Actuel16

(04) Wuon Gean (14) Didier Renard (20) Graveurs de Gascogne (24) Éclats, Cyril Bihain/Pierre-Jean Foulon/ Wilfried Pulinckx (30) Thierry Mortiaux (38) Yvonne Alexieff (46) Shohei Uchida (50) L’atelier Achi (54) Biennale de Trois-Rivières

Ont collaboré à l’écriture de ce numéro : Wuon Gean, Bernard Talmazan, Jean-Michel Mathieux-Marie, Loïc Le Bail, Pierre-Jean Foulon, Georges Meurant, Shohei Uchida, AbdelSalam Salem.

Actuel est une émanation du groupe Facebook Parlons Gravure.

Comité de sélection : Sabine Delahaut Jean-Michel Uyttersprot Catho Hensmans Comité de rédaction : Sabine Delahaut Jean-Michel Uyttersprot Pascale De Nève

Pour toutes informations : magazine.actuel@gmail.com www.actueldelestampe.com Éditeur responsable : K1l éditions.

Imprimé par : la CIACO, Louvain-La-Neuve Prix de vente : 20 € N° Issn : 0774-6008

4

Wuon-Gean La série des journaux intimes a débuté lorsque, en 2016, j’ai reçu une bourse à la Royal Academy Schools de Londres.

Cette bourse était une merveilleuse occasion de me plonger dans l’atmosphère d’une école vieille de 250 ans, d’avoir accès à son incroyable l bibliothèque et de travailler dans le studio d’impression avec une superbe presse colombienne. J’ai tenté de créer un nouveau corpus qui serait en contraste avec les thèmes plus cérébraux que j’avais explorés précédemment.

J’ai fait un boulot plein d’humour et de bonheur.

Sur le plan technique, chaque impression représente un ou deux blocs de bois maximum, chacun mesurant 15 x 20 cm, J’essayais d’en faire un tous les 10-14 jours afin que le projet ne prenne toute mon attention.

De plus, j’ai décidé que j’allais faire les gravures pour mon papa (qui reste dans une maison de soins après s’être cassé le cou en 2014).

Je voulais lui apporter un cadeau toutes les semaines, qui pourraient être épinglées sur les murs de sa chambre : des estampes qui raconteraient des anecdotes et des événements amusants.

Toutes les images font référence à moi-même et à mon expérience vécue.

J’ai décidé d’explorer deux grands thèmes.

Alors, c’est posé différentes questions : « Que veut dire imprimer à l’encre, à la main, sur du papier, à l’aide de techniques désuètes, les images imprimées peuvent-elles se comparer ou rivaliser avec l’immédiateté de la photographie ?

Je voulais voir si un petit objet de type petite gravure pouvait avoir une résonance contrebalançant la rapidité des médias consommés quotidiennement.

La volonté était que les images ressemblent à des cartes postales amusantes, remontant à l’âge d’or du courrier postal, empreintes du toucher des correspondants.. « Comment les sujets tels que l’humour et l’absurdité sont-ils abordés dans l’imagerie d’aujourd’hui ? Existe-t-il un moyen de puiser dans l’informalité et la provocation sans tomber dans le piège de l’affect ou dans une fascination pour la désobéissance ? Où est la limite entre sérieux, drôle et parodique, et comment utiliser chacune d’elles ?”

Je pensais à la façon dont nous vivons dans une période de turbulences politiques (et aussi à la manière dont les graveurs ont toujours été chargés de faire des affiches politiques), je craignais que mon propre travail paraisse très éloigné des gros titres. Après avoir travaillé sur le projet durant quelque temps, je me suis rendu compte qu’il suffisait de montrer ma propre vision du monde, celle d’une femme de minorité ethnique sousreprésentée, pour éclairer une expérience contemporaine.

En affirmant même que je me plaçais comme sujet et protagoniste dans ce cadre, je réalisais des images inhabituelles, attirant ainsi de nouveaux récits.

5

6

Visuellement, les compositions et les perspectives sont assez cinématographiques.

Je suis présente présence dans chaque image.

Les prises de vue grand-angle apportent plus d’informations sur la scène et donnent l’impression que le mouvement est arrêté, que quelque chose s’est déjà passé et qu’il se produira certainement quelque chose après. Les livres vont tomber, le chat va sauter, le chien mordra, la chaise tombera, la grand-mère finira son thé, la robe se fendra, la viande sera mangée, les téléphones seront mouillés et le dîner disparaîtra dans les bouches affamées. « Les espaces sont proches, influencés par la vie dans un environnement urbain, il y a peu de paysages, pas d’idéalisme ou de quête de beauté ; les scènes sont celles du moment présent et du bien/mal » être d’une femme dans le monde occidental.

Porter une robe dans un magasin et regarder son corps avec horreur ; s’asseoir dans un sauna rempli de garçons ; boire du vin dans un bar avec des inconnus ; être épuisé lors d’un trajet en train ; scanner le ventre d’un hamster sans savoir ce que l’écran montre ; être entouré de personnes égarées sur leur téléphone portable.

Chaque estampe représente un monde mis en scène, avec de petits indices cachés.

Certaines fleurs, telles que les jacinthes, font référence à une saison spécifique.

Sur certains tirages, j’ai mis un titre de journal, comme celui du Premier ministre Mahathir remportant les élections à l’âge de 92 ans. Sur plusieurs estampes, j’ai dépeint des personnes munies d’un téléphone portable (par exemple trempées jusqu’à la peau et à moitié nues dans le vestiaire d’une piscine) afin de commenter avec ténacité, notre obsession, de ce monde numérique.

Certaines gravures montrent des aliments spécifiques, tels que le Cloud Rain Coffee (une peluche de barbe à papa suspendue à un café chaud qui fond lentement sur la tasse) : un best-seller de la maison Mellower Coffee House à Singapour.

Certains lieux sont fictifs, mais beaucoup d’autres sont des endroits bien connus.

Wuon-Gean Ho

Couverture : Double Caesar Sunday, gravure sur bois, 15 x 20 cm, 2018 Page 2 : The Scream, gravure sur bois,15 x 20 cm, 2017 She Dreams of Flowers, gravure sur bois,15 x 20 cm, 2017 Sauna Boys, gravure sur bois, 15 x 20 cm, 2017 Page 6 : Pool Phone Zombies, gravure sur bois, 20 x 15 cm, 2017

7

8

Page 7 : Spotlight, gravure sur bois, 20 x 15 cm, 2018, Page 8 : She Doesn’t Care (If We Stare), gravure sur bois, 15 x 20 cm, 2018 Page 10 : Editioning Double Caesar Sunday, gravure sur bois, 15 x 20 cm, 2018 Page 11 : This Happens, gravure sur bois, 15 x 20 cm, 2018 Page 12 : Sauna Boys, gravure sur bois, 20 x 15 cm, 2018 Page 13 : Mellower Coffee, gravure sur bois, 20 x 15 cm, 2018 We Tried, gravure sur bois, 20 x 15 cm, 2018

9

10

11

12

13

Didier Renard

14

Didier Renard, entre chien et loup La Photographie et la Gravure constituent les deux techniques par lesquelles Didier Renard effectue ses recherches et ses expérimentations. L’image révélée et l’image imprimée se conjuguent au gré de leurs possibilités quasi infinies.

La première est un regard qui capte un fragment de réalité, la seconde la modifie, l’altère ou la reconstruit, semblable et différente à la fois. Cette technique double dévoile une première interrogation sur la notion même de« réalité », trop souvent et bien trop vite associée à celle de « réalisme » dès qu’il est question de photographie.

Didier Renard s’exprime d’ailleurs très clairement à ce sujet : « Je tente de transformer légèrement la réalité ou plutôt la représentation d’une certaine réalité, par le médium photographique et le sténopé* en particulier(la réalité n’étant qu’une vue de l’esprit, la photo n’est jamais qu’une interprétation de la réalité). Ensuite, en changeant de support pour passer au cuivre, cette pseudo réalité devient trace par l’effet conjugué de l’acide et de techniques de gravure (pointe sèche, sucre, perchlorure etc.) L’ensemble forme une altération, une alternative de plus en plus abstraite, mais dont la genèse est bien réelle.

Ou, pour le dire simplement, comme une partition mathématique, c’est-à-dire un ensemble de parties disjointes dont la réunion constitue l’ensemble de départ.

Si l’on regroupait la gravure finale et la photo de départ, on obtiendrait ce que j’ai vu initialement (de mes yeux).

Mais les deux peuvent vivre séparément et ne s’en privent pas » Il touche au caractère organique et protéiforme de la réalité du monde sensible, à sa dynamique, comme est dynamique notre propre regard.

On pourrait y voir hâtivement une démarche conceptuelle, tant il est vrai qu’une véritable réflexion sur l’image et le processus créateur anime son travail.

Mais, dans la plupart de ses manifestations, l’art conceptuel nous a habitués à une négligence délibérée et parfois absolue pour l’œuvre (au sens d’ouvrage) et ses qualités de réalisation.

De sorte que ses résultats sont le plus souvent très éprouvants pour le spectateur. Or les processus techniques préoccupent Didier Renard, avec une exigence, une recherche de qualité et de maîtrise où s’affirme le patient, le soigné, travail de la main.

Et ce travail a pour sujet, quelle que soit la série d’images ou son inspiration, notre rapport au réel.

Là encore, Didier Renard s’est exprimé : « De l’opaque au transparent.

Des formes qui laissent passer le vent, les rayons lumineux qui les traversent.

Enlever à ces formes de la matière, arriver à l’épure, la charpente nue, toucher l’os en gardant le squelette.

Je veux juste donner une clé, que chacun regarde au-delà des fils reliés entre eux par le médium image. Tout est réel, rien n’est la réalité, du sable entre les doigts. » 15

Il nous présente des images de lieux, de choses, de reflets, d’instants, qui sont autant de visions fugitives, brûlées par la lumière ou noyées d’ombre, se délitant sous nos yeux, mais bouillonnantes d’une autre vie que ses interventions graphiques transforment encore. De sorte que l’œil du spectateur peine à reconnaître l’objet représenté (précisément parce que Renard ne re-présente pas), tâtonne dans l’obscurité, s’aveugle de soleil, cherche des repères dans ces formes où surnage un peu de « faux-vrai ».Ces créations ne sont pas pour autant abstraites, pas comme on l’entend généralement en tout cas. Il ne cherche pas à expurger l’image dans une vision de plus en plus synthétique et il ne tourne pas non plus le dos au réel pour créer un « monde en soi », détaché de la moindre référence à la matérialité.

Son travail conserve l’amour de la chose vue, mais le réel dont il nous parle est d’ordre psychologique et renvoie aux interrogations suivantes : « Qu’est-ce que notre œil choisit de voir et quelle est notre mémoire de la chose vue ? ». Cette question de la persistance de l’image, des métamorphoses que la mémoire imprime au vécu, il la traduit directement par sa démarche plastique.

Lorsqu’il écrit les mots : « voyageur immobile, c’est le paysage qui vibre », à propos de sa série « Hublot », il exprime clairement ces rêveries d’un promeneur solitaire sensible à l’espace, mais aussi au temps, à la fugacité, au sentiment de déréliction de l’homme par rapport au monde qui l’entoure. Ceci revêt presque un accent romantique de méditation mélancolique sur les vestiges antiques.

Si ce n’est que Didier Renard nous parle plutôt des ruines de notre mémoire et surtout de toutes les possibilités de renaissance dont elle est capable.

Ne pas en croire ses yeux Le flou transfigure déjà l’image photographique. Renouant avec les techniques originelles de la photographie, Didier Renard en retrouve toute la force d’impact, l’étonnement, le caractère prodigieux. Ce retour aux sources nous rappelle qu’en fixant une image du réel, la photographie propose la trace d’un lieu donné à un moment donné. Mais elle nous amène également à une autre perception du réel. Historiquement, le procédé s’est « amélioré », en cherchant toujours plus de précision, de netteté, de résolution et nous sommes convaincus que le réel pouvait être cette précision dont nos yeux eux-mêmes sont incapables.

C’est oublier que notre rapport au réel est une question de lecture. Nous voyons ce que nous voulons voir, ce que nous sommes, trouvant en l’image ce que nous y cherchons, complétant ce qui est inachevé, cherchant avant tout à donner du sens, à remplir le vide insupportable.

Dans les différentes étapes de son travail, Didier Renard, dès le sténopé, nous révèle une image trouble, vibrante, à la fois enfumée et éblouissante. Il nous la révèle et il la dérobe à notre vue tout autant. Des parcelles d’un réel entr’aperçu dans une sorte d’urgence.

L’œil cherche à y reconnaître un lieu, une perspective, un objet familier.

Mystérieuses par leur imprécision, ces images sont des énigmes ; elles semblent receler un trésor caché et rappellent parfois les clichés clandestins, pris à la dérobée au milieu d’une catastrophe, dans l’urgence d’une fuite.

Elles entraînent le spectateur non pas à regarder, mais à scruter, à débusquer des signes. Le cerveau est mis en alerte par ces recherches et ces expérimentations qui excitent en nous le désir de résoudre un mystère, de retrouver ou reconnaître un souvenir oublié.

16

Les métamorphoses d’une crêpe Ou comment l’image d’une simple crêpe apparaît comme la cartographie d’une lune, pleine et mystérieuse, face visible incandescente et face cachée, contenant en son ombre éternelle tout ce qui se dérobe à notre vue.

Dans cette métamorphose de l’objet banal en astre, ce qui semble intéresser Didier Renard, ce n’est pas la forme initiale ou la transformation réussie. Il ne s’attarde pas sur la stupeur devant le tour de passe-passe ; il n’a pas le goût de la grande prestidigitation. Mais c’est bien le processus de transformation qui est l’objet de ses choix et de sa création, le voyage entre deux états, la dégradation de l’image, sa reconstruction en une autre, comme un processus biologique, une alchimie. L’ambiguïté est le vocabulaire de l’art et même sa grammaire.

L’enfant voit le monstre sous son lit ou dans le tas informe de ses vêtements, le dormeur inquiet crée la silhouette de celui qu’il croit entendre monter l’escalier, les poètes et les fous discernent clairement des corps ou des visages dans les nœuds d’un tronc d’arbre ou les nuages. Seule la raison définit nos visions comme des simulacres. Et il faut parfois en manquer un peu.

Avec Didier Renard, nous ne regarderons plus une crêpe avec la seule idée de la manger.

La suite d’images urbaines « racine de béton » donne l’illusion d’une ville, dont les édifices sinistres produisent un flux organique, qui les transforme. La déformation ne détruit pas, elle marque le retour d’une vie désordonnée et plus forte que tout.

Il nous montre des espaces, des paysages, des architectures, des recoins inattendus ou cachés, mais ses images évoquent surtout le temps, celui qui nous est donné pour les apercevoir et nous en souvenir. L’homme qui traverserait l’existence sans bouger, en demeurant fixement attaché au même point, sans rien changer à son environnement ni à ses habitudes, serait incapable d’empêcher la rotation de la terre sur elle-même et sa course folle dans l’espace. L’objet de sa vision finirait par se désintégrer et se transformer et bien avant que la Nature et le cosmos le fassent, c’est le souvenir qui aurait détruit et recomposé sa vision.

La fin est aussi un début, la mémoire est un deuil, la nostalgie crée une autre réalité et la possibilité d’un renouvellement. Didier Renard nous mène dans un no man’s land, dans un entre-deux entre ce qui est et ce qui a été. Entre la réalité du vécu et la dérive de notre mémoire ; ce qui n’en finit pas de finir et de recommencer.

Bernard Talmazan, mars 2019

17

Pages 14, 17, 18 : l’Arpenteur, gravure sur cuivre techniques mixtes sur papier Hakuryu et marouflage sur sténopé photographique, 20 X 20 cm par pièce (X5 pour l’ensemble), 2016 Page 19 : Terminalis, héliogravure sur cuivre et acide, marouflage sur bois, 20 X 30 cm, 2015.

18

19

20

Graveurs de Gascogne L’IMAGINAIRE AVANT TOUT, ainsi pourrait bien s’énoncer la thématique privilégiée à la 62e exposition de Pointe et Burin qui aura lieu à la Fondation Taylor à Paris du 2 mai au 15 juin 2019.

En premier lieu sera rendu un hommage à Rodolphe Bresdin (1822-1885), célèbre graveur visionnaire ayant œuvré à Bordeaux et qui aura suscité tout autant l’admiration de l’élite intellectuelle et littéraire de son temps par un art voué à un fantastique reposant exclusivement sur la force de l’imagination et s’exprimant au travers d’une maîtrise exceptionnelle de l’eau-forte ; que l’étonnement et la curiosité de ses contemporains pour une vie de bohème des plus romanesques où, malgré ses succès, une misère endémique côtoya un désir d’évasion jamais assouvi hormis dans ses dessins et gravures dont une vingtaine, prêtée par le musée de Bordeaux et par des partenaires privés, sera présentée lors de cette exposition. À leurs côtés, seront également présentées quelques lithographies et gravures de son fidèle élève et disciple, également bordelais, Odilon Redon (1840-1916), éminent artiste symboliste, où l’imagination joue également le premier rôle dans la genèse de l’acte créateur.

L’invité d’honneur sera Philippe Mohlitz dont l’art singulier, propulsé par une maîtrise remarquable du burin, repose là encore sur la primauté de l’imaginaire ; un imaginaire assorti d’une inclination souvent provocante et savoureuse vers le sarcasme et l’irrévérence envers les convenances de notre bien fade et assoupie Modernité.

Ces trois maîtres du Fantastique seront entourés de sept autres graveurs de Gascogne.

En voici la liste : Jean-Pierre David, Michel Estèbe, Blandine Galtier, Olaf Idalie, Charlotte Massip,Jacques Muron, Gérard Trignac.

Une vingtaine d’autres graveurs contemporains participeront à cette exposition.

Signalons par ailleurs que Pointe et Burin édite chaque année deux planches de souscription à l’adresse des collectionneurs.

Elles seront cette année réalisées par Gérard Trignac et Jean-Pierre David, tous deux artistes bordelais.

Un catalogue de l’exposition abondamment illustré avec une préface de Maxime Préaud (voir son titre) et également exposant, sera comme chaque année, présenté au public.

Jean-Michel Mathieux-Marie.

21

22

Page 20 : gravure en soucription : GérardTrignac, la Zone Page 21 : gravure en soucription : Jean-Pierre David : Fuite en avant Page 22 : Rodolphe Bresdin :La Comédie de la mort Page 23 : Philippe Mohlitz : Frontière Sud.

23

Éclats Cyril Bihain Pierre-Jean Foulon Wilfried Pulinckx

24

Éclats Cyril Bihain Pierre-Jean Foulon Wilfried Pulinckx Éditions du Spantole

On a souvent mis en parallèle création d’un livre et réalisation d’une œuvre architecturale.

Même s’il existe des différences radicales entre ces deux activités en termes d’espace et de fonction, il est vrai qu’elles révèlent bien des similitudes, soulignées d’ailleurs par un vocabulaire partagé en commun : volume bien sûr, brique, en un langage imagé, mais aussi frontispice, couverture ou tout simplement maquette et plan.

Dans le cas du livre d’artiste – dont la définition précise n’a cessé jusqu’à aujourd’hui de poser problème –, cette relation à l’architecture est particulièrement sensible et riche de connotations évocatrices. S’il est seul à concevoir et « construire » son livre, l’artiste est dans ce cas tout autant architecte que maçon, planificateur qu’ouvrier. Si, en revanche, le livre d’artiste suppose une répartition des tâches entre de multiples intervenants (concepteur, graphiste, écrivain, créateur d’images, typographe, imprimeur, relieur, doreur…), l’analogie avec l’architecture devient évidente.

Le cas du livre « Éclats » que Cyril Bihain, Wilfried Pulinckx et Pierre-Jean Foulon ont récemment réalisé ensemble est sans doute un peu particulier. Tous trois ont été à la fois architectes et maçons. « Éclats » est une réalisation collective où chacun, en dialogue étroit avec les deux autres, a tenté de faire en sorte que le livre, que d’aucuns qualifieront peut-être « d’artiste », apparaisse comme une entité où l’élément littéraire et la dimension plastique se fondent en une seule et même réalité : celle de mots se mêlant intimement à un univers de couleurs et de formes. Ces dernières, nées d’une longue recherche menée par Cyril Bihain au départ de matières où la lumière joue un rôle essentiel, ont été transposées sur le papier par Wilfried Pulinckx selon une technique sérigraphique dont le fin et précis pointillisme suscite, en ses larges aplats, une constante immersion dans un monde presque kaléidoscopique.

La volonté de présenter le livre sous forme d’un accordéon (déplié dans son intégralité, le livre atteint plus de trois mètres de longueur) accentue sa relation à la thématique architecturale. Chaque fois qu’une double page est tournée, se superposant à la précédente comme une porte qui s’ouvre et se ferme, le lecteur – le visiteur ? – a le sentiment d’entrer dans une pièce nouvelle où il est reçu dans une atmosphère inédite : chaque double page du livre est en effet un espace qui, tout intégré qu’il soit à l’ensemble de l’ouvrage, possède une personnalité spécifique, de la même manière que, dans une maison réussie, chaque volume est à la fois unique mais proche du précédent par sa manière et son style.

Et si le titre « Éclats » semble venir contrecarrer cette volonté d’avoir fait du livre un espace unitaire malgré ses infinies variations colorées, c’est que ce titre, qui pourrait signifier éparpillement ou dispersion, vient en fait de la manière dont sont nées les formes et les couleurs : des éclats de verre disposés en une sorte de mosaïque et photographiés selon une technique de flou photographique ordonnateur de mélanges chromatiques et de miroitements lumineux. Les textes eux-mêmes, rédigés par Pierre-Jean Foulon, se disposent sur les pages comme si les membres de phrases avaient éclaté en séquences destinées à structurer et soutenir l’architecture de l’ensemble. « Éclats » a été publié en 2018 par les « Éditions du Spantole », une presse privée fondée à Thuin (Belgique) au début des années soixantedix. Une cinquantaine de titres ont été publiés à ce jour. Beaucoup l’ont été en typographie manuelle. Certains ont été illustrés de bois gravés, de lithographies ou de linogravures. « Éclats » constitue la première réalisation en sérigraphie des « Éditions du Spantole ».

Pierre-Jean Foulon Éclats. Concept et images : Cyril Bihain.

Typographie et sérigraphie : Wilfried Pulinckx.

Textes : Pierre-Jean Foulon. 8 doubles pages.

28 x 21 cm. Accordéon. « Éditions du Spantole » : 12, rue du Fosteau B-6530 Thuin www.editionsduspantole.be 25

26

27

28

Pierre-Jean Foulon Conservateur honoraire au Musée royal de Mariemont (Belgique), où il a été en charge pendant trente ans de la Réserve Précieuse et de la collection d’estampes (notamment le fonds Félicien Rops). Initiateur, au début des années quatre-vingt, de la collection de livres d’artistes contemporains. Ancien maître de conférences aux universités de Namur et de Liège.

Auteur de divers ouvrages sur l’art, le livre, la bibliophilie, les musées et d’une vingtaine de recueils poétiques, notamment L’ombre des aunes (Prix Maurice Gauchez 1983) et Ver (Prix Robert Goffin 1984), Soixante métaphores irrésolues (2000), Voyage au pays du néant provisoire (2015), Los du troupier postmoderne et de ses acolytes (2018).

29

30

Thierry Mortiaux Queue de poisson

Le Salon d’Art du 13 mai au13 juillet 81 rue de l’Hôtel des Monnaies 1060 Bruxelles lesalondart@skynet.be

31

Thierry Mortiaux est né en 1973, à Namur.

Romaniste, il a commencé la gravure à 30 ans, dans l’atelier d’Anne Kellens, qui l’a toujours bien laissé tranquille.

Georges Meurant est né à Etterbeek le 18 mars 1948, il est un peintre et essayiste belge.

32

à l’épreuve du vivant Thierry Mortiaux grave sur zinc des planches conçues pour de faibles tirages, en noir exclusivement. Ses estampes ignorent l’incision et ses reliefs francs (voire ses barbes) émergés de l’eau que le métal encré et paumé impose sous forte pression, en creux, au papier.

Elles suscitent la vision moins immédiate d’une tension spatiale, l’énergétique induite par l’exactitude de contrastes progressivement actés au fil d’un travail à l’acide de très haute qualité.

Une eau-forte légère campe la composition d’un trait ténu que complètent ou oblitèrent les filtres d’un subtil jeu de morsures naturelles et surtout d’aquatintes, qui généralement fait l’économie du tracé pour affirmer les contours.

Une habile gestuelle du pinceau distribue les formes, parfois des réserves au sucre ou des empreintes au vernis mou (textures, textiles), dans une succession savante de phases qui nourrissent les surfaces, depuis les gris des plus légers jusqu’aux noirs des plus denses.

Il advient qu’il faille diminuer certaines intensités au racloir - brunissoir, ou compléter des apories à l’eau-forte.

De tous ces traitements résulte un foisonnement de valeurs, de grains et d’aspects dont l’ensemble, perçu avec du recul, concourt à la prégnance d’un espace vertigineux de profondeur ou de surgissement, dont une variété de stratégies d’envahissement du support organise la topologie selon une oblique ou/et l’autre, verticalement ou/et horizontalement, en ovale ou en spirale et d’autres configurations sans doute, ou encore par la combinaison de plusieurs dynamiques.

Mortiaux ne craint pas de nous confronter à la complexité.

En complément, mais à l’opposé, l’attachement au détail, notamment par percées sur des scénettes minuscules très sensibles, livre le spectateur aux errances des sens orchestrées par contrastes, ou par paradoxes à celles du sens, sauf à tenter en vain le décryptage des jeux de significations nouées par l’esprit malin d’un lettré singulièrement cultivé, à l’humour dévastateur, dont la mémoire photographique nourrit d’aperçus véridiques l’imagerie délirante

que son dessin exceptionnel offre à notre vue.

L’œuvre exalte l’attente de ses figures d’être rencontrées chacune en particulier.

Les écarts creusés sont certes d’ordre énergétique, mais aussi symbolique ou psychologique. Des géants et des nains sont distribués sans logique relativement aux fragments de perspectives construites par les quelques décors et mobiliers.

Les petits personnages ne sont pas moins importants que les grands. Les apparitions tirent leur gravité de leur ancrage au sol par leurs ombres. Déchiffrage ou errance parmi tout un monde, la découverte se fera selon l’ordre institué par le spectateur. Tel s’émerveillera du foisonnement de la vie, tel autre rira d’une comédie humaine menacée de décrépitude.

Quelle imagination libérée planche par planche au rythme d’une par jour !

Les frasques enchaînent une galerie de tableaux - si ce ne sont les cases plutôt picturales d’une immense bande dessinée (elles se comptent par centaines, par milliers peut-être) - sans que s’en distinguent d’autres continuités que par la facture et l’esprit, qui n’évoquent véritablement aucun autre créateur. Devons-nous sonder les mystères des états d’âme que nous livrent ses exploits, en psychiatriser les masques ?

Thierry Mortiaux ne dit rien de ses intentions.

Les titres de ses gravures ne sont guère plus bavards. Si suggestive soit-elle son imagerie ne réduit pas l’estampe à la communication exigée au titre de prétendue raison d’être de l’art par la culture consumériste qui nous régit. En deçà ou au-delà de l’identification de ses formes, elle est prétexte à la spatialité, cette tension biopsychique qui émane de l’œuvre plane accomplie dans la maîtrise du métier - active sur la sensation que nous avons de nous-mêmes - qui nous attire à elle et s’impose à nous avant que notre intellect n’en traduise les pulsions en termes d’affects, c’est-à-dire d’adhésion ou de rejet.

Georges Meurant

33

34

Pages 36 - 37 : Paradis, 35,5 x 38 cm, 2017 Page 38 : Volière, 28 x 32 cm, 2018 En Chine, 2017, 38 x 40 cm, 2017 Pages 42 - 43 : Rivière, 2017, 36,5 x 37 cm, 2017 Page 44 : Au Grand Café, 45 x 46,5 cm, 2018 Cuisine de l’homme en noir, 18,32 x 34,5 cm, 2018.

Page 37 : Le Cheveu blanc, 37 x 36 cm, 2018. .

35

36

37

L’attrape-rêve Propos recueillis par Loïc Le Bail Café Louise, rue du Pélican, Paris, 22 mars 2019 –Je t’ai apporté quelques photos pour te montrer mon travail, ça commence par les dernières, avec des oiseaux et des végétaux.

En alternance je travaille sur des études de corps en relation avec le végétal ou avec l’animal, où l’homme se métamorphose parfois.

Voici, en manière noire, un « pied ailé » qui illustre le poème « L’aube animale » (*). C’est issu de mes pérégrinations dans les musées. À l’occasion d’une expo sur le maniérisme, j’ai vu un détail d’une sculpture de Donatello qui s’appelait un « spiritello ». Ce personnage qui est mi - homme mi - animal m’a plu. À ce moment là, je faisais des travaux sur les pieds comme rapport au sol et à la terre. Je me suis approprié un détail de la sculpture de Donatello et au lieu du pied d’origine j’ai greffé mon propre pied.

C’était une gravure entre le rêve et l’éveil.

Je faisais alors des études de mon corps, assez intimes que je n’ai jamais montrées en exposition, sauf une à la biennale de Sarcelles. Cette image-là, « Endormie », parle de l’abandon dans le sommeil, combinant mon goût pour le clair-obscur et les empreintes de végétaux.

J’aime toujours beaucoup les acides, qui apportent de la spontanéité dans le travail, de l’inattendu, des accidents.

Et puis j’ai fait cette gravure, qui évoque un peu la tapisserie de La Dame à la Licorne, intitulée « A mon seul désir » : à partir de là je me suis décidée à ne faire que des choses qui me plairont à moi, issues de mon univers intérieur, et ne coïncident pas forcément avec le goût de l’époque…

Ici toujours les oiseaux qui reviennent, ce sont des gravures récentes, soit en manière noire pure, soit manière noire et acide en vis à vis.

Cette image-ci est issue du souvenir d’un rêve.

Il ne me restait en mémoire au réveil qu’une image, très forte, d’une main qui me présentait une fleur en offrande… J’ai cherché à identifier cette fleur qui évoque un lys comme ceux que l’on voit dans les tableaux de l’Annonciation.

38

Une main tendue sans corps, comme dans les films de Cocteau. J’ai eu envie du rendu le plus réel possible en reprenant la main de la personne que je pensais qui m’offrait la fleur. La manière noire permet une précision extraordinaire pour les éléments corporels.

La fleur qui ressemblait le plus à celle de mon rêve était un magnolia.

Donc ce travail est devenu aussi un ex-voto, comme les autres fragments de corps, comme une prière pour obtenir une bénédiction, ou une guérison.

yvonne Alexieff

39

« Broussailles » est une gravure où j’ai traité la manière noire comme une radiographie, avec toujours le rapport au corps, au corps intérieur, un corps irréel parce qu’on ne le connaît pas. C’est une salamandre, dont on voit le squelette et qui porte des œufs.

J’ai essayé de l’habiller un peu.

C’est une métamorphose parce qu’on voit à la fois l’intérieur devenir extérieur. J’avais bien aimé le côté fantomatique et apparition, et le mouvement général en relation avec ce mouvement d’empreintes de racines que j’avais « jeté » au hasard.

En fait ça se construit souvent comme ça, ça part d’une tache ou d’une forme qui me plaît et après je me laisse porter par ça, j’essaie de l’accompagner, et au fur et à mesure je me rends compte que ce n’est plus du tout un hasard. C’était la forme qui aurait eu un sens, qui m’aurait parlé, qui parle à travers moi et qui devient mon support, je ne sais pas dans quel sens ça se passe.

Ici, c’est « Goupil rêve ».

L’état du rêve est représenté par une chute en surimpression. Il y a un chine collé sous forme de monotype et cette fois-ci des empreintes où la couleur apparaît légère comme dans les images résiduelles du rêve qui s’effacent.

Ici un corbeau monumental. Une tourterelle.

La représentation de l’animal donne une grande liberté, on peut y mettre de l’humour. Le regard de l’animal est exactement celui d’un être.

La cause animale et de la nature sont pour moi des sujets récurrents essentiels.

Pour cette poule « Elégante », j’avais eu envie de morsures à l’acide en lavis pour la beauté des matières. J’aime tous les rendus de la gravure à l’acide venu de la superposition des hasards, c’est assez pictural, ce n’est pas de la gravure de la ligne, mais de la gravure des surfaces, des matières, avec des effets de lavis, de transparences. Ici comme dans « Goupil », un petit besoin de couleur s’est manifesté par des chine collé.

Maintenant je m’intéresse à la couleur plus directement. Si je fais de la gravure en noir etblanc, c’est parce que mon grand-père était photographe. Il m’a donné le goût pour les images en noir et blanc et leur sensualité.

40

Expatriée, la seule chose qui me reste, c’est les photos de mon grand-père, d’un monde disparu, et d’une beauté inaltérable Maintenant je m’intéresse à la couleur plus directement.

Si je fais de la gravure en noir et blanc, c’est parce que mon grand-père était photographe. Il m’a donné le goût pour les images en noir et blanc et leur sensualité.

Expatriée, la seule chose qui me reste, c’est les photos de mon grand-père, d’un monde disparu, et d’une beauté inaltérable Je pense que tout est dans le noir et blanc.

Il n’y a pas besoin de couleur, sauf quand çadevient une nécessité.

La dualité noir et blanc et couleur est une possibilité dont j’ai pris conscience en voyant l’exposition “La Gravure en clairobscur” au Louvre. Entre 1510 et 1650 on utilisait juste une plaque de couleur, souvent du bois, et une plaque au burin pour le noir.

Et puis ici, des jardins, des roses. Il y a une dimension saisonnière dans les thèmes que j’aborde. Pendant l’été, parce que je suis loin de l’atelier et des acides, je me porte sur la manière noire, dans cette dimension quasi photographique, qui m’évoque mon grand-père.

Chaque été je fais une ou deux plaques de roses. Comme les beaux jours reviennent, je commence à avoir envie de nouveau de graver des roses. Mon corps est programmé sur un mode naturel. Ainsi je n’arrive pas jusqu’à la fatigue d’un thème. C’est saisonnier.

“

Canopée” montre un univers un peu suranné et onirique. Plutôt que de refaire des empreintes pour représenter le feuillage, je me suis amusée à un jeu plus fantaisiste en me servant d’empreintes de tarlatane pour suggérer la lumière dans la transparence des feuillages, avec plusieurs strates de vernis mou, et par-dessus quelques empreintes au sucre.

C’est pour avoir à nouveau cet effet de distance, pas une hyperréalité pour une fois, mais une réalité reconstituée avec cette idée bricolage qu’on ressent chez Starewitch, le réalisateur russe de films d’animation du début du vingtième siècle, qui a fait plusieurs films sur les fables de La Fontaine, avec des animaux qu’il fabriquait lui-même.

L’image des choses de la réalité avec des éléments symboliques.

- Ta dernière gravure. … qui est encore sous presse. “L’attrape-rêve”.

Graver pour moi, ça n’est pas théorique.

Les idées viennent par la tactilité de la technique et le rapport à la matière. C’est un processus à élaboration longue, délicat, notre moral est souvent mis à l’épreuve quand il y a des accidents. Pour la dernière plaque, ça a duré au moins cinq mois.

C’est une épreuve sur la durée.

J’essaie de me mettre en état de penser que je fais des images nécessaires, des images très simples qui peuvent être perçues simplement et qui recèlent une vérité simple, intérieure, ou vitale. Ca parle de notre conscience actuelle de la planète et de notre fragilité.L’observation, c’est toujours sous-jacent, avec l’idée du temps qui passe… pour moi la gravure peut être une prière.

L’art est une pratique que je considère du même niveau que la philosophie, la mystique, et qui se traduit chez moi par un dialogue intérieur fort. Une façon d’accompagner la vie, comme une respiration.

Yvonne Alexieff est née à Sofia.

Elle a vécu à Milan et à Londres avant de s’installer définitivement à Paris, après ses études aux Arts Décoratifs , où elle a commencé le travail de taille douce avec Jacques Frélaut.

Yvonne Alexieff enseigne la gravure depuis 1990. Elle est responsable de l’atelier de gravure du 13ème arr de Paris-Ateliers www.yvonnealexieff.fr

Page 38: Page 39: Page 42 : Canopée,vernis mou,eau forte, 38 x 38 cm Summerlights, manière noire, 17 x 23 cm Elegante poulette, vernis moi , aquatinte, pointe sèche, 30 x 40 cm Page 43 : Page 44 : Page 45 :

41

42

- Un désir d’une réalisation esthétique ?

J’ai un regard très respectueux par rapport à l’histoire de l’art. L’art me permet de comprendre et de me relier.

Une compréhension qui passe par des émotions immenses. Il est question des choses autour desquelles j’ai envie de parler aussi, mais sans comparaison ni compétition, simplement parce qu’il faut que ça soit dit.

Ceux qui nous ont précédé ont ressenti et ont rendu compréhensibles des choses qu’on n’aurait pas comprises sans eux.

Ils nous mettent au monde. En continuant on se met au monde soi-même. Et peut-être va-t-on aider quelqu’un d’autre à naître aussi.

C’est un travail de transmission.

Je suis aussi très sensible à ce qu’il y a de vital chez les plantes et les animaux qui n’ont pas une pensée structurée comme la nôtre mais qui expriment la vie tout court, avec une très grande puissance esthétique.

C’est une façon aussi de donner la parole à des phénomènes silencieux à travers un art silencieux qui est un art sans paroles.

Mais au fond tout est parti du rêve. S’intéresser aux rêves nous explique beaucoup sur nous-mêmes, sur la vie et le monde.

- Ce n’est pas une psychanalyse, mais il y a des révélations.

J’essaie de capter simplement ce qui me touche. En fait j’ai l’impression de rentrer dans la matière de la vie comme on rentre dans la matière de la plaque. Je dirais même qu’on fait un travail sur la réalité, pas seulement en soi-même, cela semble aller beaucoup plus loin.

Une façon de penser les choses.

A travers les outils qu’on acquiert et qu’on apprend à maîtriser, on va penser différemment l’image et aussi la manière de voir, c’est un nouveau vocabulaire qui se donne, comme des mots.

Toute la vie on va être dans l’appétit de connaissances techniques, et dans le désir de dépasser la lourdeur de la matière inerte…

Il y a des révélations qui se font pendant l’élaboration de l’image.

Et puis il ne faut pas démystifier les choses, ni mettre des mots sur les choses.

Je préfère mettre des images sur les sentiments et les pensées. Et les images qui sortent racontent ce qu’on est, ce qu’on vit, ce qu’on traverse et aussi où on va aller.

Les artistes ont la vocation de rendre visible.

43

44

45

Shohei UCHIDA 1977 1999 - 2012 2007 - 2011 2012 - 2015 Juillet 2016

Né à Okayama, au Japon.

Ingénieur clinique dans un hôpital.

Faculté d’arts (gravure) Musasino Art University, Japon.

Cours de gravure sur cuivre, Atelier Contrepoint à Paris.

Assistant d’impression pour Hector SAUNIER. Commencement de l’Atelier ACHI à Kurashiki au Japon.

Ce que j’ai toujours recherché avec intérêt, c’est l’existence de moi-même et des univers dont j’ai connaissance.

Créer est un moyen de me reconfirmer. Faire remonter à la surface ce qu’il y a au fond de moi.

L’inversion de l’impression, ou bien la matière, et une forme inattendue d’échec, cet accident particulier à la gravure est comme un questionnement de soi, grâce auquel on peut se redécouvrir.

ShoheI UCHIDA

Page 52 : Une marche de vent, eau-forte, 29cm × 29cm, 2018 Page 53 : Son de la ville, burin, eau-forte, 40cm × 30cm, 2015 Pages 54 - 55 : Quelque chose attend, burin, eau-forte, 35cm × 59cm, 2018.

46

47

48

49

’atelier Achi

L est créé en 2016 à Kurashiki, dans la préfecture d’Okayama, au Japon, par M. Uchida.

Kurashiki est connue pour ses rangées de maisons japonaises traditionnelles, et ses activités artistiques populaires.

L’atelier Achi est calqué sur les installations de l’Atelier Contrepoint à Paris, où M. Uchida a étudié l’impression sur cuivre.

Il pratique la « Méthode des couleurs simultanées » (technique des viscosités) développées dans l’Atelier 17 et l’Atelier Contrepoint.

Actuellement, beaucoup de jeunes artistes s’y forment et y travaillent.

Chaque année, l’atelier organise une exposition porte ouverte.

En mars 2019, il y a eu une exposition conjointe de jeunes artistes parisiens et d’artistes de l’atelier Achi au Kurashiki city art muséum.

Les artistes, les voyageurs sur le chemin de la création.

Le «Rond-Point» fait référence aux jonctions circulaires installées sur les routes en ville.

La particularité du Rond-Point est qu’il s’agit d’une intersection “route” au lieu d’un “point” d’intersection. Ce n’est pas un point où chaque direction passe momentanément, mais une “route” qui va dans la direction dans laquelle vous vous dirigez. Il y a donc un temps à passer avec les autres. Les routes de plusieurs directions sont reliées une fois par rond- point, font le tour, et sortent à la route menant à la prochaine direction. Et à la suite de la route, il y aura un autre rond-pont.

Les artistes sont des voyageurs qui vont dans un voyage nommé “la création”.

Nous cherchons nos propres moyens d’expression, un lieu de travail. Nous rencontrons des amis qui partagent la passion de la création, on se quitte parfois, et se retrouve…

Nous sommes des artistes avec des créativités diverses et qui sont venus de différentes régions du monde, nous nous sommes rencontrés dans un petit atelier de gravure à Paris. Après avoir partagé un moment de vie y compris la création de gravure, un est rentré à son pays d’origine, un est parti dans un autre pays. Et ainsi de suite dans de nouveau lieux, de nouvelles relations et activités entres des artistes naissent. L’atelier Achi est l’un d’eux.

Pour approfondir sa propre “direction”, de différentes manières, en répétant les rencontres, les séparations et les retrouvailles, nous avons superposé notre démarche sur “Rond- Point” comme titre de l’exposition.

50

Kayoko Konomi, avril 2019

En 1947, le peintre et graveur Stanley William Hayter, Joan Miró et le poète Ruthven Todd, travaillent à retrouver les techniques utilisées par William Blake pour créer ses fascinants « imprimés enluminés ». Les recherches du petit groupe d’artistes surréalistes aboutissent à la mise au point par Hayter d’une méthode d’impression simultanée des couleurs en un seul passage : la « technique des viscosités». source : www.preo.u-bourgogne.fr

.

51

52

53

11e Biennale internationale d’estampe contemporaine de Trois-Rivières

La Biennale internationale d’estampe contemporaine de Trois-Rivières (BIECTR) présente, dans le cadre de sa 11e édition, une émouvante sélection d’œuvres réalisées par 53 artistes provenant de 21 pays, dont le mode de pratique et de recherche est l’utilisation de techniques dites classiques.

Ces artistes fréquentent l’estampe pour son esthétisme unique, les effets de texture, l’intensité des noirs, pour la richesse des couleurs, la finesse du trait gravé, la relation avec le papier, le pouvoir poétique de la matière et la charge émotive entre le geste, la matrice et l’œuvre imprimée. À Trois-Rivières, ville d’histoire et de culture, la 11e BIECTR propose des choix artistiques orientés vers la mise en valeur des discours et des pratiques contemporaines tout en présentant la réactualisation du médium de l’estampe dans le contexte actuel.

54

Le jury composé de Nadine Bariteau, artiste et professeure de la ColombieBritannique ; de Jean-François Bélisle, conservateur en chef et directeur du Musée d’art de Joliette ; de Mylène Gervais, artiste et professeure à l’Université du Québec à Trois-Rivières ; de Tania Girard-Savoie, artiste de Québec, et de Françoise Pétrovitch, artiste de la France, a sélectionné sur 445 dossiers la cinquantaine d’artistes de cette édition. De juin à septembre, le public appréciera cette sélection unique, non seulement dans les quatre lieux d’exposition principaux, au cœur de Trois-Rivières, mais aussi pour une première collaboration au Musée d’art de Joliette où cinq œuvres et une matrice seront exposées.

Il est facile de remarquer, par le nombre d’inscriptions à notre appel de dossiers, que la discipline de l’estampe est loin de s’essouffler et que les artistes valorisent l’utilisation de la matière pour la réalisation de leur matrice. Sur l’ensemble des artistes sélectionnés, 25 % d’entre eux font partie de la relève. L’intérêt pour ces pratiques est un signe révélateur du développement d’un discours polysémique qui présente des préoccupations artistiques universelles et intergénérationnelles.

Les choix de la direction artistique, dans la création de l’événement principal, participent de la pédagogie et de la zdémocratie.

Ouverte sur le développement et le renouvellement des propositions, la biennale favorise un rayonnement accru des artistes et une large diffusion des œuvres présentées. Tandis que son circuit artistique, mêlant expositions et activités parallèles, structuré par l’établissement d’un réseau de collaborateurs dynamiques aussi bien à Trois-Rivières, Champlain et Nicolet qu’à Victoriaville et Joliette, permet d’offrir diverses avenues de réflexion sur la pratique et l’exploration de l’art d’impression. Les propositions artistiques de ces projets satellites ainsi que les options scénographiques privilégiées de l’événement principal participent également au développement des auditoires, à la présentation d’expositions par commissariat et à la vulgarisation des procédés d’impression par la médiation culturelle. Elles tendent à démontrer au public averti ou amateur tout le potentiel de l’estampe. La BIECTR, avec le temps, est devenue une réelle référence internationale, et il est de notoriété publique que les lauréats de notre événement sont souvent invités à participer à différentes manifestations artistiques d’envergure internationale.

La BIECTR laisse la parole aux artistes sans censurer leurs propos. Mais pour faciliter la visite de la 11e BIECTR, Jo Ann Lanneville et moi avons regroupé les estampiers sous sept verbes qui illustrent bien la volonté de l’artiste d’être acteur plutôt que spectateur : témoigner ; singulariser ; contempler ; exprimer ; tracer ; conceptualiser et détourner.

Cette année, nous avons confié à la poète émergente Vanessa Bell, la rédaction des textes poétiques pour accompagner la présentation des groupes et ainsi bonifier l’expérience du parcours en permettant au public de lire ou d’écouter ses mots durant la visite.

Un retour en force du noir et blanc classique, auquel s’ajoutent quelques rares œuvres colorées, donne le ton à cette 11e édition : une mise en valeur de l’essence même d’une tradition de la discipline en vue de transposer sans artifice les humeurs sociales actuelles et internationales. Cette présentation de 2019 est à l’image des grands bouleversements sur la planète tout entière : l’environnement, la critique sociale et politique, la manifestation citoyenne, la solitude, le quotidien, le droit de parole et la liberté. Par différentes démonstrations, les artistes nous les communiquent habilement.

La visite de la 11e édition laisse entrevoir certaines avenues marquées de prises de conscience, d’inquiétudes ou d’humour caustique. Dans cette édition regroupant 53 artistes, l’invitation au dialogue est lancée.

Un sentiment d’ouverture aux changements est donc possible ! Élisabeth Mathieu, directrice générale et artistique.

55

56

Artistes sélectionnés de la 11e BIECTR 53 artistes provenant de 21 pays Janet BALLWEG – États-Unis | Carlos BARBERENA – États-Unis | Sandra BAUD – Suisse Bonnie BAXTER — Québec, Canada | Julie BELLAVANCE — Québec, Canada Lurdi BLAUTH — Brésil | Henriette BOERENDANS — Pays-Bas Louise BOISVERT — Québec, Canada | Ernesto BONATO — Brésil Yael BROTMAN — Ontario, Canada | Monika BRZEGOWSKA — Pologne Marianne CHEVALIER – Québec, Canada | Cléa DARNAUD – France | Mehdi DARVISHI — Iran Amalia DE LORENZI – Wallonie-Bruxelles | Olesya DZHURAYEVA — Ukraine Maria ERIKSON – Suède | Ariane FRUIT – France | Laine GROENEWEG – Ontario, Canada Vanessa HALL-PATCH — Colombie-Britannique, Canada | Marie HELPIN — France Víctor Manuel HERNÁNDEZ CASTILLO — Mexique | Alison JUDD—Ontario, Canada Sohee KIM — Corée du Sud | Łukasz KONIUSZY – Pologne | Luis LAMOTHE – Cuba Michelle LASALLE — Québec, Canada | Hélène LATULIPPE — Québec, Canada Ellen Karin MAEHLUM — Norvège | Luce MEUNIER — Québec, Canada Vladimir MILANOVIĆ – Serbie | Carles MITJÀ – Espagne | Sean P. MORRISSEY – États-Unis Isabel MOUTTET — France | Thamrongsak NIMANUSSORNKUL – Thaïlande Emma NISHIMURA – Ontario, Canada | Virginie PARR — Québec, Canada Michèle PELLEVILLAIN – France | Sebastian PEÑA ZAMORA — Chili | Jirka PFAHL – Allemagne Lucile PIKETTY – France | Kevin POMERLEAU – États-Unis | Jenny ROBINSON – États-Unis Anne ROLLAND – France | Christiane ROY – Québec, Canada | Jelena SREDANOVIĆ – Serbie Phoebe TODD-PARRISH — Ontario, Canada | Anna TROJANOWSKA — Pologne Robert TRUSZKOWSKI – Saskatchewan, Canada | Anne VALKENBORGH — Wallonie-Bruxelles Mathieu VAN ASSCHE — Wallonie-Bruxelles | Stuti VASAVADA — Inde Tomasz WINIARSKI — Pologne

57

© Yvonne Alexieff

58

rue de l’hôtel des monnaies, 81 - 1060 bruxelles - 02 537 65 40 - www.lesalondart.be

présente

Gravure, En Chine, 2017, 38 x 40 cm

queue de poisson

thierry mortiaux estampes

du 13 mai au 13 juillet 2019

vernissage le lundi 13 mai de 18 à 20 h 30 salon ouvert du mardi au vendredi de 14 h à 18 h 30 le samedi de 9 h 30 à 12 h et de 14 h à 18 h congés d’été du 15 juillet au 17 août 2019 Poisson, s. m. « On sait que les vrais poissons, les poissons à ouïes, ne s’accouplent pas. » Bonnet,

Comme ils sont beaux dans leurs habits de fête, comme ils sont fiers dans leurs vêtements de peau ! Si seulement

59

60