Actuel 21

Actuel l’estampe contemporaine

n 21 o

T

he sun is shining down on Wales today as I write these words, something of a rarity after a dark winter that seemed to be endless. We have without doubt endured one of the darkest periods I can

remember, and most of us have survived. So, now, I am not going to mention the ‘P’ word or the ‘C’ word in this

editorial. Instead, and bearing in mind that at this time of year there are the celebrations of Easter, Passover and Nawruz, as well as the pagan celebrations of the renewed year, this will be a piece that celebrates the energy and continuing originality of those artists who choose to make their work using the techniques of printmaking. They are, as always, celebrated within the pages of ‘Actuel’, a journal that consistently demonstrates the excellence of such work.

In this edition there is a selection of individuals, with different (4) David Maes (14) Bashar Alhroub (20) Timotéo Sergoî (26) Joël Leick (32) Roman Couchard (38) Michael Schulze (44) Etienne Èmily (50) Muriel Baumgartner (56) Anna Principaud

backgrounds and totally different approaches to the making of art. Each of them has strongly held ideas about what they want to say and how they want to say it. While a close study might show that there are some threads of similarity that bind them together, each of them is unique, which is as it should be. They have been brought together in this journal for different reasons and by different routes, which is, again, as it should be. They are united within these pages, offering readers the opportunity of gaining a deep insight into the world of contemporary printmaking and the attitudes that underlie the intricacies of the various techniques that are used. In doing so the works can be seen to provide a means for viewing the world, through a prism and not a magnifying glass.

Ont collaboré à l’écriture de ce numéro : Sabine Delahaut, Timotéo Sergoî, Joël Leick Pascale De Nève, Richard Noyce, Annie Latrille, Harvey Mudd, Roman Couchard, Michael Schulze, Etienne Èmily, Diana Quinby, Christine Pinto, Georges Meurant

f there is a fault in journals such as this it is that all they can do is to ‘illustrate’ the world of printmaking, finding the best form possible to present the works to readers and viewers. But no journal, however well made it is, can replicate the sensual pleasures of encountering real prints, whether held in the hand or seen on the wall, and of engaging with them in a one to one human encounter. The experience of reading about printmaking is a parallel to the experience of reading about food. A great food writer can express passion for the ingredients, preparation, cooking and presentation of food, leaving the gourmet feeling hungry, and needing to eat the food – now!

So it is with writing about printmaking. No amount of writing expertise can convey the deep visceral experience of meeting a print face to face. As the world turns and we gradually find a way to return to ‘normality’ (whatever that is…) it is to be hoped that those who love prints can return to visit exhibitions.

And then going to a restaurant to share food and drink in a celebration of what it means to be human. Bon

Actuel est une émanation du groupe Facebook « Parlons Gravure »

Comité de sélection : Sabine Delahaut Jean-Michel Uyttersprot Catho Hensmans

Comité de rédaction Christine Pinto :Sabine Delahaut Jean-Michel Uyttersprot Pascale De Nève Mise en page : Jean-Michel Uyttersprot Pierre Guérin Relecture : Annie Latrille David maes pour l’estampe en couverture et pour le tirage de tête de ce numéro : un tirage réalisé spécialement pour la revue et limité à 20 exemplaires (cf p. 2).

Sauf indication particulière, les images appartiennent aux auteurs Les légendes des images sont à lire de haut en bas et de gauche à droite.

appetit!

Pour toutes informations : magazine.actuel@gmail.com www.actueldelestampe.com Éditeur responsable : K1L éditions.

Prix de vente : 20 € N ° ISSN : 0774-6008 EAN : 9 782 930 980 317

David Maes

4

En regardant les gravures récentes de David Maes, j’avais le sentiment d’avoir affaire à trois artistes différents. Tout d’abord, David Maes, le maître graveur et l’enseignant, pour qui l’intérêt pour l’art de la gravure ne se réduit pas à la seule maîtrise d’un métier. Puis l’artiste qui déploie à travers ses gravures son thème de prédilection, le monde réel, un monde constitué, pour faire simple, d’humains et de paysages. David Maes enfin, un artiste intéressé par la complexité de la relation entre l’artiste, l’homme luimême, son métier et ses images. Le travail de David Maes témoigne, il me semble, de la tension — intéressante, intrigante — qui se noue entre ces trois facettes de l’artiste.

De manière subtile, invisible parfois, David Maes s’invite dans le cadre. Pas par narcissisme, mais plutôt en réponse à un sens complexe de l’engagement. Il n’est pas distant de ses sujets. Presque toutes ses gravures ont une référence personnelle, un « à propos de soi », au-delà de ce qu’elles dépeignent, audelà de l’art et de l’art de la gravure. En outre, parce qu’elles sont expérimentales dans leurs méthodes et en dehors de normes classiques, les gravures placent l’artiste au centre du travail. Après avoir longtemps respecté les codes traditionnels de la gravure sur une plaque lisse, carrée ou rectangulaire, l’artiste s’en est affranchi. Il grave maintenant sur des plaques de zinc industriel, aux contours irréguliers et à la surface endommagée. La forme déchiquetée de la plaque devient partie prenante du sujet. Il en résulte, à travers l’alliance entre la plaque elle-même et l’image gravée — une image souvent minimale — une forme abstraite avec des marques, la plaque demeurant en arrière-plan comme une sculpture à deux dimensions. Si la plaque était encadrée, elle deviendrait alors un « monotype » sur le processus même de la gravure comme effet du hasard, une sorte d’abstraction fortuite.

Entre les marques infligées volontairement par l’artiste et celles laissées au hasard par les chocs et les coups s’installe un stimulant dialogue, à la fois dans sa dimension évocatrice (de rien de particulier), et lyrique (sans se vouloir beau ou esthétique).

Quand David Maes combine les techniques de gravure avec les portraits, une autre source de tension se manifeste. Portraitiste intuitif, ce n’est pas pas seulement les visages qu’il représente, mais quelque chose de l’intimité de ses modèles, la plupart étant des proches qu’il connaît au-delà de la structure morphologique de leur visage. Têtes sans épaules ou sans corps, souvent partiellement révélés, sans arrière-plan, sans repères de la vie quotidienne, sans horizon. Réalisées sur des plaques irrégulières et cabossées, les images acquièrent une dimension supplémentaire qui invite à penser et à se questionner. Le papier a-t-il été déchiré ou brûlé ? Les personnes se sont-elles scarifiées ou blessées. Leur monde est-il à ce point un endroit de détresse et d’effroi ? Ces images sont-elles comme des lambeaux, des visages partiels, suggérant ou signalant que la société a perdu sa cohésion et se déchire ? Ou suis-je en train de projeter ?

Né au Canada en 1956, David Maes vit et travaille à Montaren dans le sud de la France.

5

6

Toutes les images de cette série sont exigeantes et déstabilisantes. Même les études de femmes nues et semi-nues, exécutées sans sentimentalisme et sans idéalisation, n’échappent pas à cette règle.

Les paysages urbains ou semi-urbains, la nature et la route représentent un autre centre d’intérêt majeur pour David Maes.

Canadien d’origine, installé en France, devenu français, il maintient un lien inaltérable avec les grands espaces d’Amérique du Nord, fil émotionnel qu’il explore à travers le souvenir de ses trajets le long de l’autoroute 401, entre Montréal et Toronto. Paysages anodins, sans cachet particulier, sans montagnes, simples paysages de bois et de lacs, d’îles au milieu des lacs — et la route. Vastes espaces monotones que l’artiste, par sa présence, par son regard familier, colore d’une subtile intériorité et rend remarquables.

L’image d’une île boisée au fond d’un lac recèle une émotion difficile à décrire. Graver ce paysage sur une plaque irrégulière, qu’elle le soit intentionnellement ou pas, s’avère d’une grande efficacité, tant ce genre de plaque semble idéal pour capturer les brefs aperçus de la route ou les éclairs arrachés à la mémoire.

Deux autres scènes représentatives dépeignent des vues urbaines de Montréal et du centre urbain de Toronto — des voitures émergeant d’un tunnel sur une autoroute, une bétonnière immobilisée dans un embouteillage, une voiture tournant à gauche.

Les deux images fleurent bon l’atmosphère des villes, leur pesante quotidienneté, sans verser dans la photographie ou le réalisme au sens conventionnel du terme, sans en être des distorsions non plus. À travers elles, David Maes témoigne d’une volonté de repousser les limites de la gravure, au niveau technique bien sûr, mais plus encore dans la manière de capturer et de retenir quelque chose de l’état d’esprit de l’auteur. C’est un véritable effort que de mener de front ces trois thèmes : celui de la gravure, celui de l’être humain et du monde, celui de l’engagement émotionnel de l’artiste dans son travail et dans la relation à ses sujets. La tension est là, palpable, à la hauteur de l’exigence du dessein.

Au niveau strictement technique, les gravures sont superbement exécutées. L’habileté de l’artiste à manier la pointe sèche donne le sentiment que l’image obtenue a été peinte à l’aquarelle. Mais plus que de la dextérité, c’est l’empathie de David Maes avec ses modèles, son regard respectueux sur la nature, sur les hommes et les femmes de ce monde qui donne toute sa valeur à son œuvre.

Harvey Mudd Traduit de l’américain par Sylvie Cavillier

7

Couverture : 401 IV, pointe sèche sur zinc, 2020, 55 × 100 cm, (extrait) Page 4 : Lucas, 2016, pointe sèche sur zinc, 59,5 × 54 cm Page 6 : 401, 2019, pointe sèche sur zinc,136 × 68 cm Page 7 : 401 IV, 2020, pointe sèche sur zinc, 55 × 100 cm Pages 8-9 : Song for A., 2010, pointe sèche sur zinc, 45 × 93 cm Pages 10 : La luna, 2001, pointe sèche sur zinc , 63 × 53 cm Bridge II, 2014, pointe sèche sur zinc , 58 - 78 cm Page 11 : Hard Rain, 2012, pointe sèche sur zinc 97 x 71 cm Pages 12 et 13 : Lac Memphrémagog,2020, pointe sèche sur zinc, 31,5 × 37 cm, 39 × 50 cm et 31,5 × 37 cm Page 68 : Y.O.P.J. II,2013, pointe sèche sur zinc, 41 x 29 cm Dos de couverture : 401 III, 2020, pointe sèche sur zinc 100 x 130 cm

8

Oui, j’ai souvent dit qu’à travers mon travail j’essayais d’explorer la condition humaine, de toucher à l’âme, de comprendre qui nous sommes Mais ce ne sont que des mots Et plus j’avance plus j’ai l’impression de me perdre...

Le corps vigoureux, le corps vieillisant Le corps de l’homme, le corps de la femme Le corps érotique...

Le corps électrique

Par contre, le corps est là Ce corps qui est mon interface avec le monde Ces corps que je dessine, peins et grave depuis le début Ça me sauve et me permet de continuer

9

10

11

12

13

14

Bashar Alhroub My contemporary artistic practice employs various artistic media to serve the ideas and concepts that I work on. Which revolves around the place, memory, self-identity, my work has dealt with the polemics, debate and dilemmas related to the place; how it becomes humanized, and its influence on our creativity and other topics. the Printmaking and its various technics is one of those important media that I employ in my practice, as its techniques give a space of freedom that no other medium can give that sensitivity in terms of either the implementation process or the final results of the work.

Among the projects that I have worked on are Mapping Nowhere Project 2020 and the Falling Angel series 2018.

Mapping Nowhere 3: The idea of the project occurred to me after an emergency departure from Paris a day before the complete closure and curfew in March 2020 due to the spread of the Corona virus. I was returning to Palestine via Jordan. This trip was filled with fear, caution and anxiety about arriving and whether or not I carried the virus during my presence in France for the opening of my exhibition in the Paul Valerie Museum. The procedures at the airports and border crossings were as if I was watching a science fiction movie about the end of the world. It was like a one-way journey and that the world was going to end behind me

.

15

16

In light of these circumstances, the cities that I visited around the world evoked me from east to west and north to south. I recovered the images of their maps especially that i consider myself a person who walks around in travel.

I have always been occupied with maps and political, cultural, urban and economic dimensions in their symbolism in the formation of power.

As a result of what is happening in the world due to the spread of Covid -19 virus, the closure and separation of cities and countries and the limitation of movement, the authorities have become the creators of limited movement maps for people.

The topic is exciting for me to present questions about the concept of states, borders, communication and human freedom of movement to carry out this project.

The project is a single work consisting of 80 pieces for 80 cities, each piece is a map, and these are imaginary mental maps related to the personal experience with these cities.

Falling Angel: This project was perused during an artist residency with China printmaking Museum and Guanlan Original Printmaking Base in Shenzhen—China.

The project presents the perceptions of the Angel from different historical eras and is in a state of falling on the places to which I belong as a Palestinian and as a human. Where I present the concept of fall as a simulation of the concept of human values falling in front of human action, politically and colonialist in the place.

Bashar Alhroub is a Palestinian artist, he was born in Jerusalem 1978, He completed his MFA in 2010 at Winchester School of Art, University of Southampton in the UK. In 2012 Alhroub was awarded the first grand prize at the 14th Art Asian Biennial.

He has exhibited his work in Palestine and internationally including The Imperial war Museum—UK, Aga Khan Museum—Canada, The Institute of Contemporary Arts ICA London, Paul Valery Museum—France, The Arab World Institute ، Paris — France, Eli and Edythe Broad Museum—Michigan—USA, China Printmaking museum—China, Center for Contemporary Art “Lazania ‘, Gdansk, Poland, Mosaic Rooms, AM Qattan Foundation, London—UK, Green Art Gallery, Dubai, UAE, , Birzeit Ethnographic and Art Museum — Palestine, Instants Vidéo festival, Marseille – France, The Barjeel Art Foundation, UAE, Al-Ma’mal Foundation for Contemporary Art—Jerusalem, and many others

17

18

19

Timotéo Sergoï La poésie est partout, ou alors je me trompe et elle n’existe pas. L’art n’est pas réservé au public des galeries, aux murs des musées, aux cimaises et aux beaux livres. Je veux de la poésie partout : sur les murs, sous mes pas, le long des fleuves de fumée ou dans les forêts d’immeubles gris.

Depuis quelques années donc, je me permets de coller où me mènent mes souliers ces petits mots linogravés, puis imprimés en grande série sur des feuilles autocollantes. « Je me réjouis de te savoir en vie », « Le capital est une maladie que tu vas attraper par les bourses » ou encore « D’après Google, vous êtes ici ». Les poser dans la rue, poteaux, portes, cahiers, ascenseurs, boîtes aux lettres, c’est semer des graines sur-le-champ immense et fertile de nos imaginaires.

Plus tard sont apparus de plus longs textes : « Je suis venu debout vous parler de l’orage » est sorti comme une prière, un oracle en alexandrins. L’affiche s’est imposée, avec son format 40 x 60. Et j’aime à me promener avec le pinceau et la colle au fond de mon sac pour les installer en sauvage dans les villes. Depuis lors, quinze modèles sont sortis de ma presse.

Je réponds maintenant à des demandes de centres culturels, de villes ou d’ateliers locaux. Mais le pot de colle et le pinceau restent au fond du sac. Un alphabet de lettres originales (toujours linogravées), des banderoles larges en PVC ou des fresques peintes, et de temps en temps une prestation lecture font de cette poésie-là un outil largement diffusé. « Je suis venu vous dire que tout était possible », disait Julos Beaucarne. C’est une phrase essentielle. Le rôle de l’artiste est sans doute celui-là.

Je veux une poésie génératrice. Je veux utiliser les mots comme des leviers pour transformer le monde. Le dessin, la gravure accrochent l’œil puis on s’approche pour découvrir le texte. Loin des écrans publicitaires colorés et bruyants,

20

voici des affiches noir et blanc pleines de petits caractères qui nous disent combien la vie est belle. Pour éteindre vos télévisions, pour découvrir les mains des enfants, les sourires sans dents des personnes âgées, pour tourner nos regards vers autre chose que ce que nous proposent les supermarchés. Et je ne veux pas que ces gravures se voient réservées aux musées et aux galeries.

L’art est public. Et non publicitaire.

Mon parcours ? Pendant presque 40 ans, le théâtre de rue. Une compagnie, des spectacles de marionnettes et de longs voyages pour découvrir le monde. Parallèlement à ça, je gravais chez moi. Et je tenais des carnets de voyage où apparaissait de temps en temps de la poésie. L’âge venant qui fait de nos corps des outils douloureux, les voyages et les performances se sont raréfiés. Mais tous les éléments étaient là, posés sur ma table de bois : l’écriture, la gravure, la rue, la vie sauvage.

Les racines sont probablement plus anciennes encore.

Lorsque j’avais douze ans, je venais d’entrer à l’école secondaire. Et voilà l’examen de rédaction de fin de décembre. Le prof annonce qu’il n’y a pas de sujet imposé, et que la forme est libre : prose ou vers. Je suppose que la moitié de la classe prendra chaque option, et je décide d’écrire en vers, tout simplement. Ma surprise a été réelle, non feinte quand j’ai appris que j’étais le seul à avoir écrit en vers !

La même année, je prenais mes repas à l’école.

La cantine n’était pas aussi bonne que la cuisine de ma mère.

J’ai donc décidé d’écrire sur les murs avec les craies piquées aux profs les mots « Les dîners sont mauvais »... Jusqu’à ce qu’un surveillant me surprenne et marmonne dans mon dos, « C’est vrai ? C’est mauvais ? Effacez-moi ça... » Il en reste deux choses, quarante ans plus tard : j’écris de la poésie et je la colle sur les murs. C’est grave ?

21

Ils disent grand, ils disent barbu, ils disent maigre. Ils disent que sur les murs de la ville il colle de la main droite ce qu’il écrit de la main gauche. Ils disent noir ils disent triste ils disent fin. Fin comme du sel ou fin comme fin du monde ? On ne le saura jamais. Ils disent muet comme un gardien. Dans quel but ?

Vit et travaille à Wasseiges, en Belgique, jusqu’à demain matin vers 17h.

22

23

24

25

Joël Leick JOURNAL DES GRAVURES À L’EAU PLUVIALE Joël Leick Porte d’Orléans.

Il pleut. L’idée me vient de faire tomber une plaque de zinc sur la terrasse oblongue de l’atelier puis de l’oublier là quelques jours.

Ciel plombé, horizon bouché ; la ville se réveille doucement. Ici s’articule déjà tout un réseau de voitures. Les cyclistes filent à toute vitesse, le tram traverse l’espace en direction du parc Montsouris. Il pleut toujours, mais ce matin c’est une pluie fine qui crée un joyeux clapotis sur ma plaque de zinc qui commence à se piquer gentiment.

Ce soir, le petit trou qui permet à l’eau de pluie de ne pas stagner sur la terrasse est bouché ; un lagon légèrement brunâtre s’est créé et je peux y mirer ma tête quand je m’agenouille pour contempler les maladies heureuses qui se font sur toute la surface de la plaque.

Aujourd’hui, la pluie s’est arrêtée. Le soleil s’est blotti derrière une horde de nuages opaques.

En ouvrant la porte de la terrasse, mon pied glisse sur la petite marche et je me retrouve les pieds dans l’eau du divin lagon.

Des poussières de toutes sortes et des feuilles provenant du boulevard Jourdan se sont accumulées dans un angle du mur donnant sur le vide.

Un autre jour, la pollution s’est bien faite ; une plaque de zinc a gagné en force et elle s’est superbement creusée à l’endroit précis où j’avais gravé quelques larges traits évoquant un objet qui se déplace ou une forme suave qui rappelle quelques sujets déjà traités dans mes photographies en noir et blanc.

Midi.

26

Grand éblouissement. Le soleil donne. Je ferme les yeux. J’ai proposé cinq plaques toutes en attente de la morsure à l’eau pluviale, mais aujourd’hui rien ne vient du ciel, pas une goutte d’eau. La terrasse s’assèche, il faut agir vite.

J’ajoute deux bassines d’eau provenant du robinet de la cuisine. Ce sera parfait, la baignade est possible. Je vois des pustules, des taches rouges provenant sans doute des restes d’une plaque de cuivre totalement oxydée. Tout cela participe à la fête des morsures dont le résultat fera naître des estampes de la série Landschaft.

Quelques petits cercles se forment, ils peuvent varier. Tout se dessine dans l’eau. Je m’attache à cette vision du dessus, ce qui me rapproche des images de l’un de mes photographes préférés : Umbo.

Des contrées se précisent, une géographie ciselée, un panorama en lambeaux, des chemins, des territoires. Là s’accroche une moisissure telle une blessure ; ailleurs flotte un insecte très sombre dont le corps tout craquelé questionne la scène.

Plus loin, des fientes de pigeons rongent la cuvette d’une petite plaque au format carré.

Sommes-nous sur les toits de Paris évoqués par Charles Méryon ou dans un grenier instable emprunté à Rodolphe Bresdin ? De tout temps les grands graveurs inventèrent des techniques et trouvèrent des astuces au fil de leurs vies pour pousser l’estampe vers des pinacles novateurs.

Souvenez-vous d’Hercule Seghers volant des draps à sa femme pour imprimer ses eauxfortes aux morsures avantageuses. Regardez Whistler rognant les marges de ses eaux-fortes ou ancrant ses cuivres fortement pour créer des ambiances tout à fait surprenantes pour l’époque. Rembrandt, lui, jouait avec la teinte.

10 h 45. Accalmie.

Le niveau d’eau a monté à la suite des fortes pluies. Je passe mes doigts dans le trou qui permet l’évacuation. Je gratte fort. Ça résiste : je tire et ramène tout ça. Le bouchon se compose d’un épais mélange de terre, de poussière, d’espèces de cheveux comme ramenés vers le centre d’un gros noyau mou et gras. Ça sent fort. En créant de petites vagues ou un mouvement rappelant celui d’une onde, j’ai vaincu l’eau croupie trop longtemps enfermée sur la terrasse.

Plus tard, je récupère les cinq plaques magiques séchées par un soleil timide. Certaines révèlent des morsures généreuses qui, au tirage, donneront toute sa puissance au noir velouté.

Je vois le travail effectué par l’eau pluviale des nuits précédentes.

6 juin 2013.

Je viens de me rendre compte que le fond de la piscine — je veux dire de celle proposée à mes plaques — est en plomb. Oui, après avoir gratté tout ce que cachait la terrasse oblongue, je vois que ce n’est pas le béton que je découvre, mais un revêtement en plomb très bien réalisé.

27

28

Joël Leick, né le 24 janvier 1961 à Thionville, est artiste peintre, photographe, poète, éditeur de livres d’artiste (Books & things). Il côtoie nombre d’écrivains et de poètes contemporains d’horizons divers.

Il anime un atelier d’approche au livre d’artiste à Paris Atelier. http://joelleicknews.over-blog.com

29

30

31

32

Roman Couchard Dans un monde à bout de souffle, où l’illusion de l’invention est présente pour toujours plus de consommation, où tout est jetable et périssable rapidement, pour les hommes comme pour les objets, je suis un produit de la génération Y. J’ai grandi dans l’opulence du mode de vie d’après-guerre. L’Europe, ce groupe d’États créé en 1958, avait pour objectif de maintenir la paix, la stabilité, et de favoriser le libre-échange entre les peuples. En 2019, je constate que les inégalités sont encore bel et bien présentes. Notre pays n’est plus en guerre, certes, mais nous vivons bel et bien réellement ?Dans un climat de tension constante. La peur de l’autre et de l’inconnu est réelle.

Dans ce contexte, en tant que plasticien, j’ai d’abord choisi de réaliser une série d’estampes sur le patrimoine architectural.

Actuellement, mes recherches s’orientent plus vers le patrimoine industriel. En utilisant du plastique comme support pour mes matrices, je change la perception que nous avons de ce matériau. Celuici ne devient plus un rebut prématuré, mais est réutilisé, classé et archivé.

Roman Couchard est graveur et photographe.

Il est né à Verviers, en Belgique, en 1994.

Il vit et travaille à Uccle une commune bruxelloise.

33

34

Page 32 : Ruine n° 2, 2017, pointe sèche sur plexiglas, 64 × 96 cm Pages 34 et 35 : 300h300e, 2019, gravure, pointe sèche sur plexiglas, 200 × 480 cm Page 36 : Carbonisage, 2019, pointe sèche sur plexiglas, 78 × 106 cm Page 37 : Sotyze-s.c. a. r, 2019, pointe sèche sur plexiglas, 78 × 106 cm Pages 36 et 37 : Préventorium, 2018, pointe sèche sur plexiglas, 64 × 500 cm

35

36

37

En fait, je suis venu à la sculpture par le dessin et la peinture. Dans le développement de mes projets, la gravure, avec ses multiples possibilités d’expression, joue toujours un rôle important.

Surtout dans le domaine de la gravure, j’ai reconnu un outil de réflexion, qui m’a permis d’intensifier ma sensualisation et l’approfondissement intuitif de mes idées conceptuelles dans mes concepts et mes œuvres sculpturales.

La précision du trait, semblable aux lignes d’un billet de banque, où la condensation pointillée des tons gris était des qualités spécifiques auxquelles j’ai très tôt prêté une grande attention.

Dans l’espace de possibilité de la gravure, il y a plusieurs points de connexion et des stimuli pour moi, qui font qu’une plaque de cuivre, de zinc ou de plastique semble intéressante.

Elle commence par le transfert du motif pictural sur la plaque préparée, se poursuit par la mise en œuvre par gravure ou pointe sèche et se termine par le processus d’impression ainsi que l’édition (le plus souvent sous forme de portfolio). Cependant, tous ces processus contiennent tellement de variations, d’inconnues et de coïncidences dans la technique et le matériel auxquelles il faut réagir que ce processus laisse de nombreuses options ouvertes. En fait, c’est un processus très complexe, mais comparé à l’esthétique numérique, il convainc par ses caractéristiques haptiques et sémantiques.

Orientation du contenu : Dans la relation entre l’homme et l’animal, des contradictions considérables se sont présentées à moi, ce qui m’a incité à formuler des réponses artistiques à ces contradictions.

Nous savons que la relation entre l’homme et l’animal ne pourrait pas être plus contradictoire : le chien, par exemple, est souvent appelé « meilleur ami » en Allemagne, mais les « animaux de ferme » tels que les vaches, les porcs et les poulets sont élevés dans des conditions cruelles.

Dans le contexte de la nature et de la technologie, j’ai développé une méthode d’interprétation poétique dans laquelle la réalité et ses faits sont, pour ainsi dire, subjectivement filtrés, représentés et matérialisés. Les choses prennent une forme métaphorique : Dans la combinaison de la machine et de l’animal, je reconnais donc une ambivalence et donc un potentiel qui exprime d’une part mes sentiments de désenchantement vis-à-vis de la nature par le biais de la technologie, et d’autre part ma fascination pour la nature.

Michael Schulze, septembre 2020

http://michael-schulze-art.com

38

Michael Schulze

Page 39 : Vergleichende Anatomie (Anatomie comparée), 2003, eau-forte sur plaque de zinc, 33,5 × 44 cm (plaque) Page 40 : Verwachsen (cultivé ensemble), 2003, eau-forte sur plaque de zinc, 44 ×32 cm (plaque) Page 41 : Unbeschriebene Blätter (Feuilles vierges),2003, eau-forte sur plaque de zinc, 33,5 × 44 cm (plaque) Page 42 : Gleichung (équation), 2003, eau-forte sur plaque de zinc, 44 × 32 cm (plaque) Page 43 : Bilinguale Begegnung (Rencontre bilingue), 2003, eau-forte sur plaque de zinc, 44 × 32 cm (plaque)

39

40

41

42

43

Étienne Emily, impression du bord du monde

44

Mon approche personnelle des arts a toujours été rythmée par une pratique variée et complémentaire (musique, danse, cirque, théâtre). Elle répond à un besoin impérieux de ne pas laisser à l’intérieur des émotions, ressentis ou angoisses concernant mon rapport à la société. J’ai commencé à dessiner et graver il y a quatre ans. Dès que j’ai commencé, j’ai été pris par ce virus qui répond à plusieurs besoins en même temps : une stimulation intellectuelle à travers un procédé artisanal complexe présentant de nombreux défis techniques, un moyen d’expression artistique demandant patience et précision, permettant de libérer, apprivoiser une subjectivité. Le fait de travailler sur du temps long, sans impératif de performance, est particulièrement important pour moi. Il permet d’acter une rupture avec ce que Paul Virilio décrit comme la « société de la vitesse ».

Mon médium de prédilection est la linogravure. Ayant commencé à dessiner et graver sensiblement au même moment, j’ai toujours eu l’habitude de penser mon illustration en termes de masses et en dessin en blanc sur noir. Le travail en masses me pousse à adopter une approche sculpturale du dessin, en posant la composition en premier puis en affinant les nuances, les détails, pour trouver les lignes en fin de recherche.

Autodidacte, j’ai décidé de choisir mes batailles plutôt que d’avancer sur tous les fronts en même temps : je veux dompter mes outils et ma technique pour permettre ensuite à l’esprit de dériver. Dans les débuts j’ai travaillé essentiellement à obtenir des aplats propres tout en conservant le maximum de détail, obtenir des impressions sans bavure ainsi que réussir à graver proprement mes motifs. J’ai ensuite orienté ma recherche vers le dessin figuratif, à étudier les matières académiques comme la perspective et le corps humain, mais aussi des ouvrages de référence sur la pratique de la bande dessinée. Je considère le fait de maîtriser ces domaines comme importants pour la façon dont je veux m’exprimer en gravure : savoir représenter le monde de manière réaliste, pour pouvoir y introduire de l’imaginaire, au compte-gouttes, et créer un décalage qui permet à l’esprit de se projeter et s’extraire du réel.

Je suis fasciné par la capacité de la planche de BD à introduire des changements de perspectives et des évolutions temporelles dans une œuvre sinon figée dans le temps.

Je considère la bande dessinée comme le parent pauvre des « beaux arts », tout comme la gravure est le parent pauvre de la peinture. Je dois aimer les mal-aimés. On trouve de nombreux exemples de pratique académique picturale dans des bandes dessinées, comme par exemple chez Enki Bilal. A l’inverse, les codes de la planche de bande dessinée sont peu explorés au sein de l’œuvre unique. De plus, si l’on s’extrait du rapport à la productivité, il s’agit un sujet très en phase avec le graveur, créateur d’œuvre imprimée ; certaines des grandes figures comme Linn Ward ou Franz Mazereel ont été des précurseurs de la bande dessinée du XXe siècle, et avant eux les illustrateurs d’ouvrages religieux.

Toutes ces approches sont des outils dans une besace qui me permet d’aborder mon principal intérêt dans l’illustration : raconter une vision du monde. Je ressens souvent le besoin d’adosser mes illustrations à des textes de romans ou de poèmes, qui sont présentés en prolongement de l’image.

Mes sujets de prédilection s’axent autour d’un rapport difficile et contradictoire à l’époque, captivante par ailleurs : je fais partie d’une génération marquée par des questionnements existentiels tels que « comment survivre à la déshumanisation des échelles d’organisation de la société », « comment produire un environnement qui permettra l’existence d’une génération d’humains après nous », « comment produire des repères dans un monde qui évolue si vite et en pratiquant la doctrine de la terre brûlée ».

Et je crois que dans ce domaine la pratique artistique est particulièrement féconde en termes de possibilité d’évasion. L’artiste est souvent considéré comme un parasite et un rêveur déconnecté de la réalité.

Il me semble pourtant que dans les périodes particulièrement troublées de l’histoire, l’art est toujours apparu comme indispensable pour faire face à un réel devenu par ailleurs invivable. Je crois en une utilité sociale de l’art.générations, principalement les plus jeunes.

45

46

47

48

Page 44 : Exode, linogravure, 2020, 15 × 25 cm Page 46 : Chroniques de la Catastrophe, 2019, linogravure, 15 × 21 cm Page 47 : Le Roi et l’Oiseau, 2020, linogravure, 40 × 60 cm Page 48 : La Becquée, 2019, linogravure, 100 ×142 cm Modèle vivant, 2019, linogravure, 15,5 × 20 cm A Xibalba !, linogravure, 2018, 17 × 21,15 cm Black Block, linogravure, 2017, 15.5 × 20 cm L’arbre de pierre,, linogravure, 2018, 15 × 21 cm Page 49 : IOzymandias, linogravure, 2019, 30 × 242 cm

49

Le besoin de l’artiste d’attribuer un sens personnel à l’informel, comme dans les autographies, se prolonge dans une série de dessins, les Planches Psychologiques, réalisées entre 1996 et 1998.

Vexée de ne pas connaître les résultats d’un test de Rorschach effectué une année auparavant, elle fait ses propres taches d’encre qu’elle tente de décrypter. Dans chacune des planches, les taches d’encre redoublées se trouvent dans la partie inférieure de la feuille ; au-dessus, des éléments de dessin, composés d’images transférées ou tamponnées, de chiffres et de lettres, se révèlent en guise d’interprétation. Recouvrant un pan de mur entier, l’ensemble de dessins crée un rythme formel à partir d’une libre association de formes, de traits et d’images.

Les éléments graphiques et la mise en espace de cette œuvre complexe constituent la base plastique sur laquelle reposent les dessins et les gravures à venir. Pour ses nouvelles gravures sur bois, tel que Diptyque de 2005, l’artiste s’inspire des taches d’encre pour faire apparaître des formes organiques et anatomiques, mi-humaines et mi-animales.

Parallèlement, elle réalise des séries de dessins purement abstraits, dont 100 variations/rond et Labyrinthe, qui développent l’alphabet graphique amorcé dans les Planches psychologiques. Ce même alphabet, enrichi d’images provenant de sources multiples — illustrations anciennes d’anatomie ou d’insectes, images de magazines, écritures diverses —, mais toujours liées à son histoire personnelle, seretrouve plus tard dans les gravures à l’eau-forte, notamment dans Mes petits carrés et Mon cabinet de curiosités imaginaires.

Composées de plusieurs gravures différentes, ces œuvres en série semblent proposer une lecture narrative sans début ni fin. L’artiste « se raconte », tout en laissant le spectateur libre de suivre le fil de sa propre histoire. Ce travail sur la variation, c’est-à-dire sur les combinaisons possibles à partir d’un répertoire de formes et d’images, nourrit son approche très libre de la gravure. Au lieu de produire des éditions à l’identique, Muriel Baumgartner élabore des séries d’œuvres uniques, comme les Bustes noirs, à partir d’une seule image gravée à l’eau-forte.

Elle différencie. chacun des tirages par l’introduction de matières diverses, de couleurs

50

ou de fils. Les conventions de l’estampe sont ainsi retournées ; la technique de la gravure est utilisée comme un moyen d’expression à part entière.

Dans son polyptyque YOU, de 2003, plusieurs aspects de sa démarche picturale sont réunis pour construire un tableau imposant. Composée de dix-neuf fragments imprimés à partir d’une seule plaque de bois, auxquels sont ajoutés des éléments de collage, des images transférées, de la peinture et du graphite, l’œuvre donne à voir la forme d’un bassin surdimensionné. Celuici, légèrement voilé par le patron d’une jupe superposé aux gravures, architecture l’ensemble.

Tout en haut de l’œuvre, le mot YOU apparaît en grandes lettres blanches. Selon l’artiste, cette œuvre est un autoportrait. Par la mise en scène fragmentée du bassin et du patron, elle s’interroge sur son identité de femme et sur le corps, son anatomie et ses proportions. En inscrivant le mot YOU dans cet autoportrait, elle se positionne en tant que « autre » ; elle se regarde d’en face et invite le spectateur, ou la spectatrice, à en faire autant.

Les mots qui désignent l’artiste et l’autre réapparaissent dans des œuvres plus récentes.

Il, ME et YOU sont les titres de grandes gravures sur bois dans lesquelles les lettres épousent la forme d’« arbresécorchés ». Les traits reliant les personnages suggèrent autant un réseau de brindilles que le système nerveux ou circulatoire, nous interpellant sur l’échange d’énergie entre deux individus. La réflexion sur l’intérieur et l’extérieur du corps par le biais du trait se révèle autrement dans les Corsets rouges, une série de gravures brodées commencée en 2009. Dans cette nouvelle interprétation du buste féminin où le vêtement est à la fois chair, muscle et sang, Muriel Baumgartner expose avec sensibilité le fil de l’anatomie humaine.

Diana Quinby

Muriel Baumgartner Mon travail est à la fois biologique et [auto] biographique. Il s’agit d’une transcription graphique d’une expérience de corps, de mon propre corps. » Depuis le début de sa pratique, Muriel Baumgartner retrace une histoire du corps par le biais du trait.

Qu’il soit dessiné sur papier, gravé dans le bois, mordu par l’acide ou rajouté aux gravures en forme de fil, le trait est porteur d’un sens et d’une émotion qui s’enracinent dans le vécu de l’artiste.

C’est le buste, conteneur de l’énergie vitale, qui revient sans cesse dans son œuvre. Présent déjà dans ses premières gravures sur bois réalisées à l’École des Beaux-Arts de Rouen, tel que Diptyque n° 1, il se révèle comme un fragment d’autoportrait et symbole de la féminité. Plus récemment, dans les gravures à l’eau-forte, le buste en forme de cage thoracique est le support des réflexions de l’artiste sur le corps féminin. Dans les Corsets jaunes, il est maintenu et contraint par des « vêtements-muscles » ; dans les gravures brodées, notamment les Bustes noirs, il est orné d’une profusion de fils noirs cousus dans le papier, qui suggèrent des fibres organiques débordant de l’enveloppe corporelle. L’intérieur du corps de la femme est ainsi retourné, exposé avec un certain humour inquiétant et offert à l’imaginaire du spectateur.

Muriel Baumgartner découvre sa prédilection pour le graphisme alors qu’elle est encore étudiante. À la recherche du sens personnel de son travail plastique, elle réduit ses moyens d’expression pour n’utiliser, pendant une année entière, qu’une plaque de plexiglas, de l’encre noire et un bâton.

Pour dessiner, elle recouvre la plaque avec de l’encre, pose une feuille sur la plaque et avec le bâton, trace des formes et des lignes sur le dos de la feuille.

Elle ne voit son dessin que lorsqu’elle retire la feuille de la plaque. Ce processus quelque peu aléatoire, qu’on appelle l’autographie, permet à la jeune artiste de donner libre cours à son imaginaire et de laisser surgir un dessin de l’intérieur.

Les images ainsi produites vont inspirer ses toutes premières gravures sur bois, dont Diptyque n° 1. À partir des traits et des courbes des autographies, elle va explorer des significations possibles par rapport à son corps. Elle grave des formes qui suggèrent des fragments d’anatomie humaine — le buste, le cœur, les poumons — qui sont animés par une multitude de traits en mouvement.

Ni « art corporel », ni « art féministe » au sens critique du terme, l’œuvre naissante de Muriel Baumgartner partage néanmoins avec ces deux mouvements de l’art contemporain le besoin d’extérioriser, d’exorciser une expérience du corps.

L’artiste ne se met pas en scène comme les acteurs de l’art corporel ; son « action » réside dans le geste même de graver. La gravure sur bois au grand format est un travail physique qui implique le corps tout entier de l’artiste, comme de la sculpture en taille directe.

Travaillant avec des gouges larges, elle découvre le plaisir de se dépenser en enlevant de grands copeaux de bois, comme si, en évacuant de la matière, elle pouvait atteindre à l’essentiel en elle-même. Les impressions des plaques gravées constituent la trace d’un processus, une sorte d’autoportrait morcelé.

51

Muriel Baumgartner, dessine, grave, brode, intervient avec des matériaux étrangers aux techniques de la gravure, et depuis 2003 s’est appropriée le fl. Elle développe des séries, des prises de notes graphiques qui s’élaborent entre l’anecdote et la narration, jusqu’à épuisement du sujet. Elle mène depuis 1990, et expose, un travail de recherche plastique autour de la notion d’identité et d’empreinte : processus graphique qui se construit au quotidien où, à partir de sa propre histoire, se dégage une écriture singulière. Son travail est à la fois biologique et biographique.

Elle est plasticienne (terre, fl, vidéo) et graveur, apprend le dessin et s’initie à la peinture auprès de l’artiste peintre Jean-Louis Coursaget et adopte très vite la pratique d’abord de la gravure sur bois (durant 10 ans) puis celle de la taille douce. Elle est diplômée de l’École Natonale Supérieure des Beaux-Arts de Rouen en 1992. La même année elle est assistante de l’artiste et psychanalyste Bracha Lichtenberg Etnger à l’occasion de la préparation du colloque « La matrice chez Lacan ». Elle obtint le 1er prix de la Fondaton Jean Claude Reynal et est en résidence à Bruxelles en 1994-1995. En 2002-2003, elle suit les séminaires sur « La pratique d’artthérapie » au Centre d’Étude de l’Expression au Centre Hospitalier Sainte Anne à Paris et sur « La violence dans la modernité, l’impact de l’image dans les fccons et les médias » à l’Université Paris 7 — Denis Diderot. Depuis 1990 elle expose régulièrement en France et à l’étranger et réalise des projets de création en résidence.

Elle enseigne la gravure à l’EMAP de Limay et est commissaire debiennale de l’estampe de la ville depuis 2007.

Elle vit et travaille en Normandie.

Page 51: Sans Titre (extrait) Pages 52 et 53 : buste noir, Page 54 : roue, l Page 55 : corset rouge n°2 ,

52

53

54

55

56

ANNA PRINCIPAUD Variations sur la grille

Le travail d’Anna Principaud se décline en séries. Cette approche du multiple permet à ses estampes de se déployer dans l’espace et dans le temps. Son vocabulaire plastique et son esthétique s’inscrivent dans le sillage de l’abstraction géométrique et du minimalisme américain. Mais, elle envisage ces références avec une certaine souplesse et une légèreté qui ne sont pas sans rappeler la tonalité de certaines œuvres sur papier de Sophie Taeuber-Arp, ou encore les compositions évanescentes d’Agnès Martin. Elles partagent un intérêt commun pour la grille.

Dans les eaux-fortes, intitulées Grilles filées, ce motif est d’abord de nature textile. Des trames échevelées se déploient sur un axe transversal, comme arrêtées dans leur course par quelque volonté de se nouer. Ce tissage arachnéen se retrouve dans d’autres séries telles que Partitions Burin, où la fermeté de l’outil, poussé avec force et retenue, entame le cuivre plus nettement en tirant des lignes tendues mais bouclées et en créant une maille aléatoire. La grille devient trame.

Grille et trame sont bien plus que de simples motifs permettant un découpage du visible.

Elles sont envisagées par l’artiste comme des objets concrets dotés d’une matérialité spécifique : fine et légère mais résistante. Ces qualités de l’objet ne renvoient-elles pas, en miroir, aux gestes du graveur sillonnant la plaque ainsi qu’à la conception délicate qui les guide ? Ces gestes techniques simples mais efficaces attirent notre regard sur des formes de seuil.

Dans la première gravure de la série S’installer, la structure filiforme se mue en construction complexe, reposant sur de ragiles arêtes ou simplement suspendue de manière invisible. Le rapport entre finesse et transparence, exprimé par la combinaison de l’eau-forte et de l’aquatinte, pourrait évoquer une architecture de papier, habitée par d’étranges figures géométriques : les coques triangulaires s’emboîtent progressivement, selon des rythmes différents, comme autant de métaphores, des manières d’occuper l’espace. À vrai dire, ces formes abstraites ne sont pas complètement détachées du réel. Il semble, au contraire, que celui-ci soit le support d’expériences visuelles qui orientent le projet de l’artiste. Puisant à de multiples sources telles que l’architecture moderniste, dépouillée et ordonnée, ou à des éléments de la culture japonaise que l’on reconnaîtra à cet intérêt pour les figures aériennes, la finesse du papier ou même l’art de l’origami, cette quête de l’épure articule rigueur et sensibilité.

Ces recherches, Anna Principaud les a menées, par ailleurs, dans quelques unes de ses sculptures et de ses performances. Mais la gravure lui apporte un supplément : d’une part, elle réinvente le rapport entre surface et profondeur et d’autre part, elle inscrit au cœur du métal la présence ténue d’une configuration éphémère, instable, d’un projet en mouvement.

57

58

Au sein de ces compositions formelles et matérielles, si la ligne est incisive, découpe et partage des portions d’espaces, la surface fait écran et interpose un voile devant notre regard. C’est sur ce principe que repose la dernière série des Balcons, inspirée des façades de sanatoriums avec leurs stores déroulés de manière irrégulière. Cet ensemble nous renvoie au motif de la fenêtre mais sans châssis. Ces étoffes évoquent les panneaux shoji. La grille n’est définitivement pas cet objet ascétique dans son travail mais devient un véritable filtre pour des émanations colorées. Ces surfaces donnent corps à ce qui, dans les précédentes estampes, était encore de l’ordre du vide. Cette présence en demiteinte, cette allusion aux résidents, nous ne la verrons pas. Il faudra se reporter à la série des Chaises longues pour découvrir des figures isolées glissant à l’intérieur de leur support.

Dans les Balcons, les architectures diaphanes sont imprimées en couleurs au repérage, en dupliquant plusieurs fois une même matrice sur l’épreuve, en hauteur ou en largeur. Elles se transforment ainsi en partitions visuelles, en diagrammes musicaux. L’intensité et la sensualité qui s’en dégagent exercent une impression étrange : entre la complainte et le chant, entre l’écran perméable et la paroi insaisissable. Cette présence fantomatique revendique un art de ne pas appuyer. Cette réussite, toute paradoxale au regard de l’essence même de la gravure, est aussi ce qui en fait la grande singularité.

Christine Pinto Site internet de l’artiste : http://annaprincipaud.com

Page 56 : S’installer #1, 2017, eau-forte, burin, et aquatinte sur cuivre, plaque : 15 × 20 cm, papier : 20 × 30 cm Page 58 : Grille Filée, variation I,2019, eau-forte sur cuivre, plaque10 × 15 cm, papier 20 × 30cm, 15 × 21 cm Grille Filée, variation 2, 2017, eau-forte sur cuivre, plaque : 10 × 15 cm, papier 20 × 30cm, 10 exemplaires Partition I, 2020, burin sur cuivre, variation arc-en-ciel 1, plaque : 11 × 18 cm, papier 20 × 30cm Page 59 : Balcons, variation 12 passages, 2020, pointe sèche et aquatinte sur cuivre, plaque : jeu de 3 matrices 9x21cm, 12 passages, dimension papier 33x78cm 59

LIBRAIRIE

Fruit de plus de trente-cinq ans de travail dans le secteur du livre et de l’imprimé, cet ouvrage s’adresse aux apprentis fabricants, aux graphistes, aux éditeurs et à tous les acteurs du monde de la communication et de la publicité.

La production d’un ouvrage, d’une revue, d’une affiche ou de tout autre document nécessite des connaissances théoriques, des compétences techniques et des savoirfaire humains. Ce livre les présente avec clarté et pédagogie.

Richement documenté et illustré, Le guide de la fabrication accompagne pas à pas le lecteur dans la conception et la réalisation de son projet imprimé. Il lui livre des astuces pratiques, lui indique les « peaux de banane » à éviter et répond aux « questions qui fâchent » et que l’on n’ose pas toujours poser.

Margherita Mariano travaille depuis plus de trente-cinq ans dans le domaine de l’imprimé.

En 1998, elle crée Ex Fabrica pour assumer et développer du suivi intégral de fabrication en tant que freelance. Depuis, elle assure des missions ponctuelles ou de plusieurs années auprès de petites maisons d’édition, d’institutions, de grandes entreprises, mais aussi d’artistes et auteurs ayant besoin d’un accompagnement

Le guide de la fabrication Comprendre, gérer et imprimer vos productions graphiques

39 € Mise en vente : 08/04/21 Livre cartonné – 264 pages 21 x 26 cm

Grottes et vallées encloses.

Il s’agit d’un échange avec le graveur et peintre hollandais du XVIIe siècle Hercules Seghers et l’artiste plasticien Emmanuel Gatti. Une réflexion en progression constante, une dialectique gravée. Un hommage certain à Hercules Seghers.

Nous sommes, devisant de la gravure des roches, des lointains et des sources géologiques de notre travail, plaines, grottes et falaises…

Nous sommes, devisant sur le trait gravé et le doute fondamental lors d’un voyage commun dans une nature retirée sous un voile d’orage ou sous la nuée d’un soleil d’hiver.

Idem noirs profonds et lumières glacées de nos paysages de grottes et vallées encloses.

Idem noir d’aquatinte des falaises refuges contre le vide des cieux.

Idem couleurs et graphisme de doute vers le paysage acétique de la vallée fermée aux hommes.

Coffret en 10 exemplaires de 7 gravures à l’eau-forte sur Fabriano Tiepolo de 300 g.

Conception du coffret : Jonathan Paul.

Composition du texte : Caroline Dubois de Cambourg.

Impression : Emmanuel Gatti 2021.

IL existe un tirage hors coffret de chacune des 7 gravures en 20 exemplaires disponibles.

Format papier de 33X22 de Fabriano Tiepolo de 300 g.

Voici le lien si vous souhaitez découvrir le probjet et contribuer financièrement à sa réalisation. https://www.ulule.com/coffretgravures/ 60

LIBRAIRIE

L’épopée chamanique de Didier Hamey Didier Hamey est un chasseur-cueilleur, un glaneurvoyageur qui ramasse et amasse, çà et là, des images bribes du monde forestier, champignons, glands, pignes de pins comme lambeaux d’écorce ou myriade de brindilles et de feuilles, un matériau unique pour peindre le portrait des drôles d’habitants de la sylve primaire. Un fantastique petit peuple de la faune végétale nichant entre humus et canopée, dans l’ombre de la lumière.

Son travail ? Glaner, tel un chaman, des morceaux de forêt, des images oubliées comme des bouts de mots murmurés, des bruits miettes de sons étouffés, morphèmes et phonèmes dont l’assemblage syntaxique par la taille fine va graver une novlangue faite de mots-choses, et dépeindre des dieux-objets que le chasseur intrépide a pu approcher seulement au prix de devenir lui même végétal, se fondant comme par magie derrière les arbres pour les observer avec la rigueur d’un entomologiste. « Que de fois aux dernières lueurs du soir, ne m’arrive-t-il pas de le rencontrer lorsque, faisant la chasse aux idées, j’erre au hasard dans le jardin ! Quelque chose fuit, roule en culbutes devant mes pas. Est-ce une feuille morte déplacée par le vent ? Non, c’est le mignon Crapaud que je viens de troubler dans son pèlerinage. » Comment ne pas penser à cette phrase de Jean-Henri Fabre, le poète scientifique, l’entomologiste du roman de la nature en voyant les animaux-végétaux de notre chasseur-cueilleur ?

Originaire de Dunkerque, clone fantôme d’un CharlevilleMézières pour ce Rimbaud des rimes forestières, notre pensionnaire de la Casa de Velázquez voulait entreprendre de grands formats d’icônes sauvages, mais cela aurait été un labeur trop long pour une simple année de résidence. Il choisit donc un petit format pour cette trentaine d’images. Comme il le dit lui même, il décide d’entreprendre” un abécédaire, un vocabulaire », un inventaire subjectif des peuplades inconnues de la forêt, des figures qui vont devenir griffées par la taille fine de la gravure, comme des dessins mescaliniens de Michaux.

La violence du noir de l’encre renforçant la sensibilité expressionniste de l’artiste. À proximité du brut de l’art.

Chamanisme toujours.

Charmants ou affreux ? Ces hommes sauvages, ces hommes des bois sont vivants, mais, contrairement à Itard, ils n’ont pas été élevés par les loups, mais par les arbres.

Ils sont là pour rappeler la vaillance de notre imaginaire qui puise depuis notre enfance dans les aventures des personnages de contes. Dans ceux de Grimm, par exemple, les forêts sont toujours primordiales, il s’agit d’un monde à l’intérieur du monde, asocial, sans règle et même asexué dans lequel les personnages se perdent, rencontrent des créatures extraordinaires, subissent des sortilèges et affrontent leur destin.

Déjà, dans un exposé général sur les qualités des arbres, Pline l’Ancien affirmait lui que jadis les forêts servaient de temples aux divinités ; avant de résider dans des sanctuaires construits de main d’homme, c’est dans les forêts que les dieux habitaient. Et les personnages fantastiques de Didier Hamey nous remémorent qu’ils sont toujours vivants et surtout qu’ils n’ont pas changé de domicile.

Jean-Jacques Mandel.

Paris. Mai 2017.

Ces « personnages « sont comme des arcanes d’un jeu de tarot, figés vivants dans leur posture carnavalesque, rappelant que, dans le monde entier, le rite annuel des fêtes païennes n’a pour but que de renouveler le contrat social qui lie la nature et la culture, l’Homme et le ‘Sauvage’.

En témoigne, de Sibérie au Pays basque en passant par la Suisse ou la Sardaigne, ces ‘Wilder Men’ magnifiés par le travail du photographe Charles Fréger.

Ce sont eux qui, à la proximité des grandes forêts basques, on éveillé le projet de Didier Hamey pour sa résidence d’artistes à la Casa de Velázquez à Madrid. Une drôle d’équipée en compagnie d’un Henri Michaux décrivant méthodiquement les barbares tribus imaginaires rencontrées lors de son ‘Voyage en Grande Carabagne’ et d’un Miro griffonnant continuellement, au rythme de ses déplacements et des associations d’idées, ses personnages magiques entre les spirales de ses merveilleux ‘Carnets Catalans’.

Catalogue de 32 pages présentant la série entière des « Bonshommes », gravures en pointe sèche commencées à la Casa de Velasquez en 2015.

Il est imprimé en format 16x23cm, sur un papier Munchen 115 g, façonnés avec une reliure japonaise.

Son prix est de 22 euros et 4 euros de frais de port.

Pour le règlement par chèque ou virement bancaire.

Contact : didier.hamey@free.fr 61

LIBRAIRIE

Projet gravure Porte-folios N° 1 - 2018 : De l’amour en estampe Porte-folios N° 2 —-2019 : A côté de la plaque Porte folios n° 3 – 2021 : A L’ATTAQUE !

Ce projet de porte-folios vise à un partage et échange de gravures entre artistes du monde entier, et ainsi découvrir différentes sensibilités artistiques, tout en se créant une véritable collection de gravures.

Les porte-folios sont proposés sur des thèmes ou termes ou expressions liés à l’estampe.

Cécile Baudoncourt, artiste C. Bo. Ceciel, est l’auteure du concept. Cette idée lui vient pendant ses cours de gravure.

Le vocabulaire est riche et peut prêter à confusion, voir déclencher des fous rires, par ses doubles sens.

De l’amour en estampe est le premier porte-folio pour l’ouverture du projet. Il invite les amoureux de la gravure à ouvrir ce projet. L’expression « de l’amour en estampe » porte sur l’amour, être amoureux.

En termes d’imprimerie et d’une manière générale, l’amour caractérise l’attraction d’un élément par un autre. (…)

Le papier est amoureux lorsqu’il retient bien l’encre. En taille-douce, on brosse le papier humide pour qu’il ait ainsi plus d’amour. Trop d’amour rend le tirage lourd et empâté ; un manque d’amour le rend trop pâle. Le cuivre est plus amoureux que le zinc, c’est-à-dire que le premier prend mieux l’encre et la retient davantage que le second. On dit qu’une encre ou qu’une colle sont amoureuses ou sont amour ou ont de l’amour lorsqu’elles montent bien sûr les cylindres quand ceux-ci tournent et qu’elles se répartissent d’une manière régulière. (…)

On peut dire d’une belle impression : « elle est amour ! » André Béguin, Dictionnaire technique de l’estampe, Paris, A. Béguin, 1998 Les porte-folios suivants seront sur d’autres expressions liées à l’estampe avec un ordre précis : ils évoqueront chaque étape de la réalisation d’une estampe, de l’idée ou concept d’une estampe à son encadrement.

Donc, le porte-folio A côté de la plaque est le point de départ de la réalisation d’une gravure : au départ, vous avez votre matrice vierge, vos outils et votre imaginaire à coté, prêt à « attaquer » le travai

62

.

Ce sera la deuxième étape, thème du troisième porte-folio A L’ATTAQUE!. « Attaquer » le métal est la morsure d’une plaque de métal avec un mordant (soit avec de l’acide nitrique, ou avec du perchlorure de fer, ou avec des cristaux de cuivre...).

Cécile Baudoncourt, artiste plasticienne, est professeur de gravure. Elle considère la gravure comme une discipline au croisement des autres disciplines (dessin, peinture, sculpture), par sa richesse, ses possibles multiples sur plusieurs fronts : la variété et plasticité des matériaux, sur la forme et le fond, et les liens possibles avec d’autres disciplines (littérature, musique, artisanat...).

Le partage et l’échange entre les graveurs, amoureux de l’estampe, sont possibles dans cette discipline visuelle grâce aux multiples impressions d’une même matrice.

ACTUALITÉ DE LA

5 ans déjà, 20 numéros Parce que nous croyons au papier, que le numérique ne fait pas tout, nous avons créé cette revue. 20 numéros, l’occasion de faire un petit point, regarder un peu en arrière, vous faire découvrir le travail et les presque 200 graveurs présentés.

L’occasion de vous aider et de retrouver ou rechercher vos estampeurs préférés dans les numéros d’Actuels indiqués.

Ne sont plus réédités les numéros de 1 à X ??. mais sont accessible sur le net à : Tous les autres peuvent se commander à : Sylvie Abelanet > 8 Colette Cleeren > 19 Louis Danlier > 11 Isabelle Happart Naoji Ishiyama > 7 D I Bob De Groof > 19 >6 Brian D. Cohen > 19 Chantal Harvey Émilie Aizier > 1 Matthieu Coulanges Sabine Delahaut Hedieh Jafar > 14 J >3 > 11 >6 Yvonne Alexieff Pascal Jaminet > 2 Gilles Hebette > 10 > 16 Sylvie Coulon > 14 Olivier Deprez > 8 Jéronimo > 9 Pascale Hémery > 2 Renaud Allirand Sophie Courtant > 1 Philippe Dessein Laure Joyeux > 9 > 15 > 12 Pascal Hémery > 11 Mara Cozzolino > 15 Georges Amerlynck Jabier N Herrero > 14 Kikie Crevecoeur > 13 Marie-Noëlle Gökçe Aysun Kaya >7 Deverre > 12 Claire Hilgers > 19 J > 14 Victoria Arney > 18 Milos Djordjev > 2 Takako Hirano > 19 Anne Kellens > 19 T Audrey Keller > 1 Joëlle Arnut Hanebali Sophie Domont > 1 Wuon-Gean Ho > 16 >2 Sophie Drouot > 13 Mehrdad Khataei Danièle Aron > 20 Mélanie Duchaussoy O > 15 Michel Audouard > 13 >6 Selvihan Kilic > 13 Adolpho Avril > 8 Alix Dumont > 12 Kayako Konomi B Veronica Azzinari > 6 Eddy Dumont > 20 > 10 P J Éric Durant > 8 D Anna B > 4 Juha Laakso > 6 Florence Barbéri Khalid El Bekay Guy Langevin > 5 > 13 > 13 Frederik Michel Barzin > 12 F Engin Ensen > 20 Langhendries > 5 Edward Bateman Céline Excoffon Jo Ann Lanneville > 12 > 19 >6 Sandra Baud > 5 Eva Largo > 7 Christiane Violaine Fayolle > 8 Arnaud Laval > 12 Baumgartner > 4 Karol Felix > 17 Marie Le Bruchec > 12 Hélène Bautista > 9 Pablo Flaiszman Cedric Le Corf > 3 V G Marie-Christine Béguet > 19 Catherine Le Goff > 18 > 18 Pierre-Jean Foulon Q Thierry Le Saëc > 9 Florence Bernard > 11 > 16 Julian Lemousy > 20 Cyril Bihain > 16 Éric Fourmestraux R Thierry Lenoir > 6 > 20 Ozan Bilginer > 15 Corinne Lepeytre > 17 Muriel Bompart > 1 Clément Lesaffre > 5 Blandine Galtier Marie-France W >4 Carlos Lopez > 6 Bonmariage > 14 Caroline Garcia > 9 Jana Lottenburger Marie Boralev > 2 M > 1, 5 Emmanuel Gatt > 7 Marina Boucheï > 7 C Y > 19 LUCE Christine GendreThomas Bouquet > 3 Bergère > 4 Devohra Boxer > 8 Z Antonin Malchiodi Fabiana Gomes Gladys Brégéon > 11 H >3 >4 Élisabeth Bronitz > 1 Véronique Goossens Anne Mandorla > 5 >7 Mathias Martinez Gaëlle Callac > 8 Anne Goujaud > 18 >9 S Stephanie Nathalie Grall > 7 Charlotte Massip Cazaentre > 7 > 10 Louise Gros > 14 Aurore Chapuis Jean-Michel Guacolda > 9 > 19 Mathieux-Marie Maria Chillón > 6 > 13 Talleen Hacikyan Yassin Chouati Luc Médrinal > 5 >9 > 14 Said Messari > 14 Didier Hamey > 1 Jeanne Clauteaux > 5 Jumpei Mikami > 10

A Lorena Acin > 3

63

64

LIBRAI-

Retour à Camille De Taeye J’ai aimé Camille De Taeye, comme sans doute la plupart Il fut un bon vivant, fin cuisinier et plaisant convive, ouver respectueux d’autrui, droit libre penseur a l’humour corros aux dires de quelques de ses étudiants qui furent aussi les m conviction de ses fonctions de professeur de peinture à l’Éc Meunier d’Etterbeek où il exerça le soir de 1981 à 1991, pu à l’École nationale supérieure des Arts visuels de La Camb De Taeye se disait dessinateur, lithographe et peintre. — aimait-il répéter à la vente d’une de ses œuvres. L’inven peintures, éparpillés en grand nombre durant un demi-siècle d’expositions, n’en est qu’à ses débuts. Mais j’ai pu dès à pré raisonné de ses estampes, sans grand risque d’erreur ou d apparues dans ses archives ont été comblées par ses imp de particuliers et les recensions de ventes publiques.

L’œuvre lithographiée de Camille De Taeye constitue l’essent dans l’édition de multiples originaux, qui comporte quatre-v sur pierre (plus de deux mille deux cents épreuves tirées pa cents par des imprimeurs), qu’ont précédé dix-neuf pointeshuit épreuves connues tirées par lui-même) et complété v (deux mille épreuves tirées par des imprimeurs).

Cette œuvre sur papier peu diffusé demeure relat Le Salon d’Art en présente le catalogue. L’exposition qui l’a au coût de cette édition richement illustrée, ainsi qu’au Fond la mise en vente de quelques de ses dessins de montagn de lithos qu’il a rehaussées en couleurs au crayon, à l’aqu Georges Meurant

65

Expositions

Limited Edition Art Fair La salon du multiple et de l’image imprimée du 23 au 25 avril 2021

La Fondation Boghossian présente la seconde édition de la Limited Edition Art Fair, le salon qui célèbre le multiple et l’image imprimée, du 23 au 25 avril 2021.

Créée en 2020, la Limited Edition Art Fair a pour vocation de proposer au public des œuvres de natures diverses: impressions offset, lithographies, gravures, sérigraphies, estampes, illustrations, céramiques, photographies... toutes conçues en séries limitées.

Suite au succès de la première édition qui fut plébiscitée par les professionnels et le public (2.945 visiteurs), les amateurs d’art sont une nouvelle fois invités à découvrir les œuvres d’artistes belges et internationaux, émergents ou à la renom- mée établie. A la fois plurielle et authentique, l’œuvre déclinée en de multiples exemplaires se fait accessible.

Le temps d’un week-end, éditeurs internationaux, galeries spécialisées et institutions belges incontournables tels la Fondation CIVA (Bruxelles) et le Centre de la Gravure et de l’Image imprimée (La Louvière) investissent la Villa Empain. Une section est également consacrée à la production foisonnante de vingt-neuf artistes ayant résidé à la Fondation Boghossian.

Participants Institutions, éditeurs et galeries Alice Gallery, Ars Belga, Baronian Xippas, Centre de la Gravure et de l’Image Imprimée, CIVA, Éditions Bruno Robbe, Galerie Félix Frachon, Gallery Fifty One, Irène Laub Gallery, JAP, La Patinoire Royale - Galerie Valérie Bach, LMNO, Meessen De Clercq, Roven.

K1L (Actuel l’estampe contemporaine) Artistes en résidence Zeina Abirached, Anastasia Bay & Julien Saudubray, Yasmina Benabderrahmane, Thomas Bernardet, Pauline Bonnet, Charbel-joseph H. Boutros, David Brognon & Stéphanie Rollin, Elina Brotherus, Gregory Buchakjian, Julien Chatelain, Adrien Cicero, Samuel Coisne, Pablo Cots, Geraldine De Groote, Jolien De Roo, Alexis Galissaires, Marco Godinho, Bruno Hellenbosch, Maria Kassab, Harold Lechien, Gabrielle Lerch, Leo Luccioni, Marine Pagès, Thomas Perino, Amanda Riffo, Stéphanie Saadé, Romain Zacchi.

Ouverture au public Du 23 au 25 avril, de 9 à 21 heures Atelier « Réalisez votre gravure! » Pour adultes: samedi 24 avril, à 15 heures Pour enfants: dimanche 25 avril, à 15 heures Avec Romain Zacchi, diplômé en image imprimée à l’Ecole nationale supérieure des arts visuels de La Cambre.

Gratuit - sur inscription Contact Caroline Schuermans caroline@boghossianfoundation.be +32 497 46 12 64 Fondation Boghossian Villa Empain, Centre d’art et de dialogue entre les cultures d’Orient et d’Occident Avenue Franklin Roosevelt, 67 – 1050 Bruxelles www.boghossianfoundation.be 2

66

Expositions

67

©David Maes

68

France : Joop Stoop 12, rue Le brun 75 013 Paris joopstoopparis@gmail.com +33 1 55 43 89 95 www.joopstoop.fr

Papiers encres outils presses