Анiме-видання "СьогодНЯ!" 26 номер

1

В НОМЕРЕ 3

Исида Хироясу второй Хосода, третий Синкай, четвертый Миядзаки

8

Окиура Хироюки

10

Такеши Коике

скрытый гений реализма

мастер экшен сцен

14 М а м о р у Х о с о д а творческий путь

2

18

Сатоши Кон Нереальная реальность Сатоши Кона

24 32 38

Масааки Юаса Творческий путь Масааки Юасы

Зипанг альтернативная история по-японски

Наока Урасава Творчество Наоки Урасавы

Исида Хироясу — второй Хосода, третий Синкай, четвертый Миядзаки :) Если вы опытный аниме-пользователь, то для вас не составит труда назвать нескольких общепризнанных мэтров, чей пик творчества уже позади. Возможно, чуть меньше людей знают тех режиссеров, которые сейчас задают моду и подают пример следующим поколениям аниматоров. Но вот о той молодой шпане, что сметет их с лица земли, знают немногие и об одном из таких, молодых, но очень перспективных режиссеров сейчас пойдет речь. Знакомьтесь — Исида Хироясу.

У

Исиды не такой уж и большой список работ, что и неудивительно, ведь он 1988 года рождения, т.е. ему слегка за тридцать и он просто физически не мог успеть много сделать. Но он уже заявил о себе как о перспективном режиссере. А все дело в том, что Хироясу — представитель целой волны аниматоров-одиночек, которая началась со всем известного Макото Синкая. Начав рисовать еще в средней школе, уже в старшей Исида занялся анимацией. До того как попробовать движущиеся картинки, он рисовал масляными красками классические японские пейзажи. Так что возможно, мы потеряли талантливого художника, зато приобрели интересного аниме-режиссера. С анимацией его познакомил случай: в художественной школе был курс “Живые картинки”. Создав первые мультипликационные работы еще в школе,

он твердо решил связать свою судьбу с аниме и поступил на кафедру анимации факультета манги в киотском университете Сэйка. На кафедре не было профессиональных преподавателей и все курсы вели аниматоры из аниме-студий, например, Есиюки Томино, создатель вселенной Gundam.

3

Именно будучи студентом Исида снял свою первую успешную работу, сделавшую его знаменитым. Это было короткометражное аниме “Признание Фумико”. Забавный ролик о школьнице, которая хочет признаться в своих чувствах к парню зацикленному на бейсболе. В духе времени Исида выложил свою короткометражку на YouTube и она стала настолько популярной, что он получил премию YouTube Video Awards. Работу отметила не только публика, но и специалисты: у “Признания Фумико” есть приз за выдающиеся достижения от Фестиваля анимационных искусств. Всю работу над аниме Исида выполнил самостоятельно на своем компьютере. А вот вдохновлял его не пример Макото Синкая, как можно было бы ожидать, а видео-уроки другого аниматора-одиночки — Есиуры Ясухиро — режиссера аниме “Бледный кокон”, “Время Евы” и “Патэма наоборот”. Прежде чем сделать анимационный ролик, Исида нарисовал более десятка тысяч отдельных рисунков. А чтобы ускорить создание фонов, делал фотографии подходящей натуры и после обрисовывал их. Следующая его работа — короткометражка “Город дождя”. Она стала его дипломным проектом и завоевала еще больше наград. Приз

4

за выдающиеся достижения на Фестивале анимационных искусств (второй год подряд!), а также премии Excellence Award, STUDIO40С Award и Ghibli Museum Award. Это неспешная и меланхоличная история о дружбе робота и маленькой девочки в старом городе, чем-то напоминающая игру Machinarium. После выпуска из института Исида мог бы пойти по обычному пути молодого аниматора: устроиться в большую студию и 15-20 лет работать на ней аниматором, прежде чем получить право стать режиссером своего аниме. Но ему повезло, и судьба свела его с Кодзи Ямамото, продюсером телевизионного блока noitaminA (попробуйте прочитать название задом наперед) на телеканале Fuji TV. Проект был создан для расширения аудитории, которая смотрит аниме, и демонстрировался по ночам, поэтому в нем поднимались более взрослые темы или не типичные для мейнстрима. Многие достойные сериалы относятся к этому блоку, среди них: “Аполлон: Дети на холме” от Синъитиро Ватанабэ, “Пинг-понг” от Масааки Юасы, “Принцесса медуза” от Такахиро Омори, “Кабанери железной крепости” от Тэцуро Араки и другие примечательные произведения. В момент знакомства

с героем этой статьи Кодзи Ямамото работал над организацией новой анимационной студии Colorido (в переводе с португальского означает “красочный”) специально для молодых аниматоров, где они, по его утверждению, могли работать без давления на свое творчество. Первой коммерческой работой в этой студии для Исиды Хироясу стала короткометражка Hinata no Aoshigure. Это легкая романтическая история о школьнике, который мечтает подружиться со своей одноклассницей и все никак не может набраться сил, чтобы сообщить ей о своих чувствах. Изюминка ленты: повествование ведется параллельно в реальном мире и в мире фантазий главного героя. Эта лента была отмечена жюри Фестиваля анимационных искусств. По признанию самого Исиды, работать над Hinata no Aoshigure оказалось сложнее чем он ожидал, так как с ним сотрудничала целая команда и на него свалилось много обязанностей, не связанных напрямую с рисованием. Дизайн персонажей в этом аниме отличается от предыдущих работ, поскольку над ними работал Арай Едзиро, вместе с которым Исида реализует еще несколько проектов. Короткометражка Paulette no Isu стала их следующей совместной работой. Маленькая

зарисовка про застенчивую девочку, которой не хватает смелости, чтобы завести друзей и волшебном стуле, который ей с этим помогает. По дизайну персонажей и общей стилистике аниме очень напоминает работы студии Ghibli. А создавалось оно для уже упоминавшегося блока noitaminA. Кроме выпуска красивых, но не прибыльных короткометражек студия Colorido создавала рекламные ролики по заказу крупных компаний. Одна из таких компаний, YKK (крупнейший производитель застежек-молний) заказала мини-сериал про свою продукцию. Работа получила название “Застегнутые дни” и рассказывает о брате с сестрой, которые с помощью застежек помогают жителям города. Сейчас вышло уже четыре короткометражки с этими персонажами, но Исида Хироясу был режиссером только первой из них. При создании аниме “Тайфун Норуды” Арай Едзиро и Исида Хироясу снова работали вместе, но поменявшись ролями. Первый был режиссером, а второй создавал дизайн персонажей. Получилась короткая фантастическая история о двух друзьях, увлекающихся бейсболом, и загадочной школьнице с кулоном, который призывает тай-

5

фун. Она также получила награду на конкурсе Фестиваля анимационных искусств. Для студии Colorido “Тайфун Норуды” стал первой работой, которая продавалась на дисках. Вместе с ней в набор входили и предыдущие короткометражки Исиды. А вот следующий проект под названием “Тайная жизнь пингвинов” был настоящим полнометражным аниме, первым как в карьере Исиды, так и для студии. Тандем Арай и Исида, опять поменялся местами: Исида - режиссер, Арай - дизайн персонажей. А автором истории был Морими Томихико. Две другие его книги “Сказ о четырех с половиной татами” и “Весенняя ночь коротка” успел экранизировать знаменитый Масааки Юаса. Книги у Морими Томихико разные, но общее направление представляет собой что-то среднее между городским фэнтези и мистическим реализмом с большой долей юмора. В его работах часто присутствуют тануки, тэнгу и волшебство, так что некоторое безумие в сюжете нового аниме вполне ожидаемо. Но “Пингвины” не про магию. В 2010 году эта книга была удостоена престижной премии Nihon SF Taisho Award, которая вручается произведениям, написанным в жанре научной фантастики. Буквально пересказывать сюжет этого аниме не имеет никакого смысла, он все равно будет выглядеть абсурдным. Но всегда можно прибегнуть к силе сравнения и аллегории. Представьте себе, что “Пикник на обочине” Стругацких произошел, правда в значительно меньших масштабах, в тихом японском пригороде. И единственными, кто всерьез заинтересовался таким событием, стали несколько четвероклассников. Вот и будет краткая подводка к сюжету. А в его центре находится очень любознательный школьник, которого манят тайны и открытия.

6

Вы будете смеяться, но главный секрет жизни, который он пытается познать, это тайна женских грудей и то, почему они его так волнуют. Кстати, это любопытство в какой-то момент даже становится препятствием в общении со сверстницами для юного исследователя, но интерес к взрослой женщине приводит его совсем не к тем открытиям, о которых можно предполагать. Не считая этого пикантного момента, произведение представляет из себя детское приключение на летних каникулах. Как следует из названия, сюжет вращается вокруг пингвинов: они становятся спусковым крючком, начинающим сюжет и они же приводят к его развязке. Тут нужно пояснить, что у нас в прокате аниме адаптировали как “Тайная жизнь пингвинов”, но оригинальное название ленты - “Пингвинье шоссе”. Дело в том, что пингвины высиживают свои яйца в глубине Антарктиды, а ту тропу, что они протаптывают через снег по дороге к побережью, называют “пингвинье шоссе”. Следуя по нему всегда можно найти пингвинов. Этим и занимаются главные герои: следуют за пингвинами и приходят к океану, к которому те стремятся. А океан и есть источник странностей, происходящих вокруг. Если говорить о визуальной составляющей, то персонажи нарисованы в узнаваемом стиле: как и в других произведения Исиды Хироясу использован характерный способ обрисовки контуров персонажей толстой и как будто небрежной линией. Пейзажи стали богаче, но при этом сохранили игру с перепадами высот, которую можно было увидеть и в “Признании Фумико”, и в Hinata no Aoshigure.

Но теперь в них меньше мультяшности, если так можно выразиться, и они больше напоминают фоны в работах Мамору Хосоды, за что Исиду, иногда даже называют вторым Хосодой. Пользователи в интернете шутливо добавляют, что он еще третий Макото Синкай и четвертый Хаяо Миядзаки. Кстати, из-за слишком “стандартной” анимации персонажей жюри Фестиваля анимационных искусств хотело лишить эту ленту награды, но, проникнувшись сюжетом, изменило свое мнение. Вот таким молодым, но очень перспективным предстает перед нами режиссер Хироясу Исида, от которого мы ждем новых, добрых, красивых, трогательных и запоминающихся работ, что встанут в один ряд с шедеврами таких мэтров как Хидеки Анно, Мамору Осии, Макото Синкай и Мамору Хосода. И это не мои слова, а мнение японских критиков. Я же продолжу следить за творчеством Исиды, и надеюсь, что в будущем у этой статьи будет и вторая часть!

Yamato, г. Харьков

7

Окиура Хироюки — скрытый гений реализма Окиура Хироюки — во многом уникальный аниматор и режиссер, перфекционист, мастер экшен-сцен. И хотя вы уже слышали подобное про других японских профессионалов, этот случай и вправду особенный.

О

киура настолько талантлив, что не обучался рисунку в учебных заведениях, а в 16 лет устроился аниматором на студию. Его работы относятся к реалистичному стилю, горячим сторонником которого он является. Огромное внимание к мелочам, плавность анимации и фотографичность деталей его работ таковы, что их иногда путают с ротоскопированием. Это такой метод анимации, при котором актеров, снятых на видео, обрисовывают и получают сверхплавную анимационную картинку. Таким методом были сняты старые советские мультфильмы, так называемые “сталинские”, например “Золотая антилопа” или “Гуси-лебеди”. Но вернемся к герою нашей статьи. Родом он из Осаки, работать начинал на студии Anime R.

8

Это небольшая компания, которая занималась аутсорсом для больших студий. В начале своей карьеры, как и многие аниматоры 80-х, он увлекался техническим дизайном, всяческими футуристичными механизмами и ракетными боями. В то время это было последним писком моды. Позже начал больше внимания уделять дизайну персонажей. Первым проектом, в котором он участвовал, стало OVA M-66 Black Magic. Позже он работал почти над всеми лентами реалистов конца 80-х и начала 90-х. Это такие аниме как Akira, Patlabor Movie, Memories, Metropolis, Ghost in the Shell и Cowboy Bebop. Начиная с работы над “Патлабором”, он сотрудничал с другим именитым режиссером — Мамору Осии. Кроме работы ключевым аниматором, он был режис-

сером сегмента в “Патлабор 2”, а именно в сцене атаки вертолета. Разрабатывал дизайн персонажей для “Призрака в доспехах”. Именно его рисунок сменил несколько мультяшный стиль Масамуне Широ и придал персонажам “Призрака в доспехах” большую реалистичность. Позже он был режиссером опенинга в полнометражке “Ковбой Бибоп”. А в 1999 году по оригинальному сюжету Мамору Осии наш герой снял свою первую работу — Jin-Roh, после которой, на него обратили внимание. Интересный момент: в трейлере его первой полнометражки он упомянут только после Мамору Осии, что говорит о его малой известности. Не сильно он популярен и сейчас, и стандартное представление его работы выглядит так: аниме “Письмо для Момо” от режиссера, который снял Jin-Roh, по сценарию режиссера, который снял “Призрака в доспехах”, который поставлен по манге Масамуне Широ и надеемся, что хоть про последнего кто-то слышал. “Письмо для Момо” — вторая работа Окиуры, вышла в 2011 году. И она полностью его от начала и до конца: он автор оригинальной идеи, автор сценария, дизайнер персонажей и, наконец, режиссер. Наброски и ключевые сцены для в полном смысле этого слова, своего аниме, он рисовал семь лет, вдохновляясь, кроме прочего, такой лентой как “Кин-Дза-Дза”. Некоторые отечественные кинокритики сравнивали героев “Письма для Момо” с небезызвестной троицей: Трус, Балбес и Бывалый. Может, что-то похожее увидите и вы. Но, конечно, снимал свою вторую полнометражку Окиура не один. Ключевым аниматором был человек, работавший на аналогичной позиции для “Волчьих детей”, художник до этого работал над “Принцессой Мононоке”, а дизайн техники делал тот же человек, что работал над “Службой доставки Кики”. Поэтому если вы заметите гибливские нотки в этом аниме, то вам не показалось.

Лента получила множество наград, но не смогла пробиться в короткий список Оскара, так как в этот год туда выдвигалась лента Хаяо Миядзаки “Ветер крепчает”. Тем не менее, она более чем заслуживает вашего внимания, хоть и снята не на совсем типичные для автора темы. Позже Окиура Хироюки продолжил работать аниматором. Участвовал в работе над “Евангелион 3.0” и Japan Animator Expo. Самой свежей из его режиссерских работ является короткометражка “Робот на дороге” увидевшая свет в 2015 году. Сейчас о его планах по созданию новых полнометражных лент не известно, но надеемся что это пока. Ведь по меркам японских режиссеров он еще совсем молод: в 2021 году ему исполнится всего 55 лет. И по нашему глубокому убеждению он очень талантлив, хоть и не так известен как многие его коллеги-реалисты.

Yamato, г. Харьков

9

Такеши Коике — мастер экшен сцен Один из ярчайших режиссеров современности, обладатель уникального графического стиля, создатель ярких, динамичных и визуально богатых экшен-сцен, автор RedLine, наконец! Все это — Такеши Коике. Настолько незаслуженно безвестен, что прочитать о нем можно только на английском или японском языках. Пришло время это исправить.

С

вой путь в анимацию Такеши Коике начал с того, что после окончания школы отправил множество своих рисунков на рассмотрение в студию Madhouse, работами которой восхищался. Это принесло свои плоды и он попал на собеседование к Есиаки Кавадзири, одному из сооснователей студии. Разговор прошел успешно и Такеши получил должность штатного аниматора. С этого момента его творческий путь стал прочно связан с творчеством Кавадзири. Сначала в качестве рядового, а позже и ключевого аниматора Коике работал над такими известными и любимыми многими лентами мэтра как Wicked City (1987), Neo Tokyo (1987) (Эпизод: «The Running Man»), Cyber City Oedo 808 (1990), Ninja Scroll (1993), The Cockpit (1994) (Эпизод: «Slipstream»), Vampire Hunter D: Bloodlust (2000) и многими другими, список

10

которых слишком велик, чтобы добавлять их в статью. О самом Есиаки Кавадзири герой нашей статьи отзывается как об учителе. В своих интервью Коике говорит, что так много работал над его лентами, что стиль наставника стал для него второй натурой. В то же время он отмечает большие отличия в подходе к анимации у него и его учителя. Стиль Кавадзири, со слов Такеши Коике, заключается в том, чтобы сделать движение и анимацию максимально эффектными, при минимальных затратах на движение в кадре. В то время как самому Коике нравится делать движение как можно более насыщенным и настолько сложным, насколько это возможно. В 2000 году к Такеши обратился директор студии Madhouse и предложил поработать над новым проектом: анимационной вставкой в

художественный фильм Party 7 от успевшего снискать популярность режиссера Кацухито Исии. Исии также любил аниме и помимо Такеши пригласил на свой проект и корейского художника-мультипликатора Питера Чунга, известного в первую очередь по анимационному сериалу Æon Flux. Коике и Чунг сошлись на почве восхищения Есинори Канадой (ключевой аниматор в Galaxy Express 999 и нескольких лентах студии Ghibli). По слухам, Питер даже стал аниматором благодаря его влиянию. Такеши Коике очень понравился вестернизированный стиль Питера, похожий на американские комиксы. По его воспоминаниям, когда он работал с Чунгом, то хотел впитать стили и технику как его, так и Канады. Сотрудничество Такеши Коике и Кацухито Исии оказалось плодотворным и в 2002 году они выпустили совместную работу под названием Trava: Fist Planet. Это аниме, состоящее из четырех эпизодов о двух друзьях: Траве и Шинкае — отставных военных, отправившихся на незнакомую планету для картографирования местности. Исии написал сценарий, а Коике создал визуальную часть. Первой самостоятельной работой для Та-

кеши стала короткометражка World Record для сборника The Animatrix (2003). И попал он в проект совершенно случайно. Тогда еще братья, Вачовски лично пригласили каждого аниматора поработать над сборником и в списке приглашенных были только именитые авторы вроде Есиаки Кавадзири или Питера Чунга. Вряд ли бы молодой режиссер попал в этот пул мэтров, но оказалось, что Кавадзири написал сценарии для двух эпизодов и один из них предложил снять своему протеже — Такеши Коике. Впервые прочитав сценарий, тот решил сосредоточиться на одном моменте, который по-настоящему взволновал его — беге в спринте. Коике подумал, что сможет добавить что-то, что не получится ни у кого другого, и решил нарисовать этот эпизод уникальным способом. Одним из аспектов оригинальной “Матрицы” была смесь очень реалистичных и совершенно нереальных действий в симулированном мире, и этот опыт режиссер решил исследовать вместе с бегуном. Всю последовательность, в которой спринтер движется из Матрицы в реальный мир и обратно, он решил выполнить в необычном стиле, добавить интересную анимацию, подчеркнуть медленные движущиеся образы, гиперреальные, выпи-

11

рающие мышцы, и т.д. Он не прогадал: World Record принес ему первую известность и первую награду за лучшую фантастическую короткометражку. Весь этот период творчества Коике искал новые, не характерные для японской анимации образы и сильно вдохновлялся западными комиксистами, в первую очередь Фрэнком Миллером и его комиксом “Город грехов”, особенно в плане игры света и тени. Это нашло отражение в его визуальном стиле с характерными густыми и резкими тенями. После выпуска Trava: Fist Planet сотрудничество с Кацухито Исии не прекратилось и по его сценарию началась подготовка к следующему анимационному проекту. Работа над ним длилась целых семь лет и стала настоящим взрывом, ведь это был RedLine (2009) — анимационный фильм о крупнейшей в галактике гонке

12

без правил и о мечтателях, которые рискнули в ней поучаствовать. От предыдущих работ его отличал размах. Это был уже полнометражный фильм, подготовленный специально для демонстрации в кинотеатрах. В нем ярче и богаче стала картинка: до этого работы Такеши Коике были очень контрастными, но блеклыми и даже скупыми по цветам — в них преобладал серый и черный цвет. RedLine же, сохраняя узнаваемый стиль и любовь режиссера к глубоким теням, просто взрывался яркими красками. Динамичные сцены стали еще насыщеннее деталями, гипертрофированнее и быстрее. В сюжет вернулись Трава и Шинкай, персонажи из предыдущей работы. А музыка, которую написал Джеймс Шимоджи, создала, как минимум, половину впечатления от просмотра. Фильм оказался настолько требователен к большому экрану и хорошему звуку, что его долгое время не выпускали на дисках и возили только по кинофестивалям, где он собирал всевозможные награды. Сам Такеши в одном из интервью сказал: “Есть много анимационных фильмов, основанных на сериалах, но я думаю, что истинный потенциал

анимационной студии, раскрывается только в создании оригинального полнометражного произведения”. Интересно, что одной из предтеч для этой работы стала короткометражка о гонке футуристичных машин «The Running Man» (1987) от Есиаки Кавадзири, где ключевым аниматором был герой этой статьи. В работе над RedLine ученик и учитель поменялись местами: Такеши Коике стал режиссером, а Есиаки Кавадзири - ключевым аниматором. В 2012 году Такеши позвали участвовать в создании дизайна персонажей для нового сериала по вселенной Люпена Третьего - Lupin III: The Woman Called Fujiko Mine. Он так хорошо смог передать стиль оригинальной манги, что ему доверили целых три полнометражки: Lupin the Third: Jigen’s Gravestone (2014), Lupin the IIIrd: Goemon’s Blood Spray (2017) и Lupin the IIIrd: Fujiko Mine’s Lie (2019). Вот, что сам Такеши Коике говорит о силе этих произведений: “В первую очередь это очарование персо-

нажей. Отношения между главными героями — Люпином, Джигеном, Гоемоном и Фуджико — очень крутые и они уважают друг друга. Они никогда не говорят о «важности дружбы» или «доверии», и я думаю, что именно поэтому их отношения зрелые. Я ценю взрослость аниме о Люпене, которым я восхищался в молодости. Я пытался воссоздать ощущение, которое у меня было в то время, и поэтому эти ленты так дороги мне”. Из других значимых работ Коике можно вспомнить пилотную серию к Afro Samurai (2007), опенинг к Samurai Champloo (2005), ключевые анимации в Memories (1995) (Эпизод: «Stink Bomb»), Dead Leaves (2004), Trigun: Badlands Rumble (2010), The Boy and the Beast (2015), а всего его имя можно найти в титрах более чем 60 работ. Далеко не всем режиссерам удалось не раствориться в мейнстримовой графике коммерческой анимации. Но Такеши Коике смог выработать свой узнаваемый стиль как в рисунке так и в анимации движений. Его работы отличаются динамичностью и насыщенностью кадра, они легко узнаваемы и горячо любимы фанатами. И мы надеемся, что список его работ будет только расти, радуя всех неравнодушных.

Yamato, г. Харьков

13

Мамору Хосода — творческий путь В 2019 году фильм Мамору Хосоды “Мирай из будущего” был выдвинут на получение престижной кинопремии Оскар и даже вошел в шорт-лист. Несмотря на то, что Оскар ему в этот раз не достался, это хороший повод поговорить об этом режиссере. Но не только это стало поводом к этому тексту. Дело в том, что когда Хаяо Миядзаки заявил о завершении своей карьеры, развилась большая дискуссия на тему, кто же придет вслед за ним? Кто станет той новой волной, что накроет собой всю японскую анимацию и с чьим именем она будет ассоциироваться. Сразу ответа не нашлось. Но сейчас мы уже можем сказать, что среди прочих претендентов существуют две сильные фигуры: Макото Синкай, о котором рассказ будет в другой раз и, конечно, Мамору Хосода.

К

ак и у многих романтиков, страсть к своему делу пришла к Хосоде еще в школе, после знакомства с аниме “Люпен 3: Замок Калиостро”, которое было первым полнометражным фильмом самого Миядзаки. Эта картина произвела такое впечатление на 12-летнего Мамору, что он твердо решил стать аниматором. Узнав, что для создания анимационных фильмов сначала рисуются картинки, он занялся рисованием и уже в старшей школе смог снять свой первый мультфильм. После школы выбор профессии был однозначным и он пошел оттачивать свое мастерство в колледж искусств. По его оконча-

14

нии нужно было выбрать студию и тут не было никаких вариантов — только Studio Ghibli. Но при поступлении на курсы при студии, несмотря на удачно сданный приемный экзамен, он получил отказ. Хаяо Миядзаки лично написал ему письмо в котором пояснил причину: «Мы решили не брать тебя, потому что это лишь разрушит твой талант». Нужно отдать должное мэтру, он не ошибся в своем пророчестве. Отказ не сломил Мамору и в 1991 году он начал работу в одной из старейших студий — Toei Animation, где экранизировал свои работы еще сам Осаму Тэдзука. Еще четыре года усердной работы на студии понадобились для

того, чтобы получить доступ к собственно аниме, а именно: занять место в производственном отделе. Студия всегда была ориентирована на широкого зрителя и работала с очень известными франшизами такими как One Piece или Digimon. В 1999 году именно по Дигимонам Хосода снял свою первую коммерческую работу — двадцатиминутную короткометражку. А в следующем году еще одну, но уже сорокаминутную. Обе ленты попали на большой экран и отличались необычным графическим стилем и сюжетом, завязанным на использовании современных интернет-технологий, которые совпали с их массовым вхождением в жизнь простых японцев. Позже к этой теме он еще вернется в “Летних войнах”. Одним из зрителей этих короткометражек оказался, наверное самый успешный современный японский художник Такаси Мураками. Его так привлекла работа режиссера, что он пригласил его создать небольшое аниме для его художественной выставки Superflat, которая была посвящена влиянию индустрии массовых развлечений на современную эстетику. Визуальный стиль, родившийся в этой коллаборации, позже подарит нам внешний вид соцсети ОЗ в ленте “Летние войны”. Приблизительно в то же время Хосодой заинтересовались и в Studio Ghibli. Его пригласили на роль режиссера в новом проекте “Ходячий замок Хаула”. Но второе свидание с студией также не задалось. Как мы знаем, режиссером в конце концов стал Миядзаки, который полностью изменил сценарий. Мамору продолжал работать на Toei Animation

и даже снял одну из полнометражек по One Piece, но формат студии начал ограничивать его. Она плохо относилась к экспериментам, и еще хуже реагировала на попытки сделать аниме острее, ведь оно должно было нравиться максимально широкой аудитории. Все это подтолкнуло его к уходу из Toei Animation. Новым домом стала студия Madhouse. Этот сумасшедший дом уже не ограничивал режиссера и в нем он смог развернуться на полную катушку со своей лентой “Девочка, покорившая время”. Она завоевала многие призы на разных фестивалях, после нее о Мамору Хосоде узнали уже абсолютно все даже за пределами Японии. И сейчас несложно найти в интернете мнения, что это его лучшая работа. Очень громко заявив о себе, он получил полную свободу творчества и следующая лента — “Летние войны” — уже была снята по

15

его собственному сценарию. И если с точки зрения зрителя еще можно попробовать порассуждать, что лучше “Девочка, покорившая время” или “Летние войны”, то с точки зрения кассовых сборов ответ однозначный — “Летние войны”. После этого начинается современный, свободный период Мамору Хосоды. В 2011 году он основывает свою собственную студию Studio Chizu, маскотом которой становится та самая девочка, прыгающая через время, и каждые три года выпускает новую ленту по своему оригинальному сценарию. Это “Волчьи дети” в 2012, “Дитя чудовища” в 2015 и “Мирай из будущего” в 2018. Все эти работы, сценарии к которым писал он сам, в центр своего повествования помещают семью и события, связанные с ней. И тут он очень тонко попадает в некоторую тоску и ностальгию по старым временам, которые есть в японском (а судя по успехам вне Японии и не только) обществе. Дело в том, что современные семьи стали очень маленькими: папа, мама и ребенок, реже два, и это еще не вспоминая о неполных семьях. До этого, на протяжении веков, семьи в Японии были большими. Вместе жило много

16

поколений и их опыт перекрестно влиял на всех членов семьи, давая чувство общности и поддержки. Урбанизация и технический прогресс делает современного человека очень независимым и самостоятельным. А взамен дарит ему чувство одиночества, которое обостряется в крупных мегаполисах, лишает его чувства привязанности к какому-то месту. Если предыдущее поколение аниматоров в центр своего повествования часто помещало природу и старую сельскую Японию, то Мамору Хосода дополнил это размышлениями о семье, о ее месте в жизни человека и подходил к этому вопросу с разных сторон. А повышает достоверность этих размышлений личный опыт автора, на который он опирается в создании своих картин. Так, в основу семьи из “Летних войн” легла реально существующая семья жены Мамору Хосоды. Знакомство с родственниками будущей супруги настолько впечатлило его, что он решил перенести это на экран. Реальная семья, конечно, не такая многочисленная, но такая же древняя, со своими родовыми преданиями и легендами. Если эта работа была посвящена семье в целом,

то следующая лента — “Волчьи дети” — была сосредоточена на материнстве. И выбор темы тоже не случаен. После свадьбы жена Мамору долго не могла забеременеть. Это не могло не беспокоить его и он решил своей новой работой подарить хоть толику радости материнства для своей жены. Следующая полнометражная работа — “Дитя чудовища” — уже об отцовстве. Но сам автор рассказывает не о своем опыте отцовства, а посвящает ленту своему отцу. Из-за того, что современные люди поздно заводят детей, происходит разрыв поколений, и внуки не видятся со своими бабушками и дедушками. Так же произошло и в семье Мамору Хосоды. Его отец был загрубевшим от тяжелой работы на железной дороге человеком, который не умел раскрыть свои чувства к сыну. Но тем не менее он любил его. Чтобы в будущем как-то показать своим детям, каким был их дед, была снята эта работа. “Мирай из будущего” затрагивает тему взаимоотношения между детьми в семье. Попробуйте угадать, что произошло в жизни автора? У него родилось двое детей. Сначала мальчик, а позже девочка. Так же, как и в аниме.

Смотря работы Хосоды, мы одновременно заглядываем в личную жизнь самого режиссера и пускаемся в путешествие по его размышлениям о роли семьи, ее месте в жизни человека и о тех эмоциях, которые у нас связаны с семьей. Так как его аниме направлено на широкую аудиторию, истории в ней заканчиваются хорошо, но от этого они не теряют своей пронзительности и трогательности. В качестве заключения хочу сказать, что для меня ленты Мамору Хосоды имеют и личное значение. Дело в том, что мне выпала честь организовывать прокат “Летних войн” и “Волчьих детей” в кинотеатрах. И я без преувеличения десятки раз смотрел эти аниме. Меня всегда поражало, что несмотря на то, что я знаю поминутно содержание, они не теряют надо мной своей силы и даже на десятый просмотр задевают какие-то струны в моей душе. Если вы верите в гороскопы, то легко найдете этому объяснение, ведь я родился в один день с Мамору Хосодой, но если вы посмотрите глубже, то увидите, что его темы касаются общечеловеческих проблем и вопросов, и в этом сила автора.

Yamato, г. Харьков

17

Нереальная реальность Сатоши Кона Сатоши Кон запомнился нам как один из режиссеров-гиперреалистов в аниме, который при этом постоянно экспериментировал с реальностью, временем и пространством. Смешивая мысли и события, он хотел рассказать о том, как сам воспринимает время. Он говорил: “Я не думаю, что общение между людьми строится на одном только линейном времени. Мы разговариваем в этот момент, а думаем об ужине, до которого еще час. Человеческий мозг — загадка, мы не можем разделить с другими временную ось своей памяти. Это нелинейное мышление, и я пытаюсь изобразить это в своих работах.”

Д

авайте попробуем вместе проследить его творческий путь и начнем, пожалуй, со школы. Как у многих известных аниматоров страсть к рисованию пришла к нему еще в детстве. О себе он говорил, что был очень увлекающимся подростком и хватался за все сразу, но ничего не мог довести до конца, кроме рисования. Большое впечатление на него произвела манга “Domu: детские сны” мангаки Кацухиро Отомо. Неудивительно, что после школы он поступил в Университет искусств на художника в Токио. Еще во время обучения он издал свою первую мангу, которая завоевала приз как лучший манга-дебют года. После этого он стал ассистентом своего кумира Кацухиро Отомо, автора “Акиры”. Практически вся дальнейшая карьера у Сатоши Кона тесно связана с творчеством Отомо. В 1991 году Кон написал сценарий для художественного фильма по работе Кацухиро World Apartment Horror. Затем был художником в экранизации следующей ленты Отомо “Старик Зет”. Дальше идут аниме “Беги Мелос” и “Патлабор 2”, работая над которыми, он завел дружбу с двумя другими известными режиссерами-гиперреалистами Мамору Осии и Хироюки Окиурой. С первым он рисовал совместную мангу “Серафим”, но два гения рассорились из-за сценария и так и не завершили ее. По мнению Сатоши Кона, у Осии слишком много экспозиции в работе и совсем

18

нет сюжета. Второму он помогал с сценарием в аниме Jin-Roh, которая была экранизацией оригинальной идеи Мамору Осии. Но в титрах Сатоши Кон никак не указан. Тут нужно вставить минутку фан-сервиса. Человек с нестандартными идеями должен был так или иначе поработать над нестандартным аниме. И что вы думаете, в 1994 году его привлекают к “Жожо” в качестве сценариста и режиссера одной из серий! Далее Сатоши Кон стал автором сценария для эпизода “Магнитная Роза” в аниме “Вос-

поминания о будущем”. И это экранизация оригинальной идеи все того же Кацухиро Отомо, который по-прежнему оставался точкой притяжения для героя нашей статьи. Режиссером же этого эпизода был Кодзи Моримото, который позже станет основателем экспериментальной студии 4С. Об этой работе Сатоши Кон вспоминал так: “Как главные персонажи пытались вырваться из магнитного поля, так и мы с Моримото пытались вырваться из орбиты Кацухиро Отомо”. Несмотря на то, что эпизод вышел очень хорошим, Кон был недоволен сценарием из-за того, что многие задумки остались нереализованными. Развернуться в полную силу ему помог случай и вновь Кацухиро Отомо. В 1997 году писатель Есикадзу Такэути искал аниме-студию, которая бы взялась за экранизацию его кровавого триллера про поп-певицу, которую преследует маньяк-поклонник. Все отказывались браться за такую работу. Пришлось автору идти в настоящий сумасшедший дом — студию Madhouse. Даже там руководство посчитало это авантюрой, но решило попробовать. Нужно только было найти подходя-

щего режиссера. Кацухиро Отомо рисовал иллюстрации к книге и он посоветовал своего знакомого — Сатоши Кона. Кон прочел сценарий и сказал, тот слишком скучный и, чтобы спасти проект, ему нужна полная свобода действий. В итоге, от оригинала осталась только общая идея о поп-певице, преследуемой маньяком. Так началась работа над аниме Perfect Blue или “Идеальная Грусть”. Сатоши Кон проявлял маниакальное внимание к мелочам. Он считал, что у каждого предмета на экране есть история, он не должен быть там случайно и не должен выглядеть так, как будто аниматор его нарисовал просто так. Он мог обсуждать все детали сюжета и продумывать каждую мелочь по пять-шесть часов в день. Но в производство вмешалась студия. Аниме получалось хорошим и было принято решение выпустить его на большой экран. Это означало большую прибыль, но и меньший хронометраж. Под нож пошли все сцены, в которых не было событий, все экспозиции и весь саспенс. Эволюция персонажей стала более рваной, что еще сильнее путало зрителя, так как повествование

19

20

велось сразу в трех линиях: реальности, снах главной героини и фильме, в котором она снималась. Perfect Blue отвезли на фестиваль в Монреаль, где он завоевал главный приз и просто снес головы западным фанатам. После “Акиры”, “Манускрипта ниндзя” и “Уроцукидодзи” на Западе сложился стереотип, что японское аниме это жесткая, мрачная и кровавая анимация для взрослых и Perfect Blue идеально ложился в этот шаблон. Аниме принесло Сатоши Кону мировую известность к его собственному большому удивлению, так как он считал темы, поднимаемые им, понятными только японцам. О влиянии этой ленты говорит тот факт, что режиссер Даррен Аронофски использовал прямые цитаты из Perfect Blue в своих фильмах “Реквием по мечте” и “Черный лебедь”, а когда ему начали задавать слишком много вопросов по поводу копирования идей Сатоши Кона, то просто выкупил права на это аниме. Следующей работой Кона должна была стать экранизация романа “Паприка”, где планировалось продолжить развитие темы смешения реальности и вымысла. Но правообладатель обанкротился и идею пришлось отложить. А уже в 2002 году вышла новая лента под названием “Актриса Тысячелетия”. В ней главная героиня рассказывала историю своей жизни, перемежая воспоминания, реальные события и съемки в фильмах. В отличие от предыдущей работы, которая освещала пороки японской медиаиндустрии, эта лента подчеркивала ее достоинства. Но также сохранились и фирменные черты творчества Сатоши Кона: бесшовное соединение реальности и фантазии. В “Актрисе Тысячелетия” режиссеру удалось поработать и со своим кумиром — композитором Сусуми Хирасавой, автором саунтрека к “Берсерку”. Сатоши

Кон давно вдохновлялся его фантастической музыкой и сделал ее основным стержнем сюжета. Позже они будут вместе работать еще над двумя аниме: сериалом “Агент Паранойя” и, собственно, “Паприкой”. После выхода “Актриса Тысячелетия” еще целый год ездила по фестивалям и собирала призы, прежде чем попасть на большой экран. А следующей лентой Сатоши Кона стала рождественская история “Однажды в Токио”, которую правильнее было бы назвать “Крестные из Токио”.О своем новом аниме он говорил так: “Свои идеи я беру из мира вокруг. Когда я иду по улице, то вижу бездомных. Удивительно, что они не появляются в кино — это же очевидная тема… Эти бродяги подобрали ребенка из кучи мусора. Я подобрал идеи, которые никому не были нужны”. Как и прошлые работы, она касается острых социальных проблем, таких как нищета, гомосексуализм, насилие в семье, подростковая жестокость, но при этом меньше экспериментирует с реальностью. И в целом является доброй и смешной рождественской историей про трех волхвов и младенца Иисуса. К этому моменту у Сатоши Кона набралось очень много задумок и идей, которые не нашли своего воплощения и он решил поступить по примеру своего наставника Кацухиро Отомо. Он решил выпустить сериал, в котором каждый эпизод был бы отдельным произведением со своим сюжетом, но позже они объединялись бы какой-то общей идеей как это было в сборниках “Воспоминания о будущем”, “Карнавал роботов” или “Лабиринт сновидений”. Из этой затеи родился сериал “Агент Паранойя”. Работы над ним шли так плотно, что в какой-то момент Сатоши Кон подумывал вставлять эпизоды, снятые просто на ручную камеру, чтобы ускорить производ-

21

ство. Сериал получился довольно мрачным и вернул интерес к режиссеру на Западе, где предыдущие две работы прошли относительно незаметно. После этого всего Сатоши Кон наконец смог вернуться к идее экранизации “Паприки”. В аниме есть клоун, который говорит: “Добро пожаловать на величайшее шоу”. Эти слова стали пророческими. “Паприка” стала вершиной творчества Сатоши Кона, где он лучше всего раскрыл идею нелинейности времени, осознанности снов и реальности нереального. Аниме произвело большое впечатление на западного зрителя и нашло свои киноцитаты в фильме “Начало” Кристофера Нолана. Правда, как и в случае с Аронофски, Нолан отрицает заимствование. Музыка Хирасавы здесь играла такую же большую роль, как и основные герои, и являлась вдохновением не только для зрителя, но и для самого режиссера. Потому что, хоть это и была экранизация, Сатоши Кон полностью изменил сценарий и, когда начинал его писать, даже не знал чем все закончится. В конце “Паприки” можно увидеть афиши всех фильмов Сатоши Кона. Одна из них

22

принадлежит так и не вышедшему аниме Dreaming Machine. Эта работа, в которой он опять таки контролировал каждую мелочь, должна была рассказать историю далекого-далекого прошлого, но в будущем, где совсем нет людей, а есть только роботы. Из-за того, что Сатоши Кон плотно участвовал во всех моментах создания нового аниме, он не смог никому передать работу после того как у него диагностировали рак поджелудочной железы. Уже после смерти студия искала режиссера, который бы мог завершить историю, ведь аниме было готово почти наполовину. В какой-то момент рассматривалась даже кандидатура Мамору Хосоды. Но при работе над сценарием стало понятно, что, если один великий режиссер приложит руку к фильму второго великого режиссера, то он станет его фильмом. А повторить образ мышления Сатоши Кону не под силу никому, поэтому Dreaming Machine так и остается незаконченной. Последним аниме, что вышло из под рук Сатоши Кона, стала короткометражка “С добрым утром”, увидевшая свет в 2008 и вошедшая в состав сборника “AniKuri 15”. Сатоши Кон не применял наркотики для работы над своими фильмами, но имел пагубную привычку: в поисках идей он смотрел нестандартные фильмы, запивая их алкоголем до полного беспамятства. Возможно, это и стало причиной его болезни и скоропостижной смерти в 2010 году в возрасте 46 лет. Для своих фанатов он всегда будет непревзойденным мастером манипулирования реальностью и вымыслом, ведущим свое повествование сразу в нескольких параллельных линиях, при этом оставаясь суперреалистом во всем, что касается изображения и мельчайших деталях картины.

Yamato, г. Харьков

23

Творческий путь Масааки Юасы Масааки Юаса — это поистине легендарная личность, известная до недавних лет лишь в очень узких кругах ценителей анимации. Вы могли ни разу не слышать его имени, однако с большой вероятностью вы так или иначе видели его работы, будь-то начальные титры старых сериалов, отдельные сцены или некоторые эпизоды западных лент. И даже не сомневайтесь: лишь однажды обратив внимание на его стиль, вы уже никогда не спутаете его ни с кем другим. С вами Всеволод Фокс и давайте поговорим об одном из самых необычайных аниматоров нашего времени.

Р

одившись в 1965 году в японском городе Фукуока, Масааки Юаса застал так называемый “серебряный век аниме” — период, когда японская анимация стала приносить создателям первую прибыль и постепенно заполнять собой телеэфир. В то время аниматоры активно экспериментировали со стилистикой и еще не были сильно скованы жанровыми и возрастными стандартами. Так на одних и тех же телеканалах могли поочередно транслировать сериал про львенка Кимбу, приключения Люпэна третьего и первые эротические истории вроде “Тысячи и одной ночи”. В этот период японская анимация постепенно обретала свою завершенную форму и множество молодых художников старались войти в

24

эту быстро растущую индустрию. Не стал исключением и Юаса, в возрасте 22 года устроившись фазовщиком в студию Ajia. Вот только на молодого аниматора наибольшее влияние оказала не традиционная японская живопись и работы Осаму Тедзуки, а ранняя анимация Metro Goldwin Meyer, психоделические эксперименты, например, “Желтая Подлодка” от The Beatles и сериалы вроде Tiger Mask. В восьмидесятых Масааки Юаса стал частью уже золотого века японской анимации, поработав над такими сериалами как “Мами-экстрасенс”, “Энциклопедия Китерецу” и разумеется, “Дораэмон”. Меж тем, “Дораэмон” — это огромный пласт в японской культуре и работа над ним сравнима по важности, напри-

мер с выступлением вместе с Элтоном Джоном на одной сцене для музыкального исполнителя. Однако здесь стоит немного отвлечься и подробнее рассказать о таком явлении как “сакуга”, свойственному японской анимационной школе. Наверняка замечали, как персонажи аниме по несколько минут стоят в практически статичных позах, лишь шевеля губами и моргая во время диалогов. Все дело в том, что работа японских аниматоров оплачивается почасово и следовательно, чем больше сложных кадров отрисовывает художник, тем больше у него уйдет на это времени и тем дороже выходит стоимость итогового результата. Поэтому японские бюджеты зачастую распределяются неравномерно, направляя львиную долю усилий на красочные динамические сцены, а диалоги наоборот оставляя максимально статичными для экономии. А Масааки Юаса, как ценитель, в первую очередь, движения в кадре, нашел довольно гармоничный выход из этой ситуации. Он максимально упростил стилистику рисунка, благодаря чему снизил сложность работы для аниматоров-фазовщиков. И в результате позволил себе выделять куда большие бюджеты для постоянной динамики, не заставляя зрителя подолгу смотреть на статичные кадры. Похожей логикой, описанной в двенадцати принципах от Уолта

25

Диснея, руководствовались и американские аниматоры тридцатых и сороковых годов. Вы могли и сами заметить как рисованные персонажи заметно деформируются при движении, ходят будто вприпрыжку и в целом несколько переигрывают. Кроме того, облик героев зачастую создается так, чтобы вы могли отличить одного от другого уже по силуэту или образу. Все эти принципы используются для того, чтобы плоский рисованный персонаж чувствовался в кадре более живым. Но вот в японской школе эти приемы так и не смогли прижиться в полной мере. Большинство персонажей двигаются так, будто аниматор просто переворачивает страницу манги в кадре, а вся выразительность героев часто сводится к разной форме прически и отдельным элементам одежды. Вот так и возник любопытный парадокс: в молодой индустрии аниме уже возникли свои консервативные взгляды, которых многие придерживаются до сих пор. А вот методы Юасы быстро стали уникальными для Страны восходящего солнца, поскольку он старался всеми силами избежать статики на экране. И вскоре его начали приглашать ставить отдельные выразительные сцены в таких работах как “9 историй любви”, “Агент Айка” и “Мои соседи Ямада” от знаменитого сооснователя студии Гибли, Исао Такахаты. Но в полной мере талант Масааки Юасы раскрылся, когда ему доверили самостоятельно режиссировать свои проекты, первым из которых стал короткометражный фильм “Приключения слизи” 1999 года. Благодаря минималистичному дизайну персонажей и окружения, гиперболизированным и крайне выразительным движениям, режиссер смог наконец-то найти свой собственный стиль, в основе которого лежало непрерывное движение в кадре. Впоследствии он отточил свою технику в еще одном короткометражном фильме — “Кошачий суп” 2001 года, где совместно с режис-

26

сером Тацуо Сато воплотил историю художницы Чиеми Хачикуджи. Оригинальная манга “Некоджиру” публиковалась с 1990 года и уже с первых страниц встречала читателя довольно изобретательными сценами жестокости и откровенного расизма, а героями манги были два любознательных котенка. История быстро стала популярной, но следом за возросшей фанатской базой, росли и требования издателей. К сожалению, из-за сжатых сроков выполнения работ, у автора началось быстрое творческое выгорание. Впоследствии такой режим работы привел к усугублению у Чиеми Хачикуджи биполярного расстройства личности, пока в 1998 году, на пике своей карьеры, художница не покончила с собой. Спустя несколько лет, муж Чиеми передал незавершенные наработки своей супруги в анимационную студию J.C. Staff, из них и родился экспериментальный фильм.

Выступив режиссером анимации, Юаса максимально красочно воплотил на экране историю о неминуемости смерти и человеческой жестокости, умудрившись избежать при этом откровенной отталкивающей мерзости. Это тот редкий случай, когда жестокость воспринимаешь скорее с иронией, нежели с отвращением и во многом благодаря выбранному грубому стилю рисунка и хаотичным движениям, характерным для работ Юасы. Немалую роль в судьбе автора сыграло знакомство с еще одной культовой личностью — режиссером и продюсером Шиничиро Ватанабе, известного тогда по неоднозначно принятому в Японии сериалу Cowboy Bebop. Несмотря на то, что западный зритель принял этот сериал с большой любовью, в самой Японии он долгое время считался провальным, а Ватанабе был аутсайдером с очень западными взглядами. Два гения быстро нашли общий

язык и Ватанабе позволил Юасе снять одну из сцен в девятом эпизоде сериала Samurai Champloo. Ту самую, где в клубах фиолетового дыма было не важно, путана ты или сам император. К тому моменту Масааки Юаса заработал себе авторитет ценителя алкоголя и прочих веществ, влияющих на психику, однако по понятным причинам мы не станем развивать эту тему дальше. Что же касается Ватанабе, то спустя почти десять лет, он предложил Юасе срежиссировать целый шестнадцатый эпизод в своем сериале Space Dandy. И вновь изменение сознания с колоритным видением эксцентричного автора. А сам Ватанабе выступил продюсером в самостоятельном полнометражном фильме Юасы “Игры разума” 2004 года. Это история о наивном парне по имени Ниши, тайно влюбленном в подругу детства. И хотя за многие годы он так и не набрался смелости признаться ей в своих чувствах, глупая случайность вовлекает его в неистовый водоворот событий, где на кону оказывается и его собственная жизнь, и жизнь той самой подруги. Уже с первых кадров этот фильм способен оттолкнуть непривычным визуальным стилем, где переплетаются грубые линии рисунка и фотографии живых актеров. Но с другой стороны, разве не так должна выглядеть история о парне, который побеждает свои комплексы и меняется ради дорогого человека? Поддаваясь влюбленности, мы все немного сходим с ума и каждый совершенно по своему. Особенно если в историю включаются якудза, алкоголь и наркотики. В будущем “взрослые темы” регулярно фигурировали в работах аниматора. Герои часто совершали странные действия под влиянием алкоголя, а сексуальные сцены чаще служили инструментом иронии или вовсе весьма черного чувства юмора. Так, например, следующий сериал “Кемонозуме” был вольной трактовкой

27

классической истории Ромео и Джульетты, рассказанной визуальным языком. Вот только вместо детей, “играющих во взрослых”, мы получили историю любви мужчины и настоящего чудовища, способного в порыве страсти буквально обезглавить бедолагу. В этой работе уже вовсю чувствовалось влияние классического анимационного сериала “Маска зверя”, выходившего в семидесятых годах. Нарочито неряшливые линии и грубая стилистика стали излюбленным инструментом Юасы и впоследствии часто фигурировали во множестве его работ, в равной степени отталкивая одних и одновременно притягивая к себе других зрителей. Но помимо колоритного визуала, режиссер так же часто экспериментировал и с подачей своих историй. Так сериал “Кайба” затрагивает темы человеческой памяти и ценности воспоминаний. При том не столько фигурально, а скорее как самой настоящей валюты. С визуальной же стороны, Кайба отдает некую дань уважения уже другому классическому творцу — “богу манги”, Осаму Тедзуке, человеку, фактически создавшему индустрию японской анимации и манги.

28

К слову, о божествах. Известно, что японские боги больше всего обожают хорошую выпивку, а в городе Киото вино льется реками. Так в разное время были экранизированы две совершенно самостоятельные, но безумно похожие истории Томихико Морими. “Сказ о четырех с половиной татами” вновь обращался к истории влюбленного, но робкого парня, чью любовь уводит из под носа тот, кого безымянный герой считал своим другом. Согласитесь, у каждого в жизни были такие “друзья”, которые на самом деле всячески портили вашу жизнь и в самый важный момент рушили все ваши планы. Но, к счастью, у японских богов есть чувство юмора и парень обретает возможность вернуться в прошлое, изменив свою жизнь. Спустя семь лет мы вновь увидим этих героев, но уже как фоновых персонажей в сериале “Ночь коротка”, где другому застенчивому парню вновь предстоит охота за дамой своей мечты, но кроме божественных сил на помощь ему приходит старый добрый алкоголь, к которому у девушки явная слабость. Здесь Юаса смог очень красочно показать буйную жизнь старой столицы, где за одну ночь можно прожить множество жизней и повидать столько

колоритных личностей, что хватит на многие годы теплых воспоминаний. Впрочем водоворот времени затянул и нас с вами, так что давайте вернемся в 2012 году, когда Юаса впервые запустил кикстартер-кампанию по сбору средств на создание десятиминутной ленты Kick-Heart. Всего за месяц бэкеры собрали более 200 тыс. долларов и спустя год история рестлеров доказала, что аниме можно создавать и без участия ушлых продюсеров, а лишь силами талантливой команды и финансирования от преданных фанатов. Но это был лишь очередной эксперимент мэтра, ставший еще одним шагом на пути к следующей мечте. Если продолжать параллель с Элтоном Джоном, то цикл о Люпене Третьем можно легко сравнить с историями о Джеймсе Бонде. Так Масааки Юаса выступал уже ключевым аниматором в полнометражном фильме “Женщина по имени Фуджико Мине”. И пускай на первый взгляд нашему зрителю сложно оценить важность цикла о Люпене, но тот же Хидео Кодзима многократно заявлял о влиянии серии на цикл Metal Gear, а для Хаяо Миядзаки карьера режиссера началась имен-

но с полнометражного “Замка Калиостро”. Так что и здесь Юаса оставил свой важный след в истории японской анимации. Кстати, раз уж зашла речь о работах студии Гибли, то стоит упомянуть об одном занятном совпадении. После выхода фильма “Поньо на утесе”, Хаяо Миядзаки рассказывал, как сильно он проникся этой историей и что был бы не против снять продолжение. Однако история сложилась иначе и хотя первого апреля 2017 года на фейсбук-странице студии появился шуточный постер о втором фильме, свою версию все же снял Масааки Юаса, пусть и в свойственной ему манере. “Лу за стеной” — это невероятно красочная история замкнутого подростка, который благодаря русалке Лу учится доверять людям и радоваться жизни. Это визуальное приключение получилось наиболее универсальным и простым для понимания неподготовленным зрителем. Все буйство красок в сочетании с умеренным минимализмом мало кого оставит равнодушным. Отличное воплощение авторского видения во второй работе студии Science Saru, основанной Юасой в 2013 году. Тут вы можете спросить, а какая работа была первой? Что ж…

29

История умалчивает как именно Юаса познакомился с автором “Времени Приключений”, Пендолтоном Вордом, но получив предложение снять собственный эпизод, Юаса основал свою анимационную студию и это был поистине авторский дебют. Все привычные минималистичные образы, позитивная психоделичность и анимация, возведенная в абсолют, служили простой цели — рассказать суть пищевой цепи в природе. Юаса даже лично исполнил песню в опенинге эпизода, что, согласитесь, тот еще фансервис. Масааки Юаса, как человек, который всем сердцем любит анимацию, словно воплощает в себе присказку, что если ты превратишь свое увлечение в работу, то тебе не придется работать ни одного дня в жизни. Он побывал на каждом этапе анимационного производства, участвовал в множестве сторонних проектов и работал над собственными, но настоящая мировая известность пришла к нему в 2018 году, когда на свет появился ремейк еще одной признанной классики — сериал Devilman Crybaby от Netflix Сложно переоценить важность оригинальной манги Devilman 1972 года за авторством Го Нагаи. История ранимого парня Акиры, с чистым сердцем и пустой головой, оборачивается катастрофой библейских масштабов. Манга Devilman обрела немыслимую популярность и в последствии ее влияние чувствовалось в той или иной степени в таких культовых историях как “Берсерк”, “Евангелион” или “Хеллсинг”, вот только с собственными экранизациями Дэвилмену не особо везло. Сериал 1973 года еще в момент выхода превратился в эдакий прото-мем из-за своей несуразности и детской направленности, Да, это не описка — история о демонах была адаптирована в детский комедийный сериал. Более поздние экранизации хоть и выглядели несоизмеримо лучше, но не проживали дольше нескольких эпизодов из-

30

за влияния японской цензуры. И выход полноценного переосмысления на стриминговом сервисе стал поистине очень значимым событием. Разумеется, здесь Масааки Юаса не стал сдерживать себя ни в плане сюжета, ни в визуальных находках. После выхода сериала, Юаса превратился

из скромного гения в звезду мирового масштаба, и к огромному счастью многих фанатов он не стал почивать на лаврах. В 2019 году вышла невероятно теплая история “Оседлай волну”, пропитанная атмосферой прибрежного городка и чарующей жизнерадостностью. А еще годом позже выходит экранизация манги “Руки прочь от кинокружка”, рассказывающая не менее легкую историю о симбиозе двух талантливых художниц под надзором идеального деспотичного продюсера, способная лучше любых документалок привить зрителю любовь к анимации и открыть глаза на сложности ее производства. Однако в отличие от

иных подобных работ, будь то Shirobako или Kuromi-chan, “Киноклуб” не заостряется на скучной рутине, а делает реверанс к культуре аматорской анимации восьмидесятых годов. В этот период многие молодые художники объединялись в кинокружки и собственными силами создавали короткометражные анимационные ленты, вдохновленные аниме “золотого века”. Наиболее ярким примером этого течения можно назвать ленту Daicon IV, созданную небольшой группой аниматоров за одно лето в душном подвале. Она по-настоящему поразила многих мэтров индустрии и вдохновила еще больше людей на создание уже собственных анимационных работ. Успех “Дайкона” привел к появлению множества самых разнообразных мультфильмов на всевозможные темы, начиная от научной фантастики и заканчивая эротикой и хентаем, выходившим сразу на VHS кассетах. Словом, все то, на что не рискнула бы пойти ни одна крупная студия. В последствии, многие из таких создателей стали профессиональными аниматорами, а сами авторы “Дайкон 4”, позже основали небезызвестную студию Gainax. Последней на данный момент работой режиссера стала экранизация романа Саке Комацу “Затопление Японии”. И вновь тема, близкая каждому японцу, — тема землетрясений и беспомощности человека перед силами природы, возведенная в творческий абсолют. Перед нами разворачивается трагическая история о человеческом эгоизме, где жизнь обрывается из-за глупой случайности, а рассчитывать можно лишь на свою собственную удачу, эстонского блогера и российскую медицину. И вновь детализация принесена в жертву ради практически непрерывного движения на экране, красноречивой экспрессии и просто визуального пиршества. Несмотря на то, что стиль и творческие находки Масааки Юасы придутся по вкусу

далеко не каждому, сложно отрицать важность достижений этого человека для всей индустрии японской анимации. Он фактически стоял у ее истоков и принял участие во множестве действительно важных проектов, до последнего оставаясь в тени, но при этом искренне наслаждаясь своей работой. И будем надеяться, что впереди у него еще множество возможностей поделиться со зрителем своей любовью к оживлению простых рисунков. Массаки Юаса — это режиссер, который относится к финансовым провалам как к поводу стараться еще больше. И пока все остальные творцы пытаются достигнуть своего предела, Юаса продолжает творить, будто зная, что у творчества нет границ. Всеволод Фокс, г. Киев. Впервые опубликовано на сайте dtf.ru

31

«Зипанг» — альтернативная история по-японски Представление о современной Японии как о феноменально пацифистской безоружной нации широко распространено во всем мире. При этом многие внешние наблюдатели не знают или не замечают, что не столь уж малая часть японского общества разделяет милитаристские взгляды. Ярким воплощением таких убеждений является творчество популярного автора комиксов-манга Кайдзи Кавагути. Наиболее широко известна его попаданческая фантастика о японских военных «Зипанг», но в этой статье мы расскажем и о других работах мастера. Путь к успеху. «Безмолвный флот» понская индустрия комиксов-манга — одна из самых развитых и успешных в мире. Масштабы ее столь велики, что за пределами Страны восходящего солнца переводится и распространяется далеко не все из напечатанного. Личности многих мангак (художников и сценаристов манга) также не очень широко известны мировой аудитории, хотя зачастую это не вполне справедливо. В этой статье мы кратко расскажем о творчестве популярнейшего в Японии автора

Я

32

Кайдзи Кавагути, в произведениях которого важное место занимают мотивы военного дела и военной истории. Кайдзи Кавагути родился в 1948 году в семье военного моряка, участника Второй мировой войны. Неудивительно, что любовь к японскому флоту и уважение к военным стали одними из основных мотивов его творчества. Художник добился заметного успеха в индустрии комиксов, когда в 1987 году получил престижную премию издательства Коданся за мангу Actor. А в 1988 году Кавагути начал публиковать в журнале Weekly Morning графи-

ческий роман Chinmoku no Kantai («Безмолвный флот»), также известный под англоязычным названием Silent Service. Издание продолжалось до 1996 года, всего вышло 32 тома комикса. По срокам и объему хорошо видно, что манга стала большим успехом — более того, в 1990 году Кавагути вновь получил за нее премию Коданся. По мотивам графического романа было выпущено аниме, и даже созданы компьютерные игры. Согласно сюжету «Безмолвного флота», в годы Холодной войны Япония совместно с США строит для Морских сил самообороны атомную подводную лодку под названием Seabat. Однако командир субмарины в первом же походе поднимает мятеж, атакует своих американских союзников и объявляет корабль независимым государством «Ямато» (древнее название Японии и очевидная отсылка к знаменитому линкору). Охоту на мятежников начинают военно-морские флоты Японии, США и Советского Союза. Великие державы оказываются на грани войны. Как хорошо видно, Кавагути создал на японском материале «технотриллер» в духе Тома Клэнси, в котором можно заметить следы романа «Охота за «Красным Октябрем» (знаменитый фильм вышел уже после начала издания манги). Автор объединил в произведении альтернативную историю, политическую драму и военные приключения, щедро приправленные демонстрацией передовых технологий — особенно военно-морских, к которым мангака более чем неравнодушен. Но были у «Безмолвного флота» и другие особенности, которые привлекли к графическому роману внимание и вызвали споры. Можно сказать, что в манге проявились основные мотивы творчества Кавагути, которые затем стали восприниматься как фирменные приметы его стиля. На протяжении всей творческой карьеры Кавагути демонстрирует не самое характерное для популярного мангаки повышенное внимание к внутренней и внешней политике Японии, роли Сил самообороны в современном японском государ-

стве. При этом для него неизменно свойственны правые и даже националистические взгляды на озвученные проблемы. Достаточно сказать, что сам мотив военного мятежа, ставший основой «Безмолвного флота», появлялся в новейшем японском искусстве не так уж редко, но всегда изображался как очевидное безоговорочное зло (в этой связи можно вспомнить известную фантастическую сагу Мамору Осии «Полиция будущего»). У Кавагути же бунтующие военные показаны не злодеями, а, как минимум, носителями своей правды, способными вызвать симпатию и понимание. Все это дает основания для обвинений автора в реваншизме и милитаризме, что не мешает его популярности в Японии. Грандиозная манга «Безмолвный флот» не переводилась с японского языка (из-за размеров и очевидной специфичности темы), однако зарубежная аудитория смогла познакомиться с произведением благодаря экранизации. В 1996-1998 годах по мотивам комикса вышли три серии OVA (Original Video Animation — аниме для продажи на видеокассетах), созданные на студии Sunrise режиссером Ресуке Такахаси. Нельзя сказать, что международной публике эта история понравилась так же, как японцам — большой популярности аниме не снискало и стало известно, главным образом, в узких кругах поклонников военно-морской тематики. Впрочем, по мотивам «Безмолвного флота» был снят южнокорейский фильм «Подводная лодка «Фантом» (1999 год), следы сюжета Кавагути можно найти и в американском телесериале «Последний приют» (2012-2013 годы) — технотриллере о взбунтовавшейся команде американской атомной подлодки. «Зипанг» — magnum opus Кавагути В 2000 году Кавагути начал публиковать в журнале Weekly Morning военно-приключенческую фантастическую мангу Zipang («Зипанг»), которая общепризнанно воспринимается как вершина его творчества. Это единственный комикс автора, экранизированный в формате полномасштабного аниме-сериала, что привлекло к произведению

33

внимание за пределами Японии и обеспечило ему мировую известность. Что касается самой манги, то она с большим успехом печаталась до 2009 году, приобретя воистину гигантские масштабы — 43 тома, 422 главы. В 2002 году Кавагути был вновь награжден премией Коданся за свою работу. В общих чертах «Зипанг» представляет собой попаданческую фантастику, на которую явно оказал влияние американский фильм «Последний отсчет» 1980 года про атомный авианосец ВМС США, перенесшийся в 1941 год. По сюжету графического романа, в «200Х» году новейший ракетный эсминец Морских сил самообороны Японии «Мираи» (выдуманный корабль, напоминающий реальные ракетные эсминцы типа «Конго») во время учений в Тихом океане входит в зону загадочной метеорологической аномалии и теряет контакт с дружественными силами. Спустя какое-то время «Мираи» сближается с большим конвоем, который сопровождает гигантский корабль, невообразимый в XXI веке. Офицеры сразу же узнают его — это линкор «Ямато»! Очень быстро становится понятно, что «Мираи» перенесся в июнь 1942 года, и команда эсминца наблюдала японский конвой, шедший к Мидуэю. Командир корабля капитан 1-го ранга Сабуро Умедзу принимает решение не вмешиваться в события, опасаясь изменить ход истории. Однако изменение реальности все-таки начинается, пусть и с малого. После сражения у Мидуэя «Мираи» случайно находит в море сбитый японский гидросамолет с погибшим пилотом и тонущим пассажиром. Старший помощник командира «Мираи» капитан 2-го ранга Есуке Кадомацу спасает тяжелораненого офицера, которого размещают на борту эсминца и оказывают ему медицинскую помощь. Спасенного зовут Такуми Кусака — это капитан 3-го ранга Императорских ВМС, опытный и компетентный офицер. Поняв, что он находится на японском корабле, прибывшем из будущего, Кусака требует ответа на вопрос «существует ли Япония в XXI веке?» Получив доступ в корабельную библиотеку, офицер уз-

34

нает «историю будущего» и делает для себя вывод: «Я прожил 32 года только для того, чтобы узнать это!» Кусака решает изменить ход истории, чтобы не просто избежать поражения своей страны в 1945 году, а построить новую Японию как великую самодостаточную державу. Образ идеальной страны будущего он называет «Зипанг», используя средневековое название Японии, известное европейским путешественникам, которые описывали загадочный остров в океане, — процветающий и полный несметных богатств. О появлении на Тихом океане загадочного корабля, возможности которого превосходят любую боевую единицу своего времени, вскоре становится известно командованию японских ВМС. Замечают его и американцы. Кусака помогает своим спасителям раздобыть топливо и продовольствие, налаживает контакты с представителями японского флота, благодаря которым эсминец может пройти ремонт, а его команда — отдохнуть. Несмотря на изначально декларируемый нейтралитет, моряки

с «Мираи» все более активно вмешивается в ход событий и трансформируют реальность. На этом фоне разворачивается противостояние Кусаки, с его амбициозными замыслами, и Кадомацу, который надеется, что непоправимого изменения хода истории еще можно избежать. По краткому пересказу сюжета хорошо видно, что содержание манги «Зипанг» существенно выходит за рамки привычного попаданчества. Кавагути создал настоящую хронооперу, в которой военные приключения составляют лишь часть повествования, и которая способна дать пищу для размышлений. У него получился серьезный и содержательный рассказ, важную роль в котором играет столкновение прошлого и настоящего Японии, воплощенного в образах морских офицеров. Однако невозможно отрицать, что идейная составляющая манга в значительной степени базируется на политических взглядах автора, которые сложно охарактеризовать иначе как националистические и, в некоторой степени, ревизионистские. В «Зипанг» современные японцы, представляющие миролюбивое демократическое общество, сталкиваются с военными старой Японской империи. В теории, наши современники, идеалы которых воплощены в образе Кадомацу, должны быть безоговорочно положительными персонажами, а носители старого милитаризма — отрицательными. На практике же этого не происходит — более того, Кусака и его сторонники автору явно симпатичны. Трудно отделаться от чувства, что воспитанные на пацифизме японцы наших дней выглядят кем-то вроде прекраснодушных наивных мечтателей, в то время как «имперцы» производят впечатление людей дела и носителей сильной воли. Впрочем, над всем этим доминирует идея общности японцев разных поколений — мысль, которая в самых разных образах выражена в манге. К счастью, Кавагути не превратил свой графический роман в политический памфлет под оболочкой фантастики. «Зипанг», в первую очередь, это потрясающее и не имеющее аналогов в современном массовом искусстве полотно о Второй

мировой войне на Тихом океане. В этой альтернативной истории реальность умело сплетается с вымыслом, создавая масштабное увлекательное повествование, где есть место и личным драмам, и политическим интригам, и стратегическим замыслам. Самое сильное впечатление производят глубокие исторические знания автора, его горячая любовь к военно-морским флотам прошлого и настоящего, умение создавать правдоподобные человеческие характеры. С переводом манги «Зипанг» сложилась непро-

стая ситуация. Негативную роль тут явно сыграли и специфичная военно-историческая тематика, и гигантский объем, и мотивы японского национализма. Как следствие, из европейских языков графический роман целиком переведен только на французский. Это может показаться необычным, но развитая индустрия комиксов Франции позволяет печатать там, в том числе, и столь неформатные произведения. На английский язык официально были переведены четыре тома манги, любительский перевод продолжается, но идет

35

крайне медленно. На июль 2020 года переведены 130 глав. Добиться широкой мировой известности удалось аниме-сериалу «Зипанг», 26 эпизодов которого транслировались по японскому телевидению в 2004-2005 годах. Аниме снималось на студии Studio Deen, режиссером выступил Кадзухиро Фурухаси, сценаристами — Кадзухиро Фурухаси и Ютиро Такеда. Сериал официально лицензировали в США, среди любительских переводов доступен в том числе и русскоязычный. В популярнейшей базе данных японской анимации

My Anime List средняя оценка аниме «Зипанг» составляет 7,52 балла по отзывам более чем 5200 человек. В целом, это позитивная оценка, и сериал действительно получился вполне удачный и заслуживающий внимания. Аниме бережно и аккуратно перенесло на экран атмосферу, сюжет и образы героев первоисточника, однако свою роль сыграли неизбежно ограниченные масштабы сериала и тот факт, что на время его создания манга продолжала публиковаться. Как следствие, в 26 эпизодах показана лишь начальная часть эпопеи Кайдзи Кавагути, а финал повествования остается открытым. Стоит также отметить, что из-за особенностей подачи материала и определенным образом расставленных акцентов, мотивы ревизионизма и пересмотра итогов Второй мировой войны в экранизации выглядят менее

36

заметными, чем в манге. Кусака более похож на отрицательного персонажа, а противостоящий ему Кадомацу — на положительного. Самураи и морские летчики Параллельно с публикацией «Зипанг» Кавагути в 2003 году начал выпускать мангу Taiyō no Mokushiroku («Дух Солнца»), издание которой продолжалось до 2008 года. Это произведение не имеет прямого отношения к военной истории и военному делу, поэтому не стоит задерживаться на нем. Отметим лишь, что это постапокалиптика о гибели Японии в XXI веке и борьбе выживших японцев за существование, где поднимаются политические и социальные вопросы, и можно заметить националистические взгляды автора. Кавагути в очередной раз получил за свое произведение награду (премия издательства Сегакукан в 2006 году), по мотивам манги было снято двухсерийное аниме. Затем плодовитый мангака обратился к исторической тематике и почти одновременно опубликовал два манга-сериала о ключевых моментах японской истории. С 2011 по 2014 год он издавал комикс Hyōma no Hata ~Revolutionary Wars~ о Реставрации Мэйдзи и связанной с ней гражданской войной в Японии. С 2012 по 2018 год печаталась манга Zipang: Shinsōkairyū, посвященная знаменитой войне самурайских кланов Тайра и Минамото в XII веке. Увы, оба этих эпоса пока не переводились с японского языка. Нельзя не обратить внимание на самый свежий большой манга-сериал Кавагути. С 2014 по 2020 год автор печатал в журнале Big Comic графический роман под названием Kuubo Ibuki («Авианосец Ibuki»), над которым работал совместно с журналистом Осаму Эйя. Уже немолодой мангака «вернулся к истокам» и предложил читателям примерно то, с чего начиналась его слава во время «Безмолвного флота». Это военно-политический триллер с элементами фантастики, в центре внимания которого находятся военный флот и передовые морские технологии. Сюжет «Авианосца Ibuki» может показаться шокирующим тому, кто искренне верит в «безоружную пацифи-

стскую Японию». События манги происходят в наши дни и разворачиваются вокруг конфликта Японии и Китайской Народной Республики, одним из эпицентров которого являются острова Сенкаку. Китай в противостоянии опирается на мощный флот, располагающий авианосцами. В ответ на это Морские силы самообороны Японии переоборудуют один из своих вертолетоносцев в легкий авианосец, вооруженный истребителями F-35. Фактически манга «Авианосец Ibuki» рассказывает о приключениях японских моряков и пилотов палубной авиации в грядущей войне с Китаем. Если кто-то считает подобную тематику скандальной и маргинальной, то он заблуждается. Уже в 2014 году, сразу после начала серии, Кавагути получил за нее очередную премию издательства Сегакукан. Графический роман составил 13 томов и стал в Японии настоящим хитом продаж. Сейчас автор запустил сиквел этого манга-сериала под названием «Kuubo Ibuki — Great Game». Наконец, можно добавить, что в 2019 году по мотивам «Авианосца Ibuki» был снят полнометражный игровой фильм, пользовавшийся большим коммерческим успехом в прокате. Увы, из всей манги на английский язык пока переведены только две главы. Из всего вышесказанного можно сделать вывод, что творческая биография Кайдзи Кавагути несколько парадоксальна. Этот мангака очень популярен в Японии, крайне плодовит, неоднократно отмечен престижными наградами. При этом он относительно малоизвестен за пределами Страны восходящего солнца, а его произведения переведены с японского языка лишь фрагментарно. Причины такого положения дел понять несложно — творчество Кавагути слишком специфично для международного рынка комиксов, а любительским переводам не может не препятствовать гигантский объем комиксов. И все же впечатление о произведениях парадоксального автора можно составить хотя бы по аниме-сериалу «Зипанг» и переведенным главам этой манги. Более того, главная работа

Кавагути заслуживает знакомства, поскольку обладает несомненными художественными достоинствами. Без преувеличения можно сказать, что «Зипанг» является одним из самых ярких образцов военной фантастики в современной массовой культуре Японии. Что же касается идейной основы творчества Кавагути, то тут каждый может делать выводы самостоятельно. Невозможно отрицать, что автор выражает взгляды значительной части японского общества, и этим он тоже интересен. Алексей Лесин, г. Минск

37

Творчество Наоки Урасавы Мир манги находится в постоянном движении. Появляются новые имена, старые исчезают или отходят на второй план. Индустрия с каждым годом все больше меняется под давлением технического прогресса и ураганно сменяющихся трендов. Однако есть авторы, чьи имена навсегда останутся в истории манги. Таким был Осаму Тэдзука. Таков и Наоки Урасава.

Б

удущий мангака родился 2 января 1960 года в районе под названием Фути, города Токио. Большую часть своего детства он провел в доме своей бабушки, так как родители очень плохо ладили друг с другом. Конечно же, с самого детства Урасава обожал рисовать и не мыслил себя без этого занятия. Свою первую мангу он создал уже во втором классе. Наряду с рисованием очень любил музыку, играл на гитаре. В дальнейшем это увлечение оставит важный отпечаток в сюжетах Наоки. Как-то раз ему в руки попалась манга «Феникс» (в некоторых переводах «Жар-Птица»), за авторством Осаму Тедзуки и, по словам самого Урасавы, кардинально изменила его жизнь. Мальчик решил вплотную заняться созданием манги и посвятить этому свою жизнь. Урасава дебютирует в качестве самостоятельного автора в 1981 году с мангой Return. Причем дебют был достаточно успешен, получив New Manga Artist Award. После этого на перспективного мангаку обращают внимание издатели. Однако полностью свое произведение ему писать еще не доверяют. Поэтому первой регулярно выходящей мангой Урасавы становится Pineapple Army 1985

38

года, в которой он выступал как иллюстратор. За сюжет был ответственен Кацуя Кудо, а сама манга повествовала про тяжелые будни военных наемников в банановых республиках. Проведя в соавторстве чуть больше года, Наоки зарекомендовал себя как достаточно ответственный и опытный иллюстратор. И уже в 1986, параллельно с Pineapple Army, он начинает публиковать полностью свое произведение — Yawara! — в еженедельном журнале Big Comic Spirits.

Yawara! повествует о жизни школьницы Явары Инокума. Казалось бы, у обычной школьницы должны быть самые обычные проблемы. Вот только у Явары очень строгий дедушка, обладатель 7 дана по дзюдо. С самого детства он пытается привить девочке любовь к дзюдо и уже распланировал ее жизнь и спортивные успехи на долгие годы вперед. Он даже прочит ей золотую медаль на олимпийских играх. Вот только сама Явара от этого не в восторге и хочет жить самой обычной жизнью… Манга оказывается очень успешной и в 1989 году получает награду как лучшее произведение в жанре сейнен. Пока Урасава пишет «Yawara!»,

в 1988 году заканчивается Pineapple Army. Однако Наоки не собирается останавливаться на достигнутом и в этом же году принимается работать в соавторстве, снова в роли иллюстратора, над мангой Master Keaton. В 1993 году подходит к концу и успешная Yawara!, а в 1994 и Master Keaton. Именно с этого момента Урасава уходит в свободное плавание и становится полностью самостоятельным автором. Не желая останавливаться ни на миг после предыдущих успехов, мангака сразу начинает работу над своей новой мангой — Happy!. История повествует о девушке, что была вынуждена выплачивать большой долг якудзе за своего брата. Правда, мангу практически не заметили и никаких наград она не получило, и этому есть объяснение. Параллельно с Happy!, в 1994 году, Урасава начинает выпускать еще одно свое произведение, которое впоследствии сделает его популярным во всем мире. Пожалуй, достаточно биографических фактов. Дальше разговор пойдет о самых знаменитых и влиятельных работах мангаки. Однако прежде стоит сказать пару слов об оригинальном стиле рисунка Урасавы. В первую очередь во всех работах автора в глаза бросается то, что манга совсем не выглядит как очередная «японщина». Рисунок скорее напоминает европейские арт-хаус комиксы, благодаря нормальной лицевой симметрии и общей строгости. Вряд ли вы так легко найдете в его манге кадры с гипертрофированными эмоциями и

наплевательское отношение к человеческой анатомии. Люди на страницах манги Урасавы выглядят в первую очередь как самые обычные существа. У кого-то большой нос, у кого-то залысина, у кого-то и вовсе скулы чуть ли не прорезают щеки. Все эти детали нарисованы максимально реалистично, без перекоса в аниме-стилистику. Причем очень заметно практически полное отсутствие фан-сервиса. В первую очередь его произведения цепляют сюжетом, а не красивыми аниме-девочками. Еще один важный аспект: Урасава рисует преимущественно «мангу лиц». То есть акцент в рисунке сделан на преобладающие крупные планы персонажей, а не на красивые панорамы. Многие могут посчитать такой подход достаточно скучным и серым, вот только такие мысли сразу же улетучатся при прочтении любого из произведений. Автор не просто так фокусирует внимание читателя на лицах, ведь ему очень важно передать человеческую эмоцию. Неважно с помощью слез или смеха. Важно лишь то, что эти самые слезы и смех мы можем увидеть только на лице самого персонажа. В юности Урасаве часто говорили, что рисовать «мангу лиц» дело ненужное и неблагодарное, к тому же безыдейное. Вот только сам автор и не думает прислушиваться к этому совету, ведь по его мнению лицо — это самый важный холст для человеческих эмоций. Нужно отметить, что несмотря на общую строгость рисунка, мангака не забывает наполнять его деталями. Большинство крупных кадров будут

39

насыщены необходимыми мелочами, говорящими о прошлом того или иного персонажа или о месте, где сейчас происходит действие. Интересно, что Урасава строит сцену по кинематографичным принципам и старается размышлять над фреймом с точки зрения камеры: где она должна стоять, какая перспектива должна простираться на заднем плане, с какого ракурса должна быть направлена линза. Монстр Доктор Тенма, японец по происхождению, работает в респектабельной немецкой клинике. Причем работает так хорошо, что зарекомендовал себя как прекрасного хирурга. Вот ему уже прочат большие успехи в карьере, есть красавица жена, вся будущая жизнь уже расписана на долгие годы вперед. Жизнь счастлива и безоблачна. Однако, в одну роковую ночь приходят сразу два пациента, которым срочно нужна операция. Один из них важный чиновник, а другой — маленький мальчик с пулевым ранением в голову. Доктору Тенме приходится выбирать между двумя жизнями. Конечно же, он выбирает мальчика, но даже в своих самых смелых предположениях он не представляет какие у этого выбора будут последствия… «Монстр» — это в первую очередь детективная история, завязанная на неторопливо разворачивающейся интриге. Она гораздо сложнее и комплекснее, чем может показаться из краткого синопсиса. Когда, казалось бы, все ключи к разгадке уже у вас на руках, мангака подкидывает еще один, который никуда не подходит. Однако так кажется лишь поначалу. Так или иначе все развешенные ружья стреляют, все сюжетные линии подходят к логическому завершению, а для каждого ключа найдется своя замочная скважина. Гораздо интереснее центральная идея, над которой произведение предлагает подумать. Вся история завязана на выборе и его последствиях. Порой даже самое незначительное решение может привести к совершенно катастрофическому

40

итогу. Вот только что, если это решение изначально преподносится как единственно верное, которое в итоге позволит жить в мире с самим собой? На этот вопрос нет и никогда не будет однозначного ответа. Ведь никто не умеет заглядывать в свое будущее, а решение зачастую принимается импульсивно, без долгих раздумий и прочей «прагматичной чепухи». «Монстр» — максимально приземленная и человечная манга. Конечно, выдумке и небольшой толике фантастики и здесь найдется место. Однако она ни в коем случае не рушит общий серьезный реалистичный тон, которому на руку играет отличный рисунок. Действительно интересен сеттинг, выбранный Урасавой для своего произведения: Германия с точки зрения не огромной столицы, а небольших городков и деревушек, где все друг друга знают. Благодаря этому тут нет какой-либо «японщины» и прочих экстравагантных штучек, которыми так славится родина мангаки. Также место действия задает и особенный, размеренный темп произведению. Конечно, тут есть и перестрелки, и стремительно развивающиеся события, но их в манге лишь малая часть. Гораздо больше времени отдано конкретно персонажам, их взаимодействию друг с другом и огромному количеству диалогов. «Монстр» Наоки Урасавы — очень крепкий детективный триллер. Интригующий и тягучий как мед. Если вы решите его прочитать, то скорее всего не сможете оторваться до самого финала. Манга получила всемирную славу, а также выиграла большое количество наград, включая главный приз Культурной премии имени Осаму Тедзуки. Когда ее напечатали на английском, то она была несколько раз номинирована на премию Айзнера, трижды как лучшее публикующееся произведение. Даже обладатель пулитцеровской премии за художественное произведение Диас Нуот после прочтения манги писал: «Урасава — национальное сокровище Японии, и если вы не боитесь книг с картинками, то поймете почему». В итоге манга публиковалась с декабря 1994 года по декабрь 2001 года. Получила большое количество

41

самых разных наград и похвалу от многих именитых авторов по всему миру. Мальчишки двадцатого века В 1969 году, мальчишки Кэндзи, Отте, Еситсуне и Маруо построили себе убежище в широком поле и назвали его «секретной базой». Там они вместе читали мангу, рассматривали украденные порно-журнальчики, играли. В общем, делали все то, что подобает делать маленьким мальчикам. Там же они придумали свой собственный символ, что означал их крепкую дружбу. А еще они разработали поразительно подробный план на случай, если вдруг на землю нападут пришельцы и мальчишкам придется с ними сражаться. Кто бы мог подумать, что их предсказание сбудется спустя десятки лет… Пусть и не совсем так, как было задумано… Даже не знаю как подступиться к данному произведению. Оно сочетает в себе отлично связанную сюжетную линию, превосходно прописанных персонажей и целый набор потрясающе напряженных сцен, от которых голова сама по себе вжимается в плечи. Все, что нужно знать о сюжете перед прочтением, кроме написанного выше синопсиса — перед нами снова детективный триллер. Вот только если в «Монстре» мир был максимально реалистичен и приземлен, то в этот раз Урасава позволил себе больший уклон в сторону фантастики и антиутопии. Однако это ни в коем случае не делает произведение хуже. Фантастический элемент очень логичен и в нем ни на секунду нельзя усомниться. Даже если вам что-то изначально покажется абсолютным бредом — позже ему будет дано всеобъемлющее объяснение, которое расставит все точки над i. Антиутопия тоже прописана достаточно правдоподобно, как и законы по которым она работает. За время развития сюжета внутри манги сменится не один год, а сам мир претерпит множество изменений, которые затронут не только основных персонажей или их родной город, но отразятся на всей Японии и даже повлияют на весь мир. Но не-

42

смотря на масштабность событий, сам сюжет достаточно камерный и крутится в основном вокруг небольшого количества персонажей. История получилась гораздо более личной, так как некоторые черты главного героя напрямую списаны с самого Наоки Урасавы. Выше я уже упоминал, что Урасава увлекается игрой на гитаре. Так вот, он не просто

увлекается, он умудрился выпустить два полноценных музыкальных альбома. Правда, дальше уровня хобби это не заходит, так как в создании манги Урасава талантливее чем в написании музыки. Так вот, главный герой «Мальчишек» — это тоже неудавшийся музыкант, который под давлением внешних обстоятельств вынужден бросить любимое занятие. Причем это не простая ремарка, которая придает персонажу глубины, а очень важный элемент истории, который сыграет значительную роль.

В «Мальчишках двадцатого века» во главе угла стоит не столько сам сюжет и центральная интрига, сколько очень сложные взаимоотношения между большим количеством самых разных персонажей. Отношения эти отнюдь не сиюминутны и появляются не на пустом месте, они формируются долгие годы, чтобы в итоге найти прийти к катарсису в конце манги. Причем я не утрирую насчет долгих лет, так как не только в манге проходят года, но и в реальной жизни время тоже не стояло на месте. Манга публиковалась с 1999 по 2006 год, а после нее выходил двухтомный эпилог «Мальчишки двадцать первого века», завершившийся в июле 2007 года. «Мальчишек» Урасава начал писать еще во время работы над «Монстром», из-за чего в скором времени попал в больницу из-за переутомления. Оно и не удивительно: одновременно выпускать две еженедельных истории с огромным фокусом на сюжете. Однако усилия того стоили. Манга произвела настоящий фурор, а в 2008 году была третьей среди самых продаваемых произведений. Также

работа получила множество престижных наград: главный приз издательства «Коданся» в основной категории, приз на международном фестивале комиксов в Ангумеле (Франция), и дважды выигрывала премию Айзнера — в 2011 и в 2013 году. Один из манга-критиков назвал «Мальчишек двадцатого века» эпической сагой о ностальгии, среднем возрасте и рок-н-ролле. Другой критик отметил построение сюжета и диалогов Урасавы: «Нужно быть настоящим мастером, чтобы написать столь многослойную историю таким образом, чтобы не потерять смысл и мотивацию персонажей». Этой работой Урасава закрепил свое имя в пантеоне мэтров манги, причем не только у себя на родине, но и за рубежом в Европе и Америке. Плутон Маленький Урасава просто обожал читать мангу, особенно ему нравились работы Осаму Тедзуки. Ему всегда хотелось переосмыслить несколько историй мэтра. Такая возможность появилась у

43

него в 2002 и 2003 годах. Изначально Урасава планировал небольшой ваншот по «Астробою», приуроченный ко дню рождения главного героя — Могучего Атома — 7 апреля 2003 года. Однако после того, как Наоки перечитал произведение, он решил взяться за него гораздо серьезнее, особенно за сюжетную арку «Величайший робот на Земле». Эту идею Урасава со своими менеджерами представил сыну Осаму Тедзуки — Макото Тезка, однако тот был не в восторге, посчитав, что мангака пытается присоседиться к успеху начавшейся в 2002 году, новой аниме-адаптации «Астробоя» и отклонил предложение Урасавы. Наоки и не думал мириться с отказом, он настоял на личной встрече с Макото, на которой показал бы ему скетчи, а также обрисовал свое видение истории. Макото согласился на встречу 28 марта 2003 года. По ее итогам он взял с Урасавы обещание, что тот не будет копировать стиль Тедзуки, а создаст полностью свое видение

44

уже классического произведения. Макото даже попросил мангаку переосмыслить дизайн некоторых персонажей. Получив «благословение» Урасава тут же погрузился в работу над мангой, которая позже выйдет под названием «Плутон». Как уже было упомянуто выше, «Плутон» это переосмысление одной из сюжетных арок «Астробоя». Основной сюжет остался неизменным, однако Урасава не упустил возможности обогатить историю новыми деталями. Причем эти новые идеи пришлись настолько к месту, что при прочтении у вас даже не появится подозрений в том, что чего-то могло не быть в оригинале. Самое серьезное изменение, за исключением визуального стиля, получил тон истории. Кто бы что не говорил, но оригинальный «Астробой» изначально был рассчитан на максимально широкую аудиторию, чтобы его было интересно читать не только детям, но и подросткам, и даже взрослым. В руках Урасавы же «Астро Бой»

превращается в очень мрачную и жестокую историю, не стесняющуюся графической и психологической жестокости. «Плутон» — самая мощная работа мангаки. В ней он вступает с читателем в диалог, желая обсудить такие сложные и тяжелые темы как война и геноцид. Причем изначально серьезность эта замаскирована очень простой концепцией, за которую стоит благодарить оригинал. Ведь в истории манги война ведется исключительно силами роботов, геноцид происходит с роботами, да и главные герои всей истории тоже роботы. Вот только это не делает чтение легче, так как роботы в этой истории очень человечные создания. Они испытывают эмоции, вступают в брак, существуют в мире наравне с самыми простыми людьми, могут даже усыновлять вполне себе живых детей. Благодаря такому строению мира мы, как читатели, тоже начинаем воспринимать роботов как себе равных. Поэтому война между роботами перестает быть

бойней железяк и становится самым настоящим убийством. Отдельная небольшая арка здесь и вовсе выделена тому, как робот-ветеран, всю жизнь не знавший ничего кроме поля боя, пытается жить мирной жизнью. Жизнью, что дается ему крайне тяжело, так как ничего кроме войны он не знает. Создавая «Плутон», Урасава невольно соревновался с самим Тедзукой, так как сравнений ему было не избежать. Особенно потому, что он взялся за действительно легендарное произведение, которое прочно обосновалось в японской культуре. Так что, можно утверждать, что на плечах Наоки был очень тяжелый груз. Манга публиковалась с 9 сентября 2003 года по 5 апреля 2009. После своего выхода она получила множество наград, как и предыдущие описанные здесь работы автора. Она так же взяла приз на международном фестивале комиксов в Ангумеле. Однако есть более важная награда, которая в контексте данного произведения играет решаю-

45

щую роль. В 2005 году Урасава получил за «Плутон» Культурную премию имени Осаму Тедзуки. Именно эта награда, именно за переосмысление «Астробоя», позволила Наоки Урасаве встать в один ряд с самим Тедзукой у себя на родине.

Казалось бы, каким бы именитым и умелым автором ты ни был, если ты посягаешь на святое, у тебя очень велик шанс провалиться под грузом собственных амбиций и ответственности перед огромным количеством не только своих фанатов, но и фанатов Тедзуки. Урасава не только успешно переосмыслил персонажей и историю, он внес в нее что-то свое. То, что позволило ему дистанцироваться от сравнений с Тедзукой и создать нечто новое, не вопреки мэтру, а вместе с ним. На данный момент Наоки Урасава считается живым классиком манги. По его работам снято большое количество отличных аниме. У него есть собственная передача на телевидении, где он интервьюирует своих коллег-мангак, а также снимает их рабочий день — «Манбен». При этом за его плечами еще немалое количество отличных работ, в этой статье я перечислил не более половины. Он один из немногих мангак, что до сих пор предпочитает рисовать на бумаге с помощью карандаша и пера, лишь изредка прибегая к помощи компьютеров и графических планшетов. Что самое удивительное, несмотря на свои 60 лет и огромное количество успешных работ, он не планирует останавливаться. В 2018 году началась сериализация его новой манги «Асадора», что уже сейчас везде собирает теплые отзывы. В 2019 году, в Лос-Анджелесе состоялась его первая выставка под названием «Это МАНГА – искусство Наоки Урасавы», и в этом же году он был представлен как кандидат в зал славы лауреатов награды имени Уилла Айзнера. Его влияние на мир манги сложно переоценить. Но еще сложнее было бы представить мир манги без Наоки Урасавы.

46

Павел Зуев, г. Иркутск

instagram.com/animegazeta/ facebook.com/segodnyakh/ vk.com/segodnya_kh

47

48

Над номером работали: Sotoori, Yamato. Украина 2021