Detrás del micrófono

Human Drama,

fascinación por contar historias

Titulado “Blurred Images” (Sunset Blvd. Records, 2021), el nuevo disco de Human Drama es un álbum que explora y acentúa, con sonoridades de origen electrónico de los años sesenta y setenta, un decálogo de letras en torno a las responsabilidades y conflictos ocasionados por el amor. Es un CD doble que comparte además el soundtrack del documental Seven Days In Mexico, que protagoniza Johnny Indovina, líder y vocalista de la banda.

Discos para contar historias

El proceso de composición para este material tuvo como detonador creativo la canción “Farewell” y así lo relata Johnny: “Una vez que encontramos el concepto del álbum en la letra de esa canción, seguimos el proceso para poder contar la historia que tomó lugar en mi vida durante los años de 1992 y 1996 en la ciudad de Nueva York. Comenzamos a tomar las piezas y empezamos a pintar una imagen más clara referente a las emociones, a los sentimientos, las pruebas y tribulaciones de la historia y así conformar un concepto más fuerte.

Si bien el disco se entregó por sencillos durante el 2020, se trata de una obra completa con un hilo conductor, formato que sigue siendo el preferido de la banda: “Recuerdo bien que no fue sino hasta que escribí la letras y la historia de la canción “Into Our Escape”, que realmente sentí que estaba haciendo algo muy bueno que podía ser un álbum completo. Como banda, Human Drama se toma tanto tiempo en poder crear un nuevo disco, que lo que pasó fue que consideramos que entregar por sencillos iba a ser algo que nos engancharía más a los escuchas, lanzando un sencillo nuevo cada 45 días. Eso nos dio la oportunidad de que hubiera más plática e interacción con las personas que nos escuchan, los fans de Facebook y otras redes sociales, para poderlos mantener más al tanto y pendientes de lo que estábamos haciendo”, comparte el cantante. A nivel sonoro, para Johnny, la evolución del grupo siempre ha sido una búsqueda, algo intencional: “Siempre pensamos en crecer, no queremos hacer el mismo disco dos veces y eso realmente es un desafío para nosotros en cada álbum; en cada canción, queremos explorar los sujetos emocionales y a cada uno de ellos darles un color y un sentimiento diferente a la hora de escribir. Creemos verdaderamente que este es un disco muy nuevo para nosotros y es importante que se escuche como una historia completa”.

Autoproducción y oídos amigos

Valiéndose de sus home studios, los integrantes grabaron a distancia el material y también alcanzaron a reunirse en el de Johnny para trackear algunas cosas, independientemente de la pandemia, siendo él quien asumiera las riendas de la producción: “Definitivamente, yo produje los últimos dos discos o la mayor parte de ellos. Solo en el momento en que pensamos que ya tenemos un gran punto del álbum, como un todo, es cuando se lo entregamos a un ingeniero para que lo pueda llevar a un siguiente nivel. No tengo la respuesta de todas la preguntas, pero si llegáramos a considerar que hay alguien que nos conozca mejor que nosotros para hacer el trabajo, se lo daríamos para que lo hiciera”. Foto: Markus Cuffs Johnny Indovina “Así las cosas, el proceso de trackear, editar y finalmente mezclar, es algo que hemos estado haciendo muy a gusto en los recientes dos discos. En casa, la mayor parte de las veces lo que hago es para mí, siempre estoy trabajando en demos y nuevo material para Human Drama. Muchas veces, Mark ha llegado a venir y grabamos en el estudio. Creo que sólo una vez vino otro artista a hacer algo; eso me gustaría hacer más, una vez que la pandemia cese un poco”.

Un factor de énfasis en la cualidad sonora del álbum es lo que aportó Mark Balderas con los teclados y sintetizadores. Miembro de la banda desde 1986, para esta reciente grabación, el músico asumió el desafío de aportar sonidos más electrónicos: “Retomé estilos de los años setenta, de bandas que nos gustan mucho, como Genesis, Pink Floyd y David Bowie, que nosotros verdaderamente amamos e intentamos incorporar en este álbum. Lo que hice en mi estudio en casa fue desarrollar las ideas que se me ocurrían, le llamaba a Johnny, se las mostraba, hablábamos y discutíamos al respecto. Fue un proceso que al final nos resultó de manera genial. Tuvimos mucha reflexión respecto al sonido de este disco. Saqué un teclado viejo que había comprado hace muchos años y lo traje de vuelta para esta grabación, de ahí conseguí varios de esos sonidos, de mi viejo Moog. También ocupé sonidos vintage del Fender Rhodes, un Mellotron y los mezclé con pianos acústicos como el Hammond B3 y otro con sonidos de jazz de Roland”.

El proceso de mezcla corrió a cargo de Mark Lonsway, con quien ya habían trabajado en el álbum “Broken Songs for Broken People” (2017); en tanto que el de masterización estuvo en oídos de Daniel Hersch en su estudio D2 Mastering: “Con Mark ya habíamos trabajado, lo conocimos en Nashville y desde que le dimos la primera canción de “Broken Songs for Broken People”, decidimos quedarnos con él, porque ya conoce nuestra música y nuestras últimas dos producciones. Lo mismo Dan, quien es un muy buen amigo nuestro y realmente le importa mucho lo que hacemos, entiende qué tanto es lo que damos para lograrlo”.

La causalidad y el resguardo como enfoque creativo

Por otra parte, con el disco sonando en su totalidad, lo que expone Johnny respecto al bonus track del documental “Seven Days in Mexico” es que su realización fue idea de Gene Blalock, quien quiso acompañarlo en su viaje a la Ciudad de México: “Hice el viaje como una manera de alejarme de todo y encontrar el lugar donde me siento muy feliz porque me encuentro a mí mismo, en paz y en calma. Esa fue la principal razón, nada creativo en particular, pero me ayudó a encontrar la manera de ser feliz, tomar mi guitarra y encontrarme con ella. Nunca fue mi intención el documental, eso lo propuso Gene, quien me preguntó si podía venir y simplemente filmarme en mi viaje y experiencia en la Ciudad de México”, narra Johnny Indovina.

Finalmente, para ambos músicos este periodo de creación en confinamiento les permitió enfocarse de una manera singular para hacer su música: “Solemos ser muy enfocados y sabíamos que estábamos haciendo sencillos cada mes. Posiblemente nuestro nivel de enfoque fue más guiado o más fuerte, porque teníamos que estar encerrados, pero eso nos benefició”, afirma Johnny y Mark, quienes además coinciden: “Creo que nosotros ya teníamos algo de trabajo previo a estos momentos que estamos viviendo, así que básicamente nos mantuvimos trabajando y seguimos en esto. Posiblemente, como dice Johnny, tuvimos un poco más de beneficio por estar todo el tiempo en casa y logramos excavar más adentro para obtener ideas para las cosas que buscábamos y vienen en este nuevo disco. Nos mantuvimos haciendo lo que necesitábamos realizar”.

Entrevista: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

Presonus

Subwoofer Eris Sub8

Con el objetivo de aumentar su gama de altavoces para home studio, la marca presenta este subwoofer, especialmente diseñado para complementar la respuesta de voz y frecuencia de los monitores de referencia de la línea, como los E3.5, E3.5 BT, E4.5 o E4.5 BT. Integra un amplificador clase AB con potencia máxima de 100 W (50 W RMS), control de ganancia de entrada (-30 dB a +6 dB, continuamente variable), entradas principales izquierda y derecha, TRS balanceadas de un cuarto de pulgada y RCA no balanceadas, salidas TRS de un cuarto de pulgada balanceadas izquierda y derecha y salidas de paso RCA no balanceadas para conectar altavoces satélite. Hermes Music. 55 5002 2200 www.hermes-music.com.mx www.presonus.com

Focusrite

Plug-ins FAST

La marca presenta una nueva gama plug-ins: FAST Equalizer, FAST Compressor y FAST Reveal, para proporcionar una amplia variedad de capacidades de procesamiento dinámico y modelado de tono. Simultáneamente, también se lanzará una plataforma y un centro creativo llamado The Collective, en el que los complementos FAST estarán disponibles, como parte de un sistema en línea en constante expansión, diseñado para equipar a los creadores de música apasionados con herramientas e inspiración para permanecer en su zona creativa. Paxsa. 55 5243 5484 www.e-paxsa.com.mx focusrite.com

Antelope

Interfaz Zen Go Synergy Core

Para un nuevo segmento de usuarios que incluyen creadores de contenido como podcasters, y que gran parte de su tiempo están en estudios dedicados a tal fin, esta interfaz (4 x 8 USB-C) alimentada por bus tiene un diseño de escritorio basado en DSP con la misma plataforma de procesamiento de efectos integrada Synergy Core que se encuentra en las interfaces de audio de la marca. Cuenta con la tecnología de conversión AD / DA de la firma y el algoritmo patentado AFCTM (Acoustically Focused Clocking) de 64 bits, que admite frecuencias de muestreo de hasta 24 bits / 192 kHz. Audiogate Internacional. (55) 5336 5522 audiogate.mx en.antelopeaudio.com

Green Hippo

Software Hippotizer V4.6

La nueva versión del programa de diseño de la marca incluye características como la completa visibilidad en el entorno de proyección y necesidades, la posibilidad de colaborar y presentar ideas antes de la programación, además de herramientas 3D mejoradas. Es posible configurar la ubicación del proyector, el brillo del objetivo y la densidad de píxeles para elegir el modelo y la cantidad del proyector y las lentes necesarias. www.green-hippo.com

Martin Audio

Altavoz para arreglo de curvatura constante Torus

Para aplicaciones que normalmente requieren un alcance de entre 15 y 30 metros, un line array completo no siempre es la mejor opción, pero una solución de fuente puntual puede no ser suficiente en cobertura y Nivel de Presión Sonora. Sin embargo, Torus es una matriz de curvatura constante, diseñada para llenar adecuadamente ese espacio, combinando cobertura optimizada, perfil SPL y rentabilidad. Cuenta con control de patrón horizontal óptimo, dos gabinetes en ángulo para una cobertura vertical óptima, modelado y optimización 3D y diseño de gabinete premium con implementación flexible. Audio Acústica y Electrónica (55) 5655 5505 audioacustica.com.mx martin-audio.com

Robe

Luminaria LEDBeam 350

Para los usuarios familiarizados con la luminaria LEDBeam 150, la LEDBeam 350 es una variante más grande y brillante (6,600 lúmenes), que brinda más fuerza y presencia para quienes desean haces luminosos cristalinos y washes de colores muy ricos. La marca conservó y desarrolló todas las características que hicieron del LEDBeam 150 un dispositivo muy reconocido, incluido un rango de zoom óptimo (de 3.8 a 60 grados) y una tecnología innovadora de recubrimiento de lentes que los mantiene más claros y sin rayones. Showco. (55) 5000 9480 www.showco.com.mx www.robe.cz

Denon

Reproductor de medios SC6000M Prime

Cuenta con un plato motorizado de 8.5 pulgadas que asegura a los DJs el toque de una tornamesa convencional, y para un flujo de trabajo digital, tiene una pantalla táctil avanzada y su potencia está dada por un procesador interno multi-core. Su plataforma de software integrada especialmente diseñada para DJs ofrece rápidos tiempos de carga y una navegación, administración y búsqueda de tracks intuitiva. Con calidad de audio digital de salida dual de 24 bits y 96 kHz, el SC6000 admite todos los formatos de archivos de música comprimidos y sin comprimir, incluidos AIFF, FLAC, ALAC y WAV. Hermes Music. (55) 55 5002 2200 www.hermes-music.com.mx www.denondj.com

Pioneer DJ

Monitores activos Serie VM

Las unidades VM-50, VM-70 y VM-80 producen un audio claro con graves potentes. Cuenta con configuración flexible DSP y se puede ajustar para adaptarse a las características de una sala, lo que los hace adecuados para recrear el sonido de un club cuando el DJ está pinchando o incluso para proporcionar una respuesta de frecuencias plana cuando se produce música en casa o en el estudio. www.pioneerdj.com

Rane

Controlador One

Brinda a los DJs un diseño familiar, intuitivo y orientado al rendimiento con todo lo que ellos necesitan, donde lo necesitan. Cuenta con pads multifunción, paletas para efectos, una sección dedicada de bucle y controles de la mezcladora. Su plato motorizado es de 7 pulgadas y soporta softwares como Serato DJ Pro, Algoriddim’s djay Pro AI y Virtual DJ, y ofrece una variada conectividad, con 3 salidas estéreo, de micrófono dual y USB, así como entradas auxiliares phono y línea. Vari Internacional. (55) 9183 2700 www.rane.com www.varinter.mx

Klang Technologies

Controlador Kontroller

Se trata de un controlador de hardware compatible con todos los procesadores de mezcla inmersiva de in-ear de la marca y su nuevo procesador, Klang: vokal, brindando un nivel nuevo de monitoreo personal para músicos. La firma recibió muchas solicitudes para crear un controlador de hardware independiente que ofrezca la misma funcionalidad de mezcla, combinada con un potente amplificador de auriculares con calidad de estudio. Hermes Music. (55) 55 5002 2200 www.hermes-music.com.mx www.klang.com www.hermes-music.com.mx www.denondj.com

Gibson

Guitarra acústica Noel Gallagher

Durante 127 años, Gibson ha formado el sonido a través de generaciones y géneros musicales y se ha convertido en una de las marcas de guitarras más importantes del mundo. Así, acaba de anunciar que se ha asociado con el cantante, compositor y guitarrista Noel Gallagher, para recrear la guitarra acústica Gibson J-150, que ha sido la preferida del músico durante más de veinte años. Lanzará solamente 200 piezas con características como back de maple AA, así como tapa de abeto Premium y todo complementado con acabados hecho a mano. Eusica. (55) 1991 2887 eusica.mx www.gibson.com

Novation

Controlador Launchkey (MK3)

Intuitiva y totalmente integrada, la gama Launchkey de Novation ofrece controladores de teclado MIDI esenciales para todos los niveles de habilidad y ahora está viendo su primera actualización de firmware. Muchas de estas nuevas actualizaciones han sido solicitudes de la comunidad de usuarios de estos productos, agregadas para aumentar la creatividad y crear una experiencia mejorada en todos los aspectos utilizando los productos de la línea. Una nueva función es el modo Strum, que ayuda la creatividad en la creación de melodías. Casa Veerkamp. (55) 5668 0480 novationmusic.com veerkamponline.com

Daniel Perri,

el virtuoso ser humano, tecladista y director musical de Raúl Di Blasio

“Siempre he estado a la par de trabajar con artistas y creando”, comenta Daniel. Su papá es cantante, estuvo en grupos de Irapuato, Guanajuato, de donde son originarios, y Daniel conoció músicos estatales debido a que en Irapuato se unen varias ciudades y pudo, estratégicamente, conocer músicos y tecladistas. Su formación fue una mezcla de tips de aquellos músicos; se ganó el cariño de ellos por ser el niño que preguntaba, hablaba de teclados y marcas, como el N264 y el Korg Trinity. Daniel tocaba boleros y les aprendía todo lo que podía en vivo, y creció entre los doce y trece años de edad tocando en grupos locales versátiles. Su maestro, Marcelo Cortizo, lo adentró en el jazz y conoció también al Maestro Mario Patrón Jr, a quien vio tocar en un grupo llamado Densidad 6, así que a los quince años aprendió a tocar jazz, con ambos maestros como mentores. “El jazz ha sido mi norte o dirección” agrega Daniel con agradecimiento.

Humildad, solidaridad y trabajo musical en equipo

Daniel se desarrolló tocando a nivel estatal en un grupo llamado “5”, tocando también en cuartillos y sextetos. Sin embargo, las complicaciones de la inseguridad en Guanajuato lo abrigaron a viajar a la Ciudad de México para estudiar en la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM). Se hospedó en casa de muchos músicos e hizo buena amistad con Sajith Regalado, (baterista de Alejandra Guzmán), quien lo invitó a su primer trabajo, sustituyendo al Maestro Mateo Aguilar, a quien Daniel aprecia mucho. Después de Alejandra Guzmán, conoció a Tito Ruelas, guitarrista director, quién lo recomendó para Río Roma y obtuvo el patrocinio de la marca Kurzweil. Así continuó Daniel hasta cumplir también ciclos con Alex Ubago y Juan Gabriel.

Desarrollo a gran escala en la escena internacional de la música y el espectáculo

Después de Río Roma, Daniel se tomó un descanso y regresó a Irapuato. “De la nada, el guitarrista Oscar Galván me hizo el honor de recomendarme con Juan Gabriel”, agrega. A puerta cerrada, hizo la audición mas seria de su vida. Le hicieron evaluaciones de lectura, sonido y sincronización. Pasaron semanas y finalmente le hablaron para hacer el tour en Estados Unidos con Juan Gabriel entre los años 2014 y 2015; tocó en las arenas más grandes de aquel país, como el Madison Square Garden en Nueva York, que era su máximo a realizar y posteriormente, firmó con Yamaha en patrocinio.

Con Juan Gabriel, Daniel tocaba en vivo entre 35 y 38 temas por concierto; eran horas enteras de show y repetir canciones. Federico Barragán Rocha, bajista de David Bisbal, invitó a Daniel a tocar y crecieron juntos profesionalmente con una bonita amistad. Daniel también hizo gira internacional con David Bisbal en el tour “Hijos del Mar” y aprendió bastante de la dirección de Ludovicco Vagnone en dirección musical. Una diferencia entre los directores de Juan Gabriel y David Bisbal era que con el primero usaban consolas Yamaha grandes y monitores de piso, más al estilo clásico en equipos, mientras que con David Bisbal era más pop, con más tecnología en el uso de in ears. Las recompensas venían en aumento y en los momentos de viajes y conciertos pidió permiso para estar en el nacimiento de su hijo al Maestro Maestro Alberto Aguilera, quien lo apoyó para estar con su hijo el 8 de diciembre 2015. Le dijo a Daniel: “La felicidad es primero”, gesto del cual Daniel está siempre agradecido.

Jazz fusión y producciones propias

El disco “División” es la primera producción de Daniel Perri, grabado a trío en estilo jazz fusión, con Iván Nuñez en la batería, Iván Barrera en contrabajo y Miguel Rodríguez, “Chuck” en el bajo. Posteriormente, acuñó el disco “Artiato”. “Desde los quince años he tenido un gusto muy especial por el arreglo musical y eso me abrió una gran puerta al área de producción musical”, comenta con entusiasmo. Daniel inició grabando sus propios arreglos musicales, experimentando diversos programas de grabación.

Su padrino Jorge Blanco y su tío Lalo, quienes en ese entonces ya eran músicos profesionales, usaban el programa Cakewalk, donde se empezó a formar. Años más tarde, con mucho esfuerzo compró el estudio virtual Reason, el cual usó durante diez años aproximadamente, hasta que conoció Logic Pro X. Los teclados han sido una herramienta fundamental a lo largo de su vida: lo acompañaron durante mucho tiempo los teclados Kurzweil Pc3K8 y Yamaha Motif y actualmente usa el Studiologic de Roland, aunque en realidad, todas las marcas que ha usado llevan un lugar especial en él.

El acercamiento con la producción musical de parte de Daniel fue grabando su propia música, con ideas jazzísticas que se le vinieron a la cabeza y que más tarde llevó a la realidad, con la ayuda de sus amigos Iván Nuñez, Giovanni Figueroa, Iván Barrera, Marco Rentería, Miguel Rodríguez Chuck, Paco Herrejón, Jorge Servín y Alberto López, (QEPD), entre muchos otros amigos que le hicieron el honor de grabar su música. En sus discos “División y Artiato” de jazz, expresa totalmente su esencia.

Su álbum “División” es mucho más orgánico, grabado de una manera tradicional, con tres personas grabando en un mismo estudio y al mismo tiempo. Este álbum lo grabó en los estudios del TEC de Monterrey en la Ciudad de México en mayo de 2014, gracias a Ulises Tello. Por otro lado, “Artiato” fue un álbum experimental con sintetizadores y eso lo hace totalmente electrónico, pero lleno de improvisación jazzística.

Actualidad y superación ante tiempos difíciles

Daniel Perri se encuentra patrocinado por Roland y también lo apoya Karma Music, tienda de música, y siente un profundo agradecimiento por su apoyo. Ahora se convirtió en el director musical de Raúl di Blasio, supliendo al Maestro Nando Hernández. Con el confinamiento sanitario se canceló la gira de Raul Di Blasio; sin embargo, ya están retomando actividades. Acaba de estrenarse también como empresario con la marca de ropa y calzado DPN Daniel Perri Navarro, junto a su esposa Sara León, y su otro negocio es su estudio “Cerebro de Música Brava”, de producción musical, arreglos y cantantes.

Como filosofía para nuevos tecladistas, Daniel concluye: “Estudien para cuando la oportunidad aparezca. Mi frase espartana es: “derrama más sudor en el entrenamiento y sangrarás menos en la guerra”. Pueden seguir a Daniel en sus redes sociales. Facebook: Daniel Perri Navarro. Instagram: @danielperrinavarro.

*Guitarrista, compositor y productor. Ex-guitarrista del grupo Kerigma (1989 – 1993), grabó el disco “Esquizofrenia”. Como solista, sacó su primer disco instrumental “Horizontes” en sound:check Xpo 2018. Psicólogo educativo, psicoterapeuta corporal y de pareja, conferencista, consultor en sexualidad, cuenta con el Postgrado CORE Institute of New York. Es empresario, filántropo, fundador y director de la fundación Más allá de la Adversidad AC, para apoyo de personas con enfermedades reumáticas.

El melotrón:

precursor del sampler

Una de las herramientas más usadas en la producción musical, el sampler, funciona bajo una idea que, teóricamente, es muy simple: realizar una grabación de un sonido para después reproducirlo a diferentes alturas, de acuerdo a las notas pulsadas en un teclado o según los mensajes recibidos de una secuencia MIDI. Esta grabación, que es almacenada como una serie de números en la memoria del sampler, puede ser capturada a través de un micrófono para obtener el trino de un ave, una nota de un instrumento musical o puede importarse directamente de un disco compacto de audio o de cualquier memoria que tenga almacenados archivos de audio en formato digital.

Un sonido original

Desde los años ochenta –década en la que surgieron los samplers–, se tienen grandes representantes, como el Emulator o el Ensoniq Mirage, pero en el siglo XXI, los samplers físicos fueron perdiendo terreno frente a los samplers en software, como los incluidos en Ableton (el Simpler y el Sampler), en Reason (el NN-XT y el NN-19) y otros que pueden funcionar como programas independientes o que pueden adaptarse a diferentes DAWs, como el famoso Kontakt, que se utiliza mucho para realizar maquetas de obras orquestales e imitaciones muy realistas de instrumentos acústicos.

Pero mucho antes que el sampler, el melotrón fue precursor en el uso de grabaciones de instrumentos reproducidas con un teclado; por supuesto, la tecnología usada era diferente y el sonido era de baja calidad y con una afinación ondulante. Fue diseñado y construido a principios de los sesenta por los británicos Leslie, Frank y Norman Bradley, basados en el instrumento Chamberlin creado por el estadunidense Harry Chamberlin en 1951.

Si se quiere tener la experiencia de escuchar este instrumento –la cual es la mejor manera de conocerlo–, el ejemplo clásico de su sonido se tiene en la introducción de la pieza Strawberry Fields Forever de The Beatles, que fue interpretada por Paul McCartney en un melotrón con un timbre de flautas. Claro que el melotrón puede sonar de formas muy diferentes: puede tener timbres de mandolina, flauta de pico, saxofón tenor, fagot, trombón, ensamble de tres violines, violoncello solo, sección de cuerdas, campanas tubulares, marimba, vibráfono, coro masculino, femenino o de niños, ensamble de metales, arpa y copas musicales, entre bastantes más.

En cuanto a su clasificación, el melotrón es un instrumento musical de teclado que entra en la categoría de los electrófonos. Es electrófono, porque su sonido sólo puede llegar a nosotros por medio de un amplificador y bocinas — y aunque a algunos sí los podemos escuchar sin amplificar, por lo general no se usan así, ya que su volumen es muy pequeño—. Los electrófonos se dividen en dos categorías: eléctricos, cuando el sonido se produce por medios tradicionales (soplando, frotando, pulsando o percutiendo) y dicha vibración es captada por un micrófono o pastilla que lo convierte en señal eléctrica; y electrónicos, cuando el origen del sonido es un oscilador controlado eléctricamente, es decir, no se requiere convertirlo en señal eléctrica porque desde un principio ya lo es. Por lo tanto, el melotrón es un instrumento electrónico y, por lo tanto, electrófono.

¿Cómo funciona?

Hablemos ahora de cómo opera el melotrón. Para cada tecla, hay una cinta magnética que contiene una grabación de algún instrumento acústico con una altura (frecuencia) correspondiente a la de la tecla. Se pulsa ésta y la grabación, de un máximo de ocho segundos, se reproduce. Al soltarla, la cinta es llevada a su punto de inicio y está lista para ser tocada nuevamente, de tal forma que si queremos tocar un acorde de gran duración, tenemos que soltar y pulsar nuevamente las teclas que forman el mismo. Hay quienes creen que el final de la cinta se adhiere al principio de ésta para crear un ciclo (bucle o loop), pero no es así; es una cinta que se reproduce desde el inicio con cada pulsación de la tecla.

Estas cintas magnéticas son prácticamente iguales que las que se tienen en los casetes de video (VHS o Beta), o de los casetes de audio, aunque sus medidas son diferentes. Las cintas que utilizaban los melotrones constaban de tres tracks o pistas, lo que significa simplemente que el ancho de la misma, de 0.95 centímetros, estaba dividido en tres secciones y en cada una de ellas se podía tener una grabación de un instrumento diferente. La cabeza lectora se movía de izquierda a derecha para reproducir el sonido que se requería, pero también se podía colocar entre dos tracks para poder reproducir dos sonidos de la cinta al mismo tiempo.

Su teclado consta de 35 teclas, empieza en la nota Sol, luego dos octavas completas y otro fragmento de octava, hasta una nota Fa. El modelo Mark II (MkII) consta de dos teclados adyacentes, también cada uno de 35 teclas.

Así como la imagen de un violín simboliza la música de concierto y la de una guitarra eléctrica, al rock, el melotrón se ha convertido en la representación del rock progresivo. The Moody Blues, Génesis, King Crimson, Yes, Premiata Forneria Marconi, Flower Kings, Anglagard, entre otros, son bandas ampliamente conocidas por el uso de este instrumento que se volvió un sello del género, y se puede decir que, si tocas rock progresivo, interpretar alguna sección de una pieza con melotrón te hará ganar casi en automático la aprobación de los fans. Para los músicos y para un estudio que quisiera tenerlo, una pregunta de suma importancia es: ¿cuánto cuesta un melotrón? Según la información del libro Vintage Synthesizers de Mark Vail (2000) y de Keyboard Magazine, se han recabado aquí varios modelos con sus precios originales en los Estados Unidos: Mark I (1963): 1,500 a 2,000 dólares; Mark II (1964): 1500 a 2000 dólares; Model 300 (1968), 2,500 dólares; Model 400 (1970): 4,000 dólares y Mark VI (2004): 5,200 dólares.

Con estos precios, ¿habrá alguien a quien le interese un melotrón? Y algo más, si ya se tienen samplers para reproducir versiones de gran calidad de instrumentos acústicos, ¿para qué querer las grabaciones de un sampler? También se tiene la desventaja de que es muy pesado y llevarlo en gira de conciertos es de lo más complejo, amén de que es tan delicado que el calor, el frío, el polvo, la humedad y las máquinas de humo del escenario pueden afectar su funcionamiento. Sin embargo, ese sonido de baja fidelidad, con imprecisiones en su afinación y con degradación de las cintas de audio por la reproducción continua de éstas, son las que han dado su sello propio al melotrón, un sonido que algunos han descrito como ensoñador, misterioso, místico o sobrecogedor.

Lo paradójico de esta historia es que el melotrón, que se usaba en un inicio para suplir a grupos de cuerdas o ensambles de otros instrumentos acústicos, al final ha resultado suplantado por samplers que digitalizaron las grabaciones originales de las cintas del primero. Varios samplers en software proveen grabaciones de melotrón, y otros instrumentos, como el Proteus Vintage Keys y el Nord Electro, nos dan la posibilidad de escucharlo y tocarlo a precios mucho más accesibles. Actualmente, la misma compañía Mellotron está fabricando melotrones digitales con modelos realmente portátiles como para llevarlos al escenario (y hasta una versión en módulo ofrecen); puede obtenerse información sobre sus instrumentos en www.digitalmellotron.com

*Licenciado en órgano por la Facultad de Música de la UNAM y profesor del Conservatorio de Música del Estado de México. Después de ser tecladista del grupo de rock Iconoclasta, en 2009 funda su agrupación GOVEA, con quien ha producido dos discos compactos y un DVD. Ha compuesto obras para orquesta de cámara, cuarteto de cuerdas, orquesta Big Band y su pieza “Subliminal” (para cello y electrónica) fue grabada en 2019 por Jeffrey Zeigler (ex-integrante del Kronos Quartet). Escribe sobre análisis y apreciación del rock progresivo en su blog www.salvadorgovea.com

Foro Virtual Pepsi Center:

el desarrollo híbrido del entretenimiento

La alianza que surgió entre las compañías Pepsi Center, Castelein, Rock Show Entertainment y Followme Productions para reactivar la industria del entretenimiento lleva a otro nivel su visión de producir eventos vía streaming al fundar este Foro Virtual con tecnología de punta en audio, video, iluminación, escenario y protocolos de red, así como estrategias de marketing y difusión, que permitirá atender proyectos corporativos, culturales, de entretenimiento, políticos y educativos, en un sitio conocido por su excelente ubicación y servicio, a un costado del CIEC-World Trade Center de la Ciudad de México.

Los objetivos

En palabras de los aliados, se trata de “una opción novedosa, rentable y accesible, lista para atender propuestas híbridas” (con público y virtuales), cumpliendo las medidas sanitarias, tanto para los diferentes staffs que lleguen, como el público; es Aymeric Castelein quien relata los nuevos objetivos y visión del proyecto:

“Las circunstancias de la pandemia nos unieron hace un año y lo primero que se mantiene de ello es el aspecto humano que nos hizo juntar, pues hemos tenido colaboraciones muy exitosas; luego, lograr tener al Pepsi Center como protagonista, con un recinto que se presta para hacer cualquier tipo de eventos, nos da una gran ventaja, porque queremos emular — todo lo que se pueda—, la magia del evento presencial y llevarlo a un nivel digital para que la experiencia sea la más completa posible. En ese sentido, conviene que

En ese sentido, conviene que el recinto sea versátil y podamos llevar a un nivel digital, conciertos o coreografías o shows, stand ups o cualquier cosa, más allá del propósito principal del foro, que son los eventos corporativos”.

Este foro virtual se adaptó en el Salón Olmeca VIII con sus 200 metros cuadrados a disposición, donde está instalado un rider con tecnología audiovisual que cubre los requerimientos de cualquier producción, más la ventaja de poderse modificar, quitando o añadiendo equipo, según las necesidades del cliente y proyecto:

“Estamos junto a otro salón que, en un momento dado, podemos usar para ampliar la capacidad. El rider que está propuesto es estándar, con una pantalla de LED de 15 metros cuadrados (con 6 metros de ancho por 2.5 de alto), que se puede ajustar a cualquier otro formato, porque nuestro interés es ayudar al cliente a que pueda hacer el evento como él lo desea, ya sea que use lo que ahí está o que cubramos un rider específico por el talento que traiga, pues tenemos en bodega todos los equipos para ello”.

“Tenemos un espacio muy cómodo para trabajar, no estamos encimados, es un lugar bonito y ciertamente hay un interés por acercarnos al mercado corporativo, dada la ubicación y core de negocio del sitio donde está el recinto, que además es un lugar donde el protocolo sanitario se cumple sin improvisar las cosas, además de contar con estacionamiento, en una zona bien ubicada”. Otra ventaja es que el foro está instalado y operacional, no llega el cliente y estamos terminando de cablear las cosas y esperando que quede todo configurado. Cuenta con un área de hospitalidad probada y también es un gran beneficio que, en el rubro artístico, podemos adecuar un salón como camerino u oficina de producción y si bien el Olmeca VIII no permite la entrada de maquinaria grande o autos, por ejemplo, sí podemos usar otro espacio del recinto para eso. Todas la partes involucradas hicimos un esfuerzo grande por armar un paquete de servicio acorde para satisfacer este proyecto con una tarifa y servicios que generan valor, sin sacrificar calidad”, detalla Aymeric.

Entendidos también de las posibilidades que brinda el llamado “falso en vivo”, el Foro Virtual Pepsi Center está listo para atender ese formato, expone el especialista en producción: “Desde luego, este lugar funciona perfecto como estudio de grabación y, una vez realizado el material, se edita, transmites y demás, si se desea, desde estas mismas instalaciones. Y aquí también juegan un papel fundamental las otras partes de la alianza: Rock Show Entertainment y Followme Productions, porque son empresas de producción como tal, dedicadas al mercado musical artístico y corporativo, de manera que se encargan de todo lo que pasa antes, durante y después del evento, porque no sólo es hacerlo y determinar qué pantallas, cuántas cámaras y cuánto cuesta el estacionamiento; es todo un combo: un evento se integra dentro de una estrategia de comunicación y mercadotecnia y ahí ellas aportan un enorme valor”.

La virtualidad como oportunidad

Con la contingencia sanitaria aún atendiéndose de distintas formas en el planeta y el país en sí, la valoración sobre el momento que implica poder realizar con eficiencia y calidad el formato virtual de los eventos y el espectáculo es de alta importancia e interés para los productores: “Tanto yo como los aliados que estamos en este proyecto creemos que para hacer toda esta parte virtual, que ya llegó para quedarse y creo que en un futuro el 90 por ciento de los eventos serán híbridos, lo que veremos cambiar y por ende, atender, es el porcentaje entre lo virtual y la parte presencial que ocurrirá. Estoy seguro de que la parte digital permanecerá ya en los eventos como una alternativa y eso es una gran oportunidad para todos”.

“Tanto yo como los demás socios somos realistas, pero mantenemos un espíritu y una iniciativa que justo surgió por ayudarnos. Debíamos hacer algo y ese valor humano, altruista y solidario, que está en nuestro ADN, permanece concluye asertivo Aymeric.

Esta búsqueda por la mejora, la creatividad incentivada por la tecnología y la excelencia en el servicio y la adaptación a los tiempos que corren, sin duda, abrirá puertas para mantener la reactivación económica del sector y convertirla en un modelo sostenible que cubre diversas industrias y necesidades, porque aún falta un buen trecho por recorrer para el restablecimiento de nuestro gremio.

Sonasterio

Mitos y realidades de producir en un home studio

En la actualidad, la mayoría de los músicos tenemos un home studio, un estudio en casa que nos permite trabajar nuestras ideas, generar demos de nuestra música y llevar a cabo la pre-producción de un tema o proyecto, teniendo en cuenta que la producción final del mismo se llevará a cabo en un estudio profesional; esto, por supuesto, dependiendo de qué tipo de proyecto estemos realizando. En muchos casos, un estudio casero es suficiente para llevar a cabo la producción completa, pero en otras ocasiones no será suficiente para concluir nuestra producción al no contar, por ejemplo, en caso de requerirlo, con la microfonía suficiente para grabar una batería, una sección de cuerdas o instrumental, una cabina adecuada acústicamente para realizar una grabación controlada y algunos retos adicionales. Es una realidad comentar que muchos estudios caseros sí cuentan con las posibilidades que acabo de mencionar, de tal forma que puede realizarse una grabación profesional sin tener que rentar tiempo en un estudio de grabación formalmente constituido.

Todo depende de las necesidades

Un estudio de grabación profesional cuenta con instalaciones acondicionadas acústicamente, equipo periférico, microfonía, bocinas, consolas, interfaz de audio y computadora, así como recursos adicionales que muchas veces no tenemos a disposición en un estudio casero. El dueño de un estudio profesional invierte una cantidad de recursos económicos justamente para proporcionar estas ventajas a sus clientes, además de generar una experiencia de servicio y atención personalizada. Un estudio casero normalmente cuenta con una computadora, una interfaz de audio, algunos micrófonos y periféricos y su ventaja es principalmente que está a la mano en cualquier momento y que no cuesta, más que lo que hemos invertido en él.

En lo personal considero necesario rentar tiempo de estudio profesional cuando los requerimientos de la grabación lo exigen: grabar una sección de instrumentos que requiere de una cabina con espacio físico para grabarlos que involucre el uso de distintos tipos de micrófonos, con un sistema de monitoreo y

audífonos suficiente para que los músicos se escuchen adecuadamente es algo que no siempre es posible tener en un estudio casero y genera una serie de problemas a resolver. Rentar un estudio profesional nos permite resolver estos obstáculos, contando con la experiencia de un ingeniero de grabación y de los asistentes del estudio.

Desde la época de los Beatles, muchas bandas se rentan un estudio de grabación no sólo para grabar sus temas, sino para vivir literalmente una temporada en él: ahí conviven, ensayan y en muchos casos incluso componen sus temas dentro de las mismas sesiones en el estudio. Actualmente, me parece muy buena considerar esta idea en el caso de una banda; sin embargo, el obstáculo generalmente al que una banda se enfrenta es el presupuesto, porque los estudios profesionales cuestan. Recuerdo haber estado grabando en un estudio en Los Angeles allá por 1993 y en el que Limp Bizkit estaba grabando un álbum completo en un estudio alterno al que yo me encontraba y que rentaron cerca de tres meses. Tuve la oportunidad de entrar al estudio donde esta legendaria banda grababa su disco y pude comprobar no sólo la instalación y presencia obligada de sus instrumentos, sino prácticamente un departamento amueblado y acondicionado, donde el grupo convivió por todo este tiempo en la grabación del disco. Sonasterio

Otra ventaja que tienen los estudios de grabación profesionales, es que muchos de ellos cuentan con pianos acústicos que muchas veces se requieren en una producción. Aunque hoy existen muy buenos pianos virtuales, un instrumento real es insustituible, sobre todo si está en buenas condiciones y el estudio cuenta con los micrófonos adecuados para grabarlo. En la Ciudad de México existen muy buenos pianos acústicos en lugares como Estudio 13, Estudios Noviembre, Valenzo Studios, Sala de Audio y el estudio de Sony, entre los que conozco, todos ellos con una excelente infraestructura y equipo para grabarlos profesionalmente.

La creatividad tiene la palabra

El estudio profesional, mas allá de ser el lugar donde se graba, es un espacio de convivencia donde se construye el sueño de un proyecto, donde se logran los objetivos, donde se experimenta, donde se convive con otros músicos, donde se viven experiencias complicadas también, donde se obtiene el resultado tan esperado. Como pertenezco a una generación donde todo se grababa en los estudios profesionales, me es difícil pensar en un proyecto en el que no se vivan todas estas experiencias. Sin embargo, debemos reconocer, por supuesto, las ventajas que ofrece el hecho de tener un estudio casero y que dichas experiencias se pueden vivir en un entorno adaptado.

Los estudios caseros nos permiten, gracias a la tecnología actual, realizar el tracking de un disco completo. He participado en muchas producciones que se han realizado prácticamente FM Estudio

en un estudio casero o adaptado y los resultados han sido maravillosos. Recuerdo la grabación del disco “Hu-Hu-Hu”, de Natalia Lafourcade, donde tuve la oportunidad de participar como arreglista. El disco se grabó en una casa en Cuernavaca adaptada para ser el espacio creativo que el disco requería. Fue un estudio casero que contaba con un gran equipo técnico y humano. Sin aislamiento acústico específico, literalmente los espacios de la casa se convirtieron en las cabinas de grabación de todo lo que se grabó en aquel bello proyecto. Instrumentos musicales, cables, equipos periféricos y micrófonos repartidos por varias zonas de toda la casa formaron el singular mobiliario del recinto, que además tenía espacios para convivir, platicar, comer o simplemente permanecer en un entorno propicio para la creación musical.

En un estudio casero es posible hacer un disco completo. Lo importante es contar con lo necesario para grabar con calidad y tener la experiencia para lograrlo. Muchos proyectos basados esencialmente en registrar tracks que involucran elementos electrónicos o instrumentos virtuales pueden realizarse con éxito en un estudio casero, con un buen micrófono, un buen preamplificador y sin tener ruidos. Esto es suficiente para obtener un buen track de voz.

Para resumir, considero fundamental que todo músico profesional y estudiante de música tenga un estudio casero para experimentar, componer, grabar y llevar a la realidad sus ideas musicales. Invertir en un estudio profesional implica una fuerte inversión económica, que solamente algunas personas o inversionistas pueden hacer y que requiere de un alto costo de mantenimiento. En mi experiencia, al ser un músico involucrado más con el proceso creativo, me ha resultado más conveniente tener mi estudio casero bien equipado y rentar un estudio profesional cuando lo requiero. Creo que de esta forma es posible dedicarnos cada quien al área que ha decidido dedicarse: los músicos y compositores a crear música, aunque ello no nos aleje de estar involucrados con los aspectos técnicos que la producción musical exige hoy en día, y los ingenieros a grabar, ya que un estudio profesional debe ser construido, administrado y operado por profesionales dedicados cien por ciento a ello.

Es músico, pianista, compositor y productor musical mexicano con 35 años de experiencia en el medio musical contemporáneo. Ganador de un Latin Grammy como productor musical, ha sido director y arreglista en múltiples proyectos y con diversos artistas: Natalia Lafourcade, Café Tacvba, Filippa Giordano, Gustavo Dudamel, Eugenia León, Cecilia Toussaint y Fernando de la Mora, entre otros. Ha sido compositor para diversos proyectos de cine, teatro y danza y es fundador de CCM Centro de Creadores Musicales, pedagogo, conferencista e importante impulsor de la educación musical en México.