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“TRADIZIONE E INNOVAZIONE” VIAGGIO TRA PASSATO E PRESENTE Evento a cura di Maria Di Stasio - Organizzato dall'associazione culturale Athenae Artis

Studio Byblos

“TRADIZIONE E INNOVAZIONE” VIAGGIO TRA PASSATO E PRESENTE

Proprieta letteraria riservata © Studio Byblos ISBN: 9791282018166 Novembre 2025

“Tradizione e Innovazione: Viaggio tra Passato e Presente” Ci sono luoghi in cui la storia non smette di parlare, ma si trasforma in un’eco viva che attraversa i secoli. La Chiesa di Santa Maria di Portosalvo, nel cuore di Napoli, è uno di questi luoghi. Fondata nel XVI secolo come rifugio spirituale dei naviganti, sorge oggi come approdo simbolico per questa mostra, dove arte antica e linguaggi contemporanei si incontrano in un dialogo fertile e incessante. “Tradizione e Innovazione: Viaggio tra Passato e Presente” nasce dal desiderio di esplorare la continuità tra le radici storiche dell’arte e le forme espressive del nostro tempo. Napoli, città di contrasti e meraviglie, di luce e stratificazioni, offre lo scenario ideale per questa riflessione. Qui la tradizione non è mai immobilità, ma materia viva, pronta a rigenerarsi attraverso la creatività e lo sguardo del presente. Le opere in mostra tracciano un itinerario che attraversa il tempo: pittura, scultura, installazioni e nuove tecnologie dialogano con gli spazi sacri e decorati della chiesa, fondendo la quiete del passato con l’energia del contemporaneo. Ogni intervento artistico si pone come un atto di ascolto e reinterpretazione: un modo per interrogare la memoria, per scoprire come il segno di ieri possa ancora illuminare l’immaginazione di oggi. In questa cornice carica di storia, l’arte contemporanea non irrompe, ma respira insieme alle pietre, alle volte, ai marmi e ai decori che custodiscono secoli di fede e di bellezza. È un incontro tra linguaggi, una tensione armonica che invita lo spettatore a muoversi tra il visibile e l’interiore, tra ciò che è stato e ciò che sta per nascere. Napoli, con la sua vocazione al dialogo tra antico e moderno, si fa protagonista silenziosa di questa rassegna internazionale. La città che accoglie e trasforma, che conserva e reinventa, diventa metafora dell’intero progetto: un laboratorio a cielo aperto dove la tradizione non si limita a essere ricordata, ma viene costantemente reinventata. Questo catalogo vuole essere un’estensione di quell’esperienza: uno spazio di riflessione e di incontro, capace di restituire la complessità di un percorso espositivo che unisce tempi, linguaggi e sensibilità diverse. Sfogliando le sue pagine, il lettore ritroverà non solo le opere e i loro autori, ma anche lo spirito di un dialogo che continua oltre la mostra, nella mente e nel cuore di chi osserva. Perché tradizione e innovazione, insieme, sono le due forze che tengono viva l’arte — radici e ali di uno stesso respiro creativo, destinato a superare i confini del tempo. Maria Di Stasio

L’ARTE CONTEMPORANEA TRA TRADIZIONE E INNOVAZIONE «L’arte non è uno specchio per riflettere il mondo, ma un martello per forgiarlo.» Vladimir Majakovskij Se l’arte è un martello per forgiare il mondo, come scrisse Majakovskii, dobbiamo ricordare che essa, in primis, è il “lavoro” creativo dell’essere umano e la “materia prima” plasmata dall’ingegno. E’ la derivazione di un rapporto interconnesso tra cultura e storia. E’ un pensiero che si trasforma in espressione ed è quel mezzo di comunicazione che consente all’artista di poter raccontare la realtà attraverso i suoi occhi. L’arte è il prodotto di una società, di una certa Weltanschauung, che le avanguardie artistiche storiche hanno completamente rivoluzionato permettendo ai processi creativi un cambiamento radicale e un approccio diverso tra artista e chi guarda l’opera. Con “arte contemporanea” non dobbiamo pensare solo a ciò che viene realizzato nel contesto storico attuale ma a tutti quei periodi “contemporanei” che hanno segnato ogni epoca attraverso la messa in discussione di certi valori e/o concetti. Pensiamo a Giotto e al cambiamento che questo artista ha portato nella sua epoca e la ripercussione della sua arte nel contesto artistico successivo. Egli è stato considerato un contemporaneo, per la sua rivoluzionaria rottura con la tradizione artistica medievale, in quanto aprì la strada al Rinascimento. Altro esempio è Caravaggio e il suo realismo “drammatico”, dato da un particolare uso della luce e dell’ombra, che donò ai suoi dipinti una forte carica espressiva ed emotiva. Anche Goya compì un rinnovamento attraverso la realizzazione di quattordici opere murali conosciute come “Pitture nere”, dove mise in risalto le angosce e le paure umane, o Turner che, attraverso un personale uso del colore e della luce, rivoluzionò la pittura di paesaggio. Non vanno dimenticati l’Impressionismo e i movimenti d’Avanguardia del Novecento – dal Cubismo al Futurismo, dal Dadaismo alla Pop Art – che hanno proseguito quella rottura con il passato per rivoluzionare completamente l’arte contemporanea e dare avvio ad un nuovo modo di vedere e “sentire” l’arte stessa. L’arte, infatti, non si sviluppa in modo lineare ma compie continuamente un ritorno e una metamorfosi. Ciò che oggi viene definito “classico” ieri era considerato “rivoluzionario”. Questo vale tanto per l’arte figurativa quanto per la musica, l’architettura, il teatro. L’artista contemporaneo, di conseguenza e in qualsiasi epoca si trovi, è colui che coglie il cambiamento del proprio tempo e lo racconta in modo innovativo. Sta a noi, oggi, riconoscere la contemporaneità e vivere il passato come una sorta di “archivio” dal quale ricavarne un significato e per comprendere le varie sfaccettature del nostro presente. La mostra “Tradizione e Innovazione: un viaggio tra passato e presente”, curata dalla dottoressa Maria di Stasio, si presenta come un laboratorio concettuale in cui prende vita un dialogo tra la memoria storica e la sperimentazione contemporanea. In un’epoca segnata dalla velocità e dalla smaterializzazione dell’immagine, questa esposizione invita il pubblico a riflettere sul valore della tradizione quale punto di partenza per una “innovativa” visione artistica del presente. Un altro aspetto centrale della mostra è il ruolo

attivo del pubblico. Questo coinvolgimento riflette un cambiamento profondo nel modo in cui l’arte viene oggi concepita: non più come oggetto chiuso e autoreferenziale, ma come processo aperto, in divenire, che si alimenta dell’esperienza collettiva. In questo senso, “Tradizione e Innovazione” diventa essa stessa un’opera d’arte totale, un ecosistema dinamico dove la memoria non è nostalgia, ma impulso vitale. La mostra sfida il visitatore a decostruire l’idea lineare di progresso e a riconoscere la circolarità della storia dell’arte, fatta di ritorni, rielaborazioni, contaminazioni tra ciò che è stato e ciò che potrebbe essere. La tradizione, dunque, non è un ostacolo all’avanguardia, bensì il suo necessario fondamento. Solo conoscendo a fondo le nostre radici possiamo generare un’arte capace di parlare al futuro. Mariangela Bognolo Critico e storico dell’arte

Gli artisti

SARA ASQUINI

zione di quadri artistici utilizzando diverse tecniche decorative, accompagnate dalla progettazione di abiti personalizzati che fondono innovazione e design. dopo anni trascorsi tra colori, tele e mostre, la sua arte sperimenta ora un nuovo capitolo: la realizzazione di maglie in cotone ecologico, stampate con le sue opere riconosciute e apprezzate da critici e collezionisti. Ogni capo rappresenta un pezzo unico, dedicato a chi desidera distinguersi attraverso arte, sostenibilità ed espressione individuale. Il talento di Sara spazia dalle raffinatezza dei ritratti a carboncino, capaci di cogliere l’intensità emotiva dei soggetti, all’utilizzo di colori acrilici che donano tridimensionalità e profondità alle sue creazioni. per lei, l’arte è una parte imprescindibile della sua essenza; ogni opera riflette questa dedizione totale e la passione che la muove.

ara Asquini, laureata presso l’accademia di belle arti, ha intrapreso il suo percorso professionale come decoratrice di vetro e cristallo. Il suo talento naturale l’ha poi guidata a proseguire la carriera come decoratrice ceramista all’interno di una prestigiosa azienda. Con il passare degli anni, ha collaborato con diversi ceramisti del Friuli, arricchendo continuamente la sua esperienza nel mondo della ceramica artistica. la passione per l’arte è una parte essenziale della sua identità e le serve da costante ispirazione nella ricerca di nuove forme di espressione creativa. la produzione artistica di Sara rappresenta un viaggio in continua evoluzione, fatto di impegno, dedizione e amore per il suo mestiere. La sua visione artistica si è sviluppata nel tempo, raggiungendo una maturità tale da superare i confini nazionali e ricevere apprezzamenti sul palcoscenico internazionale. Oggi, Sara si dedica alla crea-

Triste Eleganza - cm 60x80 - tecnica mista

CÈCILE BATILLAT

écile Batillat è un’artista francese laureata in arti plastiche, video e nuove tecnologie presso l’università di Parigi I – Panthéon Sorbonne. Ha iniziato la sua carriera collaborando con l’Académie Expérimentale des Théâtres presso il Théâtre du rond point des Champs-élysées di Parigi, per poi dedicarsi alla realizzazione di documentari indipendenti, tra cui États des lieux États des liens, vincitore del premio Planète Cable a Lione nel 1995. Dopo un periodo dedicato all’insegnamento della letteratura e della filosofia, è tornata al suo primo amore - la pittura e il disegno - utilizzandoli come strumenti di riflessione sulla realtà e sull’essere. Le sue opere sono state esposte e premiate in Europa, negli Stati Uniti, in America Latina e in India. L’ispirazione di Cécile Batillat nasce dall’inconscio collettivo delle fiabe, che non illustra ma reinterpreta, per interrogarsi sulla presenza e sull’essenza del reale: “Cosa rende una persona o una storia incarnata? È davvero ciò che si vede o bisogna immaginarla per percepirla?” Nella serie “Da capo – salva (I)”, realizzata nel settembre 2023 per il murale della pace di Silversum (Olanda) e curata dal Museum of the Americas di Hou-

ston, l’artista esplora la memoria come esercizio di impegno e introspezione. Questo tema, inteso come testimonianza soggettiva capace di legare le generazioni, è stato al centro anche delle due mostre organizzate con la Galerie Mona Lisa nel 7° arrondissement di Parigi, intitolate “Génération – Créations collectives”. Per la seconda parte di questo progetto, Cécile ha creato l’opera “Per l’éternité” (febbraio 2024), nella quale la memoria si fa viva e attiva: l’immagine non è mai fissa, ma si espande nell’immaginazione di chi la osserva, come un’eco poetica che amplifica la realtà attraverso emozione e simbolismo. Nel suo impegno artistico e umano emerge anche una dimensione di rivolta contro la superficialità del mondo contemporaneo. Le opere “Da capo – Salva (I)” e “(II)” ne sono esempio emblematico: dittico presentato nella mostra “Frieden gegen den krieg” (“Pace contro la guerra”) presso il municipio di Achim (Germania), organizzata dalla Onil Gallery di Brema, da dicembre 2023 a febbraio 2024. Le stesse opere saranno inoltre esposte da settembre a novembre 2025 presso la Fine Arts Gallery di lviv, in Ucraina.

Da Capo Salva - 2023 - cm 59,4x59,4

St Georges terrassant le dragon cm 20x46x64 - tempera su tela di lino

STEFANIA BOTTA

tefania Botta nata a Napoli il 21 febbraio 1967, si appassiona alla pittura già dalle scuole medie partecipando a diversi concorsi scolastici nell’ambito pittorico, così da decidere di iscriversi al liceo artistico, dove si è diplomata nel 1980. Successivamente ha partecipato a varie mostre collettive ricevendo numerosi premi. È stata inserita in qualificati cataloghi d’arte, con giudizi critici di prestigio.

La sua pittura si distingue per le sue forme dinamiche angolari, linee spezzate e linee curve, creando movimento. La sua pittura si ispira a due grandi maestri, come Picasso e De Chirico. I colori predominanti dell’artista sono il rosso, il blu e in alcune opere anche il verde. Le sue opere futuriste e cubiste evocano stati d’animo che offrono allo spettatore una superficie da esplorare.

Sermoneta tra storia e tecnologia - cm 50x60 - olio su tela

SIMONA CARBONE

imona Carbone, in arte “blacksy”, è originaria di Oria (BR) e da alcuni anni vive a Correggio (RE). Disegna e dipinge sin da bambina, coltivando una passione profonda per l’arte che l’ha portata a dedicare gran parte del suo tempo a ritrarre ciò che vede e ciò che sente. Nel corso degli anni ha intrapreso un percorso di crescita artistica costante, esplorando stili e tecniche differenti, seguendo artisti di tutto il mondo e partecipando a numerosi corsi. Ha frequentato per

quasi dieci anni un corso di pittura a olio, durante il quale ha sperimentato e variato linguaggi e approcci espressivi. Oggi si dedica principalmente all’arte astratta, utilizzando acrilico e diversi materiali, mantenendo fede a quello che è diventato il suo tratto distintivo: il bianco e nero. In ogni sua opera compare la freccia, simbolo personale e ricorrente, che rappresenta la direzione, le scelte di vita e il continuo movimento interiore che anima la sua ricerca artistica.

Meditazione astrale - cm 50x70 - olio su tela

FABRIZIO CECI

eci Fabrizio nasce a Terracina (LT) nel 1963. Da sempre appassionato di fotografia, già dai suoi primi viaggi inizia a tradurre in immagini le sue esperienze di vita e le sue emozioni. Ogni foto scaturisce dalla vita reale: la felicità di un momento, un’angosciosa tristezza, il senso di abbandono, il fallimento di una vita o la speranza di farcela. Ed è in questi contesti, che spesso si spingono fino ai margini più estremi della società, che entriamo in una dimensione umana sempre più impellente. Emerge nel corso degli anni una

consapevolezza dell’ istintività ed unicità delle sue immagini quasi come l’esternazione di una vera e propria forza interiore. Fabrizio è in costante evoluzione, perchè le emozioni cambiano di continuo, spesse volte le ritrova; a volte sono laceranti, a volte delicate. Negli ultimi anni si appassiona al mondo della danza contemporanea. Fermare le immagini ad un determinato istante gli trasmette la sensazione di entrare in un’altra dimensione, quasi una via di fuga dalla realtà alla stregua di un’alterazione fisica e spirituale dell’essere.

Midnight Sun - cm 60x80 - Fotografia

SILVIA CORDOANO

ilvia Cordoano fin da bambina avverte un’attrazione magnetica per i colori e per le emozioni che essi trasmettono, da soli o in combinazione con forme e materie diverse. Da adulta intraprende un viaggio concreto e appassionato alla scoperta del potere del colore, concentrandosi sull’astrattismo informale e sull’arte materica, alla ricerca di bellezza, energia e armonie in movimento. attraverso le sue carte e opere materiche, Silvia mira a far emergere il moto di ribellione femminile “gentile”, espressione di forza e delicatezza insieme. L’utilizzo di accostamenti cromatici insoliti e di materiali tipicamente femminili e non diventa strumento per rivelare l’intimità, la grazia e la spiritualità creativa di ogni donna. Convinta della necessità di contrastare ogni forma di prevaricazione sull’universo femminile — e, più in generale, su ogni essere umano — l’artista crede in un cambiamento culturale che parta proprio dalle donne: un percorso di

consapevolezza, libertà espressiva e autenticità, capace di dare voce alla propria essenza senza rinunciare alla femminilità e allo spirito creativo. La visione artistica di Silvia Cordoano è profondamente inclusiva: un manifesto di diversità, equità e rispetto, accessibile a tutti e capace di invitare ogni osservatore a esplorare la propria interiorità e a riconoscere in ogni opera un riflesso di sé. proveniente da un background scientifico, Silvia ha sempre valorizzato la sperimentazione e la ricerca, sia in ambito professionale che artistico. Nel 2023 intraprende un percorso di formazione con il maestro pino cannatà, approfondendo lo studio del colore e dedicandosi all’arte astratta informale e materica. Oggi continua a studiare e a sperimentare nuovi approcci e materiali, con l’obiettivo di creare opere che riflettano il suo impegno per l’inclusione, la libertà interiore e la valorizzazione dell’essenza femminile, rendendo l’arte uno spazio condiviso e accessibile a tutti.

Luna - cm 80 di diametro - pigmenti, gesso, medium effetto crackle, microballs su tela

ANTONIO COSTANZO

ntonio Costanzo nasce a Napoli il 13 novembre 1958. risiede e lavora a Cardito, dove intraprende il proprio percorso artistico come autodidatta, spinto da una costante voglia di creare forme nuove e inconsuete, capaci di oltrepassare i confini del suo immaginario creativo. Nel corso della sua ricerca, studia e approfondisce i percorsi di artisti appartenenti a diverse epoche, inizialmente attratto dalla purezza stilistica e dall’equilibrio formale dei grandi maestri del rinascimento. successivamente, si lascia affascinare dalle sperimentazioni e dalle libertà espressive delle avanguardie del novecento, trovando in esse una fonte inesauribile di ispirazione e un linguaggio capace di rinnovarsi pur restando fedele all’essenza artistica. In ogni sua opera si avverte la traccia di questo

cammino: il desiderio di esprimere un punto di vista personale sulle forme, di trasformarle e farle proprie, cercando un filtro che connetta i sentimenti più intimi alla materia pittorica. Le sue tele sono così il riflesso di un percorso di introspezione e di continua evoluzione, dove l’arte diventa specchio della sua storia personale, umana e creativa. Nel tempo, le opere di Antonio Costanzo hanno suscitato crescente interesse nel panorama artistico, ottenendo riconoscimenti da importanti esperti d’arte quali Roberto Sciascia, Monica Marchese, Mino Iorio, Anna De Core ed Emilio Moschella. Ha partecipato a numerosi eventi e mostre, esponendo lavori che rappresentano la sintesi della sua poetica e del suo instancabile desiderio di ricerca artistica.

A mio Nipote - cm 60x80 - pastello su tela

ALESSANDRA CROCE

lessandra Croce nutre da sempre una profonda passione per la pittura e il disegno, pur non avendo intrapreso studi artistici formali. fin dai tempi della scuola partecipa a diversi concorsi, ottenendo riconoscimenti e premi che testimoniano il suo naturale talento e la sua sensibilità creativa. dopo una pausa, riprende recentemente il suo percorso artistico, trovando nella pittura un autentico mezzo di

espressione personale. le sue opere sono state esposte in diverse regioni italiane e all’estero. Per Alessandra, “imbrattare” carta e tele è molto più che un gesto artistico: è un modo per dare forma alle emozioni, per mostrare ciò che ha dentro e condividere la propria visione del mondo. Ogni opera rappresenta un frammento della sua anima, un dialogo sincero tra interiorità e colore.

Phoenix - cm 35x50 - tecnica mista su tela

RAFFAELE DI STASIO

affaele Di Stasio, nato nel 1983, dopo aver conseguito la maturità al Liceo Scientifico A. Nobel di Torre del Greco, si laurea in Tecnologie Alimentari alla Facoltà di Agraria dell’Università degli Studi di Napoli Federico II. Seppur non segue percorsi di studi artistici ha sempre nutrito passione per la fotografia. Questa passione è poi esplosa insieme alla voglia irrefrenabile di viaggiare e conoscere posti nuovi. Insieme alla sua inseparabile macchina fotografica

adora visitare i borghi italiani, Ghost Town e cercare meraviglie naturalistiche. Per Raffaele la foto in bianco e nero apre un viaggio soggettivo nella mente dell’osservatore e può evocare emozioni intense grazie ai forti contrasti di luci e ombre che si possono creare. La foto, in questo caso, può creare atemporalità e invoglia lo spettatore a spingersi oltre alla semplice osservazione cercando un significato, in alcuni casi anche intimo e profondo, a quello che sta osservando.

Senza spazio, senza tempo - fotografia

UMBERTO FALVO

ato a Catanzaro nel 1955, ho frequentato il Liceo Artistico e successivamente l’Accademia di Belle Arti della mia città, seguendo il corso di pittura e la scuola libera del nudo. Dipingo da sempre: fin da bambino il disegno è stato il mio primo linguaggio, e negli anni questo gesto spontaneo si è trasformato in un viaggio continuo, un racconto che attraversa il tempo e la mia esperienza artistica. La pittura, per me, è un’immersione profonda nella ricerca di impulsi creativi che, alla luce delle conoscenze acquisite, devono trasformarsi in opera. Dopo una fase iniziale più descrittiva, la mia ricerca si è evoluta verso la scomposizione delle forme, non nel senso cubista, ma come dissacrazione delle linee, un processo necessario per giungere all’informale. Solo attraverso la conoscenza e la sensibilità maturata nel tempo, l’idea primordiale può prendere corpo e farsi materia pittorica. La tela — o qualunque altro supporto — è per me lo spazio pronto ad accogliere l’atto creativo, proiezione di un pensiero originario che trova forma grazie a un vero e proprio processo alchemico di trasformazione: nella fusione di colori, diluenti e gesti nasce l’opera, dove la materia informe diventa forma, colore e luce. Niente è

lasciato al caso: ogni composizione deve trovare il suo equilibrio, respirare una luce propria. Come amo dire, “La luce è quell’energia cosmica che ci permette di vedere oltre il buio”. Per me il colore è luce e la luce è colore — due entità inseparabili, protagoniste sin dal primo atto creativo della Genesi, quando la luce venne separata dalle tenebre e il mondo apparve a colori. Conoscere la luce significa conoscere i colori, le loro sfumature, le combinazioni, le trasformazioni: i processi “alchemici” che li fanno mutare sotto i miei occhi. È così che il colore, unito ad un altro, diventa un colore nuovo. Fin da giovane ho avuto la fortuna di frequentare in tutta Italia salotti culturali e ambienti artistici animati da persone di grande spessore intellettuale. Queste esperienze mi hanno arricchito, stimolando la curiosità, la lettura e lo studio, per evitare la banalità e dare alla mia pittura una consapevolezza culturale profonda. Non rinnego nulla del mio percorso: ogni esperienza vissuta è parte integrante della mia azione pittorica di oggi. Tutto ciò che ero ieri vive nel mio presente, trasformato da esperienza, esercizio, conoscenza e azione.

Tempio Egizio - cm 64x72 - tecnica mista smalto olio acrilico su intonaco a fresco

IVANO DOMENICO FELACO

vano Domenico Felaco è un artista poliedrico originario di Calvizzano (NA), attivo come pittore e tatuatore. La sua formazione artistica si è consolidata presso la Scuola Comics di Napoli, dove ha approfondito la prospettiva e lo studio anatomico sotto la guida dei maestri Federici, Vignes e Fiorentino. Ha inoltre partecipato al seminario “Art in Sutrium” di pittura a olio con Roberto Ferri e Giorgio Dante, esperienze che hanno ulteriormente affinato la sua sensibilità tecnica e il suo linguaggio visivo. La sua poetica trae ispirazione dal barocco, con un’attenzione particolare alla potenza chiaroscurale di Caravaggio, reinterpretata in

chiave contemporanea. Nelle sue opere, Felaco esplora temi profondamente umani come la dislessia, la mitologia e le sfide sociali, trasformandoli in immagini di intensa forza emotiva e simbolica. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerosi riconoscimenti, tra cui il Premio Città di Parigi (2019), il Premio Primo Classificato NapolArte (2017), il Premio Primo Classificato Visioni (2024), ed è stato insignito del titolo di Artista Accademico. Con la mostra personale “La mia vita dietro l’arte”, Felaco promuove i valori di inclusione e diversità, testimoniando come l’arte possa diventare strumento di conoscenza, riscatto e libertà interiore.

Lussuria - cm 100x120 - olio su tela

Lacrime - cm 70x120 - olio su tela

IOANNIS KAISERLIS

oannis Kaiserlis, nato nel 1974 a Veria e attualmente residente ad Atene, è un artista con oltre vent’anni di esperienza nel design d’interni, nell’industrial design e nel settore immobiliare, specializzato nella progettazione di abitazioni moderne di lusso. La sua profonda passione per le Belle Arti e la pittura astratta nasce dall’ammirazione per l’espressionismo e la scultura, coltivata nel tempo attraverso numerose visite a musei e gallerie in diversi Paesi. Ogni sua opera è frutto di una ricerca continua e sperimentale, riflesso autentico della sua dedizione e della libertà che prova nel processo creativo. Per Kaiserlis, l’arte è una forma di espressione interiore, un mezzo attraverso cui dare voce ai propri pensieri e sentimenti, connettendo realtà ed emozione in un’esperienza liberatoria e profonda.

Nella sua pittura contemporanea, esplora la complessità della vita moderna, creando un linguaggio visivo dinamico e intenso, caratterizzato da composizioni audaci, colori vibranti e movimenti fluidi. Ispirandosi a molteplici fonti — dalla cultura pop alla street art, fino al design contemporaneo — l’artista traduce in chiave astratta la natura eclettica e l’essenza spirituale della cultura moderna. Attraverso una costante sperimentazione su colori, materiali e tecniche, Ioannis Kaiserlis spinge i confini del potere espressivo della pittura, cercando di colmare il divario tra tradizione e innovazione. Il suo intento è invitare gli osservatori a guardare il mondo con occhi nuovi, andando oltre la superficie per scoprire le complessità più profonde che abitano l’esperienza umana.

The Wave of Venetian Life Part III - cm 100 x 150 - oil & acrylic, 2020

KATERINA LOUKA

aterina Louka is an internationally acclaimed contemporary abstract artist based in Athens, Greece. Her work has been exhibited in prestigious galleries and museums across Greece, Italy, Spain, Austria, and the United States. She studied economics but her love for art turned her in other directions. she came in contact with modern art, and she studied the work of great artists at the National Gallery in London. In Greece she worked in her studio and took private lessons from renowned artists from Greece. At this time, she studied art history, modern art in Moma. Her paintings have been exhibited in Greece as well as Italy, Spain, Austria and the USA. She has exhibited her works at museums such us Scuola Grande San Teodoro Museum in Venice, the Meam Museum (European Museum of Modern Art) in Barcelona, Bellini Museum in Florence, War Museum in Athens as well as Golling Castle Museum in Salzburg. She has received awards in Greece as well as in Italy, Spain and USA. Her artworks have been widely featured in both Greek and international publications, including prominent newspapers and art magazines. Katerina’s creative process is deeply rooted in the exploration of spirituality, the subconscious, and the human experience. Her

paintings are rich in texture, with layers of acrylic paint, mixed media elements, and tactile surfaces that invite the viewer to engage both visually and emotionally. Known for her use of contrast, texture, and symbolism, Katerina’s work speaks to the unspeakable—conveying emotions, ideas, and states of mind through lines, colors, shapes, and forms. Her abstract compositions create a dialogue between light and dark, exploring themes of joy, despair, love, and fear, while offering a glimpse into her own personal journey. Each piece is a reflection of the inner world, blending the philosophical, psychological, emotional and mystical into a transcendental reality that resonates with the viewer on a deeply emotional level. Katerina’s paintings are more than just visual statements; they are windows into the complexities of life, capturing both the struggle and the beauty inherent in the human condition. through her work, she invites her audience to explore the full spectrum of existence—from moments of darkness and turmoil to those of illumination, love, and joy. “I feel it is my mission as an artist is to bring forward special formats, which act as pathways to the human mind and embodiments of universal emotions”.

Light of Blessings - cm 80x90 - acrilico e tecnica mista su tela

ELEONORA MORICONI

leonora Moriconi nasce l’8 aprile 1991 a Cave, in provincia di Roma. Sin da giovane, si avvicina al mondo dell’arte, sviluppando una passione che la porterà a intraprendere un percorso di formazione in arteterapia. Il suo approccio artistico nasce dal desiderio di esplorare la dimensione emotiva e psicologica dell’arte senza fine. Inizialmente, Eleonora si dedica alla pittura ad acrilico e al disegno a matita, affinando la sua tecnica e acquisendo una solida base che le consente di esprimere al meglio le sue idee. La sua ricerca artistica si evolve nel tempo, spingendola ad esplorare nuove tecniche, come la pittura ad olio, il carboncino e la sanguigna, che le permettono di sperimentare sfumature di colore e profondità che arricchiscono il suo linguaggio visivo. La sua passione per l’arteterapia, unita alla sua espe-

rienza artistica, diventa un mezzo per entrare in contatto con le emozioni, sia proprie che altrui, creando un ponte tra l’arte e la psiche. Il suo lavoro non è solo un’esplorazione personale, ma anche un modo per trasmettere sensazioni ed emozioni a chi osserva le sue opere, invitandolo a riflettere sulle emozioni che ognuno racchiude dentro di se. Nel corso della sua carriera, Eleonora Moriconi ha partecipato a mostre internazionali, portando le sue opere in città come Roma, Barcellona, New York, Salerno, Ferrara e Milano. Ogni esibizione rappresenta una tappa importante nel suo cammino artistico, un’occasione per confrontarsi con altri artisti e con un pubblico sempre più ampio, creando opere che invitano l’osservatore a entrare in contatto con il proprio mondo interiore.

La bellezza del caos - 50x70 - acrilico su tela

ANTONIO PANELLA

ntonio Panella è nato a Torre Annunziata il 21 gennaio 1949. Laureato in Biologia nel 1975, ha insegnato Matematica e Scienze dal 1978 al 2015 presso diversi istituti scolastici di scuola media inferiore. Parallelamente all’attività di docente, ha esercitato la professione di biologo e imprenditore nel settore della sanità privata. Nonostante l’intensa attività lavorativa e professionale, non ha mai abbandonato la passione per le arti figurative, con una particolare predilezione per la pittura. Dal 2019, in seguito al pensionamento, ha potuto dedicarsi con maggiore intensità alla ricerca artistica, approfon-

dendo le diverse forme della tecnica pittorica. La sua produzione si caratterizza per l’uso della spatola e per l’impiego di colori vivi e materici, che danno vita a composizioni ricche di energia e movimento, spesso vicine all’astrattismo lirico. Attraverso la sovrapposizione di texture e tonalità vibranti, Panella traduce sulla tela emozioni e percezioni legate alla natura e al vissuto interiore. Negli ultimi anni ha partecipato a numerose mostre, sia in presenza che da remoto, continuando a sviluppare un linguaggio personale e riconoscibile, frutto di una costante sperimentazione cromatica e tecnica.

Uomini e belve - cm 50x70 - acrilico su tela

PAOLA PIOL

aola Piol è un’artista bellunese il cui cuore batte al ritmo dei colori che animano le strade della sua città. Da sempre dipinge con l’anima, avendo abbracciato l’arte come compagna di viaggio. Nel 2018 intraprende un corso di pittura a olio e scopre nell’iperrealismo una nuova dimensione espressiva. attraverso le sue opere, ama raccontare la vita che pulsa negli animali, la bellezza discreta delle persone, la delicatezza dei fiori e la vastità silenziosa dei paesaggi. Le

creazioni di Paola hanno viaggiato in tutta Italia, trovando spazio in mostre e luoghi prestigiosi come l’Hotel Ristorante “La Casona” di Feltre e la cooperativa di Cirvoi. Le sue opere hanno inoltre varcato i confini nazionali, raggiungendo destinazioni incantate come la Corsica e Rovigno. Con le sue tele, Paola Piol invita chi osserva a cogliere la bellezza nascosta nei dettagli e a lasciarsi trasportare in un viaggio sensoriale e poetico nel suo mondo di colori ed emozioni.

Accoglienza - cm 40x50 - olio su tela

ILARIA PISCIOTTANI

laria Pisciottani è giornalista, fotografa d’arte e di teatro e Visual Artist Fluxus. Fondatore del movimento culturale New Format Art e Responsabile della sezione Arte della Fondazione Giuseppe Levi Pelloni di Roma Dal 2021 è anche presente come Fotografo autoriale nell’archivio fotografico della Mediterraneum Collection Da sempre predilige la fotografia in bianco e nero, passione che guida il suo percorso creativo ed artistico da oltre un decennio. Le sue opere sono state esposte in prestigiose gallerie di Roma, Milano Photo Festival, Torino Photo Festival, Napoli, Catania, Parigi, Amsterdam, Essen, Strasburgo, Cape Town, Berlino, New York, Photo Festival Is:Rael, permettendole così di condividere la sua visione artistica con critici di rilievo ed un pubblico ampio e diversificato. I suoi lavori artistici sono stati riconosciuti con premi della critica per la capacità di evocare riflessione e introspezione Solo in Italia ha all’attivo più di dieci personali di fotografia a partire dal 2017 ad oggi, tra cui una ad Anzio nel Parco archeogolico del Vallo Latino Volsco dedicata

all’imperatore romano Nerone ed una a New York proiettata per un solo giorno a Gennaio 2024 a Time Square su Video Wall . Ha pubblicato due libri di fotografia: “Le immagini sospese” e “Mater Matera”, nell’ordine hanno partecipato nel 2023 e nel 2024 al Contest “Le immagini rilegate” a cura della Diorama Project e di Roberto Mutti e sono stati esposti al Museo del Libro Kasa dei libri di Milano come migliori pubblicazioni autoprodotte dell’anno. Ad Ottobre 2024 il suo libro fotografico d’artista “Le immagini note” interamente realizzato a mano in due soli esemplari ha vinto il suddetto contest ed è rimasto in esposizione perenne presso il Museo Kasa dei libri di Milano. Ilaria ama molto che i suoi scatti siano senza tempo e universali e attraverso la sua lente, cerca di catturare l’essenza e l’emozione dei momenti, trasformandoli in immagini che raccontano storie , concetti e valori per lei fondamentali, si concentra su visioni oniriche che invitano alla contemplazione e il suo linguaggio visivo spesso carico di figure retoriche e semantica suggerisce sentimenti metafisici.

Aria - cm 60x80 - fotografia

MILENA ROCCHETTO

aria Milena Rocchetto, nata a Biella, in Piemonte, è un’artista autodidatta appassionata d’arte fin da sempre. Si dedica alla pittura con entusiasmo, lasciandosi rapire e ispirare dall’ambiente che la circonda. Le sue opere rappresentano il reale e prediligono la natura in tutte le sue forme e dimensioni. Ama osservare come, su una tela, i colori prendono forma e armonia: attraverso essi trasmette serenità e positività, qualità che rispecchiano il suo carattere. Nel corso del suo percorso artistico ha partecipato a numerose mostre collettive sul territorio nazionale e internazionale, tra cui: ProBiennale di Venezia, Biennale

di Milano, Internazionale Spoleto Arte, Dantebus a Roma, collettiva internazionale a Verbania, collettiva a Baveno, collettiva a Casale Monferrato, Vette d’arte a Sestriere, internazionale a Gattinara, Arte in Provenza in Francia. Ha inoltre ricevuto diversi riconoscimenti, tra cui: Premio Internazionale a Firenze, Trofeo Leone d’Oro a Venezia, Premio Mercurio d’Oro a Cesenatico, Premio Giotto a Firenze, Premio Margherita e Premio Tamara de Lempicka. Tra premi, mostre e collettive, Maria Milena Rocchetto guarda con soddisfazione al proprio percorso artistico, sempre guidata dalla passione e dal desiderio di condividere emozioni attraverso l’arte.

Speranza - cm 40x50 - olio su tela

CHRISTIAN LUIGI RUSSO

hristian Luigi Russo è un designer, illustratore e innovatore. Attualmente è dottorando presso l’Accademia di Belle Arti di Napoli, nel curriculum “Innovation, Technologies and New Materials for Arts”. Ha conseguito la laurea magistrale in Design dell’Accessorio presso lo IUAD – Istituto Universitario di Architettura e Design di Napoli, con una tesi sperimentale dedicata alla prototipia in stampa 3D FDM di manici per borse ispirata ai principi del biomorfismo. Precedentemente ha ottenuto la laurea triennale con lode in Graphic Design presso l’Accademia di Belle Arti

di Napoli, con una tesi incentrata sulla comunicazione di moda. Attualmente sta completando un ulteriore percorso di studi in Didattica dell’Arte e Mediazione del Patrimonio Culturale, sempre presso l’Accademia di Belle Arti di Napoli, con una tesi dedicata alla formazione del Sé in adolescenza attraverso la pratica della ricerca artistica. La sua attività si colloca all’intersezione tra design, tecnologia e arte contemporanea, con un approccio che unisce sperimentazione, innovazione e sensibilità estetica

Sancta - cm 120x80 - grafite su carta e cornice in decorazione in 3D stampa, stampa fotolitografica

TERESA SAVIANO

eresa Saviano nasce due volte: la prima in terra vesuviana, a Posillipo, la seconda in suolo gallico, a Parigi, dove prende vita la sua attività artistica. Principiante nel mondo dell’arte ma non in quello della creatività, realizza su commissione un grande cuore in tessuto, opera che segna l’inizio di una profonda passione per il tessuto, materiale che da allora diventa il fulcro del suo linguaggio espressivo. Lo combina con fili e, talvolta, con altri elementi, creando collage di grande forza visiva e poetica. Si esprime attraverso soggetti a lei cari — cuori, paesaggi, occhi e

ritratti — dando forma a un universo personale dove emozione e materia si fondono in equilibrio. Della fiber art condivide solo la fibra, e della textile art solo il tessuto finito: Teresa non si riconosce in nessuna categoria o corrente, poiché considera l’arte come libera espressione in attesa di una risposta emozionale. Le sue opere hanno suscitato apprezzamento e riconoscimenti, tra cui la partecipazione alla Biennale di Arte Contemporanea Aartword, oltre al caloroso consenso del pubblico che ne coglie la sincerità e l’originalità.

San Gennà - cm 40x80 - collage e tessuti filati

ANDREA SCARDIGLI

i chiamo Andrea Scardigli e sono nato il 25 ottobre 1972 a Roma, ha sempre respirando sin d’infanzia, crescendo tra pittura, scultura e architettura. Dopo aver conseguito la maturità artistica con il massimo dei voti, mi sono dedicato al teatro, studiando mino e recitazione con grandi maestri come Lindsay Kemp e Hal Yamnanouchi, calcando i palcoscenici italiani sotto la direzione di registi del calibro Luca Ronconi e Gabriele Lavia, un infortunio mi ha costretto ad abbandonare la scena, ma non l’arte. Quindi nel 2005 mi diplomo in Fotografia presso “La

scuola Permanente di Fotografia Graffiti Express” e nel 2008 inizio a lavorare come fotografo e “Organizzatore di Workshop di Fotografia Digitale, Ritratto, Moda, Glamour e Nudo Artistico” presso varie location dislocate nella regione Lazio. Nello stesso anno apro il mio personale studio di fotografia “Arte del Fotografare”, occupandomi di matrimoni, cerimonie, ritratti privati e foto di scena per cinema e teatro. Nel 2013 seguo un corso di formazione sulla fotografia musicale, da quel momento inizio ad occuparmi di fotografie per concerti di musica jazz.

Il ritmo della musica - fotografia

CLARE SCHOUTEN

am an abstract and semi-abstract painter working primarily with landscapes and seascapes. My art is rooted in my local surroundings and shaped by emotional responses—both to what I see and what I remember. Each piece becomes a visual echo of experience, filtered through feeling. My creative process is intuitive and playful. I work with a sense of liberation, where there are no mistakes—only discovery, joy, and presence. Through layering, mark-making, and the use of tactile materials like oil paint, acrylics, texture gels, and pastels, I build rich surfaces that are as textural as they are visual. Scenic views inspire me, but I reimagine them using heightened hues and expressive gesture to evoke atmosphere and emotional resonance. What I value most in my practice is the sense of escape and aliveness it brings. If a painting feels whole—if it resonates emotionally— then that is enough. My aim is not just to express the beauty I find in nature, but to offer viewers a moment of reflection and emotional connection through an abstract and semi-abstract lens that celebrates color, mood, and memory. Born in Dublin, Ireland, I have always felt a deep connection to art. My journey formally began when I moved to Singapore with my family, where I decided to pursue Fine Art academically. Balancing full-time studies with motherhood was a challenge, but it remains

one of my proudest achievements. I graduated with a BA in Fine Art from Goldsmiths, University. Throughout my career, I have created both semi-abstract and abstract paintings, often inspired by my time living in Singapore, the tropical weather, and the monsoon season. These experiences deeply influenced my artistic style, as did the coastal environments of Dublin, where I live, and Cornwall, which I frequently visit. The ever-changing weather patterns and vibrant landscapes of these places continue to shape my work and serve as a constant source of inspiration. My recent exhibitions include: The Dark Side at Boomer Gallery, London (2024); the International Women’s Day Exhibition at West End Art Studio, Cork (2024); Tapiial Highlights (2024); the Eunoia Curators E-ME Exhibition (2024); and the 5th Bienal de Arte Barcelona at the European Museum of Modern Art (MEAM), Barcelona (2024), curated by Italian art critics Dott. Salvatore Russo and Dott. Francesco Saverio Russo. I also participated in Segnalati – 45 Artists at the New York Art Expo, curated by Dr. Salvatore Russo. Awards:• International Prize Velázquez & Goya (2024) International Prize ARTISTS at the JUBILEE (2024) International Prize ARTIST of the YEAR (Florence, 2025) Art Team Magazine Art Awards (2025)

Dreaming No 3 - cm 60x60 - olio e acrilico su tela

SANDRA SCIOMMARELLO

andra Sciommarello nasce a Rossano (CS) il 28 maggio 1980. Dopo aver completato gli studi presso il liceo scientifico e l’istituto magistrale, consegue la laurea triennale in scienze infermieristiche presso l’Università degli Studi di Firenze. Dal 1 marzo 2005 lavora presso il Centro Medico Legale Inail di Corigliano-Rossano. Animata da una profonda passione per l’arte, nel gennaio 2024 intraprende un nuovo percorso creativo presso il Centro Studi Artistici Angel Rose di Bosco Emanuela, nella città di Corigliano-Rossano. In questo breve ma intenso cammino artistico, sperimenta diverse tecniche pittoriche, tra cui acquerello, olio su tela, carboncino e studi materici con l’uti-

lizzo di materiali alternativi come legno e stucco. La sua naturale inclinazione è rivolta verso l’arte materica, nella quale può esprimere al meglio la propria sensibilità. ama arricchire le sue opere con dettagli in rilievo — gioielli, stoffe, foglie, sabbia e altri elementi — che conferiscono unicità e carattere alle sue creazioni firmate Sandy Art. La figura femminile è il fulcro della sua ricerca artistica: quasi tutte le sue opere ritraggono donne, muse ispiratrici attraverso le quali l’artista comunica emozioni, forza e messaggi profondamente umani. Per Sandra Sciommarello, sono i dettagli a rendere ogni opera unica e a dare voce alla bellezza nascosta nelle sfumature dell’animo femminile.

Ode alla cultura - cm 50X60, olio su tela e elementi materici

ROBERTO TRENTIN

oberto Trentin, classe 1972, vive e lavora a Mestre. Sin da giovane è appassionato di fotografia. Per molti anni ha scattato foto ma le ha sempre tenute per sé fino a quando ha deciso di esporre, in occasione dell’International Critics Award a Venezia, nel novembre del 2023 una sua opera fotografica. I soggetti preferiti sono fiori e paesaggi. Negli ultimi tempi ha unito la tradizionale fotografia con la Digital Art.

Le mostre a cui ha partecipato sono le seguenti: - Esposizione Critics Award Venezia 2023 - Expo Internazionale d’arte Visiva “Visual Art’s Great Trophy Golden Eagle 2024” (opera in catalogo). - Grolla d’Oro, Treviso 2024 (opera in catalogo) L’opera “Il profumo del mattino” è stata pubblicata nel catalogo GALLERIA ITALIA ed. 2024 Francesco Chetta Editore.

Fragile Eternità - cm 50x70 - fotografia e digital Art su supporto Forex

ISBN: 9791282018166

Studio Byblos Editore Stampato a Novembre 2025 a Palermo - Sicily

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