Guitarristas y Bajistas Magazine #63

s a t s i r r a t r i a . Gu Bajistas & NOVEDADES - Página 05 DiSCOS COMPACtOS - Página 06 LA OtRA MiRADA DE MARtíN PARRiLLA - Página 07 ENtREViStA A LEANDRO CACiONi - Página 08 18A EDiCióN DE LuthERiA EN buENOS AiRES - Página 10 AGuiLAR AMPLiFiCAtiON - Página 12 CRóNiCA DE LA GiRA POR JAPóN - Página 14 MAStERbuiLt DJENt 14 StRiNG - Página 16 VOy A SER bAJiStA! - Página 18 FENDER StRAtOCAStER AMERiCAN StANDARD - Página 20 ENtREViStA A CLAuDiO “tANO” MARCiELLO - Página 22 MuEStRA MúSiCA - LA FERiA DE LA MúSiCA - Página 30 MARShALL JVM215C - Página 34 ENtREViStA A JAkE hERtzOG - Página 44 EL ORiGEN DE LA GuitARRA ELÉCtRiCA - Página 46

SuPLEMENtO tÉCNiCO DANiEL CORzO - Página 35 EzEquiEL OCAMPO - Página 36 NiCOLáS MiGLiAVACCA - Página 37 MAyCOwM REiChEMbACh - Página 38 FERNANDO PAREtA - Página 39 JuAMPy JuáREz - Página 40 SiLViO GázquEz - Página 41 MAuRiCiO hERRERA - Página 42

Editor Responsable Florencia Pérez del Valle

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Productor Ejecutivo Daniel Pérez

Director del Suplemento Técnico Maycown Reichembach Publicidad Sergio Resar sergiog2007@hotmail.com

Colaboradores Daniel Corzo Fernando Pareta Silvio Gázquez Juampy Juárez Mauricio Herrera Ezequiel ocampo Mariano Sívori

04 | Editorial

Año 12º - Nº 63 | Noviembre 2018 Soler 4759 4º b (1425) C.A.b.A E-mail: info@guitarristasar.com

impreso en Richard Carr - www.richardcarr.com.ar todos los registros en trámite | iSSN 1850-0986

Distribución en C.A.b.A y Gran bs. As.: Vaccaro Sánchez, Moreno 794 - C.A.b.A interior del país: D.i.S.A., Luis Saenz Peña 1836 - C.A.b.A

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909 - BEATLE BAND

Es uno de esos trenes que no hay que dejar pasar, o al menos ver. Tomado del tren que mencionan John, Paul y George en la canción “One after 909” en el álbum Let It be o si prefieren en el concierto de la azotea. No es uno más. Fran Pardo en la voz principal, Tomas Rovira en guitarra y segunda voz, Fabián Palermo en bajo y coros y Paul Pedersen en batería y coros, forman esta banda de zona norte que interpretan canciones de los Beatles. Pasando por todo el repertorio Beatles incluido simples y alguna que otra canción inédita se presentan en varios bares, pequeños teatros o incluso en The Cavern, cuna de las bandas Beatles. “Nosotros tratamos de ser lo más simple posible, hay muchas bandas tributo y muy buenas, que se visten como ellos y copian desde los gestos hasta la forma de pararse en el escenario y suenan realmente bien, pero no es nuestra idea.“ dice Fabián. “Nosotros tratamos de ser prolijos ser en cierta forma informales y transmitir alegría, euforia, etc. Pienso que a veces podes estar muy equipado pero si no transmitís, no sirve.” Nos comenta Tomás. “Cuando escucho a los Beatles me pongo de buen humor “ nos cuenta Fran. Y por último Paul dice: “Uno se da cuenta lo que significaron estos cuatro muchachos a través de la generación posterior, de hecho esta banda está formada por diferentes edades desde 19 a 50 años, es una cosa de locos.” 909 se presenta el Domingo 16 de Diciembre en The Cavern, Av. Corrientes 1660 – Complejo La Plaza. CABA. Suban al tren... no se lo pierdan.

MIGUEL CANTILO PRESENTA SU LIBRO

Música y poesía cardinal (Ed.Autoría, 2018). El consagrado guitarrista y cantautor Miguel Cantilo presentará Música y poesía cardinal, su nuevo libro, en un concierto musical y poético que tendrá lugar el domingo 4 de noviembre en La Usina del Arte, y que contará con la participación de Anael Cantilo (bajo y voz) y Sufián Cantilo (teclados y voz), Federico Pernigotti (guitarra líder), Pablo León Maturana (batería) y Patricio Prado (guitarra). Asimismo, la actriz Victoria Moréteau leerá poemas del libro. En esta presentación, Miguel Cantilo anticipará algunas de las canciones de su nuevo álbum Día de sol, que verá la luz antes de fin de año. Poesía cardinal (Editorial Autoría), es un libro de viajes que expone instantáneas poéticas de los lugares que atraviesa, y hasta “selfies” y miradas internas sobre temas de prioridad para Miguel Cantilo, quien refiere: “se trata de un libro de poemas itinerantes que se traslada de un punto cardinal a otro hasta encontrar un quinto, central, desde donde surgen íntimas reflexiones, homenajes, evocaciones, intuiciones, lirismo y convicciones”.Lleva ilustraciones de Irene Singer, quien se ha compenetrado del latido poético que inspira los textos, y un prólogo de Miguel Grinberg, lo cual significa mucho para alguien que como yo, admira y ha admirado durante décadas su trayectoria y conducta. El libro se publicó en España hace un año, y ahora llega a su edición local a través de la Editorial Autoría, lo cual me alegra inmensamente porque será un testimonio de lo que experimenta un viajero y trae, para compartir, a su tierra natal”, agrega Cantilo. Con respecto a Día de sol, disco que será lanzado antes de fin de año, se trata de un álbum con 15 canciones compuestas y grabadas en colaboración con Mariano Díaz y cuenta con la presencia de Luis Salinas, Claudio Gabis, Ariel Rot, Rodolfo Gorosito, Gustavo Gregorio y Fernando Lupano como artistas invitados.

RAMÓN AYALA PRESENTA SU LIBRO

Poemas, cuentos y relatos del camino (Editorial de la Universidad Nacional del Sur, 2018). Domingo 25 de noviembre a las 19hs. en la Cúpula del CCK. Las entradas gratuitas se podrán retirar personalmente a partir del martes 20/11 a las 12hs. En Sarmiento 151 hasta agotar la capacidad de la sala. También se podrán reservar a través de la web: www.cck.gob.ar El legendario músico, escritor y artista plástico Ramón Ayala lanza Poemas, cuentos y relatos del camino (EDIUNS), su nuevo libro. El mismo será presentado el domingo 25 de noviembre a las 19hs. en la Cúpula del CCK, con la presencia del autor, quien interpretará algunos clásicos de su repertorio acompañado de la guitarra de Iván Elizaincin. Conversarán alrededor del libro, su producción y la obra de Ayala, el músico Rubén Tolosa, el poeta Carlos Splausky y la Dra. Nilda Burgos, editora. Esta presentación –así como así como el lanzamiento de un nuevo disco en marzo del año próximo- se realiza en el marco de la celebración de los 90 años de Ramón Ayala. Poemas, cuentos y relatos del camino es “un compendio de dibujos, poemas, cuentos y relatos del largo camino de una vida extensa, en la que Ramón Ayala supo exprimir la salvia de los días, aprovechando la luz, el conocimiento, la experiencia enriquecedora, la alegría de vivir, aún en momentos de dolor o de carencia. Nos ofrece los recuerdos más cercanos a su corazón, los que lo marcaron, los que no quiere que se olviden, los que hoy nos regala para siempre”, expresa la Dra. Nidia Burgos en la contratapa del libro.

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Novedades | 05

DISCOS COMPACTOS

Esta era la sección más esperada por muchos hace un tiempo atrás y hoy está de regreso para todos ustedes, donde los pondremos al tanto de los últimos lanzamientos discográficos editados por nuestros amigos y lectores para que tengan un raconto de cada edición.

DOS MÁS UNO PRESENTA REFLEJOS

Dos Más Uno, el trío conformado por Marcelo Dellamea, Hugo Dellamea y Ariel Sánchez, presenta su segundo disco Reflejos (Acqua Records) el jueves 13 de septiembre en La Trastienda. Con invitados de lujo como Chango Spasiuk, Jacques Morelembaum y Eva Ayllón, este nuevo aporte a la canción popular latinoamericana nos trae versiones de obras de Aníbal Sampayo, Chango Rodríguez, Carlos Varela, Chabuca Granda, Jorge Fandermole, entre otros, con un estilo y una mirada ya propias del trío. Este nuevo trabajo también apuesta fuerte a algo que el grupo viene trabajando durante los últimos años con mucha dedicación: sus propias composiciones, presentando aquí cuatro temas inéditos. “Teníamos muchas ganas de presentar estos temas en los que venimos trabajando hace mucho. Este puñado de canciones son un fiel reflejo de lo que sentimos y queremos decir con nuestra música, desde lo conceptual, las melodías, los versos que componen cada letra, y destacando lo que creemos que cada una quiso transmitir en el momento de haber sido compuesta. Tuvimos el honor de que participen en el disco artistas que admiramos desde siempre: el querido Chango Spasiuk con quien grabamos Garzas Viajeras; el gran Jaques Morelenbaum, que compartió con nosotros Diamante, una obra preciosa de Fandermole; y Eva Ayllón - la voz mas reconocida actualmente de la música peruana - que se sumó en una versión propia de José Antonio, de Chabuca. Es un sueño cumplido.”

ESCALANDRUN PRESENTA STUDIO 2

El sexteto Escalandrum presenta Studio 2 (Warner Music, 2018), undécima placa de la reconocida agrupación de jazz liderada por el baterista Pipi Piazzolla, que el año que viene cumplirá veinte años de trayectoria. Studio 2 está integrada por nuevas composiciones de alto vuelo jazzístico que fueron grabadas en el mítico Studio 2 de los Abbey Road Studios de Londres (Inglaterra), sala que albergó músicos históricos como The Beatles, Pink Floyd o Radiohead, por citar sólo a algunos y está editada en formato CD y vinilo. Dice Pipi Piazzolla: “La grabación en Abbey Road fue una experiencia única que superó nuestras expectativas a nivel acústico, tecnología, historia, mística y calidez humana. Grabamos de manera muy cómoda y pudimos disfrutar al cien por cien de esta oportunidad única. Los temas del disco fueron muy pensados, ensayados y muy tocados antes de grabarlos. El tema “Lolo” –dedicado a mi hijo- fue arreglado especialmente para este disco por Nicolás Guerschberg como una milonga. Studio 2 es un álbum íntegramente compuesto por música propia de Escalandrum, el resultado acabado de muchos años de trabajo. Realmente creo que es el mejor disco que hicimos y es una hermosa manera de festejar nuestros 19 años de existencia. Espero que disfruten de este Jazz Argentino hecho con mucha entrega y dedicación.” Dice Mauro Apicella del Diario La Nación: “Luego de varias ediciones dedicadas al tango piazzolliano y a los experimentos con la música clásica y contemporánea argentina, la banda que encabeza Pipi volvió a esos álbumes en los que se impone la composición propia, además de una manera de sonar que va más allá de qué tan ocurrentes o transgresores puedan ser los arreglos. Si viajaron miles de kilómetros para grabar en los Estudios Abbey Road habrá sido para buscar, además de una mística y cumplir algún sueño particular, un sonido particular. Sin duda, Studio2 es un disco en el que sobresale, a partir de esas composiciones propias, un sonido singular, el trabajo grupal y los destaques individuales del sexteto que desde hace casi dos décadas comparten Mariano Sívori, Gustavo Musso, Damián Fogiel, Martín Pantyrer, Nicolás Guerschberg y Pipi Piazzolla. Se privilegia el sonido puro que sale de dentro del grupo, lo más representativo del sexteto (con esas tres cañas tan originales y el color tan local, con leves pinceladas tangueras), por encima de cualquier proyecto programático, como podría ser el de Astor Piazzolla en un espectáculo junto a la cantante Elena Roger. Y no cabe duda de que cuando busca dentro de sí (tanto por las composiciones como por la manera de sonar) se redescubre. No hay muchos de su especie por estas pampas; quizás una historia similar habría tenido el extinto Quinteto Urbano (que fue contemporáneo de Escalandrum) si hoy estuviera sobre los escenarios”.

06 | Discos Compactos

Studio 2 fue grabado los días 23 y 24 de Octubre de 2017 en el Estudio 2 de Abbey Road, Londres, Reino Unido. Mezclado en Estudio Quark, Buenos Aires Argentina.. Masterizado en Andrés Mayo Mastering, Buenos Aires. Ingeniero de Grabación y Mezcla: Facu Rodríguez. Ingeniero de Mastering: Andrés Mayo. Escalandrum lleva diecinueve años de trayectoria con su formación original, más de cuarenta países recorridos y diez discos editados. Verdaderos embajadores de la música argentina en el mundo, poseen un gran reconocimiento de prensa y público, tanto por su original sonoridad como por su poderosa actitud en el vivo. Sus integrantes son aclamados músicos con importantes carreras en su haber: Daniel “Pipi” Piazzolla en batería, Nicolás Guerschberg en piano, Mariano Sívori en contrabajo, Gustavo Musso en saxo alto y soprano, Damián Fogiel en saxo tenor y Martín Pantyrer en clarinete bajo y saxo barítono.

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LA OTRA MIRADA

BAJISTAS ANDRES PRZYBYLKO Andrés Przybylko es bajista, contrabajista, arreglador y director de ensamble. Realmente tiene un sentido del pulso impresionante de esos que los bateristas necesitamos y buscamos siempre. Recurro mucho a Andrés a la hora de encontrar el mejor punto en tempo o dinámica en cada canción, actualmente trabajamos juntos muy seguido y es un continuo aprendizaje para mí.

Estudié en el E.M.b.A, en el S.A.D.E.M y con el gran Chiche heger. Actualmente soy baterista en la big band hot Jazz band Argentina. Dicto clases particulares desde 2005. Realizo clínicas y workshop en todo el país. Soy artista de Canopus Drums, Vater Drusmticks, bosphorus Cymbals y Cympad. Por Martín Parrilla

PABLO SCHEDEL Recuerdo que no hace mucho tuve el gusto de poder invitar a un show a Pablo Schedel, actual guitarrista líder de la banda Saramago, ese día tocamos funk, y les diría que más precisamente “Watermelon man” y el sentido rítmico que posee Pablo Schedel me encantó, y además Pablo toca esos solos llenos de up beat!.

ALEJANDRO SCHANZENBACH A Alejandro Schanzenbach lo conocía de su trabajo junto a Andrés Calamaro siempre me pareció un guitarrista muy original. Tuve la suerte que Alejandro me convoque para grabar su disco en el cual grabé canciones de estilo folk y country donde pude disfrutar de sus guitarras genialmente adecuadas para esos estilos tan especiales.

NICANOR SUÁREZ Con Nicanor Suárez tuve la suerte de compartir muchisimos ensayos, me encanta su sonido a partir del trabajo que hay enfrente, por supuesto lo escuché en diferentes situaciones musicales y siempre me pareció una adaptación perfecta en concepto y sonido. Un verdadero placer tocar con bajista como Nicanor.

LUCIANO BUONGIORNO Con Luciano Buongiorno trabajamos en la música Pop, el primer ensayo para un solista fue muy interesante en escuchar desde donde ejercía su “Groove” todo lo toca con la sensación “tirado para atrás” pero en tempo perfecto de esas sesiones que uno disfruta.

GUITARRISTAS ADRIÁN SEGERS No es nuevo que Adrián Segers sea conocido como toda una referencia en el Jazz tradicional además de reconocido banjoista es un gran guitarrista, tiene ese swing que hace mover los piecitos y es de una escuela musical argentina que dejo y deja legado en las próximas generaciones del jazz. Adrián es uno de esos guitarristas que llena la canción de colores vibrantes.

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La Otra Mirada de Martín Parrilla | 07

LEANDRO CACIONI

Cómo llegó la guitarra a tu vida? Se dio un poco por imitar a mi primo Demián que había comenzado a estudiar con un profe que iba a su casa (él vivía en el piso de arriba de mi departamento) y al mismo tiempo, ya contaba con una guitarra en mi casa que era de mi mamá desde su adolescencia. Es decir que estaban dadas las condiciones: tenía ganas, tiempo y mis padres podían pagarme el profesor particular. Ahora de grande me doy cuenta de lo afortunado que fui de que se hayan dado esas circunstancias.

foto: maría birba

Cuándo decidiste que ser músico iba a ser tu profesión?

08 | Entrevista a Leandro Cacioni

Nació en buenos Aires en 1981 y se formó en Argentina con Ricardo Lew, Lucho Gonzalez, Agustín Pereyra Lucena, Roberto Fonseca, Armando Alonso, Pablo bobrowicky, Javier Cohen, Ariel Goldemberg, Lito Valle, Nestor Crespo, Osvaldo burucuá, Aníbal Arias y Gabriel Senanes, entre otros. Por karina Nisinman

Después de terminar el secundario sabía que la música estaría en mi vida, pero no me convencía estudiar institucionalmente. A su vez, quería tener una experiencia universitaria, así que me inscribí en la carrera de Economía. En el transcurso de la carrera me di cuenta que sentía un deseo muy grande por tocar la guitarra, porque pasaba muchas más horas por día tocando que estudiando para la universidad, por eso decidí anotarme en la EMPA. Finalmente me gradué en ambas carreras, pero terminé dedicándome a la música. Quién o quiénes fueron tus profesores de guitarra? Estudié guitarra desde los 8 años con grandes maestros:

Roberto Fonseca, Agustín Pereyra Lucena, Lucho Gonzalez, Ricardo Lew, Daniel Galán, Roberto Calvo. Luego en la Escuela de Música Popular de Avellaneda, tuve como docentes a: Armando Alonso, Pablo Bobrowicky, Javier Cohen, Ariel Goldemberg, Lito Valle, Néstor Crespo, Osvaldo Burucuá; Aníbal Arias y me especialicé en jazz. Continué mi formación en orquestación y arreglos con el compositor Gabriel Senanes y con Pollo Raffo. Realicé cursos de música brasilera en Curitiva, Brasil: guitarra con Marco Pereira, choro con Rogerio Souza, jazz con Michel Leme, percepción para improvisación con Lea Freire, ensamble instrumental con André Marques y armonía con Toninho Horta, renombrados músicos de Río de Janeiro, Sao Paulo y Minas Gerais.

En este momento coinciden en tu vida las presentaciones de 3 proyectos: el tuyo propio con Sandra Peralta (Amor viajero, homenaje a Chabuca Granda), el disco de A Saideira (Sur) y el de Rafael Delgado (Chelfie). Cuál es tu rol en cada uno de ellos? Se dio la coincidencia de que los tres discos salieran y se presentaran en el mismo mes de agosto, que fue súper intenso por eso. En el proyecto con Sandra Peralta venimos trabajando hace varios años (yo participé en su segundo cd, Aromas, como guitarrista, y luego comenzamos a presentarnos como dúo a partir de 2011). Juntos pensamos en la idea de grabar un disco homenaje a Chabuca Granda quien es una referente de la canción latinoamericana, y cuyo disco Cada canción con su razón fue el puntapié inicial para que yo me acercara a la música del Perú. Es un proyecto al que ambos le ponemos todo el empuje para llevarlo adelante y con el cual hemos podido viajar bastante y realizar muchas presentaciones en el interior y exterior del país. Para la grabación del cd contamos con la participación de Mariano Agustín Fernández, un musicazo que se puso la camiseta del proyecto, con quien laburamos en equipo los arreglos de los temas y fue el responsable de los arreglos sinfónicos que hay en el disco. En A saidera soy el guitarrista y es una experiencia súper enriquecedora ser parte de un grupo tan grande donde, además de aprender un montón, tuve la suerte de hacer uno de los arreglos del último cd “Sur” en el que abordamos la música sudamericana con el formato de big band (arreglé Grito santiagueño, zambón del gran Raúl Carnota). Con Rafael Delgado nos conocemos hace años, tocamos (él como chelista y yo como guitarrista) en un proyecto de música latinoamericana llamado Sin líneas en el mapa, que fue como una escuela de música latinoamericana para nosotros, ya que los cantantes eran una peruana y un venezolano (Luz María Carriquiry y Eulogio Moros). El guitarrista anterior fue Yuri Juárez, una gran influencia para mí, y quien me enseñó a tocar todos los temas cuando me invitó a ser parte del grupo. En el proyecto de Rafael toco la guitarra. Colaboré en las primeras juntadas para darle forma a algunos temas y armonías; y tuve la suerte de que eligiera para grabar en su disco Casinos de Chincha, un tema mío que yo había grabado en mi primer cd solista Sudamericano. En qué otros proyectos estás trabajando actualmente? Y qué planes para el futuro cercano? Lidero el Leandro Cacioni cuarteto, del que participan Tomás Fares (piano), Diego Wainer (contrabajo) y Agustín Lumer-

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man (batería), con quienes abordo mis composiciones basadas en rítmicas sudamericanas con un abordaje jazzero. Con el cuarteto nos presentamos en el festival internacional de jazz de Buenos Aires el año pasado (fuimos ganadores de la convocatoria) y este año en el ciclo de Bares notables. La próxima presentación será el 8 de diciembre a las 21:30 en Bárbaro, Tres Sargentos 415, Caba, con entrada gratuita. Además toco hace unos años en Bandalup, un colectivo de improvisación por señas, y acompaño a la cantante Mariana Accinelli, que toca un repertorio de fados y tangos.

Cómo ves las nuevas generaciones de guitarristas? A quién nos recomendarías para descubrir? Hay una ebullición enorme, gran cantidad de músicos de un nivel extraordinario y de gran creatividad. En el rubro canción escuché hace poco los discos de Florencia Gianmarche y Clara Aita, dos mujeres compositoras y guitarristas muy talentosas. De Perú, Tito Manrique es un arreglador muy original que está haciendo una fusión muy interesante de la música criolla y afroperuana con salsa. También vi hace poco un concierto del cuarteto de guitarras de Carlos Aguirre y me pareció maravilloso el trabajo en arreglos y la interpretación de cada uno de los integrantes. Por otro lado, hay un cantautor mexicano a quien vengo escuchando últimamente llamado El David Aguilar, con el cual comparto su concepto abierto de la música en cuanto a los géneros y admiro sus composiciones y su manera de acompañarse.

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ritmos. En mi último viaje a Lima (en febrero de 2018 por medio de una beca), pude conocer a Santiago Coco Linares, otro gran guitarrista, que me mostró su abordaje de los diferentes ritmos y Fred Rohner, un etnomusicólogo, director de la carrera de Musicología de la PUCP, quien me detalló el costado histórico de la música. Por último, también tuve la posibilidad de conocer a otros dos guitarristas de la señora Chabuca Granda que admiro enormemente. En México pude conocer y tomar una clase con Félix Casaverde y aquí en Buenos Aires pude estudiar y compartir algunas grabaciones y escenarios con Lucho González.

Qué te seduce de la música peruana? Ahora me seduce sobre todo la negritud, es decir, el aspecto rítmico, que abre muchísimas posibilidades, porque incorpora desde el vamos un montón de polirritmias y mucho

uso de la percusión. Nuestro folclore tiene mucha raíz que viene del Perú y también me seduce esa hermandad. En un primer momento cuando la “descubrí” (yo venía tocando mucha música brasileña) me sedujo la influencia que habían tenido en Perú las armonías y la forma de tocar brasileña (las batidas del samba y la bossa) aplicadas a otros ritmos más ternarios como el vals, el festejo y el landó.

Quiénes son tus referentes en el instrumento? Son muchos y voy a olvidarme de varios, pero va un intento: Roberto Grela, Eduardo y Juan Falú, Luis Salinas, Lucho González (Argentina), Martín Ibarburu (Uruguay), Baden Powell, Toninho Horta y Helio Delmiro (Brasil), Álvaro Lagos, Félix Casaverde, Carlos Hayre (Perú), Wes Montgomery, Jim Hall, George Benson (USA), Martín Rojas (Cuba). Por supuesto todos los profesores que tuve son referencias.

foto: estudio urbano

Tuviste posibilidad de perfeccionarte en Perú? Cómo fue esa experiencia? Desde que descubrí la guitarra de la costa peruana quise viajar. Por suerte pude ir ya varias veces. Pude conocer a guitarristas que admiro muchísimo empezando por Álvaro Lagos (quien grabara con Chabuca Granda el cd “Cada canción con su razón”) con quien conversé en su casa de Lima una tarde sobre su trayectoria (él ya estaba muy enfermo y no podía tocar) y me cedió generosamente muchas partituras con arreglos y transcripciones que él había realizado. En ese mismo viaje (creo que fue en 2002) conocí y tomé una clase con Sergio Valdeos (quien fue muchos años guitarrista de Susana Baca y es gran conocedor y admirador de la música brasileña además) con quien conversé largo sobre la historia y la manera de tocar los diferentes

foto: maría birba

Como egresado de la EMPA y ahora docente, qué diferencia notas entre las posibilidades que tuviste como estudiante y las que tienen quienes hoy estudian? Me recibí en el 2011. No soy tan viejo (jaja). En los últimos años que estudié ya había una cantidad de información impresionante dando vueltas, pero no la cantidad de estímulos que hay ahora. Recuerdo sentarme a estudiar y no tener las distracciones que tenemos ahora con Facebook, Whatsapp y todas las redes. Como docente, a partir de esto, veo ahora una dificultad muy grande para concentrarse y estudiar sin distracciones el tiempo que requiere un instrumento. De todos modos, lo que veo ahora en internet es que además de haber una cantidad mucho mayor aún de información han comenzado a haber tutoriales de una calidad enorme, que a veces hacen replantearme ciertas metodologías de enseñanza que aún persisten. Por ejemplo, no le veo tanto sentido a las clases expositivas siendo que hay “youtubers” (por ejemplo saxduets) que te explican todo con una claridad, una dinámica y con ejemplos que aparecen en el formato audiovisual que es difícil de superar en una clase tradicional.

Entrevista a Leandro Cacioni | 09

18a EDICIÓN DE LUTHERIA EN BUENOS AIRES

10 | 18a Edición De Lutheria En buenos Aires

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AGUILAR AMPLIFICATION

Primero y principal hay que tener muy en cuanta que Aguilar es una empresa fundada y dirigida por bajistas incluso hasta la actualidad. En los años 80’s su fundador y actual presidente Dave Boonshoft, no satisfecho con el sonido del equipamiento que estaba usando comenzó la búsqueda de un audio que se asemejara al de las consolas y preamps clase A de estudio como Neve y API. Mediante Roger Sadowsky, famoso luthier de New York, conoció a Alex Aguilar, técnico electrónico que fue el diseñador del legendario preamp de Sadowsky y fue así como Boonshoft y Aguilar se asociaron para crear el primer preamp Aguilar DB680, utilizando las iniciales de Boonshoft y en homenaje al compresor de estudio Fairchild 670. Aguilar Amplification nació en 1995 y pronto comenzó a ampliar su línea de equipamiento, expandiéndose a la construcción de gabinetes, pickups, on board preamps y pedales de efecto.

cabezales Aguilar son fabricados cada uno por una misma persona de comienzo a fin, asegurando un mayor control de calidad en cada unidad.

PANEL FRONTAL - CONTROLES Los controles de los Tone Hammer son simples e intuitivos. La etapa de entrada tiene un switch de atenuación de 10db para adaptarse tanto a bajos pasivos como activos, el ajuste de nivel de entrada se controla con la perilla de

Desde hace más de 20 años Aguilar Amplification es una marca que no detiene su crecimiento ganando cada vez más reputación entre los bajistas a nivel internacional. Por Pablo Motyczak

ganancia (Gain). Siguiente en la cadena encontramos el control de Drive (AGS - Adaptive Gain Shaping) que permite agregar saturación a la señal incluso hasta niveles extremos, resultando en un sonido distorsionado pero muy cálido y usable para el bajo. El ecualizador está compuesto por 4 controles: Graves (Bass) seteado en 40 Hz con un rango de +/- 17 db, Agudos (Treble) en 4 Khz y un rango de +/- 14 db y 2 controles de Medios tipo paramétricos (Mid Level) con un rango de +/- 16 db y (Mid Freq) una amplitud

TONE HAMMER La línea de cabezales Tone Hammer en sus versiones de 350 y 500 watts son increíblemente portables y potentes. Son amplificadores Solid State Clase D, generalmente mal llamados “digitales”. En realidad estos cabezales tienen una fuente y una potencia tipo switching, que no necesitan grandes disipadores de calor ni grandes espacios para ventilación, pero la señal es totalmente analógica, en ningún momento el audio es convertido al dominio digital.

CONSTRUCCIÓN Con un peso de menos de 2kg, su construcción es atractiva, simple y robusta y su tamaño lo hace extremadamente portable, cabe en el bolsillo de la funda de tu bajo! El Tone Hammer 500 mide 30 cm x 20 cm x 7 cm y el TH350 es aún más pequeño y liviano. Ambos cabezales trabajan en 4 y 8 ohms. El TH500 entrega 500 watts en 4 ohms y 250 en 8, el TH350 entrega 350 watts en 4 ohms y 175 en 8. Los cabezales son fabricados a mano en la planta de New York, USA. A diferencia del formato típico de construcción moderna tipo línea de ensamble, en la que cada operario se ocupa de una etapa del armado, los

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de banda desde 180 Hz a 1 Khz. El control de medios es muy versátil y nos permite cambiar el carácter del sonido radicalmente y en combinación con el control de Drive podemos lograr una amplia gama de sonidos desde uno muy limpio y cristalino hasta una saturación equivalente a un pedal de overdrive o distortion. En el final de la cadena tenemos el control de volumen general (Master) con un led Clip que nos indica si estamos sobrecargando la potencia, pero previamente en el modelo TH500 existen un envío y retorno para un loop de efectos. Este loop está diseñado principalmente para efectos de rack y estudio, si necesitamos conectar pedales de efecto es conveniente conectarlos previo a la entrada del amplificador. Adicionalmente ambos modelos cuentan con una salida de línea balanceada tipo XLR con un control de PRE/POST que permite enviar a la consola el sonido tal como lo tenemos seteado en el Tone Hammer (POST) o el sonido del bajo directo (PRE) en cuyo caso lo utilizaríamos como una caja directa (DI). Por último 2 leds más (Status y Operate) nos indican el funcionamiento del cabezal. Status indica el encendido y apagado del equipo y Operate es controlado por un botón (Operate/Mute) que funciona como stand by.

PANEL TRASERO - CONEXIONES En el panel trasero encontramos 2 salidas Neutrik tipo Speak On para la conexión de gabinetes, una salida para afinador que mantiene la señal aún si el amplificador se encuentra en Mute, conector para el cable de alimentación y switch de encendido. Una característica muy práctica de estos cabezales es que pueden ser utilizados sin necesidad de conectarle gabinetes y sin riesgo de dañar la potencia, usando el cabezal como un preamp para ir directo a la consola tanto en vivo como en estudio y ya que son muy portables y livianos podemos transportar nuestro sonido a cualquier situación que requiera no utilizar amplificadores en vivo.

OPINIONES Soy usuario de Aguilar desde hace algunos años y actualmente endorser de la marca, en mi opinión son amplificadores muy puros en sonido que hacen que cada bajo suene con su propio audio. Muchas veces los amplificadores tienen un color muy característico y eso hace que todos los bajos suenen más o menos de forma similar. Por otro lado es un equipo totalmente adaptable a todo tipo de géneros musicales, rinde tanto para tocar Hard Rock y Heavy Metal como para tocar Jazz, Funk, Pop o Folklore. A pesar de la gran versatilidad y hermoso color que aporta el EQ la mayoría de las veces uso los controles al medio, tal vez añadiendo apenas un poco de graves y agudos o cortando un poco en el rango de medios, pero algo muy sutil, ya que el equipo suena excelente con el EQ plano. Esto es algo que no se encuentra en la mayoría de los equipos para bajo. Una última palabra para la potencia, en mi experiencia, habiendo usado muchas marcas de equipos a través de los años, el Aguilar es el único amplificador al que le tengo que bajar el volumen en vivo!

GABINETES Aguilar fabrica una gama completa de gabinetes desde los livianos y portables hasta las “heladeras” para grandes escenarios. La clásica línea GS aunque descontinuada sigue presente en el mercado, la línea DB, tal vez la más conocida y la línea SL, la más moderna y liviana. La serie GS es fácilmente reconocible por su revestimiento de al-

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fombra negro y su grilla frontal metálica. La mayoría de estos modelos tienen salidas de aire frontales. Otras características son manijas externas rebatibles, esquineros plásticos y patas de goma. La serie DB se comercializa en varios colores con revestimiento tipo cuerina y grilla frontal de tela entre los que encontramos la clásica de color negro y otras en combinaciones de blanco, verde, marrón y ocre. Las manijas son embutidas excepto en los modelos de 1x12, los esquineros metálicos y patas de goma. La serie SL tiene un diseño renovado pero a la vez con un aire vintage, tiene revestimiento tipo cuero y su construcción es extremadamente liviana pero robusta. Las manijas son embutidas excepto en los modelos de 1x12, los esquineros metálicos, patas de goma que pueden intercambiarse por ruedas desmontables en los modelos más grandes (4x10 o más). Esta línea se ofrece en color negro y grilla gris como opción estándar, Aguilar alterna anualmente un nuevo color que al año siguiente es reemplazado por otro. Actualmente se comercializa el gris “Dorian Gray”.

CONSTRUCCIÓN El secreto en la construcción de gabinetes está en el diseño del mismo teniendo en cuenta los parlantes que serán utilizados y la circulación de aire interna, es decir, no se trata sólo de que el gabinete tenga buenos parlantes, sino que su diseño es determinante en cómo ese parlante va a trabajar dentro del gabinete. Y éste es uno de los puntos fuertes de Aguilar Amplification. Las configuraciones de 1 parlante de 12” con o sin bocina de agudos son cada vez más populares. Años atrás jamás hubiésemos confiado en un gabinete para bajo con un único parlante de 12 pulgadas, pero gabinetes como el GS112, DB112 o SL112 entregan una potencia, claridad y cuerpo que no esperaríamos de un set tan pequeño. Aguilar utiliza parlantes Eminence Custom, una serie fabricada con especificaciones propias y que no es comercializada por Eminence. Esto sumado al diseño de cada gabinete es la clave del sonido de Aguilar. La serie SL utiliza parlantes con imanes de Neodimio, un material que logra reducir a la mitad el peso del parlante. SL utiliza también laminado de madera más liviano, resultando en gabinetes que pesan la mitad de lo que pesa un gabinete para bajo en cada configuración de parlantes. En la parte trasera de cada gabinete encontramos en las series DB y SL las salidas de aire en forma de tubo y el panel de conectores. En el panel encontramos 2 conectores tipo Plug ¼” y 1 conector Neutrik tipo Speak On. En los modelos con bo-

cina de agudos también encontramos un potenciómetro de control para añadir la cantidad justa de agudos que deseamos para el gabinete.

MODELOS Los modelos más populares son los ya mencionados con configuración de 1x12 como las GS112 / DB112NT / DB112H / SL112 por su portabilidad y rendimiento, entregando entre 250 y 300 Watts según el modelo. Le siguen las configuraciones de 1x15 como la DB115 (400 Watts), los de 4x10 como la DB410 / DB410H y SL410 / SL410X y el SL212 (500/800 Watts). Entre los hermanos mayores se encuentran la DB412 / DB810 (1200/1400 Watts). El rendimiento de estos gabinetes es excepcional, los modelos más pequeños con configuración de 1x12 superan las expectativas de un gabinete de ese tamaño. Los modelos intermedios cumplen con los requerimientos para cualquier escenario mediano o grande. En la línea SL Aguilar ha logrado una portabilidad excelente, el modelo SL112 se puede levantar literalmente con 2 dedos!.

OPINIONES Actualmente estoy usando 2 setups. El más grande utilizando un Tone Hammer 500 y un AG-700 alimentando 2 gabinetes SL410x. Es un set demoledor que le hace frente a cualquier escenario y es muy portable, cada gabinete SL410x pesa alrededor de 23 Kg. Mi otro setup es un Tone Hammer 500 y 2 gabinetes DB112H y también es una pared de sonido. En muchas ocasiones utilizo sólo 1 gabinete DB112H y es más que suficiente para tocar en escenarios chicos. Y si el escenario es muy chico llevo sólo mi cabezal!. En ambos casos el control de volumen de la bocina en los gabinetes es muy práctico ya que se puede agregar la cantidad de agudos deseada. Suelo anularla en una de las cajas y regular la cantidad que necesito en la otra, logrando el balance de cuerpo y definición que busco. En líneas generales no puedo estar más satisfecho con el sonido de mi set Aguilar, tengo el sonido de mis bajos y de mis dedos, sin coloración no deseada, puedo moldear el audio a gusto fácil y rápidamente gracias a la versatilidad y simpleza del EQ del Tone Hammer. Los gabinetes hacen sonar todo lo que el TH tiene para dar, son robustos, con un audio muy cálido y envolvente, bien definidos y con una potencia increíble. Si aún no los probaste… qué estás esperando?

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CRÓNICA DE LA GIRA POR JAPÓN

Todo empezó hace muchos años cuando soñaba con ir algún día a tocar a Japón, aquel lugar donde mis ídolos fueron a tocar, Yo ya había leído muchas entrevistas y anécdotas de Steve Vai, Jaco Pastorius o Vinnie Colaiutta que contaban de sus experiencias en el país Nipón y lo grandioso que había sido tocar allí. Una vez que edite mi último álbum “Way From Home” con la participación de Simon Phillips (Toto, Jeff Beck), entre otros grandes músicos, decidí que era el momento de volar más alto con mí música y llevar el jazz/rock/fusión hecho en Argentina a lugares donde nunca antes un Argentino ha llegado con este tipo de música. Y decidimos junto a nuestro “booking agent” (agente de reserva) en Japón Mr. Duane (lo apodamos cariñosamente de Nelson, ¡Sí! el que fue al programa de Susana Giménez) de hacer la gira en la segunda semana de Octubre. Tuvimos programados tres shows dos en Osaka y uno en Tokio. Las aventuras ya empezaron en Ezeiza, que cuando fuimos a hacer el check-in para ir los tres músicos juntos, más que nada por el idioma, ya que yo era el que hablaba mejor el Ingles. fue prácticamente imposible conseguir asientos juntos, y así fueron casi 12 horas hasta Miami. En medio del vuelo nos sirven la comida (¡somos vegetarianos!) por suerte zafamos con unos tallarines... Llegando a Miami luego que nos revisaran hasta lo que teníamos dentro de las zapatillas, además de todo nuestro equipamiento, pasamos para dentro del aeropuerto (Mariano y yo) pero Nicolás se retrasaba... se había olvidado el bolso en el piso y la policía aeroportuaria estaban a punto de armar un operativo para ver que había dentro de ese bendito bolso... Una vez solucionado ese tema, nos relajamos un rato para cargar los celulares y perdimos la noción del tiempo, cuando nos dimos cuenta de la hora local, nuestro vuelo conexión para Los Angeles ya salía, por lo que tuvimos que correr tipo las películas “Hollywoodianas”mientras todas las personas nos miraban, pero por suerte, lo conseguimos y llegamos a Los Angeles después de 7/8 horas de vuelo. Con un clima tropical lleno

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de Sol, totalmente diferente del que teníamos en Buenos aires, nos relajamos nuevamente para sacar selfies y hablar con nuestras familias. Pero nuestro vuelo para Osaka ya salía y solo nos dimos cuenta 1 hora antes. Llegamos para sacar nuestros boarding pass pero el control para salir de Estados Unidos es muy fuerte y se hizo una fila muy larga, a mi me hicieron sacar los pedales Fuhrmann que lleve y le pasaron un producto para ver si no tenía cocaína (por suerte lo más cerca a la droga que estuve fue consumir Coca Cola). A todo este procedimiento pasaron casi 50 minutos, nos

Les contare lo que fue la gira por Japón, donde fuimos a presentar el álbum "way From home". Por Maycown Reichembach

quedaba 10 minutos para subir al avión y yo aún seguía juntando mis cosas, así que aparece un ponja con un waki toki u mis compañeros junto a esa persona de la compañia Japan Airlines salieron corriendo para parar al avión mientras yo a unos 100 metros atrás corría como si fuera la última cosa que haría hacer en mi vida!. Llegamos allá y el comisario a bordo dice “no instruments here” después de discutir 1 minuto, dice “OK hurry” (dale, apúrate), mientras los pasajeros nos miraban con cara de “por su culpa aún no salió el vuelo” . Y nos ubicaron en nuestro respectivos asientos.

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Estábamos cansados, pero nos faltaba aún mitad del camino, ¡pasar el océano Pacífico!. Fueron casi 14 horas en ese bendito vuelo. Pero notablemente mejor a los otros, la comida espectacular y la atención de los japoneses fue impresionante, Realmente nos sentimos muy bien y pudimos dormir un poco hasta llegar a Osaka. Ya en el aeropuerto de Kansai en Osaka empezamos a sentir con toda su fuerza el famoso “jet lag”, también conocido como síndrome del cambio rápido de zona horaria. Ya en Osaka nos esperaba Nelson, tomamos el tren y luego taxi, nos hospedamos en un departamento alquilado con todas las comodidades, ya era de noche en Osaka y teníamos que dormir para la prueba de sonido al otro día a la mañana. Pero allá de noche era la mañana de Argentina, o sea...¡es como te hicieran dormir a las 10 de la mañana, 8 horas seguidas! no pudimos hacerlo, y nos pusimos a repasar los temas y tomar mate, que paso a ser nuestro compañero de las noches, ya que prácticamente ningún día dormimos más de 4 horas por la noche en Japón. Ya el Viernes estábamos ansiosos para conocer el lugar, el backline y como sería todo esa experiencia, yo tenía que hablar en Ingles delante de un público y esas cosas que un Latino no está familiarizado a hacerlo. Por suerte fue genial, todo de primer nivel y tuvimos un audio demoledor, la banda que abrió nuestro show paso toda la noche diciéndonos lo bueno que había sido, las fusiones que hicimos... les encanto la mezcla entre un tema de Charlie Parker con uno de Astor Piazzolla. Nos ganamos el respeto y también de nuestro agente/tour manager que solo nos había visto por videos. Después de un gran show queríamos descansar, pero no dormimos casi nada y aprovechamos para conocer una de las mejores casas de música que yo haya estado y el gran Castillo de Osaka, creado en la época de los Samuráis, una dinastía con miles de años y un lugar realmente inspirador para ver y conocer. Estábamos ansiosos por ir a Tokio, y eso sucedió el domingo muy temprano, teníamos pocas horas de viaje de Osaka a Tokio y lo hicimos en el famoso tren bala, que viaja a más de 600 km/h. Otra vez nos sorprendimos con la amabilidad nipona. Llegando a Tokio nuestro agente nos llevo al hotel que parecía

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5 estrellas, aunque era de 4 estrellas. Nos ubicaron en el piso 18, que para nuestra felicidad podíamos ver gran parte de Tokio desde las ventanas de nuestras suites. Cuando miraba por esa ventana, me venían miles de cosas a la cabeza pero la más fuerte era lo agradecido que me sentía al universo por haberme dado las posibilidad de ir junto a mis dos colegas a hacer Jazz Fusión a Japón, lo pienso ahora y sigue siendo impresionante para mí. El Show en Tokio fue el mejor de todos, tanto en el sonido que sacamos, como en la performance que hicimos. En cada solo que tocábamos los japoneses hacían “oohhh” parecían coordinados por un director, porque lo hacían todos juntos, fue alucinante. Al finalizar el show vendimos casi todos los discos y firmamos los autógrafos a todos. Un señor de unos 50 años se me acerco y saludarme y haciendo un gesto con todo el cuerpo de agradecimiento, me preguntó todo acerca de mi guitarra, y lo más loco de todo es que después supe que esta persona era un productor de un festival de jazz en Tokio y miembro de Schecter Guitars Japón. Queríamos salir a conocer la noche de Tokio pero nuestros cuerpos no daban más fueron casi una semana que dimos la vuelta al otro lado del mundo durmiendo 3 a 4 horas por días... tuvimos que descansar porque al otro día salía nuestro vuelo para Nueva York, que por cierto casi lo perdimos por un error de nuestro querido agente que nos mando a otro lado de Japón pero no sé si por intermedio del gauchito Gil, Astor Piazzolla o cualquier otro "ídolo" llegamos sanos y salvo a Nueva York y consecuentemente a Buenos Aires. ¿Cosas negativas? tuvimos algunas, pero como son mínimas, las guardamos con nosotros. Esto es solo el comienzo amigos, cuando uno trabaja seriamente con un equipo de personas proactivas, que conocen del negocio de la música y como ir en busca de los resultados, las consecuencias solo pueden ser muy positivas. Para ver el video de toda la tour pueden visitar mi sitio web en www.reichembach.com o la de mis colegas Mariano Cabral o Nicolás Migliavacca. AVIONES Y SHOWS (Por Nicolás Migliavacca) Es usual que como músicos nos preocupemos por el tras-

lado de nuestros instrumentos a la hora de hacer una gira internacional. Queremos compartirles nuestra experiencia. Si bien no es la verdad absoluta, a lo mejor pueden llegar a darse una idea de cómo deben accionar en este tipo de situaciones. Al salir desde Ezeiza se deben declarar todos los instrumentos que contengan números de serie para corroborar que al regresar ustedes vuelven con los mismos instrumentos. Es muy importante dejar asentado en el check in que sus instrumentos de cuerdas o platillos, etc son frágiles y sus fundas no son estuches rígidos. Por ese mismo motivo decidieron no despachar. Deben recordar que por persona pueden llevar dos bolsos de mano (en este caso el instrumento y algún otro bolso chico) mientras no excedan los 15 kilos cada uno. En general no lo suelen pesar, pero la condición existe. De esta manera evitaran que sus instrumentos viajen en la bodega. En nuestra experiencia todos los vuelos que tuvimos fueron excelentes. En algunos nos ubicaron los instrumentos en los cubículos del pasillo del avión y en otros pudimos ponerlos arriba de los asientos, donde se guardan los bolsos de mano. Hablemos un poco del sonido de los lugares donde hicimos los shows. El equipamiento de los lugares, como la acústica era de primer nivel. Cada uno de los lugares tenía lo suyo y ninguno se parecía al otro, aun así nos adaptamos fácilmente. No solo por las cuestiones técnicas sino también por el trato de lujo, desde el respeto hasta la aceptación de nuestras condiciones y formas de trabajo. En todo momento estuvimos asistidos por un tour manager, es decir, una persona que nos llevaba a los lugares, nos resolvía cualquier tipo de necesidad en los shows, etc, etc. Para mí fue una experiencia extraordinaria, no solo por ser una vivencia completamente nueva a nivel musical sino que a nivel personal me enseño y equilibro muchísimo. Es gratificante ver que tengo muchísimas cosas para evolucionar a nivel musical como personal. Este gran viaje me hizo sentir que más allá de ver muchas veces “imposibles” sobre algunos cambios personales, es importante darse cuenta que queremos cambiar, crear o evolucionar. Este viaje recién empieza.

Crónica de la gira por Japón | 15

MASTERBUILT DJENT 14 STRING

Este interesante instrumento multi-escala tiene el cuerpo de nogal de una sola pieza, tapa de arce flameado, mástil esta hecho de 9 piezas de maple flameado con trastera de palo rosa, el mástil pegado al cuerpo (neck thru, que le da mucho más sustain), tiene 3 fibras de metal y 4 de carbono para mantener la estabilidad del mástil. El hardware es de color negro, los pickups de bajo EMG y 4 Se-

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asons Handwould 8 String Pickup de guitarra, además de contar con dos perillas de volumen y una de tono para el bajo. El color de esta guitarra es tipo sunburst pero tirando para el purpura, lo que hace que el instrumento llame aún más la atención. La conclusión sobre este instrumento es que se lo ve muy original y diferente, como hemos visto en las pasadas ferias de música internacionales como

La marca Asiática con base en Los Angeles 10S Guitar nos trae su grandiosa Masterbuilt Djent de 14 cuerdas. Por Maycown Reichembach

NAMM Show. Y lo interesante de 10S Guitars es que trata de llevar su modelo un poco más allá de los similares de su propia especie, en la búsqueda de un nuevo mercado para este tipo de instrumentos contemporáneos que son muy buscados por muchos guitarristas en el mundo. Pueden encontrar inormación de todos sus modelos en https://reverb.com/shop/djentman-custom-shop

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VOY A SER BAJISTA!

Mientras me desayuno que quieren modificar casi a escondidas y bastante de “prepo” cuestiones inherentes a la educación, sin prácticamente ninguna búsqueda de consenso. Podríamos continuar por un largo rato de esta manera. Pero… Si los “planetas se alienan” y podemos

Mientras me dispongo a escribirles estas líneas, esta bendita ciudad/país está poco menos que convulsionada: A horas de la súper final de la Libertadortes que no sabemos cuando se jugará, de la llegada de toda esta (pongamos) gente del G 20, con los cortes de calles y paranoia incluida. Por Mariano Sívori

abstraernos de todo lo que pasa a nuestro alrededor y acallar los sonidos de esta bendita jungla de cemento y disponer de unos buenos minutos de práctica (aunque un par de horas sería más que ideal). ¿Cómo encaran un pasaje difícil de una nueva obra o tema? ¿Cómo se preparan

para que “los dedos” (y nuestro cerebro, por cierto) se aprendan “el camino” a recorrer en el diapasón de nuestro bajo en un nuevo esquema de escala, arpegio, patrón, frase, motivo, etc.?. Seamos sinceros, cuantas veces se vieron intentando una y otra vez, repitiendo y repitiendo sin mucho éxito?. Seguramente me dirán que muchísimas veces. En lo personal, una infinidad de veces, vea usted. pero aquí va este pequeño consejo para tener muy en cuenta: No usen el metrónomo para practicar algo que no saben cómo es. ¿Cómo dice ?. Ciertamente no usen el metrónomo les digo, hasta asegurarse de que nuestros dedos, oídos y cerebro conozcan mínimamente de que se trata lo que estamos estudiando. Nadie (absolutamente nadie) puede tocar a tempo lo que no sabe. Por supuesto lo podemos llegar a leer y tocar, pero entender, desmenuzar, pensar digitaciones, poder manipularlo, transportarlo. He visto a alumnos “luchar” con el metrónomo, tratando de tocar aquel esquema de una escala, o algún pasaje rápido e intrincado de alguna base. Me he visto a mí mismo, y el resultado es el mismo: Se tarda mucho más tiempo. Y lo que es peor, es que hay una buena chance de sentirnos frustrados. Entonces, metrónomo: SI !!!. Siempre a nuestro lado, bien a mano. Usarlo un montón, pero siempre tengamos cuidado de preservarnos de exponernos a usarlo cuando no sabemos de qué se trata la cosa y conseguir solo frustración o enojo. Practiquen de esta manera y después me cuentan.

FENDER STRATOCASTER AMERICAN STANDARD

El éxito rotundo de Fender es el modelo más famoso pero también el más copiado por todas las marcas habidas y por haber. La historia de la Stratocaster comprende muchos hitos y muchas curiosidades. La Fender Stratocaster fue concebida por Leo Fender como una evolución natural de un modelo anterior de guitarra, la Telecaster, también diseñada por él mismo y que aún se comercializa con mucho éxito. A partir de 1951 se embarcó formalmente en un proyecto para obtener un nuevo prototipo con mejores características. La empresa se preocupó por conocer la opinión de diversos guitarristas y, tras investigar, Fender rediseñó pasados unos años su silueta en algunos lugares estratégicos, de modo que su fuera más cómoda. Uno de los cambios más importantes y trascendentes fue la aparición de la palanca para el trémolo o vibrato. La Stratocaster de Fender se ha transformado con el tiempo en una categoría propia, un estándar de calidad exclusivo de la marca. Ha ayudado a moldear la sensación de la música de hoy, utilizada por muchos virtuosos famosos de la guitarra a través de la historia. Si tenés el dinero, no hay nada que te impida ganar tu tiempo en el centro de atención, empuñando esta poderosa viola y forjando tu camino hacia el éxito. Calidad, elegancia y la experiencia incomparable de los fabricantes, respaldada por su larga tradición en mejoras e innovación. Si pensabas que tu sonido no podía mejorar, esta obra maestra clásica probará que te equivocas. El cuerpo del instrumento está hecho de aliso con un magnífico acabado en uretano brillante. El mástil de arce

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está atornillado, en una escala de 25.5". Su diapasón de arce está equipado con 22 trastes jumbo medianos e incrustaciones de puntos. El hardware cromado en esta guitarra viene en alta calidad como uno esperar. Esta maravilla de seis cuerdas se completa con un cabezal de madera clásico equipado con seis clavijas de afinación selladas a presión. La ranura del puente está equipada con un sistema de trémolo sincronizado. Lo que

hace que esta obra de arte se destaque de sus predecesoras es su moderna optimización a través de productos electrónicos innovadores de alta calidad. La combinación de micrófonos cuenta con tres mics de bobina simple "Fat 50's"; en el cuello, el puente y el centro, complementados por un interruptor de cinco vías. El diseño de control presenta un solo control de volumen principal y dos para el ajuste de tono.

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foto: gabriela gauna

CLAUDIO “TANO” MARCIELLO

un personaje muy querido y respetado por sus colégas, nos cuenta sobre vida y sus proyectos. Por Sergio Resar

Hablanos un poco de tu infancia Nací en la ciudad de San Justo. Vine a esta casa, donde estamos ahora, a los 3 años. Hasta los 3 años vivía en Provincias Unidas, hoy Juan Manuel de Rosas, y Zapiola. Al lado de la vía, ahí mi viejo hizo una casilla de madera. Mis padres eran de la región de Nápoles, mi vieja nació a 80 kilómetros de Nápoles y mi viejo en Caserta, que eso es Nápoles. Ellos acostumbraban cantar, contaban historias con las canciones. De parte de mi viejo eran canzonettas más armadas, algunas canciones estaban relacionadas con el ejército porque donde vivía él es ciudad. De parte de mi vieja era campiña, entonces las historias estaban relacionadas con el vino, con la cosecha, con el lobo que se robaba las ovejas y cosas así. Por mi viejo, tomé mucho la parte melancólica de las canciones. Si bien era aficionado, él cantaba algo. Cantaba “Torna a surriento”, “La luna marechiare” y algunas óperas. Por parte de mi vieja era más jodón el asunto. Eran más alegres las canciones. Ellos utilizaban mucho en las canciones, las preguntas y las respuestas. Uno decía o preguntaba una cosa, por ejemplo, que había ido al campo a cosechar y después los otros, en dos o tres voces, respondían en coro. De ahí me quedó y aprendí la polifonía. En mi es muy natural, cuando escucho a una persona cantar, hacerle una voz arriba, una tercera, una quinta. Me sale naturalmente hacer eso. También me pasa para armonizar melodías en guitarra. Con todos los guitarristas que toqué, cuando hacían una melodía, me salía una voz. Me decían “Che Tano, sos rápido para esto” y les respondía “Y sí, me crié con

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eso”. También me pasa con los acordes en la viola. Hago los acordes, puedo hacer machaques, puedo hacer bases pero siempre estoy respondiendo con los dedos a los acordes con las otras cuerdas con cejillas después de la base. Es un estilo que desarrollé. Salieron canciones de ahí.

Cuando empezaste con la guitarra? La guitarra entra en mi vida desde chico, tenía unos 6 o 7 años. De todos los instrumentos, era el que más me gustaba. Lo primero que entra en mi es la percusión. Hacía muchos ritmos en el pupitre de la escuela o cuando iba a comprar al almacén de Don Humberto que siempre me decía “Basta con el tamboril, cada vez que venís me volvés loco”. Para mí, todo es percusivo porque si vos le sacás a la guitarra la armonía, es un golpe. Las escalas no dejan de serlo. Y eso de la percusión se incorporó en mi de tal forma que me ayudó mucho para armar mis canciones y a no repetir ritmos en mis discos. De hecho, yo les pasaba los ritmos a mis bateristas con la boca. Ahora ya no, tengo un grabador digital y es ahí donde envaso toda mi música. Ese lo usás cuando componés? En realidad yo zapo y me grabo. Hago solos, bases, acordes. Me grabo un rato y después lo dejo, no tengo una rutina. Nunca me puse. Nunca dije “hoy me levanto a las 9 de la mañana a componer”. No hago una hora de acordes, una hora de ligado y una hora de solos. Agarro la viola y toco un rato. Después me voy a hacer otras cosas. Tampoco es que me siento a estudiar.

Con quién aprendiste a tocar? Lo básico me lo pasó mi hermano Pablo, que lamentablemente falleció. A él le dediqué la canción “Pablo Blues”. Ese es uno de los temas que utilizo cuando invito a otros guitarristas a tocar porque el final lo hago largo y los dejo tocando a ellos. Pablo veía que me interesaba mucho la guitarra, a esa altura ya tenía 8 o 9 años. Él ya se había comprado su guitarra eléctrica marca FADIM y en esa me enseñó los primeros acordes básicos. Al poco tiempo empecé a sacar canciones, música de propagandas de televisión y cosas de ese tipo, cosas cortitas. Mi hermano era más bien un guitarrista rítmico para tocar la guitarra. Pablo me llevaba 7 años y empezó a ver que me venían a ver a casa los muchachos que tocaban con él y decían “Vamos a ver al pendejo como toca”. Ya a esa altura yo había sacado “La Biblia” de Vox Dei, o tocaba “Desatormentándonos” de Pescado Rabioso, o “Alguien en quien confiar” de El Reloj. Luego mi abuela, la madre de mi mamá, me regaló una guitarra criolla cuando pasé de grado. A esa altura ya era llegar de la escuela y ponerme a tocar. Cuáles fueron tus influencias en la adolescencia? Imaginate, estábamos en los ‘70s. De acá caminaba 15 cuadras e iba a Huracán de San Justo a escuchar desde la puerta a Vox Dei o a El Reloj o a Pescado Rabioso. Era chico y no me dejaban entrar. Además mi hermano traía pilas de discos. La cosa era así: en el barrio, uno compraba un disco y después lo pasaba a sus amigos, lo tenían una semana cada uno. El que lo rallaba lo tenía que comprar

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de vuelta y el que se encargaba de cagar los discos era yo, jaja. Agarraba los discos y ponía los solos, una y otra vez para poder sacarlos. Después, cuando Pablo devolvía el disco saltaba que estaba rallado, Venía y me decía “Che pelotudo, vos rallaste el disco, y fuiste vos porque fuiste vos”. Recuerdo que cuando saltaba la púa del tocadisco, yo le ponía una moneda arriba para que no pasara. Así empecé a sacar los solos. Él traía muchos discos, cosas raras como el disco de Kubero Díaz solista. También traía discos importados. Black Sabbath, Deep Purple, Jetro Tull, Frank Zappa, Santana. Bastante variado. Para mí fue siempre así. Imaginate que acá había una disquería cuando vinimos a vivir acá. Mi viejo se había quedado sin laburo y puso una disquería y hacía changas. Así que vengo escuchando música desde pibe.

Cuál fue tu primera guitarra eléctrica? Mi primer guitara fué una FAIM Les Paul. Mis dos primeras guitarras, la FAIM y la Ibanez me las compré trabajando en una carpintería. La FAIM venía con distorsionador, era una locura. Era una tipo Gold Top. Obvio que la primera que toqué fue la de mi hermano.

Tu primera banda? Fue una banda de barrio. Le habíamos puesto “Comienzos”. Ese era el título de una canción de Emerson, Lake and Palmer. Éramos cuatro locos y estábamos recontra zarpados y decíamos “Qué buena música”. Mirábamos la tapa del disco y vimos que un tema se llamaba “Desde el comienzo” así que le pusimos Comienzos. Después hicimos Val Dragón con Beto Ciriotti a principios de los ‘80s. Tu primera experiencia en un estudio de grabación? Tengo que retrotraerme mucho. Se grababa en portastudio a cassette. Eso lo empezamos a usar con una banda en Villa Luzuriaga que se llamaba Arcabuz. Tocaba Beto el

bajo, Miguelito en batería y Quique Gómez cantaba. Después terminó llamándose Val Dragón. Tocábamos por el barrio, estuvimos en el Festival Metálico en la cancha de Atlanta. Ahí tocaron V8, 6L6, Belcebú y varios más. Contanos un poco de tu experiencia con El Reloj Ahí toqué con mi hermano Juan Espósito. Con los Espó-

sito somos como familia. Juan falleció hace unos años. Él vivía acá cerca, en Lomas del Mirador. Al que conozco primero de todos es a Luis Valenti. En 1981 yo tenía un grupo que se llamaba “Tauro”. Hacíamos un rock sinfónico y anda dando vueltas algunas cosas en Youtube y seguro que lo subió el bajista, Rubén López. Te decía, hacíamos un rock sinfónico que estaba muy despegado de lo que las com-

foto: gabriela gauna

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Entrevista a Claudio “tano” Marciello | 23

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marlo a Luis Valenti que además de cantar, tocaba y podíamos poner un Hammond. Hicimos un demo en el sótano de mi casa. Llevaron ese demo a CBS, la cuestión es que quedó “Virus”, fue una onda así, que era lo que las compañías buscaban en ese momento. Bueno, Tauro se desarma y viene Zabala a buscarme y me dejan tocar con ellos. Para ellos, yo, era un buen guitarrista. Todo eso hasta que llegó Juan. Después se empezó a deformar y empezamos a tocar todos los temas de El Reloj. Era lógico, estaba Osvaldo, estaba Juan, estaba Luis y yo conocía todos los temas porque los escuchaba desde chico. Ahí fue cuando se formó nuevamente El Reloj. Hicimos algunos conciertos, cantaba Gustavo Mirande. Luego nos separamos y mi sótano parecía un club, venían todos a tocar, hasta Claudio Gabis vino. Willy Gardi quiere entrar en esa formación y no sé bien que pasó que no lo hizo. Al final terminé zapando con Willy solos. Nos volvemos a encontrar todos en 1995 con la formación original de El Reloj.

foto: gabriela gauna

pañías estaban buscando en ese momento. En realidad, la música que hice a lo largo de mi carrera, no fue comercial. Siempre fui de hacer lo que a mí me gustaba. Volvamos, cuando me vienen a buscar para tocar, a través de un primo mío. Éramos contemporáneos con El Reloj, que era la banda conocida de la zona. Tauro se conocía pero

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no éramos tan populares como ellos. La banda de la zona siempre fue El Reloj. Todos los demás fuimos hijos de ellos. Como ellos no ensayaban en una sala de ensayo, lo hacían en la casa de Osvaldo Zabala, los demás íbamos caminando hasta su casa para escuchar esos ensayos. Con Tauro necesitábamos un tipo que cante y decidimos lla-

Llega Almafuerte Si, llega Almafuerte en 1995. A todo esto yo estaba con una banda que se llamaba “El Expreso”, hacíamos canciones propias. Ricardo (Iorio) me vino a buscar y fuimos a tomar algo a un bar de San Justo y mira un cartel que decía El Expreso, y me dice “Vos los conocés a esos?” y le contesto, “Si, es mi banda” y me dice “Pero entonces vos estás tocando?” y respondo “Ese cartel es viejo” y ahí me tira “Yo te vine a buscar para armar algo. Me dijeron que viniera a buscar al Tano de acá, de San Justo”.

Vos lo conocías? Sí, nos habíamos cruzado en el taller de un loco que fabricaba los equipos. Te estoy hablando de la época de los ‘80s. V8 ensayaba en la casa del Loco Roberto Galván, que ahora hace los equipos Galvano. Ricardo trajo un disco armado y de ahí sale “Zamba de resurrección”. Así salió el disco Mundo Guanaco y así seguimos 21 años tocando. Toda una historia. Con alegrías y peleas, de todo. Las peleas fueron los primeros años pero pocas. Ricardo es mucho más temperamental que yo. Yo es como que escucho pero cuando saltaba, decíamos, no nos peleemos porque se va todo a la mierda. Entonces nos conocimos enseguida y sólo tuvimos un par de discusiones hasta que después nos reíamos y aprendimos hasta qué punto llegar. Igual, los dos sabíamos que nos queríamos. El respeto existió siempre y sigue hasta el día de hoy.

En el 2001 grabás tu primer disco solista. Si, “Puesto en marcha”. Ese disco lo armé acá, en este lugar donde estamos ahora. Ves es ese rincón donde está ese televisor?. Había una computadora. La historia es más o menos así. La primera vez que cobré un dinero razonable en SADAIC, salí de ahí y me pregunté “Cómo es esto de la compu?” Imaginate que, ahora que tengo 55 años y la Fractal la tengo hace 5 meses, con todos los que grabé, todas las participaciones que hice, nunca usé nada digital hasta ahora. Siempre usé un Wha Wha y un Overdrive o la distorsión del equipo y el cable. Después un Delay. Yo no sabía nada de computadoras pero si sabía que era lo que se venía y que se podían grabar cosas. De hecho había colegas que grababan y demeaban con una. Yo no quería saber nada con eso en un principio. Yo sólo quería tocar, que de eso se encargara otra persona. Volviendo, salí de SADAIC y llamé a un amigo que la tenía clara y le dije “Che loco, vos me dijiste que sabías de computadoras

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Y el que le siguió? Ese fue mucho más personal, decidí hacerlo mitad instrumental y mitad cantado. Así que empecé a cantar las cosas que yo escribía. El que tiene la culpa de que yo cante, es Ricardo Mollo. En “Puesto en marcha” hay una canción que se llama “Primeros auxilios”. Esa la había preparado para que la cante Ricardo. Cuando se nos acabaron las horas en el estudio, esa canción no la habíamos terminado de grabar, esperábamos a Mollo. Él no estaba en el país, así que era imposible. Y me dice: “Taníto, yo no puedo esta vez, por qué no lo cantás vos?” Y así empecé. Contanos que paso en el tercero?

foto: gabriela gauna

y todo eso” y me dijo “Tano, no vayas a hacer cagadas. Qué querés hacer” y le respondí “Quiero algo para grabarme en mi casa”. Entonces me responde “Te espero en el Cid Capeador”. Nos encontramos ahí y fuimos a un lugar a comprar cosas. Llegamos a casa, él se puso a armar la computadora, le ponía las placas de sonido y yo miraba sin entender nada. Cuando termina, me dice que ya podía grabar, que tenía que enchufar la viola acá. El problema fue cuando se fue. Es lo peor que nos podía haber pasado, a él y a mí. A los 10 minutos que se había ido, lo llamé a la casa, “Hola, está Guillermo?” jaja. Obvio que no había llegado a la casa, así que dejé dicho que cuando llegara, me llamara. Me llamó a las 12 de la noche y empecé a decirle “Loco, esto no anda, me hiciste comprar cualquier cosa” y cosas de ese estilo. Por teléfono me empezó a dar instrucciones y al final pude grabar algo. Así hice los demos del disco “Puesto en marcha”. En ese diso había pensado invitar a músicos que me habían invitado como por ejemplo León Gieco, Rubén Patagonia, Pappo, que era mi ídolo, Larry Zavala. Así fui llamando a diferentes músicos. Fue una devolución de gentilezas.

En ese ya fue diferente. Me encerré en el estudio con tres bateristas. Cada uno con su impronta. Esto era por el año 2009. En la televisión se la pasaban diciendo que la juventud estaba perdida, que esto que lo otro y me dije a mi mismo: “Yo conozco otra juventud”. Y pensé que quería identificarme con estos pibes, con estos que vienen. Siem-

pre me interesaron los que vienen. Por eso sumo músicos a mis espectáculos y les doy lugar para que toquen. Para este disco llamé a Melina, mi hija, David Valencia y a Adrián Espósito para la batería. Les pasé los temas a los tres, los escucharon, los ensayaron y los grabaron. Después fui yo, grabé las guitarras, los bajos y después los canté. No me

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Entrevista a Claudio “tano” Marciello | 25

foto: gabriela gauna

nunca me había pasado es que un técnico de grabación haya ido a escuchar un ensayo de mi banda y a llevárselo grabado. Al poco tiempo me llama y me dice: “Mirá Tano, por lo que escuché, en 6 días lo tenés grabado el disco porque la banda está perfecta”. Nos armó un plan de grabación, yo confié totalmente en el tipo y realmente no se equivocó. Consiguió 3 días en Romaphonic y el resto lo hicimos en su estudio. Hicimos sólo dos tomas de cada tema. Se grabó prácticamente en vivo.

cerraba aún la voz. Fue Álvaro Villagra, el productor, que me instó a cantar naturalmente. A partir de “Rock directo” es que me afirmo como cantante.

Cómo es trabajar con familia? Bien, muy bien. Nosotros somos familia porque tenemos

foto: gabriela gauna

Y llegamos al último?... CTM Grabar este disco fue una cosa fantástica. Todos mis discos los grabó Tato de Almafuerte menos “Identificado”.

“Puesto en marcha” y “De pie” los grabó Álvaro Villagra. Álvaro ya conoce mi sonido, no hace falta que yo setee los amplificadores, sólo tengo que llegar y enchufar. Me contacto con Facundo Rodríguez y nos ponemos a charlar. Enseguida empezamos a congeniar en un montón de cosas. Era otra concepto de las tomas y de su sonido. Empecé a escuchar cosas que él había grabado. Lo que

Cómo descubriste que Melina, tu hija, tenía que ser la baterista de tu banda? Melina se juntaba con Leo Radaelli a zapar en el sótano los miércoles, el día que yo no ensayaba. Estaba arriba y escuchaba todos los miércoles un bajo y una batería. Un día bajo y me puse a tocar con ellos. Tocábamos temas de Black Sabbath, Deep Purple, Almafuerte y otras cosas. Empezamos a hacer los temas del disco nuevo, Melina los conocía porque me escuchaba tocarlos. Mi primo Pablo se divertía sacando los solos de guitarra de mis canciones. Quedó como que los miércoles zapabamos y le dije a Pablo que si quería venir, que traiga su teclado. Para ese entonces, al manager de Almafuerte le ofrecieron hacer una Trastienda y me preguntó si quería hacerla y le dije que sí, que la tome sin pensar que iba a hacer algo. Me llamó y me dijo que la fecha ya estaba, que me preparara. Así que me reuní con los chicos y les dije la existencia de esa fecha para tocar en La Trastienda, faltaban menos de dos semanas para tocar. Aprendieron los temas enseguida, fuimos y tocamos. A partir de ahí, empezamos a juntarnos para tocar una vez por semana. Como había funcionado muy bien, lo tomamos en serio y cuando había huecos con Almafuerte, tocábamos con mi banda.

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la sangre pero la realidad es otra. Si estuvieses en un ensayo y vieras como mi hija se dirige a mi, dirías que no somos padre e hija. No tenemos una relación tensa. Porque si tenés esa pared, no le podría decir las cosas como les decía a Beto, a Ricardo o a cualquier músico. Nos tratamos como colegas, como músicos. Es un lenguaje extra que tengo con Melina.

Cómo está compuesto tu set para tocar en vivo? Uso un Laney de 50W valvular al cual le agrego una caja de 8 Ohms que puede ser una 4x12 o 2x12 como la que tengo yo, la VHT. Y pedales como el CTM que me hicieron que es como un Tube Screamer, delay y un afinador. Con todo eso, voy al canal limpio del amplificador. En violas por lo general, uso la Bagual o la Pampa II. A veces llevo la Pampa IV que tiene palanca, a veces la Pampa V que tiene micrófonos DiMarzio. Los micrófonos que uso son los DS Pickup, cuerdas Martin Blust 0.09. Cables KW. Según la ocasión, puedo llevar un Fractal AX8 que tiene emulación de bafles y cabezales.

Se viene tu libro Esto surge de una conversación en un bar. Myriam Onchimiuk se acerca a la banda a colaborar, empieza con la prensa. Yo tenía que ir a un estudio a grabar algo para Juan Ábalos, guitarrista de Ciro y los Persas. Ese día llegué temprano a la sesión y nos juntamos con Myriam en un bar cercano al estudio. Mientras tomábamos un café, me puse a contar cosas, anécdotas de músicos, vivencias. A lo cual ella me dice: “La verdad es que vos podrías escribir un libro con todo lo que viviste, pensalo” Al tiempo, hablando, me reflota la idea del libro. “Pensaste lo del libro” me dijo. Le contesté: “Te bancás la responsabilidad de poner un grabador delante de este tipo que te cuenta cosas?” y me respondió: “Es un desafío para mí, yo lo hago” Así que ella se tomó el trabajo de grabarme, hacer

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investigación y todo eso. Llevó todo un año hacerlo. Es un libro autobiográfico que se va a llamar “Música, guitarra y magia”. El que tenga ese libro va a tener un pedazo importante de mi vida en sus manos. Ahí hablo de música, agrupaciones, de colegas, de amigos, también de mi vida. Hay una parte donde está enfocado a mi recuperación del alcohol. Para mí, ese es un mensaje muy importante. Por

lo que significa. Eso fue muy intenso, algo muy fuerte. Las adicciones en mi vida fueron terribles. El 20 de septiembre pasado cumplí 18 años de sobriedad. Cuento también como se hicieron los discos de Almafuerte, como paramos también. Después de leer los borradores, me di cuenta que soy un tipo que nunca se ató a algo. Estoy en movimiento permanente.

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MUESTRA MÚSICA - LA FERIA DE LA MÚSICA

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MARSHALL JVM215C

El JVM215C, parte de la serie JVM2, que incluye otros modelos en amplificadores de 50W y 100W y cabezal de amplificador/caja. Este un combo de 50W 1x12” de dos canales, relativamente compacto y extremadamente versátil, que ofrece un volumen muy superior a lo que su tamaño podría sugerir, y una versatilidad que va más allá de la mayoría de los amplificadores de dos canales debido a sus tres modos por canal y excelentes capacidades de conmutación por pedal. Qué es lo que necesitas saber de este magnífico amplificador Marshall?. El JVM215C es un amplificador combo 1x12” de dos canales valvular. Utiliza cuatro válvulas de preamplificador ECC83 (12AX7) y dos de potencia EL34, tira 50W RMS a un solo parlante Celestion G12B-150. Hay dos canales: Clean / Crunch y Overdrive, y tres modos por canal, para hasta seis sonidos en el amplificador. Las luces LED verde, naranja y roja en los interruptores de modo del panel frontal (uno por canal) indican qué canal y modo están seleccionados actualmente. Si bien hay un rango de ganancia considerable en cada modo, el verde se puede considerar como el modo limpio, mientras que el naranja es más crujiente y el modo rojo es definitivamente de alta ganancia. Hay controles separados de ganancia, volumen, ecualización de tres bandas y reverberación para cada canal, así como dos controles de volumen maestro separados. Los controles de presencia y resonancia maestras afectan a todos los canales y modos, con Presence que proporciona un brillo adicional a los máximos a medida que se gira, y Resonance proporciona un control similar sobre la estrechez y la plenitud de las bajas frecuencias.Hay dos loops de efectos separados en el panel trasero. Por qué dos? Uno es un loop de efectos paralelo conmutable de + 4dBu / 10dBV que se encuentra en la pre-reverb, y por lo tanto es el lugar perfecto para parchear en efectos como la modulación (chorus, flange, etc.) y el delay. Una perilla

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Marshall es sin duda una marca muy conocida para los guitarristas. Muchos de sus amps han alcanzado un status legendario, y por una buena razón, el sonido Marshall es sinónimo de rock y sus amps han sido ampliamente utilizados en otros los géneros musicales también. Por G&b.ar

Mix le permite combinar sólo la cantidad de efectos que se desea. El segundo loop es un en serie, y se encuentra un poco más adelante en la ruta de la señal, después de la reverberación y justo delante del amplificador de potencia. Esto le permite acceder a la señal de amplificador de pre-reverberación, posterior a la reverberación en un preamplificador / apagado tradicional en la configuración. El sonido es el clásico Marshall, mezclado con el moderno: todos los legendarios tonos vintage están acá, así

como más ganancia que cualquier otro Marshall que hayas escuchado antes. Incluso los tonos limpios son atractivos y muy utilizables. Es un amplificador excepcionalmente versátil que funciona de forma sonora con una amplia gama de estilos y géneros. Si bien hay muchos botones, interruptores de botón y funciones en este amplificador, no dejes que esto te desanime. La interfaz de usuario está muy bien pensada y todo tiene sentido. Es un amplificador fácil de usar!

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GUITARRA

SiNGLE NOtE SOLOS (PARtE ii)

Continuamos el solo del artículo anterior (Sección A de Autumn Leaves), y completamos un primer coro con frases idiomáticas sobre las última sección del mencionado tema. Por Daniel Corzo

Como siempre las digitaciones son sugerencias. Se puede tocar con púa o dedos, pero debes darle con corchea “swing”.

Daniel Corzo es endorser de guitarras Malarino, Michelutti y amplificadores Schertler y Acoustic Image. Enseña Guitarra Jazz, Armonía e Improvisación en Collegium CEIM (Córdoba) y dicta clases presenciales y online en su estudio privado. Ha tocado en numerosas situaciones con músicos como Walter Malosetti, Sid Jacobs, John Stowell, Richard Smith, David Becker, Mike Tracy, Thomas Brendgens-Mönkemeyer entre muchos otros.

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GUITARRA

Por Ezequiel Ocampo

tRiADAS AbiERtAS

Me parece interesante compartir esto con ustedes, ya que tanto guitarristas principiantes como avanzados de todos los estilos usan triadas de manera habitual. Debemos tener en cuenta que conocerlas ayuda a ampliar, de alguna manera, nuestro vocabulario armónico y melódico.

La idea de estos ejemplos es presentar algunas digitaciones para que podamos tener esta información en nuestras manos. Por cada grupo de cuerdas vamos a encontrar tres posiciones: posición tónica o fundamental (formada por tónica, quinta, tercera), primera inversión (tercera, tónica, quinta) y segunda inversión (quinta, tercera, tónica). Estos ejemplos están pensados sobre la triada de G mayor, pero recomiendo tener en cuenta dónde se encuentra la tónica en cada posición para luego poder transportar estas ideas a las doce notas. En segundo lugar, es importante conocer los diferentes tipos de triadas. Por último, aconsejo estudiar estas digitaciones en un contexto, ya sea aplicándolas sobre el campo armónico de cualquier escala que elijan o sobre alguna composición propia. Espero que les sea útil.

Guitarrista, profesor de guitarra y compositor. Nació en Laprida, Buenos Aires, Argentina. Sus primeras influencias fueron el blues, el rock y el heavy metal. En sus comienzos fue autodidacta, pero a lo largo de los años ha estudiado con profesores de diferentes partes del mundo. Hace diez años que estudia jazz. Su principal referente en la guitarra es Allan Holdsworth. Trabajó como sesionista tocando en vivo para artistas de diversos géneros. Actualmente enseña guitarra, compone, investiga y estudia incansablemente. Contacto: ezequielocampoclases@gmail.com

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BAJO Por Nicolás Migliavacca

PRÉStAMO MODAL

¿que es el intercambio o préstamo modal ? En general se sabe que la escala mayor tiene sus 7 modos, aunque no es la única que los tiene. A lo largo de estos años vengo estudiando y enseñando un método de 33 escalas modales pero hay aproximadamente 40.

Si desplegásemos cada uno de estos modos partiendo desde una misma tónica, raíz, usando siempre de eje el modo Jónico o Eólico como centros tonales, podríamos tomar prestado cualquier acorde de otro modo de esa misma tónica. En este ejemplo muestro como estando en C mayor podemos tomar prestado acordes de C Eólico o Dórico como es el IIIbmaj7, C Frigio o Locrio usando el IIbmaj7 y nuevamente C Eólico o Dórico tomando prestado el VIbmaj7. Resulta interesantisimo este recurso a la hora de componer, arreglar, rearmonizar, etc, etc, sea cual sea el genero musical.

Nicolás Migliavacca es bajista, docente, sesionista. Se inicio sesionando para David "Pitufo" Ros (Ex abuelo de la nada), trabajo junto a Edu Giardina, German Damianich, Sebastian Persini, Mariano Vega, entre otros. Actualmente trabaja junto a su novia en "Anto Francesca" y en Maycown Reichembach Group. Mas info: Fanpage/Youtube

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GUITARRA

Por Maycown Reichembach

LiCk OF thE wEEk! #1

queridos amigos, hoy inauguro mi nueva sección en mi página de youtube, llamado “Lick of the week” donde les mostraré todos mis trucos en la guitarra. Donde les aportaré material desde el nivel principiante hasta el nivel de expertos.

En este Lick of the week #1 te mostraré una mezcla de jazz/fusión que se divide en cuatro partes en la tonalidad de Am y Dbm. Es muy importante la articulación de cada frase y estudiarlo con metrónomo. Parece fácil, tiene una sonoridad poco común en la guitarra por lo que será un poco más difícil memorizarte, pero al mismo tiempo te dará la posibilidad de tener otro tipo de fraseos diferentes a lo que generalmente usan el 90% de los guitarristas. Suscribirse a mi canal www.youtube.com/maycown para el el video en velocidad normal y a la mitad del tiempo.

Maycown Reichembach es guitarrista, compositor, arreglador y orquestador. Director de la Quantum Orchestra. Ya ha compartido escenarios y álbunes con algunos de los más respetados músicos del mundo como: Simon Phillips, Alain Caron, Kiko Loureiro, Greg Howe, Guinga, entre otros.

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GUITARRA

SOLOS bLuES FuSiON

Les mostraré dos fragmentos de algunos de mis solos de mi disco “Complicado”. Con ellos podremos practicar técnicas y el fraseo dentro del blues Fusion. Es importante trabajar sobre ejemplos musicales, es la mejor forma Por Fernando Pareta de integrar la técnica y la teoría de la forma más fresca e inteligente.

Sacar solos es muy bueno, aunque creo que lo más importante es el análisis de cada una de sus partes para poder comprender lo que hacemos. Quien quiera escuchar estos ejemplos pueden hacerlo en Spotify, donde se encuentra mi disco completo. Ejemplo 1 (Canción #1 minuto 1:01 a 1:14) y Ejemplo numero 2 (Canción Raro minuto 2:42 a 2:55). La canción tiene un estilo Funk Blues con aires a Stevie Ray Vaughan ya que fue dedicado e inspirado en él, el lick tiene fraseo de jazz, utilizando escala pentatónica de Bm combinada con la escala de blues #4 (Blue Note), es importante usar ligados o slide para que la frase sea espontánea y con el swing típico del estilo. El segundo ejemplo es de mi tema “Raro” un blues shuffle con aires de fusión. El lick comienza con un arpegio de A7 y G7, después utilizo pentatónica de Em jugando con el ritmo para crear movimiento. Hacer hincapié en los detalles importantes de cada frase, como la duración de las notas, vibratos, y demás herramientas para darle onda a nuestros solos. Espero que les guste, quiero agradecer al maestro Maycown Reichembach por la perfecta trascripción de los solos, cualquier consulta me pueden contactar en mi web www.fernandopareta.com.ar o por mail a fernandopareta@gmail.com, o por las redes sociales como Fernando Pareta.

Guitarrista y cantante con gran proyecciòn internacional, compartió escenario con Steve Vai, y trabajos discográficos con artistas como Steve Lukather, Marcus Miller, Greg Howe, John Scofield y Billy Cobhan, entre otros.

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GUITARRA

ARPEGiOS mM7

En esta nueva lección les muestro el poder de los arpegios menores con séptima mayores; (mM7). Estos arpegios pertenecen a los modos de la escala menor melódica. Lo que hago es en vez de tocar un arpegio Por Juampy Juárez mMaj7 en lugar de la escala menor melódica.

En el estilo de Jazz no se usan mucho las escalas pero si los arpegios y las tríadas, así se obtienen intervalos más largos. En los ejemplos de abajo se ven todas las posibilidades de estos arpegios sobre los 4 acordes más comunes.Traten de aplicar estas ideas sobre standards y bossas. Pueden escuchar a John Stowell Allan Holdsworth y Wayne Shorter para más ideas.

“Juampy Juarez es uno de los guitarristas esenciales de la guitarra moderna a nivel mundial” Blog Prepared Guitar. Ha tocado con Ben Monder, Sid Jacobs, Howard Alden y Pedro Aznar entro otros. Su ultimo album en trio Hiperborea esta a la venta en Itunes, Amazon e Spotify. www.juampyjuarez.com.ar

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GUITARRA

iNtRODuCCióN AL tAPPiNG

hay muchísimas posibilidades, desde algunas realmente fáciles hasta muy complejas, especialmente cuando empezamos a usar más de un dedo (de la mano derecha para los diestros). Obviamente, en esta Por Por Silvio Gázquez lección, vamos a empezar por lo primero, los patrones que realmente debes saber.

No se sabe claramente quién fue el creador del tapping, algunos dicen que Steve Hackett de Genesis fue el primero, pero lo que sí se sabe es que Eddie Van Halen fue el que lo popularizó a finales de los 70´s. Luego fue evolucionando increíblemente por tipos como Stanley Jordan y T.J Helmmerich, entre otros. Este técnica se toca con la mano que sostiene la púa, por lo tanto, la idea es agregar dedos extras a la mano izquierda (para los diestros). De esta forma podemos tocar 1 nota (lo más convencional), 2, 3 o hasta 4 notas más. Y la técnica empleada para ello son los ligados (hammer on, pull off). Quizá sea difícil explicarlo sin una guitarra en mano, pero la idea es dar un leve golpe o “tapeo” y luego hacemos un pequeño movimiento hacia abajo ligando la nota. En fin, las ideas que podremos tocar son ilimitadas, desde sencillos licks pentatónicos hasta arpegios con saltos de cuerdas usando varios dedos. A esto último lo podemos encontrar con el nombre de tapping a 2 manos o “two hands tapping”. A continuación, veremos 4 patrones fundamentales.

Ejemplo 1: El primer ejemplo es muy fácil, usaremos la escala pentatónica de La menor. Comenzaremos con una nota `tapeada´, algo muy común en los licks más básicos. Este tipo de idea fueron muy usadas por el gran Eddie Van Halen. Ejemplo 2: Aquí veremos una variación del primer lick. La idea es comenzar con patrones en una sola cuerda y, una vez que nos salga perfectamente, lo podremos llevar a las demás cuerdas. Ejemplo 3: Ahora vamos a emplear la escala menor natural o modo eólico. Se trata de un simple patrón, en el cual de nuevo comenzaremos con la nota “tapeada” y luego tocaremos la primera posición de la escala de La menor, utilizando sólo la primera cuerda. Ejemplo 4: En el último ejemplo, veremos una variación del patrón anterior. Esto es todo por hoy, espero que les sea útil y como digo siempre, una vez que tengan incorporados estos conceptos, creen sus propias ideas.

Silvio Gázquez es un guitarrista y compositor de Lincoln, Pcia de Bs. As. Sacó dos discos solistas bajo el nombre Silvio Gázquez Project. El primero se llama “Night Sky” del 2015 y el segundo, “Coming Home” del 2018. Ambos se pueden encontrar en todas las plataformas digitales por el sello Neworld Records, de EEUU. También fue finalista del Guitar Idol 2009, en Londres, Inglaterra.

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LUTHIER

tiPS báSiCOS DE CALibRACióN

Como es un tema muy extenso, decidí que en esta ocasión no les voy a hablar de alturas de cuerdas ni de curvaturas de mangos, todo lo referente a comodidad y audio es una negociación permanente que cada uno de Por Mauricio herrera ustedes tendrá con sus instrumentos, todos sabemos que comodidad y audio no siempre van de la mano.

De todas maneras eso lo veremos en otra ocasión. Pero si quiero enfocarme en lo que nos concierne a todos (Afinación). De la diversa variedad de marcas, calidades y modelos infinitos de instrumentos deben de coincidir en una sola cosa, deben afinar, y como siempre se habla de que las guitarras, bajos o cualquier instrumento que tenga un diapasón entrastado, la afinación no siempre es correcta en todas las posiciones ni en todas las cuerdas, también dependerá de la calidad del instrumento, pero hay una cosa en que todos coincidimos, el instrumento debe afinación las cuerdas al aire y en el traste 12. y para eso se debe calibrar el puente de nuestra guitarra o bajo. los luthieres lo llamamos octavado o quintaje, básicamente es algo muy sencillo, la cuerda al aire y en el traste 12 debe sonar la misma nota, lo más exacto posible, si no es así debemos corregir, simplemente debemos agrandar o achicar la escala del instrumento.

Cabe aclarar que es necesario tener un afinador electrónico lo más preciso po-

sible. Paso 1: Afinar el instrumento las cuerdas al aire, (todas las cuerdas). Paso 2: pulsar la cuerda en el traste 12 y verificar si repite con exactitud la misma nota que al aire. Si clava la aguja del afinador en el medio en ambos casos, está perfecto, pero si no repite debemos corregir moviendo la "selleta" del puente. Cuando pulsando en el traste 12 la aguja de afinador no llega al centro o se pasa de largo el mismo afinador nos estará indicando la dirección en la que debe desplazarse la “selleta”, o sea, si al pulsar en el traste 12 nos da una nota más alta y la aguja se pasa, debemos agrandar la escala del instrumento (figura 1). Y por supuesto si al pulsar en el traste 12 nos da una nota más baja y la aguja no llega al centro, debemos achicar la escala (figura 2). Siempre vamos a ir de a poco, corremos la “selleta” apenas un milímetro y volvemos al paso 1. Es importante volver al paso 1, siempre después de una modificación afinamos otra vez al aire. Siguiendo esos pasos cuerda por cuerda el instrumento deberá quedar bien, si no es así, lo más probable es que terminen visitando a su amigo Luthier.

Mauricio Herrera es luthier, tiene su taller en el barrio de Villa Luro en Capital Federal donde fabrica instrumentos a medida además de ofrecer servicios de calibración y reparación para todos los instrumentos de cuerdas. Por trabajo contactarse a: mauriciorl2012@hotmail.com

42 | Suplemento técnico

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JAKE HERTZOG

¿Cuándo empezaste a tocar la guitarra y por qué? Comencé a jugar a los 9 años. Siempre me ha fascinado la guitarra. Intenté tocar mucho cuando era muy joven, Tenia 5 o 6 años y no era lo suficientemente grande como para sostener (la guitarra). Así que, finalmente, cuando tenía 9 años, mis padres me llevaron a mi primera clase de guitarra y ¡me enganché!

Guitarrista, compositor y educador aclamado por la crítica, cuya carrera ha abarcado el jazz, rock y música clásica. ha realizado giras por uSA, Europa, América Latina, Oriente e india, y ha grabado con artistas como Randy brecker, ivan Neville, Mike Clarke, blondie Chaplin, Anton Fig, Corey Glover, barry Altschul, Dave Leibman, ingrid Jensen y otros. Por Juampy Juarez - traducida por Daniel Rey

¿Puedes hablar de tus profesores de guitarra? He tenido suerte con grandes maestros en cada etapa de mi viaje. Tenía grandes maestros cuando era joven, comenzando con un gran guitarrista en Urbana IL llamado Ed Durkin. Luego, en la escuela secundaria, tuve la suerte de estudiar con el guitarri sta de jazz Kevin Turner y también con el increíble saxofonista y arreglista de jazz Chip McNeill,

quien era un nuevo director de estudios de jazz en la Universidad de Illinois. Luego, en Berklee tuve varios maestros, como el legendario Mick Goodrick. Fue una influencia increíble en mis estudios y lo que llegué a valorar como guitarrista e improvisador. Más tarde, en Nueva York, estudié con Chris Rosenberg, quien había sido director musical de Ornette Coleman. Él también fué una gran influencia en mi concepto de música en ese momento, también como educador, continúa inspirándome con su enfoque multifacético.

¿Dónde estudiaste música? Fui a Berklee College of Music para tocar guitarra y luego a The Manhattan School of Music en Nueva York, donde obtuve mi maestría en jazz.

¿Puedes hablar de tus influencias? Estoy más inspirado por músicos con extraordinaria creatividad. Algunas de mis mayores influencias serían definitivamente Pat Metheny, Jimi Hendrix, John Coltrane, Ornette Coleman, John Scofield, Mike Davis, Wayne Shorter, Herbie Hancock, The Edge, Tom Morello, John McLaughlin, Leo Brower, Takemitsu y gente que realmente Estaban "buscando" algo con su manera de tocar. No distingo entre los estilos, porque creo que la música creativa viene en todas las formas y, como guitarrista, trato de capturar la mayor cantidad de inspiración creativa que pueda.

44 | Entrevista a Jake hertzog

¿Cuántos estilos tocas? Toco principalmente jazz, música clásica y rock en estos días, pero he tocado muchas cosas, desde músicas del mundo hasta pop, jazz libre y hard rock. Mi propia música es una mezcla de jazz y rock, pero también he grabado y editado dos discos que combinan música clásica y jazz. El proyecto más nuevo es un proyecto de dúo de guitarra que

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es todo música jazz influenciada clásica. Me encantan todos los estilos y siento que una gran creatividad es lo más importante para mí, no tanto el "género" del momento.

¿Se puede hablar de la enseñanza? Me encanta enseñar: promueve el arte. La relación profesor-alumno es una calle de dos vías que mantiene la música viva. Enseñé en privado durante muchos años y también he sido artista en residencia y conferencista invitado en muchas instituciones. Actualmente ocupo un puesto en la facultad de la Universidad de Arkansas, Fayetteville. Estamos desarrollando nuestros programas de jazz y tengo un programa de guitarra centrado en la carrera y la creatividad que brinda a los estudiantes una amplia flexibilidad a medida que desarrollan sus pasiones musicales.

Con quién has estado tocado en el pasado. He tocado con algunos grandes grupos de rock y pop como The Naked Brothers (Nickelodeon) Wakey! Wakey! Y oye chico. También he tocado con músicos de jazz tanto en mis grupos como en los suyos y en proyectos especiales como Randy Brecker, Barry Altschul, Dave Liebman, Ingrid Jensen, Richie Morales, Harvie S, Victor Jones, Ivan Neville y Corey Glover. Dirijo una banda de rock llamada The Young Presidents que tiene algunos álbumes y mi trío con seis álbumes. Actualmente estoy tocando en mi proyecto de dúo con el gran guitarrista clásico Yishai Fisher.

¿Tienes nuevos proyectos o un nuevo álbum? Acabo de lanzar el álbum “Stringscapes: A Portrait of the World in Nylon and Steel” en Fretmonkey Records. Todo es música compuesta para dos guitarras y estamos muy emocionados de compartirla con el mundo. La música está inspirada en paisajes y es una fusión de jazz y estilos clásicos. También tengo un nuevo libro sobre Hal Leonard llamado Efectos de sonido de guitarra que trata sobre las formas de hacer sonidos en la guitarra. Cubre todo, desde técnicas físicas hasta amplificadores y pedales, así como

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técnicas extendidas como afinaciones alternativas, guitarra preparada, guitarra percusiva y más. Grabé 83 pistas de demo que van con el libro, por lo que es un excelente recurso para músicos de todos los niveles e incluso para no guitarristas que deseen aprender más sobre la guitarra. Enseñas en la Universidad de Arkansas. ¿Por qué crees que sería un gran lugar para estudiar música? Somos un departamento de música en crecimiento con una base sólida en música clásica y educación musical. Actualmente estamos agregando nuevos y emocionantes

programas en el desempeño de jazz y ofertas en negocios de música, estudios de la industria de la música y grabación de sonido y tecnología. Nos estamos asociando con compañías y estudios de música regionales para aumentar las oportunidades para nuestros estudiantes y ampliar nuestro plan de estudios. También acabamos de nombrar al famoso ejecutivo musical Al Bell (jefe de Stax Records y Motown Records) como profesor de negocios musicales, ¡así que tenemos algunas cosas muy interesantes en este programa! Más info se puede encontrar en music.uark.edu

Entrevista a Jake hertzog | 45

EL ORIGEN DE LA GUITARRA ELÉCTRICA

Estamos tan acostumbrados a oír el sonido de una guitarra eléctrica en casi todas las grabaciones de música moderna que no concebimos esta música sin ella. De hecho, la mayor parte de los grupos de rock llevan dos o más guitarras eléctricas, la principal o de punteo y la de acompañamiento. Pero, ¿qué sabemos realmente sobre este instrumento? ¿Cuándo surgieron las primeras guitarras eléctricas y quién las inventó?

En la década de 1920, en las orquestas de baile y las bandas de jazz de los Estados Unidos de Norteamérica se utilizaban distintos tipos de guitarras acústicas. Sin embargo, debido a su escasa sonoridad en comparación con otros instrumentos, su utilización se limitaba por lo general al acompañamiento. Buscando cómo resolver este problema, Lloyd Loar, uno de los ingenieros de la fábrica de guitarras Gibson, empezó a experimentar con imanes, y en 1924 diseñó un micrófono que podía acoplarse a una guitarra tradicional de seis cuerdas. De este modo, se conseguía convertir las vibraciones generadas por el cuerpo del instrumento en señales eléctricas que eran amplificadas a través de un amplificador. La guitarra eléctrica es un instrumento musical de seis cuerdas comúnmente, que uti-

46 | El origen de la guitarra eléctrica

liza el principio de inducción electromagnética para convertir las vibraciones de sus cuerdas de metal en señales eléctricas. El sonido de la guitarra se verá influido por el diseño y ubicación de los micrófonos, la escala y en menor medida por el puente y la cejilla, el uso de los círculos de la escala modificará el sonido de cada una de sus cuerdas. Dado que la señal generada es relativamente débil, esta se amplifica antes de enviarla a un amplificador. Esta señal de sa-

lida de la guitarra eléctrica puede ser fácilmente alterada mediante circuitos electrónicos para modificar algunos aspectos del sonido. A menudo, la señal se modifica con efectos como reverberación y la distorsión. Concebida en 1931, la guitarra eléctrica surgió de una necesidad de los músicos de jazz, tratando de amplificar su sonido. Desde entonces, se ha convertido en un instrumento musical de cuerdas, capaz de una multitud de sonidos y estilos gracias al desarrollo de sistemas externos como los pedales analógicos y digitales. Sirve como un componente importante en el desarrollo del rock and roll y de otros géneros de la música. La guitarra eléctrica fue inventada en la primera mitad del siglo XX con la labor de Leo Fender que empezaría la revolución de ése instrumento llegando a comercializarse a

nivel mundial. Sin saberlo Fender crearía una gran historia con su nueva invención, consecuencia de la aparición del amplificador en el año 1935. A partir de ese momento fueron muchos los instrumentos que sufrieron alteraciones en su diseño acústico tradicional e incorporaron algún tipo de sistema eléctrico. La guitarra fue uno de los primeros en adaptarse y, a pesar de que varias marcas innovaron en esa dirección en poco tiempo, la manufactura de la primera guitarra eléctrica se le puede atribuir a la marca Rickenbacker. Los primeros músicos en adoptar este sistema para tocar fueron guitarristas de operetas y Jazz, quienes previamente no contaban con los medios para que su instrumento se escuchara dentro de las orquestas. Leo Fender diseñó la primera guitarra eléctrica sólida con mástil desmontable y pocas piezas, para que los intérpretes no tuvieran problemas al tener que cambiar piezas del instrumento gastadas o rotas por el uso. Era el nacimiento de la Fender Broadcaster, la cual tenía forma de Telecaster pero tuvo problemas con el nombre con Gretsch quien le prohibió utilizar ese nombre las guitarras de esos años son conocidas como Nocaster hasta que se inventó el nombre de Telecaster, primera de muchas guitarras eléctricas de cuerpo sólido, dando paso a una era de músicos.

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