Guitarristas y Bajistas Magazine #50

s a t s i r r a t r i a . Gu Bajistas & NOVEDADES - Página 05 ENtREViStA A ARtuRO MAwCiNitt - Página 08 lA OtRA MiRADA DE SEbAStiáN PEyCERE - Página 10 EDEN ElECtRONiCS hiStORy (PARtE i) - Página 11 COMO DESARROllAR tu CARRERA (PARtE i) - Página 12 ENtREViStA A CiRilO FERNáNDEz - Página 14 MARShAll MG102CFX - Página 16 VOy A SER bAjiStA! - Página 18 lOS AMPliFiCADORES quE uSA RESCAtE - Página 20 ENtREViStA A bARRERA y tEGA DE RESCAtE - Página 22 ENtREViStA A DANiEl PiquÊ - Página 28 CRAFtER GuitARS - Página 32 luthERÍA - El tENSOR O AlMA - Página 34 FRANk zAPPA - Página 44

SuPlEMENtO tÉCNiCO MAyCOwN REiChEMbACh - Página 35 iGOR SAAVEDRA - Página 36 DANiEl CORzO - Página 37 tiAGO DE MOuRA - Página 38 DENiSON FERNANDES - Página 39 VANDRÉ NASCiMENtO - Página 40 juAMPy juáREz - Página 41 MARCElO ROSA - Página 42

08

10

11

12

14

16

18

20

22

28

32

34

44

Editor Responsable Florencia Pérez del Valle Productor Ejecutivo Daniel Pérez Director del Suplemento Técnico Maycown Reichembach Publicidad Sergio Resar sergiog2007@hotmail.com Colaboradores Igor Saavedra Maycown Reichembach Tiago De Moura Deninson Fernandes Juampy Juárez Daniel Corzo Marcelo Rosa Vandré Nascimento

04 | Editorial

Año 10º - Nº 50 | julio 2016 Soler 4759 4º b (1425) C.A.b.A E-mail: info@guitarristasar.com

impreso en Cogtal - Rivadavia 755, C.A.b.A. todos los registros en trámite | iSSN 1850-0986 Distribución en C.A.b.A y Gran bs. As.: Vaccaro Sánchez, Moreno 794 - C.A.b.A interior del país: D.i.S.A., luis Saenz Peña 1836 - C.A.b.A

Guitarristas y bajistas.ar

nOvEDADEs FAMA MusIC Importa y distribuye: Fama Music SA http://www.famamusicgroup.com Hannabach fabrica cuerdas de la más alta calidad para los músicos más exigentes desde 1869. Hoy en día ninguna otra companía ofrece la amplia gama de estilos y tensiones que están disponibles en las distintas series de Hannabach. Hannabach ofrece la cuerda correcta para su estilo y necesidad. Hechas en Alemania utilizando la última tecnología, los materiales de mejor calidad y la vieja tradición de la familia. Una excelente combinación para lograr buena proyección y volumen.

#EnjOyMusICEvERywhERE2016 vOs y tu InstRuMEntO HOHNER lanzó un nuevo Concurso Internacional “Vos y tu instrumento” Subí una foto o un video en Instagram de vos tocando un instrumento HOHNER en una situación “cotidiana” con el hashtag #EnjoyMusicEverywhere2016 (etiquetar las fotos con playhohner o incluir @playhohner en la descripción del video), el premio es de 500 euros para las mejor foto y 500 euros para el mejor video. Cada participante puede subir una foto y/o un video, no hay límites. Habrá un ganador a la mejor foto y un ganador al mejor video. La información detallada del concurso podés encontrarla en el sitio web: enjoymusic-everywhere.com El concurso se inició el 1 de junio y finaliza el 30 de noviembre 2016.

MARCELO DEL PIAGGIO Marcelo Del Paggio nació en Lanús, Provincia de Buenos Aires, en 1978. A los 13 años ingresa al Conservatorio Municipal de Avellaneda, donde estudia Teoría del Solfeo, Audioperceptiva, contrabajo y lenguaje musical. Luego, y en forma paralela, realiza estudios de Música Clásica en el Conservatorio López Buchardo y de bajo eléctrico con Guillermo Vadalá. Egresado en 2001 como Músico Profesional especializado en la ejecución de Bajo Eléctrico en la Escuela de Música Contemporánea (donde luego se desarrollaría como docente), obtiene una beca para estudiar en el Berklee College of Music (Boston, USA), obteniendo el puntaje más alto en toda Latinoamérica.es considerado por la prensa especializada uno de los grandes bajistas y compositores argentinos. Reconocido internacionalmente, ocupa la lista de artistas de la prestigiosa empresa americana DR, junto a Sting, Marcus Miller, Richard Bona y Adam Clayton (bajista de U2) entre muchos otros artistas de verdadero renombre, en reconocimiento a su prestigiosa labor musical en la ciudad de New York. Durante su estadía en Nueva York, formó parte de la banda de Mike Stern (2000 a 2009).

Guitarristas y bajistas.ar

Novedades | 05

EXPERIEnCE tRIO El pasado 28 de Mayo fue el estreno del Experience Trio en Paseo la Plaza, más precisamente en sala Colette. El trio está formado por la eminencia del bajo eléctrico en Argentina: Gustavo Giles (La Torre, Valeria Lynch, Calamaro, etc) el prestigioso Maycown Reichembach en guitarra y Gonzo Pérez en bateria.

Con un repertorio cargado de clásicos del género como Donna Lee de Charlie Parker y temas del disco solo de Giles y Reichembach, el trio mostró una fuerza e virtuosismo de nivel internacional, terminando con el mítico tema de Billy Cobham llamado Stratus. Nos queda esta grata experiencia de un show impresionante con algunos de los mejores músicos que tiene el país, no pierdan oportunidad de volver a verlos en el ciclo de Jazz & Blues de Paseo la Plaza.

nOvEDADEs tEvELAM Nos ha llegado la noticia que la empresa Harman do Brasil, representante JBL para toda América Latina, ha entregado la distribución de la línea AudioCar JBL a nuestros amigos de Tevelam, a partir del mes de Junio del corriente año. Nos ponemos contentos y enviamos desde ya, felicitaciones y mucho éxito en la gestión a todo el staff de Tevelam.

06 | Novedades

Guitarristas y bajistas.ar

Arturo MAwcinitt

Cuéntanos como fueron tus comienzos. Alrededor de los 14 años de edad. Recuerdo a algún amigo de mi hermano mayor tocar la guitarra acústica en la sala de nuestra casa, el sonido realmente me atrapo, también pensé: ¿No puede ser difícil tocarla? Esa misma tarde, el amigo me estaba dando mi primera lección de acordes, entonces entendí que no sería fácil, además descubrí que me gustaría esa actividad como reto personal y me la tomé en serio. Cuáles eran tus influencias en aquél entonces y cuáles son las actuales? Para entonces, finales de los ‘70s, me gustaba mucho EVH, Queen, Scorpions, pero pronto descubrí como muchos en esa época a Paul Gilbert, Greg Howe, Yngwie Malmsteen, Steve Vai, Satriani, Vinnie Moore, Blues Sarraceno, etc. Me llamo en extremo la atención el rock instrumental que algunos de ellos hacían, sin idiomas de por medio ¿sabes?, solo la música entrando a tus oídos. Hoy en día sigo a muchos de antes, inclusive tomé lecciones con algunos de mis ídolos, Greg Howe y Paul Gilbert han abierto mi mente con sus consejos y elecciones musicales. Cómo es ser músico en México? Cómo es el mercado musical en tú país? Amo a mi país, pero ser músico aquí es complicado, de entrada el gobierno y las leyes te reconocen como ambulante, es decir que trabajas en las calles, no tenemos un lugar en la escala social que realmente nos represente, así que figurar aquí por tus propios méritos a veces puede ser difícil, también me gustaría que hubiera más apoyo entre los colegas, ya que además estamos divididos y no hay una fuerza con la que podamos empujar todos juntos, soy optimista, sé que eso algún día va cambiar de forma positiva. Respecto al mercado últimamente se están abriendo muchos más foros y la gente apoya más la escena musical de rock, blues, jazz o alguna fusión, eso es reconfortante para los músicos en México se ve la luz al final del camino. tienes discos grabados, puedes hablarnos de ellos? Tengo tres discos como solista ya grabados y distribuidos en las tiendas digitales para descarga o streaming, mi primer álbum se llama Mawcinitt, el segundo es The Fall of

08 | Entrevista a Arturo Mawcinitt

Arturo Mawcinitt, es un asombroso guitarrista mexicano que cuenta con 25 años de experiencia tocando la guitarra. A finales de los ‘70s, le gustaba mucho EVh, queen y Scorpions. Pronto descubrió a Gilbert, Greg howe, Malmsteen, Vai, Satriani y blues Sarraceno. Por Maycown Reichembach

Tritonia y el tercero es Mantra. En estos últimos meses me encuentro grabando el cuarto álbum, y me tiene muy emocionado ya que es un experimento muy personal, los temas estarán grabados en la afinación de Bbm. (Si bemol menor) Esto me ha llevado a encontrar nuevas formas para componer e interpretar mi música. Cuál es tu setup actual? Uso 2 marcas de guitarra que llevan mi nombre: Crown Guitars, guitarra que se construye en California USA y que está por salir al mercado, también uso una marca mexicana llamada Distorted Branch. Cargadas ambas con Seymour Duncan Parallel Axis y Psychedelic Strat Set respectivamente. Uso amplificación Mesa Boogie “Nomad” y Fender “Blues Jr.” Aunque últimamente he usado Positive Grid el cual me tiene encantado. En los pedales llevo: 805, Pickup Booster, Palladium, Vapor Trail de Seymour Duncan, afinador Tc, Wha Cry baby. tiene endorsement, cuales son y como llegaste a ellos? Estoy con : Seymour Duncan, Crown Guitars, Distorted Branch, DR Strings, George Ls cables, Templeboards, Getm Getm y Lox Lox. Empecé ya hace varios años con Seymour Duncan siempre me gusto su sonido, hasta que por un amigo Omar Najar que era distribuidor en México, tuve la oportunidad de conocer a Maricela Juarez (MJ) gerente del Custom Shop y a W.Seymour, todo esto en el NAMM Show en Anaheim, ahí empezó la historia, después con otro gran amigo Mario Nava fuimos a la fábrica en Santa Barbara C.A. Ahí MJ me ayudo a preparar un Jam de blues con el mismísimo Seymour, no lo podía creer, estaba tocando con el hombre historia en los micrófonos, tocamos un rato y después de eso ya estaba trabajando con la marca. Una marca me llevo a otra y así me fui contactando con todas. Cómo es tu relación con seymour Duncan, siendo que es una de las empresas más prestigiosas del mundo referente a los micrófonos de guitarra? Mi relación con Seymour Duncan te diría que es muy buena, al grado que ahora me hago cargo del blog y las redes sociales, me apasiona estar en esta empresa, Seymour Duncan es un buen lugar para trabajar.

Guitarristas y bajistas.ar

Podes dejarnos algún ejemplo musical de tú estilo? Me considero un guitarrista de rock-blues, aún que siempre trato de adaptarme y ponerme el traje del estilo musical que me interesa, camaleónico me describo. Aquí les dejo mi idea a cerca de los arpegios, esta es una lección que escribí para el blog oficial en español Seymour Duncan “Arpegios largos de 6ta con 9na.

Cmaj7 6/9 Empecemos por la teoría. básicamente al tener una triada elemental mayor, la cual llevaría los intervalos de 1ra 3ra 5ta (C,E,G) en un orden estrictamente numérico agregamos la 6ta que es A , la 7ma que es B después y la 9na que es D. Te invito a que pongas atención en la partitura o tablatura ya que indica que hay algunos glissandos con el dedo 4 y el 1 de la mano izquierda (vean el video en mi canal de youtube), también debes cuidar el detalle de la púa con la mano derecha y los ligados.

Guitarristas y bajistas.ar

Amin 6/9 Ahora nos toca analizar el arpegio menor (ejemplo 4), recuerda que la característica principal de un acorde menor es la 3ra b y en este ejemplo aplica la 7ma bemol y como sus extensiones extras llevará la 6ta y la 9na , así las notas quedan en este orden:A,C,E,G,F#,B.Una vez mas revisa bien los glissandos que lleva la tablatura no pierdas de vista esos detalles, como en el ejemplo anterior cuida la púa y los ligados, ya que son importantes para que los lleves a velocidades más altas.

Que consejo darías a un músico que está empezando? Yo les diría que todo es posible en esta industria musical, no hay límites en esto, uno tiene que practicar diario y nunca detener las ganas de saber cada día más, seguro eso ya lo saben todos, pero también hay que construir, fijar la mirada en el objetivo, si disparas una flecha con los ojos cerrados es seguro que fallas, pero si abres los ojos y fijas la vista… es más probable que le atines al blanco. Dejános algún consejo para los lectores de Guitarristas & Bajistas.ar Realmente les agradezco a todos ustedes, amables lectores por leernos hoy, les invito también a darle un oportunidad a los todos aquellos músicos poco conocidos que andamos alrrededor del mundo, tratando de esparcir nuestro arte por doquier, por otro lado, necesito agradecerle de corazón a Maycown Reichembach por su arte, por su inmenso interés y por la lucha constante que lleva adelante para difundir la música.

Entrevista a Arturo Mawcinitt | 09

LA otrA MirADA

El primer grupo con el que toqué, fue “Dulces 16”, una banda de rock and roll y blues, en la que tocaban 2 excelentes guitarristas Rudy Marcolongo y ”el Conejo” jolivet. Dotados de una energía increíble, tocaban de manera fluida frases al unísono, armonizadas y en formato de “pregunta y respuesta”. Una anécdota que recuerdo es que después del show que compartimos con B.B. King, vino personalmente a felicitarlos. Lito Epumer, otro de los guitarristas con quien toqué y disfruté mucho al hacerlo, una de sus características es la de ser dueño de un sonido único y personal. Sus composiciones, más allá de ser muy originales, se caracterizan por la creación y gran diversidad de climas. Incursionando en la fusión de estilos como el Jazz, Candombe, Funk, entre otros. Con él grabé 2 discos, acompañado de grandes músicos como Guillermo vadalá en el bajo y el Mono Fontana en los teclados. Con el gran Scott Henderson, compartimos una clínica en el ITMC. Aparte de su virtuosismo, me sorprendió su excelente manejo del sonido y el concepto rítmico que maneja, “Pienso como batero” decía de sí mismo. Lito compone basándose en la batería y toca como para el baterista se luzca. También conoce a la perfección todos los códigos de la fusión. Luis salinas, uno de los más reconocidos guitarrista, que toca de manera muy natural y es un virtuoso indis-

10 | la otra mirada de Sebastián Peycere

tuve la suerte a lo largo de mi carrera como baterísta profesional de tocar con grandes guitarristas y bajistas, todos tocaban diferentes estilos y con todos ellos compartí muchas experiencias que me hicieron crecer artísticamente y quisiera de algún modo contarles en esta nota algunas anécdotas. Por Sebastián Peycere

cutido del instrumento. Interpreta de todo, va desde el Jazz hasta la música popular. Con el grabé el disco “Ahí va”, ganador de un premio Gardel y en el cual pasamos por diferentes estilos y ritmos. Un muy buen amigo, Cesar silva, con el toqué en el grupo “El Ghetto”, que entre sus integrantes contaba con un gran bajista como Carlos Cicercchia. Un guitarrista sincero, que toca con el corazón y con muy buen gusto; tiene un gran manejo de las rítmicas y de los stacatos. Domina a la perfeccion los códigos de la fusión y el funky. Como si fuera poco es un excelente ingeniero de grabación y sonido. Armando Alonso, con quién tengo un trio en la actualidad. Tiene un toque jazzístico único, es un artista impresionante. Es muy divertido y realmente un privilegio tocar con él. Edelmiro Molinari, que te puedo decir de él, es un prócer del rock nacional, miembro fundador del grupo “Almendra”. Sus composiciones tienen un vuelo musical impresionante, es poseedor de una rítmica muy original, mezclada con interesantes armonías y efectos sonoros. Otro de los guitarristas con el cual toque y es René Rosano, es un guitarrista muy completo, con el cual formamos un power trio, junto al bajista norbi Cór-

doba. René me hace acordar a Jeff Beck, por su manera de tocar. Otros grandes guitarristas con los que tuve la suerte de tocar son Baltasar Comotto, Ernesto Dmitruk, Ramiro Penori, entre otros. Con respecto a los bajistas les cuento que a javier Malosetti, lo conocí como baterista, compartí muchas experiencias tanto personales como musicales. Un bajista muy versátil y virtuoso, con un gran sentido del humor, tocábamos una gran variedad de temas, cosas que iban desde el bebop hasta Jimi Hendrix. En la banda tocábamos junto al tecladista Guillermo Romero, que completaba la formación. El gran Carlos Madariaga, es con el bajista con el que toque casi toda mi vida. Tiene un sonido muy compacto; es un músico muy completo, lee impecablemente a primera vista y tiene un tempo perfecto, resumiendo, es un capo. Otro gran bajista con el que toqué es Daniel Mazza, tiene un sentido rítmico impresionante. Es un gran placer tocar con él. Otros grandes bajistas y jóvenes talentos con los que tuve el placer de tocar son Andrés Pellican, víctor sander, Marcelo torres, Guillermo vadalá y muchos más.

Guitarristas y bajistas.ar

EDEn ELEctronics

Después de un corto período de construcción inicial de equipos para sonido, la compañía fue ganando adeptos éntrelos bajistas con los gabinetes. Como el diseño de las cajas Eden eran tan sensibles, esto hizo que sean muy buscadas por los músicos. Casi al mismo tiempo, la empresa también estuvo implicada en un proyecto paralelo donde se diseñó un nuevo tipo

Guitarristas y bajistas.ar

Eden fue fundada en 1976 en Eden Prairie, Minnesota. Originalmente Eden diseñaba en especial cajas de parlantes y luego drivers cuya popularidad fue creciendo entre los ingenieros de sonido y músicos. la compañía toma su nombre de Eden Prairie, la ubicación donde se concibió la idea de la empresa. Por Gyb.ar

de caja para una compañía rival, SWR. Este diseño iba a ser llamado el gabinete Goliat. Fue tal la demanda de sus cajas para bajo que la compañía fue girando en su producción de cajas para sonido a gabinetes para cabezales de bajo.

para sus necesidades de desarrollo. Eden sigue creciendo y cada vez más popular entre la comunidad de tocar el bajo mientras que se pega a su lema de la compañía "alta fidelidad de baja frecuencia".

Eden ha sufrido muchos cambios, incluyendo el traslado de su producción desde Minnesota a Chicago cuando se convirtió en parte de los Estados Unidos Music Corporation en 2003. Este cambio también permitió a la marca para aumentar los recursos disponibles para desarrollar más productos y entrar en la producción de amplificadores y combos para los menos experimentados instrumentistas.

Para el año 2000, Eden había dado a conocer como una empresa de alta calidad, de alta fidelidad, de alta potencia, de alto precio, es decir, se había convertido en fabricante de equipos profesionales boutique. En 2001, presentó su serie Eden Nemesis de amplificadores, gabinetes, y combos a precios significativamente más bajos, menor consumo de energía y manejo de potencia inferior a los amplificadores y gabinetes WT D-series.

En diciembre de 2011, Eden dejó de pertenecer a la EE.UU. Music Corporation y se convirtió en parte de la familia Marshall Amplification. A raíz de este movimiento Eden se volvió mucho más popular y está ampliamente disponible en todo el mundo, debido principalmente a su red de distribuidores. Además, Eden ahora opera a nivel mundial, con oficinas en Chicago y en el Reino Unido en la sede de Marshall. Consecuentemente, la compañía creció y formó sus propias instalaciones de investigación y desarrollo, así como también volvió a contratar al fundador de la compañía como consultor

Esto trajo que cualquiera pudiera llegar a tener el “sonido Eden” dado que entraba en el rango del presupuesto de muchos guerreros de fin de semana y semiprofesionales. Hasta la introducción de la línea de Nemesis, todos los amplificadores y gabinetes Eden se hacían en los EE.UU. La línea de Némesis fue fabricada en China para David Nordschow (Fundador del Eden) con especificaciones de diseño y estándares de calidad. Se continuó con la tradición Edén, de una sola pieza el chasis de aluminio, para una mayor durabilidad y resistencia.

Eden Electronics history (Parte i) | 11

coMo DEsArroLLAr unA cArrErA MusicAL (pArtE i) sable con los horarios, hablar mínimo dos idiomas. Son cosas muy importantes para el profesional de la actualidad, serán cuestiones elementales si el músico desea llevar una carrera estable. Por ejemplo les cuento que en los años ‘80s, uno de los guitarristas de sesiones más famosos era Steve Lukater, él realmente grababa todas las guitarras de todos los discos, lo que muchos no saben es que Lukater también grabada los teclados de varios discos, lo que hacía que su presencia sea fundamental en las sesiones ya que además de tener el sonido demoledor, podían contar con sus dotes en la teclas, sin contar del sonido y arreglos que podía brindar. Eso le daba una ventaja sobre los demás.

Como desarrollarme como un músico profesional... ¿Ya se hicieron la pregunta una vez? Cualquier músico que desea vivir intensamente la música, todas las horas de su vida, tiene que tener en claro que hay que estar preparado. Algunos músicos nacemos con el don o mejor dicho, con

la facilidad, a veces técnica u otras simplemente auditiva, que es solamente el 0,001% de lo tendrás que aprender. Por eso cuanto mejor un músico esté preparado, más posibilidades tendrá de ser un profesional de éxito. Está de más decir que es obligación tocar una infinidad de estilos, leer partituras, tener buen equipamiento, ser respon-

En lo personal puedo contar que el saber escribir para instrumentos de orquesta fue un punto decisivo en mi carrera, tener la posibilidad de trabajar con orquestas y posteriormente armar la Quantum Orchestra donde pude mezclar la guitarra u otros estilos a una orquesta convencional. Sacando una conclusión como para cerrar esta primer parte de la nota: hay que tener la cabeza abierta y saber que siempre se puede aprender y como músicos tenemos la obligación de hacerlo, si es que queremos tener una carrera profesional exitosa. Por Maycown Reichembach

foto: ainara murphy

ciriLo FErnánDEz

Nacido en berna, Suiza, de padres argentinos. Vivió allí hasta los 8, luego se instalo en Argentina. Sus primeros recuerdos musicales se remiten a su padre tocando standards en el piano, y de vez en cuando, en reuniones, cantando temas de Creedence y los beatles con su madre a dos voces. Por Sergio Resar

Qué música se escuchaba en tu casa? Un poco de todo, música clásica, rock inglés, country, música brasileña… pero sobre todo música negra: jazz, funk y soul. Cuándo decidiste empezar a estudiar música y qué instrumento elegiste?

Empecé clases de piano de muy chico, pero recién comencé a entusiasmarme a los 12-13 años, cuando empezaba a componer mis propios temas y a armar mis primeras bandas de garage con mi hermano Santiago. Es ahí también que agarre la guitarra eléctrica y el bajo por primera vez.

tero de Maceo Parker), Chad Smith (batero de los Red Hot chili Peppers), Bob Moses, Medeski Martin and Wood, Seiji Ozawa, John Williams. Compartir clases y grupos con John Mayer, Miguel Zenon, Hiromi, Avishai Cohen, Antonio Sánchez, Jaleel Shaw, Lionel Loueke, Janek Gwizdala y muchos otros. Al ser estudiantes teníamos acceso gratuito al Symphony Hall, al

Cómo fue que llegaste a estudiar en Berklee? Al terminar el secundario, me quede dirigiendo y componiendo para la comedia musical del colegio, a la par de las clases de piano que tomaba con Santiago Giacobbe. Ahí fue que me puede comprar una porta-estudio Tascam de 4 canales, y empecé a producir y grabar mis propios temas en casa. Ante el inminente fracaso de mi carrera como diseñador gráfico, gracias a mi viejo, tuve la posibilidad de ir para allá. Entre que años fue esa etapa? Desde 1996 al 2001.

14 | Entrevista a Cirilo Fernández

supongo que en Boston habrás conocido infinidades de músicos y habrás asistido a clínicas, por ejemplo de quiénes? Si, de todo, clínicas desde María Schneider y Alf Clausen (compositor de los Simpsons) a Jonatahan Davis (cantante de Korn) pasando por Kenwood Denard (ba-

foto: david lescano

foto: david lescano

Qué títulos obtuviste de esa experiencia? Una doble licenciatura en Film Scoring (música de películas) y Jazz Composition (orientada al Jazz).

Guitarristas y bajistas.ar

Museum of fine arts y convenios con los conservatorios de New England y Boston Conservatory, teniendo la posibilidad de ver espectáculos de toda índole. Cómo conociste a nicolás sorín? Con Nico nos conocimos en Berklee, tocando punk en los dorms en el ’97. Qué hiciste cuando volviste a nuestro país? Arme el trío con Mariano Sivori y Pipi Piazzolla y empezamos a tocar mi música en los clubes de jazz bonaerenses. Hicimos un disco llamado “Triathlon” con BAU Records. Simultáneamente nació la banda Elbou con Nico Sorin y Achi Rosenbaum, donde pude empezar a desarrollar mi rol de bajista punk. Grabamos un solo disco llamado “Flan”. Cómo nació Fernández 4? Grupo que lideras y tocas el piano Fernández 4 fue un crossover que se dio de manera natural una noche que lo invite a Nico a zapar arriba de unos temas del trío, cantando con una caja de efectos y un I-pad. A partir de ahí empecé a escribir para este formato. Hicimos un disco “No Fear” que fue nominado para los premios Gardel 2015 como mejor álbum de jazz. Luego se sumó Sebastián Lans en guitarra para completar el mapa sonoro que pide la nueva música que estamos haciendo. Pronto grabaremos nuestro segundo disco. Contanos cómo es tocar jazz en Argentina y no morir en el intento? Supongo que es igual que en todos lados del mundo.

Aunque no sea tan abundante como el del rock, siempre hay un público para el jazz. Actualmente la escena del jazz argentina está llena de nuevos proyectos y propuestas interesantes que enriquecen y nutren la movida, que en mi opinión crece año a año. Hay festivales en todas las grandes ciudades que convocan, hay un circuito que funciona. Qué música estás escuchando actualmente? Algunas cosas que escucho actualmente son Knower, Hiatus Kaiyote, Kneebody, James Blake, Louis Cole, Robert Glasper, Mutemath, Kendrick Lamar, Thundercat… Soy muy fan de la banda de los amigos Huevo! Cómo y cuándo empezaste a tocar el bajo? Fue en mi primera banda de garage llamada “Gracias” a los 16 años, en ese momento queríamos sonar como los Chili Peppers, Primus y Mr. Bungle. Me acuerdo de ponerme a sacar las líneas de bajo de Flea y de los Headhunters. Cuándo y con quiénes empieza Octafonic? Octafonic nace en 2013 como una banda alternativa accidental al Sorín Octeto. Empieza como un experimento con una serie de formaciones e integrantes que finalmente quedó conformada por: Leo Costa (teclas), Mariano “El Tano” Bonadío (Percu & Electrónica), Hernán Rupolo (Guitarras), Juan Manuel “Truli” Alfaro (Saxo Tenor), Leo Paganini (Saxo Tenor), Fran Huici (Saxo Barítono), Chino Piazza (Bata), Nico Sorín (Voces, Teclados) a la cabeza y yo en el bajo. En qué festivales estuvieron tocando con esta

banda durante el 2015 y 2016 y cómo fue esa experiencia? Tocamos en varias sedes, presentando “Monster”. Festivales y escenarios grandes como el Luna Park, abriendo para Faith no more, el escenario principal del Cosquín Rock, Festival Rock Emergente de la ciudad de Buenos Aires, La Trastienda, Niceto, Teatro municipal de Bahía Blanca, Quality Espacio en Córdoba, Sala Lavarden en Rosario etc. Increíbles experiencias, tocar en escenarios grandes, ver como el público se fue agrandando, y como la banda fue creciendo musical y profesionalmente. Que setup usás con Octafonic? Como mi función, en el “espeso” entramado sónico de la banda, es casi la de un sublow, mantengo un seteo bastante simple para no competir con los teclados. Uso un Cabezal GK400RB y una caja GK412 Neo (4x12), un pedal SansAmp y el OC2 de Boss (el de 3 perillas!!). Bajos: Music Man Stingray de 5 y un Fender P-Bass. Además de las dos bandas nombradas anteriormente, dónde más tocás? Soy el pianista de la Boris Big Band, también toco con P8h2o y una nueva banda de R&B llamada Madslap. Cuáles son los futuros proyectos de Cirilo y de Octafonic? Nuestro proyecto inmediato es grabar el segundo disco de Fernández 4 en junio para sacarlo antes de fin de año, y con Octafonic presentar “Minibuda”, a partir de agosto, con todo!.

foto: lets risk it

Guitarristas y bajistas.ar

Entrevista a Cirilo Fernández | 15

MArshALL MG102cFX

La innovación, la funcionalidad, el sonido, son sólo unas pocas palabras que ayudan a resumir la nueva gama de amplificadores de estado sólido MG de Marshall. La combinación de años de experiencia en la amplificación analógica a la tecnología digital de última generación se ha traducido en la

El Marshall MG102CFX ofrece puro sonido analógico de Marshall. Con un diseño totalmente nuevo y el diferente enfoque interno, la nueva serie MG ofrece funciones digitales esenciales, pero con gran tono analógico programable. Por Gyb.ar

creación de una serie de amplificadores que lo abarca todo, ideal para el principiante y dando conciertos profesionales por igual. El MG102CFX es un combo que tiene dos parlantes de 12" y es de 100 watts y esto significa que 'se mueve más aire', por lo que es mayor la resonancia del amplificador.

Y debido a su gabinete más grande, que tiene una respuesta de frecuencia ligeramente más baja, produciendo extremo inferior más grave. Tiene cuatro canales: Clean, Crunch, OD1 y OD2, impulsados por el famoso circuitos tonal Marshall® de estado sólido, y cuenta con nuestra tecnología (FDD) la innovadora amortiguación del parlante. El MG102CFX también cuenta con una impresionante selección de efectos digitales. Además del Chorus, Phaser, Flanger y Octave (fijo), que tiene un efecto Vibe, dos tipos de reverberación, delay y una sección independiente que consta de: Hi-Fi, de cinta, de múltiples delays y revertir. Esta increíble selección de FX, junto con el cambio de canal, se puede cambiar a través del uso de nuestra tecnología de conmutación de pedal Stompware revolucionaria, desarrollada originalmente para los amplificadores de la serie JVM. EsPECIFICACIOnEs Salida (RMS): 100W Parlantes: 2x12 pulgadas 4 Canales (almacenables) Efectos Digitales Reverberación Digital Entrada de MP3 Salida de Auriculares Emulada Loop Externo de FX Pedal compatible MG

16 | Marshall MG102CFX

Guitarristas y bajistas.ar

voy A sEr bAjistA! Yo iba a una escuela que a la tarde era conservatorio de música (Juan Pedro Esnaola o Juan Pedro Fasola) la de Los Piojos, que también estaban ahí... pero eso es parte de otra historia. En fin... Éramos algunos bajistas afortunadamente en la escuela, así que ni bien alguno conseguía la Bass Player, la pasábamos como si fuera el santo grial. Recuerden que no había internet. Había, eso sí, mucho ida y vuelta de libros y métodos fotocopiados y si tenias plata podías comprarte discos y los mismos métodos pero originales. Me acuerdo que prácticamente la mirábamos (una y otra vez), más que leerla, con el poco inglés que teníamos es como que construíamos o interpretábamos los artículos entre todos, grupalmente, muchas veces se llegaba a conclusiones rarísimas, seguramente algo alejadas del verdadero propósito de la nota, pero aún así de alguna forma sirvió. Sirve siempre sentirse parte de algo, compartir inquietudes e intereses en común. Sobre todo cuando sos chico, reafirma tu elección “voy a ser bajista”... “voy a ser músico”. Cuando leés y mirás: te fijás que tan alto o bajo se pone la correa aquel bajista que te copa (o directamente toca sentado (Joe Osborn, Anthony Jackson ), cotejas si todos ponen los cuatro deditos de la mano izquierda en la misma línea (y los que tocan con tres! socorro!) que amp usan, como conectan y ordenan los pedales, o si directamente no los usan, tensión alta o

18 | Voy a ser bajista!

lo primero que me acordé cuando, los responsables de la revista me preguntaron si me gustaría la idea de compartir algunos pensamientos, opiniones y vivencias con ustedes, fue el impacto de aquellas primeras bass Players compradas con tanto esfuerzo en la época del secundario. Por Mariano Sívori

baja, como pone el pulgar cuando toca slap (alineado a las cuerdas o usando el índice como eje), toca tapping? 0.45 o 0.40? Qué opinión tiene de aquel bajista o músico. Que música lo inspira?. Recuerdo la controversia que generó cuando leímos (digo leímos, porque era como una causa común) que Marcus Miller decía: “Patitucci is terrific”, pensamos que era “terrorífico” y se armó una especie de grieta: Los que estaban con Marcus o con Patitucci. Por supuesto, todo era un malentendido, pero esas discusiones nos obligaban a escuchar más detenidamente, a conocer todo lo que habían grabado con este o aquel, o mejor aún: a sacar alguna línea de bajo de alguno de los dos ñatos para reafirmarnos en nuestra “elección”. Cuando cumplí 14 o 15 años, mis amigos (colegas bajistas de la escuela) me regalaron la Bass Player que estaba Muzz Skillings de Living Colour en la tapa. Mi profesora de Lenguaje Musical (que era buenísima como docente, ojo! Y aprendí un montón de ella) me dijo: “Porque tiene esa cara?” o “Todos aparecen como drogados” (jajajajaja!). En aquel momento sentí algo que por esa época era muy intuitivo, después con el tiempo y la experiencia se vuelve más pensado: Ser receptivo con las opiniones, pero ser perseverante con tus elecciones, muchas veces la gente a tu alrededor puede no entender del todo en lo que estás, y aún con amor en sus declara-

ciones pueden poner el foco en lo accesorio. En aquel momento pensaba que el que no tocaba como Jaco era malísimo, tiempo después aprendí que la simplicidad y elegancia de una buena línea de bajo en el pop o en el rock, es tan compleja como un solo al palo. Ya estoy grande para que alguien se atreva a decirme que lo que leo tiene la foto de un desquiciado o un nabo, con el tiempo también aprendí un poco de inglés y ya no pifio tanto en mis conclusiones. De todas formas, creo que lo que me mantiene vivo y con ganas haciendo lo hago: ensayando, estudiando, tocando en vivo y grabando, es ese impulso y ese calor que “encontré” cuando tenía 14 o 15 años leyendo o mirando las revistas, visualizando lo que quería hacer con mi vida. Mariano sivori Bio Bajista, contrabajista y compositor. Toca en Escalandrum, Fernández 4, Lucio Balduini Cuarteto, Boris Big Band, Ensamble Real Book Argentina y Mariano Sivori sexteto. Tocó y/o grabó con Paquito Rivera, Susana Rinaldi, Ute Lemper, Joe Garzone, Guillermo Klein, Nicolás Sorin, Esteban Sehinkman, Ricardo Nolé, Ligia Piro, Juan Cruz de Urquiza, Ernesto Snajer, Mariano Loiacono, Pablo Rodriguez, Manolo Juarez, Carlos Michelini, Delfina Oliver, Diego Schissi, Gustavo Bergali. Contactos por mail a marianbass@gmail.com

Guitarristas y bajistas.ar

Los AMpLiFicADorEs quE usA rEscAtE Canales Fet & Tube Ecualización Bass & Treble shelving controls Hi & Lo Para Mid, and 6 Band Graphic EQ Master Presence Control Active Power Stage Feedback Control Preamp Valvulas 3x ECC83, 1x 12BH7 Output Valvulas 8x KT88 Clase Class A/B Link Jack (Line Level Slave) Line In Power amp in Footswitch FS5 (incluido) Speaker connections 3x Speakons FX Loops Impedancia 2, 4, and 8 ohms Compresor Single Control for threshold & range with auto level adjust (footswitchable) LIOnhEARt 50 ALL tuBE 50wt Laney, la marca de amplificación por excelencia del Reino Unido, se enorgullece en presentar la nueva adición al mundo de la aclamada gama LIONHEART. El L50H es un amplificador sencillo de 50W pero totalmente a válvulas. Las válvulas de preamplificador son 3 ECC83 / 12AX7. Válvulas de salida 5 x válvulas de potencia EL34. La construcción del contrachapado de abedul para una calidad de sonido óptima y resistente a la hora de girar. El L50H cuenta con una lógica bien distribuida, el diseño del pre amplificador con estilo limpio. Y con un diseño de doble canal con volumen independiente para cada uno, un ecualizador de tres bandas pasiva compartida, Ecualización pasiva de graves, medios y agudos.

nEXus ALL tuBE 400w Fundada en septiembre de 1967 por Lyndon Laney, esta famosa marca empezó con amplificadores de guitarra, y aún a pesar de que estos son fabricados, no ha habido desde hace algún tiempo una gama completa de amplificación para bajo y cajas. Hay dos series que se ofrecen. La primera es la gama compacta de Richter, que son combinaciones con varias configuraciones de amplificador y parlantes. Y la otra es la gama más potente Nexus, que aparece como un amp de válvulas de 400W con tres configuraciones de cajas: la NX115 de 15 pulgadas, el NX410 (4x10) y el NX810 (8x10). El Nexus Tube 400 está en rack en un muy resistente, carcasa de tela, forrado de tela vinílica, esquinas de metal y dos manijas grandes empotradas en los dos bordes superiores. Y en casi 35kg estos puntos de control son sin duda necesarios. Cuatro patas de goma de alta resistencia permiten que se asiente con firmeza y seguridad en la parte superior de cualquier caja. Este cabezal tiene una sección muy amplia de ecualización, comenzando con los controles básicos de graves y agudos que ofrecen 12 dB y 15 dB de corte o incremento, a 50 Hz y 5 kHz respectivamente. El Lo Mid y Hi mediano controla el barrido de 100 Hz a 1 kHz y 400 Hz a 4 kHz, y cada uno se corta o incrementa a 12 dB. Cerca del centro del frente se encuentra un ecualizador gráfico de seis bandas con ± 15 dB en las frecuencias elegidas

20 | los amplificadores que usa Rescate

de 40 Hz, 80 Hz, 160 Hz, 750 Hz y 330Hz, así como 3 kHz, y esto se puede cambiar dentro y fuera a través de un botón o con el footswitch. CARACtERIstICAs Potencia 400 Watts Entrada 1x Jack (with 10db Pad switch)

CARACtERIstICAs Potencia 50W Entradas Hi & Low gain inputs EQ Passive Bass, Middle and Treble. Tone Boost & Cut Active on top end of signal Preamp Valvulas 3 ECC83/12AX7 Output Valvulas 5 x EL34 power tubes Clase Pure Single ended Class A valve tone Speaker connections 8/16 Ohms socket with switch FX Loops

Guitarristas y bajistas.ar

Dos AL rEscAtE

Cuentenme de su infancia Marcelo Barrera: Crecí en una familia aficionada a la música. Mi viejo cuando era joven tocaba la quena y compuso muchas canciones folklóricas, y mi mamá de chica estudió piano, así que mis primeros acordes de guitarra me los enseñaron ellos. Durante la escuela secundaria nos juntamos con algunos amigos para hacer una banda (quién no lo ha hecho...?) y comencé a estudiar guitarra a los 16 años, al tiempo mis amigos dejaron la música pero yo seguí. Qué música se escuchaba en sus casas? Marcelo Barrera: Mi papá fue (y sigue siendo) un amante del folklore argentino y también conocedor del tango. Mi mamá igual, pero también tenía su lado romántico (Roberto Carlos, Julio Iglesias, Nicola Di Bari, etc.). No obstante el primer disco interesante que encontré en mi casa fue With The Beatles (long play vinilo) que tiene temas como It Would Be Long, Little Child, All My Loving, canciones que me marcaron. Marcelo tega: Se escuchaba de todo, pero principalmente tango y folcklore. Como a los 12 vinieron The Beatles, Kiss y Queen, a los 14 vi a Queen en vivo en Rosario, ese show me marco para toda la vida porque ese mismo día decidí ser músico.

Rescate es una banda argentina de rock cristiano que se formó en el año 1987 en la ciudad de San Nicolás, buenos Aires. han sabido ganarse la fama y el reconocimiento nacional. Es considera como la primera banda de rock evangélico de la Argentina. El guitarrista Marcelo barrera junto al bajista Marcelo tega, nos cuentan su historia. Por Sergio Resar

Por qué eligieron un instrumento como la guitarra y el bajo respectivamente? MB: En realidad en principio yo había elegido la batería, pero en su momento mis viejos no me la pudieron comprar. Cuando me junté con mis amigos de la secundaria a armar la banda ya había uno que tenía batería, así que yo me pasé a la guitarra. Cuando empecé a estudiar recuerdo que era muy fan de Ace Frehley (Kiss) así que me encerraba a escuchar los discos en mi pieza para sacar todos sus solos, y también temas de Purple, Iron Maiden y Van Halen... a esa altura ya me había convencido de que había elegido el instrumento indicado. Mt: Me compre un bajo casi de casualidad, pero tener ese instrumento me llevo a escucharlo en las canciones, ahí descubrí a Pedro Aznar, y desde entonces amé mi instrumento. Con quiénes estudiaron? MB: Los tres o cuatro primeros años tomé clases con profesores particulares. Al terminar la secundaria ingresé a la Escuela de Música de la U.N.R. y allí estudié 5 años, donde aprendí a leer una partitura, audioperceptiva, etc. Lo demás fue, y es, un aprendizaje constante mezcla de escuchar diferentes esti-

22 | Entrevista a Marcelo barrera y Marcelo tega de Rescate

los de música en guitarra, ir a ver conciertos, asistir a clínicas, buscar material por internet (cosa que en mis comienzos no existía), y pasar tiempo diario con la guitarra. Mt: Estudié en la carrera de contrabajo en la Universidad Nacional de Rosario, pero no legue a recibirme, BAJO estudié con Carlos Belloso Colombres, Cesar Franov y Carlos Madariaga. Cómo se conocieron? MB: Conocí a Marcelo (Tega) en la Escuela de Música, nos presentó un guitarrista amigo que tenemos en común. Ya nos conocíamos por nombre y referencias en el ambiente musical de Rosario. Poco tiempo después Marcelo (Tega) me invitó a grabar las guitarras en un disco de Rescate, dado que el guitarrista (Walter Albornoz) había dejado la banda. Así que grabé las guitarras de "El Pelo en la Leche", un disco de Rescate del año 1997, ese fue mi comienzo con la banda. Mt: Antes de entrar en Rescate tocaba en otras bandas y nos cruzamos unas cuantas veces hasta hacernos amigos, al poco tiempo entre en Rescate. Cómo y cuándo se formó Rescate? Mt: Se formó a fines de los ´80s con un grupo de

Guitarristas y bajistas.ar

amigos, que tenía la necesidad de compartir sus vivencias usando la música como medio. MB: Rescate se formó en San Nicolás (BA) con músicos en su mayoría de esa ciudad y algunos otros de Rosario. La banda tuvo muchas formaciones (siete, ocho y hasta nueve integrantes). Yo comencé a tocar como músico invitado en 1997 (como miembro estable desde 2002) luego de grabar un disco, en ese momento la banda tenía guitarra, batería, bajo, teclados, percusión y set de vientos. Si bien el estilo tuvo siempre como común denominador el rock/pop nunca hubo prejuicios para abordar otros colores musicales como el ska, reggae, country o rock latino. Qué otras bandas integraron o con qué otros músicos tocaron? MB: Salem (metal) 1986-1989 y Eternam (hard rock) 1992-1994, estas bandas de la escena de rock under de Rosario. Kerigma (fusión instrumental) 1990-2001. Con Kerigma grabamos tres discos de manera independiente, uno de ellos ("Gracia") en el año 1994 en Los Ángeles (USA) co-producido por el percusionista Alex Acuña. Al año siguiente el disco fue presentado en Rosario con Alex Acuña como invitado. Mt: Toque con solistas del folclore Carlos Pino y Raúl Manfredini. En la universidad toque mucho tiempo con una Big Band de Jazz, y junto a varios tríos y cuartetos de Jazz. También toque con los solistas Fabián Gallardo y Fabián Zacnun. En qué año grabaron su primer disco con la banda y cómo se llamó? MB: El primer disco de Rescate salió en versión cassette, pero en ese momento yo no formaba parte de la banda. MT: El primer disco que grabe con Rescate se llamaba “Puentes para madurar”, a principios de los ´90s. Qué recuerdan de esa grabación? Mt: Lo grabamos en ION, y los horarios de grabación comenzaban a las 12 de la noche hasta las 6 de la mañana. Después siguieron otros, cuáles y en qué años? se acuerdan con qué productores? MB: Puentes para madurar (1992) producido por Rescate. Ninguna religión (Remix, 1994) producido por Rescate. El Ppelo en la leche (1997) producido por Rescate, No es cuestión de suerte (2000) producido por Rescate, Quitamancha (2002) producido por

Guitarristas y bajistas.ar

Juan Blas Caballero, Una raza contra el viento (en vivo, 2004) producido por Juan Blas Caballero, Buscando lío (2007) producido por Juan Blas Caballero, Arriba! (2010) producido por Tweety González, Indudablemente (2014) producido por Alejandro Vázquez. Por qué Rock Cristiano? MB: Particularmente me considero un músico. Ni siquiera exclusivamente de rock porque no me gusta la idea de encasillarme en algo. Con la banda coincide que todos tenemos una misma fe y un mismo conocimiento de Jesús, por lo tanto es un poco inevitable que eso no se evidencie en nuestras canciones. Creo que la expresión "Rock Cristiano" responde más a una ligera clasificación de estilo musical que no es tal, porque si en una banda todos son peronistas debiéramos entonces decir que hacen "Rock Justicialista", o si todos son de Boca entonces es una banda de "Rock Bostero"... por favor. La verdad es que somos una banda de rock que, como todos, tenemos algo para decir. Mt: Somos cristianos y músicos que tocamos en una banda de Rock, nuestras canciones hablan de

esa relación con Dios, historias de nuestras vivencias y también de otros de otros. y qué músicos los influenciaron? Mt: Mi mayor referente siempre fue Jaco Pastorius, pero admiro a muchos más, el maestro Abraham Laboriel, Victor Wooten, Marcus Miller y tantos… de Argentina sin dudas Guillermo Vadalá, Pedro Aznar y

Entrevista a Marcelo barrera y Marcelo tega de Rescate | 23

dard 2001 y una Fender Stratocaster 1979. Trabajo con amps Laney desde el 2006. Actualmente uso un Lionheart L50H con una caja LT212. Mt: Uso bajos Soame y amps Laney Nexus Tube.

muchos otros a quienes admiro, respeto y disfruto de su música. MB: En el rock, aparte de los que te nombré anteriormente, me gustan Marty Friedman, Jason Backer, Steve Morse, Michael Lee Firkins. En el blues Stevie Ray Vaughan. En la música country me encantan Albert Lee, Jerry Donahue, Johnny Hiland, Jimmy Bryant, Merle Travis. En guitarra acústica Tommy Emmanuel y Doyle Dykes. Guitarristas argentinos: Luis Salinas y Juanjo Domínguez.

Qué influencias tuvieron para elegir el rock como tipo de música para tocar? Mt: Elegimos el rock por su espíritu revolucionario, entendemos que hoy en día hablar de Jesús es revolucionario, puesto que la sociedad desde hace tiempo le da la espalda a Dios. Cuáles son los instrumentos y amplificadores que utilizan en este momento? MB: En vivo uso una guitarra Gibson Les Paul Stan-

26 | Entrevista a Marcelo barrera y Marcelo tega de Rescate

Por qué eligieron estos productos? MB: En mis comienzos recuerdo haber pasado muchas horas probando pedales, escuchando efectos nuevos, buscando el color de distorsión indicado, etc... Pero luego me convencí de que el mejor audio es el que no modifica sustancialmente el sonido original de una guitarra. Con los amplificadores Laney pude encontrar esa autenticidad, uno conecta el instrumento y no tiene que mover mucho las perillas para que el audio sea bueno. En general son amplificadores muy fieles, de hecho uso muy pocos pedales (OCD de Fulltone, Box of Rock de ZVEX, Delay Line 6 y un Wah Jim Dunlop 535Q). Si uno cuenta con una buena guitarra y un buen amp debe procurar que los pedales que se agreguen no "arruinen" la buena guitarra y el buen amp. Mt: Los bajos Soame están hechos a pedido, eso me dio la posibilidad de construir los bajos que necesito para cada estilo de la manera que yo quiera en maderas, mics clavijas etc., ya sea en vivo o en el estudio. Los amplificadores LANEY responden de manera excelente a mis requerimientos de audio, por su particular sonido BRIT tan buscado por las bandas de Rock de hoy día. han girado por todo el país y también por Latinoamérica, qué rescatan de esas giras? Mt: En muchos de esos países hemos tocado no solo en las capitales sino también por el interior de México, Colombia, Guatemala, Venezuela y esa posibilidad de relacionarnos con gente del interior de

Guitarristas y bajistas.ar

cada país te hace crecer como músico y como persona. Girar es una experiencia que te llena al alma. MB: Excepto Brasil en casi toda Sudamérica, Centroamérica, Puerto Rico, México y Estados Unidos. Hemos estado también en Alemania, Suiza, España, Italia, Holanda, Bélgica, Eslovaquia, Inglaterra e Irlanda del Norte. han tocado en grandes festivales en nuestro país, en cuáles? Mt: Hemos tocado en casi todos los de rock Quilmes, Pepsi, Cosquín, Baradero, y seguro me olvido de unos cuantos. MB: El primero fue el Quilmes Rock 2004 que se hizo en cancha de Ferro, ese año también tocamos en San Pedro Rock. Después en los Pepsi Music 2005 y 2006, en el Gesell Rock 2006, y otros más. Fuera del país también participamos en festivales como el Pohoda Festival (Eslovaquia 2004), Rock in the Ruins (Alemania 2004), Rock on the Rock (Italia 2004), Flevo Festival (Holanda 2004), Big Boss Festival (Suiza 2004 y 2005), Freakstock (Alemania 2004 y 2005) y Vive Latino 2009 en México DF. hay un tema del último disco que fue parte de la banda de sonido de una película, cuál y por qué? MB: La canción se llama "El Veneno" y es la banda sonora de la película "El Otro (No todo es lo que ves)" La letra expone un poco nuestras luchas interiores entre lo que sabemos que es correcto hacer y lo difícil que es ponerlo por obra a causa de nuestro egoísmo. Al parecer los productores encontraron en la canción algunos puntos en común con ciertos personajes y situaciones que se dan en la película, que fue emitida en formato miniserie por TV Pública el año pasado y está muy bien lograda. Mt: Tenemos una relación con los productores de la película y se habló de la posibilidad de meter algunas canciones en la peli, cuando comenzamos a conocer de que se trataba parecía que lo habíamos hecho a pedido para la película. Cuentenos como vivieron cada uno de ustedes como fue tocar con una orquesta sinfónica? MB: Fue todo una experiencia nueva porque no es fácil amalgamar una banda de rock con una orquesta sinfónica. Tuvimos que tocar con una mínima amplificación (solamente las guitarras eléctricas fueron amplificadas) y obviamente sin monitores de piso, esto sumado a que hubo que usar también un mí-

nimo volumen para empatar la banda con los instrumentos de la orquesta. También los temas fueron reversionados para dar lugar a intros instrumentales, arreglos y en otros casos a partes de sólo orquesta (sin el cuarteto de rock). Mt: Como te conté antes a pesar de mi presente rockero, tuve una formación clásica, así que tocar con la orquesta era uno de mis sueños desde hacía mucho tiempo. Quiénes son los integrantes actuales de la banda y qué instrumentos tocan? Mt: Ulises Eyherabide toca la guitarra y esta a cargo de la voz de la banda, Marcelo Barrera en guitarra, Sergio Ramos en batería y yo en el bajo.

Diciembre 2015 en el CCK de Buenos Aires. A fines de Junio participaremos en Explo Music Fest 2016 (un festival en Guatemala, capital), en Julio tocaremos en Rosario (Santa Fe) y en Santiago de Chile (cap.) y a fines de Agosto en un festival en la ciudad de Mendoza. En lo particular vengo trabajando hace algunos años en producciones de Marcelo (Tega) para otros artistas, como músico sesionista, y también tengo mis alumnos de guitarra. De vez en cuando también me junto con amigos para tocar covers de guitarristas que me gustan, uno siempre necesita un cable a tierra.

Cuáles son los proyectos individuales y de la banda a futuro? Mt: Estamos terminando de mezclar el DVD del concierto sinfónico, lo que traerá otras presentaciones con ese formato, continuar con la gira de “Indudablemente” y algunas sorpresas para el año próximo. En lo personal estoy terminando un disco solista, que Dios mediante saldrá a fin de año. MB: Como dice Marcelo, estamos actualmente trabajando en la compaginación de imágenes en lo que será un DVD del concierto sinfónico que hicimos en

Guitarristas y bajistas.ar

Entrevista a Marcelo barrera y Marcelo tega de Rescate | 27

DAniEL piquE

Contanos como fue el inicio de tu carrera musical Fue en una de estas búsqueda de vinilos que cayó en mis manos el álbum 'Rising Force' de Yngwie Malmsteen. La tapa del álbum está llena de colores, con una ilustración de un dragón, por lo que era muy interesante para un niño como yo. A partir de ahí, entendí lo que era tocar la guitarra, y estaba obsesionado en hacerlo. Comencé a tomar clases, y nunca paré. Ahora, mi carrera, comenzó cuando decidí Licenciarme en producción fonográfica (Ingeniería de sonido) y realicé mis primeras canciones. Tenía 18 años, pero rapidamente se ganó el Top Ten MySpace Brasil 1 (algunos sub-generos del instrumental), firme con un sello discográfico italiano y así fue...

tuvo contacto con la música muy temprano. A pesar de no tener profesionales de la música en su familia, en su casa siempre habia guitarras acústicas, piano y un montón de discos. Sus padres tuvieron un gusto musical muy diverso. A su madre le gustada ivan lins, Elton john, música clásica y jazz. A su padre era aficionado a la MPb (Música Popular brasileña), Pink Floyd y Van halen. Por Maycown Reichembach

como en otros países. Mi busqueda por el camino de la innovación y creatividad, de manera original, me llevó rapidamente a ser referencia, por lo menos en América del Sur. Creo que fue justamente por tratar de compartir, de forma original, mis experiencias con diferentes culturas alrededor del mundo. He encontrado mi identidad musical desde muy joven, eso ha abierto muchas puertas para mí. Creo que cada músico que este dispuesto a entender cómo se maneja el negocio de la música, va a terminar construyendo una sólida carrera musical, independientemente del país o estilo. Aprendí muchas cosas de los señores de trajes y corbatas, jaja!

Cuáles eran tus influencias y tus objetivos en aquel momento? Sin duda fueron mis amigos de la escuela secundaria quienes me motivaron para que haga las cosas muy bien. En Brasil siempre hubo esta cultura de excelencia entre los jóvenes, una especie de competencia sana. Ahora, obviamente, Yngwie Malmsteen y Van Halen fueron muy importantes en mi iniciación, para desarrollarme tecnicamente. Pronto conocí a Jeff Beck, quien mucho me ha cambiado la forma de escuchar y producir música. Hasta hoy, es uno de mis más grandes mentores.

Cuando grabaste tu primer disco? El disco 'BOO!' fue grabado entre los años 2008 y 2009. Yo tenía 18 años de edad, recién empezaba en la universidad. Fue una tremenda y genial experiencia, no sólo por trabajar con algunos de los grandes maestros de la música instrumental, sino también por la muerte de mi padre que sucedió durante la producción (del álbum). Hoy veo este disco como un gran regalo de Dios, y todo un éxito de este proyecto llegó a tener un gusto diferente a mí. No puedo creerlo que las personas lo comenten hasta hoy, me da una sensación de haber dejado un legado a la música instrumental: una sensación de misión cumplida.

Como fue desarrollar una carrera en Brasil? Nunca quise poner límites geográficos, así que el reconocimiento en Brasil ocurría simultáneamente

Como conociste a Billy sheehan y como fue la participación en tu disco? Nos encontramos algunas veces en la NAMM Show

28 | Entrevista a Daniel Piquê

(USA). Teníamos algunos amigos en común, como Brendan Duffey, que le dieron un demo que yo había grabado para un posible proyecto autoral, y él quiso participar. Siempre tuvimos una admiración mutua muy natural, que sin duda fue uno de los principales factores que me decidieron hacer este proyecto. Sobre la participación de él, fue algo muy orgánico. Fue muy divertido, hizo comentarios sobre las composiciones. Que eran muy singulares, pero con el tiempo, comprendí que estaba muy emocionado y motivado por participar. A pesar de las diferencias de estilo entre Steve Vai y yo, él me comparaba, encontrando similitudes en diversos aspectos. Estos comentarios me dejaron en claro que Billy realmente se sentía como en su casa. Fue muy agradable, y estoy eternamente agradecido por su amistad. Fue un honor vivir todo eso. también tuviste contacto con Dream theater o más precisamente Mike Mangini, como fue esa experiencia? Siempre nosotros nos encontramos en las ferias internacionales de instrumentos musicales, y en algunas clínicas. Ahora, com Mangini ya hemos grabado muchas cosas juntos. Es un súper talento y una de las mejores personas que he conocido en mi vida. Él también ama la poliritmia y los compases compuestos, por lo que fue casi inevitable que nos juntaramos para hacer un sonido, jaja. En mi carrera, siempre prioricé tener bateristas con un alto nivel de excelencia trás de mi, como por ejemplo: Eloy Casagrande, Virgil Do-

Guitarristas y bajistas.ar

nati, Kiko Freitas, etc.. Ahora, Mangini es fundamental en mi carrera, porque además de un gran amigo, fue generoso en compartir sus años de experiencia. has podido viajar con tú música por varios lugares del mundo, contanos cuales fueron los lugares más interesantes en relación a la música. Es verdad, he tocado en más de 30 países... Por lo tanto, no es muy fácil responder a esta pregunta. Creo que es una unanimidad, entre músicos, comentar que los países de América Latina son los más populares. Los fans están más entusiasmados, y los espectáculos terminan por tener una energía especial. Ahora, como se puede tocar en nuevos lugares, con diferentes culturas, siempre hay algo especial que está marcado. Me encanta la carretera, y creo que todo ES interesante, literalmente! Cuál es tu set actual? Mi setlist se basa prácticamente en los productos de las marcas que patrocino: guitarras Gibson, Orange Amps, Ernie Ball, Monster Cable, audio, Zoom, Capcases MEE hardcases y Music Maker (luthier). Hablando específicamente de algunos de los modelos: mi guitarra principal es una Gibson Custom Les Paul Axcess Alex Lifeson y Orange Rockerverb 100W con gabinete PPC 412,Cuerdas 0.11 Ernie Ball (modelos cubierto y Slinky). A veces utilizo un G-System de TC Electronic, un Tube Screamer Ibanez y un Boss DS1, pero prefiero no utilizar de muchos efectos en vivo. Ahora, en el estudio, abuso de los plug-ins... Y la lista es enorme, jaja! Cómo y cuándo empezó tu relación con Gibson? Hace un poco más de 5 años que soy endorser. Yo enseñaba un taller en el NAMM Show (Estados Unidos), y un gran amigo (ya fallecido), Rick Boss, apa-

30 | Entrevista a Daniel Piquê

reció con su amigo allí. Este chico (su amigo) era uno de los Scouts de Gibson. Le gustaba mi trabajo y me invitó para una reunión. A partir de ahí, me incorporé a la familia y no salí más . Me gusta mucho esta cosa del backstage, trabajar con gente muy talentosa, desarrollar e innovar productos. Cómo vez la industria musical de Latinoamerica, que falta para tener un mercado similar al norteamericano? Creo que los pilares para un mercado de alto rendimiento ya tenemos. Es sólo una cuestión de ajustar la mentalidad de los profesionales involucrados. Las personas pierden mucho tiempo em quejarse y no en buscar soluciones creativas, alimentar su conocimiento extra artístico, de todos modos. El éxito es una consecuencia del trabajo duro: no es ningún secreto. Contanos del trabajo extra musical, ya que hoy en día el mercado cambio totalmente. Hoy, el contenido en vídeo es el medio de difusión en redes sociales y etc.. Por lo tanto, hice un posgrado en dirección de arte y en cine. Mientras tanto, me invitaron a ser el Director de un DVD 'Aquiles Priester Top 100 Drum Fill', que ganó un gran premio: 'Mejor instrucción DVD del mundo', en el 2014 en los Estados Unidos. Termino de estudiar y aplicar, muchos marketing digital cosas, video, Foto, música, etc.. Durante algún tiempo, he estado estudiando sobre todo el proceso creativo: creatividad! Entiendo que es la mejor manera para sobresalir y resolver los desafíos. Cuáles son los objetivos para este año? Acabo de lanzar un nuevo single titulado 'SLINKY' (otra vez con mi compañero Billy Sheehan y que contó también con la participación de Kiko Freitas en la batería). En la segunda mitad de este año pondré en

marcha un curso sobre creatividad, para ayudar a los músicos encontrar su identidad musical y muestra un punto de vista diferente para producir y destacarse en el mercado. Este año tengo muchas novedades, por lo tanto invito al lector a registrarse en mi newsletter (puede encontrar El link en mi página de Facebook). Qué le dirías a un músico que quiere llevar la carrera de músico profesional adelante? Trabajar en lo que gusta no significa que vos serás libre de hacer cosas que no son divertidas. Entonces, buscá construir tu carrera como una empresa, con horarios puntuales, profesionalidad, metas, objetivos, etc.. Y por supuesto, estudiar mucho sobre todo!

Guitarristas y bajistas.ar

crAFtEr GuitArs

La historia del Crafter comienza en 1972, cuando HyunKwon Park fundó su negocio en el sótano de su casa en Seúl. Dentro de un espacio compacto de 20 metros cuadrado, HyunKwon comenzó a construir guitarras clásicas, para el mercado interno de Corea junto con otros cuatro artesanos. Para 1978 habían superado el espacio del sótano y se trasladó a un local más grande, a las afueras de Seúl, con el fin de poder cumplir con los crecientes pedidos de los clientes. En este momento, las guitarras fueron fabricadas bajo la marca “Sungeum" que significa "lograr el sonido”. Esta sigue siendo una marca muy conocida en el mercado coreano de hoy, pero la ambición de HyunKwon era vender sus instrumentos a guitarristas de todo el mundo con lo cual comenzó a construir guitarras acústicas y electroacústicas para abrirse a los mercados internacionales. En 1986 el hijo de HyunKwon, Injae Park se unió a la compañía y HyunKwon se convirtió en presidente. Injae creyó que la marca 'Sungeum' era una palabra demasiado difícil para el mercado internacional, por lo que decidió crear una nueva marca que fuera fácil de recordar y a la vez transmitir una imagen correspondiente. Se eligió el nombre de 'Crafter', que tiene connotaciones de alta calidad y también rinde homenaje a los artesanos que crean las guitarras. La marca Crafter ahora está registrada en más de 40 países de todo el mundo. En 2000, Crafter construyó un taller de fabricación de 7.000 metros cuadrados (en un sitio de 12.500m2) de 140 artesanos para producir unas 60.000 guitarras al año. En 2009, se expandió de nuevo Crafter y construyó un complejo aún más grande. La medida adoptada por la compañia, que fue el resultado de 5 años de planificación y construcción, cuenta con instalaciones modernas, como salas de ocio, un gran restaurante, gimnasio, y una capilla para todo el personal que trabaja allí. El edificio se encuentra en la misma zona que el taller anterior en Yang-ju (Provincia de Gyeonggi) significó que Crafter podría retener la totalidad de su personal leal y altamente capacitado. Cuando HyunKwon

32 | Crafter Guitars

El nombre Crafter es sinónimo de calidad entre las guitarras, con su propia planta de fabricación de Corea del Sur, es una de las factorías más modernas de Asia, son símbolos de éxito con una producción de alta tecnología y la artesanía tradicional en las guitarras. Por Sergio Resar

Park y sus cuatro empleados comenzaron su conquista del mercado coreano con las guitarras clásicas, su atención se centró en que sean productos de 'primera calidad' 'y guitarras de excelente relación precio/calidad’, que son dos conceptos estrechamente relacionados con su nombre de marca Sungeum. Desde que empezó el funcionamiento de la empresa en 1986, Injae Park, ha establecido Crafter como una marca de fama mundial que coincide con estas virtudes como ningúna otra. En nuestro país las importa y distribuye “Stadio” y tiene disponibles estos modelos actualmente.

hDE-500 (Electroacústica) Forma de cuerpo acorazado Frente sólido de Spruce Tapa trasera, aro y cuello de Mahogany Diapasón y puente de Rosewood Clavijero Diecast cromado con botones negros Preamplificador CR-T NV con pantalla LCD y afinador Color Natural Gloss Origen: China

htE-250 (Electroacústica) Forma de cuerpo orquesta Frente de Picea Engelmannii Tapa trasera, aro y cuello de Mahogany Diapasón y puente de Rosewood Clavijero Diecast cromado con botones negros Preamplificador y micrófono CR-T NV (con LCD) Color Natural Gloss- Origen: China

hD-250 (Acústica) Forma de cuerpo acorazado Frente de Picea Engelmannii Tapa trasera, aro y cuello de Mahogany Diapasón y puente de Rosewood Clavijero cromado con botones negros Color Natural Gloss - Origen: China

hCE-250 (Electroacústica) Forma de cuerpo clásica Frente de Picea Engelmannii Tapa trasera, aro y cuello de Mahogany Diapasón y puente de Rosewood Clavijero clásico cromado Preamplificador y micrófono CR-T NV (con LCD) Color Natural Gloss - Origen: China

hC-250 (acústica) Forma de cuerpo clásica Frente de Picea Engelmannii Tapa trasera, aro y cuello de Mahogany Diapasón y puente de Rosewood Clavijero clásico cromado Color Natural Gloss - Origen: China

Guitarristas y bajistas.ar

LuthErÍA

El tensor es una varilla metálica que recorre el largo del mango de la guitarra y está incrustado dentro del mástil bajo el diapasón. tradicionalmente se utilizaron tensores de acción simple, con un anclaje en uno de sus extremos y rosca con tuerca del otro, su función es generar una tensión contraria a la que realizan las cuerdas y compensar la fuerza que ejercen y poder mantener estable el mástil. Por Facundo lópez burgos

El tensor de Acción Simple sólo es capaz de hacer un tipo de fuerza llamada negativa, o sea contraponiéndose a la fuerza positiva que hacen las cuerdas tensionadas, para que esto ocurra se coloca debajo del diapasón, pero no va paralelo a él sino que se encuentra arqueado, al accionar el “ajusta Tensor” en sentido de las agujas del reloj estaremos enderezando el tensor lo cual provocara, ya que su dureza es mayor que la madera del mango, el movimiento del mismo. El radio ( arco) que el tensor tiene con respecto al diapasón es de 160 pulgadas pero no en todo el tensor , sólo en la sección que abarca desde el 3º traste hasta el 14º, en ambas puntas es recto ( en una se encuentra el “ajusta tensor” y en la otra anclaje). En los primeros mástiles Fender no utilizaba diapasones ya que clavaba los trastes directamente sobre el maple del mástil por lo cual el tensor se colocaba desde la parte posterior del mástil y la cavidad se rellenaba con una madera oscura (rosewood). Si bien este método de construcción fue reemplazado tempranamente para utilizar diapasones (aunque sean mismo de maple) la costumbre de ponerlos por detrás y la característica terminación estética de la madera oscura sobre la clara quedo como un sello Fender. En casi todas las demás guitarras, el tensor se coloca en al mástil antes de encolar el diapasón por lo que es absolutamente invisible su presencia. El tensor debe ser del mejor material posible, su largo dependerá del largo de escala del mástil e idealmente deberá llegar lo más cerca posible del último traste, para minimizar la

34 | El tensor o Alma

zona muerta (la cual se llama lengua) que no estará afectada por el accionar del mismo. En la actualidad se han popularizado los tensores de doble acción. Se trata de dos varillas paralelas una fija y la segunda tiene ambos extremos roscados en sentido inverso y nos provee una tuerca, normalmente allen, para ajustarlo. A diferencia de los tensores clásicos este sistema nos permite ejercer fuerza tanto positiva como negativa. Por este motivo no necesitan de ningún arco para su colocación siendo su instalación mucho más sencilla, normalmente se realiza una canaleta de 9 mm de profundidad por ¼ de pulgada de ancho (es la medida standard de estos tensores). Es muy importante al usar este tipo de tensores tener en cuenta que para que el mismo no actúe (necesario para la realización de trabajos como rectificación de trastes) es necesario encontrar el punto 0 donde el tensor no actúa en ninguna de las dos direcciones. En un tensor de simple acción basta aflojar la tuerca para que el tensor deje de actuar. Como consejo o recomendación les diría que a diferencia de otros trabajos, como ser cambiar una pastilla o clavijas, etc. donde pueden aprender haciendo sin demasiada posibilidad de dañar el instrumento, no se pongan a tocar el tensor si no están seguros de saber lo que están haciendo, ya que esta es una zona sensible y delicada de nuestro instrumento. Por consultar pueden escribirme a faculb@gmail.com

Guitarristas y bajistas.ar

GuitArrA

Por Maycown Reichembach

PúA hÍbRiDA (PARtE i) Estimados amigos guitarristas en esta edición traigo la técnica denominada púa híbrida, pero bajo un concepto diferente del usado por la mayoría de los guitarristas, ya que siempre trato de poner algo de personalidad a todo lo que toco.

El ejemplo 1 está sobre el modo jónico y lo que hago es básicamente tocar la primer nota con la púa (los dedos que sujetan la misma son pulgar e índice) y las dos notas siguientes con el dedo medio y anular, el resultado es un fraseo como el nombre ya lo dice híbrido, tanto en sonoridad (ya que usamos el plástico de la púa y las yemas de los dedos) como también en el fraseo (de sonoridad diferente). Con el dominio de esta técnica lo que conseguimos es una gran velocidad sin mucho esfuerzo, con un sonido muy natural. El ejemplo 2 es el mismo concepto pero bajo la escala pentatónica y con salto de cuerdas. Si necesitan el audio de estos ejercicios envíenme un mensaje al mail maycown@gmail.com. Saludos.

Maycown Reichembach es guitarrista, compositor, productor en Malopa Quasar y Quantum Orchestra. Compartó escenario con Greg Howe, Kiko Loureiro, Guinga, Orquesta Estable del Colón, entre otros. Cualquier consulta pueden escribirme a maycown@gmail.com

Guitarristas y bajistas.ar

Suplemento técnico | 35

bAjo Por igor Saavedra

10 tiPS ObSESiVOS PARA MEjORAR tuS hAbiliDADES RÍtMiCAS EN El bAjO ElÉCtRiCO Créanme.., yo mismo he hecho todas estas locuras a través de casi tres décadas.., así que admito que soy un estudiante obsesivo compulsivo... ¡¡Me declaro culpable..!!

1 - ¡¡Siempre practiquen y estudien con un metrónomo…!!, recuerden que la mayoría de los bajistas no se dedicaron a este instrumento para transformarse en solistas y tocar por sí mismos como lo haría un violinista flotando sobre el groove ya establecido por la base rítmica. En mi opinión, nos enamoramos de este instrumento en primer lugar por esa increíble sensación que nos otorga ser quienes establecemos el groove dentro del contexto de una banda (lo de ser solistas vendrá o no después), y para ese rol en una banda un metrónomo es sin lugar a dudas la más idónea herramienta disponible, aún mejor que una drum-machine ya que ésta debido a su naturaleza polirítmica tenderá a ocultar nuestras imprecisiones, mientras que el metrónomo debido a su simpleza sonora expondrá todos nuestros errores de manera tal que los podamos identificar y remediar con mayor facilidad. 2 – En relación con el punto anterior, una destreza muy recomendable de desarrollar es la de ser capaces de identificar y establecer cualquier Tempo (velocidad del beat en rpm) con tan sólo escucharlo.., y la forma más rápida y eficiente de verificar qué tan acuciosos estamos siendo es con un metrónomo. Mientras más practiquen mejor lo harán. 3 – Siempre que caminen por las calles de vuestra ciudad no pierdan la maravillosa oportunidad que esta simple y saludable actividad les brinda para establecer de forma natural un Tempo constante y parejo en cada paso que van dando. ¡¡Canten y percutan con sus manos sobre él…!! He estado haciendo esto desde que comencé en la música y los resultados y beneficios han sido maravillosos, aún a pesar de que la gente a mi alrededor siempre murmure y de a entender que debo ser otro de los miles de locos que andan por las calles deambulando.., aunque la verdad es que en efecto.. ¡¡tienen toda la razón..!! jejeje… 4 – Una de las habilidades rítmicas más importantes a desarrollar es la de estar plenamente conscientes del tiempo, en el sentido de la duración de los elementos sonoromusicales. Como estudiante obsesivo que siempre he sido (no se lo digan a nadie), he practicado por décadas llevando un cronógrafo a todos los lados que voy, de manera tal de ir desarrollando la habilidad de marcar la duración de tiempo que yo elija. Por ejemplo digo: “Voy a parar el cronógrafo en 2 segundos y 80 centésimas, ó en 5 segundos y 10 centésimas, etc.,”. Luego de un par de décadas de práctica hoy ya puedo hacerlo a la perfección, a lo sumo con un margen de error de apenas 1 o 2 centésimas. Esto lo he hecho varias veces frente al público en mis master clases, ya que las habilidades que hay que desarrollar para lograrlo, tales como la conservación de un tempo, establecimiento y diferenciación de la agógica, precisión rítmica, etc., son todas de suma utilidad para la ejecución rítmico musical. 5 – Practiquen dividiendo un tempo de 40 bpm en fracciones diferentes. Por ejemplo dividan un tiempo en: 2,3,4,5,6,7,8,9,10,11,12,13,14,15,16 etc., partes iguales. Háganlo tocando cuatro compases de cuatro tiempos c/u con una subdivisión, para luego pasar a la siguiente subdivisión. Luego háganlo en forma inversa (Ej: 16,15,14,13,12,11 etc.,). Como músico obsesivo que soy también lo he venido haciendo por más de 20 años y ¡¡ha sido de una utilidad impresionante..! 6 – La práctica de Poliritmias es altamente recomendable de abordar, pero no en la forma en la que un baterista lo haría, es decir distribuyendo las diferentes subdivisiones entre los cuatro miembros del cuerpo. Lo que es útil para nosotros los bajistas es la ha-

bilidad de combinar diferentes subdivisiones entre un pie y los dedos de las manos. Por ejemplo toquen un beat (tempo) con el pie mientras al mismo tiempo tocan 5 notas equidistantes en vuestro Bajo distribuidas dentro de 4 beats tocados en el pie, lo que llamaremos un 5 contra 4 (5:4). Las posibles combinaciones son infinitas (7:5, 6:7, 2:3, 3:7, etc,). Aunque no lo crean, muchos de los ritmos que tocamos comúnmente están basados en este concepto, por lo cual es una habilidad extremamente útil de desarrollar. También en este caso he estado practicando incesantemente esto por más de 20 años ¡¡y no pretendo parar de hacerlo…!! 7 – En relación con el punto anterior, recomiendo llevar siempre el tempo (pulso – beat) en el pie mientras tocan. El pie nos provee de una información objetiva y precisa respecto de donde exactamente está “alojado” cada pulso. Entonces no sólo serán capaces de escucharlo, sino que también serán capaces de sentirlo. Junto con esto recomiendo con especial énfasis practicar estilos como el Shuffle, Swing, Be-bop y muchos otros estilos relacionados con el Jazz llevando siempre el pie sobre los tiempos 2 y 4, ya que esto les brindará el verdadero “feel” que estos estilos tienen debido a que se acentúan precisamente sobre estos beats. Sea en este caso o en cualquier otro, como bajistas no olviden llevar siempre el pulso en el pie, aunque sea en forma sutil e inadvertida por los demás. 8 – Otro obsesivo y entretenido ejercicio, es el de jugar a hacer desaparecer el metrónomo colocándolo simplemente a cualquier tempo y luego percutir al unísono con el. Pueden palmotear sobre una mesa, tocar una nota en el bajo, etc., mientras sea un sonido da lo mismo.., ya que lo realmente importante es que lo hagan con una precisión tal que se haga absolutamente imposible escuchar el metrónomo. Es importante acotar que mientras más lento coloquen el pulso, tanto más difícil será este ejercicio de “desaparición virtual”. Por supuesto y porque practico lo que predico, lo he venido haciendo también por décadas y lo he enseñado siempre a mis estudiantes y es sumamente entretenido…, pero lo más importante, cuando se trata de desarrollar real precisión rítmica ¡¡sí que funciona..!! 9 – Al practicar y estudiar traten a los sonidos y a los silencios en forma equitativa. Nunca asuman y actúen como si los sonidos fuesen más importantes que los silencios. Pueden poner este concepto básico en práctica intentando tocar todas las combinaciones posibles de sonidos y silencios de cada una de las subdivisiones de un tiempo. Al practicar los puntos 5 y 6 de este artículo incluyan este concepto en sus ejercicios. ¡Si practican esto un millón de veces les garantizo que verán una enorme diferencia en vuestra ejecución rítmico-musical..! 10 – ¡¡Nunca pierdan una buena oportunidad para percutir..!! Si están comiendo o sentados en la banca de un parque, empujando el carrito del supermercado, etc., simplemente pongan vuestras manos sobre cualquier superficie cercana y disponible, como una mesa, un sofá, un poste, los muslos (de preferencia los vuestros jajaja), y disfruten la magia del ritmo..!! Si quieren desarrollar estas habilidades rítmicas los invito a adquirir mi libro “Rítmica aplicada al Bajo Eléctrico” en www.igorsaavedra.com o en mi página de fans de facebook.

IGOR SAAVEDRA es un concertista en Bajo eléctrico, considerado por la crítica especializada como pionero del Bajo de 8 cuerdas y auténtico embajador de la cultura bajística Latinoamericana. Ha tocado con: Bob Sheppard (Chick Corea), Danny Gottlieb (Pat Metheny), Damien Schmitt (Jean Luc Ponty), David Garfield (George Benson). Ha dado conciertos en: Bass Player Live (US), London Bass Guitar Show, Lords of the Low End (US), Bass Day Poland, Bass Day Germany, Detroit Bass Festival. Ha impartido Master Classes en: Berklee School of Music, NY Bass Collective, Univ. of British Columbia, Uniwerzytet Warminsko-Mazurski (Polonia) - www.igorsaavedra.com Translation reprinted with permission of BassMusicianMagazine.com Fotografia: © ECU Fotografía

36 | Suplemento técnico

Guitarristas y bajistas.ar

GuitArrA

Por Daniel Corzo

CONStRuCCióN DE lÍNEA DE bAjOS (PARtE ii) Seguiremos investigando en la construcción de líneas de bajo caminante para usarlas combinadas con acordes. la forma blues es ideal para practicar walking ya que la armonía es relativamente sencilla y podremos aprender patrones que luego aplicaremos en otras progresiones armónicas.

Para este Blues en F es necesario observar las dos primeras “reglas de oro” de un buen walking: La fundamental del acorde debe sonar en el primer tiempo y la otra regla es el cuarto tiempo del compás lleva un cromatismo o grado conjunto para resaltar la fundamental del primer tiempo en el compás siguiente. En el cifrado he puesto los acordes originales y con alguna extensión (9 ó 13) o alteraciones si las hubiera, pero no he puesto todos los cifrados de todos los acordes en este ejemplo; esa será una tarea para vos. Otras observaciones interesantes son la aproximación cromática no sólo se aplica al bajo, sino también a los acordes, como se puede ver en el cuarto tiempo de los compases 1, 3, 4, 6, 10 y 11 y en el segundo tiempo de los compases 4, 7, 9 y 11.

La independencia rítmica que tiene el comping (los acordes) respecto de la línea de bajos, la cual sostiene el pulso rítmico de negras. La diversidad en cuanto a densidad armónica de los voicings elegidos (hay acordes de 2, 3, 4 y 5 notas). Las corcheas deberán ser interpretadas con swing. Cuando practiques esta manera de acompañar, nunca olvides que en la soledad de tu living, dormitorio o donde sea que estudies, estarás solo sin otros sonidos y puede que sientas que debes tocar mucho, y meter más acordes, llenar espacios etc. Bien, no te olvides que cuando tengas la oportunidad de aplicar esto tocando con otros músicos, habrá un solista improvisando arriba de tu acompañamiento y por lo tanto, es mejor tocar menos.

Daniel Corzo es endorsee de guitarras D’Angelico, Malarino, Michelutti y amplificadores Schertler. Enseña guitarra jazz, armonía e improvisación en Collegium CEIM (Córdoba) y dicta clases presenciales y online en su estudio privado. Ha tocado en numerosas situaciones con músicos como Walter Malosetti, Sid Jacobs, John Stowell, Richard Smith, David Becker, Mike Tracy, Thomas Brendgens-Mönkemeyer entre muchos otros.

Guitarristas y bajistas.ar

Suplemento técnico | 37

GuitArrA

Por tiago De Moura

ACORDES y SuS iNVERSiONES Es un honor para mi compartir algunas clases con ustedes. hoy hablaremos sobre formación de acordes de uma manera fácil, para estudiar teniendo uso en las mismas cuerdas.

Los dos primeros compases tenemos la formación en las cuerdas 6, 4, 3 y 2, cambiando los bajos tenemos el acorde de G7M (sol com séptima mayor) y las otras inversiones. La primer con inversión y bajo en la tercera nota del acorde, segunda inversión el bajo en la quinta y tercera inversión con el bajo en la séptima nota del acorde, los compases tres y cuatro tenemos la misma idea pero el comienzo del primer acorde con la tercera en el bajo por ser el más grave, usaremos las cuerdas 5, 4, 3 y 2, los dos últimos compases tenemos el primer acorde empezando de la séptima, siguiendo el mismo órden, en las cuerdas 4, 3, 2 y 1. Si estudiamos de esta manera tenemos 12 acordes de G7M en todo el mástil de la guitarra.

Tiago de Moura es guitarrista Brasileño de la banda Armored Dawn y profesor de guitarra del conservatorio Souza Lima en San Pablo Brasil.

38 | Suplemento técnico

Guitarristas y bajistas.ar

GuitArrA

PEDAl POiNt hoy nuestro estudio se centrará en una técnica que se desarrolló en el piano, se llama "Pedal Point". Por Denison Fernandes

Este ejemplo tiene un sonido que se asemeja a la música clásica,esta técnica fue muy explorada por los guitarristas neoclásicos como Ingwie Malmsteen, Vinnie Moore, Michael Romeo entre muchos otros. Los licks de "Pedal Point" están en la tonalidad de mi menor, inicie el estudio lentamente y sólo después toque a la velociddad de 160bpm.

Guitarrista Brasileño, estudió en la Universidad Souza Lima. Escribió para la revista Guitar Player, además de ser uno de los referentes en guitarra rock-metal de Brasil.

Guitarristas y bajistas.ar

Suplemento técnico | 39

GuitArrA

Por Vandré Nascimento

tRiADAS Esta nota esta basada en las tríadas que mostré en la columna de la edición pasada. Muestro rápidamente otro movimiento, donde hay un desplazamiento mayor en la extensión del mástil de la guitarra. Practique lentamente hasta tener la seguridad de tocarlo en la velocidad normal!

Músico y Compositor, nació el 12/06/75 en Embu das Artes, São Paulo, Brasil. Inicio sus estudios en Música en 1995 en el Conservatório Musical Souza Lima, donde además enseño desde el 1997 hasta 2013. Em 2013, fundó la escuela de música "Vanna Rock-Centro de Aprendizagem Musical". Integra las bandas: MADGATOR, MAESTRA, Sete Rock Band y O TRIO. Es Endorser de Rox Stage, Music Kolor, Aditivo Music, Injecta.net, K&WS Cases, Power Play e Solez Strings. http://vandrenascimento.com/ contato@vandrenascimento.com

40 | Suplemento técnico

Guitarristas y bajistas.ar

GuitArrA

ACORDES quiNtAlES CON CuERDAS Al AiRE En esta nota continuaremos con las lecciones sobre arpegios quintales, sobre los cuales hemos visto y hablado anteriormente. Por juampy juárez

Ahora les enseño ejemplos con cuerdas al aire, para poder aprovechar el sonido único que la guitarra nos provee, es decir justamente, las cuerdas al aire que combinadas con los arpegios quintales, nos dara un sonido ultramoderno para ser usado en diversos estilos como Jazz, fusion, pero tambien Rock, Heavy y mucho mas. Gracias a todos por estar alli, como siempre digo, usen metrónomo, transcriban, piensen, y toquen con otros guitarristas así comparten ideas y arte.

“Juampy Juarez es uno de los guitarristas esenciales de la guitarra moderna a nivel mundial” Blog Prepared Guitar. Ha tocado con Ben Monder, Sid Jacobs, Howard Alden y Pedro Aznar entro otros. Su ultimo album en trio "Hiperborea" esta a la venta en Itunes, Amazon e Spotify. www.juampyjuarez.com.ar

Guitarristas y bajistas.ar

Suplemento técnico | 41

GuitArrA

GuitARRA MEtAl - tÉtRADAS EN 2 NOtAS POR CuERDA Es muy común aplicar tríadas para construir melodías sobre una progresión de acordes. las tríadas son ampliamente utilizadas en Rock y heavy Metal. Por Marcelo Rosa

En esta columna me gustaría presentarles una diferente manera para aplicar arpegios en una progresión de acordes de Rock y Heavy Metal. Les muestro este ejemplo de mi canción "La Nostalgia" (03:50 - 03:59), donde aplico Tétradas en 2 notas por cuerda. Aquí tenemos una progresión de acordes formada por: Em, D/F #, G, A y A # º. Así aplico el arpegio de Em7 en el acorde Em, el arpegio de D7M en el acordeD/F #, el arpegio G7M en el acorde G, la escala de A Mixolídia en el acorde de A, y el arpegio de A#º en el acorde A # º. En todo el ejempo yo toco con Alternate Picking. Espero que esta idea puede ayudarlos y inspirararlos a ustedes para crear nuevos sonidos en sus composiciones.Se puede escuchar este solo en mi canal oficial de Youtube: www.youtube.com/MarceloRosaMR

Marcelo Rosa es guitarrista, compositor y tiene un proyecto instrumental solista, donde mezcla el Metal con la Música Brasileña, y ha estado presentando conciertos y clínicas de guitarra en Brasil, ya se presentó en Portugal y Uruguay. Marcelo Rosa utiliza Ibanez, Peavey, Mooer, PowerPlay, Lyco, Kartakou, Be A and Estúdio Urbano. www.marcelorosa.net marcelorosamr@gmail.com

42 | Suplemento técnico

Guitarristas y bajistas.ar

FrAnk zAppA

Él fue el mayor de cuatro hermanos y su infancia transcurrió en varios estados de los Estados Unidos, dado que su padre, que era físico matemático, trabajaba para el gobierno y era trasladado a diferentes destinos. A los doce años, ya radicado en Los Ángeles, ya tocaba la batería, creando su primera banda, The Blackouts. Para el año 1957 cambia los palillos de la batería por la guitarra, y conoce a su amigo y futuro colaborador, Don Van Vliet, alias Captain Beefheart, otro visionario del Rock. Enamorado de la música de The Penguins, Teen Queens, Johnny Otis & The Clovers, empieza con sus primeras composiciones. En 1959 abandona el hogar paterno y se traslada a Echo Park, zona frecuentada por los artistas. Pronto Frank se integra en algunas bandas locales, como The Masters y The Soul Giants, escribiendo la música para películas, como The World´s Greatest Sinner o Run Home Slow, todo ello antes de 1965. En dicho año, se trasladaría a Los Ángeles, donde formó una nueva banda, The Muthers, que actuará por todo el estado. Cambian su nombre a The Mothers. En 1966 son fichados por Verve y editan su elepé de debut, un doble disco llamado Freak Out!, que permaneció 23 semanas en listas, gracias a la promoción en medios independientes. Para entonces ya eran Frank Zappa & The Mothers Of Inven-

44 | Frank zappa (Parte i)

Francis Vincent zappa jr., más conocido como Frank zappa, nació en baltimore el 21 de diciembre de 1940, siendo sus padres Francis zappa nacido en Partinico, Sicilia, italia, y Rose Marie Colimore de ascendencia italo-francesa. Frank zappa se ha convertido en uno de los músico más influyentes de su generación y ha dejado su sello en alma de todos sus fans en el mundo. Por Gyb.ar

tion, y hasta 1969 sacaron cinco álbumes, para acabar con la recopilación Mothermania, con la que acaba su contrato con Verve. El productor discográfico Tom Wilson era quien se empezó a ocupar de la banda allá por 1966, fue el mismo que les consiguió un contrato con Verve Re-

cords, perteneciente a MGM Records, que se especializaba en jazz moderno e intentaba abrirse camino en un ámbito más pop-rock. La compañía Verve insistió en que la banda cambiara oficialmente su nombre a "The Mothers of Invention", ya que "Mother", en terminología slang, era una abreviación de motherfucker. Con Wilson como productor, The Mothers of Invention y una orquesta de estudio grabaron el doble álbum Freak Out! en 1966. Era una mezcla de R&B, doo wop y sonidos experimentales que mostraban la subcultura del momento en Los Ángeles. Durante la grabación del disco, Zappa se muda a una casa en Laurel Canyon con su amiga Pamela Zarubica, que también aparecía en el álbum. La casa se convirtió en punto de reunión de muchos músicos. Aunque muchos de ellos consumían drogas, Zappa sólo llegó a probar la marihuana en unas pocas ocasiones. Sin embargo, fue fumador de tabaco durante la mayor parte de su vida, y fue fuertemente crítico con las campañas antitabaco. Durante una corta gira de presentación del disco conoce a la que a posterior sería su esposa, Adelaide Gail Sloatman. En 1966 se mudó a la casa de Frank y se casaron en 1967. En el otoño de 1968, y los Zappa se mudaron a Woodrow Wilson Drive, siendo esta última la resi-

Guitarristas y bajistas.ar

la misma no hacían el mismo esfuerzo que él. Muchos de estos músicos no estuvieron de acuerdo con la decisión de Frank y decían que este anteponía la perfección al sentimiento, otros en cambio, dijeron que no estaban de acuerdo con sus métodos para llevar la banda, y sea como fuese, muchos de estos músico, tocaron luego con él.

dencia de Zappa hasta su muerte. A pesar de ser muy exitosa en Europa, la banda no pasaba por un buen momento económico. Los álbumes estaban enfocados a los arreglos vocales, pero él componía para sus conciertos música de corte jazzístico y clásico, cosa que confundía a la audiencia. En 1969, la banda estaba integrada por nueve músicos y era el mismo Frank Zappa quien solventaba los gastos de la misma, tocaran o no, esto lo hacía con una parte de sus ragalías. Hacia fines de ese año, disuelve la banda alegando problemas financieros como principal razón, pero también, tiempo después también dijo que los músicos dentro de

46 | Frank zappa (Parte i)

En 1970 Zappa conoce al director de orquesta Zubin Mehta. Y juntos organizaron para mayo de ese mismo año un concierto donde Mehta dirigía a la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles con el apoyo de una banda de rock. Según Zappa, la mayoría de la música fue compuesta en habitaciones de motel mientras estaba de gira con The Mothers of Invention. Aunque el concierto fue un éxito, la experiencia de trabajar con una orquesta sinfónica no fue positiva según Zappa. Esta insatisfacción predominó a lo largo de su carrera, ya que a menudo pensaba que el capital invertido en plasmar su música clásica en vivo raramente daba el resultado esperado. Hacia finales de ese año, reinventa The Mothers con otros músicos y ya no usa más el of Invention. Integraban esta versión, el baterista británico Aynsley Dunbar, el tecladista de jazz George Duke, Ian Underwood en bajo, Jeff Simmons en guitarra rítmica, y a tres miembros de The Turtles: el bajista Jim Pons, y los cantantes Mark Volman y Howard Kaylan. Con esta formación grabó en el siguiente álbum en solista de Zappa, Chunga's Revenge, en 1970, que fue seguido por el álbum doble compuesto como banda sonora de la película “200 Motels” en 1971, en el que, aparte de The Mothers, también participaron la Orquesta Filarmónica Real, Ringo Starr, Theodore Bikel y Keith

Moon. Codirigida por Zappa y Tony Palmer, la película fue rodada en una semana en los estudios Pinewood en las inmediaciones de Londres. Hubo tensiones entre Zappa y miembros del elenco y del personal técnico antes y durante el rodaje, llegando al punto incluso a que Palmer quisiera que se retirara su nombre de los créditos. La película trata de forma superficial la vida durante una gira de los músicos de rock. Fue, además, la primera película grabada en video y transferida después a película de 35 mm, proceso que permitía la inclusión de algunos efectos visuales. (Continuará)

Guitarristas y bajistas.ar