schott aktuell 2013 #6

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2013 schott aktuell

the journal November / December 2013

TRIBUTE TO...

World Première: Peter Eötvös Hommage à Domenico Scarlatti für Horn solo und Streichorchester (2013) 30 Nov 2013 · Budapest (HU)

NEW

1.000 operas, operettas, musicals, ballets, and plays

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Editorial · Contents / Inhalt

Sally Groves Schott Music London

Dear reader,

Liebe Leserinnen und Leser,

Welcome to the new Season! I hope everyone had a good holiday …

willkommen zur neuen Spielzeit! Ich hoffe, Sie hatten erholsame Ferien.

This issue of schott aktuell focuses on recent orchestral repertoire in the form of homages to other composers, with all the programme connections and interesting avenues down which to explore which such works clearly bring. Johann Sebastian Bach, Domenico Scarlatti, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven (particularly the Ninth Symphony), are naturally well represented, but the range includes Dmitri Shostakovich and even Edgar Varèse. Interestingly, Rodion Shchedrin calls one of his works Dialogues with Shostakovich – and that’s another way of looking at this creative relationship. Michael Tippett took Arcangelo Corelli as his starting point, attracted by the ‘dark and passionate’ adagio of his Concerto grosso Op. 6, but from this Italianate seed Tippett created one of the greatest of English scores for string orchestra.

Diese Ausgabe widmet sich dem Thema HommageKompositionen. Wir stellen Ihnen Orchesterwerke der letzten Jahre vor, in denen unsere Komponisten ihren Kollegen musikalische Reverenz erweisen. Diese Werke zeigen Ihnen reizvolle Wege für spannende Programmkombinationen. Johann Sebastian Bach, Domenico Scarlatti, Wolfgang Amadeus Mozart und Ludwig van Beethoven (vor allem seine 9. Sinfonie) sind Gegenstand der Bewunderung, aber auch Dmitri Schostakowitsch und sogar Edgar Varèse. Rodion Shchedrin nennt eines seiner Werke Dialogues with Shostakovich – ein sehr persönlicher Blick auf eine kreative Beziehung. Arcangelo Corellis „dunkles und leidenschaftliches“ Adagio aus dem Concerto grosso op. 6 inspirierte Michael Tippett – so erwuchs aus italienischen Wurzeln eine der bedeutendsten englischen Kompositionen für Streichorchester.

Each of the Schott publishing centres has been given the opportunity of nominating a work they particularly appreciate – I hope you will want to explore those too.

We in London have chosen Mark-Anthony Turnage’s Scorched, on themes by John Scofield: a high-intensity homage to a composer and musician who has been very influential in Turnage’s life.

Unsere Kollegen in London, Mainz, New York und Tokio haben sich je eine Hommage-Komposition aus unserem Katalog als persönliche Empfehlung für Sie ausgesucht. Schott London hat sich für Scorched von MarkAnthony Turnage entschieden. In diesem Stück verarbeitet Turnage Motive von John Scofield: eine Verbeugung vor einem Komponisten und Musiker, der sein künstlerisches Schaffen stark beeinflusst hat.

We are looking forward to the première of Richard Ayres’ and Lavinia Greenlaw’s opera on that elusive character Peter Pan (Stuttgart 19.12) – definitely not the Disney version, ambivalent and unsettling, but joyously animated by Ayres’ wonderfully exuberant music. Gerald Barry’s major new Piano Concerto in Munich (15.11) is another highlight; and Ryan Wigglesworth has been given the honour of writing a work to celebrate the actual Britten centenary in Aldeburgh itself (22.11).

We have a wealth of brilliant new instrumental music premières, plus new works from Peter Eötvös (overall Gramophone Award winner this year with Patricia Kopatchinskaja), Thierry Pécou, Benjamin Schweitzer and Harald Weiss.

In diesem Herbst schauen wir gespannt voraus auf die Uraufführung von Richard Ayres’ und Lavinia Greenlaws Oper Peter Pan (Stuttgart 19.12.) – sicher nicht die DisneyVersion, sondern ein vieldeutiges und beunruhigendes Stück, das aber von Ayres’ überschäumend lebensfroher Musik erhellt wird. Weitere Höhepunkte sind die Uraufführung des Klavierkonzerts von Gerald Barry (München 15.11.) und die des neuen Stücks von Ryan Wigglesworth, das er im Auftrag des Aldeburgh Festivals zur Feier des 100. Geburtstags von Benjamin Britten komponierte.

Auch Thierry Pécou, Benjamin Schweitzer, Harald Weiss und Peter Eötvös, dem wir herzlich zum Gramophone Award gratulieren, haben neue Werke komponiert.

We wish you a wonderful 2013/14 Season.

Wir wünschen Ihnen eine erfolgreiche Saison 2013/14!

Contents / Inhalt World Premières / Uraufführungen . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 4 First Nights / Premieren . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 8 Anniversaries / Gedenktage . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 9 Birthday / Geburtstag . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 10 Repertoire Recommendations / Tipps für Ihre Programmplanung: Tribute to … . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 12 New Publications / Neue Publikationen . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 20 New Recordings / Neue Einspielungen . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 22 News . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 23 Repertoire: Michael Tippett · Fantasia Concertante on a Theme of Corelli . . . 24

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World Premières / Uraufführungen

Richard Ayres

Peter Pan (No. 45) opera in two acts (2011-2013) libretto and English text by Lavinia Greenlaw, based on the story by J. M. Barrie German translation by Adelheid and Jürgen Dormagen (Eng./Ger.) Commissioned by Staatsoper Stuttgart and Komische Oper Berlin sponsored by the Ernst von Siemens Musikstiftung 90’ Roles: Peter Pan · countertenor Wendy · soprano - Mr Darling (Father) / Captain Hook · bass - Mrs Darling (Mother) · mezzo soprano John · tenor - Michael · soprano Tiger Lily · alto - Nana (Dog) / Starkey (Pirate) · baritone - Smee (Pirate) · tenor - Nibs · tenor (from Lost Boys Chorus) - Tootles · tenor (from Lost Boys Chorus) - Twins (Slightly & Curley) · 2 basses (from Lost Boys Chorus) - Chorus (Stars · female choir off stage; Lost Boys / Pirates · male / children’s choirs) - Non-singing extras Orchestra: 2pic(fl).0.0.Ebcl.1.cbcl.1. cbsn-3.Ebtpt.1(flugelhn).1.0.cimbasso-timp.3perc(glsp, vib, xyl, mar, crot, tri, sus cym, Chinese cym, 3clash cym (lg, sm, v.sm), tub bells,

tam-t, v.sm tam-t, metal wind chimes, 8 metal pipes, various metal objects (tin cans, broken cymbals, etc.), s.d., b.d., kit, 2tempbl, 2wdbl, 2 v.v. loud ratchets, 2 giant lion’s roars, v. lg guiro, 9+flexatones, 4 wooden objects, sandpaper blocks, lg. wooden box (+ hammers + nail), wood for sawing)-hp.acc-str(10.8.6.

5.3 minimum) • 19 Dec 2013 · Stuttgart (D) Opernhaus Dirigent Roland Kluttig / Willem Wentzel (10/11 Feb 2014) Inszenierung Frank Hilbrich Bühnenbild / Kostüme Duncan Hayler + 23 Dec 2013, 5 Jan, 10-11 Feb, 16 Feb, 25 Feb, 28 Mar, 5 Apr, 10 Apr 2014 Stuttgart (D) Though based on the children’s story by J. M. Barrie, this Peter Pan is not for children (at least not just for children); most importantly it is an opera about childhood.

Richard Ayres’ score is characteristic in its extraordinary high energy and extremes of register. Tinkerbell is played by two piccolos, a glockenspiel and an accordion; she has no lines but her emotions are impossible to misjudge. If many of the characters are impolite or even mean,

portrayed through Ayres’ musical non sequiturs and sharp contrasts they seem comic, though there is an underlying sense of disquiet.

Auch wenn James Mathew Barries Kinderbuch Peter Pan die Ausgangsbasis ist, so ist Richard Ayres’ gleichnamige Oper nicht für Kinder geschrieben (oder zumindest nicht nur für Kinder); vielmehr ist sie eine Geschichte über Kindheit.

Ayres’ Partitur ist geprägt durch eine hohe Energie und extreme Register.

Tinkerbell beispielsweise wird beschrieben durch den Klang zweier Piccoloflöten, eines Glockenspiels und eines Akkordeons, und auch wenn sie kein Wort singt, so sind ihre Emotionen dennoch unmissverständlich. Ayres’ unkonventionelle, scharfe musikalische Kontraste verleihen vielen Figuren, auch wenn sie als Gestalten unfreundlich oder gar gemein gezeichnet sind, eine eigene Komik, zugleich aber auch eine unterschwellige Rastlosigkeit.

Gerald Barry

Piano Concerto (2012) Co-commissioned by Bayerischer Rundfunk / musica viva and City of Birmingham Symphony Orchestra 22’ 3(2.pic; 3.pic, afl).2.ca.2.bcl.2.cbsn4.3.3.1-3perc(b.d, 2wind machines)pno-str • 15 Nov 2013 · München (D) Herkulessaal Musica Viva Nicolas Hodges, Klavier Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks Dirigent Peter Rundel ‘The concerto is itself. Life and the wind play a part.’ (Gerald Barry) Written for Nicolas Hodges, Barry’s new concerto displays his characteristic musical zeal and unconventionality. The wind the composer refers to in his description of the work comes in the form of the two wind machines that make up two thirds of the percussion section: the other third is a bass drum. Further performances are planned for June 2014 in Birmingham and Aldeburgh, UK with co-commissioner the CBSO.

Richard Ayres Photo: Kees Tazelaar

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„Das Konzert steht für sich selbst.

Das Leben und der Wind haben Anteil daran.“ (Gerald Barry) Barrys neues Konzert, geschrieben für Nicolas Hodges, vermittelt seine musikalische Handschrift und seine Unkonventionalität. Der Wind, den

der Komponist in seiner kurzen Werknotiz anspricht, ist in Gestalt zweier Windmaschinen präsent, die zwei Drittel der Schlagwerksektion ausmachen; das dritte Instrument ist eine große Trommel.

Im Juni 2014 wird das Konzert vom Ko-Auftraggeber, dem City of Birmingham Symphony Orchestra, in Birmingham und Aldeburgh aufgeführt.

Stefan Heucke

Skizzen, Ruinen, Adlerfittige Zwölf Préludes für Klavier, op. 61 (2010-2011) 24’ • 12 Nov 2013 · New York, NY (USA) 871 United Nations Plaza Nina Tichmann, piano The title has been taken from a review of Robert Schumann of the then newly published Préludes Op. 28 by Frédéric Chopin. According to this reference, Stefan Heucke’s Préludes are tributes to the three great piano composers of the 19th century: Chopin, Liszt and Schumann. By tradition, each of Heucke’s 12 Préludes starts from a different keynote while attempting, however, to use major and minor modes at the same time in constantly new combinations.

Der Titel entstammt einer Rezension Robert Schumanns über die soeben erschienenen Préludes op. 28 von Frédéric Chopin. Dieser Anspielung entsprechend sind Heuckes Préludes Hommages an drei große Klavierkomponisten des 19. Jahrhunderts: Chopin, Liszt und Schumann. Der Tradition gemäß geht jedes der 12 Préludes von einem anderen Grundton aus. Allerdings wird versucht, jeweils zugleich Dur und Moll in immer neuen Kombinationen zu verarbeiten.

Toshio Hosokawa

Etudes III-VI for piano (2013) Co-commissioned by Lucerne Festival am Piano, Wigmore Hall and Tokyo Opera City Performance of the complete cycle: Swiss Première of Etudes I-II and World Première of Etudes III-VI • 23 Nov 2013 · Luzern (CH) KKL Lucerne Festival am Piano 2013 Momo Kodama, Klavier + 6 Dec Tokyo (J), 6 Apr 2014 London (UK)

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György Ligeti

En Suspens (Étude 11 from ‘Études pour piano, Deuxième livre’) Transcription for ensemble by Hans Abrahamsen (2012) 2’15” Picc. · 1 · 2 · 1 - 2 · 1 · 1 · 0 - S. (Glsp. · Xyl. · Vibr. · Marimb.) (2 Spieler) Hfe. · Klav. (auch Cel.) - Str. (1 · 1 · 1 · 1 · 1) • 14 Nov 2013 · Amsterdam (NL) Muziekgebouw aan ‘t IJ Asko | Schönberg Ensemble Conductor Reinbert de Leeuw

Thierry Pécou

Un rêve de carnaval en mode andalou Peter Eötvös Photo: Marco Borggreve

Peter Eötvös

Hommage à Domenico Scarlatti für Horn solo und Streichorchester (2013) 9’ Str. (5 · 4 · 3 · 3 · 1) • 30 Nov 2013 · Budapest (HU) Palace of Arts Szabolcs Zempléni, horn Budapest Strings Conductor Gregory Vajda I was led to the music of Domenico Scarlatti by Gabriel Garcia Márquez. In his novel ‘Love and Other Demons’, he notes that Scarlatti teaches music to the young heroine Sierva’s mother. I was so taken by the idea of this story that I went and played through all five hundred and fiftyfive of his sonatas; I was unable to tear myself away from this sensitive and dramatic music. I integratIn Etudes III-VI, I continue my musical interpretation of Shodo calligraphy which I began in Etudes I (2011/2012) and II (2012). In Etude I I drew ‘two lines’ and in Etude II, ‘two lines and points’. Etude III now represents ‘one strong line’, and in Etudes IV-VI I create ‘harmonically shaped lines’, ‘ornamental lines’, ‘lines drawn in pianissimo’, and ‘lines drawn by songs’. These etudes are dedicated to Momo Kodama who will premiere them.

Toshio Hosokawa

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ed a number of passages into one of the arias in my opera.

Hommage à Domenico Scarlatti is an arrangement of this aria in which the tenor line is taken by a solo horn.

Peter Eötvös Die Musik von Domenico Scarlatti habe ich durch Gabriel Garcia Márquez entdeckt. In seinem Roman „Love and Other Demons“ erwähnt er Domenico Scarlatti als Musiklehrer der Mutter von Sierva, der jungen Heldin der Geschichte. Ich war von diesem Gedanken so begeistert, dass ich alle seine 555 Sonaten durchgespielt habe. Ich konnte von seiner sensiblen und dramatischen Musik nicht loskommen. Einige Passagen habe ich ausgewählt und in eine Arie meiner Oper integriert.

Hommage à Domenico Scarlatti ist eine Bearbeitung dieser Arie, in der der gesungene Tenorpart von einem Hornsolo übernommen wird.

Peter Eötvös

Postlude à « La Verbena de la Paloma » de Tomás Bretón pour six voix solistes, chœur d’enfants, clarinette, contrebasse, piano et percussion Livret de Christine Mananzar (frz.)

30’ Personen: Susana · Sopran - Casta · Mezzosopran - Rita · Alt - Julian · Tenor - Hilarion · Bariton - Sebastian · Bass - Kinderchor

Ensemble: 0 · 0 · 1 (auch Bassklar.) · 0 - 0 · 0 · 0 · 0 - S. (Sanza [Mbira] · Tamb. · Tomt. · Cong. · Cajon) Klav. - Kb. • 7 Dec 2013 · Reims (F) Opéra Conductor Thierry Pécou Staging Christine Mananzar Set design Luz Moreno sur une idée de Roberto Plate Costumes Luz Moreno / Karin Wehner Choreography Catherine Lopez This work is a postlude to the wellknown Zarzuela, La Verbena de la Paloma by Tomas Bretón. As if in a dream, the story is told a second time but with a different ending and with the addition of children’s choir.

I wanted to retain the popular, satirical character of the Zarzuela, honoring Flamenco and Latin-American music and providing the score with the liveliness of a carnival. However, this is juxtaposed with the tragic political background of a dictatorial regime.

Thierry Pécou Das Stück ist ein Nachspiel zur bekannten Zarzuela La Verbena de la Paloma von Tomas Bretón. Wie in einem Traum wird die Handlung ein zweites Mal entwickelt, aber mit einem anderen Ende und von einem

Thierry Pécou Photo: Cyrille Guir

Mit den Etüden III-VI setze ich meine musikalische Deutung der ShodoKalligraphie fort, die ich mit den Etüden I (2011/2012) und II (2012) begonnen habe. In der Etüde I hatte ich „zwei Linien” gezeichnet, in der Etüde II „zwei Linien und Punkte”. Etüde III steht nun für „eine starke Linie” und in den Etüden IV-VI beschreibe ich „harmonisch geformte Linien”, „Linien im Pianissimo” und „durch Lieder gezeichnete Linien”. Diese Etüden habe ich Momo Kodama gewidmet, die sie uraufführen wird.

Toshio Hosokawa

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World Premières / Uraufführungen

Kinderchor überlagert. Ich wollte den populären und satirischen Charakter der Zarzuela bewahren, indem ich dem Flamenco und der lateinamerikanischen Musik meine Reverenz erweise und damit der Partitur die lebensfrohe Spritzigkeit eines Karnevals einhauche – jedoch konfrontiert mit dem tragischen politischen Hintergrund eines diktatoriThierry Pécou schen Regimes.

through my ears. In doing this exercise, I found over and over, with increasing intensity, that my sense of hearing enabled a far denser differentiation of images and information to penetrate my soul. It is my wish that audiences listen to my composition with their eyes closed, at least partially. Perhaps this would permit a few particles of light to appear in Harald Weiss their mind’s eye.

Als Kind schloss ich manchmal für längere Zeit meine Augen, um mir vorzustellen, wie es wohl wäre, wenn man die Welt vorwiegend durch seine Ohren an sich heranliesse. Bei dieser Übung machte ich immer wieder und zunehmend intensiver die Feststellung, dass über den auditiven Sinn eine viel dichtere Differenzierung an Bildern und Informationen in mein Innerstes gelangten.

Ich wünsche mir, dass der Hörer meine Komposition mit geschlossenen Augen, zumindest teilweise, wahrnehmen würde. Möglicherweise könnten dabei auch ein paar Lichtpartikel in seinem inneren Auge entstehen.

Harald Weiss

Krzysztof Penderecki

La Follia per violino solo (2013) 13’ • 14 Dec 2013 · New York, NY (USA) Carnegie Hall, Stern Auditorium / Perelman Stage Anne-Sophie Mutter, violin In his choice of the title La Follia, Krzysztof Penderecki recalls the tradition of virtuosic variations on a Sarabande originating from the Baroque period. The theme is introduced first in pizzicato, then arco, and is developed in nine variations which exploit the full range of playing techniques on the violin. The breakneck speed of double stopping passages, artificial harmonics, extensive melodic arcs, sparkling arpeggios over all four strings, flying spiccato, and broken chords above the ostinato theme make high musical and technical demands on the performer.

Mit der Wahl des Titels La Follia stellt Krzysztof Penderecki sich in die seit der Barockzeit wirkende Tradition der kunstvoll-virtuosen Variation eines Sarabanden-Themas.

Neunmal verarbeitet er das zuerst pizzicato, später arco vorgestellte Motiv, dabei alle spieltechnischen Möglichkeiten der Geige einsetzend. Rasante Doppelgriff-Passagen, künstliche Flageoletts, weit gespannte Melodiebögen, perlende Arpeggien über alle vier Saiten, fliegende Spiccati und gebrochene Akkorde über dem ostinaten Thema stellen höchste musikalische und technische Anforderungen an den Spieler.

Benjamin Schweitzer

Sonett für achtstimmig gemischten Chor und Solofagott (2012-2013) Texte von Martin Opitz und Francesco Petrarca Textbearbeitung vom Komponisten (ital.)

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Anne-Sophie Mutter Photo: Harald Hoffmann / DG

Auftragswerk des Collegium Vocale Koblenz e.V. 12’ • 23 Nov 2013 · Bad Ems (D) St. Martin Nikolaus Maler, Fagott Collegium Vocale Koblenz Dirigent Manfred Faig

Hintergrund und bilden füreinander eine Art „Echoraum“, in dem Klänge aufgegriffen und weiterverarbeitet werden. So entsteht aus der Horizontale der Fagottstimme eine harmonisch-vertikale Ebene, während sich umgekehrt aus der Harmonik des Chorsatzes lineare Strukturen für die Fagottstimme herauslösen.

Benjamin Schweitzer

+ 24 Nov Koblenz (D) The text of this ‘small sound piece’ combines material from Petrarch’s well-known Sonnet No. 132 and its Baroque adaptation by Martin Opitz, alternating between – and sometimes mixing – Italian and German. The choir and solo bassoon oscillate between fore and background, creating an ‘echo space’ in which sounds are repeated and developed. The horizontal structure of the bassoon part thereby develops a harmonic vertical plane and, conversely, linear structures detach themselves from the harmony of the choral texture and enter the bassoon part.

Benjamin Schweitzer Der Text dieses „kleinen Klangstücks“ verwendet Material aus Petrarcas berühmtem 132. Sonett und dessen barocker Nachdichtung von Martin Opitz, wobei Italienisch und Deutsch sich teils abwechseln, teils miteinander vermischt werden.

Chorsatz und Solofagott treten wechselseitig in den Vorder- oder

Harald Weiss

Am Anfang war das Wort für gemischten Chor (SSATBarB), Kinderstimme, vier Schlagzeuger und Orgel (2012) Text aus dem Johannes-Evangelium (dt.)

Auftragswerk der St.-Johannis-Kantorei Rostock 15’ Schlagzeug (4 Spieler): I gr. Tr. · Trgl. · Amboss - II Kieselsteine in 3 Säckchen · Crot. (ad lib. Glsp.) - III Donnerblech · Tamt. · Glassplitter - IV Röhrengl.

• 10 Nov 2013 · Rostock (D) St. Nikolai Christiane Werbs, Orgel Rostocker Motettenchor Dirigent Markus Johannes Langer As a child, I sometimes closed my eyes for an extended period of time and imagined what it would be like to experience the world exclusively

Harald Weiss

Kreuzende Spuren Vier Lieder für Mezzosopran und Kammerensemble (2011-2012) nach Texten von Maria Bögel (dt.)

19’ Uraufführung des Gesamtzyklus I Abendfriede - II Zirkus - III September - IV Abschied in Namibia • 14 Dec 2013 · Oberkirchen (D) Stiftskirche Beate Josten, Mezzosopran Sebastian Wendt, Klarinette Jonas Pirzer, Vibraphon Raphael Tietz, Viola Peter Müller, Klavier Returning from Majorca one autumn evening, composer Harald Weiss met poet Maria Bögel at a defective ticket machine at the airport metro station in Hanover. The malfunctioning equipment brought them together, but since then their paths repeatedly crossed and a collaboration was planned combining words and sound. The result is this collection of four settings of Bögel’s poetry for mezzo soprano and small chamber ensemble composed by Weiss.

An einem herbstlichen Abend, aus Mallorca kommend, lernten sich der Komponist Harald Weiss und die

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Impressum

Dichterin Maria Bögel an einem defekten Fahrkartenautomaten bei einer U-Bahn-Haltestelle am Flughafen in Hannover kennen. Die fehlerhafte Technik brachte die beiden ins Gespräch. Seitdem kreuzen sich ihre Spuren immer wieder. Der Funke zu etwas Neuem sprang über – einer Verbindung von Wort und Klang.

Das Ergebnis sind die vorliegenden vier Vertonungen für kleines Kammerensemble von Harald Weiss zu den Gedichten von Maria Bögel.

Jörg Widmann

Drei Schattentänze für Klarinette (2013) Commissioned by Beijing International Music Competition and the Ernst von Siemens Musikstiftung 10’ I Echo-Tanz - II (Under) Water Dance - III Danse africaine • 3 Nov - 14 Nov 2013 · Beijing (CN) Beijing Concert Hall Beijing International Music Competition 2013 Participants of the Competition

Ryan Wigglesworth

Locke’s Theatre for orchestra (2013) Commissioned by Aldeburgh Music for the Britten centenary 9’ I The First Music - II Rustic Tune & Martial Jig - III Curtain Music pic.2.2.3.2.cbsn-4.3.3.1-timp.4perc2hp.cel-str • 22 Nov 2013 · Snape (UK) Snape Maltings Concert Hall Britten Centenary Concert, Aldeburgh Festival BBC Symphony Orchestra Conductor Oliver Knussen Locke’s Theatre takes as its departure point incidental music written for Shakespeare’s The Tempest by the 17th century English composer Matthew Locke. Aspects of Locke’s idiosyncratic and daringly advanced harmonic and rhythmic language were to be adopted (some might say perfected) by his younger friend and

protégé Henry Purcell. But it is the very rawness and directness of Locke’s theatre music that I wished to acknowledge and emulate. In each of my work’s three movements, the baroque originals, though very often submerged, remain a constant, shadowy presence.

Ryan Wigglesworth Die Bühnenmusik, die der englische Komponist Matthew Locke 1667 zu Shakespeares Schauspiel Der Sturm schrieb, ist Ausgangspunkt meiner Komposition Locke’s Theatre. Aspekte von Lockes eigentümlicher und gewagter harmonischer und rhythmischer Musik wurden von seinem jungen Freund und Schützling Henry Purcell übernommen, um nicht zu sagen: perfektioniert. Aber es ist gerade die Rauheit und Direktheit in Lockes Bühnenmusik, die ich bewahren und verarbeiten wollte. In jedem der drei Sätze meines Werkes ist das barocke Original dauernd und zugleich schattenhaft präsent, wenngleich sehr oft gleichsam verschüttet.

Ryan Wigglesworth

Twenty years after the Fantasie for solo clarinet, the last solo piece I composed for my own instrument, I have once more become completely enamoured with the soul and inner emotions of this wonderfully enigmatic instrument.

My primary objective in these Drei Schattentänze [Three Shadow Dances] is to view the clarinet from a completely different perspective than is customary and thereby encourage young clarinettists to develop an enthusiastic and playful approach to microtones, multiphonics, key click sounds, shadowy notes and other exciting new playing techniques.

Jörg Widmann Zwanzig Jahre nach meinem bisher letzten Solostück für mein Instrument, der Fantasie für Klarinette solo, habe ich mich noch einmal neu verliebt in die Seele und das Innenleben dieses wunderbaren Geheimnis-Instrumentes.

Es ist mein Hauptanliegen, in diesen Drei Schattentänzen Klarinette noch einmal ganz anders zu denken als gewöhnlich und dadurch junge Klarinettisten zu einem lustvoll-spielerischen Umgang mit Mikrotönen, Mehrklängen, Klappengeräuschen, Schattentönen und anderen aufregenden neuen Spieltechniken zu animieren.

Jörg Widmann

Herausgeber: Schott Music GmbH & Co. KG Verantwortlich: Dr. Christiane Krautscheid Redaktion: Sabine Schulz Mitarbeit: Christopher Peter, Rainer Schochow Layout: Stefan Weis, Mainz-Kastel Deadline / Redaktionsschluss: 15 September 2013 Schott Music GmbH & Co. KG Weihergarten 5 55116 Mainz Germany Tel.: +49 6131 246-885 Fax: +49 6131 246-250 sabine.schulz@schott-music.com Schott Music Ltd. 48 Great Marlborough Street London W1F 7BB Tel.: +44 20 7534 0750 Fax: +44 20 7534 0759 promotions@schott-music.com Schott Music Corporation 254 West 31st Street, 15th Floor New York, NY 10001 Tel.: +1 212 461 6940 Fax: +1 212 810 4565 ny@schott-music.com Schott Music Co. Ltd. Hiratomi Bldg., 1-10-1 Uchikanda, Chiyoda-ku Tokyo 101-0047 Tel.: +81 3-6695 2450 Fax: +81 3-6695 2579 promotion@schottjapan.com © Schott Music GmbH & Co. KG, Mainz Printed in Germany

Ryan Wigglesworth Photo: Benjamin Ealovega

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First Nights / Premieren

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wo brand-new operas based on children’s stories will receive their first nights at the end of this year: Composers Richard Ayres and Stefan Johannes Hanke have chosen classic tales, Peter Pan and Der Teufel mit den drei goldenen Haaren [The Devil with the Three Golden Hairs], as the basis for their new respective works. Paul Lincke’s seldom performed operetta Grigri can be seen in Berlin in an unorthodox staging set in the animal kingdom.

We look forward to the Japanese première of Aribert Reimann’s Lear, one of the most frequently staged contemporary operas, in the Nissay Theatre in Tokyo, one year after the highly acclaimed production of Reimann’s latest opera, Medea.

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leich zwei brandneue Opern für Kinder feiern noch bis zum Jahresende Premiere. Mit Peter Pan und Der Teufel mit den drei goldenen Haaren haben sich unsere Komponisten zweier Märchenklassiker angenommen. In einer ausgefallenen Inszenierung – verlegt ins Tierreich – kommt Paul Linckes selten gespielte Operette Grigri in Berlin wieder einmal zur Aufführung.

Besonders gespannt sind wir auf die japanische Erstaufführung des Lear von Aribert Reimann am Nissay Theatre in Tokio. Nachdem sich das Theater vor einem Jahr mit einer hochgelobten Inszenierung schon Reimanns jüngster Oper Medea gewidmet hatte, stellt es dem japanischen Publikum nun mit dem Lear eine der meistgespielten Opern unserer Zeit vor.

Kurt Weill Street Scene Musiktheater im Revier Gelsenkirchen 2012

Richard Ayres

Paul Lincke

Thierry Pécou

Richard Strauss

Peter Pan (No. 45)

Grigri

Die Frau ohne Schatten

• 19 Dec 2013 · Stuttgart (D) Opernhaus Roland Kluttig · Frank Hilbrich · Duncan Hayler (Uraufführung)

• 3 Nov 2013 · Berlin (D) Ernst-Reuter-Saal im Rathaus Reinickendorf Margret Hager · Isola-BellaSalonorchester

Un rêve de carnaval en mode andalou

Stefan Johannes Hanke

Paul Lincke

Der Teufel mit den drei goldenen Haaren

Frau Luna

• 30 Nov 2013 · Dresden (D) Semper 2 Ekkehard Klemm · Manfred Weiß · Kattrin Michel / Jee Hyun Kim

Engelbert Humperdinck

• 20 Dec 2013 · Hof (D) Theater Roland Vieweg · Karsten Jesgarz · Herbert Buckmiller · Götz Lanzelot Fischer

• 7 Dec 2013 · Reims (F) Opéra Thierry Pécou · Christine Mananzar · Luz Moreno / Roberto Plate · Luz Moreno / Karin Wehner · Catherine Lopez (World Première)

Aribert Reimann

Lear • 8 Nov 2013 · Tokyo (J) Nissay Theatre Tatsuya Shimono · Tamiya Kuriyama · Rumi Matsui · Ayako Maeda (Japanese Première)

• 21 Nov 2013 · München (D) Nationaltheater Kirill Petrenko · Krzysztof Warlikowski · Claude Badoui · Malgorzata Szczesniak

Eberhard Streul

Die Sternstunde des Josef Bieder • 9 Nov 2013 · Neustrelitz (D) Landestheater Wolfgang Lachnitt · Klaus Herre · Sigurd Karnetzki

Kurt Weill

Hänsel und Gretel

Street Scene

• 7 Nov 2013 · Ulm (D) Theater Daniel Montané · Benjamin Künzel · Mona Hapke

• 2 Nov 2013 · Hannover (D) Staatsoper Benjamin Reiners · Bernd Mottl · Friedrich Eggert · Alexandre Corazzola

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Anniversaries / Gedenktage

Karl Amadeus Hartmann 50th Anniversary of Death · 5 December 2013 When Karl Amadeus Hartmann died on 5 December 1963 at the age of 58, he left behind a legacy which, to this day, continues to exert an influence. During the Third Reich, Hartmann was forced to experience what it means for a composer not to be free to work creatively and what it means to a nation to be cut off from the new aesthetic trends of an entire era.

Against the background of these profound experiences, he set up the musica viva concert series in Munich in the early post-war years, and continued to organise these events up to the end of his life. The concerts were intended to familiarise post-war audiences with classical modern works and the latest music written by young composers. This guiding principle remains: musica viva, alongside the Donaueschinger Musiktage, the Darmstädter Ferienkurse and the Wittener Tage für Zeitgenössische Musik, is one of the most significant contemporary Karl Amadeus Hartmann music festivals in Germany.

Painting by Adolf Hartmann Hartmann’s compositions, especially his operas Simplicius Simplicissimus and Wachsfigurenkabinett and his eight large-scale symphonies, are a unique testimony to music with a message, and have long held a permanent place on stages and in concert halls. The world of contemporary music regards this extraordinary musical figure with gratitude and admiration.

Udo Zimmermann provides an apt description of Hartmann’s artistic ethos: ‘His outlook on life is imprinted on all his scores: a warning of the cruelties of this world, but simultaneously the resistance from within – a revocation of the spirits, love, and life itself.’

Als Karl Amadeus Hartmann am 5. Dezember 1963 im Alter von 58 Jahren starb, hinterließ er ein Erbe, das in vielfältiger Weise bis heute wirkt. Er hatte im Dritten Reich erfahren müssen, was es für einen Komponisten bedeutet, nicht frei schöpferisch arbeiten zu können, und was es für die Kultur einer Nation heißt, von den neuen ästhetischen Strömungen einer Epoche abgeschnitten zu sein.

Vor dem Hintergrund dieser elementaren Erfahrung rief er in den ersten Nachkriegsjahren die musica viva-Konzerte ins Leben, die er bis zu seinem Tod organisierte. Sie waren von dem Bestreben geprägt, das Publikum der Nachkriegsjahre mit den Werken der klassischen Moderne und der neuesten Musik junger Komponisten vertraut zu machen. Dieser Leitgedanke wirkt fort: musica viva ist heute neben den Donaueschinger Musiktagen, den Darmstädter Ferienkursen und den Wittener Tagen für Zeitgenössische Musik das wichtigste Festival für die Musik unserer Zeit in Deutschland.

Hartmanns Werke, vor allem seine Opern Simplicius Simplicissimus und Wachsfigurenkabinett sowie seine acht großen Symphonien sind ein einzigartiges Zeugnis bekenntnishafter Musik und haben längst einen festen Platz auf den Bühnen und Konzertpodien. Mit Dankbarkeit und Bewunderung schaut die Musikwelt heute auf diese außergewöhnliche Persönlichkeit.

Udo Zimmermann beschreibt Hartmanns künstlerisches Ethos eindrücklich: „Seine stets auf Humanität hinzielende Lebensauffassung ist all seinen Partituren eingeschrieben. Eine Warnung angesichts der Grausamkeiten dieser Welt, aber auch der Widerstand von ganz innen her: ein Widerruf der Geister, der Liebe und des Lebens.“

Paul Hindemith 50 Anniversary of Death · 28 December 2013 th

In the coming weeks, the musical world will be turning their thoughts to Paul Hindemith in commemoration of the fiftieth anniversary of his death on 28 December 2013. Hindemith, who was closely affiliated with Schott from 1919 onwards, was active in numerous areas of musical life as a composer, instrumentalist, conductor, music teacher and musical theorist. He left behind a substantial and widely varied musical legacy encompassing stage works, orchestral pieces, concertos, chamber music works, lieder, choral music and compositions for amateur musicians. He began his brilliant career as a provocative renegade of Late Romantic aesthetics but subsequently developed a style blending the traditions of contrapuntal writing with the typical characteristics of his harmonic and melodic language. He was a resolute opponent of the diktat of dodecaphony and the serial avant-garde of the 1950s – this attitude nearly caused him relegatation to the sidelines of musical history.

Today, many of his compositions have secured themselves an established place in concert programmes, thus fulfilling his own prognosis for success made in 1959: ‘If a contemporary work has survived the initial period of glittering sensation and is still being performed around twenty-five years later, it then certainly possesses characteristics which distinguish it from the rest.’

Die Musikwelt erinnert in diesen Wochen an Paul Hindemith, dessen Todestag sich am 28. Dezember 2013 zum 50. Mal jährt. Hindemith, der dem Schott-Verlag seit 1919 eng verbunden war, hat sich in vielen Bereichen des Musiklebens, als Komponist, Instrumentalist, Dirigent, Musikpädagoge und Musiktheoretiker betätigt. Er hinterließ ein umfangreiches und vielseitiges Oeuvre, das Bühnenwerke, Orchesterwerke, Konzerte, Kammermusik, Lieder, Chormusik und Werke für musikalische Laien umfasst. Seine fulminante

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Karriere begann Paul Hindemith er als provoziePainting by Rudolf W. Heinisch render Renegat spätromantischer Ausdrucksästhetik. Später entwickelte er einen Stil, in dem sich Traditionen kontrapunktischer Satzkunst mit den Charakteristika seiner Harmonik und Melodik verbinden.

Dem Diktat der Dodekaphonik und der seriellen Avantgarde der 1950er Jahre trat er konsequent entgegen – eine Haltung, die ihn zeitweise ins musikgeschichtliche Abseits zu drängen drohte.

Heute haben sich viele seiner Kompositionen einen festen Platz in den Konzertprogrammen erobert. Damit erfüllt sich für sein Oeuvre die Prognose, die er 1959 selbst so formulierte: „Hat ein heutiges Stück seine anfängliche Periode schimmernder Sensation überstanden und wird etwa fünfundzwanzig Jahre nach seinem ersten Erscheinen noch aufgeführt, so hat es gewiss Eigenschaften, die es vor anderen auszeichnen.“

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Birthday / Geburtstag

Krzysztof Penderecki 80 genres with a special double focus on works with a religious orientation and symphonic compositions.

Penderecki at Tampere Music Festival 2013 Photo: Maarit Kytöharju

The anniversary year 2013 sees the opening of the ‘European Krzysztof Penderecki Center for Music’ in Lusławice, Poland, which was conceived, established and supervised

by Penderecki. In this manifestation of a life-long ambition, he links the European concept with the encouragement of emerging musical talent, bringing together highly gifted young musicians from all over the world with internationally renowned soloists and enabling them to develop and extend their abilities within the framework of masterpupil partnerships. One of the categories to be found regularly in concert programmes and master classes right from the start: naturally jazz!

Congratulations, maestro!

T

he jazz composer Krzysztof Penderecki will celebrate his 80th birthday on 23 November. ‘Jazz composer’? Only someone who was unfamiliar with the impressive collection of symphonies, solo concertos, operas, choral works, oratorios and compositions for chamber ensembles would attach this label to the great Polish composer. And yet his only composition for jazz ensemble actually does represent a typical and forward-looking Penderecki work from a number of aspects.

Actions characteristically demonstrates Penderecki’s ability to process material and forms innovatively and individually. The work begins with ‘primitive sounds’ employing extended glissandos and fades away gently in conclusion. Despite the ferocity, drive and a number of improvisatory passages, the central structural element of the composition adheres to a sophisticated architectural plan which is always the original starting point of Penderecki’s compositions.

He has the complete blueprint of the work in his head before even having committed a single note to paper. A rough outline of the work is first traced out in coloured sketches in the initial stage of notation: ‘Only once I have found an architectural form which for me possesses a certain graphical logic can I then begin to write the music. It has become a sort of habit that I must first see the music before I hear it …’

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The location of the world premiere of Actions had already played a vital role in Penderecki’s earlier career: Donaueschingen. This was where the young Polish composer first trod the boards of the international stage in 1960 with his orchestral work Anaklasis which immediately took the world by storm. Although his works initially made extensive demands on both audiences and musicians, for example the inclusion of electric bells, singing saws, the striking of pieces of glass and iron and the operation of alarm sirens alongside a traditional instrumentation, not to mention his renouncement of melody, rhythm and harmony in Fluorescences which was also premiered in Donaueschingen, the composer nevertheless encountered approval and goodwill. Listeners recognised that this experimentation was not undertaken as an end in itself, but in the interests of an underlying concept and context. Subsequently, Penderecki would employ confessions of faith, freedom and tolerance as bridges of comprehension connecting him with his audiences.

The circumstances surrounding the World Première of Actions were also pioneering: the composition was commissioned in October 1971 to celebrate the 50th anniversary of the inauguration of the Donaueschinger Musiktage. The composer, then in his late thirties, made the decision to make his first public appearance

as a conductor – with consummate success. By the following year, he had already conducted concerts in numerous countries and produced a double LP issued by EMI with first recordings of his major works including Emanationen for double string orchestra, Fonogrammi for flute and chamber orchestra, De natura sonoris No. 2 and Kanon for string orchestra and tape. As a conductor, Penderecki still remains a very welcome guest of orchestras around the world. World-class soloists (from Isaac Stern, Mstislav Rostropovich and Boris Pergamenshikov to Anne-Sophie Mutter) have not only given the premières of his works, but also simultaneously cultivated deep and frequently long-sustained friendships with the maestro.

D

er Jazz-Komponist Krzysztof Penderecki wird am 23. November 80 Jahre alt. „Jazz-Komponist“? So würde wohl nur jemand den großen polnischen Meister nennen, der die eindrucksvolle Zahl der Sinfonien, Solokonzerte, Opern, die Chor- und Kammermusik und die oratorischen Werke nicht kennt.

Und doch ist seine einzige Komposition für ein Jazz-Ensemble ein in vieler Hinsicht typisches und wegweisendes Penderecki-Werk.

The musical style of Actions was also pioneering in its complete liberation from all aesthetic dogmas. Penderecki’s music knows no prohibitions or prescribed rules and yet displays a profound respect for tradition. Then as now, he has an impressive wide range of musical devices at his fingertips, although nowadays he naturally selects other elements than he did fifty years ago.

Penderecki has however always adhered to a single principle: every note and every sound must be integrated into a well thought-out concept. This holds true for each individual composition of his oeuvre which contains music of almost all

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Auch die Umstände der Uraufführung von Actions waren wegweisend: Die Komposition war ein Auftrag zum 50. Jahrestag der Gründung der Donaueschinger Musiktage im Oktober 1971. Der Komponist – zu diesem Zeitpunkt Ende 30 – entschied sich, zum ersten Mal als Dirigent aufzutreten – mit großem Erfolg. Binnen eines Jahres dirigierte er Konzerte in vielen Ländern und legte bei EMI eine Doppel-LP mit Ersteinspielungen wichtiger Werke vor, darunter Emanationen für zwei Streichorchester, Fonogrammi für Flöte und Kammerorchester, De natura sonoris Nr. 2 und Kanon für Streichorchester und Tonband. Bis heute ist der Dirigent ein gern gesehener Gast bei Orchestern rund um den Globus. Solisten von Weltrang (von Isaac Stern, Mstislaw Rostropowitsch und Boris Pergamenschikow bis hin zu AnneSophie Mutter) haben nicht nur Werke bei ihm in Auftrag gegeben, sondern pflegen eine oft jahrzehntelange innige Freundschaft zu dem Maestro.

Manuscript of Utrenja I/II

Actions zeigt in charakteristischer Weise, wie innovativ und individuell Penderecki mit Material und Form umgeht. Das Stück beginnt mit tiefen, aus „Urlauten“ aufsteigenden Klängen mit langgezogenen Glissandi und endet still verklingend. Die zentralen Elemente der Werkarchitektur folgen bei aller Wildheit, allem Drive und den improvisatorischen Anteilen

einem ausgeklügelten architektonischen Plan. Dieser ist stets der Ausgangspunkt von Pendereckis Kompositionen. Noch bevor er die erste Note zu Papier bringt, entsteht im Kopf ein perfekter Bauplan. Mit farbigen Skizzen des Formentwurfs beginnt die Niederschrift: „Wenn ich eine architektonische Form gefunden habe und diese eine graphische Logik

European Krzysztof Penderecki Music Center

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für mich hat, dann erst kann ich anfangen Musik zu schreiben. Es ist eine Art Gewohnheit, dass ich Musik erst einmal sehen muss, dann erst hören.“ Der Ort der Uraufführung von Actions spielt eine wichtige Rolle in Pendereckis Karriere: Donaueschingen. Hier hatte der junge Pole 1960 mit dem Orchesterwerk Anaklasis die internationale Bühne betreten und im Sturm erobert. Obwohl seine Werke anfänglich Publikum und Musikern einiges zumuteten, als etwa in dem ebenfalls in Donaueschingen uraufgeführten Fluorescences elektrische Klingeln, singende Sägen, geschlagene Glas- und Eisenstücke und Alarmsirenen das traditionelle Instrumentarium ergänzten und Melodik, Rhythmik und Harmonik fehlten, stieß der Komponist auf Wohlwollen und Zustimmung. Die Hörer spürten, dass hier das Experiment kein Selbstzweck war, sondern im Dienst einer Gesamtkonzeption und eines Sinnbezuges stand. Später waren es die in seinen Werken abgelegten Bekenntnisse zum Glauben, zur Freiheit, zur Toleranz in Verbindung mit seiner Musik, mit denen der Komponist die Brücke der Verständigung zum Publikum schlug.

Wegweisend war auch der musikalische Stil der Actions – völlig frei von allen ästhetischen Dogmen. Pendereckis Musik kennt keine Verbote oder Vorschriften, wohl aber einen tiefen Respekt für die Tradition. Seit seinen Anfängen verfügt er souverän über eine beeindruckende Bandbreite an musikalischen Mitteln, von denen er inzwischen freilich andere wählt als vor fünfzig Jahren. Einem Prinzip ist Penderecki immer gefolgt: Dass jede Note, jeder Klang im Dienst einer durchdachten Konzeption stehen muss. Dies gilt für jedes einzelne Werk eines Schaffens, das praktisch alle Gattungen umfasst, in dem Stücke mit religiösem Bezug ebenso einen Schwerpunkt bilden wie symphonische Werke.

Im Jubiläumsjahr 2013 eröffnete das von Penderecki erdachte, gegründete und geführte „European Krzysztof Penderecki Center for Music“ im polnischen Lusławice. In diesem Lebenswerk verknüpft er den europäischen Gedanken mit der Förderung des musikalischen Nachwuchses und bringt hochbegabte junge Musiker aus der ganzen Welt mit international renommierten Solisten zusammen, um mit Meister-SchülerPartnerschaften ihre Fähigkeiten langfristig zu entwickeln. Von Beginn an regelmäßig auf dem Veranstaltungsplan der Konzerte und Meisterklassen: Natürlich Jazz!

Herzlichen Glückwunsch, verehrter Maestro!

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Repertoire Recommendations / Tipps für Ihre Programmplanung

Tribute to …

H

omage compositions are a special form of ‘meta music’; a musical interaction wherein the typical soundworld of the composer is permeated by that of the honored figure. We see frequently that admiration is expressed in a completely unexpected form in these tributes. Familiar themes are placed in a new, contemporary aesthetic context – this hold particular appeal when the ‘old’ and ‘new’ languages of the two composers differ in the extreme.

Whenever a significant anniversary approaches, homage compositions offer the special opportunity to shed new light on the honoree and to create fascinating programmes.

In the following pages we offer ideas for concert planning including works of homage for ensemble and orchestral from the last decade.

H

ommage-Kompositionen sind eine ganz besondere Form von „MetaMusik”: Hier entsteht musikalische Interaktion. Die Klangwelt des Portraitierenden dringt in die des Portraitierten ein. Oft kommt in einer Hommage-Komposition in verblüffender Form Bewunderung zum Ausdruck. Bekannte Themen werden aufgegriffen und in einen eigenen, heutigen ästhetischen Kontext gestellt – das hat besonderen Reiz, wenn die „alte” und die „heutige” Musiksprache der Komponisten extrem voneinander abweichen.

Wann immer ein großes Jubiläum naht, bieten Hommage-Kompositionen besondere Möglichkeiten, den Jubilar in ein neues Licht zu rücken und spannende Abende zu programmieren.

Auf den folgenden Seiten geben wir Ihnen mit Ensemble- und Orchesterwerken der vergangenen 10 Jahre Tipps für Ihre Planung!

◆ = World Première / Uraufführung

Tribute to …

RICHARD WAGNER

by Gavin Bryars / Dieter Schnebel

Robert Beaser

Evening Prayer for orchestra (2008) 21’ orchestra: 3(2.pic).3(2.ca).3(2.bcl).3 (2.cbsn)-4.3.3.btbn-timp.4perc (2bng, 2timbales, 2cong, tom-t, tub bells, crot, Chinese cym, glsp, h.h, med tam-t, xyl, guiro, marac, 2steel pipes, 3sus cym, 3cow bell, 2wdbl, 3tempbl, cabaça, vib, vibraslap, ratchet, cym, mar, s.d, tri, anvil, b.d,

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bell tree, Chinese gong, 3slot drum, low tam-t, sizz cym, tamb)-hp.pnostr ◆ 15 Jun 2008 Boston (USA) · Boston Youth Symphony Orchestra · Federico Cortese Zoltán Kodály’s folk song Esti Dal [Evening Song] provides the impetus for my work, Evening Prayer. I have often used folk material in my pieces, usually from Appalachia, of-

ten setting it quite strophically. The song animates the piece on two different planes: the words ask humbly for safe and gentle transit to a foreign land; the narrative arch of the work actively mirrors this transformation and journey. And while the tune itself is quoted several ways throughout, it principally functions as a trope, fragmented and woven into the fabric of a wholly different musical world.

Robert Beaser

Zoltán Kodálys Volkslied Esti Dal [Abendlied] hat mich zu meinem Werk Evening Prayer angeregt. In meiner Musik habe ich oft Elemente aus der Volksmusik verwendet, vor allem aus der Region der Appalachen, wobei ich die strophische Struktur dieser Musik häufig übernommen habe. Esti Dal hat mein neues Stück in zweierlei Hinsicht beeinflusst: Zum einen berührte mich die demütige Bitte um sicheres

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Tribute to …

Geleit auf der Reise in ein fremdes Land. Zum anderen deutet der erzählerische Bogen eine Reise als Verwandlung. Ich zitiere die Melodie auf unterschiedliche Weise und verwende sie als rhetorisches Muster, das fragmentiert und in das Gewebe einer neuen musikalischen Klangwelt eingearbeitet wird.

Robert Beaser

Gavin Bryars

The Porazzi Fragment arranged for double bass choir (1999/2006) on a theme by Richard Wagner 15’ ensemble: 12 db ◆ 24 Jul 2007 Victoria (CA) · Karr Kamp double bass choir · Gavin Bryars The origins of this work lie in a 13 bar, unpublished fragment of music

by Richard Wagner, said to be the music he was playing on the piano on the night he died. It was music that seems to have preoccupied Wagner for many years, who composed it shortly after the completion of Parsifal in Palermo, Piazza dei Porazzi. Wagner’s original music

emerges at the conclusion of Bryars’ work, in the same way the funeral march from Beethoven’s ‘Eroica’ Symphony emerges at the end of Richard Strauss’ Metamorphosen, also for solo strings.

Gavin Bryars ließ sich für The Porazzi Fragment von einem dreizehntaktigen, unveröffentlichten Fragment eines Stücks aus der Feder Richard Wagners inspirieren, das dieser wahrscheinlich in der Nacht seines Todes auf dem Klavier gespielt hat.

Wagner hatte sich schon längere Zeit mit dieser Musik beschäftigt, spätestens seit der Vollendung des Parsifal in der Piazza dei Porazzi in Palermo. Bryars nimmt Wagners Musik als Ausgangsmaterial und lässt sie zum Ende noch einmal im Original erklingen, wie auch Richard Strauss den Trauermarsch aus Beethovens Eroica zum Ende seiner Metamorphosen zitiert.

Peter Eötvös

CAP-KO (dedicated to Béla Bartók) Concerto for Acoustic Piano, Keyboard and Orchestra (2005) 20’

SPECIAL RECOMMENDATION Yuki Yokota, Schott Tokyo:

Joji Yuasa

Chronoplastic II Hommage à E. Varèse for orchestra (1999/2000) 16’ orchestra: 3(1.afl, 2&3.pic).3(3.ca).3(3.Ebcl&bcl).3(3. cbsn)-4.3.3(3.btbn).1-4perc(vib, crot, sus cym, mar, 2tom-t, glsp, tri, xyl, tub bells, b.d, 4timp)-2hp.pno. cel-str(15.15.12.10.8) ◆ 9 Nov 1999 Tokyo (J) · Tokyo Symphony Orchestra · Hiroyuki Iwaki Edgar Varèse is the composer who most influenced Joji Yuasa. Not long after Yuasa joined ‘The Experimental Workshop’, a synthetic art group formed by young artists, musicians, and writers in Tokyo in 1951, he was deeply shocked when listening to Varèse’s music for the first time. Yuasa’s eyes and ears were opened up by the craft of music by Varèse that was not found in the development of traditional western music. Chronoplastic II is regarded as an acoustic structure in which space and time expand and contract, and Yuasa’s compositional technique and his constructive method of sound he has built up over the last 20 years, occur in the plastic space and time.

Edgar Varèse hatte großen Einfluss auf die Musik von Joji Yuasa. Yuasa war tief bewegt, als er Varèses Musik zum ersten Mal beim „Experimental Workshop” im Jahr 1951 hörte. Varèses Musik, die ganz anders als die traditionelle westliche Musik aufgebaut war, nahm Yuasa ganzheitlich ein. Chronoplastic II ist als akustische Struktur zu sehen, in der sich Raum und Zeit ausbreiten und wieder zusammenziehen. Yuasas kompositorische Technik und seine Methodik des Klangs, die er über die letzten zwanzig Jahre entwickelt hat, entstehen im plastischen Raum und in plastischer Zeit.

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Tribute to …

BÉLA BARTÓK

by Peter Eötvös Photo: Earnest Nash

Orchester: 2 (auch 2 Picc., 2. auch Altfl.) · 2 (2. auch Engl. Hr.) · 2 (2. auch Es-Klar.) · Bassklar. (auch Kb.Klar) · Sopransax. (auch Alt- u. Baritonsax.) · 2 (2. auch Kfg.) - 2 · 2 · 2 · 2 - S. (3 Spieler) (I: kl. Tr. · hg. Beck. · hg. tibet. Beck. · gr. Tr. · indisches Schellenbündel · Bong. · Tamt. · 2 Plattengl. · 3 hg. Röhrengl. · Trgl. · afrikan. Bohnen-Rassel – II: kl. Tr. · hg. Beck. · hg. tibet. Beck. · 2 Tomt. · Tamb. [mit Schellen] · Gong · 2 Plattengl. · 3 Crot. · Trgl. · Ocean-Dr. · afrikan. Bohnen-Rassel – III: kl. Tr. · hg. Beck. · hg. tibet. Beck. · 2 Bong. · Schellenbündel · Gong · 2 Plattengl. · Crot. · Trgl. · afrikan. Bohnen-Rassel · 2 chin. Beck.) - Cel. (auch Keyboard-Kontrolle) - Str. (10 · 8 · 6 · 6 · 4) (4. Kb. fünfsaitig) ◆ 26 Jan 2006 München (D) · Pierre-Laurent Aimard, Klavier und Keyboard · Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks · Peter Eötvös CAP-KO was written for special solo instruments. I use two grand pianos which are both played by the soloist: a normal acoustic grand piano which is used as part of the orchestra as an ‘echo chamber’, and a digital piano used as a solo instrument which, thanks to its electronic

equipment, enables the soloist to add extra notes. The resulting parallel intervals – a reference to Bartók – lead to an unusual kind of tonal virtuosity and tonal complexity.

CAP-KO is conceptually related to Bartók’s music in another way too, referencing the relationship between the solo instruments and percussion.

Peter Eötvös Bei CAP-KO benutze ich zwei Flügel, die beide vom Solisten gespielt werden: einen herkömmlichen, akustischen Flügel, der wie eine Art „Echokammer“ als Teil des Orchesters eingesetzt ist, und ein DigitalMIDI-Piano, als Soloinstrument, das durch seine elektronische Ausstattung dem Solisten die Möglichkeit gibt, zu jedem gespielten Ton noch einen anderen Ton zu addieren.

Durch die entstehenden parallel laufenden Intervalle – ein Bezug zur Musik von Bartók – ergibt sich eine ungewöhnliche Art von Klang-Virtuosität und Klang-Vielschichtigkeit.

CAP-KO steht noch in anderer Weise in konzeptionellen Beziehungen zu Bartóks Musik, wie zum Beispiel im Bezug auf das Verhältnis zwischen dem Soloinstrumentarium und den Schlaginstrumenten.

Peter Eötvös

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Repertoire Recommendations / Tipps für Ihre Programmplanung

SPECIAL RECOMMENDATION Christiane Krautscheid, Schott Mainz:

Dieter Schnebel

Re-Visionen für Orchester (1972-1992) 75’ Orchester: 3 (1. u. 2. auch Picc., 3. auch Altfl.) · 3 · Engl. Hr. · 3 (1. auch Es-Klar., 3. auch Sopransax. u.

Altsax. u. Bassklar.) · 2 · Kfg. - 4 (2. u. 4. auch Wagnertb.) · 3 · 3 (1 Tenor-, 2 Basspos.) · 1 - P. S. (Glsp. · Xylorimba · Vibr. · Röhrengl. · Trgl. · 2 Beck. [h./t.] · Tamt. · 3 Tomt. od. Sandbl. [h./m./t.] · kl. Tr. · gr. Tr. · Papier · Kasten mit großen Steinen · Donnerblech · Amboss) (2 Spieler) - Hfe. (od. 2 Git.) · Harm. (od. Orgelpositiv) - Str. - SATB, davon je 1 SAT solo ◆ 16 Jun 1989 Frankfurt (D) · Radio-Sinfonie-Orchester Frankfurt · Manfred Schreier (ohne Janácˇek-Moment) In his two-part cycle Re-Visionen, Schnebel pays mass tribute in a marathon of ten homages, each to different great composers. The composer has chosen a significant variety – both in terms of ensemble size and scope – of the individual movements, which range from the one-minute Mozart-Moment, to the almost half hour-long Schubert-Phantasie; and from the great orchestral movements through string and vocal ensembles to his Webern-Variationen in which performers are free to play any instrument they choose.

In Re-Visionen II, Schnebel picks up a single idea or concept from one of the honored works, observes it briefly through a variety of modern angles, and then places it back where it came from. As simultaneous anniversary celebrations for all ten of the portrayed composers are not expected, it is good that each movement of Re-Visionen can also stand on its own.

Der Hommage-a-thon: Gleich zehn großen Komponisten widmet sich Schnebel in seinem zweiteiligen Zyklus Re-Visionen. Dabei entscheidet er sich sowohl hinsichtlich der Besetzung als auch des Umfanges der einzelnen Portraits für eine erhebliche Bandbreite: vom einminütigen MozartMoment bis zur knapp halbstündigen Schubert-Phantasie, vom großen Orchestersatz über Streicher- und vokale Ensembles bis hin zu den WebernVariationen, deren Besetzung den Ausführenden frei gestellt ist.

In den „Momenten” der Re-Visionen II greift Schnebel einen Aspekt oder eine Idee aus einem der Werke des jeweiligen Meisters heraus, betrachtet ihn kurz aus verschiedenen, heutigen Blickwinkeln, um ihn dann wieder loszulassen.

Da gleichzeitige Jubiläumsfeiern für alle zehn portraitierten Komponisten nicht zu erwarten sind, freuen wir uns, dass sämtliche Sätze der Re-Visionen einzeln aufgeführt werden können.

Peter Eötvös

Hommage à Domenico Scarlatti für Horn solo und Streichorchester (2013) 9’ Orchester: Str. (5 · 4 · 3 · 3 · 1) ◆ 30 Noc 2013 (HU) · Szabolcs Zempléni, horn · Budapest Strings · Gregory Vajda (see page 5 / siehe Seite 5)

Alexander Goehr

When Adam Fell / Durch Adams Fall for orchestra, op. 89 (2010-11) 15’ Orchestra: 3(3.afl&pic).2(2.ca).

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schott aktuell · the journal · 6/2013

3(2.bcl,3.Ebcl).2(2.cbsn)-3.2.3.02perc(crots with bow, 2tri, 2tamb, guiro, bell tree, lion’s roar, slit drum)-hp-str ◆ 13 Jan 2012 London (UK) · Oliver Knussen · BBC Symphony Orchestra This composition takes its title from the Chorale by Bach, Durch Adams Fall ist ganz verderbt and is based on the extraordinary chromatic bass which Bach invented for his setting.

‘My own composition might be described as a kind of Chorale Prelude consisting of a number of settings of Bach’s complete bass-line falling from high up at the opening to extreme depths at the end, with juxtaposed sections based on a contrasting rising melody.’

Titel und musikalische Inspiration zu diesem Werk fand Alexander Goehr in Bachs Choral Durch Adams Fall ist ganz verderbt (BWV 637). Er beschreibt sein kompositorisches Vorgehen, das auf Bachs ungewöhnlichen chromatischen Fortschreibungen basiert, so: „Meine Komposition könnte als eine Art Choralvorspiel beschrieben werden. Sie besteht aus Variationen auf Bachs Basslinie, in den hohen Lagen beginnend und zum Ende hin in den tiefen Registern verklingend. Eine aufsteigende Melodie ist kontrastierend dagegengesetzt.”

Stefan Heucke

Metamorphosen eines Satzes von Franz Schubert für Streichquartett und großes Orchester, op. 45 (2003-2004) 25’ Orchester: Picc. · 2 · 3 (3. auch Engl.

Hr.) · 2 · Bassklar. · 2 · Kfg. - 4 · 3 · 3 · 1 - P. S. (Glsp. · Beck. · 3 Tamt. · kl.

Tr. · gr. Tr.) (3 Spieler) - Hfe. - Str. ◆ 27 Apr 2004 Solingen (D) · Artemis Quartett · Bergische Symphoniker · Romely Pfund Metamorphosen is based on the second movement, Andante con moto, from Schubert’s final string quartet in G major (D.887). This movement is quasi paraphrased in seven sections corresponding to the symmetrical structure of Schubert’s original score.

The work evokes the spirit of Schubert, creating a dialogue with him, both following and sometimes contradicting him. Through constant transformation (metamorphosis) of the musical material and semantic content, everything is in flux and is called into question: nothing remains as it was before.

Stefan Heucke Den Metamorphosen liegt das Andante con moto, der zweite Satz aus Schuberts letztem Streichquartett G-Dur D 887, zu Grunde. Dieser Satz wird in sieben Abschnitten, die die symmetrische formale Anlage des Schubertsatzes aufnehmen, gleichsam paraphrasiert.

Das Werk beschwört den Geist Schuberts, kommuniziert, dialogisiert mit ihm, folgt ihm und widerspricht ihm teilweise auch. Durch ständige Verwandlungen (Metamorphosen) des gesamten musikalischen Materials und semantischen Inhalts verändert sich alles, wird in Frage gestellt, nichts bleibt wie es vorher war.

Stefan Heucke

Tribute to …

JOHANN SEBASTIAN BACH

by Alexander Goehr / Dieter Sch

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Tribute to …

SPECIAL RECOMMENDATION Christopher Peter, Schott Mainz:

Rodion Shchedrin

Dialogues with Shostakovich Symphonische Etüden für Orchester (2001) 18’ Orchester: 2 Picc. · 2 · 2 · Engl. Hr. · Es-Klar. · 2 · 2 · Kfg. - 4 · 3 · 3 · 1 - P. S. (I: hg. Crot. · Mil. Tr. [hoch] · Choclo; II: Tamt. · Mil. Tr. [mittel] · Troika-Schellen · Pf.; III: 2 Tomt. [mittel/mitteltief]; IV: Beckenpaar · gr. Tr.) (4 Spieler) - Str. (18 · 16 · 14 · 12 · 10) ◆ 8 Nov 2002 Pittsburgh, PA (USA) · Pittsburgh Symphony · Mariss Jansons Unlike all other homage compositions presented in this issue of Schott Aktuell, Dialogues with Shostakovich originated out of a personal relationship. The friendship between the two composers began during the Second World War when Shchedrin was still a child and continued up to the death of Shostakovitch in 1975. Both spent a lot of time in their dachas during their vacations and also went on holidays together with their wives.

Shchedrin’s symphonic studies are intended as a commemoration of the composer and a dear friend – a perfect piece to combine in concert programmes with works by Dmitri Shostakovich.

Anders als bei allen anderen Hommage-Kompositionen in dieser Ausgabe des schott aktuell steckt hinter Dialogues with Shostakovich eine persönliche Beziehung. Die Freundschaft zwischen beiden Komponisten begann noch im Kindesalter Shchedrins während des zweiten Weltkriegs und währte bis zum Tod Schostakowitschs 1975. In den Ferien verbrachten beide viele Tage in ihren Datschen und fuhren gemeinsam mit ihren Ehefrauen in den Urlaub. Mit seinen symphonischen Etüden setzte Shchedrin insbesondere dem Menschen und Freund ein Denkmal – ein perfektes Kopplungstück in Konzerten mit Werken von Dmitri Schostakowitsch.

Heinz Holliger

Ardeur noire d’après Claude Debussy pour grand orchestre et choeur (ad lib.) (2008) (frz.)

7’ Orchester: 3 (3. auch Picc. und Altfl.) · 2 (2. auch Engl. Hr.) · Engl.

Hr. · 3 (3. auch Bassklar.) · Kb-Klar. · 3 (3. auch Kfg.) - 4 · 3 · 3 · 1 - P. S. (Crot. · Plattengl. · Gong · 2 Beck. · Sizzle-Beck. · 3 Tamt. · gr. Tr. [sehr t.]) (3 Spieler) - 2 Hfn. · Cel. - Str. (14 · 12 · 10 · 8 · 7 [6]) - Chor SATB ad lib. ◆ 12 Jul 2008 Zürich (CH) · Schweizer Kammerchor · Tonhalle-Orchester Zürich · Heinz Holliger Ardeur noire is based on the piano composition Les soirs illuminés par l’ardeur du charbon [The evenings illuminated by the glowing coal] by Claude Debussy – a homage to his coal merchant. This is one of Debussy’s final works composed in 1916. Heinz Holliger has now transformed this piece into an orchestral work with choir ad libitum singing the words of the title Les soirs illuminés par l’ardeur du charbon; their elegiac extended settings forms a tonal background.

hnebel

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Ardeur noire beruht auf dem Klavierwerk Les soirs illuminés par l’ardeur du charbon [Die Abende werden durch Kohlenglut erleuchtet] von Claude Debussy – eine Hommage an seinen Kohlenhändler. Es entstand 1916 und ist eine der letzten Kompositionen Debussys. Heinz Holliger transformiert sie zu einem Orchesterwerk mit Chor ad libitum.

Gesungen werden die Worte des Titels Les soirs illuminés par l’ardeur du charbon; sie bilden, elegisch ausgedehnt, den Klanghintergrund.

Toshio Hosokawa

Lotus under the moonlight Hommage à Mozart for piano and orchestra (2006) 22’ orchestra: 1(pic).0.2.2-2.0.0.02perc(b.d, foot-b.d, tam-t, cym.ant, 4Jap.wind bells[Furin], 4rins on timp, glsp, vib)-str ◆ 7 Apr 2006 Hamburg (D) · Momo Kodama, Klavier · NDR Sinfonieorchester · Jun Märkl In commemoration of Mozart Year, 2006, I selected his Piano Concerto No. 23 in A major K. 488, which has been among of my favorites of Euro-

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Repertoire Recommendations / Tipps für Ihre Programmplanung

Christian Jost

Mozarts 13097. Tag Sinfonia concertante Adagio funebre molto espressivo für Violine, Viola und Orchester (2005) 18’ Orchester: 0 · 2 · 0 · 0 - 2 · 0 · 0 · 0 Str. (Vl. I · Vl. II · Va. I · Va. II · Vc. · Kb.) ◆ 25 Jan 2006 Winterthur (CH) · Willi Zimmermann, Violine; Jürg Dähler, Viola · Orchester Musikkollegium Winterthur · Jac van Steen My Sinfonia concertante with the tempo indication ‘Adagio funebre molto espressivo’ is a type of funeral music commemorating the last day of Mozart’s life. I decided to use the exact instrumentation from Mozart’s Sinfonia concertante K. 364. I began the composition with the self-imposed challenge of creating my own compositional architecture superimposed on an already existing framework. Due to the restraints of Mozart’s instrumentation I was able to focus entirely on the construction of my funeral music, in the spirit of the compositional process customary among composers of the 18th century. Mozart and his contemporaries always experimented within prescribed form and instrumentation.

Christian Jost

Tribute to …

WOLFGANG AMADEUS MOZART

by Toshio Hosokawa / Christian Jost / Fazil Say / Dieter Schnebel / Enjott Schneider pean music since childhood. As I composed this concerto, I imagined a lotus flower still in its budding stage on a quiet moonlit night, in the moment of its blossoming. This dream is a humble expression of my admiration for Mozart’s music (and for Western music).Toshio Hosokawa Im Gedenkjahr 2006 ließ ich mich

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von Mozarts Klavierkonzert Nr. 23 in A-Dur KV 488 inspirieren, weil es schon seit meiner Kindheit eines meiner Lieblingswerke innerhalb der europäischen Musik ist. Als ich mein Konzert komponierte, stellte ich mir eine Lotusblüte in einer ruhigen, mondhellen Nacht vor: im Knospenstadium und den Augenblick des

Aufblühens träumend.

Diesem Traum möchte ich als bescheidenen Ausdruck meiner Verehrung für Mozarts Musik (und der westlichen Musik) musikalischen Ausdruck verleihen.

Toshio Hosokawa

Meine Sinfonia concertante mit der Satzbezeichnung „Adagio funebre molto espressivo“ ist eine Art Trauermusik auf Mozarts letzten Lebenstag. Ich entschied mich für exakt die gleiche Besetzung wie Mozarts Sinfonia concertante KV 364. Mit der selbst auferlegten Aufgabe, eine eigene kompositorische Architektur anhand eines bereits bestehenden Gerüstes zu erschaffen, begann ich die Komposition. Durch die angelegten Fesseln der Mozart’schen Orchesterbesetzung konnte meine ganze Konzentration auf die Komposition hin zu dem Bau meiner Trauermusik ausgerichtet werden – und dies fast im Sinne eines kompositorischen Prozesses, wie es bei den Komponisten im 18.

Jahrhundert üblich war: Mozart und seine Zeitgenossen experimentierten immer mit vorgegebenen Formen und Besetzungen.

Christian Jost

Christian Jost

Miserere Klangstudie zum „Qui tollis“ aus Mozarts Messe in c-Moll KV 427/417a

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Tribute to …

für Orchester (2006) 14’ Orchester: 0 · 2 · 0 · 2 - 2 · 0 · 2 · 0 Str. (8 · 6 · 6 · 4 · 2) ◆ 19 May 2006 Kaiserslautern (D) · SWR Rundfunkorchester Kaiserslautern · Christian Jost When I decided to compose my Miserere, I resolved to work with one or two musical models from the ‘Qui tollis’ in the Gloria of Mozart’s Mass in C minor K. 427/417a. I suddenly had the feeling of being inside Mozart’s head, experiencing the 200 year old musical material as if it was entirely new – just invented, only just heard, notated, employed, developed, welded and interlaced. The material had become my own, but accompanied by the same eternal problem: from which direction did it come and in which direction should I lead it? So I was inhabiting Mozart’s brain and yet was further away perhaps than ever before.

Christian Jost Als ich den Entschluss fasste, Miserere zu komponieren, stand für mich unmittelbar fest, mit einem oder zwei musikalischen Modellen des „Qui tollis“ aus dem Gloria der Messe in c-Moll KV 427/417a von Mozart zu arbeiten. Plötzlich hatte ich ein Gefühl, als ob ich in dessen Kopf stecke, empfand über 200 Jahre altes Tonmaterial als brandneu, gerade erst erfunden, eben erst gehört,

niedergeschrieben, angewandt, entwickelt, eingeschweißt und eingeflochten. Es wurde mein eigenes Material mit der gleichen ewig neuen Problematik: Wo kommt es her und wo führe ich es hin? So steckte ich drin in seinem Kopf und war vielleicht so weit entfernt wie selten Christian Jost zuvor.

Christian Jost

CodeNine Metamorphosen von vier Klangelementen der 9. Sinfonien Beethovens, Bruckners und Mahlers sowie der „Unvollendeten“ von Schubert für Orchester (2009) 16’ Orchester: 3 · 2 · Engl. Hr. · 2 · Bassklar. · 2 · Kfg. - 4 · 2 · 2 · Basspos. · Kb.-Pos. · 0 - P. - Str ◆ 12 Sep 2009 Ulrichshusen (D) · Konzerthausorchester Berlin · Lothar Zagrosek In this orchestral work, Christian Jost deals with the topic of transition, both as a phase within a musical work and as a musico-historical phenomenon. For that, he selected four excerpts from the slow movements of major late-Romantic works and put them in a new, modern context: tonal figures from the ninth symphonies of Beethoven, Bruckner and Mahler as well as Schubert’s ‘Unfinished’ Symphony. He forgoes

SPECIAL RECOMMENDATION Norman Ryan, Schott New York:

Alvin Singleton

Tribute to …

CLAUDE DEBUSSY

by Heinz Holliger

Blueskonzert for piano and orchestra (1995) 17’ orchestra: 2.2.2.2-2.2.2.0-str ◆ 30 Sep 1995 Houston, TX (USA) · Ursula Oppens, piano · Houston Symphony · Stephen Stein Composed for pianist Ursula Oppens, Singleton’s Blueskonzert was written in memory of the great jazz composer and saxophonist Julius Hemphill.

Though hardly a blues in a traditional sense, the work is a powerful and elegiac concerto with a uniquely evolving relationship between piano and orchestra. The work builds tension through sudden shifts in mood and character, providing no hint to the listener as to what will follow.

Blueskonzert was commissioned by a consortium of the Houston Symphony, the Detroit Symphony Orchestra and the Kansas City Symphony.

Das für die Pianistin Ursula Oppens komponierte Blueskonzert ist eine Hommage an den großen Jazzkomponisten und Saxophonisten Julius Hemphill. Es ist kein Blues im strengen Sinn, vielmehr ein kraftvolles und elegisches Konzert, in dem Klavier und Orchester eine besondere Beziehung aufbauen. Plötzliche Stimmungs- und Charakterwechsel schaffen Spannung und lassen den Zuhörer im Ungewissen über das, was kommen wird. Das Blueskonzert ist ein Gemeinschaftsauftrag der Houston Symphony, des Detroit Symphony Orchestra und der Kansas City Symphony.

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any main motifs but interweaves the melodic and harmonic material of a transitional passage into a new ‘music of transition’.

In diesem Orchesterwerk beschäftigt sich Christian Jost mit dem Thema des Übergangs, sowohl als Phase innerhalb eines musikalischen Werks als auch als musikgeschichtliches Phänomen. Dazu hat er vier Ausschnitte aus den langsamen Sätzen bedeutender Spätwerke gewählt und diese in einen neuen, heutigen Zusammenhang gestellt: Klanggestalten aus den neunten Symphonien von Beethoven, Bruckner und Mahler sowie aus Schuberts „Unvollendeter“. Er verwendet dabei keine Hauptmotive, sondern verwebt jeweils das melodische und harmonische Material einer überleitenden Passage zu einer neuen „Musik des Übergangs“.

Aribert Reimann

Prolog zu Beethovens 9. Sinfonie auf einen Text von Friedrich Schiller für Chor und Streichorchester (20122013) (dt.)

12’ Orchester: Str. (16 · 14 · 12 · 10 · 8) ◆ 19 Oct 2013 Wien (A) · Wiener Singakademie · Wiener Philharmoniker · Gustavo Dudamel Aribert Reimann builds his Prolog in the opposite direction of the famous Ninth Symphony: whereas Beethoven ends his Symphony with the choral hymn ‘Ode to Joy’, Reimann begins his composition with an a cappella choral movement using lines of poetry which Friedrich Schiller omitted in the later version of his poem, and which were never

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Repertoire Recommendations / Tipps für Ihre Programmplanung

Mozart has never been heard like this before!

Seine hinreißende Mozart-Paraphrase ist das bekannteste und beliebteste Stück von Fazil Say. Regelmäßig spielt er selbst Alla Turca Jazz als Zugabe in seinen Konzerten. Viele Klavierspieler haben die Notenausgabe der Fassung für Klavier solo gekauft, etliche von ihnen haben Videos von ihrer Interpretation auf YouTube veröffentlicht.

Auch in der Fasssung mit Orchester begeistert Alla Turca Jazz, denn auch hier gilt: So hat man Mozart noch nie gehört!

Enjott Schneider

At the Edge of Time

Tribute to …

FRANZ SCHUBERT

by Stefan Heucke / Christian Jost / Dieter Schnebel

Reflections on Mozart’s Requiem KV 626 für Orchester (2006) 18’ Orchester: 2 (2. auch Picc.) · 1 · Engl.

Hr. · 2 · 1 · Kfg. - 4 · 2 · 3 · 0 - P. S. (Trgl. · Beck. · Tamt. · kl. Tr. · gr. Tr.) (1 Spieler) - Str. (16 · 14 · 12 · 10 · 8) ◆ 9 Feb 2006 Bacau (RO) · Filarmonica „Mihail Jora“ Bacau · Johannes Skudlik

At the Edge of Time is an homage to Wolfgang Amadeus Mozart: patterns and motifs from his Requiem (K. 626) create an emotional meshwork held together melodically by the solo cor anglais – the traditional instrument for death and lamentation. A turbulent central section, inspired by the rhythms and motifs of the Dies Irae, leads through a frenzied climax with strange, existentially harrowing clusters of sound into sudden silence and nothingness.

Over a long pedal tone, the music shudders one final time and quotes Mozart’s Lacrimosa in the same long and fragmented manner as it appears in his own hand in the last of his surviving compositions.

Enjott Schneider At the Edge of Time ist eine Hommage an Wolfgang Amadeus Mozart: Aus Bewegungsmustern und Motiven seines Requiem (KV 626) entsteht ein emotionales Geflecht, das vom solistischen Englischhorn – dem traditionellen Instrument von Tod und jenseitiger Klage – melodisch zusammengehalten wird. Ein furioser Mittelteil, von Rhythmik und Motivik des Dies irae inspiriert,

SPECIAL RECOMMENDATION Sally Groves, Schott London:

set to music by Beethoven.

In these explicitly political passages, Schiller urges individuals to liberate themselves from the ‘tyrants’ chains’ and to let the ‘lying brood perish’. Reimann only permits the (string) orchestra to enter at the conciliatory line: ‘The dead, too, should live’. ‘Just before the end of the prologue I have reiterated the first line, “Escape the tyrants’ chains”, here sung in unison by the entire choir as an urgent appeal in view of all that is taking place in the world today.’ (Aribert Reimann) Aribert Reimann geht in seinem Stück den umgekehrten Weg der berühmten Neunten: Während Ludwig van Beethoven seine Symphonie mit der Chorhymne „Ode an die Freude“ endet, beginnt Reimann sein Stück mit einem a cappella Chorsatz. Er verwendet dabei Gedichtzeilen, die Friedrich Schiller für die spätere Fassung gestrichen hat und die von Beethoven nicht vertont wurden.

In diesen explizit politischen Zeilen appelliert Schiller an die Menschheit, Freund und Feind zu versöhnen. Erst zu der tröstlichen Zeile „Auch die Toten sollen leben“ lässt

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Reimann das (Streich-) Orchester einsetzen. „Kurz vor Schluss des Prologs habe ich noch einmal den ersten Satz ‚Rettung von Tyrannenketten’, diesmal unisono im ganzen Chor, aufgegriffen, als Appell angesichts all dessen, was sich heute in der Welt ereignet.“ (Aribert Reimann)

Fazil Say

Alla Turca Jazz Fantasie über das Rondo aus der Klaviersonate in A-Dur KV 331 für Klavier und Orchester (1993/2003) 4’ Orchester: 2 · 2 · 2 · 2 - 0 · 0 · 0 · 0 S. (Beck. · gr. Tr.) (2 Spieler) - Str. Fazil Say’s enchanting Mozart paraphrase is his best-known and most popular work; he plays his Alla Turca Jazz regularly as an encore in his own concerts. Numerous pianists have bought the music in the version for solo piano, some of them have even posted videos of their interpretation on YouTube!

This version of Alla Turca Jazz for piano and orchestra has also been performed to great acclaim –

Mark-Anthony Turnage

Scorched for jazz trio and orchestra (1996-2001) composed by Mark-Anthony Turnage and John Scofield 80’ trio: egtr(gtr).bgtr(acoustic bass).drum kit orchestra:2(1. pic 2. afl,pic) · 2(ca) · 2(1. Ebcl,bcl 2. bcl) · ssax(asax) · 2(2. cbsn) - 2 · 2 · 2 · euph · 1 - 2perc(glsp, vib, mar, hand bells, cow bell, sus cym, timbales, bongs, tamb, conga, timp, b.d, pedal b.d, clav, wdbl, whip) · bgtr · hp. · pno(cel) - str ◆ 7 Sep 2002 Frankfurt/Main (D) · John Scofield, electric guitar · John Patitucci, bass guitar · Peter Erskine, drum kit · Radio-Sinfonie-Orchester Frankfurt · hr Big Band · Hugh Wolff The triumphant collaboration between Mark-Anthony Turnage and saxophonist Martin Robertson, jazz drummer Peter Erskine and guitarist John Scofield with Blood on the Floor led to a closer collaboration between Turnage and John Scofield, whose music he loves. Scorched was the result – the title is a derivative of ‘Scofield Orchestrated’ – though the work goes beyond simple arrangement. Rather it is the synthesis of two composer’s highly individual but ultimately compatible musical worlds.

Die außergewöhnlich intensive Zusammenarbeit zwischen Mark-Anthony Turnage, dem Saxophonisten Martin Robertson, dem Jazz-Schlagzeuger Peter Erskine und dem Gitarristen John Scofield bei Blood on the Floor brachte Turnage auf die Idee, eine von Scofields Kompositionen zu arrangieren. Das Ergebnis war Scorched – der Titel ist ein Wortspiel aus „Scofield Orchestrated” – wobei das Werk weit über ein bloßes Arrangement hinausgeht. Vielmehr ist es eine Synthese der höchst individuellen, dabei zugleich eng verwandten musikalischen Welten zweier Komponisten.

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Tribute to …

führt in großer Steigerung mit fremdartigen und existentiell erschütternden Klangballungen zu plötzlicher Stille und zum Nichts: Über einem langen Pedalton erzittert die Musik ein letztes Mal und zitiert Mozarts Lacrimosa genau so lange und fragmentarisch, wie es aus seiner Handschrift als letztes der von ihm überlieferten Stücke erhalEnjott Schneider ten ist.

Rodion Shchedrin

Beethovens Heiligenstädter Testament Sinfonisches Fragment für Orchester (2008) 12’ Orchester: Picc. · 2 · 2 · 2 · 2 - 3 · 2 · 3 · 0 - P. - Str. (16 · 14 · 12 · 10 · 8) ◆ 18 Dec 2008 München (D) · Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks · Mariss Jansons In 1802 Ludwig van Beethoven wrote a letter to his brothers Carl and Johann in which he described the effects of his advancing deafness. At the same time, he positioned himself in this letter as a human being and as an artist in a world that was becoming increasingly closed to him. It was only after his death that this moving document was found and named ‘Heiligenstädter Testament’ after its place of origin. Beethoven’s lament serves Rodion Shchedrin as a starting point for his concert overture.

Im Jahr 1802 schrieb Ludwig van Beethoven seinen Brüdern Carl und Johann einen Brief, in dem er die Auswirkungen seiner fortschreitenden Ertaubung beschrieb. Gleichzeitig verortete er sich darin menschlich und künstlerisch in der ihm immer fremder werdenden Welt. Erst nach seinem Tod wurde dieses bewegende Dokument gefunden und nach dem Ort der Entstehung „Heiligenstädter Testament“ genannt.

Beethovens Klage dient Rodion Shchedrin als Anknüpfungspunkt für seine Konzertouvertüre.

Alvin Singleton

After Choice for string orchestra (2009) 8’ ◆ 10 Jun 2009 New York, NY (USA) · Orchestra of the League of Composers · Louis Karchin

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Tribute to …

LUDWIG VAN BEETHOVEN

by Aribert Reimann / Rodion Shchedrin / Jörg Widmann Alvin Singleton’s After Choice utilizes licks from the late violin master Leroy Jenkins in a manner at once austere and opulent. This work, in memory of Mr. Jenkins, juggles and juxtaposes a recurring pizzicato phrase against arco lines and is punctuated by elements of sudden silences and suspense.

After Choice ist dem 2007 verstorbenen Ausnahmegeiger Leroy Jenkins in memoriam gewidmet und verarbeitet einige seiner Licks auf zugleich strenge und opulente Weise.

Singleton jongliert mit einer wiederkehrenden Pizzicato-Phrase, „arco“ zu spielenden Linien und Passagen plötzlicher Ruhe und Spannung.

Jörg Widmann

Con brio Konzertouvertüre für Orchester (2008; reduzierte Fassung 2013) 12’ Orchester: 2 (2. auch Picc.) · 2 · 2 · 2 2 · 2 · 0 · 0 - P. (1 Spieler) - Str. (14 · 12 · 10 · 8 · 6 / red. Fassung: 10 · 8 · 6 · 4 · 3) ◆ 25 Sep 2008 München (D) · Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks · Mariss Jansons ◆ (red. Fassung): 24 Aug 2013 Rendsburg (D) · Schleswig-Holstein Festival Orchester · Jörg Widmann It was at the suggestion of the conductor of the World Première, Mariss Jansons, that Jörg Widmann refers to the musical characteristics of Beethoven’s 7th and 8th Symphony in Con brio. His starting point were specific types of rapid movement in the Beethoven works, which he translates into his own brilliant mu-

sical language. Widmann has chosen to use the same instrumentation as Beethoven’s symphonies and takes up the task of creating a similar ‘fury and rhythmic insistence’ with these economical means.

Auf Anregung des Dirigenten der Uraufführung, Mariss Jansons, bezieht sich Jörg Widmann auf musikalische Charakteristika von Ludwig van Beethovens 7. und 8. Sinfonie.

Seine Anknüpfungspunkte sind vor allem spezifische schnelle Bewegungstypen bei Beethoven, die er genial in seine Klangsprache übersetzt. Für sein Stück wählt Widmann exakt die Besetzung der BeethovenSinfonien und stellt sich der Aufgabe, mit diesen reduzierten Mitteln ähnlichen „Furor und rhythmisches Drängen“ (Widmann) zu entfachen.

Con brio eignet sich hervorragend als zeitgenössisches Kopplungsstück für Konzerte mit Beethoven-Sinfonien.

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New Publications / Neue Publikationen

■ Solo Naji Hakim Ezpata Dantza for Organ 3’ ED 21685

Naji Hakim Variations sur Auprès de ma blonde für Klavier 10’ ED 21689

Xuntian He Scent Dance I for clarinet solo 5’ KLB 85

Xuntian He Scent Dance II for violoncello solo 5’ CB 251

Christian Jost Portrait für Violine solo 5’ VLB 184

Wilhelm Killmayer Drei Konzertstücke für Violoncello solo 9’ CB 210

Thierry Pécou Perroquets d’Azur pour hautbois seul pour saxophone soprano (ou alto) seul 6’ ED 21682 (hautbois) ED 21681 (saxophone)

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Fazil Say

Kenneth Hesketh

Enjott Schneider

Nietzsche und Wagner, op. 49 für Klavier 10’ ED 21799 The Virtuoso Piano Transcription Series 17

The Doctrine of Affections for eight wind instruments 14’ ED 13482 (score) ED 13482-10 (Stimmensatz)

Der Minuten-Tristan für zwei Klaviere 6’ ED 21402 (zwei Spielpartituren)

Pe-teris Vasks Cycle for piano 12’ ED 21266

Enjott Schneider Kenneth Hesketh What if...? (op[f]er) for piano four hands 3’ ED 13451 (performance score)

Alvin Singleton Paul Hindemith

■ Chamber Music Don Banks Four Pieces for String Quartet 14’ ED 13539 (score and parts)

Gavin Bryars Lauda: The Flower of Friendship for electric guitar, viola, cello and double bass 14’ ED 13528 (score and parts)

Joe Duddell Tree Carving for flute, viola and harp 5’ ED 13306 (score and parts)

Xuntian He Scent Dance III für Streichquartett 8’ ED 21454 (Partitur und Stimmen)

Drei biblische Geschichten für Erzähler und Orgel 24’ ED 21722

Rondo Originalfassung für 3 Gitarren (herausgegeben von Luitgard Schader) 2’25’’ GA 562 (Partitur und Stimmen)

Kamran Ince Köcekce für Violine und Klavier 10’ ED 30102

Steve Martland Short Story for Saxophone Quartet 5’ ED 13298 (score and parts)

Thierry Pécou Les machines désirantes, variance pour piano et quatuor à cordes 16’ ED 21661 (Partitur und Stimmen)

Dieter Schnebel Sonanzen für Streichquintett 27’ ED 21154 (Partitur und Stimmen)

Greed Machine for vibraphone and piano 7’ ED 30086

Jörg Widmann Nachtstück für Klarinette in A, Violoncello und Klavier 9’ ED 9764 (Partitur und Stimmen)

Jörg Widmann 180 beats per minute für Streichsextett 6’ ED 21265 (Partitur und Stimmen)

■ Vocal Music Naji Hakim Missa brevis für gemischten Chor (SATB) (lat.)

14’ C 55900 (Chorpartitur)

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Bertold Hummel Ehre sei Gott (Gloria) Motette für gemischten Chor (SATB) a cappella (dt./engl.)

6’ C 54677 (Chorpartitur)

Aribert Reimann Rilke-Fragmente Texte von Rainer Maria Rilke für Sopran und Klavier (dt./frz.)

15’ ED 21406

Nino Rota Ovunque il guardo io giro Canzone sacra per coro di bambini (SMezA) (ital.)

3’ C 55096 (Chorpartitur)

■ Study Scores

■ Catalogue

Gavin Bryars

Stage Works (dt./engl./frz.)

KAT 394-99

Piano Concerto (The Solway Canal) for solo piano, male choir (TTBB, 18 voices) and orchestra (Eng.) ED 13529

Mikis Theodorakis Axion Esti, AST 292 Oratorio für Bariton, lyrischen Bariton, Erzähler, gemischten Chor und Orchester (griech.)

ED 21632

Ryan Wigglesworth Sternenfall for orchestra ED 13531

Enjott Schneider So ich mich selber lese für hohe Singstimme und Orgel (dt.)

10’ ED 21541

Pe-teris Vasks Sava- tauta(Durch sein Volk / By His People) für gemischter Chor (SATB) (let.)

3’ C 54932 (Chorpartitur)

Huw Watkins Five Larkin Songs for soprano and piano (Eng.) 12’ ED 13300

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■ Book Spuren Der Komponist Jörg Widmann (herausgegeben von Hans-Klaus Jungheinrich) 102 Seiten – broschiert (dt.)

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New Recordings / Neue Einspielungen

■ New on WERGO Toshio Hosokawa Urbilder · Blossoming · Kalligraphie Floral Fairy Landscape I Silent Flowers Arditti Quartet WERGO WER-67612

■ CDs Gavin Bryars Tre Laude Dolce + Britten, Tavener Matthew Barley (cello) SIGNUM SIGCD318

Werner Egk Die Zaubergeige La Tentation de Saint Antoine Bayerische Staatsoper · Werner Egk MAGDALEN METCD 8018

Peter Eötvös Love and other Demons Glyndebourne Festival 2008 · London Philharmonic Orchestra · The Glyndebourne Chorus · Vladimir Jurowski GLYNDEBOURNE LABEL GFOCD 020-08

Jean Françaix Concerto pour clavecin et ensemble instrumental + Glass, Rutter Christopher D. Lewis (harpsichord) · West Side Chamber Orchestra · Kevin Mallon NAXOS 8.573146

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Jean Françaix

Paul Hindemith

Pe-teris Vasks

Concertino pour piano et orchestre + Debussy, Poulenc, Ravel Florian Uhlig (piano) · Deutsche Radio Philharmonie Saarbrücken Kaiserslautern · Pablo González HÄNSSLER CLASSIC 93.302

Messe Apparebit repentina dies Lieder nach alten Texten Six Chansons SWR Vokalensemble Stuttgart · Mitglieder des Radio-Sinfonieorchester Stuttgart des SWR · Marcus Creed HÄNSSLER CLASSIC 93.295

Epifania + various composers Ostrobothnian Chamber Orchestra · Juha Kangas ALBA ABCD 355

Alexander Goehr Since Brass, nor Stone … … around Stravinsky Quintet for clarinet and strings manere Largo Siciliano Colin Currie (percussion) · Pavel Haas Quartet · David Alberman (violin) · Gareth Hulse (oboe) · Richard Hosford (clarinet) · Ursula Leveaux (bassoon) · Richard Watkins (horn) · Laura Samuel (violin) · Lawrence Power (viola) · Paul Watkins (cello) · Marianne Thorsen (violin) · Ian Brown (piano) NMC NMC D187

Alexander Goehr Cities and Thrones and Powers + various composers BBC Singers · Stephen Disley (organ) · Stephen Cleobury PRIORY PRCD1097

Paul Hindemith Der Schwanendreher Trauermusik Kammermusik Nr. 5 Konzertmusik für Solo-Bratsche und größeres Kammerorchester (frühe Fassung) Tabea Zimmermann (viola) · Deutsches Symphonie-Orchester Berlin · Hans Graf MYRIOS CLASSICS MYR 010

Sir Peter Maxwell Davies Five Pieces Parade Richard Casey (piano) PRIMA FACIE PFCD017/18

Pe-teris Vasks Bass Trip + various composers Ödön Rácz (double bass) GRAMOLA 98 935

Pe-teris Vasks

Concerto per pianoforte ed orchestra Florian Uhlig (piano) · Polish Radio Symphony Orchestra · Łukasz Borowicz HÄNSSLER CLASSIC 98.018

Konzert für Flöte und Orchester Sonata for Flute and Alto Flute Solo Aria e danza per flauto e pianoforte Ainava ar putniem Michael Faust (flute, alto flute) · Sheila Arnold (piano) · Sinfonia Finlandia Jyväskylä · Patrick Gallois NAXOS 8.572634

Rodion Shchedrin

Kurt Weill

Beethovens Heiligenstädter Testament

Zaubernacht Kathrin Rabus (violin) · Theresa Vit (violin) · Christian Pohl (viola) · Ute Sommer (cello) · Albert Sommer (double bass) · Christoph Renz (flute) · Uwe Grothaus (bassoon) · Klaus Reda (percussion) · Gerrit Zitterbart (piano) · Ania Vegry (soprano) CPO 777 767-2

Krzysztof Penderecki

Jörg Widmann Con brio + Beethoven, various composers Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks · Mariss Jansons BR MEDIA 900119

Enjott Schneider Orgelsinfonie No. 4 + „Resurrectio”, various composers Winfried Böning (organ) MOTETTE MOT 13721

Richard Strauss

Jörg Widmann Jagdquartett + Haydn, Schubert Ragazze String Quartet CHANNEL CLASSICS 34613

Deutsche Motette, op. 62 Drei Männerchöre + Zwei Gesänge Iwona Sobotka (soprano) · Christa Mayer (alto) · Dominik Wortig (tenor) · Konrad Jarnot (baritone) · Rundfunkchor Berlin · Michael Gläser COVIELLO COV 41213

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News

Eötvös and Say: ECHO and Gramophone Award

Wien Modern: Focus on Peter Eötvös

The double CD featuring Moldavian violinist Patricia Kopatchinskaja, hr-Sinfonieorchester and Ensemble Modern with violin concertos by Peter Eötvös, Béla Bartók and György Ligeti received the 2013 ECHO Klassik award in October, not long after being presented with the 2013 Gramophone Classical Music Award for Recording of the Year on 17 September. Composer Fazil Say was the recipient of the ECHO Klassik Special Prize for his album ‘Istanbul Symphony’ at label Naïve. Herbert Schuch’s recording of piano concertos by Viktor Ullmann und Ludwig van Beethoven was also honoured with a prize in the category ‘Concert Performance of the Year (20th and 21st century)/Piano’.

The 26th Wien Modern festival for contemporary music will include a programmatic focus on composer Peter Eötvös. Following the opening concert, to include The Gliding of the Eagle in the Skies (24 Oct, ORF Radio-Symphonieorchester Wien/Cornelius Meister), will be the World Première of his opera Paradise Reloaded (Lilith) by the Neue Oper Wien (25 Oct). Further performances include zeroPoints (4 Nov, SWR Sinfonieorchester BadenBaden & Freiburg/François-Xavier Roth) and Cello Concerto Grosso (15 Nov, Sung-Won Yang, ORF Radio-Symphonieorchester Wien/Johannes Kalitzke).

Die Doppel-CD der moldawischen Geigerin Patricia Kopatchinskaja, des hr-Sinfonieorchesters und des Ensemble Modern mit Violinkonzerten von Peter Eötvös, Béla Bartók und György Ligeti wurde Anfang Oktober mit dem ECHO Klassik 2013 ausgezeichnet. Bereits am 17. September erhielt diese Einspielung den Gramophone Classical Music Award 2013.

Der Komponist Fazil Say wurde für das Album „Istanbul Symphony“ beim Label Naïve mit dem ECHO Klassik Sonderpreis bedacht. In der Rubrik „Konzerteinspielung des Jahres (20./21. Jahrhundert)/Klavier“ wurde Herbert Schuchs Aufnahme der Klavierkonzerte von Viktor Ullmann und Ludwig van Beethoven ausgezeichnet.

Das 26. Festival für Musik der Gegenwart Wien Modern widmet dem Komponisten Peter Eötvös einen Programmschwerpunkt. Nach dem Eröffnungskonzert mit The Gliding of the Eagle in the Skies (24.1o., ORF Radio-Symphonieorchester Wien unter Cornelius Meister) steht die Uraufführung seiner Oper Paradise Reloaded (Lilith) durch die Neue Oper Wien (25.10.) im Zentrum. Außerdem werden zeroPoints (4.11., SWR Sinfonieorchester BadenBaden und Freiburg unter François-Xavier Roth) und Cello Concerto Grosso (15.11., Sung-Won Yang, Violoncello und ORF Radio-Symphonieorchester Wien unter Johannes Kalitzke) zu hören sein.

Bernd Alois Zimmermann Photo: Peter Fischer

Hindemith and Zimmermann in Frankfurt In the next weeks there will be special focus on the music of Paul Hindemith and Bernd Alois Zimmermann in the Frankfurt metropolitan area.

The Hindemith Institute in Frankfurt will present a series of concerts and lectures with the University of Music and Performing Arts as part of the Hindemith Anniversary Festival 2013 from 13-16 November. Hindemith’s works for violin form the special theme of this year’s events. www.hindemith.org and www.hfmdk-frankfurt.de This year’s ‘cresc … Biennale für Moderne Musik Frankfurt Rhein Main’ from 21-24 November centres on Zimmermann. Alongside the symposium ‘Zimmermann Perspectives’ (22-23 Nov) are performances of the composer’s major works including Suite aus Das Gelb und das Grün (23 Nov, Frankfurt LAB), the trumpet concerto ‘Nobody knows the trouble I see’ (23 Nov, Staatstheater Darmstadt) and Requiem für einen jungen Dichter (24 Nov, Alte Oper Frankfurt). www.cresc-biennale.de In den nächsten Wochen steht die Musik von Paul Hindemith und Bernd Alois Zimmermann im Zentrum der Rhein-Main-Metropole. Im Rahmen der „Hindemith Tage im Gedenkjahr 2013” vom 13.-16.11. veranstaltet das Frankfurter Hindemith Institut zusammen mit der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst mehrere Konzerte und Vorträge. Themenschwerpunkt sind in diesem Jahr Hindemiths Werke für Violine. www.hindemith.org und www.hfmdk-frankfurt.de Zimmermann steht im Fokus der diesjährigen Festivals „cresc... Biennale für Moderne Musik Frankfurt Rhein Main“, das vom 21.-24.11. in Frankfurt und Umgebung stattfindet. Neben dem Symposium „Zimmermannperspektiven“ am 22. und 23.11. werden bedeutende Werke des Komponisten wie die Suite aus Das Gelb und das Grün (23.11. Frankfurt LAB), das Trompetenkonzert „Nobody knows the trouble I see“ (23.11. Staatstheater Darmstadt) und das Requiem für einen jungen Dichter (24.11. Alte Oper Frankfurt) aufgeführt. www.cresc-biennale.de

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schott aktuell · the journal · 6/2013

Repertoire

Tribute to …

Michael Tippett

Fantasia Concertante on a Theme of Corelli for string orchestra (1953) · 16’ Concertino: 1.1.0.1.0 / Concerto grosso: 2.2.1.2.1 minimum / Concerto terzo: 2.2.1.2.1 minimum World Première: 29 Aug 1953 Edinburgh (UK) · BBC Symphony Orchestra · Michael Tippett Study Score / Studienpartitur ETP 1395

ie Fantasia Concertante on a Theme of Corelli wird oft als Michael Tippetts vollkommenstes Werk beschrieben. Als Ausgangspunkt diente ihm Corellis Concerto grosso, op. 6. Das Adagio daraus beschreibt Tippett als „dunkel und leidenschaftlich“, das anschließende Vivace als „Erforschung der Brillanz der Violine“. Die Musik „schwankt zwischen Dunkelheit und Licht“.

Formal ist die Fantasia mit den Gamben-Fantasien von Purcell zu vergleichen: eine Folge eigenständiger Abschnitte mit stark kontrastierenden Stimmungen, von denen jeder aus sich heraus entsteht und sich zu einer überzeugenden Form entwickelt, allerdings ohne die Wiederholungen und Rekapitulationen späterer Musik.

Ihr strahlender Höhepunkt und die anschließende ruhige Pastorale gehören zu Tippetts inspiriertesten Stücken. Sie ist seine ausgereifte Ergänzung zum Concerto for Double String Orchestra. Es ist die komplexe Aussage eines Komponisten, der in den fünfzehn Jahren seit Entstehung des Concerto viel an Weisheit gewonnen, aber nichts von seiner lyrischen Spontaneität verloren hat. (David Matthews, Michael Tippett: An introductory study. Faber & Faber)

Fantasia Concertante was famously used as the soundtrack to the 1974 film ‘Akenfield’ by Peter Hall about rural life in Suffolk in the time between the wars: both capture an ecstatic love of timeless beauty.

Fantasia Concertante wurde von Peter Hall als Soundtrack zu seinem Film „Akenfield“ verwendet, der das ländliche Leben in Suffolk zwischen den Weltkriegen schildert; wie der Film, so zeichnete auch Tippetts Musik das Bild ekstatischer Liebe zu einer unvergänglichen Schönheit.

Performance

Recordings

8 Nov 2013 · London (UK) Barbican Hall Britten Sinfonia · Paul Daniel

Academy of St Martin-in-the-Fields Neville Marriner Decca 470 196-2

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schott aktuell · the journal · 6/2013

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Royal Philharmonic Orchestra Charles Groves RPO Records CD RPO 8020

Scottish Chamber Orchestra Michael Tippett EMI Classics 7243 5 86588 2 8

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antasia Concertante on a Theme of Corelli is regarded by many as Michael Tippett’s most perfect work. Tippett took as his starting point Corelli’s Concerto grosso Op. 6, and describes the Corellian adagio as ‘dark and passionate’ and the ensuing vivace as exploring the brilliance of the violin. The music ‘passes to and from between the dark and the light’. It also belongs in formal construction to the Purcell viol fantasias, a sequence of discrete sections of widely contrasted moods, each emerging from each other and building up to a convincing shape, but without the repeats and recapitulations of later music.

Its radiant climax and the quiet Pastorale that follows are among Tippett’s most inspired pages. This work is Tippett’s mature complement to the Concerto for Double String Orchestra; it is the more complex statement of a composer who in the fifteen years since the Concerto had gained much in wisdom but lost nothing of his gift of lyric spontaneity. (Extract taken from Michael Tippett: An introductory study © David Matthews and reprinted by permission of Faber and Faber Ltd.)

Still from ‘Akenfield’

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