El Telón / julio - agosto 2018

EL TELÓN EDICIÓN #50 ǀ JULIO - AGOSTO ǀ VII TEMPORADA ǀ 2018 - 2019 ǀ WWW.TEATROSANCHEZAGUILAR.ORG

LA NAVE

UN ESPECTÁCULO CREADO POR JÓVENES ARTISTAS

PATRICIA EN LA INTIMIDAD PATRICIA GONZÁLEZ CERCA DE TI

LAS MUJERES DE VERDAD TIENEN CURVAS UNA COMEDIA DE GRAN TALLA

FUNDACIÓN SÁNCHEZ AGUILAR Carlos Sánchez Aguilar PRESIDENTE Ángel Polibio Sánchez Arosemena VICE PRESIDENTE María Cecilia Sánchez de Martinod DIRECTORA EJECUTIVA Claudia Pinargote Delgado ASISTENTE DE DIRECCIÓN EJECUTIVA Y COORDINADORA DE PROYECTOS FSA DIRECCIÓN ARTÍSTICA Ramón López Barranco Velasco DIRECTOR ARTÍSTICO Paulina Carrión Antepara ASISTENTE DE DIRECIÓN ARTÍSTICA PRODUCCIÓN Denisse Melgarejo PRODUCTORA EJECUTIVA Carlos Alberto Núñez / Ana Belén Ribas ASISTENTES DE PRODUCCIÓN Gladys Fernández Durán ASISTENTE DE PRODUCCIÓN SERV. VARIOS Alexandra Medina Pérez COORDINADORA CAMERINOS MARKETING Y COMUNICACIÓN Diego Chang Niemann GERENTE DE MARKETING Doménica Landívar Ontaneda EJECUTIVA DE MARKETING Y PUBLICIDAD Paul Torres Noboa DISEÑO GRÁFICO Y FOTOGRAFÍA Carlos Emanuel Cedeño MULTIMEDIA Mariuxi Dueñas Díaz PRENSA / REDACCIÓN Arcadio Arosemena Robles REGISTRO FOTOGRÁFICO (PROVEEDOR EXTERNO) COMERCIALIZACIÓN Melissa Sangurima Gallardo JEFA DE EVENTOS Soledad Albán Escala VENTAS ANFITRIONES Cristina Zavala JEFA DE SALA Pablo Arévalo / Juan Martin Castro / Raphael Garcés / Daniel González / Joshue Salazar Ariana Torres / Raúl Vélez / Karolina Vivar ACOMODADORES TÉCNICOS Ronny Aroca Delhi JEFE TÉCNICO Andrea Rendón Salazar ASISTENTE ADMINISTRATIVA DEL DEP. AREA TÉCNICO Erwin Guale Cruz JEFE DE PISO Y TRAMOYA José Pastuzo / David Pizarro / William Cedeño / Darwin Cortéz ASISTENTES DE TRAMOYA Luis Guevara / Jorge Guale / Jessica Méndez ASISTENTES DE ILUMINACIÓN Fernando Vélez / Daniel Lillo / Aldo Vivas ASISTENTES DE SONIDO William Bustamante TÉCNICO EN MANTENIMIENTO / ELECTRICIDAD GESTIÓN ADMINISTRATIVA Y FINANCIERA Vicky García Valdez JEFA ADMINISTRATIVA Y FINANCIERA Ivette Zambrano Torres TALENTO HUMANO Mario Alvarado Naranjo / Félix Gutiérrez Quimi CONTABILIDAD Doménica Cárdenas Aguirre RECEPCIÓN Dylan Segovia / Andrés Corral / Dayana Ruilova BOLETERÍA Joaquín Merchán Bravo / Galo Argüello Aguirre MENSAJERÍA / PARQUEO José Salavarría / César Quishpe / Orlando Vargas GUARDIANÍA Miguel Álvarez Salazar SISTEMAS (PROVEEDOR EXTERNO) Av. Río Esmeraldas, frente al C.C. Las Terrazas.

Telf.: +(593)4 209-7447 Samborondón - Ecuador

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PROGRAMACIÓN JULIO

EL TELÓN

editorial

Las mujeres y los jóvenes: Dos fuerzas en acción Para la Fundación Sánchez Aguilar es muy gratificante que nuestro Teatro lleve adelante en los próximos meses una producción en las que se destacan las mujeres y un proyecto donde se destacan los jóvenes.

Estoy convencida de la importancia del rol que desempeña la mujer en los diferentes ámbitos de la sociedad y gracias al esfuerzo y trabajo de muchas, este va cobrando cada vez más relevancia. Es mucho lo que se ha logrado y mucho lo que todavía falta por hacer.

Leía sobre Ingrid Vanderveldt, empresaria estadounidense del sector tecnológico y fundadora del movimiento global “Empowering a Billion Women by 2020”, MintHER y de Vanderveldt Global Investments. Comparto su visión de que “respaldar el fortalecimiento del poder de las mujeres estimula sociedades, proyectos de emprendimiento, creación de puestos de trabajo, acelera el crecimiento de los ingresos y desarrolla líderes inspiradores y motivadores”.

María Cecilia Sánchez de Martinod DIRECTORA EJECUTIVA

FUNDACIÓN SÁNCHEZ AGUILAR

Este 19 de julio estrenamos “Las mujeres de verdad tienen curvas” obra basada en la novela semiautobiográfica de Josefina López que dentro del género del humor trata el tema de la inmigración, pero

sobretodo las cinco mujeres involucradas en esta trama destapan ante el espectador sus miedos, aspiraciones, problemas personales y su lucha diaria sin más armas que el esfuerzo, la dignidad, la amistad. A estas cinco mujeres les pasa muchas cosas pero exhiben siempre gran optimismo, buen humor y una voluntad de resistencia que puede con todo. Me gusta recordar la frase de William George Ward: “El pesimista se queja del viento, el optimista espera que cambie y el realista ajusta las velas“. La gran mayoría de mujeres estamos ajustando las velas para ceñirnos a unos vientos que pueden ser muy favorables para todos.

Ya en la edición anterior adelantamos lo que será el proyecto La Nave. Durante el mes de mayo se realizó la convocatoria y de los 80 aplicantes, se han seleccionado 56 que serán nuestros Navegantes, quienes luego de todo un proceso de aprendizaje y desarrollo de habilidades pondrán en escena una muestra que será 100% de su creación y autoría.

Tenemos grandes expectativas por el resultado que lograremos y la experiencia que obtendremos al final del camino.

Vale la pena entonces agendar estas dos propuestas y “hacer plan” con amigos para venir y disfrutar de lo que el Teatro Sánchez Aguilar ofrece en su programación.

contenido PROGRAMACIÓN

julio

8-9 Las mujeres de verdad tienen curvas

11 Broadway Unplugged 12 La dama de negro 12 Utopía

agosto

PROGRAMACIÓN

8-9

16 La nave

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18 Más aJazz 21 Sonidos del bolero 25 Patricia en la intimidad

varios 31INFOGRAFÍA:

Conociendo el jazz

40-41 Sociales

25

47 Fundación Sánchez Aguilar

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PROGRAMACIÓN JULIO

EL TELÓN

JULIO 7

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SALA

PRINCIPAL

PROGRAMACIÓN JULIO

Patrocinadores Oficiales:

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Auspiciantes:

EL TELÓN

PROGRAMACIÓN JULIO

“Orgullosas de ser mujeres, orgullosas de sus cuerpos y orgullosas de sus curvas porque son sus curvas”

Sinopsis

Santiago Sueiras

Las mujeres de verdad tienen curvas, nos muestra la vida cotidiana de cinco mujeres ecuatorianas emigrantes ilegales en Nueva York trabajando en un taller de costura clandestino. Cinco mujeres entraditas en carnes que irán destapando ante el espectador sus miedos, aspiraciones, problemas personales y su lucha diaria sin más armas que el esfuerzo, la dignidad, la amistad y, sobre todo, el HUMOR. A estas cinco mujeres les pasa muchas cosas pero siempre exhiben gran optimismo, buen humor y una voluntad de resistencia que puede con todo.

Director de escena, dramaturgo y productor. Comienza su andadura teatral en los años 60, en los grupos universitarios que serían el germen de todo el teatro hecho durante la transición a la democracia en España. Entra en Caterva (“Fauna” “Ubú rey”, “Tenorio”) compañía que es todo un referente del llamado teatro independiente de los años 70. Luego funda La Gotera, compañía con la que realiza intensas giras por todo el Estado español.

Escribió y dirigió todos los espectáculos de este grupo, algunos de los cuales logran resonantes éxitos: “Espejos rotos”, “Campo de Marte”, “Listos para el desguace”, “Artistas sobre el asfalto, contentos”, “Ex.culturas”.

Basada en la novela semiautobiográfica de Josefina López, la escritora latina más popular en EEUU -que ya conoció una exitosa versión cinematográfica-, llega a Guayaquil tras representarse con éxito en los escenarios de Europa y América, arrancando aplausos y obteniendo importantes premios durante más de tres años en los teatros de toda España.

Josefina López ha logrado, con auténtica maestría, plasmar la vida cotidiana de estas mujeres atrapadas en un microcosmos del que no pueden o incluso ni siquiera se plantean salir.

Lo hace con un lenguaje tan cercano y unos personajes tan creíbles que el espectador vive sus alegrías, sus problemas, sus temores, sus aciertos y sus fracasos como si fueran propios. El espectador empatiza con estas mujeres aunque no necesariamente se identifique con sus conflictos. Poco importa que su realidad este totalmente alejada de la de los personajes, lo que hace que el espectador se interese, se divierta y se emocione es que ve plasmado sobre el escenario una realidad, aun sabiendo que es pura ficción.

Cinco magníficas actrices dan vida a estas cinco mujeres ecuatorianas, ellas son Tabata Gálvez, Verónica Pinzón, Doménica Cevallos, Ana Passeri y Andrea Gálvez. Las cinco dan muestras de su talento para la COMEDIA. Dando vida a estos personajes femeninos que como dice una estrofa de la canción están: “Orgullosas de ser mujeres, orgullosas de sus cuerpos y orgullosas de sus curvas porque son sus curvas”

Tras diez años como Director del Instituto del Teatro y las Artes Escénicas, trabajó en varias compañías como UR Teatro (Trabajos de amor perdidos), ADOS Teatro (Manolito Gafotas, El amigo de John Wayne, Como agua para chocolate, Las mujeres de verdad tienen curvas, El jefe de todo esto…) VAIVEN Producciones (Eduardo II, Antígona, Nasdrovia Chejov, Duda razonable…) y Producciones Gaupasa (Habitus Mundi, Ay Carmela, Para lo que hay que vivir mejor no morirse nunca).

Entre otros cargos fue Director de la Escuela de Arte Dramático, del Instituto del Teatro y las Artes Escénicas ITAE. Creador y Director de FETEN (Feria Europea de Teatro para Niños), miembro de la Junta Directiva de la Asociación de Directores de Escena de España, del Consejo Asesor del INAEM (Ministerio de Cultura), y miembro del Consejo de Dirección de la Sede Española del Instituto Internacional del Teatro.

Afincado en Guayaquil desde principios del 2015, ha dirigido “Guayaquil, una historia de amor”, “Julio, el musical de JJ” y “Nuestras Mujeres” producciones del Teatro Sanchez Aguilar, y “A, ante, cabe, con, desde… EL AMOR” producido por Salvaje Producciones, así como varias obras de Microteatro.

FUNCIONES Jueves 19 de julio a las 20h30 Viernes 20 de julio a las 20h30 Sábado 21 de julio a las 20h30 Domingo 22 de julio a las 19h00 Viernes 27 de julio a las 20h30 Sábado 28 de julio a las 20h30 Domingo 29 de julio a las 19h00 Viernes 3 de agosto a las 20h30 Sábado 4 de agosto a las 20h30 Domingo 5 de agosto a las 19h00 Sala Principal Valores: Platea A: $45 Platea B: $30 Platea C: $20 Categoría: Teatro Duración: 75 minutos Tipo de espectáculo: Comedia Clasificación: Mayores de 16 años FICHA ARTÍSTICA Autora: Josefina Lopéz Director: Santiago Sueiras Carmen: Tabata Gálvez Estela: Ana Passeri Ana: Verónica Pinzón Pancha: Andrea Gálvez Rosalí: Doménica Cevallos Diseño de Escenografía: Allan Jeffs Montaje de Escenografía: Vicente Gaibor y Carlos Vaca Construcción de Escenografía: Pablo Cajamarca Diseño de vestuario: Maru Sáenz Diseño de Iluminación: Jessica Méndez Letra y Música de Canción “Nuestras Curvas”: Santiago Sueiras Arreglos musicales “Nuestras Curvas”: Humberto Zamora Asistente de Dirección: David Morejón

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PROGRAMACIÓN JULIO

SILBANDO ENTRE CUERDAS CAFÉ CONCERT

SALA ZARUMA

Elementales

Sinopsis

Elementales

Recorrer las calles de una ciudad versada en tradiciones e historias personales, plazas y parques calados con la identidad de su gente. La memoria resguarda los recuerdos, goces y desaires que encandilan la risa y el llanto entre acordes de vientos enlazados con las cuerdas. Mágica sensación serenada con la música compuesta e interpretada por Geovanny Bedón (vientos) y Stalin González (cuerdas), acompañados por Ricardo Subía (piano), Alejandro Heredia (bajo) y Gustavo Bedón (batería), propician este encuentro con las raíces y la urbanidad.

Compuesta en 2015, esta agrupación evoca en cada pasaje musical la sonoridad de los componentes que encontramos en la naturaleza: aire, fuego, tierra y agua, los cuales son recreados a nivel sonoro por cada uno de los instrumentos que acompañan a Geovanny Bedón en este, su segundo trabajo de composición.

NOCHE BOHEMIA

Fernando Vargas

CAFÉ CONCERT

SALA ZARUMA

Sinopsis Fernando Vargas, reconocido músico guayaquileño y protagonista de Julio El Musical (2016), nos ofrece un concierto cargado de pasillos, boleros como homenaje a el ruiseñor de América (en el 2018 se cumplen 40 años de su partida) además estará acompañado del Maestro Carlos Rubira Infante. Aportando su personalidad y talento a una velada inolvidable de boleros, pasillos, valses y más.

Fernando Vargas Protagonista de nuestra producción Julio, el musical de JJ. Su estilo está inspirado en el que caracterizo a Julio Jaramillo. Fue alumno del maestro Carlos Rubira Infante, Fresia Saavedra y Naldo Campos. Se graduó con honores de la Escuela del Pasillo del Museo de la Música Popular, Julio Jaramillo.

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FUNCIONES Martes 3 de julio a las 20h00 Sala Zaruma Valor: $17 Categoría: Café Concert Duración: 90 minutos Tipo de espectáculo: Música ecuatoriana Clasificación: Todo público FICHA ARTÍSTICA Vientos: Geovanny Bedón Cuerdas: Stalin González Piano: Ricardo Subía Bajo: Alejandro Heredia Batería: Gustavo Bedón

FUNCIONES Martes 17 de julio a las 20h00 Sala Zaruma Valor: $17 Categoría: Café Concert Duración: 90 minutos Tipo de espectáculo: Boleros Clasificación: Todo público FICHA ARTÍSTICA Voz: Fernando Vargas

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PROGRAMACIÓN JULIO

BROADWAY UNPLUGGED 2.0 Elefante Rojo

Homenaje a musicales internacionales en el estilo de café concert, donde se interpretarán canciones escuchadas en Broadway, de Disney y de películas como “Moulin Rouge” y “The Greatest Showman”.

Elefante Rojo se creó en el 2016 y expuso su primer café concert llamado “Broadway Unplugged”.

Desde entonces ha puesto en escena espectáculos como “Broadway in love” y el musical inédito “Pobre, fracasada y gorda”. Además, planea presentar un nuevo show original en el mes de noviembre.

SALA ZARUMA

Grupo

CAFÉ CONCERT

Concierto

FUNCIONES Martes 24 de julio a las 20h00 Sala Zaruma Valor: $17 Categoría: Café Concert Duración: 90 minutos Tipo de espectáculo: Teatro musical Clasificación: Mayores de 16 años FICHA ARTÍSTICA Intérpretes: Cristina Illingworth, Cris Alcívar, Diego Chiang, Hugo Chávez Pianista: Josué Nieto Stage Manager: Kevin Klein Fotografía: Eduardo Valarezo Director musical: Diego Chiang Dirección y coreografía: Cris Alcívar

POLARIDAD Equilivre

EQUILIVRE POLARIDAD, es una celebración en vivo, en el cual la banda presenta sus mejores hits en un formato completamente acústico, junto a elementos visuales y artistas invitados en una noche para enamorar.

Equilivre Con más de 10 años de trayectoria, Equilivre se ha convertido en una de

las bandas más influyentes dentro de la escena musical ecuatoriana. Varias de sus canciones han sido consideradas himnos, tales como: Cuéntame, Papel, Si te miro. La agrupación está conformado por Fernando Escobar (Vocalista, compositor y autor) y Rafael Baquero (Guitarrista y co-autor). “Cuéntame” fue la primera canción de un grupo ecuatoriano en llegar a un millón de visitas en Youtube y se convertiría en la canción más versionada de artistas nacionales en los últimos 10 años.

SALA ZARUMA

FICHA ARTÍSTICA Cantante: Fernando Escobar Primera Guitarra: Rafael Baquero Segunda Guitarra: Willo Borja Batería: Darío Robi Artista Cevallos: Norka Cevallos Corista: Miosotis Chan Corista: Suyin Chan

Concierto

CAFÉ CONCERT

FUNCIONES Martes 31 de julio a las 20h00 Sala Zaruma Valor: $17 Categoría: Café Concert Duración: 90 min Tipo de espectáculo: Rock pop melódico Clasificación: Todo público

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NOCTÁMBULO

SALA ZARUMA

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PROGRAMACIÓN JULIO

LA DAMA DE NEGRO Sinopsis Efectos sonoros en vivo, olores, sensaciones, actuaciones, luces, sustos y risas en un espectáculo con tres décadas de éxito alrededor del mundo.

El abogado de Londres Arthur Kipps (Aarón Navia) acude a un maestro de teatro (Alejandro Fajardo) en busca de poder contar su terrible historia. Una casa solitaria en los pantanos de Escocia.

Extraños acontecimientos. Una Dama de Negro. ¿Cree usted en fantasmas?

Lacosacultural Lacosacultural

Productora cultural fundada en Madrid en 2013, proyecto creado por Norberto Bayo (Musicólogo y docente) y Aarón Navia (Actor y director). Lacosacultural es, junto con Entresijos a.c., creadora del Proyecto /SeAlquila, celebrado en siete ediciones en Madrid, Buenos Aires, Guatemala y Guayaquil. Ha producido teatro (Un hombre muerto a Puntapiés, El bello indiferente...), exposiciones, fiestas y eventos en España, Argentina y Ecuador.

FUNCIONES Jueves 12 de julio 20h30 ($10 estreno) Viernes 13 julio 17h00 ($12 estudiantes) Viernes 13 de julio 20h30 Sábado 14 de julio 20h30 Jueves 19 de julio 22h30 Viernes 20 de julio 22h30 Sábado 21 de julio 22h30 Sala Zaruma Valor: $20 Categoría: Noctámbulo Duración: 90 minutos Tipo de espectáculo: Terror Clasificación: Mayores de 12 años FICHA ARTÍSTICA Dirección de Actores: Itzel Cuevas Dramaturgista y La Dama de Negro: Michelle Zamudio Arthur Kipps: Aaron Navia Maestro de teatro: Alejandro Fajardo Voz de sacerdote: Norberto Bayo Maestre Traducción: Nicolás Esparza Producción: Aarón Navia (Lacosacultural) Dirección de Arte: Roberto Frisone Iluminación: Benjamín Cortés Tapia Escenografía: Charlotte Forster, Mayro Romero Villasagua y Lulio García Utilería: Génesis Carvajal y Dayana Gálvez Arash Ara Vestuario: Mili Contreras Valdiviezo Dirección musical: Norberto Bayo Producción musical: Rubén Riera y Adina Izarra Control de efectos de sonido y cuadrafonía: Francisco Jara Martrus y Jean Carlo Vega Música en vivo y atmósferas sonoras: Ninfa Álvarez y Damián Rosero Cazar Asistencia en sonido y producción sonora: Francisco Paúl Ochoa Hidalgo y Génesis Carvajal

UTOPÍA

TEATRO

SALA ZARUMA

Kronos

FUNCIONES Jueves 26 de julio a las 20h30 Viernes 27 de julio a las 22h30 Sábado 28 de julio a las 22h30 Sala Zaruma Valores: $15 Categoría: Noctámbulos Duración: 60 minutos Tipo de espectáculo: Mimo corporal dramático Clasificación: Todo público FICHA ARTÍSTICA Dramaturgia: Fernando Loor Dirección: Fernando Loor Técnica: Katherine Velásquez Escenografía: Fernando Loor Actores: Mariuxi Navarro, George Salazar, Andrea Armijos, Ma. Elena Ríos, Fernando Loor, Daniel Cueva

Sinopsis El pueblo ya cansado de los abusos de poder de sus gobernantes, se pronuncia para pedir un cambio de leyes y obtener beneficios necesarios para el bienestar colectivo. Al casi lograr su objetivo, este es burlado por un grupo de burócratas corruptos que, con artimañas, logran engañarlo para así boicotear su plan.

Grupo Kronos El grupo de teatro Kronos surgió

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después de culminar el taller de Mimo Corporal Dramático dictado por la compañía Teatro del Cielo en el año 2017, y decidieron seguir ensayando, con el tiempo varios integrantes decidieron dejar el proyecto y fueron quedando los actuales integrantes que son la base fundamental en este grupo teatral. Con miras al futuro decidieron apostar para participar en la Maratón de Teatro realizado en el mes de noviembre del 2017 en el Teatro Sánchez Aguilar, llegando a ser los ganadores.

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PROGRAMACIÓN JULIO

CHAPLIN SINFÓNICO

Orquesta de Cámara del colegio República de Francia

Entre los temas que se escucharan están: Smile, Candilejas, tradicionales de Glen Miller, La marcha de los santos y La danza húngara de Brams, que sirvió

Orquesta de Cámara del colegio República de Francia Es parte de un proyecto que integra la educación de la ciencia con la formación artística. Desde su fundación en 2015 ha ofrecido varios conciertos en instituciones culturales públicas y privadas. El arte practicado de manera electiva y libre permite una nueva visión de la vida estudiantil a la vez que propicia el surgimiento no solo de intérpretes sino también de directores y compositores.

FUNCIONES Domingo 8 de julio a las 12h00 Sala Zaruma Valor: Entrada libre Categoría: Vermouth Musical Duración: 90 min Tipo de espectáculo: Concierto sinfónico Clasificación: Todo público FICHA ARTÍSTICA Director: José Manuel Uzcategui Dirección Cuerdas: Juan José Torres Dirección Coral: Patricia López

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La orquesta sinfónica juvenil del colegio República de Francia, presenta el acompañamiento musical a los cortos del cine mudo, de Charles Chaplin, a principios del siglo XX, como una evocación de los comienzos de la cinematografía, donde las imágenes iban acompañadas de bandas sonoras, que se las ejecutaban a través de un parlante, mientras la historia corría.

de fondo musical para el cortometraje El barbero.

VERMOUTH MUSICAL

Sinopsis

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AGOSTO

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SALA

PRINCIPAL

PROGRAMACIÓN AGOSTO

ORQUESTA SINFÓNICA DE GUAYAQUIL Repertorio Concierto para violoncello y orquesta de H. Salgado (estreno mundial).Concierto para violoncello y orquesta de Walter Burle Marx (estreno en Ecuador). Solista de violoncello: Dennis Parker. Poema del Éxtasis de Aleksandr Skriabin (estreno en Ecuador).

OSG Este conjunto musical fue creado el 4 de noviembre de 1949 con la misión de difundir la música académica nacional e internacional y promover el desarrollo de una cultura artística como instrumento de inclusión social. Cuenta actualmente con aproximadamente 90 instrumentistas donde participan músicos tanto ecuatorianos como extranjeros residentes. La Orquesta recibió en 1970 una nueva estructura, manejándose por medio de una Junta Directiva, y ahora forma parte de la reorganización del Sistema Nacional de Cultura, desde el 2011.

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Dante Santiago Anzolini El maestro Italo-argentino Dante Santiago Anzolini ha dirigido con gran éxito en Europa, Estados Unidos y Súdamerica. Su amplio repertorio incluye numerosas piezas del repertorio tradicional, tanto sinfónico como operático, así como obras modernas de los siglos XX y XXI. El maestro privilegia en su trabajo a nuevas composiciones y ha dirigido numerosos estrenos mundiales, tanto de piezas orquestales como de óperas. Sus últimas presentaciones incluyen el estreno mundial de la ópera “Appomattolx” de Philio Glass, en la National Opera of Washington, donde hizo su debut, con enorme éxito y de público y crítica.

Tuvo una gira de conciertos en el 2016 en Uruguay, con la Filarmónica de Montevideo, y ha hecho su debut en Torino y Milano dirigiendo la Orquesta y Coro del Teatro Regio en la premiere italiana de “Akhnaten” de Glass.

FUNCIONES Jueves 9 de agosto a las 20h30 Sala Principal Valores: Entrada libre Categoría: Concierto Duración: 90 minutos Tipo de espectáculo: Concierto Sinfónico Clasificación: Todo público

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PROGRAMACIÓN AGOSTO

SALA

PRINCIPAL

LA NAVE

La Nave es un espacio de encuentro e integración de las artes escénicas con otras disciplinas artísticas. Los navegantes, jóvenes entre 16 y 25 años, trabajarán durante dos meses en un taller para presentar un espectáculo creado por ellos. En esta puesta en escena explotarán y unirán sus talentos, lo cual hará de este show una presentación rica en contenido, diversidad, emociones e interpretaciones.

El proyecto inició en junio y está bajo la dirección de sus fundadores españoles, Carlos Nuevo y Nina Reglero. Ambos son profesionales que cuentan con una

larga trayectoria en el mundo artístico y quienes ya han realizado este taller con gran éxito, en el Teatro Calderón de Valladolid, España.

La Nave es una oportunidad que el Sánchez Aguilar quiso ofrecer a nuestros jóvenes artistas. Durante este proceso ellos han podido disfrutar de una experiencia única, en la cual han compartido su creatividad y talento con un excelente equipo de profesionales en un teatro emblemático. Además tuvieron la posibilidad de asistir a ensayos, representaciones, clases técnicas y magistrales.

FUNCIONES Jueves 16 de agosto a las 20h30 Viernes 17 de agosto a las 20h30 Sábado 18 de agosto a las 20h30 Domingo 19 de agosto a las 19h00 Sala Principal Valor: Platea A $30 Platea B $20 Platea C $15,00 Categoría: Artes escénicas Duración: 60 minutos aproximadamente Clasificación: Todo público

¡No te pierdas de la magia de La Nave!

Patrocinadores Oficiales:

Auspiciantes:

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PROGRAMACIÓN AGOSTO

MÁS aJAZZ CAFÉ CONCERT

SALA ZARUMA

Joan Sánchez y Shai Golan

Sinopsis Tras 2 años de estudio en el mejor departamento de Jazz del mundo, en el prestigioso Manhattan School of Music de New York, nuestro pianista Guayaquileño, Joan Sánchez, visita el Ecuador en un concierto cautivante y conmovedor que promete impactar los corazones de su audiencia una vez más, no sólo por medio de la música, sino también al compartir su gran y apasionante experiencia en tierras Norteamericanas.

Joan se presenta esta vez junto a Shai Golan, saxofonista Israelí-Americano, quien fue invitado en el 2013 a formar

parte de la banda principal de la película ganadora de Oscar, Whiplash, donde Golan figura tocando el saxofón barítono en la pantalla gigante.

Un concierto muy especial en el cuál aparte de disfrutar arte pura y sincera, la audiencia podrá interactuar con los artistas dirigiéndoles preguntas acerca de la experiencia en Manhattan School of Music, New York y la película Whiplash. Los jóvenes músicos estarán más que gustosos de abrir el corazón y compartir con la audiencia un tiempo de transparencia y acercamiento muy especial con el fin de disfrutar la vida e inspirar a las nuevas generaciones a soñar.

FUNCIÓN: Martes 7 de agosto a las 20h00 Sala Zaruma Valor: $20 Categoría: Café Concert País: Ecuador/Estados Unidos Duración: 90 min Género: Jazz Clasificación: Todo público FICHA ARTÍSTICA Saxofón: Shai Golan Piano: Joan Sánchez Contrabajo: Matías Alvear Batería: Carlos Albán

DESPIERTA CAFÉ CONCERT

SALA ZARUMA

Alexa Acosta

FUNCIONES Martes 14 de agosto a las 20h00 Sala Zaruma Valores: $17 Categoría: Café Concert Duración: 60 minutos Tipo de espectáculo: Pop, rock y baladas Clasificación: Todo público FICHA ARTÍSTICA Dirección y Teclado: Amédée Flament Guitarra y coros: Jenny Villafuerte Saxofón: Harry Game Guitarra Eléctrica: Marcel Ferrer Bajo: José Olvera Percusión: Jorge Vega Batería: Juan Ordoñez Representante: Cristina Juez Asistente: Verónica Patiño Asistente: Paola Acosta

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Sinopsis “Despierta: Alexa Acosta” es un show creado para presentar el álbum debut de la cantautora ecuatoriana Alexa Acosta, en donde no sólo se incluirán canciones originales sino también canciones de compositores que han inspirado a la artista a lo largo de su vida.

Alexa Acosta Estudió Música en Londres por 3 años,

luego Administración en Guayaquil por 5 años más y ahora se especializa Actuación en Nueva York. De madre ecuatoriana y padre colombiano, empezó a escribir canciones desde los 13 años y cantar desde que tiene memoria. Las canciones de este primer disco las empezó a escribir en el 2014, en la ciudad de Miami, junto con el productor José Luis Pagan, a quien agradece todo el apoyo que ha brindado a su carrera profesional.

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SONIDOS DE BOLERO Omar Montalvo

Omar Montalvo presenta un repertorio depurado de canciones con historias que hablan del amor y el desamor. Con músicos en vivo que marcan el sonido clásico del bolero latinoamericano que nos llevarán a un viaje a través del tiempo para los amantes de este hermoso género.

Omar Montalvo Omar Montalvo es señor bolero, con

una larga trayectoria por más de 45 años en escenarios dentro y fuera del país.

Ha vivido diferentes etapas musicales desde programas radio, televisión, teatro y shows artísticos que avalan su carrera. Con este género, Omar se identifica plenamente y al que está dedicado por completo a recorrer los teatros nacionales e internacionales, el público disfruta un inagotable repertorio de bellos poemas que se convirtieron en canciones inolvidables.

SALA ZARUMA

FICHA ARTÍSTICA Piano y voz: Omar Montalvo Director de escena y sonido: Omar Montalvo Jr. Guitarra: Alejando Cañote Batería: Alejandro Montalvo Trompeta: Víctor Lema Bajo: Fabricio Rodríguez Congas: Nestor Gortaire Saxo: Luis Negrete

Sinopsis

CAFÉ CONCERT

FUNCIONES Martes 21 de agosto a las 20h00 Sala Zaruma Valor: $25 Categoría: Café Concert Duración: 90 minutos Tipo de espectáculo: Música Romántica Clasificación: Todo público

MELOMANÍA Rochi Vernaza

Rochi Vernaza celebra su afición apasionada por la música con un café concert lleno de Jazz, boleros y baladas, cuya dirección musical estará a cargo del majestuoso Francisco Echeverría.

Evocará a las voces femeninas más representativas del jazz como Ella Fitzgerald, Billie Holliday, Natalie Cole, y hará un recorrido por algunos temas que se convirtieron en clásicos de la música en español como La barca, Algo contigo, Sabor sabor, entre otras.

Guayaquileña, melómana y cantante.

Aprendió a tocar saxofón a los 21 años bajo la tutela del maestro Lucho Silva y en este recorrido descubrió la magia del jazz. Desde entonces se convirtió en vocalista y ha participado en algunos proyectos con artistas de nuestro medio. Hoy cumple 15 años cantando profesionalmente y lo celebra compartiendo el escenario con grandes amigos que le dio la música en un café concert lleno de jazz, boleros y otros cantares.

SALA ZARUMA

Rochi Vernaza

CAFÉ CONCERT

Sinopsis

FUNCIONES Martes 28 agosto a las 20h00 Sala Zaruma Valor: $17 Categoría: Café Concert Duración: 90 minutos Tipo de espectáculo: Jazz y boleros Clasificación: Todo público FICHA ARTÍSTICA Vocalista: Rochi Vernaza Piano: Francisco Echeverría Bajo: Carlos Vera Batería: Joa Araujo Sonido: Jonathan Alvarado Fotografía: Mauricio Torres Invitado saxofonista: Harry Game Invitado piano: Juan Carlos López Invitado guitarra: Ivan Ampuero Invitado cajón: Juan Pablo Baidal

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PROGRAMACIÓN AGOSTO

PATRICIA EN LA INTIMIDAD CAFÉ CONCERT

SALA ZARUMA

Patricia González

Patricia González Sinopsis Patricia González va a compartir una noche íntima e inolvidable con el público. Será un show acústico, voz y guitarra, en un viaje en el tiempo de su repertorio musical. Una noche mágica en donde la audiencia podrá disfrutar de la música y anécdotas de la vida de Patricia. La artista estará acompañada por el guitarrista Marcel Ferrer, maestro de la guitarra y el requinto.

Brillante cantante guayaquileña de más de 47 años de trayectoria artística, intérprete de boleros, pasillos y algún tango. Pertenece a una cofradía muy especial, singular y exclusiva de cantantes nacionales, por la maravillosa interpretación del bolero y del pasillo ecuatoriano. La artista se constituye como una verdadera embajadora de la música ecuatoriana, que brinda un aporte invalorable, digno de elogio y ejemplo de presentes y futuras generaciones, en la difusión y promoción de la música de Ecuador a nivel internacional.

FUNCIONES Viernes 24 agosto a las 20h00 Sala Zaruma Valor: $30 Categoría: Concierto Duración: 90 minutos Tipo de espectáculo: Boleros y pasillos Clasificación: Todo público FICHA ARTÍSTICA Voz: Patricia González Guitarra: Marcel Ferrer

BLANCANIEVES Y LA MALDICIÓN DEL ESPEJO

NIÑOS

SALA ZARUMA

El Jardín de las Sombras

FUNCIONES Domingo 05 agosto, 11h00 y 16h00 Domingo 12 agosto, 11h00 y 16h00 Domingo 19 agosto, 11h00 y 16h00 Sala Zaruma Valores: Adultos: $10 Niños: $5 Categoría: Teatro infantil Duración: 35 minutos Tipo de espectáculo: Teatro de sombras Clasificación: Todo Público FICHA ARTÍSTICA Escritor / Titiritero: Dennis Darquea-Bossano Dirección / Titiritera: Estefania Villacís

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Sinopsis

El Jardín de las Sombras

Adaptación original del clásico de los Hermanos Grimm. Luego de que el Espejo Mágico revelara a la malvada pero hermosa reina que no por mucho tiempo más sería la más hermosa del lugar, ya que Blanca Nieves (su hijastra) pronto sería mayor de edad, ésta empezará una cacería sin cuartel por eliminarla y obtener su corazón.

En su dramática huida Blanca Nieves conocerá a unos pequeños enanitos que la ayudaran en su intento por sobrevivir. ¿Lo logrará?

El Jardín de las Sombras es un grupo de teatro de títeres de sombras guayaquileño con más de once años de experiencia en su campo. Con experiencia nacional e internacional tienen ya seis obras a su haber, incluyendo una exitosa adaptación de “Alicia en el País de las Maravillas” que entre 2017 y 2018 realiza una gira nacional.

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PROGRAMACIÓN AGOSTO

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ENTREVISTA

Santiago

Sueiras El teatro requiere compromiso, ambición y formación

Dramaturgo, director, actor y productor español, con más de 50 años de trayectoria teatral. Inició sus pasos en el mundo artístico como actor pero al poco tiempo se dio cuenta que la dirección era su camino a seguir. Fue nombrado miembro del consejo asesor del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) del Ministerio de Cultura de España. Fundó en 1991 la Feria Europea de Artes Escénicas para Niños y Niñas (FETEN) que, hasta el día de hoy, se celebra anualmente con gran éxito. Radicado en Guayaquil desde hace tres años, ha dirigido varias producciones en esta ciudad, en la Sala Principal del Sánchez Aguilar ha presentado Guayaquil una historia de amor, Julio el musical, Nuestras Mujeres y este año cumplirá su cuarta dirección con Las Mujeres de verdad tienen curvas, que se estrena este mes de julio. Tiene muchos proyectos en marcha y considera que un buen profesional es el que no deja de formarse y aprender continuamente.

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EL TELÓN

ENTREVISTA

¿Cómo inició tu carrera en el teatro?

Empecé en el teatro casi por casualidad, yo estaba dirigiéndome hacia la música, que es otra de mis dos grandes pasiones, pero empecé como actor en un taller. En aquella época (1960s) era empirismo puro, luego mis compañeros y yo empezamos a tomarlo en serio y nos dimos cuenta que el empirismo estaba bien, pero que había que formarse, que era necesario formarse. Yo enseguida tuve claro que no había nacido para ser actor, que no me gustaba, que no era bueno. Sin embargo, como director si me encontraba a gusto y sabiendo que podía hacerlo bien.

Me podrías mencionar durante esa trayectoria los puntos más importantes para ti Primero cuando descubrí que yo quería dedicarme profesionalmente al teatro y junto con la compañía Caterva marcamos un referente claro en lo que se denominaba el teatro independiente.

Otro punto importante en mi vida fue cuando decidí fundar una compañía nueva con mi propia manera de trabajar, con mi lenguaje y mi manera de ver las cosas. La denominé La Gotera y la puse en marcha con gente que estuve entrenando durante dos años, hasta que estuvieron listos para iniciar profesionalmente.

Otro momento significativo para mí fue cuando me nombraron director del Instituto del Teatro y las Artes Escénicas (ITAE), además de ser elegido miembro del Consejo Asesor del INAEM (Ministerio de Cultura) que era el que decidía casi todo lo que pasaba en el teatro de España. Hubo otras ocasiones de mucha importancia en mi carrera, como irme a vivir a San Sebastián y ser partícipe en muchos éxitos teatrales, además de, claro, venir a Ecuador y decidir radicarme aquí. ¿Cómo fue tu llegada a Ecuador y la decisión de quedarte?

Ramón (Director artístico TSA) me llamo para dirigir “Guayaquil una historia de amor” (2015), le dije que me enviase el texto, el cual me pareció interesantísimo y muy bien escrito por el autor Mario Diament, a raíz de eso decidí venir. La verdad no conocía a ningún actor de aquí y fue muy apasionante porque me di cuenta que había mucho talento y a la vez muchas cosas por hacer. Esta primera obra fue el arranque de todo, yo si no me hubiese encontrado a gusto no me quedaba. Pero con el tiempo descubrí actores y actrices que ahora son mis amigos y que valoro mucho. Fue así que me salieron otras propuestas de dirigir más producciones… y sigo aquí (risas).

¿Qué piensas de la movida cultural de Ecuador?

Creo que no hay movida cultural, sino un despegue del teatro. Considero que el Teatro Sánchez Aguilar ha sido clave en ese cambio de la actividad teatral y del interés por el teatro. Jaime Tamariz también fue un pionero con el Microteatro de Miraflores y me parece que ahora en general está cambiando la situación y hay más espacios. El peligro es que haya una especie de infracción y que al final caigamos en el error de hacer demasiadas cosas en poco tiempo, porque terminamos instalándonos en la ley del mínimo esfuerzo y eso no es bueno. Hay que tener cuidado, no se puede pasar de la nada al todo.

Dentro de este proceso de despegue, ¿Qué retos crees que le falta superar a Ecuador para poder llegar a ser un referente cultural?

Es una unión de varios factores. Primero no hay apoyo, apoyos reales al teatro.

Luego hay poca ambición entre las personas que se dedican a esto. Cuando te instalas en la mediocridad, cualquier cosa que es un poco mejor, crees que es buena, y no, solamente es mejor que lo otro. Hace falta más ambición, más rigor y más facilidades para una enseñanza que valga la pena. Estoy generalizando, que no se me malinterprete, se está dando un cambio y estamos en un proceso, pero siento que falta una formación constante y también ganas por parte de los estudiantes, que busquen ir más allá por sus propios medios. ¿Cómo ha sido su experiencia trabajando con artistas ecuatorianos?

A mí lo que me importa es que sean actores que se lo tomen en serio, que se comprometan, que no existan en la frivolidad. Creo que he tenido el acierto de saber cómo transmitir las cosas a los actores que han trabajado conmigo.

Tengo fama de exigente, que te puedo decir, lo soy (risas), y conmigo mismo también. Mi método es el método del sentido común, a un actor le digo que debe saber: qué dice, por qué lo dice y cómo lo tiene que decir. Esa para mi es la fórmula para que un actor con mucha o poca experiencia termine haciéndolo bien, a mí me da resultados buenos, esto y el compromiso. ¿Qué se puede esperar el público de “Las mujeres de verdad tienen curvas”?

Es una comedia que habla de temas serios, pero desde el humor absoluto.

Habla de la vida cotidiana de cinco mujeres que no se rinden, que se ríen, que bailan, que cantan y que no

“Las mujeres tienen que estar orgullosas de su cuerpo...” decaen. La obra tiene tres puntos importantísimos. Primero, las mujeres tienen que estar orgullosas de su cuerpo aunque no responda al modelo que sale en las revistas. Segundo, los inmigrantes son personas a los que hay que tratar como personas, no como si fueran seres inferiores. Tercero, las próximas generaciones tienen derecho a decir ‘mamá yo no quiero hacer lo que hiciste tú, yo no quiero tener dos hijos a los 20 años, ni estar casada, yo quiero estudiar y prepararme’. Los tres temas tienen mucho valor.

Dirigiste esta obra en un pasado, ¿cuál es el reto ahora?

Sí, esta obra ya la hicimos en España con un éxito tremendo. La obra está escrita por Josefina López, una mujer afincada en Los Ángeles que tiene un teatro y ahí representó la obra por primera vez.

Una compañera mía de ese entonces, Garbi Losada, encontró el texto y decidimos llevarlo a España. Allá lo hicimos con personajes diferentes, eran cinco cubanas ilegales en Madrid que tenían un taller de costura clandestino.

La acogida fue tan grande que estuvo durante tres años de gira en España y tuvo muchos premios. En cambio aquí el reto es no copiar, ni a mi querida Garbi Losada (directora de la obra) ni a mí mismo como productor. Ese es el reto.

La obra adaptada a Ecuador cuenta la historia de cinco mujeres ecuatorianas ilegales en Nueva York con un taller de costura clandestina. ¿Qué podemos esperar de Santiago Sueiras en un futuro cercano?

Acabo de terminar un texto para microteatro que se llama Hoy vengo dispuesta a todo… También finalicé una pieza que se llama Los caminos de Santiago, que la empecé a escribir el día que se murió mi mamá. Estoy a punto de acabar otros textos como Que borracho estaba ayer, no me acuerdo de nada y Spartacus. Además tengo el proyecto de hacer un espectáculo que se llama Dos historias de desamor y una canción desesperada. Todavía hay mucho que ofrecer, estoy con un montón de proyectos en la cabeza que espero que realicen.

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Nina Reglero Carlos Nuevo

Fundadores del proyecto

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ENTREVISTA

Nina Reglero, es directora de escena, pedagoga y directora artística de Rayuela Producciones Teatrales de la que es socio fundador. Ha sido profesora de interpretación en la Escuela de Arte Dramático de Valladolid, y actualmente es la coordinadora artística de “La Nave”: El programa de desarrollo de las artes escénicas para jóvenes del Teatro Calderón de Valladolid.

Ha impartido clases magistrales y seminarios internacionales, en distintos países como Francia Uruguay, Costa Rica, entre otros. Participante en ISTA XIII International School of Theatre Anthropology dirigida por Eugenio Barba (2004).

Además es ponente de la “Hot House” en Encausse les Thermes (Francia) para IN SITU e International Innovative Shows in Urban Territories (2006). Especializada en teatro contemporáneo, ha dirigido una cuarentena de espectáculos, y ha presentado en España autores como Jean Claude Carriére, Enzo Corman, Lars Von Trier y Lars Norén, entre otros. Entre los premios recibidos destaca el premio Max Revelación por su puesta en escena de Dogville de Lars Von Trier y el premio Especial del certamen de Directoras de Escena de la Asociación de Directores de Escena de España.

Carlos Nuevo es director de escena, escenógrafo, video artista, actor y autor teatral. En la actualidad su trabajo está enfocado a la utilización de recursos visuales, sonoros y musicales propios (infografía, animación, diseño gráfico, videocreación, música electrónica, etc.).

Ha diseñado una cincuentena de espacios escénicos entre los que destacan el Premio Nacional de Escenografía “Aqulieo Echevarría” de Costa Rica por 20.000 leguas de viaje submarino, el Premio a la mejor creación artística del World Festival of Puppet Art de Praga por Max de Juan Benet o Dogville (Premio Max al mejor espectáculo revelación). Como autor teatral ha escrito una veintena de obras entre las que destacan: El último vuelo, El secreto de los hombres libro, Conectado, Manuscrito 408, o Lovers Cole Porter songs, así como versiones para niños y jóvenes de novelas como Moby Dick, Viaje al centro de la tierra” o 20.000 leguas de viaje submarino. Algunas de estas obras se han estrenado en Costa Rica, Uruguay, Venezuela.

Actualmente trabaja como coordinador artístico de LA NAVE del Teatro Calderón de Valladolid y dirige la sección EMC Escena y multimedia del Laboratorio RayuelaLab

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ENTREVISTA

Ustedes cuentan con una compañía de producciones teatrales Rayuela. ¿Cómo nació este grupo y a raíz de que se dio esta unión?

La compañía está especializada en teatro contemporáneo y lleva más de 30 años en el panorama teatral. Quisimos generar una estructura de compañía “abierta” para favorecer el desarrollo personal de sus creadores, y así nació Rayuela, como un espacio de encuentro entre creadores interdisciplinares en busca de una voz propia en el terreno artístico en general y el escénico en particular. La compañía ha compaginado el laboratorio de propuestas más arriesgadas, con el repertorio, y a la vez hemos tenido muy en cuenta al público infantil y joven.

Sus puestas en escena se unen elementos ajenos al teatro como, videos, infografías, audiovisuales, entre otros. ¿Cómo se compaginan estos distintos lenguajes en el teatro?

Muchas veces se tiene una concepción del teatro un poco sesgada, concretamente teniendo el texto como centro desde el que pivotan todos los demás signos escénicos. Sin embargo la escena es activa, y siempre se nutre de todas las formas de expresión del ser humano. A medida que se han ido incorporando otras formas de comunicación tales como el videoarte, la electrónica, el espacio sonoro, la danza, el mundo virtual, etc. Su uso se ha ido normalizando en la puesta en escena y nosotros en este caso nunca hemos tenido ningún prejuicio para experimentar primero y utilizar después.

Durante esta larga trayectoria de 30 años en Rayuela, ¿cómo han visto evolucionar su trabajo y qué han aprendido el uno del otro?

Es un pregunta maravillosa y muy difícil de contestar con precisión, porque trabajando tantos años juntos es casi imposible definir que aporta cada uno. Es una simbiosis y a la vez una colaboración complementaria muy enriquecedora.

Yo, Nina, me encargo más de la puesta en escena, la coordinación general de los equipos de trabajo, actores, dramaturgia textual, etc, y Carlos Nuevo se encarga de la plástica, el espacio escénico y audiovisual. Pero cada cosa la imaginamos y la consensuamos en equipo.

Adentrándonos al tema de La Nave, ¿cómo se originó el proyecto?

El proyecto surge de la necesidad de Teatro Calderón de Valladolid de abrir las puertas a la ciudadanía y que esta lo considere como espacio propio, más

allá del prestigio que el Teatro tiene como centro de exhibición y producción teatral. La Nave es un proyecto de investigación inclusivo, estable y a largo plazo, que conecta a su vez a los jóvenes con su ciudad y con su teatro.

Aparece como una respuesta a la desatención generalizada, por parte del medio escénico, a un público joven, que paradójicamente conforman el “target” principal de las grandes corporaciones del entretenimiento (cine, bestsellers, música, videojuegos) y, sin embargo, apenas existen propuestas desarrolladas desde criterios cualitativos y artísticos en el territorio de la producción escénica. ¿Qué retos deberán superar los navegantes?

Los Navegantes tendrán que colaborar cada uno con su nivel artístico para investigar y aprender de manera colaborativa con sus compañeros, integrando todas las disciplinas de las que dispongamos en función de los perfiles artísticos de los chicos que se presenten. Nosotros les damos la idea originaria y las “reglas del juego”, ellos elaboran juntos las ideas y las comparten con sus compañeros. Nosotros después las coordinamos, limpiamos y damos el acabado final… Y luego, ¡claro! ensayar y presentar el trabajo ante un público, en ese maravilloso teatro. ¿Cuál consideran que es el mayor aporte de La Nave para los jóvenes?

Quizá la capacidad de expresar el mundo generacional desde la perspectiva del “joven creador” tanto en sus aspectos positivos como negativos, con un talante bien descriptivo, poético o reivindicativo. Y que sientan que el teatro multidisciplinar es también un vehículo para ellos, para hacerse oír y “dejarse ver”, para dar a conocer su mundo interior, sus opiniones, sus ritmos vitales y sus necesidades como generación que identifica a su cultura, su ciudad y su país. Queremos facilitarles una inmersión en el mundo del arte como vehículo de sus identidades, de sus deseos, de su catarsis frente al mundo, que pueda levantar las alfombras de su propio entorno y sacar a la luz comportamientos propios de los jóvenes y adolescentes. ¿Cómo ha sido su experiencia hasta ahora dirigiendo a estos grupos? ¡Ha sido maravillosa! Muy enriquecedora, porque su espontaneidad, su naturalidad, sus talentos, y su falta de prejuicios, nos han hecho volver a creer que la educación en el arte puede ser un elemento fundamental de la emancipación, la libertad y del crecimiento generacional.

¿Es la primera vez que La Nave sale de la ciudad donde nació, Valladolid? ¿Qué expectativas tienen para este nuevo viaje tan lejos de casa?

Estamos muy emocionados por aprender de los jóvenes de Guayaquil, por saber si sus motores, sus filias y fobias son universales, y los jóvenes de ambos países comparten sus deseos más allá de su identidad, su cultura o su entorno. Creemos que puede ser un pequeño paso para que ellos puedan compartir más adelante esos vínculos y generar intercambios y aprendizajes comunes. ¿Cuántas presentaciones ya se han realizado con La Nave?

La Nave lleva producidos ya cuatro espectáculos de gran formato y otras tres pequeñas propuestas escénicas paralelas, “Metamorfosis”: Una reflexión sobre la identidad adolescente.

“Palabras cruzadas”: Un juego poético musical sobre las relaciones sociales de los jóvenes, “Green-Eyed Monster”: Un montaje denuncia de los neomachismos y la violencia de género, basado en el Otelo de Shakespeare, “Fuegos”: Un espectáculo de teatro documento sobre los éxodos pasados, presentes y futuros. “Cenizas”: Una propuesta poética work in progress. Y en estos días estrenamos “Ágora” un espectáculo sobre la responsabilidad comunitaria, y el concepto de grupo frente al de individuo aislado, egocéntrico y narcisista q parece surgir del uso de la Red como foro de encuentro, o de debate. ¿Qué aspiraciones tienen con este proyecto? ¿A dónde buscan llegar con él?

Sobre todo a enriquecer la vida de los jóvenes que participan y también al público, ¡claro! Darles voz y que podamos comprenderlos e integrarlos como ciudadanos que aportan algo positivo a su sociedad. Y también hacer ver a la ciudadanía que el arte es para todos que no es excluyente, ni elitista, y que merece la pena ser creado y compartido.

“Queremos facilitarles una inmersión en el mundo del arte como vehículo de sus identidades...”

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PROGRAMACIÓN AGOSTO

Conociendo al JAZZ

INSTRUMENTOS

Se considera que el jazz nació y se generalizó entre los años 1900 y 1920, en Nueva Orleans, Estados Unidos.

El jazz se originó dentro de la población afroamericana, ellos rompieron con los estatutos de la música clásica e impulsaron un estilo más libre. Sirvió como denuncia en contra de la discriminación racial que sufría esta parte de la población.

Piano

Trompeta

Trombón

GRANDES EXPONENTES Louis Amstrong (1901 – 1971)

Thelonious Monk (1917 -1982)

Clarinete

Charlie Parker (1920 – 1955)

Ella Fitzgerald (1917 – 1996)

Contrabajo

Miles Davis (1926 – 1991)

Nina Simone (1933 – 2003)

Duke Ellington (1899 – 1974)

Billie Holiday (1915 – 1959)

Saxofón

Batería

Sabías que…

En el 2011 la UNESCO decretó el 30 de abril como el Día Internacional del Jazz. Esta institución considera a este género como un símbolo de unidad, paz y libertad de expresión.

A partir del jazz se crearon nuevos estilos como el swing, bebop, funk, latin jazz, world fusion, entre otros.

El jazz influenció a la creación de uno de los géneros más populares en la actualidad, el rock.

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PROGRAMACIÓN AGOSTO EL TELÓN

Café Vino Bar, Un espacio tan versátil como tú Durante estos últimos meses en el Teatro Sánchez Aguilar hemos seguido fortaleciendo nuestros espacios para ponerlos a disposición de la comunidad de Samborondón y Guayaquil. Con este enfoque aparece el Café y Vino Bar como una opción permanente que invita a la comunidad a vivir y respirar el teatro desde otra perspectiva, la gastronómica.

El Café Vino Bar es un espacio donde se puede conectar la comunidad y empezar a generar redes. Independiente de

la profesión u ocupación, si lo que se necesita es un lugar para trabajar, el Café Vino Bar es ideal para tomar un buen café y venir con tu laptop y teléfono.

Así también la versatilidad del espacio lo convierte en un sitio ideal para disfrutar del momento con amigos, en un lugar con ambiente y sabor distinto. No debe sorprender que en las visitas se pueda disfrutar de una exposición de arte mensual; ya sea pinturas, esculturas o incluso de títeres.

En la cafetería tenemos opciones de sal y dulce, además de una amplia gama de cafés exquisitos realizados por nuestro barista. También contamos con almuerzos ligeros y nuestra bebida helada “Frapeado”, el éxito de la casa.

En el bar ofrecemos piqueos varios y una amplia gama de cócteles, vinos y cervezas. El distintivo que aporta este sitio es su privacidad y ambiente acogedor que permite distenderse y disfrutar sin ninguna complicación.

Café del Teatro

Vino bar del Teatro

Visítanos en nuestro café y vino bar para que disfrutes de un encuentro entre el arte y la gastronomía de martes a domingo desde las 12h00 y en horarios de función.

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NOTAS AL MARGEN

notas al

margen Ramón Barranco Director Artístico Teatro Sánchez Aguilar

Creo que nadie duda que el ARTE, así con mayúsculas, es una de las manifestaciones más elevadas de la actividad humana, como parte del desarrollo y la evolución del hombre.

Que el arte juega un papel clave en el programa de enseñanza de nuestros hijos, es algo que cualquier padre, educador y profesional de las artes tenemos muy claro. Se ha demostrado científicamente hace ya tiempo, que el estudio o práctica de cualquier actividad artística, desde temprana edad, cultiva en el ser humano una sensibilidad que lo lleva a desarrollar una ética muy sólida, que le permitirá elevar el espíritu y conocer mejor su yo interno, fortaleciendo su relación con los demás fuera de dogmas y con un amplio criterio.

El arte es, o al menos debería ser, parte integral del desarrollo del ser humano.

El arte enseña a los jóvenes a pensar creativamente para, de esa manera, poder resolver problemas y enfrentar desafíos que se les presentan en sus vidas. Por medio del arte, los jóvenes estudiantes aprenden a compartir y reflexionar sobre ellos mismos, las personas y circunstancias que giran alrededor de ellos. El arte promueve la autoestima en la persona y la seguridad interna para poder atravesar momentos difíciles en la vida y poder romper barreras y prejuicios en el camino, proporcionándoles herramientas a través de las cuales pueden canalizar sus sentimientos, experiencias, emociones y percepciones de todo lo que les rodea en sus vidas, llevándolos hacia el triunfo personal.

De acuerdo a estudios recientes sobre el impacto del arte en el joven, se ha

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Los navegantes del Teatro Sánchez Aguilar comprobado que el arte estimula ambos lados de su cerebro. Dichos estudios demuestran que el joven que practica o consume cualquier tipo de arte, tiende a leer mejor y tener un mejor rendimiento académico en sus estudios. Además de mejorar sus facultades físicas, el arte nutre vacíos en el espíritu del joven.

La música, por ejemplo, nos permite la concentración. La literatura desarrolla nuestro pensamiento. El teatro permite desarrollar la creatividad individual y grupal y la danza promueve el trabajo en equipo.

Desde hace décadas, en todo el mundo, una de las preocupaciones de los gestores culturales, ha sido el cómo acercar a la gente joven la cultura. Los que somos padres sabemos que hay un momento de la adolescencia donde nos enfrentamos a la búsqueda individual que nuestros hijos hacen de ellos mismos, a la búsqueda de su propia identidad, sus argumentos, sus razones para afirmarse en ellos mismos, y comienzan por independizarse de la vida de sus padres, por rechazar, de alguna manera, la autoridad y por tanto algunos de los valores de los que ellos les han inculcado, buscando así una ruptura con las cosas que hasta ahora compartían con ellos, como por ejemplo las actividades lúdicas o culturales que compartían, en la búsqueda por su individualidad, apareciendo así el rechazo hacia las artes en general, y las escénicas en particular, porque les parece que es cosa de niños o de sus padres y abuelos.

La Nave del Teatro Sánchez Aguilar, que está presta a arrancar sus motores, solo pretende ofrecer a sus NAVEGANTES, un

espacio de encuentro con otros jóvenes con lo que poder compartir pensamientos e inquietudes, preocupaciones y anhelos y donde puedan exponer y hablar de lo que les interesa y/o preocupa, y que a través de este espacio de encuentro e integración de las artes escénicas con otras disciplinas artísticas, poder catalizar sus inquietudes expresivas, donde proponer alternativas a los modos convencionales del pensamiento y acción escénica. Un laboratorio, en definitiva, en el que puedan trabajar y proponer libremente, guiados por profesionales que coordinarán los procesos de creación en sus diferentes etapas.

Es importante aclarar que no pretendemos hacer artistas de nuestros navegantes, tan solo mostrarles puertas que ellos puedan llegar a traspasar. Algunos podrán llegar a descubrir sus dotes para el arte y se convertirán en ejecutantes, los otros al menos llegarán a ser apreciadores del arte.

No todos los que amamos y gozamos con las diferentes manifestaciones artísticas, somos artistas. Los melómanos no saben tocar un instrumento, pero si aprecian la música, los coleccionistas de arte no saben pintar, pero conocen de pintura, no es necesario escribir un libro para gozar del placer de la lectura. Pero el acercamiento al arte en cualquiera de sus manifestaciones, nos hace personas con mayor apertura de mente, más libres y más tolerantes con los otros, eso es lo que pretende esta NAVE que nace con la intención de viajar con sus NAVEGANTES por mucho tiempo.

EL TELÓN

NOTAS AL MARGEN

Puedo tomar cualquier espacio vacío y llamarlo un escenario desnudo. Un hombre camina por este espacio vacío mientras otro le observa, y esto es todo lo que se necesita para realizar un acto teatral.

Benjamín Cortés Tapia Actor, director y docente Universidad de las Artes

El actor como arquitecto Reducir el fenómeno teatral a las mínimas condiciones, como lo asegura Peter Brook, da por resultado la relación de tres elementos indispensables en el hecho teatral y que parten del ser humano: Actor, Personaje y espectador. Es decir, un actor interpreta a un personaje frente a un espectador; existe una relación entre el actor y el personaje, y esta actúa como signo y significante (personaje y actor) y a su vez se extiende a la que surge al momento de la acción entre el personaje y el espectador; el actor crea los signos en la escena y el espectador los decodifica para comprender la naturaleza del personaje.

Al pasar de los años, y a pesar de quererlo sustituir con cámaras, muñecos o tecnología teatral, el actor sigue siendo el centro neurálgico del fenómeno teatral, es el intermediario entre el autor, el director y el público, el que atraviesa y es atravesado por todos los procesos que tiene el espectáculo teatral; es producto y productor de fantasías. Su trabajo consiste en ofrecer su persona, llenando un espacio, transformándolo; cuerpo creador de espacios, en relación con otros cuerpos y objetos, que responde a las acciones de un texto, las representa y da significado, un cuerpo expuesto a la mirada del público.

A principios del siglo XX se dieron las grandes transformaciones teatrales, entre ellas la experimentación del espacio hasta llevarlo a la más pura forma de la representación: una arquitectura vacía, acompañada únicamente de elementos que dan sentido y fuerza al trabajo del actor.

No es necesario abrumar al hombre con las cosas que se encuentren en el escenario, puesto que él también está ahí y dotado de inteligencia, como dueño y señor de su

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entorno, dominador de lo material. Es por esto que el mundo material se encuentra a su disposición, la escenografía y los elementos en la escena tienen razón de estar ahí, no solo existen en el espacio, si no que participan directamente de la acción del actor, deben tener carácter, vida y libertad de existir a la par del actor, no se presentan como testigos inertes de la acción en el espacio.

Se debe visualizar al espacio escénico como instrumento que otorga al decorado el valor de elemento y lo entiende como un lugar en que la acción teatral se desarrolla.

Va más allá de la forma determinada por la escenografía, se transforma en una totalidad técnica en la que el actor muestra su trabajo y el espectáculo se lleva a cabo.

El actor debe crear el espacio por medio de su temporalidad rítmica, musical. Es necesario visualizar el ritmo por medio del uso correcto de la iluminación, que debe transformarse con respecto de la acción dramática, acomodándose al tempo de cada situación escénica. De tal manera que el actor se presenta al espectador como una caja de resonancia musical que se crea gracias a la acción del cuerpo del actor, y al equilibrio visual que se crea con los objetos que le rodean, Appia percibe esta identidad espacial a través del trabajo del actor “El espacio es nuestra vida; nuestra vida crea el espacio, nuestro cuerpo lo expresa” da a entender que el actor es constructor de espacios por medio de su interpretación física, se somete a un ritmo determinado sobre un espacio neutro, despojado de ilusionismo, lleno de elementos que evocan, austeros y de naturaleza narrativa.

BROOK, Peter. El espacio vacío. 2012. Ed. Península. España. p. 1 APPIA, Adolphe. L’oeuvre d’art vivant, 1921. Atar. Ginebra y París. p. 71.

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NOTAS AL MARGEN

De pie ante el muro. Me apoyo en él un momento para tomar aliento. Respiro. Y comienzo de a poco el difícil arte de mudar de pies. (1)

María de Lourdes Falconi Puig Escritora y dramaturga

Siempre me ha llamado la atención la cita: “Y el verbo se hizo carne”. Me parecía entender que se trataba de un llamado, un desafío –grande, por cierto- a encarnar la palabra, es decir, pasar a la acción los preceptos contenidos en el libro; tomar esas líneas y, más que aprendérselas de memoria cual libreto para la representación, incorporarlas a la experiencia cotidiana para vivirlas realmente.

La dicotomía ha estado allí, desde el principio de los tiempos, y los libros solo dan cuenta de ello, recogiendo y agrupando en palabras la experiencia humana, con toda su carga de ciencias y saberes; luego, todos somos los protagonistas de la propia historia que se va hilvanando en función de las lecturas subjetivas que vamos haciendo.

Me gusta la narrativa y escribo cuentos desde los quince, pero… los he dejado en papeles por años, hasta verlos cambiar de color.

Un buen día descubrí la dramaturgia. Había leído teatro desde la secundaria, pero nunca se me ocurrió intentar escribirlo. Se dice que las mujeres somos más verbales y que tenemos necesidad de contarnos, de comunicar. Conocida es la historia de las mujeres en la literatura y cómo éstas han tenido que vérselas, para lograr tener una voz en un espacio copado por varones.

Cuando en el sistema en el que se crece -familia, entorno social- la persona no tiene mucho espacio de palabra, ésta se acumulará, y como el magma, encontrará una fisura para salir a la superficie, quemando y arrasando en unos casos, o canalizando todo ese material hacia alguna forma de expresión poética y estética. Y ha sido así como muchas mujeres hemos llegado a las letras y al drama.

Gracias a la escritura dramática descubrí la alquimia de hacer del verbo carne. Tomar la palabra y convertirla en acción. Buscar el conflicto y lidiar con él, para al fin conseguir

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¿De qué va la dramaturgia femenina? que, tanto en la escena como fuera de ella (en lo que llamamos “la vida real”) la experiencia sea genuina, verdadera, desde un cuerpo pensante y una mente sintiente.

Fue así que me surgió la urgencia de publicar textos dramáticos aquí, en Guayaquil-Ecuador, en un espacio-tiempo en el que el paradigma dominante no era compatible con la noción de publicar dramaturgia femenina, entiéndase: dramaturgia textual, escrita por una mujer. El texto dramático, visto como un “pre-texto” para la obra teatral, relegado a segundos y terceros lugares, no se consideraba para una publicación editorial, por lo que hube de hacerlo por cuenta propia. Así nació Mudar de pies y otras piezas breves (2016), una edición particular salida de mi bolsillo y de mis entrañas.

“Al lado de un teatro antiliterario, visual y multimedial se ha desarrollado un teatro de autor en el cual el texto juega un papel primordial sin que, por ello, los otros signos teatrales y las técnicas desconstruccionistas hayan perdido su importancia.” (Floeck, citado por Garnier, Lo trágico en femenino, p. 20).

Fue así como inicié una búsqueda personal para encontrar otras mujeres de habla hispana escribiendo y publicando sus textos dramáticos, para constatar que afortunadamente las hay por todas partes, tanto en Latinoamérica como en España.

Y al leer sus obras, así como antologías y ensayos teatrales sobre el tema, de manera particular sobre la producción de las dramaturgas españolas, encontré las coincidencias: “Las dramaturgas actuales, junto al papel de representación, subrayan de manera especial el valor de la palabra, del texto.

En este sentido, una de las características que las singulariza es su preocupación por el lenguaje, a la vez que adoptan una clara actitud de compromiso, y sus textos se

erigen en una respuesta significativa a una situación particular.” (Gutiérrez Carbajo, Dramaturgas del siglo XXI, p. 61).

Para los teóricos de la sociología y la filosofía, la estética de la postmodernidad es el reflejo de una desagregación de las ideologías que impele al individuo contemporáneo a ubicarse en el aquí y ahora, y le condena a afrontar -como único destino- su vida cotidiana. Este enfrentamiento con lo cotidiano pasa a ser el territorio del re-surgir de lo trágico, y es en este territorio donde las dramaturgas contemporáneas cultivan sus obras. No es un teatro de presentación, nudo y desenlace a la manera aristotélica, y su palabra es acción pero también es poesía.

Su teatro ya no es un espacio para la purgación catártica, sino una “tarea” que el espectador se lleva a casa para elaborar y resolver en la vida real.

“Se hace necesario desarrollar la identidad y la subjetividad femenina sin renunciar a ser mujeres. Los valores de los que las mujeres son portadoras no están suficientemente reconocidos y apreciados, incluso por las mismas mujeres.

Sin embargo, son valores que el mundo de hoy necesita con urgencia, tanto para tener una relación más cuidadosa con la naturaleza como para establecer una relación más auténtica “con el otro”.”

(Gutiérrez Carbajo, Dramaturgas del siglo XXI, p. 23) Los teóricos del teatro dicen que las dramaturgas actuales, junto al papel de representación, subrayan de manera especial el valor de la palabra, del texto. Será porque nuestra herramienta primordial es la palabra, y en la necesidad de tener un espacio para la palabra, la hacemos pública. Y así, en vez de arrojar ríos de lava hirviente, echamos mano del arte como remedio y protección.

(1) Mudar de pies y otras piezas breves, 2016, p. 31

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NOTAS AL MARGEN

Allan Jeffs Artista visual Director de arte

El espacio como un cuerpo habitado.

La vida es una escenografía, habitamos espacios, habitamos vivencias, momentos históricos, habitaciones pequeñas o grandes que logran conectar con nuestro cuerpo, vivencias del día a día y nuestro ser. Diseñar, crear una escenografía, arquitectura de interior o paisaje para cuerpos que habitan tras un telón, para cuerpos actores de un momento al cual nos han invitado a participar como espectadores, es adentrarse a un tiempo que conecta y crea comunión con el público, lo cual es un gran reto cargado de emociones que arrancan en la primera lectura del guión.

Nosotros mismos hacemos espacio, estamos hechos de espacio, vivimos para recorrer uno que a mi manera de verlo es otro cuerpo que para poder ser habitado y comunicado debe contener todo aquello que nos compone y nos hace humanos: [Huesos/estructuras], [venas, arterias y nervios/cables, luces y eléctricos], [piel/ paredes], [color/sombra e iluminación] y [emociones/guión]. Éstas emociones que vienen con la carga de una historia que va a ser dirigida, hablada, ensayada y representada en un ambiente creíble que no necesariamente debe ser “exacto” a una realidad, pudiendo ser un tablado vacío “lleno” de espacio, emociones e intuición que alberga una coreografía a la cual como público asistieron a presenciar y participar.

Habitar es una actitud humana hacia las cosas del mundo, podemos vivir un espacio y desconocerlo por completo y sin embargo podemos habitar un pequeño rincón y sentirlo de una manera alegre y concreta. Habitar también es socializar un

espacio. Diseñar y crear un set es hablar al público con elementos que los van a llevar a adentrarse y sentir la obra o representación de una manera participativa.

Una escenografía no es una construcción llena de geometría, medidas y materiales, una escenografía es una oportunidad de crear algo para ser habitado. Acaso el actor nos obliga a adentrarnos en un espacio? o es que en el teatro se cruzan subterráneamente las posibilidades de la representación visual y el habitar un destino, una existencia, una idea o un momento histórico. Una obra de teatro es la posibilidad de que es espectador se adentre hacia una interioridad o que también pueda por medio de la obra vivir ser otro o distinto. De esta manera, para mi, crear un espacio para teatro es vivir y participar de aquella comunión entre esa gran caja negra, la gran maquinaria que se encuentra tras la boca y las bambalinas, que habitada de actores e historias logran que ustedes, el público, vivan en alma propia ese acto de creación.

Como creador de ambientes, escenógrafo, artista o diseñador de espacios la experiencia de trabajar con el Teatro Sánchez Aguilar ha sido siempre fantástica, una rueda de la fortuna llena de los mejores guiones llevados a escena por un impresionante equipo que difícilmente se encuentre en otro lugar del país. Un equipo que funciona como un lazo perfecto que nace cada día al encenderse las luces de la sala para ustedes.

Siempre gracias Teatro Sánchez Aguilar por dejarme crear junto a ustedes!

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NOTAS AL MARGEN

“Me cago en el orden del mundo”

O de cómo el nuevo Espacio Muégano Teatro y su necesidad Santiago Roldós Actor, director, dramaturgo y docente

de poner en aprietos, a nosotros mismos y a los espectadores, es tal vez la más entrañable forma de la amabilidad

Irrumpo con un título dramático sólo en apariencia, pues son versos de uno de los mayores descomponedores de la historia del drama: Heiner Müller, gran discípulo de Brecht, célebre por cuestionar, minar y amar como nadie, críticamente, las tesis y legado de su gran referente. “El amor es un perro infernal”, decía Bukowski, y algunas de las películas más conmovedoras y exactas de nuestra común infancia terrible se titulan: “Cero en conducta”, “Los cuatrocientos golpes”, “Paisaje en la niebla”.

Por supuesto, luego vienen las industrias culturales, la sociedad del espectáculo y los creativos al servicio de “la atrofia del consumo”, y se arrogan la facultad de expropiarlo todo, desde las palabras hasta la intimidad, y convertir en fuegos fatuos lo que debería ser una exploración más allá de estéticas y formas burguesas. Un arsenal de autocríticas preguntas sobre cómo dar cuenta de la violencia sin reproducirla.

Cuando Muégano decidió establecerse en Guayaquil, en 2004, con la walterbenjaminiana idea de “habitar la corriente en contra de la corriente”, las salas de redacción de los diarios de la urbe organizaban cada seis meses el reportaje: “¡¿Qué pasa con el teatro en Guayaquil?!”, cuestión que en realidad podía haberse despachado con el oxímoron: lo que pasa con el teatro en Guayaquil es que no pasa nada. Provocación que no suponía invisibilizar a grupos y artistas que llevaban décadas resistiendo: Arawa, Kurombos o Sarao -y su escisión Zona Escena-, por mencionar a algunos ilustres y constantes, sino que más bien alertaba de los divorcios entre investigación, creación, producción y audiencia, protagonizado centralmente por la dificultad o incapacidad de esos mismos medios para leer el problema, para procesar los problemas, más allá

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de la pregunta algo histérica y depresiva pregunta “¡¿Qué pasa con el teatro etc.?!”

Pareciera que a fuerza del impulso del microteatro y de otros teatros comerciales ya no hay problema, pues el público va -más o menos- a las salas, y hay hasta una suerte de sistema del microestrellato local... Así, en lugar de histéricodepresivas, hoy las redacciones se han vuelto maniáticas, igual de reiterativas, actuando como Bart Simpson al inicio de los créditos, repitiendo planas y planas del éxito del teatro comercial yaba daba dú.

Entre esos dos extremos de la misma banalización, el teatro guayaquileño y ecuatoriano, los teatros guayaquileños y ecuatorianos, seguimos trabajando. En el llamado teatro de grupo, en el que Muégano más o menos se inscribe, siempre cito dos iluminaciones de Santiago García, el fundador de La Candelaria de Bogotá: 1) “¿Saben ustedes cuál es el futuro del joven teatro colombiano? Envejecer”. Y 2) “El nuevo teatro colombiano no depende de nuevos actores, directores, dramaturgas, productoras, etc., sino de la formación de un nuevo público”.

En eso consiste el proyecto del nuevo Espacio Muégano Teatro -interesado desde su concepción en problematizar cómo el Estado y la iniciativa privada pueden dialogar e incluso fomentar toda esta disidencia-: en dar cabida a una escuela y a indagaciones, poéticas y formas de habitar el teatro que dinamiten y cuestionen la relación clientelar con el público, demandando espectadorxs dispuestxs a asombrarse, indignarse, interrogarse y divertirse sobre la posibilidad del cambio.

Tal vez no sea tan ingenuo pensar que la armonía y la paz requieren ciudadanxs cada vez más deliberantes.

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ENTREVISTA

OTROS EVENTOS JULIO

Competencia de danza aérea Aerialstars

Con el fin de incentivar el arte y la pasión por las acrobacias aéreas este año, en alianza con Teatro Sánchez Aguilar, realizaremos la competencia de danza aérea Aerialstars.

Todo lo recaudado en taquilla será destinado a la Fundación Sanchez Aguilar y a su increíble labor “Educar es liberar”.

Es una competencia de danza aérea, donde tendremos competidores de todas las edades. Es una evento que se lleva relizando dos años con el fin de que se dé a conocer un poco más esta danza que tiene poco tiempo en nuestro país.

Fecha: sábado 7 de Julio 2018 en Sala Principal Hora: 11h00 Valor de entrada: $10 Valor de inscripción: $30

Congreso de Influencers 2018 Primer congreso de Ecuador del marketing por influencia. Contará con la presencia de más de 500 profesionales del sector. Táctica digital del momento, aprende a aplicarla a tu estrategia general de marketing.

Fecha: Jueves 2 de agosto en Sala Principal Horario: 09h00 a 18h00 Valor: Estudiantes: $50 + iva, Entrada general: $100 + iva, VIP: $200 + iva Punto de venta: Ticketshow www.congresoinfluencers.com

Wine and Beer Agosto Cata de vinos y cerveza, gastronomía y música en vivo, más de 40 casa de vino y 12 de marcas de cerveza, incluye copa souvenir.

AGOSTO

Fecha: 1 y 2 de Agosto en Plazoleta del teatro Horario: De 19h00 a 01h00 Valor: General: $35 y VIP: $55 Puntos de Venta: Instaticket y Boleterías del teatro

Conferencia Yo Conozco ese lugar con Zeta Bosio Yo conozco ese lugar es la historia de Zeta Bosio, ex estudiante de publicidad quien aplicó su creatividad, pasión y talentos para construir un equipo, un Sueño Stereo.

Músico, productor, comunicador y fundador de Soda Stereo, la banda de rock en español más importante de todos los tiempos. Zeta indaga y profundiza en aspectos claves de su carrera y nos transmite como éstos pueden incorporarse en los procesos grupales para alcanzar las metas propuestas.

Fecha: 23 de agosto en Sala Principal Horario: 19h00 Valor: Estudiante: $50 Golden: $80 VIP: $150 Punto de venta: Ticketshow

En un Rincón del Alma 2, a beneficio de la acción social y vocacional de tu Parroquia Fecha: Sábado 25 de agosto en Sala Principal Horarios: Primera función: 17h00 Segunda función: 19h00 Valor: $35 Puntos de Venta: Parroquia Santa Teresita (Entre Ríos), Parroquia S. Antonio Ma. Claret (Urdesa), Parroquia Santo Tomás, Parroquia San Alberto Magno

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SOCIALES

SOCIALES

EL CÍCLOPE

En nuestras salas se llevan a cabo momentos inolvidables. Gracias a todos quienes asisten a nuestros espectáculos o utilizan nuestros espacios para celebrar sus eventos. Ustedes forman parte de nuestra familia.

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Mario Valdivieso y Andrea de Valdivieso

Karen Carrera y Sebastián Cordero

Inéas Iregui, Daniel Franco y Catalina Posada.

Romina Valencia, Jhonny Barco y Alexandra Barco

Sofía Goubert, Adriana Conto, María y Eduardo Gourbet

Kyra Kalyl, Juan Carlos Andrade y María Mesa

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SOCIALES

RANA SABIA - FESTIVAL DEL NIÑO

Carla Rossi e Ivanna Calvo

Familia Paredes Cortez

Kerly Torres, Anita Toapanta, Kevin Mena y Kerly Gómez

Luis Mora, Paola Castro y Joaquín

BANCO DEL PACÍFICO

Eduardo Gonzáles, Gean Pendola, Elias Trujillo, Ramiro Cepeda, Efraín Vieyra

Andrea Serrano, Gabriela Sanchez, Enzo Sgoravertti.

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NOTAS AL MARGEN

MÁS ESCENARIOS

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PRÓXIMOS EVENTOS

Próximos eventos del

JORGE DREXLER SALA PRINCIPAL - 14 de septiembre

SALA PRINCIPAL 30 - 31 de agosto / 1-2 - 8-9 de septiembre

GUADUAL

FRANCISCO PINOARGOTTI

SALA PRINCIPAL - del 27 al 30 de septiembre

SALA PRINCIPAL - del 11 al 14 de octubre

circo teatro - familiar

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DANZAS JAZZ

(humor sinfónico)

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FUNDACIÓN SÁNCHEZ AGUILAR

29 años

apoyando la educación

y el desarrollo integral de la comunidad Este año la Fundación cumplió un aniversario más de existencia. Hace 29 años don Carlos Sánchez Aguilar decidió formalizar la labor que venía realizando años atrás otorgando becas educativas por medio de las religiosas de un colegio. Fue entonces que nació la Fundación Sánchez Aguilar, el 5 de junio de 1989.

En la actualidad la Fundación ha beneficiado a más de 500 jóvenes, mediante becas que cubren los seis años de estudios colegiales. La ayuda que se ofrece a los becados es integral, ya que se trabaja con el seguimiento de cada familia, a través de asesoramiento educativo, charlas de formación humana, etc. Otra de las líneas de acción es el Centro de Promoción y Desarrollo Integral, en el cual hasta la fecha han participado más de 6.000 adultos en los diferentes cursos que ofrecemos.

Hoy en día seguimos creciendo, con alegría y satisfacción les contamos que debido al constante interés de los alumnos y al esfuerzo de la Fundación, se pudo hacer realidad el segundo nivel del curso de Pastelería, la apertura de cursos cortos de Pastelería para emprendedores y cursos con modalidad intensiva los sábados, dando así, una nueva oportunidad para que las personas continúen preparándose, adquiriendo más conocimiento y experiencia que los ayudarán a mejorar su calidad de vida y la de sus familias. Otro paso importante es la participación

de dos alumnas de nuestro centro de capacitación, en la campaña del empoderamiento de la mujer llevada a cabo por el Teatro Sánchez Aguilar, dando su testimonio de cómo su participación en estos cursos les ha permitido salir adelante, mejorando su autoestima y realización personal.

Las felicitamos y les deseamos que continúen cosechando éxitos.

Continuando con la labor de la Fundación, desde dentro del Teatro Sánchez Aguilar con actividades de enfoque social y académico, tuvimos de invitados a nuestras Funciones Escolares a varios colegios de la Sociedad de Beneficencia de Señoras, así como también a niños y adultos mayores de varios recintos del pueblo de Samborondón. Ellos disfrutaron del ballet “El Corsario” y del “Viaje al país de Nosédonde”, con su respectivo conversatorio con los artistas al finalizar la función.

Con la celebración de una Misa de Acción de Gracias se inauguró junto a los becados y sus familias el inicio de un nuevo año escolar. Luego se dio la bienvenida a las 20 nuevas familias que empiezan a ser parte de la Fundación, terminando con una charla dictada por Ma. Cecilia Sánchez de MartinodDirectora Ejecutiva de la Fundación Sánchez Aguilar, sobre la trascendencia de los valores inculcados en la familia especialmente en la actualidad, donde es fundamental ir contracorriente y defender con argumentos los principios aprendidos en casa.

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NOTAS AL MARGEN