FOTOGRAFÍA

FOTOGRAFÍA DE ALTO CONTRASE

ESCRITO POR Andrew Kearns y Trevor Traynor EN Adobe

Andrew Kearns Descubre la relación que existe entre las sombras oscuras y los tonos claros de tus fotos. Saca partido de la luz natural y los espacios negativos para crear imágenes llamativas y sorprendentes.

¿EN QUÉ CONSISTE LA FOTOGRAFÍA DE ALTO CONTRASTE?

En este tipo de fotografía, se muestra el contraste entre las distintas tonalidades o la forma en que interactúan los elementos claros y oscuros de una imagen para captar la atención. Como sucede en el “fengshui”, los elementos de una foto de alto contraste deben estar en equilibrio y armonía.

FOTOGRAFÍA DE ALTO CONTRASE

“Se trata del excitante pero delicado equilibrio entre negros intensos y aterciopelados y blancos puros y brillantes, además de todas las tonalidades que se encuentran entre ellos”, afirma el fotógrafo Trevor Traynor.

La gama de tonos de cualquier imagen puede hacer que tus obras transmitan una sensación de unidad visual y despierten cierta intriga.

“El alto contraste, o el contraste en general, está presente en casi todos los aspectos de la fotografía. Puede tratarse de un espacio amplio con una persona en pequeño o estar en los colores complementarios”, explica Andrew Kearns.

Dos fotos apiladas: foto de una cascada fluyendo por el lateral de una montaña sobre la foto de un auto atravesando un bosque nevado por la carretera

Las fotos de alto contraste se parecen a las que son en blanco y negro en tanto que ambas parten del equilibrio de claros y oscuros para conseguir un efecto.

La principal diferencia reside en que las imágenes de alto contraste no están limitadas a una escala de grises. En este caso, pueden incluir tanto colores claros y llamativos como sombras oscuras e intensas que dan lugar a atractivos contrastes de color.

LOS TRES TIPOS DE CONTRASTE.

Prueba con distintos tipos de contraste en tu próxima sesión de fotos para llamar la atención despertar todo un abanico de sensaciones.

Contraste tonal

Este es el tipo de contraste que más se emplea y consiste en colocar los tonos claros junto a los oscuros. El contraste tonal no se reduce a la fotografía en blanco y negro, sino que también es útil para destacar al sujeto en las fotos a color sin complicar la composición. Una silueta es un buen ejemplo de contraste tonal.

Contraste de color

Este tipo de contraste se sirve de la rueda de los colores y la teoría del color para localizar el punto de contraste entre unos tonos y otros.

Esto resulta sencillo porque se encuentran en el lado opuesto de la rueda.

A estos colores se los denomina “complementarios” y se clasifican en dos grupos: cálidos y fríos. Combina uno de cada grupo para crear contrastes de color capaces de dejar boquiabiertos a otros fotógrafos.

Contraste conceptual

Este tipo es más abstracto que el resto y se basa en ideas en lugar de en elementos visuales para agregar contraste

Andrew Kearns

a las fotos.

Esta técnica sirve para contar una historia, dar profundidad a la imagen y hace plantearse algunas preguntas, por lo que consigue interactuar con el público y captar su atención. Por ejemplo, podrías combinar una flor brotando con un grafiti para una fotografía callejera.

¿CUÁL ES LA DIFERENCIA ENTRE LAS FOTOS DE BAJO Y ALTO CONTRASTE?

El contraste tonal hace referencia al brillo de los elementos de una imagen. Si tu foto está compuesta por áreas extremadamente claras y oscuras, se puede considerar de alto contraste. Si presenta una amplia gama de tonos que van desde el blanco al negro, ambos puros, se trata de una imagen de contraste medio. Por último, si no presenta blancos o negros puros, y tiene una gama de tonos medios, quiere decir que el nivel de contraste es bajo. Ten esto en cuenta y emplea la cantidad de iluminación adecuada para el estilo de fotografía que vas a realizar.

Las imágenes de alto contraste tienen un aire innovador y sorprendente, por lo que consiguen despertar emociones intensas. Las diferencias entre los claros y los oscuros también pueden guiar la atención del público al lugar que deseas. “Es una buena forma de dividir la fotografía en secciones”, afirma Kearns. Persona en la cima de una montaña haciendo una foto de otra montaña que sobresale entre las nubes durante una puesta de sol.

PRINCIPIOS BÁSICOS DE LA FOTOGRAFÍA DE ALTO CONTRASTE.

Busca la ubicación e iluminación adecuadas.

La iluminación de algunos lugares (o la ausencia de ella) puede ayudarte a conseguir un nivel más alto de contraste en tus fotos. En espacios exteriores, dispondrás más fuentes de luz natural, pero tendrás menos control sobre la iluminación. En el estudio, podrás controlar mejor este factor, pero tendrás que trabajar para crear ese contraste en lugar encontrarlo todo listo.

“Tanto si haces las fotos en un espacio interior como si se trata de uno al aire libre, vas a tener que dar forma a esa luz —explica Traynor—. Puedes encontrarla o crearla”.

Si vas a trabajar en exteriores, hazlo en los momentos en los que la luz es más

Fuente mott.pe

deslumbrante, como en días especialmente despejados y soleados. Este tipo de luz lanza sombras más intensas y, por tanto, genera más contraste. Observa cómo las zonas sombreadas se complementan con la luz directa del sol y busca lugares en los que esos dos tipos de elementos convergen. Busca ubicaciones que te ayuden también a crear un contraste conceptual como, por ejemplo, un bosque frondoso y verde con el que rodear a un solo árbol muerto. Si vas a hacer la foto en un espacio interior, puedes emplear un equipo de iluminación y colocarlo en la posición adecuada para crear el contraste que buscas. Prueba a iluminar el objeto desde uno de los laterales o usa una sola fuente de luz colocada directamente sobre el sujeto o debajo de él.

Planea cómo serán las imágenes.

Antes de empezar a hacer las fotos, visualiza el lugar en el que quieres que haya contraste. Aunque puedes hacer cambios cuando ya empezaste, tener en mente la idea, concepto visual o meta que persigues te ayudará a sacar más partido a las imágenes.

En un estudio, dispones de un espacio controlado en el que trabajar con los sujetos y accesorios sin miedo a que ningún agente externo pueda interferir. Organiza previamente todo lo relacionado con estos elementos para destacar y reforzar la conexión entre ambos, y conseguirás el máximo nivel de contraste. Adapta el plan.

Aunque la luz solar directa produce un mayor contraste, atrévete a experimentar con los distintos tipos de luz que hay durante el día. Observa cómo el baile de las sombras cambia el tipo de contraste que puedes capturar a medida que el sol se mueve en el cielo. Aprovecha la gama de tonos con la que enriquecen

Experimenta con la exposición.

Haz varias fotos de la misma escena o sujeto con distintos niveles de exposición para obtener versiones con contrastes alto, medio y bajo. Ajusta el valor ISO para aumentar la sensibilidad a la luz de tu cámara y aumentar el contraste. Emplear la cámara en modo manual te ayudará a conocer mejor las distintas configuraciones y aprenderás a producir resultados con un nivel más alto de contraste.

“Cuando configuraste todas las opciones, tendrás un control total sobre la luz y podrás lograr esos efectos de alto contraste directamente con la cámara”, afirma Kearns.

Hacer fotos algo subexpuestas puede ser de ayuda a la hora de editar. Si haces esto, podrás mantener la calidad de los fondos y los puntos de luz de la imagen original cuando llegues a la fase de posprocesamiento. “Si veo que una luz fuerte y brillante atraviesa algo, reduzco la exposición para resaltar el contraste y capturar esa misma imagen intensa que yo estoy viendo”, cuenta Traynor.

“HAY QUE CONVERTIR LO NEGATIVO EN ALGO POSITIVO”

VaniaBachur

ENTREVISTA CON VANIA BACHUR POR MARIEL ARGÜELLO EN +CULTURA

Vania Bachur es una ilustradora mexicana, pero también es una chica emprendedora que ha inspirado a chicos y grandes, gracias al ejemplo de perseverancia.

Desde los tres años ha dibujado y siempre soñó con que su trabajo fuera ilustrar… ¡Y lo logró!

Tal es así que recién publicó sus “15 consejos malvados para ser tu propia superheroína” (Me Gusta Leer México), en el que comparte viñetas a modo de consejos que ayudarán a los lectores a luchar por sus sueños, superar las crisis existenciales y sobre todo, reírse de las críticas. Recién platicamos con ella sobre sus inicios, el ser constante ante el trabajo, la cercanía con sus seguidores, además de música y sus escritores favoritos. He aquí lo que nos contó.

¿Cómo inició tu carrera dentro del mundo de la ilustración y de los medios visuales?

Siempre dije que iba a vivir de dibujar, pensaba en cómo iba a pasar y no tenía idea de cómo sucedería. Me considero como una ilustradora autodidacta, entonces opté en estudiar Diseño Gráfico porque era como lo más parecido en México y me formé como Diseñadora Gráfica en agencias, pero al mismo tiempo siempre tenía mis cosas de ilustración. Intentaba hacer como freelances y cuestiones chiquitas de ello y hubo un cambio en mi carrera estando en las agencias, porque se dieron cuenta de que ilustraba y me empezaron a dar proyectos más de diseño pero que se resolvieran con ilustración. El salto a los medios se dio porque siempre he realizado viñetas como de chiste, pero que sólo los compartía con amigos y familia y me daba mucha pena en sa-

carlos y que lo viera la gente porque sufro de ansiedad, entonces pensaba en que me dirían de que mi trabajo era una basura y bueno, cuando salieron los primeros Facebook FanPages, una amiga me dijo: “¡Oye, mira lo que acaba de salir! ¿Por qué no abres uno y te empezamos a dar like todos? Para que todos veamos tu trabajo y no perdamos la vista de ello”, entonces lo hice pensando en que era algo privado y no sabía que estaba en modo público. Me empecé a dar cuenta de que las publicaciones empezaron a ser virales y eso al principio me dio un buen de terror, pero ya después dije: “No, pues ya qué hago, ¿no?” y ya agarré la onda pensando: “Ah bueno, entonces puedo recibir un poco de retroalimentación y puedo practicar diario”.

Mi objetivo nunca fue en querer ser famosa o en ser una influencer porque por ahí no va, sino que yo lo veía más como práctica para mi y eso llevó una

cosa a la otra .

Tu carrera ha estado ligada con grandes empresas y marcas con las que has trabajado… ¿La experiencia que has adquirido cambió la forma como dibujas ahora?

No, cuando una marca se acerca a mi, se acerca mucho por que les gusta lo que he producido y siempre lo que hago con ellos es en involucrarme en la cuestión creativa, tal cual en generar contenido. Algo que siempre pido es que se apegue mucho a mi estilo, que siga mis reglas y no las de la otra marca. Es algo que yo respeto muchísimo porque si sé que he construido mi marca y he ganado mis seguidores es porque les gusta lo que hago, entonces las marcas tienen que llegar y adaptarse a lo que yo publico y creo que hasta ahora ha funcionado muy bien. Es como un ganar-ganar.

¿Qué es lo que consideras importante para poder explotar todas esas ideas que te llegan a la mente?

La constancia. Ser constante. Porque de nada te sirve tener la gran idea o ser súper talentoso o ser el mejor del universo en hacer algo, pero si no eres constante y no los vas a estar publicando, la gente no lo va a ver y entonces no le va a llegar a nadie. Las personas no van a estar en su casa y de repente les va a llegar la idea de “Híjole, se me hace que esta vieja es súper talentosa y la voy a buscar”. No. Tienes que hacer de alguna manera que tu trabajo le

llegue a las demás personas y creo que los más importante es la constancia.

¿Qué hay en los “15 consejos malvados para ser tu propia superheroína” que tú como creadora percibes, pero quienes te siguen aún no logran comprender?

No sé si es como confusión, pero es chistoso, ya que me he percatado de que muchos de mis seguidores, sobretodo los que son nuevos, piensan que es un libro infantil y no sé, me han llegado mensajes como por ejemplo el de una chava diciéndome: “Es que compré el libro para mi sobrinita, pero me dio un ataque, lo abrí y lo leí y me lo voy a quedar porque ya vi que no es para niños, pero igual le compraré otro más acorde a ella”, entonces hay gente que tiene como que sus dudas en decirme: “Oye, ¿pero para qué rango de edad es?” y le digo: “No sé, tú decides qué darle a tu hijo y que no” y aparte también no creo que una niña de 5 años diga: “Ah, voy a leer esto de cosas de mi ex” pues como que no queda. Entonces si creo que hay como que un gran rango en la edad en los consejos y como que hay de todo, sobretodo el principio es mucho de cuando eres chiquito y ya después acaba como en cosas de que ya estás grande, entonces es para todos. Tú decides qué le das a tu cerebro y que no.

Puedo tratar como que cosas súper crudas, pero la ilustración lo suaviza mucho y entonces tú como adulto lo ves, entiendes el chiste y te ríes y el niño cuando lo ve, va a decir: “Ah está súper bonito” y no le va a afectar en nada, porque no lo va a entender. Entonces estoy consciente de que tengo fans chiquitos y también fans hombres

que les ha agradado algunas ‘ñoñerias’. Es muy multi-target mi publico. Es extraño.

Aunado a lo que me dices, tú has generado una comunidad de chicas y chicos que se sienten identificados con estas súper heroínas que has creado y que lidian con situaciones de la vida diaria. ¿Imaginaste este tipo de éxito que ha tenido tu trabajo? ¿Te imaginaste llegar a donde te encuentras ahorita en ver tu publicidad en todos lados y publicar tu libro?

Siempre me dije de que iba a vivir de dibujar y creo que muchos lo agarraban de chiste, pero para mi siempre fue algo muy serio y entonces yo les dibujaba y les decía desde que iba a la primaria: “Tu guarda este dibujo, porque cuando yo sea así super famosa, le vas a poder pagar la escuela a tu hijo con esto” y todos se empezaron a reír, pero yo estaba firme y mantenía en serio mi objetivo. Creo que más de imaginarlo, siempre fue muy determinada y muy segura del cerebro que tenía y decía: “Yo no se como le voy a hacer, pero lo tengo que hacer”.

Siempre estuvo como que esa seguridad en mi y aunque todos lo tomaran de chiste, me pasa ahora con algunos amigos y ex compañeros con los que llegué a trabajar o con los que iba en la escuela y me dicen: “¡No mames!, si lo lograste” y yo le dije “Pues si wey, pero tú viste todo lo que hay detrás”. Nunca fue de risas y diversión.

Más porque en el libro hay una parte en la que señalas mucho de que hay que trabajar mucho y que nada cae del cielo para poder lograr los objetivos… Todo es cuestión de trabajo.

Por ejemplo, ahora que saqué el libro, me han mandado muchos mensajes de “Oye,¿y como cuanto tiempo te tardaste en diseñar tu libro?” y dije: “Pues mira, me tarde como 30 años dibujando como niña y de vivir tonterías que me pasaron… Si, como 30 años me tardé en realizarlo” y la gente no entiende eso.

Piensan y quieren una escala de éxito y que tú les digas: “Si, mira, me tardé dos semanas en hacerlo y luego, para que tú tengas éxito y te hagas famoso, tienes que hacer esto o aquello…” porque ahora es una cuestión de “Quiero hacerme famoso”, de “Quiero generar esto” y de “¿Cómo puedo hacerme famoso?”. No es tanto de cómo te haces famoso, sino más bien qué vas a hacer para hacerte famoso o qué vas a aportar y qué vas a generar de diferente y que no les estés copiando a alguien más, para que logres que la gente se interese por tu trabajo y lo padre es que dejes como huella o que des un mensaje. Famosas las Kardashians. De repente si me enojo y me saco de onda por ese tipo de cuestionamientos.

Tú eres una persona muy accesible y tienes ese feed con tus seguidores. Son pocos los que de verdad les interese generar interacción…

Cuando venía en camino contigo, una chava me escribió, porque un día antes me reí mucho con mi editorial y no me avisaron de que me iban a sacar fotos, entonces iba yo muy fachosa y pues así soy, lo compartí en mis stories. Que me contesta esta chica y me escribe: “Ay no amiga, ya estás así ahora muy exitosa y te urge un cambio de look para verte como una persona exitosa”. Muy en el fondo me dije: “No le voy a contestar”, aunque después pensé: “¿Pues por qué no le voy a contestar? ¿Por que ella puede ir con alguien y decírselo a quien sí le duela?”. Aunque a mi me dio igual, pero que tal y se lo dice a alguien que si le puede generar algo en su cabeza y ya después le dije: “Oye, amiga ¿Y cómo es ser una persona exitosa después de ir de Coyoacán a Santa Fé, y de ahí a Reforma y luego al Ajusco, todo en un mismo día? Por favor me urge saber”, entonces esta persona ya lo agarró de chistesito, pero si quiero que entre en su cabeza de que no está bien decir eso. Es como si yo me hubiera topado con Carlos Monsiváis y le hubiese dicho: “¿Sabes qué, wey? Péinate”. ¡Imagínate decirle que se engele el pelo y que importa más eso que tu propio cerebro! Afortunadamente solo recibí ese comentario negativo y súper extraño y los demás fueron mensajes de: “¡Wow!, me encantan tus zapatos de conejo” y muriéndonos de la risa. Hasta ya lo tome por el lado amable, porque creo que también le puede ayudar a alguien más. Hay que convertir lo negativo en algo positivo.

¿Cuál crees que sea el reto más complicado para una mujer en entrar en el mundo de las artes visuales?

No creo que haya una diferencia en lo que puedas hacer o no y que tenga que ver con el medio. Creo que tiene que ver más con algo propio y que seas muy sincero contigo, por que creo que se da mucho y lo he visto muchas veces con el trabajo de mis amigos y es mucho de: “Ay voy a ver o averiguar la fórmula que usó Pedrito y entonces le voy

a copiar todo a Pedrito, porque si ya le funcionó a él, me va a funcionar a mi” y entonces sucede de que al final, hay un buen de Pedritos, copiándose unos entre otros. Ya no hay nada original o empiezan a ser el wey que parece a las cosas que hace fulanito y la gente te va a ubicar más como el wey que le copia a cierto fulanito, no como Juan, el que quería hacer algo distinto.

Creo que el principal problema con las artes visuales es que todos están siguiendo como tendencias y dejan de respetar su propio contenido con lo que ellos mismos pueden lograr o en ser ellos mismos, entonces yo siempre les digo en que tienen que ser muy sinceros con ellos mismos y preguntarse: “¿En qué soy bueno? Entonces si soy bueno para esto, ¿cómo podría funcionar?” y armarte un plan, pero no estar viendo qué hacen los demás, porque tú eres el único que saber hacer bien esto. Ante todo tienes que ser súper sincero contigo y no subirte a las tendencias de lo que está de moda. La moda es pasajera. Mejor construye algo sobre ti y sobre lo que realmente te gusta.

Vamos a tocar el tema de música, hay una anécdota que me encantó y que hiciste para conocer a los de Interpol…

Ah, ya sé, ¡Qué oso!

No, para nada, yo también lo haría por una banda o cantante que me gusta y la verdad se me hizo tan increíble en cómo lo lograste…

Pertenezco a una especie de “mafia” por así decirlo de Interpol, entonces esa vez me pasaron el dato de cuando llegaba Paul Banks. Me animaron mucho en ir, pero en si me dio mucha pena y pánico a la vez porque qué tal y lo agarraba en mal momento a Paul, pero a final de cuentas lo vi. Se me cayó el celular, nos sacamos una foto, en fin, pero a final de cuentas, me firmó mi disco favorito (“Turn On the Bright Lights”) .

Después de eso, me entero de la mecánica para ganar un meet and greet con la banda. Me avisan de que todos iban a concursar para ganarlo y entonces me di cuenta de que muchos tenían sus colecciones de discos y así y muchos iban a mandar lo mismo, así que me dije: “No, voy a dibujar” y como en esa ocasión se estaban cumpliendo los xv años de “Turn On the Bright Lights”, lo hice a tono de la novela de “Quinceañera”, que igual se me hizo una estupidez. Lo subí a redes y entonces les pedí que me etiquetaran para ganar y

en que me apoyaran y gané. Cuando conocí a la chica que lo organizó, me dijo que me escogió porque le dio mucha risa mi viñeta. Entonces ya fui y los conocí. Toda loca, pero tengo que reconocer que la música es algo que me mueve mucho, ¿sabes?

¿Qué otras bandas o cantantes te gustan aparte de Interpol y que escuchas en específico para trabajar?

Escucho mucho a Mew, Beirut, Kashmir, Oasis, Pulp. Me encantaba mucho la época del britpop, porque crecí con personas más grandes que yo y me inculcaron mucho de ello. Me pasaba mucho en la escuela con mis amigas de que ellas escuchaban más a los Backstreet Boys y me decían: “Ay es que tu escuchas música bien rara” y les decía: “No, es que es la música que ponen mis hermanos en el coche y pues entonces en ese tiempo, mis hermanos me llevaban y me traían y pues fue con la música que yo crecí y fue la música que se me pegó, la de mis hermanos y la de mi mamá. También me pasó que estando en agencia en que me tocó hacer el arte de un grupo pop y decían “Ah, es que esta Mariana o Valentina, no se qué” y

todos así sorprendidos, mientras que yo con cara de “No sé de qué me estás hablando” y no es porque sea mamona, sino porque simplemente no veía como que la misma calidad o no me llegaba tanto como una de mis bandas. Era la rara de la música.

¿Y en cuanto a Literatura? ¿Hay alguien que te guste leer o que tengas admiración?

Hay tres: primero, Jane Austen. De hecho me aventé un tour por Inglaterra y como mi novio es inglés, me acuerdo que una vez antes de que él se mudara aquí, yo me fui a verlo y me dijo: “Te voy a llevar a una casa que está en un campo y está increíble”. Entonces ya, me lleva y entro a la casa y de inmediato reaccioné y dije: “Esto yo lo conozco. Esto yo lo he visto antes, no se qué” y ya casi al terminar el recorrido me di cuenta de que era la casa donde habían filmado “Orgullo y prejuicio” y yo casi llorando y me acuerdo que hasta el final estaba la tienda y todo de Jane Austen y yo con cara de que quería casi todo. Me compré mis libros porque había una edición especial que sacó Penguin Random House de allá con pasta dura y tela y yo quede fascinada. Para su época, ella era una revolucionara. Es mi super heroína que hasta está dentro de mi libro. También soy fan de J.R.R. Tolkien. Me aventé otro tour, pero de Tolkien viviendo en Birmingham, ya que de ahí es mi novio y sé que no es nada turístico ni nada, pero ya estando allá, el me explicó lo de Las Dos Torres y luego me llevo a un jardín donde estaba una comarca y yo estaba realmente muy emocionada. Entendí mucho ese mundo fantasioso e increíble de hay de él. Estando ahí lo comprendes y tambien me gusta mucho Gabriel García Márquez, porque creo que es el único escritor que me hace imaginar hasta los olores. Me encanta.

Recuerdo una vez que cuando iba a la secundaria nos dejaron de tarea leer unos libros y yo leí varios de él y me dejo con una impresión muy chida. Ellos tres son de los que más me gustan y me han influenciado.

Para finalizar, ¿Cuál es el mejor consejo que les puedes dar a aquellos que están iniciando en las artes visuales e ilustración?

Sean constantes. ¿Quieres mejorar y hacer algo padre? Sé constante. ¿Quieres ser el mejor ilustrador y diseñador? Tienes que ser constante y hacer algo diario para disciplinarte. Tienes que estar muy consciente de que para lograr el trabajo de tus sueños o con ese proyecto con el que has soñado, vas a tener que sacrificar muchas cosas y no todos están dispuestos en hacerlo. Tienes que ser muy sincero contigo y decir: “Ok, no me iré a tal concierto, pero me voy a pagar este curso” o “No voy a ir a tal lugar porque prefiero invertir en este material”. Un consejo que me dio mi hermano fue el de: “Tienes que hacer ciertos sacrificios y no estar comprando todos los zapatos del mundo, porque tienes que vivir como pobre y como pobre no se trata de que andes descalzo en la calle, pero tienes que tomar todos esos recursos que te lleguen para construir algo más grande que al final te deje más”.

Entonces lo mucho que hacen las personas en que todo su sueldo se lo gastan en que se van al Corona Capital y “Mira lo que me compre” y ahí es cuando pienso: “Bueno, ¿Y cuando vas a construir algo para ti?”.

Comprendo en que muchos quieren vivir en el ahorita o de que quiero ser famosa ahorita para tener likes, pero tu pago no depende de eso, nunca. Sacrifiquen ciertas cosas porque créanme, la recompensa será mucho mayor.

TENDENCIAS DE ILUSTRACIÓN PARA QUE TU ARTE NO SE VUELVA OBSOLETO

ESCRITO POR Andrea Flores EN Crehana

Las tendencias de ilustración son movimientos dentro de la comunidad creativa para mejorar y explorar juntos. Más aún, al estar a la vanguardia, los dibujos de moda pueden ser clave para potenciar tus próximos proyectos y causar impacto en tus seguidores.

Si bien, tal como nos comenta Valinski, profesora del curso para descubrir tu estilo de ilustración, “el estilo personal es lo que nos diferencia de otros ilustradores”, consideramos que las tendencias de ilustración pueden ser clave para renovar el estilo que te ha acompañado año tras año.

Recuerda que una de las bases del arte es la exploración.

Por lo tanto, acompáñanos a conocer más de 10 tendencias de ilustración que, sin duda, cambiarán el rumbo de tus siguientes obras.

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PERSONAJES PEQUEÑOS EN LA WEB

Comencemos la lista de tendencias de ilustración con un estilo que está dando mucho que hablar: la ilustración para UI. Con el tiempo, la demanda de este tipo de dibujos ha crecido con el tiempo y se ha posicionado mejor que cualquier otra.

La principal razón es la eficiencia y dinamismo que las plataformas y aplicativos web esperan ganar para potenciar la experiencia de usuario. Recuerda que no sólo los modelos digitales necesitan una buena web, ahora todo negocio necesita un portal funcional. Por ello, este es uno de los enfoques dominantes de las tendencias de ilustración.

La ilustración puede hacer mucho por tu web, puesto que no sólo es más personal, también resulta ser más didáctica. Por ejemplo, si incluyes personajes en tu portal web, crearás la ilusión de que esta es mantenida por pequeños habitantes.

Con estos dibujos de moda, es casi seguro que lograrás mantener la atención de tus usuarios debido a la innovación y creatividad con la que cuenta tu plataforma.

Para aclarar el concepto de estos estilos de dibujos que darán de qué hablar más adelante, te compartimos dos ejemplos:

1. 16PERSONALITIES

En primer lugar, debemos mencionar una web que incorporó esta tendencia de ilustración hace algunos años, pero Notion

que aún permanece como uno de los casos más impactantes que hemos visto. El indicador Myers Briggs es un estudio complejo y de profundidad que involucra el estudio de la personalidad humana. Sin embargo, la web ilustrada 16personalities, a través de esta tendencia de ilustración, nos permite un acercamiento familiar y dinámico hacia este tema tan importante.

El trabajo de los arquetipos ilustrados es tan maravilloso que ha impactado directamente sobre el consumo de este estudio psicológico y lo ha vuelto accesible para cualquier persona que desee introducirse en él.

2. NOTION

Un ejemplo más reciente de esta tendencia de ilustración es Notion, una herramienta con tanta flexibilidad y una precisión tan clínica, que ciertamente

resulta sobrecogedora inicialmente, incluso para un nativo digital. Sin embargo, su uso de personajes ilustrados hacen una gran diferencia al navegar la web y la app.

Probablemente, Notion tenga más de 1000 formas de usarse, pero finalmente es una herramienta para el uso humano. El equipo ilustrado te lo recuerda y te invita a seguir investigando para qué más se puede usar Notion. De hecho, muchos consideran que Notion es la mejor app para organizar tareas.

Es probable que durante este año veamos con frecuencia estos dibujos de moda porque funcionan y son efectivos. El uso de personajes en una app o una página web no solamente enriquecen la experiencia de navegación sino que la convierten en un ejercicio didáctico para los usuarios.

Sin duda, la creación y uso de personajes ilustrados será una de las tendencias de ilustración que no puedes perder de vista si creas contenido y quieres darle un valor agregado a tus proyectos.

2. ILUSTRACIÓN Y MODELADO 3D

No todos los ilustradores son modeladores 3D, pero ¿todos los modeladores Leo Natsume

son ilustradores? Probablemente. Recuerda que un modelo 3D empieza por un boceto a lápiz. Además, cuando esculpes personajes, el conocimiento del dibujo es imprescindible, y será clave en el carisma de tu trabajo.

Por ello, el modelado y la iluminación 3D no sólo tiene su objetivo en la animación. Lo cierto es que la ilustración con modelos 3D cada día se vuelve más solicitada, por lo tanto, no debemos asombrarnos si durante este año vemos tendencias de ilustración direccionadas a crear piezas tridimensionales con abundantes colores y sensaciones.

Pero, ¿cómo llevar a cabo estos dibujos en tendencia? Por lo general, en las ilustraciones 3D predominan las curvas DC Comics

o las formas circulares, pues son estas figuras las que permiten darle relieve a las composiciones y darles ese efecto tan peculiar.

Luis Gadea Frannerd

Además, este tipo de ilustración en tendencia se caracteriza por añadir profundidad, colores y texturas de forma realista. Así que, lo más probable es que veamos los dibujos 3D aplicados a muchos contextos: imágenes, objetos, fotografías o diseño de productos.

3. ESTILOS BASADOS EN INFLUENCIAS

Antes de marcar una tendencia de ilustración, la mayoría de ilustradores empieza copiando los estilos gráficos de sus series animadas favoritas. Sin embargo, es habitual que algún profesor de dibujo los convenza de abandonarlo porque “debes comenzar a buscar tu propio estilo para tener más valor como artista”. ¿Te ha pasado? Aunque la intención de esta idea es buena, no significa que sea válida. Recuerda que todo lo que dibujamos tiene nuestro estilo encima, no somos máquinas fotocopiadoras. Es más, la influencia de una escuela como el manga o el debatido estilo “CalArts” es una base maravillosa sobre la cual, con los años, puedes construir algo propio.

Precisamente esto están practicando muchos artistas, hecho que ha vuelto de este estilo una tendencia en ilustración. Por ejemplo, la artista de cómic Babs Tarr revolucionó DC aportando su influencia manga a personajes icónicos como Batgirl.

Si te sientes altamente influenciado por alguna estética en particular, puedes tratar de moldear tus diseños y crear nuevos tipos de ilustración. No te dejes llevar por una opinión negativa e intenta buscar nuevos aires al momento de diseñar, así como un balance entre tus influencias y tu propio estilo de ilustración. Anímate a explorar, ¡tú puedes ser el próximo creador de uno de los estilos de dibujo de moda!

4. REPRESENTACIÓN NO NORMATIVA

No tenemos control sobre los cuerpos que nos enseñan los medios, pero sí sobre los que escogemos dibujar. Por ello, esta tendencia de ilustración nos invita a hacer lugar para los cuerpos no

Ariel Sun

normativos: las figuras diversas, que nos enseñan la belleza de la asimetría, y finalmente nos reflejan a nosotros mismos. Claro que la ilustración de cuerpos musculosos, voluptuosos y estilizados como los héroes de cómics, las chicas pinups o las figuras alargadas de los 90 todavía son válidas. Sin embargo, ¿por qué no darle un enfoque real a tu portafolio con estos dibujos en tendencia?

Anímate a ilustrar el cuerpo tal como es y no como los medios quieren hacernos ver y sé parte de esta tendencia de ilustración que crecerá con fuerza en 2022.

5. ILUSTRACIÓN DIGITAL COMO SI FUERA TRADICIONAL

Para este año, una de las tendencias de ilustración que sigue en ascenso es simular las técnicas tradicionales en digital. Para ello, además de una tableta para dibujar, también es preciso que cuentes con un buen software de diseño.

Las herramientas digitales llegan para darnos una mano en el proceso de ilustración y nos muestran una combinación ganadora de pinceles, plugins y funciones que imitan las texturas clásicas para crear los mejores dibujos de moda.

Claro que no tendrás un buen resultado de forma automática. Por lo tanto, te recomendamos practicar constantemente para perfeccionar tu técnica. Esta guía para dibujar la cara desde cero te ayudará a lograr buenos resultados en tus próximas obras.

6. ILUSTRACIÓN MINIMALISTA

Sabemos que el arte es una disciplina que vive constantes cambios y que nunca se cansa de explorar nuevos estilos. Por ello, siempre se están desarrollando nuevas tendencias de ilustración con el pasar de los años.

En esta oportunidad, los diseños simples están siendo el centro de atención de toda la comunidad creativa. La ilustración minimalista parte de la necesidad de hacer ilustraciones inspiradas en lo simple, en lo sutil y en los

Anna y Arek Kadja detalles más sencillos que puedan componer una pieza.

Aunque puedes llegar a pensar que las ilustraciones minimalistas se basan en la ausencia de color y en trazos planos, pues esta es la noción que estamos acostumbrados a ver, lo cierto es que el minimalismo en la ilustración no debe ser obligatoriamente tan simple como parece. Justamente, esto se ve reforzado en los dibujos en moda de este año. Por lo tanto, es posible hacer ilustraciones minimalistas que no contengan muchos elementos visuales, pero que sus colores sean abundantes y llamativos. Asegúrate de incluir colores complementarios que generen armonía, pero que, al mismo tiempo, sean reconfortantes para tener éxito con este estilo de dibujo en tendencia.

7. PERSPECTIVA ISOMÉTRICA

Esta técnica está pasando por un renacimiento hasta el punto de convertirse en una tendencia en el dibujo y la ilustración, pues cada vez cuenta con mayor presencia en diferentes campos. Para que tengas una idea, esta tendencia se encuentra en publicaciones impresas, diseño web o incluso en los videojuegos.

La perspectiva isométrica es una de las técnicas más antiguas del dibujo y la ilustración. Ofrece una mirada fuera de lo común a los espectadores y hace que todos los elementos en la composición tengan un lugar mejor definido. Además, presenta un estilo muy dinámico, pero, sobre todo, desafiante. En ese sentido, debes tener en cuenta que, para replicar este dibujo en tendencia, es necesaria la aplicación de ciertas leyes para que los elementos tengan un orden y proporciones consecuentes.

Vic Bell

Sin embargo, la libertad creativa en esta tendencia de ilustración es infinita, así que es posible dibujar cualquier situaPor ejemplo, las obras de Anna y Arek Kadja son un gran ejemplo de esta tendencia de ilustración. A continuación, te mostramos uno de sus dibujos en los que combinan elementos 3D con esta perspectiva:

Adam Ellis

Por otro lado, Vic Bell es una artista que utiliza esta ilustración en tendencia para crear piezas de todo tipo. No se centra en una sola forma de ilustrar, sino que intenta explorar diferentes maneras de utilizar las formas y colores para generar sensaciones con sus composiciones.

Aquí un ejemplo de esta tendencia de dibujo creada por Vic Bell:

Indudablemente, la perspectiva isométrica será una de las tendencias en la ilustración y dibujo que veremos frecuentemente mientras naveguemos por la web y las redes sociales.

8. ILUSTRACIÓN PARA REDES SOCIALES

Si navegas constantemente en internet habrás notado que cada vez son más los ilustradores que se animan a crear su marca personal y empiezan a diseñar ilustraciones para posicionar su identidad en redes. De aquí parte esta tendencia de dibujo.

Ten en cuenta que, más allá de hacer ilustraciones para redes, la clave es saber cómo llegar al público correcto y generar engagement en cada post que publiques.

Por ejemplo, el ilustrador Adam Ellis ha ganado popularidad debido a que ha sabido cómo aprovechar esta tendencia de ilustración para contar historias en sus redes sociales. Sus publicaciones son cortas historias acerca de situaciones que pasan en su día a día de una forma simpática y divertida. Mira este ejemplo:

Si deseas apuntarte a esta tendencia en la ilustración, nuestro curso online de comunicación visual en redes sociales para ilustradores te brindará las herramientas que necesitas para que crees tu propia identidad en internet y marques la diferencia. Wawawiwa

Este curso está a cargo del talentoso Ilustrador Wawawiwa, de quien seguro te has encontrado alguna ilustración en redes sociales. A continuación, te mostramos uno de sus trabajos:

En conclusión, esta es una tendencia de ilustración que cada vez gana más fuerza, así que, si quieres posicionarte como ilustrador, no puedes perderla de vista en 2022.

9. DISEÑO DE EMPAQUES

Siguiendo con nuestra lista, otra de las tendencias de ilustración más relevantes de este año será el diseño de empaques que lleve consigo gran contenido visual. De acuerdo al blog Brush Up de Creative Market, un mercado en línea para activos de diseño, si quieres incursionar en este estilo de dibujo en tendencia, bastará con usar toda la creatividad que tienes en conjunto con las técnicas que consideres apropiadas para resaltar la imagen de la marca para la cual estás diseñando. Asimismo, los expertos recomiendan apoyarse en las ilustraciones planas con colores que sean llamativos y puedan capturar la atención de los clientes. La clave de este estilo de ilustración en tendencia es lograr una representación del producto que sea dinámica y llamativa.

10. SURREALISMO DIGITAL

Si quieres que tus obras luzcan como si fueran de otro mundo, esta tendencia de ilustración será una de tus favoritas. Tal como lo hizo en su momento durante el siglo XIX, hoy en día, el surrealismo vuelve para maravillar al público con dibujos que escapan de lo convencional. Al respecto, Fireart Studio comenta que, con las herramientas digitales que tenemos actualmente, es posible elevar la corriente surrealista para darle una apariencia aún más creativa y elegante.

Los expertos agregan que, para tener éxito con esta tendencia de ilustración, lo mejor es evaluar en qué contexto la utilizarás y determinar si tu audiencia gusta de él. Recuerda que, si la aplicas correctamente, puedes crear obras espectaculares.

11. COLORES NEÓN

¿Eres fanático de los colores poderosos y llamativos? ¡Esta tendencia de ilustración es para ti! Durante los últimos meses, se ha visto que son cada vez más los artistas que utilizan tonalidades fuertes para darle vida a sus dibujos.

Esto se debe a que los colores neón le otorgan una apariencia futurista e impactante a cualquier obra de arte. Por lo mismo, son ideales para generar tema de conversación y permanecer vigente en las redes sociales. ¡Anímate a poner en práctica este estilo de dibujo en tendencia!

Bien, ¡ahora conoces cuáles son las tendencias de ilustración para 2022! Recuerda que, sin importar la que escojas para potenciar tus próximos proyectos, es importante que cada uno de tus dibujos sigan una intención narrativa. Al contar una historia a través de tus ilustraciones, lograrás captar la atención del público y generar una conexión con ellos.

Sin embargo, es importante que cada idea detrás de tu publicación sea capaz de evocar una emoción en todo aquel que la ve. Solo así, garantizarás un verdadero impacto.

Por otro lado, te recomendamos estar atento al cambio y a las nuevas tendencias de dibujo que surgirán con el pasar de los meses para mantenerte siempre a la vanguardia. No tengas miedo de intentar algo nuevo, esa es la forma mágica de crecer.

Por último, si quieres seguir aprendiendo para poder asegurar un trabajo de calidad profesional, te recomendamos revisar nuestro catálogo de cursos de ilustración digital. ¡Mucha suerte!

CREATIVE ADOBE

ESCRITO POR David de Lamo EN Caronte Studio

¿SABES YA QUÉ ES ADOBE CREATIVE CLOUD EXPRESS?

CLOUD EXPRESS

La nueva iniciativa de creación de contenidos para el mayor número posible de usuarios de Adobe apuesta por democratizar el diseño mediante una interfaz sencilla y accesible. Hoy te explicamos en qué consiste Creative Cloud Express y por qué deberías darle una oportunidad. ¡Vamos allá!

REINVENTANDO LA RUEDA

Antes de preguntarnos qué es Adobe Creative Cloud Express, quizá deberíamos preguntarnos por qué. ¿Por qué lanzar un producto enfocado a usuarios de todo tipo poseyendo el monopolio del software de creación y edición digital a nivel mundial? La respuesta es sencilla; al igual que en su día los ordenadores se popularizaron y cualquier usuario doméstico tenía acceso a software de edición profesional como en el que se especializa Adobe, ahora se extienda aún más, para que cualquiera pueda dar rienda suelta a su creatividad. Ahora la creación de contenido audiovisual no es exclusivo de los profesionales del sector.

EN QUÉ CONSISTE ADOBE CREATIVE CLOUD EXPRESS

Como ocurre en el caso del software profesional de Adobe, Creative Cloud Express se basa en un conjunto de aplicaciones enfocadas a distintos ámbitos

Adobe Creative Cloud Express

pero complementarias entre sí, como Photoshop, Illustrator o Premiere. Sin embargo, la gran novedad es que es posible acceder a todas ellas tanto vía web como desde nuestros dispositivos móviles como teléfonos o tablets. Estas son algunas de las principales características de Adobe Creative Cloud Express.

UNA ENORME CANTIDAD DE RECURSOS

Adobe Creative Cloud Express incluye acceso a la enorme biblioteca de recursos de Adobe, como en torno a 175.000.000 imágenes de la galería Adobe Stock, más de 20.000 fuentes y contenido multimedia extra para llevar a cabo los diseños que podamos imaginar. En concreto, los usuarios con cuenta gratuita podrán acceder a algo más que 1.000.000 de las citadas imágenes, y decenas de fuentes. En definitiva y como no cabía esperar de otra manera, se encuentra perfectamente integrada con las Bibliotecas de Creative Cloud.

FÁCIL Y ACCESIBLE

La curva de aprendizaje de la suite de Adobe es realmente asequible. Sin apenas contar con nociones de diseño o experiencia en interfaces de aplicaciones profesionales, los usuarios son capaces de ubicar las opciones más elementales de manera rápida e intuitiva.

Con utilizar la app durante algunos minutos podemos observar el minucioso trabajo de UX y UI que han llevado desde Adobe para hacer lo más cercana y popular la app. Si no nos crees, dale una oportunidad y compruébalo de primera mano. Te aseguramos que te sorprenderá.

INTELIGENCIA ARTIFICIAL SOBRESALIENTE

Gracias al uso de Adobe Sensei, la IA que Adobe emplea en el software de edición profesional como Photoshop o Lightroom, la edición de fotografías es coser y cantar. La eliminación de objetos en los fondos de las fotografías, selección de objetos, la creación de animaciones, videos, y retoques varios es prácticamente automática.

A QUIÉN VA DIRIGIDO ADOBE CREATIVE CLOUD EXPRESS: ADIOS ADOBE SPARK…

Aunque desde Adobe se hayan esforzado por hacer llegar su nueva app a la mayor cantidad de usuarios, la sensación es que está claramente enfocada a usuarios de redes sociales.

Conscientes del indiscutible número de usuarios que prefieren trabajar directamente desde sus móviles, smartphones y tablets, antes que desde cualquier ordenador, Adobe se ha apresurado a satisfacer las necesidades más habituales que surgen en el día a día de estos dispositivos.

Así, la creación de todo tipo de publicaciones para redes sociales, se convierte en una tarea mucho más sencilla y experimentan un salto de calidad más que

notable gracias a la nueva herramienta de Adobe.

La primera incursión de Adobe para lograr satisfacer a los usuarios de este perfil fue Adobe Spark. Esta app quizá pasara de puntillas por algún que otro dispositivo móvil, viendo cómo otras muchas aplicaciones ofrecían prestaciones similares e incluso mejoradas, por las que los usuarios terminaron decantándose.

Sin embargo, con la llegada de Creative Cloud Express, Adobe mejora sustancialmente las características de Spark y agrega nuevas funcionalidades, demostrando que apuesta fuerte por arrebatar el terreno perdido.

Como nos viene acostumbrando Adobe de un tiempo a esta parte, si deseas sacarle el máximo partido a la herramienta, tienes a tu disposición la suscripción de pago a un precio de 12€ mensuales. Cabe destacar que la versión premium amplía los 2 GB de almacenamiento en la nube iniciales de la versión gratuita, por unos más que decentes 100 GB, además de acceso a Spark Page, Spark Video y Premiere Rush. Por último, cabe destacar que Adobe planea lanzar a lo largo del presente año, un plan enfocado a empresas.

Habrá que esperar para conocer en qué consistirá y cuáles serán sus ventajas.

CONCLUSIÓN: ADOBE CREATIVE CLOUD EXPRESS HA LLEGADO PARA QUEDARSE

50

Como ya hemos comentado anteriormente, Adobe Creative Cloud Express no es estrictamente una novedad, sino más bien una evolución. Adobe ha aprendido la lección y ha escuchado a los usuarios de las aplicaciones que hicieron que Spark fuera duramente eclipsada. Así, la app unifica las mejores características de su principal competencia, y agregando los puntos fuertes del universo Adobe; una impresionante biblioteca de recursos y una IA única a nivel mundial. No obstante, queda mucho por recorrer hasta poder declarar ganadora a la app.

Las aplicaciones como Canva, Pixlr, Easelly, Stencil y otras muchas, cuentan con una gran cantidad de fieles usuarios a los que costará convencer por parte de Adobe.

A nuestro parecer, Adobe Creative Cloud Express es la app más completa para edición digital desde smartphones y tablets. Resulta increíblemente sencilla y veloz, y lo tiene todo para enamorar a todo tipo de usuarios. Es por eso que tenemos claro que ha llegado para quedarse y conquistar los smartphones de la mayoría resulta realmente factible.