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A primera vista Sistema de pro...

El primer Jazz Tlax Festival, con la presencia de Harman

Harman Professional Solutions se sumó como patrocinador del primer festival de Jazz en Tlaxcala, México (coordinado por el Instituto Tlaxcalteca de la Cultura y el Gobierno del Estado), otorgando audífonos AKG K371-BT que fueron entregados a los asistentes de las cuatro clases magistrales impartidas durante el evento.

El festival, que tuvo lugar entre el 27 de julio y el 7 de agosto, se llevó a cabo gracias a la suma de concertistas y músicos, así como por el apoyo de los organizadores, Paloma Sánchez, Tonatiuh Vázquez y la maestra Guadalupe Ruiz.

La importancia del Jazz Tlax Festival para Harman era mucha, ya que para la empresa, el apoyo a proyectos emergentes que buscan dar espacio al talento local e incentivan la apreciación y aprendizaje de las bellas artes es una forma de contribuir con la sociedad y aportar la tecnología y experiencia en audio que Harman ha cultivado por tantos años con cada una de sus marcas, en esta caso con AKG.

“En Harman nos dedicamos a transformar la tecnología en experiencias para nuestro consumidor final; con esto buscamos hacerle la vida más fácil, cómoda, productiva y entretenida, y como parte de estas experiencias, hemos buscado involucrarnos en la parte cultural y musical del país, con el objetivo de apoyar a músicos, productores y proyectos que nos permitan ser parte de actividades e iniciativas que impulsen y desarrollen a nuevo talento mexicano”, comentó Angélica Juárez, Marketing Manager de México, Centroamérica y Caribe de Harman Professional Solutions.

En esta primera edición del Jazz Tlax Festival, Harman colaboró con audífonos AKG K371-BT para que fueran otorgados a los asistentes de las clases magistrales de Arreglo y dirección, Piano, Batería y Canto, que mostrarán lo aprendido a través de un video.

Los AKG K371-BT tienen un diseño de almohadillas ovalado que cubre por completo las orejas y logra un efecto de aislamiento acústico, brindando una gran comodidad y entregando un sonido de alta fidelidad, natural, balanceado y preciso. Su bisagra articulada plegable con muescas de ocho posiciones es plegable para una máxima portabilidad; sus almohadillas son de espuma de retención lenta para mayor comodidad y ajuste para sesiones de escucha más largas con menos fugas de graves.

Además, los K371-BT pueden usarse por cable o de forma inalámbrica, a través de Bluetooth con batería de cuarenta horas o con uno de los cables incluidos. Sus drivers son de titanio de cincuenta milímetros, ajustados a la curva de respuesta de referencia de AKG, proporcionando un rendimiento óptimo con una respuesta de frecuencia extendida.

Con el apoyo al Jazz Tlax Festival, Harman siempre ha tenido el propósito de apoyar de manera activa a proyectos que sumen a la cultura mexicana y mundial, sin limitarse a ningún género, aportando la experiencia que una compañía internacional puede sumar a proyectos emergentes.

Quetzalkrautl: tributo de la electrónica mexicana al krautrock alemán

Resultado de la colaboración entre Ramón Amezcua y Harald Grosskopf (Ashra, The Cosmic Jokers, Klaus Schulze), se trata de un disco que también hizo realidad la colaboración del mexicano con su héroe musical:

“Durante el confinamiento me dediqué a producir y experimentar con los equipos que no usaba hacía años. Grababa y subía video y audio de lo que hacía y un día, a Harald le gustó y empezamos a escribirnos. Nos habíamos hecho amigos en Facebook por un acercamiento que hubo a través de un amigo que tenemos en común, quien me sugirió hacer una colaboración con él”.

“Ha sido muy divertido y a la vez, en el caso de este proyecto, algo que nos conectó de muchas maneras, en mi caso con mis raíces de electrónica alemana, con este pionero del krautrock, la oportunidad de aprender de alguien que admiré porque escucho su música desde finales de los años setenta, tenía sus discos y las participaciones que hizo con Klaus Shulze y esos

proyectos setenteros. Fue algo surreal que nunca imaginé hacer en mi vida”, relata quien fuera uno de los colaboradores clave del Colectivo Nortec.

Tras armar el primer sencillo, “Cactomuzik”, siguió el intercambio que hizo posible este álbum de seis temas, editado por el sello de Ramón, Milovat Records: “Es un proyecto con el krautrock como eje. Está en su ADN y de mi parte, me permitió expresar todo lo aprendido, todas mis influencias, incluso usé equipos de los años setenta que tengo en mi estudio, muy antiguos, que se usaron para el género, traídos a este contexto totalmente diferente, como el sintetizador EMS, usado por todos los grupos de krautrokc y el progresivo posterior a eso, y otro que sin tener que ver con esa época, me influenció mucho en la electrónica: el sintetizador Roland TB303. Lo usé fuera del contexto del acid, el techno y el acid house, como herramienta para traer ideas musicales inspiradas en esas secuencias electrónicas setenteras. Otra tecnología fue la síntesis granular, que no es algo nuevo, pero con lo que deconstruí parte de los ambientes”, detalla Ramón.

Todo armado a la distancia durante tres meses, con la venía de los alojamientos en la nube, el interés mutuo y el hecho de disfrutar la realización de un proyecto así. “Fluyó porque también fuimos respetuosos; por ejemplo, en la edición, que fue muy importante. Harald expresaba sus ideas sin filtrar tanto las cosas, porque a veces era mucho material el que nos mandábamos. La forma de selección fue elegir lo que mejor pudiera expresar nuestras ideas. Creo que este tipo de proyectos, como el krautrock y su esencia minimalista, tiene que ver más con esa sencillez, dejar poquitas cosas y que fuera algo muy simple, que expresara nuestras raíces, nuestra conexión. De mi lado una proyección de México y su música electrónica”, expone.

Esa guía estética de lo mínimo aplicó en la mezcla y la masterización, partiendo del uso del software con el que ambos trabajaron: Ableton Live: “Harald me mandaba las sesiones y viceversa. Usamos plugins similares y bueno, yo usé mucho hardware y él mucho software, pero teníamos este oído común, con una estética que nos identificaba a los dos, ambos en el mismo canal. Lo que hicimos fue tratar de respetar ese sonido del krautrock y dar ese tributo a la electrónica. Entonces, sólo en algunas cosas traté de dar cierta dinámica para que no quedaran tan plano, como de jam, digamos. Poner ese rango dinámico de forma cuidadosa y, por el lado de la masterización, la hice en mi estudio, usando la plataforma Landr, que me gusta mucho porque me permite comparar lo que hice o bien dejar la versión que me da”.

Así, este singular manifiesto de México hacia la aportación del krautrock, evoca el ejercicio de reconexión que también detonó el confinamiento sanitario, como comparte Ramón: “Me dio tiempo de escuchar mis discos, estar casa y reconectar con las raíces y lo pasado, porque a veces el tiempo y la inmediatez no lo permite. Este disco tiene que ver mucho con la cuarentena, con esa conexión, y para mí fue una gran oportunidad de expresar que soy parte de esa generación que creció escuchando esa música; que marcó mi vida y cuando quería sonar como ellos. Todo eso también es parte de este tributo”.

“A mí me gustaría que en cinco años se recordara lo que hice en estos tiempos extraños. Veía un disco de Depeche Mode de 1982 y fueron muchos los recuerdos y personas que pasaron por mi mente. Para mí fue algo que me enriqueció, porque al final son cosas que te permiten abrir la imaginación con el sólo hecho de abrirlos; es un canal en extinción con tanta música e inmediatez que tenemos en la web”, concluye certero el músico.

“Quetzalkrautl” es el resultado de un diálogo entre dos momentos, dos personajes clave en el desarrollo de un género musical que habla de sus países; un homenaje a lo que somos y podemos seguir siendo, adaptando lo humano a la innovación con sus fascinantes posibilidades.

Entrevista: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

La Historia Nueva de Michel Duhart

El estreno del sencillo que reversiona “Mad World” de Tears For Fears, da seguimiento al proyecto con el que Michel Duhart (ex integrante de la banda Hilo Negro), sacia ahora una de sus principales pasiones: la música. “El confinamiento sanitario me hizo tomar nuevamente la guitarra y empezar a hacer cosas. Un día, viendo la película ‘Donnie Darko’, que cierra justo con la canción ‘Mad World’, en la versión de Gary Jules, quedé sacudido por la pertinencia de las cosas que habla en este momento que vivimos: la soledad, la incertidumbre, gente sin rumbo, locura, tristeza, furia... me desperté con esa inquietud y tomé la guitarra”, recuerda.

Con la ayuda de Francisco Ruiz y la maqueta que empezó a armar en Logic, arrancó la producción musical de este tema ochentero, siendo “una terapia psiquiátrica” para Michel: “Hacer una canción en un momento tan difícil es una bendición; el arte nos sirve para sacar toda esta parte que tenemos atorada y enmarañada adentro”, afirma.

Con la preproducción capturada a la distancia y algunos encuentros presenciales, Francisco hizo bajo y teclados, Michel guitarras, la batería en otra parte y, para la voz, luego de hacer una convocatoria en redes sociales, se contactó a Tony Brown, quien por sugerencia de Germán Quintero parecía el indicado para la misión: “Yo no canto ni hablo impecable inglés, así que por eso armé la convocatoria para tener a la voz de este, no diría cover sino reversión. Germán me habló de Tony, quien es de Nueva York y ha compartido escenario con gente increíble, lleva un tiempo viviendo acá en México. Nos vimos e hicimos muy buen equipo”.

“Francisco y yo acabamos de armar la maqueta y nos fuimos a Cubeta Records, el estudio de Juan Cubas Friedman, amigo nominado al Grammy, y cuando nos vimos parecía que todos se conocían de vidas pasadas. Tony hizo una sola toma, mezclamos, masterizamos y salió todo a la primera, fluyendo muy bien. Es una canción llena de amor pero sobre todo, llena de honestidad en la ejecución. Si bien nosotros no somos los compositores, la idea era tener esta versión como un soundtrack de esta época donde mucha gente se ha ido, donde nos tenemos que abrazar y seguir apegados a la esperanza por tener un futuro”, detalla el guitarrista.

La mezcla de “Mad World” estuvo a cargo de Francisco Ruiz y la masterización fue fecha por Jaime Cavazos en 0VU Estudios, de Monterrey. Al respecto, Michel comparte: “Pancho me mandaba las cosas por internet y recibía mis comentarios. Sólo tuvimos una sesión de escucha presencial para dar los toques finales”.

“Con Jaime ya había trabajado algunas cosas de Hilo Negro y nos entendemos bien. La forma de hacer música cambió con la crisis sanitaria y puedo decir que para bien, es algo que tenemos que agradecer. Lo puedes hacer en tu casa, sorteando tus limitaciones. Haber convivido con Pancho, Tony y Juan Cubas, me dejó claro que hay que seguir aprendiendo de gente que viene de otros lados; eso es lo bonito de esto que ahora es un colectivo llamado Historia Nueva”.

Además de “Mad World”, Michel Duhart ha presentado cuatro sencillos más y confía en que podrá armar con esto una propuesta que cuente historias: “No un EP como concepto, sino algo que permita compartir a través de la música. Ya hay dos canciones publicadas donde canta Laura Álvarez, una chica de Paraguay fantástica, y el plan es tener seis canciones con un hilo conductor, que creo ahora esa es la libertad que nos permite este momento en la música”.

HN o Historia Nueva, es un proyecto artístico multidisciplinario que busca crear alternativas y rutas para la música, las palabras y las ideas. Michel Duhart invita a ser partícipes de este colectivo que busca establecer un punto de reflexión y diálogo con el tiempo que nos tocó vivir y que no guarda distancia entre decir y hacer.

Entrevista: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

Javier Blake y En los Tiempos de lo Extraño

Integrante del grupo División Minúscula, Javier Blake cumple su anhelo de entregar su primer álbum como solista, “En los Tiempos de lo Extraño”, para el cual Pipe Ceballos (Zoé) se sumó como coproductor.

El precedente de esta inquietud de hacer canciones fuera del grupo, fueron temas para películas como “Cuenta hasta Diez” y “Dice que se va el próximo mes” Luego, el ejercicio de revisar demos fue la base para las historias de su álbum:

“Mi idea fue hacer un disco completo porque soy un músico que viene de esa escuela; además, es mi primer disco después de más de 20 años en la música con mi banda, así que quería grabar las influencias que he tenido desde niño, de aquello que me movió a tomar una guitarra y querer cantar y escribir canciones

Elegir a Pipe como coproductor se debe a la coincidencia en visiones respecto a la música y cómo se hacen los discos: “Tendremos diez años de conocernos e hicimos clic por las pláticas que teníamos sobre cómo se hacían los discos antes, las historias detrás de las producciones y los artistas. Él fue una de las personas que de alguna manera me jaló al estudio para que hiciera el disco”.

La grabación se hizo entre julio y noviembre de 2019 en el estudio Indiana, de Pipe, y sólo las baterías en Panoram, intercalando el trabajo conforme a la agenda de ambos respecto a los compromisos de sus bandas, antes de la crisis sanitaria. La intervención de los músicos se dio tanto a distancia como de manera presencial: “Me gustó porque le dimos el tiempo que se debía”.

Para la grabación, Javier usó guitarras Gibson Les Paul 78, S35 y J200, además de Fender Telecaster, Rickenbacker y una Takamine. “Soy amante de las Gibson Les Paul y Telecaster, siempre he definido que mi sonido está entre esas dos. De acústicas ocupé una Gibson J200, jumbo que me encanta el sonido. La Takamine la usé para dar un sonido más rústico o seco. Luego, en canciones como “Girasol”, le quedó al arreglo una Rickenbacker de doce cuerdas para tener la vibra psicodélica de los sesenta. En canciones como “No Me Provoques” se puede escuchar un Fender Jaguar que es muy representativo”. La mezcla y masterización, ejercicios con aliados externos. “Para la mezcla hicimos un ejercicio previo entre Pipe y yo, del que tomamos lo que a ambos nos gustaba, pero necesitábamos algo en medio y nos topamos con este gran tipo, Jason Carmer (Fobia, Paco Huidobro), le dimos las referencias, conectamos y sí fue ese gran punto medio. Se armó un trío de opiniones en la sala de mezcla; ya no éramos dos, sino alguien nuevo para darle un oído fresco”.

“La masterización la hizo Mike Wells en Los Ángeles por recomendación de Pipe, porque su forma de trabajar el disco es como antaño, cuidando ese sonido vintage. Siento que hoy la norma es que se mate el dinamismo en los tracks y todo se oye demasiado fuerte, además de la compresión. Nosotros quisimos respetar el trabajo que se ha hecho durante la grabación y que no quedara todo saturado. Creo que lo logramos y la idea es sacar el disco en vinil”.

Estamos en “Los Tiempos de lo Extraño” y Javier Blake lo asimila de manera certera en su primer trabajo solista; el primero que ojalá esté seguido de muchos más.

Only in America, grabación providencial de Verónica Valerio

De esencia porteña, la música de Verónica Valerio, cantante y arpista, evoca el arribo y la partida como metáfora de una búsqueda que ha sabido hermanar y reinterpretar la tradición musical de regiones como Veracruz y Campeche en nuestro país, con el intercambio cultural y colectivo, gracias a la convivencia con músicos de distintas naciones durante su estadía en Nueva York.

El testimonio de esto son los discos junto a las agrupaciones Jarana Beat y Playa Magenta y, desde luego, los de autoría propia: “Viaje de Ida y Vuelta” (2014), “Entre Puertos” (2015) y el EP de reciente lanzamiento, “Only In America”, bajo la producción del músico, arreglista y orquestador estadounidense Van Dyke Parks, grabación de Doug Lacy, mezcla por Timo Blunck y masterización de GötzMichael Rieth (Eastside Mastering Studios).

“Mi primera grabación fue con el colectivo Jarana Beat, músicos mexicanos radicados en Nueva York. Al volver a la Ciudad de México gané un estímulo del INBA con el que hice mi primer disco ya como autora de todas las rolas: “Viaje de Ida y Vuelta”, disco producido por tres músicos: Santiago Ojeda (Botellita de Jerez), Hernán Hecht y Ricardo Martín que hace música y producciones de arreglos orquestales. Después de haber lanzado mi segundo disco, “Canciones de Puertos”, vino una pausa que coincidió con el proyecto de Playa Magenta, con quienes hicimos gira por Europa (Dinamarca, Holanda, Londres), que en lo interno me movió mucho y que trajo preguntas, así que volví a la ciudad en la que crecí, Campeche, y empecé una depuración. Ahí fue cuando le escribí a Van Dyke, quien se tomó la molestia de leerme y entenderme”.

Con la fortuna de atraer el interés del músico, el trabajo de identificación de la obra dio arranque enviándole referencias para ubicar Veracruz e instrumentos como el arpa: “Él convocó a quien grabó a los músicos de orquesta (Doug Lacy). La grabación tomó un semestre, aunque el trabajo venía de dos años haciendo orquestación de varios temas. Participaron músicos como Eugenio Ríos en el tres, Alejandro Loredo en el requinto y Ulises Martínez en el violín. Fueron cuatro los temas que quedaron y la guía para Van Dyke en la producción fueron los temas hechos por Santiago Ojeda: “Van Dyke vio en ese trabajo hacia dónde ir, porque están bien marcadas las pautas. Todo se hizo a la distancia porque ya nos tomó en pandemia: yo grabé la voz en Veracruz, los colegas músicos su parte en Ciudad de México y Van Dyke en un estudio cerca de su casa, con la ayuda de varios de sus alumnos. Estoy agradecida y bendecida porque todo se diera así, reflexiona la arpista.

La mezcla y masterización se hicieron en Alemania. “Van Dyke coordinó esos procesos. Yo sólo vi con Doug Lacy cosas de pronunciación”, señala Verónica. Lo que viene es que siga confabulando el universo y permita una presentación en vivo: “Me gustaría que fuera a dueto con Van Dyke, si se puede como quinteto, de lujo: chelo, contrabajo, percusión, él al piano y yo cantando. Este trabajo nació de un silencio y lo que descubrí también es que hay muchas personas conmigo. Va para ellos y para los jóvenes de esta generación USB, como la mía. Todos están aquí convocados”, concluye la artista.

Alfredo Sánchez,

tren de largo recorrido

Si hay un nombre grabado de manera indeleble en la vida cultural de Guadalajara y del país, ese es el de Alfredo Sánchez. A lo largo de casi cuatro décadas, José Alfredo Sánchez Gutiérrez ha repartido su talento creativo en varios frentes, que han sido la producción de radio, el periodismo y crónica cultural —publicada en numerosos medios y dos libros—, y la creación musical al servicio de diversas disciplinas artísticas y de comunicación. Su faceta de productor, compositor y músico lo ha llevado por aventuras variopintas en discos seminales que lo han llevado a una reconocida madurez artística.

Alfredo narra sus orígenes: “Mi infancia en la Ciudad de México, —donde nací—, transcurrió con un contacto con la música a través de la radio, que me gustaba desde niño. Un poco después, cuando entré en la adolescencia, empecé a tocar la guitarra y esto me abrió el camino hacia la música de una manera más formal. Mi papá estaba buscando otros horizontes y llegamos a Guadalajara en 1970. En la secundaria me encontré con gente a la que también le gustaba la música y además había dos estaciones de radio que programaban la música que a mí me gustaba y donde también incluían a grupos locales, como La Revolución de Emiliano Zapata, Los Spiders y 39.4. Yo empecé a ver a estos grupos en vivo y éste fue otro de los ingredientes importantes para que yo pensara más decididamente a dedicarme a la música”.

Un escalón a la profesión

La siguiente experiencia hacia la profesionalización fue en los años ochenta: “Estudié la carrera de Ciencias de la Comunicación en el Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Occidente (ITESO). Ahí coincidí con Jaramar Soto en un grupo y empezamos a tener una relación de amistad, la cual se convirtió después en una relación de pareja. Nos dimos cuenta de que teníamos muchas cosas en común en cuestiones musicales, formamos un dueto y posteriormente se integró Carlos, mi hermano, y junto al bajista José Cué, fundamos el grupo Escalón. Con esta alineación, grabamos dos discos: “Hermano de la Muerte” y “Escalón”, discos El Personal 2011

que se registraron y mezclaron en Sonomedios, uno de los pocos estudios que existían en Guadalajara en ese tiempo, y se grabaron en 16 canales en cinta de dos pulgadas. Teníamos muy poca experiencia y nosotros mismos éramos los productores, con la ayuda del ingeniero. Estos fueron los primeros discos importantes que hicimos, mayoritariamente con canciones escritas por mí e interpretadas por el grupo y con algunos músicos invitados”.

Un salto importante en la diversificación de la carrera de Alfredo fue su participación en la agrupación de música antigua y del renacimiento Ars Antiqua: “Ésta fue una invitación que me hizo Eduardo Arámbula, director del grupo, al igual que a Jaramar, poco después del final de Escalón. Con ellos colaboramos en dos discos, cuyas experiencias de grabación fueron muy interesantes”.

El Personal entra en escena

Un buen día, Alfredo recibió una invitación casual, que derivaría en un importante pedazo de historia: “Fui invitado a tocar con El Personal cuando iban a tener un concierto para el que necesitaban refuerzos y para esto, aporté guitarra y teclados. Finalmente me quedé en la banda, ya que me gustó esa mezcla de géneros musicales y el sentido del humor de las letras de Julio Haro. En realidad no era un grupo que tuviera muchas pretensiones, aunque poco a poco fue teniendo una creciente repercusión local. Esto nos llevó a plantearnos la posibilidad de grabar un disco y al hacer las alianzas que nos proporcionaron los fondos para hacerlo y buscar el lugar idóneo, apareció Sergio Naranjo, que tenía su estudio Mix Estudios, y decidimos grabar ahí. Desde mi punto de vista, “No me hallo” fue un disco muy interesante a nivel producción, porque era algo distinto de lo que se hacía en ese momento”. Discografía Alfredo Sánchez

Con Escalón Hermano de la Muerte (1981) Escalón (1985) Con El Personal No me hallo (1989) Con Ars Antiqua Canciones y Danzas de la Edad Media y el Renacimiento (1990) Tempus est Iocundum (1996) Con Jaramar Entre la Pena y el Gozo (1993) Fingir que Duermo (1995) Si Yo Nunca Muriera (1996) Lenguas (1998) A Flor de Tierra (2000) Nadie Creerá el Incendio (2002) Travesía (2003) Con Forseps Forseps 5 (2008) 6 pm (2013) Con José Forseps Reproducciones Vol 1 (2010) Dr. Frankenstein (2009) Orlok (2014) Con Andrés Haro y Los 7K Erecto (2004) Ja, Ja, Ja (2006) Alfredo Sánchez Primeros Pasos (2005) Soñé que Dormía (2013) Como músico Ars Antiqua El Personal Jaramar Gerardo Enciso Forseps Los Awilbur (Gerardo Enciso, Carlos Aviléz, Daniel Kitroser, Oscar Fuentes, Alfredo Sánchez) Sherelé

Con Jaramar

Jaramar, diez años

La formación de Alfredo Sánchez como productor, implicó un proceso de diez años, al respaldar el proyecto Jaramar. Él nos narra la historia: “Este proyecto lo hicimos ella y yo, y el primer disco que hicimos se grabó en Mix Estudios en 1992. En él, grabamos tres músicos: Jaramar, Eduardo Arámbula y yo. Eduardo aportó la grabación de instrumentos antiguos y yo incorporé elementos electrónicos, secuencias y voces. Ésta fue la mezcla de elementos musicales que prevaleció durante la década que siguió en seis discos y una compilación. En todo este tiempo, tocamos con numerosos músicos y deambulamos por estudios de grabación aliados, además de trabajar con diferentes ingenieros, como el mismo Sergio Naranjo, Arturo “Tuti” Perales, Alejandro Colinas, Raúl Cuevas y Armando Chong”. los cuales toqué las partes de piano en grabación y en vivo, además de hacer los arreglos de cuerdas y dirigir la orquesta, la cual se complementaba con un grupo de rock. En “Dr. Frankenstein”, también tuve la experiencia de coordinar a los músicos en vivo en diferentes teatros de todo el país. Fueron Con Dr. Frankenstein proyectos grandes que representaron un reto de grabación y de producción muy importantes”.

Provocaré terror

Seguidamente, el género de ópera rock se incorporó al bagaje de Alfredo: “Conozco a José Fors desde hace muchos años. Por una parte, hubo una invitación de él para grabar en un disco de su banda Forseps; después me integré a la banda y en ese camino, se dieron un par de proyectos en los que tuve la oportunidad de participar, que fueron las óperas rock “Dr. Frankenstein” y “Orlok, el Vampiro”. En ambos se realizaron los respectivos discos — ambos grabados en Oigo Estudios y Máquina Sónica—, en

Sirenas y solistas

Una experiencia nueva se agregó al bagaje de Alfredo: “Ricardo Zohn, un compositor de Guadalajara, residente en Nueva York, me invitó a hacer un proyecto inspirado en tres canciones mías, a las cuales les haría unas adaptaciones para orquesta. Posteriormente, en 2007 me invitó a tocar en vivo la guitarra y cantar en el estreno junto con la Riverside Symphony Orchestra dirigida por George Rothman, en Nueva York, en dos conciertos. Ésta era música compleja, muy retadora y exigente, tal como es

la música que suele componer Ricardo y que resultó en una experiencia increíble. Eso fue un reto personal y profesional muy importante para mí”.

Finalmente, Alfredo nos platica sobre sus trabajos más íntimos: sus dos discos solistas: “He hecho música instrumental para cine, teatro y danza, pero ante todo me considero un compositor de canciones. Estos dos discos: “Primeros Pasos” y “Soñé que Dormía”, representan esta parte personal mas mía, porque son mis canciones en letra y música, cantadas por mí mismo. .“Primeros Pasos” lo hice con la producción de Daniel Kitroser y yo, en el estudio Discos Imposibles de Andrés Haro, y con la edición de esa misma empresa. Años después, en el estudio Máquina Sónica, se grabó “Soñé que Dormía”, con la producción de Omar Ramírez y la participación de un montón de músicos amigos que se involucraron generosamente en él. Ambas producciones representan facetas muy personales como productor y músico y son un testimonio de todo lo que he hecho como compositor”.

Alfredo Sánchez se desempeña actualmente como subdirector de ocho emisoras de la Red Radio Universidad de Guadalajara y hace una reflexión final sobre los cambios que ha atestiguado a lo largo de cuarenta años de carrera: “Me ha tocado transitar en el paso de lo análogo a lo digital. Esto último le da una riqueza al trabajo y nos ha obligado a adoptar un cambio de mentalidad, aunque también puede llegar a ser un poco abrumador. En ocasiones extraño aquellos días en donde uno tenía que hacer todo con recursos mucho más limitados y había mucha más autoexigencia para poder hacer las cosas lo mejor posible desde el principio. Sin embargo, la edición digital ofrece muchas herramientas que te hacen la vida más fácil, pero exigen un conocimiento mucho más profundo de la materia sonora y cómo la vas a manipular. La música ha cambiado, sigue cambiando y seguirá cambiando, y los productores y músicos tendremos que adaptarnos a ello”, finaliza. Soulvivors