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Editorial

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urrealismo …dice la RAE «Movimiento literario y artístico, cuyo primer manifiesto fue realizado por André Breton en 1924, que intenta sobrepasar lo real impulsando con automatismo psíquico lo imaginario y lo irracional». En definitiva las definiciones son demasiado abstractas. En un mundo en donde las personas optan por lo material y lo palpable, desdeñando y rezagando emociones, nociones y sentimientos, las definiciones no dejan nada claro; podríamos incluso decir que existen más interpretaciones para las definiciones que para el arte mismo.

El arte, sin importar su vertiente, necesita ser expresado y visualizado para surtir su efecto estético sobre las personas. Sin embargo, esta situación no es privativa de la corriente surrealista; en realidad, al igual que todas las demás corrientes artísticas, el surrealismo no es sino una reinterpretación de la realidad como la conocemos: la creación de una verdad.

Una verdad hiperbólica y distorsionada pero al final «verdad», y no podría ser de otra forma; después de todo el ser humano es, en sí mismo, hiperbólico y distorsionado.

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Contenido La caja de Pandora: Pi el orden del caos 2

En portada: Fando y Lis

La mente maestra: David Lynch 10 Tesoros fílmicos: Una noche en una ciudad 6 Para conocer: Alejandro Jodorowsky 18

El cine es poesía: Doodlebug 15

Super 8 Número 46 Editor: Azucena Mecalco Redactores: Fafner Svern/Manuel Pineda Ettel Alvarado, Alma Ricardo, Héctor A. Benita, Jorge Alonso Espíritu Arte y Diseño: Azucena Mecalco México Distrito Federal 15 de noviembre 2014

Había una vez: Man Ray 24

En cartelera 30

LA CAJA DE PANDORA

3.1415926535897932384

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s un número y una letra. El conocimiento hecho locura, hecha infinita. Lo irracional de lo exacto, lo preciso de lo indeterminado. La fracción no periódica, pero continua. La historia de una obsesión.

Las matemáticas que generan suspenso nos abren a la carrera innovadora del quizás más reciente de los surrealistas consagrados del cine. Darren Aronofsky nos entrega su ópera prima llamada simplemente Pi para ser sorprendidos de la mejor manera. Rítmica y llena de contrastes, este filme en blanco y negro aprovecha cada dólar de su presupuesto y lo potencia mil veces, causando un impacto claro en el espectador.

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Por Héctor A. Benita La locura se vuelve sólo un síntoma de la grandeza cuando Max descubre un número por el cual podría terminar entregando su vida, mientras analiza los patrones de comportamiento de quizás el sistema más complejo que hay: el sistema bursátil. Lo deja claro durante los primeros minutos: es un niño que simplemente vio durante demasiado tiempo al sol. Lo vital de esa declaración queda en evidencia al saber de su vida tampoco está determina- que no reconoce patrones en sí los duros dolores de do por el azar, pero que el trata mismo, sino en todo lo que lo rocabeza que persiguen con gran desdén. Un matemático dea. a Max, cuyo patrón en

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Su declaración de principios es fundamental, y a la vez nos habla rápidamente de su cosmogonía: las matemáticas son el lenguaje de la naturaleza; todo a nuestro alrededor puede ser representado y entendido a través de números; si se grafica dichos números, los patrones emergen; por lo tanto: hay patrones en toda la naturaleza.

Dichas declaraciones nos dejan una cosa clara: él ve esos patrones, los siente, los conoce. Se declara a sí mismo como buscador de dichos patrones y eso lo acerca a

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la naturaleza. Para él, si Dios existe, es un matemático. Esa es la manera en la que él conjura el caos y la incertidumbre, es la razón por la que puede (a veces) dormir por las noches. Así percibe el universo.

Mientras la paranoia crece, Max se va perdiendo en un ciclo interminable de visiones y realidad, dudando de lo que ve y de quien conoce. Así, es perseguido por una secta cabalística y por una firma poderosa de Wall

Street, tratando de continuar su búsqueda de conocimiento entre tanta locura y ambición.

Mientras la realidad lo agobia, sus visiones le dan algún tipo de claridad sobre lo que le sucede.

Nos perturba la visión de Max tocando su propio cerebro, haciendo lo que otros quisieran hacer, desentrañando sus secretos y alcanzando un grado de dolor extremo. Su soledad, además, se vuelve evidente.

La búsqueda de conocimiento es un camino solitario, donde cualquiera pareciera querer robar tu idea y donde las acciones de los demás, aún las más desinteresadas, sólo sirven para estorbarte. Tiene dos vecinas: una, niña que juega con él a hacer operaciones mentales, parece un distractor relajante; la otra, una chica quizás de su edad que le ofrece comida y que él escucha tener relaciones sexuales, lo cual lo perturba de manera obvia. Tiene un amigo, Sol (¿suficiente obviedad?) que lo trata de ayudar, siendo un foco de cordura en su mundo de obsesión, y que, debido a esto, es rechazado por Max. La locura de Max alcanza su nota más alta cerca del final. Se atreve a decir que Dios lo eligió a él para llevar la clave para entrar a la era mesiánica, y que sólo él puede entenderla. Su dolor de cabeza lo agobia, pero es a través del dolor que cree que podrá entender el número detrás de la creación y el universo, el mayor patrón, el nombre real de Dios.

La paz llega, en forma de ignorancia. Ya no hay declaraciones de principios, ya no caben los números ni las operaciones mentales. La dulce ignorancia cuida nuestra inocencia. El que sabe, camina en soledad. El que ignora, ignora felizmente. Bastante cruda la moraleja, pero bastante cierta. El saber es una responsabilidad; la ignorancia, aunque no nos exime de actuar, si nos permite ser guiados y no guiar.

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TESOROS FÍLMICOS

Al

caer

todos

somos

un

Lo único de lo que el mundo no se cansará nunca es de la exageración Salvador Dalí

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scapar de la intervención reguladora de la razón es, posiblemente, la tarea constante más ardua a la que como seres humanos nos enfrentamos, siempre atentos a las preocupaciones estéticas y morales,

l

po

la

oco

noche

surrealistas

Por Ettel Alvarado siempre dominando los instintos anĂĄrquicos existentes en nuestra naturaleza animal, intentando disciplinar y hacer entrar en juicio a la masa indĂłcil de las inescrutables pasiones, siempre tan falsos, exagerados e insostenibles.

Cuando nos reconciliamos con la soledad y esto regularmente sucede de noche, cuando nos mirarnos al espejo, estamos frente a nosotros mismos, desnudos, inocuos, blandos, ajenos‌ surrealistas. Hay en cada uno de

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un objetivo (aunque sea uno muy absurdo), o las más inusuales devociones en una técnica stop-motion eran razones suficientes para causar terror.

nosotros tal belleza y tal abominación; todo cabe y sonreímos por eso, gente rara en estado larval, sensación de movimiento, la noche engendra hombres melancólicos o revive en un estallido de alegría al que había olvidado el sentido de su vida, no es que

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Esta producción animada prove n ie nte de República Checa puede causar desasosiego, nostalgia, ternura, dolor e inclusive a h o r a ser un tanto desaprensiva, pero lo sepa, terrorífica no lo es y es algo que no, aho- le viene bien. ra sólo le Esta película más bien es una importa suerte de surrealismo, no es que menos. pretenda serlo pero es imposiU n a ble negar que una pareja de aminoche en gos conformada por un árbol y una ciu- un pez antropomorfos van más dad (Jed- allá de la realidad física, además né noci v jednom meste) dirigi- de elefantes voladores, bares da por Jan Balej, es una película, fantasmas, un circo de insectos, clasificada dentro del género una madre de familia que adora de “terror”. Quizá, las personas a un burro, sí, a un burro, un suencargadas de asignar los géne- jeto que se droga con hormigas, ros pensaron que mostrar los un “genio de la botella” y un pemás profundos anhelos, el más rro con un disfraz de oso, entre inusitado ímpetu por conseguir otras cosas más, ¿qué son? Son puro surrealismo.

Jedné es más una serie de fotografías de animación que una película, pero es lo que le brinda su especial particularidad, se narran diversas historias muy poco parecidas entre sí, pero que se disfrutan por igual, se disfruta la morfología de los personajes, algunos de ellos con ojos pequeñitos y cabezas aplastadas, otros con ojos saltones en combinación con narices p rom i ne nte s y cabellos levantados, cada personaje con una historia que de buenas a primeras no desearían contar a nadie.

Hay un cierto regocijo en toparse con producciones extranjeras como Jedné, que es una película sin diálogos hablados, por lo cual la musicalización juega un papel preponderante que trata de reforzar las intenciones del autor y lo logra bastante bien. Durante el transcurso de la película se muestran algunos letreros al inicio de cada historia o dentro de éstas, que podrían orientar al espectador para hacer una interpretación más puntualizada sobre lo que está observando, la mala noticia es que esto sólo ayudará a aquellos que tengan conocimientos, aunque sea exiguos, sobre el idioma checo… no es cierto, se entiende perfectamente bien sin necesidad de tener comprensión de esta lengua eslava.

Es una película bella, rescato la historia del homenaje a una de las más grandes figuras de la pintura impresionista: Van Gogh, no obstante, cada uno puede

identificarse o gustar más de una u otra narración ya que hay espacio suficiente para las ilusiones y los sueños individuales.

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DAVID LYNCH

En el cielo En el cielo, todo es tan apasionante para unos, tan mejor. perturbadora para otros. Varios In heaven, everything is fine.

In heaven, everything is fine.

In heaven, everything is fine.

You’ve got a your good thing, and i’ve got mine…

cineastas han tocado dicho género durante su vida productiva sin embargo sólo ha sido un experimento o una etapa en su trayecto, en cambio para David Lynch ha sido un eje característico de su filmografía.

Una de las obras cinematográficas que recuerdo con cierta perturbación es, sin duda alguna, In Heaven (Lady in Cabeza Borradora (Eraserhead, the radiator song) 1977) del artista y promotor de David Lynch la meditación trascendental: David Lynch.

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avid Lynch es un artista, podría catalogarse como artista visual, pero prefiero dejarlo cómo algo general; ya que su trabajo es diverso y ha trabajado en diversos medios de expresión, sin embargo hay algo que lo caracteriza, el surrealismo. Esa corriente

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Eraserhead es el primer largometraje de Lynch, un trabajo que le llevó varios años de filmación ya que fue producida durante su estancia en el American Film Institute (AFI) y se mantuvo a flote por las donaciones de Jack Fisk y Sissy Spacek.

La película nos enseña a Henry Spencer cuidando a su deforme hijo en un ambiente industrial desolado. Y es justamente este escenario el que me genera mayor perturbación. Los to-

LA MENTE MAESTRA

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o todo es mejor Por Manuel Pineda

nos grises, el ruido ambiental, las habitaciones desordenadas, la relación entre Spencer con su familia. Nos muestra un David Lynch que refleja parte de su experiencia de vida en el filme.

Además establece las bases del sello distintivo de sus próximos trabajos: como las cortinas rojas (en el filme no se distingue por ser producido en blanco y negro, pero observando sus trabajos posteriores uno conocerá que son cortinas de terciopelo color rojo).

humana… viento, sonidos inEvidentemente la crítica esdustriales junto a escenarios pecializada fue muy negativa contrastantes entre el caos y el con el filme, tachándola de inorden. observable; actualmente se encuentra una copia en el NatioEl filme fue estrenado en nal Film Registry de la Biblioteca 1977, al proyectarse sólo 25 del Congreso de Estados Unidos personas habían asistido a la para su preservación. Lo que refunción de estreno y 24 perso- caudó fue suficiente para que le nas al día siguiente; sin embargo ofrecieran financiamiento para se maniobró para que fuera ex- su próximo filme. hibida en el circuito de proyecciones de media noche, lo que Está realmente fue la primele ayudó ya que al final recaudó ra película que vi de Lynch, El siete millones de dólares. Estas Hombre Elefante (The Elephant funciones de media noche eran Man, 1980), era joven y claraEse surrealismo, esos simbo- muy famosas en ese tiempo ya mente recuerdo que me dejaba lismos representantes de ele- que otros filmes como El Topo llevar solamente por el aspecto mentos personales que Lynch de Jodorowsky se habían pre- visual, algo muy común ya que comparte con el espectador, sentado en ese circuito noctur- somos una sociedad 100 por transmitiendo la desolación no. ciento visual, le damos una gran

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responsabilidad a nuestros ojos Una película con el sello disolvidando el contenido en el tintivo y que caracteriza al tracine. bajo de Lynch, narrando la vida de Joseph Merrick, un hombre El cine es un medio de expre- que nació con una enfermedad sión maravilloso, el conjunto de congénita conocida como síndiversas ramas de la vida que no drome de proteus; dicho padesolamente expresa una fantasía cimiento genera un crecimiento o un universo paralelo, sino que excesivo de la piel dándole una refleja parte de nuestra realidad. apariencia seca y gruesa, además Y eso es lo que hace El Hombre los huesos se desarrollan anorElefante, su segundo largome- malmente; por esta enfermedad traje. Lynch había conseguido se le conoció como el hombre financiamiento para hacer su elefante. Como es una enfermesegunda producción después de dad muy rara, Joseph Merrick haber presentado Cabeza Borra- vivió trabajando toda su vida en dora; sin embargo tenía un guión circos y espectáculos itinerantes que consideraba poco atractivo de seres fantásticos. Por estas para el público, por eso le solici- razones David Lynch aceptó filtó a Stuart Cornfeld que le con- mar el guión, se dice que lo essiguiera un guión ya escrito para cogió entre otros cinco guiones filmat, así fue como llegó a El que se le habían presentado. EviHombre Elefante. dentemente no fue una biografía cercana a la realidad; sino fue una historia con arreglos fantásticos, que le daban un romanticismo a la vida de Joseph.

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Despues de esta época, David Lynch filmó Dunas, pero de ella hablaremos en otro momento ya que hay toda una historia alrededor de la producción

de Dino de Laurentiis. Y así llegamos a Blue Velvet, de 1986.

Terciopelo Azul es un filme que David Lynch debía de filmar porque tenía un contrato con Dino de Laurentiis, que lo obligaba a filmar dos películas. Afortunadamente, Blue Velvet fue una obra más personal ya que provenía de una historia que estaba trabajando desde 1973. En ella explora la vida de un pueblo típico de Estados Unidos que esconde múltiples secretos perturbadores y que se encuentra plagada de simbolismos, el mismo Lynch ha declarado que la escena de la oreja cubierta de hormigas está inspirada en el cortometraje El Perro Andaluz de Luis Buñuel.

La música es muy importante en este filme ya que usa canciones populares de los años cincuenta. De hecho la obra musical Blue velvet de Bobby Vinton es la que le da el nombre y en palabras de Lynch “es la canción que le da chispa a la pelícu-

la, hay algo misterioso sobre ella, que escribió, produjo con Mark me hace pensar sobre cosas”.

Frost y dirigió algunos capítulos. Este serial se desarrolla en Este filme fue la primera co- un pueblo al norte del estado de laboración que tuvo con Angelo Washington, el tema es la violaBadalamenti, el compositor de ción y homicidio de la estudiante música que se quedara para to- modelo Laura Palmer. Ese fue el das las futuras producciones de eje principal de la serie, un agenDavid Lynch y que le daría for- te del FBI era enviado a investima al ambiente que desea gene- gar el homicidio pero descubre rar, esa sensación perturbadora situaciones paranormales y una característica esencial de su tra- vida oscura de un pueblo aparenbajo. temente tranquilo.

El éxito de Blue Velvet fue tan grande que recibió su segunda nominación a Mejor director por parte de la academia, hasta el mismo Woody Allen, que también estaba nominado en la misma categoría, dijo que Terciopelo Azul era su filme favorito. Y gracias a este éxito, David Lynch se consagró como artista a nivel internacional.

Así empezó a colaborar en diversos proyec tos artísticos, sobre todo en televisión como en la serie Picos gemelos.

Fue en esta serie en donde explotó con mayor detenimiento, debido al formato televisivo, la naturaleza humana que ya había expuesto en sus trabajos previos. Una comunidad “modelo” del estilo de vida estadounidense, con su escuela, su comisaría, una cafetería, una maderería, un bar, un hotel y un bosque misterioso; el lugar perfecto para vivir en el que todos se conocen y quieren, aparentemente. La realidad es otra, uno de los habitantes es un asesino en serie y violador, hay un prostíbulo que es administrado por uno de los líderes económicos T w i n y morales del pueblo, las relacioPeaks fue nes familiares están fragmentauna serie de das, el aspecto sobrenatural que te l e v i s i ó n

hay alrededor del pueblo acecha corrompiendo a los habitantes del pueblo.

David Lynch no dirigió todos los episodios pero eligió con cuidado a los directores sin descuidar la producción ni la historia, la música fue compuesta por Angelo Badalamenti que aparte de dar ese ambiente perturbador sonoro influyó con un jazz muy

emotivo, su música produce sentimientos. La serie duró dos temporadas, finalizó porque la cadena televisiva quería explotar más la producción y eso estresó a Lynch, que descuidó los últimos episodios, desafortunadamente es muy notorio al final de la serie. Por fortuna dejó un legado importante puesto que se convirtió en un producto de culto que fue referente obligado para las producciones audiovisuales

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posteriores, sobre todo hay dos series televisivas que referenciaron en distintas ocasiones a Picos gemelos: Los Simpson y Los Expedientes X. Tan sólo Los Simpson dedicaron dos episodios para homenajear a Twin Peaks: ¿Quién mató al señor Burns?, en el que el título es la principal referencia al argumento de la obra de Lynch; y ¿Quién mató a Laura Palmer?.

Los Expedientes X tomó dos elementos importantes: el agente del FBI creyente de eventos paranormales y este tipo de hechos paranormales que sucedían en el pueblo, de hecho David Duchovny, quien interpreta al agente Fox Mulder del FBI en Los Expedientes X, también actuó en Twin Peaks interpretando a un agente del FBI travesti.

La serie, como producto de culto, estuvo mucho tiempo inconseguible en nuestro país, sólo se podía conseguir grabada en formato VHS de alguna copia importada, fue hasta los años de 2001 y 2007 que comercializaron la temporada uno y dos respectivamente. Se estrenó en formato DVD para uso doméstico, siendo un deleite para los fans de David Lynch y los amantes de las series con contenido.

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Shangai (Para ver el comercial, dar click en el siguiente enlace: https://www.youtube. com/watch?v=oepfkp kxjmA&index=4&list= PLVlZqMpv06CBro64 NoTdC_EdiKmhv722t ). Un promocional de dieciséis minutos exclusivo para internet, con las interpretaciones de Marion Cotillard, Gong Tao, Emily Stofle, Cheng Hong, Lu Yong y Nie Fei. El movimiento de cámara recuerda mucho a Inland Empire, el uso del color rojo en la alfombra y decorados es recurrente en sus filmes junto al Otro de los trabajos de David argumento es maravilloso: una Lynch ha sido la realización de mujer que regresa a su habitacomerciales, ha hecho promo- ción de hotel, encuentra en mecionales que para algunas perso- dio de la sala una bolsa que le genas resultan perturbadores. Es- nera una gran tensión. tos trabajos han sido para Sony, específicamente para su consola David Lynch es un auténtico de videojuegos el Playstation 2. artista que no sólo se concenEl comercial en el que se ve su tra en un solo arte como el cimarcado estilo al referenciar nematográfico, trabaja a través a Eraserhead fue producido en de cualquier medio en el que se blanco y negro. En él se ve a un pueda expresar: la pintura, la foindividuo caminando por un pa- tografía, la escultura, proyectos sillo que lo lleva a una habita- audiovisuales, la música y hasta ción donde un pato le dice bien- en el diseño de ropa. Es un gran venido al tercer lugar (siendo promotor de la Meditación Trasuna referencia al mundo entre cendental, en la que invita a la la casa/primer lugar y el traba- gente a meditar en el lugar que jo/segundo lugar), este espacio sea, desde la oficina donde uno es donde uno se siente confor- labora hasta el transporte públitable sin importarle su estatus co. Es un artista audiovisual que social (Para ver el comercial, le ha dado al surrealismo modar click en el siguiente enla- derno medios de expresión que ce: https://www.youtube.com/ se equilibran con su naturaleza. watch?v=msMehuZo3x8 ).

Es un referente obligado para las futuras generaciones de autores Existe otro comercial que que desean retribuirle al mundo también hace referencia al ter- y trascender en esta humanidad cer lugar y que, desde luego, tan maravillosa. promociona el Playstation 2.

Aquí aparece un perro que se enDe donde somos nosotros, los cuentra soñando (Para ver el co- pájaros cantan una bonita canmercial, dar click en el siguiente ción… siempre hay música en el enlace: https://www.youtube. aire… El hombre de otro lugar. com/watch?v=hzn4WDe13mU (https://www.youtube.com/ ). Otro de los comerciales que watch?v=0UzvsEGtSqU ) también muestra su estilo es el que realizó para Dior: Lady Blue

EL CINE ES... POESÍA

Insectos: Mirando a la tierra en el primer filme de Nolan Por Jorge Alonso Espíritu

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stás solo. Aislado entre las paredes grises de una habitación de una casa. Paredes color azul, o verde, o violeta, o blanco, o de cualquier color pero siempre grises de una casa sola. Te guían tus ojos, para caminar, o para lanzarte en la paranoia de seguir siendo tú, pero desconfías.

Son pequeños los ojos, ven bien poco.

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En las piernas se encuentra el movimiento. En los músculos tensos y los tendones: sistemas de resortes para ir de un sueño a otro. De una vida a otra. A la misma. De una viñeta a la siguiente a la siguiente a la siguiente, hasta que el ruido nos ensordezca.

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Silencio. Que se callen los motores. Los motores de los autos y de los aviones y las cuerdas de los relojes. Que se silencien los pasos. Que tapen los gritos de los hombres y los sonidos de los animales, y los zumbidos de los insectos. Necesitamos silencio para estar solos. Solos con

esa música que se adhiere a nosotros como si alguien nos cantará al oído una canción que sigue nuestros movimientos, para hacerse parte de nosotros. ¿Estás solo? O hay un ser, o más de un ser mirándote mirar.

Christopher Nolan en 180 segundos juega, plantea y se burla de la demencia del ser humano, recluido por sí mismo en una asfixiante habitación, dedicando todos sus esfuerzos a una tarea poco comprensible, de momento, pero que se nos presentara como una reflexión hacia el final de los tres minutos. Así de breve, así de duradero. El tiempo. ¿Cuánto dura en realidad el primer cortometraje de Nolan? Los relojes marcan diferentes horas. Como en los sueños, es imposible medir el tiempo real de las historias desestructuradas.

Un minuto es una hora, o una hora se vuelve un día, un año, y en realidad deja de importar. Un minuto es el tablón del escenario y nada más. ¿Y los personajes?

Acostumbrados a los juegos mentales que el director propone, asistimos a una representación de la locura expuesta en los ensueños: un hombre solo no es un hombre solo. Es una persona en el hastío de una vida social que irrita: una voz femenina que repite frases en el auricular hasta que el protagonista decide ahogar el teléfono.

Y el personaje principal precipitándose hacia su eliminación.

Brincando hacia el suelo, perdiendo de vista lo que hay arriba: arrastrándose. Alguien juega con él. Alguien juega con nosotros, mientras mantenemos la vista en el piso y hurgamos. Buscamos al bicho que nos incordia para acabar con él y nos descubrimos, aterrados, como en el relato de Kafka, convertidos en un monstruoso insecto.

FICHA TÉCNICA Título: Doodlebug Director: Christopher Nolan Año: 1997 Actor: Jeremy Theobald Duración: 3 mins.

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Alejandro Jo

Todo ser e

jandro es un artista chileno, nacionalizado francés en los años uién es Alejandro Jodo- ochenta, que se ha desenvuelto rowsky? Ni él mismo lo sabe, en en diversas ramas de la vida: psialgún momento tuvo un nom- cólogo, filósofo, psicoterapeuta, bre sin embargo ya no se siente psicomago, escritor, director de identificado al cuerpo, el tiem- teatro, cineasta, guionista, actor, po está pasando sobre él, la piel mimo, marionetista, compositor, se arruga, poco a poco se torna escultor, pintor, escenógrafo, diEl Topo a su hijo amarillo, el cabello se le caé y va bujante y guionista de cómics. quedando solo un sueño. AleSin duda alguna es un hombre que a sus 85 años se encuentra muy activo, hace poco estrenó su última película La Danza de la realidad y sigue promoviendo la psicomagia (técnica que conjuga los ritos chamánicos, el teatro y el psicoanálisis para provocar una catarsis de curación en el paciente) a través de Francia, España y México.

Tienes 7 años, ya eres un hombre. Entierra tu primer juguete y la foto de tu madre.

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¿Q

Jodorowsky ha dado grandes aportes a las artes, pero el principal por el que se dio a conocer fue la creación del Movimiento pánico junto a Roland Topor y Fernando Arrabal. Esta corriente se caracteriza de tres elementos: terror, humor y simultaneidad.

Fue la respuesta a la burocracia

PARA CONOCER

Jodorowsky

es infinito

Por Manuel Pineda que había invadido al movimiento surrealista, “estaba decadente, sólo hablaban de política, no amaban el rock, la pornografía ni la ciencia ficción”; se dice que cuando llegó a París lo primero que hizo fue llamarle a André Breton, originándose el siguiente dialogo: -Alejandro: Buenas noches, soy Alejandro Jodorowsky y vengo a París a salvar el surrealismo; tiene que recibirme en su casa.

-André Breton: Pero… son las tres de la mañana. ¿Por qué no llama otro día?

-Alejandro: Entonces nunca.

uno la puede engañar fácilmente, no hay nada más imbéciles que los museos, yo no veo ninguna diferencia entre un museo y una salchichoneria que vende jamones y todo eso, es igual para mí, no hay diferencia, incluso yo pienso que es más artística una salchicha que una obra de arte”.

pal, porque él también era rechazado por los niños de su pueblo (Tocopilla, Chile) debido a su fisionomía (su padre era Ruso y su madre Argentina).

Este elemento de la monstruosidad es muy importante porque se verá reflejado en su obra artística, no se puede ser artista si no amas la monstruosidad.

Para Jodorowsky, André Bretón estaba demasiado metido en su papel de “Papa del surrealisLa primemo”. ra película que vio Jodo La corriente pánica era para fue el Jorobaburlarse de la cultura, para Jo- do de Notre dorowsky realmente no se es- Dame, una taba moviendo, en palabras del experiencia reveladora ya que se psicomago “era una burla para identificó con la monstruosidad Su primer trabajo en el cine la cultura… la cultura es cretina, y la belleza del personaje princi- fue un cortometraje llamado La

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pondiente decidió filmar Fando y Lis (1968): compró rollo por rollo, contrató al fotógrafo Rafael Corkidi, y escribió un guión en una hoja de papel con los elementos principales de la obra homónima de Fernando Arrabal.

Presentó Fando y Lis en el festival de Acapulco, donde generó un conflicto tanto moral como sindical, pues lo había realizado a escondidas con un contenido que transgredía las buenas costumbres de los mexicanos.

La película fue tan impactante que Emilio “El Indio” Fernández amenazó con matarlo. Para arreglar el asunto Jodorowsky le pidió al mozo que le diera dos botellas del mejor whisky del cravate en 1957, fue filmado en Francia y está basado en la obra The Transposed Heads de Thomas Mann (Para ver el cortometraje, dar click en el siguiente link: https://www.youtube. com/watch?v=H1rhIqZDs2Q ).

Su primer largometraje lo filmó en México, aunque le costó mucho trabajo ya que para Jodo la industria cinematográfica mexicana estaba infectada por los viejos directores; sus sindicatos sólo explotaban a los trabajadores y no permitían que ningún joven dirigiera sin su autorización. Sin embargo, sin el permiso correslugar, “El indio” las aceptó y al poco rato solicitó la presencia de Jodo en su mesa para decirle que el mismo sería su asistente de director en su próxima película. Las palabras son seres, son mágicas; “El Indio” Fernández fue ayudante en Santa Sangre (1989), indirectamente, ya que la casa donde se filmó pertenecía a él.

En 1969 emprende el rodaje de El Topo. Una obra cinematográfica que no es un western, es un sendero, es una revelación.

El camino del Topo es nuestro.

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John Lennon al presenciar El Topo en las funciones de media noche, en New York, decidió financiar y distribuir la próxima producción de Jodorowsky a través de Allen Klein, lo que generó tiempo después conflictos legales ya que la comercialización de las películas estuvo custodiada por el tiburón de The Beatles.

Nosotros caminamos dentro del desierto, tratamos de salir siguiendo una línea recta, cuando el lugar es redondo y para salir debemos de caminar en espiral.

La monstruosidad, la humanidad, los miedos, los deseos, la ignorancia, el poder, la desesperación, la paciencia, los recuerdos, la iluminación… todo lo anterior se encuentra dentro de la película. Alejandro se basó en una historia zen-budista para la creación del personaje, un ser que entrega un mensaje para la salvación de la humanidad.

El Topo fue censurado aunque tuvo varios premios y reconocimientos.

Los elementos visuales eran similares a Fando y Lis aunque el desierto y la monstruosidad fueron determinantes.

En 1972 realizó La Montaña Sagrada, la película más ambiciosa en ese momento con un presupuesto de $750,000 dólares, rehabilitó los estudios Tepeyac, además usó casi toda la capacidad de los estudios Churubusco. La iglesia católica en México hizo toda una campaña en contra de la película publicando un artículo en el que tachaban de hippie-comunista al igual que solicitaban la muerte de Jodorowsky, debido a que la película contenía una secuencia en un lugar muy importante para la comunidad católica en México.

En La Montaña Sagrada se usó a mucha gente de la calle, pocos de los que actuaron eran artistas, ya que dobló la voz de todos los

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de un hipopótamo mientras una persona le lavaría el ano. Harrison no quería que saliera su ano en el cine y temía que el hipopótamo lo fuera a morder, Jodorowsky con su carácter tan conocido le dijo que no modificaría nada y que si no quería hacerlo que se fuera, así desdeñando a una vedette mundial terminó por darle el papel a un cómico desconocido que había tratado de estudiar el zen budista pero fue expulsado porque los monjes budistas lo encontraron ingiriendo drogas para poder meditar: Horacio Salinas.

personajes. Hay una anécdota que cuenta una mala experiencia: cuando estaban filmando en isla mujeres, Jodo escuchó que la policía iba hacia el lugar de filmación así que solicitó a la gente que tiraran todas las drogas que tuvieran porque no quería que le cancelaran el rodaje, él recuerda todo el tipo de drogas que tiró por el excusado.

George Harrison actuaría en La Montaña Sagrada, interpretaría al personaje del “Ladrón”, sin embargo quería que modificarán una escena donde estaría a lado

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La Montaña Sagrada es un viaje de autoconocimiento, donde el espectador se puede identificar con varios personajes al mismo tiempo, en el que su destino es la comunión espiritual entre los individuos. Está cargada de distintos elementos espirituales y símbolos personales de la vida de Jodorowsky, se recomienda como toda su obra acercarse a la vida personal del autor para comprender algunos detalles. La película fue un éxito dentro de la comunidad artística catapultándolo al cielo de los grandes cineastas, tal fue el lanzamiento que un productor francés que había conseguido los derechos de Dunas de Frank Herbert le solicitó a Jodo que dirigiera la adaptación al cine del clásico de

ciencia ficción. En otro artículo ahondaremos en esta parte de la vida de Jodorowsky, relacionado a David Lynch y a un par de películas clásicas de la ciencia ficción.

Otro aspecto del trabajo de Alejandro Jodorowsky es la creación de historietas, él se ha declarado fanático de la ciencia ficción y ese gusto lo ha desenvuelto prioritariamente en los cómics; el único trabajo espiritual fue Fábulas Panicas, que eran historietas cortas con enseñanzas del zen budista publicadas en el periódico El Heraldo de México, actualmente se consigue el compilado de todas las historietas en un tomo publicado por editorial Grijalbo. En 1966 creó Anibal 5 con ilustraciones de Manuel Moro, considerada como uno de los mejores cómics de la ciencia ficción de los años 60, trataba acerca de un ciborg (con apariencia del actor Jorge Rivero) que trabaja para la Agencia Latino-Americana de Defensa; éste fue el primer cómic que escribió Jodorowsky.

Durante los años 80 Alejandro escribió El Incal, apoyándose de la ilustración de Jean Giraud “Moebius” (1938-2012). Podría

decirse que es su obra más exitosa, puesto que ha vendido más de un millón de ejemplares, se ha traducido a más de 20 idiomas y se dice que es el cómic europeo más divulgado. La historia tiene elementos que nacieron de la fallida adaptación de Dunas, recoge la visión metafísica de Jodo y la ilustración es de lo más detallada. Su argumento es sencillo: John Difool es un detective mediocre que, ayudado de un pájaro, entrará en el terreno de la metafísica para alcanzar la realización personal a través de la iluminación. La obra es una fuente de inspiración para grandes cineastas e historietistas, además que rescata los bellos desiertos del estado de Sonora.

La Casta de los Metabarones fue otra saga de historietas que escribió Jodorowsky. Esta serie fue ilustrada por el argentino Juan Giménez y el español Das Pastoras.

Se cuenta la historia de una dinastía de guerreros perfectos, que son mencionados en El Incal, a través de la narración de un robot “Tonto” a otro “Lothar” siguiendo la tradición del cuenta cuentos. Se caracteriza por su escala épica y elementos que también fueron extraídos del guion de Dunas.

Su trabajo como escritor de historietas es maravilloso, cualquier fanático de la novela gráfica no puede dejar pasar la oportunidad de acercarse a la obra de Jodorowsky, porque son trabajos con espíritu para llegar a la iluminación. Además los cómics ilustrados por Moebius son un deleite visual, el mejor homenaje que se le puede hacer a Jean Giraud es

preservar y transmitir su obra a la gente.

Alejandro Jodorowsky es un hombre, es un ser humano, tiene defectos, es egocéntrico, vive dentro del yo, tiene creatividad, iniciativa, hace lo que quiere hacer. Él no quiere hacer arte para ganar dinero, porque no le importa ser parte de la industria, sólo quiere hacer algo que sirva para la sociedad. Lo importante de este hombre no es su carácter narcisista sino el trabajo que ha dado al mundo.

“El cine es un arte genial que está usado para ganar dinero, todo está por el dólar en el cine y no les importa el ser humano, lo denigran, vemos pistolas, patadas en la cabeza, amores ridículos, es tremendo lo que muestran, una decadencia absoluta… tu entras tonto, te diviertes un poco, hora y media, dos horas, te relajas, sales tonto…” Alejandro Jodoroswky entrevistado por Carmen Aristegui.

(Para quién se interese, la presentación de La Danza de la Realidad, http://vimeo. com/77650786 )

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HABÍA UNA VEZ

EL

F

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reud nunca imaginó que su obra Interpretación de los sueños llevaría a la creación del surrealismo, que en un principio era un movimiento literario pero con el paso del tiempo invadió otras artes como la pintura, la escultura y el cine.

Man ray

FOTÓGRAFO QUE SOÑÓ CON LA ESTRELLA DE MAR Por Alma Ricardo Pero ¿Que es el surrealismo?, según André Breton es un “automatismo psíquico puro por el cual se propone expresar, sea verbalmente, sea por escrito, sea de cualquier otra manera, el funcionamiento real del pensamiento”.

Esto es plasmar ya sea literaria, pictórica, escultórica o fílmicamente todo aquello que va más allá de la realidad tal cual la conocemos y que en su mayoría tiene que ver con mundos oníricos e interpretaciones de mundos maravillosos, pero

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mostrar los mundos y visiones oníricas de sus creadores. En el cine la película que inauguró este movimiento fue La concha y el reverendo de Germaine Dulac en 1927.

Man Ray fue un fotógrafo, pintor y cineasta nacido en Filadelfia, pero que se estableció como fotógrafo profesional en Paris (es considerado uno de los principales artistas de vanguardia de las décadas 1920 y 1930), primero se incorporó al movimiento Dadaísta al lado de figuras como este movimiento también reneEl surrealismo encontró en el Erik Satie, Georges Auric, adegaba de las convenciones socia- cine una herramienta ideal para más de Marcel Duchamp y les y la moral. mostrar muchas de las cosas Francis Picabia. que planteaba y de esta manera

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Además se considera que fue un gran exponente del Cinéma Pur, un movimiento vanguardista que se centró en los elementos puros del cine, como la forma, el movimiento, la composición visual y el ritmo.

Su primer película, o ensayo cinematográfico, Retour à la raison de 1923 también está ubicada dentro del movimiento Dada, lo cual no lo dejó del todo satisfecho por ello siguió experimentando al año siguiente con algunos compañeros y participó en el reparto de Entr’acte de René Clair y en 1925 colaboró con Duchamp en la realización de Anémic Cinéma.

Después de participar en estas cintas filmó su segunda película Emak bakia en 1926, en la que explora los efectos de

la luz sobre diferentes objetos, L’Étoile de mer, basada en un este film es su primer acerca- poema, regalo de Robert Desmiento al cine surrealista. nos quien lo leyó estando Man Ray presente, el poema es el siHasta que en 1928 hace su guiente: primera película surrealista

Après tout Si les fleurs étaient en verre Belle, belle comme une fleur en verre Belle comme une fleur de chair Vous ne rêvez pas!

Belle comme une fleur de feu Les murs de la Santé Qu’elle « était » belle Qu’elle « est » belle.

Despuès de todo Si las flores fueran de cristal bella, bella como una flor de cristal bella como una flor de carne ¡No estáis soñando!

Bella como una flor de fuego Los muros de la Slud Qué bella “era” Qué bella “es”.

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En este film el fotógrafo utilizó filtros de gelatinas, además colocaba un objeto para que la luz marcara su contorno, así como cristales, algunos disparos los hacia atrás de estos para lograr que las imágenes se distorsionaran, además de componentes metafóricos y eróticos como la estrella de mar.

Los actores que protagonizaron la película fueron Kiki de Montparnasse y André de la Rivière. La cinta cuenta con intertitulos escritos por Robert Desnos, que se mezclan con imágenes oníricas y distorsionadas, en la que todos somos testigos de un encuentro casi sexual entre sus protagonistas.

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Las imágenes se ven borrosas, en un punto parece como si espiáramos a la pareja, que se encuentra en un cuarto donde ella se desnuda y se recuesta mientras él se levanta y la deja, o eso es lo que las siluetas parecen hacer. Otra vez vemos a la

Los intertitulos hablan del amor y de lo bella que es la protagonista y pareciera asegurarnos que aunque su belleza no fuera real, en realidad no estamos soñando, pero al final es una belleza surrealista que el cineasta expresa y nos muestra en su film.

El corte onírico que logra Man Ray en la cinta es casi sublime, además nos convierte en voyerista, que intentan ver mas allá del sueño, una realidad más allá de la realidad, y nos remite a los orígenes del pensamiento, a los sueños y al mundo que creo Robert Desnos en su poema.

mujer y después de leer Qu’elle « est » belle, al fin podemos ver sus bellos ojos, y otra vez la silueta de él y ella; y al fin él observando la estrella de mar.

Los sonidos, el caos, es como cualquier sueño que pudiéramos tener, todo se ve borroso, perseguimos algo, no lo alcanzamos, aparecemos en otro lugar, las cosas son símbolos como la estrella de mar y la vagina.

FICHA TÉCNICA Título original: L’étoile de mer Año: 1928 Duración: 21 min.

País: Francia Francia Director: Man Ray Guión: Robert Desnos (Poema: Robert Desnos) Música: Película muda

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EN CARTELERA

Por Alma Ricardo

CLUB SÁNDWICH L a adolescencia es la etapa más difícil por la que pasan los jóvenes y los padres de estos, pero a veces los daños son atenuados si la relación entre hijos y padres es más estrecha.

Paloma (María Renée Prudencio) tiene un hijo adolescente, Héctor (Lucio Giménez Cacho), con quien mantiene una relación muy estrecha, pero cuando pasan unas vacaciones en la playa y Héctor conoce Jazmín (Danae Reynaud Romero), Paloma se dará cuenta que su hijo está creciendo y que esto hará que su relación cambie.

El director de la película anteriormente ha dirigido cintas como Temporada de patos.

Título original: Club Sándwich Año: 2013 Duración: 82 min.

País: México Director: Fernando Eimbcke Guión: Fernando Eimbcke Trailer https://www.youtube.com/watch?v=1PCzjhT5DIE

N

La última profecía

adie está preparado para el fin del mundo, pero muchos creen que una serie de señales podrían indicar la fecha exacta de un apocalipsis.

Nicolas Cage encarna a un piloto de avión, que durante un vuelo se enfrenta a un evento terrible, la desaparición de algunos pasajeros, personas quienes dejaron atrás sólo su ropa, no importa su lugar de origen, condición social o religión, sólo desaparecieron en el aire y esto crea un caos entre las personas que no se evaporaron, pero que sí perdieron a un ser querido.

La película está basada en el Best Seller de Jerry B. Jenkins Título original: Left Behind Año: 2014 País: E.U.A. Duración: 104 min.

Director: Vic Armstrong Guión: Paul Lalonde, John Patus (Novela: Jerry B. Jenkins, Tim LaHaye)

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=GrXe8YDbzYs

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EN CARTELERA Mapa a las estrellas Htiene ollywood. Havana (Julianne Moore) es una actriz que problemas porque no quiere dejar de ser popular,

pero nada sale bien hasta que un buen día la llaman para interpretar el papel que hizo la madre de Stafford Weiss (John Cusack), en los años 60, él es su terapeuta, quien tiene un hijo antigua estrella de la TV en rehabilitación y una hija que acaba de salir del psiquiátrico. Pero la aparición de la nueva asistente de Havana desatará una serie de incidentes que demostraran cuan enfermos están todos por ser populares

Título original: Maps to the Stars Año: 2014 Duración: 111 min.

País: Canadá Director: David Cronenberg Guión: Bruce Wagner Trailer https://www.youtube.com/watch?v=fycmEOimK3Q

El remanente

Un hombre nos muestra videos sobre la relación de él y su

novia, esto da paso a la ceremonia nupcial. Entonces algo comienza a pasar; sin razón aparente las personas caen muertas y una serie de fenómenos meteorológicos azotan al planeta.

El hombre continúa filmando y emprende la huida con un grupo de amigos, pero algo que parece entes etéreos comienza a llevarse uno a uno a sus acompañantes, incluyendo a su esposa, en su intento de huida se refugiaran en una iglesia, pero parece que no será suficiente.

Título original: The Remaining Año: 2014 Duración: 83 min.

País: E.U.A. Director: Casey La Scala Guión: Chris Dowling, Casey La Scala Trailer https://www.youtube.com/watch?v=XlN7O1YRdvU

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