El Telón / septiembre - octubre 2018

EL TELÓN EDICIÓN #51 ǀ SEPTIEMBRE - OCTUBRE ǀ VII TEMPORADA ǀ 2018 - 2019 ǀ WWW.TEATROSANCHEZAGUILAR.ORG

DANZAS JAZZ UNA NOCHE EN BROADWAY

JORGE DREXLER LLEGA A GUAYAQUIL CON “SALVAVIDAS DE HIELO”

GUADUAL CAUTIVANTE CIRCO FAMILIAR

FUNDACIÓN SÁNCHEZ AGUILAR Carlos Sánchez Aguilar PRESIDENTE Ángel Polibio Sánchez Arosemena VICE PRESIDENTE María Cecilia Sánchez de Martinod DIRECTORA EJECUTIVA Claudia Pinargote Delgado ASISTENTE DE DIRECCIÓN EJECUTIVA Y COORDINADORA DE PROYECTOS FSA DIRECCIÓN ARTÍSTICA Ramón López Barranco Velasco DIRECTOR ARTÍSTICO Paulina Carrión Antepara ASISTENTE DE DIRECIÓN ARTÍSTICA PRODUCCIÓN Denisse Melgarejo PRODUCTORA EJECUTIVA Carlos Alberto Núñez / Ana Belén Ribas ASISTENTES DE PRODUCCIÓN Gladys Fernández Durán ASISTENTE DE PRODUCCIÓN SERV. VARIOS Alexandra Medina Pérez COORDINADORA CAMERINOS MARKETING Y COMUNICACIÓN Diego Chang Niemann GERENTE DE MARKETING Maité Freire Villacreses JEFA DE MARCA SALA PRINCIPAL Doménica Landívar Ontaneda JEFA DE MARCA SALA ZARUMA Paul Torres Noboa DISEÑO GRÁFICO Y FOTOGRAFÍA Carlos Emanuel Cedeño MULTIMEDIA Mariuxi Dueñas Díaz PRENSA / REDACCIÓN Carlos Luis Uvidia DIGITAL MANAGER Arcadio Arosemena Robles REGISTRO FOTOGRÁFICO (PROVEEDOR EXTERNO) COMERCIALIZACIÓN Melissa Sangurima Gallardo JEFA DE EVENTOS Soledad Albán Escala JEFA DE VENTAS / AUSPICIOS ANFITRIONES Cristina Zavala JEFA DE SALA Pablo Arévalo / Juan Martin Castro / Raphael Garcés / Daniel González / Joshue Salazar Ariana Torres / Raúl Vélez / Karolina Vivar ACOMODADORES TÉCNICOS Ronny Aroca Delhi JEFE TÉCNICO Andrea Rendón Salazar ASISTENTE ADMINISTRATIVA DEL ÁREA TÉCNICA Erwin Guale Cruz JEFE DE PISO Y TRAMOYA José Pastuzo / David Pizarro / William Cedeño / Darwin Cortéz ASISTENTES DE TRAMOYA Luis Guevara / Jorge Guale / Jessica Méndez ASISTENTES DE ILUMINACIÓN Fernando Vélez / Daniel Lillo / Aldo Vivas ASISTENTES DE SONIDO William Bustamante TÉCNICO EN MANTENIMIENTO / ELECTRICIDAD GESTIÓN ADMINISTRATIVA Y FINANCIERA Vicky García Valdez JEFA ADMINISTRATIVA Y FINANCIERA Ivette Zambrano Torres TALENTO HUMANO Mario Alvarado Naranjo / Félix Gutiérrez Quimi CONTABILIDAD Doménica Cárdenas Aguirre RECEPCIONISTA Dylan Segovia / Andrés Corral / Dayana Ruilova BOLETEROS Joaquín Merchán Bravo / Galo Argüello Aguirre MENSAJERÍA / PARQUEO José Salavarría / César Quishpe / Orlando Vargas GUARDIANÍA Miguel Álvarez Salazar SISTEMAS (PROVEEDOR EXTERNO) Av. Río Esmeraldas, frente al C.C. Las Terrazas. Telf.: +(593)4 209-7447 Samborondón - Ecuador

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PROGRAMACIÓN SEPTIEMBRE

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editorial

Un Poco o bastante de lo nuestro

María Cecilia Sánchez de Martinod DIRECTORA EJECUTIVA

FUNDACIÓN SÁNCHEZ AGUILAR

Todos somos orgullosos de nuestro país. Ofrece de todo y para todos los gustos en sus tan solo 283.560 km² de superficie. Siempre doy gracias por el maravilloso país en el que nací, pero más allá del país, está su gente. Todos nos emocionamos cuando escuchamos cantar a Juan Fernando Velasco “Yo Nací Aquí” y cuando dice “un país lleno de historia, de hombres y mujeres de hormigón; llenos de coraje y de ternura, llenos de pasión”. ¡Y es que somos así! Somos de hormigón, con coraje y con ternura. Podría enumerar muchos ejemplos donde he visto a esa gente, con ese comportamiento. Apostar por lo nuestro. La Fundación Sánchez Aguilar constantemente apuesta por lo nuestro: nuestros jóvenes becados, nuestras mujeres valientes y emprendedoras, nuestros artistas y nuestros talentos. Es lo que hicimos cuando nació el “El Guadual” un espectáculo de circo 100% ecuatoriano. Su historia, la del montubio, su música por medio del ritmo de la marimba, el charango, la quena, su escenografía elaborada 100% con caña guadua y los artistas, del circo social ecuatoriano. Este “hijo” al que vimos nacer en el 2016 nos ha dado muchas alegrías y nos llena de orgullo. A finales de ese mismo año El Guadual viajó a Barcelona donde ganó, dentro del Festival Grec dos premios: Premio Zirkolika al mejor espectáculo de circo en sala o carpa y el premio Ciutat de Barcelona a su Director, Leandro Mendoza. En noviembre del 2017 El Guadual fue parte del Festival Internacional de Artes Vivas en Loja y también fue galardonado. Este mes de septiembre los invito a que vengan no solo a apoyar sino a disfrutar de lo nuestro y ver a El Guadual con ojos de espectáculo internacional que bien ganada tiene su fama.

Siempre digo que me emociona ver como se está moviendo nuestra ciudad en lo que se refiere a ofertas artísticas y culturales, y me pregunto siempre si lo estamos aprovechando al máximo o solo vamos a los sitios nuevos que nos llaman la atención, pido disculpas por mi sinceridad, por esa novelería que nos caracteriza. Siguiendo con los nuestros, este mes de septiembre se luce en nuestra Sala Principal José Miguel Salem y sus Danzas Jazz. La canción dice “que veinte años no es nada” pero ¡treinta! no se dicen tan rápido. Acompañemos a esta compañía con un evento donde recordaremos los espectáculos teatrales, generalmente de Broadway que nos trajo Danzas Jazz. Para octubre tendremos el gusto de ver por primera vez dentro de nuestra programación a Francisco Pinoargotti y su espectáculo “Una Década de Humor”. Y continuamos apoyando a los nuestros por medio de los proyectos de apoyo a la sociedad como es Urband, concurso de bandas juveniles que luego de seguir un proceso de acompañamiento de mentores que influyen en las diferentes áreas que abarca el manejo de una banda, llegan a una final donde ganan una beca para estudiar en Paradox. No puedo negar que en medio del camino también nos acompañan artistas internacionales que engalanan nuestra programación como son Jorge Drexler, los tan legendarios Los Panchos, Sangre y Raza con su espectáculo de Flamenco y dentro de nuestro Festival de Circo, Verticalica y Santa Madera. Sigan nuestra cartelera por medio de las redes sociales y no se pierdan todo lo que el Sánchez Aguilar tiene para Uds. en estos meses de septiembre y octubre.

contenido septiembre

PROGRAMACIÓN

8-9 Una noche en Broadway Danzas Jazz

11 Salvavidas de hielo Jorge Drexler

12 Concierto de verano - VIPS 12 FIARTES PROGRAMACIÓN

8-9

octubre 16 Los Panchos

12

18 Una década de humor Francisco Pinoargotti

21 Santa Madera – Cía. MPTA 25 Barquito de papel – Papagayo

varios 31 Entrevista Jorge Drexler

25

40-41 Sociales 47 Fundación Sánchez Aguilar

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SEPTIEMBRE

PROGRAMACIÓN SEPTIEMBRE

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SALA

PRINCIPAL

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PROGRAMACIÓN SEPTIEMBRE

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PROGRAMACIÓN SEPTIEMBRE

Sinopsis Es viernes 7 de la noche y Steffy se dispone a salir a su casa desde el periódico donde ella trabaja cuando Edu la detiene y le dice que el jefe le ordena que prepare un reportaje a dos páginas de Danzasjazz y sus 30 años en el mundo de la comedia musical, ella reclama por no poder salir a su merecido descanso, pero igual no le queda otra y se pone a trabajar. Steffy inicia su ardua investigación lo que la lleva a adentrarse en el fastuoso y mágico mundo del teatro musical, y recorre los más bellos musicales del mundo. Esta milenial termina viviendo “Una Noche en Broadway “. Grupo Danzasjazz Producciones pioneros del musical en el Ecuador estrena su primera comedia musical “Una Noche en Broadway” en agosto de 1988 con un éxito sin precedentes en el teatro guayaquileño y de esta forma da inicio a una nueva era en el teatro de la ciudad ya que con este estreno se abrió un nuevo mercado de estrellas de la danza, el teatro y el canto. Han estrenado más de 35 comedias musicales como: Un Cuento de Navidad, Calor de Luna, Latinos, High School Musical, La Bella y la Bestia, Shrek, la Novicia Rebelde, Grease etc, con centenas de shows por todo el país y 6 escuelas de danza y teatro musical en la ciudad. Danzasjazz es un referente en el mundo del espectáculo nacional. Historia Danzasjazz Producciones nace como producto de un sueño que se hace realidad después de que José Miguel Salem, pionero en esta rama del teatro como lo es el musical, une en el año 1987 a un grupo de los más talentosos bailarines del momento y forma un grupo de trabajo experimental para la realización de una obra llamada “Una Noche en Broadway” que no estaba financiada y en un mercado totalmente ignorante del tema. Comenzaron los ensayos y preparativos durante casi un año dentro la escuela nacional de danza “Raymond Mauge Toniel” lugar que tan gentilmente su director el Señor Jorge Córdova

le presta a José Miguel para poder ensayar hasta altas horas de la noche, allí este grupo de valientes y arriesgados jóvenes soñaban con algún día estrenar su tan esperado musical, a la vez que se terminaba de construir el TEATRO CENTRO DE ARTE de la Sociedad Femenina de Cultura lugar que más adelante sirvió para la total realización de este gran sueño Con el trabajo de bailarines cantantes actores coreógrafos, escenográfos, vestuaristas, maquilladores, peluqueros, tramoyistas, utileros, sonidistas, iluminadores, productores, músicos, escritores, diseñadores gráficos, agencias de publicidad, comercializadores, el teatro y todas las personas de la parte administrativa de Danzasjazz Producciones Danzasjazz, estrena su primera obra en el mes de Agosto de 1988 y con el trabajo de todas estas personas fue el único motivo porque este grupo pudo surgir en este complicado pero maravilloso mundo del teatro musical. Muchos de estos puestos de trabajo no existían antes de la formación del grupo, hoy en día todas las personas que trabajan en las diferentes áreas de la producción son expertos en su trabajo y por ende los mejores del ramo. La labor de pioneros es muy difícil, pero continuar siendo los mejores es mucho más. En cada una de nuestras temporadas el público es más exigente con Danzasjazz, cuando se trata de calidad y técnica teatral, lo que nos obliga a trabajar de sol a sol para que el espectador entre a una caja de sueños y disfrute al máximo de un buen show. Muchas figuras nacionales han nacido crecido o participado en nuestros musicales con mucho orgullo, se puede decir que todos los artistas que han actuado en nuestras obras lo sienten como una de sus más gratas experiencias en su vida artística y a la vez que nos convierte en la más grande plataforma de talentos en el país, ya que después de nuestros estrenos todos los talentos de Danzasjazz han sido requeridos por el mundo de la televisión, radio, prensa, danza, teatro, modelaje etc. Por ende nos sentimos muy orgullosos de poder aportar de esta manera tan positiva a la sociedad ecuatoriana.

FUNCIONES: Viernes 31 de agosto 20h30 Sábado 01 de septiembre 19h00 Domingo 02 de septiembre 17h00 Sábado 08 de septiembre 19h00 Domingo 09 de septiembre 17h00 Sala Principal Valor: $45 $30 $20 Categoría: Teatro musical Duración: 120 minutos con intermedio Tipo de espectáculo: Musical Clasificación: Todo público FICHA ARTÍSTICA

Dirección: Jose Miguel Salem Elenco: Claudia Camposano, Patricio López, Ivonne Hidalgo, Luchiana Hakman, Nicole Rubira, Vanessa Ortiz, Yadira Ramón, Ricardo Granizo, Ariel Zoller, Alejandro Mayorga, Kelly Guillen, Ma Jose Palacios, Ma de los Ángeles Vera, Eduardo Araujo, Cristian Freire, Luis Álvaro López, Xavier Espinoza, María Cristina Hernández Escenografía: Patricia Macías de Alvarado y Pamela Rizzo Utilería: Michael Cohn Vestuario: Silvana Boloña de Macías Asistente de Vestuario: Ana Bermúdez Maquillaje: Cecilia Macías y Pilar Serrano de Tama Diseño Gráfico: Gorky Ortiz Estudio de Sonido: Osso Records Tramoya: Juan Moreno y Homero Mera Sonido e Iluminación: Teatro Sánchez Aguilar

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GANADOR PREMI CIUTAT DE BARCELONA

PROGRAMACIÓN SEPTIEMBRE

PREMIS ZIRKÒLIKA 2016 MEJOR ESPECTÁCULO DE SALA O CARPA

SALA

PRINCIPAL

PREMIO CIUDAD DE BARCELONA

EL TELÓN NOMINADO

25

$

VALOR DE LA ENTRADA COMPRA 2 ENTRADAS

Y RECIBE LA

3 GRATIS ERA

Patrocinadores Oficiales:

Auspiciantes:

10

Con el apoyo de:

EL TELÓN

PROGRAMACIÓN SEPTIEMBRE

Sinopsis Una mancha de cañas guaduas es testigo de un encuentro cercano y transcendental. Unos montubios acogen a una compañía internacional de circo abandonada en el Ecuador, se embarcaron en un proyecto que naufragó y ahora tienen que reconfigurar su futuro mientras construyen un mundo natural entre las guaduas ofrecidas, basándose en sus necesidades y sus posibilidades. Encontrando el arte de fibras naturales, la agrupación busca crecer en su nuevo entorno, entenderlo y armar de valor para transformarse de manera sostenible y armoniosa, que invita a actuar, dialogar, improvisar, investigar, ilusionar, amar... Estos artistas se mueven como animales en el bosque, dando vida a un viejonuevo circo rural, entrañable y utópico, el circo del Guadual.

Argumento Guadual es un espectáculo de teatrocirco que cuenta una historia que nace de una situación accidental. Una compañía de circo es estafada en Ecuador en medio de una carretera al lado de un río. Sus integrantes intentan navegar por el Río Guayas y, al naufragar, se encuentran con Ceibo, Tilingo y Amorfino, un Zambo y dos montubios con espíritu transparente y generoso que les dan un lugar provisorio para habitar en su Guadual.

La agrupación monta habitáculos para pasar unos días y reflexionar sobre cómo seguir adelante y las situaciones típicas de una compañía de circo comienzan a desarrollarse en medio de un Guadual. Ceibo y sus vecinos Amorfino y Tilingo, quedan impresionados con las habilidades de los artistas y pasan todo el tiempo con ellos hasta el punto de comenzar a practicar disciplinas circenses. Ellos, por su parte, les enseñan el manejo en la naturaleza, de los frutos, de las gallinas y sobretodo de la Guadua. Además comienzan a crear junto a Ceibo, Tilingo y Amorfino, con el apoyo de Mirla, Espiga y Castor, también artistas de la compañía. Entre las balas de paja y las cañas de guadua construyen una estructura para que los artistas aéreos puedan ensayar y montar su espectáculo, y así volver a enfrentar los nuevos caminos con sus pequeñas sabidurías. En un fuerte hábitat conjunto, todos ponen sus artes en juego y entre todos construyen y dan forma a la historia. Dramaturgia y dirección Leandro Mendoza Es artista, director, técnico y constructor de circo. Su formación se inició en la Escuela de Circo Criollo de los Hermanos Videla de Buenos Aires y se complementó con cursos de maestros y artistas de extensa trayectoria en el circo clásico como Pablito Ortanei, Mario Perez y Jose Machete. Como artista de circo, especialista en malabares, acrobacia y bicicleta acrobática ha participado en numerosos espectáculos.

FUNCIÓN Viernes 28 de septiembre 20h30 Sábado 29 de septiembre 19h00 Domingo 30 septiembre 11h00 /17h00 Sala Principal Valor: $25 Categoría: Teatro - Circo Duración: 80 minutos Tipo de espectáculo: Circense Clasificación: Todo público FICHA ARTÍSTICA Dramaturgia y dirección: Leandro Mendoza Diseño y construcción de escenografía: Ulrich Wiegel Entrenadora de Bambu: Poema Mühlenberg Diseño de Vestuario: Alex Fonseca Diseño de luces: Javier Aguirre Música: Chía Patiño, Marcel Ferrer, Jordy Burgos. Intérpretes: Priscila Catherine Aguilera Jurado, Jorge Luis Hidalgo Gavilanes, Alexander Gómez García, Mario Alberto Sánchez Araya, Margarita Mawyin Loriakova, Sofía Barriga Monteverde, Guillermo Enrique Witt Roura, Christian Guerra, Jenry Murillo, Marcel Ferrer, Jordy Burgos.

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SALA

PRINCIPAL

PROGRAMACIÓN SEPTIEMBRE

JORGE DREXLER Salvavidas de hielo Jorge Drexler

Salvavidas de hielo Jorge Drexler presenta su decimotercer disco, un trabajo lleno de ritmo, experimentación, melodías, y sobre todo, grandes canciones. […] Una catarata de percusiones, baterías, loops y sintetizadores… pero todos han sido creados con la guitarra y sus materiales. Las cuerdas, la caja de madera, la piel de un banjo, el metal de un dobro. Múltiples elementos que proceden de la guitarra se han convertido en una gran banda. Patrocinadores Oficiales:

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Cantautor y compositor uruguayo. Empezó a tocar la música en su niñez. Él aprendía el piano a la edad de cinco años y la guitarra clásica a la edad de once. Lanzó su primer álbum “La luz que saber robar” en 1992, el mismo año de su graduación de la escuela médica. Un paso importante en su carrera musical ocurrió en 1995 cuando Joaquín Sabina invitó a Drexler para colaborar en España. Allí, con la ayuda de un cantautor exitoso, Drexler grabó un álbum nuevo “Vaivén.” En el 2005, Drexler ganó el premio Oscar para la Auspiciantes:

Mejor Canción Original con su canción Al otro lado del río. Su música es del estilo folk y rock alternativo. Está influido por los géneros tradicionales de Uruguay como candombe, murga, milonga, y tango. FUNCIÓN Viernes 14 de septiembre a las 20h30 Sala Principal Valores: Platea D $35 / Platea C $50/ Platea B $60/ Platea A $75/ VIP $90 Categoría: Concierto Tipo de espectáculo: Música folk, pop y rock alternativo Clasificación: Todo público

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PROGRAMACIÓN SEPTIEMBRE

SALA

PRINCIPAL

ORQUESTA SINFÓNICA DE GUAYAQUIL Dante Santiago Anzolini El maestro Italo-argentino Dante Santiago Anzolini ha dirigido con gran éxito en Europa, Estados Unidos y Súdamerica. Su amplio repertorio incluye numerosas piezas tradicionales, tanto sinfónico como operático, así como obras modernas de los siglos XX y XXI. El maestro privilegia en su trabajo a nuevas composiciones y ha dirigido numerosos estrenos mundiales, tanto de piezas orquestales como de

óperas. Sus últimas presentaciones incluyen el estreno mundial de la ópera “Appomattolx” de Philip Glass, en la National Opera of Washington, donde hizo su debut, con enorme éxito y de público y crítica. Tuvo una gira de conciertos en el 2016 en Uruguay, con la Filarmónica de Montevideo, y ha hecho su debut en Torino y Milano dirigiendo la Orquesta y Coro del Teatro Regio en la premiere italiana de “Akhnaten” de Glass.

Repertorio 1. Sinfonía N°8 - Luis Humberto Salgado (1903 - 1977) 2. Tod Und Verklärung - Richard Strauss (1864 - 1949)

FUNCIÓN

Viernes 21 de septiembre a las 20h30 Sala Principal Valor: Entrada libre Categoría: Concierto Duración: 120 min Tipo de espectáculo: Música Clásica Clasificación: todo publico

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CIRCO

CARPA DE CIRCO

PROGRAMACIÓN SEPTIEMBRE

CANTINA

Círculo de Artes Escénicas

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Sinopsis

Círculo de Artes Escénicas

La Cantina te ofrece un trago de buen humor acompañado de buena música. “Cantina” es un espectáculo de Circo y Música en movimiento con 7 artistas en escena, dónde se juegan cuadros musicales, circenses, coreografías y situaciones teatrales con música en vivo. La escenografía se compone de 80 jabas de cerveza con las que se irán Construyendo distintos espacios mientras la músicahace un recorrido re versionado por la rockola, música del recuerdo, pasillos tradicionales, cumbias.

ONG con sede en Ecuador fundada en 2004, promueve iniciativas artísticas, pedagógicas y humanistas teniendo como eje las artes escénicas. Matías Belmar Director pedagógico e intérprete y Tanya Sánchez Productora e intérprete, han realizado varios proyectos, consultorías, giras y creaciones en constante colaboración con elencos multidisciplinarios dentro de su trayectoria artística, proyectos tales como “El Gran Circo de Olga la Pulga”; “El país de la Canela”; “La deliciosa historia del Xocolate “. Su teatro se caracteriza por estrechar los vínculos con el universo escolar, proponiendo al arte dentro del aula como una herramienta de desarrollo creativo y personal.

FUNCIÓN Jueves 27 de septiembre a las 21h00 Viernes 28 de septiembre a las 21h00 Sábado 29 de septiembre a las 21h00 Carpa de circo Valor: $15 Categoría: Circo contemporáneo País: Ecuador – Chile Duración: 60 minutos Clasificación: Mayores de 18 años FICHA ARTÍSTICA Dirección: Sebastian Belmar y Matias Belmar Elenco: Alexandra Cabanilla, Pancho Arias, Matías Belmar, Juan Nepi, Fidel Minda, Tanya Sánchez, Pedro Pablo Villacís Producción ejecutiva: Círculo Artes Escénicas Producción, difusión y ventas: Carla Calasanz Jefe técnico: Pedro Pablo Villacís (Anami) Soporte técnico, iluminación y tramoya: Cristopher Villavicencio Diseño gráfico: Ricardo Arturo Chávez Producción audiovisual: Queñua Photo & Film Asesoría creativa: Santiago Carcelén (Coach Teatro) Elena Orrala (Coach Salsa)

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PROGRAMACIÓN SEPTIEMBRE

MEMORIAS DE SPINETTA Invisible Ludmila

SALA ZARUMA

CAFÉ CONCERT

FUNCIÓN Martes 4 de septiembre a las 20h00 Sala Zaruma Valor: $12 Categoría: Café Concert Duración: 60 minutos Tipo de espectáculo: Rock acústico Clasificación: Todo público FICHA ARTÍSTICA Cantautor: Diego Chiang Centanaro Guitarra: Andrés Echanique Piano y teclados: Sebastián Salinas Flores

Memorias de Spinetta

Invisible Ludmila

Homenaje al músico argentino Luis Alberto Spinetta, en formato trío acústico. Se dará un repaso por su extensa discografía, dando a destacar las obras más representativas de su carrera artística, sin pasar por alto lo más profundo de sus letras que son de suma importancia por el tinte de sus temas.

Estudiantes universitarios de licenciatura en Música y más que todo admiradores de la obra de Luis Alberto Spinetta, se juntan para rendir justo homenaje a uno de los músicos latinoamericanos más reconocidos e influyentes de estos últimos tiempos. Gracias a la música de Spinetta y su lírica, que son sumamente amplias en su concepto, se da a reconocer en sus temas lo más prolífico de su talento.

CONCIERTO DE VERANO Los Vip’s

FUNCIÓN Martes 11 de septiembre a las 20h00

Los Vip’s y su vocalista, José Súñiga, nos presentan una nueva representación de baladas del recuerdo en un concierto de verano. Interpretación de temas musicales en ritmos como baladas y baladas rítmicas con arreglos musicales propios del conjunto los Vip’s, en el que a través de un juego de voces, transportará al público a épocas pasadas.

El conjunto Los Vip’s (Very Important people) a lo largo de su trayectoria cosechó éxitos en diferentes escenarios y grabaciones de covers así como de música inédita, habiendo grabado varios discos que sonaron en las principales emisoras. Fueron los que hicieron bailar a los amigos en las fiestas de 15 años de la década de los 70.

SALA ZARUMA

Grupo

CAFÉ CONCERT

Concierto de Verano

Sala Zaruma Valor: $17 Categoría: Café Concert Duración: 120 minutos Tipo de espectáculo: Baladas Clasificación: Todo público FICHA ARTÍSTICA Vocalista: José Súñiga Vásquez Batería: Xavier López Contrabajo: Fabricio Rodríguez Primera Guitarra o Prima: Alfredo Franco Camacho Segunda Guitarra o Rítmica: Jaime Recalde Morán Órgano de acompañamiento: Venancio Larrea Mendoza Teclado o Sintetizador Cuerdas y vientos: Mariano Larrea Mendoza

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PROGRAMACIÓN SEPTIEMBRE

93 CAFÉ CONCERT

SALA ZARUMA

ÁLBUM DEBUT

Lyzbeth Badaraco Quartet FUNCIÓN Martes 18 de septiembre a las 20h00 Concierto

Lyzbeth Badaraco Quartet

Después de su paso por el Conservatorio Superior Liceu de Barcelona, en donde realizó sus estudios de cuarto nivel, la pianista ecuatoriana Lyzbeth Badaraco lanza su primer trabajo discográfico de larga duración, “93”, grabado en los estudios de Audiovisión en Bogotá (Colombia). Esta propuesta busca contar historias a través de canciones, las cuales tienen una importante influencia de ritmos latinoamericanos teniendo como eje principal el jazz. Esta producción busca enriquecer y generar sensaciones, para así, darse un espacio en nuestra música nacional.

Lyzbeth Badaraco Quartet es un proyecto formado en 2013, liderado por la joven pianista guayaquileña, quien cursó sus estudios musicales de cuarto nivel en la ciudad de Barcelona. En junio de 2017, Lyzbeth regresa a Ecuador, su tierra natal, para compartir sus nuevas composiciones y en poco tiempo, tuvo apertura en distintos festivales de música y teatros en el Ecuador. Un cuarteto potente y emocionante, rico en matices y estilos, donde la personalidad y la presencia en el escenario de sus miembros no deja indiferente a nadie.

Sala Zaruma Valor: $17 Categoría: Café Concert Duración: 90 minutos Tipo de espectáculo: Jazz contemporáneo Clasificación: Todo público FICHA ARTÍSTICA Piano: Lyzbeth Badaraco Guitarra: Eduardo Morillo Bajo: José Olvera Batería: Juan Carlos Jiménez Músicos invitados: Voz: Diego Chiang Voz: Cristina Alcívar Voz: Indira Granizo Percusión: Isaac Badaraco

ENTRE BALADAS Y BOLEROS

CAFÉ CONCERT

SALA ZARUMA

Hilda Murillo

FUNCIÓN:

Martes 25 de septiembre a las 20h00 Sala Zaruma Valor: $25 Categoría: Café Concert Duración: 90 min Clasificación: Todo público FICHA ARTÍSTICA Voz principal: Hilda Murillo Cantante: Amado Terán

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Sinopsis Un espectáculo íntimo en homenaje a sus 60 años de trayectoria musical. Una velada romántica, acompañada de Amado Terán, deleitarán a su público con un recorrido especial a los boleros y baladas; una noche dedicada al romance y a las canciones de la época dorada de la música. La artista Hilda Murillo es una de las intérpretes ecuatorianas con reconocimiento nacional y que a través de su gran trayectoria, de más de 55 años de

carrera artística, ha sabido perdurar en el ámbito musical. Desde principios de su carrera, se inicia cantando junto a su madre Fresia Saavedra a la corta edad de 7 años, inclinándose por los géneros del pasillo y boleros, que se destacan en sus diversos repertorios. Ha compartido escenario con grandes artistas como Celia Cruz, Olga Guillot, Rocío Jurado, entre otros, y ha producido temas como: “Olvidarte nunca”, “Poema 20” y el éxito “Palabras, palabras” que se convirtió en el preferido y más escuchado en las emisoras locales y extranjeras.

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PROGRAMACIÓN SEPTIEMBRE

SOLISTAS & ENSAMBLES

Domingo 2 de septiembre a las 12h00 Sala Zaruma Valor: Entrada libre Categoría: Vermouth musical Duración: 90 minutos Tipo de espectáculo: Música clásica Clasificación: Todo público

Conservatorio Niccolo Paganini

En este concierto se pondrá en el escenario el trabajo realizado a los largo del presente año lectivo con las agrupaciones del conservatorio: Coro Infanto – Juvenil, dirigido por la Maestra Beslkis Hudson, Ensamble de Guitarras, dirigido por la Maestra Martha Acosta, Orquesta del Conservatorio, dirigida por el maestro Patricio Jaramillo y los estudiantes de las diferentes especialidades instrumentales quienes demostrarán su talento musical para deleite del público asistente, interpretando melodías del repertorio clásico universal.

El Conservatorio Particular de Música “Niccolo Paganini” fue creado el 3 de agosto del 2006, a través del Ministerio de Educación y Cultura, mediante Acuerdo Ministerial No 2766. Está dirigido por Patricio Jaramillo Carrillo, Violista – Concertista y Director de Orquesta y Nelly Rivas Chávez, Maestra Violinista – Concertista, ambos Licenciados en Ciencias de la Educación Especialidad Pedagogía Musical. Maestros con una gran experiencia en la formación musical de niños y jóvenes instrumentistas.

DISTINCIÓN EXPOSICIÓN DE ARTE

Hectór Ramírez Ortega Pintor ecuatoriano de 65 años, inició su carrera artística en la Escuela de Bellas Artes de la ciudad de Guayaquil. Ha expuesto sus obras en varios países alrededor del mundo, entre ellos Colombia, Perú, Panamá, Argentina, París, Alemania y Portugal. Sus propuestas conceptuales giran en torno a temáticas de realidad como el figurativismo, entre ellos paisajes, bodegones y retratos. Pero no deja de lado el abstraccionismo que lo caracteriza; representado e interiorizado en la mente creativa del maestro. “Distinción” es la representación vigente de una larga trayectoria artística, variante y a la vez perseverante basada en una evolución sideral en conexión desde su origen hasta la actualidad. Inauguración: miércoles 12 de septiembre a las 19h00 Exposición: 12 de septiembre al 14 de octubre Entrada Libre Lobby alto del Teatro

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SALA ZARUMA

FUNCIÓN

Concierto

VERMOUTH MUSICAL

Conservatorio Niccolo Paganini

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SALA

PRINCIPAL

PROGRAMACIÓN SEPTIEMBRE

DEAD HAMLET SENNSA

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Sinopsis

Grupo

Dead Hamlet es una versión libre de Hamlet para teatro físico y danza que se inspira en el clásico de Shakespeare. El tormento al que es sometido Hamlet por la sociedad corrupta y por su propia conciencia, es una llamada a la acción y representa la misma llamada a la que somos convocados todos. Hamlet, el ser consciente en conflicto, el que duda, el que se enfrenta a todos y a todo, incluso a sí mismo, de una manera absolutamente honesta. Hamlet es la tragedia del ser consciente, del hombre y mujer despiertos que deben hacer frente a preguntas decisivas: ¿Ser o no ser? ¿Vivir o morir? ¿Rendirse o luchar?

Desde su fundación en el 2006, Sennsa Teatro Laboratorio mantiene el espíritu que le impulsó a nacer: el compromiso de la creación teatral con la transformación social, la investigación y la búsqueda de un lenguaje escénico expresivo, poético y dinamizador. Afincados en Sevilla (España) desde entonces, este grupo de actores, actrices, su director y equipo de colaboradores crea montajes, realiza un entrenamiento diario, imparte y organiza cursos y laboratorios de investigación teatral y participa en eventos y actividades artísticas. Se caracterizan por combinar en sus espectáculos técnicas y disciplinas diferentes: teatro físico, textos, danza, acrobacia o canto.

FUNCIÓN Domingo 16 de septiembre 19h00 Sala Principal Valor: General $15 Estudiantes $10 Categoría: Teatro físico País: España Duración: 60 minutos Clasificación: Mayores de 16 años FICHA ARTÍSTICA Espacio escénico, versión y dirección: J.M.Mudarra Actrices y actores: Sandra Pozo, Fernando Lahoz, Thais N. Izquierdo, Adrián A. B, Blanca García de Arboleya, Rebeca García, Beatriz Arias, Conso Muñoz, Renata Edison, A. Cornejo Vestuario: Carmen de Giles Escenografía y atrezzo: Fau Nadal Maquillaje y peluquería: Marta Flores de Giles Espacio Sonoro y cantos: Marga Reyes Coreografías de danza: Irene de Bruguera Sonido: Nacho Pujol Gestoría: Tabacasol 2010 SL. Diseño Gráfico: Enrique Obrero Fotografía: Mara León y Curro Casillas Vídeo: Sergio Tallafet Regidor: José Manuel Calvo Asesoramiento artístico: Evaristo Romero Ayudante de dirección: Sergio Martín Producción y distribución: Rafael Herrera / Hiperbólicas producciones

EL TELÓN

PROGRAMACIÓN SEPTIEMBRE

SOLO UNA ACTRIZ DE TEATRO Estela Medina

Solo una actriz de teatro plantea, en poco más de una hora, un viaje a la memoria, nos acerca a Margarita Xirgu, deja aparecer, interpolados entre la escritura de Calderón, algunos versos de Lope, Hernández, Lorca, Baudelaire, Borges, nos devuelve el teatro en su esencia con sus exigencias y luces, con su rigor y belleza. Estela Medina interpreta a una oficiante de escena, compañera de generación en la escuela de teatro, que prepara el escenario para la llegada de Estela Medina quien ha prometido brindar una conferencia sobre Margarita Xirgu, su maestra. En ese juego se teje la trama.

Actriz uruguaya, discípula de Margarita Xirgu en la primera generación de egresados de la Escuela Multidisciplinaria de Arte Dramático (EMAD) de Montevideo, primera actriz de la Comedia Nacional del Uruguay hasta 2008. Entre sus más destacados trabajos se distinguen: El cardenal de España de Henry de Montherlant; Fuenteovejuna y La dama boba de Lope de Vega; Casa de muñecas de Henrik Ibsen, entre otras. Su labor ha sido reconocida tanto en su país, Uruguay, como internacionalmente.

SALA ZARUMA

Estela Medina

SALA ZARUMA

FICHA ARTÍSTICA Texto: Gabriel Calderón Dirección: Levón Interpretación: Estela Medina Escenografía y luces: Claudia Sánchez Vestuario: Soledad Capurro Banda Sonora: Fernando Condon Dirección adjunta: Homero González Torterolo Dirección técnica: Claudia Sánchez Producción artística, dramaturgismo: Laura Pouso Producción general: Laura Pouso

Solo una Actriz de Teatro

TEATRO

Sala Zaruma Valor: General $15 Estudiantes $10 Categoría: Teatro País: Uruguay Duración: 60 minutos Clasificación: Todo público

TEATRO

FUNCIÓN Domingo 23 septiembre a las 19h00

ELECTRA CHAPITÔ

FUNCIÓN Lunes 24 de septiembre a las 20h00 Sala Zaruma Valor: General $15 Estudiantes $10 Categoría: Teatro País: Portugal Duración: 60 minutos Clasificación: Mayores de 12 años Sinopsis

Grupo

En la Atenas del rey Agamenón se convoca una guerra para liberar a la bella Helena de las garras de su secuestrador. Al no tener viento favorable para sus barcos, Agamenón sacrifica a su hija Ifigenia por indicación de los profetas. Tras diez años de guerra, al volver de Troya, Agamenón es asesinado y Electra, la hija preferida del padre, por el que siente devoción, consumará la venganza con la ayuda de su hermano Orestes, matando a su propia madre y al tío. Y todo este baño de sangre familiar se cuenta al estilo propio e inconfundible de esta compañía: en clave de comedia desternillante.

La Compañía do Chapitô fue creada en 1996. Emplea siempre la comedia por su poder para cuestionar todos los aspectos de la realidad física y social. Crea, desde su fundación, espectáculos multidisciplinares que se asientan en el trabajo físico del actor en un proceso colectivo y en constante desarrollo, que invitan a la imaginación del público, y que se relacionan estrechamente con éste. Comunica, esencialmente a través del gesto y de la imagen, rompiendo las barreras lingüísticas y afirmando su vocación universal. Desde su formación ha realizado 31 creaciones originales.

FICHA ARTÍSTICA Autor: Creación Colectiva Dirección Artística: José Carlos García y Claudia Novoa Interpretación: Jorge Cruz, Nadia Santos, Tiago Viegas Vestuario: Gloria Mendes Sonoplastia: Silvio Rosado, Samuel Rodrigues Dirección Técnica: David Gonçalo Florentino Diseño de luz: Samuel Rodrigues Diseño gráfico: Silvio Rosado Audiovisuales: Bruno Gascón, Joana Domingues, Nadia Santos, Simao Anahory Texto en castellano: María Guerrero y César Arias Dirección de producción: Tania Melo Rodrigues Distribución - contratación: César Arias – MARMORE

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PROGRAMACIÓN SEPTIEMBRE

UR-BAND, renovando la música El concurso de bandas juveniles más conocido en la ciudad llega a su séptima edición. Con esta iniciativa la Fundación Sánchez Aguilar busca fomentar la creación musical e involucrar a los jóvenes en la oferta cultural del Teatro. Transmitiremos el paso a paso del concurso - audiciones, retos, tras cámaras, etc. - a través de nuestro Instagram TV. Las bandas seleccionadas contarán con una instrucción de profesionales del mundo musical. Cada semana, estos grupos deberán superar retos impuestos por los coaches y luego se elegirá a un ganador. Puedes venir a ver a las bandas concursantes los días 15, 22, 29 de septiembre, 6 de octubre y la gran final el 20 de octubre No te puedes perder esta competencia llena de desafíos, sorpresas y sobretodo mucha música!

Marcelo and the Royal Tones, banda ganadora de Urband 2017

Mono Stereo, Tercer lugar Urband 2017 Patrocinadores Oficiales:

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Auspiciantes:

PROGRAMACIÓN SEPTIEMBRE

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OCTUBRE 21

SALA

PRINCIPAL

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Sinopsis El Trío Los Panchos de México están cumpliendo 75 años de vida institucional, sin haber modificado ni afectado su estilo y escuela musical, aunque haya tenido varias transformaciones en voces y nombres desde su creación en 1943 por parte de Alfredo Gil, dueño de la marca y creador del Requinto, instrumento que resalta en la ejecución del bolero romántico. Siete Primeras Voces: Hernando Avilés, Raul Shaw Moreno, Jonnhy Albino, Julito Rodríguez, Enrique Cácerez, Ovidio Hernández, Basurto Lara, brillaron en su momento. En la actualidad, bajo la dirección del maestro Gabriel Vargas Aguilar, hijo adoptivo e integrante desde el año 1978, único sucesor del wero y segundo requinto en el mundo, presentarán lo más connotado de su amplio repertorio, que engalanarán el escenario de la sala principal del Sánchez Aguilar, el 6 de octubre, y a la vez rindiendo un pleno homenaje a la Perla del Pacífico,

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PROGRAMACIÓN OCTUBRE

Guayaquil, por su Independencia. La suerte de actuar como invitados, les tocó a los dos mejores boleristas de Ecuador: Omar Montalvo de Guayaquil y Javier López de Quito. Además esta presentación contará con la participación especial de la Big Band. Biografía 1943-2018 suman 75 años de una época de oro dedicados al bolero, Gil-Navarro y Avilés, los fundadores, 7 primeras voces, Gabriel Vargas Aguilar hijo adoptivo del Wero Gil, único segundo requinto y actual director y dueño de los derechos de marca, marcan un hito en la historia musical de México y el mundo. Con más de 1.500 composiciones propias de los desaparecidos maestros, Alfredo Gil y Jesús Navarro, continúan llenando de romanticismo a los boleromanos de todos los países que recorren con su nueva estructura, Taurino Vargas segunda voz y guitarra, y Adán Juares en la primera voz, quienes continuarán con mucha responsabilidad esta historia.

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FUNCIÓN

Sábado 6 de octubre a las 20h30 Sala Principal Valores: Platea A: $80 Platea B: $50 Platea C: $30 Categoría: Concierto País: México Duración: 165 minutos Tipo de espectáculo: Boleros Clasificación: Todo público

FICHA ARTÍSTICA Requinto Director y actual dueño de la marca Los Panchos: Maestro Gabriel Vargas Aguilar Segunda voz y primera guitarra: Taurino Vargas Aguilar Primera voz y segunda guitarra: Adán Jurares Director de la Big Band: Maestro Larry Salgado Voz de la Big-Band: Melina Silva Señor bolero, artista invitado: Omar Montalvo Señor bolero de Quito, artista invitado: Javier López Presentador oficial: Carlos Palacios Representante de CDSHOWS: Susana Chiriboga Participación especial de la Big Band

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PROGRAMACIÓN OCTUBRE

PINOARGOTTI

años

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SALA

Es la nueva propuesta teatral humorística que nos trae Francisco Pinoargotti este octubre 2018 a propósito de cumplir 10 años desde que presentó su primer monólogo cómico. Destacando sus dotes musicales y acompañado de su banda de músicos, el Showman nos deleitará con sus inigualables caracterizaciones, parodias e imitaciones de personajes y artistas influyentes del acontecer local e internacional. Sin dejar de lado el humor y la sátira política, sus especialidades, Pinoargotti nos hará reflexionar en forma jocosa y divertida los escándalos políticos y situaciones más controversiales del mundo donde más de uno no podrá contener la risa. Todo esto narrado desde su muy particular óptica; libreto que se está escribiendo con exclusividad para este big show cómico en el Teatro Sánchez Aguilar. Conocido por sus grandes puestas en escena, Pinoargotti nos ofrece una edición especial en esta co-producción con el Teatro Sánchez Aguilar, con un show nuevo, fresco y sin escatimar en los detalles que lo han hecho distinguirse del resto de humoristas del país.

PRINCIPAL

Sinopsis

A la par de los espectáculos cómicos de las grandes ciudades del mundo; humor universal y local, acompañado de 8 músicos en escena, bailarinas y un elenco de actores de primera es parte del show cómico que Pinoargotti nos traerá este octubre por cumplir su primera “década de humor”. Francisco Pinoargotti El ‘Showman del Ecuador’. Actor y director de teatro y televisión, músico, cantante y humorista reconocido nacional e internacionalmente. Pionero en la industrialización de monólogos y shows cómicos en el país. Con más de 25 años de trayectoria en el medio artístico destacando sus participaciones en obras de teatro, musicales y programas íconos de la televisión ecuatoriana. Único artista ecuatoriano en romper récords de taquillas agotadas en los teatros Fedenador, Centro de Arte, MAAC y Centro Cívico. Este 2018 está cumpliendo 10 años de haber realizado su primer monólogo cómico “No soy tan buen muchacho” con el cual giró en las 4 regiones del país, siguiéndole una veintena de obras cómicas de igual convocatoria en el Ecuador.

FUNCIÓN Jueves 11 de octubre a las 20h30 Viernes 12 de octubre a las 20h30 Sábado 13 de octubre a las 20h30 Domingo 14 de octubre a las 19h00 Sala Principal Valor: Platea A $45, platea B $30; Platea C $20 Categoría: Show humorístico con banda en vivo Duración: 90 minutos Clasificación: Recomendable para mayores a 14 años

Auspiciantes:

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SALA

PRINCIPAL

PROGRAMACIÓN OCTUBRE

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PROGRAMACIÓN OCTUBRE

FUNCIÓN Viernes 26 de octubre a las 20h30 Sábado 27 de octubre a las 20h30 Sala Principal Valor: Platea VIP $75, Platea A $60, Platea B $45, Platea C $30 Categoría: Ballet Flamenco País: España Tipo de espectáculo: Danza clásica y flamenca Clasificación: Todo público

Sinopsis Carmen de Mérimée es una obra que, a través de la riqueza de la danza Española y de la fuerza del flamenco, junto a un gran trabajo dramático, muestra a la popular Carmen “la cigarrera”, su vida, el mundo que la rodea y a su tan enamorado Don José, siendo lo más fiel posible al pequeño “cuentecillo” que el francés Mérimée escribió sobre un relato que le contó su buena amiga Doña. Eugenia de Montijo. Un elenco de 14 bailarines, una cantaora en directo, una puesta en escena que muestra todos los escenarios del relato, una música original del español Daniel Yagüe, un vestuario de época, los grandes temas que Bizet compuso para la obra y párrafos exactos extraídos del libro narran durante 13 escenas el relato, tal cual sucede con el “cuentecillo”, de la vida de Don José y como esta se ve truncada al conocer a la famosa “Carmencita”: Una Carmen que huye de su propio mito de “mujer fatal”, una mujer gitana rebelde, atrevida, valiente, descarada, provocativa y con ansia de libertad sin límites, que vive constantemente al filo de la navaja, la cual, por su propia decisión, acaba matándola para así ser siempre libre. De Sangre y Raza Nace en 2014 por la asociación entre el director e iluminador Carlos Fajardo y el coreógrafo Juan Manuel Prieto con una base muy clara “La Danza Española, en todas sus vertientes, merece la oportunidad de ser mostrada al mundo”. En estos 4 años se ha consolidado en el panorama danzístico español, siendo desde 2016 compañía residente del ayuntamiento de Torrejón de Ardoz de la Comunidad de Madrid y contando actualmente con más de 30 bailarines en su elenco. Cuenta con 5 producciones completas: “De Sangre y Raza”, “ARAT, de Fellah Mangú a Flamenco”, “Mosaico Español”,

“Carmen de Mérimée” y “Moera Krataia”, las cuales se caracterizan especialmente por representar todas las escuelas de la danza española: Clásico español, Escuela Bolera, estilización, folclore y flamenco; por la investigación sobre la historia, origen y evolución de la danza Española, así como por rescatar los grandes ballets privados de la danza Española del siglo XX, donde la importancia reside en la fuerza del grupo. Sus espectáculos han sido programados por las más importantes Redes de Teatro de España (PLATEA del ministerio de Cultura, Red de Teatros de Madrid, Red de Teatros de Castilla la Mancha, etc), así como por eventos y programaciones importantes a nivel nacional e internacional como el Festival de Artes escénicas SibiuFest de Rumanía, la entrega de premios “Madrid Woman’s Week”, el Ciclo “Bailar en la Berlanga” de la SGAE, El ciclo “Viaje al centro de la Danza” de los Teatros “El Canal” de la Comunidad de Madrid o en la función de clausura del Festival internacional de verano de San Lorenzo del Escorial de la Comunidad de Madrid. Entre sus premios y nominaciones destacan: Único premio de Coreografía grupal, Premio “Flamenco VIVO” Carlota Santana New York, Premio al mejor vestuario, y Premio Conservatorio Superior “María de Ávila” a la coreografía “Raigambre” en el XXIII Certamen de Danza Española y flamenco de Madrid. Premio a mejor espectáculo de Castilla la mancha a su primer espectáculo “De Sangre y Raza” en los Premios teatro de Rojas 2016. Dos nominaciones a los Premios MAX 2017 en las categorías de Mejor diseño de vestuario y mejor elenco a “ARAT, de Fellah-mangú a Flamenco”

FICHA ARTÍSTICA Elenco Carmen: María Gayubo/Almudena Roca Don José: Juan Manuel Prieto/Alejandro Cerdá Lucas “El Torero”: Alejandro Cerdá/Manuel del Río Manuela: Nazaret Oliva García “El Tuerto”: Daniel Cabezuelo La vieja Dorotea: Marta Salcedo Capitán Español: Segio R. Suárez Coronel Inglés: David Naranjo Cantaora y tabernera: Esther Lora Cuerpo de baile: Daniel Cabezuelo, Alejandro Cerdá, Elena Ciruelos, Javier Formoso, Laura Fúnez, Alejandro Muñoz, David Naranjo, Lucía Nicolás, Nazaret Oliva, Marta Salcedo y Sergio R. Suárez Equipo Artístico Obra original: Prosper Mérimée Adaptación: Juan Manuel Prieto Y Carlos Fajardo Dirección general: Juan Manuel Prieto Y Carlos Fajardo Dirección escénica: Carlos Fajardo Coreografías: Juan Manuel Prieto Coreógrafo invitado: Juan Carlos Avecilla Música: Bizet, José Nieto, Juan Amaya, José Galván, Ramón Perelló Y Ródenas Música original: Daniel Yagüe Cantaores: Esther Lora Y Pablo Oliva Voces en off: Luz Nicolás Y Roberto Pereira Ayudante de dirección: Roberto Pereira Repetidor: Javier Formoso Diseño de Iluminación y escenografía: Carlos Fajardo Diseño de sonido y vídeo: David Juárez Figurines y elaboración vestuario: Carmen Granell Equipo Técnico Oficina management: Flamenco Agency Producción: Thomas Capraro Y Mayte Picot Maquinistas y T. escenarios: José R. Díaz Y Moises E. Ciment Técnico de sonido y vídeo: David Juárez Técnicos de iluminación: Alejandro Carrera Y Elena Bilbao Construcción escenografía: Mambo Decorados Realización telones: Carmen Granell Y Loles Pérez Fotógrafo: Miguel Paubel Comunicación, prensa y diseño gráfico: Roberto Pereira Distribución: Jaime Trancoso Agradecimientos y colaboración: Raúl Cárdenes y Basilio Pérez

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PROGRAMACIÓN OCTUBRE

SALA

PRINCIPAL

SANTA MADERA Cie. MPTA

Sinopsis Santa Madera se inspira en los rituales indígenas de América del Sur, con una coreografía que parece arrojar a los artistas a través del tiempo y el espacio, evocando rituales de los combatientes en un juego de poder. Girando en los límites del control, cuentan su historia a través de una increíble fuerza y agilidad, valentía y gracia. Santa Madera es la segunda producción del dúo, creada en 2017 bajo la dirección del genio de la acróbacia / trampolín Mathurin Bolze, cuya compañía MPTA ha producido algunos de los espectáculos más impresionantes del festival de los últimos años, incluido el éxito del año pasado, Barons Perchés.

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Cie. MPTA La compañía Manos, Piernas y la Cabeza También (les Mains, les Pieds et la Tête Aussi en Francés y abreviada MPTA) también es una asociación fundada en 2001 en Lyon en Rhône-Alpes por el artista de circo Mathurin Bolze. Su principal misión y actividad es la investigación, la creación y la difusión del circo contemporáneo. Investigación alterna, creaciones acrobáticas, giras mundiales y consultoría artística, tanto de diseño como intérprete, Mathurin Bolze sigue reinterpretando las artes del movimiento y la escena con el deseo de que las afinidades artísticas y humanas sean la fuerza motriz de esta búsqueda. Desde 2011, en asociación con Les Célestins - Théâtre de Lyon, la compañía MPTA lidera el festival utoPistes evento bienal dedicado a las artes del circo / a las utopías grandes y pequeñas.

FUNCIÓN

Jueves 04 de octubre a las 20h30 Sala Principal Valor: $20 Categoría: Circo País: Francia Duración: 60 min Tipo de espectáculo: Todo público Clasificación: Todo público FICHA ARTÍSTICA Dirección artística: Mathurin Bolze Artistas: Juan Ignacio Tula y Stefan Kinsman Sonido: Celestial Gildas Luces: Jeremie Cusenier Vestuario: Fabrice Ilia Leroy Imágenes: Christophe Raynaud De Lage

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PROGRAMACIÓN OCTUBRE

CICLOS Verticálica

Ciclos Obra estrenada en el Festival Tercera Llamada en Diciembre 2017 en Quito, Ecuador. Una puesta en escena de danza vertical multidisciplinaria que fusiona el clown, el slackline (cuerda floja), la danza contemporánea, las técnicas verticales y la música en una búsqueda de los estados del ser en los diferentes ciclos de nuestro vivir cotidiano. La obra tiene una duración de 55 minutos en donde se manejan sistemas aéreos por cuerdas y seguridad vertical profesional.

Verticálica Fusiona las artes escénicas y los deportes extremos para la creación de nuevas propuestas escénicas y de composición coreográfica a través de la danza vertical, la danza contemporánea, y el highline. Trabaja la relación cuerpo-gravedad en espacios urbanos y naturales interactuando con la arquitectura y sus texturas como fuente de creación. Trabaja con las leyes que mueven el cuerpo como la gravedad, la fuerza centrífuga y centrípeta.

J.J. ENTRE

Tercera Sala Valor: $20 Categoría: Acrobacias Duración: 60 minutos Clasificación: Todo público

TERCERA SALA

Miércoles 3 de octubre a las 20h30

ACROBACIAS

FUNCIÓN Martes 2 de octubre a las 17h00

FICHA ARTÍSTICA Gestión y Producción: Camila Hernández Performers: Antonio Harris, Fidel Minda, Camila Hernández, Sofía Barriga, Andrea Acuña Seguridad Vertical: Carlos Bravo, Juan José Sanchez, Roberto Reinoso, Raphael Alvear. Vestuarios: Mane Silva Iluminación: Jonathan Espinosa Texto: Fragmentos de “La insoportable Levedad del Ser” - Milan Kundera

CUERDAS Armonía

FICHA ARTÍSTICA Director y violín: Patricio Jaramillo Violín: Nelly Rivas Guitarra: Joan Alvarez Requinto: Alex Cevallos Percusión: Christian Jaramillo Fotografía (Archivo): Kathy Román

SALA ZARUMA

Sala Zaruma Valor: $17 Categoría: Café Concert Duración: 90 min Tipo de espectáculo: Pasillos y boleros Clasificación: Todo público

CAFÉ CONCERT

FUNCIÓN Martes 9 de octubre a las 20h00

Sinopsis Un concierto instrumental inolvidable al estilo del Grupo Armonía. Julio Jaramillo, el Ruiseñor de América, es reconocido como el cantante ecuatoriano más importante de todos los tiempos y el más aplaudido a nivel internacional. Aunque han pasado cuatro décadas desde su partida, su música y sus inolvidables temas siguen tomándose varios escenarios alrededor del mundo. En este Café Concert podrás disfrutar de varias de sus melodías más reconocidas como “Nuestro Juramento”, “Chica Linda”, “Alma mía”, “Cuando llora mi guitarra”, entro otras.

Armonía El Grupo Armonía está integrado por músicos solistas profesionales con más de veinte años de experiencia en el ámbito musical del Ecuador. Han actuado en diversos escenarios de Guayaquil como el Teatro Centro de Arte, el Teatro Sánchez Aguilar, el Museo de la Música Julio Jaramillo, la Espol y el Museo Municipal. Su música ha sido escuchada también en varias ciudades del país como Manta, Portoviejo, Quito, Machala, Ambato y Loja. Además han realizado conciertos en el exterior.

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ENTREVISTA

OASIS

CAFÉ CONCERT

SALA ZARUMA

CEN Jazz Ensemble

FUNCIÓN Concierto Para muchos seres humanos con una vida rutinaria será bueno detenerse en este Oasis y disfrutar de esta exposición de música que, en este concierto, será la fusión con temas de Jazz Funk, mezclando cuerdas, vientos y la voz de nuestra invitada Viviana Gomez en temas inéditos y covers. Grupo CEN Jazz Ensemble se formó en marzo de 2012, y desde su lanzamiento ha participado en diversas precesiones, entre las más representativas están:

Festival Mas Infles, organizado por el municipio de Guayaquil, EXPOUSA 2012 Y 2014, y de la Cámara de Comercio Ecuatoriano American; Election Day y 4 de Julio, eventos organizados por el Consulado General de Estados Unidos. Ha participado en más de 60 conciertos por todo el Ecuador y su más reciente presentación en las Islas Galápagos. CJE cuenta con la colaboración musical de reconocidos músicos de la ciudad; cantantes como Marvila Ortega, Viviana Gómez, Martin Guerrero, Diego Chiang y músicos como Roberto Bolaños.

BARQUITO DE PAPEL

Martes 30 de octubre a las 20h00 Sala Zaruma Valor: $17 Categoría: Café Concert Duración: 90 minutos Tipo de espectáculo: Jazz funk Clasificación: Todo público FICHA ARTÍSTICA Director: Freddy Bolaños Guitarra: Jonathan Aguirre Batería: Miguel Aguilar Saxofón: Emanuel Espinoza Teclado: Joel Icaza Bajo: Orlando Salvador

FUNCIONES Sábado 20 octubre, 16h00 Domingo 21 octubre, 11h00 y 16h00 Sábado 27 octubre, 16h00 Domingo 28 octubre, 11h00 y 16h00

NIÑOS

SALA ZARUMA

Grupo de teatro Papagayo

Sala Zaruma Valor: Adultos $10 Niños $5 Categoría: Teatro para bebes Duración: 35 minutos Clasificación: Todo público FICHA ARTÍSTICA Guion y dirección general: Aleida Santiago Elenco: Alondra Santiago, Mía Espinosa, Odette Ravelo, Lyzbeth Badaraco, Aleida Santiago Diseño de arte: Daniel Chonillo

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Sinopsis Teatro para bebés de 0 a 5 años. Entre canciones, imágenes, colores y muñecos, Papagayo el grupo más querido por los niños, te invita a viajar en su “Barquito de papel.” Juntos descubriremos un secreto bien guardado dentro de una botella, en una noche de luna llena.

Papagayo Grupo de teatro guayaquileño dedicado desde el 2005 a la actuación para niños. Desde el 2015 incursiona en la modalidad teatro para bebés, siendo el primer grupo en la ciudad dedicado a esta labor creativa para los más pequeñitos de la casa. Barquito de papel es la 5ta obra que presenta Papagayo para los bebés en el Teatro Sánchez Aguilar. Te invitamos a que dibujes un barquito y lo lleves al teatro para que sea parte de la obra.

ENTREVISTA

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ENTREVISTA

José Miguel Salem Director, bailarín y amante del teatro musical. Desde muy pequeño era aficionado del baile y la música pero fue en una visita Broadway, Nueva York, en donde descubrió su pasión por el teatro musical. Con tan solo 23 años, dio inicio a un cambio cultural en Ecuador al presentar su primera producción musical “Una noche en Broadway” (1988), en el recientemente construido Teatro Centro de Arte. Desde entonces su andanza teatral ha estado marcada principalmente por musicales familiares ya que son producciones en las cuales se siente muy a gusto y que le permiten expresar toda su creatividad. En el 2019 tiene planificado presentar Chicago, uno de sus musicales más anhelados de

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Foto: Fernando León

producir.

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ENTREVISTA

¿Desde pequeño te sentías atraído al mundo artístico? Si totalmente. Desde que tengo uso de razón puedo decir que siempre mis juegos fueron basados en el teatro, en el circo o en el espectáculo. Recuerdo encerrarme en mi cuarto e imaginarme como haría shows, es más obligaba a mis primos y vecinos a hacer obras y concursos de belleza conmigo, ellos bailaban y cantaban y yo vendía las entradas para el espectáculo (risas). Yo sentía que era lo que yo sabía hacer, lo que realmente me gustaba, para mí no había otra opción. ¿Cómo te diste cuenta que dentro las ramas artísticas lo tuyo era el teatro musical? Si bien siempre tuve una inclinación hacia el espectáculo, yo me enamore del teatro musical a los 13 años cuando me enviaron a un internado en Nueva York, ahí conocí Broadway de la mano de mis padres y abuelos que eran fanáticos de los musicales. El primer musical que vi fue “The Wiz”, El Mago de Oz, la versión moderna. Esta obra para mí fue el click en mi vida, porque nunca había visto algo parecido a eso, en Ecuador no existía y tampoco había televisión por cable para verlo. En ese momento deslumbrado por lo que estaba observando me dije ‘eso es lo que quiero hacer, eso es lo que yo soy’. Me identifique al 100% y nunca deje de saber lo que quería. ¿Cómo tomaste el paso a profesionalizarte artísticamente? Me gradué del colegio en el año 82 y realmente en esa época era completamente imposible hacer teatro musical. Yo tenía que de cierta formar engañar a mis padres, no podía decirles la verdad de lo que yo quería. Mi padre, como se lo imaginaba, me aconsejo que estudie una profesión y que luego haga lo que prefiera, porque en esa época los padres sentían que ser artista era muy complicado. Entonces inicié estudiando administración y a la par tomé clases de contemporáneo, moderno y ballet clásico, luego decidí irme a Estados Unidos y tome clases de teatro musical y jazz. Cuando regresé a Guayaquil en 1988 decidí hacer mi primera comedia musical “Una noche en Broadway”. Prácticamente iniciaste con los musicales en Guayaquil, ¿estabas consciente de lo que ibas a empezar? No, no tenía idea de lo que iba a pasar. Pero pienso que Danzas Jazz, además de crear una comedia de teatro musical exitosa, fue más allá. Es decir, estableció un movimiento artístico, porque por primera vez se crearon estas figuras que eran respetadas por lo que hacían a nivel artístico. Porque antes el actor ecuatoriano era relacionado con el teatro costumbrista o el juglar, pero con el teatro musical se crearon estas

mujeres guapísimas y admiradas que poco a poco fueron tomadas por la televisión. Así se comenzaron a hacer más shows de televisión y surgieron más escuelas de danza. Considero que fue un click también en el Ecuador porque el país vio su propio potencial.

¿Fueron duros los primeros años? No, más bien fueron fáciles porque yo iba con la ola de la novedad y estaba en la cresta de esa ola. Yo pienso que en ese momento fui la persona que les abrió los ojos y de repente entregó algo a Ecuador que no existía y que se estaba disfrutando mucho. Danzas Jazz dio mucha inspiración, eso es lo más importante, abrió un espectro teatral dancístico, académico y del espectáculo en general. Un repertorio mayormente infantil, ¿por qué te inclinas por el entretenimiento familiar? Efectivamente al principio nuestros musicales eran más para adultos, pero comencé a ver que uno tenía que comer (risas) y siempre a un espectáculo familiar va a ir mucho más público. Como no tenía competencia en ese entonces y yo era mi propio competidor, no podía repetir absolutamente nada, ni coreografías, ni elenco porque el público lo podía percibir como lo mismo y lo mismo. Entonces esa fue una gran lucha en los años 90 para mí, porque yo competía contra mí mismo y tenía que superarme cada año. Esto me obligo a crecer y para producir estos grandes espectáculos necesitaba liquidez, ahí comencé hacer algo familiar. Le tienes especial cariño a alguna de tus producciones Definitivamente a la primera versión de “Una noche en Broadway”. Significó para mí una realización, tanto así que en una entrevista yo dije ‘yo mañana puedo morir en paz’ y solo tenía 23 años. Yo espere desde que nací llegar a eso. ¿Cuál sientes que son los pilares de tu vida que te han ayudado a conseguir esta trayectoria? 100% mi equipo de trabajo y la perseverancia, porque en teatro lo que menos haces es ganar, constantemente pierdes, esto en la vida del teatro es muy común. Yo he tenido muy buenos momentos en los cuales se ha vendido muchísimo y ha sido un éxito, pero también hay momentos difíciles. A la par la cantidad de negocios extras que se suscitaron por ser Danzas Jazz (5 escuelas, eventos corporativos, shows navideños, vacacionales) nos hizo crecer y por eso somos quienes somos. Entonces tenemos varios negocios que nos nutren y permiten existir porque si es únicamente por el teatro, no podríamos. Realizar una producción es muy costoso y en Guayaquil no hay cultura de teatro, hay cultura de cine, de comedia etc.

¿Qué nos falta para llegar a esa cultura del teatro? Que haya teatro en los colegios, de esta forma todos los niños consumirían teatro desde pequeños. Desde que llegó el cine el teatro se truncó, entonces como tú vas a decirle a la población que consuma cultura sino lo educas desde el colegio. ¿Qué sientes que en estos 30 años has aprendido junto a Danzas Jazz? He aprendido muchísimo, pero en esencia he aprendido a esperar y a que tanto las cosas maravillosas como las cosas penosas de la vida pasan, por eso que hay que siempre aprovechar el momento al máximo. Mi pasado como danzas jazz es maravilloso y en el futuro no sé si voy a estar vivo, entonces hay que aprovechar el presente y hacerlo bien. El presente es valiosísimo. Cuéntanos un poco de la puesta en escena para esta celebración de aniversario Para nosotros es súper importante dar un espectáculo en el que se muestre la realidad vivencial del mundo entero. Esta versión de “Una noche en Broadway”, que no es la misma obra que hice hace 30 años, cuenta la historia de una joven engreída y sobre protegida que tiene 30 años y trabaja como cronista de espectáculo en un periódico. Un día cuando está saliendo del trabajo el jefe la detiene y le indica que necesitaban para las doce de la noche un reportaje de Danzas Jazz por sus 30 años. Entonces la chica le pregunta ‘¿qué es Danzas Jazz?’, y el jefe le explica que están relacionados con el teatro musical y Broadway, y ella contesta ‘¿y qué es Broadway?’, en ese momento comienza el espectáculo; donde Danzas Jazz le explica al público que es Broadway. La obra se lleva a cabo en dos espacios, la oficina de la periodista y la bodega del periódico conociendo en documentos todo lo que Danzas Jazz hizo, cada vez que ella descubre algo se plasma en escena. El nombre de la obra se refiere justamente a que durante su investigación la joven pasa una noche en Broadway y termina siendo fanática. ¿Qué podemos seguir esperando de Danzas Jazz? Para el 2019 ya firme un contrato para hacer Chicago. Ha sido mi meta siempre y recién vamos a empezar un proceso para elegir el elenco.

Danzas Jazz dio mucha inspiración abrió un espectro teatral dancístico, académico y del espectáculo en general.

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ENTREVISTA

Jorge Drexler Con el lanzamiento de “Salvavidas de hielo” (2017) Jorge Drexler vuelve a poner sobre la mesa sus inquietudes líricas y sonoras, con un álbum dedicado a explorar por completo la sonoridad de la guitarra. Grabado entre Ciudad de México y Madrid, Drexler presenta un álbum usando como única fuente de sonido la guitarra, excepto las voces. En un ejercicio de experimentación y homenaje al instrumento, Salvavidas de hielo recoge los sonidos de todo tipo de guitarras, consiguiendo construir un sonido tan atractivo que obliga a mantener la escucha. Las cuerdas, la caja, la piel de un banjo, el metal de un dobro… un viaje alrededor del instrumento clave en la carrera del autor, ahora exprimido y disfrutado al máximo. Un disco lleno de ritmo, experimentación, melodías, y sobre todo, grandes canciones.

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ENTREVISTA

¿Qué inspiró este título para el nuevo álbum? El título del álbum alude a aquellas cosas que, aunque sabemos que son efímeras, nos regalan pequeños estados de gracia; nos mantiene a flote, a salvo de zozobras, por un rato. Es una oda a lo efímero, de hecho. Una manera de valorar las alegrías intermitentes de la vida. También elegí ese título porque me gustan las paradojas: un salvavidas que contiene su propia disolución. Agua flotando sobre agua. Un único elemento en el título, así como el disco tiene a la guitarra como único elemento sonoro y al bolígrafo BIC azul como único elemento gráfico. “Salvavidas de hielo” fue al principio el título de un poema, luego escribí la canción a partir de esa idea y finalmente me gustó que ese contrasentido, ese juego de palabras, fuera el título del álbum. Cuéntanos de esta iniciativa interactiva que usaste en el lanzamiento de este álbum, con Facebook e Instagram LIVE. Les redes sociales son herramientas y al igual que en la música a mí me gusta experimentar con toda la paleta de posibilidades que tenga a mi alcance. Desde la primera vez que hice un Facebook Live por ejemplo, me di cuenta que me gustaba ese tipo de inmediatez espontánea. Ese estar solo y estar acompañado a la vez. Me gustó la comunicación y el desafío de esa exposición, porque en un concierto uno cuenta con las armas del espectáculo: luces, sonido, distancia con el público, etc. En un LIVE, en mi opinión, importa mucho más la comunicación que la excelencia técnica. El sonido y la imagen son los que da un teléfono móvil. La cámara debe estar cerca para que se escuche y todo queda grabado, con lo cual uno está más expuesto que en un escenario. Lo hago, sinceramente, porque me gustó cuando lo probé y porque está demostrado ser una muy efectiva herramienta de trabajo. Intento que el LIVE sea un fin en sí mismo, no la retransmisión de un concierto. Para mí, ambos son experiencias muy diferentes y complementarias. ¿Cómo fue la ejecución de estos LIVESs?

lindo ver como la audiencia se detiene tres semanas para ver cada detalle de la canción que se le ofrece. Este es un mundo de velocidad: paladear es un lujo y a la vez una necesidad. ¿Cómo se dieron las colaboraciones con las artistas en el disco? Tuve mucha suerte de que estas tres talentosísimas amigas estuvieran en Ciudad de México mientras estábamos ahí grabando parte del disco. Fueron muy generosas, porque las tres estaban en medio de muchos viajes y trabajo, pero se acercaron con todo su cariño al estudio a grabar conmigo. Son tres fuerzas de la naturaleza, cada una a su manera. Son además tres compositoras inteligentes, fuertes y dueñas del rumbo de sus trabajos. Cada una con su personalidad llevó a cada canción en la que participó a lugares a los yo no hubiera podido llegar solo. Esa es la razón por la que uno invita a alguien a participar en un disco: para crecer humana y artísticamente. ¿Por qué solo guitarras? ¿Cómo se dio este concepto? Efectivamente, todos los sonidos del disco provienen exclusivamente de la voz y la guitarra. Todos los ritmos de base que se escuchan están hechos percutiendo las diferentes guitarras: con mazas, escobillas, manos, baquetas, palillos chinos y todo lo que se les pueda ocurrir que sirve para extraer sonido de las cajas, mangos y clavijeros del instrumento. Quería por una parte trabajar simbólicamente con las herramientas tradicionales de la canción de autor: la guitarra y la voz, pero tratadas de manera no tradicional. El compositor ruso Igor Stravinsky decía “cuanto más me limito, más me libero” y esa máxima fue el leitmotiv del disco: limitar las fuentes de sonido para así expandir las posibilidades sonoras de un instrumento mediante su exploración acústica minuciosa. Desde hace más de 40 años, la guitarra es mi compañera de aventuras musicales, de esa forma el disco funciona también como un homenaje a la relación que tengo con las seis cuerdas, las mismas que aparecen en la portada del disco.

El arte del álbum: Cuéntanos más de la artista con quien colaboraste para crear la imagen y arte del álbum y los sencillos. Todo el arte del disco, la cartelera de la gira y los lyric videos de cada canción, fueron hechos por una artista plástica muy joven de Almansa, que vive en Valencia: la maravillosa Nuria Riaza (nuriariaza. com). La encontré en internet, buscando artistas plásticos que usaran solamente bolígrafo azul para sus dibujos. Quería que, al igual que el disco tiene un solo elemento musical que es la guitarra, el diseño tuviera un solo elemento visual. La contactamos y además de su enorme talento, encontramos una persona con una entrega y una capacidad de trabajo asombrosos. ¿Qué te gustaría que los que escuchen esta obra se lleven? Me importa además de lo que se lleven, lo que traigan a las canciones. Las canciones son como esporas. Su vida está latente hasta que alguien las escucha y las recrea. Las que yo escribo están sin terminar, se completan con la experiencia personal del escucha. Hay tantas versiones de una canción como escuchas. Alguna anécdota que compartir de la grabación

puedas

Estando en Ciudad de México, una mañana cuando leíamos la prensa en el desayuno, vi la noticia en la cual se contaba que una muchacha de etnia Tarahumara había ganado una ultramaratón (100km) corriendo con su falda y sus guaraches (sandalias de cuero) tradicionales. Sin preparación específica ni equipo deportivo de ningún tipo, como suelen correr los Tarahumaras. En esos días estábamos grabando la canción “Movimiento” y me emocionó mucho la historia de Lorena Ramírez (ese es su nombre). Me pareció que sería una manera increíble de resaltar el sentido de la canción. A través del director mexicano Lorenzo Hagerman la contactamos, y Lorenzo se fue a la Sierra Tarahumara a filmarla corriendo… ¡Y Lorena ahora es parte audiovisual de la canción! Es un honor y un privilegio.

Organicé la salida del disco junto con mi discográfica, en una serie de estos LIVESs en los que iba a presentando una nueva canción cada dos o tres semanas, ya que en este mundo tan disperso y de tantos estímulos, en el que cada vez es más difícil abstenerse del bombardeo de información, me parece que ir entregando de a una las canciones te da la posibilidad de “paladearlas”, de profundizar en cada una, de cantarlas y dejarlas decantar. Para quienes escribimos las canciones, que pensamos que cada una es un mundo, es muy

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El CIRCO

Un lugar lleno de magia Los orígenes del circo se remontan hace más de 3000 años atrás, en un principio muchas prácticas del circo como las acrobacias y el contorsionismo estaban relacionadas a rituales religiosos, festivos o de guerra; poco a poco fueron migrando hacia espectáculos puramente de entretenimiento.

ARTISTAS Acróbata: Persona que práctica habilidades sobre el trapecio o la cuerda floja, ejecuta determinados ejercicios gimnásticos.

Mago: Persona que práctica la magia o ciencia oculta que pretende producir, valiéndose de ciertos actos o palabras, resultados extraordinarios, hechizos o encantos.

Payaso: Artista caracterizado de modo extravagante que hace reír con su aspecto, actos, dichos y gestos.

Bailarina: Persona que lleva a cabo el arte de la danza con destreza.

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SABIAS QUE… En China se especializaron en el arte acrobático y el malabarismo. El acróbata representaba por medio de su cuerpo la fuerza de la naturaleza.

Fueron los romanos quienes le dieron el nombre de circo a estas actividades de entretenimiento.

Philip Astley es considerado el padre del circo modero. Inauguró en 1768 en Londres (Inglaterra) el primer circo.

En Ecuador la compañía Círculo de Artes Escénicas promueve, desde el 2004, iniciativas artísticas, pedagógicas y humanitarias teniendo como eje las artes escénicas. Es una de las agrupaciones circenses más conocidas en el país, por su vinculación con el mundo escolar.

Estructura de circo de madera desmontable. 1893

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notas al

margen Ramón Barranco Director Artístico Teatro Sánchez Aguilar

La música sin duda alguna ha sido una de las primeras manifestaciones artísticas de la historia de la humanidad, e igualmente ha sido un eje diferenciador como forma de expresión de cada uno de los pueblos que han poblado el mundo a lo largo de su historia, con una gran variedad y riqueza de mestizajes a lo largo del correr de los siglos. Desde las primeras culturas de la Mesopotamia, Grecia, Roma, hasta llegar a la Edad Media, el Renacimiento, Barroco, hasta llegar a los siglos XX y XXI, sin olvidarnos de las culturas precolombinas en América y otros continentes, la música popular, la que denominamos como autóctona, siempre ha estado presente en el devenir de los pueblos, ya que sin duda son los ciudadanos el mayor motor de sus tradiciones, tanto en la música, como de otros aspectos culturales. Del mestizaje con otras culturas, de todas las influencias por las que se han visto atravesados los pueblos a través de conquistas, guerras, colonizaciones, etc., la música de los diferentes territorios se ha nutrido con otros ritmos, otros estilos y ha evolucionado sin perder su esencia. Recuerdo lo mucho que me llamo la atención cuando tuve la oportunidad de conocer a un Griot del Sahara Occidental, y escucharle tocar su Tidinit, como se hacía 700 años atrás y comprender de donde venía una de las raíces del flamenco, así como escuchando cantar a un Griot de Senegal, era escuchar la base del góspel americano, y que ha derivado a día de hoy en tantos ritmos y estilos musicales.

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La música como vehículo cultural Desde los antiguos trovadores del medievo, que eran músicos y poetas que interpretaban sus composiciones o eran interpretadas por los juglares, hasta los nuevos trovadores de hoy, donde alguno ha llegado a ganar el Premio Nobel de Literatura, han habido muchas influencias y transversalidades en los ritmos y nos han dado en la actualidad un sinfín de nuevas formas que no paran de evolucionar en los nuevos trovadores actuales. Cada país, cada región, se ve representada por sus ritmos autóctonos que a su vez se han mezclado con ritmos de otros lugares y han dado lugar a nuevas formas de entender la música. En particular toda Latinoamérica ha sido sin duda una de las cunas de ritmos que nos habla de su mestizaje y de cómo han evolucionado y se han expandido por todo el mundo. Podemos hablar de la Bossa Nova y la Samba, desde Brasil, que derivaron también en lo que conocemos como el jazz latino; del Tango y La Milonga, así como la Chacarera, el Candombe o el Chamané, que comparten Uruguay y Argentina; la Cueca, el Rin y la Sirilla de Chile; la Cumbia, el Joropo o el Vallenato de Colombia; El Vals y la Zamacueca peruana; desde Cuba el Son, el Bolero o el Chachachá; el Pasillo y el Sanjuanito de Ecuador; la Bachata de República Dominicana, el Calipso de Costa Rica y la Canción Ranchera y los Corridos mexicanos, dados a conocer en todo el mundo por los famosos Mariachis. Esto por citar alguno de los más importantes ritmos latinos, pero sin olvidarnos de los ritmos andinos como el Yaraví, el Huaino

o Huaiño, el Taquirari, las Morenadas y las Tuntunas, que sin duda han tenido influencia en todos los anteriores. Pero si hablamos de los diferentes ritmos que inundan América Latina, no podemos dejar de hablar de sus trovadores del siglo XX y XXI repartidos por todo el continente latinoamericano. Desde Chabuca Granda, Facundo Cabral, Víctor Jara, Violeta Parra, Chavela Vargas, Mercedes Sosa, Caetano Veloso, Carlos Puebla, Vinicius de Moraes, Pablo Milanés, Silvio Rodriguez, Pedro Aznar, Gustavo Cerati, Charlie García, Fito Paez, Natalia Lafourcade y Jorge Drexler, por citar a algunos de los más importantes. Y si hablamos de grupos emblemáticos, los hay y ha habido como Quilapayun, Inti-Illimani, los Kjarkas, Los Jaivas, Los Panchos, La Vieja Trova Santiaguera, Soda Stereo, Maná, y un larguísimo etcétera. De todos los citados, vamos a tener la posibilidad de disfrutar en nuestra programación en este periodo, de Los Panchos, uno de los grupos que han creado leyenda en la música latina, que nos ofrecerán un concierto donde repasarán lo más importante del repertorio del grupo; y como no podía ser de otra forma hablando de poetas y trovadores, de uno de los más grandes e importantes cantautores actuales del panorama latino, el uruguayo Jorge Drexler que nos presentará su último disco, Salvavidas de Hielo, qué entre otros muchos temas contiene el que lleva por título Movimiento, donde nos habla del mestizaje, que tanto se ha hablado en esta nota.

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“El teatro es poesía que se sale del libro para hacerse humana” Federico García Lorca

No hagamos el teatro solos El teatro, como cualquiera de las artes escénicas, requiere del espectador para ser. Una compañía puede crear el más bello y profundo de los espectáculos pero si no se encuentra con su público, no podrá nunca decir que fue teatro lo que hicieron.

Aarón Navia Actor. Director. Publicista.

Es el público el que hace el teatro con nosotros, actúa con nosotros y es parte imprescindible para que el hecho teatral suceda. Y por supuesto, pide respeto. Cada respiración, risa, suspiro, lágrima, movimiento en la butaca, comentario entrecortado o susurrado componen eso tan abstracto y bello que algunos llaman “la energía del público” y que transforma cada noche el espectáculo, para bien o para mal. Sobre esto, William Layton (1912-1994) en ¿Por qué? Trampolín del Actor ya advirtió cierta necesidad del “contacto metafísico Actor-Público-Actor [...] inexplicable para mí y que no quiero que nadie trate de explicármelo”. Sería entonces necesario, para que el hecho teatral suceda, un estar presente de espectador que debe aparecer después de la técnica, es decir, después de la investigación y ensayos.

“Yo sé que la poesía es imprescindible, lo que no sé es para qué” Jean Cocteau

¿Qué ocurre cuando alguien interrumpe o llega tarde a la función?, ¿o cuando suena un celular? Desde la escena proponemos un estar en juego, una ficción de la que todos sabemos es re-presentada. Las puertas del teatro se cierran para que todos los presentes, juntos, construyamos la magia de vivenciar lo que no existe. Y esta magia solo es posible con voluntad e implicación colectivas asumiendo, por inaudito que

parezca, compartir responsabilidades. Así se hace una función, entre todos. Por ello no es posible ver la misma obra de teatro dos veces, cada función es única e irrepetible porque el público es único e irrepetible. En los ámbitos digitales utilizan un neologismo que nos vendría bien adoptar para las tablas: prosumidor/a. Es el encuentro entre las palabras consumidor y productor; así el público no se considera un ente solo pasivo que acude al teatro a ver qué le dan, sino que construye y participa del espectáculo. No quiero con esto decir que todos los espectáculos requieran de gente saltando en las butacas o gritando a la escena, nada más lejos de mi intención. Más bien, pretendo aquí invitar a nuestro público a venir con la entrega con la que un niño se enfrenta al juego. Con esos ojos curiosos y anhelantes. Para así sumergirse en un viaje del que salir transformados. Porque a eso venimos al teatro ¿no? Y así soñamos: “Y a fe de honrado Puck, que, si hemos tenido la suerte de escaparnos ahora del silbido de la serpiente, procuraremos corregirnos rápidamente; de lo contrario, llamen a Puck mentiroso. Entonces, buenas noches a todos. Denme sus manos, si es que somos amigos, y Robín los recompensará como merecen.” Sueño de una noche de verano. W. Shakespeare

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Alejandro Fajardo Actor

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El actor y su continuo aprendizaje

Una vez Anne Bogart dijo que no hay nada peor para un director que ver al público salir ileso de un teatro. Ella también dice que para lograr que el público no salga así hay que entrar en un proceso violento y autodestructivo, y solamente un actor formado puede entender ese proceso. Y si no sabes quién es Anne Bogart* con mayor razón tienes que prepararte. Todos empezamos nuestro proceso con un método de formación, pero creo que es obligación de los actores explorar, ir más allá; porque la actuación no tiene un fin, es una búsqueda permanente, uno no puede decir “ya soy actor”, tiene que comprometerse con el arte y parte de ese compromiso es explorar y prepararse, y la

única forma es estar en esa búsqueda de ese aprendizaje. “Crea tu propio método, no dependas servilmente del mío. ¡Crea algo que funcione para ti!, pero sigue rompiendo las tradiciones te lo ruego”. Stanislavski Ese método propio es el resultado de una búsqueda que está dispuesta a cambiar permanentemente, por eso no hay que quedarse únicamente con un modo de actuación, sino más bien llegar a ese modo, conocerlo, llevarlo al extremo y de ahí transcender con ese modo. En la actualidad en el mundo las cosas van a una velocidad tan rápida que mientras más

simplificadas es mejor, el actor no se puede permitir que la ley del menos esfuerzo sea suficiente para subirse a un escenario, para dejar la vida en un escenario que es su trabajo finalmente. Un actor natural no se puede quedar siendo un actor natural para toda la vida, finalmente es una virtud del director que lo sabe dirigir, pero está condenado a ser encasillado en un solo tipo de personaje. Tampoco podemos pretender de los nuevos formatos que al principio fueron creador por la crisis económica mundial, sea el único referente de preparación, porque el teatro evoluciona sin alejarse de su esencia y el actor debe evolucionar con él.

* Anne Bogart dijo eso después de ver un ensayo de Robert Wilson

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ENTREVISTA

María de Lourdes Falconi Puig Escritora y dramaturga

FIARTES-G, 21 años Veintiún años es la edad en que se adquiere la condición de adulto, y hoy, esta caprichosa existencia que llamamos vida, nos coloca en el momento y lugar indicado para asistir, testificar y concelebrar la iniciática vigésimo primera edición del Festival Internacional Artes Escénicas Guayaquil, FIARTES-G. Estamos hablando de un festival emblemático de proyección internacional, que ha sabido navegar en aguas furiosas para mantener a flote el encuentro teatral más importante de la ciudad. Un evento trascendente, cuya trayectoria e impacto social lo hacen indispensable para el desarrollo artístico y cultural, no solo a nivel local sino nacional, pues desde su nacimiento en 1997, se convirtió en un espacio de convocatoria para compañías y grupos de teatro nacionales y extranjeros, favoreciendo el intercambio de conocimientos y experiencias en el ámbito de las artes escénicas. Han sido veintiún ediciones ininterrumpidas, en un remar constante -y a veces contra corriente- en esta Guayaquil del río y del estero, para propiciar los encuentros insuflando vida y movimiento, remeciendo las aguas para evitar que se estanquen. Oxigenando, porque no hay cosa peor que el agua quieta. Se pudre, se muere. El agua ha de correr en un flujo continuo generador de más vida. Así es el FIARTES-G, al menos así lo veo. Me recuerda al Nilo y sus periódicos desbordamientos; el mítico río, fuente que alimentó el florecimiento de antiguas culturas. Así también este Festival de teatro se desborda cada año y nos empapa, fertilizando el terreno con su limo para que la vida continúe. El beneficio de su gestión constante se extiende a los estudiantes y a la comunidad en general, consolidándose como un evento de programación escénica que genera espacios de diálogo, enriqueciendo al sector académico e incidiendo en el fortalecimiento de los grupos. Todo este movimiento ha facilitado, como suele ocurrir, el surgimiento de procesos críticos que supieron abrir espacios importantes en la prensa local y nacional, con profundidad

de ideas, lineamientos teóricos fundamentales y acertadas apreciaciones, que se revierten en favor del crecimiento del teatro y sus hacedores. Estamos asistiendo, como nunca antes, a un resurgir de las artes escénicas en Guayaquil. Es una efervescencia que nos hace cosquillas en la nariz… Una oleada que ha trocado las casas en teatros y los teatros en la segunda casa. Entonces podríamos decir que el teatro se nos ha metido a la casa… ¿para hacer los cambios desde adentro? Podría tratarse, quizás, de un fenómeno que obedece a una profunda necesidad de vernos. Tal vez estamos volviendo al teatro por las mismas razones y motivaciones que le dieron origen en época prehistórica –antes del surgimiento del teatro griego, inclusive-. Desde tiempos remotos, esa necesidad atávica del rito nos convoca. Hoy se manifiesta una necesidad de comunicación, de reconexión con aquello que nos define como humanos. Una urgencia por descubrirnos, quitándonos los ropajes que nos esconden, soltando la máscara desde la máscara, paradójicamente. Reconocernos en el otro y gracias al otro. Abrazarnos, y con ello, intentar juntar las piezas de una existencia fragmentada. El devenir de la historia, como el crecimiento, nunca es en línea recta sino en espiral. Siempre estamos volviendo para poder avanzar. El teatro nos muestra, confronta, cuestiona y también sacude; no ha de ser mero divertimento ni válvula de escape para evadirnos de la tarea de conocernos. Tampoco tiene por qué ser un potro de martirio. Una buena sátira nos puede hacer reír mientras nos revela alguna verdad. Y el teatro ha de ser, sobre todo, verdad. Estamos aquí para honrar la lealtad, la constancia y el amor. Para celebrar que el FIARTES-G ya es un Festival con mayoría de edad y se toma las plazas, los teatros, las casas y todo espacio que posibilite las múltiples formas de representación viva. Que se desborde sin reservas. Nosotros nos dejamos inundar.

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OTROS

EVENTOS SEPTIEMBRE Yummy Shop Las mejores propuestas gastronómicas en un solo lugar. Una feria dedicada al paladar en la plazoleta del Teatro Sánchez Aguilar. Fecha: Sábado 1 y domingo 2 de septiembre Horario: Sábado de 13h00 a 23h00 y domingo de 13h00 a 21h00 Entrada gratuita

Noche de artistas por LÍA ASVOLH – Asociación de Voluntariado Hospitalario Noche de Artistas Por Lía es una gala de arte a beneficio de Lía Monet, una linda niña de 7 años a quien le han diagnosticado cáncer óseo. Esta gala consiste en un espectáculo de arte donde se combina la danza y la música, con artistas reconocidos como son: Compañía En-Avant, Academia de Ballet Ana Wiesner, Compañía Yesenea Mendoza, Marvila Ortega y Martín Guerrero, y Emotion Band Fecha: Jueves 6 de septiembre Horario: 20h00 Valor: $25 Puntos de venta: Instaticket y boletaría del Teatro Sánchez Aguilar

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MÁS ESCENARIOS

OTROS

EVENTOS OCTUBRE Wine and Beer Agosto Cata de vinos y cerveza, gastronomía y música en vivo, más de 40 casa de vino y 12 de marcas de cerveza, incluye copa souvenir. Fecha: Miércoles 3 y jueves 4 de octubre Horario: 19h00 a 01h00 Valor: $35 Puntos de Venta: Instaticket y Boleterías del teatro

Reinvention Reinvention es el encuentro de profesionales disruptivos y tendencias que están revolucionando el mundo. A este espacio de aprendizaje y networking asisten líderes empresariales de la industria estratégica, creativa e innovadora de Ecuador para vivir dos días de inspiración. Fecha: 17 y 18 de octubre Horario: 9h00 a 18h30 Valor: https://reinvention.la Punto de venta: Ticketshow

La verdad de Guadalupe Charla dictada por el Padre Eduardo Chávez. Fecha: Martes 23 de octubre Horario: 19h30 Valor: No numerada: $20 Numeradas: $25 Puntos de Venta: Samborondón: Deccor C.C. Village, Deccor C.C. Plaza Batán, La Bonbonniere C.C. Las Terrazas. Vía la Costa: White Saloon y Spa Puerto Azul. Urdesa Central: Las Monjas 208 y Victor Emilio Estrada. Ceibos: La Bonbonniere C.C. Río Centro.

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SOCIALES

SOCIALES

BROADWAY UNPLUGGED 2.0

En nuestras salas se llevan a cabo momentos inolvidables. Gracias a todos quienes asisten a nuestros espectáculos o utilizan nuestros espacios para celebrar sus eventos. Ustedes forman parte de nuestra familia.

Kirsten Borggreve, Amelie Shröder y Sabine Meinlschmidt

Diana y Carlos Illingworth

ORQUESTA SINFÓNICA

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Silvia y Victor Aboud

Javier Mite y Ericka Mendoza

Paolo Bastidas, Zena Castro y Barbarita

Mishelle Muthre, Génesis Muthre y Santiago Freire

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SOCIALES

LAS MUJERES DE VERDAD TIENEN CURVAS

Heidy Ortega y Lucianna Grassi.

Merlyn Ochoa

William Muriel y Daniel Muñoz

David Harutyunyan, María Beatriz Cordovez, Pamela Cortez y Mónica Campaña.

EQUILIVRE - POLARIDAD

Tania Menoscal y Angel Kam

Mariuxi Cárdenas y Lady Chalen

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PRÓXIMOS EVENTOS

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FUNDACIÓN SÁNCHEZ AGUILAR

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FUNDACIÓN SÁNCHEZ AGUILAR

Se abre una nueva convocatoria de esta competencia grupal en la que nuevos escritores, actores y directores que deseen iniciar su carrera en las tablas podrán mostrar sus destrezas presentando una obra inédita y novedosa.

Revisa las bases en www.teatrosanchezaguilar.org Inscripciones desde el 1 al 31 de octubre de 2018 en: coordinacion@teatrosanchezaguilar.org Costo de inscripción: $5 por participante

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FUNDACIÓN SÁNCHEZ AGUILAR

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La Fundación Sánchez Aguilar:

Formando, invirtiendo y mejorando cada día

Como parte de la formación integral que ofrecemos a nuestros becados y sus familias, se llevó a cabo el taller sobre el “Manejo Inteligente de las Redes Sociales” dictado por la Psic. Daniella Medina de Massuh- Master en Asesoramiento Educativo Familiar y Entrenadora Certificada por la Asociación de Disciplina Positiva. Tanto los chicos como sus padres, recibieron consejos para el manejo de las mismas y pautas que deben tener en cuenta para su correcta administración. Tuvieron la oportunidad de despejar dudas, manifestar sus inquietudes y especialmente recibir la orientación adecuada. Con el propósito de servir mejor a la comunidad, hemos invertido en la compra de cuatro nuevas máquinas de coser, lo que nos permitirá ofrecer técnicas de costura especializadas dentro de nuestros cursos de Corte y Confección. Es muy gratificante ver cómo los alumnos del Centro de Promoción Social y Desarrollo Integral culminan sus cursos, satisfechos por una meta más cumplida. Tuvimos la clausura de los cursos de: Confección de sábanas y edredones, Panadería, Pastelería I, Maquillaje y Peluquería. Por este motivo se realizó una exposición y degustación de lo aprendido, así como demostraciones de maquillaje, cortes y peinados para diversas ocasiones. Algo importante y que vale la pena resaltar es la positiva responsabilidad social ejercida por las empresas Mamut Andino y Telconet, quienes se han preocupado de apoyar y facilitar que los familiares de sus colaboradores se capaciten mediante los cursos de la Fundación Sánchez Aguilar. Además les contamos que se realizó una campaña interna en el TSA, para apoyar el pulguero anual que realizan las señoras de ASVOLH en beneficio del Albergue Rosa Eva Aguilar de Sánchez, el cual tiene capacidad para recibir 110 personas cada día. ¡El pulguero solidario fue todo un éxito!

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