Actuel23

Actuel l’estampe contemporaine

n 23 o

Actuel

no 23

l’estampe contemporaine

(4) Hector Saunier (14) Atelier Contrepoint Actuel est une émanation du groupe Facebook « Parlons Gravure »

(18) María Chillón (20) Mustapha Bimich (22) Ryuichi Maeda

Comité de sélection : Sabine Delahaut Jean-Michel Uyttersprot Catho Hensmans Comité de rédaction : Sabine Delahaut Pascale De Nève Richard Noyce Christine Pinto Jean-Michel Uyttersprot Mise en page : Jean-Michel Uyttersprot Pierre Guérin Relecture : Annie Latrille

(24) Shu-Lin Chen (26) Takuma Sakamoto (28) Anne Touquet (34) Chris Delville (38) Anaïs Charras (44) Marie-Cécile Clause (48) Johannes Vandenhoeck (54) Maristela Salvatori

Hector Saunier pour l’estampe en couverture et pour le tirage de tête de ce numéro : un tirage pour la revue et limité à 20 exemplaires (ci-dessus).

(58) Sophie Vigneau

Sauf indication particulière, les visuels appartiennent aux auteurs.

(72) Anne Gilsoul

Les légendes des images sont à lire de gauche à droite et de haut en bas, les mesures sont celles de la surface imprimée, hauteur par largeur, sauf indications contraires

Pour toutes informations : magazine.actuel@gmail.com www.actueldelestampe.com Éditeur responsable : K1L éditions.

Prix de vente : 20 € N ° ISSN : 0774-6008 EAN : 9 782 930 980 409

(64) Nicolas Boucher

(76) LEAF, Fondation Boghossian (78) CORÉElation 5

Ont collaboré à l’écriture de ce numéro : Aude de Kerros, Shu-Lin Chen, Robert Marteau, María Chillón, Ryuichi Maeda, Mustapha Bimich, Pierre-François Albert, Takuma Sakamoto, François Emmanuel, Anaïs Charras, Marie-Cécile Clause, Johannes Vandenhoeck, Anaïs Charras, Marie-Cécile Clause, Johannes Vandenhoeck, Maristela Salvatori, Ana Letícia Fialho, Gilbert Lascault, Sophie Vigneau, François Leyge, Jean-Louis Marc, Nicolas Surlapierre, Nicolas Boucher, Danièle Gillemon

C

ette édition d’Actuel célèbre le travail et l’héritage de l’Atelier Contrepoint et de son prédécesseur, l’Atelier 17. Il y a de bonnes raisons de revenir sur les réalisations des artistes impliqués, mais aussi sur la manière dont les ateliers collaboratifs d’impression se sont développés dans de nombreuses régions du monde et continuent de croître en nombre.

Dans cette édition, il est fait référence à l’œuvre importante de Stanley William Hayter, l’artiste anglais qui a fondé l’Atelier 17 à Paris il y a près de cent ans, et son successeur, l’artiste argentin Hector Saunier, ainsi que les assistants qui entretiennent et transmettent leur héritage.

Le site Wikipédia de l’atelier répertorie de manière non exhaustive les artistes et graveurs qui ont fréquenté l’Atelier 17 : c’est une liste très impressionnante avec de nombreux noms bien connus. Certaines personnes sont surprises de constater que la gravure, loin d’être une forme d’art obscure, a été et continue d’être une partie forte et influente du monde des arts visuels.

Dans les ateliers et les studios dédiés à cette forme d’art, le travail effectué est devenu plus collaboratif, que ce soit en production ou en éducation. Certains artistes établis utiliseront les compétences des graveurs pour les aider à produire une édition d’estampes originales, et certains passeront cette production entre les mains d’un maître imprimeur. D’autres artistes rejoindront ces studios pour apprendre des techniques et développer leurs propres compétences, en travaillant avec d’autres sur des projets collaboratifs. Ces dernières années, ces studios sont également devenus un pôle créatif dynamique, ajoutant le rôle du développement communautaire à ceux de la production et de l’éducation.

L’histoire de l’Atelier Contrepoint et de son prédécesseur est centrée sur la technique du burin et sur celle développée par Hayter pour imprimer en plusieurs couleurs simultanément à partir d’une seule plaque de gravure, aussi n’est-il pas surprenant que cette technique soit devenue populaire parmi les artistes car Les ateliers et studios de gravure ont existé elle offrait un moyen de produire une édition sous une forme ou une autre tout au long de d’estampes qui était, en fait, une sorte d’hybride la longue histoire de la gravure et ont joué entre une estampe et une peinture. Le travail leur rôle dans l’évolution des anciens médiums de l’atelier continuera d’avoir une influence ainsi que dans le développement de nouveaux. sur les arts visuels du xxie siècle.

L’atelier de Hokusai est un exemple célèbre, et son travail pour étendre le rôle de la forme Bonne année ! d’art ukiyo-e est bien connu. Bien qu’il existe de nombreux cas d’artistes peintres travaillant dans de grands studios avec des équipes d’assistants, le cas des ateliers de gravure a été et continue d’être très différent.

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Atelier Contrepoint

Hector Saunier

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Atelier Contrepoint

Du trait au mot Hector Saunier La ligne dans tous ses états.

Ample, libre, spontanée. Éminemment expressive et multidimensionnelle, elle capte le regard et enchante l’imaginaire.

Hector Saunier grave des fils tissant des galaxies hautes en couleur, qui nous emmènent vers un ailleurs.

Dans un univers où la poésie visuelle puise aux sources de l’inconscient.

Dans un voyage où les textures, spirales et lignes organiques s’entremêlent pour entrer en résonance avec ce qu’il y a de plus intime.

Dans une œuvre personnelle qui flirte avec la joie la plus pure.

On en redemande…

Pascale De Nève

Couverture : Benteveo, 2015, burin, double impression, 40 × 30 cm Page 4 : Cygogne, 2005, burin et eau-forte, 50 × 40 cm Page 5 : Essai, 2020, burin, 30 × 30 cm Source d’inspiration, 2005, burin et eau-forte sur cuivre, 50 × 50 cm Page 6 : Apparition, 1981, burin, 50 × 60 cm Page 8 : Fleurs au vent, 2015, burin, 40 × 30 cm Page 9 : Entre les vagues, burin, 40 × 50 cm Cible, 2010, burin, 35 × 45 cm Pages 10 et 11 : Origami, burin, 35 × 45 cm Pages 12 et 13 : Faire surface, 2019, burin, morsure à l’encre, 35 × 45 cm

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Hector Saunier est né en 1936 en Argentine.

Son premier voyage le conduit en France en 1961 ; il a alors 25 ans. Il commence à travailler à l’Atelier 17, fondé et dirigé par S. W. Hayter.

Il poursuit ses apprentissages à Londres, où il séjourne deux années.

Il revient ensuite à Paris, à l’Atelier 17, où il travaille de façon ininterrompue auprès de S. W. Hayter dont il se sent très proche en tant que peintre et graveur.

Il lui succédera en quelque sorte en fondant l’actuel Atelier Contrepoint, où sont reçus de jeunes artistes du monde entier désireux de travailler dans ce champ libre inauguré par Hayter, champ ouvert à la ligne et à la couleur par le biais de la gravure.

C’est ce qui a permis à Hector Saunier de créer une grande variété d’estampes et l’a mené tout naturellement au livre par un travail partagé, par exemple, avec Robert Marteau.

En traversant les mers pour remonter le cours de sa généalogie, Hector Saunier n’a oublié ni la terre qu’il quittait, ni les eaux, écheveaux et fuseaux qu’il a navigués. Sur cette rive-ci, il devait pourtant rencontrer son destin, cela en entrant dans l’atelier de Hayter, où il allait découvrir l’aventure et où il allait s’armer pour sa propre course et pour son voyage personnel. Les encres de couleurs mariées au métal allaient lui permettre de mener à bien la configuration de son rêve en faisant apparaître ce que son savoir lui cachait et que sa main lui révélait.

Je dis révéler et non pas dévoiler, car c’est bien par un voile sans cesse renouvelé en son tissage comme en ses teintes qu’il allait avoir connaissance de son ouvrage réalisé, un instant fixé pour prendre une prochaine fois une autre forme. Miroir et musique s’associent en d’infinies métamorphoses qui sont autant d’inventions et de variantes ou variations.

C’est ainsi que se compose et se développe l’œuvre dont chaque feuillet peut se lire comme celui d’une partition.

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L’ATELIER CONTREPOINT Quand impression devient création À quelques rues de la gare Montparnasse, l’Atelier Contrepoint, enfant de l’Atelier 17, est un lieu à la fois secret et célèbre de Paris, bientôt centenaire, consacré à la gravure. Il a été créé en 1926 par un jeune Anglais, Stanley William Hayter, peintre et chimiste ! Après quelques années passées au Proche-Orient au service de la Standard Oil Co., Hayter choisit l’art et Paris.

Son atelier ressemble vite à un antre d’alchimiste tant il aime essayer de nouveaux procédés et manières.

Toutes les formes de gravure y sont pratiquées, il mélange sans complexes l’usage du burin, de la pointe sèche, du vernis, des acides… Cela ne se fait pas ! Mais « Bill » imagine plutôt ce lieu comme un laboratoire expérimental pour les artistes. Tout savoir à transmettre est conçu par lui comme en cours d’élaboration et de métamorphose.

Il connaît pour cela un grand afflux de peintres désireux d’y recueillir une stimulation créative. En cette époque d’entre-deux-guerres, cette aspiration à la liberté concerne autant l’inspiration que la pratique du métier. Beaucoup de ses « élèves », ou plutôt « compagnons de recherche », ont laissé un nom dans l’histoire ! 1 La révolution de la couleur Un de ses plus remarquables terrains de découverte est de traiter la couleur, au moment de l’impression, autrement que comme un coloriage. Elle est pour lui la substance même de l’œuvre. Sa découverte ?

Faire en sorte que l’éclat lumineux produit par la gravure vienne de la superposition de plusieurs couches de couleur posées les unes sur les autres, simultanément, sans se mélanger. La plaque est désormais conçue comme un mur recevant la lumière, qui, après l’avoir percuté, la fait rayonner ou l’absorbe. La lumière entre dans la matière colorée, se réfracte, produit l’effet du « glacis » bien connu des peintres. La couleur n’est pas le résultat d’un mélange sur la palette, mais procède de la matière colorée de l’œuvre.

Le « secret » de Hayter réside dans sa connaissance de chimiste de la tension différentielle qui se produit à la surface des fluides2. Ainsi, le graveur utilise une plaque gravée unique. Il la travaille pour obtenir un

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relief où s’agencent des surfaces lisses ou vibrantes, ayant du grain, des effets de matière, afin d’accrocher ou non au passage la couleur lumineuse. Il y dépose trois couches de couleurs, les unes sur les autres, chacune différemment chargée d’huile de lin. Ainsi elles se superposent sans se mélanger. La première couche est encrée à la main et concerne les tailles les plus profondes. La deuxième est posée grâce à un rouleau dur, avec une deuxième couleur saturée d’huile qui ne touche que les surfaces lisses. La troisième pellicule colorée est transposée par un rouleau mou, déposant l’encre plus dense de la troisième couleur à l’intérieur des tailles les plus larges seulement. Tel est le principe simple, aux possibilités et variantes infinies ! Tous les styles, manières d’utiliser burin, eau-forte ou vernis mou y trouvent un chemin singulier.

L’effet visuel Au-delà des effets chromatiques plus subtils et variés, quelque chose de très nouveau s’est produit : des effets visuels de profondeur, fluidité, mouvement, de basculement spatial. Ils font choc : ce qui crée la sensation d’espace n’est pas tant la perspective que la couleur.

Ainsi, cette technique de la couleur faisant corps avec le métal ouvragé se développe et engendre des œuvres d’une grande diversité. La nouvelle se propage, le secret du procédé technique veut être connu, et bientôt arrivent des praticiens du monde entier pour l’apprendre à Paris. Il est vrai que Hayter a une qualité rare : il est généreux de tous ses savoirs. Un de ses élèves, George Ball, qui deviendra lui aussi un graveur accompli et aimé, disait de lui : « Tout ce qu’il savait, il le partageait avec ses collègues de l’Atelier 17. Ceci me semble la marque d’un très grand professeur. » Un atelier international à Paris La première vague d’artistes à fréquenter l’Atelier 17 est, entre les deux guerres, ceux qui, venus du monde entier, ont choisi de vivre à Paris. Après la guerre, la deuxième vague est majoritairement américaine.

Atelier Contrepoint Rapidement arrivent aussi les Sud-Américains, Européens, Australiens. Les Japonais leur emboîtent le pas, ainsi que les Taïwanais, Coréens, Indiens. Puis, dès que les frontières de la Chine s’ouvrent, on voit accourir les Chinois. Les artistes d’Extrême-Orient ont une très ancienne pratique de la gravure sur bois et de l’estampe en couleur et se sentent en cela très concernés par la découverte.

Ainsi se lient beaucoup d’amitiés intercontinentales qui dureront longtemps après le retour de chacun dans son pays, entraînant dans leur sillage le voyage des œuvres pour des expositions communes.

1. Pour n’en citer que quelques-uns : Alechinsky, George Ball, Calder, Chagall, Dalí, Max Ernst, de Kooning, Matta, Matisse, Masson, Joan Miró, Robert Motherwell, Picasso, Pollock, Riopelle, Rothko, Ono Shoïchi, Takesada Matsutani, Yves Tanguy, Raoul Ubac, Maria Elena Vieira da Silva.

2. La même pratique que celle des peintres flamands obtenant la couleur par transparence, selon le principe du « gras sur maigre ».

S. W. Hayter quitte ce monde en 1988. Hector Saunier ainsi que Juan Valladares, qui l’ont assisté pendant plusieurs décennies à l’Atelier 17, reprennent les rênes. Il devient alors l’Atelier Contrepoint.

Valladares a quitté l’aventure en 2019.

Mais l’atelier suscite toujours autant d’intérêt autour de la planète, et Shu-Lin Chen, venue de Taiwan en 1995, a pris le relais de Juan. Elle connaît le métier, l’exerce avec maîtrise, elle est l’âme des lieux, dispense les secrets d’atelier et complète Hector Saunier dans le travail de transmission. La différence des goûts et sensibilités entre les deux « maîtres » est tout à fait dans l’esprit de l’atelier. Hector Saunier a été le grand explorateur des effets d’espace. Il en est le virtuose et maître incontesté. Il connaît toutes les manières d’évoquer l’immensité intersidérale… avec un burin, une plaque et trois couleurs… Shu-Lin Chen, quant à elle, aime la figuration, la nature. Elle conçoit la couleur de façon plus terrestre, sensible, vaporeuse.

On pourrait qualifier Hector de graveur d’inspiration cosmique et Shu-Lin Chen de poète du monde « atmosphérique ». « Expérimentation et diversité » reste la formule, l’ADN, de l’Atelier Contrepoint.

Aude de Kerros, graveuse, essayiste

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Lorsque je suis entrée pour la première fois à l’Atelier Contrepoint, au 10, rue Didot, à l’hiver 1995, je ne me doutais pas de son lien avec l’Atelier 17, célébré par l’histoire de l’art pour avoir influencé la gravure moderne et contemporaine par ses recherches techniques. À cette époque, je venais d’arriver à Paris. La ville m’apparaissait magnifique, à moi qui arrivais de si loin. Dès que j’ai passé la porte de l’atelier à l’aspect modeste vu de la rue, j’ai compris que ce lieu dédié à la taille-douce était stimulant, propice à la création, mais aussi à l’échange.

J’ai su que j’allais pouvoir y travailler librement.

Je me souviens de l’impression que m’a fait à ce moment-là le bruit du roulement des presses, mêlé aux voix parlant des langues étrangères et, parmi elles, un français un peu différent. Les couleurs ont enchanté mon regard.

En fait, je découvrais que ce lieu continuait d’exister depuis 1988, année de la disparition de S. W. Hayter, son fondateur. Des artistes venus du monde entier y trouvaient quelque chose qui ne se rencontre pas ailleurs. Chacun parlant volontiers de sa pratique de la gravure, mais aussi de son propre parcours et de ses origines. Chacun pouvant donner son point de vue. Chacun alternant entre le sous-sol, où l’on expérimente, où l’on cherche, et le rez-de-chaussée, où l’on mène outes les opérations préparatoires jusqu’à l’impression.

J’avais jusque-là simplement étudié la gravure à l’université et j’en savais encore bien peu. Je suis entrée à Contrepoint par curiosité. J’y suis restée par plaisir et y suis devenue une professionnelle de la gravure.

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À propos de la méthode des couleurs simultanées L’Atelier Contrepoint réunit des gens qui ont une passion pour la gravure. Quelle qu’en soit la pratique, c’est par l’échange et le goût pour l’expérimentation que se travaille ici l’impression selon une méthode originale.

Cette méthode associe l’usage des techniques traditionnelles, notamment la technique du burin, et une utilisation très particulière des couleurs.

Il s’agit de jouer avec les différentes viscosités des encres, plus ou moins diluées avec de l’huile.

Les couleurs de tailledouce et les couleurs offset de surface créent ensemble des espaces qui se complètent sur une même plaque.

Sans toujours être sûre de disposer de suffisamment de temps, j’ai voulu participer au développement d’une autre approche et d’une nouvelle vision de la gravure. À Contrepoint, j’ai pu, par la gravure, accéder aussi à des traditions, des cultures autres que la mienne. Ici, la plupart d’entre nous viennent de pays étrangers ; et ce lieu nous permet de travailler avec une confiance en nous-mêmes. C’est un lieu d’épanouissement.

Shu-Lin Chen, directrice de l’Atelier Contrepoint

Atelier Contrepoint

L’Atelier de gravure Contrepoint pourrait se définir comme un atelier expérimental fréquenté par des artistes et étudiants venus de toutes les contrées du monde, un lieu d’échanges et d’apprentissage. Il succède à l’Atelier 17, créé en 1927, rue du MoulinVert, à Paris. Son nom lui vient du 17, rue CampagnePremière, où Hayter s’installe au début des années 30. Nombreux sont les artistes de renom qui y ont travaillé. Ce que veut encourager et développer Hayter, c’est la pratique de la gravure en tant que moyen de création plutôt que moyen de reproduction.

Ainsi, les artistes travaillent-ils directement sur la plaque, constamment sollicités par de nouvelles expériences et des techniques nouvelles.

En 1939, l’Atelier 17 suspend ses activités à Paris pour les reprendre à New York en 1940. C’est alors un important lieu de rencontres des artistes new-yorkais et européens. À la mort de Hayter, en 1988, l’Atelier, en hommage au fondateur, devient Atelier Contrepoint, dirigé par Juan Valladares (1938-2019) et Hector Saunier.

Cette méthode, bien loin d’uniformiser, éveille en chacun son chant singulier, suscite la découverte par l’exercice pratique, par le fait de vouloir mettre soi-même la main à la pâte, de développer le jugement en même temps que la vision. Elle permet aussi, parce que nous sommes en un lieu habité, la confrontation, la comparaison, car il s’agit de se mouvoir en vue de l’accomplissement, et non pas de se livrer à la compétition. Et l’accomplissement n’est pas dans la production du chef-d’œuvre, mais dans la révélation de ce qui était à chacun occulté, ou offusqué par le manque d’exercice. Chacun se donne là rendez-vous avec lui-même pour sa propre découverte, à laquelle sont invités à concourir les autres par leur présence active. On peut à tout moment solliciter leur concours, leur aide ou leur avis.

Robert Marteau Paris, juin 1999

La méthode des couleurs simultanées, les techniques de gravure en plusieurs couleurs sur une plaque, par le champ d’action qu’elles offrent, incitent perpétuellement les artistes à innover. La collaboration entre anciens et nouveaux favorise en outre l’esprit de recherche et de création. Chaque jour, un assistant ou collaborateur-assistant aide et conseille, mais chacun travaille selon sa propre voie et réalise son œuvre personnelle.

http://www.ateliercontrepoint.com Page 16 : Ryuichi Maeda, Bioluminescence, 2018, eau-forte, 34,5 × 24 cm

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Atelier Contrepoint

María Chillón J’essaie d’attraper un instant de la vie, l’arrêter pour le rendre visible, pour percer son mystère et voyager hors du temps vers un monde intérieur. Dans la combinaison des lignes du burin, j’essaie de trouver le secret des sensations et de faire mien le fouillis des os, des chairs, des cheveux qui nous façonnent. Mon objectif n’est pas de représenter le réel, mais de créer des volumes, des formes qui, sans être figuratives, pourraient faire partie de mondes possibles, par leur aspect organique, animal ou végétal. Je veux rechercher le sens dans les ombres qui se dessinent à la seconde où mes yeux se ferment, et les matérialiser.

María Chillón www.mariachillon.com Instagram : @maria_chillon

Page 18 : Nudo 5, 2018, burin sur cuivre, 70 × 60 cm Page 19 : Entre les nuages 3, 2019, burin sur cuivre, 50 × 70 cm

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Mustapha Bimich Venu à la gravure alors que sa vocation et sa formation le portent plutôt vers la céramique, Bimich a déjà une œuvre importante traduisant à la fois l’expression de ses talents, le désir et l’inquiétude de ses recherches. Né à Salé (Maroc) en 1955 et installé en France depuis 1980, Bimich, riche de ses racines, nous révèle à travers son art sa mémoire d’enfant.

Céramiste travaillant avec les éléments naturels que sont la terre, l’eau et le feu, il est aussi graveur en taille-douce, insufflant la vie à la plaque de cuivre ou de zinc, laissant l’acide jouer avec la part du hasard propre à chacune de ses œuvres. De cette surface accidentée travaillée plusieurs fois avec des outils comme le burin, le grattoir, la pointe sèche et autres, naîtra une plaque très riche en matière qui permettra de jouer avec des couleurs chaleureuses et profondes. Une surface dynamique qui fera dialoguer les signes, les symboles, les formes…

Page 20 : Détour du vent, 2013, eau-forte, vernis mou, couleurs simultanées, 40 × 40 cm Page 21 : Un matin, 2014, eau-forte, vernis mou, couleurs simultanées, 40 × 40 cm Amazonie, 2017, eau-forte, vernis mou, couleurs simultanées, 47 × 54 cm

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Page 22 : La Grille d’arbre, 2015, eau-forte, 59 × 49,5 cm Page 23 : Lentilles d’eau, 2019, eau-forte, 30 × 40 cm

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Ryuichi Maeda « La représentation de la succession d’époques phares de ma vie, voilà comment je définis mon travail.

Sur la plaque de cuivre, je trace directement une composition en ayant conscience que le résultat obtenu à l’impression sera inversé et donc forcément différent de mon souhait de départ.

Mon but n’étant pas de créer une image géométriquement parfaite, mais plutôt de composer avec des traits doux et harmonieux, afin de rendre hommage à des objets, des paysages et des espaces familiers à l’atmosphère chaleureuse.

L’œuvre se pare progressivement de couleurs vives et chaudes évoluant dans un jeu de lumières et de transparences.

Le temps consacré à l’élaboration de l’œuvre n’est ni compté ni limité. » Ryuichi Maeda Né en 1971 à Osaka, au Japon, Ryuichi Maeda vit et travaille en France depuis 1997.

Il se forme à la gravure à l’Atelier Contrepoint, où il devient assistant. Il expose en solo au Japon et en France, ainsi que collectivement en France et à l’international.

Instagram : @ryuichi.maeda

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Shu-Lin est née à Taiwan en 1967. Elle termine ses études à l’Institut des arts de Taipei en 1992 et décide de se rendre à Paris deux ans plus tard. Dès 1995, elle rejoint l’Atelier Contrepoint, digne successeur du célèbre Atelier 17 de Stanley William Hayter (1901-1988), l’un des graveurs les plus talentueux et influents du XXe siècle.

Dans cet atelier, elle travaille aux côtés de l’artiste argentin et ancien proche collaborateur de Hayter, Hector Saunier. Elle y apprend le maniement des outils et grave quotidiennement des plaques de cuivre à l’aide du burin et de l’ébarboir. Elle progresse rapidement et accède vite au rang d’assistante, chargée d’apprendre aux jeunes artistes venus du monde entier à réaliser leur première plaque et à l’imprimer.

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À côté de cette mission essentielle de pédagogie expérimentale plus que d’enseignement, Shu-Lin entreprend la création d’une œuvre personnelle diverse et variée.

Si l’influence technique et philosophique de Hayter est présente dans son travail, elle a su s’en affranchir et la dépasser pour créer une œuvre personnelle diversifiée. De ce génie du trait que fut Hayter, Shu-Lin dit à bon escient : « Il superpose un certain nombre de lignes comme pour une partition musicale.

Les lignes et les couleurs sont juxtaposées, assorties, et les traces colorées.

Ainsi, ses harmonies se composent musicalement. » C’est pourquoi les plaques de Shu-Lin sont le lieu de vagabondage de lignes virevoltantes qui se croisent et se décroisent, avec toute cette liberté que confère le trait automatique à la création. Je ne peux m’empêcher de regarder avec plaisir ce jeu spatial dans Dragonfly ou dans Les Parfums de la terre.

Le dynamisme de la gravure de Shu-Lin s’appuie sur une qualité affirmée de coloriste.

En aplats juxtaposés ou en chevauchements subtils, les couleurs franches s’allient et se mettent mutuellement en valeur, par exemple dans la gravure À l’heure juste, qui me ramène aux dernières créations de Hayter avant qu’il nous quitte en 1988.

Shu-Lin apprécie particulièrement les bleus et les jaunes. Et quand les deux sont au rendez-vous, nous nous retrouvons en un Éclair dans la Banquise.

L’accord des deux couleurs est subtil, aucune ne domine et l’harmonie est totale.

Atelier Contrepoint

Shu-Lin Chen Si le trait inspire l’artiste, elle le décline sur les thèmes du temps, de l’espace et de la nature qu’elle développe avec une poésie qui fait totalement partie de sa culture. Les titres ne manquent pas de nous rappeler notre environnement spatio-temporel quotidien : Après la pluie, Astres, Nocturne, Lunaire…

Je voudrais citer particulièrement La Rosée, où le classicisme des fleurs est traité avec une poésie de couleurs douces tandis que le trait automatique discret mais bien présent apporte sans heurt une touche de modernisme.

Il arrive aussi que Shu-Lin aborde la mythologie, peut-être en hommage à Hayter et à ses thèmes mythologiques pendant sa période surréaliste des années 1930 où il appartenait au groupe d’André Breton. Icare en fait partie, dans une explosion expressionniste exceptionnelle de par ses éclats de rouge puissant.

Ou bien encore, l’artiste s’aventure dans la fable, et Sinbad le Marin trace ses voies maritimes dans une mer d’un bleu pur et vivifiant.

Page 24 : Les Parfums de la terre, 2013, eau-forte, vernis mou, couleurs simultanées, 76 × 56 cm Page 25 : Dragonfly, 2013, eau-forte, vernis mou, couleurs simultanées, 56 × 76 cm

Pour conclure, quoi de mieux que de citer le poète Robert Marteau (1925-2011) quand il évoque sa consœur Shu-Lin : « Me revient le chant d’un oiseau dans la montagne. Est-ce une flûte ? Est-ce du feu

qui flambe ? Le soleil se lève toujours à l’est en quelque lieu que nous soyons. Shu-Lin Chen tire ses encres de couleurs des eaux et des flammes que lui révèle sa mémoire au fur et à mesure qu’elle se fortifie en cet apprentissage sans fin qu’exige tout métier – même celui qu’anime la poésie, puisqu’il s’agit de faire apparaître ce qui n’avait pas eu jusque-là de lieu. » Pierre-François Albert

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Takuma Sakamoto

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Atelier Contrepoint

Mon travail naît de la relation avec les autres. Rencontrer des gens est très important car les relations que je noue avec les autres m’inspirent de nouveaux travaux.

Mes thématiques sont l’amour, la famille, les amis, les amants, le sentiment de compassion…

Par mes créations, je veux formuler ce que le cœur ne peut pas toujours dire. Exprimer d’une manière différente ce qui relie les êtres les uns aux autres pour combler le petit espace entre les gens.

Takuma Sakamoto Instagram : takumax56

Né à Fukuoka, au Japon, Takuma Sakamoto fait des études d’arts plastiques à l’université de Kyushu Sangyo, à Fukuoka, de 1999 à 2003.

En 2006, il vient en France et fréquente dès son arrivée l’Atelier Contrepoint, à Paris. Là, il s’oriente vers une nouvelle technique : la gravure. Ceci lui ouvre de nouvelles perspectives et conduit son art vers plus d’abstraction.

Dès lors, il multiplie ses participations à des expositions tant en France qu’à l’étranger (Angleterre, Italie, Maroc, Roumanie, Japon…).

Page 26 : BEAM, 2013, 2019, eau-forte, 12 × 9 cm Page 27 : Il se passe quelque chose…, 2019, eau-forte, 9 × 12 cm

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Anne Touquet Au bord des ruines Des visages de statues accidentés ou festonnés par le lichen ; des fragments antiques pour décor ; des chairs pétrifiées se livrant à d’étranges rituels : les gravures et les lithographies récentes d’Anne Touquet sont imprégnées du goût des ruines. À travers elles, l’artiste nous convie, tels des archéologues médusés, à observer ces étranges témoignages du passé, entre rêve et réalité.

On remarquera, tout d’abord, les affinités qu’entretiennent ces deux techniques vis-à-vis du projet de l’artiste. La gravure en taille indirecte réside dans le fait d’inscrire dans l’épaisseur du métal des figures englouties que l’acide dévore amoureusement. En émergent des visages au teint de pierre, piqués et tachés par la corrosion renvoyant le cuivre à son origine minérale, mais sous des airs d’érosion. C’est avec patience et vigilance, strate après strate, depuis le dessin des contours à l’eauforte jusqu’aux morsures successives à l’aquatinte, pour modeler les formes, que l’artiste orchestre cette accélération des effets du temps sur la matière.

D’une tout autre manière, la lithographie sollicite la mémoire de la pierre. Ce support solide, mais sensible, nous confronte à une expérience paradoxale de la durée : « Dessiner sur la pierre lithographique, c’est dessiner pour l’oubli », écrit Gérard Titus-Carmel.

Les figures fantomatiques d’Anne Touquet telles que Murmures des ombres (2020) ou L’Étreinte du présent (2020) hantent le bloc calcaire jusqu’à leur inéluctable effacement. Elles ressurgiront peut-

être, dans un instant semblable à celui qui suit l’enlevage, ou bien elles resteront définitivement muettes et invisibles. La lithographie se prête ainsi plus facilement au mouvement de va-et-vient des images. Elle magnifie les corps et les visages, frottés et estompés patiemment, pour les doter d’un soupçon de vie, là où la gravure semble les retenir de l’autre côté du miroir.

Le fond blanc des estampes sur lequel se détachent ces figures les enveloppe d’un vide profond et illimité.

Ce caractère épuré des compositions nous ramène également à la notion de fragment parce que la représentation est toujours partiellement recomposée.

Certaines ont un caractère familier, évoquant le drame pompéien par exemple, tandis que d’autres sont plus insolites et convoquent l’univers de la scène, telle La Chrysalide (2020). La singularité de ce travail réside dans cette oscillation permanente entre le spectacle de ruines réelles et la fiction d’un monde en ruine. Tel le peintre Hubert Robert qui précipitait des monuments dans le temps, Anne Touquet s’attache à anticiper le caractère éphémère du vivant en interrogeant le modèle de la pierre. À travers ce glissement fantasmatique et inquiétant, dont on ne sait s’il résulte d’une malédiction ou d’une catastrophe naturelle, la statuaire semble plus humaine que les personnages eux-mêmes, soudainement figés. En découle cette impression d’assister à des scènes que l’on n’approche qu’en rêve, comme le disait André Breton au sujet des collages et assemblages surréalistes.

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En regardant attentivement Les Pierres tendres (2020), on est frappé par le dédoublement des gestes et des figures. Les couples s’enchâssent selon une chorégraphie tantôt intime, tantôt protocolaire. À travers elle, ils expriment la force gravitationnelle qu’exerce sur eux l’homme à la jambe brisée, dernier rempart avant la chute à laquelle nous renvoie le visage à terre. Ce dernier est d’ailleurs le seul témoin de la scène projetant possiblement sur eux son rêve de pierre.

Dans cet univers silencieux et monochrome, l’artiste tire les ficelles d’interminables métamorphoses.

En effet, pratiquant une esthétique du collage, appliquée à l’estampe, elle sollicite plusieurs fois la même figure qu’elle intègre à de nouvelles compositions. Ce tissage d’éléments hétérogènes se répétant d’une estampe à l’autre constitue la trame de ses énigmes visuelles.

Christine Pinto

Anne Touquet est née en 1979 en Bretagne.

Après des études à l’école Duperré et à l’École nationale supérieure des Arts décoratifs de Paris et un début de carrière dans le monde du théâtre, elle se tourne vers le dessin avant de découvrir l’estampe.

Dans l’atelier de Raúl Velasco, elle apprend la gravure avant de rejoindre l’atelier Sfumato, à Montreuil, où elle s’initie à la lithographie. Depuis 2017, elle est intervenante à l’ESAD d’Orléans. www.annetouquet.fr

Page 28 : La Chrysalide, 2020, lithographie, 32,5 × 25 cm Pages 30 et 31 : Les Particules poudrées, 2021, eau-forte, aquatinte et lithographie, 38 × 48 cm Pages 32 et 33 : Les Pierres tendres, 2020, eau-forte et aquatinte, 30 × 40 cm

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Chris Delville Un tumulte tranquille Ce sont des femmes arbres, des dignitaires raides et penchées, qui parlent des langues de glace. Ce sont des animaux étranges, cerfs, chamois, sauterelles, renards aux pattes d’os. Ce sont des créatures du pays froid, intactes et miraculeuses, encloses dans la nacre comme des fragments fossiles. Et, tout autour, une musique tremble, un rythme agence les motifs, blasons, médaillons, cartouches, un trait hésite sur un bord, fasciné par l’entaille, la blessure au papier, au voluptueux fond de velours. C’est un ordre sacré de traces, de bornes incertaines, des brindilles dans la neige qui font signe au regardeur. C’est un rébus savoureux et pourtant cryptique, plages, piquetés, aplats, lignes d’erre. Ce sont les restes d’un conte indémêlable, d’un rêve de nuit noire, images en arrêt d’un autre temps, d’un ailleurs ahurissant, mais si net cependant. On pense à une beauté en éclats, une beauté encalminée. On pense au silence qui cerne les figures, on pense à l’amitié des bêtes, on pense à la douleur sans voix, la tendresse des corps seuls. On devine un texte sous l’image, mais chuchoté, effacé, redevenu matière. C’est ce texte qui a fait venir l’image, dit-elle, tandis qu’à mots choisis elle évoque ses poètes, Han Shan qui écrivait sur l’écorce des arbres, Rilke dont la langue transie erre encore entre terre et ciel, Akhmatova et ses scènes brisées, son alphabet d’ailleurs. Dans le territoire où l’on grave, l’inversion est reine, dit-elle, et l’espace est sans limites, on y avance à l’aveugle, on ne voit pas ce qu’on fait. Entre moi et le papier qui absorbe, que rien ne fasse écran. Entre moi et le fond que je polis (crayon, pointe sèche, aquarelle), qu’il n’y ait que mes mains à l’œuvre. Entre moi et la plaque que je paume, qu’il n’y ait que le frotté méticuleux de ce temps artisanal. Entre moi et ce dessin qui m’appelle « du fond de sa surface », qu’il n’y ait pas autre chose que l’inconnu qui creuse.

Et face à ce tumulte tranquille que chaque jour je couche, j’apaise, j’ordonnance, que je sois comme une corde vibrante, ni trop lâche ni trop tendue. Ce monde qui m’arrive aux doigts est mystérieux, talismanique. J’y viens lentement, je rôde longtemps en ses parages, longtemps je charge l’espace de mon regard, je scrute, puis les premières lignes se posent et alors tout commence.

François Emmanuel

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Page 34 : Jardin japonais-rampes II, 2020, pointe sèche, 27 × 21 cm Page 35 : Totem, 2020, pointe sèche, 60 × 30 cm Page 36 : Oh Chazal, il a dit, he said, 2020, pointe sèche, 15 × 14 cm Page 37 : Noir, 2019, pointe sèche, 17 × 10 cm Nord. Le Rivage de midi, 2020, pointe sèche, 16 × 31 cm

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Anaïs Charras D’aussi loin que je me souvienne, j’ai toujours conçu la création artistique comme l’élaboration d’une grande fresque documentaire, quelque chose de l’ordre du reportage.

Observer la transition, consigner, annoter et laisser cette étude derrière moi sous forme d’outil pour de futures investigations. Mes séries et travaux sont des instantanés de ce moment critique et du parcours sinueux qui s’ensuit, emprunté par tous les hommes, événement crépusculaire et fantastique, intervalle temporel étiré à l’infini qui sépare la vie du néant et que je décline inlassablement.

Mes influences surréalistes me conduisent à proposer des tableaux dans lesquels les personnages sont affairés à d’obscures mais nécessaires tâches. J’aime les regarder secrètement, de l’extérieur, sans les troubler dans leur besogne.

Car c’est l’importance primordiale et énigmatique de ces tâches qui est au cœur de mon travail. À l’heure des bilans, quel est le poids de la mémoire, le fardeau des héritages, le précieux bagage des souvenirs et les trésors du vécu ?

Pour les accompagner dans ce vertigineux recensement, j’imagine différentes textures qui balisent le chemin.

Comme nous, ils peuvent s’y raccrocher, leur récurrence est réconfortante. Voile de nuages, autel de planches, fils courant vers l’inconnu…

Ces décors vivants ponctuent la route, marquent les étapes, se font guides.

Même si je m’affranchis des proportions académiques, des lois de la perspective, je conserve des compositions classiques qui confèrent à la scène un équilibre que je souhaite rassurant.

Les corps en mutation, tantôt paniqués, tantôt résignés, avancent doucement vers l’après. Il n’y a plus ni ridicule ni honte dans ces cortèges d’êtres nus, dépourvus d’attributs sexuels, présentant au

monde la simplicité et la réalité de leurs corps sans artifice. Un processus de la plus haute importance est en cours. Nous voilà spectateurs d’un cérémonial codé qui nous échappe tout en évoquant en nous un sentiment familier.

D’abord dessinatrice autodidacte, j’ai vite ressenti que la gravure s’imposait à moi. La matrice, mystérieuse et sans cesse retravaillée, est le témoin des étapes, des égarements parfois, passeuse invisible entre le dessein initial et l’épreuve finale, archive du mécanisme de création. De plus en plus, ma technique se dépouille et j’utilise bientôt principalement la pointe sèche en taille directe sur le cuivre. Les remords, le grattage, regrattage, taille et retaille sont autant de blessures et de traces du passé. Ils tendent non pas vers une brutalité ou une nervosité du trait, mais, au contraire, vers une douceur profonde des teintes intermédiaires contenues dans des contours précis. Le moment du tirage me conforte dans mon rôle de documentariste. Je découvre à chaque état, tel un correspondant envoyé dans de lointaines contrées, le fruit de mes explorations.

J’ai parfois la sensation que ce sont mes personnages qui tirent les ficelles, et qu’ils s’animent d’eux-mêmes, racontant leur histoire en toute autonomie. Ne les dérangeons pas.

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Page 38 : Inventaire, 2021, eau-forte et pointe sèche en trois plaques couleur (cuivre et rhénalon), 21 × 14 cm Page 39 : Passage des pilotis V, 2020, eau-forte et roulette sur cuivre découpé, 12 × 10 cm Page 40 : Je les préfère avec moi, 2021, pointe sèche et roulette sur cuivre, chine collé, 35 × 23 cm Page 41 : Peine perdue, 2021, pointe sèche sur cuivre, chine collé, 50 × 34 cm Page 42 : Rappel, 2021, pointe sèche et roulette sur cuivre, chine collé, 36 × 12 cm Page 43 : Les Couturiers II, 2020, eau-forte, pointe sèche et roulette sur cuivre, chine collé, 40 × 30 cm

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Anaïs Charras est née en 1984 à Paris, où elle vit et travaille.

Elle se forme, aux côtés de Florence Hinneburg, aux Ateliers de la Ville de Paris et se consacre maintenant exclusivement à la gravure au sein de son atelier personnel.

Elle est membre de la Fondation Taylor.

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Marie-Cécile Clause

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Marie-Cécile a toujours aimé le papier, le dessin et le graphisme. Très vite attirée par l’impression et le multiple, elle s’initiera aux différentes « graphies ». Elle sera l’élève de Georges Vercheval en photographie argentique, de Matsutani et Éric Loyens en sérigraphie, de Gustave Marchoul en gravure et lithographie. Elle s’initiera aussi à l’image numérique…

Dans son travail artistique, Marie-Cécile cherche à aller à l’essentiel des formes ou de l’idée, à magnifier le rythme et l’espace, les vides et les pleins, saisir la lumière et l’instant, capter l’image, la morceler, aller au-delà de la première vision, la fixer, la synthétiser, la multiplier, la faire vibrer.

Professeur d’art plastique et de sérigraphie jusqu’à il y a peu, elle transmet toujours sa passion des arts et ne cesse de compléter sa formation.

Elle fréquente assidûment l’Atelier du Livre du Musée royal de Mariemont, les ateliers de sérigraphie, de gravure et de dessin de l’Académie des beaux-arts de Charleroi et de bijouterie de l’Académie des beaux-arts de Châtelet.

Aujourd’hui, elle se partage entre la Belgique et son Auvergne d’adoption. Elle grave de petites plaques, insole de grands cadres, imprime et superpose le tout sur du papier, du tissu…

Puis elle colle, plie, découpe, coud, assemble, relie, soude… et réalise de délicats livres d’artiste.

Sa devise : « Ce sont les contraintes qui nous font avancer. » Elle se les impose, en joue, les dépasse, les transcende.

Marie-Cécile Clause est en constante recherche, les thèmes, techniques et formats différents en témoignent…

Son travail, tout en sensibilité, nous emmène dans un univers épuré, poétique, délicat.

D’abord photographe, puis sérigraphe, elle est entrée dans le noir de la gravure par hasard, elle y a goûté, n’a pas aimé, s’est alors mise en retrait pour mieux sauter dedans quelques années plus tard.

Depuis, elle joue et mélange le tout, capture l’image, la photo, la transforme, l’insole, la grave, la tranche, la retranche, l’agrandit, la recadre jusqu’à en être satisfaite pour enfin l’imprimer, la multiplier.

Marie-Cécile Clause, artiste sérigraphe-graveur, est née à Chimay, Belgique, en 1955.

Page 44 : Bleus, 2020, monotype de sérigraphie sur Tintoretto, 30 × 10 cm, reliure accordéon Voyager, rêver dans la forêt, dans le rêve des nuages, dans le mouvement de la vague. Trois livres bleus réunis dans un coffret 31 × 31 cm au couvercle marouflé d’une sérigraphie trois passages reprenant les trois thèmes des livres : l’arbre, le nuage, la vague. Forêt bleue, Nuages à trous, Vague verte.

Page 45 : De Bruxelles à Dakar, 2015, ensemble de 12 arbres dans un portefolio gaufré, linogravure sur Arches 88, 42 × 35 cm Partir de Bruxelles et des érables, voyager jusqu’à Dakar, s’approcher des baobabs, zoomer jusqu’à l’abstraction.

Page 47 : Racines, 2017, ensemble de 12 racines, linogravure sur Tintoretto, 35 × 25 sur 50 × 40 cm Succédant logiquement à un travail sur l’arbre en général, Racines est une recherche qui entre en profondeur dans le détail et le gros plan de celui-ci. Dans un noir profond, comme l’obscurité de la terre dans laquelle les racines plongent puiser leur force, le graphisme qui tend à l’abstraction invite chacun à doucement plonger à la recherche de ses racines personnelles…

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Johannes Vandenhoeck J’aime la nature vivante, une touffe d’herbe au printemps, le tronc blanc d’un bouleau surgissant de la terre molle et odorante, le calme miroir de l’eau d’un étang, la majesté d’un vieux chêne…

Essayer de faire partager par la photographie ou la gravure les émotions ressenties lors des promenades effectuées dans la belle région limousine que j’habite est donc pour moi très naturel. À la photographie que j’ai longtemps pratiquée s’est progressivement substituée l’estampe, qui s’est imposée à moi comme moyen d’expression prépondérant. Initié à la gravure dans les années 80 par Jean-Claude Caffin, puis, plus tardivement, à la manière noire par Judith Rothchild, j’ai très vite adhéré à cette dernière technique exigeante qui est devenue ma pratique artistique de prédilection.

J’apprécie l’idée des valeurs qui émergent du néant et l’élégance d’un graphisme qui semble surgir d’un beau noir profond et velouté. Si mon mode d’expression s’apparente au réalisme, c’est pour m’affranchir de toute affectation stylistique inutile. En tant que créateur, mon idéal esthétique penche pour une gravure qui montre l’essentiel dans toute sa véracité et toute sa complexité, sans emphase.

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Genèse des estampes Page 48 : Allégorie de la sagesse, septembre 2020, manière noire, encrage à la poupée en noir et beige, 30 × 20 cm C’est en observant attentivement le tronc d’un bouleau qui apporte un peu d’ombrage aux abords de l’étang de Puychaumartin, situé dans ma commune, que m’est venue l’idée de cette estampe. Le bouleau, symbole de sagesse et de renouveau, est à l’honneur dans de très nombreuses cultures, dans le monde celte, chez les Amérindiens, en Russie…

Page 49 : Trinità di Filitosa, novembre 2019, manière noire, encrage à la poupée en noir et brun, 20 × 20 cm Le projet à l’origine de cette estampe m’est venu lors de la visite en Corse de ce haut lieu de la préhistoire situé non loin de Porto-Pollo. Les trois magnifiques oliviers centenaires fortement intriqués qui ornent la cuvette du site m’ont inspiré une gravure en couleurs encrée à la poupée actuellement exposée à la galerie Heike Arndt de Berlin.

Page 50 : Amours, délices et orgues, novembre 2020, manière noire, 15 × 15 cm Il n’est sans doute pas inutile de rappeler qu’en français, les trois noms du titre de cette estampe sont des exceptions grammaticales bien connues qui ont la particularité d’être masculins au singulier et féminins au pluriel. Les coquillages de l’estampe, appelés vénus en langue vernaculaire, évoquent à la fois les amours symbolisées par les attributs de la déesse romaine du même nom, les délices culinaires et les orgues par leurs caractéristiques formelles.

Page 51 : Promenade d’automne, décembre 2020, manière noire, 15 × 20 cm C’est pendant une des nombreuses brèves sorties autorisées lors du confinement généralisé décrété à la suite de la pandémie actuelle que je suis tombé en admiration devant ce tableau fortuit composé de simples feuilles de chêne et de châtaignier qui abondent en Limousin et d’un morceau de bois couvert de lichen qui jonchaient le sol.

Johannes Vandenhoeck est un photographe et graveur français né à Nevers en 1949. Après des études à l’École nationale des beaux-arts de Bourges, puis à l’Université de Provence et à l’École supérieure des beaux-arts de Marseille, il s’installe dans les années 80 en Limousin, où il enseigne les arts visuels tout en continuant sa formation de graveur et de lithographe à l’École nationale supérieure d’art de Limoges. Depuis quelques années, il se consacre exclusivement à des travaux de gravure, principalement en manière noire.

Page 52 : Les Herbes du fossé, avril 2021, manière noire, 20 × 20 cm Cette estampe a une histoire singulière. Elle est en partie née d’une amitié liée dans ma jeunesse avec un étudiant coréen. Perdu de vue et retrouvé récemment sur un réseau social, cet ami, devenu écrivain et peintre célèbre en son pays sous le nom de Haïlji, a publié de nombreux ouvrages, dont deux en français. C’est un lisant l’un d’eux, un recueil de poèmes intitulé Les Hirondelles dans mon tiroir (LibrairieGalerie Racine, 2003), que m’est venue l’idée de lui rendre hommage.

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Maristela Salvatori Je ne peux pas nier la fascination pour la gravure et pour la photographie. Dans mon processus, j’utilise des procédés traditionnels et des technologies digitales. Dans la plupart de mes œuvres, on retrouve des photographies comme références. Je me sers soit de formes isolées, soit d’un mélange de ressources : gravure sur métal, photographie et manipulation numérique.

Les images apportent un mouvement circulaire, des scènes marines et des scènes urbaines où la fragmentation, la répétition, la sérialisation et le dédoublement des formes sont une constante.

Dans les estampes chalcographiques, sur relief ou digitales, au-delà de m´approprier des photographies ou certains de leurs aspects, j´apporte des éléments de lieux qui me captivent par l’émotion afin d’évoquer des moments de mémoire affective.

Dans les années 1980, je travaillais surtout sur la figure humaine, dans un contexte d’album de famille.

Les personnages étaient conçus avec des lignes quelque peu déformées. Au fur et à mesure, les figures devenaient de plus en plus petites, jusqu`à disparaître, et l´architecture prenait de l´importance.

Selon Ana Letícia Fialho (2004) : « Les œuvres de Maristela renvoient, pour moi, à un sentiment de dépaysement. Des mondes imaginaires sont construits à partir du fusionnement entre les lieux de passage et de permanence : lieux de passage,

où l’artiste n’est restée qu’une période donnée ; lieux de permanence, parce qu’ils sont restés dans sa mémoire. Les éléments cueillis dans le parcours retournent et renaissent dans son œuvre. Barthes a dit un jour : “Quand on me montre un bouquet de fleurs, la première fois, pour moi, ces fleurs n’ont pas de sens. Le sens, ça se construit dans le retour.”

En partant d’un registre photographique – souvenirs de vacances au Maroc, vieux bâtiments de sa ville natale, etc. –, l’artiste transforme petit à petit les images. Dans ces gravures, de nouveaux contours se dessinent et les formes prennent de plus en plus de distance par rapport à l’image du départ :

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enlevant un élément ici, déplaçant un autre là-bas, l’artiste construit un nouveau paysage qui ne peut exister que dans son œuvre.

Ces lieux solitaires où, souvent, nous ne percevons même pas l’ombre du vivant peuvent être, à tout instant, remplis par nos propres fantômes.

En utilisant l’imagination et la mémoire, l’artiste invente et réécrit constamment des histoires aussi personnelles qu’universelles, touchant à un imaginaire collectif, transformant notre perception du vécu et du réel. » De son côté, Gilbert Lascault (2000) témoigne : « Dans les gravures de Maristela Salvatori, souvent, des vues frontales s’imposent. Elles barrent toute voie. Elles ferment tout passage.

Elles interdisent toute communication. Elles bloquent les chemins. Elles immobilisent le regard.

Elles nous cernent. Elles nous assiègent. Ça ne circule pas. Ça ne se déplace pas. Nul vent ne souffle et les arbres sont paralysés.

Dans le port dormant, sur le quai de départ, nul navire ne surgit. Les grues sont pétrifiées. Nul matelot, nul passager, nul marchand, nul débardeur ne se meut. Le débarcadère accablé est abandonné. Nulle vie. Nulle vague. Nul nuage dans un ciel plombé. Nulle voix humaine. Nul chien.

Vous n’arrivez pas à bon port. Vous n’arrivez pas à mauvais port. Vous n’arrivez pas.

Le port n’est pas un abri, un refuge, une protection, un lieu sûr. Il est une zone de dépression et de déréliction, un territoire de solitude et d’insécurité.

Le temps est dense, grave, lourd. Une ville est morne et morte, taciturne. C’est le no man’s land.

Maristela met en évidence deux hauts édifices du bassin de la Villette, qui sont deux jumeaux de la nostalgie… À Paris, sur le quai du Point-du-Jour, une vaste usine délaissée dissimule l’horizon.

Ou bien, de biais, une route va en ligne oblique.

Dans le port inquiétant, des docks, des hangars, des entrepôts, des arsenaux, des blockhaus, fuyants, paraissent s’enfoncer dans le lointain. L’œil découvre l’inconnu. »

Plus récemment, pendant un séjour au Québec, je me suis consacrée à la photogravure avec des polymères, pour aller au-delà des impressions numériques, images parfois juxtaposées aux gravures, en restant toujours attirée par le paysage urbain.

Depuis des années, je pars au bord de la mer sur une petite plage au sud du Brésil. J´y reste désormais plus

longtemps. Mon regard demeure perdu pendant des heures, guettant la nature, surtout la mer, les vagues et, avec un peu de chance, quelques baleines, et cela devient ma dernière passion en tant que thème.

Page 54 : Sans titre (série Porto), 2016, gravure sur métal – photogravure, 26 × 21 cm Sans titre (série Porto), 2016, gravure sur métal – photogravure, 26 × 21 cm Sans titre (série Porto), 2016, photogravure sur polymère, 24,5 × 16,5 cm Sans titre (série Porto), 2016, gravure sur métal – photogravure, 26 × 21 cm Page 55 : Sans titre (série Québec), 2012, gravure sur métal, eau-forte et aquatinte, 30 × 50 cm Page 56 : Sans titre (série Porto), 2016, photogravure sur polymère, 30 × 21 cm Page 57 : Sans titre (série Québec), 2012, gravure sur métal, eau-forte et aquatinte, 30 × 50 cm

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L’artiste graveur et plasticienne du livre naît en 1960 dans le Lot-et-Garonne, en France.

En 2001, elle installe son atelier, avec l’aide de la DRAC Midi-Pyrénées, dans une ancienne scierie au bord de l’eau, à Fondamente, sur le territoire de Millau et des Grands Causses, dans le Sud-Aveyron.

Autodidacte, elle s’est formée à la gravure et à d’autres techniques auprès d’artistes à Paris et à Chaville, de 1990 à 2000. Son œuvre est multiple : gravures, peintures, livres d’artiste, boîtes, photographies, vidéos, installations… Le thème des Raticés, petits rongeurs qui avaient trouvé refuge dans la scierie avant son installation, est récurrent dans son œuvre depuis 2000. Elle évolue par la suite vers la mise en espace puis en mouvement de son travail, avec notamment les Thaumatropes.

Depuis son atelier de Fondamente, elle bâtit son œuvre méthodiquement, explorant des pistes diverses, de l’estampe à l’installation (Envol, prix jury et public Rat d’art volant, 2013) en passant par la photographie numérique (L’art prend l’eau, Nay 64, 2016). Pourtant, elle reste profondément attachée à la gravure, comme une empreinte majeure pour elle, une rencontre dont on ne se défait pas.

Les Thaumatropes (2013-2015) sont réalisés à partir de cette matrice gravée et nous invitent à l’envol. Invitée lors de manifestations à Millau (Galerie service culture et Rat d’art volant) et en exposition personnelle (2013-2014) au musée de Millau MÛ, Hors de la nasse tout est possible, elle conforte cette orientation d’« être à l’affût » sans répit comme une évidence. L’invitation avec les artistes d’Aveyron Culture, au musée de Ningbo en Chine, en 2017, lui permettra de fortifier ce choix et de prolonger sa recherche.

Depuis 2002, elle anime des ateliers artistiques autour de l’estampe et du livre d’artiste en milieu scolaire, dans les hôpitaux (culture-santé) et dans des Ehpad (art thérapie). Elle organise, dès 2006, aux Ateliers de la Scierie (association loi 1901 pour la culture et l’art en milieu rural soutenue par Aveyron Culture) des expositions et des résidences d’artistes après une formation à Paris. Elle collabore régulièrement avec les associations de gravure Estampadura de Toulouse, Sud Estampe de Nîmes et Artpage d’Octon ainsi que Manisfestampe de Paris. Elle présente ses estampes dans les arthothèques de Millau et Rieupeyroux, en Aveyron. Son œuvre a déjà donné lieu à de nombreux reportages vidéo à Rodez, Toulouse, Paris, et à de nombreuses expositions personnelles et collectives en région, en France et à l’étranger (Chine). http://www.sophie-vigneau.com

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Sophie Vigneau

Le mouvement artistique chez elle est enclenché par des émotions suscitées lors de « rencontres » qui sortent de leur banalité pour être transformées en objets esthétiques : rencontre aux Ateliers de la Scierie avec les souris ou « Raticés » et les nasses utilisées pour les capturer, les chauves-souris, les cailloux au hasard des chemins… autant de thèmes de base du travail de l’artiste. C’est dans l’exploration de plusieurs voies et dans le mélange des techniques : dessin, gravure, peinture, photographie, vidéo, installations…

que l’artiste puise son énergie pour mieux les prolonger ou les détourner de leur fonction première.

Le prolongement actuel de son travail sur le mouvement l’a conduite à la création du Thaumatrope géant, sollicitation au rêve induite par le mouvement du public.

Catalogue de l’exposition MÛ, Hors de la nasse tout est possible au musée de Millau et des Grands

Causses, 2013-2014

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Le temps des souris Bien sûr, il y a toujours les souris, métaphores vivantes de l’animal destiné au piège. Mais la souris, c’est aussi Sophie, l’Artiste, qui met tout en œuvre pour échapper à la nasse, pour se libérer de sa (bonne) éducation, des codes incontournables de la vie en société, des souvenirs de jeunesse qui ont déterminé son parcours… et qui menacent de paralysie sa création.

François Leyge, catalogue, petit journal de l’exposition MÛ, Hors de la nasse tout est possible au musée de Millau et des Grands Causses

Les cailloux ou eaux lentes, 2012 De petits cailloux s’entrechoquent, s’assemblent, se fondent, s’équilibrent pour retrouver leur position plastique, toute une énergie au service de l’artiste. C’est la rencontre avec ces fragments, leur recueil pour les associer dans des aquatintes, eaux-fortes, qui les redynamisent et les placent dans une œuvre complète sur le thème.

L’artiste poursuit sa démarche sur le statique (les « Raticés », les insectes, les plantes, etc.) pour l’étendre aux cailloux. Il semble qu’elle y puise une énergie toute nouvelle dans sa quête de transformation esthétique du banal.

Une mise en mouvement s’instaure alors, comme un sentier qui ne peut s’éviter.

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Les Méduses et Planètes, 2014 Si le sujet semble sérieux dans un monde où les méduses envahissent les plages, j’ai plutôt choisi les méduses lacustres de nos étangs, méduses existantes déjà à l’ère du permien. Le processus de création reste surprenant, processus qui associe à la fois la recherche aléatoire et la technique de l’estampe du vernis mou. Des lentilles restées attachées au fond d’une casserole sont le point de départ. Reportées sur des plaques de cuivre par la technique du vernis mou, elles se sont ensuite écrasées en passant sous la presse, donnant cette impression en étoiles ou en méduses.

Les plaques sont ici trempées longuement dans le perchlorure de fer. L’acide, lentement (plusieurs heures pendant plusieurs jours), passe au travers de certaines plaques, faisant apparaître comme un gaufrage (surtout dans les Méduses). Les Planètes poursuivent cette recherche entre animal et étoiles inaccessibles.

Toujours en éveil, dans une création personnelle, je ne démords pas d’un monde animal surprenant, qui me captive.

Page 58 : Thaumatrope, 2013, 3 portants 310 × 50 cm, 21 disques de 20 et 30 cm gravés à la pointe sèche sur aluminium, (prix jury et public 2013 Millau : Rat d’art volant) Page 59 : Chauves-souris, 2013, pointe sèche sur aluminium et crayon graphite, plaques circulaires de 20 et 30 cm issues du Thaumatrope* Page 60 : Le rat n’attrape pas les souris, 2008, aquatinte deux plaques 20 × 20 cm* Cailloux, 2013, aquatinte, 2 plaques couleur, 41 × 5 cm Cailloux, 2013, aquatinte, 2 plaques côte à côte, 12 × 41 cm Page 61 : Planètes, 2014, vernis mou avec report 15 × 40 cm Page 62 : Permutations, 2018, vernis mou, 2 plaques couleur 20 × 20 cm qui tournent sur 4 tirages 24 × 82 cm et détail* Page 63 : Méduses 2, 2014, vernis mou avec report, couleurs à la poupée, 20 × 20 cm × 3* * Le tirage est réalisé en collaboration avec Thomas Fouque, des Ateliers Moret Manonviller de Paris.

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Permutations, 2018 Toujours à « l’affût », l’artiste récupère cette fois-ci, dans la scierie du Sud-Aveyron où se trouve son atelier, de petits « boudins en crin végétal séchés » qui, mis bout à bout, évitaient qu’un matelas ne glisse sur un sommier.

Une rencontre particulière avec matière et objet utile qui lui permet de pousser encore un peu plus loin sa création en y engageant le mouvement lors des tirages. Les deux plaques initiales sont bougées d’un quart de rotation lors de l’impression.

Les plaques sont toujours trempées longuement dans le perchlorure de fer. L’acide, lentement (plusieurs heures pendant plusieurs jours), passe au travers de certaines plaques, faisant apparaître comme un gaufrage (comme dans la série Méduses et planètes, 2015-2016).

Le sujet n’est pas anodin si ce n’est par son usage ancien, oublié et pratique. Sortant du thème de l’animal souvent traité dans son travail, l’artiste est à nouveau captivée par l’élément.

La permutation des plaques se déroule dans l’impression même, ce qui engage une mise en mouvement du résultat.

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C’est une création étrange que ces carrés de gravures qui nous apparaissent comme abstraites. Taches éparses, irrégulières, comme aléatoires, noires sur fond vert, marron ou gris bleu : que signifient-elles ?

Au départ du processus de création : des lentilles corail ou vertes du Puy qui, après s’être attachées par cuisson sur du métal, sont ensuite transférées sur d’autres plaques de vernis mou pour être ensuite trempées dans du perchlorure de fer. Longtemps ; plusieurs jours pour transformation. Traces multiples qui changent de destination voire de distinction. C’est un peu comme des méduses lacustres des étangs ou d’autres lentilles flottantes sur les eaux stagnantes.

La transformation s’opère. Au départ alimentaires (sèches), les lentilles deviennent de toutes petites méduses en mouvement, imperceptibles. Le départ de l’œuvre reste donc cette cuisson (accidentelle) de lentilles restant attachées à la casserole faute de surveillance. Elles vont pouvoir se reporter sur des plaques de cuivre passées au vernis mou et le détacher. Reste le trempage acide d’où sortira la magie de l’estampe par l’encrage. Le résultat de l’œuvre fera penser aussi à de lointaines planètes intergalactiques inatteignables… On est confondu par cette œuvre étrange et saisi par cette démarche originale qui tend à l’abstraction : méduses, lentilles, planètes. La matrice est à la fois la plaque et ses traces ; l’encrage déterminera les impressions qui d’essai deviendra œuvre.

Jean-Louis Marc, architecte DPLG, galeriste de l’espace JLS 13 à Paris jusqu’en 2005, 2019

Sophie Vigneau revisite les techniques les plus éprouvées de l’art : gravures, peintures, livres d’artistes, boîtes, « reliquaires » de toutes sortes, l’œuvre est plurielle. Or cette visite n’est pas teintée de nostalgie ; au contraire, Sophie Vigneau ponctue son travail d’arrangements multiples où la peinture, le dessin (le trait) demeurent essentiels, mais ces pratiques sont avant tout génériques, elles permettent à la fois un passage à l’acte et d’élaborer dans un protocole de création complexe et hétérogène une réflexion sur la trace et la mémoire… Son œuvre de 2001, Les Souris de la Sciourie, est chargée de cette sorte d’humour et de gravité. Souris de la scierie de Fondamente, qu’elle observe, sorte d’affût où elle retrouve cette position de l’artiste observant longuement un animal. Sur la toile, le métal (gravures), les pochettes de papier kraft ou le livre d’artiste, les souris demeurent des rongeurs, mais sont aussi bien autre chose, certaines confinent à l’abstraction ou aux peintures rupestres, à la manière… Certaines ont l’air renversées, d’autres sont écartelées, si bien que le visiteur rentre dans la chair même de ces souris, mais sans réelle cruauté, car cette chair est matière, camaïeu, peut-être douleur comme dans tout souvenir ou en tous les cas mystère, tant au sens policier qu’au sens médiéval avec les interrogations de l’histoire de l’art sur la présence animale dans la création, telles les souris qui grignotent, trottinent et ne se laissent pas saisir.

Nicolas Surlapierre, conservateur adjoint au musée Matisse du Cateau-Cambrésis, mars 2001

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Nicolas Boucher Vertige de Lyyst Lyyst a la même prononciation et un sens similaire au mot « liste ». Ce mot est interprété ici comme une manière d’organiser la pensée et les actes en une suite raisonnée. Les travaux qui en résultent sont comme un inventaire figuratif visant à représenter l’excès. Cette obsession énumérative, souvent jumelée à des figures arrondies idéales, offre une sensation de mouvement proche de l’œuvre cinétique. Ces formes à la ligne claire et aux contours bombés, pourtant abstraites, revêtent une dimension anthropomorphique, rappelant une certaine matière organique.

L’artiste utilise cette matière pour de mystérieuses transformations alchimiques. À la manière d’un chimiste de la texture, il répète ses expérimentations et œuvre de manière sérielle pour représenter différents phénomènes.

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Classification de fictions multiples œuvres de choix Bien que mes pratiques puissent sembler différentes, le même processus de collecte se répète. À l’image de mes collages ou des séries de gravures, mes installations sont des listes figuratives, des sélections d’objets ou d’images de sens ; elles se composent d’objets collectés qui définissent une sorte de confidence intime. Chaque objet ayant été choisi parmi d’autres, ils forment un environnement subjectif d’idées. Les associations d’idées qui se créent lors du contact entre différentes images offrent un choix de pensée. Cette notion de choix est primordiale dans mon processus artistique comme dans sa réception.

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Ces œuvres de choix offrent une communication invisible entre le spectateur et l’artiste. Ludiques, elles permettent d’aborder des sujets en associant le spectateur à l’œuvre : je lui octroie, selon sa sensibilité, le choix de ce qui fait sens.

La gravure, un art du temps La gravure est l’art du temps et de la main. Tantôt directe, tantôt indirecte, tantôt en creux, tantôt en relief, elle transporte l’art entre sculpture et dessin.

L’artiste face à sa plaque crée un objet qui n’est pas une œuvre, mais l’outil de création de cette œuvre.

L’art de créer le support est un art du temps. Avec l’eau-forte, lorsque la plaque est rongée par l’acide, l’artiste ne peut qu’observer le travail chimique qu’il a simplement coordonné. Il n’agit pas, il est coordinateur. Les formes se délectent de vernis, l’aciérage leur est tout spécialement destiné. La gravure permet l’exaltation du dessin, par l’acuité du trait. L’estampe est pour moi particulièrement favorable à mes recherches sur la courbe, le trait et la symétrie de masse.

Page 64 : Amoncellement régulier, 2010, eau-forte et aquatinte sur chine collé, 32 × 22 cm Page 65 : Matière alchimique, 2016, monotype et collage, 50 × 40 cm Strates semi-minérales, 2012, technique mixte, épreuve d’artiste, 40 × 30 cm Page 66 : Classification de fictions multiples Choix esthétique libre, série de 12 collages de morceaux de gravure, papier, 29,7 × 21 cm Pages 66 et 67 : Classification de fictions multiples Attente en temps de guerre, plaques d’aquatinte sur collage héliogravures, 5 feuillets 32 × 24 cm Page 67 : Envol de matière organique, 2012, eau-forte et aquatinte, 15 × 10 cm Page 68 : Amoncellement accumulé, 2010, eau-forte et aquatinte, 33 × 22 cm Amoncellement de ligne claire organique, 2019, linogravure, 15 × 21 cm Page 69 : Envol de matière organique - faune & flore, 2015, eau-forte et aquatinte, 54,5 × 49 cm

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Intention, amoncellement, mouvement et saturation ouverte au choix

Les travaux de Lyyst portent sur l’accumulation, la prolifération, la répétition, la colonisation du support de l’œuvre par une infinité de formes arrondies de gabarit régulier. Les corps qui se créent entre écriture automatique et imagination libre s’adaptent à leur environnement. Avec ses arrondis voluptueux et ses changements de sens subtilement maîtrisés, la courbe est un outil de création privilégié.

Les formes que je produis ne sont pas tant des corps organiques que des compositions abstraites de succession de courbes virtuoses. Le trait est équivalent sur tout son trajet, pas de points ni d’intersections. D’épaisseur identique, il demande règles et contraintes pour s’exprimer en tant qu’idéal.

Une courbe, selon son ampleur, nécessite un temps défini par elle-même avant de pouvoir changer de sens. La courbe donne vie à la forme, une image du vivant qui existe juste en étant structurellement close.

Que va-t-il advenir de cette courbe ? Je l’oublie, en commence une autre. J’y reviens. De l’une, j’obtiens un corps sans forme. Un corps hors de la réalité, un corps tout de même. Un corps sans bras, des ailes, une queue, deux protubérances au niveau de la tête. J’attends avant de lui faire un pied. De l’autre, j’obtiens une plante, un bulbe, ses racines sont cachées. Elle se développe et s’élargit en de multiples bourses fines et allongées. Cette matière s’adapte à son environnement.

Ces travaux traitent de la nature même de la courbe, celle que l’on retrouve dans la faune ou la flore.

Par l’imagination du spectateur et la paréidolie, les traits aériens se transforment en des corps anthropomorphiques, la courbe devient l’essence même d’un mouvement naturel. Ces univers de texture évoluent en des univers de vie, grouillants, foisonnants. Cette création d’univers regorgeant de réalité offre une richesse graphique, ludique et captivante.

Nicolas Boucher Instagram : @lyyst_

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« À force de mêler les procédures classiques et les autres, d’intercaler lambeaux de papiers de soie et éléments hétérogènes, elle matérialise pour ainsi dire ses intuitions les plus intimes du monde physique et leur imprime ses peurs et ses éblouissements. »

« Deux cycles de gravures, Stèles et Rythm and Blues, où se croisent aquatinte, eau-forte, pointe sèche, manière noire et photogravure, illustrent ces tendances apparemment contraires.

La première, plutôt sobre et modulée, joue sur la révélation de formes compactes, d’architectures qui orchestrent les jeux arbitraires de la lumière et de l’ombre.

L’autre, dynamique, fait la part belle à la morsure du trait, aux éclats du noir et blanc, à la sonorité du graphisme qui éclate le support. »

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Anne Gilsoul Le noir, empreinte de mes énergies secrètes Extraits du catalogue Visions d’encre, écrit par Danièle Gillemon à l’occasion de l’exposition rétrospective au musée Félicien-Rops (Namur, 2012) Photos © Luc Schrobiltgen

« Qui douterait de la nécessité de l’art de la gravure en ces temps postmodernes se verra complètement retourné par la pratique complexe, acrobatique, toujours expérimentale d’Anne Gilsoul, par son écriture tour à tour feutrée et frémissante, sourde et lumineuse, retenue et lyrique. » « Se servant d’une planche pour enfanter l’autre, Anne Gilsoul ouvre de nouvelles fenêtres, traverse l’espace toujours en quête d’un au-delà du miroir dont la conquête n’est pas le monde à l’envers mais un monde parallèle où les vibrations, les précipitations, les chutes, les efflorescences, toutes les modalités du changement sont le seul objet.

C’est au milieu de glissements progressifs, parfois infimes, où l’image matricielle demeure en friche et prête à la gravure une épaisseur particulière, que l’œuvre s’est constituée.

Prenante, déroutante, suggestive, elle a fait siennes, dirait-on, l’organisation secrète de la matière et ses transformations. »

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« Ses recherches dans de minces formats verticaux ou horizontaux donnent la juste mesure du chemin parcouru, de l’économie progressive du langage, de la maîtrise à faire surgir de l’obscurité veloutée le mystère d’une présence, d’un frémissement à fleur de planche, d’un souffle sur le miroir de l’existence. »

« Le lyrisme tempéré par une rigueur conquise jour après jour et un dépouillement sans sécheresse sont les deux pôles entre lesquels l’œuvre oscille, les deux tentations qui se résolvent souvent à l’intérieur d’une seule de ces planches tirées presque toujours en exemplaire unique. »

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« … elle cherche à confronter l’art de la taille à celui de l’impression, s’essaye à la gravure non toxique, découvre les aquatintes, des gris perlés aux noirs profonds, mêlant des couleurs raffinées et voilées par les vestiges du noir. »

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« Anne Gilsoul joue de façon subtile la transparence contre l’opacité, la douceur contre la violence, le silence contre la sonorité, le blanc contre le noir dans l’infini de leur palette. »

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« Elle apprend la photogravure qu’elle intègre à des structures é p u ré e s , c ré e d e s vibrations de lumière aussi bien dans les manières noires que dans ces nouvelles techniques. » « Une tension naît immanquablement de ce jeu à fleur du papier, de cette lutte pour donner une matérialité aux plus infimes mouvements de l’âme. Certes, on ne sait pas vraiment où vont ni d’où viennent les lignes, ces arpents de lumière ou de ténèbres, ces évanescences graphiques.

Ce que l’on sait, en revanche, c’est qu’ils cheminent étroitement avec ce que le cerveau connaît de l’intangible des choses. »

« Voilà, brossé à grands traits, le thème poétique qu’elle s’est fixé sans l’avoir explicitement choisi mais parce que la pratique graphique, à force de se voir questionnée, le lui a bel et bien enseigné et pour ainsi dire imposé. »

Page 70 : Noir diaphane, 1988, 1/1, manière noire, pointe sèche, papier de soie 32 × 30,5 cm Page 71 : Cantate d’encre II, 2005, 1/1 ,pointe sèche, manière noire, 19 × 36 cm Page 72 : Stèle V, 2009, 1/1 ,aquatinte, eau-forte, pointe sèche, 34,5 × 52 cm Voile d’ombre, 2011, 1/1, manière noire, eau-forte, pointe sèche, 12,5 × 41,5 cm Page 73 : Stèle, 2009, 1/1, aquatinte, eau-forte, pointe sèche, 34,5 × 52 cm Page 74 : Variations IV-c, 2007, 1/1, pointe sèche, manière noire, 40 × 29,7 cm Page 75 : Souffle, 2021, 1/1, pointe sèche, 14,5 × 14,5 cm

Anne Gilsoul est née à Spa, Belgique, en 1948.

Elle vit et travaille à Bruxelles. Anne Gilsoul expose régulièrement depuis 1982. Elle a participé à de nombreuses expositions collectives en Belgique et à l’étranger.

Elle crée des illustrations d’ouvrages pour les Éditions de l’Ambedui, Bruxelles.

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EXPOSITIONS

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EXPOSITIONS

Limited Edition Art Fair Le salon du multiple et de l’image imprimée

les 11, 12 et 13 février 2022

La Fondation Boghossian présente la troisième édition de la Limited Edition Art Fair, le salon qui célèbre le multiple et l’image imprimée, du 11 au 13 février 2022.

Créée en 2020, la Limited Edition Art Fair a pour vocation de proposer au public des œuvres de natures diverses : impressions offset, lithographies, gravures, sérigraphies, estampes, illustrations, céramiques, photographies… toutes conçues en séries limitées.

Durant trois jours, éditeurs renommés, galeries internationales et institutions belges incontournables, tels la Fondation CIVA (Bruxelles) et le Centre de la gravure et de l’image imprimée (La Louvière), investissent la Villa Empain.

Une section est consacrée aux œuvres d’une douzaine d’artistes lauréats du prix de la Fondation Boghossian ou ayant résidé à la Villa Empain.

La LEAF fait cette année la part belle aux maisons d’édition émergentes ou spécialisées, à la production foisonnante, telles Anima Ludens, Barythé, Estampille, Three Star Books, Taschen…

Se déployant sur les trois étages de la Fondation Boghossian, le salon est l’occasion de faire un état des lieux de l’édition de l’image imprimée et du multiple aujourd’hui, à la fois plurielle et authentique, innovante, précieuse et accessible.

Participants Institutions, galeries et éditeurs

Académie royale des Beaux-arts de Bruxelles, Anima Ludens, Ars Belga, Art’LoftLeeBauwens, Gallery Atelier Bruno Robbe, Baryté, Bernier Eliades Gallery, Centre de la Gravure et de l’Image imprimée, CIVA, Daily-Bul & Co, Estampille, Frans Masereel Centrum, Galerie Catherine Putman, Gallery Fifty One, HdM Gallery, Irène Laub Gallery, JAP, LMNO, La Patinoire Royale – Galerie Valérie Bach, Keramis, Meessen De Clercq, Michael Woolworth, Taschen, Three Star Books, We do not work alone, Wittockiana, Actuel, l’estampe contemporaine.

Artistes invités

Zeina Abirached, Pauline Bonnet, Adrien Cicero, Samuel Coisne, Roman Couchard, Nina Faivre, Job Gijsbrechts, Philippine d’Otreppe, Harold Lechien, Margaux Lecoursonnois, Lucian Moriyama, Guilyan Pepin, Thomas Perino, Félicien Umbreit.

Fondation Boghossian Villa Empain, Centre d’art et de dialogue entre les cultures d’Orient et d’Occident Avenue Franklin-Roosevelt, 67 – 1050 Bruxelles www.boghossianfoundation.be ou tout au long de la foire, sur rendez-vous Ouverture au public du 11 au 13 février 2022 de 11 à 19 heures Prix : 7 € - gratuit pour les enfants de moins de 12 ans et les étudiants de moins de 26 ans Atelier « Réalisez votre gravure ! » Pour adultes : samedi 12 février, à 15 heures Pour enfants : dimanche 13 février, à 15 heures Gratuit - sur inscription Contact : www.villaempain.com +32 497 46 12 64

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EXPOSITIONS

travaux croisés de graveurs coréens et français INTERNATIONAL EXCHANGE EXHIBITION OF PRINTS France - Korea 2022

Exposition du 5 au 27 mars 2022 SALLE DES FÊTES 1 rue Léon Gambetta - 76410 SAINT-AUBIN-LES-ELBEUF Ouvert tous les jours de 14h à 18h

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EXPOSITIONS

travaux croisés de graveurs coréens et français INTERNATIONAL EXCHANGE EXHIBITION OF PRINTS France - Korea 2022

CORÉElation 5

du 5 au 27 mars 2022 salle des fêtes Saint-Aubin-lès-Elbeuf 1, rue Léon-Gambetta 76410, Saint-Aubin-lès-Elbeuf Service culturel : 02 35 81 75 52 www.ville-saint-aubin-les-elbeuf.fr/Agenda.html#M

Exposition du 5 au 27 mars 2022 SALLE DES FÊTES 1 rue Léon Gambetta - 76410 SAINT-AUBIN-LES-ELBEUF Ouvert tous les jours de 14h à 18h

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Noh Jungsuk

CORÉElation

Depuis maintenant quatorze ans, l’association CORÉElation, en lien avec son homologue coréen, International Visual Culture & Arts Association, organise des manifestations en Corée du Sud et en France afin d’échanger des connaissances dans le domaine de la gravure. Ces échanges culturels et amicaux entre artistes graveurs se présentent sous forme d’expositions, de séjours, d’ateliers et de conférences.

Les derniers en date ont eu lieu à Gwangju en 2018 et 2021, et les prochaines manifestations auront lieu en France, en mars 2022.

Cinq expositions d’estampes originales se dérouleront dans la métropole rouennaise : à SaintAubin-lès-Elbeuf, pour l’exposition CORÉElation 5, qui réunira une vingtaine d’exposants graveurs coréens et français ; à Petit-Quevilly, pour l’artiste Noh Jungsuk ; à Mont-Saint-Aignan, pour Kim Ikmo ; à Grand-Couronne, pour une exposition hommage posthume au graveur Maurice Maillard, et aux Andelys, pour une exposition parallèle Noh Jungsuk et Pascal Girard.

Ces rencontres entre graveurs de cultures et d’horizons différents permettent de partager connaissances et techniques et de les communiquer au public. Elles développent l’intérêt pour l’art de l’estampe. Des animations, ateliers et conférences se tiendront pendant les expositions.

Les estampes coréennes de CORÉElation 5 seront présentées à Blois, Espace E. Leclerc culture >portecôté, du 2 avril au 11 mai puis à SaintLaurent-de-Trèves (Lozère), La Ronceraie, du 30 août au 10 septembre.

Pour avoir plus de renseignements sur ces manifestations : facebook.com/COREElationFrance http://coreelation.blogspot.com contact@coreelation-france.com

Kim Ikmo du 9 mars au 8 avril 2022 La Passerelle Mont-Saint-Aignan

du 17 mars au 3 avril 2022 chapelle Saint-Julien Le Petit-Quevilly rue Danton, 76140 Le Petit-Quevilly

2, rue du Tronquet, 761630 Mont-Saint-Aignan culture-espe@univ-rouen.fr

Noh Jungsuk Pascal Girard Gravure et Contemplation du 2 avril au 30 octobre 2022 Musée Nicolas-Poussin Les Andelys rue Sainte-Clotilde, 27700 Les Andelys musee.nicolaspoussin@ville-andelys.fr

Hommage à Maurice Maillard du 12 mars au 10 avril 2022 Orangerie de Grand-Couronne rue Georges-Clemenceau 76530 Grand-Couronne Service culturel : 02 32 11 53 55 www.grand-couronne.com

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rue de l’hôtel des monnaies, 81 - 1060 bruxelles - 02 537 65 40 - www.lesalondart.be

Y présente HAPP AR! E Y NEW 年 lotus in mud 謹賀新

koyuki kazahaya 風早小雪

œuvres récentes du 10 janvier au 5 mars 2022 ¡!¡ vernissage le lundi 24 janvier de 18 à 20 h 30 ¡!¡ salon ouvert du mardi au vendredi de 14 h à 18 h 30 le samedi de 10 h à 12 h et de 14 h à 17 h 30 En raison des récentes restrictions de voyage, j’ai dû rester au Japon pendant environ un an. C’est la première fois que je suis restée aussi longtemps au Japon depuis mon départ, il y a 8 ans, afin d’étudier en Belgique. Le fait d’être au Japon m’a donné un sentiment complètement différent de l’Europe. Dans ma vie quotidienne, j’ai pu ressentir le changement des saisons dans les arbres, les fleurs, le temps, les sons et les odeurs, une sensation que j’avais oubliée depuis un certain temps, mais que je considérais comme acquise lorsque j’étais enfant.

Dans mes œuvres, j’utilise le thème de la confrontation entre l’humanité et la nature. Le Japon est connu pour ses catastrophes naturelles telles que les typhons, les tremblements de terre et les tsunamis. Cela se produit fréquemment depuis l’Antiquité, la nature et donc l’animisme sont présents dans de nombreux aspects de la culture et de la vie quotidienne, ce qui signifie que tout dans la nature et certains objets ont un esprit.

La série Spirit of the forest est basée sur le thème d’une forêt millénaire avec des sanctuaires que j’ai récemment visités. Beaucoup de ces sanctuaires existent encore dans les montagnes et les arbres sacrés qui les protègent sont toujours vénérés. Quand on pénètre dans ces lieux sacrés, où les gens se rendent avec leurs propres pensées et souhaits, on ressent une tension

et un soulagement différents de ceux perçus dans une forêt ordinaire. Une présence sacrée, des esprits, les pensées et les sentiments des gens transmis de génération en génération.

Un vieux proverbe chinois dit « Lotus dans la boue ». Cela signifie que le lotus peut porter de belles fleurs, tout en poussant dans la boue. Même si l’environnement est sale, elles restent immaculées. Le projet « Lotus dans la boue » porte sur le cycle de floraison du lotus qui dure quatre jours environ, ensuite les pétales tombent et les graines sont déposées pour un nouveau départ. En regardant ce cycle de vie, j’ai l’impression qu’il s’agit d’un microcosme de la vie humaine. Les fleurs ont une signification particulière que l’on retrouve non seulement dans l’art, mais aussi dans la littérature, les chansons et la musique. Dans différentes cultures, les gens voient parfois un parallélisme entre leur propre vie, leur époque et la vie des fleurs. Il existe un célèbre Waka (poème traditionnel japonais) qui dit : « Les fleurs sont éphémères et tombent si vite, mais en fleurissant année après année sans changement, la vie humaine est plus impermanente. » Par ces nouvelles œuvres, je veux créer et montrer ce que j’ai revécu de ma propre culture, de mes souvenirs et émotions durant cette année contrainte au Japon.

Koyuki Kazahaya

LEAF

Limited Edition Art Fair Le salon du multiple et de l’image imprimée

11 13 fevrier 2022

Tickets : www.villaempain.com Illustration: Thomas Perino, À travers le miroir, 2018

F O N DAT I O N BOGHOSSIAN VILLA EMPAIN