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Super 8

No 7

marzo 15

Editorial

El lenguaje del cine es universal. Quizá no exista un concepto definido de lo que cada género representa en cada país, e incluso para cada persona. Es cierto que no todo el mundo ríe o llora con las misma situaciones; sin embargo la realidad que se ve en las pantallas, independientemente de la emoción que haga florecer en el espectador, es universal. Genios como Yasuhiro Ozu, Federico Fellini, Jean-Luc Godard, etcétera, han demostrado que en todos los países la realidad es la misma, lo único que cambia es la percepción que tenemos de ella. Pero no podía ser de otra forma, al final, sin importar el país, todos desarrollamos las misma emociones sólo que bajo distintos estímulos. Es por ello que en este número de Súper 8 abordamos el cine italiano como tema principal, mas no porque difiera realmente de las expresiones cinematográficas de otros países; sino porque es una muestra de cómo sin importar la nacionalidad, los directores, guionistas y todos aquellos que interfieren en la creación de las películas recrean contextos particulares que expresan a la generalidad.

Super 8 Número 7 Editor: Azucena Mecalco Redactores: Evelin Montiel, @amaury1984 Arte y Diseño: Evelin Montiel, Azucena Mecalco Diseño Web: Evelin Montiel México Distrito Federal 15 de marzo de 2013

Contenido En portada: Federico Fellini El cine también se escucha: Ennio Morricone

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Del papel a la pantalla: El ladrón de bicicletas

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Tesoros fílmicos: La dolce vita

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La mente maestra: Federico Fellini

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Maestros del terror: Dario Argento

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El remake: Perfume de mujer

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Había una vez: Historia del cine italiano

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Top Five: Las cinco divas más famosas del cine

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El extra: El FICG

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El cine

también se escucha

Por @amaury1984

ENNIO MO

DE ITALIA PARA EL MUNDO.

http://www.youtube.com/playlis t?list=PLL949sYc0RHMjSO20r3l 5EmWy0nbmwGYi *Este articulo incluye sountrack, yeah!

El universo del cine italiano esta lleno de grandes y sumamente polémicas figuras.

Directores, actores, actrices, fotógrafos y músicos. La escuela italiana fue altamente prolífica durante 40 años, con popularidad internacional. Ya que a diferencia de los franceses, los realizadores italianos no se negaron a participar dentro del comercialismo del cine de los Estados Unidos. http://youtu.be/Mgkojku1LZ4 Podemos dividir estos 40 años en dos épocas: la primera fue la del cine italiano de tientes realistas, con tramas basadas en historias reales.

La siguiente, les dio los aplausos del mundo. Los italianos se dedicaron a trabajar desde dentro, creando visiones surrealistas de su pasado, de su presente y del presente de otras culturas. Es esta Italia la que nos trajo los nombres que grabó la historia del cine; Federico Fellini, Michelangelo Antonioni, Roberto Rossellini, Luchino Visconti, Otello Martelli, Tonino Delli Colli, Nino Rota, etc. Entre todos esos nombres un músico romano con 60 años en el mundo del cine ha destacado por participar en la friolera de mas de 500 filmes: Ennio Morricone.

Actualmente el señor Morricone cuenta con 84 años de edad y una soberbia lucidez, y aunque a las nuevas generaciones su nombre les hace pensar en un cómodo, espacioso y lento elevador; también cuenta con un repertorio épico de música.

Ya saben cómo es el mundo de los

“Para mi su música es absolutamente inspiradora, s su música ni siquiera es tan pulida. Es muy ruda y evid silenciando todo y tomara la melodía por asalto. Es tan ¿quién sabe? Tiene tanto carácter, realmente aprecio las bandas sonora prodigios musicales, empiezan a componer una vez que la partera los ha sacado del útero. Debe ser un deleite escucharlos llorar por primera vez. Su hermano, Mario Morricone, notó en él cierto talento musical a sus 6 años y decidió enseñarlo a leer la música del pentagrama. Lo que con el tiempo desarrolló en el maestro Morricone una disciplina estricta en cuanto no componer música en el instrumento, sino en el papel. Su instrucción musical académica tuvo lugar durante la Segunda Guerra Mundial, en la Accademia Nazionale

di Santa Cecilia. Al salir participó con artistas de la radio realizando pequeñas composiciones de acompañamiento, y mas tarde probó suerte componiendo para “compositores de renombre” en la década de 1950. http://youtu.be/ BQRD8nkSj8g Ingresó a las filas de Radiotelevisione Italiana S.p.A. como compositor de fondos musicales y de piezas para las sensaciones del pop de la compañía estatal italiana. http:// youtu.be/yxuxQU_q-is Para finales de la década Ennio

ORRICONE

... DE LAS BANDAS SONORAS Fistful of Dollars se estrenó en 1964 protagonizada por Clint Eastwood en el papel de The Stranger, un vaquero increíblemente habilidoso con el revolver, que llega al pequeño pueblo fronterizo de San Miguel, cuyo control esta en disputa entre los hermanos Rojo y el Sheriff Baxter.

se que sueno sensiblero. Él ha tomado tantos riegos, y dente. Como si de pronto una Vuvuzela Mexicana entrara cruda, demasiado Xnial -si es que realmente son errores, o eso en un entorno tan pulido como lo es el mundo de as” – James Hetfield Morricone colaboró con Mario Nascimbene; sin recibir algún crédito, en la composición de la banda sonora del filme de Franco Rossi Morte di un Amico. Al ser un compositor underground con talento demostrado EL productor Dino de Laurentis decidió encargarle la música del filme Il Federale, que requería melodías sencillas.

Después de esta participación el director Luciano Salce lo unió a su equipo de colaboradores dentro y fuera del mundo del cine. http://youtu.be/qVzw_IIiQic Más tarde, a inicios de la década

de 1960 el compositor italiano participó en el proyecto I Basilischi de la directora italo-suiza Lina Wertmüller. La primer mujer en recibir una nominación al Óscar por mejor dirección. Los 60 trajeron también al camino de Morricone a Sergio Leone, posiblemente el mas importante director del sumamente peculiar género del Spaghetti Western. Al escuchar el trabajo de su compatriota sabía que tenía enfrente el personaje indicado para la Trilogía del Dolar. http://youtu.be/HjjDOdaFZg0 La primer película de la saga A

Esta película de la trilogía sirve como un panorama general de la historia sobre El hombre sin nombre; otra forma en que se le conoció a la película de Leone; un personaje que ve por su beneficio personal pero que no podría permitir que un inocente sufra del abuso de los malos. Morricone consiguió de manera soberbia iluminar el filme con notas que pintan en el personaje la soledad en la vive y el potencial héroe dentro de las acciones del forastero. http://youtu.be/mLXQltR7vUQ Un año después el proyecto de Leone entregó otra faceta del Hombre sin nombre. El soundtrack de esta secuela siguió firmemente los pasos de la obra anterior, y sentó las bases de lo que debía ser la música de un western. Morricone siguió la composición con orquesta e instrumentos, como el clarinete para los momentos de mayor intensidad, y cambió a estos por las percusiones suaves y el piano para momentos como el enfrentamiento final entre Mortimer y El Indio.

Por otra parte, el soundtrack de El bueno, El malo y el Feo es probablemente una de las obras musicales mas memorables de la historia del cine. Desde la primer pieza hasta

la legendaria The Ecstasy of Gold, Morricone creó música que puede vivir y emocionar sin necesidad de estar atada al filme. http://youtu.be/DyvzfyqYm_s

consideró y nominó para mejor banda sonora. El llegar a la nominación al Óscar, casi impulsado por el trabajo de Malick, llevó a Morricone a ser de los creativos de los que La mancuerna Leone-Morricone la Academia suele hacer mofa; no terminó con la conclusión de nomina, pero realmente la Trilogía del Dolar. Continuó a nunca los considera. lo largo de la década de 1960 con dos westerns más, bajo la dirección En 1982 el compositor de Leone; Once upon a time in the italiano tuvo otro momento west de 1968 y A fistful of Dynamite cumbre en su carrera cuando de 1971. Pero, esta época no trajo el escritor y director John grandes cambios dentro de la Carpenter lo eligió para crear composición de Morricone, de la banda sonora de su mítico hecho, posterior a la Trilogía del thriller The Thing. El haber Dolar el compositor italiano no pudo participado musicalizando innovar su estilo. La música pasó a el género de horror con su ser un objeto menos memorable compatriota Dario Argento y aquel del género Spaghetti Western. Y espantoso tropiezo conocido como Morricone pasó a ser un baluarte The Exorcist II: The Heretic; le que debería de estar dentro de la ayudó a seleccionar instrumentos estructura de la producción del para The Thing. Esta vez optó género. Por lo que fue solicitado por instrumentos electrónicos; por otros directores como Sergio sintetizadores y teclados que la Corbucci y Sergio Sollima, lo que lo ayudaron a refrescar las antiguas mantuvo ocupado hasta principios notas del tradicional órgano de de la década de 1980. viento. http://youtu.be/oag1Dfa1e_E En 1978, fue solicitado para trabajar en el filme Days of Heaven En 1986 Morricone volvió a ser del director norteamericano considerado para un Óscar por Terrance Malick. Y aunque de su trabajo en el filme de Roland manera global la banda sonora de la Joffé, The Mission. Que narra la película tiende a ser uno de lo más expedición de un misionero jesuita mediocres trabajos del compositor; con la misión de convertir a una la Academia de Ciencias y Artes lo comunidad guaraní al catolicismo.

La pieza principal de la película, On Earth as it is on Heaven es un viaje a través del encuentro de la cultura española y las tribus de Paraguay.

Con este trabajo Morricone intentó un acercamiento al New Age, utilizando campanas y coros agudos. La pieza principal fue popularizada mucho tiempo después por la soprano británica Sarah Brightman, que decidió incluir un versión para una voz en sus presentaciones en vivo.

A diferencia de su trabajo con Malick yo considero que la banda sonora de The Mission si merecía un galardón como el Óscar. http://youtu.be/Hu2FekMaTQc Brian de Palma lo acercó nuevamente a la oportunidad de tener el premio de la Academia,

con su participación componiendo la banda sonora de la versión fílmica de la legendaria serie The Untouchables. Sin embargo, en el trabajo del compositor italiano se siente un aire demasiado emocional para el tipo de película.

Ennio Morricone llevó mas composiciones al celuloide de la mano de Brian de Palma. El compositor declaró alguna vez a un medio británico que De Palma era el mejor director que un compositor podía pedir. http://youtu.be/s9h85_E8Uj8 En el 2007, la Academia le entregó el Óscar por los logros de una carrera, como lo suelen hacer cuando alguien a quien ignoraron la mayor parte de su carrera llega a una edad en la que yo no se le ve mucho futuro.

En la actualidad Ennio Morricone se dedica a “vivir de su rentas”, pero su música a encontrado espacios; ya no como una banda sonora completa, sino como parte de un trabajo de recopilación musical.

Quentin Tarantino, un gran apasionado del Spaguetti Western ha tomado parte de las composiciones de Morricone para sus trabajos más recientes, Inglorious Basterds y Django Unchained. Y por su parte James Hetfield, vocalista de Metallica, y admirador de Ennio Morricone, agregó The Ecstacy of Gold a todas las presentaciones en vivo de la banda a manera de introducción.

Del papel a la pantalla

Por Evelin Montiel

S

on innumerables las imágenes y las huellas que durante muchísimos años nos legó el cine italiano, sobre todo en las décadas de los cuarenta, cincuenta, sesenta y setenta gracias a cineastas como Federico Fellini, Michelangelo Antonioni, Luchino Visconti, Vittorio De Sica, Roberto Rosellini, Pier Paolo Pasolini y, un tanto más reciente, Giusepe Tornatore.

Muchos de estos grandes autores vieron su consagración durante la posguerra, amparados bajo la estética del Neorrealismo, uno de los

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movimientos cinematográficos más influyentes en la historia del cine, el cual comenzó a relatar las historias de personajes marginales, seres víctimas de la situación económico-social por la que atravesaba Italia al final de la Segunda Guerra Mundial.

Fue así como Vittorio de Sica pronto vio en la nueva literatura perteneciente a esta misma corriente, una fuente rica de historias merecedoras de llegar al cine. En 1945 salió a la venta un pequeño libro titulado Ladrones de bicicletas de Luigi Bartolini, en el cual se narra historia de un hombre que recorre toda Roma

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en busca de una banda de ladrones que le roba su preciada bicicleta.

La historia cautivó a Vittorio quien quedó prendado por la excelente narrativa y el uso del léxico de Bartolini que narra esta simple historia de manera magistral, trasladando al lector por diferentes escenarios de la post guerra.

La novela fue adaptada por Cesare Zavattini, y se centró en la vida cotidiana Antonio Ricci, un trabajador de clase baja a quien el Estado le da un empleo en una compañía de anuncios publicitarios, bajo la única condición de que posea una bicicleta para recorrer la

ciudad pegando carteles. Antonio por supuesto no tiene el vehículo pues tuvo que llevarlo al empeño para poder mantener a su esposa y a su hijo, sin embargo éste acepta desesperadamente el trabajo.

Luego de hablarlo con María, su esposa, esta le consigue la fianza de la bicicleta con el empeño de las únicas sábanas que poseía en casa y que con dedicación ella misma confeccionó. Ya con la bicicleta, Antonio se prepara para ir al trabajo que sin duda ayudaría a su precaria situación económica, pero un día mientras desempeñaba su trabajo, un ladrón hurta la bicicleta y pese a los esfuerzos de Antonio por atraparlo en el acto, el ladrón se pierde entre las calles de Roma.

El estreno de la cinta fue en 1948, tan sólo tres años después de la publicación del libro y del final del conflicto bélico, obteniendo malos

logró captar la esencia de los temas latentes en la Italia de la postguerra como lo fueron: la pobreza, la crisis social con especial atención a la ausencia de valores, todo esto gracias a los escenarios planteados y a la buena construcción de personajes. resultados, pues el Estado la calificó como una mala propagada hacia el país y toda Europa, y la consideró conformista. Por otro lado, la crítica cinematográfica la acogió con gran agrado, incluso logró un Óscar como mejor película extranjera y fue retomada en los números iniciales de la revista Cahiers du Cinema.

El Ladrón de Bicicletas, sin duda alguna, supuso el paso de la evolución del lenguaje cinematográfico en el 7 cual se pierde la distancia entre el personaje y el escenario. Vittorio

se con los escenarios naturales. Esto le implicó a Vittorio un gran reto en la elección del elenco, donde cuidó cada elemento incluso la forma de caminar de los personajes.

Gracias a todos estos elementos, El ladrón de bicicletas logró colocarse como un referente del cine neorrealista italiano e incluso como una de las diez mejores películas de la historia.

Fue precisamente entre los postulados neorrealistas, donde se estableció la eliminación de grandes actores para representar a estos personajes, para en su lugar, emplear actores que pudieran representar a personas normales y corrientes.

También se apuntó que los rodajes debían ser en escenarios naturales para proporcionar mayor veracidad a la historia.

Bajo estos preceptos fue que el director decidió utilizar actores no profesionales que pudieran fundir-

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Tesoros fílmicos

“¿Dónde estoy?¿Tiene la eternidad el rostro de las criaturas de un universo barroco y petrificado? ¿No sería el tiempo más que agua que fluye? No sería el deseo más que la insatisfacción? ¿A qué está ella aguardando para ponerse desnuda? ¿Cómo desear la belleza? Yo sé cómo.”

Lo Duca, Adaptación literaria de La Dolce Vita Y ahí, en medio de la fuente de Trevi, una bellísima Silvia (Anita Ekberg), se funde lentamente con el agua y los sonidos nocturnos, embelesada con los misterios de la noche. Mientras, Marcello (Marcello Mastroianni) la contempla como una visión sublime, se acerca… percibe el aroma de su cuerpo, la suavidad de su piel es evidente; mas no se atreve a corromper la celestial figura que se deleita con la simpleza del arribo del amanecer…

Esta es una de las escenas más hermosas del cine italiano de la década de los sesenta, y una de las más conocidas por los seguidores de Fellini. Sin embargo, no es más que una diminuta secuencia, una de las pequeñas historias que se planteó durante la cinta.

Los reporteros a la caza de la noticia que venda más, la corrupción de la sociedad, los espejismos tergiversados por las cámaras, la fama y el reconocimiento como un medio al que sólo acceden unos cuantos “privilegiados”, la burguesía, la búsqueda

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LA DOLC

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La mente maestra

FEDERICO FELLINI Por Azucena Mecalco

Los libros que abordan a Fellini como tema principal son tan vastos como películas de adolescentes en conflicto hay en el cine. Sobre sus trabajos y su persona se han escrito ensayos, películas, tesis y cuanto haya de escribible en el mundo.

Mas, ¿quién podría ser más apto que el propio Fellini para narrar los estragos de su vida, y los capítulos de su prolífica carrera como director, guionista, dibujante y escritor?

Ese es precisamente el tema que aborda este magnífico director italiano en su libro: Apuntes, recuerdos y fantasías. Esta obra, más que ser un documento autobiográfico

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es una compilación de sus pensamientos y opiniones sobre sus propias experiencias.

Dentro del libro relaciona de forma maravillosa cada uno de sus trabajos con algún recuero de su vida, presentando una radiografía de su trayectoria cinematográfica.

Federico Fellini nació en Rímini, Italia el 20 de enero de 1920. Desde muy pequeño mostró su interés por las artes plásticas y el dibujo.

Sin embargo, como él mismo señala “al cine no iba mucho de niño.

Muchas veces no tenía dinero, no me lo daban”.

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mayor voy a ser tal cosa!. No me parecía que iba a hacerme mayor y, en el fondo, tampoco me he equivocado tanto». Luego de ver algunas películas de cine americano, decidió partir para Roma y dedicarse al periodismo debido a la fascinación que le provocaban los personajes de esas cintas: “impresionado de cómo vivían esos periodistas decidí hacerme yo también periodista. Me gustaban sus abrigos, y la manera en que llevaban el sombrero, echado hacia atrás”.

Y aunque incursionó en el mundo del periodismo, también orientó su carrera hacia el dibujo.

Aunado a ello, el considerado uno de los cineastas más importantes de la cinematografía mundial, admite abiertamente que nunca se planteó el problema de a qué se dedicaría cuando creciera, puesto que para él, una profesión no significaba más que una obligación inevitable “como la misa del domingo”.

“Nunca había dicho: «¡Cuando sea

En un principio, Fellini, quien aún no posaba su interés en el cine, consiguió trabajos en algunos periódicos explotando su talento. Una de sus participaciones más importantes fue en la creación de la continuación de la historia del famoso cómic Flash Gordon. Pero fue después de su participación en una importante publicación italiana conocida como Marc’Aurelio, que su fama aumentó.

Sobre el tema del dibujo el director reconoció que no era sino una forma de encapsular las ideas que más tarde adquirirán forma. Para Fellini,

resultaba de suma importancia dibujar todo cuanto veía, pues en cada uno de los trazos que hacia guardaba una forma de expresión que correspondería más tarde a sus personajes.

Posteriormente Fellini trabajó una breve temporada en el radio. En esta época, la vida del director sufrió cambios radicales en el aspecto afectivo y laboral. Por una parte, conoció a la que sería su esposa y por otra, iniciaría su contacto directo con grandes personalidades del mundo del radio, el periodismo y claro, el cine.

Finalmente en 1945 conoció a Roberto Rosellini, con quien comenzó a trabajar. Y aunque Fellini admitió que Rosellini fue desde luego su mentor y fungió como una vía que lo conectó de forma directa con la cinematografía, al mismo tiempo reconoció que nunca fue una influencia para él en el término que se suele dar a esta palabra.

Su relación con el director era como un puente que le abría posibilidades nuevas en un ámbito en el que él aún no había tenido oportunidad de adentrarse a profundidad. Sus declaraciones con respecto a los trabajos realizados con su mentor han sido contundentes: “yo estaba disponible para cualquier empresa y él estaba allí”. Y así por una casualidad de la vida y una serie de coincidencias afortunadas, Fellini comenzó a trabajar en el cine.

Fue hasta el año de 1951 que hizo finalmente su debut como director, en un trabajo en conjunto con Alberto Lettuada, en el filme Luces de varieté. Pero El jeque en blanco es

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considerada su ópera prima.

Esta película es una comedia de 86 minutos y no obtuvo un gran éxito.

Sin embargo su siguiente trabajo I Vitelloni (Los inútiles,1953), un drama en blanco y negro con duración de 103 minutos obtuvo el León de Plata, o su equivalente en aquellos años, en el Festival Internacional de Cine de Venecia, premio que volvió a ganar al año siguiente por su cinta La strada, película con la que comenzaría a obtener reconocimiento internacional, y con la que se hizo acreedor a la nominación al Óscar en la categoría de Mejor Película de habla no inglesa.

Después de esta película la fama de Fellini se extendió en muchos países y ganó premios y nominaciones en los festivales de cine más importantes del mundo como: Festival de Cannes, Premios David di Donatello, Festival de San Sebastián, Premios de la Academia, entre otros.

Mas, pese a la increíble cantidad de cintas que rodó, Fellini expresa con un ligero toque de ironía sus motivos para filmar las películas: “por-

qué hago aquella película, precisamente aquella y no otra. No quiero saberlo, las razones son oscuras inextricables, confusas.

La única razón honestamente declarable es que he firmado un contrato: firmo, me dan un anticipo, después como no quiero restituirlo estoy obligado a hacer la películas.”

A La strada le siguieron cintas como: Le notte di Cabiria (Las noches de Cabiria, 1957), una conmovedora película protagonizada por nada menos que la esposa de Fellini, Giulietta Masina; La dolce vita (La dulce vida, 1960), su obra más famosa; Bocaccio 70 (1962), en la que colaboró con Mario Monicelli, Luchino Visconti y Vittorio de Sica, y en la que de nueva cuenta aparecía la bellísima Anita Ekberg; Otto Emezzo (8 ½, 1963), entre otras.

Además, a lo largo de su carrera, Fellini participó como guionista.

Esta etapa duró desde el año 1939 hasta 1990, cuando escribió y dirigió La voce della luna (La voz de la luna, 1990), la que sería su última película.

mas, encuadres, diálogos, etc., y lo unía todo de forma que se acoplara a un pequeño universo con una magnificencia asombrosa. En cuanto a sus verdaderas razones para ingresar en el mundo del cine, Fellini escribió en su libro una de las respuestas más hermosas que existen: “creo que hago cine porque no sé hacer otra cosa”.

Federico Fellini es una de las grandes mentes que el cine italiano le ha dado al mundo. Sus obras, repletas de ironía, sarcasmo, drama, pero sobre todo realismo, son una serie de episodios que encapsulan las visiones de un director, que mediante un bellísimo manejo de la estética cinematográfica, realizó todo tipo de críticas sociales y culturales que no pierden vigencia con el paso del tiempo; sino que por el contrario, adquieren nuevos significados de acuerdo con el contexto actual.

Quizá el secreto de su maravilloso trabajo se encuentre en la sencillez. Y no es que sus trabajos sean simples, es sólo que él contaba con la asombrosa capacidad de traducir cada situación imaginable en to-

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Maestros del terror

Dario Argent EL MAESTRO DEL CINE GUIALLO

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to

“

El paraíso es demasiado perfecto para la humanidad” Dario Argento

...mencionó una vez Dario Argento, y es tal vez por ello que continúa acercando el infierno a la tierra a través de su trabajo cinematográfico. Desde que se estrenó su ópera prima en 1969 titulada El pájaro de las plumas de cristal, nos mostró una inquietante visión donde mezclaba el thriller policiaco, terror serie B, y lo que posteriormente se denominaría terror psicológico, causando un gran impacto en el público y la crítica cinematográfica.

El trabajo de este cineasta de origen italiano se ha identificado con el peculiar estilo cinematográfico denominado giallo, el cual se refiere a un subgénero cinematográfico de origen italiano que se derivó del thriller y del cine de terror. Nadie mejor que él ha de ser nombrado digno representante de este estilo fílmico, aunque no se demerita el trabajo que realizaron otros directores como Mario Bava; lo cierto es que nadie como Argento ha conseguido aunar en una sola cinta, esa extraña mezcla de macabra teatralidad y siniestra perversidad que ha cautivado a un público que aún hoy le per-

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manece fiel.

Ejemplo de ello es la cinta Trauma de 1993, cuyo estreno no atrajo las mejores críticas del público ni de la prensa cinematográfica, al calificarla como una cinta que hacía uso excesivo del gore. A pesar de los comentarios, los seguidores de Argento y la crítica especializada la colocaron como uno de los mejores trabajos de su filmografía. Trauma es una retrospectiva al Argento esencial de El pájaro de las plumas de cristal o Profondo rosso, en la cual se narraron brutales asesinatos de un desconocido psicópata que se sirve de una especie de sierra de hilo.

La historia gira en torno a Aura (Asia Argento), una joven que escapa del hospital donde se encontraba internada y que es encontrada por David

(Christopher Rydell), un joven reportero que trata de ayudarla. Esa noche, los padres de la chica son decapitados por un asesino en serie conocido por el procedimiento que usa para acabar con sus víctimas y llevarse las cabezas de éstos. Aura

al encontrarse sola, regresa con David para juntos iniciar su propia investigación sobre el asesinato, poniendo en peligro sus vidas tras descubrir un terrible secreto guardado años atrás que la vincula con el asesino.

Aunque la película abusa de la violencia gratuita, llegando al extremo del ridículo cuando una cabeza cortada mantiene fuerzas para dar pistas sobre el asesino, la macabra y amarga

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escena final vale por si sola el esfuerzo.

Trauma supuso, además, el debut cinematográfico de Asia Argento, hija del director, quien también ha participado en otros de sus trabajos en los cuales no resaltaron sus interpretaciones, pero sí su gran belleza.

Cabe mencionar que esta cinta también marcó la primera incursión de Argento en las producciones americanas luego de haber colaborado con George A. Romero en la cinta Los ojos del diablo (1990). Tanto su filmación como algunos aspectos de producción fueron pensados al estilo hollywoodense, aunque claro, sin abandonar los preceptos del giallo y sobre todo su sello personal.

No cabe duda que en una época en la que el cine fantástico y de terror ha descendido dramáticamente su calidad, son muchos los que miran a Argento como la el guardián de las esencias de un género que ha dado

EL REMAKE

PERFUME DE MUJER

Por Azucena Mecalco

“En el tango no hay errores Dona, no es como en la vida.

Eso es lo que hace que el tango sea genial.

Si cometes un error sólo sigue bailando...”

Al Pacino, Perfume de mujer

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Había una vez

Con la llegada del cinematógrafo Lumiére en 1898 y las exhibiciones en el parque Valentino Turín comenzó una era en el cine italiano. Tal como en otros países, los italianos se limitaban a mostrar en sus exhibiciones la cartelera de los Lumiére. Mas en el año de 1905, las cosas comenzaron a cambiar debido a las exigencias del público. Ese año el director Filoteo Alverini decidió grabar La toma de Roma, película de 230 metros basada en un hecho

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Por Azucena Mecalco histórico, gracias a la cual surgiría el genero de reconstrucción histórica.

Al año siguiente Alverini y Santoni se convertiría en una compañía de cine. Del mismo modo, Arturo Ambrosio, quien fuera el responsable de filmar La primera carrera de automóviles de Susa-Moncenisio, crea su propia compañía para comenzar a rodar reconstrucciones como: La caballería infernal. A partir de ese momento Italia despegó en el ámbito cinematográfico convirtiéndose

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catapultó a estas mujeres a la cima era la trasmutación de la mujer clásica del idealismo, por un ser pasional que luchaba contra las convenciones, absorbiendo el alma de los coestelares una y otra vez en cada cinta en la que se presentaban. en una de las industrias más importantes. El auge del cine mudo italiano abarcó prácticamente desde 1904 hasta 1918. Entre los principales éxitos de los años 1907 a 1911 destacan las historias de: Catalina, Corazón de abuelo, Anita Garibaldi, Nerón y Macbeth. Sus tramas estaban llenas de muertes imperiales, tragedias amorosas, óperas mudas, etcétera. Se explotaron hasta el cansancio las tragedias de folletines con historias de alcoholismo, gitanos y canallas extorsionadores. Claro que no todo eran folletines.

La película que marcó todo un hito en los primeros 20 años del cine italiano fue La rosa de Tebas (1912), ello debido a la aparición de una de las grandes divas del cine: Francesca Bertini, quien con sólo 20 años de edad se posicionó rápidamente dentro de la industria y claro dentro de los sueños de los amantes del séptimo arte. La filmografía de Bertini asciende alrededor de 90 filmes entre los cuales destaca su participación en: Histoire d’un pierrot (1913), de Baldassarre Negroni o Fedora en 1916. Después de la aparición de Bertini, el cine italiano fue una fábrica de divas que se dedicaban a interpretar papeles de mujeres fatales que impregnaban las pantallas de erotismo. Entre ellas: Lyda Borelli, Pina Menichelli, María Jacobini y una larga y casi interminable lista. La fórmula secreta que

Ya en 1913, apenas 15 años después de las primeras exhibiciones hechas en Italia, surgían directores como Piero Fosco, cuyo nombre real era Giovanni Pastrone, y quien fue el artífice detrás de Cabiria, cinta de tres horas de duración en la que se narraba de forma detallada el choque cultural entre las civilizaciones de Roma y Cartago. Esta película gozó de gran fama no sólo por la participación de la diva Italia Almirante Manzini y Bartolomeo Pagano; sino también por la participación del famoso escritor Gabriel d´Annunzio, quien recibió una cuantiosa cantidad de dinero no por escribir el argumento, como se hacia creer en las esquelas publicitarias; sino por hacer los subtítulos y sobre todo, por permitir el uso de su nombre para la promoción.

Pastrone compartiría la fama con directores como Enrico Guazzoni, creador de cintas como Marco Antonio y Cleopatra, Jerusalén libertada o Quo Vadis.

Fue en Italia también en donde comenzó a gestarse una nueva corriente procedente de la escuela de Giovanni Verga: el cine verista y naturalista, que años más tarde se conocería como neorrealismo italiano y al cual pertenecieron figuras como Michelangelo Antonioni o Luchino Visconti. Por desgracia una de las obras más importantes de ésta época: Perdidos en la oscuridad (Sperdutti nel buio, 1914), se perdió casi por completo, actualmente sólo se conservan algunos fotogramas. Sin embargo, existen otras películas importantes que caracterizaron a la escuela del verismo y naturalismo, tal es el caso de Assunta Spina (1916) de Gustavo Serena e interpretada por Francesca Bertini.

Luego de esta etapa dorada, que acabaría en 1922, el cine italiano sufrió un terrible golpe. La falta de una definición correcta del estilo que querían seguir los cineastas, el acaparamiento de las salas por películas extranjeras (principalmente alemanas, norteamericanas y francesas) aunado a los conflictos bélicos que comenzaban a suscitarse, sumieron a la industria cinematográfica italiana en un oscuro vórtice del que no pudo escapar sino hasta 1942.

Durante esta etapa oscura se formaron grupos en los que incluso los jóvenes de los Grupos Universitarios Fascistas (GUF) se reunían para ver películas francesas o soviéticas prohibidas por el fascismo. Es también en esta fase que surge Alessandro Blasetti, quien si bien parecía un joven prometedor en el ámbito del cine, no se salvó de crear obras superfluas y banales. Sin embargo en 1934 rodó la que se considera la obra maestra del cine italiano durante el fascismo: 1860. Después de esta cinta la carrera de Blasetti descendió gradualmente. Mas las legislaciones introducidas con La ley 6 publicada en noviembre de 1923 redujeron por completo el auge con el que contaba el cine italiano de principios de siglo.

Pero en 1945, un genio nacido en Roma vendría al rescate de la industria con su obra maestra: Roma, ciudad abierta (Roma, cittá aperta), nada menos que Roberto Rosellini, quien retomó la ola neorrealista que comenzaba a germinar antes de la guerra. Esta corriente surgió de la necesidad. La falta de recursos y medios llevó a los cineastas a improvisar los escenarios en las calles con actores desconocidos, otorgándole a las películas producidas en esa época una estética por completo realista. En 1949, Rosellini volvió a sorprender al mundo con su cinta Stromboli, terra di dío. Interpretada por Ingrid Bergman, es una de las películas menos comprendidas de su carrera y a la vez uno de los retratos más importantes sobre el alma femenina.

La corriente neorrealista del cine italiano creció a la par del neorrealismo literario representado por grandes figuras como: Césare Pavese.

De esta corriente surgieron directores que poco a poco crearon su propia forma de hacer cine, entre ellos Federico Fellini y Luchino Visconti. Éste último realizó un filme considerado corruptor del orden fascista: Obsesión (Ossessione, 1942), basado en el libro El cartero llama dos veces de James Cain, con la que abriría el camino a otra serie de películas en las que su desbordante pasión, críticas y denuncias quedaban al descubierto. Fue en esta misma época que comenzaría la era dorada de Fellini con sus cintas llenas de expresiones estéticas y a la vez críticas de la sociedad italiana...

Aunque este es sólo un pequeño esbozo del desarrollo del cine italiano hasta mediados del siglo pasado, la industria en ese país ha crecido considerablemente y sigue contando con genios que renuevan cada día la forma de crear películas, como Bernardo Bertolucci y su película El último emperador (1987), o Giuseppe Tornatore con Nuevo cinema paraíso (1988), sin contar a quienes se han incorporado a la lista de afamados directores italianos en años recientes como Matteo Garrone con su cinta Gomorra (2008).

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Top five

Divas del cine italiano Por Evelin Montiel

Sophia Loren Si una palabra ha de resumir a Sophia Loren esa es indiscutiblemente la de diva. Y es que ella es ícono del cine italiano, su trabajo la ha llevado a acumular cerca de 50 premios a nivel internacional entre los que se encuentran dos premios Óscar y un BAFTA. La carrera de esta prodigiosa mujer se inició en 1950, cuando empezó a realizar pequeñas participaciones en cintas italianas así como en algunos certámenes de belleza en los cuales ganó varios premios. Estas participaciones en la vida pública la colocaron en el ojo de la prensa y sobre todo de los cineastas ansiosos de encontrar nuevo talento. Ya a mediados de la década de los 50, Sophia era reconocida en todo el mundo gracias a sus participaciones con Frank Sinatra y Cary Grant. Fue así como conoció a Carlo Ponti quien cautivado por la belleza de Sophia, contrajo matrimonio con ella en 1957.

Mucho de su éxito, se le debe al director italiano Vittorio de Sica con quien realizó sus primeras participaciones. Pero no fue hasta 1960 cuando pudo confirmarse tal afirmación, pues en este año protagónizó la cinta Dos Mujeres dirigida por Sica, por la cual ganó 22 premios gracias a su interpretación. En la cinta encarnó a una madre, violada junto con su hija, durante la “Campaña de Italia” (1943-45). Entre los premios que obtuvo se encontraron los de mejor actriz en los festivales de Cannes, Berlín y Venecia, así como el premio Óscar. Fue la primera persona que lo ganaba con una actuación en un idioma que no era el inglés.

Sophia, al igual que Isabella Rosellini, Gina Lollobrigida y Mónica Vitti entre otras, fue incluida en el grupo de divas italianas que alimentaron el celuloide del neorrealismo italiano, y gracias a su trabajo logró consagrarse en la historia del cine como una de las actrices más importanes de la segunda mitad siglo XX.

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Isabella Rossellini Esta mujer prácticamente nació entre reflectores. Hija del director Roberto Rossellini y de la mítica actriz Ingrid Bergman (Casablanca), Isabella obtuvo sobre sí una gran responsabilidad al decidir dedicar su vida al espectáculo. Aunque inicialmente comenzó a laborar como periodista, su vida cambió luego de que realizara unas fotografías para la revista Vogue, pues desde entonces su belleza y su encanto cautivaron la cámara y supo entonces que sus pasos estarían encaminados hacia la vida pública como el caso de sus padres.

Hasta la fecha, Isabella ha sido portada de más de 300 revistas satinadas y ha iluminado constantemente las páginas de la prensa de lujo con sus apariciones publicitarias para las firmas cosméticas Lancôme y Lancaster.

Por otro lado, su talento también la llevó a figurar entre las mejores

actrices de los años ochenta, gracias a interpretaciones como la de Dorothy Vallens en Blue Velvet de David Lynch, film por el cual ganó el Indepedent Spirit Award de 1987 a la mejor actriz.

Aunque cabe mencionar que su carrera y su vida personal también estuvieron llenas de altibajos tras aceptar papeles en cintas que poco explotaban sus capacidades por un lado, y por el otro, debido a sus matrimonios fallidos con algunos de los directores más sobresalientes del cine como Martin Scorsese, Gary Oldman y David Lynch.

Sin embargo la actriz logró sobreponerse y regresó a su trabajo en el cine aunque con menos fuerza. Ac-

tualmente ella se encuentra alejada de las cámaras aunque ha aceptado participar en algunos festivales de cine como jurado.

Mónica Bellucci Cómo no reconocer a Mónica Bellucci luego de interpretaciones como las de Malena de Giuseppe Tornatore en el 2000, o el papel de la novia de Drácula en la cinta de Francis Ford Coppola, Drácula de Bram Stoker (1992).

Su belleza ha sido la clave de su éxito desde los inicios de su carrera donde incursionó en el modelaje, aunque claro está, sus capacidades histriónicas también han sobresalido en algunas de sus interpretaciones.

Tras debutar en el cine italiano con Vita coi figli (1990), tí-

tulo realizado por el veterano director transalpino Dino Risi, la actriz de Perugia consiguió aparecer en su primera producción estadounidense con Francis Ford Coppola, lo que le significó un salto gigantesco a su carrera.

Pero no cabe duda que el papel que le dio fama a nivel mundial y no precisamente por sus dotes actorales, fue Irreversible (2002).

Algunas escenas explícitas, sobre todo la de una violación que tiene una duración de nueve minutos, resultaron épicas en su filmografía.

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Gina Lollobrigida Algunos la conocen como la Venus de Italia otros como la eterna rival del Sophia Loren, mas otros simplemente la llaman Gina la diva de Italia. Esta actriz llegó al cine por error, así mismo lo afirmó ella, pues hizo estudios en escultura y arte. El cine llega a su vida luego de que ella apareciera en varios certámenes de belleza entre ellos Miss Italia. Fue a partir de allí donde las ofertas empezaron a aparecer y cintas como Fan Fan el invencible (1951) de Christian Jacques le conceden el reconocimiento del público.

Los posteriores fueron sus mejores años. Rodó algunos de sus títulos más importantes, entre los que cabe destacar La mujer más guapa del mundo (1955),

de Robert Z. Leonard, y Nuestra Señora de París (1956), con Jean Delannoy y Anthony Quinn en el papel de Quasimodo.

Sin embargo en los años sesenta su carrera se vio en un punto muerto y tras trabajar en proyectos cuyos títulos no rebasaban las expectativas, comenzó a dedicarse a otros rubros como el periodismo fotográfico y la política donde tampoco tuvo buenos resultados.

Actualmente protagoniza uno de los escándalos más grandes de su carrera al anunciar su matrimonio con el español Javier Rigau, 50 años menor que ella.

Las últimas declaraciones que la actriz anunció fue que demandaría a su esposo por estafa ya que alega que Javier contrajo

Mónica Vitti Cerca de 43 películas integran la filmografía de esta mujer que cautivo al público en la década de los setentas. Mónica es la única de nuestras enlistadas que sabía que se dedicaría al mundo del espectáculo desde el inicio, ya que tras cursar estudios en arte dramático, en 1953 trabajó en teatro y televisión para luego incursionar en 1955 en la pantalla grande.

Cintas como La aventura (1960), La noche (1960), El eclipse (1962) y El desierto rojo (1964) le dieron éxito y celebridad; pero lo que a esta mujer le interesaba estaba muy alejado de las actuaciones dra-

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máticas, pues lo suyo fue la comedia.

Así, de la mano de Michelangelo Antinioni, con quien había trabajado en teatro y en algunos proyectos fílmicos, realizó cintas como La ragazza con la pistola (1968), que la colocaron el gusto del público de manera inmediata. Versátil y original, Mónica Vitti supo interpretar a la perfección los códigos de la comedia italiana, siendo la única m u j e r en un universo dominado por los llamados “coroneles”.

matrimonio con ella sin su consentimiento con el objetivo de heredar sus bienes tras su muerte.

El extra

Festival Internacional de Cine de Guadalajara

E

l cine no para, ya entrado el año se han celebrado algunos de los eventos de cine más importantes de México, entre ellos el Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM). Pero en esta ocasión hablaremos del evento que pone al país en el ojo de la prensa cinematográfica mundial, así es, nos referimos al Festival Internacional de Cine de Guadalajara (FICG) que acaba de concluir el pasado nueve de marzo su vigésimo octava edición.

Luego de nueve días consecutivos en los cuales se proyectaron 240 películas en total, el FICG llegó a su fin con una clausura de gala. En la ceremonia se realizó la premiación, donde se entregaron los Mayahuel del Plata, a lo mejor de la emisión donde la película argentina Infancia clandestina del director Benjamín Ávila, fue la gran ganadora al llevarse el premio al mejor largometraje iberoamericano de ficción.

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los principales premios no fueron entregados a sus ganadores ya que estos no pudieron asistir a la premiación por lo que se entregaron a los representantes que éstos enviaron.

Así se vivió la última etapa del FICG 28, en donde también la música tuvo un espacio especial, claro ejemplo fue el de la ceremonia de clausura en la que Eero Heinonen, bajista de The Rasmus y curador de la sección internacional de Son de Cine, ofreció dos temas musicales a capela.

Es evidente que el festival estuvo repleto de buen cine y que cientos pudieron disfrutar de él, sobre todo la prensa internacional, que incluso realizó una premiación alterna dentro del festival donde la cinta brasileña Erase una vez Verónica de Marcelo Gomes fue la galardonada.

El premio al mejor director del festival fue para el argentino Darío Nardi, por su cinta Las mariposas de Sadourní; mientras que la película uruguaya Tanta agua, de Ana Guevara y Leticia Gorge, se alzó como mejor ópera prima.

El premio del público fue para la película mexicana Tercera llamada de Francisco Franco, que también ganó el galardón a la mejor actriz, por todo su elenco femenino. Por su parte, Workers, también mexi

Francisco Franco

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cana, dirigida por José Luis Valle González, ganó el premio Mezcal al mejor largometraje mexicano.

Sin embargo, con o sin premios, habrá que entender que la importancia de este festival radica en que es un medio propiciatorio para la

En la categoría de documentales, el premio al mejor filme iberoamericano de no ficción fue para El otro día, de origen chileno dirigida por Ignacio Agüero. Otro documental, Quebranto, de Roberto Fiesco, se apoderó del premio especial del jurado y del galardón Maguey a la mejor película.

Otros galardonados incluyeron a Kiko de la Rica, en mejor fotografía por Blancanieves; Valentí Figueres en mejor guion por El efecto k, el montador de Stalin; Ernesto Alterio, como mejor actor por Infancia clandestina, y el premio especial del jurado para Xingu, de Cao Hamburger.

Y bien, una noche de grandes premios y también de grandes ausencias pues

Imagen de la cinta Las mariposas de Sadourní

difusión de las producciones cinematográficas que ofrecen los países iberoamericanos y que sin la realización de este tipo de festivales, serían inaccesibles y desconocidos para muchos.

Ahora esperemos a ver qué nos ofrecerá la edición número 29 del FICG, que promete mucho y en la cual el país invitado será Quebec.