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TÉCNICAS GRÁFICAS

Trabajo de: Sara Londoño Medina Docente: Patricia Lopera Universidad Pascual Bravo 2020

El concepto de artes gráficas hace referencia a la elaboración de todo tipo de elementos visuales, fundamentalmente a técnicas de grabado y dibujo, aunque suele restringirse el término a las técnicas relacionadas con la imprenta. De un modo más general abarca a las diversas técnicas y procedimientos para la realización de estampas y por extensión, cualquier sistema de reprografía para plasmar la creación artística. Por tanto el término engloba al conjunto de oficios, procedimientos o profesiones involucradas en la realización del proceso gráfico, tradicionalmente desarrollado sobre papel. En este libro encontraran diferentes técnicas tratadas con su información y la muestra grafica; entre ellas se encontraran, monotipo, bordado, grabado, grofado, empresión en matriz, stencil, acuarela, linograbado, monoprint, sellos grabado en punta seca.

“El diseño puede ser arte. El diseño puede ser estético. El diseño es tan sencillo, por eso es tan complicado”

-Paul rand

Monotipo “Cada monotipo es diferente entre sí, algunos son similares pero no iguales”

Es el de una estampa a la que se transfiere por contacto la imagen pintada o dibujada en un soporte rígido cuando el pigmento está todavía fresco. La definición que da el Diccionario del dibujo y de la estampa para monotipo es el de una “Estampa a la que se transfiere por contacto la imagen pintada o dibujada en un soporte rígido cuando el pigmento está todavía fresco. Desde el punto de vista no solo de la técnica sino también del lenguaje, el monotipo está a caballo entre la pintura, el dibujo y el arte gráfico, con el que coincide en el hecho de que el producto final es una estampa, es decir, el soporte que contiene la imagen definitiva es distinto de aquél en el que ha intervenido el artista. Sin embargo, se diferencia del arte gráfico en la más específica genuina y peculiar de sus características: la multiplicidad del producto. En efecto, al no ser fijada permanentemente la impronta en el soporte y, en consecuencia, no ser entintada durante la estampación – el propio pigmento empleado por el artista es el que crea la imagen transferida-, resulta imposible obtener más de una estampa por este método – de ahí su nombre -. El pigmento usado con mayor frecuencia para pintar es el óleo. Aunque conocido desde el siglo XVII, han sido los artistas del XX quienes se han sentido verdaderamente atraídos hacia el monotipo debido a la originalidad de sus texturas. (Blas, J., Ciruelos, A. y Barrena, C. Diccionario del Dibujo y la Estampa: Vocabulario y tesauro… Real Academia de BB.AA de San Fernando, Calcografía Nacional, Madrid, 1996). En esencia consiste en pintar o dibujar sobre una matriz, preferiblemente no porosa,(metal, metacrilato, linóleo, policarbonato…) con óleo (hoy en día menos utilizado), tinta acuosa, grasa o de caucho, estampándola para obtener una imagen única. Hay quien llega a hacer una miniedición de tres ejemplares, o más, sin entintar de nuevo lo que implica imágenes cada vez más desvaídas. Suelen llamárseles pruebas fantasmas (ghosts). Fue muy usado a partir del siglo XIX y encontró en Whistler, Pissarro, Gauguin y sobre todo Degas sus más grandes artífices. Su variante, la monoimpresión, monoestampa o monocopia consiste en modificar a posteriori la imagen ya grabada iluminándola con cualquier técnica, incluidas las digitales. Ambos no deben ser confundidos.

MONOTIPO ABSTRACTO

Fue una técnica algo compleja a la hora de pintar en el vidrio y la cual nombre como monotipo abstracto... es la primera vez que trabajo con esta técnica y me pareció muy interesante; hay que tener paciencia y con el tiempo se perfeccionara esta tecnica.

Bordado “El bordado es el arte de decorar telas u otros materiales con una aguja para aplicar hilo”

El bordado es una técnica textil que consiste en decorar alguna superficie que, por lo general, es una tela,empleando como herramienta principal hilo y aguja. Definitivamente es una de las técnicas de bordado más conocidas y utilizadas, Normalmente se hace un dibujo sobre una tela -la cual puede ser industrial o artesanal- y después se va rellenando y/o delineando las figuras con la ayuda del hilo y la aguja. La variedad de puntadas, así como los hilos utilizados para bordar, es tan amplia,variada y rica como lo es el mundo entero ya que cada región, país o continente tiene y se caracteriza por estilos específicos de bordado, los cuales -en muchos casos- los determinan e identifican. El bordado ha servido desde la antigüedad como un medio de expresión, a través del cual podemos entender visualmente lo que el bordador quiere transmitir. A la hora de bordar una pieza, el bordador necesita un material básico, el hilo. Los hilos utilizados por los bordadores fueron de lana (en la Edad Media), pero sobre todo, de seda y oro (a partir de la Edad Moderna). Para realizar las labores decorativas el artista usaba el bastidor. Con el bastidor se tensaban los tejidos sobre los que después se bordaba con distintos tipos de hilos y agujas. En el acto de bordar, la mano derecha del bordador se colocaba en la parte superior del lienzo o tejido para recibir la aguja y la izquierda debajo del bastidor para recogerla, una vez que ésta hubiera atravesado la tela en la ejecución de una puntada. Los motivos se diseñaban y dibujaban previamente. En la documentación se habla de trazas, muestras, diseños o patrones. A veces ese diseño lo daba el propio bordador, pero en otras ocasiones se recurría a artistas de otros campos para realizar esta tarea. Existen distintos tipos de bordado, los más importantes son: el bordado sobrepuesto, en el que las labores de bordado no se ejecutaban directamente sobre la rica tela de seda que constituía el campo de las prendas, sino que los motivos se bordaban sobre otros tejidos menos costosos, que luego se cosían al tejido de seda; el bordado de aplicación, en el que las decoraciones, dibujadas sobre el papel, se colocaban sobre un tejido de calidad, se recortaban y se aplicaban a la base de la pieza que se deseaba ornamentar y, finalmente, el bordado al pasado, en el que las labores se ejecutan directamente sobre el tejido rico de la base de la prenda. Todas estas variedades de bordado se realizaban con una serie de puntos que se clasifican en función del material que utilizan. Así, se habla de puntos de sedas, como el punto de matiz, el punto liso, la cadeneta, el pespunte, el punto de arena o el de cordoncillo; de puntos de oro, grupo en el que se incluyen el oro tendido u oro llano o el bordado picado, y, finalmente, los puntos de oro y seda, de los cuales, el más importantes es el oro matizado.

RAÍCES

Esta fue una experiencia que me conecto con mi pasado ya que de pequeña solía gustarme el bordado pero perdí mucho la técnica pues hace mucho tiempo no lo hacía. Me gustó mucho esta técnica aunque se me hayan dañado 2 fotos ya que no era capaz pero a la final lo logré.

Grabado Se conoce como grabado a la técnica de impresión o arte que supone un trabajo previo sobre una superficie a la que luego se la cubre con tinta y de la cual se obtiene, por prensado, diferentes copias de un mismo modelo. El grabado es una de las formas más antiguas con las cuales el ser humano pudo realizar obras de arte, además de servir también como método a partir del cual se pueden obtener muchas copias de un mismo diseño. El nombre de la técnica, grabado, proviene de la idea de grabar las modificaciones o alteraciones que se le realiza a una superficie, marcar, dejar huella de que esa superficie fue trabajada. Las técnicas relacionadas con la obtención de múltiples copias de la misma imagen suelen clasificarse según los materiales y medios empleados para la consecución de la imagen. En general, suelen dividirse en tres grandes grupos, según la forma en que el artista trabaja sobre la matriz para preparar el dibujo que se imprimirá posteriormente: grabados en relieve: Existen diversas técnicas de grabado en relieve como son el grabado en madera o “xilografía”, el grabado en linóleo, grabado en yeso, etc. Este procedimiento se realiza cortando con gubias la superficie lisa de la placa de manera que el diseño quede en relieve. Posteriormente, se pasa un rodillo entintado sobre la superficie. Finalmente, se pone un papel encima de la placa y se prensa suavemente. El grabado en relieve permite imprimir varios ejemplares de una misma obra. Si bien dichos ejemplares serán muy parecidos entre sí, el entintado y limpiado a mano de las placas, el tipo de papel, los pequeños cambios sobre las placas por la presión que se ejerce en el prensado, los surcos naturales en la madera y otros factores darán a cada impresión una calidad única. Grabado en linóleo: Esta técnica es muy semejante al grabado en madera pero esta se realiza sobre una plaLa imagen se consigue retirando material de la plancha o matriz con distintas herramientas, de modo que la parte que queda en el plano superior se corresponde con el dibujo. Se entintará por tanto la forma en relieve y quedarán en blanco los huecos. Xilografía: Es la técnica de grabado más antigua, en la que se emplea como matriz una superficie de madera, generalmente maderas duras como el boj, el peral o el cerezo. El dibujo sobre la plancha puede hacerse de dos maneras; haciendo los trazos en el sentido de la veta, siguiendo la dirección de las “fibras” que conforman el tallo del árbol, o bien transversalmente, haciendo cortes perpendiculares a la dirección de las fibras que conforman el tallo del árbol. En el primer caso estaremos realizando una xilografía a fibra o al hilo, y en el segundo caso una xilografía a contrafibra o a la testa. Sobre la matriz de madera se construye la imagen tallándola mediante herramientas con las que se rebaja la superficie de la matriz, obteniéndose huecos que corresponden al color blanco o a la ausencia de color. Suelen utilizarse cuchillos y gubias para el grabado a fibra, mientras que para el grabado a contrafibra se emplea el buril, que permite trabajar sobre superficies más duras y obtener surcos más delgados y precisos. Cuando se ha terminado de tallar la imagen, se entinta la matriz con un rodillo, que deposita la tinta en toda la superficie de la matriz, salvo en los huecos tallados con las gubias (los blancos). La imagen se pasa al papel utilizando una prensa vertical. Linografía: Se trata de una variante moderna de la xilografía, en la que se emplea el linóleo como matriz. El procedimiento para obtener la imagen es idéntico al del grabado en madera, incidiendo sobre el linóleo con gubias, de manera que las partes vaciadas quedarán en blanco y las zonas en relieve serán las que reciban la aplicación de la tinta. Al ser un material blando, el linóleo no presenta las dificultades de la veta de la madera, pero tampoco permite la finura del trazo que se puede lograr en la xilografía a contrafibra. Grabados en hueco: La imagen se consigue arañando una matriz metálica, por medios mecánicos o químicos, de modo que las partes oscuras de la imagen correspondan a las incisiones, donde se depositará la tinta, quedando en blanco las partes del papel que queden en contacto con las zonas no vaciadas, i.e., exactamente al contrario de lo que sucede con los grabados en relieve. Los procedimientos en hueco se clasifican, a su vez, en procedimientos de método directo, si el grabador interviene sobre la plancha realizando incisiones para trazar la imagen, o de método indirecto, si la huella sobre la plancha se logra utilizando productos químicos.

LA BELLEZA DE LA NATURALEZA

Esta fue una técnica que disfrute mucho ya que me gusta usar vinilos y otras pinturas, aprendí sobre las texturas de las cosas y cómo podemos hacer para implementar más estas texturas. Me gustó mucho esta actividad, fue demasiado lúdica y deja muchas cosas por aprender

Grofado Determinar su origen el difícil. Parece ser que el primer ex libris, un sello de cerámica perteneciente a Amenhotep III, se basó en este proceso. Pero desde el punto de vista de la gráfica los primeros ejemplos se encuentran en la estampa japonesa con Harunobu quien introdujo alrededor de 1764 el Nishiki-e, o estampa de brocado, en la que combinó el gofrado con colores tornasolados, delicadas aguadas o profundos negros para crear sus intimistas escenas. También Utamaro lo utilizó con refinamiento dándole el aspecto preciosista que caracteriza sus estampas. En occidente fue usado por el escultor Alexandre Charpentier y en la época contemporánea comenzó a potenciarse por Hayter en su Atelier 17. Posteriormente, en la década de los 50, fue Pierre Soulages en el taller de Lacourière quien jugó con los efectos lumínicos que produjeron sus estampas creadas con planchas taladradas al ácido. Pierre Courtin estampó en seco sus buriles y esculpió planchas de 2 centímetros con escoplos, punzones y mordientes; Raoul Ubac, también escultor, jugó con los efectos tridimensionales desplazando varias veces la misma matriz en el tórculo y el húngaro-francés Étienne Hadju creó inmaculadas y minimalistas imágenes para ilustrar un texto de Heráclito. A ellos se unen Lucio Fontana quien utilizó este recurso en la serie Concetto Spaziale en 1960, Omar Rayo y Gabor Peterdi quien lo definió en su conocido manual Printmaking, methods olds and news (1980). Hoy en día prácticamente ya no hay grabador que no lo haya probado. El gofrado es un proceso que consiste en producir un relieve en el papel por el efecto de la presión. La palabra procede del verbo francés goufrer, repujar, y en su origen consistió en estampar en seco sobre papel (o las cubiertas de un libro) motivos en relieve o en hueco. También se le ha denominado troquel, cuyos ejemplos más populares son la impresión Braille o los atractivos adornos que vemos en las tarjetas de visita; también el cuño (troquel con el que se sellan monedas y medallas) está relacionado con esta forma de hacer, aunque estos dos últimos términos son más propios del ámbito de la impresión industrial. Consiste en la estampación de una plancha grabada acentuando las texturas y los relieves, normalmente no se entinta. Se realiza protegiendo las partes de la plancha que no queremos que sean atacadas por el ácido, mediante barniz. Luego se sumerge en un mordiente, dejando más tiempo de lo habitual en inmersión, para acentuar los relieves. Para esta técnica su utilizo: cartón paja, hoja de acuarela, tijeras, colbon, pincel. Esta técnica consistía en elegir una figura en este caso de la epoca precolombino. Despues de tener la figura y dibujarla se plasma en el carton paja en este caso se hizo de dos niveles por ende repeti la imagen 2 veces y con una lima se organiza las puntas y demas, se pego en un carton paja de base y a esto se le domina matriz y mientras se hacia este proceso se dejaba la hoja de acuarela en agua y una vez terminado este proceso se coloca la hoja de acuarela encima y con la ayuda de la punta de un pincel lo pase por las esquinas y ya quedo la impresión.

LA RANA SABIA

Llamada asĂ debido a que este procedimiento me dio una nuevo conocimiento de un tema que no sabia.â€‹

Impresión en matriz La matriz: junto con el papel es el elemento protagonista del resultado final. Su composición y forma determinarán el proceso de estampación. Puede hablarse de gofrados en relieve -cuando el volumen sea convexo en el papel- y de gofrados en hueco cuando éstos sean cóncavos. Ambos pueden mezclarse. Si se trata de una matriz aditiva los materiales deberán ser muy duros y estar completamente secos para que resistan la alta presión a la que se verán sometidos. Con respecto al tipo relieve que produzca, se encontrarán: En Relieve: Se caracterizan porque, en ella, las “zonas impresoras” están dispuestas en un nivel superior (relieve) que las “zonas no impresoras”, de modo que la tinta se extiende solamente por las zonas impresoras. Este tipo de matriz puede ser plana o cilíndrica. Matrices en bajorrelieve: Desniveles mínimos fáciles de estampar y conservar. Pueden estamparse en seco en ausencia de color. El prensado posterior no presenta problemas. Matrices en altorrelieve: Desniveles acentuados. Más llamativas que las anteriores requieren mucho control técnico en la ejecución de la plancha, en la elección del papel y, sobre todo, en la estampación. Una matriz con relieves pronunciados puede producir, en sus formas más básicas picos o pozos en los que la convexidad o concavidad es en todas direcciones. Planográficas: En la matriz Planográfica, las “zonas impresoras” y las “zonas no impresoras” están al mismo nivel en un mismo plano. La matriz será sometida a ciertos tratamientos quimicos para que las “zonas impresoras” acepten la tinta y repelan el agua, y viceversa en las “zonas no impresoras”. De este modo, al extender la tinta sobre la matriz , sólo quedará adherida en las zonas impresoras debido a este tratamiento. Bajo relieve: La matriz bajo relieve se caracteriza porque las “zonas no impresoras” están grabadas a un nivel inferior al de las “zonas no impresoras”, es decir, forman cavidades o huecos en la superficie de la matriz. La tinta queda depositada en estas cavidades. Permeográficas En la matriz permeográficas se utiliza una malla, que puede ser de seda o nailon, en el que las “zonas impresoras” son permeables a la tinta, al contrario que las “zonas no impresoras” Con ayuda de la matriz del gofrado vamos hacer esta otra tecnica, consiste en ponerle papel aluminio a la matriz, con vinilo o con otra pintura le hechamos a nuestra matriz ya cubierta y cuando esta este lista cogemos una hija y lo plasmamos

LA RANA SABIA

Esta fue una tecnica interesante debido a que podemos utilizar el grofado como pase y es muy curiosa esta tecnica, pero con mas prectica puede salir mejor.

Stencil Pintar con plantilla es una de las primeras técnicas gráficas en la historia de la humanidad, y su origen se remonta a la era de las cavernas prehistóricas, 22.000 años atrás aproximadamente. Estos primeros registros, consisten en manos apoyadas sobre un muro y pintadas con algún pigmento soplado sobre ellas produciendo una imagen inversa o negativa de las manos. Mucho más tarde, cerca del 2000 a.c. en Egipto, se utilizaron por primera vez matrices, de cuero o papiro para diversos fines decorativos, y más tarde en China, se pintaba con plantillas de papel y sobre seda, figuras ornamentales de Buda. Sus bondades decorativas fueron precisamente las que le dieron a la técnica reconocimiento mundial. En Europa, el stencil llegó durante la época medieval, donde se utilizaron plantillas para decorar los muros de las Iglesias, muebles, pisos, textiles, etc.En el siglo XX, comienza su utilización en el plano artístico; durante el Art Noveau y Art Deco, se utilizó en la realización de posters e impresiones de edición limitada, pintados a mano y con plantillas metálicas uno a uno.El stencil hasta ese momento demostraba ser una técnica gráfica muy flexible, que era capaz de adaptarse a diversos fines artísticos, pero más tarde, en la década de los 30’s, se comenzaría ha utilizar por primera vez para fines propagandísticos.El fascismo italiano, encontró en el stencil la técnica perfecta para la propaganda política urbana de Mussolini, pues este método era fácilmente reproducible, legible y económico. En la Segunda Guerra Mundial en tanto, los vehículos militares y los embalajes de armamento y víveres fueron pintados con simbología identificatoria utilizando plantillas y las tropas norteamericanas pintaban la leyenda “Kilroy was here” en cada zona que ocupaban, como una manera de ir marcando el paso.De vuelta al plano artístico, en los 50’s y 60’s en Estados Unidos, los artistas Robert Rauschenberg y Andy Warhol, experimentaban con nuevas ideas y técnicas de impresión que generaron tremendo impacto en el mundo de las artes y el diseño. Warhol pionero del Pop Art, utilizó serigrafías y plantillas para reproducir infinitamente una imagen, en alusión a la explosión de la sociedad de consumo y la producción en serie de productos comerciales, hecho que revolucionaban los Estados Unidos en esa época. Esta tendencia artística sería más tarde un poderoso referente para el grafiti, stencil, puesto que utilizó objetos o personas reconocidas por el mundo entero para convertirlas en imágenes recordables e infinitamente reproducibles. Un stencil es una plantilla que puede ser de papel, de cartón, de plástico o de acero inoxidable, entre otros materiales, que tiene recortado un dibujo o símbolo, de forma que al aplicar el elemento con el que se quiere pintar, el dibujo queda estampado. Refiere a la acción de estampar algo con la ayuda de una plantilla que presenta un diseño ya recortado. El proceso consiste en lanzar la pintura o la tinta a través del recorte: de este modo, queda estampada la forma de la plantilla. Se tenía que elegir una imagen libre, y yo elegí esta ya que me pareció muy interesante, y muy bonita. En este proceso se escogía una imagen la cual se plasmaba en un cartón, periódico, radiografía, etc.. Se recortaba las partes que uno quería que se notara o los espacios negativos, se recortaban y luego se pintaban o decoraban en la búsqueda de nuevas opciones vi una muy interesante que es usar esta plantilla y de fondo cosas como el sol, pero se puede escoger otros.

MIRADA AL CIELO

Es llamada asĂ ya que esta mujer mira con esperanza siempre un nuevo dĂa, esperando con ansias un nuevo atardecer y una nueva noche.

Acuarela Todo hace suponer que la pintura a la acuarela siguió a la invención del papel en China (atribuida al eunuco Cai Lun,2 consejero del emperador He de la dinastía Han Oriental), en el s. II a. C. a. C. Ya en el siglo xii los árabes introdujeron la fabricación del papel en España y la tecnología se extendió a Italia décadas más tarde. Algunos de los más antiguos fabricantes de papel incluyen a Fabriano (en Italia), abierto en 1276, y Arches (en Francia), abierto en 1492. El antecesor de la acuarela en Europa fue el fresco —pintura mural usando pigmentos en un medio acuoso sobre yeso húmedo—. Un buen ejemplo de fresco es la Capilla Sixtina, iniciado en 1508 y completado en 1514. El primer uso conocido de la acuarela en Europa es por el pintor renacentista italiano Rafael Sanzio (1483-1520), quien pintaba en grandes cartulinas como bocetos de tapices. En Alemania, Alberto Durero (1471-1528) pintó acuarelas en el siglo XV. La primera escuela de acuarela en Europa fue liderada por Hans Bol (1534-1593), influida por las creaciones de Durero. Entre los maestros británicos que usaron la acuarela puede citarse incluyendo a Van Dyck, Thomas Gainsborough, John Constable, Paul Sandby y Joseph Mallord William Turner, considerado por algunos autores precursor de las técnicas que posteriormente desarrollarían las vanguardias. En la pintura española del siglo XX pueden citarse artistas como Julio Quesada Guilabert, Ceferino Olivé, Francisco Bonnín Guerín, José Comas Quesada o Alberto Manrique.En Japón, la acuarela ejecutada con tinta es denominada «Sumi-e». En la pintura china, coreana y japonesa ha sido un medio pictórico dominante, realizado frecuentemente en tonalidades monocromáticas negras o sepia. Como una pintura hecha con una mezcla de pigmentos finos y goma arábiga que, disuelta en agua, proporciona colores muy transparentes. Los soportes habitualmente usados en esta técnica que se caracteriza por su dificultad, brillantez y luminosidad pueden ser el pergamino, marfil y otros, pero fundamentalmente, el papel.Sus materiales simples, aunque de muy alta calidad, se prestan de forma extraordinaria a la plasmación de ideas y apuntes, lo cual ha hecho considerarla durante mucho tiempo, de forma equivocada, como una técnica auxiliar. La acuarela sobre el papel en blanco inundado de agua por ambos lados, no es más que el suspiro y la emoción previa antes de comenzar el mágico ritual y entrar en una especie de danza que tiene que ser ejecutada de forma azarosamente perfecta. Siguiendo la música del espíritu, para lo cual sólo se dispone de algunos minutos, de lo contrario “bajará la marea”, se secará el papel y no hay más que hacer. El hechizo acabó y ganas todo o nada. Imposible volver atrás, no hay lugar para los errores, no hay lugar para la duda. Hay que ser valiente, controlar la mente y la respiración para dar paso al corazón y los sentidos que te dicen por aquí, por aquí, hasta llegar al ¡Basta! Hay que detenerse y atrapar pronto los colores, para que el exceso de agua no te los vaya a robar y pierdas todo en un segundo. Para esta técnica se podían usar varias pinturas tanto caseras como por ejemplo café mezclado con agua, color etc. O compradas; la acuarela viene en varios tipos como: pastilla, tubo, barra, líquida, lápices acuarelables, rotuladores de acuarela.Primero se escogía el diseño y se plasmaba en el papel a utilizar y con la ayuda de un pincel se pintaba en la zona que se quería pintar y ya por ultimo cuando estuviera seca la pintura de decoraba; la decoración era opcional.

LA TRANQUILIDAD DEL VIENTO Es la forma en la que el viento trae paz y tranquilidad a una persona la cual se deja llevar

NODÍ Es un tipo de espejo en el cual se muestra la belleza del día y de la noche.

MUERTE DE UN CORAZÓN ROTO Es el proceso por el que pasa un corazón antes de su muerte.

Linograbado Es un método de impresión que usa una hoja de linóleo, en la que se ha cortado un diseño en relieve con una gubia. En el resultado, tiene un grabado en linóleo que puede reproducir la misma imagen una y otra vez sin la perdida de calidad. En origen el linóleo fue, sí, un material que se utiliza para el revestimiento de suelos. Lo patentó el británico Frederick Walton en 1860. La técnica de impresión linograbado se imprime por primera vez por los artistas de Die Brücke entre 1905-13 en Alemania donde se usaba de forma similar para la impresión de papel tapiz. En un principio sus obras fueron descritas como xilografías. Para su uso en las artes gráficas tendremos que esperar hasta la irrupción del expresionismo alemán en los primeros años del siglo XX, movimiento impulsado por artistas de la introspección, quienes siguieron los parámetros del tratamiento xilográfico para este novedoso método de grabado de imágenes. Se calca el diseño elegido sobre el linóleo, mediante gubias semicirculares y en forma de V, se retira el material sintético que queda en las zonas blancas del dibujo. Ésta se empapa con tintas a partir de rodillos, para luego colocar el papel sobre la superficie impregnada Ejerciendo presión, la tinta pasa al papel, obteniendo la estampa final al ser retirado de la plancha de linóleo. Dado que el material tallado no tiene un grano direccional y no tiende a partirse, es más fácil obtener ciertos efectos artísticos con el linóleo que con la mayoría de las maderas, aunque las impresiones resultantes carecen del carácter granulado a menudo angular de los grabados y grabados en madera . El lino generalmente se corta en cubitos, mucho más fácil de cortar que la madera, especialmente cuando se calienta, pero la presión del proceso de impresión degrada la plancha más rápido y es difícil crear trabajos más grandes debido a la fragilidad del material. Los linóleos también se pueden lograr mediante la aplicación cuidadosa de las artes en la superficie del linóleo. Esto crea una superficie similar a un grabado de suelo blando y estas placas de lino cáustico pueden imprimirse en relieve , en huecograbado o en una impresión de viscosidad . Los grabados en linóleo en color se pueden hacer usando un bloque diferente para cada color como en un grabado en madera, como lo hacían con frecuencia los artistas de la escuela Grosvenor , pero, como demostró Pablo Picasso , tales impresiones también se pueden lograr usando una sola pieza de linóleo en llamado el método de impresión ‘reductivo’. Esencialmente, después de que cada color sucesivo se imprime en el papel, el artista limpia la placa de linóleo y corta lo que no se imprimirá para el color aplicado posteriormente. Debido a la facilidad de uso, el linograbado se usa ampliamente en las escuelas para presentar a los niños el arte del grabado, utilizándolo para completar muchas tareas en la lección de arte en lugar de ir directamente al lápiz y al borrador; Del mismo modo, los artistas no profesionales a menudo cortan lino en lugar de madera para imprimir. Sin embargo, en el mundo del arte contemporáneo, el linograbado es un medio de impresión profesional establecido, debido a su uso extenso por los artistas de la Escuela Grosvenor, seguido de Pablo Picasso y Henri Matisse

EJEMPLOS DE ESTA TECNICA

Monoprint Monoprinting es una forma de grabado que tiene líneas o imágenes que solo se pueden hacer una vez, a diferencia de la mayoría de los grabados, lo que permite múltiples originales. Existen muchas técnicas de monoimpresión. Los ejemplos de técnicas de grabado estándar que se pueden utilizar para hacer monoprints incluyen litografía , grabado en madera y grabado . Una monoprint es una impresión única de una imagen hecha de un bloque reimpreso. Materiales como placas de metal, piedras de litografía o bloques de madera se utilizan para el grabado. En lugar de imprimir varias copias de una sola imagen, solo se puede producir una impresión, ya sea pintando o haciendo un collage en el bloque. Las placas de grabado también se pueden entintar de una manera que sea expresiva y única en sentido estricto, ya que la imagen no se puede reproducir exactamente. Las monoimpresiones también pueden incluir elementos que cambian, donde el artista vuelve a trabajar la imagen entre impresiones o después de la impresión para que no haya dos impresiones absolutamente idénticas. Los monoprints pueden incluir collage, adiciones pintadas a mano y una forma de trazado mediante el cual se deposita tinta gruesa sobre una mesa, se coloca papel encima y luego se dibuja, transfiriendo la tinta al papel. Las monoimpresiones también se pueden hacer alterando el tipo, el color y la presión de la tinta utilizada para crear diferentes impresiones. Cuando crea una monoprint, es posible copiar el trabajo de piezas de arte separadas en una monoprint. Las monoimpresiones son conocidas como el método más pictórico entre las técnicas de grabado; Es esencialmente una pintura impresa. La característica de este método es que no hay dos impresiones iguales. La belleza de este medio también está en su espontaneidad y su combinación de medios de grabado , pintura y dibujo. Monoprinting y monotyping son similares pero no idénticos. Ambas implican la transferencia de tinta de una placa al papel, lienzo u otra superficie que finalmente contendrá la obra de arte. En monoprinting, un artista crea una plantilla reutilizable de la imagen deseada. Las plantillas pueden incluir plantillas, placas de metal y piedras planas. Esta forma de impresión produce múltiples impresiones desde la misma plantilla. El monotipado, por el contrario, implica el uso de una imagen impermanente que se degrada después de una sola impresión. Por ejemplo, una forma de monotipo transfiere imágenes pintadas de una placa de gelatina a una hoja de papel. Al finalizar, la imagen ya no permanece en la placa de gelatina. Las monoimpresiones pueden considerarse variaciones de un tema, con el tema resultante de algunas características permanentes que se encuentran en la plantilla (líneas, texturas) que persisten de impresión a impresión. Las variaciones son infinitas, pero las características permanentes de la plantilla persistirán de una impresión a la siguiente. La monoimpresión ha sido utilizada por muchos artistas, entre ellos Georg Baselitz . Algunas impresiones maestras antiguas , como los grabados de Rembrandt con manipulación individual de la tinta como “tono de superficie”, o los grabados pintados a mano por Degas (generalmente llamados monotipos) pueden clasificarse como monoprints, pero rara vez se describen así.

SENTIMIENTOS Demostrar que hay detrรกs de una pintura, no solo es por hacerla es buscando una expresiรณn

EL SILENCIO la oscuridad y la soledad consumen, puede que si pero que es lo que se esconde tras esa oscuridad

Sellos La impresión además de ser un proceso automatizado de reproducción gráfica, comprende toda una serie de técnicas manuales que se aplican tanto en las bellas artes como en los campos de la artesanía y el diseño que brindan al artesano doméstico opciones ilimitadas para reproducir sus diseños. Las técnicas de ambos ámbitos se han entremezclado a lo largo de una rica historia en la que se inscriben desde nuestras primeras tentativas de expresión gráfica hasta estilos de subculturas y formas de protesta. Desde los primeros estarcidos hallados en la Cueva de las Manos (Argentina) hasta las plantillas de Bansky pintadas con aerosol en las calles de Bristol (Inglaterra), la impresión ha tenido siempre un componente subversivo y seductor. Antes de emplearse en la impresión de libros y papel, la estampación con moldes entintados se utilizaba para decorar tejidos. Las muestras más antiguas conocidas de estampación xilográfica en tela corresponden a una impresión china a tres colores datada alrededor del 220 a.C. También en el antiguo Egipto se practicaban. Los incas y los aztecas eran consumados impresores.. La estampación textil se practica en Europa desde el siglo XII, a donde llego por medio de los delicados tejidos tarish con estampados de texto que se confeccionaban en el estado islámico. Ya en la década de 1630, se importaba algodón estampado por xilografía para el mercado inglés. A mediados del siglo XVII, el diseñador textil William Morris empleo moldes de madera para crear papeles y tejidos decorativos increíblemente detallados que aun hoy siguen siendo referentes. Con la llegada de la tecnología digital, la producción de tejidos estampados se ha transformado nuevamente de manera drástica. La impresión directa sobre la prenda permite estampar, mediante tintas de sublimación complejas imágenes digitales que pueden trasladarse de la computadora a la superficie textil. Como no podía ser de otro modo, tras el pico de popularidad alcanzado por la impresión digital, el péndulo ha oscilado de nuevo hacia métodos de diseño e impresión más sencillos y tradicionales. Una nueva generación de creadores está volviendo al mundo de la estampación con moldes y con plantillas recortadas a mano y sus practicantes asisten a talleres en centros culturales locales o viajan al extranjero para aprender la técnica de maestros artesanos. Artistas contemporáneos y diseñadores consolidados están redescubriendo técnicas de impresión tradicional como la litografía y la impresión tipográfica, al tiempo que retoman la serigrafía y las plantillas recortadas o emulsionadas para producir vistosas publicaciones de tirada limitada y piezas artísticas inspiradas en el op art. Parece indudable que la impresión va a seguir dejando huella durante mucho tiempo. Procedimiento: Dibujar la imagen en el molde. La imagen impresa quedara invertida respecto a la dibujada así que, por lo tanto, en el dibujo tendrás que trazar al revés los números, las letras y las flechas. Usando alguna herramienta de talla, vaciar las zonas que deben quedar sin pintar y dejar las que quieras que se impriman en relieve. No conviene que el vaciado supere la mitad del grosor del molde. Una buena impresión se logra con un molde bien entintado. Colocar un poco de tinta sobre un vidrio y pasar el rodillo por encima en sentido longitudinal y transversal hasta que el rodillo quede cubierto de forma uniforme. Luego pasar el rodillo por la superficie en relieve del molde de goma un par de veces hasta que esté bien entintado o como en este caso podés colocar el sello sobre la tinta del vidrio. Colocar el molde boca abajo sobre la tela o el papel y presionar con fuerza con las palmas de las manos. Sujeta con una mano la tela mientras despegas el molde con cuidado con la otra para asegurarte de que se desprende.Lavar bien los moldes de goma después de cada sesión de estampado, asegurándote de eliminar todo rastro de tinta. Podés usar un cepillo de dientes de cerdas blandas para los recovecos, secarlo un poco con un trapo y dejarlo al aire libre para que se seque completamente antes de volver a utilizarlo

ORDEN DE LAS COSAS

Esta fue una tecnica muy interesante; me diverti haciendola y la repetiria. Fue llamada asĂ por el orden que se plasno al momnto de hacerla, cada cosa tiene su espacio.

Grabado punta seca Los inicios del empleo de la punta seca para llevar a cabo estampas tiene sus orígenes en el siglo XV con Durero. No se sabe si antes de él se hicieron o no puntas secas dignas de consideración, pero lo cierto es que no tuvo su pleno apogeo hasta principios del siglo XVII como el resto de las técnicas de estampación en hueco. La expresión punta seca, describe la técnica de rayar o rozar directamente la superficie pulida de una plancha de metal con una punta aguzada, de ahí que la punta seca, esté considerada como una técnica directa de grabado en hueco. La característica principal de la punta seca es la rebaba que levanta la punta al incidir sobre la superficie resistente del metal, siendo esta rebaba la encargada de retener casi toda la tinta en el proceso de entintado y estampación. Esta técnica es un procedimiento de grabado de los denominados seco y directo, para realizar esta técnica no necesitamos ningún proceso químico ni barnices, solo punzón y plancha. El grabado punta seca es una técnica de grabado similar al grabado al buril. En esta técnica, el artista dibuja un diseño sobre un soporte utilizando un punzón. Mientras el material se va modificando se crea un surco que levanta a sus lados las rebarbas o rebabas de las que hablaremos más adelante. Una vez la matriz está grabada, el profeso es igual al de los grabados calcográficos: entintado de la lámina, limpieza y prensándola. Material grabado punta seca: Soporte: Acetato, planchas de zinc Tinta de grabado calcográfico Respecto al punzón, es importante destacar que, para la realización del grabado puntaseca, es aconsejable utilizar varias puntas secas de distinta sección y grosor. Gracias a esto y a la fuerza que hagamos sobre la plancha hará líneas más o menos profundas y creará más o menos rebabas. Procedimiento: grabado punta seca permite todo tipo de rayados, curvados, entrecruzados, líneas cortas, largas, etc. Lo que facilita conseguir resultados parecidos a los del dibujo. Realizar el diseño con el punzón sobre el soporte, una vez el soporte está preparado, aplicamos la tinta sobre la plancha, tras esto, limpiamos el soporte para que la tinta quede exactamente donde la necesitamos. Para ello, utilizaremos tarlatana, Finalmente, colocamos la matriz y el papel de grabado en el tórculo y listo.

Sensaciones encontradas, cotidianas, aburridas, abrumadas, ecxitantes, alteradas; caricias muertas y vivas estallando en escenas congeladas recuerdos simultaneos. posibilidades. caricias pegachentas saladas indecentes, contundentes, consecuencias del impulso. construyo a partir de estas acciones concientes e inconcientes, la representaciĂ˛n de texturas, colores, sensaciones como estallido en el cerebro que alteran la mente para retorcer, daĂąar olfatear, palpar, degustar hastiar y restregar toda una secuencia sugestiva del dia a dia. -Marcella

TÉCNICAS GRÁFICAS Sara Londoño Medina