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Super 8

No 3 Enero 20


Editorial

Contenido En portada: Pedro Almodóvar El cine también se escucha: Alejandro Amenábar

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Del papel a la pantalla: El amor en los tiempos del cólera

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Tesoros fílmicos: Matador

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La mente maestra: Pedro Almodóvar

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Maestros del terror: Tesis

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El remake: Lolita

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Había una vez: Cine directo

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Top Five: Los mejores actores western

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En cartelera

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El sexo, el amor, el placer son todos términos que se encuentran sujetos a los convencionalismos sociales. Sin embargo, las distintas formas de expresión de éstos no se sujetan a ninguna ley previamente establecida. Cada persona cuenta con su forma propia de vivirlas y representarlas bajo sus propias concepciones y parámetros que muchas veces escapan de lo común, y debido a ello son criticadas y mal vistas por la generalidad de la población. Pero en cuanto al arte se refiere existen escritores, pintores y claro, directores de cine que desafían lo establecido y plasman de manera contundente sus concepciones, que por más burdas o violentas que nos puedan parecer, no por ello son menos reales. Lo cierto es que estas expresiones logran una identificación tan amplia con el público que se convierten en referentes para toda una cultura, ello demuestra que no siempre lo convencional o establecido es realmente lo que pensamos o se refleja en la manera en la que actuamos. En este número de Super 8 hablaremos de ese tipo de artistas, que con su visión diferente y quizá escandalizadora de la vida, extraen la forma más natural del pensamiento humano que es a su vez la que más pudor y reticencia nos provoca.

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Número 3 Editor: Azucena Mecalco Arte y Diseño: Evelin Montiel, Azucena Mecalco Redactores: Evelin Montiel, Azucena Mecalco, @Amaury1984 Diseño Web: Evelin Montiel México Distrito Federal 20 de enero de 2013


El cine también se escucha

Alejandro Amenábar, el todólogo del cine Por Evelin Montiel

P

ocas veces pueden verse personalidades en el mundo del cine que se desempeñen desde sus inicios en más de una tarea. La mayoría se inicia como actor y, de acuerdo a las oportunidades que se presenten, saltan como productores o directores. Sin embargo hay ocasiones en que aparecen personas como Alejandro Amenábar que derrocha talento y conocimiento, permitiéndole desempeñar varios roles en sus trabajos cinematográficos. Este actor, director, productor y además guionista español, en su corta carrera ha cosechado grandes triunfos gracias a cintas como Tesis (1996), Abre los ojos (1997), The Others (2001) y Mar adentro (2004) por la cual obtuvo un premio Óscar en la categoría de Mejor película de habla no inglesa. Lo interesante de estas producciones es que contaron además de la dirección y producción, con la musicalización de Amenábar quien, aunque no lo parezca jamás

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tomó una clase profesional de música. Mientras estudiaba en la Facultad de Ciencias de la Información en la Universidad Complutense de Madrid, Alejandro se dio cuenta con pesar que sus compañeros poseían poco sino es que escaso conocimiento del uso de las cámaras cinematográficas. Fue entonces cuando decidió emprender su aprendizaje de manera autodidacta. Entre 1991 y 1995 realizó cuatro cortometrajes y como es común en los inicios de todo cineasta, le tocó jugar en todos los roles para la realización de éstos. Es así como aprendió música de manera autodidacta para musicalizar sus trabajos. Tiempo después conocería a Guillermo Fernández Groizard con quien realizaría algunas mezclas musicales para cortometrajes universitarios, probando así su talento en este rubro. Sin embargo no fue

hasta 1996, cuando se estrenó su primer largometraje titulado Tesis, que su trabajo como compositor se dio a conocer. Para el soundtrack de la cinta, a Alejandro no le dieron la posibilidad de tener a su disposición una orquesta debido a la falta de presupuesto así que ajustándose a la si-

Imagen de la cinta The Others, 2001

tuación, tomó su computador y con ayuda de Mariano Marín comenzó a trabajar en las mezclas. El resultado fue favorable y con buenas críticas, aunque Amenabar ha declarado que si algún día pudieran cumplirle un capricho, ése sería rehacer Tesis, esta vez teniendo como banda sonora una orquesta. Años más tarde llegaría el trabajo de The Others, con lo que se daría a conocer en el cine de habla inglesa que lo acogió gratamente. La cinta posee un gran desarrollo argumental y está llena de sorpresas lo cual podría compararse con El sexto sentido debido a la encrucijada que se narra entre vivos y muertos. En esta cinta, además de dirigir, Amenábar vuelve musicalmente, demostrando su considerable talento. Como resultado,  The Others, es sorprendente, sus giros en el curso musical del thriller hacen que mientras las secuencias corren, uno

Imagen de la película Tesis 1996

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mundial, y aunque la mayoría se enfocó en su trabajo como director ahora sabemos que este todólogo del cine también fue responsable de la musicalización, que es pieza fundamental en una película. ¿quién mejor que el director y guionista para elegir los tonos que debe llevar cada melodía en las secuencias? ¿Quién mejor que Amenábar para cumplir estos roles al mismo tiempo? Una cosa es cierta, y es que con esto el joven Alejandro le ha dado una lección no sólo al cine español sino en el mundo entero y es que no se necesita ser el más famoso, el más veterano ni el más adinerado en la industria para lograr grandes trabajos, talento señores, talento y un poco de dedicación son la pieza clave.

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Mar adentro

Poema de Ramón Sampedro

de se lleve más de un susto. La primera canción, The Others, es una hermosa pieza que cuenta con instrumentos de viento y metal en sus primeros momentos y más tarde en las voces y cuerdas, la pista lógicamente vuelve al oyente un manojo de nervios.  En el segundo tema del soundtrack Amenábar fue capaz de mezclar sonidos que fueron de lo escabroso a lo infantil, obteniendo así una retorcida y escalofriante melodía de la misma manera que Elmer Bernstein hizo con To Kill a Mockingbird. Wakey Wakey es una pieza para piano combinado con clavecín y el violín, lentamente, casi espiritual, que serpentean alrededor de acompañamiento de cuerdas sutiles. Sin duda para los amantes de la oscuridad, estas piezas deben ser una joya. Después del thriller llegó el drama. En Mar Adentro, Amenábar buscó

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retratar toda el sentimentalismo, la fortaleza, el ímpetu y a la misma vez la fragilidad que posee la vida. Basada en hechos reales, la historia narra los últimos días de un hombre que padece una enfermedad terminal cuya razón lo lleva a practicar la eutanasia. El reto era grande, sin embargo Amenábar pudo lograr una banda sonora considerada por muchos impecable, que funcionó de manera perfecta para los momentos más importantes de la película.

Para su venta, el soundtrack fue editado por Sony Music, quien colocó en la portada un poema escrito por Ramón Sampedro (en quien se basó la cinta). Este poema fue musicalizado y fue elegido para el final. Aquí se escucha la voz del personaje principal interpretado por Javier Bardem. La cinta le valió un premio de la Academia y el reconocimiento

Mar adentro, mar adentro. Y en la ingravidez del fondo donde se cumplen los sueños se juntan dos voluntades para cumplir un deseo. Un beso enciende la vida con un relámpago y un trueno y en una metamorfosis mi cuerpo no es ya mi cuerpo, es como penetrar al centro del universo. El abrazo más pueril y el más puro de los besos hasta vernos reducidos en un único deseo.

Tu mirada y mi mirada como un eco repitiendo, sin palabras “más adentro”, “más adentro” hasta el más allá del todo por la sangre y por los huesos. Pero me despierto siempre y siempre quiero estar muerto, para seguir con mi boca enredada en tus cabellos.


Del papel a la pantalla

EL

AMOR TIEMPOS MÁRQUEZ EN LOS

DE

Por Evelin Montiel

-Aprovecha ahora que eres joven para sufrir todo lo que puedas, que estas cosas no duran toda la vida- le dice Tránsito Ariza a su hijo Florentino, en uno de los tantos brotes de ansiedad y tristeza que el muchacho padece por efectos de la enfermedad del cólera. O del amor. No queda claro.” ¿A cuántos no enamoró esa simple frase? ¿A cuántos no les hizo recordar un viejo amor o peor aún, un amor presente? Esa es la capacidad que posee Gabriel García Márquez quien nos regaló una magnífica obra titulada El amor en los tiempos del cólera, considerada por muchos su mejor novela, mejor incluso que Cien años de soledad.

García Márquez publicó esta novela en 1985. En ella, el escritor colombiano narra la historia de una obsesión: el amor que Florentino Ariza sintió por Fermina Daza, un amor que duró toda una vida, más allá del rechazo, del tiempo transcurrido y del encuentro con otros cuerpos y otras pasiones. Un amor no correspondido, el más doloroso de todos los amores. La historia se desarrolla entre finales del siglo XIX y las primeras décadas del XX, en Centroamérica (no se especifica el lugar). Aquí en esta tierra tropical, es donde Florentino quien era apenas un adolescente, queda prendado por la mirada de Fermina sin embargo, las diferencias sociales y de carácter los separan. Luego de unos años, Fermina contrae

matrimonio con el doctor Juvenal Urbino, por lo que Florentino, muy afligido, busca precarios consuelos en otras mujeres pero sin dejar de pensar en su primer amor de la adolescencia. Así que espera por más de 50 años el día en que el doctor Urbino muera para poder tratar de reconquistarla. Aquí se condensan el amor, la juventud, la pasión pero también la intriga, la maldad, los celos y la muerte, así que era imposible que los estudios de cine dejaran pasar por alto una historia de esta talla para llevarla a la pantalla grande. Mas recrear esta obra literaria no

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fue nada sencillo, pues Márquez se mostraba renuente a ceder los derechos de su obra. No fue hasta que al fin el productor Scott Steindorff logró convencerlo para así dar marcha a uno de sus proyectos más ambiciosos. Para ello, conformó a un gran equipo de producción entre los que se encontraba el director británico Mike Newell (Cuatro bodas y un funeral), y al guionista Ronald Harwood (El pianista). En cuanto al elenco, se seleccionaron a actores de diversas nacionalidades, aunque la cinta fue de habla inglesa. El español Javier Bardem (Florentino), la italiana Giovanna Mezzogior-

En cuanto a la música, con el fin de poner el toque colombiano, se decidió que la voz correría a cargo de Shakira quien interpretó los desgarradoras temas que acompañaron ciertos pasajes del relato.

no (Fermina) y el norteamericano Benjamin Bratt (Juvenal) fueron las figuras principales de la historia, que se rodó en su mayoría en la ciudad de Cartagena de Indias, Colombia. El paisaje y toda la ambientación que ofreció la enigmática ciudad, fue capturada de una manera magistral gracias a la fotografía del brasileño Affonso Beato (Carne Trémula).

Ahora bien, nos encontramos ante un producto que contiene talento, una historia romántica por demás insuperable y unos escenarios hermosos, entonces ¿a qué se debió su fracaso en taquilla y ante la crítica? Pese a todo pronóstico, la cinta no cumplió las expectativas de la crítica especializada además de los seguidores del literato. En primera instancia, se le calificó como una obra lenta, monótona, pegajosa, que fue incapaz de atreverse a jugar con saltos en el espacio-tiempo que llevaran al espectador a encontrarse con una historia atrevida, pasional y duradera como la de Fermina y Florentino.


En segundo lugar tenemos las actuaciones poco profundas, casadas con la nostalgia, el romance y el sufrimiento. Al centrarse el guión en la pareja protagonista, deja de lado a los personajes secundarios, impidiendo así que exista una debida interacción que permita desarrollar a la pareja y nos deje ver más allá de su fatídico amor. En tercer lugar se encuentra la música, que a pesar de que tuvo una nominación en los Golden Globe, no dejarán mentir que Shakira no fue la mejor elección para interpretar los temas, con

todo y aquello de que sea colombiana. En conclusión, tenemos a un largometraje largo y cansado que a pesar que contiene una gran producción,

se encuentra muy por debajo de la obra original de Márquez. Sin embargo, como toda adaptación, contendrá diferencias a la obra original pues responde a parámetros distintos. Sin duda, un desatino la adaptación, pues nadie podrá llevarnos a recorrer una vida entera en espera del único amor como lo describe con la pluma el Nobel de literatura, ahora esperemos que se siga defendiendo el derecho de autor de Cien Años de Soledad y evitar que se siga vejando la obra del afamado escritor.

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Tesoros fílmicos

MATAD MATAD Por Azucena Mecalco En cuanto al placer no hay reglas escritas. Algunas personas disfrutan de un helado, otras se extasían con la música, la pintura, el cine y algunas más… con la muerte. La mentalidad de las personas puede llegar a ser tan monstruosa que rebasa los límites de la normalidad y ni todas las películas de terror alcanzan a plasmar las enfermas ideas que cruzan por sus mentes en todos los sentidos; sin embargo, bajo qué términos está definida la normalidad eso no podemos saberlo. Corría el año de 1986, cuando el director español Pedro Almodóvar, quien siempre se ha caracterizado por crear historias que sobrepasan los esquemas de lo usual, en cuanto a historias cinematográficas se refiere, presentó al mundo una controvertida cinta en la que la moral, la religión, el placer y la pasión se conjuntaban para hacer surgir una historia que pudiera parecer sacada de un cuento del Marqués de Sade, y que sin embargo mezclaba la realidad cotidiana de la sociedad española haciendo una crítica, quizá de manera indirecta, a la violencia y las incongruentes formas de pensamiento existentes en la década de los 80. La cinta no era otra que Matador, en la que participaba Nacho Martínez, Assumpta Serna y un muy joven Antonio Banderas. La trama gira en torno a Diego Montes (Nacho Martínez) un ex torero, que tuvo que retirarse prematuramente debido a que recibió una cornada que lo imposibilitó para continuar dentro del mundo taurino. Sin embargo, sus instintos y el amor que profesa por su profesión le llevan a convertirse en profesor de tauromaquia y a buscar el placer que experimentaba al matar, sustituyendo a los toros por mujeres. Allí conoce a Ángel (Antonio Banderas), un muchacho retraído que sufre de hemofilia y vive bajo el pesado yugo de las creencias religiosas de su madre, quien es miembro del Opus Dei, y que desde luego no sabe que su hijo asiste a las clases de Montes.

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DOR DOR

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tienen una trascendencia brutal sin importar qué papel realicen, pues como en todos los guiones de éste director no existen detalles de relleno y menos aún actores de éste tipo. El papel de Antonio Banderas, si bien no es el punto central de la historia, como hilo conductor de ésta ayuda a que el espectador se identifique con él y sus problemas, y a que se acerque desde una perspectiva distinta a un tema tabú en todos los tiempos: la vida y su valor, así como el momento de decidir dejarla.

En un intento desesperado por mostrarle a su maestro, y a sí mismo, que es capaz de ser como él, Ángel intenta cometer una violación, pero ésta queda frustrada. Imposibilitado para realizar cualquier tipo de acto que involucre la violencia, pues su temor por la sangre se lo impide, opta por culparse de una serie de asesinatos que se han cometido en los últimos meses. Puesto que la constitución española lo indica se le asigna un abogado de oficio, que no es otra persona que María Cardenal (Assumpta Serna), fanática del torero retirado y quien pese a ser una excelente abogada criminalista, esconde un oscuro secreto. Al más puro estilo de una mantis religiosa, María Cardenal asesina a sus amantes para revivir la emoción de las toreadas de Montes. Este es sólo el inicio de la película en la que cada uno de los personajes vive sumergido en un infierno personal, y en la que todas las historias están concatenadas formando una maraña de coincidencias que conducen siempre a lo inevitable. La búsqueda de la personalidad, las restricciones sociales, los estereotipos, las costumbres desmedidamente religiosas, las miradas siempre pendientes de lo que hacen los demás sin siquiera ser capaces de ver lo que hace uno mismo son al-

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gunos de los temas que salen a relucir en esta magnífica cinta de Almodóvar que quizá no ha tenido tanto prestigio como Mujeres al borde e un ataque de nervios, Kika o La piel que habito. El diseño de arte, en el que destacan los colores rojos y amarillos que hacen alusión al universo de los personajes, y el contraste blanco negro para destacar a los personajes principales es un elemento que Almodóvar tiene en cuenta y que realzan el ambiente taurino y por demás vehemente de la cinta. No existe un solo elemento, escena o diálogo que no cobre sentido dentro de la historia y que no funja como parte importante de ésta.

Aunque antes y después de Matador, Banderas, colaboró con Almodovar en otros proyectos en donde sí se le daba el papel preponderante, fue con esta cinta con la que recibió su primer nominación a los Premios Goya, y en donde sus dotes actorales se pueden apreciar mejor puesto que demostró que no era necesario ser el protagonista para convertirse en parte fundamental del elenco.

Por su parte, el papel encarnado por Nacho Martínez, uno de los actores españoles emblemáticos del siglo XX y fallecido en el año de 1996, sigue siendo recordado como el más importante y representativo en la carrera del actor. En cuanto a las mujeres de la película no se puede negar que la participación de Assumpta Serna es mucho más que convincente y en cada escena supo atrapar perfectamente la esencia de su personaje. Y claro no menos importantes son: Eva Cobo en el paPor otra parte, los actores, al igual pel de la novia del matador; Julieta que los elementos escenográficos, Serrano, como la fanática religiosa técnicos y musicales de la cinta, madre de Ángel; o Chus Lampreave


madre de Eva. A diferencia de otros trabajos del director, la película muestra escenarios amplios, brillantes, pulcros y ordenados que se despegan un poco del estilo barroco que estábamos acostumbrados a presenciar en sus cintas. Pero todos estos elementos son sólo la coraza dentro de la que se esconde un trasfondo mucho más complejo y elaborado de lo que un artículo acerca de este filme puede interpretar. Aunado a ello, la película presenta una historia puramente romántica que no por escapar de los convencionalismos resulta menos pasional. Los personajes de Nacho Martínez y Assumpta Serna, viven en constante conflicto; pero no por lo que pueda decir la gente o por que piensen que lo que hacen está mal. Los conceptos del bien y el mal no son un tema que parezca preocuparle al director. A través de la historia de los protagonistas nos muestra un mundo mucho más oscuro, el de la pasión reprimida y la insondable soledad con la que convive cada persona en espera de un ente ideal que complemente el vacío físico o mental que habita en cada persona y que la consume lentamente, llevando al público a hacerse una serie de preguntas. E incluso si no te conduce a preguntarte algo, al menos es una cinta interesante y, ¿por qué no decirlo? morbosa que te mantendrá atento a cada movimiento de los personajes por 110 minutos.

FICHA TÉCNICA Título: Matador País: España Año: 1986 Género: drama Director: Pedro Almodóvar Guión: Pedro Almodóvar y Jesús Ferrero Música: Bernardo Bonezzi Actores: Nacho Martínez, Assumpta Serna, Antonio Banderas, Eva Cobo, Julieta Serrano, Chus Lampreave, Carmen Maura


La mente maestra

Pedro

Almod贸var Por @Amaury1984

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uiero ser muy claro desde el principio: al escribir sobre Pedro Almodóvar me llegan a la mente ideas encontradas. Por un lado creo que es un director poco talentoso en cuanto a dirección técnica se refiere. Nunca arriesga, prefiere las cámaras estáticas y su selección fotográfica suele parecer trabajo del automático de una handycam. Por otro lado es imposible no apreciar el monstruo que es en la dirección escénica. Es muy probable que Almodóvar pueda obtener de cualquier ente actoral lo que él desee, sin recurrir a los auténticos métodos de tortura que en su tiempo Kubrick implementó para con sus actores. Es gracias al talentoso director español que Penélope Cruz y Antonio Banderas consiguieron la proyección internacional de la que gozan. Si usted no ha sido seguidor del trabajo de Almodóvar, no es mi intención negarle esa oportunidad. Es por eso que les hablaré de 4 películas que considero fundamentales dentro de la historia de Almodóvar.

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Kika 1993

Esta película es considerada, por los redactores de la IMDb, como el filme que le costó la exposición internacional que Almodóvar había conseguido con la nominación al Óscar como mejor película extranjera de Mujeres al borde de un ataque de nervios. Narra la historia de una cosmetóloga contratada por un importante escritor para maquillar el supuesto cadáver de su hijastro Ramón. En esta película Almodóvar deja de lado la solemnidad de sus dramas sexuales como ¡Atame! o Matador. El director apela a un humor más negro en el que los personajes trivializan una violación; o sin escrúpulos de por medio invaden la intimidad de los demás, como el inolvidable personaje de Andrea... Cara cortada. Mujeres al borde de un ataque de nervios es una simpática comedia de situación. KIKA, es Almodóvar. La estructura de los personajes masculinos no es de lo mejor y

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creo que se debe en gran medida a que la historia necesitaba que el espectador sintiera más empatía hacia el fugaz raciocinio de Kika, y al irritante colmillo de la presentadora de las “tetas desgarradas”.

Todo sobre mi Madre El drama es lo que mejor se le da a Almodóvar. Y este filme es la cúspide de la narrativa del director. Le trajo consigo el tan anhelado Óscar por mejor película extranjera en 1999. También expuso el gran trabajo de Cecilia Roth bajo la conducción del director. La historia narra la muerte de Esteban, hijo de Manuela (Cecilia Roth), el día de su cumpleaños

al salir de un teatro madrileño. La madre queda devastada y como forma de manejar su dolor decide ir a Barcelona a buscar al padre de Esteban; esto levanta una pesada loza del pasado de Manuela, en un circuito que cambió ante sus ojos poco antes de partir. La victoria de esta película al obtener la estatuilla de la academia de ciencias y artes de los EE.UU. fue el trampolín que impulso la carrera de Penélope Cruz a hacer porquerías como Mujeres arriba.

Todo sobre mi madre 1999

KIKA


Volver En esta parte es donde yo les debería sugerir que le echarán un ojo a La mala educación. Ya que mi intención era seleccionar una película de cada género en el que Almodóvar ha incursionado aquí debería ir la sinopsis de esta película; pero la verdad es que la auto condescendiente obra del director no aporta realmente nada a la audiencia. Así qué hablemos de Volver. Raimunda es una madre tradicional y preocupada por la familia. Vive angustiada por la muerte de sus padres, la aparente soledad de su tía y la mediocridad de su marido. Un pequeño incidente entre dos miembros de este pintoresco grupo trae consigo tragedia y fortuna. En palabras del mismo director la historia es “de tres generaciones de mujeres sobreviviendo al viento, el fuego, la locura, el tabú y la muerte a base de bondad” ( www.eldeso. es ). Podría hablarse de Volver

Volver, 2006

como una revisión del género de la comedia, en el que no todo es risas y pastelazos. Esta película culmina la etapa de Oscaritis que inundo la historia de Almodóvar. Volver llegó al Kodak Theatre y ha sido el último trabajo del español en participar por las preseas estadounidenses.

La piel que hábito El doctor Robert Ledgard es un cirujano plástico con una carrera fructífera, una gran hacienda y un BMW. Vive en soledad con su empleada Marilia y una chica encerrada en un cuarto. Una joven producto de la más perversa de la venganzas que alguien podría haber imaginado. El guión utilizado para el rodaje de esta película es una adaptación realizada por Almodóvar de la novela de 1995 Mygale de Thierry Jonquet. El 21 de diciembre del 2012 Pedro Almodóvar develó el primer teaser de lo que será su próxima película: Los amantes pasajeros. Lo que

La piel que habito, 2011

parece ser una comedia con los tres asistentes de vuelo más locas que se haya visto en la historia de la aeronáutica. La película se terminó de filmar el 17 de diciembre del 2012. Por lo que es probable que se presenté en el circuito de festivales internacionales iniciando con Cannes. Teaser de los amantes pasajeros: www.youtube.com/ watch?v=Y0fTdUj0dzM Este es sólo un breve bosquejo de la gran cantidad de películas que el director español ha legado a la cinematografía mundial. Con esta efímera revisión de su trabajo, en el que podemos apreciar hasta cierto punto la evolución creativa de Almodóvar y sus diferentes incursiones en distintos géneros, lo único que pretendo es que el lector por sí mismo decida acercarse a la obra del director y emita así juicios propios sobre sus trabajos.

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Maestros del terror

TESIS

Por Azucena Mecalco

Las historias sobre el cine snuff han crecido hasta el punto en el que uno se pregunta qué tan reales son. Existen relatos que sitúan el surgimiento de este tipo de cintas con los asesinatos de Charles Manson, e incluso otros hablan sobre su aparición muchos años antes. Sin embargo, el teórico y experto en cine Jean Louis Comolli asegura que de existir, el snuff ni siquiera podría llamarse cine. De acuerdo con el

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autor, la muerte real no puede ser catalogada dentro de algún género cinematográfico puesto que el público no se identificaría con ella.

Pero mientras se decide si existe o no, si es cine o no y si es posible grabarlo o distribuirlo, el cine que sí está catalogado como tal se ha dado a la tarea de crear incontables cintas que hacen referencia a esta situación.

Son cientos por no decir miles de filmes los que nos cuentan con lujo de detalle visual, como un grupo de personas son encerradas, perseguidas, atemorizadas y generalmente masacradas por una mente enferma que se encarga de infringirles los más terribles castigos. Incluso recientemente The cabin in the Woods, dirigida por Drew Goddard, ha hecho mofa de esta situación con una interesante sátira de cómo y


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tema de análisis, o una necesidad que satisface su propia y morbosa personalidad. Sin embargo, tanto en el cine como en la vida real, cada una de las acciones que realizamos tiene consecuencias y en tanto descubre cuál es el tipo de interés que tiene por las grabaciones que ha encontrado, se ve inmiscuida en un extraño caso que la conduce al borde de la paranoia al no saber si está siendo perseguida por saber más de la cuenta o si simplemente se siente acosada por su propia conciencia. Pese a que la temática abordada por la película es hasta cierto punto un tabú, Tesis fue favorecida por la crítica y multi premiada en los Premios Goya. Además, la película cuenta con un gran elenco entre el que destaca Eduardo Noriega con su excelente interpretación de Bosco y Fele Martínez quien recibió el premio Goya a Mejor actor revelación por su actuación como Chema en esta cinta. Pero no sólo en España la película gozó de reconocimiento, sino que su fama se fue extendiendo hasta ser considerada una de las mejores cintas de suspenso en diferentes países. El tema de lo mórbido está presente en cada una de las escenas y tomas que presenta el director sin caer nunca en lo grotesco.

echar una discreta mirada a lo que ha ocurrido. Ángela es una de éstos últimos. Claro, su curiosidad atiende a fines acadéicos.

Todo comienza cuando el encargado del metro le pide a las personas desalojar el tren, en el que viaja Ángela, puesto que han tenido un “incidente”: un hombre se ha tirado a las vías y el tren lo ha atropellado.

Mientras realiza su trabajo de investigación descubre unos misteriosos videos que al parecer son verdaderas cintas snuff que han permanecido ocultas en la escuela. Ángela, escudada bajo el pretexto de que todas sus acciones están encaminadas a realizar un buen proyecto de tesis comienza a investigar la procedencia de los videos.

Las indicaciones son simples. Hay que avanzar dos vagones y salir al anden; sin embargo la instrucción extra remueve cada fibra de curiosidad en las personas: “no miren a la vía, el hombre está partido por la mitad”. Algunos de los pasajeros caminan temerosos pegados a la pared y cubriéndose el rostro para no ver la escena, pero otros intentan

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Poco a poco la protagonista se introduce en el mundo de la violencia y cómo ésta es percibida por las personas en general, hasta el punto en el que ni ella misma sabe si de verdad su interés por la materia es puramente objetivo y por tanto un

FICHA TÉCNICA Título: Tesis País: España Año: 1996 Género: Thriller, Terror Dirección: Alejandro Amenábar Guión: Alejandro Amenábar, Mateo Gil Música: Alejandro Amenábar, Mariano Marín Reparto: Ana Torrent, Fele Martínez, Eduardo Noriega, Xabier Elorriaga, Miguel Picazo, Nieves Herranz, Rosa Campillo, Paco Hernández, Rosa Ávila, Teresa Castanedo, José Miguel Caballero

Duración: 125 min.


El remake

Por Azucena Mecalco

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uando de amor se habla no conocemos los límites. Todo se vuelve normal y justificable. El bien y el mal, lo correcto e incorrecto y la frágil línea que los divide se entrecruza e incluso desaparece. Sin embargo queda un diminuto lugar en el cerebro para el raciocinio. Pero cuando de pasión se trata, ese diminuto punto que nos permite razonar se pierde por completo. Todo se vuelve funesto y doloroso, insalvable. La propia existencia del ser que produce la pasión nos atormenta e incluso pronunciar su nombre nos desconsuela. Algo tan simple como eso se transforma en una tortura, porque es precisamente ese nombre el que materializa todas las ideas que forma nuestra cabeza. Vladimir Nabokov lo sabía y lo desentrañó perfectamente en Lolita.

Humbert es un profesor francés de literatura que se muda a Estados Unidos después de un complicado divorcio. Pero el profesor esconde un misterioso secreto. Desde la adolescencia ha vivido prendado del recuerdo de Annabel, una chica con la que vivió una fugaz aventura antes de que ésta muriera. A partir de ese momento, Humbert no pudo sentirse atraído más que por las chicas que tenían algún parecido

con ella. Una vez que las circunstancias lo obligan a buscar hospedaje en la casa de la señora Haze, Humbert conoce a Dolores, una pequeña “nínfula” de 12 años, como él llama a las adolescentes capaces de seducir a los hombres de manera inconsciente, con la que vive un desesperado romance, que lo conduce

La novela fue escrita en 1955 y la historia causó revuelo. Incluso se llegó a acusar al escritor de tener algún tipo de tendencia pedófila, lo cual desde luego negó. La historia todo el mundo la conoce (o al menos una gran parte de éste).

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a la primera Lolita. Quizá en gran medida se debe a que Kubrick cuidaba cada detalle para mantener cautivo al público de principio a fin, a la espera de un impactante final que siempre conseguía aunque se tratara de una historia previamente conocida por la audiencia.

a su propia ruina física y moral. Fue en 1962 que Stalney Kubrick se decidió a llevar al cine la controvertida historia escrita por Nabokov, quien además realizó el guión, calificado por Kubrick como uno de los mejores guiones que había visto en su carrera. La adaptación era tan precisa que incluso la Academia se decidió a nominar a la cinta por Mejor adaptación pese a su reticencia hacia los trabajos de Kubrick. Esta versión de Lolita fue protagonizada por la hermosa Sue Lyon y James Manson, en el papel del escritor. Las actuaciones, como en todas las cintas del director, son simplemente asombrosas. Realmente, la Lolita de Kubrick es una obra maestra en términos estéticos y cinematográficos. Sin embargo, en el mundo del cine siempre surgen directores que por una u otra razón deciden recrear alguna historia para tratar de plasmar su propia visión de ésta. La cantidad de remakes en el cine es suficientemente vasta como para escribir una antología. Y así, en 1997, Adrian Lyne decidió crear su propia versión de Lolita, con la participación de Dominique Swain y Jeremy Irons. El guión estuvo a cargo de Stephen Schiff. Las diferencias entre una adaptación y otra no son precisamente radicales. Ambas cuentan con la misma esencia y tanto Irons como

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Manson capturaron a la perfección la desesperación y el desasosiego que Nabokov plasmó con maestría en su libro a través del personaje atormentado del profesor Humbert. Por otra parte, los escenarios y situaciones, se apegan al hilo de la novela, y funcionan bastante bien para ambientar la tortuosa interacción entre Lolita y Humbert, en la que si bien la parte física era un enlace entre ambos personajes, la relación sentimental se traslucía prácticamente unilateral. Mas, aun cuando la versión de Kubrick era mucho más extensa y parecía fluir de forma más lenta, la cinta de Lyne nunca pudo superar

Sin embargo, aunque como ya mencionamos, la historia, los personajes e incluso el tratamiento pudieron cumplir satisfactoriamente su función en ambas cintas, la primera versión contaba con una distinción especial: la música. Mientras que la película de Lyne fue musicalizada por Ennio Morricone, compositor y director italiano, la selección hecha por Nelson Riddle es difícil de superar. Desde luego no existe un punto de comparación entre ambos para calificarlos como buenos o malos compositores, tan sólo que la selección musical deja ver mucho del estilo propio del director y sus obras. En conclusión, ambas películas son interesantes a su manera y reflejan el punto de vista con el que sus directores y guionistas deseaban ver encarnados los papeles del libro dentro de las cámaras. Cada una muestra la concepción de un tema que si bien sigue siendo un tabú es mucho más cotidiano de lo que imaginamos.


La historia de Lolita se convirtió en un referente para crear historias, conceptos musicales, tendencias estéticas y hasta marcas de ropa. Aunque el término se ha tergiversado con el paso de los años y ya pocos se interesan por mirar el trasfondo de la historia y del nombre que se transformó en un paradigma en el mundo del cine, la literatura y la vida cotidiana, ya sea vista a través de los ojos de Kubrick, Lyne o cualquier otro, es una historia que vale la pena ver.

“Era Lo, sencillamente Lo, por la mañana, un metro cuarenta y ocho de estatura con pies descalzos. Era Lola con pantalones. Era Dolly en la escuela. Era Dolores cuando firmaba. Pero en mis brazos era siempre Lolita” Vladimir Nabokov, Lolita 1955

FICHA TÉCNICA Título: Lolita Dirección: Stanley Kubrick País: El Reino Unido Año: 1962 Duración: 152 min. Género: Drama, Romance Reparto: Sue Lyon, James Mason, Shelley Winters, Gary Cockrell, Jerry Stovin, Diana Decker, Lois Maxwell, Cec Linder, Bill Greene, Shirley Douglas, Marianne Stone, Marion Mathie, James Dyrenforth, Maxine Holden, John Harrison Guión: Vladimir Nabokov

Música: Nelson Riddle

FICHA TÉCNICA Título: Lolita Dirección: Adrian Lyne País: Francia, Estados Unidos Año: 1997 Duración: 137 min. Género: Drama, Romance Reparto: Dominique Swain, Jeremy Irons, Melanie Griffith, Frank Langella, Suzanne Shepherd, Keith Reddin, Erin J. Dean, Joan Glover, Pat Pierre Perkins

Guión: Stephen Schiff Música: Ennio Morricone

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Había una vez

CINE DIRECTO Y CINEMA VERITÉ Por Azucena Mecalco

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Top Five

grandes figuras del western Por Evein Montiel

Hablar del cine western significa retomar la historia del cine norteamericano, italiano y español, y al mismo tiempo recordar a todas las grandes estrellas de acción que nacieron con este género que se situó en el siglo XIX. Es por ello que en esta ocasión les traemos a los actores que hicieron del western el género predilecto entre las décadas de los 20´s y 50´s.

5. James Stewart James Stewart pertenece a un estilo intermedio entre los dos anteriormente citados. Sus personajes se caracterizaron por ser ensimismados y serios pero de carácter fuerte y dominante. Son lacónicos y pacíficos, pero saben reaccionar con firmeza ante las dificultades. Su unión con Anthony Mann dio como resultado cientos de grandes títulos como Winchester 73, Horizontes lejanos, Colorado Jim o El hombre de Laramie. También trabajó con Ford en Dos cabalgan juntos, El hombre que mató a Liberty Valance y El gran combate, y con Hathaway en La conquista del oeste.

4. GARY COOPER Gary Cooper incorporó también un personaje arquetípico, mucho más formal y correcto que el de Wayne. Él se comportaba sin altanería aunque era igualmente valeroso y leal. Títulos como El forastero, Buffalo Bill, El árbol del ahorcado, Tambores lejanos, El jardín del diablo, Vera Cruz y Sólo ante el peligro (que le valió su segundo Oscar), le situaron en un lugar predominante dentro de los intérpretes del género.

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3. Henry fonda En una ocasión se le preguntó al director John Ford qué era el cine para él, a lo cual contestó: “¿Han visto caminar a Henry Fonda? Pues eso es el cine”. Y es que, a pesar de que Henry aparece en este conteo western, su carrera obtuvo reconocimiento en la mayoría de los géneros cinematográficos, de ahí que la mayoría que sugieran opiniones como las de John Ford. Fue precisamente con él con quien colaboró en repetidas ocasiones, pero sin duda su mejor trabajo en el género del oeste, lo realizó con Sergio Leone: Hasta que llegó su hora, uno de los mejores spaghetti western de la historia. El film cargado de violencia, fue escrito por Bernardo Bertolucci y Dario Argento. Otros títulos que sobresalen en la trayectoria de Fonda son: El hombre de las pistolas de oro, Tierra de audaces, La venganza de Frank James y Cazador de forajidos.

2. clint eastwood Clint Eastwood siempre ha declarado que se metió al mundo del cine por casualidad, sin embargo es claro que la casualidad no es la que lo ha colocado como una de las figuras más prominentes del cine, sino su talento. En los comienzos de su carrera, interpretó papeles pequeños que no lograban explotar todo el talento del actor, inclusive fue en su primer western Ambush at Cimarron Pass, donde él consideró que interpretó el peor film de su carrera. Después de este fracaso y con el desanimo que le dejó, logró conse-

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guir una prueba para una serie que estaba preparando la cadena CBS titulada Rawhide. Charles Martin Warren, productor de la serie, realizó la audición a Eastwood y con el simple hecho de verlo lo aceptó pues cumplía con las características físicas y actorales para el personaje. La serie contó con 217 episodios en los que narraba la conducción de ganado desde Texas hasta Kansas, la cual fue hecha por Eastwood y Eric Fleming. Alrededor de la serie se mostraron un sinfín de peripecias en todo su trayecto, así que no tardó mucho en convertirse en la favorita del público. Fue tanto su impacto que se vendió a más de 30 países donde logró un éxito sin precedentes y con la fama de la serie,

llegó también el reconocimiento para Eastwood. Un año antes de que la serie terminara, llegó una propuesta cinematográfica para un nuevo western en España: Por un puñado de dólares que se convertiría en la punta de lanza de su carrera. Ya en su país mantuvo las líneas básicas de su lacónico, frío, irónico sentido de la justicia. Interpretó: Cometieron dos errores, El fuera de la ley, Dos mulas y una mujer, El seductor, Joe Kidd, Bronco Billy, El jinete pálido, y Sin perdón, que le valió dos Óscares en 1992 (mejor película y dirección).


1. Jonh Wayne No se puede hablar del cine del oeste sino hablamos de este actor. John Wayne se ha convertido en una mítica figura de héroe que marcó a varias generaciones y aún hoy día, continúa haciéndolo. Wayne no era un actor habitual del western, era el western mismo. Su personaje era una combinación entre lo hosco y valiente, entre lo altanero y lo noble. Su gran personalidad y su presencia en la pantalla enloquecían al público quien siempre acudía al cine a verlo, no importaba el título que tuviera pues sabía que se encontraría con una especie de vaquero aventurero. Su inicio en el cine se dio gracias a la estrella de cine Western Tom Mix, quien le ofreció trabajo temporal durante un verano. Fue entonces cuando comenzó a tener pequeños roles dentro de algunas cintas, pero el momento decisivo en su temprana carrera fue cuando conoció al director John Ford con quien realizó un gran número de cintas que hoy día se consideran parte sustancial de su carrera. Su filmografía es en gran parte la propia historia del western; en los 50 protagonizó, entre otros films: Río grande, Centauros del desierto, Río bravo, Misión de audaces, El álamo, El dorado y Valor de ley, por la que se hizo acreedor a una estatuilla de la Academia.

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En cartelera Por Evein Montiel

Killing them sofly (Mátalos Suavemente) La cinta dirigida por Andrew Dominik y protagonizada por nada menos que Brad Pitt, es una adaptación de la novela de George V. Higgins. En ella se narra la historia de Jackie Cogan, un asesino a sueldo quien es contratado para encontrar a los responsables de un robo ocurrido en una casa de apuestas ilegales controlada por la mafia. Según narra el propio Dominik, esta cinta intenta ser un retrato de una sociedad capitalista y una crítica a los gobiernos estadounidenses, en donde a través de grandes diálogos se muestran de manera magistral elementos como la violencia, el poder y la ambición. Este thriller, el cual formó parte de la sección Oficial de Largometrajes del Festival de Cannes en 2012, es el primer filme dirigido por Dominik desde The Assassination of Jesse James (2007). ¿Por qué ver la cinta? Además de disfrutar de una de las mejores actuaciones de Pitt, según la crítica, en el film pueden verse las actuaciones de Scoot McNairy, Ben Mendelsohn, Richard Jenkins, James Gandolfini y Ray Liotta, grandes estrellas del género.

Nos vemos papá Luego de su exitoso paso por diversos festivales, como el de Morelia, la película Nos vemos papá, ópera prima de Lucía Carreras, quien también escribió el guión de esta historia, llega a las salas de cine este mes. La película protagonizada por Cecilia Suárez, Gabriela de la Garza, Arturo Barba y Moisés Arizmendi, narra la historia de una joven que se enfrenta a una encrucijada de sentimientos encontrados que le produce la perdida de la persona más importante de su vida: su padre. Razones para verla: actualmente el cine mexicano está pasando por una excelente etapa de interesantes proyectos que dejan atrás los clichés sobre violencia, sexo, drogas y corrupción, sin duda este es uno de ellos.

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En cartelera Lincoln Una palabra podría resumir esta cinta: Spielberg. Y es que ya todos sabemos que los trabajos de este director se caracterizan por una espectacular fotografía, producciones gigantescas, efectos sobresalientes, personajes inolvidables y excelentes actores, dando como consecuencia proyectos galardonados y por supuesto taquilleros. Lincoln narra los últimos meses del mandato del decimosexto presidente de los Estados Unidos, enfatizando en los esfuerzos que realizó para abolir la esclavitud en el país. Es una de las cintas más esperadas en México, mientras que en E.U ya fue estrenada y recibida de manera favorable por la crítica. Basta con decir que en la pasada ceremonia de los Golden Globe, obtuvo siete nominaciones aunque sólo se llevó el correspondiente al mejor actor protagónico por la actuación de Daniel Day-Lewis. Actualmente cuenta con 12 nominaciones para los premios de la Academia, aunque como vimos, las estatuillas no son seguras para esta cinta que compite con otros grandes proyectos fílmicos. Sin embargo es un gran trabajo a nivel visual y actoral por lo cual no debe perdérselo en esta temporada.

Amour Película francesa escrita y dirigida por el austriaco Michael Haneke y protagonizada por Jean Lous Trintignant, Emmanuelle Riva e Isabelle Huppert. Amour se trata de un entrañable filme que narra la historia de amor George y Anne, ambos profesores de música clásica ya jubilados. Un día Anne sufre un infarto cuya secuela causa la paralisis de la mitad de su cuerpo. Es entonces donde esta pareja ve puesto a prueba su amor. El largometraje ha obtenido numerosos premios a nivel internacional, entre los que destacan la Palma de Oro en el Festival de Cannes y el premio a Mejor película extranjera en la reciente entrega de los Golden Globe. Además aún se encuentra en la expectativa de las cinco nominaciones a los premios Óscar de la academia, en las categorías más importantes: Mejor película extranjera, Mejor película, Guión original, Mejor dirección y Mejor actor y actriz protagónico.

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