Catálogo 2017 - Sala Edi Balod

20 17

UNIVERSIDADE DO EXTREMO SUL CATARINENSE – UNESC REITORA Profa. Dra. Luciane Bisognin Ceretta VICE-REITOR Prof. Dr. Daniel Ribeiro Preve PRÓ-REITORA ACADÊMICA Profa. Dra. Indianara Reynaud Toreti DIRETOR DE ENSINO DE GRADUAÇÃO Prof. Me. Marcelo Feldhaus COORDENADORA DO CURSO DE ARTES VISUAIS BACHARELADO E LICENCIATURA Profa. Dra. Aurélia Regina de Souza Honorato COORDENADORA ADJUNTA DO CURSO DE ARTES VISUAIS BACHARELADO E LICENCIATURA Profa. Ma. Izabel Cristina Duarte COORDENADORA DA SALA EDI BALOD Profa. Ma. Daniele Cristina Zacarão Pereira PESQUISA Bruna Speck João Luiz Ribeiro Jr PROJETO GRÁFICO Bruna Speck

Este catálogo é resultado do projeto “Publicação de catálogo digital das exposições realizadas na Sala Edi Balod – Espaço de Exposições e Laboratório de Artes Visuais”, da acadêmica Bruna Speck, com orientação Profa. Dra. Aurélia Regina de Souza Honorato, vinculado ao Programa de Iniciação Científica PIC 170, realizado durante 2018 e 2020.

Criciúma, 25 de junho de 2020.

A Sala Edi Balod – Espaço de Exposições e Laboratório de Artes Visuais, vincula-se aos Cursos de Graduação em Artes Visuais Bacharelado e Licenciatura da Universidade do Extemo Sul Catarinense – Unesc – Criciúma/SC. Recebe este nome como homenagem ao artista e ex-professor da Universidade, Edson Paegle Balod (Edi Balod), com reconhecida atuação no desenvolvimento artístico-cultural de nossa ciade e região.

São apresentadas exposições artísticas fruto de exercícios em múltiplos sentidos, pois, o acadêmico pode mostrar as suas experimentações nos diferentes ateliês que frequenta ao longo do currículo dos cursos, bem como, os formandos, suas pesquisas artísticas de final de curso (TCC).

Já os professores agregam práticas curatoriais e expográficas em suas disciplinas que se desdobram na experiência de organizar exposições, passando por todas as etapas de sua realização.

Trata-se de um laboratório que possibilita aos acadêmicos experiências com criação, produção, expografia, curadoria, circulação e mediação cultural de/em exposições que tomam como referência a pintura, cerâmica e escultura, gravura e serigrafia, desenho, fotografia, performances, instalações, produções audiovisuais dentre outras manifestações da Arte Contemporânea.

sala EDI BALOD

ARMAZÉM O projeto Armazém apresenta, através de exposições e feiras de arte, obras que sejam múltiplos como: publicações de artista, livros de artista, cadernos de artista, cadernos de desenho, diários de artista, diários de bordo, postais, panfletos, cartazes, gravuras, fanzines, lambe-lambes, stickers, cartões, carimbos, objetos, etc; ou seja, trabalhos que tenham tiragens (de pequenas e grandes edições).

O título do projeto é inspirado na primeira edição do Armazém que aconteceu no Museu Victor Meirelles, em Florianópolis-SC. O Museu foi a casa natal de Victor Meirelles e se tornou um bar e armazém durante parte da primeira metade do século 20. Além das relações com o espaço físico do Museu onde aconteceu a primeira edição em 2011, Armazém faz referência direta ao grupo Fluxus e ao texto de Arthur C. Danto, O Mundo como Armazém: Fluxus e Filosofia, no livro “O que é Fluxus? O que não é!

O porquê”, publicado pelo Centro Cultural do Banco do Brasil/The Gilbert an Lila Silverman Collection Foundation, no ano de 2002.

A imagem utilizada para compor os cartazes de todas as edições é uma fotografia de acervo familiar da idealizadora do projeto, Juliana Crispe. Um retrato do seu bisavô, Osvaldo Manoel Valgas, conhecido como seu Vadico, que entre as décadas de 1930 e 1990 foi sócio/funcionário de um armazém, no bairro Prainha, próximo ao centro da cidade de Florianópolis, fato que também inspirou o projeto.

Desde 2011 o projeto Armazém já recebeu a participação de mais de 300 artistas brasileiros e estrangeiros. Ao longo desses anos, também formou um acervo de trabalhos de grande parte dos artistas que por aqui passaram, entre outros trabalhos em formato de publicações de artistas e múltiplos que foram sendo adquiridos para o acervo bem como doados.

Armazém é um espaço propositor de relações com a Arte e, por este motivo, tocar, experimentar, levar algo consigo é participar do jogo deste projeto.

Idealização: Juliana Crispe Equipe Armazém: Daniele Zacarão, Duda Desrosiers, Fran Favero, Fran Goudel e Joana Amarante

Úvula de Ísis A exposição Úvula de Ísis: a voz da mulher na arte, reúne 18 artistas brasileiras e suas produções como fontes de poder e resistência no cenário feminista vigente, e canalizando através da arte, as conquistas alcançadas por sua militância coletiva e as lutas constantes por respeito e igualdade. Num cenário sombrio de competição por poder e autoridade, elas encontram forças umas nas outras para resistir e transformar antigos paradigmas e crenças obsoletas sobre seus sexos, seus corpos, suas ideias, onde as tentativas de ocultar a voz da mulher, a potencializa para que atravesse todos os densos muros da ignorância e construam os novos pilares da liberdade humana.

A voz da mulher na arte surge para alertar sobre a presença potente que se manifesta e não se dobra aos caprichos de sistemas patriarcais. É a vontade pictórica que invade a matéria e deixa registrado marcas de resistência e necessidades que precisam ser compreendidas e incorporadas por todos. A Úvula de Ísis se manifesta como arquétipo da Grande Mãe, provedora da vida, que concede as mulheres os poderes para caminhar ao lado do homem, e não sob sua sombra. É a antiga sabedoria inata na figura feminina que ensina e protege. A Deusa Negra egípcia aparece como símbolo de renovação e transformação, por isso a necessidade de voltar a olhar os arquétipos femininos de poder.

A união entre mulheres que marcham contra sistemas opressivos, o fim de símbolos associados a fragilidade e submissão, são apenas partes de um grande conjunto de “arquétipos fracos” contra os quais as mulheres lutam há séculos. Construir uma identidade, é transformar a maneira como enxerga a si mesmo e o mundo, é construir um corpo político, econômico, que contesta e transforma o meio.

De acordo com Simioni (2008, p. 22) Ao invés de colocar em suspenso a ideia de inferioridade comumente atrelada ao pertencimento do sexo feminino, acaba-se por corroborar preconceitos dominantes. Nesse sentido a crença de que existem “mulheres notáveis” pode servir como exemplo de que as posições de desigualdade não resultam de forças sociais, mas de dons individuais, deixando incólume o cânon, sem identificar sua história e/ou as motivações que orientaram sua emergência e seu uso.

Com a mulher ingressando no mercado de trabalho, por volta de 1950 ela se insere no espaço público e passa a acumular papéis. A presença da mulher na arte, enquanto criadora e não musa, causava incomodo à classe artística masculina, que por sua vez tratava de atribuir aspectos frágeis as suas produções, sendo vistas como delicadas e frágeis, enquanto a produção masculina recebia atributos como potente e viril.

A noção de “arte feminina“ que foi amplamente divulgada na França ao longo de mil e oitocentos, deve ser vista como um rótulo produzido historicamente. Por meio dele se divulgava a ideia de que todas as mulheres possuíam características comuns, como um espírito delicado, além de serem propensas a alguns afazeres, como uma atenção ao detalhe, um sentido decorativo e imitativo que melhor se revelava as pequenas obras etc. Tais determinações as levavam a alguns gêneros artísticos específicos: a cópia, a natureza-morta, as artes aplicadas, as telas em pequenas dimensões com temas de gênero, as pinturas de flores, enfim, modali-

dade que, recorrentemente, eram desvalorizadas pelos homens, principalmente por as diferirem dos

atributos de “gênio”, como a originalidade e o vigor. Tal esfera separada, a de “arte feminina”, por um lado possibilitou que muitas artistas pudessem mesmo viver deles, por outro, afastou-as de uma competição direta com as obras masculinas e relegou-as a um nicho menos valorizado dentro do mundo artístico. (SIMIONI, 2008, p. 44) Em um meio extremamente machista e conservador, era difícil o acesso para mulheres participarem de aulas em ambientes repletos de homens, sendo que mesmo ao participarem eram oprimidas por seus próprios orientadores. O estudo do modelo-vivo tão necessário para a constituição de um artista na época, (o modelo de gênero, as pinturas históricas que glorificavam feitos era o que consagrava os artistas) era extremamente constrangedor, já que o ambiente não era separado, mesmo quando participavam e o modelo não ficava totalmente nu.

Em 1894 foram abertas aulas noturnas para o público feminino na modalidade livre, no caso, não seguindo as cadeiras impostas pela academia. Para as mulheres era quase impossível ficar transitando nas ruas durante a noite, pois esse fato ocasionava outro problema: seriam tachadas de promíscuas. Como as famílias presavam pela conservação da moral e integridade feminina, muitas vezes era necessário que as mães as acompanhassem.

As produções artísticas de mulheres, ganham mais potência na atualidade porque as causas feministas são abraçadas por responsáveis em dar visibilidade, como curadores e instituições de arte que se propõe romper com o cânone vigente. Cada vez mais estas artistas se unem para mostrar o poder de combate dentro das massas, que não permitem mais serem invisibilisadas, trazendo à luz muito da história ocultada ao longo dos séculos, sobre grandes inventoras visionárias.

Legitimar a produção artística da mulher é construir um espaço justo e igualitário na história da arte, pois, é “em uma sociedade que tivesse superado os estereótipos de gênero em que

seríamos capazes de nos ajudar a sustentar direitos fundamentais para todas as pessoas.”¹ A exposição Úvula de Ísis convida a todos para incorporarem a potência do feminino em si, compreender suas múltiplas faces e encontrar o equilíbrio que rege os ciclos de transformação da vida, com menos ênfase na dualidade para caminhar rumo à uma era de unicidade.

Coletiva dos Trabalhos de Conclusão de Curso de Artes Visuais Bacharelado Turma 2017-1

O interesse da exposição reside em apresentar um conjunto de 14 pesquisas relativas aos Trabalhos de Conclusão de Curso de Artes Visuais Bacharelado, em torno de experiências com as linguagens da instalação, performance, fotografia, vídeo, escultura, lambes, dentre outros territórios.

Diante de nós, delineiam-se cenários, veredas, lugares imaginários e contextos inóspitos. Esses campos, uma vez adentrados, conduzem para novas experiências. Despertam a poesia e a subjetivação em contextos de pesquisa, processo. Assim, somos levados a um exercício de ampliação dos sentidos. Passamos a sentir as superfícies do chão, as paredes que nos comportam e, às vezes, até nos comprimem. O inusitado se revela tangível. Há um mergulho nas fissuras da pele que recobre os lugares. Dessas aberturas, brotam raízes e planetas diminutos, rizomas. Então, derivamos entre espaços.

O jogo conceitual produzido pelo eixo curatorial acentua a vontade de colocar em contato experiências que aconteceram nos últimos quatro anos no campo das relações da pesquisa em arte, presente nos percursos formativos dos acadêmicos participantes.

O principal intuito é apresentar as produções como uma plataforma de discussão, em estado laboratorial articuladas a uma produção textual, relacionadas a um conjunto de atividades e não necessariamente apresentá-las sob o aspecto de obra acabada, no sentido convencional do termo.

Ao se pronunciarem tais desafios, a intenção é colocar em discussão as relações e os paradoxos existentes entre arte contemporânea e pesquisa em arte traduzidos aqui sob a forma de uma pluralidade de linguagens de determinadas experiências e tendo como princípio o convívio ampliado das ideias artísticas na decodificação da vida em seus sinais.

As produções artísticas que aqui residem mostram-se como proposições. Dão vozes aos silêncios dos ambientes esquecidos, tornando-os profusos e significantes. Ao visitar distintos tempos e espaços, elas alcançam sutilezas da memória e estabelecem terrenos simbólicos edificados por composições formais. Eis, assim, retóricas visuais que apostam na exploração de discursos mais sutis. Essa trama macia e vaporosa nos pausa delicadamente.

Em seguida, passamos a sentir.

O entorno tornou-se mais perto de nós.

Espaço do Possível

Mais do que instantes de experiência, fluxos. A experiência se configura nesta proposta de exposição/investigação como um Espaço do Possível, um espaço de criação, de partilha a partir de perspectivas teóricas com desdobramentos políticos, com teóricos que dizem que por meio da arte é ainda possível voltar a acreditar no mundo, pois o reencantamento com o mundo é uma atitude política. Espaço de sobrevivência.

O Grupo de Pesquisa em Arte – GPA – UNESC/CNPq vem se constituindo um importante espaço de discussão para a ampliação do conhecimento da pesquisa em arte e sobre arte.

Muitos pesquisadores das universidades brasileiras que trabalham na formação de profissionais da área da arte buscam caminhos de ruptura com os modos estabelecidos de se fazer pesquisa, pois em oposição ao positivismo estes pesquisadores buscam apontar que o domínio social e cultural demonstra ser um agente basilar na construção do conhecimento.

As produções aqui apresentadas, que se pautam nos espaços de memória, discutem formas de oportunizar o exercício do pensar a pesquisa em arte como uma forma de agenciar pesquisadores e espectadores na ampliação da compreensão da experiência como um espaço do possível.

Y/Rembe’y

Y/Rembe’y é composta por vídeos, sons, instalações e publicações de artista, trabalhos propostos a partir de um lugar fronteiriço, complexo, um espaço de encontros, tanto no sentido de reunião quanto de confronto presente neste termo: a tríplice fronteira entre Brasil, Paraguai e Argentina. Os trabalhos funcionam como fragmentos que pensam cada um à sua maneira sobre esse espaço múltiplo e fazem reverberar as potências de estar à margem e no limite.

Rembe´y em guarani significa margem, borda, orla. Já o termo Y significa água, rio, sendo rembe’y a fronteira, a margem do rio. Na tríplice fronteira, os limites entre países são marcados pelos rios que se encontram e se cruzam. Essa relação entre água e fronteira permeia os trabalhos propostos para a exposição, seja através da fluidez encontrada nas trocas fronteiriças e nas águas do rio, ou da barreira que muitas vezes o rio e a fronteira podem representar. Além de orla, rembe também pode significar lábios.

Nesse sentido, as aproximações entre os três países criam uma zona em que podem existir idiomas mesclados, atravessados, como o portunhol ou o jopara (mistura entre espanhol e guarani ou português e guarani). A exposição propõe um mergulho nesta fronteira, uma experimentação de habitar/ser/estar no entre, sempre à beira de tornar-se outro.

OBA-OBA

OBA-OBA foi o apelido usado nas décadas de 70 e 80 para referir-se ao bloco das Artes da Fucri, atual Bloco Z da Unesc.

Neste contexto, a exposição OBA-OBA vem com o intuito de resgatar parte da história de Gilberto Pegoraro e Jussara Guimarães, nomes eternizados nas portas do Ateliê de Gravura e Serigrafia e do Ateliê de Escultura e Cerâmica do Curso de Artes Visuais da UNESC. Tal proposta surge diante da ausência de registros sobre esses artistas, que vieram de Porto Alegre para atuarem como docentes no Curso de Desenho e Plástica da Fucri. Gilberto ministrou aulas de desenho e gravura, e Jussara, foi professora de escultura e cerâmica. Ambos são importantes referências para a formação de várias gerações de artistas e movimentos culturais na região de Criciúma, em especial durante os anos 80 e 90. Deixaram para história obras públicas, organização de feiras e associações, contribuições a festas populares e muitos afetos – como os amigos que preservam seus acervos e disponibilizam para esta exposição.

OBA-OBA é uma celebração entre amigos, um lugar de encontros, de reencontrar Gi e Jú.