Actuel 19

Actuel l’estampe contemporaine

no 19

De la couleur avant toute chose…

Il plane comme un parfum d’enfance sur l’œuvre d’Anne Kellens.

(4) Anne Kellens

(12) Aurore Chapuis (16) Brian D. Cohen (20) Bob De Groof (26) Pablo Flaiszman (32) LUCE (38) Colette Cleeren (44) Claire Hilgers (48) Takako Hirano (52) Amir Shabanipour (56) Céline Excoffon (60) Hello Dada

(63) Galerie Épreuve d’Artiste

Une œuvre intime un brin nostalgique, empreinte de détails ludiques où l’imagination se mêle au réel.

Des scènes d’intérieur, dont l’artiste tente de saisir l’insaisissable, sensible au temps qui passe.

Une poésie qui dit tout de la présence au monde et du pouvoir de la couleur.

Cette couleur qui a l’art de rendre unique le multiple.

Qui nous entraîne de l’autre côté du miroir.

Qui dynamise.

Qui danse.

Qui fait rêver.

Et qui nous prend par la main.

Allez, viens…

Pascale De Nève, à propos de l’œuvre de Anne Kellens

Ont collaboré à l’écriture de ce numéro : Pascale De Nève, Richard Noyce, Georges Meurant, Brian D. Cohen, Guido Kuyl, Béatrice Vingtrinier, Luce Cleeren, Colette Cleeren, Alan Speller, Takako Irano, Amir Shabanipour, K. Dust, Céline Excoffon, Silvia Suciu

À l’heure où je rédige ces lignes, le monde entier est confiné pour cause d’épidémie de Covid-19.

Personne ne peut dire quand cela s’achèvera réellement et quel genre de monde nous attend.

Il s’agit d’un événement qui bouleverse tout : les galeries d’art sont fermées, les grands événements artistiques et les expositions sont reportés sans date précise et les artistes sont isolés chez eux. Vu sous cet angle, nous vivons une époque très étrange.

Toutefois, les graveurs ne sont pas les plus à plaindre dans leur pratique artistique. Si la plupart d’entre eux sont coupés de l’atelier d’impression où ils font leurs tirages, ils peuvent néanmoins travailler à la maison, sans doute à plus petite échelle, en obtenant des tirages à l’aide d’un baren ou d’une cuillère en bois. Il leur est à tout le moins possible de graver de nouvelles matrices pour produire des estampes dès que les restrictions seront levées.

On peut envisager le problème des artistes sous un autre angle encore.

Pour l’anglophone que je suis et pour qui le français est la deuxième langue, il est une expression francophone que j’ai toujours trouvée optimiste et encourageante : « Reculer pour mieux sauter ». Elle m’a été d’un grand secours à certains moments de ma vie où j’étais confronté à toutes sortes d’obstacles ou de difficultés. Pour les graveurs qui ressentent l’impératif artistique de produire régulièrement de nouvelles œuvres, c’est le moment de se livrer à une réflexion. Peut-être est-il temps de se poser certaines questions : « Pourquoi ai-je toujours travaillé de cette façon ? », ou « Serait-il possible de procéder autrement ? », ou encore « Dois-je continuer de produire en si grand nombre si la plupart de ces estampes finissent par se retrouver dans un tiroir ? » et « Que faire en tant qu’artiste pour satisfaire mes envies artistiques et produire des œuvres qui seront jugées bonnes ou intéressantes ? » Autant de grandes questions que les graveurs devraient toujours se poser. Aussi triste et douloureuse soit-elle, peut-être cette pandémie s’avérera-t-elle bénéfique pour les artistes, en leur donnant la possibilité de réévaluer ce qu’ils peuvent faire pour rendre le monde meilleur.

Richard Noyce, avril 2020

Actuel est une émanation du groupe Facebook « Parlons Gravure » Comité de sélection : Sabine Delahaut Jean-Michel Uyttersprot Catho Hensmans Comité de rédaction : Jean-Michel Uyttersprot Pascale De Nève Mise en page : Jean-Michel Uyttersprot Pierre Guérin Relecture : Annie Latrille Anne Kellens pour l’estampe en couverture et pour le tirage de tête de ce numéro : un tirage de la série Les Chiens réalisé spécialement pour la revue et limité à 20 exemplaires (cf p. 10).

Sauf indication particulière, les images appartiennent aux auteurs Les légendes des images sont à lire de haut en bas et de gauche à droite.

Pour toutes informations : magazine.actuel@gmail.com www.actueldelestampe.com Éditeur responsable : K1L éditions.

Imprimé par la Ciaco, Louvain-la-Neuve, Belgique.

Couverture : Tintoretto Gesso 250 g Intérieur : Indigo Tatami Ivoire 135 g

Prix de vente : 20 € N ° ISSN : 0774-6008 EAN : 9 782 930 980 317

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Anne Kellens Anne Kellens crée par plaisir, sans souci de nécessités économiques ou d’injonctions culturelles, une œuvre hors du temps sur laquelle s’attarder et revenir, discrète et néanmoins publique depuis quatre décennies dans des galeries, des centres culturels ou des musées.

Elle propose un exercice d’individuation, de libération ou de sauvegarde – un vécu authentique donc véritablement offert – par une imagerie fondée dans l’expérience existentielle, qui intègre l’imaginaire au réel.

Elle vit ce qu’elle fait comme une présence aux choses, en vacance ou en récréation.

Ce qu’elle montre est à voir comme un miroir où projeter au secret son fond propre.

La représentation est par nature nostalgique.

Est-ce ici le regret de l’innocence, celui de moments magnifiés d’enfance ou d’enfantement ?

Ni naïveté ni retour dans cet attachement aux sensations visuelles et tactiles énergisées par la couleur. Anne Kellens crée pour elle-même, personne n’attend d’elle de révélations. Elle ne tente pas de décrypter dans ses exploits les traces de sa propre étrangeté, elle trame des scènes d’autant plus fermées que leurs représentations très précises sont évidentes.

D’aucuns de lire telles combinaisons signifiantes dans l’identification des objets réunis.

Quelle importance dès lors que ces modestes exploits de formes et de couleurs vous ont attiré et ont marqué votre mémoire – animés.

Anne Kellens assume la succession des cinq générations de peintres dont elle est issue.

De huit à quatorze ans, elle a été formée à la danse classique. Puis elle a été initiée aux arts plastiques par des cours du soir (dessin, peinture à Boitsfort) et du jour (dessin, gravure à Bruxelles), plus tard le soir encore à Ixelles (lithographie). Elle peint à l’huile sur bois, au pinceau à quelques poils, en petits formats, sans précipitation, dans la recherche des tons et des textures les plus utiles à instaurer la prégnance ou l’impact de son travail.

Ce n’est pas faute de s’y attarder si elle produit peu, mais par sa minutie dans le détail.

Sa pratique de l’estampe est similaire, à peine plus rapide, diverse dans ses techniques bien qu’elle ne se soit guère attachée à la taille directe et qu’elle n’ait tenté ni la densité de la manière noire au berceau ni le matiérisme du carborundum. Anne a taillé des linos, lithographié, encré des matrices faites d’assemblages de caoutchoucs ou de plastiques souples. Elle a bientôt préféré la couleur au noir et blanc. Elle a tiré du métal des polychromies selon la méthode Hayter d’encrages par niveaux multiples et d’autre part addition de matrices rouge, jaune, bleu. Puis elle s’est attachée à la matrice unique dont les formes sont réimprimées autant que nécessaire sur une multitude de papiers colorés à découper et à coller pour constituer une seule image en collages gravés.

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Assistante éducatrice du cours de gravure de l’Académie royale des beaux-arts de Bruxelles de 1979 à 1983, Anne Kellens crée en 1984, à l’École des arts d’Ixelles, le cours pluridisciplinaire pour enfants de six à douze ans. Dès 1985, elle y anime l’atelier de gravure qu’elle quittera à regret, contrainte par l’âge, en 2019. Elle aima la chaude atmosphère des rencontres vécues dans son local exigu, une cour des miracles selon des détracteurs conformistes. À qui lui demandait pourquoi il participait depuis si longtemps au jury de fin d’année de cet atelier, feu Eugène Rouïr, notre grand collectionneur d’estampe occidentale des incunables aux contemporains – un M. Pump qui s’y rendait encore à nonante ans en voiture de course –, répondit qu’il y avait là toujours quelque chose d’intéressant à voir.

Anne fut assistante du cours de gravure de La Cambre de 2011 à 2013, jusqu’à publication, sur le site web de l’atelier, du manifeste qui lui valut d’en être évincée.

Elle écrivait notamment : réduire l’estampe à l’image c’est exclure de son champ des expressions abstraites pas nécessairement conceptuelles. Réduire l’estampe à la communication par l’impression, c’est assujettir son enseignement à celui de la communication visuelle. L’art, ce n’est pas fabriquer du sens.

Le discours sur l’intention ne suffit pas à animer un artefact inerte. Un combat inégal du point de vue d’une création de libération de l’individu par l’exercice des sens contre la pensée unique d’un art de communication/ consommation imposé par le marché et promu par le politique, de l’école au musée. Anne Kellens exploite les objets qu’elle s’offre en spectacle au fil des jours dans sa maison.

Son travail de création commence par… faire les poussières. Suit l’ordonnancement de son décor de vie, c’est un jeu : choisir et constituer.

De là à l’art, voire à son accomplissement, ce n’est qu’affaire de recherche d’efficience esthétique dans la réalisation de l’objet proposé à la vue, par la maîtrise des techniques d’exécution par lesquelles s’expriment les intégrations et les oppositions de formes, de valeurs, de couleurs dont les combinaisons mettent en œuvre la composition.

Tout commence par un album d’échantillons de papiers peints pour maison de poupée collecté dans une poubelle. Anne choisit le crémier qui emballe ses fromages dans du papier imitation gruyère. Ce papier réapparaîtra dans une forme, parmi une foule de papiers teintés ou de fragments d’imprimés qui animeront de leurs singularités toutes les autres formes de la composition en patchwork inspiré, patiemment nourri. Travail de fourmi, plaisir des petites choses. Les tirages sont des séries de variantes uniques chacune, à l’opposé du multiple à l’identique. Anne ne produit pas, elle explore des possibles. L’atelier n’est pas l’usine. De la mise en scène de l’image résulte un constat peint ou gravé de l’amitié des choses touchées et des lieux habités.

Une même matrice de base se prête à plusieurs spectacles. Les Chiens – initialement une peinture représentant deux pliages en papier posés sur un cube – sont déclinés par le collage gravé en de nombreuses nouvelles propositions. Parfois, la matrice commune s’en tient au lieu d’une action, par exemple les Intérieurs – il s’agit de la restitution d’un coin de mansarde réelle – montrés vides ou théâtre d’agitations imaginaires diverses. Ou la scène ovale exploitée en piste de cirque, en bassin où plonger et nager : Être du bond, une abondante série de Félix en couples, Singe et poissons, etc.

Georges Meurant Un album d’images paru en novembre dernier chez MeMo (Nantes), essentiellement constitué de collages gravés, en comporte qui n’avaient été créées ni pour enfants ni dans l’idée de la succession d’un récit : Anne Kellens – Sioux, Soussou et Souzy, 36 pages. 30 x 21 cm, 16 euros.

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Anne Kellens est née en 1954 à Etterbeek, en Belgique.

Elle est la fille des peintres Jean Kellens (1914-1955) et Marthe Gryson (1915-2005), la petite-fille de l’architecte Charles Gryson (1876-1962) et de Anna Van Leemputten (1881-1924) qui créa des décors Art nouveau (céramiques, cuirs, bijoux), l’arrière-petite-fille du sculpteur Joseph Gryson et du peintre Frans Van Leemputten (1850-1914) – lui-même frère et oncle de peintres et fils d’un agriculteur brabançon devenu restaurateur de peinture à Bruxelles Formée à la danse classique de huit à quatorze ans, notamment par l’École des arts de la danse et de la musique Lilian Lambert, elle a fréquenté un cours de peinture de l’Académie des beaux-arts de WatermaelBoitsfort dès 1968, pendant une décennie. En 1977, elle est diplômée du cours de gravure de l’Académie royale des beaux-arts de Bruxelles, dont elle sera assistanteéducatrice de 1979 à 1983.

Professeur à l’École des arts d’Ixelles du cours de dessin préparatoire de 1984 à 1988 et de gravure de 1985 à 2019, elle a été en outre assistante du cours de gravure de La Cambre (école) de 2011 à 2013.

Elle épouse le peintre Georges Meurant en 1985 et ils ont un fils, Arthur, en 1986.

Source : Wikipédia

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En couverture : Singe et poissons, collage gravé, 18,8 × 22,4 cm, 2009 Page 2 : Entre chien et loup, typographie de caoutchoucs découpés, 30 × 41,5 cm, 1990 Page 4 : Être du bond, collage gravé, 18,8 × 22,4 cm, 2009 Page 5 : Félix couple, collage gravé, variante VI, 18,8 × 22,4 cm, 2005 Page 6 : deux doubles pages de Sioux, Soussou et Souzy, 42 × 22,8 cm, 2019 Pages 8 et 9 : La Vieille Dame, aquatinte, 36 × 24 cm, 1983 Page 10 : Les Chiens, collages gravés, 16 variantes, 10,2 × 16,1 cm chaque, 2010-2018 Page 11 : La Loi de la jungle, collage gravé, une des 17 variantes, 10,6 × 11 cm, 2018 Couverture arrière : Les Chiens, collage gravé, 10,2 cm × 16,1 cm, 2020, l’un des 20 tirages de tête de la revue

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Page 12 : Les Froissés III, burin sur cuivre, 10 × 10 cm, 2013 Page 13 : Forêt II, burin sur cuivre, 14,5 × 10 cm, 2016 Pages 14 et 15 : Forêt III, burin sur cuivre, 44 × 25 cm, 2019 Page 15 : Arbre I, pointe sèche sur plastique, 32 × 32 cm, 2016 Arbre, avenue des Gobelins, Paris I, pointe sèche sur plastique, 24 × 24 cm, 2018 Arbre, avenue des Gobelins, Paris II, pointe sèche sur plastique, 24 × 24 cm, 2018

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Aurore Chapuis Essentielles apparitions, une divagation sous les arbres

« Des canopées qui filent et tissent une dentelle dans le ciel invitent à l’exploration d’une nature conquérante, vitaliste. Se dessine alors un territoire hypersensible où chaque geste porté, gravé dans la matrice est à la recherche de cette force douce, déterminée et bienveillante.

Ce sont ainsi des promenades, des déambulations, des flâneries qui s’offrent aux regards de chacun, libre d’être capturé, captivé par cette nature naturante, et de s’y perdre… » Aurore Chapuis réalise ses estampes dans son atelier situé à Cachan, à deux pas de Paris, avec soin et passion, lentement, patiemment, au rythme de la nature qui s’expose.

Chaque matrice obtenue est gravée avec les outils traditionnels du graveur. Plus particulièrement, ce sont les burins et pointes sèches qui la guident vers une représentation de la ligne toujours plus fine, jusqu’à sa presque disparition ou son essentielle apparition.

La nature et plus spécifiquement les arbres, la forêt, sont devenus ses sujets de prédilection.

Ces présences naturelles et nécessaires qui vont au rythme d’un temps ralenti la captivent et la poussent à marquer la matière de traces pour en projeter des représentations puissantes… des refuges vitaux.

Aurore Chapuis est née en 1975, vit à Cachan (94) et travaille à Paris.

Dès 1999, elle est professeure d’arts appliqués au sein de l’Éducation nationale.

Depuis 2008, elle enseigne la démarche de projet en design et métiers d’art à l’École supérieure des arts appliqués et métiers d’art, ESAA Boulle, à Paris. ​Aurore Chapuis expose régulièrement ses travaux, aussi bien en France qu’à l’étranger. www.chapuisaurore.wixsite.com/ aurore-chapuis/about

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Brian D. Cohen J’embrasse les thèmes de la perte, de la futilité, de la destruction et de la beauté inattendue et rédemptrice ; thèmes liés à la tradition de la gravure, dont l’imagerie a toujours tendu vers le commentaire critique et la contemplation sérieuse, mais aussi, souvent, vers l’humour et l’ironie.

Je découvre des approches moins techniques et plus improvisées de la gravure. Je commence largement, sans exercer de contrôle, mais avec un fond géométrique clair. Je ne veux pas vraiment savoir à quoi ressemblera l’image à l’avance – trop de choses inattendues et potentiellement satisfaisantes peuvent arriver pour exclure d’emblée les éléments accidentels ou momentanément inspirés. Je travaille jusqu’à 30 gravures ou plus à la fois. Le processus de gravure est physique et élémentaire, nécessitant force et pression, invitant à l’agression puis à la délicatesse, au feu conjoint de l’eau, de la terre et de l’air. Projeter une image sur métal implique la permanence, la durée et la présence durable, et j’espère que mes images reflètent le médium dans ce sens.

Brian D. Cohen janvier 2020

Brian D. Cohen est éducateur, artiste et écrivain. En 1989, il a fondé Bridge Press pour favoriser l’association et l’intégration de l’image visuelle, du texte original et de la structure du livre. Des livres d’artistes et des gravures de Brian D. Cohen ont été présentés dans plus de 40 expositions individuelles et plus de 200 expositions de groupe. Les livres et gravures de Cohen sont détenus par de grandes collections privées et publiques et il a reçu les meilleurs prix lors de concours internationaux d’impression à San Diego, Philadelphie, Mexico et Washington DC. Ses essais et critiques sur les arts et l’éducation paraissent dans le Huffington Post et dans d’autres publications en ligne et imprimées.

Il vit et travaille à Westmoreland, New Hampshire, aux États-Unis. www.briandcohen.com

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Page 17 : The Wood, eau-forte rehaussée à la couleur à l’eau, 48 × 34 cm, 1992 Page 18 : Train Entering Tunnel, eau-forte, 60 × 45 cm, 1997 Steel Bridge, eau-forte, 50 × 35 cm, 1995 Page 19 : Zeppelin Interior, eau-forte, 50 × 40 cm, 2000

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Bob De Groof Le cœur est humain dans la mesure où il se révolte.

Georges Bataille

Élodie Lélu, historienne d’art et réalisatrice qui a fait le documentaire sur Bob De Groof sous le titre Deuxième chance, commence son texte d’une précédente expo par les mots : « S’immerger dans ». Difficile de trouver un meilleur début…

En regardant les linos, on est immédiatement aspiré dans un univers de chaos et d’angoisses.

Mort, destruction, sexe, danses macabres… comme si le spectateur suivait une bande de brutes sanguinaires des grandes compagnies sortie tout droit de la guerre de Cent Ans avec, en plus, le ricanement sardonique de l’artiste…

Hélas, il s’agit bien de notre réalité quotidienne… notre histoire étant une longue succession de morts et dévastations.

La Guerre civile anglaise du XIIe siècle, les guerres de Quatre-Vingts et Cent Ans, les Première et Seconde guerres mondiales, sans oublier tous les conflits intermédiaires, en ne parlant que de nos régions... Aujourd’hui, les mêmes images refont surface à Alep, au Soudan, au Yémen, en Afghanistan, etc.

Les bouchers ne s’appellent plus Guillaume d’Ypres ou Arnaud de Cervole, l’Archiprêtre, mais bien Assad, Daesh, Boko Haram… Seules les armes sont devenues encore plus efficaces, plus mortelles… En revanche, la cruauté et la bêtise de l’homme restent inchangées. C’est ce qu’ont voulu exprimer Saïd Mohamed et Bob De Groof dans Le Vin des crapauds. Il y en a qui changent l’eau en vin, mais il y a aussi des crapauds qui font passer leur bave pour du vin. Cruauté fallacieuse et impitoyable. C’est un texte apocalyptique, ce sont des figures apocalyptiques.

En 1995, Saïd Mohamed et Bob De Groof se rencontrent par l’intermédiaire du poète récemment disparu Jacques Izoard. Ils collaborent au modeste journal underground Kitoko Jungle Magazine édité à Vilvorde.

De cette rencontre naît également une première version du Vin des crapauds, illustrée par le peintre, dessinateur et graveur belgo-libanais Fatmir Limani. Cette première version est publiée par Jacques Morin dans la revue Polder.

L’idée d’illustrer Le Vin des crapauds par les dessins de Bob existait déjà à l’époque.

Ce vin a dû pourrir pendant vingt-deux ans avant de voir le jour. Le texte devient images.

Et quelles images…

Il s’agit souvent de personnages de bandes dessinées, destinés à divertir jeunes et vieux.

Le genre qui ne sert pas à faire peur, et pourtant… Bob De Groof inverse très souvent les conventions. Un procédé bien connu qu’on retrouve chez Bosch, Bruegel et Ensor, pour ne nommer que les plus connus et qui ne sont pas par hasard une importante source d’inspiration.

Ces personnages ont l’air comiques, mais ne le sont en aucun cas. Ils sont le pur produit d’une société qui a érigé le plaisir en idéologie. Un plaisir doit cacher la dure réalité.

La Société du spectacle, comme l’appellent les situationnistes.

Bob De Groof est peintre, collagiste, graveur-imprimeur et photographe. Il a fait des assemblages, installations, du street art, et a sculpté des totems.

Des expositions de ses œuvres ont eu lieu en Belgique, en France, en Allemagne, aux Pays-Bas et aux ÉtatsUnis. Au fil des années, il a exposé une quarantaine de fois individuellement et a participé à une cinquantaine d’expositions de groupe. Ses travaux se trouvent entre autres dans des collections de pays aussi divers que les États-Unis, la Russie et le Maroc.

Pendant leur collaboration respective au Kitoko Jungle Magazine, il a fait la connaissance de Saïd Mohamed. Plus récemment, tous deux ont décidé de réaliser un vieux rêve : la réédition et l’illustration du poème apocalyptique Le Vin des crapauds, écrit par Saïd Mohamed.

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Ces symboles sont donc tout naturellement devenus des monstres déchaînés qui sont là pour nous dominer. Ils sont souvent accompagnés de seringues vivantes ou de bouteilles également destinées à soumettre l’homme.

Au milieu de toutes ces créatures entièrement préoccupées par la destruction de l’individu apparaissent quelques figures historiques idéalisées. Nous pouvons les regarder avec admiration, mais nous savons qu’ils n’ont jamais réussi à améliorer définitivement le monde. Ils symbolisent les idéaux qui sommeillent en nous, mais dont nous ne connaissons que trop bien la tragique issue. Ils sont les « losers » sympathiques avec lesquels nous composons trop souvent sans grande conviction.

Malgré tout, le désespoir n’est pas dominant.

Une grande quantité de détails amusants nous montrent comment fonctionne l’imaginaire de Bob De Groof. Il évite de tomber dans le cynisme pur. Tant qu’on peut en plaisanter, il y a de l’espoir.

C’est ce que nous a clairement appris le prétendument ténébreux Moyen Âge. Non seulement via l’héritage des grands maîtres, mais aussi, par exemple, par les annotations et illustrations faites par les moines copistes dans les marges des manuscrits qui, de cette façon, ont essayé de transmettre leurs pensées aux générations suivantes. Pensons aussi au Roman de Renart ou Thyl Ulenspiegel. Celui qui se moque n’est pas vaincu.

Que cette exposition soit aussi une invitation à regarder la réalité autrement. Ne laissons pas notre angoisse prendre le dessus, mais laissons-nous rêver que les choses peuvent être différentes et faisons en sorte qu’elles le soient.

Voilà la réalité derrière l’illusion.

Alors cette exposition aura atteint son but.

Guido Kuyl, ami et chef-tut du Kitoko Jungle Magazine, février 2017

Page 20 : Hérétique désireux, 40 × 60 cm, 2016 Hellduck, 54 × 96 cm, 2013 Vagabonds en selle, 40 × 60 cm, 2016 Te souviens-tu des lapins ?, 40 × 60 cm, 2016 Page 22 : Tango de la mort, 60 × 80 cm, 2016 Page 23 : Funeral Dirge for Johnny T, 40 × 60 cm, 2017 Pages 24 et 25 : The Triumph of Death Revisited, 120 × 80 cm, 2017 www.facebook.com/bobdegroof

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Plasticien, dessinateur mais graveur avant tout, Pablo Flaiszman, né en 1970 à Buenos Aires, Argentine, commence dès son plus jeune âge sa formation en dessin et peinture pour s’initier en 1997 à l’art de la gravure. En 2000, il s’installe à Paris, où il poursuit ses recherches artistiques. Des résidences européennes et internationales et de nombreux prix ponctuent son itinéraire de graveur. Depuis 2015, il travaille dans son propre atelier à Paris. www.pablo-flaiszman.eion.me

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Pablo Flaiszman Les moments suspendus. À la lisière du 18e arrondissement, entre immeubles modernes et vieilles boutiques, se trouve l’atelier de Pablo Flaiszman, l’un des aquatintistes les plus doués de sa génération.

Derrière la devanture rouge, une fois la porte refermée sur l’agitation vaine du monde, se niche son domaine, univers de pénombre et de lumière peuplé de silhouettes en contre-jour et dans lequel le temps semble ne plus avoir de prise.

Cet univers silencieux est le résultat de plusieurs opérations de mise à distance du réel.

Dans un premier temps, l’artiste collecte des photographies personnelles en noir et blanc (photographies de famille de son enfance ou photographies contemporaines qu’il prend au gré de ses envies) et en réalise des montages.

La collusion des images constitue le premier filtre et lui sert de point de départ pour le travail de la plaque. Le report n’étant pas mécanique, les rapports entre les différents éléments changent encore d’un support à l’autre. Ensuite intervient le travail patient de la pose des grains de résine pour des morsures successives, jusqu’à obtenir les valeurs souhaitées. Les traits nerveux et souples de l’eau-forte ou du vernis mou dynamisent le graphisme et les plages veloutés de l’aquatinte. Le vocabulaire manque pour décrire la diversité des noirs mats tour à tour légers, profonds, durs ou tendres, tirant plus ou moins sur le gris, leurs jeux de contrastes avec le blanc comme une quête de la lumière dans l’obscurité, une lutte contre les ténèbres.

Ce temps long de la recherche des délicats équilibres est celui de la métamorphose, de la transmutation du réel. Le monde de Pablo tient de l’inquiétante étrangeté des choses familières. Ces compositions singulières hésitent entre scènes quotidiennes et onirisme, au croisement de Rembrandt et de Goya, de Vallotton et de Tardi, des maîtres de l’estampe, du cinéma noir et de la BD. Qui sont ces êtres attablés ? Pèlerins d’Emmaüs ou antihéros ordinaires d’un polar de série noire ?

Ils semblent être là de toute éternité tout en affichant une remarquable modernité, celle d’une humanité à tout jamais livrée à la solitude et où les rares contacts entre les êtres sont irrémédiablement voués à l’échec. Et cette chaise qui, de simple mobilier abandonné dans l’atelier par le précédent locataire, devient un acteur à part entière : elle est celle de l’artiste (Ma propre chaise, 2016), puis, par une subtile distorsion de la réalité, alors qu’elle est inoccupée, elle reflète dans un miroir un personnage de dos (Au miroir, 2017).

Le monde de l’enfance n’est jamais loin et pourtant irrémédiablement perdu chez les adultes que nous sommes devenus : disparition lumineuse dans Luz de infancia (2013), apparition démunie dans Blanc cassé (2017), bouderie obstinée dans Sobre la mesa (2015).

Bien que vecteur d’une certaine mélancolie, le noir n’est jamais désespéré, car il subsiste toujours des contrastes de blanc pour le faire exister et même le contredire. Pour se délasser après les longues heures nécessaires à la pratique de l’aquatinte, Pablo Flaiszman réalise aussi des dessins rapides et quasi calligraphiques d’après modèle vivant. Le blanc y règne en maître, à peine zébré de quelques traits souples. Ces dessins apparaissent comme les exacts contrepoints du travail de gravure.

Les titres augmentent encore la profondeur du mystère : ils jouent sur les mots, disent le contraire de ce que l’on pense voir, nous piègent et ajoutent strates et chaussetrappes à des images où le regard se perd à sonder les profondeurs.

L’artiste raconte volontiers qu’il a renoncé progressivement à la couleur sous les conseils répétés de son premier maître à Buenos Aires.

Qu’il en soit remercié. Les moments suspendus que Pablo Flaiszman nous propose font écho à nos propres souvenirs. En trouvant les chemins de son obscurité interne dans la pénombre de ses gravures, il nous invite à ressentir la nôtre.

Béatrice Vingtrinier, historienne de l’art

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Page 26 : Dans l’atelier, eau-forte et aquatinte, 65 × 50 cm, 2018 Page 28 : Au miroir, eau-forte et aquatinte, 30 × 40 cm, 2017 Page 29 : Ma propre chaise, eau-forte et aquatinte, 38 × 56,5 cm, 2016 Sur son séant, eau-forte et aquatinte, 30 × 40 cm, 2019 Pages 30 et 31 : Blanc cassé, eau-forte et aquatinte, 60 × 40 cm, 2017

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LUCE 152 Church Road top flat SE19 2NT London. UK 0044 (0) 208 653 44 75 (landline) 0044 (0) 7 564 740 384 (mobile) www.artmajeur.com/luceart www.instagram.com/lucecleeren

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LUCE Je n’ai pas de démarche particulière. Je préfère l’aventure à la sécurité, l’inconnu au tout prévu. Mon sujet depuis quelques années est la nature, ce qui me donne une grande liberté, mais c’est avant tout un prétexte pour expérimenter.

Je ne sais où cette nature me promènera. La main fait ce qu’elle veut.

Les gravures de la série Wanderland sont comme des voyages immobiles, souvent dessinés ou peints avec de l’acide sur la plaque, parfois les yeux fermés. Ce sont des paysages qui viennent de l’intérieur de soi, rendus à la lumière, à la vie, extériorisés par un geste créatif.

Elles rendent compte de ce qui n’existe pas tout en traduisant un état, une humeur bien réelle.

Le plus souvent, je travaille d’une façon intuitive. Rien n’est planifié.

Ainsi, je reste plus réceptive aux pensées, aux émotions, aux rêves et souvenirs.

Mon travail a un rapport avec la vie inconsciente, avec le monde symbolique et psychologique, plus qu’avec le monde réel.

Ma pratique artistique est un moyen de devenir plus consciente.

LUCE (Cleeren) est née à Hasselt, en Belgique, en 1953.

Diplômée en arts graphiques à l’Académie Sint Lucas d’Anvers, elle quitte son pays pour Paris en 1975 et y fréquente l’Atelier 17, l’Atelier 63 et l’atelier Lacourière.

Depuis les années quatre-vingt, LUCE participe aux expositions internationales de gravure et ses œuvres sont conservées dans de nombreuses collections publiques tant en France qu’à l’étranger.

Depuis 2006, elle vit entre Londres et Paris.

Son travail se trouve en permanence à la Galerie Anaphora, Paris.

LUCE figure dans le tome 8 du Bénézit, dictionnaire des peintres, sculpteurs, dessinateurs et graveurs.

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Page 32 : Les Voyages immobiles III, monotype sur papier peint Picta, 25 × 20 cm, 2019 Pages 34 et 35 : Wanderland III, spit bite sur aluminium, aquatinte, pointe sèche, burin, papier de verre, roulette, 46 × 30,5 cm, 2016 Page 36 : Wanderland IV, spit bite sur aluminium, aquatinte, pointe sèche, burin, roulette, manière noire, 46 × 30,5 cm, 2016 Wanderland V, spit bite sur aluminium, aquatinte, pointe sèche, burin, roulette, manière noire, 49,5 × 25 cm, 2017 Page 37 : Rumeurs, crayon litho, pointe sèche, gampi appliqué, 15 × 15 cm, 2019

Spit bite : application directe de l’acide pur sur le métal ; spit, en anglais, signifie cracher. En effet, la salive était traditionnellement utilisée comme agent réducteur de tension superficielle afin de guider l’action de l’acide.

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Le sens, le texte d’une œuvre dépassent le champ des intentions éventuelles de celui ou de celle qui l’a créée.

Le trou, le manque génèrent de la signification.

Pour moi, l’art, c’est œuvrer à la présentation de l’indicible, de tout ce qui est inefficace, sans pertinence. C’est un dialogue avec ce qui n’a ni nom ni identité, avec ce qui échappe à tout cadre conceptuel, avec ce qui est au-delà des mots et pourtant si proche.

Ce sont des trous qui me laissent perplexe et dont j’ignore les voies qu’ils ouvrent ou les secrets qu’ils cachent. Ce qui y réside suscite du malaise, ne se prête à aucun encadrement et échappe à toute tentative de le cerner par la raison. Que d’efforts pour un si piètre résultat, qui côtoie l’impossibilité. Mais c’est ce qui me pousse à poursuivre sur cette voie.

Le style, le médium et le matériau n’ont qu’une valeur relative, car leur rôle se limite à dégager des solutions graphiques pour faire apparaître cet innomé dont l’existence se soustrait aux concepts existentiels, et qui “déambule” entre les signes, les formes et les couleurs – à la façon des blancs séparant les mots d’un texte.

Ce vide nous rend créatifs, parce qu’il nous force à partir à la recherche de ce qui manque – une démarche qui connaît beaucoup de noms. Il n’y a pas de synthèse, car la synthèse, c’est ce qui est absent, c’est ce qui nous manque.

Le style ne saurait pas davantage y remédier par la recherche d’une unité de forme, en faisant miroiter une certitude inexistante.

Toutefois, sa qualité esthétique est capable de séduire les regards et de leur offrir un point de repos en attendant de poursuivre l’exploration. Les images se voient donner la possibilité de décliner une série infinie de significations, aujourd’hui, demain, voire après des années. Une œuvre n’est jamais achevée, elle est proposée comme un devenir permanent, comme des trous qui laissent perplexe et qui ne se laissent jamais fermer définitivement.

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Il ne faudrait pas en conclure que chacune de mes œuvres réclame une lecture dans ce contexte, car certaines d’entre elles relèvent plutôt d’études graphiques.

L’utilisation de matériaux et de supports divers, imposant chacun du respect et de la patience en vertu de leur spécificité, est susceptible d’accroître la composante artisanale, source d’une dose de plaisir manuel certain.

Quoi qu’il en soit, il y a quelque chose d’acharné, de fou et d’enfantin dans la méthode fastidieuse, artisanale et sale pour aboutir à une image condensée et vraie, qui peut être placée à côté d’une production graphique propre, relevant de la technologie la plus sophistiquée.

L’art n’a pas de place, l’art trouve de la place.

Au sujet de la gravure L’alchimie de la gravure est essentiellement l’impression d’une image enfoncée, alimentée par l’encre, qui se développe et s’unit au papier humide. La plaque blessée est réconfortée et guérie par l’encre.

Colette Cleeren est née en 1953 à Hasselt, en Belgique.

Diplômée en arts graphiques de l’Académie Sint-Lucas d’Anvers, elle a poursuivi ses études à l’Académie des beaux-arts de la ville de Hasselt en y intégrant aussi la peinture. Elle a participé à plusieurs stages et ateliers, notamment aux séances de travail annuelles au Centre international de l’estampe Frans Masereel. Elle a été invitée à résider en Chine à la Guanlan Original Printmaking Base.

Son œuvre est représentée dans divers musées et collections publiques.

Plusieurs fois lauréate, elle s’est vu décerner des prix nationaux et internationaux dans différentes disciplines.

Elle a réalisé une contribution graphique au recueil de poèmes Blindganger, de Gerda De Preter, et a collaboré avec des gens de lettres dans divers projets. Par ailleurs, elle a publié dans des revues d’art et de poésie.

Elle vit et travaille à Anvers. www.colettecleeren.be www.bamart.be www.kunstinhuis.be www.instagram.com/ateliercc

Colette Cleeren

Page 39 : The Silence of the Lambs VI, papier peint imprimé, gravure polymère, cyanotype, chine collé, gampi, wenzhou, papier noir, 70 × 50 cm id. papier, 2019 Page 40 : Adagio Sostenuto, gravure, pointe sèche, lino offset, chine collé, gampi, hahnemühle litho gray, 35 × 56 cm, 2017 Page 41 : Resonance Room I & II, papier peint imprimé, gravure polymère, novilon intaglio, aluminium spit bite, techniques sèches, chine collé, encre shellac sur papier japonais, papier de soie, simili japon, 129 × 48 cm id. papier, 2014 LandeScape II, gravure, pointe sèche, aquatinte, chine collé, gampi, hahnemühle, 30 × 25 cm, 2019 Pages 42 et 43 : Closing Time III, encre shellac, lino offset, novilon intaglio, eau-forte, gravure polymère, chine collé, collage, papier japonais, zerkall, 55,8 × 39 cm id. papier, 2017

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Claire Hilgers

Il y a la nature.

Venteuse, où des nuées d’oiseaux prennent leur envol au-dessus de roseaux et d’herbes folles.

Assoupie, emmitouflée sous une épaisse couche de neige. Dense, où les arbres se cachent au creux de la forêt. Il y a la contemplation. Celle du spectacle que la nature nous offre et que l’on découvre au détour d’un chemin au cours d’une promenade. Celle qui nous fait oublier le temps.

C’est à ce spectacle que nous convient les gravures et sérigraphies de Claire Hilgers.

Douceur et énergie se mêlent subtilement au sein d’images qui éveillent nos sens, nous invitent à observer, à écouter les rythmes d’une nature riche, foisonnante, changeante, délicate.

La magie opère. Les sensations se précisent imperceptiblement. Le souffle léger du vent qui nous caresse les joues, le parfum d’humus et de feuilles, le crissement de la neige sous nos pas, le clapotis de l’eau, les battements d’ailes. Tout est là, au cœur de ces images faussement silencieuses.

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Claire Hilgers n’hésite pas à varier techniques et formats, adoptant la combinaison qui servira au mieux son propos. Avec audace, elle choisit le tondo pour concentrer notre regard sur un fragment de montagne ensoleillée.

Elle privilégie la verticalité pour des scènes d’envols qui rendent un hommage discret à la tradition orientale de l’estampe. Elle ose des jeux de couleurs et de contrastes, parfaitement maîtrisés, pour rendre avec justesse la profondeur d’une forêt.

Claire Hilgers a l’amour de la nature et entend bien nous le faire partager.

Alan Speller

Page 44 : Travelling-série 4, sérigraphie, 65 × 10 cm, 2016 Travelling-série 3, sérigraphie, 65 × 10 cm, 2016 Page 45 : Vol-envol, eau-forte, 49 × 20 cm (détail), 2015 Page 46 : Troncs 1, sérigraphie, 28 × 38 cm, 2018 Troncs 2, sérigraphie, 28 × 38 cm, 2018 Page 47 : Tondo-Troncs 2, sérigraphie, 27 × 27 cm, 2018 Tondo-Atlas, sérigraphie, 27 × 27 cm, 2018

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Claire Hilgers est née à Bruxelles en 1955. Diplômée en sciences économiques de l’UCLouvain, elle s’oriente ensuite vers les arts graphiques et fréquente l’École 75 à Bruxelles, puis l’Académie des beaux-arts de Watermael-Boisfort en gravure et lithographie.

Elle crée en 1983, avec trois amies, l’atelier collectif Razkas, qui s’agrandit au fil du temps.

C’est un lieu de travail et de mise en commun d’outils qui se propose aussi de faire connaître les techniques d’impression.

Claire Hilgers a exercé la profession de graphiste pendant plus de vingt ans et a été enseignante en arts plastiques.

Elle participe à des expositions personnelles et collectives en Belgique et à l’étranger depuis 1986 ainsi qu’à des échanges et résidences artistiques dans plusieurs ateliers en France et au Québec. www.instagram.com/claire.hilgers/ www.razkas.com

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Takako Hirano Après des études artistiques au Japon et quelques années de travail comme graphiste pour l’industrie des images nippone, Takako décide de venir à Paris et de se perfectionner dans les techniques de la gravure et de la lithographie. Son travail intègre ses différents horizons et acquis. L’inspiration est libre comme la mer et se nourrit des rencontres avec les éléments, des algues ramassées sur le rivage, ou des coques d’oursins… Le travail sur la pierre a la liberté du crayon sur la feuille, et peut-être le végétal qui vient imprimer sa trace directement sur le tirage… Le cuivre est plus tourmenté, la morsure de l’acide, la pointe qui creuse le métal… Ce sont des processus d’appropriation : un instant saisi, une impression fugace mais ainsi retenue. Ce souvenir qui s’illustre sur le papier, et se donne l’illusion de se multiplier, en restant unique, comme il illustre également bien les processus mentaux ! Dans l’alchimie de la trace, de l’impression sur le papier, des alliances subtiles du gras et du maigre, de l’encrage des rouleaux, la succession des empreintes se construit sur le papier en se défaisant de sa parure minérale. Une âme d’enfant est témoin de ce spectacle.

Elle aime ces rituels de fabrication des images et elle n’oublie pas qu’elle est spectatrice d’un monde d’instants changeants, c’est une chanson d’amour à la Création !

www.takakohirano.com www.instagram.com/taka_pomme www.facebook.com/takako.hirano.artiste

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Page 48 : Des chardons, lithographie, 23,7 × 31 cm, 2017 Page 49 : Un jardin botanique au fond de la mer Ⅲ, eau-forte et aquatinte, 40 × 50 cm, 2018 Page 50 : Still Life - Solitude (au salon), eau-forte et aquatinte, 30 × 43 cm, 2018 Page 51 : Un jardin botanique au fond de la mer I, eau-forte et aquatinte, 30 × 40 cm, 2018

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Amir Shabanipour Deux mille vingt territoires d’Internet (2020) Notre ère peut assurément être qualifiée d’ère technologique. C’est aussi un âge de la vitesse et du changement dans tous les domaines de la culture et de l’art, de la politique, de l’économie, etc. Les hommes s’affairent de par le monde, quelles que soient leurs opinions religieuses, leurs ethnies ou les frontières géographiques qui les séparent. Les comportements humains évoluent rapidement et de nombreux événements viennent bousculer les États.

La pensée, les idées, l’imagination et la fantaisie sont soumises à l’incertitude et à l’instabilité.

Les théories s’entremêlent et les images produites par les artistes ont une durée d’impact réduite. L’apparition de ces changements favorisés par Internet va jusqu’à influencer le développement de l’homme biologique.

Dans ce nouveau monde où les frontières de la communication sont aussi insignifiantes que perméables, l’accès à l’information s’est accru au point de placer pratiquement sur un pied d’égalité les pays développés et ceux en voie de développement. Mais si l’incidence d’Internet sur les comportements et les relations humaines est considérable, elle l’est tout autant sur nos instances dirigeantes. Les prévisions indiquent l’ampleur que prendra ce phénomène dans un futur proche, la Toile contenant des données d’invasion et d’attaque qui apparaissent sous forme de textes et d’images. Cyberattaques, virus, piratages informatiques… ces sujets m’ont préoccupé pendant environ sept ans. Ils continuent de m’accompagner et expliquent mes récits visuels et intellectuels, mes réalisations subjectives que je partage avec les nouvelles générations, principalement les plus jeunes.

Amir Shabanipour – mai 2017 – Rasht, Iran

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Les œuvres d’Amir Shabanipour sont réalisées numériquement à partir de collages et imprimées sur plaques d’aluminium, tissus ou autres. www.instagram.com/amir.shabanipour

Tous les travaux sont des impressions par transfert sur feuille d’aluminium.

Page 52 : Code Red Virus, 300 × 142 cm, 2015 Page 53 : CIH Virus, 300 × 142 cm, 2014 Page 54 : I Love You Virus–2, 100 × 142 cm, 2013 Stuxnet Virus, 100 × 142 cm, 2015 The Blaster Worm, 100 × 142 cm, 2013 Conficker Virus, 100 × 142 cm, 2014 Page 55 : I Love You Virus–3, 300 × 142 cm, 2014

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Céline Excoffon Je suis tombée dans la gravure un beau jour de juin 2015, place Saint-Sulpice, à Paris, alors que s’y tenait la Journée de l’estampe contemporaine. Était-ce le hasard qui avait guidé mes pas ? J’ai passé une journée merveilleuse à déambuler dans les allées, époustouflée par la variété, la richesse et la modernité de toutes ces productions. À part la linogravure que je pratiquais déjà, j’ignorais tout de ces techniques et de ce dynamisme.

Ce fut une découverte grisante et totalement addictive.

En 2016, une amie m’accompagnait pour un stage à l’atelier de Christelle Vallet (La Cage d’escalier, à Tours). Patiente et didactique, Christelle m’a expliqué les procédés essentiels qui me permettraient d’avancer seule. Ce week-end a totalement bouleversé ma pratique artistique, qui se cantonnait surtout au dessin et à la peinture. J’ai aménagé mon atelier, acquis une presse, et la gravure représente aujourd’hui l’essentiel de mon travail, avec le sentiment que ma vie ne sera jamais assez longue pour explorer tout le champ des possibles.

Je suis à la base plus dessinatrice que peintre, et l’estampe représente pour moi le développement logique de mon travail.

J’apprends peu à peu à explorer l’alchimie de l’eau-forte, j’apprends surtout à accepter l’accident, l’aléatoire, l’échec aussi, ce qui fait la beauté des expériences…

La magie de la matrice et des multiples me passionne, je suis un peu iconoclaste avec les techniques traditionnelles.

Je mêle souvent différentes plaques, je les tronque, je les imprime sur des supports différents pour réinventer sans cesse de nouvelles combinaisons. Je surexpose, je découpe, j’assemble… une plaque de cuivre ou de rhénalon : plusieurs histoires…

On y retrouve les thèmes que je visitais déjà depuis plus de dix ans.

Un cabinet de curiosités un peu baroque, un peu victorien, où les statues grecques côtoient les planches anatomiques et le catalogue Manufrance, une Sainte Vierge, un fait divers sordide ou une corneille empaillée…

On y trouve aussi de l’érotisme, beaucoup, et des trucs japonais…

Née le 13 août 1971 à Reims, Céline Excoffon vit et travaille à Montluçon. celine-excoffon.blogspot.com

Page 56 : Tout est bon dans la cochonne, pointe sèche sur rhénalon, 20 × 30 cm, 2018 Page 57 : Savoir raison garder, pointe sèche sur rhénalon, 15 × 20 cm, 2019 Page 58 : Gosuto Dansu, pointe sèche sur rhénalon, 20 × 30 cm, 2020 Koï, pointe sèche sur rhénalon, 20 × 30 cm, 2020 Pêche macabre dans la Tamise, pointe sèche sur rhénalon, 15 × 20 cm, 2018 L’Ogresse de la Goutte d’Or, pointe sèche sur rhénalon, 15 × 20 cm, 2018 Page 59 : La Grande Vague d’Ogazumu, pointe sèche sur rhénalon, 15 × 20 cm, 2018

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L’ombre du Japon a toujours plané sur mon travail.

Enfant, je recopiais pendant les vacances les reproductions d’estampes découvertes dans la bibliothèque de mon grand-père. Adolescente, je retrouvai l’influence de ces mêmes estampes dans une exposition sur les peintres Nabis qui décida l’achat de ma première boîte de peinture.

Depuis, le Japon s’invite régulièrement dans ma pratique, comme un fil jamais rompu, se mêlant souvent aux autres influences. La littérature et le cinéma japonais sont venus au fil du temps enrichir un corpus imaginaire. Des maiko et geishas peintes sur des morceaux de bois, des collages de papier origami, la fascination pour les tissus et les trames de motifs des kimonos…

Mais c’est sans doute la découverte de la taille-douce qui a accéléré la production de ce que j’appelle mes japonaiseries.

Comme si cette pratique me permettait de justifier une filiation dans ces influences croisées entre le Japon et l’Occident.

Je suis fascinée par ce va-et-vient permanent : du japonisme sur les impressionnistes, de l’influence de l’art moderne français sur les artistes japonais au début du XXe siècle,

Japonaiseries… puis de nouveau l’influence des mangas sur l’art contemporain, avec une modernité qui se renouvelle sans cesse, se nourrissant de ces échanges incessants.

Les yeux de mes pin-up se brident, mes rondes rouquines deviennent de longues brunes, elles s’habillent – ou se déshabillent – de kimonos.

Les frêles demoiselles croisent des yōkai (fantômes) le temps d’une valse ou d’un baiser, elles rendent hommage à Utamaro, Hokusai, Kuniyoshi…

Mais si certains codes graphiques de l’ukiyo-e sont respectés, j’utilise non pas la xylographie mais d’autres techniques : pointe sèche, eau-forte, aquatinte, chine-collé, tampons, monotype…

Les influences nippones se mêlent au graphisme BD, à l’histoire de l’art européen, et les titres jouent de cette mixité. Ces titres amuseraient sans doute les Japonais par leur maladresse, puisque je vais les chercher en transcription phonétique sur Google Traduction. J’assume ainsi jusqu’au bout la fusion entre ma culture occidentale et l’imaginaire fécond apporté par un pays dont je n’ai jamais foulé le sol.

Céline Excoffon

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HELLO DADA Le colophon est ainsi libellé : « Composé à la linotype en Antique corps 11 par Étienne Olivier, ce livre a été imprimé à la Maison de l’Imprimerie de Thuin par Ghislain Bourdon et Étienne Olivier en septante-cinq exemplaires sur Ingres blanc.

En plus des xylographies imprimées en noir, chaque exemplaire contient une gravure horstexte de Pascal Dubar imprimée en rouge et noir et signée par l’artiste. » D’entrée de jeu, ce hors-texte donne le ton ; il introduit le lecteur (le « regardeur ») en un univers violent et expressionniste, où images et textes se conjuguent intensément pour traduire une réalité quotidienne nécessitant mise en question et sans doute révolte contre l’ordre trop souvent absurde du monde, de l’écriture et de l’art.

Sur la couverture, un visage grimaçant rouge vif, les lignes du bois striant l’apparition inquiétante du personnage. Sur la couverture encore, le titre, « Hello Dada », les noms des deux auteurs, le peintre et graveur Pascal Dubar et l’écrivain Pierre-Jean Foulon. À l’intérieur du livre, douze cahiers de papier Ingres (vergé) se composant chacun de huit pages, à l’exception des cahiers réservés à la page de titre et au colophon, qui en comptent seulement quatre.

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Chacun des cahiers intérieurs (excepté le premier) assène une première page où les contrastes noirs et blancs de la xylographie surgissent d’un seul élan convulsif, rudoyant le lecteur par un mélange instinctif de traits et de formes esquissant à grands coups de gouges et canifs des êtres aux regards inquiets, aux dents grinçantes, aux corps taillés comme des squelettes. Un univers à la fois de peur et de détresse, de cris et de hargne, mais aussi de compassion et d’appels au secours.

Mêlés à ces images crispantes, lourdes d’équivoques et de vertige, enchâssés comme des tags fébriles au sein même de la gravure, des lambeaux de textes arrachés aux poèmes qui, dans le cahier, suivent l’image initiale. Ainsi : « j’ai braillé que les hommes sont des loups », « perdu au cœur des labyrinthes », « la poésie dit-on vomit le quotidien », « chat mourant d’un coryza fétide », « mots effarants »…

Dans « Hello Dada », titre qui implique une claire résurgence de l’esprit « voltairien » des artistes réunis à Zurich le 5 février 1916, textes et images forment une étroite et puissante communauté d’expression au sein de laquelle deux créateurs, issus de la même région et poussés par une même volonté d’intransigeance face aux dérèglements des choses, arment leurs gouges et leur plume dans le grand charivari des formes rudes et des mots tranchants. Le dernier texte du livre se termine par ces mots : « j’en ai plein le dos de chercher le pourquoi des roues de bicyclette des savants étalages de couleurs de vertus de matières faut-il que je sois révolté pour qu’à cette heure de mon âge je me décide à prendre la poudre d’escampette harcelé par ces monstrueux entrelacs de sirènes demoiselles d’Avignon livres d’artiste de Brême ou Tout est comme avant de Présence Panchounette ».

Pascal Dubar Peintre, graveur et illustrateur. Études de graphisme à Saint-Luc Bruxelles et à l’Académie des beaux-arts de Bruxelles. Il a commencé sa carrière artistique comme illustrateur de livres pour enfants et allie aujourd’hui peinture et gravure sur bois de récupération.

Pierre-Jean Foulon Ancien conservateur des livres précieux au Musée royal de Mariemont. Auteur d’écrits sur l’art, le livre, les musées.

Auteur également d’une trentaine de recueils poétiques parus aux Éditions du Spantole.

HELLO DADA Neuf xylographies noir et blanc et un hors-texte en couleurs de Pascal Dubar. Textes de Pierre-Jean Foulon 88 pages, 16 x 24,5 cm Éditions du Spantole : 12, rue du Fosteau B 6530 Thuin www.editionsduspantole.be

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Je n’ai cessé d’explorer les secrets de l’image et de certains supports révélateurs.

Mystère de l’encre qui se dépose au moment voulu sur un réceptacle choisi. Énigme du cuivre que j’aurai auparavant apprivoisé et préparé tout en douceur. Alchimie du papier, de son grain aussi subtil que le grain de la peau, de sa surface révélée par le jeu de l’ombre et de la lumière.

Mikio Watanabe En mars 2020, le projet international Wondering Mind fête ses cinq ans et reçoit trente autres artistes en plus des soixante qu’il avait à l’origine. Tout est né d’une collaboration étroite et d’une belle amitié entre la commissaire d’expositions slovaque Zora Petrášová et l’artiste graveur et commissaire d’expositions belge Chris Verheyen, propriétaire de la galerie Épreuve d’Artiste à Anvers. En 2019, les deux commissaires de renommée internationale ont été invitées en tant que membres du jury à la prestigieuse biennale Queen of Printmaking : the International Mezzotint Festival, dirigé par Nikita Korytin, directeur du musée des Beaux-Arts d’Ekaterinbourg, en Russie.

En mars 2015, leur 60e anniversaire a été célébré de manière unique : une soixantaine d’artistes de plus de vingt pays ont été invités à réaliser des gravures sur une plaque de cuivre d’un diamètre de 12 cm (comme un CD). La forme ronde de la gravure symbolise l’amitié et le respect entre les peuples et les artistes, et le thème proposé était aussi généreux que possible : Wondering Mind. Des artistes internationaux de Belgique, Slovaquie, Chine, France, Norvège, Hollande, République tchèque, Angleterre, Pakistan, Égypte, Afrique du Sud, Palestine, Canada, Ukraine, Népal, Nouvelle-Zélande, Japon, Russie, Roumanie, Hongrie et Bulgarie ont eu l’occasion de s’exprimer artistiquement à travers différentes techniques de gravure (aquatinte, mezzotinte, lithographie et photogravure).

Jusqu’à présent, les œuvres ont été présentées dans 18 expositions à travers le monde. « 60 × 60 est un trésor de petits chefs-d’œuvre », a déclaré Nan Mulder, l’un des participants à ce projet, membre de plusieurs associations de gravure en Angleterre, aux Pays-Bas et en Nouvelle-Zélande.

Du 8 au 22 mars 2020, la galerie Épreuve d’Artiste d’Anvers a présenté la deuxième série d’estampes Wondering Mind. Cette fois, toutes sont en mezzotinte, une technique de gravure moins utilisée par les artistes en raison de sa complexité. Cette technique fut employée pour la première fois en 1642 par Ludwig von Siegen (1609-1673) et rappelle la matérialité de la peinture baroque ; elle est également connue sous le nom de « manière noire » et a longtemps été utilisée pour la reproduction des peintures. « La manière noire implique une connaissance très précise de la technique de rendu de la perspective, des effets physiques et visuels de la réflexion et de la réfraction de la lumière, ainsi que des ombres. Tout comme en peinture, la mezzotinte définit des objets dans l’espace sans l’existence d’une ligne de contour, uniquement par le léger contraste entre l’objet rendu et l’arrière-plan. » (Florin Stoiciu, Techniques de gravure, Polirom, Iasi, 2010, p. 104.)

Manières noires, diamètre 12 cm, de gauche à droite : Deborah Chapman (CAN) Yuko Chigawa (JP) Karol Felix (SK) Hachmi Azza (B) Hedieh Jafari (IRN) Masataka Kuroyanagi (JP) Guy Langevin (CAN) Silvana Martignoni (IT) Guntars Sietinš (LT) Amorn Thongpayong (TH) Igor Benca (SL) Linda Whitney (US) Page 64 : Mikio Watanabe (JP/F)

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Depuis presque 30 ans, à travers ses projets internationaux, la galerie Épreuve d’Artiste s’occupe de la promotion des arts graphiques : « L’histoire jugera si Chris et Zora, avec leur enthousiasme altruiste et contagieux, ont marqué de manière significative la popularité et la démocratisation croissantes de l’art graphique », mentionne Jan Dockx, un ami proche de la galerie Épreuve d’Artiste et un collectionneur régulier de gravures et d’ex-libris qui possède plus de 7 000 pièces de gravure. La galerie a formé un groupe impressionnant de collectionneurs des Pays-Bas et de Belgique, et elle est souvent visitée par des collectionneurs d’Europe, des États-Unis et de Chine. Le projet More Wondering Minds 2. Chris and Zora’s New Mezzotint Friends célèbre 25 ans d’amitié entre Zora Petrášová et Chris Verheyen.

Depuis 1976, Zora Petrášová a préparé et organisé plus de 300 expositions individuelles et collectives d’artistes slovaques en Slovaquie et à l’étranger (Belgique, Chypre, France, Inde, Indonésie, Malaisie, Chine, Norvège, Finlande, Grèce, Autriche, Pays-Bas, États-Unis, Taïwan, Écosse, Lettonie, Estonie, Lituanie, Pologne).

En 2009, le maire de la ville de Piešt’any lui a décerné le Prix d’excellence culturelle pour le projet international Bridges. Zora est présidente de l’Association des arts visuels slovaques (depuis 2007) et directrice de l’Association des graveurs slovaques (depuis 1999). Elle a édité de nombreux catalogues d’art.

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La galerie Épreuve d’Artiste a été fondée en 1991 par Chris Verheyen et a accueilli plus de 250 expositions internationales de gravure.

Chris Verheyen a étudié la gravure à l’Académie royale de Gand (prof. Roger Wittevrongel) ; elle s’est spécialisée à l’École internationale d’art de Voss, Norvège, et à l’Académie des beauxarts et du design de Bratislava, Slovaquie (prof. Albín Brunovský). Elle a participé à de nombreuses résidences artistiques et colloques en Europe, aux États-Unis, au Japon et en Chine. Son activité artistique et curatrice s’est enrichie d’une activité pédagogique soutenue au Lycée des arts d’Anvers. « Pour qu’une galerie résiste, l’enthousiasme des organisateurs et une forte passion pour les arts graphiques sont importants. Les artistes sont présents à l’ouverture des expositions et nous créons une ambiance familiale dans la galerie qui donne une dimension humaine à l’événement. De plus, nous avons organisé de nombreuses expositions graphiques dans le monde entier, en utilisant notre réseau d’artistes et de galeries amies », témoigne Chris Verheyen.

Le projet Over de grens (À travers la frontière) a été réalisé en 1997 et consistait en l’édition d’un portefeuille de 57 œuvres d’artistes flamands et wallons.

C’était un projet audacieux et difficile à réaliser dans un pays divisé, avec un système politique compliqué, comme la Belgique. Au fil des ans, Chris Verheyen a collaboré avec Zora Petrášová et elles ont réalisé le projet Mosty (Ponts), entre la Slovaquie et 10 pays européens. Épreuve d’Artiste en 2020 Parmi les artistes qui ont exposé au fil du temps à la galerie Épreuve d’Artiste figurent le célèbre surréaliste belge Paul Delvaux, Paul Wunderlich, Albín Brunovský, Vladimir Gazovic, Oldřich Kulhánek, Jiří Anderle, Vladimir Suchánek, Rudolf Hausner et bien d’autres.

Après l’exposition More Wondering Minds 2.

Chris and Zora’s New Mezzotint Friends, pour l’année 2020, la galerie Épreuve d’Artiste a préparé un programme intéressant d’expositions.

Entre liberté et structure, Hanna de Haan cherche la logique des constructions métropolitaines : « Je suis fascinée par la vitesse à laquelle les villes changent. Une ville n’est jamais terminée et elle est constamment repensée et transformée.

L’évolution de la construction d’un bâtiment suggère la forme finale qu’il aura… Je suis fascinée par la tension entre le chaos d’un chantier et la structure claire de l’échafaudage. » L’exposition se tiendra du 2 au 23 août 2020.

En septembre, la galerie Épreuve d’Artiste présente les œuvres les plus importantes ayant participé aux quatre éditions de la Biennale internationale Ex-Libris de Varna.

La biennale est organisée par Largo Art Gallery, depuis 2014.

Être artiste signifie aimer passionnément ce qu’on fait. Le japonais Mikio Watanabe est passionné par la gravure ! Comme la gravure, pour Mikio Watanabe, le monde est « Un mystère qui prend corps » ; c’est aussi le titre de l’exposition qui se tiendra à la galerie Épreuve d’Artiste, du 8 au 22 novembre 2020. « Je suis convaincu qu’au centre de tout, il y a quelque chose de simple et de pur qui dépasse la complexité des apparences. Et cette pureté est, par essence, puissance et beauté. » (M. W.) L’année 2020 se termine avec l’exposition Guy Langevin et ses amis belges. Guy Langevin est un artiste canadien, président du jury du concours d’Ekaterinbourg, en Russie, et l’un des anciens lauréats de cette prestigieuse biennale.

Son désir était de faire une exposition avec ses amis belges Ingrid Ledent, Maurice Pasternak et Michel Barzin. À cause des restrictions imposées par d’épidémie de Covid-19, l’exposition Entre les mondes de Jochen Kublik a été reprogrammée pour 2021. L’artiste présentera au public ses imprimés colorés, inspirés de son univers fantastique. Les œuvres ont été particulièrement appréciées en Chine, et le titre de l’exposition suggère la philosophie de vie de l’artiste. Il vit entre les mondes, entre la culture orientale et occidentale, entre le monde réel et un autre monde fantastique et subjectif, qu’il expérimente avec intensité en tant qu’artiste voyageur.

Pour Épreuve d’Artiste, l’année 2021 signifiera l’anniversaire de 30 ans d’existence !

Joyeux anniversaire, Épreuve d’Artiste !

Silvia Suciu

Épreuve d’Artiste | Graphic Art Gallery Oudekerkstraat 64 | 2018 Antwerpen | Belgium Heures d’ouverture : samedi et dimanche de 14 à 18 heures (durant l’exposition) Merci de nous contacter pour préparer votre visite : Chris Verheyen – 0032(0)477 234095, chrisverheyen55@gmail.com www.epreuvedartiste.be/, www.wonderingmind.eu/

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LE PRIX

PRIX ARTISTIQUE RÉSERVÉ AUX GRAVEURS DE MOINS DE 35 ANS Décédé en 2012, le graveur Dacos a joué un rôle majeur dans la défense et la promotion de l’art de l’estampe à Liège et bien au-delà. Le prix est d’un montant de 2 500 €. L'appel à candidature se clôture le 1er novembre 2020. www.lesmuseesdeliege.be/prix-dacos-2020

Tarifs 2010 Abonnement un an / 4 numéros, un Hors-Série Gratuit et un cadeau frais de port compris

Abonnement un an /4 numéros avec gravures signées et numérotées. un Hors-Série Gratuit et un cadeau frais de port compris

Belgique

Europe Monde

100 €

120 €

Belgique

Europe Monde

300 €

320 €

150 €

370 €

Pour vous abonner, il vous suffit de virer le montant sur le compte : BE39 0689 0083 8219 BIC:GKCCBEBB avec en communication : Abonnement à Actuel de l'Estampe, votre nom, votre adresse et votre numéro de téléphone.

Ou, via Paypal, sur le site http://www.actueldelestampe.com

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France : Joop Stoop 12, rue Le brun 75013 Paris joopstoopparis@gmail.com +33 1 55 43 89 95 www.joopstoop.fr Belgique : K1L rue Sergent Sortet, 29 1370 Jodoigne editions.k1l@gmail.com +32 497 51 63 85 www.k1leditions.com

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