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Editorial

«C

uando estaba en la primaria tenía un profesor que siempre nos decía “la risa está en los labios del idiota”» solía decir mi mamá cuando no le encontraba gracia a las situaciones de las que otros se mofaban. Con ejemplos así, a los seis años uno empieza a preguntarse si realmente reír implica idiotez.

Dice la RAE que la risa es el «movimiento de la boca y otras partes del rostro, que demuestra alegría», sin embargo existen situaciones que lejos de generar alegría provocan emociones tan contradictorias y dramáticas que no nos queda más que sonreír. Por su parte Arthur Schopenhauer sostenía que «la causa de la risa no es otra cosa que la súbita percepción de la ignorancia entre un concepto y el objeto real»; pero independientemente de las razones que la generan, la risa es como una de las leyes de Newton «la reacción a una acción». Reímos cuando algo nos genera gracia, cuando nos sentimos felices e incluso cuando entristecemos.

La risa tiene millones de interpretaciones y funciones, libera sustancias y se asocia a diferentes creencias. Nada menos en Totoro, filme de Hayao Miyazaki, el papá de las pequeñas les pide que rían para ahuyentar a los espíritus de la casa durante la tormenta. Cientos de películas se han producido con la finalidad, no de ahuyentar malos espíritus, sino como medio para hacer que las personas rían. Desde las comedias más burdas hasta las más negras buscan provocar esa reacción en el espectador, hacerlo olvidar la monotonía o llevarlo a reflexionar, todo a través de la risa. En este número de Super 8, presentamos una serie de cintas de muy diverso estilo que se han encargado de hacer sonreír al espectador alrededor del mundo haciendo uso de diversos recursos, satíricos, estéticos e incluso burdos.

Contenido El cine es poesía Juan de los muertos

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Tesoros fílmicos South Park, bigger, longer and uncout 6

La mente maestra Zoolander 11

La caja de Pandora

Mr. Bean Holiday 15

Para conocer We are X 18

Había una vez Scoop 22

Esperamos tus críticas y comentarios en Facebook

LA REVISTA SUPER 8 FELICTA A LA EDITORA POR SU CUMPLEAÑOS

En portada: Scoop

Super 8 Número 79 Editor: Azucena Mecalco Redactores: Amaury Hernández, Manuel Pineda, Frida Pined , Jorge Alonso Espíritu, Libertad Pineda Arte y Diseño: Azucena Mecalco Ciudad de México Agosto 2016

Todas las imágenes que aparecen aquí pertenecen a sus respectivos autores, y han sido utilizadas y editadas sin fines de lucro.

Matamos a sus

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arde lluviosa, sin planes, con internet a la mano, meses de prueba en servicios de streaming y algunos DVD sin ver. Tantas opciones que es fastidioso tan sólo buscar entre las mil y una películas ofertadas. ¿Alguien en su sano juicio optaría por una comedia más de zombies? Seguramente no. Y es que, aunque suene exagerado, es completamente

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EL CINE ES... POESÍA

seres queridos Por Jorge Alonso Espíritu

cierto que la pantalla grande nos ha llenado de historias de muertos vivientes que, aunque graciosas, aportan poco, o nada, al material ya visto: Zombieland, Zombie Kill, Dead Snow, o la propia Shaun of the dead -primera referencia del filme que nos ocupa-, cintas cuyos repetitivos gags son propios de una versión escatológica de El chavo del ocho,

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pero si bien, el público no se ha cansado de The Walking dead y aún se emociona con adaptaciones poco afortunadas como Orgullo, prejuicio y zombies, aquí hay una valiosa recomendación: la cubana Juan of the dead.

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Entonces, ¿por qué ver Juan de los muertos? Se me ocurren varias respuestas. En primer lugar, y me permito una opinión personalísima, porque la distribuye Canana, la empresa mexicana que ha logrado un escaparate para el cine que hasta hace

no mucho era ajeno a nuestras pantallas de cine (y que incluso hoy resulta marginal), y que nos brinda propuestas buenas o malas, pero siempre interesantes.

Salvado el punto anterior pasemos a razones con mayor peso: la comedia cubana está inscrita en una tradición de grandes películas sólo posibles en Iberoamérica, que conjugan la sátira política con la parodia al cine de Hollywood, y un humor centrado en lo monstruoso, grotesco, o en el mismo terror, añadiendo un

toque de humor honesto a la propia industria cinematográfica latina, y de entre esas películas, una de las mayores es también de Cuba: Vampiros en la Habana.

Hay una razón todavía mayor para dar oportunidad a Juan de los muertos: no se trata tanto de una parodia, como de un homenaje. Un homenaje a un buen número de cintas regionales y extranjeras. Así, quitándose la obligación de ser original, fabrica su diferencia: coreografías zombie en tomas abiertas que suplen a la tecnología de punta de las más costosas producciones, música con sabor latino, y personajes entrañables a pesar de –o más bien, debido a- hacer uso de estereotipos y potenciarlos hasta hacerlos rayar en lo absurdo.

Así, mientras miles de zombies asolan las calles de la Habana, un grupo dirigido por Juan, se encargará de exterminarlos a cambio de unos billetes. La situación no puede ser más hilarante: los atemorizados habitantes de la isla contratan al equipo de Juan para matar a sus propios familiares. Mientras tanto, el gobierno cubano, haciendo uso de su vetusta y poco creíble maquinaria propagandística, insiste en que lo de los muertitos caminando es un ataque yanqui

para desestabilizar la revolución.

Pronto se tendrán que tomar decisiones, y el simbólico muro que es el mar Caribe será un personaje sutil que nos devuelva a la realidad: la tragicomedia cubana.

Y una disyuntiva que deja de ser sólo cinematográfica –recurrente, cierto-: irse o ser fiel a un ideal hace tanto rebasado.

Es cierto, no estamos ante una película que compita contra la saturación de ofertas anglosajonas, pero Juan of the dead pasará a la historia como un referente del cine de género en la región.

FICHA TÉCNICA Título original: Juan de los Muertos (Juan of the Dead) Año: 2011 Duración: 94 min.

País: Cuba Director:Alejandro Brugués Reparto: Alexis Díaz de Villegas, Jorge Molina, Andrea Duro, Andros Perugorría, Jazz Vilá, Eliecer Ramírez, Antonio Dechent, Blanca Rosa Blanco, Elsa Camp, Luis Alberto García, Susana Pous

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17 años… Más grandes, H

an pasado 17 años desde que la popular serie de Comedy Central South Park, creada por los herejes Trey Parker y Matt Stone, se atreviera a llegar al mercado del cine con su primer largometraje: South Park: Bigger, Longer & Uncut. Le siguieron variados proyectos de largometraje como The Passion of the Jew que, además de ser algo malos, no tuvieron el empuje necesario. Por aquel entonces la serie de TV ya llevaba tres temporadas al aire y se había hecho con una brutal

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cantidad de detractores, censo- dejados en aquel tiempo a las res y fanáticos. poco preparadas manos de una industria que Stone y Parker, o El ácido humor de los cuatro no entendían, o desestimaron. pequeños del pueblo perdido en En fin, era obvio cuales eran sus las montañas de Colorado, había prioridades. encantado a la audiencia madura y había llegado a los oídos de geLa “película de South Park” fue neraciones de adolescentes, que anunciada a finales de la segunno se supone tuviesen acceso a da temporada y la encargada de ese contenido por aquel enton- la distribución sería Paramount ces. South Park estaba en su mo- Pictures. No porque le interesamento para lanzarse a múltiples ra el producto después de olas mercados, sin embargo fuera de de controversia, sino porque la TV y el cine, otros experimen- Comedy Central y Paramount tos, como los videojuegos fueron forman parte del conglomerado

TESOROS FÍLMICOS

más viejos y sin censura Por @Amaury1984 mediático VIACOM. Así pues, Stone y Parker iniciaron trabajos de guión y animación tratando de mantener la expectativa en la nueva temporada de la serie y no en el filme. Para eso se valieron, ya cercana la fecha de estreno, de promover al “elenco” que engalanaría las pantallas de cine: Stan, Kyle, Kenny, Cartman, sus respectivos padres, el ejecito de los EEUU, Satanás, Sadam Hussein, Cheff y Canadá.

la Motion Picture Asossiation of America (la MPAA se encarga de catalogar las películas dentro de los EEUU) como la comedia musical más soez, así como la película animada que destacaba por lo mismo. A manera de burla al noble cine musical, Stone y Parker decidieron llenar de múltiples momentos musicales a la película. Y es en la dulce voz de Stan que nos introducen a la villa nevada de South Park y la noticia de que las estrellas de La película fue estrenada en el ve- TV favoritas de Kyle, Cartman, rano de 1999, y fue considerada por Kenny y Stan tendrán su propio

filme. Muy emocionados por el evento los muchachos se disponen a dirigirse al cine para ver la cinta y como es costumbre de South Park, Kenny muere…

«You Bastards!». Al siguiente día todo mundo habla de la cinta de Terrence & Phillip que acaba de estrenarse. El vulgar lenguaje de los niños llega a oídos de “una madre responsable” como la señora Bloflovski y decide poner manos a la obra. Como toda madre que espera que la TV, el cine y los videojuegos eduquen de manera apropiada a sus hijos,

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la señora Bloflovski trata de comunicarse con los canadienses productores de la serie de TV y la película de Terrence & Phillip.

Y al recibir una “váyase al diablo” como respuesta, decide hacer los que todo estadounidense responsable haría: una organización.

existir en “American Soil” y reeducar a los niños por la vía mas sencilla posible. El espíritu anticanadiense pronto llega a todos lados: no quieren sus contenidos audiovisuales, su comida, a su gente. Así que lo prudente, desde luego, es eliminar de la faz de la tierra todo lo canadiense porque… bueno pues porque son Los planes de la señora inclu- los gloriosos EEUU y pueden hayen entre otras cosas eliminar cer lo que quieran en contra del todo lo canadiense que pueda mundo.

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A diferencia de la serie de TV en donde Kenny muere y regresa en el siguiente episodio, en South Park: Bigger, Longer & Uncut, acompañamos a Kenny a su último viaje de camino al inframundo. A Kenny como a casi a todos los post-modernos, le toca ir al infierno. En su descenso y llegada a los paisajes ardientes Kenny conoce a Satanás y a su pareja homosexual, el recién llegado Sadam Hussein. A pesar de ser el rey del infierno Satanás no encuentra el valor dentro de sí mismo para imponerse a el controlador dictador iraquí. Kenny quiere apoyar a Satanás y esa cercanía le permite enterarse de los planes de Hussein: regresar a la tierra apoyado de un ejército de demonios que solo podrán salir a la superficie si una antigua profecía se cumple. Y para eso suceda, ya tiene a la señora Bloflovski

trabajando. Estas dos líneas de historia llegaran a encontrarse para la conclusión del filme, que como buen musical estadounidense, tiene final feliz.

A pesar de que la Paramount había prometido una distribución decente, South Park: Bigger, Longer & Uncut, no pudo a llegar a las pantallas de cine de muchos países, prolongando el estreno, en algunos casos, hasta por tres años. Sin embargo contó con una excelente distribución en DVD a finales de 1999.

A diferencia de lo que las “buenas costumbres” esperaban, la primer película de South Park

logró hacer algo de ruido en el circuito de premiaciones. Fue una verdadera sorpresa que la

película de Stone y Parker fuera nominada para los premios de

la academia de cine estadounidense a mejor canción original, perdiendo la estatuilla que se

llevase aquel febrero de 2000 la cursi y patética canción de Phill Collins You’ll be in my heart.

La serie esta por cumplir 20 años, personalmente me he distanciado probablemente por 10 años. Algunos critican la postura de la serie a tomar los temas en boga para crear sus nuevas historias.

Es curioso porque es lo que siempre han hecho, y pesar de tomar el “tema del momento” muchas de sus posturas no han perdido validez.

Sería recomendable que los estadounidenses le echaran un ojo a sus críticos del pasado para entender su presente.

FICHA TÉCNICA: Titulo: South Park: Bigger, Longer & Uncut.

Dirección: Trey Parker Guión: Trey Parker, Matt Stone, Pam Brady 1999. Comedy Central, Paramount Pictures.

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Modelando co Rufus, Brint, and Meekus were like brothers to me. And when I say brother, I don’t mean, like, an actual brother, but I mean it like the way black people use it. Which is more meaningful I think.

If there is anything that this horrible tragedy can teach us, it’s that a male model’s life is a precios, precios commodity.

Just because we have chiseled abs and stunning features, it doesn’t mean that we too can’t not die in a freak gasolina fight accident.

Derek Zoolander – Zoolander.

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a comedia cómo género cinematográfico ha sido uno de los más explotados por la industria además de acompañar al arte desde sus inicios, tenemos por ejemplo las primeras obras de Buster Keaton, Harold Lloyd, Max Linder, Charles Chaplin, entre otros. Por supuesto los segmentos cómicos que vemos en la actualidad no son más que homenajes revisitados

LA MENTE MAESTRA

on Ben Stiller de los clásicos, no recuerdo uno actual que sea totalmente innovador. Algunos de los cineastas hacen maravillas con la comedia contemporánea, por ejemplo los hermanos Cohen, otros transfieren la comedia de televisión al cine, y otros más terminan por hacer, de forma involuntaria tal vez, películas ridículas (La niña de la mina, Exorcismo en el Vaticano, Niñera a prueba de balas, Rápido y furioso, Fredy vs Jason,

Por Manuel Pineda

El día de la independencia, etc.) y ver alguna que otra película con algunos hacen comedia referen- Jack Black, de Michael Bay, con cial.

Ben Stiller, Jim Carrey, Santiago Segura, Adam Sandler, etc. GeEn lo personal y con preten- neralmente las últimas las veo sión de parecer un payaso in- cuando hay un viaje largo en autelectual soy fan asiduo de la tobús o de plano no tengo ganas comedia generada por los her- de pensar más allá del argumenmanos Cohen, Woody Allen, to explícito.

Rowan Atkinson, Simon Pegg, el extinto cine de Monty Python, Así llegamos con una de las los hermanos Marx, y Charles películas más curiosas de la caChaplin. Pero no me he negado a rrera del comediante, productor,

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guionista, director y actor Ben Stiller. La primera vez que vi Zoolander (2001) no la entendí más allá de los momentos obvios creados para reír. Hace poco tuve un momento, como muchos, de esparcimiento sin sentido en el que quería ver algo simple y obviamente ligero. Así que decidí ver Zoolander que estaba entre la lista de sugeridos de una de las más populares compañías de video por streaming.

tanto común en sus películas como en el mundo del modelaje.

Hablamos desde Owen Wilson, Will Ferrell, Milla Jovovich, David Duchovny, Jon Voight, Vince Vaughn, Alexander Skarsgard y David Bowie, además hay apariciones de Donald Trump, Victoria Beckham, Christian Slater, Tom Ford, Cuba Gooding Jr., Tommy Hilfiger, Natalie Portman, Fabio Lanzoni, Lenny Kravitz, Gwen Stefani, Heidi Klum, Paris Hilton, Fred Durst, Claudia Zoolander trata sobre un mo- Schiffer, Winona Ryder, Billy delo top que cometerá un asesi- Zane y Donatella Versace, entre nato. La razón y el cómo lo hará otros. lo tendrán que descubrir al mirar la película. Ben Stiller interDerek Zoolander (Stiller) es preta a Zoolander, el top model, el modelo de más alta clase, la y se acompaña de un elenco un inspiración de muchos a través

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de su mirada magnum, es un hombre proveniente de una familia obrera en un pueblo minero. Sus aspiraciones son desarrollar una nueva mirada, seguir siendo el modelo del año, y no ser olvidado en el mundo de la moda, pero su intelecto es mínimo. Mugatu (Ferrell) es un diseñador de ropa, el más exigente en la industria y el verdugo de un grupo siniestro que se dedica a controlar al mundo a través de la moda. Ellos serán los personajes principales dentro de la película que se convirtió en una sátira de la industria de la moda.

La industria está amenazada por nuevas leyes que prohíben la explotación infantil y mejoran

los derechos laborales de los obreros que maquilan la ropa, esta es una de las principales referencias e inclusive crítica ya que desde hace años organizaciones no gubernamentales han demandado que se termine la explotación de la gente para la maquila.

Muchas empresas que acostumbramos vestir contratan mano de obra barata en países donde las leyes laborales son constantemente violentadas, donde no se castiga la trata de personas e incluso se permite que los niños trabajen. Trabajos en los que se pagan centavos de dólar por jornadas laborales extenuantes y espacios insalubres para el obrero.

gobierno ya que se refería a ella, también se prohibió en la país vecino de Singapur aunque en el 2006 se permitió con una clasificación R. En los demás países del continente asiático se cambió toda referencia a Malasia por Micronesia.

Meekus (Skarsgard) son atractivos pero idiotas y estereotipados, sin embargo Derek y Hansel se desarrollan a través de la historia de la película para crecer como seres humanos. Sutilmente se va rompiendo el estereotipo de las personas que al dedicarse al modelaje son huecos, Otro de los aspectos tratados claro el estereotipo se rompe de es la mentalidad de los modelos, un forma ligera. que son retratados dentro del estereotipo de seres humanos La belleza física, sí, varios de físicamente perfectos pero men- los actores son atractivos sin emtalmente vacíos. Derek, Hansel bargo Mugatu (Ferrell) no lo es, (Wilson), Rufus (Highsmith), y es feo como él solo. Pero usa faja,

A t r avé s de la película se trata el tema como parte del argumento principal, e incluso hace referencias a grandes diseñadores de ropa como parte del círculo de poder que manipula los acontecimientos sociales para poner a la Historia a su favor.

Por supuesto es ligera y algo arriesgada la propuesta cómica, con colores radiantes, interpretaciones exageradas y vestuario extravagante. La película fue censurada en Malasia por el

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ropa extravagante, colores brillantes y el arreglo de su peinado recuerda a una corte inglesa del siglo XVIII. Realmente cada uno de los personajes que representan alguna autoridad de la moda es ridiculizado a través de la interpretación sobre exagerada.

especialistas, ya que el público en general siempre ha apoyado sus obras, tan sólo basta mirar sus niveles de audiencia en los programas televisivos en los que participó y los ingresos de sus películas en taquilla. Además no fue difícil para él que varias personalidades participaran en breY, ¿quién es el director de la ves apariciones o comentarios. película?, el propio Ben Stiller.

No fue su primera película pero El ingreso en taquilla fue más sí fue la primera en recibir crí- que satisfactorio al recaudar 60 ticas positivas por parte de los millones de dólares con un pre-

supuesto de 28 millones. Actualmente se hizo una secuela que no pienso ver a menos que vaya en autobús y la pongan. El público recibió la película con alegría y los críticos hablaron positivamente sobre ella, a pesar de que el escenario político-social estaba ensombrecido por el ataque a las torres gemelas de Nueva York.

Por cierto, respecto al ataque he de mencionar que Ben Stiller decidió eliminar digitalmente cualquier rastro de las torres debido a la temática de atentado en la película ya que era muy consciente de la situación social de su país.

La moda, los sueños, la vestimenta, la estética, la belleza, la esclavitud, la explotación, la humanidad, son conceptos que van perdiendo sentido frente a la ambición de las personas. Desafortunadamente seguimos viviendo diferentes tipos de esclavitud, que por cierto ha cambiado de nombre. La injusticia sigue existiendo pero siempre vestiremos bien.

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LA CAJA DE PANDORA

Por Frida A. Pineda

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l señor Bean fue el culpable es lo mismo, sin embargo siemde una infinidad de risas en mi pre sentiré el afecto de verlo. niñez. Aún recuerdo las sonrisas, lagrimas y la presión en mi estoMr. Bean gana un viaje a mago por “morirme” de la risa.

Cannes, Francia; y una cámara con la que grabará su aventura, Actualmente me sigue divir- y será acompañado por el niño tiendo, pero por la infinidad de Stephan, el cual todos piensan veces que lo vi en pantalla ya no que fue secuestrado por Bean.

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Más tarde se les unirá la guapa Sabine, juntos vivirán momentos emocionantes, divertidos, con-

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fusos, desastrosos e inolvidables, Los escenarios de Mr. Bean acompañados por un soundtrack Holidays, desde mi perspectiva, alegre y fresco. reflejan frescura y calidez, puesto que son hermosos los lugares por los que pasa el protagonista. La actitud de la gente es amable, el director Steve Bendelack nos hace sentir que ir a Cannes será perfecto y conoceremos personas que más tarde serán especiales para nosotros. Lo que sí creo es que el lugar sea maravilloso

y, como en todos lados, no sabes qué tipo de gente te puedas encontrar, y tal vez tengas momentos desagradables, pero no hay que ser negativos: ¿a quién no le gustaría vivir una aventura parecida como la de Bean? Claro, sin perder objetos útiles y valiosos como el pasaporte, entre otras cosas.

El personaje de Emma de Caunes me hace querer que haya romance entre el protagonista interpretado por Rowan Atkinson, ya que en cierto momento de la película ellos dos parecen los padres de Stephan (Max Baldry), pero sea como uno haya querido que sea, la película es ocurrente y se gana su puesto en el género

de la comedia, se las recomiendo.

También vemos a Bean con la desventaja de que no sabe hablar francés, lo cual es una de las causas que lo mete en problemas, de cualquier forma los errores que comete no cualquiera los haría, y en la realidad no son graciosos si a uno le sucede; pero, repito, no a cualquiera le pasaría, sólo a alguien como él. Y aún dentro del mundo del cine, no cualquiera cuenta con la gracia suficiente para hacer que las situaciones más trágicas se vuelvan cómicas.

Lo veremos burlándose de los directores y metiendo en problemas a otros.

A lo largo del metraje, Stephan evolucionará y pasará de ser un niño egoísta a todo lo contrario, él siempre parece disfrutar y divertirse más que el propio protagonista, ¿y cómo no si no es el que sufre las peripecias?, y se volverá mas reventado. Al mismo tiempo llegará a querer a Mr. Bean. Por otra parte, aunque Sabine sufrirá algunas decepciones, sus dos nuevos amigos tratarán de repararlo.

Es muy divertido ver como estos personajes se encuentran y todo lo que les ocurrirá, pues aunque sea una comedia, juntos cambiarán y nos enseñarán algo nuevo.

FICHA TÉCNICA Director Steve Bendelack Productor Peter Bennet Jones Guión Richard Curtis y Rowan Atkinson Música Howard Goodall Protagonistas Rowan Atkinson, Max Baldry, Emma de Caunes, Willem Dafoe País Reino Unido y Francia Año 2007

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r o l o d l e d a c i La crรณn Por Manuel Pineda

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PARA CONOCER Dreams can make me mad I can’t leave my dream I can’t stop myself Don’t know what I am What lies are truth?

What truths are lies?”

Art of Life – X Japan

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ueves 28 de julio del 2016, es un atardecer fresco en la ciudad de Guanajuato, la antigua ciudad minera. El cielo está gris con un ambiente húmedo, la gente animada baila al ritmo de un grupo musical desentonado; uno que otro asistente esta vestido para la ocasión, uno que otro turista perdido disfruta del paisaje de la plaza de la Alhóndiga de Granaditas.

los jóvenes de 35 a 20 años. La agrupación se llama Tokyo Brass Style y he de aceptar la calidad de su trabajo a pesar de que no sé mucho de música. La gente se contonea al ritmo de las introducciones de series japonesas que acompañaron su infancia o adolescencia, incluso hay gente que se levanta para bailar y los muy flojos solo mueven sus brazos junto a su tórax desde sus asientos. El ritmo es contagioso.

Empieza a llover, los vendedores suben el plástico a 20 pesos, la gente lo compra sin dudar. Nosotros preferimos correr hacia el escenario, Tokyo Brass Style se empieza a despedir, para estar presentes cuando inicie el evento estelar. La lluvia aumenta, los lentes se empañan, la gente se empieza a pegar buscando calor humano, los chicos del staff apresuran la limpieza del esceLa plaza se encuentra con un nario. número de asistentes bastante amplio, solo hay pocos lugares Pasa media hora mientras la en las escalinatas y el otro grupo gente de logística limpia y hace está parado frente al escenario pruebas de sonido. Empieza la principal. En medio de la plaza proyección, una obra audiovisual se hace un espacio para que los que se presentara por primera vendedores ambulantes hagan vez en Latinoamérica y que se lo suyo, las personas pasen, un estrenó en el Festival de Cine de camarógrafo grabe, y uno que Sundance en enero 23, la obra es otro se pique la nariz mientras We are X (2016). ve dónde se va a ubicar.

El Festival Internacional de Cine de Guanajuato o como le llamaron Guanajuato International Film Festival (GIFF), para que no se confundieran las siglas con su hermano festival de Guadalajara, eligió el primer documental sobre el grupo musical X-Japan para que se estrenara en Latinoamérica. Fue parte del segmento Música + Cine, dentro del festival que tenía como país invitado a Japón. Además de la proyección del documental tanto en el teatro Juárez como en la plaza de la Alhóndiga de Granaditas, también se presentaría Yoshiki Hayasi (líder de X Japan) para dar un pequeño concierto a los asistentes.

Otra de las obras audiovisuales que se presentaron dentro del segmento fueron Panoramas de los directores Rodrigo Guardiola y Gabriel Cruz Rivas, y Contemporary Colors de Bill y Turner Ross. Además de varios grupos musicales entre los que destacaron Botellita de Jerez, Yokozuna, URSS bajo el árbol, Tokyo Brass Style, entre otros.

La gente gritaba como si fuera un concierto en vivo, nunca había presenciado algo igual ni

En un par de horas se presentará el show principal de la noche.

El atardecer termina, los vendedores ofrecen impermeables de los que se ven en todas las plazas del país, trozos de plástico que por diez pesos te garantizan mantenerte seco en caso de que llueva. La mayoría ignora el producto, se mantienen al tanto del siguiente grupo que ocupa el escenario. Mujeres que tocan instrumentos entonando canciones de animaciones clásicas japonesas, al menos clásicas para

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siquiera en las proyecciones de media noche del concierto documental de Roger Waters The Wall. La proyección digital estaba en su mayor resolución, sin duda gracias a la tecnología DLP, ya que cada vez que salía algún miembro de la banda en la pantalla la gente gritaba con la emoción al triple (me sorprendí del cuerpo exhausto de Yoshiki al tocar la batería). Y por supuesto, la melancolía del músico Yoshiki

y garganta ronca, nosotros, los asistentes disfrutamos una obra documental que fue hecha para acercarnos al grupo siendo fanático o no. He de confirmar que conocía a X-Japan a través de algunas canciones; sin embargo no es parte de mi discografía personal, y sabía algo de su historia gracias a la editora de Súper 8 (fanática acérrima) sin considerarme aficionado a la banda, pero a través del documental sentí Hayasi hacia que el público de- una emoción y atracción por sarramara algunas lágrimas. Entre ber más del grupo, desafortunagritos de emoción y suspiros de damente la obra audiovisual te sorpresa se llevaba a cabo la pro- deja con más preguntas que resyección de la obra audiovisual. puestas.

La lluvia cesaba lentamente, conforme avanza el tiempo la proyección y te absorbía hacia la historia de la agrupación japonesa. La vida personal de Yoshiki, la separación del grupo, un lavado cerebral que tuvo el vocalista, la muerte presente, la llegada de nuevos miembros, el sentir de los que se quedaban, la corporación que los promociona, su ampliación a mercados internacionales, la opinión de otros músicos y, evidentemente, la reacción del fanático dentro y fuera de la película. La lluvia había cesado.

No me mal entiendan, me gustó el documental, me dieron ganas de saber más y aunque es un audiovisual sobre una agrupación musical parece más una obra sobre Yoshiki. Lo que hizo el líder de X- Japan fue lo mismo que hace Roger Waters con The Wall: hablar de sí mismo. De todos modos cumple, el fanático estuvo satisfecho y el espectador común (personalmente) quiere saber más, a lo mejor esa era la intención de Yoshiki y el director Stephen Kijak.

Stephen Kijak es un cineasta que ha hecho documentales sobre músicos y agrupaciones de la misma índole, entre sus trabajos destacados podemos encontrar Scott Walker: 30 Century Man, Stones in exile, Backstreet Boys: Show ‘Em What You’re Made Of´, y Cinemania. Él ha declarado que ya no hará más documentales soPrácticamente bre grupos musicales porque la secos por el calor historia es tan increíble que no humano de los asis- sabe a dónde puede ir después tentes, con lágri- de We are X. mas, voz quebrada

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El documental terminó. La gente extasiada. Los aplausos tardaron en apagarse. Salió una recepcionista del festival (con poco porte), habló sobre la presentación de Yoshiki que iniciaría en cualquier momento e invitó a Stephen Kijak al escenario (la pronunciación del inglés por parte de la presentadora era terrible). Los fans gritaban “We are… X, We are… X, We are… X”, querían a Yoshiki en el escenario. Por último, ella preguntó de dónde venía la gente, respondimos: Celaya, Querétaro, Oaxaca, Ciudad de México, Aguascalientes, Saltillo, España, Japón. Prácticamente era medianoche.

T r e s violinistas y una chelista aparecieron en el escenario, hermosas, el cielo surgía de ellas y su interpretación.

Mientras tocaban, apareció un video introductorio, la gente se emocionó, minutos después apareció la bandera de México, la gente gritó de emoción y a los ocho minutos subió Yoshiki al

La noche caía sobre nosotros, los ánimos no se apagaban, muchos esperaron horas para ver a Yoshiki, muchos viajaron horas para presenciarlo, escucharlo, sentirlo a través de su música. Cuando miré alrededor de la plaza, estaba repleta de gente, los fans estaban emocionados y aliviados, temían que poca gente fuera a ver al músico.

Los chicos del staff volvieron para instalar el sobrio escenario donde escenario para tocar el piano. El destacaba un hermoso piano. La público excitado. gente gritaba “¡Yoshiki!”.

Prácticamente una hora continua de interpretaciones instrumentales por parte de Yoshiki, el ánimo nunca se apagó. Solo se dirigía al público entre los intervalos de las canciones, la gente gritaba “animo, Yoshiki”, “te queremos, Yoshiki”,

“te apoyamos, Yoshiki”, “te amamos, Yoshiki”, y una que otra incauta que gritaba “marry miii, Yoshiki”.

Su interpretación fue intensa, melancólica, sentimental, nostálgica para el espectador, triste para otros, sublime y sensorial. Viajar para ver a un desconocido, valió el trayecto. Al final se despidió, sin embargo el público quería otra canción sin respetar la decisión del músico.

Aunque no los complació, el director Stephen y la presentadora obligaron a Yoshiki a quedarse unos minutos más. Nervioso, fastidiado y cansado estaba el músico japonés, el director muy fresco quería aprovechar la emoción del público para promocionar el documental que dirigió, pero Yoshiki no es como los Backstreet Boys, sutilmente se despidió. La presentadora dio las gracias.

La voz de él era delicada y frágil, pero su cuerpo es delgado y atlético con una cara cubierta de maquillaje, dedicado y atento con el público mexicano, firme y algo tímido, así es el líder de XJapan.

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SCOOP TODO por una primicia

Por Azucena Mecalco

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a comedia es un género diverso, aún dentro de sí mismo cuenta con sub divisiones para categorizar el tipo de recursos utilizados para hacernos reír. Pero, ¿realmente alguien puede darle una categoría a las sonrisas que provocan las escenas que presenciamos en pantallas? El sentido del humor, tal como el resto de las particularidades que definen nuestra personalidad, varía de acuerdo a la persona y el contexto.

En muchas ocasiones esta publicación le ha dedicado espacios completos a uno de los personajes más importantes

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HABÍA UNA VEZ

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del cine contemporáneo: Woody Allen, quien a través de su particular y muy oscura comedia realiza las críticas sociales más divertidas y mejor elaboradas del cine actual, mofándose constantemente de la clase privilegiada, sus costumbres e incongruencias. Y precisamente al ser este un número dedicado a las cintas que nos hacen reír no podía faltar uno de sus trabajos.

Con la magia de la que sólo es capaz Allen se presentó en 2006 un filme cómico de nombre Scoop, con la participación de Hugh Jackman y Scarlett Johansson en los papeles principales.

La película narra la divertida travesía de Sondra Pransky, una joven estudiante de periodismo, y Sidney Waterman, el mago que la chica conoce por casualidad, para dar con El asesino del tarot.

Todo comienza cuando Sondra viaja a Londres auspiciada por una amiga de clase alta a la cual conoció por casualidad en sus vacaciones. Allí, tras un fallido intento por conseguir una entrevista con un famoso director, Sondra asiste junto con su amiga al show de Splendini un mago carismático de origen estadounidense.

En el momento en el que Sondra entra a la caja “desmaterializadora” de Splendini hace su aparición el fantasma de Joe Strombel, periodista incansable y reconocido por dar siempre con las primicias en la prensa. Éste le explica que acaba de descubrir quién es El asesino del tarot, nada menos que Peter Lyman, hijo de uno de los millonarios más importantes de la ciudad. Ahora con la ayuda involuntaria de Splendini, Sidney Waterman, Sondra se propone obtener la más grande primicia de la prensa londinense.

Desde luego esa es sólo la base del argumento. La historia y los momentos hilarantes van

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mucho más lejos de lo que se podría redactar en una reseña sin echar a perder la gracia de cada una de las situaciones cómicas de la cinta, que pese a presentar la estructura lineal y los juegos de personajes y palabras comunes en los trabajos de Allen, logra que el público ría con las peripecias a las que se tiene que enfrentar Sondra para conseguir las pistas necesarias para atrapar al culpable.

una mujer hermosa que participa en blockbusters. Desde luego Hugh Jackman contribuye también a elaborar una atmósfera creíble, cómica y romántica dentro en la cual la joven periodista perderá la visión de su objetivo, dejándose arrastrar por la idea del «y vivieron felices para siempre». Por su parte Woody Allen actúa como… sí como Woody Allen, un maniaco misántropo que desata las situaciones graciosas sin proponérselo al tiemSin duda en esta película po- po que critica todo aquello de lo demos ver una de las mejores que él mismo forma parte. actuaciones de Scarlett Johansson, quien al trabajar con Allen La música principal del filme, demostró que es mucho más que que en esta ocasión no es el jazz, es del compositor noruego Edvard Grieg y funciona perfectamente para ambientar las múltiples secuencias que referencian al esnobismo que busca criticar el director. En tanto la paleta de color recurre a los tonos brillantes que irradian frescura y calidez, ideales para un trabajo que tiene como finalidad entretener al espectador sin pretensiones.

Scoop es una comedia ligera e inteligente que conjunta grandes actores, momentos hilarantes y una sutil crítica social muy al estilo de Allen, quizá no sea la mejor película del género o de la carrera del director; sin embargo no está de más verla y reír un rato sin sobre analizarla, simplemente dejándose llevar por cada una de las escenas acompañadas de la música de Grieg.

FICHA TÉCNICA Título: Scoop Director: Woody Allen Guión: Woody Allen Fotografía: Remi Adefarasin Música: Edvard Grieg Elenco: Scarlett Johansson, Woody Allen, Hugh Jackman, Geoff Bell, Christopher Fulford, Nigel Lindsay, Ian McShane, Fenella Woolgar Año: 2006 País: E.U.A., Reino Unido Duración: 96 min.

Super 8 25