiosa. En la medicina contemporánea, por otro lado, numerosos estudios presentan que el ajo agiliza la circulación de la sangre, mejora las defensas y tiene efectos antibacteriales. Incluso siempre ocupa el primer puesto en la lista de los 40 alimentos anticancerígenos más recomendados por el Instituto Nacional de Cáncer de Estados Unidos.

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una especia multiuso En la mayoría de los países, el ajo se usa como especia en la cocina. En China, saltean y fríen el ajo junto con el ají o la cebolla verde en aceite, como primer paso en casi todas las recetas. En Italia, saltean el ajo en aceite de oliva para dar más sabor y olor a cualquier plato de pasta. Y en Japón usan como salsa para ramen el aceite de semilla de cáñamo tras saltear en él ajo molido o cortado en láminas (también se usa en vez de este aceite de semilla de cáñamo ajo en polvo, que tiene un olor menos fuerte). Pero los métodos de uso en esencia son los mismos.

En Corea, el ajo es básicamente una especia también. La diferencia es que se usa más el ajo molido que el ajo cortado en láminas. Es más, no sería exagerado decir que en casi todos los platos de la cocina coreana el ajo molido es añadido como condimento.

Como el atadillo de hierbas que se usa en la cocina francesa al preparar caldos o algún tipo de guiso, como aromatizador y para eliminar el olor típico de la proteína principal, el ajo es empleado en cantidades abundantes en la cocina coreana en platos de carne o pescado, sobre todo al preparar samgyetang (sopa de pollo con ginseng), galbijjim (estofado de costillas de res o de cerdo), guiso picante de pollo y sopa de mariscos. Gyerim Garlic Chicken (Gyerim Maneul Dak) -un restaurante de larga tradición especializado en guiso picante de pollo y ubicado en Jongro 3-ga en el centro seulita- es famoso por servir sus guisos con una colina de ajo molido por encima, que se deshace mientras el plato hierve directamente sobre la mesa de los clientes, mezclándose con la grasa del pollo y el caldo caliente. En este proceso, el ajo, no solo elimina el típico color del pollo, sino también da al plato un sabor dulce mucho más profundo y agradable del que se obtiene añadiendo azúcar.

Delicioso crudo o sofrito El ajo es servido también crudo junto con otras hortalizas. Por ejemplo, al comer carne a la barbacoa, se acostumbra a envolver en una hoja de lechuga o de sésamo un trozo de carne asada y un trozo de ajo crudo con un poco de pasta ssamjang. Las personas que no disfrutan del sabor del ajo crudo, prefieren asar el ajo junto con la carne o cocerlo aparte en un recipiente (generalmente de papel aluminio) con aceite de sésamo en una esquina de la barbacoa. Esta forma de cocción permite reducir el fuerte sabor del ajo, además de matizar el olor que queda en la boca tras su ingesta.

Un plato tradicional de la gastronomía coreana que tiene como ingrediente principal el ajo, es el maneul jangajji, o ajo encurtido en salsa de soja con vinagre. Se prepara macerando el ajo, ya sea sus dientes pelados o entero (tras pelar solamente la cáscara externa y cortar la parte de la raíz), en salsa de soja hervida con otros condimentos y enfriada. Es una exquisita conserva case-

En tiempos pasados, cada familia iba a comprar una gran cantidad de ajos secos cuando llegaba la temporada y los colgaba de los tallos en racimos, en un lugar de la casa sombreado y con brisa, para posteriormente ir cogiendo un par de cabezas cada vez que se cocinaba. Actualmente, los supermercados venden bolsas de ajos, o pequeñas bandejas de ajos pelados y cortados en pequeñas porciones, listos para cocinar.

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ra, producto de combinar el sabor del ajo, el sabor de la salsa de soja que varía según la familia, y el sabor que da el tiempo de maceración.

Entretanto, un plato con ajo de fácil preparación en cualquier país del mundo es el pan al ajo. La receta es simple: solo hay que cortar el pan -preferiblemente tipo baguette-, y untar [el resultado de] mezclar trocitos de ajo molido, mantequilla derretida y azúcar, esparcir perejil picado y cocer al horno. A medida que se va tostando el pan, la casa se impregna de un sabroso olor; mientras que al comerlo es posible apreciar cómo se ha potenciado el sabor de la mantequilla.

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tallos y brotes de ajo El “amor” al ajo de los coreanos no se limita únicamente al bulbo de esta hierba. Los brotes de ajo, que tienen un olor menos fuerte que los dientes, son también un excelente ingrediente en la cocina de Corea. En marzo, cuando las flores empiezan a abrir sus pétalos, los brotes de ajo se cosechan primero en la isla de Jeju, al extremo sur del país. En los mercados coreanos, los ramilletes de brotes de ajo -de color verde y más finos que los espárragos- anuncian la llegada de la primavera. Los brotes de ajo se comen salteados en aceite con gambas secas o encurtidos tal y como se hace con el bulbo. Asimismo pueden ser utilizados en vez de los dientes de ajo para preparar el famoso plato italiano “espaguetis aglio e olio (ajoaceite)”, cuyos componentes más importantes son justamente el ajo y el aceite de oliva. El mayor

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En la medicina tradicional de Corea, el ajo es apreciado por sus efectos para calentar el organismo. En la medicina contemporánea, por otro lado, numerosos estudios presentan que el ajo agiliza la circulación de la sangre, mejora las defensas y tiene efectos antibacteriales.

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atractivo de los brotes de ajo es que son crujientes aún cocidos, mientras que su sabor picante original cambia y se vuelve dulce.

En la primavera, al comer carne, a menudo se sirven tallos de ajo junto con otras hortalizas, como la lechuga y el ají verde. En Corea, los tallos de ajo se convierten en un delicioso plato para acompañar el arroz y estimular el apetito. Se cortan y luego son salteados en una sartén precalentada con aceite, para luego sofreírlos con calamar y condimentos variados, como gochujang (pasta de ají), azúcar, unas gotitas de vinagre, doubanjiang (pasta picante de habas) y salsa de ostras.

la chalota, el primo “dulce” del ajo Quienes estén poco familiarizados con el abudante uso del ajo en la cocina coreana, podrían tomar como referencia la chalota, una verdura muy semejante al ajo en cuanto a olor y sabor.

La chalota, al igual que el ajo, pertenece a la familia de las aliáceas y tiene un sabor a medio camino entre el picante del ajo y el dulce de la cebolla. En Francia y en el sureste asiático, se usa en salsas o ensaladas. Al preparar salsas, es uno de los ingredientes centrales, mientras que en platos de pescado y de carne se usa como especia o como guarnición. Se come horneada, e incluso sus hojas -cuando están verdes- son utilizadas como especia. Al igual que el ajo se suele cocer en aceite y sus brotes son usados como ingrediente en la cocina coreana.

Al viajar a un lugar nuevo, es inevitable encontrar comida desconocida. Pero, la experiencia del viaje se vuelve mucho más rica cuando el viajero acepta ese encuentro con alegría. Esta es la razón por la que yo, un experto en ingredientes de cocina, decidí crear el grupo Traveler’s Kitchen con escritores sobre viajes. Nuestra intención es que los viajes dentro de Corea no sean meras visitas en cadena a famosos restaurantes, sino que sirvan para degustar los alimentos autóctonos de cada región; y que en el exterior, el viajero no solo ande buscando restaurantes de comida coreana, sino que disfrute plenamente de la cocina local, por muy desconocida que sea.

Así, me atrevo a invitar al viajero poco acostumbrado a comer ajo… ¡A familiarizarse con el ajo!

(Traducido por Joo Hasun)

1 Ajo macerado en vinagre. Se prepara hirviendo a la vez azúcar (y vinagre si se desea) con salsa de soja. Después, se deja enfriar la mezcla antes de verterla sobre el ajo. El resultado final es siempre único, porque el sabor de la salsa de soja varía de unas familias a otras.

2 Tallos de ajo en conserva. Se cortan los tallos con la longitud adecuada para un bocado y se hierve a la vez el azúcar (y vinagre si se desea) con salsa de soja. A continuación se mezcla todo y se guarda en un recipiente cerrado, para permitir la maceración.

3 Tanto picado como entero, los dientes de ajo son un ingrediente esencial para potenciar el sabor en diversos platos coreanos, incluida la típica sopa de pollo, samgyetang.

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OpINIóN DEsDE lA lEJANíA

MI AVENTURA COREANA Álvaro linzoain pontigas Regional Sales Manager, Hyundai Westling

ás de una año ya. Se dice pronto, pero algo que comenzó como una aventura, casi como un viaje de estudios tardío al otro lado del mundo, va camino de convertirse en algo serio. Dicen que la vida es como una fiesta, que uno sabe cómo empieza pero nunca cómo acaba, o al menos cómo a evolucionar.

Pero lejos de ser algo malo, esa improvisación, esa capacidad de tener que subsistir a diario ante situaciones totalmente remotas a las planteadas en mi imaginario habitual, no solo estimula mi experiencia diaria, sino también deja un poso a la larga que enriquece como persona.

Todo empezó hará unos dos años. Por aquel entonces estaba trabajando en Inglaterra, cuando de pronto se presentó la oportunidad de presentarme a una convocatoria de becas en Asia, bajo con el rimbombante título de “Executive Training Programme”. Entonces me dije: ¿por qué no? Y me presenté. Cuando me quise dar cuenta, había pasado tres procesos de selección y formaba parte de ese reducido cupo de elegidos, además de contar con el beneplácito de mi empresa para una excedencia de un año. Así, me até los machos y puse rumbo a Corea. Tras un par de visitas al país en 2012 me creía todo un experto. Iluso de mí. Mis conocimientos de coreano se limitaban a decir “hola, gracias y bibimpap”.

Con esas aterricé en Incheon el 30 de diciembre de 2014, justo antes de nochevieja. Sin tiempo para disfrutar de un bien merecido jet lag, tras 24 horas de viaje total y un atraco a sonrisa armada al pagar el taxi, aparecí en la residencia de la universidad de Yonsei.

Empezaba lo bueno.

Mi primera noche en Seúl coincidió con la nochevieja y, por el contrario de lo que pudiera pensarse, no es mal momento para llegar a un país, pues pude comprobar de primera mano una de las características de Corea: trabajar duro, divertirse a tope. Como buen español eché de menos las uvas, aunque no me duró mucho la pena. Una noche entre Itaewon y Gangnam me bastó para intuir la inmensa oferta de ocio de Seúl, y sentí que eso ayudaría a no echar tanto de menos España.

Así que mi vida en Corea, cronológicamente hablando, arrancó a la par que el año y comencé a instalarme. En cuestión de una semana tenía apartamento, línea de internet, cuenta bancaria, teléfono, muebles, menaje del hogar y hasta amigos. Todo en tiempo récord, para mi sorpresa, pero es que si algo define Corea es la velocidad: aquí todo transcurre a un ritmo veloz. Los contratos se redactan en minutos, las decisiones se toman en el momen-

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to y nada se deja para después. Cabe resaltar que los voluntarios que la universidad asigna para facilitar la llegada de los estudiantes extranjeros, me ayudaron mucho a realizar todos los trámites y resolver todo en cuestión de días.

Ya totalmente instalado, tras un par de días de sentirme como el protagonista de “Sabiduría garantizada” al dormir en un futón mientras llegaba la cama, comenzó el curso en Yonsei, una de las más prestigiosas universidades de Corea. Viniendo de España, donde la elección de universidad es algo bastante casual, pude constatar la importancia de ese factor en Corea, donde hay una obsesión casi enfermiza con los rankings, pues estudiar en una universidad o en otra puede cambiarte la vida diametralmente.

Entrar en una universidad de élite es uno de los más importantes deseos de todos los padres, y también de los alumnos, y eso se palpa en cada gesto.

El patrocinio de la Unión Europea nos abrió las puertas a eventos y actividades de la comunidad de expatriados, particularmente europeos, residentes en Corea. Como es obvio, teníamos especial acceso a aquellos organizados por la Embajada de la Unión Europea en Corea y a las convocatorias de la Cámara de Comercio Europea en Corea; sin duda una buena oportunidad para intercambiar tarjetas de visita y para conocer gente interesante. Ahí pude percibir una constante: la mayoría de expatriados en Corea oscilaba entre periodos muy cortos o muy largos. Apenas había término medio.

Entonces comprendí que no era un país para medias tintas: o te engancha y te quedas, o lo dejas y te vas. Corea no es país para débiles.

El curso seguía su marcha y comenzamos las clases de coreano. Tras aprender el alfabeto coreano (hangeul) en, más o menos, un par de días, las clases adquirieron un ritmo militar. Había que completar cada tema a diario como fuera: Mucha repetición, mucho énfasis en la gramática y poco margen para aprender frases hechas del día a día. Por eso la curva de aprendizaje suele ser alta al principio, pero los estudiantes luego suelen tirar la toalla, al no ver muchos avances prácticos para la vida cotidiana. No en vano, dicen que el coreano es uno de los diez idiomas más complicados del mundo, y aprenderlo es un desafío al que hay que dedicar mucho esfuerzo. Pero otra de las cosas que caracteriza Corea es que todo esfuerzo tiene su recompensa, y todos los codos que tuve que hincar para empezar a chapurrear coreano, me han servido para ganar muchas sonrisas y buen trato por parte de la gente.

Las clases de coreano se combinaban con las clases de la escuela de negocios. Todo el programa estaba perfectamente milimetrado como un mini-MBA centrado en Corea, y recibíamos visitas de gran cantidad de profesores invitados, tanto de la propia Yonsei como de otras universidades de Seúl, incluyendo Korea University, Seoul National, Ehwa y otras de prestigio. Aunque, quizá por nuestro perfil, solíamos sacar más provecho de las clases impartidas por profesionales coreanos, algunos de grandes empresas coreanas o representantes de empresas europeas en Corea. Los grandes conglomerados vertebran en gran medida la economía del país y están presentes en todos los sectores, de ahí su importancia a la hora de estudiar el singular modelo coreano en la universidad, tanto en los programas curriculares normales, como en el nuestro, hecho un poco “a medida” para profesionales extranjeros becados por la Unión Europea.

El ritmo del curso, con clases mañana y tarde, y estudio por la noche, dejaba poco tiempo para explorar Seúl y Corea entre semana. Aún así siempre sacábamos un rato para organizar alguna cena o visitar los sitios más recomendados de la ciudad. Ahí pude constatar que no hay un día entre semana en el que no haya gente en la calle. Había oído muchas veces la expresión de “esta ciudad nunca duerme”, aplicada a muchas ciudades, pero es la primera vez que estoy en una ciudad que realmente merece ese sobrenombre.

Por suerte, mi apartamento estaba cerca de la universidad, así que solo empleaba el transporte público para ir de compras o visitar algún centro de ocio. En esos trayectos pude descubrir una de las mayores “aficiones” de los jóvenes (y no tan jóvenes) coreanos: el teléfono móvil. Recuerdo que los primeros días en el metro me llamaba poderosamente la atención ver cómo todos y cada uno de los pasajeros del vagón viajaba en silencio y con la vista posada en la pantalla de su teléfono. TODOS. Y en cuanto a los selfies o autorretratos, diría que es otra tradición que en Corea, al igual que en resto de Asia, está más que instalada en el ADN, pues han de retratar (y retratarse) cada instante. Unido a ambas, está el omnipresente KakaoTalk, un servicio de mensajería instantánea que los coreanos usan para todo, durante horas y horas al día. Si vives en Corea, no podrás estar más de dos días sin instalarlo.

Así iba pasando el curso hasta que las clases acabaron a finales de Julio. Increíblemente rápido, como todo en Corea, esos siete meses volaron en un suspiro. Tras el increíblemente frío invierno, llegó un calor arropado por una humedad sofocante. Yo había vivido casi toda mi vida en Andalucía (en el sur de España) y me quejaba del frío invierno seulita, pero siempre recibía la misma respuesta por parte de los coreanos: peor es el verano. Y tenían razón. Las altas temperaturas con tan alta humedad hacen del verano en la capital un periodo difícil, lo que me lleva a comentar la gastronomía.

Para mi sorpresa, los coreanos para combatir el calor en verano toman comidas muy calientes, y mantienen su nivel de picante, pues el calor interior les ayuda a regular la temperatura del cuer-

po con el exterior. Y es que la comida en Corea es un punto fuerte, pues como no podía ser de otro modo, a los coreanos les gustan los sabores potentes. Por lo demás, para un extranjero resulta variada y asequible, siempre y cuando comas fuera de casa, y no tengas un paladar muy sensible al picante (al picante coreano, muy distinto al de India o al de México, por mencionar dos ejemplos).

Algunos dicen que como en casa no se come en ningún sitio, pero más bien es la gente lo que se echa de menos, quizá por eso me fue muy fácil conectar con otros españoles residentes en Seúl.

A algunos los encontré por casualidad, pero todos me recibieron con los brazos abiertos, y eso, a los que íbamos llegando nuevos, nos hacía sentirnos cómodos, casi como en casa. La comunidad española es pequeña, pero obviamente, el barniz de la amistad hace que cualquier cosa sea mejor, y mis amigos españoles supusieron un antes y un después. Con ellos por fin sentí que Seúl podía convertirse en algo parecido a un hogar.

Tras el verano, comencé unas prácticas en una empresa coreana que eran parte del programa, y durante tres meses me convertí en especialista en mercados latinoamericanos para una empresa de biotecnología. Como ingeniero industrial, esa posición quedaba algo lejos de mi zona de confort, aunque para conocer el funcionamiento de una empresa coreana por dentro, no tuvo precio. Las relaciones en la oficina, la jerarquía, las citas de esparcimiento tras una jornada de trabajo con los compañeros… Me ayudaron a poner en práctica todo lo aprendido en Yonsei. Y pese a las limitaciones con el inglés de mis compañeros (o más bien pese a mis limitaciones con el coreano) tuvieron un trato exquisito conmigo. Creo que ayudó el hecho de ser el único extranjero, pues mi presencia era algo excéntrico en su rutina diaria, pero todos mostraban gran curiosidad por mi país, mi cultura, y mis opiniones sobre Corea. Fue un periodo bastante agradable, y es que los coreanos, una vez traspasas los reparos iniciales, saben mostrar cordialidad más allá de los convencionalismos sociales.

Las prácticas dieron paso a mi graduación en noviembre y también a una encrucijada: ¿Volver a Europa y dar un cambio radical a mi vida o buscar trabajo en Corea? En esas cavilaciones, recibí un par de ofertas de empresas coreanas que buscaban extranjeros con mi perfil y, como suele pasar a menudo, casi por casualidad, me vi inmerso en un proceso de selección para uno de los principales conglomerados coreanos. Tres entrevistas, incluyendo un almuerzo con el responsable de la compañía, cristalizaron en una oferta de trabajo en Seúl, en una de esas empresas en que tantos y tantos jóvenes coreanos desearían formar parte.

Y eso me permitió abrir una nueva etapa en Corea: el mundo laboral ya sin tiritas, con sus pros y sus contras. Es pronto para hacerme una idea de cómo será mi vida cotidiana, pero si algo puedo intuir es que por estas fechas en 2017, además de haber mejorado mi capacidad para trabajar en todo tipo de entornos, sin duda diré algo así como… “Parece mentira, pero ya van dos años en Corea”.

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EstIlO DE VIDA

COMIDA A DOMICILIO EN TU SMARTPHONE Jeon Sung-won Editor jefe, publicación trimestral Hwanghae Review (Cultura del Mar Amarillo) shim Byung-woo Fotógrafo

A la hora de planear la comida o la cena, las familias coreanas tienen tres opciones a elegir: sentarse juntos a disfrutar una comida casera, comer en un restaurante o pedir comida a domicilio. Hay una infinita variedad de platos que pueden ser enviados a casa a cualquier hora y en cualquier día de la semana, con opciones que incluyen desde comida rápida al estilo occidental, hasta sopas y guisos tradicionales de Corea. Las aplicaciones de comida a domicilio están ganando popularidad recientemente, ya que ofrecen útiles servicios online para ayudar a los usuarios a elegir opciones de menú, comparar precios, pedir comida (a menudo con descuento) y realizar pagos.

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rácticamente todos los extranjeros que han vivido en Corea durante un considerable periodo de tiempo han pedido comida a domicilio alguna vez, y parte de ellos lo hizo con mucha frecuencia. Los servicios de comida a domicilio no son algo exclusivo de Corea, en absoluto. Pero existen, sin duda, aspectos distintivos que convierten en un fenómeno especial este tipo de servicios en el país.

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Cualquier plato en su domicilio las 24 horas En primer lugar, no se cobran gastos de envío. Y, al contrario de lo que sucede en otros países, tampoco hay que dar propina al repartidor. El cliente puede realizar su pedido entre una impresionante variedad de recetas y pagar solo el precio del menú normal. Además los pedidos se entregan muy rápido, incluso por la noche, y en muchos casos durante las 24 horas del día, siete días a la semana. Muchos restaurantes de comida a domicilio en cada barrio están abiertos incluso en días festivos. La comida china o coreana se puede recibir no solo en recipientes desechables; sino también muy caliente en platos normales, pues los repartidores regresarán más tarde para recoger la vajilla usada que se deja frente a la puerta.

Los folletos de comida a domicilio con cupones de descuento se depositan generalmente en buzones y portales de los edificios de apartamentos de todo el país, e incluso el restaurante más pequeño del barrio cuenta con una página web donde consultar. Así que, en estos días ni siquiera hace falta realizar una llamada telefónica para pedir los platos. Además, se puede pagar con solo algunos clics a través de las aplicaciones de comida a domicilio para smartphone. los inicios de la comida a domicilio El registro más antiguo conocido de un servicio comercial de entrega de comida a domicilio en Corea es el de hyojonggaeng , que significa “sopa que se toma para ahuyentar una resaca al amanecer, cuando la campana anuncia el levantamiento del toque de queda”. En el libro “Haedong jukji” (“Letras de Corea escritas con ramas de bambú”), publicado en 1925, Choe Yeong-neon, un erudito y calígrafo de los últimos años de la dinastía Joseon, escribió acerca de esta deliciosa sopa: “A la gente de Gwangju (un condado al sur de Seúl, en la provincia de Gyeonggi) se la conoce por ser buena a la hora de cocinar hyojonggaeng . Ponen corazones de col, brotes de soja, hongos de pino, setas shiitake, costillas de ternera, pepinos de mar y orejas de mar en agua mezclada con gruesa pasta de soja, y hierven la mezcla durante todo el día. Por la noche envuelven las ollas de sopa en mantas acolcha-

das para poder transportarlas a Seúl. Allí se entregan en las residencias de los altos funcionarios del gobierno, a la hora en que suena la campana por la mañana. Las ollas todavía permanecen calientes y la sopa es muy apreciada como método para aliviar la resaca”.

Esto demuestra cómo el capitalismo urbano ya había comenzado a filtrarse lentamente en la sociedad de la época de Joseon, teniendo en cuenta que los servicios de comida a domicilio son un negocio que surgió al comienzo de la cultura comercial urbana. En 1910 Joseon fue anexionado a la fuerza por Japón, que ya había adoptado la tecnología, el comercio y la cultura moderna de occidente antes que sus vecinos. A partir de entonces Corea se movió hacia la modernización bajo el dominio japonés. La gente emigró en masa de las zonas rurales a las zonas urbanas en busca de trabajo, lo que generó cambios en el entorno urbano.

Después de que Incheon abriera su puerto a los buques extranjeros, se convirtió en un crisol con hordas de recién llegados provenientes de las provincias de Pyongyan, Hwanghae y Chungcheong, que habían experimentado un rápido crecimiento por la expansión de las comunidades japonesas y chinas allí presentes. De forma natural la cultura gastronómica de la zona se fue desarrollando en un cruce de influencias. Entre los platos más populares que surgieron en ese momento destacan el jajangmyeon, una receta de fideos chinos al estilo coreano, y el naengmyeon o fideos de trigo sarraceno en caldo frío, que normalmente se disfrutaban en la parte norte de Corea. Cuando las fábricas de hielo comenzaron a distribuir bloques de hielo a los consumidores, la gente común empezó a disfrutar del naengmyeon durante todo el año.

Incheon se convirtió en un importante punto de distribución de hielo porque estas fábricas se construyeron allí desde el principio para suministrar los bloques a los buques de alta mar.

Kim Suk-bae, un fotógrafo nacido en 1925 y testigo viviente de los inicios de la fotografía moderna en Corea, recuerda que en 1938 su familia pedía naengmyeon a domicilio por teléfono desde Incheon a su casa en Eulji-ro, en pleno centro de la ciudad de Seúl. En ese momento había, por supuesto, restaurantes de naengmyeon en las calles del barrio de Cheongjin-dong, cerca de Jongno 3-ga, también en el centro. Sin embargo, su familia quería disfrutar de la especialidad preparada en Incheon, una ciudad lejana que era conocida por su delicioso naengmyeon . Esa cultura temprana de la comida a domicilio desapareció a finales de la Segunda Guerra Mundial, cuando los alimentos fueron racionados y cerraron los restaurantes.

Cultura y arte De Corea 61

ppali! ppali!

La exitosa popularización de la comida a domicilio en Corea responde en gran parte a la cultura del ppali, ppali (rápido, rápido) que fue parte esencial del acelerado proceso de modernización del país. Inmediatamente después de su liberación del dominio colonial japonés en 1945, Corea experimentó la división nacional y una trágica guerra civil. Sin embargo, en un período de tiempo relativamente corto la economía coreana creció rápidamente hasta el punto de que el país pasó a situarse como uno de los 10 más importantes del mundo en términos de comercio. En este proceso, la cultura del ppali, ppali jugó un papel primordial a la hora de lograr un rápido crecimiento económico durante la década de los 60, así como en la modernización del país durante los años 80, y en la democratización que tuvo lugar al final de esa década.

Numerosos coreanos tuvieron que trabajar duro y durante muchas horas para alcanzar el objetivo de un elevado crecimiento nacional, acortando sus períodos de descanso para comer y cenar.

Los servicios de comida a domicilio también se vieron impulsados por las condiciones favorables del mercado en el país. Los negocios de este tipo lograron echar raíces gracias a la existencia de muchas áreas urbanas densamente pobladas, y también a la antigua costumbre de comer algo por la noche, según han señalado expertos del sector. El servicio de entrega de comida solo es rentable cuando hay suficiente demanda en las zonas de fácil acceso. Además, la incorporación masiva de trabajadores en el sector de la hostelería en los últimos años -resultado del aumento del desempleo por la desaceleración económica y la jubilación anticipada de la generación del

En un sondeo de 2014 sobre tendencias gastronómicas, un 84,2% de los encuestados reconoció que sus hábitos alimenticios habían cambiado ante la proliferación de dispositivos y servicios móviles.

Aproximadamente un 53,5% aseguró haber recopilado información sobre restaurantes con sus dispositivos inteligentes, y un 25,3% indicó que había descargado aplicaciones para acceder a información sobre nuevos restaurantes y sus menús 1

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baby boom- también ha contribuido a ampliar los servicios de comida a domicilio. En un momento en que el crecimiento de la industria de la hostelería se ha estancado, los servicios de comida a domicilio se han convertido en un nuevo medio para sobrevivir en un entorno de mercado altamente competitivo.

una aplicación para todo En 2010, cuando se intensificaba la competencia en el mercado de la comida a domicilio, se introdujeron aplicaciones basadas en la localización de los clientes, para proporcionarles información actualizada sobre los restaurantes con este servicio. Pero gracias a la ubicuidad de los usuarios de smartphones, estos servicios han reforzado la conectividad en tiempo real entre proveedor y cliente; y por tanto las aplicaciones de suministro de alimentos tuvieron un fuerte despegue inicial. Éstas ofrecen ahora diversos servicios complementarios, como aportar valoraciones y comentarios de los usuarios, además de funciones de pago y ofertas con descuentos especiales.

Como corresponde al estatus de Corea como potencia tecnológica, un gran número de usuarios de smartphones se sienten cómodos usando los servicios que ofrecen estas nuevas aplicaciones.

En un sondeo de 2014 sobre tendencias gastronómicas, un 84,2% de los encuestados reconoció que sus hábitos alimenticios habían cambiado ante la proliferación de dispositivos y servicios móviles. Aproximadamente un 53,5% aseguró haber recopilado información sobre restaurantes con sus dispositivos inteligentes, y un 25,3% indicó que había descargado aplicaciones para acceder a

información sobre nuevos restaurantes y sus menús. Una encuesta similar en 2014, en la que se añadió una nueva pregunta sobre las aplicaciones de comida a domicilio, un 18,2% de los encuestados aseguró usarlas con frecuencia. La mayoría de los usuarios de este tipo de aplicaciones eran jóvenes de entre 20 y 30 años.

En la actualidad existen en Corea entre 30 y 40 aplicaciones de comida a domicilio, todas ellas inmersas en una dura competencia. El número total de descargas de las tres principales -Baedal Minjok, Yogiyo y Baedaltong - ha superado los 40 millones, según informes recientes.

Con el fin de adquirir ventaja competitiva, la aplicación Baedal Minjok permite a los clientes acceder a su servicio “todo en uno”, basado en la localización del usuario que permite el proceso de introducción de información personal. Esta tecnología de vanguardia se asimila bastante a la emergente interacción móvil del conocido como Internet de las Cosas.

Alentadas por su éxito en el mercado nacional, las empresas que gestionan aplicaciones de comida a domicilio avanzan ahora hacia los mercados extranjeros. Por lo tanto, a día de hoy parece necesario pensar en los modos de agregar un nuevo valor a la cultura de la comida a domicilio de Corea, de forma que pueda beneficiar a más personas y contribuir al bien común, más allá de la satisfacción inmediata del apetito en sí. Después de todo, a la hora de disfrutar de un bocado nocturno, o de platos entregados de forma puntual en casa o en la oficina, ¿no es más satisfactorio compartir la experiencia con familiares y compañeros? (Traducido por Atahualpa Amerise)

1 Un creciente número de personas disfruta a diario de comida para llevar, en casa o al aire libre, tras buscar sus platos preparados favoritos en las aplicaciones de sus teléfonos inteligentes, con tan sólo unos clics.

2 Los repartidores sortean las calles a gran velocidad, para que la comida llegue caliente. El número de empresas de comida a domicilio también va en aumento.

2

Cultura y arte De Corea 63

JORNADAs DE lItERAtuRA COREANA

CRÍTICA LITERARIA

CANTO SURREALISTA DE DIVISIÓN POR UN BOHEMIO “Mis novelas están influidas en gran medida por la pintura…

Tengo más interés en el mundo del subconsciente de un individuo, sus sueños y pesadillas, más que en la conciencia externa de la sociedad. Por tratarse de un mundo difícil de explicar mediante el razonamiento racional, es natural que opte por un acercamiento surrealista. Es por eso que mis novelas no se centran en el hilo de la historia sino en imágenes y en mantener cierto nivel de tensión en los lectores, y lo que intentan es dejar más espacio a su imaginación”.

Cho Yong-ho Novelista y periodista literario, The Saeye Times

n 1984, Corea permanecía en un estado de división entre el norte y el sur, y aún ahora tras más de treinta años la situación se mantiene sin cambio alguno. En aquella época, persistía una extrema tensión entre los dos Coreas y el llamado nuevo régimen militar gobernaba tan represivamente como el anterior. Bajo estas circunstancias, la literatura era la principal fuerza de resistencia contra la tiranía, que con la tendencia generalizada de su llamada literatura Minjung (del pueblo), proporcionaba consuelo a los más vulnerables en el nivel más bajo de la sociedad, haciendo que la realidad social ocupara un lugar central.

En ese año, el novelista Lee Ze-ha publicó su obra “El caminante nunca se detiene” y recibió el premio de literatura de Yisang al año siguiente. Lee Ze-ha se había mantenido al margen, desviándose de la

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corriente principal de sus contemporáneos en el círculo literario.

Nació en 1937 y estudió pintura occidental en la Universidad Hongik, que es líder en bellas artes. Hizo comentarios sobre el impacto que le produjo el hecho de llegar a Seúl desde su pueblo natal y sus conocimientos sobre el expresionismo y el surrealismo. En su intento de expresar el subconsciente en sus creaciones narrativas, hizo una activa práctica de diferentes técnicas de acentuación o de tendencias de variación. Como resultado, sus obras representativas, como “Hervíbora” o “Cortas biografías de Yuja”, se consideraron demasiado abstrusas, pero en “El caminante nunca de detiene” es más fácil seguir el hilo y tuvo buena acogida entre los lectores en general. Y además, el relato tuvo un impacto lo suficiente importante no solo como para obtener un prestigioso premio de literatura, sino también para llevarse a la gran pantalla dirigida nada menos que por Lee Jang-ho. Aun así, tampoco es nada fácil leerlo hasta el final sin encontrarse perdido en medio del relato.

La característica más destacable de esta obra es que de ninguna manera ofrece una explicación convincente al lector. Es por eso que, a medida que se desarrolla la historia, deja constantemente desorientado al lector por la falta de lo que normalmente se espera, como pistas del motivo de lo que está ocurriendo. Cuando un hombre solitario, que al comienzo del relato, baja el último de un autobús y se queda clavado, parado ante la inmensidad del mar, tampoco da ningún indicio que explique claramente esa actitud.

Al bajar a la playa, súbitamente un centinela armado lo llama deteniendo su paso, lo que también es algo incomprensible, en especial para los lectores no coreanos poco familiarizados con el hecho de que la costa del mar del este en aquel entonces no estaba abierta al público. Las áreas costeras se hallaban fortificadas y resguardadas para detectar cualquier infiltración por parte de Corea del Norte. El nombre del juego que el autor realiza a lo largo del relato es “misterio”. En el restaurante, la misteriosa motivación de ese hombre contrasta con la escena común y corriente de un grupo de montañeros que había bajado del mismo autobús y que intentaba disfrutar de su tiempo allí con unas jóvenes prostitutas. Al marcharse estos y quedarse solo, el dueño del restaurante le lleva con un anciano enfermo y su enfermera. Le propone que los acompañe hasta un destino indefinido al otro lado de la montaña, cerca de la línea de armisticio o de demarcación ofreciéndole una remuneración. Rechaza la propuesta, sale del restaurante, deambula por la zona y se dirige a una pensión donde se encuentra con los montañeros.

Se une a ellos, pasa la noche jugando a cartas e inesperadamente entra en una habitación con una de las prostitutas, pero rechaza su servicio. En la profundidad de la noche, de pronto lo zarandean despertándole porque una de las chicas había muerto de un ataque cardíaco y le aconsejan que se vaya antes de que llegue la Policía. Ya fuera de la pensión, sintiéndose culpable por no haber podido llevar al anciano y a la enfermera hasta cerca de su pueblo natal, regresa al restaurante a buscarlos, pero se habían

marchado y ya no estaban.

De nuevo en autobús, va al sur a través del autobús periférico de la costa y llega hasta un restaurante de Gangneung. Deja aquí entrever que su mujer estaba ya muerta y que estaba a punto de tirar tardíamente sus cenizas al llegar a Hoban de Gyeongpo, el lugar donde pasaron su luna de miel. Es ahora que da a conocer que la bolsa de plástico, que sacó al principio de su bolso, contiene los restos de su mujer y hace que nos demos cuenta del motivo de su viaje. En lugar de una ceremonia solemne, se limita a esparcir la ceniza en el viento a través de las ventanas de la segunda planta de un restaurante. Decide pasar la noche allí y mantiene brevemente sexo pagado. Desde la mañana siguiente, se entremezclan realidad y alucinaciones, un sueño que culmina cuando una mujer lanza su cuerpo contra un coche que se acercaba, dando a entender la muerte que tuvo su esposa.

Su mujer desconocía su lugar de nacimiento. Presintiendo que sería un lugar de la costa del este, había buscado esa zona y se había encontrado con el anciano que deseaba ir a morir a su pueblo natal cerca de la línea de armisticio.

El hombre busca al anciano y a la enfermera. A causa de una tormenta de nieve, toma un taxi para cruzar la montaña y se encuentra con otros dos hombres que estaban haciendo lo mismo. El anciano, un hacendado emprendedor, deseaba terminar su vida en algún lugar cercano a su pueblo natal, cerca de la línea de armisticio entre Corea del Sur y Corea del Norte. Sin embargo, sufre un ataque y su hijo contrata clandestinamente a una enfermera para sus cuidados.

Cuando los encuentra en su fuga, paga a la enfermera y la insulta al ver que el hombre decide quedarse con ella.

La noche que pasan juntos está llena de emociones y tensiones inesperadas. La enfermera le habla de lo que le dijo un adivino, de que a sus treinta años el hombre que encuentre a orillas del agua y tenga tres cofres en la mano era su marido en una vida anterior. Al día siguiente, al lado de la laguna donde una chamán estaba escenificando un ritual por el alma de un niño, la enfermera es poseída por un espíritu.

La chamán había visto en la enfermera a su hija muerta hacía mucho tiempo que había vuelto de la muerte, y al hombre le parecía haber visto en ella a la reencarnación de su esposa al escuchar la voz con la que lo llamaba. El encanto de este relato está en que rechaza la típica forma realista de técnicas de narración. Cuando el relato termina abruptamente, todavía con otro inexplicable giro de eventos, se deja deliberadamente en suspenso: no podemos imaginarnos qué es lo que pasará más adelante, si el hombre y la mujer se encontrarán de nuevo y permanecerán juntos. A su vez, la obra da un giro al chamanismo y al enlace entre la vida y la muerte. En una época en la que la mayor parte de los escritores se hallaban inmersos en temas de división territorial y realismo social, este relato explora la profundidad de la fantasía mágica y el surrealismo. El caminante y su camino se mantienen entrelazados como si lo hubieran estado desde el principio. (Traducido por Kim un Kyung) Cultura y arte De Corea 65

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LTI Korea Translation

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Academy

LTI Korea Translation Academy Fellowship The LTI Translation Academy Fellowship is open to native speakers of any of the following languages: English, French, German, Russian and Spanish. The fellowship is designed to allow foreign students to devote themselves fully to their study of literary translation during their stay in Korea.

The fellowship includes: Round-trip airfare, monthly stipend of 1.6 million KRW, visa sponsorship, health insurance, and tuition waiver

About the Program

English, French, German, Russian, Spanish • Languages • Foreigners interested in translating Korean literature • Eligibility •

※※ Fellowship recipients are ineligible to apply for scholarships offered by other organizations while studying at the Academy. ※※ A certificate of completion is issued at the end of each year. of Fellowships 3–4 for each language • Number • Translation of Korean Literary Texts, Study of Translation Styles, Korean • Curriculum • Literature, Korean Culture, Korean Language - The program also offers activities such as meetings with Korean writers and cultural excursions.

Professors of literature, translation, and Korean language and culture • Faculty • September 2016–June 2018 • Duration • - 1st Year: September 2016–June 2017 - 2nd Year: September 2017–June 2018 (Fall Semester: September–December | Spring Semester: March–June)

The LTI Korea Translation Academy offers several courses for aspiring translators of Korean literature from all around the world. Designed for people who are deeply interested in translating Korean literature, the Regular Course was earlier offered as a one-year program. With the vision of transforming the Academy into a graduate school of translation, we expanded it into a two-year program in 2015. We are looking for talented applicants who will rise to the challenge of translating Korean literature, thereby contributing to the growth of its global readership.

How to Apply

Documents • Application •

Application form, personal statement written in Korean, a letter of recommendation, sample translation of a literary work, and a certificate of Bachelor's degree - The application and personal statement forms, and the letter of recommendation form can be downloaded from the LTI Korea website. (ltikorea.org) - Foreign applicants may submit a certificate of registration and academic transcripts in place of a bachelor's degree certificate.

- Text to be translated: 「왼손잡이 「왼손잡이 여인」, 김숨, 『2015 제39회 이상문학상 작품집』, 문학사상사 여인」, 김숨, 『2015 제39회 이상문학상 작품집』, 문학사상사 , 2015, pp. 62–69(until the 8th line from the top of the page)

Criteria • Selection •

Application review, sample translation review and telephone interview - Applications can be made online (academy.klti.or.kr) or by email (academy@klti.or.kr).

The applications should be received no later than 24:00(Korean standard time) April 30, 2016.

Selection process

Period April 1–30, 2016 • Application • of Candidates for Telephone Interview • Announcement • Interview May 23–27, 2016 • Telephone • • Final • Result Announcement June 8, 2016

May 18, 2016

Contact: Ms. Lee, Min A (Tel: +82-2-6919-7752 | E-mail: academy@klti.or.kr)

Korean Culture & arts 5

2 Koreana summer 2015

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