ÍNDICE
04 POP ART Valeria Abigail Zayas Domínguez
08 El pop art en el MUNDO
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Mariana Rebolledo Maldonado
Los principales EXPONENTES del pop art Mariana Rebolledo Maldonado
16 Representantes del pop art en JAPÓN Valeria Abigail Zayas Domínguez
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pop art en el CÓMIC
pop art en la MODA
Valeria Abigail Zayas Domínguez
Francisco Ghiberty García Guzmán
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MOBILIARIO inspirado en el pop art
pop art en el BRANDING Mariana Rebolledo Maldonado
Francisco Ghiberty García Guzmán
34 pop art en la ARQUITECTURA Francisco Ghiberty García Guzmán
POP ART 6
Oposición a los movimientos precedentes. Este movimiento artístico se opone en muchos aspectos a los movimientos imperantes durante la primera mitad del siglo XX, como al expresionismo abstracto y a algunas corrientes del modernismo.
Lenguaje figurativo
Uso excesivo del collage. Es muy frecuente el uso del collage dentro de las obras de esta corriente, usando para ello comúnmente, recortes de revistas, periódicos, libros, fotografías, diversas propagandas, etc. Un ejemplo de ello son el collage de Eduardo Paolozzi titulado Bunk. O la obra de Richard Hamilton, titulado, “just what is it that makes today’s homes so different, so appealing” siendo esta última una de las obras de referencia de esta corriente artística.
Collage Mujer Mujeres R Hamilton 1961
Una de las características más notorias es el uso del lenguaje figurativo, en especial mediante el uso de temas en donde se refleje la sociedad de consumo Oposición a los movimientos precedentes. Este movimiento artístico se opone en muchos aspectos a los movimientos imperantes durante la primera mitad del siglo XX, como al expresionismo abstracto y a algunas corrientes del modernismo.
Study for a Fashion Plate
Sin título del británico Peter Phillips 1974
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Serie Marilyn Monroe Serigrafía 1967
Lenguaje figurativo Una de las características más notorias es el uso del lenguaje figurativo, en especial mediante el uso de temas en donde se refleje la sociedad de consumo Uso de publicidad y de objetos cotidianos. Es frecuente tanto en pintura como carteles o anuncios publicitarios, como expresión del arte de la cotidianidad urbana en la que se vive. Ejemplo de ello es la obra de Andy Warhol “32 latas de sopa Cambell”, y las diversas obras en las que con frecuencia se usaban productos y utensilios cotidianos, como revistas, lámparas, planchas, productos de limpieza, herramientas, cigarrillos, comics, o botellas de refresco, así como aparatos como aspiradoras, refrigeradores, automóviles, radios y televisores
El color En el Pop Art es fundamental. No se podría entender este estilo sin el uso de colores brillantes, chillones y vivos. El contraste de colores no es sólo una opción, sino más bien una obligación en este estilo. Ahora bien, tanta combinación
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de color corre el riesgo de salir mal, para ello se propone utilizar un fondo de color neutro para darle el toque de color con los elementos. Recuerda que el objetivo no es llegar a la psicodelia sino crear combinaciones equilibradas. Los colores más utilizados son: rojo, lila, amarillo, verde, fucsia, naranja, rosa y blanco. Este estilo de decoración también permite el uso de formas geométricas
Provocación Todo esto hizo del arte pop un arte provocador, incitante, polémico. Por ejemplo, al cuestionar la idea de originalidad cuestionaban también la a la que se le rendía tributo desde el renacimiento. Cuestionaban asimismo el papel de los críticos, de los historiadores del arte, el concepto de los museos, los criterios de selección, los principios de la museografía. Pero más allá de todo lo que hace interesante al pop art, es evidente que nada surge por generación espontánea, y que, antes de que los artistas pop se formularan este programa estético, generaciones previas fueron creando las condiciones para esta auténtica revuelta de los signos artísticos.
Humor Como no pretendía ser un arte intelectual, el arte pop fue también un movimiento cargado de humor y guiños cómplices al espectador. Lejos de las posturas infatuadas de los grandes teóricos e intelectuales del medio, los artistas pop ironizaban y reían del orden circundante. Quizá era un modo diferente de hacer crítica.
Portada del disco deThe Velvet Underground & Nico 1967
El pop art en la actualidad El pop art durante sus primeros años, predominó en países como Inglaterra y EUA, extendiéndose luego a Europa y algunos países de Latinoamérica y Asia aunque en sectores reducidos. Entre las vertientes de esta corriente se deben destacar, las corrientes que llegaron a países como Japón, en donde el arte pop, se ha implantado, gracias entre otras cosas a la música pop, el manga, el anime, y ha tomado matices propios como la combinación con estilos de dibujo y pintura del arte tradicional japonés, y el uso profuso y repetitivo de algunos tipos de imágenes. Así también esta corriente en particular, se inspira en conceptos como el del anime japonés denominado hentai, en varias de sus obras, como se puede observar en las obras plásticas del propio Murakami.
Retrato de la cantante de Blondie de Andy Warhol
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El arte pop surge como un rechazo al arte expresionista abstracto, al cual consideraban vacío y alejado de la realidad de la sociedad. Su propuesta no satisfacía a muchos artistas que comenzaban apenas sus quehaceres artísticos, pero que no comulgaban con la perspectiva impersonal del arte abstracto. Además, éste se encontraba restringido para las elites, en las galerías y lejos de la comunidad ordinaria, hecho que pronto cambiaría con los artistas pop.
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INGLATERRA Las primeras nociones de pop art surgieron en Inglaterra, de la mano de jóvenes impetuosos que veían con escama el arte tan alejado de la cotidianidad. En Londres se fundó el Grupo Independiente en 1952 como precursores del arte pop, donde había pintores, escultores, críticos, escritores y arquitectos, entre los fundadores están Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi. En Londres se fundó el Grupo Independiente en 1952 como precursores del arte pop, donde había pintores, escultores, críticos, escritores y arquitectos, entre los fundadores están Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi. Richard Hamilton es considerado como el primer artista pop con la creación de su obra pop, el collage “Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día sean tan diferentes, tan llamativos”, en 1956, presentado en la exposición “Esto es el mañana”, en la Galería Whitechapel de Londres. Hacia 1961 el arte pop fue presentado formalmente en una exposición múltiple con obras de David Hochney, Derek Boshier, Allen Jones y Peter Phillips. El término pop art fue acuñado por John McHale en 1954, sin embargo es atribuido al crítico y curador británico Lawrence Alloway, por su ensayo The Art and the Mass Media, donde usó el término “popular mass culture”.
autorretrato Richard Hamilton 1990
collage “Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día sean tan diferentes, tan llamativos”
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“del 0 al 9” obra de Jasper Jhons
ESTADOS UNIDOS Es importante señalar que muchas de las obras de arte pop británicas usaban como referencia elementos extraídos de la cultura popular estadunidense. Ambos grupos de artistas, tanto los estadunidense como los británicos se inspiraron en el impacto que la tecnología moderna y los medios de comunicación de masas tenían sobre la sociedad. El arte pop no se desarrolló en Estados Unidos hasta la década de los 60, y estando inmersos más profundamente en la cultura del consumo, sus representantes fueron mucho más transgresores e irónicos que los británicos.Podemos decir que Jasper Johns y Robert Rauschenberg son dos de los principales representantes del pop art temprano estadunidense. Más tarde las pinturas de Tom Wesselmann, Andy Warhol y James Rosenquist, harían una nueva aportación al arte pop que se afianzaba en Estados Unidos. Y con Roy Lichtenstein el arte pop adquirió un nuevo tinte, pues él incluyó las tiras de cómics en sus obras e hizo un gran uso de la parodia.
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La vaca de Warhol, serigrafía sobre papel pintado
OTROS PAÍSES La fiebre del arte pop se extendió no solo por América, alcanzó Europa, y más tarde también a Asía; se reprodujo principalmente en España, Italia, Bélgica y Japón. España tuvo prolíficos representantes del arte pop, como Eduardo Arroyo, que criticaba el impacto de los medios de comunicación en la sociedad, y despreciaba el modelo de hacer arte preestablecido y academicista. Entre 1963 y 1981, los artistas Manolo Valdés y Rafael Solbes, formaron el Equipo Crónica que creó grandes obras del pop art. Entre ellas destacan La Salita, donde usan el cuadro de Las Meninas de Velázquez, contextualizado en una sala ambientada en los 70, con elementos extras como un pato inflable, una pelota y otros tipos de cuadros.
Dos figuras (de la serie entre pintores) , 1982 del español Manolo Valdés
Por otra parte, en Italia surgió en 1964, de la mano de la Scuola di Piazza del Popolo en Roma, con artistas como Mario Schifano, Franco Angeli, Giosetta Fioroni, Tano Festa, Piero Manzoni. Aunque los líderes del movimiento pop art en Italia fueron notablemente Enrico Baj y Mimmo Rotella, quienes se caracterizaron por su fuerte crítica política y social en sus obras.
“Casablanca” del italiano Mimmo Rotella
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El pop art logró una aceptación pública y un éxito comercial mayores que los que ningún otro movimiento artístico moderno, sobre todo por emplear una iconografía familiar en un estilo figurativo. Pese a su popularidad, fue un fenómeno fundamentalmente británico y estadounidense, aunque surgieron tendencias afines en otros lugares.
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Estudio para fotografía de moda de Richard Hamilton
Richard Hamilton Se considera a Richard, siendo el, pintor, grabador, profesor, galerista y escritor como uno de los pioneros del Pop art. Es famoso por sus montajes, que reflejan la cultura y la publicidad contemporáneas. Las pinturas y los grabados de Hamilton exploran distintos aspectos de la cultura popular, así como las relaciones entre las imágenes producidas de espontaneidad y su austeridad, pero se suelen reconocer su ingenio, sus innovaciones técnicas y su alto nivel intelectual. Hamilton tuvo una gran influencia sobre muchos pintores británicos, incluido David Hockney.
Lobby, 1984 de Richard Hamilton
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David Hockney David ha sido un personaje llamativo y popular desde la década de 1960. Este pintor, dibujante, grabador, fotógrafo y diseñador ya había alcanzado el éxito internacional, y es sin duda el artista británico más famoso de su generación. Se le conoce sobre todo por sus cuadros de piscinas californianas, sus enormes retratos dobles de amigos y sus collages fotográficos. Las principales características de su obra son un peculiar tratamiento del color y de la luz y su continua batalla contra las convenciones de la perspectiva. Su obra es a menudo autobiográfica y homoerótica.
Nichols Barranca de David Hockney
Robert Rauschenberg. Express, 1963.Óleo, serigrafía y collage sobre lienzo. 184,2 x 305,2 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.
Robert Raushcenberg El pintor Robert Raushcenberg fue una de las figuras más influyentes en el alejamiento de expresionismo abstracto. Se le conoce especialmente por la invención de la combine painting, forma artística que combinaba, a menudo de un modo extravagante, materiales y objetos diversos, como pintura al óleo con imágenes impresas y objetos de consumo tridimensionales. A partir de la década de 1960 empezó a trabajar solamente en dos dimensiones, creando serigrafías a partir de collages de imágenes de prensa. Aunque de entrada parecían abstractas, vistas de cerca las imágenes se relacionaban entre sí para ilustrar rasgos de la vida moderna.
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El puente de cuchara y una cereza (1985-1988) Obra de Claes Oldenburg
Mistos, Monumental prueba de la grandeza de lo pequeño Obra de Claes Oldenburg
Claes Oldenburg El escultor y artista gráfico de origen sueco, uno de los artistas más influyentes y originales de los que trabajan en EE. UU, es famoso por sus esculturas gigantes de comida y sus estructuras blandas de objetos rígidos, como máquinas de escribir. Su obra, a veces caprichosa, a menudo provocativa, tiene influencias dadaístas y surrealistas. El trabajo de Oldenburg con decorados y vestuario para las artes escénicas despertó su interés por el medio tridimensional. Más tarde, se centró en la creación de proyectos gigantescos para diversas ciudades.
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REPRESENTANTES DEL POP POPART ART EN
JAPÓN JAPÓN El arte pop en Japón es único e identificable como el japonés, debido a las materias regulares y estilos. En 1965 muchos artistas pop japoneses se inspiran en gran parte del anime y el manga, y en ocasiones ukiyo-e y el arte tradicional japonés.
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Takashi Murakami Nació en Tokio en 1962 y es conocido como el Andy Warhol japonés porque ambos consiguieron convertir el arte en mercancía y atraer a la cultura de masas, hecho que le ha valido que algunos vean en su arte un simple negocio. Y es que Murakami interrelaciona el arte elevado y la cultura popular y defiende que el arte es parte de la economía. Él lo justifica diciendo: «Los japoneses aceptan que se mezclen arte y comercio; de hecho, se sorprenden de la rígida y pretenciosa jerarquía del “gran arte”».
Takashi Murakami
Keiichi Tanaami
Keiichi Tanaami Feast In The Peachy Heaven Day
Keiichi Tanaami es un artista japonés, uno de los más importantes. Nació en Tokio en 1936 y ha estado activo como artista desde 1960. Tanaami también es diseñador gráfico, ilustrador, creador de video. Durante su infancia tuvo el primer acercamiento con el dibujo y también con situaciones que lo marcaron, como la Segunda Guerra Mundial. Él y su familia se vieron forzados a emigrar debido a los bombardeos de Tokio.
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Yoshitomo Nara. Fire
Yayoi Kusama Nacida en Matsumoto (Japón) en 1929 Yayoi Kusama vive en sus Infinite Rooms, en los lunares que siempre vuelven, en las flores que brotan a medio camino entre el paraíso y el infierno. El mundo artístico de una de las creadoras contemporáneas más fascinantes tiene su origen en las pesadillas que nunca la abandonaron. Pero al crecer, despliega la belleza más especial ante los asombrados ojos del espectador.
Yoshimoto Nara Nara surgió del movimiento art pop japonés de los años 1990. Sus obras son, a la par, belicosas y sencillas e ingenuas, en ellas representa niños o animales que llevan armas y mantienen una mirada inquisitiva, pero para Nara, sus creaciones no son en absoluto agresivas. Ha llegado a convertirse en artista de culto, sus obras naïves, bizarras, perversas o atrevidas intrigan por su simbolismo en la frialdad y la violencia. Se observzan en ellas claras influencias del manga, los dibujos animados estadounidenses, el anime, el grafiti y el arte punk para amalgamar la inocencia y la malicia humana en productos que muchos enmarcan dentro del Japón de la posguerra.
La lucidez de la locura Kusama Yayoi
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Aya Takano
Tadanori Yokoo
Tadanori Yokoo The City and Design, The Wonders of Life on Earth 1966
Aya Takano Nacida en 1976 en Saitama Aya Takano es sin duda un referente no solo para el arte contemporáneo sino también, para las mujeres, por su dedicación y trabajo. Es una joven artista, mangaka y ensayista de ciencia ficción que ha bebido de los grandes maestros para crear su propio mensaje.
Tadanori Yokoo pertenece al Pop Art y, de hecho, es reconocido por muchos como el mejor cartelista pop del siglo XX. Definir su obra no es sencillo, pero podría decirse que es un desatar de psicodelia, colorido y energía. Un artista único que empapó nuestra imaginación de estilo, arte pop y psicodelia. Forjado en la década del 60, y claramente influenciado por India, Yokoo hizo de la música y el cine su gran fuente de inspiración desarrollando piezas que incluyen portadas de discos recopilatorios de los Beatles y, por supuesto, carteles de películas y collages que rememoran el trabajo del escritor y dramaturgo Yukio Mishima y el célebre director de cine Akira Kurosawa.
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POP ART
E
N L
C MIC Diseñador John Pasche Producido para The rolling stones Año de diseño 1971
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La unión entre el pop art y el cómic ha sido una unión natural e inevitable. El pop art nació en los años 60 a partir de imágenes provocativas que atacaban a las clases medias altas de las ciudades, sacando a la luz sus contradicciones más obvias. El cómic era una de las herramientas más útiles para plastas estas escenas. Críticas a la vida rutinaria de los estadounidenses, estereotipos femeninos en anuncios publicitarios y dibujos mostrando sin censura escenas cortantes o poco formales.
Estereotipos de mujeres explosivas y jóvenes de cabello largo soltando frases publicitarias, viñetas mostrando las peores costumbres de la gente, un cigarro o una mano rascándose partes íntimas. Además se tomaban imágenes de los cómics con algunos cambios con el propósito de mostrarle al mundo su reflejo con ironía. Aunque no todo es crítico sino también los súper héroes que le dan esperanza al mundo
Diseñador Roy Lichtenstein Nombre de la obra Crying Girl Año de diseño 1964 Diseñador Roy Lichtenstein Nombre de la obra Ohhh Alrigth Diseñador Roy Lichtenstein Nombre de la obra Look Mickey Año de diseño 1961
Diseñador Roy Lichtenstein
Año de diseño 1964
Nombre de la obra Figures With Sunset Año de diseño 1977
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MODA MODA MODA MODA MODA MODA EL
POP ART EN
La tendencia retro que inunda las pasarelas ha vuelto a poner de actualidad los colores, formas y figuras del Pop Art. Y es que, aunque moda y arte han sido un binomio bien avenido desde el siglo XIX, el arte pop es una de las corrientes artísticas que más ha inspirado a los diseñadores contemporáneos, que han encontrado en él una fuente inagotable de la que nutrirse.
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LA
El movimiento artístico pop art conectó como ningún otro con la gente, y su estética, irreverente, colorida y cercana es un referente habitual del mundo de la moda que vuelve periódicamente a las pasarelas. Desde un joven Yves Saint Laurent al nuevo chico malo de la industria, Jeremy Scott, la lista de creadores que se han dejado seducir por sus encantos es larga.
Extracto: Revista «Life magazine» Septiembre, 2, 1966 Colección: Mondrian 1965 Prenda Vestido Mondrian
Capitaneada por el movimiento pop de la década de los 60 y como reflejo de los cambios sociales que se estaban experimentando en Estados Unidos e Inglaterra, una nueva tendencia artística surgía como respuesta al expresionismo abstracto, al que los artistas encontraban demasiado elitista e intelectual, además de alejado de la realidad social. De ahí que su imaginario se inspirase en la cultura de masas y en ciertos deseos de evasión tras el período de guerras.
Diseñador: Yves Saint Laurent
Extracto: Revista «Life magazine» Septiembre, 2, 1966 Coleccion: Giving Face Diseñador: Yves Saint Laurent
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Coleccion Versace Spring/Summer 2018 Look 61 Casa Diseñadora Versace Nombre de la modelo Grace Hartzel Estilista Jacob K
La modernidad, la psicodelia, los colores vivos, las originales texturas y sus formas geométricas supusieron toda una explosión visual para el espectador. Yves Saint Laurent, al que el propio Warhol inmortalizó en una de sus obras, fue uno de los primeros modistos en incorporar este estilo a sus diseños. En 1965, lanzó una colección de Alta Costura dedicada al artista Piet Mondrian que, un año más tarde, vería su versión pret-à-porter inspirada en Warhol, Wesselmann y Lichtenstein. Courrèges, Pierre Cardin, Mary Quant y Paco Rabanne también introdujeron los colores flúor, los estampados geométricos y texturas como el vinilo o el PVC, tan característicos del arte imperante en la década prodigiosa.
El optimismo y el capitalismo se abrían paso tras una época de racionamiento y oscuridad, y artistas pop art como Stuart Davis, considerado el precursor de la corriente en Norteamérica, Roy Lichtenstein, Richard Hamilton y Jasper Johns incorporaban a sus obras elementos de la publicidad y objetos cotidianos como tiras de cómic, señales de tráfico o latas de cerveza, dotando al arte de un lenguaje fácil de entender por el gran público, algo que fue determinante para su gran éxito en la cultura popular.
Coleccion Moschino Otoño-Invierno 2014/15 Casa Diseñadora Mochino Diseñador Jeremy Scott
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Versace, Valentino y Gucci recurrieron a elementos del pop art en los 70, mientras que los 80 absorbían los colores brillantes y fluorescentes como parte natural de su irreverente moda. Los más relajados años 90 vieron un resurgir pop de la mano de Versace, que lanzó un vestido en 1991 que reproducía las famosas caras de Warhol, al que seguiría toda una colección. El nuevo milenio mira al pasado y a la estética retro, y en los últimos años nuevas firmas como Haider Ackermann, Jeremy Scott o Philipp Plein han dado un nuevo giro a la moda pop.
Coleccion Pre-Fall 2022 Casa Diseñadora Mochino Diseñador Jeremy Scott
Coleccion Autumn/Winter Collection 1966/67 Diseñador Yves Saint Laurent Prenda Vestidos Pop Art
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En este mundo inmensamente interconectado, en numerosas ocasiones ocurre que diferentes campos, como bien puede ser la publicidad y el arte, ven sus fronteras casi diluidas debido al efecto que evocan los unos en los otros, debido todo a la inevitable interacción.
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Actualmente vemos la influencia del Pop Art en infinidad de marcas como pueden ser Rayban, la ya nombrada Coca-Cola, Chupa Chups imposible disociar en la actualidad a dicho movimiento artístico de la publicidad ya que ambos se retroalimentan y debido a sus contornos claros, su colorido variado su fuerza y su provocación, se consigue una impactante llamada de atención de quien lo observa.
Logotipo de la marca Chupa Chups
Nos ponemos en situación y fechamos el Pop Art sobre 1958, con la participación de figuras tan influyentes como Richard Hamilton, Andy Warhol o Roy Lichtenstein. A pesar de sus orígenes, en los que se intentaba hacer reaccionar y concienciar a la sociedad contra el abuso del consumo, el Pop Art pronto se subió a la cresta de la hola comercial y Warhol, más listo que nadie, sacó partido económico de ello representando en uno de sus cuadros el que hoy en día es el bote de tomate más reconocido del mundo. No solo llegó a vender una de sus obras por más de 11.000.000$ si no que convirtió a la marca Campbell en todo un icono de la cultura pop haciendo que sus ventas se catapultaran hasta el punto de ser hoy en día una de las latas de sopa de tomate más vendidas de todo el globo terráqueo. De esta forma, descontextualizando un objeto cotidiano y dándole un nuevo valor para elevarlo a la categoría de obra de arte, es como un producto que a primera vista aparenta no tener nada en especial, puede llega a convertirse en una de las marcas más reconocidas, lo que se traduce en una disminución sustancial en el presupuesto destinado en branding y posicionamiento. Latas de sopa Campbells Serigrafía y polímero sintético sobre tela 1962
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ANDY WARHOL Warhol trabajó como diseñador comercial desde la década de 1950, antes de convertirse en el pionero del pop art. Su arte absorbió la cultura popular de los medios de comunicación, los famosos y los bienes de consumo, con imágenes que iban de lo banal a lo glamuroso, pasando por lo macabro. Para ello, Warhol se sirvió del particular lenguaje visual de la publicidad moderna, caracterizada por el uso de colores llamativos, las imágenes simples y la repetición. Warhol fue una figura clave en el arte del siglo XX, y representa un punto de inflexión en cuanto al concepto de la función del artista, y su manera de trabajar. Artista plástico estadounidense que llegó a ser el más conocido representante del pop art, corriente artística en boga durante las décadas de 1950 y 1960 que se inspiró en la cultura de masas. Hijo de emigrantes eslovacos, inició sus estudios de arte en el Instituto Carnegie de Tecnología, entre 1945 y 1949. En este último año, ya establecido en Nueva York, comenzó su carrera como dibujante publicitario para diversas revistas como Vogue, Harper’s Bazaar, Seventeen y The New Yorker. Al mismo tiempo pintó lienzos cuya temática se basaba en algún elemento o imagen del entorno cotidiano, de la publicidad o el cómic. Pronto comenzó a exponer en diversas galerías. Eliminó progresivamente de sus trabajos cualquier rasgo expresionista hasta reducir la obra a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de comunicación.
Fotgrafía personal de Andy Warhol
Dicha evolución alcanzó su cuota máxima de despersonalización en 1962, cuando pasó a utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía, mediante el cual reproducía sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea y cuyos ejemplos más representativos son las series dedicadas a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse-tung, así como su célebre tratamiento de las latas de sopa Campbell, obras todas ellas realizadas durante la fructífera década de 1960.
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El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo de públicos, como las ya mencionadas latas de sopa o los botellines de Coca-Cola, se convirtió en uno de los rasgos más interesantes y estables de toda su producción. En otras ocasiones plasmó crudamente situaciones reales, como accidentes, luchas callejeras, funerales o suicidios; dentro de esta temática, Electric chair es una de sus obras más significativas. Este apropiacionismo, constante en los trabajos de los partidarios del pop art, se extendió a obras de arte de carácter universal y de autores como Rafael Sanzio, Giorgio de Chirico, Edvard Munch o Leonardo da Vinci. Se caracterizan las obras de esta época por su libérrima manipulación y la polémica que suscitaron en su momento. Tanto por el uso del color, unas veces monocromo y otras fuertemente contrastado, pero en todo caso vivo y brillante, como por la temática, su obra resulta siempre provocadora y, a menudo, angustiosa. Mediante la reproducción masiva consiguió despojar a los fetiches mediáticos que empleaba de sus referentes habituales, para convertirlos en iconos estereotipados con mero sentido decorativo.
Arte de Coca-Cola como ícono del pop art
Otra faceta destacada de su obra es su potentísima fuerza visual, que en buena parte procede de sus conocimientos sobre los mecanismos del medio publicitario. En 1963 creó la Factory, taller en el que se reunieron en torno a él numerosos personajes de la cultura underground neoyorquina. La frivolidad y la extravagancia que marcaron su modo de vida establecieron a la postre una línea coherente entre obra y trayectoria vital; su peculiar aspecto, andrógino y permanentemente tocado con un rubio flequillo característico, acabó por definir un nuevo icono: el artista mismo. En 1963 inició una carrera cinematográfica basada en los mismos principios que su obra plástica (como la reiteración visual), en ocasiones de fuerte contenido sexual y erótico: Kiss (1963), Empire (1964), Chelsea girls (1966). En una última etapa retornó a un formato más tradicional y rodó The loves of Ondine (1967) y Women in revolt (1970).
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MOBILIARIO INSPIRADO EN EL
POP ART
Los años 60 fueron los mejor en estilo Pop Art, si no podemos conseguir muebles originales de la época, si podemos conseguir reproducciones, son fáciles de encontrar pues es un estilo de decoración muy popular. Los muebles Pop Art se caracterizan por ser muebles de colores vivos y muy dinámicos, dejando atrás los colores pastel de años anteri0res.
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Marshmallow sofa 1956 Cambiamos de año y lo hacemos con un icono del modernismo que seguramente te sonará aunque sólo la hayas visto una vez porque no deja a nadie indiferente… El Marshmallow Sofa (sofá «nube»), diseñado en 1956, fue a la vez precursor del pop-art en el mundo del mobiliario y una de las creaciones más llamativas del arquitecto estadounidense George Nelson. Con esta creación, George Nelson transformó un sofá convencional en un objeto en tres dimensiones gracias al empleo de 18 asientos acolchados de los típicos taburetes de bar americano en distintos colores, de lo que resultó una pieza tan característica y particular que apenas se ha intentado diseñar nada parecido. El sofá Marshmallow se basa en un sencillo bastidor de acero que sujeta los dieciocho cojines independientes, convirtiéndolo en un sofá único en cuando al sistema de construcción se refiere. Además, puede ampliarse todo lo que uno quiera gracias a un módulo adicional de 6 cojines que se monta entre dos sofás, lo que lo convierte en el sofá más largo de la historia. Cada cojín está tapizado en un resistente acolchado de vinilo, tela o piel, y sus distintas tonalidades convierten cualquier estancia en un «lugar happy«. Su nombre en inglés emula a las características nubes-golosina por su acolchado tan característico, y a pesar de su apariencia, resulta un sofá
tremendamente cómodo. Al Marshmallow sofá se le ha llegado a denominar como de «estilo atomista» en el sentido de un todo que explota en múltiples partes (en este caso los cojines). Parece ser una adaptación de la representación del átomo en el que los cojines de colores representan las partículas atómicas. Aunque originalmente se le llamó «Marshmallow love seat» el sofá se diseñó tanto para viviendas como oficinas, ya que sus medidas (130×80, con posibilidad de alargarlo al infinito), permitían su uso en ambas ubicaciones. En realidad, hay que decir que con el tiempo se supo que no fue Nelson el creador original, sino uno de los diseñadores de la firma, Irving Harper, ya que en
aquella época se solían atribuir los diseños personales al estudio donde se trabajaba, en este caso George Nelson Associates, Inc. Al parecer, un vendedor de una compañía de plásticos Long Island presentó a George Nelson un ejemplo de la habilidad de la compañía para crear discos de espuma. Los al parecer reducidos costes hicieron que Nelson invitara a su diseñador Irving Harper a diseñar una pieza que incorporara los discos, lo que hizo en un fin de semana. La fabricación no resultó después ni tan sencilla ni tan barata, convirtiendo este sofá en una pieza de lujo en lugar de un «commodity». No obstante, la firma Herman Miller se atrevió a comercializarla sacándola a la luz en 1956.
Coleccion George Nelson Collection Casa productora Vitra Diseñador George Nelson Mueble MARSHMALLOW SOFA Año de salida 1956
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Panton Chair Classic Verner Panton fue una de las figuras que más contribuyeron a la evolución del diseño durante los años sesenta y setenta. Además de experimentar con las formas y los colores, se sintió cautivado por las múltiples posibilidades del plástico, un material novedoso por aquel entonces. Su objetivo era crear una silla de una sola pieza que fuera cómoda y que pudiera utilizarse en cualquier sitio. Después de buscar durante años un fabricante, Panton se puso en contacto con Vitra en 1963. Juntos desarrollaron la Panton Chair, que se presentó en 1967. La preproducción de la Panton Chair comenzó en 1967. Causó sensación y recibió numerosos premios. Uno de los primeros modelos de esta silla forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Actualmente la Panton Chair se considera un clásico del diseño moderno. La versión original, realizada en espuma rígida de poliuretano con acabado satinado, se comercializa bajo el nombre de Panton Chair Classic. En referencia al 50 aniversario de la Panton Chair, Marianne Panton habla de la vida con su marido, de la creación del icono de la silla y de las dos ediciones limitadas Panton Chrome y Panton Glow de 2018.
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Diseñador Verner Panton Empresa Productora Vitra Mueble Panton Chair Classic Año de diseño 1959
Ball Chair Debut Feria del Mueble de Colonia 1966 Diseñador Eero Aarnio Mueble Ball Chair/ Globe Chair Año de diseño 1963
El diseño de la Ball Chair nació a partir de la firme idea de su diseñador Eero Aarnio, de diseñar una silla para su casa, donde todavía hoy cuenta con la primera silla que se fabricó. Según Eero, diseñarla fue muy fácil, y más aún bautizarla. Tras realizar algunos bocetos el diseño era tan simple que se había convertido en una bola.
Un armazón esférico, con el interior tapizado, y al que añadió un teléfono. En 1966 Eero presentó la silla en la Feria de Colonia. De esta manera se dió a conocer un diseño que perduraría en el tiempo marcando un hito en la historia del diseño, así como el reconocimiento de un diseñador que haría historia en el mundo del diseño y la decoración. Con el paso del tiempo, se han hecho algunas reinterpretaciones de la ball chair, como ésta, que convierte el diseño en una burbuja, la Bubble Chair. La Ball Chair es un diseño perfecto para vivir momentos de intimidad, ya que se trata de un espacio privado, dentro del compartido. Podemos colocarla en cualquier estancia, en el salón, en
el dormitorio… pero seguro que todos nos la hemos encontrado en espacios comerciales. Tiendas de moda, hoteles, recepciones… No hay que confudir la Ball Chair y las copias autorizadas de la misma con la Sphere Chair, que según se indican en la página oficial de Eero Aarnio es una copia no autorizada que podemos distinguir porque el pedestal sobre el que se asienta la esfera es de metal pulido. Si quereis incluirla e vuestra casa podéis encontrar la Ball Chair original en Hive por unos 6500 dolares o bien consultar la lista de distribuidores de España. Si el presupuesto no os llega, siempre podeis adquirir una miniatura de este icono del diseño en la tienda del Vitra Design Museum por 213 euros. También hay disponibles muchísimos diseños basados en la Ball Chair, con precios muy variados, como el que podemos encontrar en Inmod desde 1675 dolares. En Inmod además disponen de una herramienta online para customizar y crear nuestra propia Ball Chair, incluso incluyendo si lo deseamos un sistema de audio.
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LA
EN
POP ART
ARQUITE 38
El Pop Art es un movimiento artístico que se centra sobretodo en medios como anuncios, cómics, objetos culturales, música y pintura. En cuanto a la arquitectura, podemos definir que no existe una ‘arquitectura Pop Art’, pero si varios edificios que tienen trazos y características que coinciden con el Pop Art. Cabe decir que los edificios y la arquitectura en general son una forma de expresión del arte, donde normalmente el arquitecto intenta plasmar un sentimiento que regirá la filosofía y estética de la creación. Por eso, consideramos que la arquitectura es una forma de publicidad para el arquitecto y a la vez, para la propia edificación. En el caso específico del Pop Art, considerar una creación arquitectónica Pop Art significa formas libres y coloridas, que intentan reflejar la estridencia con sentido y la espontaneidad premeditada.
ECTURA 39
Como ejemplos de creaciones arquitectónicas con influencia Pop Art, destacamos:
Instituto de sonido y visión (Hilversum, Holanda) Aquitecto: Neutelings & Riedjik El Centro de Diseño Sharp forma parte de una remodelación realizada en el Colegio de Arte y Diseño de Ontario (Ontario College of Art & Design) por el arquitecto inglés Will Alsop y el estudio con sede en Toronto, Robbie / Young + Wright Architects. Instituto de sonido y visión Holanda
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Kuggen Marzo 2011 (Lindholmplastsen, Göteborg, Suecia) Arquitecto: Wingärdh La creación de lugares de encuentro es una tarea importante en el desarrollo de la Universidad Tecnológica de Chalmers, uno de esos lugares es el espacio diseñado por el arquitecto Gert Wingårdh, un edificio redondo de cinco pisos que recuerda a una rueda dentada. La construcción comenzó en octubre de 2010 y se terminó en marzo de 2011. Llamado Kuggen (El diente) es un centro para reuniones formales e informales entre la comunidad y la sociedad que ha sido galardonado por su sostenibilidad en Mipim, además de ser nominado para el Premio IABSE por su Estructura Excepcional.
Barcelona’s Head 1992 (Paseo Colon, Barcelona, España) Diseño: Roy Lichtenstein. Escultor: Diego Delgado Rajado Llamativa tanto por sus colores como por su tamaño, la escultura de la Cara de Barcelona no pasa desapercibida. Todo el mundo tiene una opinión sobre esta pieza que desde la época olímpica decora un extremo del Port Vell de Barcelona, mezclándose con el pasado portuario y el presente de una de las zonas de ocio de la ciudad.
Kuggen Gert Wingårdh
Roy Lichtenstein Barcelona’s Head 1992
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