Número47

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Editorial

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n este número de SUPER 8 presentamos una serie de cintas épicas que por su trascendencia se han posicionado como verdaderas obras de arte así, como las cintas preferidas del público a través de los años.

Esperamos tus críticas y comentarios en Facebook

Contenido El cine es... poesía Nóé 2

En portada: Espartaco

La mente maestra: Peter Jackson 10 Tesoros fílmicos: Espartaco 6 La caja de pandora Excalibur 18

Para conocer: La epopeya en el cine 15 Super 8 Número 46 Editor: Azucena Mecalco Redactores: Fafner Svern/Manuel Pineda Alma Ricardo, Jorge Alonso Espíritu Arte y Diseño: Azucena Mecalco México Distrito Federal 1 de diciembre 2014

Había una vez: Ben-Hur 24

En cartelera 30

EL CINE ES... POESÍA

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NOÉ La épica de Aronofsky y la búsqueda de misericordia

Por Jorge Alonso Espíritu Y se arrepintió el Señor de haber hecho al hombre en la tierra y el dolor tocó su corazón Génesis 6:6 (Traducción a partir de la Vulgata Latina)

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ocos textos resultan tan tristes e inquietantes como el anterior. La idea de un creador que después de coronar la vida con su obra máxima se arrepiente de haberla creado, al grado de sentir dolor por ello. Se trata no sólo de una línea que describe un escenario desolador; sino una de las pocas ocasiones en el testamento antiguo (exceptuando los libros poéticos) que describe

a un Dios emocional, que no sólo el relato más duro del canon ha ve y se irrita, sino a uno que si- terminado por infantilizarse, ente, que sufre. perdido en la creación de una historia más digerible, la narración ¿Qué había hecho el hombre de una fantasía que destaca por que tocó de forma dolorosa el un símbolo que en su grandeza corazón de Dios? El canon bí- cubre el terror más delirante, la blico lo resume en una línea: “la imagen del arca, la salvación cumaldad de los hombres en la ti- briendo la muerte universal y la erra, y toda intención de los pen- muerte antes de la muerte: el pesamientos de su corazón era sólo cado. hacer siempre el mal”.

Darren Aronofsky, el director La historia es conocida. Se americano de cintas que ahontrata uno de los relatos origi- dan en el dolor y la obsesión (Pi, narios de mayor antigüedad y, Requiem por un sueño, La fuente quizás, el más universal de to- de la vida, El cisne negro y El ludos ellos. En la tradición jude- chador) decide transgredir la traocristiana resulta una de las tra- dición del relato y reconstruir la diciones que sirven como base historia del patriarca del Génesis. en la enseñanza teológica. En El resultado no puede ser otro: aras de la pedagogía más simple, una historia sobrecogedora de

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hombres imprudentes, salvajes, desesperados, pero también sexuales, que aman, se enamoran y sobre todo, que tienen esperanza, esperanza en sus vanidades, en hallar la fuerza, el poder y la gloria, y algunos la vida, el amor, la tranquilidad, la fecundidad y en suma: la salvación. Narra, pues, un retrato de los humanos.

Asombrado en su infancia por el descubrimiento del brevísimo relato del Bereshit –en la Torá judía-, Aronofsky tarda en crear su diluvio universal mucho más de lo que tarde en cualquiera de

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sus filmes: se trata de un proyecto salas descalificaron a priori- es la que cruza buena parte de su vida. oportunidad de hallar los misterios de la literatura teológica.

Cuatro capítulos de la Biblia conforman el conocimiento básico de Noé. Si la introducción se reduce a tres versículos en Génesis 6:5-7, los siguientes versos se prestan a una interpretación profunda, y a una especulación amplia cuyos resultados nunca alteran los significados estáticos. Tal es una de las intenciones del texto bíblico. Pero esa provocación a la ficción –que los puristas espectaAsí asistimos a sugerencias de dores religiosos que llenaron las una historia que el director toma y recubre de fantasia, simbolismos y obviedades que transitan entre lo chocante y lo sorprendente. Ficción basada en textos sagrados de la tradición judía que no son fáciles de adivinar al espectador común. Entre efectos especiales y gigantes ángeles caídos, Darren teje una trama de gloria y pérdida. (Y hay que escuchar la canción final de la película, interpretada por Patti Smith) Ya Giovanni Papini había ejercido de interprete ficcional de las doctrinas religiosas. Transitando del ateísmo escéptico al fervor católico, imaginó en «El diablo»,

marcó la frente de Caín, y maldijo a la descendencia del fratricida.

la posibilidad de un Dios misericordioso que en su amor fuera capaz de perdonar al mismo Satanás, y purificar el infierno.

El mayor aporte de la reconstrucción Aronofskyana, es el mismo de la historia contada en el catecismo, el mismo que suma Papini en su literatura teocéntrica: la misericordia. ¿Cómo llegar a ella?

Si para Papini la misericordia de Dios era suficiente para sacar a las almas del infierno, para la tradición catequista resulta menos sencillo: sólo un Noé perfecto, lleno de fe y con una obediencia inamovible puede alcanzar la salvación. La cinta de Aronofsky es más humana. A partir de la muy breve descripción bíblica de las personas que poblaron el arca, retrata a seres humanos defectuosos, que no saben bien a bien qué decisión tomar, pero llenos de fervor. Si alguien leyó los versículos, hallará factible la faceta de los navegantes.

Llegada la batalla, volviendo a ofrendar su vida por los humanos, sabedores de sus errores, los gigantes piden perdón al creador y al morir son más que sólo recibidos por Él: son ascendidos al cielo del que habían sido expulsados.

Pero la verdadera batalla siempre está en la mente. Noé pide señales, pero éstas le resultan confusas. Ganada la guerra contra los impíos, ya dentro del arca, con la inundación consumada, queda la parte más difícil de las decisiones de Noé: cumplir la voluntad de Dios, y perder a su familia. ¿Cuál es la voluntad de Dios? ¿Cómo no equivocarse?

Si Dios se arrepintió de crear al hombre, cómo atreverse a refundar la especie a partir de un grupo de humanos pecadores envueltos por el deseo, la ira, la incomprensión. Su familia envía aves a buscar tierra, y Noé busca el cielo. Si Dios habla: ¿cómo habla?

La destrucción de la tierra no había sido a partir del fuego: sino de agua. El agua mata pero produce nueva vida. La muerte de la especie sólo podía significar regresar al origen, al Padre.

Y mientras el agua cubre la tierra, desde el interior del arca se escucha un clamor más que escalofriante: la gente padeciendo, ahogándose, aterrorizada, muriendo: el clamor de toda la humanidad muriendo. La tragedia de Noé no es la construcción de un gran barco, sino cargar el peso de esa destrucción. Tanta destrucción, tanto dolor, produce locura. En efecto.

La transgresión de Aronofsky surge del propio carácter del relato, la épica del montaje cinematográfico nace de la naturaleza épica de la narración sacra.

La búsqueda de los personajes del filme, es la historia de la humanidad narrada por la Biblia: la búsqueda de misericordia.

Noé muestra confusión: delira entre la opción de continuar la línea genealógica de los humanos, o terminar con su paso en la tierra. Fuera de los límites donde el arca es construida por orden divina, un ejército se prepara para declarar la guerra a Noé, y los ángeles caídos que lo acompañan, y en realidad, al mismo Dios que permitió que la tierra se volviera estéril; el Dios que cerró el paraíso y expulsó a los hombres de él; el mismo que

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TESOROS FÍLMICOS

LA EPOPEYA DE KUBRIK Y DOUGLAS

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spartaco, trabajador en las crueles canteras de Libia dominadas por el Imperio Romano, es descubierto por Léntulo Batiato, quien encuentra en él potencial para su negocio: la crianza de gladiadores para espectáculos que satisfagan las ansias de sangre y violencia de la aristocracia romana.

Es así como Espartaco termina en Capua, en donde los crueles tratos de los guardias, quienes se divierten a costa del sufrimiento de los futuros gladiadores criados como bestias, comienzan a endurecer su carácter, al mismo tiempo que se pregunta por qué sus compañeros y él tienen que soportar el abuso y la discriminación del pueblo romano.

Pero Espartaco no resulta ser un buen gladiador, en gran medida por su resistencia a pelear para que otros se diviertan. Sin embargo, las circunstancias lo obligan a tomar dominio de Ca-

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pua y a conducir a los gladiadores a una rebelión, a la que se sumarán todos aquellos que han sufrido las injusticias, discriminación y maltrato…

Este es el inicio de una de las cintas más increíbles jamás filmadas para las pantallas de la cinematografía épica. Dirigida por el maestro de

Por Azucena Mecalco de la cobardía y el conformis- epopeya más impresionante que mo y llevar a sus seguidores a la misma película… la victoria.

El guión de la cinta se desaA diferencia de otras epope- rrolló tomando como punto de yas producidas en la misma épo- partida la novela histórica del ca, Espartaco utiliza el romance escritor estadounidense Howard como hilo conductor. Sí, esta im- Fast, y fue escrito por Dalton presionante cinta del año 1960 Trumbo, que en aquel momenes nada menos que una historia to se encontraba dentro de las de amor de principio a fin. Sin listas negras del gobierno de embargo, el argumento no se Estados Unidos bajo presuntas limitó a dar vida al romance de acusaciones de comunismo, desEspartaco y Varinia; le prestó lealtad y traición a la patria. Sin mayor atención al contexto en embargo, el poder mediático de el que éste se desenvolvía, y a Kirk Douglas, productor de la las situaciones históricas en las cinta, prevaleció por encima de que existió el personaje real que cualquier lista gubernamental y protagonizaba la historia, con- lanzó, sin pudor alguno, el nomsiguiendo mostrar excelentes bre de Trumbo a los créditos de tomas aéreas, increíbles planos la película. secuencia con batallas apocalípticas y long shots tan impresioMas, los problemas de la filmanantes que pueden quitarle la ción acontecieron mucho antes maestros: Stanley Kubrick, respiración al espectador. de pensar en los nombres de los esta película narra de forma créditos. Se dice que por princidetallada las andanzas de EsDesde luego esa es sólo la pio, Espartaco nació de la ira de partaco en su camino para li- parte bonita de la historia. La Kirk Douglas, quien al no ser llaberarse a sí mismo del yugo filmación de Espartaco fue una mado para protagonizar Ben-Hur montó en cólera y decidió crear

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una obra que la superase en todos los puntos, desde presupuesto hasta estrellas. Fue así como se le ocurrió el magnífico plan de llamar a tres grandes actores británicos para los papeles principales haciéndoles creer que ellos figuraban como EL personaje principal, mas no protagónico, de la historia.

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Una vez que reunió al equipo de actores que fungirían como ornamentos para su desarrollo protagónico, Douglas se enfocó en buscar un director que venciera a William Wyler, por lo cual ofreció el puesto a David Lean, quien ya tenía experiencia en hacer súper-producciones, pero éste rechazó su oferta. Fue entonces cuando Douglas decidió traer a Anthony Mann, quien no dudó un segundo en aprovechar todo el material actoral del que disponía, con lo que Kirk Douglas no brillaba tanto como había pretendido. Sin más despidió al director.

Pero la fortuna estaba con él. Justo en ese momento un joven director con unas cuantas filmaciones en su historial acababa de ser

despedido de la filmación de El rostro impenetrable: Stanley Kubrick, quien era un viejo amigo de Douglas, después de su excelente ensamble en la cinta Paths of Glory de 1957, se incorporó al equipo de Kirk como director.

Mas pronto las diferencias entre ambos surgieron.

Como era de esperarse Kubrick quería tomar el proyecto completamente en sus manos, corrigiendo

puesto que existían secuencias completas que eran denominadas como «violencia extrema» por los encargados de dar clasificación a las películas, además de alusiones acerca de la homosexualidad que se juzgaron en contra de la moral. Fue así como se terminó proyectando una versión con casi 40 minutos menos de cinta. No fue sino hasta 1991 que finalmente se pudo ver la película con una duración de 184 minutos.

las imperfecciones que convertían a la película en un drama más con batallas impresionantes. Pero esa postura contradecía por completo las intenciones de Douglas que, si bien decidió conservar a Kubrick en la filmación pues sabía de sobra que no encontraría mejor director, bloqueó por completo cualquier tentativa suya por hacerse con el control de la producción.

Al terminar la filmación su amistad había terminado.

A los problemas entre ambos, que ya tensaban el ambiente en el set, se sumaron sus hegemónicas ideas para la realización ideal, uno por su exacerbada búsqueda de protagonismo y el otro con su fijación por los detalles, lo cual complicaba la filmación y retrasaban la grabación de las escenas.

Al terminar la filmación se habían gastado cerca de 12 millones de dólares y había finalizado la relación personal y laboral entre director y productor. Pero el esfuerzo sobrehumano de los actores y todo el equipo de producción tuvo una retribución de 30 millones de dólares solamente en E.U.A., sin hablar de los casi 60 que recaudó en el resto del mundo.

Pero eso no fue todo. Una vez terminada la cinta los problemas continuaron

Esta es sin duda una obra de arte, aunque el mismo Stanley Kubrick declaró que le hubiera gustado borrarla de su historial fílmico, no deja de ser una excelente producción épica, que lo catapultó a la fama, llevando su nombre mucho mas arriba que el de Kirk Douglas y brindándole la oportunidad de mantener su palabra al decir que no volvería a participar en ninguna producción en la que no contase con el dominio pleno de los recursos para crear cintas como el las visualizaba.

Vale la pena ver Espartaco, juzgar su contenido histórico, su argumento un poco cursi y deslumbrarse a mismo tiempo con las actuaciones, pero sobre todo con las maravillosas tomas creadas por el genio perfeccionista de la cinematografía.

FICHA TÉCNICA Título: Spartacus Director: Stanley Kubrick Guión: Dalton Trumbo Fotografía: Russell Metty Música: Alex North Edición: Robert Lawrence Reparto: Kik Douglas, Laurence Olivier, Jean Simmons, Charles Laughton, Peter Ustinov, Tony Curtis, John Gavin Año: 1960 País: E.U.A. Duración: 184 min

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Peter Jackson

El último adiós al Señor de los anillos… aparent

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ctualmente si alguien menciona a Peter Jackson lo asocia de inmediato con la sextología inspirada en las sagas fantásticas de El Hobbit y El Señor de los Anillos, del autor británico J. R. R. Tolkien. Sin embargo, este cineasta neo zelandés tiene un oscuro pasado.

Peter Jackson siempre estuvo fascinado con el cine desde las películas que marcaron su infancia como King Kong (de la cual hizo un remake muy simple), y las producciones del maestro de los efectos visuales Ray Harryhausen. En 1976 realizó el cortometraje titulado The Valley, transmitido en un programa infantil de Nueva Zelanda, que trata sobre unos adolescentes que viajan a través de una brecha en el espacio/tiempo continuo. Posterior a esto trabajó por siete años en un periódico local, viviendo en la casa de sus padres, ahorrando el dinero suficiente para comprar equipo cinematográfico y así filmar su primer largometraje.

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Bad Taste de 1987, pertenece ficos; sin embargo del que tiene a múltiples géneros cinematográ- más elementos es el gore. Fue

LA MENTE MAESTRA

temente Por Manuel Pineda dirigida, escrita, producida, fotografiada, coeditada e interpretada por Peter Jackson, quien también maquilla y hace varios de los efectos visuales. Los demás actores eran amigos del director, y se filmó en los alrededores del pueblo natal de Jackson usando una cámara de 16mm.

Se caracteriza por la presentación de escenas absurdas con efectos especiales muy sangrientos, dos personajes son interpretados por Peter Jackson en una escena editada cuidadosamente para que ambos se enfrente en el mismo espacio y tiempo. Las armas, hechas de aluminio, eran agitadas por los actores para simular el retroceso que se produce al ser accionadas. Las máscaras de los extraterrestres fueron horneadas en la cocina de la casa de sus padres y el famoso vomito de los éstos fue hecho de chicharos.

El argumento de Bad Taste es sencillo, unos extraterrestres dueños de una cadena de comi-

da rápida vienen a la tierra para abastecerse de la materia prima para sus hamburguesas espaciales: los seres humanos. Pero hay un grupo de hombres valientes, agentes del Servicio de Defensa y Astro Investigación (AIDS, de acuerdo a sus siglas en inglés), que están dispuesto a detener a los alienígenas.

ra al ámbito cinematográfico, así nacieron Los Feebles.

Meet the Feebles de 1989 es una película interpretada por un ensamble de marionetas que hacen comedia musical, creando un estilo maduro y salvaje de los famosos Muppets. El film de comedia negra fue dirigido por Jackson, participando como Bad Taste fue un éxito al pre- coguionista junto a Fran Walsh sentarse en el Festival de Cine (actualmente su pareja intima), de Cannes, y convertirse en una Stephen Sinclair, y Danny Mulpelícula de culto, vendiendo de heron. Las marionetas-botargas inmediato sus derechos para la eran la versión negativa, con viexhibición en doce países dife- cios, perversa y misántropa de rentes. Su producción tuvo un Los Muppets de Jim Henson. costo aproximado de 260,000 dólares con una ganancia en The Feebles tuvo varios protaquilla en Nueva Zelanda de blemas durante su producción ya 200,000 dólares aproximada- que se consideraba un bajo costo mente. de producción debido a que los personajes eran marionetas, así Con la fama que había con- que se tuvieron que filmar vaseguido, por esta película, Peter rias escenas a escondidas porque Jackson empezó a trabajar en un se habían excedido del dinero proyecto que sería un producto invertido inicialmente. Como para televisión. Sin embargo un dato curioso, hay una escena en grupo de inversionistas japone- la que se usa una ametralladora ses le propusieron que lo amplia- M60 que dispara balas reales ya

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que el equipo de producción no pudo encontrar balas de salva.

Aunque Peter Jackson había actuado en su cortometraje y su ópera prima, es aquí en Meet the Feebles donde inicia su “tradición Hitchcok” al hacer cameos en sus largometrajes: aparece disfrazado de uno de los extraterrestres de Bad Taste entre el público del show al final de la película.

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septiembre de 1995. Esto generó que se convirtiera en un filme que sólo circulaba en los circuitos de cine para amantes del género.

En 1992 estrenó su tercer largometraje: Braindead (En Estados Unidos titulada Dead Alive y en la comunidad hispano parlante Braindead: tu madre se ha comido a mi perro). Es un filme que pertenece al subgénero de zombis con un toque de comedia gore, fue coescrito por Fran Walsh, Stephen Sinclair y Peter Jackson. Su presupuesto fue de tres millones de dólares.

La primicia de Braindead es sencilla: un grupo de cazadores captura al legendario mono rata de Sumatra, animal hibrido producto de la violación a los monos por las ratas de los barcos que llegaban a la Isla Calavera, al morder a un humano este mono le pasaba la maldición “Zingaia” Cómo tuvo que consiste en convertirlo en fallas comer- un muerto viviente; el mono es ciales para su vendido al zoológico de Welllanzamiento, ington en Nueva Zelanda, donde sus estrenos será visitado por la madre sobrefueron irregu- protectora de un joven en edad lares: en Nueva de merecer.

Zelanda se estrenó el ocho La película es considerada de diciembre como una de las mejores obras de 1989, en gore jamás hechas. La producel Festival In- ción fue filmada en Wellington, ternacional de la escena del cementerio se graCine de To- bó en el barrio de Karori y la Isla ronto el 13 de Calavera son las formaciones septiembre de naturales conocidas como Piná1990, en el Fes- culos Putangirau (lugar que se tival Interna- volvió a usar en una escena clave cional de Cine de El Retorno del Rey). La escede Stockholm na más divertida, y la favorita de en noviembre Jackson, se filmó en dos días en de 1990, en Ja- el parque de Wellington gastánpón en diciem- dose los 45,000 dólares sobranbre de 1990, tes del presupuesto original; la en el Festival secuencia referida es la del bebé de Cine Fan- zombi que es llevado a pasear. tasporto en feRecibió una respuesta positiva brero de 1991, y en Estados por parte de la audiencia; aunque Unidos hubo su estreno haya pasado desaperdos estrenos cibido, la crítica también recibió en febrero y adecuadamente la película por

su humor, su actuación y las técnicas de filmación. En su fecha de estreno recaudó alrededor de 55,000 libras en Reino Unido y aproximadamente 242,000 dólares en Estados Unidos.

Braindead fue censurada en distintos países por su contenido explícito. En Alemania fue recortada a 94 minutos, en Estados Unidos tenía 85 minutos con las escenas más sangrientas eliminadas; sólo en Australia y Reino Unido se proyectó el filme completo de 104 minutos.

En octubre del 2011, Lions Gate Entertainment lanzó una edición casera en bluray de 97 minutos.

La historia narra la amistad Toda la producción fue filmaentre Pauline Parker (Melanie da en el pueblo donde sucedieBad Taste, Meet the Fee- Lynkskey) y Juliet Hulme (Kate ron los hechos para respetar la bles y Braindead fueron mejor Winslet), adolescentes que lle- historia, la gente del lugar recibió con agrado la idea y al equipo de filmación. Los efectos visuales fueron creados por la recién nacida Weta digital. En el filme se puede apreciar un cambio en la dirección junto a los movimientos de cámara de un renovado Peter Jackson, su tono humorístico había quedado atrás para traer una historia humana construida con seriedad pero sin caer en la monotonía. Para quien tenga el don de la observación podrá reconocer la transición que sufre Jackson entre sus películas anteriores y las posteriores. Desde ciertas secuencias aéreas hasta los movimientos que acercan la cámara para darnos una perspectiva real del personaje. difundidas después del éxito de Peter Jackson con la trilogía de El Señor de los Anillos.

Después de sus tres largometrajes dirigió Heavenly Creatures en 1994. El guion, basado en el caso de homicidio Parker-Hulme, fue escrito por Fran Walsh y Peter Jackson. El filme abrió el 51avo Festival Internacional de Cine de Venecia convirtiéndose en una de las mejores películas del año. Sobresalen las actuaciones de las protagonistas, parcialmente desconocidas, Melanie Lynskey y Kate Winslet.

van una relación que termina Heavenly Creatures tuvo un fimal y que es juzgada de forma nanciamiento de cinco millones errónea por la gente de la comunidad. Walsh y Jackson decidieron rendirle tributo a la amistad tratando desde una perspectiva humana los acontecimientos que se dieron en el pueblo neozelandés de Christchurch.

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compañías cinematográficas especializadas en la creación de efectos visuales. En la actualidad, a mi parecer, ha superado la calidad visual que otorga su equivalente estadounidense Industrial Light and Magic perteneciente a Lucasfilm.

Y después llegó la fama mundial...

Peter Jackson se consolidó con la filmación de la saga épica de El Señor de los Anillos, en 1997 ganó los derechos para filmar la obra de J. R. R. Tolkien y bueno, conocemos el resto de la historia.

de dólares aproximadamente, con ganancias de tres millones de dólares en Estados Unidos y un millón de dólares en Nueva Zelanda. Su éxito fue inmediato, ganó el premio a Mejor actriz británica (Kate Winslet) de los premios Empire en 1996 y el premio a Mejor director del año por los London Critics Circle Film Awards en 1996. En Nueva Zelanda arrasó con los New Zealand Film and Tv Awards de 1995, ganando los premios de Mejor actriz (Melanie Lynskey), Mejor actriz de soporte (Sarah Peirse), Mejor interprete extranjero (Kate Winslet), Mejor director (Jackson), Mejor soundtrack (Mike Hopkins, Greg Bell y Michael Hedges), entre otros premios.

Hollywood había puesto sus ojos sobre Peter Jackson por su éxito con Heavenly Creatures, así que con el apoyo de Robert Zemeckis decidieron darle su primer gran presupuesto consistente en 26 millones de dólares para que dirigiera The Frighteners con el protagonista principal interpretado por el carismático Michael J. Fox.

The Frighteners es una comedia de horror que tratá acerca de un arquitecto que desarrolla habilidades psíquicas después de la muerte de su esposa, permitiéndole ver, oír y comunicarse con fantasmas. Siguiendo la tradición de sus primeras películas, el film fue un fracaso comercial pero la crítica fue positiva aunque apenas haya recaudado lo que se inEn 1995 Peter Jackson filmó virtió en ella ($29, 000,000), en un falso documental titulado la actualidad es considerada una Forgotten Silver, en él se narrá película de culto aunque emicomo el cineasta pionero Colin tiendo una opinión personal me Mckenzie creó el cine a color y atrevo a decir que no se merece produjo el film más épico en la esa categoría de origen dudoso. historia de la humanidad sólo para ser olvidado por ésta. De Lo importante de The Frighteeste falso documental hablare- ners es que las compañías de mos en otra edición de la revis- Jackson, Weta Digital y Weta ta.

Workshop, se posicionaron como parte de las principales

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Realmente Peter Jackson es un cineasta experimentado y aunque ha tenido sus fallas su estilo cinematográfico es visible, nos ha entregado secuencias increíbles tanto en producciones de bajo presupuesto como en sus grandes estrellas.

De repente se extrañan sus orígenes, de una de las películas que tengo mejores recuerdos es Braindead; aún uso algunos diálogos del film para conquistar féminas.

Aunque su incursión en la tierra media es gratificante, no sólo por lo visual sino por la producción, es necesario que Jackson continúe su evolución como cineasta. Puede ser que esto suceda, a sus 53 años publicó en su cuenta oficial en las redes sociales un emotivo video de despedida del último día de producción de la tercera parte de El Hobbit; un viaje de casi 17 años.

PARA CONOCER

L A E P O P E YA EN EL CINE Por Azucena Mecalco

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a epopeya es un género literario que expone y relata las andanzas de héroes o las peripecias históricas de un pueblo. La obra épica más antigua conocida es el Poema de Gilgamesh, narración de origen sumerio. A partir de ese momento las epopeyas formaron parte de la cultura popular de los pueblos, que componían poemas para enaltecer a los personajes que figuraban como representantes del ideal de una nación.

pueblos que pugnaban por la hegemonía territorial en la vida cotidiana.

Las epopeyas pasaron de la literatura al teatro, y posteriormente al cine, en donde la recreación de los increíbles escenarios descritos por personajes como Homero deslumbran al espectador con la magnificencia de sus paisajes, peleas gloriosas, personajes heroicos, historias mórbidas, litros y litros de sangre además de cadáveres por Las guerras y los viajes for- cientos. man parte preponderante del contexto épico, la construcción Ya en 1915 directores como de escenarios bélicos y las haza- D. W. Griffith (El nacimienñas que los protagonistas realiza- to de una nación) llevaban al ban dentro de éstos, enarbolaron cine historias de corte épico a las ensoñaciones e ideales de los las grandes pantallas, y aunque

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éstas continuaban siendo cintas mudas, los efectos especiales y enormes escenarios para las batallas asombraban al público.

Todavía el día de hoy resulta impresionante verlas si tenemos en cuenta los precarios recursos con los que contaban y el trabajo titánico que implicaba la creación de una súper-producción cinematográfica.

Dentro de la lista de películas épicas trascendentales se encuentra desde luego Cleopatra dirigida por Joseph L. Mankiewicz, uno de los ejemplos más no-

tables de cómo suele resultar mucho más épica la filmación que la cinta misma.

Pero antes de Cleopatra existió una cinta que por sus detalles, actuaciones, tomas y sobre todo por las construcciones realizadas para su producción, marcó una época y estableció los lineamientos para la filmación de una verdadera epopeya: Los diez mandamientos (1956), dirigida por Cecil B. DeMille. Aunque es verdad que antes de esta película ya existían decenas de producciones, Los diez mandamientos se

encargó de derrumbar todos los paradigmas establecidos e instauró los nuevos cánones fílmicos del género épico.

Producida por la Paramount Pictures, con sus 220 minutos de duración y con Charlton Heston como protagonista, la cinta de DeMille tuvo un costo de más de 13 millones de dólares, una cifra impresionante para la época, aunque no tan escandalosa como los 44 millones que costaría más tarde Cleopatra; sin embargo, logró recaudar 80 millones de dólares tras su exhibición en E.U.A. Sí, una de las fuentes de inspiración más grande que existe dentro del cine épico no es otra que la Biblia. Existen tantas adaptaciones que sería difícil crear una lista que las contuviera todas. Pero lo curioso no es que se adapte la Biblia o que ésta contenga dentro de sus páginas algunas de la batallas más sangrientas y absurdas jamás descritas en un libro; sino que millones de personas continúan asistiendo a las proyecciones de estas cintas sin importar la época, el país o la religión que se profese.

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Actualmente las epopeyas continúan llenando salas. Epopeya se traduce como millones y más millones dentro del ambiente cinematográfico. Cuando se

aparecerá en pantallas Éxodo: dioses y reyes, del maestro Ridley Scott, protagonizada por Christian Bale, que promete mucho en términos visuales y argumentales.

necesita rescatar a una empresa de su perdición o garantizar la asistencia masiva del público a las salas la fórmula se reduce sencillamente a «epopeya+actor famoso=millones». Y aunque en las últimas décadas cintas como El señor de los anillos (Peter Jackson 2001-2003) han logrado posicionarse dentro del gusto del público con su carácter fantástico y su replanteamiento épico,

los clásicos continúan arrasando en las taquillas, basta con ver la lista en la que se encuentran Gladiador (Ridley Scott, 2000), Troya (Wolfgang Petersen, 2004), o 300 (Zack Snyder, 2007) para saber que este género continúa vigente.

En este año se estrenó precisamente Noé dirigida por Darren Aronofsky y próximamente

Las epopeyas cinematográficas son obras de arte del diseño, aunque en ocasiones pueden resultar argumentalmente vacías o superfluas no dejan de representar una experiencia visual y estética de dimensiones estratosféricas que cautiva al público, inmiscuyéndolo en la historia y brindándole la oportunidad de conocer, viajar y experimentar, satisfaciendo su necesidad de heroísmo en una época en la que es más sencillo encontrar a los héroes en las pantallas, cuando la realidad comienza a desdibujarse y reconstruirse como una nueva obra de ciencia ficción en la que no hay cabida para los héroes de antaño.

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Excalibur

El mito hecho cine U

na batalla campal se lleva a cabo en un escenario de Britania durante la edad media, dos hombres pelean por el título de máximo soberano, una

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tierra un rey. Uno de ellos está favorecido por un poder divino gracias al hechicero Merlín, una responsabilidad que sólo un hombre digno puede por-

tar en su espalda; Excalibur es la responsabilidad, es la espada de la esperanza, del camino recto para el bienestar de la gente.

Sin embargo, Uther Pendragon portador de Excalibur es humano, a través de la espada ha convencido a Leodegrance, su contrincante, para hacer un pacto de paz; al festejar que la paz ha llegado a Britania, Pendragon conoce a la esposa de Leodegrance, la lujuria lo invade declarando la guerra nuevamente a su aliado. La paz que sería la unificación de los pueblos británicos es retrasada.

Pendragon le pide un favor más a Merlín, sólo quiere una

LA CAJA DE PANDORA

Por Manuel Pineda noche con la esposa de Leodegrance, accediendo con la condición de que le entregue el producto de su osadía.

Merlín llamá al aliento del dragón para cumplir los fines de Pendragon, y así nació un mito. El rey sexual es traicionado por sus hombres porque habían dejado de creer en él. Sus excesos lo llevaron a la perdición. Al tratar de sobrevivir no le queda otra opción que clavar la espada de la esperanza en una piedra, ju- ellos aceptan sin preguntar su rando que sólo alguien digno origen por temor al hechicero. podría levantar a Excalibur.

El infante es Arturo, el ser que se convertirá en Rey de BritaEl niño es entregado por nia como consecuencia de los Merlín a una familia adoptiva, actos de su padre. Él crece sien-

do un niño normal, entrenado como escudero de su hermanastro, siguiendo las enseñanzas de su padre adoptivo; hasta que un día, en un torneo de caballeros que se realiza para

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que el victorioso pueda sacar a Excalibur de su reposo, levanta sin querer a la espada de la esperanza. El joven escudero se ha convertido en Rey. Excalibur es la espada del Rey Arturo, que a través de su magia guía al regente durante la unificación de Britania, es una época de bondad donde el pueblo es feliz y la paz ha llegado a la isla. Arturo es lo contrario a su padre Pendra-

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Sin duda, Excalibur (1981) es una obra cinematográfica infravalorada, fue dirigida por John Boorman quien tuvo una carrera regular como director de cine, que fue conocida ocasionalmente como el proyecto familiar de Boorman ya que varios miembros de su familia actuaron en ella. Pero que tiene un contenido con lecturas en diferentes niveles, siendo una adaptación del mito del Rey Arturo desarrollando de forma notable su ciclo de nacimiento, vida, declive y resurrección.

La película fue filmada en Irlanda, gracias a ello tiene un lugar querido dentro de la industria cinematográfica irlandesa, además impulsó las carreras artísticas de varios actores nativos como Liam Neeson (Gawain), Gabriel Byrne (Uther Pendragon), y Ciarán Hinds (King Lot). Originalmente sería un largometraje basado en el mito del hechicero Merlín, sin embargo decidió basarse en el libro Morte d’Arthur de Sir Thomas Malory (14691470) para explotar la leyenda del Rey Arturo.

Rospo Pallenberg y John Boorman fueron los que escribieron el guión agregando elementos de otros cuentos Arturianos, tanto Excalibur como La espada en la piedra aparecen de forma conjunta, el caballero

gon, ha gobernado con rectitud apegándose a sus leyes sin importar quién es el que tenga que ser juzgado, ha creado una monarquía justa y consolida su alianza con los demás caballeros de la isla al crear una mesa redonda donde se reúnen para ser iguales, nadie es superior jerárquicamente. Un reino ideal.

Pero el mal se esconde donde menos lo espera uno.

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que retornó la espada al lago es Perceval en vez de Bedivere, Morgause y Morgan Le Fay son adaptados en Morgana, el grial está basado en un mito celta y la espada entre los cuerpos de los amantes proviene de Tristan e Isolda.

Otras de las influencias narrativas para Excalibur se encuentran en las obras literarias The Golden Bough (1890) de Sir James Frazer y From Ritual to Romance (1920) de Jessie Weston, otorgándole fuerza a

la perspectiva mítica del Rey Arturo. La película es inexacta históricamente ya que a los realizadores no les importaba explotar esa perspectiva, lo que quería John Boorman era “profundizar en la llegada del cristianismo y la de s a p a r ic ión de las viejas religiones que eran representadas por Merlín, la fuerza de la superstición siendo consumida por el inconsciente”.

Los escenarios y vestimenta se crearon teniendo en mente al señor de los anillos. Las armaduras plateadas de los caballeros de la mesa redonda fueron concebidas por

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Bob Ringwood, diseñador británico de vestuario quién creó el traje de Batman (1989) para la versión de Tim Burton, trabajó en Empire of the Sun (1987) de Steven Spielberg, Troya (2004) de Wolfgang Petersen y Alien III (1992) de David Fincher. Su trabajo en el desarrollo de Excalibur le generó una nominación a los premios BAFTA.

tán e Isolda de Richard Wagner.

Aunque Jones haya usado música clásica, Boorman le pidió composiciones originales para ciertas escenas acordes al periodo de las “épocas oscuras”.

Su trabajo fue esplendido, para ser un compositor que tenía poca experiencia en el ámbito cinematográfico, llamando la atención de Jim Henson quien lo contrataría para que trabajaTrevor Jones, compositor de ra en The Dark Crystal (1982) música sudafricano, fue el que dirigida por el mismo con la codesarrolló el soundtrack inclu- dirección de Frank Oz. yendo piezas sonoras de Carmina Burana (1935-1936) de Carl Su proyección tuvo crítiOff, La trilogía del anillo y Tris- cas divididas sobre todo por

el papel de la mujer en el filme, indicando que se minimizó la presencia femenina a un mero objeto. Aunque el público le dio un recibimiento cálido, su recaudación en taquilla del primer día fue de sólo de 4, 519,709 de dólares, siendo una producción de 11 millones de dólares; al final terminó por recaudar un poco más de 30 millones de dólares, recuperando su inversión.

Excalibur es la fuerza, es el poder de la esperanza, es el camino de la rectitud y el gobierno justo; no es la historia de un hombre, es la historia de un objeto que representa la igualdad en el mundo esperando a que sea levantada por un hombre o mujer que sean dignos de llevarla. No hay maldad en ella y si el portador se vuelve ambicioso Excalibur no permitirá usarla.

Excalibur es lo que necesita la gente, su llegada en tiempos oscuros sería lo conveniente para la sociedad; sin embargo sigue esperando, paciente, en el fondo del lago…

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HABÍA UNA VEZ

E

l cine épico toma su nombre de las poesías épicas, las cuales relataban actos heroicos de un pueblo o de una persona, por lo tanto las películas épicas son grandes producciones en las que se ambientan guerras y se hace énfasis en los dramas humanos referentes a hechos reales o ficticios, aunque siempre de manera exagerada; algo que caracteriza a este tipo de cintas son los enormes escenarios en su mayoría sorprendentes y exóticos, en la

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actualidad se usan escenarios digitales cuando existen efectos visuales.

La primera cinta épica es quizás El nacimiento de una nación del año 1915 del director D. W. Griffith, este tipo de cine tuvo un bum en el cine hollywoodense pero su apogeo termino después del fracaso en 1963 de la cinta Cleopatra, en la que actuaron Elizabeth Taylor y Richard Burton.

Aunque en realidad nunca han dejado de filmarse este tipo de cintas y tenemos entre los títulos más actuales a películas como Salvar al soldado Ryan, Gladiator, la trilogía de El señor de los anillos, Troya y siguiendo la línea que nos marca la definición de este tipo de cine la trilogía de Batman dirigida por Christopher Nolan y Los Vengadores también serian cintas de corte épico.

LA CINTA ÉPICA Por Alma Ricardo Una de las cintas filmadas durante el bum del cine épico en Hollywood fue Ben Hur. Esta película en realidad está basada en el libro Ben Hur- Una historia de Cristo del escritor Lewis Wallace, la historia no es un hecho verídico, sino que Wallace la escribió después de convencerse de la existencia de Jesús, lo cual le brindó mucha popularidad dentro del círculo del clero, lo que quizás convirtió a la novela en un best seller.

La historia gira en torno a Judá Ben Hur, un príncipe judío, quien se enfrenta a un antiguo amigo romano, Mesala, que le pide que denuncie a los judíos que causan problemas; pero Judá se niega, lo cual, después de un incidente, provocará que su madre y hermana sean enviadas a los calabozos y él a las galeras, lugar donde conoce a un council romano al que salva la vida y en agradecimiento lo adopta, ya libre y convertido en un romano

regresa a Judea para tomar venganza.

A su regreso se encuentra con que su madre y su hermana han muerto y el deseo de venganza lo comienza a consumir, pero Esther su antigua esclava le dice una de las frases más memorables, desde mi punto de vista, sobre la venganza que Judá planea: “¡Sé que hay una ley en la vida que la sangre invita

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a más sangre, como perro engendra perro, la muerte genera muerte como el buitre engendra buitre!”

Pero Judá está cegado por la ira y asiste a una carrera de carruajes, donde reta a Mesala quien resulta gravemente herido y cuando la venganza parece haber llegado a su fin Mesala en su lecho de muerte le da la peor de las noticias, su madre y hermana no están muertas, en realidad son leprosas. Judá va en su búsqueda y encuentra a su hermana moribunda, entonces decide sacarlas del Valle de los leprosos, en su camino se encuentran con la procesión que lleva a Jesús al monte Gólgota y se da cuenta que es el mismo hombre que le dio agua cuando Judá iba camino a las galeras, a la muerte de Jesús, la lluvia concede un milagro y libra a su familia de la lepra.

Ben Hur se ha adaptado tres veces al cine, en 1910, 1925 y 1959 todas con nombre homónimos a la obra literaria. La Metro Goldwyn Mayer pagó 600.000 dólares por los derechos de la novela.

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La película de 1959 fue dirigida por William Wyler, quién fue ayudante de dirección en la versión muda de 1925, de la cual retoma muchos elementos.

El papel principal primero fue ofrecido a Paul Newman, Rock Hudson y Burt Lancaster, el primero declinó la oferta ya que consideraba que sus piernas eran demasiado delgadas para el papel, al final el papel principal terminó en manos de Charlton Heston y Stephen Boyd interpretó al antagonista de la historia a Mesala.

Charlton Heston logró impregnarse del personaje y mostró alegría, desesperanza, furia, odio, amor, incredulidad, etc., es impresionante ver la forma en que encarno su papel y que siga siendo convincente en la actualidad.

La película contó con uno de los más grandes presupuestos de de esa época el cual constó de 15 millones de dólares, era una gran apuesta, la cual acabó ganando la Metro Goldwyn Mayer ya que recaudó 70 millones de dólares sólo en Estados Unidos, además

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de que salvó a la compañía cine- Roma. Además en esta escena matográfica de la quiebra. un actor murió, ya que fue atropellado por las ruedas del caLa producción de la pelícu- rruaje y Stephen Boyd se negó a la duró cinco años y se crearon ser doblado. más de 100.000 trajes, 800 extras y 300 decorados, además el circo romano fue construido a escala igual que el original de Antioquía, todos los decorados fueron destruidos después de que la película se terminara.

Una de las escenas considerada como una de las más impresionantes hasta nuestro tiempo es la carrera de cuádrigas, que dura solo 20 minutos en la película, pero que tardó en rodarse 3 meses; se filmó en los estudios Cineccita de Roma en los que intervinieron 42 cámaras, 18 réplicas de los carros y 78 caballos.

Se dice que la presión del rodaje provocó al productor Sam Zimbalist un ataque al corazón que lo llevó a su muerte en la misma

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Existen en la red fotos de la filmación detrás de cámaras que muestran las dimensiones reales de los escenarios, además dan muestra del contraste entre el

vestuario de la época en que estaba ambientada la película y los automóviles de los años 60, en una imagen Charlton Heston y Stephen Boyd daban una paseo por la réplica del coliseo montados en una motoneta vespa.

Además el mismo George Lucas se inspiró en esta escena para crear una escena de la Guerra de las Galaxias, en lugar de caballos uso naves y emulo cada uno de los detalles y accidentes.

La película fue rodada en Cinemascope, este era un sistema que comprimía una imagen normal dentro del cuadro estándar de 35 mm mediante el uso de lentes especiales llamados objetivos Hypergonar, las cintas al tener un tamaño diferente al convencional te- la alcanzó, los galardones que nían que proyectarse en un obtuvo en 1960 fueron: principio en pantallas curvas.

La película de Ben Hur mostró Óscar a la mejor película — un gran nivel de calidad en las Sam Zimbalist, productor salas equipadas con ese sisteÓscar a la mejor direcma en la época de su estreno, ción — William Wyler lo cual se ha perdido con los Óscar al mejor actor — formatos mas nuevos de reproCharlton Heston ducción, el formato que más Óscar al mejor actor de se acerca al Cinemascope es el reparto — Hugh Griffith Widescreen. Óscar a la mejor dirección de arte — Edward Además la música estuvo C. Carfagno, William A. a cargo de uno de los grandes Horning y Hugh Hunt compositores de la época Miklós Óscar a la mejor fotograRózsa quien ya había ganado el fía — Robert Surtees Óscar por las películas SpellÓscar al mejor diseño de bound y Doble vida. vestuario — Elizabeth Haffenden La película Ben Hur se manÓscar a los mejores efectuvo como la película que mayor tos visuales — A. Arnold número de premios Óscar había Gillespie (visual), Milo ganado, hasta que en 1997 la peB. Lory (audible) y Rolícula Titanic de James Cameron bert MacDonald (visual)

Óscar al mejor montaje — John D. Dunning y Ralph E. Winters Óscar a la mejor banda sonora — Miklós Rózsa Óscar al mejor sonido — Franklin Milton La película Ben Hur, es una película épica y en sí misma fue una hazaña de dimensiones mayúsculas, en la que un estudio aposto y ganó. Es una cinta que nos recuerda la época de oro de Hollywood, no es un film que deba ser visto una vez cada cierto tiempo deberíamos de verla y analizar cada uno de los elementos que la componen, por último en 2004 la National Film Preservation Board la seleccionó para ser conservada en su National Film Registry.

FICHA TÉCNICA Título original: Ben-Hur Año: 1959 Duración: 211 min.

País: Estados Unidos Estados Unidos Director: William Wyler Guión: Karl Tunberg (Novela: Lewis Wallace) Música: Miklós Rózsa

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EN CARTELERA

Por Alma Ricardo

LA PRINCESA DE MÓNACO N icole Kidman da vida Grace Kelly, quien fue una de las mujeres más hermosas que engalanó las pantallas de Hollywood.

En 1956 tras decidir casarse, Grace filmó su última película Alta Sociedad, nunca imaginó que el cuento de hadas que significaba su matrimonio con el Principe Rainiero de Mónaco se convertiría en una jaula de oro que la alejaría de todo lo que la hacía feliz: la actuación, y la convertiría en un figurilla para atraer las miradas a Mónaco. La historia muestra el periodo de la crisis política y económica que vivieron Francia y Mónaco.

Título original: Grace of Monaco Año: 2014 Duración: 103 min. País: Francia Director: Olivier Dahan Guión: Arash Amel Fotografía: Eric Gautier Reparto: Nicole Kidman, Tim Roth, Milo Ventimiglia, Derek Jacobi, Parker Posey, Paz Vega, Frank Langella, Geraldine Somerville, Robert Lindsay, Roger Ashton-Griffiths, Flora Nicholson, Jeanne Balibar Trailer https://www.youtube.com/watch?v=fvfjpeeDJjg

EL HOBBIT LA BATALLA DE LOS CINCO EJÉRCITOS E n la Tierra Media se librará la batalla épica de los Cinco Ejércitos, de la cual dependerá el destino de todas las razas, ya que deberán decidir si se unen en contra de Sauron o luchan entre sí.

Después de que la Compañía de los Enanos reclamara y recuperara su reino, el Dragón Smaug desencadenara su furia contra los habitantes de la Ciudad del Lago, sin embargo Thorin se encuentra obsesionado con el tesoro recuperado y estará dispuesto a sacrificar a todos a cambio de proteger su tesoro, mietras Bilbo trata de convencerlo de que se ha convertido en un ser diferente a causa del tesoro, pero sin la ayuda de Gandalf parece Imposible, mientras Sauron comenzará el ataque a la Montaña Solitaria. Esta es la tercera entrega de precuela de la trilogía “El Señor de los Anillos” .

Título original: The Hobbit: The Battle of the Five Armies (The Hobbit 3) Año: 2014 País: E.U.A. Director: Peter Jackson Guión: Philippa Boyens, Peter Jackson, Fran Walsh, Guillermo del Toro (Novela: J.R.R. Tolkien) Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=ZSzeFFsKEt4

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EN CARTELERA ÉXODO DIOSES Y REYES Lcomo a historia nos cuenta que dos hombres fueron criados hermanos, como reyes, aunque no tenían la mis-

ma sangre , uno creció y se convirtió en Faraón de Egipto, Ramsés (Joel Edgerton), mientras que el otro Moisés (Christian Bale) fue condenado al exilio en el desierto por tener sangre judía, en el desierto encontrarón su destino como libertador del pueblo judío al cual guiaría durante su éxodo.

La película es una nueva versión sobre los hechos que relata la Biblia con respecto a Moisés, en la que se muestra la lucha entre los poderes de Dios y el Faraón de Egipto, el director a cargo de esta película es Ridley Scott.

Título original: Exodus: Gods and Kings Año: 2014 Duración: 151 min. País: E.U.A. Director: Ridley Scott Guión: Steve Zaillian (Historia: Adam Cooper, Bill Collage) Música: Alberto Iglesias Fotografía: Dariusz Wolski Reparto: Christian Bale, Joel Edgerton, Aaron Paul, Sigourney Weaver, Ben Kingsley, Emun Elliott, John Turturro, María Valverde Trailer https://www.youtube.com/watch?v=_ZgrzqkgSwM

PERDONA SI TE LLAMO AMOR

El amor llega sin avisar, el amor no conoce límites, el amor lo

cambia todo, el amor de manera impredecible atrae polos opuestos. Álex tiene 37 años y una carrera exitosa todo parece ir bien hasta que su novia rechaza su propuesta matrimonial, es cuando conoce a Niki de una manera imprevista, después de arrollarla con su coche comienzan a salir y se enamoran, pero existe un problema: él es 20 años mayor que ella, por lo que tendrá que decidir si arriesga todo por esta chica o simplemente se deja convencer por lo que todos dicen: que la relación no funcionara. Es un remake de una película Italiana y está basada en la novela homónima de Federico Moccia, popular escritor italiano.

Título original: Perdona si te llamo amor Duración: 105 min. País: España Director: Joaquín Llamas Guión: Fran Araujo, Manuel Burque (Novela: Federico Moccia Música: Arnau Bataller Fotografía: David Omedes Reparto: Daniele Liotti, Paloma Bloyd, Irene Montalá, Jan Cornet, Oriol Vila, Pep Munné, Patricia Vico, Pablo Chiapella, Cristina Brondo, Adrià Collado, Andrea Duro Trailer https://www.youtube.com/watch?v=dmKaVad1Ijo

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