Número102

Super 8

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Super 8

Editorial

E

Contenido El cine es poesía

xisten millones de formas de narrar cuentos y el

cine ha hecho acopio de todas ellas. Ha presentado

desde las historias más dulces y románticas hasta

las más oscuras y terribles basadas en las historias

Blancanieves

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Tesoros fílmicos In to the woods 6

clásicas. Incluso ha creado críticas, parodias y reconfiguraciones de las narraciones ya conocidas.

La mente maestra Legend 10

Cada uno de los directores que se inspira

en un cuento añade su propia visión del mundo de fantasía que presenta haciendo uso de

los recursos con los que cuenta para lograrlo.

Los cuentos fantásticos, en todos sus forma-

La caja de Pandora La bella y la Bestia

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tos, nos permiten conocer el mundo metafórica-

mente, soñar con las posibilidades de universos

Para Conocer Shrek 18

en los que la magia existe y crear nuestras propias historias, además de ayudarnos a interactuar

con las realidades místicas de nuestro cerebro, sumado a ello el cine nos permite visualizarlos.

Esperamos tus críticas y comentarios en Facebook

En este número de Super 8, presenta-

mos algunas visiones de los cuentos clásicos ilustrados desde la perspectiva de diferentes

En portada:Shrek

directores, que han decidido hacer de la fan-

tasía parte de la creación de sus argumentos.

Super 8 Número 102 Editor: Azucena Mecalco Redactores: Amaury Hernández, Manuel Pineda, Frida Pineda, Jorge Alonso Espíritu, Libertad Pineda.

Arte y Diseño: Azucena Mecalco Ciudad de México Julio 2018

Todas las imágenes que aparecen aquí pertenecen a sus respectivos autores, y han sido utilizadas y editadas sin fines de lucro.

De Pablo Berger, una Por Jorge Alonso Espíritu

P

ocos cuentos de hadas han sido tan mágicos, entrañables e influyentes en el cine como Blancanieves, el cuento de los hermanos Grimm. La adapta-

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a revisi贸n inolvidable

ci贸n que Walt Disney realizara revolucion贸 la forma de hacer cine, animaci贸n y de narrar una historia.

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La trama es de todos conocida: una madrastra envidiosa de la belleza de Blancanieves descubre, gracias a un espejo mági-

co que la adolescente crece y se vuelve más guapa que ella. Entonces la manda a matar con un cazador que se apiada de ella y

la deja vivir. Blancanieves huye y en el bosque encuentra el hogar de siete enanos que la adoptan.

Luego viene lo de la madrastra vuelta bruja y la manzana envenenada, que antecede al verdadero beso de amor del infalible príncipe.

El español Pablo Berger retoma el cuento y lo narra con desparpajo y a su gusto, introduciendo la cultura ibérica en su filme en una suerte de homenaje cercano a la parodia, pero nunca siendo irreverente En su versión, el padre de Blancanieves es un afamado torero

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Los elementos del cuento de hadas existen, pero todo alineado alrededor de la nueva historia, hay simbolismos como la identidad sexual, los medios de comunicación, la amistad y el amor. En cambio, no existe lo sobrenatural que predomina en el cuento original.

Como la vida real, la historia de Berger tiene momentos de alegría y tragos amargos. El diseño artístico delinea ambos creando una de las obras más redondas e importantes del cine español de los últimos años. que amasa una significativa fortuna hasta quedar parapléjico. La bella protagonista baila flamenco y la madrastra es una enfermera convertida en socialité en busca de la riqueza. El cazador no es un hombre piadoso, sino masoquista, y los enanos son una troupe de seis enanos toreros.

Todo lo anterior con una estilística sorprendente retomada del cine primero: película muda, en blanco y negro y con una música que cobra protagonismo en muchos momentos. Las canciones de Silvia Pérez Cruz son impresionantes y bellas, con una fuerza dramática digna de la cinta.

FICHA TÉCNICA Título: Blancanieves Director: Pablo Berger Guión: Pablo Berger basado en Blancanieves de los hermanos Grimm Música: Alfonso Vilallonga Fotografía: Kiko de la Rica Elenco: Maribel Verdú, Macarena García, Ángela Molina, José María Pou, Daniel Giménez Cacho Año: 2012 País: España Duración: 104 min.

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La vida se disfru

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ames Lapine es un reconocido miembro de Broadway, la cuna del teatro estadounidense.

Dedicado principalmente al gĂŠnero de los musicales, ha estado

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TESOROS FÍLMICOS

Por @AMAURY1984

uta más sin hijos activo desde los 1970. En 1984 su primer gran éxito, Sunday in the Park with George, lo puso en la mira de los productores y rápidamente se puso a trabajar en

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un proyecto cómico que entrelaza las clásicas historias de los hermanos Grimm en un clásico embrollo estadounidense.

pareja la solución a su problema siempre y cuando recuperen la magia perdida hace muchos años.

Un doncella joven desea las riqueza de la clase alta que sólo sus hermanastras y tutora a cargo pueden disfrutar. Un niño desearía hacer feliz a su madre haciendo que una vaca que estima mucho diera el alimento que tanto necesitan. Una feliz pareja de panaderos viven tranquilos lejos del bullicio del reino. Parecen tener todo y sin embargo no pueden tener descendencia. La bella esposa desea darle hijos a su trabajador marido y a su puerta llega la mágica solución de los cuentos de hadas. Un jovencita cubierta por su capa roja se prepara para visitar a su abuela que vive en lo profundo del bosque.

Por el 2010 Rob Marshall se hizo con los derechos para llevar el músical a las pantallas, y tras su colaboración con Jerry Bruckheimer en la saga Pirates of the Caribbean, se hizo con los contactos y méritos necesarios para convencer a Disney de financiar su proyecto. Marshall tenía la experiencia necesaria con musicales como Chicago y Memoirs of a Geisha.

objeto el resolver intereses de unos y otros. Todos quieren algo pero trabajar por ello es complicado; ¿y si lo pudiera hacer alguien más?, ¿por qué no resolver el asunto por lo oscurito?

James Lapine tomó las sádicas soluciones de simplista razón desde una perspectiva más capitalista y a pesar de contar con cierto humor lo cierto es que su obra nunca presenta risas hilarantes hasta la presencia de los príncipes.

La figura más vapuleada por Lapine; que decide hacerlos enAsí que a ojos de Disney es- cantadores, como bien dicen los taba más que calificado para cuentos, más no inteligentes o quedar a cargo. La producción mínimamente razonadores de logró llamar la atención de gran- sus acciones. Pues esa gente que des nombres como Meryl Streep, lo tiene todo no ve más allá de Johnny Depp, Anna Kendrick, lo que puede necesitar en la inmediatez. Se sienten despreciaEmily Blunt, entre otros. dos y muy confundidos cuando La gran protagonista del musical de Lapine aparece al final Tras la visita de la bruja queda alguien pide más de ellos que lo de la obertura para ofrecer a la claro que este musical tiene por tienen todo.

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Una frase memorable que Lapine escribe para sus hilarantes miembros de la realeza y que los define de pies a cabeza es cuando Cenicienta es alcanzada por el Príncipe que llamaremos…

Chris Pine… y al pedir un poco más, el caballero se limita a decir: -“Me criaron para ser encantador, no sincero”.

Los cuentos de los Grimm llegan a sus conclusiones y la misteriosa bruja dispone todo para recuperar su flamante belleza de MILF y vivieron felices hasta que un fenómeno sacude el entorno de los cuentos de hadas para cobrarle a todos el precio a pagar por la felicidad.

Into the Woods pretende ser una jocosa versión más apegada a los cuentos originales de los Grimm, que distan de ser algo cercano a lo que los padres de nuestro siglo XXI considerarían propicio para sus hijos.

Lamentablemente la historia de Lapine se enfoca más en enlazar las historias y darle un final simpático a algo que de entrada pretendía ser un ejercicio similar a la parodia.

FICHA TÉCNICA Título: Into the woods Dirige: Rob Marshall Guión e historia original: James Lapine Producción: Rob Marshall Edición: Wyatt Smith Cinematografía: Dion Beebe Año: 2014 País: Estados Unidos, Reino Unido Duración: 125 min.

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Por Manuel Pineda

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omo bien saben aquellos que siguen mis textos, el cine ha sido parte de mi formación como ser humano, y la televisión facilitó mi acercamiento con él. Una de las primeras películas que recuerdo haber visto en televisión fue Legend de Ridley Scott. Un filme que transmitían ocasionalmente en la televisión pública, como parte de la programación del Canal 11 del Instituto Politécnico Nacional.

pulgadas a blanco y negro, de esas que hoy se consideran vintage. Debido a que pertenece al género fantástico, mis hermanos y yo disfrutábamos mucho su transmisión. Era la clásica narrativa de la lucha entre el bien y el mal, con una historia de amor entre un joven salvaje y una hermosa princesa; que para terminar de fascinarnos incluía seres fantásticos como unicornios, duendes, hadas, enanos, gnomos, y el impresionante y temiJunto a mis hermanos, veía la ble señor de la oscuridad. Esos película en una televisión de 21 clásicos elementos fantásticos

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LA MENTE MAESTRA

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capturaban la atención de unos niños residentes en el contexto gris y poco emocionante de la ciudad.

pantalla la idea primigenia que había imaginado, aunque con algunos ajustes.

Cuando eres un niño y tienes un mal momento, de esos que los adultos consideran insignificantes, como reprobar un examen, pelearte con tus amigos, recibir un regaño de tus padres o el simple hecho de vivir en un entorno normal, las películas fantásticas se transforman en una herramienta que te ayuda a escapar de lo común, alimentando los sueños e impulsándonos a vislumbrar otros mundos posibles.

Asimismo son alicientes para la imaginación y un medio de salida de los problemas de la vida cotidiana.

Scott le proporcionó ideas al escritor, y aclaró que no estaba interesado en realizar una adaptación; sino un producto completamente nuevo, no basado en cuentos preexistentes pero sí inspirado en los clásicos cuentos de hadas como los de los hermanos Grimm. La primicia de Scott era crear la historia de un joven que emprende una travesía para rescatar a una princesa al mismo tiempo que libera al mundo de una terrible Legend es una película es- maldición. trenada en el año 1985, protagonizada por un muy joven Hjortsberg y el direcy casi primerizo Tom Cruise, tor trabajaron cinco seMía Sara y un experimenta- manas elaborando el bodo Tim Curry, quien ya había rrador para el guión de participado en la adaptación la película, y de todos los de teatro a cine de The Rocky posibles elementos enHorror Picture Show, en donde listados en una primera su actuación fue tan significa- versión decidieron contiva que Ridley Scott lo fichó servar solamente a los como candidato para inter- unicornios, la espada y pretar al señor de la oscuri- la armadura mágicas y el dad, antagonista de Jack (Tom mundo sumergido en la Cruise) en el argumento. oscuridad.

La historia detrás de la película resulta curiosa, sobre todo cuando nos enteramos que la idea se le ocurrió a Scott mientras filmaba Las duelistas (1977), en Francia. Ya en ese momento el director había concebido la idea de crear una película de fantasía que tomase como referencia la historia de Tristán e Isolda siguiendo las normas del cine de autor.

Sin embrago, el proyecto no se consumó debido a que Scott dudó que la audiencia se interesara en verlo. Fue entonces que conoció a William Hjortsberg, novelista y guionista de algunas películas de bajo presupuesto, y decidió que sería el indicado para llevar a la

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El guión pasó por quince revisiones y la historia se acortó en más de una ocasión antes de que el director, quien estaba influenciado por el estilo de animación de Disney, ofreciera su proyecto a la compañía del ratón. Pero ellos estaban enfocados en productos considerados más amigables y pensaron que el guión era demasiado oscuro.

En busca de volver más amigable su historia, Scott recurrió a la asistencia de Assheton Gorton, diseñador de producción al que había buscado para

trabajar con él en Alien y Blade Runner, peo con quien no había podido colaborar antes. El diseñador buscó crear escenarios realistas que se adaptaran a la historia pero atendiendo a la exigencias del director. Pese a los cambios, la compañía que decidió producir la película no fue Disney sino Envase International Pictures M.V., y la distribución quedó a cargo de Universal Pictures para Norteamérica y Twenty Century Fox para los demás territorios.

Por otra parte, Tim Curry pasaba hasta seis horas para cubrir de maquillaje todo su cuerpo, puesto que su personaje era el que representaba un mayor desafío para la caracterización.

Curry, portaba una enorme estructura con cuernos de toro, de fibra de vidrio y tres pies de altura, sobre su cabeza que se apoyaban con un arnés debajo del maquillaje. Después de las estresantes jornadas de caracterización Curry terminaba tan agotado que no podía esperar para quitarse el maquillaje a penas se apagaba la cámara.

Al inicio de la filmación, Scott quería filmar en exteriores como en el bosque de secuoyas del Parque Nacional Yosemite, sin embargo se dio cuenta que era muy difícil controlar los escenarios externos y terminó rodando dentro de los Estudios 007 (Pinewood Studios) en Inglaterra donde los escenógrafos pasaron 14 semanas construyendo el bosque.

Gracias a todos esos detalles se pudo rodar y ver finalmente el primer corte de Legend. Éste duraba 125 minutos, pero parecía una película de horror. Así que decidieron editarla para que durara solamente 113 minutos, eliminando algunos elementos menores. Tras una proyección de prueba notaron que era muy difícil mantener entretenida a la gente y decidieron eliminar treinta minutos más. La versión final que se transmitió en Gran Bretaña duraba apenas 95 minuLa producción fue una tos. Y la que se llevó a las panexplosión de recursos téc- tallas de Norteamérica tan sólo nicos y visuales de alta ca- contaba con 89 minutos de duralidad, se crearon árboles ción, debido a que Scott asegurade 60 pies de alto por 30 ba que la audiencia europea era pies de diámetro además más sofisticada. de otros cinco soundstages.

Se hizo maquillaje prostétiLa versión de Norteamérica co que incluía prótesis para se estrenó en 1986 y el soundtodo el cuerpo. El encarga- track original, compuesto por Jedo de esta última hazaña rry Goldsmith, fue reemplazado fue Rob Bottin, conocido por música de los grupos Tangemaquillista que ya había rine Dream, Yes, y Brian Ferry. trabajado en otras produc- En la versión europea se respeciones como The Thing tó al compositor original quien (1982) de John Carpenter, pasó seis meses componiendo el y que junto con su equipo soundtrack de la película. dio vida a todos los diseños plasmados en papel e incluLegend tuvo una recepción so ayudó con la aplicación mediana. Mientras que los del maquillaje en Inglate- amantes de la fantasía la enconrra. Casi todos los actores traron soberbia, y los críticos con excepción de Cruise adularon su diseño de personay Sara pasaban de tres a jes, escenografía y maquillaje, el cuatro horas y media en la público general la recibió como aplicación de maquillaje. una película ordinaria. Esto no

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impidió que recaudara 38 millones de dólares, superando el presupuesto invertido de 24 millones de dólares.

no siempre se utilicen de la mejor manera, y las producciones de los años 2000 son una clara muestra de este fenómeno que no sólo contribuyó a mejorar el Con el pasó de los años y la género sino también a dejar atrás llegada de los formatos caseros, el mal sabor de boca provocado esta película, como muchas otras por las producciones de los años del mismo director, fue editada 90. en distintas versiones, contenidas en el DVD o Bluray, y al final El ejemplo más notable es se dio a conocer a todo el mundo desde luego The Lord of the la versión original de 113 minu- Rings (2001, Peter Jackson), una tos, con la música de Goldsmith. muestra clara y palpable de que es posible realizar películas fanLa fantasía y la cinematografía tásticas interesantes, cautivadoha ido de la mano desde el inicio. ras, visualmente hermosas y que Basta recordar a Méliès, Griffith gusten al público. y las fantasías visuales que creaban. El cinematógrafo fue, desde Desafortunadamente Legend sus orígenes, una vía para co- fue víctima de las circunstancias, menzar a plasmar en imágenes pues se presentó en una época los sueños, fantasías y deseos de en la que las películas de acción sus creadores. En la actualidad, y los dramas románticos de estiel género de la fantasía se ha vis- lo realista se ganaban al público, to sumamente beneficiado con sumado a la monopolización de los avances tecnológicos, aunque la industria de los cuentos por

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parte de la casa Disney. Pero sin importar el escenario de su estreno, sigue siendo una película valiosa, fantástica y algo oscura, en la que se presenta de forma explícita el maltrato a los unicornios, los deseos ocultos e incluso el cadáver de un bebé congelado al llegar la maldición del señor de la oscuridad, sin contar con la versión erótica de una muy joven princesa.

Legend es sin duda una mezcla entre lo más dulce de nuestros sueños y lo más oscuro de nuestros deseos.

Pero ¿qué no son así nuestras fantasías? Las fantasías que imaginamos son parte de nuestro subconsciente y reflejan el interior de nuestro ser, por lo tanto el cine fantástico seguirá existiendo hasta que el ser humano deje de soñar.

LA CAJA DE PANDORA

Por Azucena Mecalco

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a Bella y la Bestia es una historia para niños traída al continente americano desde tierras europeas. Se atribuye su concepción a distintos autores franceses aunque sin dejar de asociársele con una serie de leyendas griegas de contenidos similares.

Pese a que se señala a diversos escritores como el posible «primer autor» de la historia original, no existe un dato pre-

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distinta al reconfigurara la historia para presentar un cómico c o r to m e traje animado. Y la s i g u i e n te adaptación del cuento clásico fue la película que Jean Cocteau presentó en 1946, considerada como un clásico del cine. ciso que corrobore la información. En realidad, muchas de las versiones escritas son solamente readaptaciones de la historia principal con elementos mágicos de más o de menos.

Existen, sin embargo, componentes repetidos en todas las versiones, los cuales se han prestado para que los psicólogos y analistas se deleiten sobre interpretándolos en busca de un significado profundo y trascendental. Estos elementos son sencillos y se resumen de forma general en un argumento claro: una joven hermosa llega por alguna circunstancia al castillo de una bestia

terrible, que oculta un triste secreto y una maldición de la que sólo puede deshacerse el verdadero amor. Con esta línea como pauta principal, han sido decenas de artistas quienes decidieron emprender un proyecto cinematográfico, replanteando el argumento simple y tradicional y transformándolo de acuerdo a sus intereses.

Uno de los primeros directores en tomar La Bella y la Bestia en 1919 para presentarla en su versión silente como argumento fílmico fue Umberto Fracchia. Quince años después, Friz Freleng creó una versión muy

D e s pués de esta obra de Cocteau se crearon otras versiones, tanto cinematográficamente como en adaptaciones para seriales televisivos; pero fue hasta 1991 que la historia volvió a la vida con la presentación de La Bella y la Bestia de Disney, película que deslumbró al mundo con sus escenarios coloridos, sus canciones pegajosas y sus carismáticos personajes.

El éxito de esta versión fue tan arrasador que en el año 2017 la casa Disney decidió presentar una copia fiel de su animación en una película calcada del storyboard de la primera pero sin el encanto que ésta poseía.

Mas, entre ambas producciones, existió una que, al no pertenecer a la industria hollywoodense, pasó casi desapercibida fuera del continente americano: La Bella y la Bestia, del año 2014, dirigida por Christophe Gans y protagonizada por Vincent Cassel y Léa Seydoux.

La historia retoma el argumento usado por Cocteau para crear su clásico, pero esta vez se hace acompañar por una serie de efectos digitales que permiten la

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creación de enormes estatuas de movimientos creíbles, bosques que se abren al susurrar palabras mágicas y buques que navegan por mares furiosos; aunque la animación no resultó convincente para los perros hechizados, los cuales nunca aparecen en cámara, en el mismo encuadre interactuando con la protagonista de la historia.

Sin embargo, los escenarios resultan impresionantes, los detalles fueron cuidadosamente estructurados para crear una real ilusión que diferencia el mundo mágico de la Bestia de la vida cotidiana, ésta última con una paleta opaca en contra posición al colorido del castillo y el universo de los seres fantásticos. Por desgracia existen fallas argumentales e histriónicas que impiden la credibilidad de la historia y limitan la aceptación del público a la narrativa fantástica en la que se pretende sumergirlo a través de la música, el diseño de vestuario, la iluminación y los cambios de escenario.

Por principio, aunque Vincent Cassel interpreta de manera magistral tanto al príncipe como a la Bestia, ésta última no resulta realmente aterradora, por el contrario, el diseño la transforma en una atractiva y elegante bestia, con voz profunda y carácter melancólico. Peor es la situación con Bella, que lejos de moverse

de acuerdo a las características del atuendo que porta se contonea como modelo en pasarela parisina, lo cual desde luego queda perfecto en películas como Spectre, pero le resta cualquier dejo de encanto a una historia situada en la época de los corsés y las medias para caballero.

Y ya dentro de la historia, nunca nos enteramos de qué fue exactamente lo que conquistó a la hermosa mujer: ¿la insistencia de la Bestia por forzarla a enamorarse de ella?, ¿los lujos desmedidos recibidos?, ¿el misterio que envuelve al príncipe? Nunca aparece una pista de ello, de hecho la historia podría resumirse en: llega, lo conoce, le da vestidos nuevos, descubre que fue un príncipe y lo ama, fin.

De esta manera, una puesta en escena con un gran valor técnico, visual, artístico y sonoro, se reduce argumentalmente generando la incómoda sensación de estar viendo una película de otra época con una princesa de James Bond.

Pese a ello, esta es una versión digna de ser vista, por lo menos por la enorme explosión de recursos técnicos invertidos en su creación y su mezcla de sonido.

Lejos de ello, si se busca una realización dramática y princesas creíbles lo mejor es volver al clásico de Cocteau.

FICHA TÉCNICA Título: La Belle et la Bête Dirección: Christophe Gans Guión: Christophe Gans Sandra Vo-Anh basados en La Bella y la Bestia de Jeanne-Marie Leprince de Beaumont Fotografía: Christophe Beaucarne Música: Pierre Adenot Elenco: Vincent Cassel, Léa Seydoux, André Dussollier Año: 2014 País: Francia-Alemania Duración: 112 min.

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Por Azucena Mecalco

A

lo largo de la historia del cine, los cuentos de hadas han sido fuente primaria de argumentos fílmicos. Sin embargo, éstos se narran desde una perspectiva idealizada que, de forma casi general, finaliza con una escena feliz en la que todo se resuelve y todos son «felices para siempre».

La casa Disney es una de las más importantes productoras enfocadas en presentar historias que toman como fuente primigenia los cuentos de autores como los hermanos Grimm, Hans Christian Andersen entre otros para dar vida en pantallas a los personajes. Mas, al estar éstas dirigidas al público infantil,

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se ha creído, erróneamente, que las historias deben adaptarse de forma que no contengan situaciones que puedan entristecer o desalentar al público.

No por ello se ha evitado presentar muertes y más muertes de personajes que se consideran malvados. Antes de los años noventa, las brujas, hechiceras o antagonistas de las historias tenían como castigo muertes terribles que iban desde ser asesinadas por el príncipe en turno hasta caer de enormes acantilados. Asimismo pudimos ver morir a Mufasa en El rey león, o a la mamá de Bambi en Bambi. Pero otras situaciones como el desolador final de La sirenita

PARA CONOCER

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se omitieron para trasformar en bueno es muy bueno y al final la historia en algo que los guio- todo se resuelve con un beso fenistas consideraron mucho más liz, dejaban de atraer al público. apto para los niños.

Aunado a ello, el cine digital Misteriosamente, ya para ini- ganaba cada vez más presencia cios de los 2000, las historias e impacto tanto con el público presentadas por la casa Disney infantil como con el público habían perdido el rating man- general. Y fue precisamente en tenido hasta ese momento. Al medio de esa atmósfera de camparecer los musicales felices, en bios que surgió una película que donde el malo es muy malo, el renovaba por completo la forma

de narrar visualmente un cuento.

Con la dirección de Andrew Adamson y Vicky Jenson, las productoras DreamWorks Animation y Pacific Data Images (PDI) presentaron en 2001 Shrek. La película comenzaba como cualquier cuento clásico llevado por Disney a las pantallas, sólo para presentar la historia de un ogro que no creía en los cuentos de hadas.

Shrek trajo consigo una nueva perspectiva de las historias de romance, una en la que la belleza no era un requisito para lograr encontrar la compañía y la comprensión de una «pareja ideal». Al mismo tiempo rompía con la idea estereotípica de «pareja ideal», apelando por completo a la idea del respeto a la diferencia y el conocimiento del otro como vía para relacionarse con él.

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en 2007, con la presentación de Shrek Tercero, en donde las situaciones cómicas se veían forzadas y opacas, sobre todo en comparación con las dos primeras entregas. A esto se sumó la creación de los clásicos especiales navideños, de día de brujas y casi cualquier festividad que con la que se pudiera lucrar, que contribuyeron a desgastar aún más a los personajes.

Por otra parte, se encargó de hacer mofa de todas las criaturas y personajes clásicos desde Blanca Nieves hasta Pinoccio, mostrando que ni las princesas son tan perfectas ni los ogros, los dragones y demás monstruos son tan malvados como creíamos. Además de ello, Shrek utilizó el formato de animación digital para la creación de sus personajes, acompañado de una paleta de colores vivos y una banda sonora que mezclaba música preexistente con melodías originales.

ironía con la que comienza. Ello permitió que la película fuese recibida con agrado por chicos y grandes por igual. Fue así que se posicionó como una de las películas más redituables de Dream Works, situación que más tarde la haría caer en desgracia.

Tres años después de la exitosa presentación de Shrek, llegó a las pantallas Shrek 2, que lejos de volverse aburrida complementó el mundo del ogro y su nueva vida matrimonial. Añadió personajes que atraparon al público y presentó chistes frescos que la El guión de la película estu- volvieron tan exitosa como la vo a cargo de Ted Elliott, Terry primera parte. La desgracia llegó Rossio, Joe Stillman y Roger S.H. Schulman, quienes se basaron en la novela original de William Steig, aunque desde luego hicieron ajustes para la adaptación. El encargado de la música fue Harry GregsonWilliams, mejor conocido por su participación como compositor de la banda sonora de Metal Gear Solid o su participación en Antz y Armaggedon.

Ya para el 2010 se presentó Shrek Forever After, en la que se rescataba ligeramente la esencia de la original pero ya sin la novedad que ésta representara, y al año siguiente se lanzó Puss in boots, que pese a contar con el personaje favorito del público como protagonista no alcanzó el impacto esperado.

Hoy en día se especula el lanzamiento de Puss in boots 2 y una quinta película de Shrek, porque como bien hemos mencionado en más de una ocasión, el cine no deja de ser una industria y mientras una fórmula sea lucrativa no dejará de explotarla aun en detrimento de ésta.

Y aunque en Shrek, como en muchas de las películas que conocemos, cuenta también con un final feliz, nunca pierde la gracia y la

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