Número98

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Editorial

Contenido El cine es poesía

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ristóteles sostenía que una de las virtudes más importantes que existe es la de la «justicia», entendida como un principio en el que cada quien obtiene lo que le corresponde. Las representaciones de esta virtud se extienden en todos los ámbitos y bajo las máscaras más variadas.

Tres anuncios por un crimen 2

Tesoros fílmicos Detroit 6

En el cine la justicia ha sido representada en todos los géneros.

Podemos ver a Superman, en el cine de héroes hasta la hechicera que maldice a la Bestia por su comportamiento poco humanitario en uno de los clásicos de Disney. Cada una de estas formas de justicia, independientemente de su nivel de abstracción o su validez, busca precisamente «que cada quien obtenga lo que le corresponde».

Existe un personaje, casi universal a todas las culturas, que se encarga de velar por que esta «justicia» prevalezca, o por lo menos así debería ser en términos ideales: el policía.

Sin embargo, dentro del cine las historias de policías han mostrado los muy diversos rostros que este multifacético personaje puede presentar. En este número de Super 8, se presentan algunos de esos rostros.

La mente maestra Bright 10

La caja de Pandora Singham 15

Había una vez The snowman 18

Para Conocer Para o mamá dispara 22 Esperamos tus críticas y comentarios en Facebook

En portada: Singham

Super 8 Número 98 Editor: Azucena Mecalco Redactores: Amaury Hernández, Manuel Pineda, Frida Pineda, Jorge Slonso Espíritu, Libertad Pineda.

Arte y Diseño: Azucena Mecalco Ciudad de México Marzo 2018

Todas las imágenes que aparecen aquí pertenecen a sus respectivos autores, y han sido utilizadas y editadas sin fines de lucro.

Por Jorge Alonso EspĂ­ritu

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l gĂŠnero policiaco existe porque responde a una necesidad humana, valor siempre nombrado, muchas veces exigido pero pocas veces otorgado: la justicia.

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EL CINE ES POESÍA

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Entendamos la justicia como una respuesta merecida contra las afrentas, y entenderemos la

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complejidad del término. ¿Qué talión, ojo por ojo y diente por merece quien golpea, quien in- diente, hace tiempo que salió de sulta, quien sobaja? La ley del las legislaciones modernas, pero

permanece en el código moral de los ciudadanos, dando origen a la venganza, o al deseo de ella. ¿Qué merece quien viola a una adolescente, quema su cuerpo y abusa de él ya moribundo?

Por lo menos ser hallado, capturado, privado de sus derechos civiles, de su libertad, de la oportunidad de repetir lo que hizo.

La hija de Mildred fue asesinada y violada. Todos en el pueblo lo saben, aunque nadie tiene idea de quién pudo ser el responsable. Pasan los meses y ante la falta de certezas, Mildred formula una: si la policía no ha detenido a nadie, entonces también son responsables. Por ello contrata tres vallas publicitarias en

las que, con fondo rojo, denuncia la situación y señala al jefe de policía, William Willoughby por su incapacidad para dar respuestas.

estadounidense, convirtiéndose en una cinta más de la era Trump. El cuidado en la música, en la fotografía y, sobre todo, en el reparto, permiten el paso a interrogantes necesarias en medio La colocación de los anuncios del caótico escenario social norespectaculares sacude al pueblo, teamericano. ¿Quiénes son los acaso más que la muerte violenta malos y quiénes los buenos? de la joven. El acto que busca justicia vuelca a los habitantes en contra de Mildred, sobre todo porque saben que el jefe policiaco está enfermo de cáncer.

El principal defensor del comandante es Jason Dixon, un policía racista, atado a las faldas de su madre y lleno de odio, incapaz de encontrar aprecio en el condado, en la corporación, en la calle o en la taberna. Jason volverá personal la lucha contra Mildred buscando su propio tipo de justicia: impedir el descrédito de su jefe.

Pero esas preguntas se hacen no desde la solemnidad que mataría la propuesta, tampoco en un humor grotesco, sino en una sana dosis de humanidad, humor y, sobre todo, sin conclusiones que quieran pasar por verdades.

Tres anuncios por un crimen nos confronta, nos desmienEstos personajes echan a an- te, nos hace dudar y nos deja dar un western que va de lo cuestionando, cuestionándonos. clásico a lo moderno. Pero en- Justo lo que necesitamos de un frentando en su discurso al alma buen cine.

FICHA TÉCNICA Título original: Three Billboards Outside Ebbing, Missouri Año: 2017 Duración: 112 min.

País: Reino Unido Dirección: Martin McDonagh Guion: Martin McDonagh Música: Carter Burwell Fotografía: Ben Davis Reparto: Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Roc� kwell, Caleb Landry Jones, Lucas Hedges, Peter Dinklage, John Hawkes,

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Because black

Por @AMAURY1984

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s común en México tener una pésima opinión sobre la policía. Las autoridades aquí carecen de la apropiada instrucción, ganan poco y suelen sufrir de abuso de sus superiores. Esto provoca, mas no justifica, que el policía de cercanía sea ineficiente y altamente corruptible.

Esta percepción no es la misma

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si se habla sobre la policía de los EEUU. En general el mexicano cree que la instituciones del país del norte son increíblemente justas y eficientes. Se cree, ya sea por la monumental cantidad de series de TV policiacas o por parcial ignorancia, que la policía estadounidense no actúa con algún error.

TESOROS FÍLMICOS

k lives matter

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Sin embargo a aquellos que la policía fue el acontecido en policía y la guardia nacional llegustan de informarse llegó hace el Motel Algiers de la Ciudad de garon a dicho hotel tras escuchar disparos saliendo de una de las habitaciones. Con el fin de saber de la supuesta arma utilizada, la policía de Detroit amagó violentamente a un grupo de personas.

Hubo muertos, hubo un juicio, pero no hubo castigados. Este evento fue retomado por la realizadora estadounidense Kathryn Bigelow. A quien me gusta llamar la directora de la coyuntura.

En Detroit, muy fiel a su estilo, nos presenta a sus personajes en una muy nutrida introducción a los personajes. Nunca se limita, Kathryn Bigelow prefiere mostrar a las personas y apresuya buen tiempo la noticia de que Detroit. Durante una serie de ma- rar los hechos. En una Detroit en la población de raza negra en los sivas manifestaciones violentas, la franco conflicto entre los ciudaEEUU no tenía una opinión muy positiva de la institución de seguridad pública que los protegía.

Siempre han tenido cierto recelo a confiar en la absoluta imparcialidad de la policía. Y si uno se pone a indagar un poco sobre la historia del siglo XX, encontrará una infinidad de casos que justificarán la percepción del estadounidense negro de clase media-baja.

Un caso muy sonado del año 1967 que significó la muerte de varias personas de raza negra a manos de elementos de

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danos y sus autoridades la calles nos son seguras.

El conflicto podría estallar en cualquier momento y mientras la guardia nacional aspira a poner orden, la población no debe estar en las calles. Bajo pena de cárcel se debe respetar las indicaciones de la autoridad. El toque de queda indica que la noche es mucho más rigurosa. La tiendas no abren por temor a ser saqueadas y sus propietarios corran el riesgo de perder algo más que sus mercancías. En un hecho por demás aleatorio llega el conflicto oculto dentro del conflicto: el racismo. Un hombre negro corre al ver un vehículo de la policía. Con víveres en la manos es asesinado por la espalda por el oficial Krauss. El oficial Krauss es el líder moral de esta unidad que tomará la decisión de que los ciudadanos negros nos son buenas personas, siempre ocultan un delito bajo el brazo y son el objetivo a detener en cualquier caso.

Mark Boal ha sido la mancuerna creativa de Bigelow en casi todos sus proyectos. En este caso el guión de Boal se centra en una serie de personajes que se encuentran fuera de este conflicto social entre autoridades y civiles. Pretenden seguir con sus

vidas y mantenerse a raya, ser el buen ciudadano, trabajar. Este es un guión que abarca temporalmente un día en Detroit, día que termina en el caos provocado por unos cuantos y que llevó a un momento crítico en el que la autoridad tuvo que responder por sus actos sin el resultado esperado.

El equipo Bigelow-Boal vuelve en embarcarse en una historia que requiere su dosis de sentimentalismo necesaria. Después de todo son las emociones las que suelen levantar o terminar de hundir a una persona.

Esto provoca que el desarrollo de la producción pueda sentirse algo lento para los estándares que dominan actualmente la narrativa cinematográfica. Estamos hablando de un solo día representado en una película. Sólo en comparativa tomen su película favorita e intenten contar los días: Harry Potter supone abarcar un año, ¡Madre! de Darren Aronofsky tiene por los menos siete días, Zerkalo de Tarkovsky es prácticamente una vida entera, por lo que si la medimos en términos del tiempo que abarca es entendible la posible lentitud del guión.

Ya sea puro oportunismo o un verdadero sentido de reivindicar los hechos de nuestra realidad la Señora Bigelow ha sabido llevar a la pantalla del cine historias provocadoras que responden a un contexto informativo.

FICHA TÉCNICA Título: Detroit (2017) Dirige: Kathryn Bigelow Guión: Mark Boal Protagonizan: John Boyega, Will Poulter, Tyler James Wi� lliams, Jacob Latimore, Mason Alban, Chris Chalk, entre otros

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la oscuridad latente en los corazones de la industria

«E

l universo es muy confuso realmente» así dice Maggie Simpson, un personaje animado, en un especial de Halloween donde Homero altera la línea temporal que le corresponde.

Esta frase es maravillosa porque es una salida fácil cuando eres espectador de algo que trata de alterar el orden establecido.

El dialogo sirve para describir como me siento cada vez que veo una película que ilustra una realidad alterna a la que vivo. ¿Qué películas ilustran una alternancia? Watchmen, Robocop, Blade Runner, Distrito 9, Chappie, Bright, entre otras. Estas cumplen con una de las funciones de la cinematografía, la de mostrarnos una posibilidad más sobre

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Por Manuel Pineda nuestra ordinaria vida. Claro, también es un reflejo, un entretenimiento, un medio de enseñanza e incluso propaganda, pero el cine en su carácter ficticio puede hacer real el «hubiera».

Estar mirando cómo pudo ser el mundo si hubiera ganado Hitler la Segunda Guerra Mundial, si Estados Unidos ganara la guerra de Vietnam con la presencia del Dr. Manhattan,

LA MENTE MAESTRA

la sociedad actual. Un mundo fantástico, donde hubo una gran guerra entre el bien y el mal; orcos, hadas, dragones, elfos, magos, varas mágicas, humanos, centauros, duendes y otros seres mitológicos. Este conflicto se llevó a cabo dos mil años atrás donde destruyeron al señor oscuro, convirtiendo a los orcos en seres con mala reputación y a los elfos como una de la clase más alta de la pirámide social.

el uso de un policía ciborg para traer la paz y el orden a la ciudad, la llegada de extraterrestres marginados viviendo entre nosotros, o seres fantásticos que son parte de nuestra cotidianeidad se vuelven una realidad a través del cine. Ya no es parte de nuestra imaginación, sino que se materializa a través del trabajo de un grupo de personas que son parte de la industria del cine.

Esta perspectiva es bella porque vemos lo que pudo haber pasado o tal vez sucede en alguna realidad alterna. Por eso me gusta la ficción en el cine, ya que satisface los deseos de las personas. Y la película aunque sea muy mala siempre encontrara un nicho de espectadores que la ame.

Bright es una producción estadounidense dirigida por David Ayer, quien venía de trabajar con Warner Brothers en Suicide Squad. Él es un cineasta

muy particular ya que hay un elemento constante en su filmografía consistente en la fuerza policía y los crímenes dentro de los suburbios en Estados Unidos, como Street Kings, End of Watch o Harsh Times.

La historia se centra en un orco que siempre deseó convertirse en policía, sin importar la reputación de su especie, y se convierte en el primero en ser aceptado gracias a una política incluyente que tiene el gobierno estadounidense. Sin embargo es víctima de discriminación por parte de los humanos y los demás seres fantásticos. Así el orco Nick Jacoby (Joel Edgerton) y su compañero humano Daryl Ward (Will Smith) se ven envueltos en una situación que los supera con creces y que los obliga a confiar mutuamente.

Esta constante se debe a que David Ayer vivió su adolescencia en los Ángeles, California, donde experimentó situaciones que le inspiraron los guiones que escribió. Además estuvo enlistado en la Armada Naval de Estados Unidos. Estos elementos fueron materia prima para que Ayer lo La película comienza con un reflejara en sus obras cinemato- lenguaje perteneciente al género gráficas. documental para contextualizar a la audiencia, enseñando grafitis Así llegamos a la experiencia sobre los orcos y el regreso del que nos ofrece con su último lar- señor oscuro. Y aunque el térmigometraje Bright. Una película no de «inmigrante ilegal» no forque mezcla estos elementos con ma parte de la película, presenta la fantasía, dando rienda suelta una analogía con los inmigrantes su imaginación, otorgándonos ilegales a través de la figura del una realidad alternativa que sir- orco como ser marginado dentro ve como reflejo para criticar a de la sociedad. Los elfos pertenecen a la clase gobernante y a la alta sociedad, los humanos siguen siendo normales ya que no pertenecen a un estrato específico.

Este estilo funciona para que el público crea que es real, se acerque a la historia y sienta algo. Sin duda es una gran herramienta porque las buenas películas siempre conectaran con el espectador. Por eso tengo muy presentes Robocop con sus noticias ficticias o Distrito 9 con su estilo mixto de falso documental

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y ficción. David Ayer lo replica de forma magistral con un resultado entretenido. Por eso es interesante ver la reacción del público frente a Bright, ya que a la mayoría de la audiencia le gustó, mostrando reacciones positivas a esta obra producida por Netflix.

Sin embargo para la crítica especializada fue una película muy mala, que obtuvo sentencias muy duras ya que indicaban que el argumento trataba de abarcar muchos temas y al final se perdían, que la historia y sus escenas no tenían coherencia, o también hacían una comparación a las risibles escenas de acción de la saga rápido y furioso.

Pero uno de los representantes de Netflix declaró que los críticos especializados estaban muy desconectados del público en general ya que fue muy bien recibida por los suscriptores del servicio de streaming. La película generó millones de vistas en su fecha de estreno, y demostró que la critica está muy alejada de la realidad.

tiempo de su vida para generar una obra cinematográfica.

Además hay que entender que esta película junto a otras producidas por los servicios de streaming se encuentran en medio de una disputa muy interesante, ya que a la industria tradicional de cine le cuesta trabajo aceptar la entrada de las nuevas formas de difusión de contenido, claro una de las razones principales es la perdida de dinero por este medio.

Disfrazándolo de un conflicto sobre cómo apreciar el cine, donde los cineastas y productores tradicionales defienden al cine expresado a través de las pantallas en complejos cinematográficos como los conocemos generalmente, y no aceptan que películas estrenadas en plataformas de streaming compitan en los festivales cinematográficos por considerar que eso no es cine.

La película cumple, es ficción y es fantasía, no le puedes pedir otra cosa más que entretener y si te genera algún pensamiento creo que es lo que la convierte en una buena película ya que te hace transcender más allá del mero entrete n i m ie nto .

El público y la crítica no deben menospreciar el trabajo del grupo de personas que da

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Para mí la cinematografía se ha ido transformando gracias a la tecnología y aunque sea menor el uso de película cinematográfica como soporte material, por los avances en los medios de almacenamiento digital, el cine sigue teniendo la misma estructura en su lenguaje y en su proceso creativo, por eso el cine seguirá siéndolo sin importar que no se haya estrenado en salas tradicionales.

Además, como experiencia personal, yo me convertí en amante del cine gracias al primer acercamiento que tuve con él a través de la televisión. Cuando era niño mi familia no era estable económicamente para poder llevarnos al cine, así que las primeras películas que vi fue a través de una televisión Goldstar de 14 pulgadas en blanco y negro, creo que como el autor de este texto muchas personas se

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acercaron al cine a través de la las como Bright son el ejemplo televisión. de cineastas que han sido limitados por la industria encuentren Por eso son ridículos los argu- espacio en estas plataformas y mentos de cineastas como Pedro les den rienda suelta a su imagiAlmodóvar que se niegan a acep- nación. Gracias a esto tenemos tar a los servicios de streaming una obra cinematográfica, que como parte de la industria cine- no será la mejor pero si una buematográfica. Pero bueno, pelícu- na obra de arte audiovisual.

LA CAJA DE PANDORA

Singham Por Azucena Mecalco

L

as películas son artilugios místicos. Cuentan con la maravillosa capacidad de adentrar al espectador en un universo paralelo, dentro de un tiempo distinto y siguiendo secuencias imposibles en el tiempo y el espacio reales. De alguna manera encuentran la forma de conectarse con el público y convencerlo de permanecer una, dos, tres o diez horas sentado frente a una pantalla siguiendo las aventuras, creíbles o no de un personaje específico.

El tipo de filme que el espectador elige depende completamente del gusto. Eso implica

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saber a qué nos referimos con «gusto». La RAE cuenta con 12 definiciones para determinar este concepto. Una de ellas lo define como: «manera de apreciar las cosas cada persona». Y si el concepto de «gusto» en sí mismo entraña ya una polisemia tan extensa, no es menos problemático determinar cómo construye cada persona su «manera de apreciar las cosas».

atmósferas en la oferta argumen- de corrupción por el grupo de tal de la industria.

Shikre.

Para lograr satisfacer la polisemia gustativa, la industria cinematográfica ha creado millones de cintas con las historias más diversas. Como parte de la amplia gama argumental, las fuerzas policiales han sido protagonistas de un sin número de historias que pueden clasificarse prácticamente dentro de cualquier género, desde la comedia hasta el drama.

En México, la mayor parte de las películas que se exhiben en

Las historias policiacas atraen a un gran público desde mucho antes de que éstas fueran llevadas a las pantallas. Gracias a las nuevas posibilidades tecnológicas estas historia se han vuelto cada vez más elaboradas, por lo menos en cuanto a técnica se refiere. Investigadores, detectives, agentes secretos… todos estos personajes encuentran nuevas

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Y aunque parece que en muchas ocasiones las historias policiacas buscan acercarse cada vez más a la realidad, y hasta explotan la frase clásica de «basada en hechos reales» para lograr un efecto mucho más impactante, siguen existiendo películas que se alejan por completo del estándar en boga y presentan alternativas al canon.

Este es precisamente el caso de Singham, película proveniente de la India dirigida por Rohit Shetty.

La historia se centra en la odisea que libra el honesto policía Bajirao Singham en sus intentos por hacer perdurar la integridad de los cuerpos policiacos, demostrar la culpabilidad de Jaikant Shikre, político y delincuente (sí, resulta que no son sinónimos), y al mismo tiempo limpiar el nombre de Rakesh Kadam, joven policía llevado al limite de atentar contra su vida al ser culpado

Pero no se confunda. Singham no es una película revolucionaria, no cuenta con un argumento novedoso, una excelente fotografía o grandes actores. La originalidad no es lo suyo, menos aún considerando que es un remake. Su misterio radica en su origen.

salas son de origen estadounidense. Estamos acostumbrados a determinados movimientos de cámaras, diseño de producción, caracterización de personajes decoración de espacios y adaptación de lugares.

Singham rompe con todos esos esquemas.

Su diseño de producción, y en realidad cada detalle que la compone, es tan barroco que termina por aturdir al espectador pero sin permitirle detener el metraje. De alguna manera logra que uno soporte la excesiva paleta de colores, saltos de eje, cambio de encuadres sin sentido, el uso incesante del efecto bala y hasta los múltiples musicales introducidos para resumir alguna situación en la historia. Porque, sí, al más puro estilo de Disney o el cine mexicano de la época de oro, esta película, como muchas otras provenientes de la India, utiliza canciones para resumir momentos clave de la historia.

De esta manera podemos ver, luego de los primeros 10 minutos de película, un extenso musical en el que nos presentan a

nuestro protagonista surgiendo de las aguas de un lago cristalino con sus muy perfectos pectorales todavía húmedos, mientras a su alrededor un grupo de personas lo reciben cual deidad. Y más tarde somos testigos del romance con su prima también a través de una canción.

Los musicales, que además de ser pegajosos cuentan con coreografía dignas de verse en la apertura de las olimpiadas, forman parte de una distribución delineada y tienen una importante función dramática. Con una sola canción, interpretada por los protagonistas de la escena en cuestión, se resume perfectamente la identidad de un personaje o su relación con otro. Mas su composición sigue por completo la forma estructural de un video musical y las incursiones musicales terminan por lucir cursis y exageradas, lo cual es un logro dentro de un diseño de producción exuberante de antemano.

Los movimientos de cámara son tan súbitos que marean y el descarado uso de los big close up alcanza el nivel de abrumador. Sin contar con

las actuaciones recargadas de los participantes, que hacen que uno se pregunte si de verdad logran filmar una escena completa sin reír.

Lo realmente rescatable es la música. Fuera del hecho de que los musicales den pena ajena, lo cierto es que el resto de las melodías que aparece en la cinta compensa, en gran medida, la suma de errores, si podemos catalogarlos así, que se acumulan en la película. Los leitmotiv son también un punto a favor, pues cumplen exactamente con su designio: ilustrar y acompañar la aparición de un personaje o situación.

Esta película, como muchas otras de su especie, podrá no ser una obra maestra, pero al verla nos permite, además de reír un buen rato, reflexionar acerca de los filmes que consumimos, los lenguajes cinematográficos que comprendemos y validamos, e incluso cómo estructuramos nuestro «gusto» o preferencia por determinados productos. Es normal que al verla encontremos miles de fallas, sin embargo, sería necesario replantearnos si realmente esas fallas se consideran como tales o si es que simplemente obedecen a un gusto distinto.

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HABÍA UNA VEZ

Por Libertad Pineda

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ncontré esta película en un vuelo intercontinental. Me pareció una magnífica idea dedicarle, al menos, dos horas de las 11 que pasaría entre la comida, el sueño y el hastío. La historia es simple, un policía es asignado a un caso de desaparición. Las pistas parecen apuntar a un asesino en serie. Pareció tener lo necesario: misterio, oscuridad, y una localidad fría, Noruega.

Además, me recordaba el lugar que estaba dejando atrás.

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Katrine Bratt: “Soon the first snow will come, and then he will kill again.”

A primera vista, parece tener una buena historia. Comienza con una dramática escena que logra mantenernos atentos. Nos introduce al mundo del adulterio y la tragedia enmarcado en un día de invierno. Sin embargo, conforme avanza la historia, nos vamos encontrando que el hastío en una cabina de un Boing 747, es el mismo que se vive cómo espectador de The snowman escena tras escena, y no encontramos una conexión emotiva entre los actores.

Quizás el único que resulta palpable cómo personaje es Harry Hole (Michael Fassbender).

Quién es el clásico policía famoso por sus crímenes resueltos, incluso en la academia los analizan para enseñarles a trabajar a los futuros detectives. Sin embargo, Hole tiene serios problemas personales, los cuáles, interfieren con su profesión, y viceversa. En un principio es poco empático con el nuevo caso de la novata, su colega, Katrine Bratt (Rebeca Ferguson). La detective más que hacer su función de investigación, parece estar en una venganza personal.

The killer: “Mister police. You could have saved her. I gave you all the clues.”

El argumento es simple, pero realmente se espera que haya una interesante resolución, como se anuncia en el tráiler. Los guionistas son Peter Straughan, (El topo, 2011; Frank, 2014), Hossein Amini (The wings of the Dove 1997; Drive, 2011) y Soren Sveistrup, (Der kommer en dag, 2016), quienes se basaron en el libro de Jo Nesbo. Este último, es escritor de novelas de crimen cómo Headhunters y The son. El cual parece ser muy popular, ya que ha sido traducido a más de

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algunas pistas del jazzista noruego Stein Urheim. ¿Cuál es la mejor película para sobrellevar un vuelo de 11 horas?

Esta no es una opción, si se harta fácilmente. Además, ahí esta censurada en las escenas “fuertes”. De haberlo sabido hubiera visto Ragnarok.

cincuenta idiomas. En definitiva la historia intensa la meten en una hora, cincuenta y nueve minutos, y al final, no resulta tan sombría.

La producción no demerita, es superior en este aspecto. Todas las locaciones y la fotografía generan el yermo y oscuridad necesaria para enmarcar al misterio detrás. En las escenas de acecho, realmente se percibe al depredador y el miedo que ocasiona en el espectador. El director de esta película es Tomas Alfredson, el mismo director de Låt den rätte komma in (2008). Se puede ver su sello en las diferentes escenas y atmosferas logradas en interiores y exteriores. La música es otra pista que nos ponen para

descifrar el entuerto, si es que no lo ha logrado ya, con otros detalles. Le recomiendo escuchar

FICHA TÉCNICA Título: The snowman Director:Tomas Alfredson Productor: Tim Bevan, Eric Fe� llner, Robyn Slovo, Peter Gusta� fsson Guionista: Hossein Amini, Peter Straughan, Søren Sveistrup Basada en el libro: The Snow� man de Jo Nesbø Protagonistas: Michael Fassbender, Rebecca Ferguson, Charlotte Gainsbourg, Val Kil� mer, J. K. Simmons Distribuido: Universal Pictures Duración: 119 minutos País: Reino Unido Lenguaje: Inglés.

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PARA CONOCER

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Por Frida Pineda

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e tantos traseros sexys de Hollywood, el de Sylvester Stallone es de los mejores, pero ¿por qué lo menciono? El otro día estaba viendo una película tan graciosa, pero tan graciosa que lo único inolvidable y morboso fue el enfoque del trasero del ya mencionado actor. Y sí,

sigo pensando en esas curvas y fíjese que a pesar de que no me gusta Stallone le he encontrado algo perfecto al susodicho, y a decir verdad, me desagrada… bueno pero no tanto como el actor Ron Perlman apodado (por mí) ‘’Cara de perro’’. Continuemos...

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Algunos hemos tenido problemas con nuestras madres porque nos han humillado o son chismosas y cuentan nuestra vida personal a ajenos, sin embargo algunos han sufrido más por sus madres sobreprotec toras al punto de decir ¡Para!

O mi mamá dispara, y este es el caso de nuestro protagonista Joe B rof mowsk i que el queridísimo actor Sylvester Stallone interpreta.

El pobre Joe B rof mowsk i es un detective que recibe la visita de su madre quien es sobreprotec -

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tora y lo trata como a un niño. ¿Quién quisiera ser Joe? Nadie, amigos, nadie. Oh pobre pobre Joe, en esta cinta lo veremos sufrir y tener pesadillas sobre el

atormento de su madre quien sólo se meterá en su vida personal y laboral pero de una manera chusca, tan chusca que todas esas películas de policías cómi-

cas como Héroe de centro comercial se quedarían enterradas en el olvido.

Sabemos que no es la mejor película de Sylvester, el propio actor declaró que es la peor película que ha protagonizado, ¿pero por qué aceptó el rol el actor? De acuerdo a Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger lo engañó para que participara en esta comedia de fracaso al comenzar un rumor de que quería la película él mismo. Sylvester admitió en una conversación con el periodista Sandro Monetti en Manchester Arena que escuchó que Arnold quería hacer la película y, después de escuchar eso, dijo que quería hacerlo. Más tarde comprendió que Arnie lo engañó pues en ese momento los dos estaban compitiendo unos contra otros y por eso Arnold

fingió interés y Stallone inmediatamente llamó a los productores y hasta la fecha el lamenta profundamente eso.

logró recaudar más de $70 millones de dólares contra su presupuesto de $45 millones de dólares. Y aunque se le dé ese título para mí no fue la peor película, Dicha película fue ganadora créanme que hay peores que de tres premios Golden Raspbe- esta, yo le daría 6 estrellas. Eso rry a peor actor, peor actriz de sí, si buscas seriedad en la cinta reparto y peor guión. A pesar esta no es para ti; pero si buscas de las críticas negativas la cinta reírte o burlarte de la justicia, por la risa que genera definitivamente esto es para ti, ah ah ah y por sus inolvidables ya mencionadas nalgotas de Stallone.

FICHA TÉCNICA Director: Roger Spottiswoode Producción: Ivan Reitman Guión: Blake Snyder Música: Max Steiner Protagonistas: Sylvester Stal� lone, Estelle �������������������������� Getty������������� , JoBeth ����������� Wil� liams������������������������� , Roger ����������������������� Rees������������� , Martin Fer� rero , Ving Rhames País: Estados Unidos Año: 1992 Duración: 87 minutos Idioma: Inglés Distribución: Universal Studios

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