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TRÁNSITO
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DE UN
SIGLO E
l Art Nouveau nace a finales del siglo XIX, cuando los artistas muestran cierto cansancio ante la falta de originalidad del arte occidental.
Reaccionan frente a la creciente industrialización influidos por las ideas de Ruskin y Morris y el movimiento de artes y oficios inglés, que reivindica la validez de la artesanía y la identificación en ella de lo bello y lo útil. Sus ideas se extienden por Europa y participan de ellas todo tipo de artistas durante las dos últimas décadas del siglo XIX y la primera del XX. Estéticamente hay una evidente inspiración en la naturaleza: vegetales y las formas orgánicas se entrelazan con el motivo central; la línea recta no interesa, se prefieren las curvas y la asimetría; todo es más sensual, buscando complacer a los sentidos. La arquitectura delos nuevos materiales requiere un estilo propio, ornamental, que se manifiesta en el dinamismo de la línea curva y que se impone asimismo en las artes aplicadas, el grabado y la ilustración. La denominación del movimiento varió en algunos países, pero el nombre que más difusión alcanza es el de Art Nouveau, que se debe a la tienda de París, Maison de l´Art Nouveau. Destacan artistas como Morris, Mackmurdo y Beardsley (Inglaterra); Victor Horta y Henry Van de Velde (Bruselas); Hector Guimard (París); Moser, Hoffmann y Klimt (Viena) y Gaudí, en España.
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l encantador estilo art nouveau, como muchas corrientes internacionales, tiene presencia en casi todos los medios creativos: arte, muebles, arquitectura y más. Sin embargo, a diferencia de algunos de estos estilos, el art nouveau buscó romper las barreras entre estos medios para crear una obra total en un mismo lenguaje.
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Un interior art nouveau era planeado cuidadosamente y la arquitectura debía ser diseñada en conjunto con todas las pinturas, esculturas, muebles, ventanas, textiles y ornamentación que formarían parte de un espacio. En una obra exitosa, puede ser difícil extraer la arquitectura pura de todo el arte que contiene. El art nouveau fue popular entre 1890 y 1910, siguiendo directamente el movimiento Artes y Oficios y tendencias similares en las artes decorativas. Este estilo apareció por primera vez en Bélgica como una crítica al “arte académico” y rápidamente se abrió camino por toda Europa. Como muchos movimientos internacionales de arte y arquitectura, cada nueva área que asumió la estética le dio un nuevo nombre y adoptó características alternativas, desde el Glasgow Style de Escocia hasta el modernismo catalán que Antoni Gaudí hizo famoso. La arquitectura art nouveau se caracteriza por líneas sinuosas que crean composiciones suaves y orgánicas. Las líneas curvas que se encuentran en el art nouveau se traducen en muebles originales, herrería y más.
AR QUI TEC TU RA Las curvas orgánicas son uno de los elementos más emblemáticos de la arquitectura art nouveau. Las líneas ondeadas que caracterizan el arte del estilo a menudo se transforman en herrería creativa o incluso paredes curvas.
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lgunas de las obras más representativas del Art Nouveau fueron:
Cartel: Folies Bergere / Fleur de Lotus por Jules Chéret (1893). Divan Japonais por Henri de Toulouse-Lautrec (18921893). Cuatro estaciones por Alphonse Mucha (ca. 1895). Pintura: El beso (1908) de Gustav Klimt (1862-1918). El sueño de la granada (1913) de Felice Casorati (1883-1963). Cupido en el baile de disfraces (1887) de Franz Stuck (18631928). Escultura: Fuente de la doncella (1931) de Josep Llimona i Bruguera (1863-1934). La Diosa (1909) de Josep Clarà i Ayats (1878-1958). Maleficia (1896) de Philippe Wolfers (18581929).
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Arquitectura: El Art Nouveau en la arquitectura representó una ruptura importante con la tradición europea: abandonó la iglesia y el palacio y se dedicó a la plaza, el museo, la vivienda, el teatro o el edificio de oficinas.
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a idea de base era que la arquitectura debía enfrentar un recomienzo, y debía reflejar los valores económicos del capitalismo y sus fuerzas productivas. Ello implicó el uso más rentable de los materiales tradicionales (piedra, ladrillo, madera) y la incorporación de nuevos materiales como el hierro colado, el vidrio y el cemento. Algunas de las obras arquitectónicas más representativas del Art Nouveau son: La fachada de la Casa Batlló de Antonio Gaudí (1852-1926). El edificio de la Estación Central de trenes de Praga, de Josef Fanta (1856-1954). El edificio Otto Wulf en Buenos Aires, de Morten F. Rönnow (1877-1972).
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rthur Heygate Mackmurdo (12 de diciembre de 1851 - 15 de marzo de 1942) fue un arquitecto y diseñador inglés progresista, que influyó en el movimiento de artes y oficios, en particular a través del Century Guild of Artists, que creó en asociación con Herbert Horne en 1882. El pionero del estilo moderno (estilo Art Nouveau británico) y, a su vez, el movimiento Art Nouveau global.
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Mackmurdo era hijo de un rico fabricante de productos químicos. Fue educado en Felsted School , y se formó por primera vez con el arquitecto T. Chatfield Clarke, de quien afirmó no haber aprendido nada. Luego, en 1869, se convirtió en asistente del arquitecto del Renacimiento gótico James Brooks. En 1873, visitó la Escuela de Dibujo de John Ruskin y acompañó a Ruskin a Italia en 1874. Se quedó a estudiar en Florencia por un tiempo; a pesar de la influencia de Ruskin, la arquitectura italiana que más le impresionó fue la del Renacimiento.
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En 1874 abrió su propio estudio de arquitectura en 28 Southampton Street, en el centro de Londres.
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En 1882, Mackmurdo fundó el Century Guild of Artists con su amigo y colega arquitecto Herbert Percy Horne. Fue uno de los gremios de artesanos más exitosos de su tiempo. Ofreció mobiliario completo de casas y edificios, y se animó a sus artistas a participar tanto en la producción como en el diseño; El propio Mackmurdo dominó varios oficios, incluida la metalurgia y la ebanistería .
En 1884, el gremio mostró una exhibición en forma de sala de música en la Exposición de Salud en Londres; el stand se mostró, con variaciones, en exposiciones posteriores en Manchester y Liverpool. Incorporaba dos de los motivos favoritos de Mackmurdo. Uno era follaje retorcido en curvas sinuosas. Nikolaus Pevsner describió el uso de tal
follaje por parte dew Mackmurdo en la portada de las propias iglesias de la ciudad de Wren (1883) del diseñador como «la primera obra de art nouveau que se puede rastrear”.
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acido en1860 en la actual República Checa es el máximo exponente del Art Nouveau, Alfons Mucha fue uno de esos pintores y artistas decorativos que convirtió las Arts & Crafts en una de las Bellas Artes. Muy ligado a la publicidad y al diseño, sus figuras decorativas son el paradigma de lo que se conoció como Modernismo.
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Según parece, Mucha era un excelente cantante y por ello pudo continuar su educación secundaria, pero pronto descubriría una nueva vocación: el dibujo. Desde entonces trabajó como pintor decorativo en su Moravia natal, sobre todo para espectáculos teatrales, y acabaría en la efervescente Viena de la época. Teatro, pintura decorativa, murales, litografías y retratos… En todo ello resaltó sobre los demás artistas de la época. Pero quizás en lo que más triunfó fue en un arte recién nacido: la publicidad. Revistas y anunciantes rogaban por sus servicios y la legendaria actriz Sarah Bernhardt le ofreció un contrato de exclusividad por seis años para representar su imagen. Las calles se llenaron de sus dibujos y todo el mundo fue cambiando hacia ese arte tan moderno y eficaz a la vista. Otra de sus facetas exitosas fue la de joyero. Mucha empezó engalanando a las mujeres de sus carteles con joyas dibujadas con gran lujo de detalles, por lo que de pronto la alta sociedad empezó a demandarlas como si realmente existieran. Sus carteles, avisos e ilustraciones, y sus diseños para joyería, alfombras, empapelados y decorados teatrales acabaron por conocerse como Art Nouveau. Se muestra en muchos de ellos mujeres jóvenes, hermosas y muy saludables, que flotan
entre exuberantes flores. Su arte nunca pasó realmente de moda y desde todas las corrientes modernistas europeas al art decó bebieron directamente de su estilo. Evidente es su influjo en, por ejemplo, los carteles hippies de los años 60 o la huella masiva del artista en toda la ilustración desde 1900 hasta hoy. Su arte nunca pasó realmente de moda y desde todas las corrientes modernistas europeas al art decó bebieron directamente de su estilo. Evidente es su influjo en, por ejemplo, los carteles hippies de los años 60 o la huella
masiva del artista en toda la ilustración desde 1900 hasta hoy.
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enri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Monfa, pintor y cartelista francés, bohemio, 1,52m de altura, minusválido, alcohólico, ave nocturna, provocador, depresivo, sifilítico… Un aristócrata que se consideraba a sí mismo cronista social pintando al pueblo y a la noche de la belle epoque parisina, incluidas las prostitutas, que frecuentó y amó. En definitiva, uno de los mejores artistas del arte moderno francés.
En 1864 Lautrec nació de la muy aristocrática consanguinidad de primos hermanos. Un accidente a temprana edad destrozó sus fémures y le impidió seguir creciendo más del metro y medio. Rechazado por la alta sociedad, vio que en Montmartre podía vivir entre iguales y se fue a vivir a los burdeles del barrio más bohemio de París, frecuentando sus cabarets y codeándose con los artistas con más personalidad del XIX francés. Su magnífica obra le debe mucho a la fotografía. La espontaneidad y el asombroso dinamismo de sus escenas y personajes hacen de sus dibujos excelentes apuntes del natural. Destacan también esos encuadres innovadores y los trazos rápidos y expresivos que definen a la perfección a personajes, situaciones y atmósferas. Despreciaba a los pintores de paisajes y de los impresionistas de la generación anterior, sólo respetó a Degas, por su gusto similar por las bailarinas, el circo y los interiores. Lautrec fue más que otra cosa un dibujante e ilustrador, tareas con las que pudo subsistir al
encargarle carteles los cabarets y espectáculos y demás publicidad. Sus óleos son escasos, pero en ellos se puede ver el mismo gusto por los ambientes y personajes bohemios, la espontaneidad y el movimiento y los encuadres inusuales tomados de la fotografía y la estampa japonesa. Lautrec fallecería en el recién nacido siglo a los 36 años. La sífilis y el delirium tremens destrozaron su cuerpo y mente. Embriagado de absenta, llegó a disparar a las paredes de su casa creyendo que estaban llenas de arañas. Poco después fallecería en su cama en 1901. El Moulin Rouge, el Mirliton, el Moulin de la Galette o Le Chat Noir, perdieron a su mejor cliente y promotor.
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EL MOVIMIENTO DE
ARTS & CRAFTS
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El término Arts & Crafts se utiliza por primera vez en 1887 a raíz de la fundación de la Arts & Crafts Exhibition Society que organiza importantes exposiciones entre 1888 y 1916. Los arquitectos, diseñadores, artesanos, que engloban este movimiento defienden las artes decorativas y el trabajo artesanal, y se oponen a la industrialización y la producción en serie. Son, además, partidarios de la vida rural y las tradiciones locales.
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MOVIMIENTO DE ARTS AND CRAFTS
¿QUÉ ES?
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l movimiento Arts Crafts surge como rechazo a la estética de la revolución industrial, fría y despersonalizada, que estaba invadiendo Europa a principios del siglo XX. La revolución industrial primero, y el levantamiento ruso y la inminente 1ª Guerra Mundial más tarde fueron el caldo de cultivo perfecto para ese estilo algo deshumanizado y ‘demasiado’ funcional. Pero un poco antes de que todo esto llegara, unos románticos ingleses liderados por William Morris empezaron a tejer con flores tapices, paredes, alfombras, muebles… en unos maravillosos estampados y ornamentos que inspirarían más tarde el movimiento Art Nouveau, o auténticas joyas como las telas de Liberty.
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El movimiento se extendió rápido por Europa y floreció con carácter propio en ciudades como Glasgow ( Mackintosh ) y Viena ( Hoffmann ), curiosamente en las segundas ciudades en importancia de cada país, lo suficientemente importantes para que existiera esa inquietud artística, pero al mismo tiempo alejadas de la deshumanización de las grandes urbes. Se trató de un movimiento estético reformista que tuvo gran influencia en la arquitectura, las artes decorativas y las artesanías británicas y norteamericanas, e incluso en el diseño de jardines. En Estados Unidos, se usan las denominaciones Arts and Crafts movement, American Craftsman, o estilo Craftsman para referirse al estilo arquitectónico y decorativo que predominó entre los períodos del Art Nouveau y Art decó, es decir, aproximadamente entre 1910 y 1925. Pretende quecada objeto debería tener o retomar algo del pasado pero dándole un sentido elegante.
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l movimiento reivindicó los oficios medievales en plena época victoriana, reivindicando así la primacía del ser humano sobre la máquina y siendo un movimiento en principio contracultural. Oponía la creatividad y el arte a la producción en serie. El Movimiento Arts and Crafts dio lugar a la idea de Artesanía Artística ("Fine Craft") de los siglos XX y XXI, donde el artista-artesano produce muebles, vidrio, cerámica, joyería, textiles, prendas de vestir y otros tipos de artes aplicadas que los museos, galerías y coleccionistas consideran como una parte más de las bellas artes, o al menos de su misma calidad estética. De hecho, ahora que museos, galerías comerciales y compradores de obras de arte se han entremezclado abandonando la idea de las habilidades individuales del artista como criterio de excelencia exclusivo, la Artesanía Artística ha satisfecho la necesidad de aquellos que aprecian el trabajo minucioso y delicado.
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l Arts and Crafts se asocia sobre todo con la figura de William Morris, artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista político y, en fin, hombre polifacético, que se ocupó de la recuperación de los artes y oficios medievales, renegando de las nacientes formas de producción en masa.
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PRINCIPALES
REPRESENTANTES
William Morris (1834-1896) hacía muchas cosas y todas las hacía bien. Ya con una edad avanzada, en una inopinada reconversión, pasó de artista romántico a activista y agitador socialista. Pero por encima de todo, su obsesión y su principal legado, fue volver a unir las llamadas artes “mayores” y las “menores”, las bellas artes y las artesanías, el puro goce estético de una obra con la utilidad de una herramienta. “Pensaba que lo útil debe ser bello y que lo bello debe ser útil”, explica Manuel Fontán del Junco, director de Exposiciones de la Fundación Juan March que programó en 2017 la muestra William Morris y compañía, el movimiento Arts & Crafts en Gran Bretaña.
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WILLIAM
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Phoebe Anna
Traquair
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omenzó a trabajar en los murales en 1893 y completó el trabajo en 1901.
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Phoebe Anna Traquair está ahora permanentemente indeleblemente vinculada con Mansfield a través de la transformación del interior con sus vívidas y sorprendentes interpretaciones de escenas e imágenes religiosas. Traquair es una figura única en ambos. Arte británico y el movimiento de artes y oficios., y ella ha sido identificada como la primera artista profesional significativa en la Escocia moderna. Phoebe Anna Traquair (1852-1936fue un pintor irlandés que se destacó en Edimburgo y continuó produciendo un impresionante volumen de trabajo. Ella era parte de la Movimientos de artes y oficios.
En Escocia y trabajó en varias disciplinas, incluyendo bordados, joyería y trabajo en metal, pintura, ilustración y diseño de libros. Traquair se convirtió en una figura eminente en el movimiento Arts and Crafts.
Era conocida por sus bordados, esmaltado e iluminación, entre otras artesanías, pero eran sus murales los que la harían famosa.
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Charles Rennie
A Mackintosh
rquitecto, diseñador y acuarelista escocés, Charles Rennie Mackintosh fue uno de los representantes más destacados del movimiento Arts & Crafts y el máximo exponente del Art Nouveau en su tierra natal. Sus famosos motivos florales abstractos no han dejado de fascinar ni de embellecer todo tipo de objetos, inspirando colecciones de moda e, incluso, películas. Fue el impulsor y el mayor exponente del grupo conocido como la “Glasgow School” y se distinguió fundamentalmente porque recuperó los valores más auténticos del lenguaje escocés y del gusto neogótico.
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A R T S & C R A F T Charles Rennie Mackintosh, silla auxiliar, roble y seda, Museo de Arte Moderno de Nueva York. (1897).
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harles Robert Ashbee nació en Londres en 1863. La doctrina de Ruskin y el pensamiento socialista de Morris se unieron para dar forma al Gremio y Escuela de Artesanía que Ashbee fundó en el distrito londinense de Whitechapel en Londres. Los integrantes del Gremio pensaban que arte y artesanía formaban parte de un todo y separar al artista del arte era una aberración no sólo estética sino ética. Aunque el movimiento Arts and Crafts fue revolucionario en su época, podemos decir que el reconocimiento de su ARTE fue reivindicado como genia más desde la posteridad que desde su presente, ya que en un momento dado, el impacto causado y el deseo de muchos burgueses de participar de este movimiento fue el primer paso hacia el punto del que el propio movimiento quería huir: las imitaciones de baja calidad.
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A Silver and Green Glass Lidded Wine Jug. (1898)
Charles Robert
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s una propiedad que fue construida por Philip Webb en 1859 en Inglaterra, por encargo de William Morris. Toma su nombre del material con el que estaban construidos sus muros, ladrillo rojo. Fue la primera obra arquitectónica del grupo Art & Crafts.
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a Red House debe su nombre al color de los ladrillos con los que ésta fue construida. Se encuentra en medio de un jardín y sobre sus paredes crecen enredaderas y rosales. Un elemento distintivo del exterior de la casa es el pozo con su tejado puntiagudo. La casa está compuesta por muros de carga y su planta se desarrolla en forma de ele. Cuenta con dos pisos. En el inferior se sitúan las estancias de servicio, el comedor y el salón; mientras que en el superior se sitúan las habitaciones, el estudio y otro salón.
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bra de Philip Webb, era originalmente de color rojo intenso. Acompañando esta pieza se encuentra una mesa con detalles de inspiración medieval. Las paredes de toda la estancia están compuestas por un zócalo panelado de madera y un tapizado con una composición muy intrincada en la parte superior.
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FUNCIÓN
FORMA
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a definición de la Bauhaus parece sensilla el origen del término procede en palabras alemanas: Bau(construcción) y Haus (casa) y representa la escuela de arquitectura, diseño y artesanía la cual fue fundada por Walter Gropius en Weimar (Alemania).
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Sin embargo, su influencia, que llega hasta hoy, ha convertido su nombre en sinónimo de revolución y de modernización radical del diseño. Uno de los desafíos de los movimientos culturales innovadores ha sido lograr una cultura del pueblo y para el pueblo. Y ese fue el pensamiento que apadrinó la Bauhaus en sus comienzos, una escuela reconvertida en estilo cuya la principal intención era la simplicidad de las formas, reducir la estética del objeto a su funcionalidad. “No es un estilo, sino una actitud”, llegó a expresar sobre la Bauhaus su creador Gropius. Hay momentos en los que la confluencia de ideas, personas y fuerzas culturales y tecnológicas puede transformar el mundo y la Bauhaus representa uno de esos momentos. Logró ofrecer una visión del futuro verdaderamente: •Radical •Internacional •Optimista La escuela atrajo a algunos de los creadores más radicales de Europa, entre los que figuraban artistas de la talla de Josef Albers, Wassily Kandinsky y Paul Klee, que ofrecían su experiencia.
Instalaciones de la escuela
Logró ofrecer una visión del futuro verdaderamente radical, internacional y optimista, a pesar de la confusión, inestabilida y conservadurismo existentes tras la Primera Guerra Mundial, que contrastaban con el empuje de las vanguardias artísticas europeas y alemanas. B A U H A U S
La Bauhaus sentó las bases y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico. Hasta tal punto fue así que puede decirse que estos dos ámbitos se crearon en esta escuela. La Bauhaus estableció también en buena medida los fundamentos de la nueva arquitectura, a la que incorporó una estética que abarcó todos los ámbitos de la vida cotidiana. La Unesco declaró en 1996 las obras arquitectónicas de la Bauhaus en Weimar y Dessau patrimonio de la humanidad.
En 1919 a partir de la unificación de la academia de artes figurativas y la de artes y oficios de Weimar,eliminado las diferencias entre artistas y artesanos. Aparte de sus valorados cursos elementales, la Bauhaus creó talleres de alfarería, ebanistería, pintura, escultura, vidrio, tejido, teatro, metal, encuadernación, impresión… por los que tenían que pasar todos los alumnos durante su formación. Basándose en la funcionalidad y la adecuación y economía de los materiales (metal, vidrio,madera), sus diseños partían de figuras geométricas simples como el círculo, el cuadrado y el triángulo. En las clases se empezaba a trabajar con estas figuras elementales cada una de ellas se le atribuía un carácter determinado. Así, el círculo era “fluido y central”, el cuadrado resultaba “sereno” y el triángulo, “diagonal”.
Arte sobre la bauhaus
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a vida del fundador de la escuela que impulsó la modernidad se convirtió en una novela de aventuras, un retrato del poder y un tratado arquitectónico. En el año del centenario de la emblemática institución, una biografía reformula su legado. La modernidad tuvo muchos abuelos. Aunque parece que la paternidad fue colectiva, cada vez hay más acuerdo en que el tutor fue Walter Gropius (1883-1969). La paradoja es que el fundador de la Bauhaus, uno de los protagonistas clave de la historia de la arquitectura moderna, no fue un proyectista sobresaliente.
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Su gran hito arquitectónico, el edificio para la escuela que construyó en Dessau en 1925 cuando el partido nazi cerró la Bauhaus de Weimar y tuvieron que buscar nueva ubicación, no era técnicamente perfecto. Primera identidad gráfica de la Buhaus a Weimar dispuesto a cambiar las prioridades de la escuela actualizando los oficios artísticos. Hacía las entrevistas de admisión, reclutaba a los profesores, recaudaba fondos, discutía con el alcalde y comía en la cantina. Él mismo preparó la comida de Navidad de los alumnos. lsobró tiempo para enamorarse de una estudiante —Lily Hildebrandt— y de tres artistas más.
Bauhaus en Weimar Nacido en el seno de una familia burguesa alemana, el arquitecto quiso demostrar que la modernidad era más un credo que una forma, más una actitud que una estética. Él mismo se convirtió en abogado de una forma de vida a la vez simple y creativa que no ocultaba sus mayores ambiciones: construir por todo el mundo y defender una existencia sin prejuicios. La vida de Gropius fue tan intensa e inspiradora como difícil. Lo sabemos por su prolífica correspondencia: “Solo ven lo que se derrumba, no lo que está creciendo”, se lamentó a su madre, Manon Burchard, en diciembre de 1919, cuando llegó
Tal vez fuera la tempestuosa relación con Alma Mahler, de la que salía, y la I Guerra Mundial, en la que fue condecorado con una cruz de hierro por pasar cuatro días y cuatro noches sin dormir para avanzar por la trinchera francesa de Ban-deSapt, lo que lo predispusiera para la vida intensa que llevó. En enero de 1915, un mortero le explotó a 15 centímetros. Gropius, que tenía 32 años, fue uno de los 80 supervivientes entre los 3.000 soldados de su regimiento. El terror no lo abandonaría nunca, pero tal vez el campo de batalla le enseñó un camino de supervivencia, búsqueda y reinvención.
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principios de junio de 1922, Wassily Kandinsky llegó a Weimar, donde ingresó como profesor de la Bauhaus, una escuela libre de artes y oficios orientada a dar un conocimiento teórico-práctico de las artes aplicadas, del arte industrial y de la artesanía. Durante su estancia como miembro de la escuela, ésta fue trasladada a Dessau, en mayo de 1925, donde Kandinsky permaneció hasta su cierre en 1933. Fueron 11 años en los cuales alternó su trabajo como pintor con sus tareas de profesor y pedagogo. Como pintor, abandonó su fase dramática y más lírica anterior a la guerra por un estilo más constructivo, catalogado por el mismo artista de «periodo frío». Posteriormente, coincidiendo con el cambio de sede de la Bauhaus de Weimar a Dessau, Kandinsky parece combinar la frialdad geométrica con la poética de los colores romántica.
A pesar de este derrotero simbólico, las obras de esta etapa son cuadros luminosos y acabados, yparecen estar relacionados con la arquitectura, por lo que se ha llamado «época arquitectónica» alperiodo de Dessau comprendido entre 1925 y 1933. Como profesor y teórico, Kandinsky desarrollóuna muy interesante tarea pedagógica basada en el principio de la síntesis de las artes y laabstracción, perspectiva que tendría como punto culminante su obra escrita Punto y línea sobre el plano (1926). El contacto con el suprematismo y el constructivismo ruso marcó la tendencia abstracta de Kandinsky. En los últimos años de su estancia en Moscú su obra tendió a un racionalismo formal, gracia al cual consiguió una mayor claridad compositiva. Junto a los cursos impartidos, el artista realizó una amplia e intensa actividad en conferencias y exposiciones junto a otros colegas de renombre, como Feininger , Klee y Von Jawlensky.
B A U H A U S Obra de Kandinsky
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P que ello
ara Klee la pintura no era una evasión, sino un instrumento visionario. Un medio de encontrar los mundos paralelos que sospechaban se escondían tras la llamada realidad. Para utilizó un eficaz instrumento: la abstracción.
Personaje inclasificable en ninguna de las vanguardias (que frecuentó y en las que tuvo buenas amistades), fue siempre por libre, quizás por ello sea hoy tan actual y fresco, nada desfasado. También le afecta, como no, su paso como soldado en la sangrienta I Guerra Mundial. Klee enseñó después color en la Bauhaus, pero los nazis tachan su obra de degenerada y se exilia de nuevo a Suiza donde acaba muriendo.
En 1911, Vasili Kandinski y Franz Marc fundaron en Múnich un grupo artístico vinculado al expresionismo. Paul Klee no era oficialmente miembro de esta asociación, pero, aun así, se sentía muy unido al círculo de artistas que la integraban y participó en sus exposiciones. Entre los miembros del Blaue Reiter, como se llamaba el grupo, se contaban August Macke, Gabriele Münter y Marianne von Werefkin. Todos compartían un interés por el arte gótico y primitivo y por los movimientos modernos del fovismo y el cubismo. El nombre del grupo deriva de una obra pictórica de Kandinsky de 1903 que a partir de 1912 sirvió de ilustración para los títulos de un anuario con ese mismo nombre.
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La herramienta de Klee era el color y llegó a manipularlo con una enorme precisión y pasión. Color, ritmo, naturaleza, construcción y movimiento. Esos serían sus 5 temas. Antes de formar parte de la Bauhaus las consideraciones de Klee en este terreno eran de naturaleza privada. Figuraban en sus diarios y en las cartas enviadas a su esposa Lily, pianista de talento y, a menudo, en giras que la alejaban de su casa. Profesor concienzudo, el académico Wolfgang Thöner, de la Fundación Bauhaus, en Dessau, recuerda cómo Klee era un profesor esmerado: Preparaba sus lecciones en los más mínimos detalles, quizá como ningún otro profesor de la Bauhaus.
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Sin embargo, las reacciones de los estudiantes a su forma de enseñar eran contrastadas. Si hay algo en lo cual los estudiosos de Klee están de acuerdo es en la afirmación de que sus lecciones eran intelectualmente pesadas. Algunos alumnos no lograban captar el sentido. Otros se divertían y aprovechaban mucho, añade Thöner.
Paul Klee teoría del color
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l impacto de esta escuela ha sido tal que hoy forma parte de la forma enque escribimos frente a un teclado. El movimiento artístico y cultural que implicó la Escuela Bauhaus trascendió a cada aspecto del diseño y el arte. Sus implicaciones fueron tal, que varios de los artistas pertenecientes a esta escuela se dedicaron a la creación de tipografías que perseguían los valores de la escuela y que se consolidaron, trascendieron el tiempo y hoy día forman un referente gráfico que usamos de forma cotidiana al escribir en un teclado: las tipografías que se crearon dentro de la escuela.
43 Herbert Bayer es el profesor a quien se adjudica la creación de “La Universal” , una tipografía desarrollada en 1925 caracterizada por llevar los valores de la Bauhaus (funcionalidad y geometría) al terreno tipográfico. Cuando Bayer concibió el prototipo de esta, eliminó las mayúsculas con lo que pretendió reducir el número de caracteres para representar el mismo sonido. Pero esa no fue la única tipografía concebida en las filas de la Bauhaus. Paul Renner, un tipógrafo, diseñó la popular Futura, cuya característica se basa en estructuras geométricas de laescuela alemana que celebra 100 años.
En agosto del año pasado, Adobe anunciaba con bombo y platillo un hito en el universo del diseño tipográfico: haber terminado de desarrollar una serie de tipografías que quedaron inconclusas con el abrupto fin de la Bauhaus. Así, se comisionó a cinco diseñadores, supervisados por el experto tipógrafo Erik Spiekermann y un equipo de diseño para terminar la labor de creativos de esa escuela como Xanti Schawinsky o Joost Schmidt.
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