Actuel22, graveurs en pays liégeois

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e fortes chutes de neige inattendues au printemps 2013 ont causé d’importants problèmes de circulation au port de Douvres, m’empêchant de faire le déplacement pour participer au jury de la Biennale de Liège. J’ai donc été heureux d’accepter l’invitation en 2015 et suis arrivé à Liège pour découvrir une ville intrigante et vibrante dans laquelle se trouve l’une des biennales de l’estampe les plus sympathiques et les plus professionnelles que j’aie rencontrées dans le monde. La sélection des artistes et des lauréats depuis les années 1980 montre en quoi Liège est si appréciée des graveurs, artistes et collectionneurs, soulignant son importance internationale. Ce n’est pas un hasard si une culture triennale vivante existe à Liège, avec une longue tradition de gravure, y compris la gravure sur fusil et son école de gravure très appréciée avec une large réputation européenne. La ville offre évidemment un sol riche et fertile !

On le voit bien dans cette édition d’Actuel qui célèbre les efforts et le travail de nombre d’artistes liégeois qui continuent de développer ces belles traditions.

Des biennales Pendant plus d’un demi-siècle, des biennales régulières, dans de nombreux pays, ont été l’un des principaux facteurs de l’évolution rapide et continue de la gravure en tant que médium artistique et en tant que moyen important de communication entre les personnes de diverses cultures à travers le monde. Ces événements révèlent l’émergence progressive de nouvelles techniques et de nouveaux matériaux dans la gravure, ainsi que les changements de mode pour le support, le style et le contenu des estampes résultantes. L’influence croissante de la technologie numérique et d’Internet a joué un rôle important dans cette évolution.

Alors que les compétitions internationales peuvent aller et venir et que le coût toujours plus élevé de l’organisation de tels événements devient un problème pour certains organisateurs, il est clair qu’il existe un fort désir parmi les graveurs de continuer là où cela est possible. La manifestation liégeoise est désormais une triennale qui offre aux artistes un forum pour partager leur travail, et la chance de gagner la reconnaissance que l’attribution d’un prix peut leur apporter. La mise à disposition d’un forum et d’un foyer social où les graveurs et les collectionneurs peuvent se rencontrer, partager des idées et discuter des techniques est également importante, même si les restrictions de voyage causées par la pandémie rendent cela plus difficile à cette occasion.

Une triennale ne peut pas réussir à donner la définition finale de la « gravure », mais elle peut fournir un miroir du présent, un retour sur le passé et des indices sur ce qui est encore à venir.

Ces événements passionnants et dynamiques sont accueillis avec enthousiasme, non seulement par les artistes et les collectionneurs, mais aussi par le public amateur d’art.

Que cela continue longtemps !

Vue de la 11e édition de la Biennale internationale de gravure contemporaine de Liège, verrière, La Boverie, 2017 © Marc Verpoorten, Ville de Liège Janne Laine, The Last Journey, 2019, héliogravure, photogravure, aquatinte, 10 x (38,5 × 58 cm)

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Liège

LA TRIENNALE DE GRAVURE DE LIÈGE Une douzième édition qui se réinvente pour le plaisir de tous Anciennement organisée tous les deux ans, la Biennale internationale de gravure contemporaine de Liège fait peau neuve et devient désormais la Triennale de gravure. Afin de pouvoir prendre le temps de parcourir plus profondément les nouvelles évolutions de l’art de l’estampe, les organisateurs ont souhaité, pour cette douzième édition, modifier le rythme de cet évènement, sans pour autant en changer la forme : la Triennale se veut toujours gratuite, accessible à tous, à tout âge et sans technique ni thème imposé.

Prévue en 2020 et reportée cette année en raison de la crise sanitaire, la Triennale de la gravure prendra place à La Boverie, pour la deuxième édition d’affilée. À l’ouverture de l’exposition, un jury international, composé d’experts dans le domaine de l’art de l’estampe, décernera le Prix de la Triennale (d’une valeur de 5 000 euros) à la·ou au lauréat(e).

Cette première édition de la Triennale regroupe 48 artistes venus de 26 pays différents sélectionnés sur la base des 470 candidatures reçues par nos équipes..

Cette année, les artistes qui exposent à La Boverie (Liège) sont originaires d’Allemagne : Michael Falkenstein, Andreas Rosenthal, Michael Runschke, Doris Schälling et Jörg Enderle, Ulrich Wolff ; de Belgique : Georges Amerlynck, Pol Authom, Sarah Behets, Roman Couchard, Frank Depoorter, Xavier Duffaut, Camille Dufour, Andrea Radermacher, Camille Truyffaut, Mathieu Van Assche, David Vieutemps ; du Canada : Derek Michael Besant, Davida Kidd, Stephanie Russ ; de Chine : Jia Shan ; de Corée du Sud : Hyesung Jung ; de Croatie : Ana Vivoda ; d’Espagne : Francisco Velasco Fernández ; des États-Unis : Edward Bateman ; de Finlande : Janne Laine ; de France : Florence Delhaye, Mathilde Lequenne, Côme Lequin, Stéphanie Mansy, Pierre Muckensturm, Soul K. ; de Grande-Bretagne : Paul Coldwell, Tracy Hill, Wuon-Gean Ho ; d’Inde : Preya Bhagat ; d’Israël : Lihie Talmor ; d’Italie : Andréa Serafini ; du Japon : Masaaki Sugita et Itirow Yoshiaki Tsubaki ; du Mexique : Víctor Manuel Hernández Castillo ; des Pays-Bas : Marcelle Hanselaar ; de Pologne : Roman Klonek ; de la République tchèque : Jiří Hanuš et Martin Velíšek ; de Roumanie : Alexandra Tudosia ; de Serbie : Vladimir Milanovic ; de Slovaquie : Dušan Pacúch ; et d’Ukraine : Olesya Dzhurayeva.

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Xavier Duffaut, Subliminal Packaging, 2019, impressions digitales, 3 x (58 × 60 x 23,5 cm) Vladimir Milanovic, Vase, 2019, impression digitale, 280 × 400 cm

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Liège

LA TRIENNALE DE GRAVURE DE LIÈGE Sur une sélection de près de 200 œuvres seront présentées différentes formes traditionnelles de l’estampe mais aussi les techniques plus contemporaines intégrées à des installations, ou même des impressions sur supports originaux (voiles, velours, miroirs ou dispositifs en 3D). L’exposition de la Triennale tente avant tout d’illustrer les nouvelles tendances de l’estampe, sa diversité, ses limites et sa

contemporanéité, bien au-delà de nos frontières… À travers cette exposition, Liège poursuit son engagement, qu’elle a débuté il y a une cinquantaine d’années déjà, celui de valoriser l’art de l’estampe au sens large.

L’exposition des artistes sélectionnés pour la Triennale est à découvrir à La Boverie (Liège), du 17 septembre au 17 octobre 2021.

LA FÊTE DE LA GRAVURE Parallèlement à l’exposition de la Triennale, la Fête de la gravure regroupe quelques musées, lieux culturels, écoles d’art ou galeries qui souhaitent mettre en valeur l’image imprimée. Cette année, l’exposition qui chapeaute la Fête est celle de l’artiste français Claude Viallat (Nîmes, 1936), l’un des fondateurs du mouvement Supports/Surfaces.

Claude Viallat, Monoprints présente une sélection de 25 œuvres en provenance de la maison d’édition parisienne Catherine Putman. Face à la répétition formelle de ses formes d’osselets, les associations de couleurs deviennent l’essence même de son travail. À découvrir à La Boverie, en même temps que la Triennale de gravure.

Ainsi, à travers la Triennale et la Fête de la gravure, Liège poursuit sa mission avec obstination : valoriser l’estampe au sens large, avec ses expérimentations multiples repoussant souvent les limites techniques et traditionnelles de l’image imprimée. « La fascination qu’exerce la gravure sur un artiste naît de la surprise, sans cesse renouvelée, qui accompagne la découverte de l’estampe fraîchement imprimée », écrivait déjà, en 1969, Ernest Schoffeniels, président de l’Apiaw, Association pour le progrès intellectuel et artistique en Wallonie.

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Fête de la gravure

IMPRESSION(S) Impressions ?

Celles qu’éprouvent les artistes ?

Celles que ressent le public ?

Celles qui naissent sous la presse ?

Au singulier ou au pluriel ?

Le collectif Impression(S) rassemble des graveurs qui prônent le dialogue et célèbrent la complicité dans la création.

Participer à la fabrication d’images dans ce collectif, c’est…

Poser les jalons de rencontres Tisser des liens entre les personnes Décloisonner les techniques Oser la superposition inattendue Fouetter l’imagination pour de nouvelles cavalcades Briser la distance des langages formels Nourrir le dialogue des styles Découvrir les ressources que recèle chaque univers personnel Se choisir ensemble des contraintes stimulantes Ouvrir des fenêtres improbables Percevoir des possibles insoupçonnés S’élancer dans des projets pétillants Inventer notre propre langage graphique dans le respect mutuel

Nous sommes 13, 13 vécus, 13 sensibilités, 13 visions.

Geneviève Clockers, Amalia De Lorenzi, Anne Dominique, Claudine Evrard, Béatrice Graas, Chantal Hardy, Audrey Lo Bianco, Pascale Loréa, Véronique Martinelli, Vincent Meessen-Bovy, Colette Schenk, René Weling, Andrée Wellens.

C’est… creuser mon sillon et l’ouvrir aux autres Claudine Evrard

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Page 8 : L’(im)pertinence du vide, 2015, techniques mixtes, exemplaire de 4 estampes 28 × 28 cm Page 10 : Triptyques, 2009, impressions reliefs (bois et linoléum), eau-forte, 3 fois 50 × 50 cm Page 11 : Unicité/Diversité, 2019, techniques mixtes, exemplaire de 2 estampes 35 × 25 cm et 25 × 35 cm, (collaboration avec l’atelier Presse Papier, Québec)

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Fête de la gravure

COLLECTIF IMPRESSION(S) Le collectif de graveurs Impression(S) a vu le jour en 1995.

Les treize artistes actuels qui sont pour la majorité issus de l’atelier de gravure de l’Académie de Liège développent leurs créations personnelles dans leurs ateliers respectifs.

Ils se rencontrent régulièrement pour partager leurs univers singuliers et promouvoir des associations de projets nationaux et internationaux.

Contact : Amalia De Lorenzi quai du Barbou, 24 à 4020 Liège amalia_delorenzi@yahoo.com Instagram : collectif.impressions Facebook : impression

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1. Marie-France Bonmariage, Dans la mer, 2018, lithographie, tirage unique, 30,5 × 30 cm 2. Floriane Soltysiak, Le Foyer, 2019, eau-forte, dimensions variables maximums 15 × 15 × 15 cm, installation 3. Jean-Michel Uyttersprot, L’Échelle, 2017, aquatinte, 70 × 50 cm 4. Michel Barzin, Love 4, 2020, burin et pointe sèche, 90 × 60 cm

Fête de la gravure

La Nouvelle Poupée d’encre Même « nouvelle », cette poupée a quand même quarante-cinq ans…

L’impossible, nous ne l’atteignons pas, mais il nous sert de lanterne.

Nous éviterons l’abeille et le serpent, nous dédaignerons le venin et le miel.

René Char

Quarante-six ans… C’est en effet en 1975 que Dacos (1940-2012), alors professeur de gravure à l’Académie royale des beaux-arts de Liège, déplorant le manque d’aide institutionnelle, imagina une association qui réunirait des graveurs, des étudiants et des amateurs.

L’idée était de promouvoir la gravure sous toutes ses formes, d’organiser des expositions et des stages, en région liégeoise comme à l’étranger, d’éditer des gravures d’artistes connus ou moins connus et, bien sûr aussi, de récolter les fonds nécessaires à la réalisation et à l’aboutissement de ces projets, des fonds qui pouvaient également permettre de venir en aide aux étudiants. Après une première période d’activité intense, La Poupée s’est reposée quelques années avant de réapparaître en tant que « Nouvelle Poupée d’encre ». Depuis 1992, initiative sans doute la plus populaire, La Nouvelle Poupée d’encre édite quatre séries de calendriers composés

de gravures originales réalisées tant par les membres de l’association que par des graveurs invités pour l’occasion. Les bénéfices permettent aujourd’hui d’assurer les missions que le groupe s’est fixées.

C’est aussi Dacos et La Nouvelle Poupée d’encre qui furent à l’origine de la mise sur pied, à Liège, de la Fête de la gravure et d’une biennale internationale, devenue triennale en 2020, qui célèbrent l’encre et l’estampe depuis des dizaines d’années dans tous les lieux d’exposition et les galeries de Liège et de la région. La Nouvelle Poupée d’encre, ce sont aussi des projets internationaux avec le Québec, le Maroc ; ce sont des expositions collectives, des échanges entre graveurs et graveuses d’ici et d’ailleurs. La Nouvelle Poupée d’encre, c’est aussi un peu une famille…

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1 2 3 4 5 6 1. Andrea Radermacher-Mennicken, Sans titre (Reigen), 2019, gravure à la pointe de diamant et pointe sèche sur plateau, 33 × 33 × 2,5 cm 2. Philippe Delaite, Sans titre (sculpture, un peu noyé…), linogravure, 38 × 28 cm 3. Simon Defosse, 1989_1er état, 2015, eau-forte, 20 × 28 cm 4. Patricia Minder, Nu 1, 2002, pointe sèche, 15,5 × 31 cm 5. Sofie Vangor, série Épouse-moi, 2018, image imprimée, tatouage éphémère, 90 cm × 60 cm 6. Luigino De Zotti, Diptyque, 2017, sérigraphies, 28 × 52 cm

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Fête de la gravure Dans ces films qu’a réalisés Claude Sautet, au-delà de l’intrigue, il y a des salles enfumées, des verres que l’on prend ensemble, des discussions autour d’une table, des sourires et des regards complices, des parapluies partagés sous une averse soudaine. Il y a aussi des maisons familiales à la lisière de la forêt, au bord de la mer, en province.

Elles sentent le café, le pain rassis, la confiture et le camembert. Une assiette, un verre et des couverts sont toujours prêts pour celui qui arrive.

Dans les jardins, les herbes folles et les fleurs sauvages poussent un peu partout. À La Poupée, dans l’atelier du sous-sol de l’Académie, rue des Anglais, auprès de la vénérable presse de François Maréchal et aujourd’hui des jeunes étudiants, il y a les pots qui sentent bon l’encre, les gravures qui sèchent, les tabliers noircis au portemanteau, les têtes appliquées à quelques centimètres de la plaque et les coudes qui se touchent.

Les paroles sont rares, mais, là-bas, on peut retrouver un peu de cette chaleur si particulière des films de Sautet : la gravure y est un sport qui se pratique encore souvent en famille.

Philippe Delaite

Les membres de La Nouvelle Poupée d’encre sont Sofie Vangor, Cécile Pruvot, Maria Pace, Marie-France Bonmariage, Thierry Wesel, Clémentine Thyssen, Roberta Sucato, Floriane Soltysiak, Naïm Barbach, Michel Barzin, Tina Obem, Babé (Bethsabée Fournier), Luigino De Zotti, Simon Defosse, Philippe Delaite, René Weling, Paul Mahoux, Pascal Leclerc, Andrea Radermacher-Mennicken, Jean-Michel Uyttersprot et Patricia Minder.

info@lanouvellepoupeedencre.be www.lanouvellepoupeedencre.be

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Graveurs de la province de Liège

Bernard Talmazan Pour Bernard Talmazan, la gravure prolonge la peinture, comme la nuit poursuit le jour.

Là où la couleur dit la joie de vivre, de penser et d’observer en pleine lumière la complexité de la nature humaine autant que le tumulte de la société, la gravure fait entrer dans la part d’indécision, d’ambiguïté et de mystère.

Le noir et les gris révèlent ce que cache la vision diurne, ils la complètent ou l’anticipent.

Ainsi, son travail à l’eau-forte se situe-t-il en marge, en amont ou en aval de sa peinture.

Ses recherches visent à inscrire dans la tradition ses préoccupations.

Conserver la représentation, la narration et la transposition, en espérant trouver un ton particulier, une ambiance.

L’eau-forte et ses variantes lui apparaissent comme le moyen le plus approprié à l’invention et au déploiement de l’imaginaire.

Bernard Talmazan est né à Liège le 5 février 1966.

Historien de l’art, formé en peinture aux cours de promotion sociale Saint-Luc, il y enseigne aujourd’hui l’histoire de l’art, le dessin et la peinture.

Il expose régulièrement son travail et participe au collectif de la Galerie 23. bernardtalmazan.wordpress.com/

Page 16 : Stupeur, 2020, aquatinte, 17 × 12,5 cm Page 17 : Un dernier regard, 2019, pointe sèche sur plexi, 31,5 × 19 cm Iris, 2021, aquatinte, 17 × 12,5 cm

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Page 18 : Lotus calaveras, 2018, linogravure, 30 × 21 cm, 30 ex.

Page 19 : Le Ravin, 2020, sérigraphie, 40 × 28 cm, 10 ex.

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Graveurs de la province de Liège

Sylvain Bureau Né en 1979, Sylvain termine ses études en sérigraphie et narration à l’ERG (Bruxelles) en 2001.

Il travaille ensuite douze ans comme restaurateur de meubles tout en continuant son travail de bande dessinée et de sérigraphie. Il se forme par la suite à la gravure à l’Académie des beaux-arts de Liège.

Il remporte le Prix de la gravure de La Louvière en 2013 et se forme au tatouage et au motion design ; il travaillera dans ce domaine pendant un an. Il est professeur de sérigraphie à l’Académie des beaux-arts de Watermael-Boitsfort depuis 2016.

J’ai très tôt été passionné par l’art brut, courant qui m’a permis de découvrir la maison d’édition sérigraphique Le dernier cri qui a eu une influence déterminante sur mes premiers travaux.

J’ai toujours laissé beaucoup de place à l’expérimentation et je m’efforce de ne pas me cloisonner dans un style figé. Je travaille en parallèle la bande dessinée, la linogravure, le monotype, l’animation en motion design et la sérigraphie.

Chaque technique m’offre des contraintes pour aborder mon travail graphique avec des approches différentes.

Je suis toujours attentif à ce que mes images racontent une histoire, pour moi le propos est vraiment important.

Les thèmes que j’aborde sont existentiels et introspectifs (sans être biographiques), essentiellement dans le rapport qu’entretient l’humanité face à la nature.

Dans mon travail de bandes dessinées et de sérigraphie, je construis mes images sur la base d’une saturation d’informations et d’un éclatement de la mise en page.

Le sens de lecture n’est pas linéaire, l’œil peut circuler entre les mots et les images qui naissent et se répondent en écho.

Je m’efforce de suggérer des idées et des sensations pour éviter un discours littéral.

Dans mon travail de linogravure, au lieu de me concentrer sur l’explosion du sens de lecture, je synthétise l’idée au maximum.

Je n’utilise que peu de mots – voire pas.

L’objectif est d’obtenir une image claire et directe, narrative et contenant plusieurs niveaux de lecture.

Facebook : Bureau Sylvain BSFCKi

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Pages 20 et 21 : Pourquoi respirer ?, feutre imprimé cousu et plâtre synthétique

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Amalia De Lorenzi est née en 1966 à Liège.

Elle y habite et y travaille.

Facebook : Amalia De Lorenzi

Graveurs de la province de Liège

Amalia De Lorenzi Triptyques et diptyques en feutre imprimé et plâtre synthétique

J’aime les processus lents, la réflexion qui se décante lorsque ma main rencontre la matière et manipule les outils.

Dans mon parcours de plasticienne, la création textile et plus modestement le modelage ont été des moyens d’expression avant ma rencontre avec l’univers de l’image imprimée.

Il est donc tout naturel, dans ma pratique de l’estampe, d’être particulièrement attentive au support sur lequel se couche l’encre (fin papier japon, papier artisanal ciré, film plastique ou encore feutre et feutrine).

Dans les séries Récidive, Scan et Pourquoi respirer, la matière, comme une peau sur laquelle l’encre est venue s’inscrire, a été découpée et assemblée pour devenir le corps même d’une œuvre en 3 D. Ces pièces en feutre naturel avec impression relief et plâtre synthétique puisent leur source au cœur de l’intime de la chair et de sa vulnérabilité. Un long travail de prise de recul pour transcender l’expérience partagée d’une atteinte douloureuse faite au corps et aux organes qui le font respirer.

Avec le temps, le processus par assemblage prend de plus en plus de place dans mon travail. L’impression peut alors n’être que le début, le commencement de l’œuvre en devenir et non plus son aboutissement.

Parfois c’est l’attrait sensuel pour une matière qui est première. Parfois, inversement, c’est la nécessité dans la justesse de mon propos qui me guide vers celle-ci, mais cela peut également se faire dans un même élan, comme par la magie d’une « synchronicité » jubilatoire.

La face organique du monde m’interpelle et m’émerveille, mais ce sont plus encore les paradoxes (sources de tensions) que j’y relève qui s’imposent dans mes recherches plastiques…

Tenter d’établir un équilibre entre des éléments antagonistes est ma manière d’affronter le chaos où patauge mon incompréhension, et ainsi d’œuvrer à y installer du sens.

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Graveurs de la province de Liège

Angel Beatove Angel Beatove est un artiste plasticien contemporain né en avril 1949 à Saragosse, en Espagne.

Il vit et travaille à Liège, en Belgique.

Son œuvre se présente sous la forme de séries thématiques et, dans son intégralité, procède d’un questionnement sur l’humain et sa relation au monde.

En janvier 2017, Angel Beatove a inauguré L’Inventaire, 104, rue Saint-Léonard – 4000 Liège, atelier et galerie d’art contemporain.

Pages 22 et 23 : La Crise sans faim, imprimé sur les presses de l’atelier Bruno Robbe en mars 2013

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Graveurs de la province de Liège

Audrey Lo Bianco Des bribes de fragments… Prendre le temps de me poser, d’observer le jeu d’ombre et de lumière traversant différents obstacles tels que branchages, feuillages, troncs, fenêtres, voilages.

Puis finissant par se déposer sur de multiples surfaces. Au gré de mon regard, tout au long d’une journée, je m’approprie ce que la nature m’offre, j’exploite la puissance des formes et des couleurs en les interprétant, en les manipulant librement. Ma perception s’affine, une écriture se tisse au fil du temps et laisse apparaître mon intérieur dans une complète abstraction.

Page 24 : Regard(e) ailleurs, 2020, pastel sur filtre à café Page 25 : Sans titre, 2020, pointe sèche sur filtre à café

Audrey Lo Bianco est née à Saint-Nicolas en 1984.

Elle vit à Neupré et travaille à Liège.

Elle a une formation de peintre-graveur à L’ESAl. Actuellement, professeure de gravure à l’ESAHR et de dessin dans le secondaire. Audrey a exposé en Belgique et à l’étranger, dernièrement au Québec et en Chine.

Membre du collectif d’artistes Impression(S) depuis 2012.

Instagram et Facebook : audrey.lo.bianco blog: lobiancoaudrey.blogspot.com/

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Page 26 : Sans titre, 2018, monotype, 60 × 43 cm Page 27 : Petit Prince, 2020, lithographie, 36 × 56 cm

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Graveurs de la province de Liège

Mario Garzaniti Quelle est la part irréductible d’une image ?

Ce qu’elle nous donne à voir traduit les limites de ce qu’elle ne peut nous montrer : le hors-champ.

Le visible n’est que le reflet contrasté de ce qu’il cache.

Mais n’est-ce pas un chemin nécessaire pour exprimer ce non-dit, peut-être à jamais indicible ?

La singularité de la monstration témoigne en elle-même de son contexte, de son cadre, de son auteur, en d’autres termes de ses conditions de possibilité.

Montrer le singulier renvoi nécessairement à ce qui le précède et le rend possible.

L’image est une trace ponctuelle, résultat d’une attitude qui s’inscrit dans la durée.

L’attitude résonne dans le mouvement de la vie, en perpétuelle mutation.

Elle produit des formes sans cesse nouvelles, mais raconte la part de nous qui résiste ou persiste au travers de ces différentes manifestations.

Ce « solde irréductible », voici ce qui intéresse Mario Garzaniti.

C’est pour tenter de capturer, même de manière éphémère, cette nécessité de la contingence que Mario Garzaniti s’autorise et s’invite à voyager dans la diversité des techniques et des expressions au travers d’un thème central : le lien.

Créer des images avec le plus de liberté possible.

Accepter l’aventure hasardeuse du processus en cours, sans en être captif.

Lancer des flèches pour faire apparaître la cible… si nous savons la reconnaître.

Justine Garzaniti

Mario Garzaniti est né en 1956, à Liège, où il vit et travaille.

Facebook : Mario Garzaniti Instagram : mariogarzaniti Dernières publication : Mario Garzaniti – Paréidolies – Estampes, catalogue de l’exposition à La Boverie, 2019 Aimant (par-dessus tout), Pascal Leclercq - Mario Garzaniti, finissage de l’exposition à la Boverie à Liège, 2019 Lithographies, catalogue de l’exposition à la galerie Christine Colon à Liège, 2021 Exposition dans le cadre de la Triennale : galerie Christine Colon à Liège

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Graveurs de la province de Liège

Bernard Minguet

La gravure mise en œuvre pour illuminer les fantasmes, une hallucination maîtrisée par le geste, mais un onirisme mutilé par la technique.

Les aléas de l’imagination incisés par la pointe chronophage, foulés et découverts par le brunissoir ou bercés de noirs par les chimères de l’outil.

La gravure nourrit autant qu’elle dévore.

Bernard Minguet est né en 1967 à Liège.

Il habite à Neupré et travaille à Saint-Luc Liège – ESA & PSOC Instagram : bernard_minguet

Page 28 : Épigée, 2019, pointe-sèche, 69 × 98 cm (matrice)

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Graveurs de la province de Liège

Chantal Hardy Le travail de Chantal Hardy se caractérise par l’imposition de fines, mais profondes entailles dans la plaque de gravure, violence d’un geste pleinement maîtrisé par l’entraînement de la pratique. Cette colère est incluse dans la technique même.

Chantal Hardy questionne depuis longtemps l’équilibre fragile entre l’agir et le subir, préexistant et ultérieur, induit par la violence dans l’espace privé et public, à travers la société et les actualités. L’espace griffé constitue bien souvent la matière première de ses travaux, la matière subit l’artiste.

Il s’agit de puiser toute la force contenue dans la colère pour la convertir en dynamique créatrice, générative d’autre chose que l’agressivité, renversement du processus.

La violence n’est pas là qu’en représentation, l’œuvre en est une forme de trace.

Elle y sommeille, dynamique et passive, le doute rôde. Un possible retournement, et les figures risquent d’être bouleversés.

Et c’est précisément ce qui se passe.

Anna Ozanne, 2015

Chantal Hardy vit à Thimister, en province de Liège. www.cultureplus.be Artiste, graveur, lithographe.

Professeur de gravure et lithographie à l’Académie royale des beaux-arts de Liège, horaire réduit, depuis 2000.

Membre actif de plusieurs associations de graveurs en Belgique : Impression(S) et Silence, les Dunes !, et au Luxembourg : Empreintes.

Nombreuses expositions et projets collectifs en Belgique et à l’étranger.

Chantal Hardy pratique toutes les techniques de gravure en jouant la coupe et le collage de divers papiers. Elle aborde ponctuellement d’autres moyens d’expression : le dessin de lumière, la scénographie et la sculpture.

Pages 30 et 31 : pointe sèche sur papier de soie collée sur une vitre et déchirée par moi-même et les spectateurs pour entrapercevoir le ciel. Installation présentée en 2020 au Centre wallon d’art contemporain La Châtaigneraie.

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Graveurs de la province de Liège

Delphine Lesecque Après des études en arts plastiques à l’ESA Saint-Luc de Liège de 1999 à 2002, j’ai suivi quelques années plus tard les cours de TIA (techniques d’impression artistique) à Saint-Luc Promotion sociale Liège.

Participation à quelques expos collectives, notamment avec le collectif Exp’off à l’occasion de la Fête de la gravure qui a lieu durant la Biennale internationale de gravure contemporaine de Liège (en 2013 au Hangar, en 2015 à la Maison Arc-en-Ciel, en 2017 à l’ESA Saint-Luc de Liège).

Depuis 2017, j’enseigne l’offset (lithographie sur plaques photosensibles) à Saint-Luc Promotion sociale, toujours à Liège.

Curieuse et bricoleuse, les doigts me démangent : les sujets sont prétextes à l’exercice des techniques d’impression, offset, et collagraphie mes terrains de jeu.

L’offset pour la fidélité au typon, la collagraphie pour le lâcher-prise (pas encore total, j’y travaille).

J’aime mêler ces techniques.

Le champ des possibles est infini, que ce soit dans la façon de réaliser le typon ou la multiplicité des matériaux utilisables.

Tester, rebondir sur l’accident, déterminer une stratégie d’impression, faire partager mes expériences c’est ce que j’apprécie dans mon travail.

Sans oublier de se faire plaisir.

Tantôt repère, tantôt refuge, la nature revient régulièrement dans mes compositions.

Compagnons de jeu, les arbres me prêtent souvent main-forte dans mes expérimentations, en amis compatissants et indulgents.

Delphine Lesecque est née en 1979 à Liège, elle vit à Neupré et travaille à Liège impression.saintlucpsliege. be/?Galerie_photos:Delphine_ Lesecque

Page 32 : Sans titre, 2015, offset, 19,5 × 15,5 cm Page 33 : Les Arbres, 2015, offset et collagraphie, 20 × 9,7 cm Sans titre, 2019, monotype, 24,5 × 13,6 cm

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Graveurs de la province de Liège

Andrea RadermacherMennicken Mes images gravées, photographiées ou peintes, mes objets et installations thématisent les relations intergénérationnelles.

Les recherches reposent sur un postulat élémentaire : relation nécessite communication.

Une communication réussie est étroitement liée à la capacité de présentation de soi et à la création de profils attrayants qui peuvent (et doivent) être adaptés au fil du temps.

Ce qui compte en première analyse n’est pas tant qui nous sommes vraiment, mais ce que nous voulons être et la manière dont nous sommes perçus par les autres.

Je relève en outre que le défi de la présentation de soi s’avère souvent plus difficile pour les personnes âgées. Les évolutions récentes dans les supports de l’échange, en particulier ceux liés aux médias informatiques, amplifient en effet les problèmes de communication de toute une partie de la population « senior », avec le risque de se sentir exclue. Ce sentiment me semble en outre s’accentuer chez les femmes qui, vieillissantes, peuvent se trouver d’autant plus « invisibles ». Le passage d’une génération à l’autre est un aspect important de notre vie. Pour moi, notre société définit la jeunesse comme une somme de possibilités, de chances, de potentiels ; « le jeune » est assimilé à « l’avenir ». Et, avec l’âge, cette perception bascule du « potentiel » vers « l’accompli ». L’homme n’est plus jugé par rapport aux voies qui s’ouvrent devant lui, mais en fonction de ses réalisations passées : il est « classé », voire « archivé ».

Andrea Radermacher-Mennicken

Chaque langage, qu’il soit plastique ou articulé, porte en lui une multitude de signifiants singuliers exprimant des émotions troubles, ambivalentes.

Ces états émotionnels nécessitent, pour une juste transmission, une attention accrue à leurs implications, favorisant ainsi le choix de leurs médiums d’expression adéquats.

Par le travail de l’objet et le contraste des matières, Andrea Radermacher-Mennicken rejoue cet équilibre. Chaque nouveau cycle de travail est l’occasion pour l’artiste d’explorer les potentiels de formes et de matières exprimant au mieux ses interrogations. Le détournement d’ustensiles manufacturés, le glissement de leur fonction à la lisière du dérapage, couplé à une exécution formelle parfaitement maîtrisée, convoquent dans l’esprit du spectateur ces ambiguïtés de sens. Ces objets détournés révèlent les paradoxes de ces désirs humains générant leurs propres injonctions de visibilité et de performance. Chaque jour, pleins de crainte, nous tentons de porter au monde une image brillante de nous-mêmes, de répondre à des impératifs d’utilité sans cesse renouvelés. Jusqu’au cœur de l’espace domestique, que l’on conçoit comme refuge, les rôles doivent être tenus et les choses à leur place. Mais, petit à petit, la machine s’enraie, l’épuisement gagne. Les objets ont cessé d’obéir à ce qu’ils semblaient être. Dans le miroir, le reflet se ternit, jusqu’à devenir invisible.

Reste alors la mémoire des temps passés.

Le souvenir d’une absence, qui vient mordre la plaque de cuivre : elle aussi un jour s’effacera, mais quand ? Pour combien de temps rappellera-t-elle la lumière paresseuse, entortillée dans les fils de coton, d’une fin d’après-midi où nous n’étions pas seuls ?

Pauline Salinas

Andrea Radermacher-Mennicken est née en 1964 à Eupen.

Elle habite et travaille à Raeren www.radermacher-mennicken.com Instragram : andrearadermachermennicken

Page 34 : Sans titre (Arschgeweih), 2019, taille-douce sur simili cuir, roundpacks pour substituts alimentaires, 23 x 14 x 14 cm

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Graveurs de la province de Liège

Isabelle Linotte L’œuvre est le souvenir ; la trace imprimée sur sa peau, son témoin.

Une peau de papier, fragile architecture de cette mémoire éruptive, froissable et portant la déchirure dans sa trame ; une peau de feutre, cocon douillet et rassurant, protégeant les parcours sinueux des courants sanguins et cognitifs dans ses fibres ; une peau de chambre à air, matériau brut, apologie du bruit et du chaos des sociétés industrialisées, celui par qui est venue la cassure, écrasant la fragilité de la chair jusqu’à s’imprimer de son éphémère tissage.

La gouge creuse les sillons, entrelacs de matières cérébrales ou charnelles, chemins qui se rencontrent ou ne se croiseront jamais, gravant le lit d’une rivière, passant du chuchotement au cri, de la blessure à la douleur, de l’énergie au feu.

Mnésique ou amnésique, l’œuvre est le prolongement du corps et de tout ce qu’il contient, une cicatrice qui ne s’efface pas.

Jean-Paul Moreira, mars 2018

Page 36 : Hors d’oeuvre, 2020 superpositions de lino sur chambre à air, dimensions diverses.

Page 37 : Moule à gaufres, 2020, gaufrage sur papier noir ciselé, pour l’expo Effritement, galerie Koma à Mons.

Isabelle Linotte est née en 1968 à Liège où elle habite et travaille. www.linotteisabelle.wixsite.com/monsite

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Espérant avoir l’occasion d’échanger un jour de manière plus large avec vous, je vous souhaite le meilleur et ne peux m’empêcher de vous faire parvenir ce texte de ma plume inspiré de votre art et rédigé suite à la vision de l’émission de Vedia qui vous fut consacrée :

PARFUM DE COULEUR Aux fenêtres ouvertes De la lumière composée En filets de couleurs évanouis, L’ombre solitaire sépare les lances Entre les plis du soleil Douceurs éveillées de liquide dégagé Face et chaleur de velours Pile sur peau calme Libre langueur d’été Au vrai jardin des anges, La musique lointaine panse le léger vertige Qu’une barque chargée de fleurs rêveuses Porte en nuages Du secret libéré.

Et c’est maintenant que s’efface le temps, Lentement aéré du vent imaginaire…

Gérard Verlaine

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Graveurs de la province de Liège

Dragana F.-Bojic Artiste belgo-serbe installée depuis longtemps à Verviers, région liégeoise, elle s’est fait connaître ici comme à l’étranger par son travail en peinture comme en gravure.

Si ses tableaux sont généralement porteurs d’un mouvement énergique, ses gravures, non figuratives, incitent plutôt à la contemplation.

Utilisant une technique ancienne d’origine japonaise, Dragana pratique une gravure sur bois qui superpose plusieurs couches de couleurs et de dessins répartis sur des panneaux séparés dont l’œuvre forme la synthèse.

Cette technique fondée sur le jeu des transparences lui permet aussi de réaliser de longues bandes bifaces où se répondent la lumière et l’obscurité.

La délicatesse des teintes sur lesquelles travaille Dragana Bojic s’accommode particulièrement au thème de la fenêtre, en l’occurrence synonyme de transparence.

Page 38 : Chaudes larmes du soleil, 2018, xylographie originale 1/1, 25 × 25 cm Paysage imaginaire, 2018, xylographie originale 1/1, 25 × 25 cm Page 39 : Windows 99-1, 2010, xylographie originale 1/1, 100 × 70 cm

En faisant varier les couleurs dans des compositions très sobres, la gravure s’approche de la composition de certains vitraux modernes pour lesquels, indépendamment de toute figuration, seules les nuances et la lumière conduisent le regard dans une apaisante contemplation dont peut jouir l’esprit du visiteur.

Albert Moxhet, le 25 mars 2017 (www.bestofverviers.be)

Dragana Bojic est née en Serbie. Après des études de génie civil en construction à l’université de Belgrade, elle est diplômée de peinture en 1987, puis de gravure à l’Académie des beaux-arts de Verviers. Dragana est membre et une des fondatrice des collectifs d’artistes Silence, les Dunes ! et du Groupe U, et membre collaborateur de La Nouvelle Poupée d’encre.

Dragana est membre de AIAP Unesco/CNAP Belgique, du comité organisateur de la Triennale de Theux (Belgique), du conseil d’administration (conseil artistique) de Wégimont Culture, domaine provincial de Wégimont.

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Graveurs de la province de Liège

Jean-Louis Herten L’émerveillement pour les détails découverts dans la forêt, les lacs et rochers m’a incité à dessiner pour m’immerger profondément dans l’espace, la substance secrète et inviolée de la nature.

D’emblée, l’usage du vernis à graver comme l’eau-forte m’ont permis de nuancer et partager cette démarche d’observation déjà imaginaire et symbolique.

Coup de foudre pour un ange, la séduction ou l’appréciation de certaines personnes justifient parfois une association métaphorique avec la magie de la vie sauvage. Aussi, pour composer ces rencontres, les moyens formels des proportions et structures géométriques se marieront en techniques différentes, affrontées !

Les traits élargis creusés par l’acide sont stimulés par les griffures fines au noir velouté et transparent de la pointe sèche, la surface pétillante de l’aquatinte enserre les gestes mesurés et dominateurs du burin, ses tourbillons.

La terre, l’eau, l’air et le feu peuvent ici fusionner librement en paysage d’île et montagne, la femme avec une architecture mystérieuse découverte au fond des bois (château de Grand-Hez), alors sanctuaire au pouvoir régénérateur, quête de sens de l’érotisme.

Cette recherche va évoluer vers une aspiration à la transcendance. L’évocation du sacré sera préparée par l’estampage d’écailles de serpents métaphysiques, affirmée avec leur parure en peinture d’un corps en extase.

Enfin, ce sujet sera transposé sur métal grâce à l’héliogravure pour rêver et travailler des reliquaires vivifiés par les contrastes du désir.

Jean-Louis Herten est né le 19 octobre 1952.

Il habite et travaille à Engis.

Facebook : Jean-Louis Herten Page 40 : Maison particulière, 1980, eau-forte et vernis, pointe sèche, burin et manière noire, cuivre de 64 × 50 cm Page 41 : Île, 1978, pointe sèche et burin, cuivre de 64 × 50 cm Portrait au tourbillon (détail), 1978, cuivre de 20 × 16 cm

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Graveurs de la province de Liège

Marcelle Tepszich « Un jour, je me suis retrouvée enfermée.

Comme avant.

Au premier abord, je l’ai bien vécu, mais très vite, une foule de petits rituels ont refait surface ; la lenteur est revenue et l’isolement silencieux aussi. » Les voyages me nourrissent, je suis une marcheuse curieuse, toujours en quête de nouvelles découvertes.

Pages 42 et 43 : Anima, 2020, xylogravure imprimée au baren sur papier Wenzhou, Installation.

Mes travaux et recherches artistiques, toujours en perpétuelle évolution, sont basés sur des observations de matières, des objets glanés au cours de ma vie, des rituels quotidiens, des émotions ressenties devant un paysage, des lectures, tout ce qui me nourrit est propice aujourd’hui à de nouvelles créations.

Découvrir et révéler une vérité cachée.

Oublier la chose regardée, le trait, l’image, ne plus voir que de la matière.

Isoler avec l’objectif un territoire infime, me l’approprier, le graver dans les veines du bois ou le synthétiser d’un seul trait, en révéler son âme.

Filmer la matrice de bois encrée, voir ses pigments vibrer au fil des heures et découvrir l’histoire secrète qui l’habite.

Illuminer une transparence pour entrevoir son ombre, trace éphémère.

Installer des papiers de Chine et laisser la lumière révéler leurs contenus.

Marcelle Tepszich est née à Liège en 1965.

Elle réside et travaille à Jupille-sur-Meuse et termine un master approfondi en vidéographie à l’École supérieure des arts de la Ville de Liège.

La gravure, devenue une matière première, constitue la base de son travail. Elle exploite l’image et la matrice, les met en mouvement, les contextualise et les présente sous un nouvel angle au sein de ses installations.

Facebook et Instagram : Marcelle Tepszich

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Graveurs de la province de Liège

Didier Renard Entre chien et loup La photographie et la gravure constituent les deux techniques par lesquelles Didier Renard effectue ses recherches et ses expérimentations. L’image révélée et l’image imprimée se conjuguent au gré de leurs possibilités quasi infinies.

La première est un regard qui capte un fragment de réalité ; la seconde la modifie, l’altère ou la reconstruit, semblable et différente à la fois. Cette technique double dévoile une première interrogation sur la notion même de « réalité », trop souvent et bien trop vite associée à celle de « réalisme » dès qu’il est question de photographie.

Didier Renard s’exprime d’ailleurs très clairement à ce sujet : « Je tente de transformer légèrement la réalité ou plutôt la représentation d’une certaine réalité, par le médium photographique et le sténopé en particulier (la réalité n’étant qu’une vue de l’esprit, la photo n’est jamais qu’une interprétation de la réalité).

Ensuite, en changeant de support pour passer au cuivre, cette pseudoréalité devient trace par l’effet conjugué de l’acide et de techniques de gravure (pointe sèche, sucre, perchlorure, etc.)

L’ensemble forme une altération, une alternative de plus en plus abstraite, mais dont la genèse est bien réelle.

Ou, pour le dire simplement, comme une partition mathématique, c’est-à-dire un ensemble de parties disjointes dont la réunion constitue l’ensemble de départ.

Si l’on regroupait la gravure finale et la photo de départ, on obtiendrait ce que j’ai vu initialement (de mes yeux).

Mais les deux peuvent vivre séparément et ne s’en privent pas » Il touche au caractère organique et protéiforme de la réalité du monde sensible, à sa dynamique, comme est dynamique notre propre regard.

Bernard Talmazan

Didier Renard est né en 1972 à Liège où il habite et travaille. Études de photographie à Saint-Luc Liège Membre fondateur de l’atelier d’impression l’AgaYon en Amercœur et de la Galerie 23 à Liège, membre du collectif liégeois exp’OFF. www.500px.com/didiergoupil Facebook : RenardDproject Instagram : didier72renard

Page 44 : Terminalis, héliogravure sur cuivre techniques mixtes, papier japon, marouflage, sur bois, 30 × 20 cm Page 45 et couverture : L’Arpenteur, 2019, gravure sur cuivre, techniques mixtes sur papier Hakuryu et marouflage sur sténopé photographique, 20 × 20 cm, installation

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Graveurs de la province de Liège

Marie-France Bonmariage Les bruissements de Marie-France Entre bruissements d’ailes, d’ondes et de feuillages, les traits entrelacés de Marie-France Bonmariage surgissent ou s’alanguissent sur la page en d’innombrables traces captivantes.

Comme la danse d’un feu, le jeu des lignes et des motifs de son travail hypnotise l’être qui regarde, happé tout entier par un réseau de flux sensoriels bâillonnant pensées et discours conceptuels. Son œuvre semble si simple, si stable, si généreuse, si vivante…

Sous ses doigts, la matière s’anime, crépite en jets d’étincelles, s’étire en traînées lumineuses, explose en flammèches, se déploie en couleuvres, se répand et pétille en nuées…

Ainsi fonctionne cette artiste vitaliste qui s’astreint à un travail de longue haleine pour créer des œuvres légères et mouvantes, pour nous livrer ses bruissements intérieurs nés de la nature, son inspiratrice majeure qui, en de nombreux jours bénis, la traverse de sa vie puissante comme un vol de grues dans le ciel, la saisissant en une soudaine étreinte, comme l’eau cascadant sans fin sous ses yeux, comme les entrelacs des fleurs et feuillages se ramifiant à l’infini dans sa contemplation. Imprégnée de ces sensations, elle s’engouffre dans son atelier caverne où, de longues heures durant, entre lourdes pierres calcaires, gras des matières, gomme arabique, encre et couleurs, elle va produire des lithographies à l’image de ses éprouvés. De sa pointe sèche, elle va tracer, griffer la pierre, encrer les sillons, répéter encore et encore ses inscriptions au sein des pores de la pierre naturelle.

Elle marque de son feu et de sa minutie le support qui va servir de modèle pour tant de pages à imprimer. Tant de pages à assembler.

Tant de pages à disposer en damiers, miroirs, étoiles des vents…

Judith Kazmierczak

Page 46 : Amba-paja, Dans un jardin de Malabar, 2021, livre d’artiste en lithographie sur papier Japon, 40 × 34 cm (détail)

Marie-France Bonmariage est née à Hermalle-sousArgenteau en 1964. Elle vit à Fléron et travaille à Liège.

Formation à l’Académie de Verviers.

Remporte en 2002 la 12e édition du Prix de la gravure et de l’image imprimée de La Louvière.

Professeur d’arts plastiques dans l’enseignement secondaire.

Instagram : mariefrancebonmariage

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Graveurs de la province de Liège

Michel Barzin Santé !

Michel, mon papa, après que je lui ai envoyé un texte à côté de la plaque – il me demandait un texte sur son travail, je lui en ai pondu un sur lui –, souhaite un complément d’information : Ne t’étonne pas Le Père, si j’ai répondu à côté…

C’est du congénital. Toujours répondre à côté.

Ben oui, mais ton travail, pourtant, c’est toi.

Une image de toi. Et tu as déteint…

C’est toi qui m’as fait croire – et je le crois encore – que les vessies étaient des lanternes, que les cochons et les cafetières volaient, comme les arbres et tout ce qui fout le camp.

C’est toi qui m’as fait comprendre que, du moment qu’on prend la vessie comme il se doit, c’est-à-dire comme on la voit, puis qu’on la sent, puis qu’on la gestualise, de la pointe du gros orteil jusqu’à l’extrémité du cheveu, on est dans le bon, parole d’éternité.

C’est toi qui m’inquiètes à l’idée que, quand tu ne seras plus là, une leçon vivante d’humanité à l’humanité aura cessé d’exister.

Ton « travail » dit, à tous, que tu es toi, et prout, et merde, et comment !

Ce n’est pas une prise de pouvoir.

C’est une leçon de quant-à-soi.

En somme, de dignité…

Michel Barzin vit et travaille à Theux et à Bruxelles.

Il est membre de La Nouvelle Poupée d’encre. www.michelbarzin.be Facebook : Michel Barzin

C’est quand l’humanité devient belle, et qu’elle cesse, inévitablement, d’être moche.

Le reste, les tons, la patte, l’art, le jambon, le sujet-ci, le sujet-là, on s’en fout.

Santé, Papa !

Page 48 : Love 3 , 2020, pointe sèche et roulette, 90 × 60 cm Page 49 : Love 6, 2020, burin et pointe sèche, 90 × 60 cm

Julien Barzin

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Graveurs de la province de Liège

Muriel Tihange

La série Substrat traite de l’absence, questionne les notions de mémoire, d’effacement et de souvenir. C’est un face-à-face avec moi-même qui m’amène à inciser la matrice.

L’image disparaît et laisse place à un moment de lévitation et de légèreté.

Apparaît alors un ensemble d’images laissant penser au grésillement d’une cassette VHS mise sur pause. Le textile est choisi et soigneusement exploré. C’est au travers de ce médium que j’affectionne que j’explore le cycle et la déliquescence.

Muriel Tihange

Page 50 : La Mer, la Mère, 2019, linogravure, 84 x 30 cm Page 51 : Vision trouble, 2019, linogravure, 29 x 29 cm Fillette, 2019, linogravure, 36,5 x 25 cm Capture, 2019, linogravure, 35,5 x 22,5 cm

Muriel Tihange est née le 18 avril 1995 à Rocourt (Liège).

Elle habite à Liège et étudie à l’ESAVL dans la section gravure/image imprimée.

Facebook et Instagram : @epsilon.prints

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Pascale Pejkovic est née à Liège en1970.

Diplômée de l’Institut supérieur des beaux-arts Saint-Luc de Liège en peinture, elle étudie pendant plusieurs années la gravure à l’ARBAL. Pour approfondir, elle entreprend un master spécialisé en gravure à l’ESAVL. Facebook : pascale.pejkovic.peintre

Page 52 : Chaos, 2020, eau-forte, 31 × 62 cm Pages 52 et 53 : L’Oiseau à l’envers, 2017, triptyque, eau-forte, 3 × 21 × 22 cm Page 53 : Fossile, 2017, eau-forte, 21 × 22 cm

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Graveurs de la province de Liège

Pascale Pejkovic Combien de temps ai-je travaillé sur cette composition ?

Quand l’image m’est-elle apparue ?

Quand ai-je perçu une infime chose dans le paysage ?

La chose qui ferait une image, une infime différence de niveau entre la ligne d’horizon et le ciel, voici un prétexte à graver, dessiner ou peindre.

Comment représenter le temps qui passe, le temps subjectif, inquantifiable, et le temps objectif, calculé en secondes, minutes, etc.

Là est ma longue recherche.

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Simon Defosse est né en 1987 à Huy. Il vit et travaille en Galice dans la province d’Ourense.

Il fait partie de l’association ACAS, asociación cultural y artística de Saumede, qui réhabilite un hameau abandonné dans le but d’y créer des rencontres agro-culturelles et des résidences d’artistes.

Il collabore avec le label Igloo Records pour la réalisation de pochettes d’albums : LG Jazz Collective, Harvest Group, Antoine Pierre Urbex, Jean-Paul Estiévenart, Thomas Champagne, Sal La Rocca et Félix Zurstrassen.

Page 54 : Sans titre I, 2010, impression numérique, eau-forte, 78 × 25 cm Page 55 : Sans titre II & III, 2010, impression numérique, eau-forte, 39 × 16 cm confusion, will be, my epitaph, 2010, triptyque impression numérique, eau-forte, 13 × 29 cm (chacune)

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Graveurs de la province de Liège

Simon Defosse Madeleine avait bien dit qu’il ne resterait pas grand-chose ; qu’une partie s’effacerait dans la confusion, qu’il ne resterait qu’une mémoire hachurée…

Impression du (dé)conte d’un instant à l’autre.

Ne persiste alors qu’une réalité onirique.

Valérie Lenders

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Page 56 : Sans titre (Géographique 1), linogravure, 56 × 76 cm Sans titre (Géographique 7), linogravure, 56 × 76 cm Page 57 : Sans titre (Sculpture Un peux noyé dans la fumée), linogravure, 38 × 28 cm

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Graveurs de la province de Liège

Philippe Delaite En ce qui concerne mon propos, j’avancerai simplement qu’il est de chercher à toujours « dire » avec le moins de matériaux possible, faisant mien ce célébrissime postulat de Mies van der Rohe : less is more.

Qu’il s’agisse de dessin, de gravure (offset, lino ou bois) ou de photographie, mon propos tend toujours à procéder par le « peu » ou le « moins ». Le fragment plutôt que le tout. Des fragments donc, mais des fragments dont l’origine figure toujours dans le réel.

Le réel observé, le réel de l’image ou le réel du signe. Par ailleurs, j’avoue éprouver un certain plaisir à surprendre l’œil : les choses ne sont-elles pas souvent différentes – plus riches ou plus complexes – que ce que l’on croit qu’elles sont ?

Philippe Delaite

Philippe Delaite est né en octobre 1952 à Huy, il habite et travaille à Theux Facebook : philippe.delaite.7

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Page 58 : États 1 Fagnes, 2020, taille directe, 16 × (25 × 25 cm) Page 59 : États 2 Fagnes, 2020, taille directe, 3 × (25 × 25 cm)

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Graveurs de la province de Liège

René Weling c’est à tuer le trait que tu travailles à infléchir l’arc du doute tu tires le plus vastement possible des hiérarchies improbables sous tes champs d’échancrure des lunes noires te tatouent d’universel sous tes champs d’échancrure des lunes noires te tatouent d’universel tu institues le rythme des pistes tu dégages des flambées d’éternité sans cesse tu scandes tu insistes en syllabes longues lancées à la nuit sans cesse tu scandes tu insistes en syllabes longues lancées à la nuit il te faut des odyssées d’essais chavirer te convient il te faut insérer le vide délimiter la lenteur de l’espace il te faut insérer le vide délimiter la lenteur de l’espace il n’y a pas de secret il te faut connaître l’errance tu sers un langage de lave une fugue qui t’imprègne d’ombres rauques tu sers un langage de lave une fugue qui t’imprègne d’ombres rauques tu stries la jachère en brassée furtive des nœuds d’argile te dévoilent à mesure renoncer simplifie l’infini il te faut éventrer le noir renoncer simplifie l’infini il te faut éventrer le noir

René Weling est né en 1967 à Eupen, il habite et travaille à Liège.

Facebook : René Weling

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Graveurs de la province de Liège

Floriane Soltysiak Le travail de Floriane Soltysiak trouve sa cohérence dans une approche similaire de l’espace et du temps. Dans ses différentes installations de gravure en petits formats, elle nous positionne en voyeur démesuré. L’œil dans la serrure.

Il est question d’images intimes logées dans des maisons aux apparences neutres.

De grandes histoires nichées dans de petites maisons. Par analogie, Floriane nous invite à questionner la complexité de nos mondes intérieurs, de nos apparences communes à nos âmes singulières. À la manière d’un George Perec et de son chef-d’œuvre La Vie mode d’emploi, elle étale sa série méthodiquement sans jamais s’échapper des contraintes liées à son médium.

Dans son autre travail, Les Anciennes Grandeurs, figurent des bateaux échoués.

Gravés dans une multitude de planches qu’elle réassemble au mur comme la trace d’un passé perdu.

C’est Le Bateau ivre de Rimbaud qui ressurgit face à nous ou peut-être même l’épave de l’« Askoy II », lâchement abandonné par Brel. Poétique et désuétude de bateaux échoués.

Autour des gravures impressionnantes, il y a un travail photographique.

Ce dernier tend, par son approche répétée et foisonnante de détails, à documenter son univers quelque peu mélancolique.

L’ensemble s’impose à nous avec le sentiment fidèle et obsédant de nos propres fragilités.

François Goffin

Floriane Soltysiak, née en 1996 à Liège, habite à Aubel et travaille à Berneau.

Instagram : florianesoltysiak

Page 60 : Bateau 3, 2019, gravure sur bois, installation, 300 × 380 cm Bateau 1, 2, 3, 2019, boîtes et bois gravés, installation, 50 × 80 × 30 cm pour le plus grand format Page 61 : Nos souvenirs ne s’égalent pas, 2019, livre d’artiste/installation, linogravures, photographies, 24 × 32 × 110 cm

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Graveurs de la province de Liège

Sofie Vangor De la fugacité à la mémoire, le corps en question Le tatouage éphémère est partie intégrante de la pratique artistique de Sofie Vangor depuis 2014. Ce médium naît – comme toujours chez l’artiste – d’un moment de vie particulier et s’insère dans un processus réflexif longuement mûri, questionnant à la fois le corps et l’art. Ce moment de vie décisif est l’identification de son parrain, à la suite de son décès, rendue uniquement possible par la photographie du tatouage qu’il arborait.

Ce tatouage, marqueur intemporel du corps, prend à cet instant toute sa dimension.

Jusqu’alors peu remarqué, il n’a jamais été aussi présent que dans ce moment marquant la future absence. Absence ainsi révélée.

Quoi de plus juste dès lors pour Sofie Vangor que de se diriger vers le tatouage éphémère pour développer une partie de son travail de performeuse ? Autobiographique, le médium évoque lui-même ce moment de vie.

Mais il aborde au-delà de nombreuses préoccupations de l’artiste, parmi lesquelles la désacralisation de l’art et l’idée de l’amener dans la rue. Issue du quartier des Marolles à Bruxelles, Sofie Vangor a toujours désiré toucher à la fois son milieu d’origine et celui de l’art.

Et le tatouage éphémère rend cela possible.

Gratuit, accessible à tous, il permet d’introduire un moment de réflexion et d’art dans l’espace public.

À nouveau, un moment particulier, un moment de vie qui touchera à la fois l’artiste et la personne en face d’elle. Car il ne s’agit pas seulement d’apposer un transfert sur la peau. Mais plutôt d’engager une relation de confiance : on accepte de donner sa peau, d’être marqué par une phrase ou un mot variant selon les séries, de devenir une partie intégrante de l’œuvre.

En somme, on accepte d’être de tout son être dans un moment d’art. L’artiste choisit le tatouage en fonction de la personne, les peaux se touchent, un lien indicible se crée. La peau devient alors le réceptacle de la matrice, le corps devient une partie de l’œuvre elle-même.

Puis le tatouage s’estompe petit à petit, parfois après plusieurs jours selon les encres utilisées.

La phrase ou le mot apposé s’efface.

Mais il ne disparaît pas vraiment.

La peau l’absorbe, elle intègre l’œuvre qui devient invisiblement une partie d’elle.

Elle garde en mémoire ce moment d’échange, tactile et réflexif. Le tatouage devient à son tour révélé par son absence.

Selon les projets, la performance peut soit se dérouler seule, variant suivant les séries, le lieu, les intervenants, soit se poursuivre par une installation réalisée en direct.

Céline Eloy, avril 2018 docteur en histoire, art et archéologie (ULg) critique d’art indépendante (ART)

Sofie Vangor est née en 1981 à Bruxelles, elle vit et travaille à Liège https://sofievangor.blogspot.com/ Facebook : sofie.vangor Instagram : #sofievangor

Pages 62 et 63 : série Je veux et j’exige, 2018, // tatouages éphémères // avec intervention des participants

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Graveurs de la province de Liège

Jacques Thannen Les œuvres de Jacques Thannen sont des xylo-linogravures. Relevant de la même technique de gravure en relief, les deux matériaux, le bois et le linoléum, utilisés comme matrice offrent de légères variantes de texture, mais dans tous les cas, aspect incisif du trait et densité des aplats confèrent à l’image puissance et force d’expression.

Ces manières aux effets quelque peu brutaux et fortement contrastés sont tempérées à l’impression par l’utilisation d’encres variées allant du noir profond au blanc crème en passant par toutes les nuances de gris et d’ocre.

Certaines planches sont imprimées sur un papier japon très fin, transparent, ce qui permet à l’encre de le traverser et de l’imprégner des deux côtés.

Cette technique contribue à créer des effets de flou, de fragilité, d’instabilité, renforçant l’impression de mystère et d’angoisse qui émane des figures.

D’ici ou d’ailleurs, tous ces visages voilés, dissimulés, bâillonnés ont perdu leur identité, leur être, leur âme.

Visibles, face au spectateur, et invisibles…

Leur présence révèle aussitôt l’absence, leur apparition se meut aussitôt en disparition.

Extrait d’un texte écrit par Anne Gersten à l’occasion de l’exposition de gravures Faces et profils, images voilées ayant eu lieu à la galerie du cinéma Churchill de Liège en août-septembre 2017.

Jacques Thannen est né Verviers en 1955. Il habite et travaille à Bullange, tout à l’est de la province de Liège.

Page 64 : face4, xylogravure, 45 × 30 cm Page 65 : face2, xylogravure, 45 × 30 cm

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Graveurs de la province de Liège

Thierry Wesel Né en 1959, sérigraphe, Thierry Wesel vit et travaille à Liège.

Il expose ici et là et participe à quelques expositions internationales. www.thierrywesel.be

Page 66 : Coups d’œil # vous êtes filmé, 2016, sérigraphies, 73 × 55 cm Page 67 : Surveillance # Big brother|Big data, 2019, sérigraphies, 73 × 55 cm, puis Coups d’œil # vous êtes filmé, 2016, sérigraphies, 73 × 55 cm

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Graveurs de la province de Liège

Timotéo Sergoï Ils disent grand, ils disent barbu, ils disent maigre.

Ils disent que sur les murs de la ville, il colle de la main droite ce qu’il écrit de la main gauche.

Ils disent noir, ils disent triste, ils disent fin.

Fin comme du sel ou fin comme fin du monde ?

On ne le saura jamais. Ils disent muet comme un gardien.

Dans quel but ?

Page 68 : Les Funambules, 2018, linogravure, 60 × 40 cm, affiche

Page 69 : En d’autres guerres que la tienne, 2019, linogravure, 40 × 60 cm, affiche

Timotéo Sergoï, de son vrai nom Stéphane Georis, vit, écrit et grave à Grivegnée, près de Liège.

Il est né en 1964 à Etterbeeck, une commune bruxelloise.

Facebook : Timotéo Sergoï

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Graveurs de la province de Liège

un passant Ce qui m’intéresse c’est ce qui fuit, ce qui commence à apparaître… ou à disparaître.

Ce qui n’est jamais figé et qui, obstinément, avec la force de sa douceur, a oublié d’être définitif.

J’essaye de travailler à l’écart de la frénésie dominante.

Dans la lenteur. En apprenant à recevoir les errances, les détours et les inattendus.

Avec leurs gestes et leurs attentes peuplés de tant de possibles, la lithographie et la gravure permettent ce lent cheminement vital.

L’atelier est un chemin, une recherche incessante.

Jour après jour, c’est une joie de savourer le rituel de la pierre, de la plaque gravée et de l’encre. Être présent à leur contact et à leur patiente mutation.

Se laisser encore et encore surprendre par l’écho d’un dessin sur la pierre, sur la plaque et ensuite, sur le papier.

Composer avec l’absence, le vide.

Le ressentir peu à peu comme une matière, une charpente. Une part de la pierre litho ou de la matrice gravée.

Il y aussi, quelquefois, des paysages qui s’invitent dans les impressions.

Des réminiscences d’un lieu façonné par le vent, la brume, l’eau et la roche : l’Écosse, où j’aurais pu vivre.

Depuis peu, un autre lieu, une modeste friche urbaine, me nourrit de sa belle et fascinante vitalité. un passant

un passant vit et déambule à Liège et travaille à l’atelier d’impression L’AgaYon, en Amercœur.

Il a enseigné la lithographie à Saint-Luc Liège (ESA) et continue à animer des stages de cette technique.

Il est membre du collectif liégeois exp’OFF. unpassant2.ultra-book.com Facebook : unpassantgraveur Instagram : unpassant_ Facebook de l’atelier L’AgaYon : atelier.agayon

Page 70 : Sans titre, 2020, pointe-sèche sur PVC, 21,5 × 22 cm Sans titre, 2020, pointe-sèche sur PVC, 21,5 × 22 cm Page 71 : Sans titre, 2018, lithographie, 30,5 × 25,5 cm

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Page 72, par colonne, de haut en bas : ISSUE, 2 001, vernis mou, 25 × 25 cm Sans titre, 2003, vernis mou, 30 × 30 cm Paysage, 2002, vernis mou, 25 × 19 cm Paysage, 2002, vernis mou, 25 × 19 cm Page 73 : Bon amie versaire, 2005, vernis mou, 29,5 × 29 cm

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Graveurs de la province de Liège

Maurice Antoine Maurice Antoine vient de l’atelier de gravure de l’Académie des beaux-arts de Liège.

Il y achève sa formation, menée par Chantal Hardy, en parallèle de son métier de sidérurgiste.

Influence de l’un sur l’autre, l’artiste privilégie les matières profondes et douces, légères et belles.

L’un de ses amis, Dante Libralesso, souligne à son propos : il y a chez Maurice de la matière, sa matière, ses écrits, car il s’agit aussi d’écriture… comme une envie d’aller au poème.

Son œuvre naissante nous invite au silence : « celui des choses… ».

Adepte de la technique du vernis mou, Maurice Antoine aime relever la trame d’un textile, intégrer à son support métallique la mémoire de fibres et des mailles, qu’il retravaille ensuite à l’eau-forte ou à la pointe sèche.

Ses gravures révèlent alors toute leur sensualité, où la mélancolie de déchirures intimes laisse peu à peu émerger des couleurs de Nouveau Monde.

Après un premier parcours d’étudiant en peinture à Saint-Luc, Maurice Antoine, emporté par la vague du printemps 68, revient aux Beaux-Arts après une parenthèse de trente ans.

Comme une promesse d’avenir.

Louis Simaÿs

Maurice Antoine est né et vit à Liège.

Il étudie à Saint-Luc, Liège, les arts plastiques de 1967 à 1970, les arts graphiques de 1971 à 1972 et la peinture de 1973 à 1974.

Dans les années 1990, il aborde la photographie. Ses sujets de prédilection sont les gens, le mouvement et la société.

En 1997, il intègre l’atelier de gravure de l’ACA soir, Académie des beaux-arts, il y obtient son diplôme en 2007.

Dès 2002, il participe à différents stages à l’atelier de gravure de Dacos ainsi et participe au calendrier de La Nouvelle Poupée d’encre à 2 reprises.

Il fait partie du groupe Impression(S).

Maurice Antoine expose en Belgique, au grand Duché et en France.

Il participe à la manifestation Ilse Frankenthal à Brunssum [Pays-Bas].

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Graveurs de la province de Liège

Guillaume Delfolie Je vis et travaille à Liège où je pratique le tatouage. Venu en Belgique pour mes études d’illustration et de bande dessinée, c’est là que j’ai découvert la gravure, technique pour laquelle mon intérêt ne fait que grandir au fil du temps.

Dans cet univers à la fois empli d’ombre et de lumière, je retrouve mes propres doutes et interrogations, en quelque sorte mes propres démons intérieurs. L’utilisation d’une imagerie médiévale empreinte d’occultisme et de religion m’aide à les coucher sur papier. Tout n’est jamais que bien ou mal, il existe un certain équilibre, une beauté sous la laideur, une horreur sous une pureté apparente.

C’est cette lame à double tranchant que je cherche à retranscrire dans mon travail.

Guillaume Delfolie est né à Cambrai, en France, et réside à Liège.

Il fait ses études à l’Institut supérieur des arts Saint-Luc, Liège, en illustration et suit en parallèle les cours du soir de techniques d’impression du même institut.

Il est actuellement tatoueur indépendant à Liège.

Le travail à l’encre de Chine m’ayant toujours passionné, la gravure puis le tatouage ne sont pour moi qu’une suite logique de mon dessin. Des outils et supports supplémentaires pour m’exprimer. Papier, cuivre ou peau, peu m’importe.

Premièrement attiré par le trait de la pointe à graver, j’ai rapidement voulu aller vers un résultat qui s’approchait le plus possible des pleins et déliés de mon encrage au pinceau. Mais plus je m’en approchais, plus je voyais une simple reproduction de ce dernier.

Dans cette noirceur que m’apporte l’encre de gravure, je cherche des nuances, la lueur qu’il y ait plus.

C’est le travail au sucre qui me permet de retranscrire mon encrage papier, venu de la bande dessinée, tout en lui apportant plus de profondeur. Ces noirs résultant du sucre sont peuplés de textures aléatoires qui le nourrissent tout autant qu’elles s’en nourrissent. Un peu à la façon d’un lichen ou d’un champignon. Une vie lente, mais certaine, qui se développe dans l’ombre.

www.instagram.com/delfolietattoo/

Page 74 : Incube, 2018, aquatinte et sucre, 40 × 25 cm

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Graveurs de la province de Liège

Vincent Meessen-Bovy Dernièrement, j’ai entrepris de montrer la face cachée de la thématique principale qui nourrit mon travail d’impression depuis quelques années, un magma abstrait qui suggère l’idée d’un « noyau du réel ».

L’observation récurrente des traces résultant de morsures aléatoires à la surface de certaines matrices de cuivre m’a conduit à opérer un renversement inattendu dans mon processus de créativité.

J’ai choisi de revisiter le verso d’anciennes matrices et je tente d’apporter une réponse énigmatique et pertinente aux estampes originales qu’elles ont révélées, alors, côté recto.

Le parti pris d’intégrer un corps étranger, par l’ajout d’une matrice supplémentaire, s’est imposé d’emblée afin d’étudier les enjeux, les nouveaux phénomènes et/ou les liens tissés entre l’intrus et l’enveloppe qui le contient, la notion de l’interne et de l’externe, de la coexistence de l’un et du tout.

Vincent Meessen-Bovy est né en 1966 à Hermalle-sous-Argenteau, en province de Liège.

Il habite et travaille à Liège.

Page 76 : Enigma E, 2020, eau-forte et mezzotinto sur cuivre, 38 × 28 cm Page 77 :Nucleus recto A, 2020, eau-forte et mezzotinto sur cuivre, 76 × 57 cm (détail) Enigma I, 2020, eau-forte et mezzotinto sur cuivre, 38 × 28 cm

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APRÈS GUERNICA Le 26 avril 1937, Guernica, une ville d’environ 7 000 habitants près de Bilbao, dans la région basque d’Espagne, a été changée à jamais.

Ce jour-là, une force conjointe d’avions allemands et italiens, à la demande des forces fascistes espagnoles du général Franco, a mené une série de bombardements qui ont tué au moins 300 personnes et détruit ou endommagé 75 % de la ville.

Le nom de la ville est entré dans l’histoire du monde comme un lieu d’infamie.

Sabine Delahaut est née en 1973 à Liège.

Elle habite et travaille à Paris Facebook et Instagram : sabine.delahaut

Page 78 : El clarividente, 2020, roulette et burin sur cuivre et rhénalon, aquarelle 50 × 50 cm Page 79 : Agente de poder, 2020, eau-forte et mezzotinto sur cuivre, roulette et burin sur cuivre et rhénalon, aquarelle, 50 × 50 cm

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Les horreurs de ce jour sont devenues le sujet d’une peinture majeure de Picasso, maintenant exposée dans une galerie dédiée du musée Reina Sofia de Madrid.

Guernica a des résonances supplémentaires pour Sabine Delahaut. Elle travaille depuis un certain temps sur une série d’estampes et de dessins sur le thème, inspirée non seulement par le travail de Picasso, mais aussi par les expériences de personnes de sa famille ayant fui l’invasion allemande de la Belgique pendant la Seconde Guerre mondiale. Ses travaux ont également commencé à aborder le thème plus large du génocide dans d’autres conflits.

Graveurs de la province de Liège

Sabine Delahaut Sabine Delahaut a développé une approche distinctive de son art graphique au cours des dernières années. En plus d’acquérir une compétence assurée en gravure grâce à une compréhension claire des outils et de l’utilisation des processus d’impression, elle a également développé une technique fine de dessin et l’ajout de zones de couleur subtiles, mais puissantes. Ces deux fils s’entremêlent désormais au point que les techniques de l’estampe et du dessin deviennent intimement liées, produisant des créations d’une sensibilité rare et d’une force délicate, distinctives et immédiatement reconnaissables comme étant son œuvre.

Bien que la compétence technique assurée puisse à elle seule gagner l’admiration d’autres artistes et graveurs, elle est insuffisante pour créer des œuvres d’art qui attirent plus largement les amateurs d’arts visuels, sauf s’il existe également une certaine forme de signification contextuelle claire, on pourrait presque dire « raconter des histoires ».

Il est intéressant de noter, à ce stade de notre histoire, que si des formes abstraites de peinture et de sculpture continuent à être réalisées et à trouver un support, c’est dans les arts graphiques que la poursuite de la tradition figurative se voit le plus facilement.

Le dessin, et par extension l’utilisation de ses techniques dans la préparation de la matrice pour la gravure et la lithographie, reste un puissant moyen de communication entre l’artiste qui fait l’œuvre et ceux qui la regardent.

En outre, comme le monde semble parfois sur le point de se noyer dans l’imagerie numérique d’une sorte ou d’une autre, il existe un intérêt et une demande croissants pour les formes d’art qui communiquent un sens, soit clairement et directement, soit par la création d’allusions mystérieuses. Ces œuvres ont la capacité d’encourager ceux qui les rencontrent à les regarder lentement et tranquillement, en prenant le temps de s’engager avec l’imagerie et de nouer une relation personnelle avec elle.

Cette artiste sait qu’il n’est pas nécessaire d’expliquer chaque élément de ses estampes et dessins ni que celui qui les regarde comprenne clairement le symbolisme ou l’intention des parties constituantes.

Ce qu’il faut, c’est une volonté de s’engager dans le travail et de devenir complice.

Cette volonté, accompagnée d’une acceptation de la nécessité de prendre le temps de passer sous le premier puissant attrait de l’œuvre, permet d’établir un lien fort et durable.

Cela, dans le cas de l’œuvre de Delahaut, revêt une importance particulière, étant donné la nature et la dimension de son sujet.

Elle devient, de manière discrète et déterminée, l’interlocutrice entre les horreurs violentes du passé et celles du temps présent, et la nécessité pour nous tous de comprendre ce qui se passe et, en effet, de jouer notre rôle en prenant position contre la perpétuation d’une telle violence.

Malheureusement, au cours du XXIe siècle, le rythme des destructions dans de nombreuses régions du monde n’a pas diminué et il n’y a pas eu de réduction du nombre de morts de civils innocents pris dans des guerres et des conflits. Les artistes sont depuis des siècles les témoins et les enregistreurs des effets humains de ces événements. Un tel travail est plus que jamais nécessaire. La sensibilité des artistes et des écrivains doit être mobilisée et ils doivent chercher des moyens de présenter une vision claire de ce qui s’est passé et de ce qui pourrait arriver.

Richard Noyce

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Graveurs de la province de Liège

Viviane Bouhon Viviane Bouhon emprunte la technique de la sérigraphie pour créer des tableaux où la couleur et le graphisme se répondent, tout en laissant place aux interprétations libres et personnelles.

Guidée par l’intuition et les hasards de l’impression, elle remplit l’espace du support avec acharnement, comme si le moindre vide présentait un danger de se perdre.

Des photos prises au hasard de rencontres urbaines ou de modèles étonnants, précieusement gardées dans l’ordinateur, sortent un jour de leur réserve pour être transformées numériquement et servir de motifs à la sérigraphie pratiquée comme une nécessité vitale. Sans plan prédéfini, les chemins empruntés se déroulent progressivement au fil des impressions répétées sans compter, l’essentiel étant de marquer le support, de tracer des marques, pour l’espoir et le plaisir que cela procure, à travers un labeur qui apparaît éminemment jouissif.

Des motifs banals d’un quotidien principalement urbain, comme un échafaudage, des amoncellements de boîtes, des palettes en bois superposées, sont multipliés par la répétition sérigraphique, évoquant autant les chemins tortueux de la vie et de la ville que l’ivresse de la récurrence du quotidien et l’opulence scandaleuse du quotidien et l’opulence scandaleuse des sociétés occidentales. Des êtres humains paraissent aussi, en silhouettes, qui se mesurent aux graphismes de la ville et cherchent chemins personnels ou solidarité et amitié.

Les supports tendent également au brut, au populaire, journaux ou vieilles affiches retournées.

Sur ces sortes de déchets naissent des travaux difficiles à encadrer, mais peu importe. Et même, en émanent d’autres types de déchets à ne pas jeter, mais à exploiter pour les déchirer en morceaux à coller sur d’autres papiers ou sur des tubes en carton récupérés dans les commerces qui n’en ont plus usage. Cela tient aussi de l’arte povera, cher à l’artiste comme l’art brut et l’art naïf.

Viviane Bouhon, septembre 2020

Viviane Bouhon est née, vit et travaille à Liège.

Elle est membre de l’asbl Offti²³ et de la Galerie 23.

Page 80 : Mix, 2015, sérigraphie 1/1, 24 × 18 cm Page 81 : Aléatoire, 2016, sérigraphie 1/1, 24 × 18 cm

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Graveurs de la province de Liège

Willy Welter Série de toiles qui sont marquées par des matrices découpées.

Ces matrices m’ont permis de recomposer, de réinventer chaque composition.

Les thèmes de cette série sont la vie, sa célébration et ses peurs, sa genèse!

L’utilisation de la couleur crée la forme et donne un sens au blanc. La lumière est capturée par la forme et cela crée des éléments qui eux-mêmes existent dans cette lumière.

Willy Welter, 2022

Willy Welter est de ceux qui ont forcé les limites de leur langage à s’ajuster aux limites de leur pensée. Par langage, entendons celui de la forme et de la couleur, qui sont les articulations d’une logique de la sensation que Willy Welter poursuit depuis une trentaine d’années avec une constance étonnante. Il a minutieusement archivé l’histoire et les traces de son parcours.

En lisant son travail depuis les origines, on assiste à la cosmogonie qui s’est peu à peu amplifiée à mesure que s’élargissait sa conscience du monde.

Georges Fontaine, juin 2004

8 pochoirs sur toile réalisés en 2019, 200 x 100 cm Page 82 : Recto verso 2 Page 83 : Recto verso 1, 2, 3 et 7

Willy Welter est né à Bastogne le 24 mai 1954.

Il habite Liège et sa banlieue depuis 1968. www.willywelter.com

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Graveurs de la province de Liège

Patricia Minder Tout en observant autour de moi, je garde en mémoire des images que je grave sur une plaque.

La technique de la pointe sèche me permet de réinventer mon monde.

Patricia Minder est diplômée de l’Académie de beaux-arts de Liège, section gravure en 1996 et section peinture en 1992.

Elle vit et travaille à Liège.

Elle participe aux stages de gravure avec La Nouvelle Poupée d’encre, en 1995 à Asilah au Maroc et à Wégimont, en 1996 à Cerveira et à Porto au Portugal, en 1997 à Wégimont et à Cerveira au Portugal, en 1999 à l’Académie de Liège, en 2000 à Cerveira au Portugal.

Patricia participe aux calendriers annuels de La Nouvelle Poupée d’encre.

Elle expose régulièrement tant en Belgique qu’à l’étranger.

Illustration de Déserrance, nouvelle de Catherine Beaugier éditée par le Tétras Lyre, à Ayeneux, en 1994.

Illustration de Sans l’armure des larmes, poèmes de Philippe Leuckx édités par le Tétras Lyre en 2003.

Page 84 : Femme, 2002, pointe sèche, 29 × 20,5 cm Page 85 : Paysage 2, 1995, pointe sèche, 11,7 × 14 cm Paysage 1, 1995, pointe sèche, 10 × 12 cm

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Page 86 : Main soleil, 2020, eau forte, aquatinte, vernis mou, 20 × 20 cm Page 87 : Figue, 2018, xylographie et pointe sèche, 60 × 60 cm Tourner en rond en marchant sur la pointe des pieds, 2020, xylographie, 30 × 60cm

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Pascale Loréa

Voyage entre les matières, entre les fibres du bois gravé et les tailles du métal, entre les vides et les pleins des formes, entre le noir, le blanc, le vert…

L’espace devient rencontre, énergie et profondeur.

Pascale Loréa, née en 1964, vit et travaille à Liège.

Elle est diplômée en gravure de l’Académie de Liège et travaille avec le collectif Impression(S). loreapascale.wixsite.com/pascalelorea

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Page 88 : Self-portait, 2009, 10 sceenprints, 26,5 × 200 cm Item itinéraire 4, 2009, screenprint, 20 × 75 cm Urban item, 2012, screenprint 28 × 32cm

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Graveurs de la province de Liège

Luigino De Zotti Vingt ans, déjà !

Des découvertes plastiques inattendues, des rencontres humaines enrichissantes, tout comme des étapes importantes de ma vie ont marqué mon parcours artistique. Parmi ces expériences vécues, trois ont davantage imprégné mon travail et sont, pour une grande part, déterminantes dans mon processus de création actuelle.

La première a été, alors que j’étais élève aux Beaux-Arts, la découverte des gouaches abstraites d’André Blank et des toiles suprématistes de Malevitch. La deuxième a été ma rencontre avec le graveur Dacos, dont j’ai reçu les enseignements exigeants, empreints d’une grande ouverture d’esprit. La troisième s’est imposée à moi peu de temps après avoir été diplômé : j’ai été amené à faire « un état des lieux » de mes apprentissages, de mon vécu.

De cette période d’introspection ont émergé deux constats majeurs qu’il m’a fallu accepter et intégrer par la suite. Celui, d’une part, que je suis constamment interpellé et touché par des œuvres issues de tendances ou mouvements artistiques tels que l’art abstrait, l’art construit, l’art minimal.

Celui, d’autre part, que la vie repose inéluctablement sur une succession perpétuelle de choix à faire, de décisions à prendre, impliquant de sacrifier, de délaisser.

Prenant conscience de ces états de fait, j’ai réalisé, entre autres, des œuvres qui suggèrent des voies empruntées et des directions à prendre, éléments inhérents à tout parcours. En émanent des séries de linogravures comme Arbres, traduisant des chemins menant aux premiers embranchements naissants, évoquant ainsi l’imminence d’une prise de décision. Dans la série Carrefours, je m’inspire de plans de villes pour refléter la pluralité des choix à faire, qui, parfois, peut être déstabilisante.

Par la suite, je me suis orienté vers la pratique de la sérigraphie pour produire des séries telles que

Items urbains, dans laquelle j’ai eu recours à la verticale et à l’horizontale, éléments architecturaux fondamentaux, pour construire mes gravures et ainsi imager une reconstruction personnelle qui s’est avérée essentielle. La série de parcours colorés Items itinéraires, réalisée en sérigraphie, et la série de sept dessins Outline ont été créées dans ce même état d’esprit. Ce processus de création m’a amené, aussi, à faire l’expérience de la surface colorée uniforme dans Autoportrait, composé de dix sérigraphies se succédant.

Aujourd’hui, je poursuis ce travail de recherches plastiques se situant dans un champ introspectif, me nourrissant de toutes découvertes et expériences passées et présentes, en me réjouissant de celles à venir.

Luigino De Zotti, mars 2013.

Luigino De Zotti est né en Belgique en 1966. Il vit et travaille à Liège et à Verviers. Son parcours professionnel est constitué, entre autres, d’expositions collectives et individuelles depuis 1990, tant en Belgique (Bruxelles, Huy, Liège, Ostende, Seraing, Verviers…) qu’à l’étranger (Espagne, France, Maroc, Portugal, Québec, Serbie…), parsemé de participations à différents workshops internationaux, de collaborations avec des poètes et des plasticiens, et ponctué de quelques expériences dans l’enseignement (dessin, formation pluridisciplinaire, gravure, histoire de l’art).

Membre fondateur, en 1992, et administrateur, depuis 2005, de La Nouvelle Poupée d’encre, association de graveurs œuvrant à la défense et à la promotion de la gravure sous toutes ses formes. En 1993, diplômé de l’Académie royale des beaux-arts – École supérieure des arts de la ville de Liège, option gravure : professeur Dacos. Depuis 2004, professeur d’image imprimée, spécialité gravure, à l’Académie des beaux-arts de Verviers, succédant à Michel Barzin. Depuis 2005, membre organisateur de la Biennale internationale de gravure contemporaine de Liège et membre du jury de sélection des dossiers. Depuis 2014, administrateur – et membre fondateur – de l’asbl Aca Nova, créée au sein de l’Académie des beaux-arts de Verviers, membre du comité artistique pour la programmation et l’organisation des expositions du projet Espace 157 Art contemporain. centredelagravure.be/artists/de-zotti-luigino/

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Beirut reprint

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Estampes au profit de solidarité Beirut Printmaking Studio

© Amani Mousa

Les samedi 18 et dimanche 19/09/2021 de 14 h à 17 h

Parlons Gravure

Musée de La Boverie 3, parc de La Boverie BE 4020 Liège •

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PRINTMAKING AT/BEHIND THE EDGE

Organisé par le Graficki Kolektiv de Belgrade Présentation par Ljiljana Cinkul, directrice du Graficki Kolektiv Nous vivons l’expérience commune de la pandémie Covid-19, qui a encore compliqué la mise en œuvre de nombreux programmes dans le domaine de la culture. L’organisme Graficki Kolektiv n’a donc pas été épargné par ces restrictions. Malgré tout, il faut créer et préserver la genèse palpitante de la vie de l’art et le sens de la relation artiste-commissaire d’exposition-public ; ce concept est également le tissu de l’identité du Graficki Kolektiv.

Dans le contexte d’une époque aussi incertaine, le concept du Symposium PRINTMAKING AT/ BEHIND THE EDGE en ligne est nécessaire. Nous questionnons la vitalité créative de ce médium en croyant en la puissance du dialogue et en l’efficacité de notre mission collaborative. L’objectif du Symposium de cette année est de problématiser et d’examiner de manière critique la position de l’estampe sur la scène récente. L’idée est de prendre une image de pointe de quelques sujets d’actualité dans le monde de l’art graphique au choix de chaque participant sous forme de texte, vidéo/déclaration et autre contenu. Ce projet fait suite au Symposium PRINTMAKING AT/BEHIND THE EDGE organisé en 2009 à Belgrade à l’occasion de six décennies d’activité du Collectif Graphique. En 2009, 13 auteurs ont présenté leur position lors d’échanges de vues et de discours critiques. . En 2021, la liste des participants au Symposium s’est élargie : 45 artistes, théoriciens, cri- tiques et historiens de l’art de 17 pays d’Asie, d’Amérique – Canada (Jo Ann Lanneville et Élisabeth Mathieu), d’Europe – Grande-Bretagne, République tchèque, Pologne, Slovénie, Grèce, Suède, Lituanie, Luxembourg, Espagne, Bulgarie, France, Serbie – et la participation notable de plusieurs auteurs belges (Michel Barzin, Peter Bosteels, Dragana Franssen-Bojic, Ingrid Ledent, Fanny Moens, Régine Rémon, Sanja Tomi).

La communication électronique et les médias sociaux représentent la forme étendue de l’aspect de la vie dans des circonstances extraordinaires.

Cette forme ravive le système psychique sensible à l’aide de ses différentes tonalités, multiplie le flux d’informations virtuelles tout en cultivant les relations humaines, culturelles et fluides, les valeurs éthiques et esthétiques sur lesquelles l’organisme Graficki Kolektiv a fondé son rôle professionnel en huit décennies.

Les questions d’orientation envoyées aux participants (juillet 2020) n’étaient pas obligatoires, elles impliquaient une flexibilité pour différentes attitudes

et des réponses possibles dans divers domaines conceptuels.

- Quelle est la position de l’art graphique aujourd’hui, en 2020 ?

- Est-ce que l’art graphique a « franchi » la frontière médiatique ou élargi/ construit un nouveau champ d’action.

- Le rôle éthique, esthétique et communicatif de l’art graphique et des arts visuels à l’ère du changement global et de la crise ?

- Le rôle, la portée et la position de l’art graphique dans le contexte de la poétique de l’auteur, des pratiques de conservateurs et des programmes institutionnels dans votre environnement professionnel.

- L’importance des biennales/ triennales internationales dédiées à l’art graphique.

(Traduit du serbe par Vesna Radojev)

Conversation : et si on parlait d’estampe ?

Texte de Jo Ann Lanneville, artiste et commissaire Lorsque Ljiljana Cinkul, directrice de l’organisme Graficki Kolektiv de Belgrade, nous a invitées, Élisabeth Mathieu et moi, à participer comme panélistes au Symposium international PRINTMAKING AT/BEHIND THE EDGE diffusé en ligne, nous n’avons pas hésité une seconde. En plein cœur d’un arrêt planétaire de toute manifestation culturelle, cet événement était une occasion unique de partager nos réflexions sur la discipline.

Si on se fie aux nombreuses manifestations autour de l’estampe dans le monde, force est de croire qu’elle est bien vivante. Sa vitalité repose assurément sur la recherche et la démarche des artistes, mais elle s’appuie sur un ensemble de structures institutionnelles et privées, ateliers et résidences d’artistes, manifestations et événements, galeries, revues spécialisées. Cependant, nous pouvons observer un certain changement dans la pratique ; maintenant, la

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symposium notion de discipline, avec sa tradition, son histoire, n’oblige plus les artistes à se contraindre à demeurer dans un carcan technique. L’estampe trouve écho dans l’hybridité, les artistes prennent la liberté soit d’explorer la dimension technique, soit de la contourner pour l’amener ailleurs. L’artiste possède le pouvoir d’intervention dans l’œuvre, il est celui qui décide comment sera perçue sa vision du monde.

Nous voyons dans les événements artistiques de plus en plus d’œuvres hybrides qui dynamisent la relation entre l’image et la facture de l’œuvre.

Je cite ici comme exemple le travail de François Morelli, de Montréal, qui a une pratique transdisciplinaire. Il utilise autant le dessin et l’estampe que l’installation, la performance et la sculpture. Il grave des tampons encreurs pour les imprimer et recréer des installations graphiques magistrales.

Les artistes qui pratiquent l’estampe aujourd’hui réfléchissent sur la discipline et veulent explorer de nouveaux territoires. Est-ce qu’on peut dire qu’ils transgressent ou réinventent une nouvelle manière de faire ? Je remarque chez certains artistes le besoin de dire autrement, de s’imposer dans le paysage architectural. Ils utilisent l’estampe pour le pouvoir évocateur de son image en l’intégrant carrément à l’architecture urbaine. Le travail de Tania Girard Savoie, de Québec, fait cohabiter une démarche artistique présentée en galerie et un travail d’intégration de l’art à l’architecture. On retrouve dans les deux parties de son travail les mêmes schèmes, la même luminosité, la même approche.

Nous observons, dans leurs pratiques plus récentes, que les artistes tendent à présenter la discipline sous la forme d’œuvre unique, où elle devient le matériau à la base d’installations ou d’œuvres incluant aussi le multimédia.

Nous assistons à une extension de la pratique de la gravure et au changement de sa mise en espace. Peut-on parler de crise dans le monde de l’estampe actuellement ? Depuis l’apparition de certains médiums telles la vidéo ou l’image numérique, ces nouvelles (plus vraiment si nouvelles) disciplines se disputent la dénomination de l’estampe. Il faut se poser une question ; pour qu’une œuvre soit actuelle, faut-il qu’elle soit en rupture avec le passé ?

Qu’est-ce que la nouveauté ou le renouveau ? L’artiste n’invente rien ; il se sert de schèmes, de ce qu’il a entre les mains pour nous dire quelque chose.

L’artiste française Christine Bouvier est connue pour son travail graphique en noir et blanc qui étonne par une mise en relation de la gravure et de la photographie. Elle développe dans son atelier un travail autour des notions de temps, de souvenir et d’image, alternant photographie et gravure. Captées par la photographie numérique, réinterprétées puis transférées sur la plaque de cuivre, les images sont inscrites en creux dans le métal par l’attaque de l’acide, et enfin retravaillées par le geste et les outils de la gravure. Elle recrée de nouvelles atmosphères qui font référence au clair-obscur et qui donnent à ses sujets une présence peu commune.

Lorsqu’on parle d’artistes qui travaillent avec l’espace, je pense tout de suite à Valérie Guimond. Elle utilise le bois gravé, la sérigraphie pour maximiser l’effet installatif de son travail. La mise en espace est importante, elle amène le spectateur à circuler entre les œuvres et de ce fait à recréer des superpositions d’images. Le travail de Valérie relève des préoccupations actuelles de notre société, la tolérance sociale à l’égard de la sexualisation qui touche particulièrement les petites filles. Cela nous amène justement à relever le grand nombre d’artistes qui utilisent du médium pour dénoncer les blessures sociales.

Les biennales d’estampes servent de plateforme de recherche de création, de constat. On peut même dire qu’en quelque sorte ce sont des observatoires sur toutes les questions touchant notre société. Que cela soit la question d’identité, l’altérité, la nature, la culture, la domesticité, l’urbanisation, le territoire, le pouvoir, les croyances ou le savoir, le spectateur se retrouve dans des univers riches et étonnants ; de l’approche conceptuelle à la présentation plus traditionnelle, il est possible de discerner des courants et des tendances nationales et internationales. J’irais jusqu’à dire que visiter une biennale d’estampe, c’est faire tomber les frontières.

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Page 93 : Christine Bouvier, Conversation silencieuse – Mélancolie, 2014, gravure, aquatinte et impression numérique, 130 × 130 cm. Œuvre du projet exposition/publication Empreinte mélancolique réalisé en collaboration avec les Écrits des forges pour le colloque Melancholia de 2015 organisé en partenariat avec l’Université du Québec à Trois-Rivières, Québec, Canada Page 94 : François Morelli, Soulèvement 1, 2020, installation tampon encreur.

Maison des arts de Laval, Québec, Canada, crédit photo Guy L’Heureux.

François Morelli, de la série Grosse tête cintrée, quatre linogravures, musée Pierre-Boucher, Trois-Rivières, Québec, Canada, 8e BIECTR de 2013, crédit photo : Olivier Croteau.

Valérie Guimond, exposition Les Fausses Princesses, sérigraphies sur papier calque, bois gravé imprimé, 244 x 61 cm, Espace 0 3/4, Atelier Silex, TroisRivières, présentée dans le cadre de la 11e BIECTR de 2019

Pour en savoir plus encore sur ce sujet, voici le lien du balado avec Élisabeth Mathieu, artiste et directrice générale et artistique de la Biennale internationale d’estampe contemporaine de Trois-Rivière, et Jo Ann Lanneville, artiste, cofondatrice de l’Atelier Presse Papier et de la Biennale internationale d’estampe contemporaine de Trois-Rivières. Suivez le lien.

L’estampe

Actue lle en pays liégeois

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EXPOSITION

Roby Comblain expose à l’Espace 001

1.

Ce que l’on voit. Ce que l’on peut toucher. Et la scène qui s’organise entre l’un et l’autre. Voilà où se risque l’œuvre gravé de Roby Comblain. Gravure ou sculpture ? Regarder ce qui n’a pas pu être vu et n’est pas à comprendre dans un muet bruit de fond, celui des espaces d’« avant ce qui est venu avant » ? Un bout de moraines tombé des sphères fracassées… Scénographies pétrifiées…

2.

Il semble s’être agi, pour lui, d’accueillir en surfaces le fouillis d’écriture des astres. Former des semblances d’amas de blocs éclatés et usés. Oser un théâtre d’éboulis se jouant de la distance entre la plus grande légèreté des matières et l’impression d’une pesanteur phénoménale, obtenue dans l’apparence de rocs échoués là et qu’on croirait impossibles à mouvoir…

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3.

Voilà la promenade, la géographie de ce parcours. Un Vulcain refroidi…

Une Islande obscure s’est ici figée, porteuse de traces, de griffes qui ont leur grammaire. Stigmates impénétrables d’une mémoire minérale inscrite sur des graviers de géants.

4.

Prométhée n’a pas encore tout dit. Le visqueux des laves a durci ses basaltes.

On est ici après que le volcan s’est éteint, cratères occlus et qui se taisent pour jamais. Comment lire alors ces signes erratiques grattés dans le silence noir ?

6

Mais le miracle est là. Projetant la gravure hors de sa convention plane, Roby Comblain ouvre des mondes pensés, convoque le champ de la nuit, éveille des amas granitiques et appelle sur eux un passage de poussières magnétiques d’avant même l’écriture… Le ciel et ses genèses gravitent dans ce froissement, dans les nobles lessives des encres, les scarifications des gouges, des couteaux et les papiers précieux, dociles à ses mains de créateur.

Jacques Vandenschrick

5.

La pierre ne répète jamais ce qu’a pensé le dieu minier. Il n’y a « pas de paysage dans ce paysage ». On est bien avant l’apparition du « je ». Il n’y a que des gyres, des incisions, des fibrillations astrales enregistrées par les gouges des linos, l’écho brouillé d’un noir de graphite traversé de filantes.

KERN

Expo du 12 septembre au 23 octobre 2021, week-end 14 - 18h et autres jours sur rv 0470 055 144 Espace 001 rue des bâtisseurs, 1/001 - 1348 Louvain-la-Neuve, Belgique www.espace001.com ©images Marie Maquaire

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