Super 8 número 121

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Contenido

Editorial El cine es poesía The Dirt 2

Tesoros fílmicos Rocketman 6

La mente maestra Mangoré 10

La caja de Pandora Judy 15

Esperamos tus críticas y comentarios en Facebook

En portada: Rocketman (2019)

And I think it’s gonna be a long, long time ‘til touch down brings me round again to find I’m not the man they think I am at home Oh no, no, no, I’m a rocket man Rocket man, burning out his fuse up here alone Mars ain’t the kind of place to raise your kids In fact it’s cold as hell And there’s no one there to raise them if you did And all this science, I don’t understand It’s just my job five days a week A rocket man, a rocket man And I think it’s gonna be a long, long time...

Super 8 Número 121 Editor: Azucena Mecalco Redactores: Amaury Hernández, Manuel Pineda, Libertad Pineda.

Arte y Diseño: Azucena Mecalco Ciudad de México Marzo 2020

Rocketman Elton John and Bernie Taupin

Todas las imágenes que aparecen aquí pertenecen a sus respectivos autores, y han sido utilizadas y editadas sin fines de lucro.

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EL CINE ES POESÍA

Por Libertad Pineda Nikki Sixx: We wanna knock people on their asses and we gotta give them a show. I’m talking like on stage or in clubs.

The fans, they’re dying for some anarchy. So let’s give it to them.

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ran los años ochenta y había un movimiento fuerte del heavy metal. Aparecieron varios grupos, pero por su música, los alborotos en los conciertos o la parafernalia que utilizaban durante sus presentaciones se volvieron populares: Mötley Crüe.

La música atrajo por la rebeldía qué representaba y por las fiestas bacanales que dejaban. Los personajes abordados The Dirt

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son bastante escandalosos y rayan en lo grotesco, y de vez en cuando, en lo ilegal. Al menos, es la imagen que se pinta en los primeros cinco minutos de la cinta.

Durante los ciento siete minutos de duración acompañamos a los integrantes de esta banda en la espiral de la fama y el éxito monetario.

Acudimos al nacimiento del líder de la banda Nikki Sixx, quien, posee una infancia colmada de dolor y traumas, que lo marcaron por el resto de su vida. No sabemos si esto influyó en la posterior espiral de desenfreno, o si, el ámbito musical y los excesos son inherentes a esa “fortuna”. El éxito de

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su banda lo llevó a la cima y lo bajó al mundo del alcohol y las drogas, es bien sabido que casi todas las bandas de rock adolecen de ello.

Jeffrey James Tremaine es el director, muy conocido por su trabajo en MTV y por su trabajo con la serie de películas Jackass (2002, 2006, 2010,2014). Sabiendo esto, ya puede imaginar

mi. Generalmente, si la música no es de mi agrado se torna un poco difícil de digerir, pero para un domingo sin mucho que hacer, esta podría ser la opción deseada. Si su sensibilidad es mucha, olvídelo porque de vez en cuando salpican con escenas de sexo y drogas.

por qué algunas secuencias parecen pequeños video clips.

Sexo, drogas, rock & roll encontrará aquí, además de mucha fantasía. Si bien se cuentan anécdotas que involucran a otros músicos de la época, hay mucha imaginación también, y algunos gaps que bien pueden rayar en la comicidad. Al final, en los créditos, puede ver que algunas escenas fueron basadas en fotografías que documentaron la vida cotidiana de los integrantes. Otro punto a favor es que esta película cuenta con acceso en la popular plataforma digital

Para cuando viví mi adolescencia esta banda ya no era popular, pero sí el grunge, el cual fue de mi gusto, pero tampoco fui un gran fan. Gracias a esta cinta me enteré que Mötley Crüe fue popular en México, donde incluso logró un reconocimiento Netflix, que de hecho es la dis- en aquel tiempo. tribuidora.

El mismísimo Nikki vino a Los musicales y las biopics México por su premio… Es de siempre son un problema para admirarse también qué ninguno de ellos contrajo SIDA.

FICHA TÉCNICA Título: The Dirt Dirección: Jeff Tremaine Guión: Rich Wilkes y Tom Kapinos Protagonistas: Douglas Booth, Machine Gun Kelly, Daniel Webber, Iwan Rheon Año: 2019 País: Estados Unidos de América Idioma: Inglés

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Por @AMAURY1984 When are you gonna come down?

When are you going to land?

I should have stayed on the farm I should have listened to my old man -Bernie Taupin.-

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Yo conocí al señor Reginald Dwight, mejor conocido por el mundo como Elton John, durante mi infancia y su decadente regreso a la fama. Su gira lo trajo a la ciudad de México allá por 1992 y significó un verdadero hito en aquella sociedad que no tenía muchos eventos del estilo.

A esa edad, para mí, la música

TESOROS FÍLMICOS

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Queen; pueden suponer que yo lo vi como un intento más de “la loca de los lentes” de treparse al tren del hype.

Rocketman nació de la colaboración del escritor Lee Hall y Elton John para el musical de Billy Elliot. El fin de la producción era llevar las memorias del músico a las pantallas de cine acompañadas por su trabajo musical. Gracias a la planeación coordinada de Elton John, Lee Hall y el director Dexter Fletcher, la producción de Rocketman se llevó por un acercamiento al género del musical cinematográfico. Y todo inicia con un momento cruno significaba mucho y escuchar tanto el nombre de un tipo que no me interesaba me causaba molestia. Lo próximo que supe de Sir Elton John era que su música formaba parte de la película de 1994 The lion king. Con eso me bastó para quererlo evitar de por vida. Lo llegué a considerar un trepador que aprovechaba la más mínima oportunidad para volver a ser popular. ¿Cantó para Lady Diana?, ¿Cantó junto a Eminem?, ¿Dijo que Madonna no canta? ¡Oportunista! Así que cuando me enteré de que se venía una película biográfica de Elton John… después de una de cial de la vida de Reginald, en 1990, cuando decide ingresar a rehabilitación.

Elton, interpretado por Taron Egerton, llega ataviado con plumas y brillantes a la sala de una clínica. Sentado junto a una terapeuta y los demás asistentes, el músico ahonda en sus memorias desde la infancia entre un padre ausente, una madre inquisidora y su soporte sentimental en su abuela. Al ritmo de The Bitch is Back (1974) entramos en la mente que vio en su música la perfecta banda sonora para cada momento. El drama de su infancia llega con I want

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love, una pieza original de 2001 que encaja magistralmente col el drama de la familia Dwight. Su incursión en la escena nocturna británica llega con Saturday night’s alright, una pieza llena de vida que da transición a la madurez del músico. Y su oportunidad de grabar su primer disco llega cuando junto a su letrista inseparable crean la entrañable Your Song.

Todo esto llevado a la vida con un gran desempeño del elenco que como en todo buen musical entrega actuaciones aceptables. Nada sobresaliente, podríamos decir que hasta algo flojas. Tomemos por ejemplo a la madre interpretada por Bryce Dallas Howard; la actriz recurre prácticamente en todas sus apariciones a la sobreactuación, a la mofa de la desconsiderada y des-

preocupada madre que podría dejar sin vigilancia a un niño, si así le apetece. Y es que Dexter Fletcher se enfoca mucho en las memorias de Elton, de ahí que uno quiera abrazar a la abnegada abuela y desee ahorcar a la madre cuando cínicamente le dice a su hijo que nunca será amado.

Un punto importante de los musicales suelen ser las coreografías de baile formadas por grandes grupos de bailarines.

Podemos ver desde el inicio grandes acompañamientos visuales que destacan también al sonar la gran canción que da título a la película y en el gran cierre de la obra con las emblemáticas canciones Goodbye yellow brick road y I’m still standing. En esta última Fletcher opta por hacer homenaje al trabajo de Russell Mulcahy allá en 1983. Dicho

video fue grabado en las playas de Cannes y significaba un punto importante para la vida de John: su salida del closet. Y más importante para él un regreso triunfal al mundo de la música que intentó ridiculizarlo. Podemos escuchar en la letra de la canción un himno a la resiliencia y esperanzas en un panorama más positivo en la vanguardista década de los 1980.

Como puede concluir con la información que tenemos, la película dista bastante de la realidad y de la exactitud temporal.

Pero en aras de entregar un muy buen producto bien vale dejar que el Señor Elton John nos cuenta su historia como mejor le convenga.

FICHA TÉCNICA Título: Rocketman.

Dirige: Dexter Fletcher.

Escribe: Lee Hall.

Edita: Chris Dickens.

Fotografía: George Richmond Actúan: Taron Egerton, Bryce Dallas Howard, Gemma Jones, Tom Bennett, Jamie Bell, Richard Madden, Kit Connor y más Año: 2019 País: Reino Unido Duración: 121 min.

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LA MENTE MAESTRA

Por Manuel Pineda

H Y el milagro operó: desde el fondo de la caja misteriosa, brotó la sinfonía maravillosa de todas las voces vírgenes de la naturaleza de América Agustín Pío Barrios.

ace un año estaba en el transporte público interurbano, que me llevaba de uno de los municipios más pobres y violentos del país hacia la capital. En esta combi/pecera, como le llaman coloquialmente, venía una familia compuesta de madre y dos hijos, el menor venía tarareando la canción Bohemian Rhapsody del grupo británico Queen. Con vergüenza la señora le pidió a su hijo que dejara de hacerlo, aunque sólo venían otros tres adultos incluido su autor predilecto.

La madre, aparentemente, tenía una edad similar a la mía y sus hijos tenían entre 8 y 10 años. En ese momento pensé en la maravillosa consecuencia de la cinematografía: revivir artistas, difundir obras de arte, momentos dramáticos, reposicionar canciones “olvidadas” para acercarlas

al público. Ese niño ya tiene un elemento que influirá en algún momento de su vida, tal vez no conocía un género distinto de música, pero cuando tenga la posibilidad de acceder a más información ampliará su universo de conocimiento.

A mí me pasó, de hecho, me sigue pasando cada vez que veo una película que muestra la vida de algún autor, político o personaje histórico, me sorprendo siempre con la biografía de una persona que desconocía o de quien apenas tenía una ligera noción. Sin duda alguna, el cine es una forma más de transmisión de conocimiento, aunque tiene sus desventajas por la visión subjetiva de la narración. Pero sirve para conocer más y si lo combinas con una mente curiosa

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pulsado la producción de cientos de películas independientes, con lo cual se ha ganado fama dentro de la industria hollywoodense.

entonces no habrá limites para Gabriela de Elqui, Mistral del munampliar el conocimiento. do y Neruda, el hombre y su obra.

La obra cinematográfica trata sobre la vida del musico y compositor paraguayo Agustín Pío Barrios, un guitarrista que componía en varios estilos basados en cantos y danzas de América Latina. Tenía más de 300 piezas para guitarra, todas originales con un estilo único. Así que la ficción trata de abordar de principio a fin la vida del artista con ciertas libertades creativas, tal vez para darle dramatismo al guión o humanizar la figura mítica del autor.

Me encanta cómo la cinematografía internacional se atreve a hablar sobre estos personajes que han permeado en nuestra cultura globalizada. Así que buscando películas biográficas sobre músicos encontré una que muestra la vida de un músico paraguayo que en su época creo un estilo único: Agustín Barrios, también conocido como Mangoré.

Mangoré, por amor al arte (2015) es una película de Paraguay en coproducción con Argentina. Fue dirigida y escrita por el cineasta chileno Luis R. Vera, conocido por películas como Fiesta patria, Bastardos en También fue producida por la el paraíso y documentales como famosa Marie Adler quien ha im-

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Sin embargo, el cineasta Luis R. Vera falla al tratar de abarcar toda la vida de Mangoré. Para ser la producción cinematográfica más cara del hermoso país de Paraguay, la falta de carisma de algunos actores y las escenas retrospectivas terminan por cansarte como espectador, al menos para mí. Y es que con la ignorancia de mi parte tal vez habría sido más fácil que el cineasta me engañara al desarrollar la vida de Agustín, pero conforme avanza el metraje se va sometiendo a una dinámica excesiva de analepsis dentro de la biografía del personaje, pero no hay un momento cumbre, una escena o

actitud emblemática que te diga la vida de un músico o cantante, Mangoré eres grande. es muy importante que el aspecto sonoro también sea un perTal vez esté mal acostumbra- sonaje, en este caso no fue así. do al lenguaje cinematográfico No existió un leitmotiv para el de otros países, sobre todo con protagonista, la guitarra o algulas películas biográficas estrena- na emoción, la historia se apoya das en las últimas décadas como de la música original, sin duda Rocketman, Bohemian Rhapsody, alguna es un deleite escuchar Judy, Miles Ahead, 8 Mile, Ray, el sonido de la guitarra, pero la La Môme, Selena, La Bamba, I’m ausencia de una banda sonora not there, Amadeus, entre otras. original afecta el desarrollo del Obras cinematográficas con un argumento. gran presupuesto y con altos niveles de producción que hacen Mangoré, por amor al arte es uso de técnicas increíbles para un filme con buenas intenciones recrear lugares o momentos perdidos en el tiempo. Al ver Mangoré, por amor al arte me encontré con una obra digna que nos enseña al artista pero que no convence. Tal vez si fueras un fanático de Agustín Barrios te atraparía fácilmente, pero si lo desconoces por completo, es necesario tener una buena carnada para que caigas dejándote llevar por la historia.

y se agradece que existan iniciativas de países o productores que se atrevan a desarrollar películas de los artistas que han existido.

En la historia de la humanidad sobran los personajes, así que tenemos muchos pretextos para realizar obras audiovisuales biográficas y es necesario porque no todos tienen la oportunidad de ser difundidos. Pero al crear hay que tener mucha dedicación con lo que se hace, así como los artistas trabajaron para perfeccionar su arte.

Para finalizar, cuando una película nos muestra

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LA CAJA DE PANDORA

Por Azucena Mecalco

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n 1939, Victor Fleming presentó al mundo The Wizard of Oz, una obra maestra de la fantasía, basada en el libro de Lyman Frank Baum publicado en 1900. Al mismo tiempo que sus escenarios, música y personajes se incorporaban a los anales del cine, los actores que protagonizaron la historia adquirieron fama y fortuna; sin embargo, detrás de ese éxito superficial se escondía una sucesión de histo-

rias que van más allá del triunfo de la película en salas y la memoria de los espectadores.

A 80 años de la aparición de reino del Oz en las pantallas mundiales, Rupert Goold dirigió una película que trató de mostrar las vicisitudes de la actriz Judy Garland en su ascenso al éxito y las posteriores consecuencias de éste. La película

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fue estrenada en agosto del 2019, durante el Festival de Cine de Telluride. Fue bien recibida por la crítica y el público, además de multinominada en las categorías de Mejor actriz, diseño de vestuario, peinado, maquillaje y diseño de producción.

Con una paleta de colores brillantes, números musicales emblemáticos y la actuación de ensueño de Renée Zellweger, Goold y su equipo de producción presentaron una historia poco o nada empática hacia las situaciones que configuraron el declive de Judy Garland, tanto en la vida mediática como en el ámbito personal.

Pese a que el manejo de cámaras, la musicalización y el diseño de producción realmente son un despliegue de capacidad audiovisual, la película no deja de ser más que una serie de episodios casi inconexos en los que el hilo conductor: la lucha de la actriz por mantener la custodia de sus hijos, se ve nublado por otra interminable lista de circunstancias infinitesimales en las que nunca se profundiza.

Desde luego cada uno de los sucesos cuenta con una ambientación digna de una gran producción cinematográfica y las intervenciones de Zellweger remueven los sentimientos hasta de las mismas piedras; pero ello no logra que la película se consolide como un producto que conjugue los elementos audiovisuales con los argumentales, y termina por quedar corta para el personaje.

El maltrato a los actores, el abuso de poder, o el acoso sexual a menores son temas que se tratan de forma cuidadosa, como rumores escu-

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chados en los pasillos, y que al final se tratan de justificar con la nada valida idea de «no pasa nada, después de todo ella era feliz compartiendo su vida, talento y sensaciones con el público y la industria por encima

de su propia estabilidad o integridad».

Judy es sin duda una película para los fanáticos que desean ver en alta definición y con muchos colores las canciones de la

actriz, reinterpretadas por Renée Zellweger, pero nada más; puesto que incluso el final se ve precipitado y recurre al cliché de la nostalgia al presentar la entrañable Over the Rainbow coreada por el público que le concede a la actriz, por lo menos dentro del contexto de la película, la redención y admiración que necesitaba.

FICHA TÉCNICA Título: Judy Director: Rupert Goold Guión: Tome Edge, basada en el musical End of the Rainbow de Peter Quilter Música: Gabriel Yared Fotografía: Ole Bratt Birkeland Elenco: Renée Zellweger, Jessie Bucley, Finn Wittrock, Rufus Sewell, Michael Gambon Año: 2019 País: E.U.A., Reino Unido Duración: 118 min

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