國樂 · 新絲路 Chinese Music in the New Silk Road
初夏的絲竹交響， 從民族器樂傳承到北市國歐洲巡迴 A Silk-and-Bamboo Symphony in Early Summer From Instrumental Heritage to TCO’s European Tour
絲竹交響的當代面貌── 從音樂書寫、向下紮根、到邁向國際殿堂 The Contemporary Face of Silk-and-Bamboo Symphony From Musical Writing and Grassroots Cultivation to the World Stage 實踐是唯一的成長途徑：北歐指揮教育淺談 Practice as the Only Path to Growth: A Brief Look at Nordic Conducting Education
新思路 The Route to Innovation
封面故事 Cover Story
國樂新生活 Chinese Music as Daily Practice
國樂新視界 New Vision of Chinese Music
這些人這一刻 The Moment
發行人
總編輯
藝術顧問
編審委員
企劃／執行編輯
編輯顧問
翻譯編輯
翻譯
鄭立彬
鍾永宏
吳榮順、林谷芳、林昱廷、施德玉、樊慰慈、瞿春泉、蘇文慶(依姓氏筆劃順序)
徐端容、黃馨玉、邱誓舷、何定蕊、蔡珮漪、謝從馨、黃湞琪、朱樂寧
俠客行文創顧問有限公司
沈冬
李明晏
余境萱
絲竹交響的當代面貌──從音樂書寫、向下紮根、到邁向國際殿堂
The Contemporary Face of Silk-and-Bamboo Symphony From Musical Writing and Grassroots Cultivation to the World Stage
初夏的絲竹交響，從民族器樂傳承到北市國歐洲巡迴
A Silk-and-Bamboo Symphony in Early Summer From Instrumental Heritage to TCO’s European Tour
記寫感悟，探問演奏：國樂與文字書寫的相遇 Capturing Insights, Probing Performance: Where Chinese Music Meets the Written Word
實踐是唯一的成長途徑：北歐指揮教育淺談
Practice as the Only Path to Growth: A Brief Look at Nordic Conducting Education
��至��年代高屏地區的國樂發展概況 訪屏師校友國樂團團長陳登科
����-��年代臺灣國樂人的耕耘記述（十九）
Chinese Music in the Kaohsiung-Pingtung Region in the 1960s and 1970s: An Interview with Teng-ke Chen, Director of the Pingtung Normal School Alumni Chinese Orchestra Chinese Music Practitioners in Taiwan, 1960s-1970s (Part 19)
Publisher
Editor-in-Chief
Artistic Advisors
Editorial Review Committee
Executive Editor Production
Editorial Consultant
Translation Editor
English Translator
Li-Pin Cheng
Yung-Hung Chung
Rung-Shun Wu, Ku-Fang Lin, Yu-Ting Lin, Te-Yu Shih, Wei-Tsu Fan, Chunquan Qu, Wen-Cheng Su (by Order of Stroke Numbers of Surname in Chinese)
Tuan-Jung Hsu, Hsing-Yu Huang, Shih-Hsuan Chiu, Ding-Jui Ho, Pei-Yi Tsai, Tsung-Hsin Hsieh, Chen-Chi Huang, Le-Ning Chu
Chivalry Cultural and Creative Industry & Consultant Ltd.
Tung Shen
Ming-Yen Lee
Christina Yu
2026 年春，臺北市立國樂團（下稱北市國）主辦第 33 屆「臺北市民族器樂大賽」，主題回歸琵琶。這場盛事不只是競 賽，更是跨世代的文化對話。擔任評審長的琵琶名家湯良興大師讚許臺灣學生展現出高水準的表現。本屆大賽由宋子璇 奪冠，她與獲得多項大獎的方永華及祁子萱，共同在現代音樂語彙中試圖尋找傳統琵琶的靈魂。新秀與名家同臺，落實 了國樂「藝術聖火、堅韌傳承」的功課。
書寫音樂，實為用不同的面向審視音樂，感應出更立體的思維。北市國二胡 II 首席黃湞琪透過社群媒體，以溫潤筆觸 記錄日常排練與演奏體悟；阮咸演奏家蔡雨彤則展現「大道至簡」的凝練文風，關注音樂與人的深層關係，再將生活 積累流回演奏之中；研究者徐志丞則透過樂評與論文的書寫，將演奏置於歷史與古典文學脈絡中觀察。三人的書寫捕 捉了感性聲響中稍縱即逝的觸動，填補了國樂與文學之間的空白。
人才培育是國樂走向未來的關鍵。北市國副指揮江振豪以在丹麥皇家音樂學院的留學經驗，分享北歐指揮教育體 系深受芬蘭指揮大師帕努拉（ Jorma Panula, b. 1930 ） 的影響，強調「實踐即學習」。由於指揮的練習無法單打 獨鬥，因此學校提供大量的 「 podium time 」 （指揮臺時間），並與職業樂團密切產學接軌。北歐式的排練哲學是 強調理性的傳達，盡量用指揮的手勢溝通，以追求群體效率與清晰溝通。期許臺灣國樂界未來也能逐步建立起更 緊密的產學合作模式，讓學界與業界形成真正的循環關係。
回首來時路， 1960 至 1970 年代基層音樂人的奉獻是今日國樂繁榮的根基。現任「屏師校友國樂團」團長陳登科一生 奉獻樂教。他精通笙、笛、嗩吶等樂器，早年白天在小學任教，晚上在舞廳伴奏，甚至用摩托車將樂器載到偏鄉學校 進行觀摩教學。他曾參與篤實國樂隊、佛青國樂團，更三度隨中華民國綜合藝術團出訪海外，並擔任高雄市國樂學會 總幹事。如今他登高一呼重組校友樂團，重現昔日地方國樂的流金歲月。
北市國在 2026 年盛夏迎來了新的里程碑，將進軍歐洲古典音樂金三角 柏林愛樂廳、萊比錫布商大廈與維也納金色大 廳，讓臺灣文化實地進入世界藝術史的空間裡。樂團以「臺灣人創作、為臺灣創作、代表臺灣特色」三軸線選曲，挑戰 各大殿堂不同的聲學空間，更將江文也榮獲柏林奧運特別獎 90 週年的《臺灣舞曲》再度帶回柏林重演，讓作品「舊地 重遊」，激盪出跨越時空的迴響。
從地方國樂社團的努力耕耘，到職業樂團在歐洲頂級殿堂響起的笙笛齊鳴，喜見臺灣國樂的發展是充滿希望的。這些 人在這一刻，用生命、用音樂、用熱情，為當代國樂開啟下一個篇章。
絲竹交響的當代面貌 從音樂書寫、向下紮根、
到邁向國際殿堂
In spring 2026, the Taipei Chinese Orchestra (TCO) hosted the 33rd Taipei Chinese Instrumental Competition, with the pipa as its featured instrument. The competition itself became a dialogue across generations. Chief juror Liangxing Tang, a celebrated pipa master, praised the high caliber of Taiwanese competitors. Champion Zixuan Song, alongside multi-award winners Yong-Hua Fan and Zixuan Qi, sought the soul of traditional pipa within a modern musical vocabulary. With rising talents and established masters sharing the stage, the competition fulfilled Chinese Music’s enduring mission of passing the torch from one generation to the next.
To write about music is to examine it from fresh angles, arriving at something more dimensional. Chen-Chi Huang, TCO’s Principal Erhu II, documents her daily rehearsals and performance reflections on social media in a warm, personal voice. Ruan player Yu-Tung Tsai takes a sparer approach, her concise prose distilling the deeper relationship between music and people, then feeding what she finds back into her playing. Researcher Jhih-Cheng Syu examines performance through the lens of history and classical literature in his concert reviews and academic papers. Their writing captures passing moments of emotional resonance in sound, giving Chinese Music a literary presence it has rarely had.
How well Chinese Music trains its next generation will shape everything that follows. TCO Associate Conductor Chen-Hao Chiang, drawing on his studies at the Royal Danish Academy of Music, describes how Nordic conducting education bears the deep imprint of Finnish master Jorma Panula (b. 1930) and his conviction in learning through doing. Because conducting cannot be practiced in isolation, schools provide generous podium time and maintain close partnerships with professional orchestras. The Nordic rehearsal philosophy prizes rational communication and relies on gestural clarity to achieve collective efficiency. Chiang hopes Taiwan’s Chinese Music community can gradually build similar bridges linking academia and the profession, so that the two genuinely feed each other.
The dedication of grassroots musicians in the 1960s and 1970s formed the basis for today’s flourishing scene. Teng-ke Chen, now director of the Pingtung Teachers’ College Alumni Chinese Orchestra, has devoted his life to music education. Proficient on the sheng, dizi, and suona, he spent his early career teaching at an elementary school by day and accompanying at dance halls by night, even strapping instruments onto his motorcycle to bring demonstration lessons to rural schools. A veteran of the Dushi Chinese Music Ensemble and the Buddhist Youth Chinese Orchestra, he represented Taiwan overseas 3 times with the Acrobatic Troupe of the Republic of China and served as secretary-general of the Kaohsiung Chinese Music Association. Today, he has rallied former classmates to reassemble their alumni orchestra, reviving the golden era of community Chinese Music.
In the midsummer of 2026, TCO ventures into Europe's classical music triangle, performing at the Berliner Philharmonie, Leipzig’s Gewandhaus, and Vienna’s Großer Musikvereinssaal, bringing Taiwanese culture into the very spaces where world art history has been written. Programming around 3 pillars, music by Taiwanese creators, music for Taiwan, and music embodying the island’s character, the orchestra returns Wenye Jiang’s Formosan Dance to Berlin, 90 years after the work earned a Special Prize at the 1936 Olympics.
Community ensembles cultivating local audiences, a professional orchestra carrying the sound of sheng and dizi into Europe’s great concert halls: at every level, Chinese Music in Taiwan continues to grow in reach and resonance. The people in these pages are writing its next chapter.
文 / 劉馬利（國立東華大學、臺北市立大學音樂學系音樂學助理教授） 圖 / 臺北市立國樂團
第 33 屆臺北市民族器樂大賽頒獎合照
輕攏慢撚抹復挑，琵琶弦上音繞樑 ──2026 臺北市民族器樂大賽 白居易《琵琶行》以「嘈嘈切切錯雜彈，大珠小珠落玉盤」描繪琵琶的聲響魅力。千年以來，琵琶不僅是樂器，更是 文 化符碼。2026 年春，臺北中山堂迎來由臺北市立國樂團（下稱北市國）主辦的「臺北市民族器樂大賽」第 33 屆盛典，主 題再度回歸琵琶。這場比賽不只是技術競技，更是跨世代文化的對話。文中透過湯良興大師與三位新秀的演奏與訪談， 展現琵琶在當代的多重面向。
琵琶弦上音繞樑，三十載聖火與傳承期許
當代琵琶泰斗湯良興今年受邀擔任大賽評審長，並於 4 月 25 日在臺北市中山堂中正廳舉辦的「指上乾坤 琵琶名家之 夜」音樂會中，與楊靖、張瑩、鄧樂等當代琵琶名家及三位大賽獲獎新秀同臺獻藝。湯良興縱橫樂壇六十餘載，見證 了琵琶藝術在過去半個世紀的發展，從 30 年前由北市國創辦國際琵琶比賽至今，他參與了數屆盛事。談及本屆比賽， 湯良興充滿欣慰，除了肯定北市國主辦的器樂大賽在大陸擁有良好口碑，早已被公認為程序公平且具備職業精神。「這 次比賽明顯感受到大陸與臺灣青年選手之間的距離正在快速拉近。這歸功於臺灣幾十年來本地老師的耕耘，以及兩岸 長期頻繁的學術與文化交流；而且臺灣在傳統文化保存上表現優異，幾十年來沒有斷過，這使得臺灣學生在音樂表現 上展現出一種純粹的氣韻，較少雜念與浮躁的風氣。」
湯良興觀察到兩岸青年在音樂造詣與技藝表現上的距離正在快速拉近，這歸功於臺灣基層教育者的耕耘與兩岸文化交 流。他讚許臺灣在傳統保存上的精緻與持續，使學生展現純粹質樸的氣韻。他勉勵青年超越勝負，保持敬畏與學習精 神，唯有堅韌與無私奉獻，才能走向更寬廣的藝術道路。比賽的核心價值即在「傳承」。
第 33 屆臺北市民族器樂大賽評審長湯良興
第 33 屆臺北市民族器樂大賽評審長湯良興，並於「指上乾坤 琵琶名家之夜」音 樂會帶來經典曲目
新秀崢嶸，開啟更寬廣的藝術視野
本屆大賽冠軍，是目前就讀中國音樂學院國樂系碩士二年級的宋子璇， 6 歲起先後隨趙楊、邵秀崇教授習琴，預計明年 取得碩士學位。她從今年一月就開始準備這場比賽，進行高強度練習，最終以深厚的功力與穩健的臺風脫穎而出。「這 次比賽是一次極大的體能與心理挑戰，是平時在琴房裡很難獲得的，而且這種磨練的過程，雖然辛苦，但我想這絕對 是不可或缺的一環。」她也很慶幸自己能有這樣的舞臺經驗，同一樂曲，在不同的場域竟能有如此不同的鳴響，當下是 令人驚喜的。
雖說比賽是有壓力的，但宋子璇認為比賽也是一種旅行。這次是她首次來臺，相當享受在臺灣的時光；在競爭激烈的 賽事中保有平常心，讓她能更專注於與同行的交流，而非單純的名次評比，也開拓了更寬廣的眼界。
高居第二名，並一舉囊括舞臺魅力獎、最佳人氣獎與 TCO 團員特別獎的方永華，目前就讀國立臺灣藝術大學中國音樂 學系碩士班二年級，代表了臺灣新生代琵琶演奏家的思考深度。
方永華先後隨杜潔明、賴秀綢等多位名家學習，這一路走來獲益良多。在這樣的師生互動下，培養了方永華獨立思考 音樂的能力：「我觀察到兩地演奏者在美學取向上各具特色。大陸選手普遍展現出扎實的基本功與強烈的舞臺感染力； 而臺灣選手則著重於聲音質地、情感層次與音樂細節的雕琢，呈現出含蓄細膩的演奏風格。」
藉由這個比賽，方永華很珍惜這次與多位來自各地好手交流的良機，也認真聆聽其他選手的演奏，收穫滿滿。身為此 次大賽唯一的臺灣獲獎者，對於即將畢業的方永華是一份美好的禮讚。
本屆第三名得主，來自中央音樂學院碩士班的祁子萱，師從趙潔，自幼深受中央音樂學院嚴謹教學風格的薰陶。「趙潔 老師律己甚嚴，因此在她的門下學習，在技術上要近乎嚴苛的自我要求。但老師也會根據學生的特質引導自主探索， 在紮實的基礎上尊重學生個人的想法。」
一如往年，大賽指定了多首當代作品及委約新作，如《霧鬢雲鬟嬌女將》與《琵琶曲韻》。這些作品雖然技術難度極高， 甚至讓選手感到迷茫，但它們也提供了詮釋的空間。對於音色的實驗以及之於氣韻的理解，都顯示出年輕演奏家正試圖 在現代音樂語彙中尋找傳統琵琶的靈魂。
大賽閉幕後，新秀與名家同臺演出，象徵琵琶在二十一世紀的深度對話。比賽目的不在分勝負，而在拓展青年視野， 推動教育、跨文化推廣與創作實驗。湯良興提醒：「真正的成功，是在不斷的失敗與挫折中，依然堅定前進。」琵琶藝 術的探索沒有終點，這是所有國樂人永恆的功課。
華麗至極的殿堂
2026 年的盛夏時節，迎來了北市國別具意義的里程碑。樂團再次走上國際舞臺，進軍歐洲古典音樂殿堂的心臟三角 柏林愛樂廳（Berliner Philharmonie）、萊比錫布商大廈（Gewandhaus）及維也納金色大廳（Großer Musikvereinssaal），這 正體現了北市國多年來努力不懈的目標 立足臺北，放眼全世界。
對此，北市國研究推廣組組長鍾永宏在這次訪談中，特別提到這趟 6 月歐洲巡演的文化視野與歷史意義。
三條軸線，交織出臺灣的意象
音樂，是時代的見證，可以跨越時空，勾勒出無以名狀的鳴響。因此，北市國以三條核心軸線做為曲目安排的方向。鍾
永宏提到：「關於巡演曲目安排的巧思，鄭立彬團長認為我們既然是代表臺灣，就必須要給出具有臺灣特色的曲目，這又 有幾個現象可探討：第一必須是臺灣人的創作、第二得要是為臺灣而創作的、第三就是所創作出來的作品，必須要能代 表臺灣文化的特色。因此全部巡演的作品都必須圍繞在這三個主軸線來選擇。」
在這三條軸線的引導下，北市國精心挑選了一系列跨越時代的作品，每一場演出都安排了兩首核心協奏曲，展現出不 同面向的傳統聲響。
《臺灣舞曲》在柏林「舊地重遊」，無非是本次巡演的重頭戲之一。此曲是江文也在 1934 年創作，於 1936 年柏林「 奧林匹克藝術競技」（ Olympic Art Competitions ）榮獲特別獎。這不僅是江文也個人音樂生涯的高峰，也是臺灣作曲 家在歐洲舞臺上嶄露頭角的歷史時刻。江文也用音樂描摹臺灣古廟、祭典與土地的靈魂，使得神祕的東方色彩與西方 前衛管弦樂技法雙劍合璧，深受當時歐洲評審的青睞，在眾多優秀的作品中脫穎而出。「從 1936 年到 2026 年，剛好 整整 90 年。在 90 年後，我們再次把這個作品搬回柏林演出，其象徵意義非同小可。」儘管時空流轉，這部具有獨特 聲音的作品，依然能在每個世代賦予聽者不同的感受與意義，堅信《臺灣舞曲》的文化價值是歷久彌堅的。
當代臺灣的國樂作品，亦呼應了福爾摩沙的精神向度。「陳樹熙《眾神出巡》模仿臺灣廟會陣仗；鍾耀光《臺灣風情 畫》，亦為本次巡演標題，以多樂章組曲形式呈現臺灣的多樣面貌；青年作曲家曾翊玹《時光下的福爾摩沙》，則展現 臺灣新生代的創作實力。」期許從不同世代的國樂創作，聽見臺灣多元的聲響樣態。
一次巡迴便悉數包攬歐洲三大具指標性的演藝場館，讓臺灣文化實地進入世界藝術史的空間裡，也讓臺灣國樂在歐洲場 域中被聽見，進而改變臺灣文化的文化位置。然而，不同場館具備不同的聲學特性，極大地考驗著樂團「因地制宜」的 適應力：
首站：柏林愛樂廳（ Berliner Philharmonie ） 這座由建築師漢斯‧夏隆（Hans Scharoun）設計並於 1963 年完工的 建築，以獨特的「葡萄園式」音響設計聞名。它打破了傳統觀眾席與 舞臺相對的關係，將樂團與指揮置於中央，觀眾席如梯田般環繞。這 種設計消除了臺上下隔閡，拉近了距離，使視野與聲響更為均勻，讓 歐洲觀眾能全然浸潤在臺灣的音聲風景中。
第二站：萊比錫布商大廈（ Gewandhaus ）
1981 年落成的第三代布商大廈，保留了德國嚴謹的建築與聲學傳統。
由於國樂器多為木製或琴筒蒙以皮革，對環境溫濕度極為敏感，而在 布商大廈這類極致追求音響細節的場地中，琵琶、中阮等彈撥樂器特 有的木質共鳴與聲響線條，將能得到最精確的呈現。
最終站：維也納金色大廳（ Großer Musikvereinssaal ） 啟用於 1870 年的金色大廳代表了 19 世紀歐洲古典文化的巔峰。其經 典的「鞋盒式」長方形設計與黃金比例，配合大量鍍金雕像、樑柱與 鏤空天花板，帶來了極佳的聲音擴散與殘響效果。在這種高殘響場地 中，大型國樂作品的聲響厚度與層次感，將得以被充分發揮。這場演 出同時也是今年臺北市傳統藝術季的閉幕音樂會。
北市國於 5 月 28 日舉辦《臺灣風情畫》2026TCO 歐洲巡演 行前音樂會為歐巡暖身
三場演出樂團進行了細緻的曲目微調：柏林場側重於宏大敘事；萊比錫與維也納則因地制宜地加入了蘇文慶《臺灣追想 曲》與郭之苑《三首臺灣民間音樂》等小品，使整場演出的節奏更為優雅且具層次。
在那裡我看到了華麗至極的殿堂
江文也在《臺灣舞曲》總譜扉頁中留下這一段詩句 ：「在那裡我看到了華麗至極的殿堂，看到了極其莊嚴的樓閣，看到 了 圍繞於深邃叢林中的演舞場和祖廟 …… 」。似乎是《臺灣舞曲》與「柏林」這個城市的久別重逢，產生跨越時空的感應。
當開頭的笙與笛響起，融合了中國五聲音階、日本音階及教會調式，樂曲以西方技術為基石，民族為血液，彷彿在輕聲 呼喚 21 世紀的我們，回望 90 年前福爾摩沙的流年光影。縱使過盡千帆，相隔萬里，仍然如此的令人神往。
大提琴演奏家楊文信與北市國於 5 月 28 日演出蕭泰然（江賜良移植）C 調大提琴協奏曲為歐巡暖身
Text / Ma-Li Liu (Adjunct Assistant Professor at National Dong Hwa University and Department of Music, University of Taipei)
Image / Taipei Chinese Orchestra
Early summer 2026 marks a historic season of local heritage and international presentation for the Taipei Chinese Orchestra (TCO).
At home, the 2026 Taipei Chinese Instrumental Competition, now in its 33rd year, returned to the pipa as its featured instrument. The event brought together chief juror Liangxing Tang, a master of the instrument, with rising talents from both sides of the Taiwan Strait, Zixuan Song, Yung-hua Fang, and Zixuan Qi, creating a cross-generational dialogue. Contemporary pieces such as The Nuance of Pipa Tune tested competitors’ interpretive abilities, highlighting differences in aesthetic approach: mainland contestants showed solid technical foundations, while Taiwanese participants brought subtle artistry. This vibrant exchange reaffirmed Chinese Music’s mission to pass the torch of artistry from one generation to the next.
On the international stage, TCO ventures into Europe’s classical music triangle this midsummer, performing at the Berliner Philharmonie, Leipzig’s Gewandhaus, and Vienna’s Großer Musikvereinssaal, bringing Taiwanese culture into the very spaces where world art history has been written. Curating its programs around 3 pillars, music by Taiwanese creators, music for Taiwan, and music embodying the island’s character, the orchestra brings Wenye Jiang’s Formosan Dance back to where it all began, 90 years after the work won a Special Prize at the 1936 Berlin Olympics, and pairs it with masterworks by Tyzen Hsiao, Yiu-kwong Chung, and Yi-yu Wang. Adapting its program to each hall's acoustics, temperature, and humidity, the orchestra channels the spirit of Formosa through the luminous textures of Eastern sound, offering the world a contemporary artistic calling card for the Chinese musical tradition.
文 / 顏采騰 圖 / 黃湞琪、蔡雨彤、徐志丞
談到與國樂相關的文字書寫，人們往往首先想到詩詞曲賦、學術論文或節目手冊等較正式嚴肅的類型。然而，練琴的感 悟隨筆、演出趣聞或音樂會心得，這些尋常的書寫也同樣值得珍視 它們貼近生活，有時甚至蘊含不亞於前者的文學 價值。
本期專欄以「國樂與書寫」為題，訪問了臺北市立國樂團演奏家黃湞琪、蔡雨彤，以及書寫音樂評論暨研究論文的徐志 丞。三人雖不是專職的文學創作者，卻各具文采及相關學識專業，以他們獨一無二的文字，記下了國樂帶來的感動與深 思。
身為北市國二胡 II 首席的黃湞琪，平時主要在社群媒體寫作，既記錄日常感想，也為樂團節目宣傳。儘管題材平凡，貼 文卻筆觸溫潤，洋溢著她的翩翩文思。例如，她寫《阿朗壹》二胡協奏曲：
作曲家陳麒米以《阿朗壹》二胡協奏曲呈現故鄉最美的海岸 線 柴山阿朗壹的風景；黃湞琪以細膩的演奏方式呼應作 曲家對於地景的描繪（陳麒米攝）
這將是我第二次演出《阿朗壹》， 但這一次，有些心境已經不一樣了。 上一次，我更著重於理解。
理解作曲家筆下的地貌與樂思， 也試著梳理音符的組合與排列， 以及演奏手法之間如何相互運用。 甚至在練習無法再往前推進的時候， 打電話問外公、外婆， 關於二戰期間大空襲的記憶， 聆聽，並試著感受他們當時躲進防空洞的急促與不安。
而這一次， 我有更多時間去思考與揣摩， 音色與畫面之間的關係。
透過揉弦與運弓方式的調整， 希望能更貼近作曲家對地景的描繪── 讓明亮之處更有光感， 也讓海浪來回拍打石壁時， 那層層回盪的聲音， 在尚未消散之前，一層一層地疊上來， 變得更深，也更遠一點。
黃湞琪與指揮邱誓舷、TCO 學院國樂團演奏陳麒米《阿朗壹》二胡協奏曲
敘寫將登臺演奏的劉暢《近月》二胡協奏曲時，則以現代詩的意象與筆法入手：
反射後的光，
為透明的月上了色，
皎白、鵝黃、紫、橘、紅、棕⋯
感官的聯繫，
為月的形象定上妝，
嬌柔的、靜謐的、永恆的、感懷、詭譎、幽暗⋯（⋯）1
其實，黃湞琪並未受過專業的文字創作訓練。她自言，自己從小沒有書寫的習慣或能力，直到攻讀碩士班時才有所 轉變；「那時論文最少要寫一萬字，覺得很痛苦」，卻也因此養成了記錄想法與靈感的習慣，並逐漸熟悉書寫。
另一個帶給她莫大啟發的，則是與一本書的相遇。一次偶然走進書店時，她隨手翻閱了一本架上的書，竟受到偌大 感動 書中，作者引導一位擔任學校足球隊守門員的孩子，覺察並感受日常的活動細節，讓這位本來不善書寫的 學生，寫出一篇名為〈本事，一天一百次的墜落〉的文章，平實卻感人。「它感動我的地方是，只是記錄日常的事 情，也能傳達出他的辛勞和心酸。」這也讓她發現，原來在日復一日的練琴與演出裡，也藏著無數感人且珍貴的片 段。
黃湞琪的例子說明，音樂帶給我們的聯想與感受，其實都可以化為文字 不管是一記強奏觸發的情感、指揮一句 話的啟發，或是樂音勾起的某段回憶。將這些落實於紙上，既能豐富對音樂的想像，也是一種認識自己、省思自身 的方式。
1 引自黃湞琪 Facebook 貼文： https://www.facebook.com/share/p/1BRsJr4j9T/
蔡雨彤：大道至簡，感悟音樂境界
有別於黃湞琪綿長溫潤的筆法，蔡雨彤雖同樣敘寫演出與日常所感，但她的文風就如她所演奏的柳琴、三弦等彈撥樂 器的聲響，短小卻鏗鏘有力。例如多年前參加一場古琴雅集前，她寫道：
少了很大音量做掩護，你的情感必須要更真誠。2
而在一場演奏會之後，她則在短短幾行中，以聲響短暫與樂曲永存，展開形而下與形而上的對比：
即使我們停止演奏音符 音樂仍依然存在 珍惜在舞臺上 用雙手製造出心裡聽見的樂音
每一個音符裡面都有一個美的世界3
這種大道至簡的風格，來自她接觸中國古典文學與音樂的經驗。過往學習古琴時，在練習《歸去來辭》一類的文學性 樂曲時，老師一邊教琴一逐字逐句講解詩詞，這樣的教法「對我影響很大 能夠在很少的字中，闡述出很大的力 量，將我打動」，她的書寫也因而逐漸趨向這樣充滿留白與餘韻的樣貌。
另一方面，在碩士班接受的民族音樂學訓練，也改變了她看待事物的方式。「民族誌這個寫作方式影響了我。」她解 釋，在民族誌中，研究者走入陌生的田野，「從他的視角出發，如實且不帶濾鏡地記錄那個文化。」這讓她學會從不 同角度思考音樂，看見樂譜音符以外的事物：「我開始更注重音樂和人的關係，作曲家的經歷、體驗和感受，去看譜 背後的東西。」
換言之，蔡雨彤的書寫展示了兩種可能：一是文字本身如音樂般凝練與爆發的美學潛能，二是書寫作為感悟音樂、找 尋音樂境界的中介。她表示，「音樂最後還是會回到『人』本身，也就是你感受、觀看世界，以及面對情緒的方式， 這些都會影響音樂的呈現。」而透過閱讀與書寫去觀察、梳理、深化對音樂的感受與想法，這些積累終將以另一種方 式流回音樂之中。
蔡雨彤與指揮許瀞心、臺北市立國樂團演奏王辰威《阿勒頗》三弦協奏曲
2 引自蔡雨彤 Facebook 貼文： https://www.facebook.com/share/p/184gNKTy1M/
3 引自蔡雨彤 Facebook 貼文： https://www.facebook.com/share/p/1FfP3J5Mhx/
和兩位演奏家不同，徐志丞則是以聽眾與研究者的身份，藉樂評和論 文形式記寫國樂音樂會及演奏家。
音樂會評論和學術論文或許不稀奇（儘管國樂樂評確實少見），但特 別的是，徐志丞不只關注聲響或抽象理論，更關心音樂會與表演者的 背後種種。他說：「一場音樂會背後需要有很多的準備。我希望透過 文字記錄演奏家、作曲家的巧思與用心，以及那些在音樂會中無法透 過言語傳達的想法。」
例如他寫家〈尋：陳怡蒨柳琴獨奏會〉，既記錄演奏表現，也探尋獨 奏者心思：
獨奏會的最後一首曲子《尋》，是陳怡蒨最新創作 的柳琴獨奏曲。演出時陳怡蒨特別帶著兒時初學的 第一把琴登臺，至第二樂章以這把柳琴彈奏初學必 彈的經典獨奏曲《燈節》片段，古樸的琴音讓時光 開始倒流（⋯）。 4
徐志丞曾於「TCO 2023 國樂創作國際學術研討會」發 表論文，探討演奏家對臺灣柳琴音樂創作發展之影響 與創發
另一篇寫中阮演奏家潘宜彤的樂評，則展開了對於演奏家、作品生命以及當代創作的多重觀察： （⋯）當這些作品透過演出、樂譜與錄音的同步發表而得以持續流通時，中阮不僅突破了傳統音樂的既 定框架，更在潘宜彤的創作中確立了一種新的表達 —書寫日常、承載生命經驗，並在當代音樂中發展 出更貼近人心的聲響。 5
這些對於彈撥的深入觀察與書寫，其實與徐志丞自己的國樂經驗有關。高中加入國樂社後，他因喜歡彈撥樂而被分配到中 阮，一年後又愛上柳琴的音色，此後持續學習至今。這段經歷，成為了他書寫的底氣：「因為自己也有柳琴演奏經驗」， 所以能夠了解演奏家「對技術與音色的極致追求，以及在音樂詮釋中所蘊含的深厚情思 而這些，正是我想藉由文字將 其傳達出來的。」
具有中文系所專業背景的他，也擅於援引文學資源。他舉例，分析王正平獨奏曲《塞北雁》時，儘管樂曲解說文字簡短， 卻能透過檢索古典詩詞，找到過往與「雁」相關的詩作，以豐富對於樂曲意象的理解。加上他習慣將樂曲、樂器與演奏家 置於歷史脈絡中觀察，他便能跳脫對於演奏技術的單純考察，進一步理解其中的深層意義。「若有機會，我也會去訪談演 奏家，甚至委託創作的作曲家，了解他們對樂曲的理解，以及作品背後的創作初衷。」
他也坦言書寫音樂的困難。「要以文字捕捉演出中豐富的音色層次與細膩詮釋，以及身處音樂廳當下的震撼與感動，對 目前的我而言，還有很多的不足和困難。」語言畢竟有其侷限，無法完整再現感性的聲響以及內心私密的觸動。是以， 他期許未來嘗試詩化的語言 「詩與音樂在藝術表現上有許多共通之處」，他認為，樂評與論文往往要求嚴謹客觀， 但詩的語言或許更能捕捉那些稍縱即逝的感受。
4 引自〈彈撥之間的無盡追尋《尋：陳怡蒨柳琴獨奏會》〉，表演藝術評論台， 網址： https://pareviews.ncafroc.org.tw/comments/45761b11-1e0a-48db-ad33-13a23d75cdc6
5 引自〈阮語心聲：評「潘宜彤中阮創作作品獨奏會」〉， PAR 表演藝術，網址： https://par.npac-ntch.org/tw/article/doc/HHDHS0IVL4
徐志丞在音樂會後，透過樂曲分析與展演脈絡探究，以文字發掘演奏家在詮釋背後的生命底蘊、情感層次與藝術追求（張琳惟攝）
音樂—文學書寫的今與明
儘管國樂相關的文學書寫仍是稀缺，但徐志丞分享了一系列近年臺灣華文創作界有關音樂的散文及小說，或可作 為國樂書寫的參考。（詳見本文附錄）
他也提到，詩人李進文有一首現代詩〈柳葉琴下午〉，以女兒練琴後倚琴午睡的場景為靈感，書寫父親陪伴孩子 成長時的溫柔感悟，這是他目前所見唯一以柳琴為題的臺灣華文現代詩：
（⋯）
小女孩的睡姿輕得像一曲國風 柳葉琴彈掉鐘面上鏽了的分與秒
時光向後退，九隻雁在天空開道 日子簡簡單單地教她順利往成長起飛 （⋯）
這個「唯一」或許恰恰反映了，國樂與文學書寫之間，仍有巨大的空白有待填補。以黃湞琪、蔡雨彤和徐志丞三 人的經驗為鏡，或可看見，國樂與文字書寫結合的更多可能與展望。
近年臺灣音樂文學創作推薦
《樂來樂想》
焦元溥著，聯經出版， 2008 年。
名古典樂評人的首部散文集
《地下鄉愁藍調》、《昨日書》、 《耳朵借我》
馬世芳著，新經典文化， 2006, 2010, 2014 年（首版） 流行音樂樂評人的三部音樂散文集
《孔洞裡的聲音》
劉庭妤著，時報出版， 2024 年 小說，以木笛演奏經驗為主題的女性樂手故事，每篇附
QR code 聆聽木笛合奏曲
《夜官巡場》
張嘉祥著，九歌， 2022 年 「裝咖人」樂團專輯的同名小說，鄉野奇譚，音樂與 小說互文
《再見鋼琴》
夏夏著，時報出版， 2025 年 散文集，訪談臺灣 1980–90 年代學琴熱潮的親歷者， 並尋找老鋼琴錄音，附演奏 QR code
收錄於《靜到突然》，李進文著，寶瓶文化， 2010 年
現代詩，以女兒練琴後倚琴午睡的場景為靈感，書 寫父親陪伴孩子成長時的溫柔感悟，是少見的國樂 題材臺灣華文現代詩創作
「我會先觀察，然後去感受，再慢慢去找到貼近我心裡感 受的文字。」
「每一個人都可以嘗試，除了演奏之外，也用文字去梳 理、書寫自己的一些經驗。」
臺北市立國樂團二胡 II 首席。長期從事演奏與教學工 作，也是持續透過生活觀察與書寫，練習理解世界的 人。她擅長從生活中的感官體驗出發，將日常動作、身 體感受與人物記憶，乃至那些難以言說卻始終留在心裡 的瞬間，透過細膩的聯想，轉化為對演奏與音色的想 像。這些經驗，也逐漸成為她理解聲音與演奏的重要方 式。
「認真對待音樂，但不以嚴肅的方式進行，要輕
鬆地試！」
「專注投入當下就不會有恐懼」
「關注成長，而不是關注成功」
臺北市立國樂團中阮兼三弦團員，專精柳琴、阮 咸與三弦，長年習奏古琴。深受中醫、茶藝與太 極拳等中華文化啟發，持續探索音樂與身心之間 的連結。穿梭於舞臺與教學之間，亦遊走於文字
與山水之中。相信音樂不僅是演奏，更是一種傾 聽與修習；於一聲一韻之間，體會內在與世界的 相遇。
「對技術與音色的極致追求，以及在音樂詮釋中所蘊含的 深厚情思 —而這些，正是我想藉由文字將其傳達出來 的。」
「詩與音樂在藝術表現上有許多共通之處」
徐志丞是國立中山大學中國文學系博士生，自高中起學習 柳琴至今。致力於彈撥音樂之研究與評論，評論文章散見 《表演藝術評論台》、《 PAR表演藝術》、《關鍵評論》 等平臺。兼具演奏者、聆賞者與研究者的多重視角，並受 文學薰陶，期盼透過文字延續演出的餘韻，讓音樂的感動 與思索在舞臺落幕後仍能持續共鳴。
Text / Tsai-Teng Yen
Image / Chen-Chi Huang, Yu-Tung Tsai, Jhih-Cheng Syu
Beyond the established genres of poetry, academic papers, and program notes, other forms of literary writing about Chinese Music remain scarce. The following interviews with Taipei Chinese Orchestra (TCO) performers Chen-Chi Huang and Yu-Tung Tsai, and music critic and researcher Jhih-Cheng Syu, explore how 3 very different approaches to writing open new possibilities for the encounter between Chinese Music and the written word.
Chen-Chi Huang writes primarily on social media, journaling rehearsal reflections, concert previews, and performance insights in a warm, approachable voice. Without formal writing training, she honed her skills through her master’s thesis and a book on the craft of writing that convinced her even mundane details could become moving prose. Her writing flows with association and imagination, discovering moments worth keeping in the daily rhythm of rehearsal and performance. In contrast, Yu-Tung Tsai’s prose is spare, yet every word rings clear. Her pared-down intensity grew out of studying the guqin and a shift in perspective gained through ethnomusicology training in graduate school: learning to see beyond the score and to attend to the deeper bond between music and people. For her, writing is both a way to sharpen her grasp of music and a form of self-reflection, and it eventually feeds into her playing.
Jhih-Cheng Syu, both listener and researcher, documents Chinese Music performers through concert reviews and scholarly work. He cares about more than sound alone, seeking to reveal the thought and care that performers and composers bring to each concert. Drawing on classical literary sources to enrich his interpretation of the works, he places compositions, instruments, and artists within their historical contexts. He admits that words can never fully recapture the emotion of a live performance. Still, he keeps writing, reaching for a more poetic voice.
Taken together, their experiences point to a much wider conversation ahead between Chinese Music and the written word.
文 / 江振豪 圖 / 江振豪
北市國副指揮江振豪曾至丹麥皇家音樂學院進修 江振豪於 Konservatoriets Koncertsal 音樂廳上課實況
站在樂團面前的指揮，不只是音樂的詮釋者，更是作品與樂手之間的溝通者。指揮與樂團之間的關係，往往反映出特定文 化對合作、權威與管理的基本想像。在北歐國家，其獨特的社會文化與職場氛圍，進一步形塑了當地樂團的工作模式；而 在務實的技職教育與強調產學接軌的觀念之下，音樂院中的指揮教育，也與臺灣呈現出相當不同的樣貌。
本文將透過筆者於丹麥皇家音樂學院進修期間的經驗，淺談對北歐樂團文化與指揮教育模式的觀察。
樂團其實就像一個小型社會。每個樂團都有各自獨特的文化，而這些文化的形成，往往來自長年累積的人際網絡、演奏 傳統、過去合作過的重要指揮，以及團員之間共享的聲音記憶。不同樂團之間的演奏習慣與音響想像，也都是文化的一 部分。
當我們比較不同樂團的運作方式時，往往會發現：指揮與樂團之間的互動模式並不存在單一標準。每個樂團都有自己適合 的指揮類型；而當這個觀察擴大到不同國家時，更能看見 鮮明的文化差異。東亞、美國與歐洲樂團之間，無論是排練文 化、音響概念或工作方式，都有顯著不同。
北歐國家由於歷史與地理條件，形成了異於歐洲其他地區的社會制度與文化氛圍：重視平凡而穩定的幸福感，多於追求宏 大敘事；高度完善的社會福利與物質生活；強調平等與謙遜的「洋特法則（Janteloven）」、以及內斂、理性而成熟的社會
北歐指揮教育巨擘 Jorma Panula
性格。再加上地廣人稀的人口條件，這些因素都深刻影響了北歐樂團的工作樣態。而在教育上，相較於東亞社會較常以競爭機 制篩選人才，北歐更傾向將學生視為需要被培養的資源本身，強調個人潛能的發展，以及教育與業界之間的實際連結。
音樂演奏作為一門表演藝術，本身便極度重視實踐。除了知識與技術的累積之外，不斷地排練、演出與修正，向來就是學 習中不可或缺的一部分，甚至可以說是最重要的一環。
而指揮這個專業又比一般器樂演奏更加特殊。指揮自己無法直接發出聲音，因此也無法單靠個人練習檢視學習成果，必須 透過樂團的演奏，才能真正理解自己的技術與音樂是否有效。
因此，對於仍在學習階段的指揮而言，「實際站上指揮臺與樂團工作」便成為最重要的學習資源。擁有足夠的 podium time （即站在指揮臺上實作的時間），在大量實戰中試錯、修正與成長，正是北歐指揮教育最具優勢的核心。
Panula 與北歐指揮教育傳統
北歐的指揮教育深受芬蘭指揮家與教育家 Jorma Panula 的影響。他的教學足跡遍佈整個北歐的重要音樂院，也幾乎形塑 了當代北歐指揮教育的基本樣貌。
Panula被譽為「芬蘭指揮教父」，數十年來於西貝流士音樂學院培養出無數國際級指揮，包括Esa-Pekka Salonen、Jukka-Pekka Saraste、Osmo Vänskä，以及當今備受矚目的年輕指揮Klaus Mäkelä 、Tarmo Peltokoski 等人。他幾乎以一己之力，打造了芬 蘭近代「指揮王國」的神話。
在西貝流士音樂學院中，甚至設有專門提供指揮學生實作的樂團，其目的便是最大化學生與樂團工作的機會。
丹麥皇家音樂學院的實踐模式
筆者所就讀的丹麥皇家音樂學院（Det Kongelige Danske Musikkonservatorium，簡稱DKDM）位於丹麥首都哥本哈根，是丹 麥歷史最悠久、規模最大的高等音樂學府之一，也是北歐重要的音樂院校。
Panula曾於DKDM任教，並留下深遠影響。筆者主要師事的教授Giordano Bellincampi，也曾直接跟隨Panula學習。
在北歐務實教育觀的影響下，DKDM的指揮教育具有非常明確的職業導向，在教學與訓練上幾乎完全分流為兩條專業路線：
• Ensemble Leading：以業餘樂團、不同年齡層與各式編制的團體合作為主。
• Orchestra Conducting：專注於與音樂院樂團及職業樂團合作。
筆者所屬的 Orchestra Conducting 專業極度重視樂團實踐。除了指揮音樂院樂團之外，指揮班也與丹麥多個職業樂團密切 合作。我們經常前往不同城市，與當地職業樂團排練與演出。
整個學年的課表，其實更接近職業樂團的樂季規劃，主要由一場一場的排練與音樂會演出交織而成。除了個別課程如歌劇 伴奏、音樂基礎訓練與管弦樂法之外，大部分時間都投入在與樂團相關的排練與演出工作之中。
在職業樂團兩檔正式節目之間的空檔，樂團也常提供機會給音樂院的指揮學生實習。學校會安排交通與住宿，讓學生直接 前往當地工作。有時是預先排練樂團接下來的節目，有時甚至會直接安排正式演出。
也因此，指揮學生在學期間便能長期且密集地與專業樂團合作，熟悉樂團運作邏輯與職場文化。對樂團而言，這同時也是 認識年輕音樂家的機會，使高等教育與產業需求之間維持緊密連結。
除了大量podium time之外，北歐的指揮教學內容極具職業導向。不僅重視技術與藝術性的探討，課程中更花費大量時間在理解 「指揮的工作邏輯」，尤其是適用於北歐樂團文化的工作方式。
如同北歐社會整體的文化氛圍，丹麥樂團尊重個體，但同時極度重視群體效率。老師經常提醒我們：「指揮最重要的工作，是 替群體中的每個獨立個體找到共同目標。」
因此，在排練中必須學會「省話」。能夠用手勢完成的事情，就不需要停下來解釋；而真正需要說話時，也只使用最簡單 且明確的指示。這樣的排練方式，一方面承襲了Panula的教學理念，另一方面也與北歐文化中的理性與效率高度契合。
丹麥職業樂團與臺灣職業樂團另一個顯著的差異，在於相對精簡的排練次數。通常一場音樂會只有三次正式排練、一次彩 排以及演出，而音樂院內部也完全按照這樣的模式運作，以確保學生畢業後能無縫接軌業界。在有限的排練時間內，學生 除了被要求具備效率之外，也必須理解每一次排練對於團員心理狀態與工作節奏的意義。
第一次排練通常著重於整體結構與聲音方向的建立，目的是讓彼此熟悉音樂與工作方式，而非過度糾結細節；第二次排 練則集中處理問題與細部修正；到了第三次排練，除了鞏固前兩日成果之外，更重要的是替音樂創造火花與空間，讓樂 團能夠主動參與更多音樂性的發展。這樣的工作模式，幾乎已形成一套成熟的 SOP ，也使樂團能在短時間內迅速建立共同 目標。
指揮班的專用教室窗景一隅
結語
綜上所述，北歐的指揮教育模式並非單一因素造就，而是社會文化、樂團制度與教育理念長期交互作用下的結果。它之所 以能夠產生顯著成果，不只是因為優秀教師的存在，更重要的是：整個教育系統真正理解了「指揮」這項專業所需要的核 心學習資源 大量而真實的實踐。
若臺灣國樂界未來也能逐步建立更緊密的產學合作模式，讓學界與業界形成真正的循環關係，使樂團能夠參與下一代音樂 家的培育，或許便有機會累積出更穩定的人才系統，並為未來的音樂環境開闢出新的可能。
Text / Chen-Hao Chiang
Image / Chen-Hao Chiang
At the Royal Danish Academy of Music (Det Kongelige Danske Musikkonservatorium, DKDM), the author observed how Nordic social culture shapes orchestral working practices and sustains a conducting education grounded in pragmatism and hands-on learning. An orchestra functions as a small society: its performance culture and working methods bear the imprint of history, sonic traditions, player relationships, and social values. Orchestral culture varies markedly from country to country. In Nordic countries, equality, efficiency, and cooperation are deeply valued. Their orchestral culture tends to be rational and restrained, with shared goals taking precedence. The same outlook shapes local expectations of the conductor's role.
Conducting is a performing art that produces no sound of its own. Learning to conduct depends heavily on real-world experience with orchestras, making podium time the single most valuable resource in a conductor’s training. Nordic conducting pedagogy owes much to Finnish educator Jorma Panula, whose core philosophy insists on learning through intensive practice in genuine rehearsal and performance settings rather than confining students to classrooms and theory. Panula’s model has shaped Nordic conservatories for decades, producing many of the conductors now working internationally.
At DKDM, the curriculum is divided into 2 distinct tracks: one for professional orchestral conducting and another for amateur ensemble coaching. The school maintains close partnerships with several Danish professional orchestras, and students rehearse and perform frequently with them throughout their studies, absorbing the rhythms and expectations of professional life firsthand. Nordic rehearsals follow a distinctive philosophy: with sessions limited in number, the emphasis falls on efficiency, clear communication, and respect for individual musicians’ autonomy, while phased goals help the ensemble find its musical direction and build trust along the way.
Nordic conducting education works because its culture, its orchestras, and its schools have been pulling in the same direction for a long time. The guiding principle has always been learning through doing. If schools and professional ensembles in Taiwan work more closely and give students more time with orchestras, it could create a steadier, more nurturing environment for young musicians.
��至��年代高屏地區的國樂發展 概況──訪屏師校友國樂團團長 陳登科
����-��年代臺灣國樂人的耕耘記述（十九）
訪談、撰文 / 萬智懿 圖 / 陳登科、萬智懿
熱心助人的陳登科團長
筆者研究屏師國樂團，至今已有 4 年，這 4 年來，對筆者幫助 最多的就是陳登科團長（下稱陳登科）。陳登科是一位古道 熱腸、熱心助人的長者，對於筆者的提問，總是言無不盡。
舉一例可知他的熱心：陳登科是屏師 56 級（臺灣省立屏東師 範學校，今國立屏東大學，下稱「屏師」）與第 5 屆的傑出 校友，他長期在屏東大學校友總會擔任理監事，曾舉薦多人 成為傑出校友，包括蘇丁選、施慶海等人，有時受推舉的校 友，對提供備審資料意興闌珊，他還特意北上，助其完成資 料送審。筆者相信熱心助人應該也是他被推舉為「屏師校友 國樂團」團長的原因之一吧！
已連續兩年舉辦大型音樂 會 1 的「屏師校友國樂團」，曾
幾經集結，近期於 2024 年再度成團，經陳登科登高一呼， 號召到眾多的校友響應參與。陳登科客氣的表示：「校友 國樂團的團員均來自各縣市，從 56 級到 91 級都有人參與。 我是最老的人，只好兼團長。」
紀念陳道南教授
1974 年 4 月獲得臺灣區成人組國樂獨奏優勝紀念（陳登科提供）
2025 年 9 月 13 日的音樂會，主題為「巨人頌」，是一場紀念陳道南（ 1931-2023 ）教授的演出。基於對陳教授的思念，許 多校友們紛紛響應，不惜遠道而來參與練習，共同完成這場別具意義的音樂會。陳道南教授 2 為屏師 40 級校友， 1967 年 回母校擔任教職，至 1996 年退休，是一位令人敬仰的師長。他曾經帶領屏師國樂團，與樂團成員相濡以沫，還曾主筆為 屏師國樂團撰文 3 ，分享於《中華樂訊》，讓國樂同好了解屏師國樂團的近況。於國樂團不再受到學校特別重視時，他 仍出錢 4 出力的鼓勵學習國樂的學弟妹們，看得出他對屏師國樂團不僅知之甚深且關愛有加。
1 2024 年 11 月 3 日演出「三國演義群音會」， 2025 年 9 月 13 日演出陳道南教授紀念音樂會「巨人頌」。
2 陳道南教授曾榮獲 104 年度屏東大學校友終身貢獻獎，以及教育部 108 年「第 14 屆教育奉獻獎」表揚，所獲獎項都是教育界的至高榮譽。
3 《中華樂訊》第一期，第六版， 1975 年 12 月 1 日出刊。
4 據陳登科表示，每學期捐贈屏師國樂團二萬元。
陳登科老師在高雄縣彌陀鄉壽齡國小服務時，對全校師生舉辦的國樂觀摩教學。右下角圖片為陳登科帶領學生勞動服務（陳登科提供）
要永續經營一個樂團，不是件容易的事，歷經多次分合的屏師校友國樂團，其發展始末以陳登科最為清楚。他告訴筆者， 校友曾多次組團，只是名稱不一定使用屏師校友國樂團為全名，例如： 1968 年 8 月成立的高雄縣中興國樂團，其實就是屏 師校友國樂團第一次的合體，此團曾三度 5 參加臺灣區音樂比賽，均獲得社會組國樂合奏第 1名的佳績。 1979 年，高雄市 成立教師國樂團（即高雄市實驗國樂團的前身，今高雄市國樂團），此團也是以「屏師」校友為主體的國樂團。經過了
10 年， 1989 年時，立基於教師國樂團的高雄市實驗國樂團成立，讓當時許多的「屏師」校友，意識到應該要有屬於自己 的校友國樂團，因此 1989 年 12 月，首度以「屏師校友國樂團」為名成團。後來數十年間，多次屏師重大活動，校友臨時 合體演出國樂助興，顯示屏師校友國樂團一直都存在。陳登科表示：「最早的高雄縣中興國樂團，就是以屏師校友為主 體，依附在高雄縣社教館裡，團長就是縣長。 1979 年 7 月在高雄市組成的教師國樂團，也是以屏師校友為主，它依附在教 育局第三科，當時科長是『屏師』 53 級的鄭進丁，團長是 62 級的黃茂德，但對外由高雄市政府教育局局長或市長代表團 長。另一次校友合體是 1989 年 12 月，組成了屏師校友國樂團並巡迴演出，第一任團長是陳道南老師，黃吉田與我是副團 長。」顯然「屏師」校友在高雄活動極為活躍，一旦匯聚成團，就能產生極佳的能量狀態，釋放出一場場精彩的國樂演 出。
5 分別為 1969 年、 1971 年及 1976 年，獲得優等第 1 名的成績。
半個國樂人
陳登科就讀「屏師」時，演奏的樂器是笙。他 在「屏師」接觸笙的經歷聽起來有些驚悚，據 說他所使用的笙，是從長滿螞蟻窩跟蜘蛛網中 解救而出的，顯然笙不是受歡迎的樂器，才會 許久無人使用。陳登科的老師是篤實國樂隊的 陳世豪先生，由於陳世豪先生年歲已大，所以 陳登科學會吹笙以後，陳老師就退休了，吹笙 的席位由弟子陳登科接替，陳登科也參加篤實 國樂隊多年。
篤實國樂隊是隸屬於高雄六十兵工廠的國樂 隊， 1960 年董榕森先生曾擔任該廠國樂教練， 是高雄發展較早的軍中國樂團體。陳登科團長
1974 年佛青國樂團獲得全國音樂比賽國樂組社會組第 1 名的佳績（陳登科提供）
口述表示：「六十兵工廠的位置在現在的『夢時代購物中心』旁邊。」後來他們有一部分人，包括陳登科在內的 6 位團 員，曾在高雄的皇后大舞廳伴奏，陳登科說道：「皇后大舞廳是南部第一間有音樂隊，也有國樂隊的舞廳，演奏時間是 晚間，音樂隊一個小時、國樂隊一個小時這樣子錯開，一晚各演奏二場。指揮是鄭自強，他的琵琶彈的很老練；包鑑明 是拉胡琴，擔任團長，後來移民美國；還有敲揚琴的徐仲奎也非常厲害，他那個時候已經敲到十四行的大揚琴；另有黃 進祥、劉升富跟我。我還保留以前我們演奏的樂譜，樂譜也幾乎都是鄭自強先生手寫，他用複寫紙寫譜，一次可以寫 6 份，他寫的譜字很漂亮，真的是經典啊！我們還用代號代表不同類型的舞曲， 1 號代表慢四步， 3 號是恰恰，探戈是 5 號， 倫巴就是 8 號。我們奏到探戈大概就要換場或結束了。」真的很難想像，一位國小老師，白天在小學任教，晚上在舞廳伴 奏，但他的初心卻很單純，就是牢記「屏師」張效良校長所說的，要把國樂「發揚光大」，只要哪裡有需要國樂，他一 定全力以赴。為了發揚國樂，他說他成了「半個國樂人」。
陳登科團長說，臺南的國樂教師以倪永震先生獨大，而高雄地區就是嚴威先生的天下了。嚴威先生對陳登科十分器重，可 說是陳登科的貴人。嚴威先生是廣東潮安人，自9歲從王澤氏學習國樂，尤精琵琶、古箏，畢業於廣東省立韓山師範學校。
由於嚴威先生的專長是彈撥樂器與胡琴，他手邊同時有多達十餘個國樂社團需要指導，所以他會請「屏師」的校友幫忙教 學，如李進輝 6 、黃吉田 7 及陳登科，尤其是陳登科因為吹管樂器笙、笛、簫、管無一不精，所以從1967年屏東師範學校 畢業後，他就開始與嚴威先生協同指導高雄市煉油廠國樂隊，他介紹陳登科支援由時傑華指揮的高雄豫劇隊演出《秦良玉 》舞劇，另外嚴威先生也轉介學校社團給陳登科指導，包括文藻外語專科學校、高雄師範學院，陳登科自己後來又接了高 雄醫學院、國際商業專科學校、樹德家商及中山大學。陳登科團長說道：「我們那個時候一畢業就直接教書，所以我那個 時候真的很忙。白天教書晚上要到舞廳去演奏，另外還要去指導學校國樂社團。我就帶一把笙，反正有人請我，只要有時 間我就去參加，參加還不是只有一天演奏就結束，一定還要事前多次排練才會正式演出。但我一心只想要把國樂發揚光大 ，沒有時間計較很多事情。我也忘記有沒有演出費，真的是忘記了。」又說道：「我還記得豫劇團的指揮叫時傑華。每一 次他聽到我笙的聲音出來，指揮那個樣子就活了起來，看起來很愉快。大概以前沒有人那樣吹笙，因為我在舞廳吹了很多 小調，我的演奏風格也慢慢在變。」或許就是這些演奏經驗的磨練，讓陳登科演奏笙的表現出眾。他曾參加過多次的全國 器樂獨奏比賽 8 ，成績均十分優異。
6 李進輝，屏師 54 級， 1990 年組織臺南音樂學會， 1991 年組織臺南市立文化中心民族管絃樂團， 2000 年擔任臺南市民族管絃樂團音樂總監。作曲《登 高遠眺》二胡協奏曲等數十首樂曲。與詹良才合著《國樂團練教本》上下冊、《琵琶教本》、《古箏教本獨奏曲一》、《古箏教本》。
7 黃吉田，屏師 56 級，南化國小校長退休，曾擔任屏師國樂團指揮多年，曾任臺南縣國民教育輔導團的音樂科輔導員與資深音樂教師。
8 1969 年王正平以琵琶獲得成人組全國第 1 名時，陳登科是該次的全國第 2 名，屏師的李輝淑得到第 4 名； 1970 年許輪乾獲得成人組全國第 1 名時，陳 登科是 第 3 名； 1974 年成人組吹管類全國第 2 名； 1975 年以簫參加成人組比賽獲得全國第 1 名； 1978 年獲得成人組吹管類第 1 名。
1969 年 4 月高雄縣中興國樂團團員獲音樂比賽冠軍後合影，第 1 排中間為張 效良校長（陳登科提供）
中華民國綜合藝術團之樂隊部分，由屏師應屆畢業生擔任 （1975.08.21，中央日報，第六版）
畢業後第二年，他就與同學詹良才 9 、山裕國 1 0 與教練黃吉田一起指導學弟妹，如此多年，從不覺苦。凡學長、學弟妹指 導的學校樂團需要他指導時，他也是義務幫忙。由於他的專長是笙，每年到了音樂比賽，高屏地區幾乎所有的笙都會送來給 他調音，這些都是無償的奉獻。但陳登科團長也很感慨的說道：「原本高雄地區有許多學校國樂團，都是屏師的學弟妹在指 導，但現在已所剩無幾。」陳登科團長不僅會調整笙的音準，他也是一名經驗豐富的鋼琴調音師，他為合夥經營的友聯樂器 行銷售自有品牌摩里遜鋼琴「MORRISON PIANO」，因售出鋼琴時附帶三年免費調音，所以他也經常為鋼琴調音奔走。
1975年陳登科受前屏師校長陳漢強先生委託與7位在校生 1 1 獲選代表參加中華民國綜合藝術團出訪美加 1 2 宣揚中華文化， 他是唯一參與的非在校生。1976、1979年陳登科又參加過二次中華民國綜合藝術團，據陳登科團長口述，除了1975年為任 務指派毋須考試外，1976、1979年他都是經過層層選拔甄選入團的。他仍記得曾與陳裕剛、吳武行等人一起訪港演出。陳 登科表示：「訪港演出也是參加中華民國綜合藝術團，由教育部主辦，事實上我們是包給一個經紀公司，好像是宣慰僑胞 或者是親善訪問。我們有去香港的利舞臺表演，我跟陳裕剛同一個房間，住在華國酒店。那個時候好像已經快要與美國斷 交了（1979年斷交）。陳裕剛那時候在國立藝專（國立臺灣藝術專科學校，今國立臺灣藝術大學）不知道是講師還是助理 教授，他為了要升等，利用空閒時間，要我陪他去逛書店。買書回來後還把封皮撕掉，該塗掉的字把它塗掉，然後帶回臺 灣。」最讓陳登科團長遺憾的是因為在國外巡迴表演，他錯過了大兒子的出生，還差點錯過為父親蓋棺送行。
高雄市有一個非常長青的國樂團 佛青國樂團，成立於1972年，由高雄市宏法寺住持開證法師創辦擔任團長，副團長傳燈 法師 1 3 處理國樂團事務。佛青國樂團曾於1974年獲得臺灣區音樂比賽國樂合奏社會組第1名。陳登科團長口述：「我們是 第1屆佛青國樂團的，我們還到澎湖去演出，民間佛教跟寺廟花很多錢扶植這個樂團。陳中申曾在高雄海軍服役，那個時候 也曾參與幾次佛青國樂團的練習，所以我們是在那裏認識的，後來比賽時又碰頭，那次比賽我獲得簫獨奏的第1名。」
9 詹良才，屏師 56 級，1973 年成立臺南下營區中營國小國樂團，1987 年成立長雲樂集，曾獲臺南縣長李雅樵專款補助，成立一座國樂資料館。創作《秋 原放馬》、《憶良人》、《葉落》等樂曲。
10 山裕國，屏師 56 級，鳳山國中國樂團指導老師。
11 分別為張汝惠、歐欽雄、張繼忠、王吉慶、沈福基、許麗卿與郭淑娥。
12 由藝術家俞大綱教授籌組，在 4 月 18 日選拔特技、國術等人才，國術項目選出 7 人，成員包括傅松南、謝辛庚、蘇能振、謝宗夏、柯義仁、廖美秀等人， 表演節目以特技為主，國術、國樂、民族舞蹈次之，選拔後在 5 月份集訓，暑假期間進行環島表演，時間為 1975 年 9 月 1 起巡迴表演長達 4 個月，是 第一次以官方名義籌組的表演團體。赴美國、加拿大 67 個城市，第一站在夏威夷檀香山預演 2 場，表演 4 場，轟動檀島，場場爆滿，此後赴美國的洛 杉磯、西雅圖、華盛頓、舊金山，加拿大的溫哥華，以及關島、日本等地表演，總計 87 場次。 13 傳燈法師現任妙心寺住持，亦為慈恩國樂團團長。
2023.08.08 Qubit Café 會館餐廳訪談陳登科
因為佛青國樂團，陳登科認識了對國樂滿腔熱情的蕭青杉先生。在蕭青杉的號召下，1982年一群國樂同好贊助發起高雄 市國樂學會。陳登科曾擔任高雄市國樂學會理事及總幹事。當時的蕭青杉意氣風發，出手闊綽，提供自己的辦公室及員 工，為高雄市國樂學會的駐點及義工。蕭青杉先生不計代價出錢出力，幹部亦不計個人利益，全力推展會務。四年來， 舉辦了演奏、講座、聯演、展覽約百場活動，出版了8期國樂會刊，5期會訊，將高雄市的國樂氣勢推上了高峰。可惜當 時的蕭青杉先生，因房地產事業經營不善，連帶著高雄市國樂學會也無法維持，1987年因沒有經費，沒有人認捐，也沒 有活動收入，最後高雄市國樂學會耗盡了僅存能源而停擺，讓時任總幹事的陳登科也莫可奈何，他在《高雄之美》寫了 一篇〈高雄市國樂學會今昔〉，刻畫了高雄市國樂學會的興起至衰敗，算是對大眾的一個交代。
陳登科除擔任小學教員之外，猶在經營樂器行及音樂教室，他所有的國樂器都能教，其中以古箏的學生最多，笛子次 之，笙反而最少人學。因為教學認真，其中不乏參加比賽獲獎或走入專業者，例如禾采箏樂團團長郭家芳即是由陳登科 啟蒙。筆者曾看過陳登科擔任小學教員時，推廣樂教的一系列照片，陳登科表示：「我民國56年到高雄縣彌陀鄉壽齡國 小任教，57年向全校師生進行國樂觀摩教學，我用摩托車分四車次將樂器載到學校，對全體師生介紹了當時所有的國樂 器。」筆者看見照片中的他，獨自一人將國樂器雙手高舉過頭，深怕數百位在場的小朋友看不到，讓筆者甚為感動！真 的是照片會說話，真摯誠懇又熱心的模樣，都展現在照片中。雖然多數時候陳團長的照片都是背影，卻依然是那樣讓人 動容。尤其是最後一張照片，雖沒有樂器，只是一群小朋友在校園中勞動，筆者卻能感受到「屏師」張效良校長傳承 「三動教育 1 4 」的精神落地生根了。而陳登科就是以此為本，老老實實的傳承「屏師」的精神。
潤物細無聲
好雨知時節，當春乃發生。隨風潛入夜，潤物細無聲⋯⋯ 杜甫《春夜喜雨》 張效良校長、陳道南教授、陳登科團長及屏師國樂團數千位分別到各地播撒國樂種子的教師們，他們默默付出、無私 奉獻，正如初春落下的好雨，滋養了萬物大地。尤其今年已喜壽之年的陳登科團長，憑藉對母校的熱情奉獻與推廣國 樂的不變初心，帶領「屏師校友國樂團」重現舊日榮光，精神令人感佩！近年陳登科團長鑽研「手足自然療法」亦頗 有心得。陳登科團長認為：聽國樂可滋養性靈，但身體更要悉心照顧，這才是提高生活品質的長久之計，也是他的養 生之道。
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三動教育是「屏師」的教育特色，經三動教育培養出來的學生，可說是十八般武藝樣樣精通，具備日後作育英才之能力。三動教育中，以勞動為首， 次為運動，張校長體認到「強國必先強種」，因為唯有健康的身體，才是人生的根本，最後不可少的是活動教育。此三動教育是「屏師」人的驕傲與精 神所在。
Interview and Text / Chih-Yi Wan
Image / Teng-Ke Chen, Chih-Yi Wan
In this issue, we interviewed Teng-ke Chen, director of the Pingtung Normal School Alumni Chinese Orchestra, about 6 decades of Chinese Music development in the Kaohsiung-Pingtung region.
A graduate of the general teacher-training division at Taiwan Provincial Pingtung Normal School, Chen retired as guidance director at Kaohsiung Municipal Sih-wei Primary School and now heads the alumni orchestra. Proficient in the xiao, dizi, suona, sheng, and other wind instruments, he has distinguished himself in multiple Chinese instrumental solo competitions. Highly regarded by Wei Yen, a pivotal figure in promoting Chinese Music in southern Taiwan, Chen directed Chinese Music clubs at numerous schools in the region. He also performed with a range of ensembles, including the Dushi Chinese Music Ensemble, the Kaohsiung Bangzi Opera Troupe, the Chinese Music Ensemble at the Queen Ballroom, the Zhongxing Chinese Orchestra at the Kaohsiung County Social Education Hall, the Foqing Chinese Orchestra, and the Kaohsiung Municipal Teachers Chinese Orchestra. He served as an instructor at Chinese Music workshops and, during the 1970s, joined the Republic of China Comprehensive Arts Troupe on 3 overseas tours to promote Chinese culture as Taiwan faced a wave of diplomatic ruptures. When the Kaohsiung Chinese Music Association was established in 1982, Chen served as a board member and secretary-general, supporting it until it ceased operations in 1987. Now in his late seventies, he continues to lead the alumni orch estra with unwavering devotion to his alma mater, reviving the ensemble’s former glory. He has also taken a keen interest in hand-and-foot natural therapy, proof that while Chinese Music nourishes the spirit, looking after the body is equally important .