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Editorial

El cine alemán es uno de los grandes referentes de la industria cinematográfica. En sus anales se puede encontrar la historia de un sin fin de personajes que han construido hasta el día de hoy una visión alternativa de la dirección, musicalización y actuación. Cada una de sus aportaciones contribuyen a fortalecer la cartelera cultural del cine en sus distintos formatos, desde el más comercial hasta el de culto.

Super 8 número 31 presenta un pequeño recuento de algunos de los personajes del cine alemán que con sus trabajos han llevado no sólo a la industria alemana a la cima, sino que también han contribuido en otros países forjando y complementando la historia del cine mundial.

Contenido

En portada: Metrópolis

Del papel a la pantalla: Fausto 2 La mente maestra: Wim Wenders 9 Tesoros Fílmicos: Metrópolis 6

Para conocer: Klaus Kinski 20

Había una vez: Expresionismo alemán 14

Además Super 8 Número 29

Editor: Azucena Mecalco Redactores: @AMAURY1984, Ettel Alvarado, Jorge Alonso Espíritu, Estefania Hipólito Arte y Diseño: Azucena Mecalco México Distrito Federal 1 de abril de 2014

Top Five: Alemanes que la han hecho gorda 30 En cartelera 32

DEL PAPEL A LA PANTALLA

«Una mirada, una palabra tuya dice más que toda la cie Por Azucena Mecalco

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encia de este mundo» E

l romanticismo alemán fue una corriente que alcanzó su punto máximo a finales del siglo XVIII, se caracterizó principalmente por su oposición al clasicismo y sobre todo al racionalismo, poniendo las emociones como punto cumbre de una nueva expresión estética en la que se abogaba por la libertad de creación y la pasión como motores del arte.

sonajes y la abstracción casi fotográfica de las situaciones abordadas por Goethe en su libro le valieron la consolidación como obra maestra de la literatura universal, y claro, con la popularización de la obra vinieron las puestas en escena y más tarde la adaptación al cine.

El personaje más importante de esta corriente no fue otro que Johann Wolfgang von Goethe, literato de inconmensurable talento que logró plasmar en cada uno de sus escritos la pasión de toda una generación de artistas y retrató, de forma crítica, las emociones humanas más viscerales.

Ya en 1898 cineastas como George Meliès habían sido seducidos por la mítica figura del hombre que vende su alama al diablo, representada en cintas como La damnation.

Su obra más famosa es, desde luego, Fausto, publicada en dos volúmenes que dividían las peripecias del personaje principal en la búsqueda de sí mismo. La profundidad psicológica de los per-

En años recientes, la figura que ha inspirado a cientos de artistas y que alcanzó su

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máxima expresividad en la obra de Goethe continúa generando atracción y siendo materia prima de la creación fílmica como se pudo ver en el 2011 con la producción de Fausto de Aleksandr Sokurov; sin embargo, una de las mejores adaptaciones de la obra sea, quizá, la cinta dirigida por el genio expresionista Friedrich Wilhelm Murnau en 1926.

no por ello la película pierde atractivo.

«¡Ah, mi preferida! Créeme, lo que se toma por inteligencia suele ser vanidad y tontería.»

La cinta narra de forma casi teatral las vicisitudes que enfrenta Fausto al ser víctima no informada de una apuesta entre un arcángel y el diablo, en la que se debaten el dominio de la tierra, todo ello basándose por completo en la postura de Fausto. Si éste llega a ceder frente a la tentación y el diablo se Pese a ser una obra del cine apodera de su alma la tierra pasará Desde luego la historia demudo, el Fausto de Murnau, a ser del siniestro ente… trás de la película es mucho más cuenta con una expresividad sobrecogedora que deja ver, a través de las posturas y semblantes de sus personajes, el uso de las luces, los paisajes y el maquillaje, la desesperación, la ambición y la pasión de la que nos hacía participe el mismo Goethe en su libro.

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Desde luego el argumento no presenta sorpresas.

Está completamente basado, tanto en estructura como en imagen en las palabras del escritor romántico, mas

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cas resulta un tanto innecesario.

Sin embargo, este es uno de los pocos filmes que intenta respetar en gran medida la esencia del texto en el que se basa presentando, de forma impresionante, personajes estilizados con los criterios de la obra escrita.

compleja de lo que puede llegar a enunciarse en una sinopsis de ésta. Las múltiples críticas erigidas por Goethe en su obra continúan vigentes con el paso de los años, la realidad universal asida en el libro es una proyección de los males latentes en las sociedades, y por tanto en las personas.

«Por muy caro que le haga pagar el sentimiento el mundo, es en la emoción donde el hombre alcanza a intuir lo inconmensurable.»

El personaje de Fausto, o el erudito que se deja envolver por las triquiñuelas del perverso demonio para alcanzar a materializar sus ideas, muestra un sin fin de seductoras posturas, todas ellas rebasadas por una idea de índole superior: el amor como base y salvación del hombre y la humanidad misma.

La impotencia de Fausto al no alcanzar la consolidación amorosa es mucho más terrible, más aguda, más enfermiza que toda su desesperación frente a la injusticia, a la vejez o al verse incapaz de ayudar al prójimo. El misticismo que rodea la atmósfera del libro atrapa al lector, lo transporta y lo identifica con los deseos, la corrupción y los contrastes morales que surgen a cada instante dentro de la oscura alma del personaje principal.

«Maldito sea el amor rechazado, malditos los elementos infernales y quisiera saber algo peor que poder maldecir…»

Además de ello, la carencia de diálogos y sonido no limitan la comprensión de un texto que, en primera instancia, no fue diseñado para su presentación teatral o cinematográfica tanto como para su lectura.

Murnau sin duda alcanzó la madurez cinematográfica en cada una de sus cintas y legó una serie de trabajos que han perdurado a través del tiempo y que vale la pena revisar en cada uno Así mismo la obra de Murnau de sus aspectos, desde los técnireaviva por medio de la imagen cos hasta los estéticos. y sus escenarios expresionistas una serie de épocas y emociones que envuelven al público. No podemos decir que la película sea comparable con el libro, de heFICHA TÉCNICA cho, hablar de comparaciones en las adaptaciones cinematográfiTítulo: Fausto Dirección: F. W. Murnau Guión: Hans Kyser Fotografía: Carl Hoffman, Günther Rittau Elenco: Gösta Ekman, Emil Jannings, Camilla Horn, William Dieterle, Frida Richard País: Alemania Año: 1926 Duración: 100 min.

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TESOROS FÍLMICOS

Metrópolis El futuro en el pasado

Por Azucena Mecalco

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etrópolis revolucionó el mundo del cine. Sus escenarios futuristas, personajes llenos de vida, montaje, uso de cámaras… todo en ella fue y sigue siendo una bofetada estética que despierta hasta a la persona más aletargada.

Corría el año 1927 cuando el director Fritz Lang y, su entonces esposa, Thea von Harbou, decidieron crear un guión basados en la novela que ella había escrito. La historia se situaba en una ciudad futurista del siglo XXI. Pero, más que en la urbe, los acontecimientos transcurrían en el corazón de la ciudad, un sitio subterráneo, en donde miles de obreros trabajaban para poner en funcionamiento la ciudad exterior.

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Un buen día, mientras Freder, hijo de Joh Fredersen, dueño de

Metrópolis, disfruta de la vagancia con un grupo de muchachas en los jardines de la ciudad, se cruza con un séquito de hijos de obreros guiados por una joven hermosa. Al instante Freder queda cautivado por su belleza y decide seguirla hasta las entrañas del mundo subterráneo.

Allí conoce por primera vez las condiciones de trabajo infrahumanas y las extensas jornadas de trabajo a las que son sometidos los obreros para mantener funcionando Metrópolis.

Mas, en ese mundo inhóspito, poco o nada importa el cansancio, la extenuación e incluso la muerte, puesto que apenas desaparece un obrero es reemplazado por otro sin alterar el orden que mantiene a la ciudad exterior en movimiento. Horrorizado, Freder decide enfrentar a

su padre para descubrir por qué los obreros son maltratados. Al no encontrar respuesta opta por fingirse uno más de ellos y baja nuevamente al mundo de los obreros.

nión secreta de obreros, presidida por María, quien no es otra que la joven que conoció en los jardines. María expone la idea de que se debe trabajar en un puente entre “el cerebro que crea y la mano que construye”: el corazón. El apasionado Freder decide confesarle su amor a la joven.

Ella lo cita al día siguiente en la catedral. En tanto, Fredersen escucha todo lo dicho en la reunión y, temeroso de que las ideas de la chica puedan provocar un levantamiento de sus trabajadores, decide pedirle a Rotwang que utilice los rasgos de María para su robot, con lo que pretende manipular a las masas.

Sin embargo, los trabajadores comienzan a cansarse y organizan reuniones secretas para lograr su liberación, por lo cual Fredersen decide buscar al inventor Rotwang, que, a pesar del tiempo no ha podido olvidar a Hel, la única mujer a la que amó, quien lo abandonó por Fredersen y que, además, murió tras nacer Freder. Allí junto con los planos encontrados en las catacumbas, Rotwang revela también su más novedoso invento: una mujer roLo que él no sabe es que Rotbot a la que sólo le falta el alma. wang continúa deseoso de venganza, y lo último que quiere es Tras terminar su jornada de ayudarle, por lo que ha decidido trabajo, Freder acude a la reu- dotar al robot con una personalidad lasciva y provocadora, que

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incita al vulgo a comportarse de forma desenfrenada y violenta imprimiéndoles, además, el deseo de destruir las máquinas que los flagelan. Y ese es sólo el comienzo…

Esta es básicamente la historia de Metrópolis, pero sería un completo error abordar la cinta de forma tan superficial. Desde el argumento hasta la consolidación de éste a través de los escenarios creados por Lang son una clara protesta a la penosa situación en la que se hallaba sumergida la Europa del siglo pasado tras la Revolución Industrial, que si bien brindó al mundo una serie de progresos tecnológicos, también influyó en el crecimiento de uno los males más grandes que aquejan a la sociedad: el hombre visto como material de deshecho, como un ente maquinal y reemplazable.

Desde luego ése no es el único tema abordado por Lang en una cinta que, pese al paso del tiempo, continúa vigente, lo que es más podría decirse que su vigencia va en aumento. La historia de Metrópolis planteó en el lejano año de 1927 una cosmovisión global de sometimiento frente al poder capitalista, no sólo los escenarios de la cinta resultan futuristas sino también sus argumentos y diálogos.

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sividad tremenda, logran todavía hoy, mantener al público expectante ante la historia de amor de María y Freder, en medio de todas las telarañas que se tejen en torno suyo. Quizá lo único que haya que reclamarle al director sea el final de cuento de hadas con el que cerró el filme, que para mi gusto hubiese funcionado mejor con un final trágico. Pero eso es sólo cuestión de percepciones, cabe recordar que el momento por el que atravesaba Alemania en los años de filmación y estreno de la película no eran un momento adecuado para las tragedias. Bastante tenían ya los europeos con la serie de guerras y rivalidades que se gestaban fuera del mundo del cine como para buscarlas también dentro de éste.

Si bien las películas de la época abogaban por la reflexión, cosa poco común hasta la fecha, también es cierto que fungían como medio catártico y distracción para las personas que diariamente se veían sometidas por las inclemencias de los conflictos bélicos, del mismo modo que lanzaban, con sus finales cariacontecidos y de ensueño, un ápice de esperanza antibelicista.

En conclusión, esta cinta, que es por mucho la más popular de Fritz Lang a nivel internacional, es en definitiva un tesoro de la cinematografía mundial, y aunque no deja de ser una lástima que no se haya encontrado todos los fragmentos que la componen, seguirá siendo un referente del cine en diversos aspectos, cada uno de los aspectos técnicos y argumentales que la componen son una visión del futuro en el Como un punto más a su fa- pasado, que hoy continúa siendo vor se encuentran las increíbles presente. actuaciones de los participantes en la cinta, que con una expre-

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FICHA TÉCNICA Dirección: Fritz Lang Guión: Thea von Harbou Música: Gottfried Huppertz Fotografía: Karl Freud, Gunther Rittau, Walter Ruttmann Elenco: Brigitte Helm, Gustav Fröhlich, Alfred Abel, Rudolf Klein-Rogge País: Alemania Duración: 153 min.

LA MENTE MAESTRA

Wim Wenders «Nunca es tarde para tomar la cámara»

Por @AMAURY1984

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ubo una temporada en la historia de Alemania que me gusta identificar como la etapa “espérenme tantito”.

Tras la soberana tunda que les pusieron todos los aliados... (la URSS, sí, sólo la URSS), y quedar divididos, los alemanes pidieron esquina y se dejaron llevar por la manos de los aliados y la hoz soviética. No fue sino hasta finales de la década de 1950 que la historia considera la producciones cinematográficas alemanas como el renacimiento de la industria, la Nueva era del Cine alemán.

El buen Wim Wenders nació en este contexto, con un respetado doctor como padre, que desde luego esperaba ver que su hijo siguiera sus pasos.

Y en principio así fue, Wenders ingresó a estudiar medicina y filosofía (¡que deberían seguir juntas en los planes de estudio!). Poco tiempo después de ingresar Wim se dio cuenta que lo suyo realmente no es llenar los zapatos del patriarca, que lo suyo era el arte. Estamos hablando de los 1960, recuerden

que por aquel entonces el arte había consagrado a grandes del surrealismo y el constructivismo, artistas como Dalí, Tatlin y Duchamp ya no conocieron el París que conquistó a la

generación previa a la Primera Guerra Mundial, y a pesar de esto jóvenes como Wenders veían en la ciudad luz el escenario de los grandes artistas.

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En fin, terminó en París buscando fortuna en el mundo del arte; cautivado por la gran maquinaria que tenía el cine francés intentó ingresar a la Academia Nacional de Cine de Francia sin éxito alguno. Regresó a la pintura y consiguió que el pintor alemán radicado en París Johnny Friedlander lo contratara como bocetista.

Para cuando Wenders consiguió cierta estabilidad, a la vez que pasividad en su vida; la industria del cine alemán se levantó de la mano de casas productoras estadounidenses que buscaban tener más presencia en Europa. Los jóvenes realizadores alemanes como Rainer Fassbinder, de la Neue Deutsche Welle se encontraban haciendo mucho ruido, creando festivales de cine y movimientos como el Oberhausener Manifest de 1962. «¡Estos se están dando vida de Rockstar y yo aquí haciendo la parte aburrida de la pintura!», sospecho que eso fue lo que pensó Wim porque al poco tiempo decidió regresar a Alemania y entrar como fuera al mundo del cine.

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Así logró entrar como asistente a la oficina de United Artists (UA) alemana y más tarde logró ingresar a la Hochschule für Fernsehen und Film München (HFF).

Fue un alumno muy activo dentro y fuera de la HFF; mientras estudiaba continuó en la UA, además se dedicó a la crítica cinematográfica para revistas bávaras y formó parte de la planta de escritores del respetado semanario alemán Der Spiegel.

De la HFF salió con su primer largometraje Summer in the City de 1970, la historia de un hombre que al salir de la cárcel se encuentra con una realidad dispar a la que recuerda, así que vaga por la Alemania del oeste hasta que decide visitar a un viejo conocido berlinés.

La exhibición de Summer in the City contó con la presencia del polémico escritor, guionista y director Peter Handke. Wenders y Handke colaboraron para llevar una de las novelas de escritor al celuloide, Die Angst des Tormanns beim Elfmeter; la historia de un portero de fútbol soccer que tras ser suspendido por su actitud se deja llevar por la misma espiral de violencia que lo sacó de las canchas.

Wenders realizó en Alice in de Städten y puso manos a la obra en un historia que funcionara como secuela espiritual. Así fue como más tarde Alice in den Städten y Falsche Bewegung se unieron a Im Lauf der Zeit de 1976. Entre las tres forman la trilogía de las “Road Movie” de Wenders.

Los fructíferos 1970 de Wenders terminaron en 1977, cuando estrenó Der amerikanische Freund, una adaptación de la novela Ripley’s Game de la autora Patricia Highsmith.

En 1979 Wenders se enteró de que el director estadounidense Nicholas Ray (el famoso director de Rebel without a Cause, protagonizada por James Dean) estaba cerca de morir debido a cáncer de pulmón. Ray era para Wenders una gran influencia en el tipo de fotografía que deseaba presentar en la pantalla; y con el fin de dejar por escrito su legado creó junto con Ray un documental sobre sus últimos días. Lightning over Water Colaborar con alguien presenta material en manos que el vox populi considera de Ray que nunca vio la luz. El polémico siempre pone al documental fue presentado en sujeto en cuestión en medio del el festival de Cannes de 1980, escenario. Wenders no quiso un año después de la muerte de desaprovechar este momento Nicholas Ray. El adentrarse en el por lo que se dio a la tarea de mundo del documental convirtió arrancar varios proyectos: la adaptación de la novela The Scarlet Letter que estrenó en 1973, Alice in den Städten de 1974 y Falsche Bewegung de 1975, un guión completamente escrito por Peter Handke. El escritor había quedado muy satisfecho por el trabajo que

a Wenders en un fanático de la captura del mundo del cine detrás de la cámara.

En el estreno de Lightning Over Water en Cannes, Wenders fue abordado por Francis Ford Coppola. El escandalosamente adinerado director y productor le propuso un proyecto inspirado en una novela de Joe Gores sobre la vida de Dashiell Hammet.

El filme Hammett, de 1982, suponía el ingreso de Wenders al mundo del cine estadounidense; pero para cuando presentó los primeros cortes del proyecto los problemas con Coppola arrancaron.

Wenders había cambiado partes importantes del guión original de Ross Thomas sin autorización. Coppola enfureció y pidió se retomara el guión tal cual, pero el director alemán no estaba acostumbrado a los controladores productores estadounidenses. Ya entrados en prisas Wenders entregó el proyecto terminado en manos de Coppola y se retiró. Cuentan las malas lenguas que solo 30% del filme es parte del que Wenders entregó ya que fue filmado nuevamente por Coppola, casi en su totalidad, para la versión que fue presentada en el festival de Cannes de 1982. A pesar de esto Wenders aparece en lo créditos como director y Coppola únicamente como productor ejecutivo. Ese mismo año Wim Wenders sintió la necesidad de explicar su versión de lo sucedido en Hammett y realizó un cortometraje con material tomado dentro de la producción.

Aprovechando su visita a Cannes Wenders elaboró una serie de entrevistas a Stephen Spielberg, Jean-Luc Godard y Reiner Fassbinder para conocer su opinión entorno al futuro del cine mundial, producto de este material fue el cortometraje Room 666.

Tras abandonar temporalmente a Coppola, Wim partió a Portugal para ayudar al director Raúl Ruiz con su filme O Território. Ciertos eventos durante la producción de Ruiz le dieron ideas para un guión, así que puso manos a la obra en un nuevo proyecto; tenía la idea de que tras el estreno de Hammett su imagen se vería dañada. Pisó el acelerador para poder terminar en 1982 Der Stand der Dinge.

Contrató casi en su totalidad el staff de Ruiz para contar la historia del director ficticio Friedrich Munro que queda a la deriva, sin material, mientras se encuentra filmando una película de ciencia ficción.

no llegó sino hasta 1985 y fue estrenado en la selección oficial del festival de Cannes de ese año.

Tras esta presentación Wim se reencontró con Peter Handke que le presentó un guión parcialmente terminado. Ambos trabajaron en los últimos detalles para producir Der Himmel über Berlin. Dicha historia narra la vida de los ángeles inmortales que viven en Berlín, merodeando entre los humanos con el único fin ensamblar, testificar y preservar la realidad del mundo humano. La película fue dedica a la memoria de los grandes cineastas Ozu, Truffaut y Tarkovsky. En su estreno Ya con un pie en Hollywood dentro del festival de Cannes llegó a sus manos el trabajo del participó en la selección oficial dramaturgo Sam Shepard y Kit y Wenders salió ese año de 1987 Cardson: Paris, Texas. La historia con el galardón a mejor director. del hombre en Texas carente de recuerdos le llamó mucho la Tras conocer al polémico atención. Paris, Texas se estrenó diseñador de modas japonés en el festival de Cannes de 1984 y Yohji Yamamoto y parte de al llegar el momento de entregar su historia, Wenders decidió la Palme d’Or Wenders salió con realizar un documental de ella en sus manos acompaña del reconocimiento del gran jurado.

Durante 1983, año en el que parece que Wenders no hizo nada, viajo a Japón. El fin la travesía era conmemorar los 20 años tras la muerte del director japonés Yasujiro Ozu. Durante este viaje por Japón Wenders divagó entre la simplezas de la vida cotidiana en Japón y la historia del gran director naturalista. Además buscó a uno de los más queridos actores de Ozu, Chishu Ryu. Tuvo también la oportunidad de entrevistar al fotógrafo de Ozu, el señor Yuahru Atsuta. El producto final

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über Berlin, así que trabajo el guión, y aunque en esencia la historia permanecía, había cambiado muchas cosas del original. In welter ferne, so nah!, de 1993, en voz de Wenders, es más bien una secuela espiritual.

El filme fue estrenado en el escenario por excelencia de sus filmes, Cannes. Y salió de ahí con el gran premio del jurado.

su vida y de como intentó sutilmente con el paso de los años convertir al hombre y a la mujer en seres andróginos por medio de la vestimenta.

También abarca parte de su vida dentro del diseño para artistas como Elton John, Tina Turner, Pina Baush, Takeshi Kitano y la banda Placebo.

En 1990 se comprometió con la banda irlandesa U2 para dirigir el video de la canción cover al original de Cole Porter Night and Day, que formaba parte de un álbum cuyas ganancias serian para ayudar a la organización RED. El video en sí, como todos los videos que eran de Michael Jackson, era bastante pobre.

A principios de los 90 Wenders conoció a otro gran novelista australiano, el señor Peter Carey. Juntos conversaron en torno a un viejo guión que Wenders tenía archivado hace ya mucho tiempo, así que en colaboración con Carey pulieron y prepararon para filmación Bis ans Ende der Welt, considerada

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Para la segunda mitad de los 1990 Wenders trabajó arduamente en filmes como Lisbon Story, Jenseits der Wolken, por muchos como todo un Die Webrüder Skladanowsky y símbolo de las road movies. En The end of Violence de 1997, esta la India de 1999 un poderoso última llamó la atención de los satélite con capacidad nuclear esta fuera de control y podría soltar sus ojivas en las grandes ciudades de Europa. El pánico se desata y la gente intenta escapar por la congestionadas vías de salida. Al no ver sentido en seguir el mismo camino que todos la protagonista, Claire, decide salir del camino y forjar el suyo propio, el cual la lleva a conocer delincuentes, estafadores y productores estadounidenses fugitivos. Bis ans Ende der Welt que dieron todo el respaldo se convirtió en el filme más caro que el director pidió, pero para de la carrera de Wim Wenders cuando recibieron los primeros costando cerca de 23 millones de números sabían que sería un dólares. Y fue también un gran terrible descalabro financiero. fracaso al recaudar poco más de 5 mdd.

En 1999 filmó una presentación del famoso cantante de folk Tras ese pequeño problema estadounidense Willie Nelson. financiero Wim tenía la idea de El material no tuvo ninguna hacer un remake de Der Himmel difusión por problemas de

documental sobre la banda alemana BAP. Luego llegó a sus manos la invitación de Martin Scorsese para participar en un serie de documentales que estaba produciendo sobre los grandes nombre del blues.

Wenders planeó y dirigió un documental sobre Skip James, Blind Willie Johnson y J.B. derechos de autor. Más tarde ese Lenoir. mismo año su amigo Ry Cooder le presentó a los miembros de la Tras el desplome de las organización musical Buenavista torres del WTC de New York, Social Club con quienes filmó Wenders intentó experimentar algo de material que más tarde con el realismo y en 2004 se convertiría en un documental presentó el filme Land of sobre los grandes de la música Plenty, que narra la vida de los cubana en Miami. habitantes de Manhattan tras los ataques del 9/11.

En una noche de copas Wenders y Bono, vocalista de U2 Sam Shepard se acercó a se encontraban platicando sobre Wenders por aquellos días en una historia que el cantante que estrenaba Land of Plenty traía en la cabeza. Wenders y le presentó una idea que le propuso a Bono llevarla al tenía para una road movie. Tras celuloide, así que le presento pulir el guión se filmó Don´t a Nicholas Klein. El escritor y come Knocking, la historia de un Bono pulieron y dieron forma al veterano actor de western que guión de The Million Dollar Hotel. bota su último trabajo y parte en El filme se estrenó en 2000. caballo al desierto de Mohabe.

Wenders y Bono, que asumió la producción ejecutiva, estaban En 2008 el directo se dedicó contentos con el producto final. a filmar en su ciudad natal, Lo de menos fue saber que Dusseldorf. Wenders presentó cuando por fin llegó a las salas con ese material y partes de cine había sido un terrible tomadas en San Francisco, fracaso. Con el fin de recuperar Palermo Shooting. Una película algo de la inversión, The Million que funciona como un homenaje Dollar Hotel fue paseada por los no anunciado al gran maestro festivales europeos, inclusive de la música independiente ganó el Oso de plata del festival estadounidense Lou Reed. de cine de Berlín.

Cuenta la leyenda que tras salir de la promoción de Palermo Shooting, Wim tenía la intención de retirarse en silencio y dedicarse a ir a ver cine como todos los demás, así que tomo un vaso enorme de refresco, un bote descomunal de palomitas (con cebolla, desde luego...) y un buen día entró a una sala de cine a ver una de esas películas de la era del 3D. Junto a el iban su esposa Donata Los 2000 acercaron a Wim y su amiga la bailarina y artista Wenders más al mundo de la del performance Pina Baush. música, dirigió un video musical Wenders quedo extasiado con para la banda Eels y realizó un el uso de la tecnología 3D y en

ese mismo instante le propuso a Pina realizar un documental de su carrera y de la Tanztheater Wuppertal.

Así que puso manos a la obra, contactó con Sony, y preparó las cámaras. Lamentablemente Pina Baush murió de un extraño cáncer de pulmón y Wenders detuvo todos los planes. Al saber de la cancelación los bailarines de la Tanztheater Wuppertal abordaron al director para convencerlo de realizar el filme en memoria de Pina. Así pues después de mucho retraso, en 2011 estrenó Pina 3D. En el documental los bailarines del Tanztheater Wuppertal realizan performances perfectamente filmados con la tecnología estereoscópica y hablan de la gran y fructífera carrera de Pina Baush.

Como saben niño con juguete nuevo lo quieren meter en todos lados. Wim Wenders lleva ya buen tiempo trabajando en un guión de Bjorn Olaf Johannessen.

Every Thing will be Fine debería de estrenarse este 2014 filmada nuevamente con tecnología estereoscópica.

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HABĂ?A UNA VEZ

Expresionism

cine de natur

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mo alemán:

raleza interna

Por Ettel Alvarado

Y

de las sombras nace toda una corriente en la que el plasmar la realidad no es una preocupación primordial, la impresión del mundo real queda apartada y alejada para dar paso a la visión interna del artista, a las manifestaciones, deseos y sentimientos propios, es decir: las expresiones, hablamos pues, de Expresionismo.

Cuando el trabajo en las artes refleja el clima social de la época en la que surge la obra; hablar de Expresionismo Alemán es echar la memoria atrás para entender el porqué del surgimiento de esta corriente, las reflexiones que giran en torno a este hecho tienen una referencia determinada del lugar en el cual germinaron y periodos temporales definidos, contemplamos con singular atención los primeros años del siglo XX, surge en Alemania el expresionismo que tiene a la pintura como principal medio para manifestarse, pero también diferentes y muy diversas artes como la literatura, música, teatro, fotografía y el cine

formaron parte de esta corrien- mientos de horror, amargura y te artística. aflicción que preponderaban en esos tiempos, todos estos senTeniendo en cuenta que Ale- timientos venían acompañados mania vivía una etapa de gran de enigmáticas mezclas de ideas sensibilidad debido a la Prime- políticas y discursos críticos y ra Guerra Mundial por la que sociales. había atravesado la nación, los artistas de la época encontraVamos pues a acercarnos al ron en las artes plásticas un cine a fin de intentar comprenmedio para expresar los senti- der su función en aquella socie-

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dad, que es como pretender se- se le otorga a ñalar su significación como un las sombras elemento integral de la cultura. un gran poder dentro de Mucho se discute sobre cuán- la narrativa, tas y cuáles fueron las películas el contraste que representaban una estética de las luces y verdaderamente expresionis- sombras, es ta, El Gabinete del Dr. Caliga- decir, el juego ri (1920) de Robert Wiene, es del claroscuro, considerada como una de las funge como más representativas. Esta pelí- una de las princula nos cuenta la historia del cipales técnisiniestro Dr. Caligari y Cesare cas utilizadas que es un sonámbulo a merced para destacar a del doctor, ambos están vincu- los personajes lados con una serie de asesina- y su función tos en Holstenwall, un pueblo dentro del filalemán. me.

En este filme la decoración pasa a tener una función dramática y psicológica, se juega con una anormalidad en la escenografía, hay una sensación de movimiento provocada por las múltiples líneas diagonales que constituyen el escenario,

Quizá el desacierto en El Gabinete del Dr. Caligari, fue haber abusado de una escenografía muy ligada con el teatro, se llega a un punto en el cual pareciera que se está viendo teatro filmado, a pesar de que una de las premisas del expresionismo

era rodar la película en estudio, aunque el guion de las éstas no siempre permitía que esto sucediese así.

Nosferatu, el vampiro (1922) de F.W Murnau, fue una de las películas que rompió con la con la condición de

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grabar todo dentro de un estudio, esta producción utilizó locaciones reales, lo cual le brindó más veracidad a la historia. Los personajes en el expresionismo (como en el cine negro) se caracterizan por su ambigüedad, pueden representarse personajes adversos como inofensivos y viceversa, para lo cual el maquillaje resulta de gran utilidad.

Murnau fue uno de los cineastas alemanes más valiosos, otra de sus producciones cumbre fue El último (1924) que logra mantener un equilibrio entre lo que pregonaba el expresionismo pero al mismo tiempo caía en otra corriente conocida como Kammerspielfilm, movimiento cinematográfico impulsado por Max Reinhardt, que si bien era de una clara tendencia expresionista, buscaba un acercamiento mayor para con el público haciendo de las historias producciones muy teatrales.

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Otro nombre que figuró dentro del expresionismo fue el de

Paul Wegener, director de El estudiante de Praga (1913) y El Golem (1920), esta última basaba en la novela homónima de Gustav Meyrink, en estas producciones se muestran a los personajes con movimientos resaltados ante la cámara, el expresionismo evoluciona y se distinguen dos líneas temáticas claramente diferenciadas, una de ellas aborda el tema de lo fantástico (en la que se muestra al hombre como un ser monstruoso) y en la otra se distingue el drama social y psicológico (visión oscura del hombre en un entorno social), aunque en ambas temáticas se trata de representar la crisis social.

Considerada aún dentro de la corriente expresionista por la fuerte crítica social que se aborda en el argumento cinematográfico, Metropolis nos ofrece una producción más elaborada que retoma mucho de la corriente en la cual se le encasilla, pero que por las características formales nos deja entrever una producción más orillada a una cinta de temprana ficción, recordemos que la intensión del expresionismo es exagerar y distorsionar la realidad para intensificar la comunicación artística y la identificación del espectador con el filme, situación que indudablemente logra Lang con este film.

Aunque no todos los filmes de Alemania de los años 20 tienen que ser forzosamente expresionistas, es aquí cuando aparece una película atípica que ya es más un intento de ficción, con ciertos tintes de expresionismo, la dirigida por Fritz Lang en 1927, Metropolis.

Independientemente de que el expresionismo alemán aborda un momento y un lugar específico en la historia de la humanidad, en las artes y en particular en el cine, no se puede negar la herencia que ha dejado, se trata de un desprendimiento estético que no pocos directores contemporáneos han decidido adoptar

en sus producciones, Tim Burton es un cineasta que adopta mucho de lo que el expresionismo ofreció para plasmarlo en sus películas, desde Beetlejuice (1988) y El joven manos de tijera (1990) hasta trabajos recientes con los cuales Burton sigue constante dentro de la industria.

El expresionismo, una corriente artística que rindió sus frutos dentro del cine y sigue siendo referente obligado para una gran cantidad de directores actuales, las actividades del hombre que se manifiestan a través del complejo denominado –arte– han surgido y se han desarrollado en función de un elemento externo a su sustantividad, entiéndase en este caso el contexto histórico social, no comprenderíamos la existencia del cine sin el conocimiento del contexto en el cual se desarrolló, éste constituye un sostén y justificación para los movimientos artísticos que se gestan dentro de determinados periodos.

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PARA CONOCER

El infierno según Klaus K una historia de amor Por Jorge Alonso Espíritu

¿C

uánto de muerte tiene el amor? En la historia de la cinematografía, pocos hombres pueden saberlo como el alemán Werner Herzog, fundador de la corriente conocida como “Nuevo cine alemán” y director de decenas de productos fílmicos entre largometrajes, cortos, documen-

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tales y programas de televisión.

“El hombre canta ópera o rompe récords porque le pasó algo horrendo”, opina el mexicano Juan Villoro, la sed de compensación de Herzog debe ser grande si consideramos que entre su biografía se encuentra la dirección de una veintena de óperas.

El 12 de agosto del 2005, en el festival de cine de Sundance, Herzog estrenó su documental Grizzly Man, la historia de Timothy Treadwell, un ecologista y documentalista aficionado, que después de 13 veranos conviviendo de forma cercana con osos grizzli en Alaska –hecho que lo llevó a aparecer en el Dis-

Kinski:

covery Channel, y a coescribir el libro Among Grizzlies: Living with Wild Bears in Alaska-, murió atacado y semidevorado por uno de ellos. Werner reconstruía un relato que bien podría ser un símil de su propia vida. El hombre que ama al oso hasta ser devorado por él. O bien, el director de cine que cultiva una relación sadomasoquista con uno de los actores más impresionantes y psiquiátricamente enfermos de la historia de cine europeo: Klaus Kinski.

Kinski nació en el año de 1926 en la entonces Ciudad libre de Dánzig, un territorio de histórica disputa entre Polonia y Alemania, que sirvió de pretexto para iniciar la Segunda Guerra Mundial en el año de 1939. Muy pronto en el conflicto, Kinski fue reclutado por la Juventudes Hitlerianas y movilizado para servir al ejército alemán como paracaidista, pero pronto fue capturado y llevado a un campo de prisioneros inglés. Quizá esos episodios de su vida hayan influido

en su naturaleza belicosa, lo que sí podemos asegurar es que fueron determinantes en su carrera como actor que seguiría a la guerra: en los campos aprendió inglés y teatro para prisioneros.

Al finalizar la guerra, cuenta su biografía, comenzó a actuar en obras de teatro con una troupe ambulante, cobrando fama con sus monólogos de William Shakespeare y François Villon,

que interpretaba con una dicción impecable del alemán y con una pasión declamatoria poco tradicional a los estilos dramáticos de generaciones anteriores. Trabajó con grandes directores teatrales que inculcaron en él principios propios del teatro de la crueldad, abstracto y experimental, prohibidos durante el nazismo y también aprendió conceptos de la teoría de la representación que utilizaría durante toda su carre-

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adelante. Y es tan importante que es la imagen que abre el libro autobiográfico del propio Klaus: Yo necesito amor.

ra. Pero Kinski pronto pasó a la industria del cine, que consideró mucho más rentable.

generalmente psicópatas, y se convirtió en la persona perfecta para los directores que esperaban ello.

Después de una serie de papeles menores en películas iguaA comienzos de la década de les, Klaus fue encasillado en los los 70, es contratado para el papapeles de enfermos mentales, pel principal de la obra de teatro Jesus Christus Erlöser, polémico montaje donde Kinski actúa de un Jesús incomprendido, activista, sin religión que enfrenta al público a través del monólogo. En el tour, durante 1971, el acto sale de control. Parte del público lo enfrenta y él reacciona, arrebata y arroja el micrófono y el pedestal.

Parece tornarse en un loco, violento, más cercano al endemoniado de Gadara que al protagonista de los evangelios. La anécdota, opina Herzog, es importante para el rol que habría de tomar Kinski en

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Poco después del episodio, en 1972, con la cinta Aguirre, la ira de Dios, inicia una historia difícil de creer de la que serían protagonistas el director y el actor de la ya clásica película. No era, por supuesto, el primer contacto; ya muchos años antes se habían conocido cuando Herzog, siendo niño, había vivido en la misma pensión que el que se convertiría en su actor fetiche. De esa época recuerda ya diversos desequilibrios y desplantes de Kinski, como la cena donde un crítico elogió la “magnifica” actuación de Klaus en una obra de teatro y éste, lanzándole dos papas calientes a la cara le espetó: “¡No he estado magnífico!, ¡No he estado notable!; He estado soberbio. ¡He estado trascendental!”

Con todo y esa conocida megalomanía, Werner Herzog decidió hacerlo el Lope de Aguirre, que, encabezando un grupo de soldados rebeldes, emprende en el año 1560 la busca de El Dorado, una región de la Amazonia que según las leyendas de la época albergaba enormes reservas de oro.

La filmación resultó ser un desastre. Según el director, el personaje de Jesús incomprendido se había apoderado de su actor, y entonces respondía como si se tratará de Jesús. Constantes estallidos violentos ponían en riesgo no sólo la filmación, sino también la vida de sus compañeros. En una ocasión, molesto por los ruidos que la selva amazónica producía, disparó tres veces contra los sonidos, arrancando en el acto un pedazo de dedo a uno de los extras.

Como se puede observar en una escena del documental Mi

enemigo íntimo, bajo el personaje de Lope enloquece y empieza a sacudir su espada en el aire frente a la inminente traición de quienes lo siguen. Justo González era el chofer y guía de Herzog en Perú, quien le había ofrecido trabajar en la película. En esa escena, González sigue suponiendo que Kinski habrá de bajar la espada, así que, mitad esperando, mitad aterrado, se queda en el lugar. Kinski, en cambio hizo silbar el aire en dirección al guía / extra, impactando en su casco, que quedó abollado.

A pesar de los tragos amargos, el resultado es aclamado por los espectadores y Herzog vuelve a trabajar con Kinski de forma casi patológica, no una, sino cuatro veces más. El actor, por su parte, habría de escribir del director: “Es un individuo miserable, se me pega como una mosca cojonera, rencoroso, envidioso, apestoso a ambición y codicia, maligno, sádico, traidor, chantajista, cobarde y un farsante de la cabeza a los pies. Su supuesto “talento” consiste únicamente en torturar criaturas indefensas y, si hace falta, matarlas de cansancio o asesinarlas.

Nadie ni nada le interesa, a excepción de su penosa carrera de supuesto cineas-

ta. Impulsado por un ansia patológica de causar sensación, provoca él mismo las más absurdas dificultades y peligros y pone en juego la seguridad e incluso la vida de otros, sólo para después poder decir que él, Herzog, ha domeñado fuerzas aparentemente insuperables. Para sus películas echa mano de personas poco desarrolladas mentalmente y de diletantes, a los que puede manejar a su antojo (¡y, supuestamente, hipnotizar!), y a los que paga un salario de hambre, y eso si les paga. El resto son tulli-

dos y abortos de todo tipo, a fin de parecer interesante.

No tiene la menor idea de cómo se hace una película.

Ya ni intenta darme instrucciones. Hace tiempo que ha renunciado a preguntarme si estoy dispuesto a llevar a cabo sus aburridas chorradas, ya que le tengo prohibido hablar”.

Y aunque un rápido vistazo a los vestigios de sus colaboraciones desmiente a Kinski, y lo deja francamente mal parado, tampoco la versión de Herzog parece totalmente creíble. Nos encontramos, parece, ante dos

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mitómanos, uno violento y otro sumiso, que se necesitan para dar forma a sus carreras y a sus intenciones estéticas, cubiertas de una dosis de extrañeza, ímpetu, y amor que aún podemos observar en las cinco cintas producidas.

Los momentos de tensión fueron constantes en cada una de las escenas filmadas. Klaus destrozaba las ideas de Herzog y a momentos se convertía en el director, en la única voz escuchada. El resto del equipo le temía.

En su divertida crónica sobre la filmación de Cobra Verde, San-

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dro Romero Rey recuerda: “Poco a poco, la rutina del horror se instaló entre todos los habitantes de Cobra Verde y ya sabíamos que, para seguir vivos, había que soportar el infierno según Klaus Kinski”.

No todos estaban tan dispuestos a aguantar al alemán malgeniado. Durante la filmación de Fitzcarraldo, los indígenas del Perú, extrañados ante la constante agresividad de Kinski, confabulan y se ofrecen a matarlo si Herzog lo permitía. En una escena crucial, Fitzcarraldo come rodeado de la tribu, en un repa-

so de la cinta se puede observar la tensión del momento, los indígenas detestan al invasor y el parece sospecharlo. Todos esos sentimientos son utilizados, sin embargo, para crear una de las mejores cintas sobre la región jamás realizadas.

Para Herzog, ese derroche de sospecha, nervios, y constantes ataques, son los motivos que llevaron sus películas a ser los productos estéticos que él deseaba, se observa sin embargo una fascinación obsesiva por la explosiva conducta del actor que aunque dificultaba la realización le brindaba un toque de realismo involuntario a cada escena.

Claro, también terminaron por provocar un distanciamiento entre los dos involucrados, que nunca dejaron de ser un referente del otro, como se observa en sus respectivos trabajos autobiográficos, donde se observa con claridad que en una gran medida ambos llegaron al punto de necesitarse. Una especie de amor dañino, pero hermoso. Acaso la muerte del Hombre Grizzly represente el amor del hombre a la bestia. El amor de Herzog a Kinski que termino devorando parte de la identidad cinematográfica del director. Aunque Klaus Kinski haya muerto primero.

DIVAS DEL CINE

Marlene Dietrich

LA ALEMANA DE MIRADA PROFUNDA Por Estefania Hipólito

D

urante la época de Oro de cine en Hollywood muchas actrices fueron elevadas al estatus de divas, todas ellas resaltaban por su belleza y la forma de interpretar a sus personajes dentro de las películas, algunas son mejor recordadas que otras, pero no todas tuvieron la fortuna de

que su trabajo fuera reconoci- rets donde los asistentes condo como se merecían y Marlene tinuamente hablaban sobre las Dietrich fue uno de estos casos. piernas de la Dietrich, en estos años ella era muy ambiciosa y Marlene Dietrich nació en utilizaba sus piernas para destaSchonemberg Berlín el 27 de di- car entre las demás, así lograba ciembre de 1901, en sus prime- que pequeños grupos de audienros años tuvo un acercamiento cia preguntaran por su show una con la música ya que tocaba el y otra vez. violín, además actuaba en caba-

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relación amistosa y laboral con este director.

Marlene Dietrich protagonizó la primer película europea sonora El Angel Azul de 1930 de la mano Josef von Stemberg , la película está ambientada en el Berlín después de la Primera Guerra Mundial y muestra como un tímido profesor se enamora de una bella joven que actúa en un cabaret, es considerada uno de los mejores filmes alemanes de todos los tiempos, además en esta película Marlene aparece con los muslos descubiertos, ella fue una de las primeras actrices en atreverse a hacer esto.

Con El Angel Azul Marlene Dietrich se convertiría en la inspiración del director alemán, quien se encargaría de crear la imagen que la convertiría con el tiempo en un ícono de la elegancia y el glamour, además de convertirla en una mujer fatal, por los papeles que el crearía para ella.

En total ellos filmaron siete películas juntos y con Marruecos de 1930 ella obtuvo su primera y única nominación a los premios de la Academia, en esta película destaca por ser la primera actriz en vestir como hombre y en besar a una mujer.

La ropa siempre la utilizó como un símbolo de libertad sexual, primero usando prendas pequeñas y ajustadas, y después vistiendo como hombre; a pesar de ello, siguiendo las convenciones sociales, se casó en 1923 y tuvo una hija.

cuando uno de los espectadores la descubrió, esa persona fue Josef von Stemberg, quien al verla descubrió a una actriz que podía cantar, bailar, actuar y además era hermosa, así que decidió convencerla para que incursionase en el cine y viajara con él a Estados Unidos donde se conMarlene Dietrich nunca ima- vertiría en una actriz de los estuginó el cambio que su vida daría dios Paramount y así iniciaría la

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En El Expreso de Shangai de 1932 se observa cómo el director alemán ya tenía definida la imagen de Marlene Dietrich, todos esos aspectos que la harían inolvidable, como el cabello rubio, lleno de ondas pero corto, el cigarro y la mirada profunda que el director lograría utilizando siempre la iluminación de mariposa, llamada así por la forma de

una mariposa que se forma debajo de la nariz, la iluminación era totalmente expresionista.

La película El demonio es mujer de 1935 es la adaptación de la novela de 1898 La mujer y el pelele sobre una mujer casquivana, la película fue víctima de una terrible controversia con el gobierno español, que consideraba que ésta deformaba totalmente la visión del país y pidió por escrito a los Estudios Paramount que se destruyeran los negativos y la película desapareció; pero en 1959 Marlene Dietrich proporcionó una copia que tenía guardada y así se pudo recuperar esta obra de Stemberg.

Como muchas de las actrices de la época, Marlene Dietrich tuvo una vida amorosa apasionada, con diferentes hombres, a pesar de esto siguió casada con el mismo hombre hasta que este murió.

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en ésta Marlene interpreta a Frenchy, la novia del hombre que se encarga de las apuestas del casino, las cuales están arregladas.

Conforme pasa la trama Frenchy se enamorará de Destry y después, durante el enfrentamiento de las bandas rivales, muere en el fuego cruzado.

En 1943, con la Segunda Guerra Mundial inundando el panorama, Marlene fue una de las tantas estrellas que se consagraron a animar al ejército estadounidense y se dedicó a recaudar bonos de guerra y entretenía a las tropas infundiéndoles ánimos, para lo cual grabó diferentes temas, ya que siempre declaró que despreciaba las políticas antisemitas y se declaró anti− nazi.

Durante su carrera de actriz sus piernas siguieron siendo un gran atractivo y algunos la llamaban como “Las piernas más bellas de Hollywood” y se dice que fueron aseguradas por un millón de dólares.

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Dentro del cine también incursionó en el género de western como en Arizona de 1939, la cual fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Películas de Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso,

En los años 50 realizó varias giras de cabaret donde colabora con Burt Bacharat, quien realizó varios arreglos musicales para que su voz luciera, además utilizaba vestuarios fastuosos; sin embrago, siguió actuando en películas como Pánico en la escena de 1950 dirigida por Alfred Hitchcock, cinta que trata de un asesinato y de la búsqueda del culpable, en esta pelí-

cula se aprecia como la apariencia del rostro de Marlene sigue siendo la misma.

La imagen que Stemberg construyó a su alrededor fue quizás una de sus mayores maldiciones porque la convirtió en perfeccionista con respecto a su arreglo personal, siempre se aseguraba de que todo estuviera en su lugar y para lograr que su rostro no se viera envejecido ante la cámara se realizaba peinados elaborados con trenzas que estiraban su piel y no dejaban que las arrugas inundaran su rostro, y para ocultar las trenzas utilizaba pelucas.

El tiempo no se detenía y ella era consciente de eso, además la bella Elizabeth Taylor era una de las nuevas actrices favoritas y su juventud y belleza la hacían sentirse opacada, por esta razón quizás decidiera dedicarse a los shows de cabaret donde el público se encontraba lejos y no la veían con tanto detalle.

En 1961 actuó junto con Spencer Tracy en la película de Vencedores o Vencidos donde se retrata la posición que los jueces nazis tomaron durante la Segunda Guerra Mundial y sobre el dilema de la responsabilidad del pueblo alemán en el Holocausto.

Una de las escenas de esta película fue muy significativa para la carrera de la Dietrich ya que mientras va caminando por la calle con Spencer Tracy de fondo se puede escuchar el tema que ella popularizó y que utilizó para infundir fuerzas en el ejército estadounidense y ese es Lilly Marlen. pero la actriz que interpreto El ÁnEn 1968 recibió un premio gel Azul seguirá viTony y en 1978 participó en su viendo en todas las última película Gigolo donde películas que filmó canta, pero su apariencia se ve y en el sinnúmero demacrada y ya no puede ocul- de imágenes que tar los años. circulan de ella, de esa mujer hermoFalleció el seis de mayo de sa con una mirada 1992, a los 90 años, su talento penetrante y unas nunca fue realmente reconocido piernas hermosas.

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TOP FIVE

ALEMANES QUE LA H

Por @AMAURY1984

¡A

h los alemanes!, allá cuando las coronas francesa, británica e italiana se paseaban por rimbombantes castillos con joyas monumentales y telas traídas de lo lejos del mundo, los tiraban de bárbaros de pelo “güero”. Pero ellos nunca se vieron así, de hecho durante múltiples etapas de su historia, como un territorio pegado a Europa, ellos se consideraban un imperio. El imperio romano, el imperio germano, desde luego el tercer Imperio y la Unión Eu.. ah no, esa no...

Hasta la fecha la palabra “das Reich” (el imperio) sigue sutilmente metida en el inconsciente colectivo alemán; desde luego ahora son toda una democracia occidental y escogen a sus representantes parlamentarios que día a día trabajan por el bien del pueblo en edificio del Reichstag... En fin que les han metido en la cabeza que los pueden hacer guacamole, los pueden dividir, los pueden controlar, pero no los detendrán en su objetivo de hacerla gorda. No sólo en la industria han tenido grandes logros, en el mundo del cine han consagrado a la Berlinale como uno de los festivales de cine mas importantes a nivel mundial.

Grandes directores alemanes han participado activamente en la industria europea y hollywoodense. Y los actores… ¡ah los actores! La cosas en el mundo de la actuación les han salido espectacularmente bien, lo único que necesita un actor o actriz alemán, es un prudentemente neutral acento inglés y tienen las puertas abiertas. Este es un top de los alemanes que han hecho toda una carrera en el mundo del cine a nivel internacional.

5. Claudia Schiffer Allá cuando la economía estadounidense decidió levantar del suelo y encumbrar a grandes íconos prototipos de la belleza aspiracional a la que todo ser humano debería de querer llegar, existía algo denominado SUPERMODEL; una “raza” de mujeres y hombres cuya mas grande aportación a la humanidad era su imagen. Dentro de este selecto grupo una jovencita alemana de nombre Claudia Schiffer se encumbró hasta la cima, a la derecha de Valentino acompañada por Naomi Campbell.

Cuando recién empezaban los 1990 la señorita Schiffer realizó un montón de vídeos de ejercicios aeróbicos que se vendieron como pan caliente. Y a algún productor se le ocurrió que la joven modelo podría actuar. Así inició su carrera como actriz en películas como Richie Rich, The Blackout, Friends & Lovers, entre otras. El gusto le duró una década, ya en los 2000 Claudia se enamoró de un pseudo aristócrata británico, y recientemente productor de cine de nombre Matthew Vaughn.

Se estima que la fortuna de la señora Schiffer llegó, sólo gracias a su trabajo como súper modelo, a pasar los 100 millones de dólares.

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HAN HECHO GORDA 4. Til Schweiger Este talentoso muchacho

hijo de Alemania empezó su carrera en la industria del entretenimiento como director, guionista y productor. Su primer proyecto al lado de su amigo Thomas Jahn de nombre Knockin’on Heaven’s door lo puso en el aparador de jóvenes realizadores. Total que al hacer falta talento para llevar sus ideas a la pantalla decidió ponerse a sí mismo en los roles de sus películas. Empezó a realizar castings para películas fuera de Alemania y su portafolio de películas incluye El beso de Judas, The Replacement Killers, Driven y Joe and Max. Saltó a las grandes súper producciones cuando fue elegido para actuar en Lara Croft Tomb Raider: The Cradle of Life. A trabajado con directores como Antoine Fuqua, Quentin Tarantino, Gerry Lively, Joseph McGinty, entre muchos otros.

3. Franka Potente De niña la pequeña Franka soñaba con bailar frente a un mon-

tón de gente, aspirando a seguir sus sueños puso mucho seriedad a sus estudios para que, llegado el momento, pudiese entrar en la Fachakademie für darstellende Kunst der Landeshauptstadt München, una de las más importantes escuelas de actuación y realización cinematográfica. En la academia conoció y se enamoró de Hans-Christian Schmid, un joven director que le dio su primer trabajo profesional. Franka saltó a la fama gracias al éxito comercial que significó la producción del director Tom Tykwer, Lola rennt. Éxito que se repetiría unos años más tarde con Der Kieger + die Kaiserin, otro hermoso guión de Tykwer.

Franka llegó a los EE.UU. de la mano de los directores de cine independientes Tem Demme y Todd Solondz, con quien participó en la GRAN cinta Storytelling. La señorita Potente brincó a las súper producciones hollywoodenses cuando fue seleccionada para protagonizar con Matt Damon la trilogía del agente Jason Bourne. Además ha participado en varias series de la TV estadounidense como American Horror Story, The Shield y Psych.

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2. Daniel Brühl:

Oficialmente, y como consta en los papeles de su nacimiento, el joven Daniel nació en España,

de madre española y padre alemán. Claro que si de lugares de nacimiento se tratase en esta lista tendrían que estar Bruce Willis o Martin Lawrence, personajes del cine hollywoodense que uno ni se imagina que hayan nacido en Alemania. En fin que Daniel ostenta como suya la nacionalidad alemana. Su padre, Hanno Brühl era un productor de TV en Alemania, por lo que Daniel pudo ingresar a la farándula desde muy joven. En 1999 consiguió su primer papel en un filme de Friedemann Fromm de nombre Schlaraffeland, en el que por cierto también participa Franka Potente. Saltó a la fama internacional por su participación en la gran Good Bye, Lenin! del director Wolfgang Becker. Aunque el mundo del cine estadounidense considera que su verdadero lanzamiento vino con el papel que tuvo en el filme de Quentin Tarantino, Inglourious Basterds; haciendo el papel de una joven oficial alemán considerado por sus colegas militares como una leyenda en vida. Recientemente fue considerado para varios premios por su participación en el filme Rush del director Ron Howard, dando vida al legendario piloto de F1 Nikki Lauda. Su participación en la terrible versión fílmica de la autobiografía de Daniel Domschieit-Berg es su trabajo más reciente, a pesar de esto destaca la dedicación que pone en el personaje.

1.Michael Fassbender: Y llega el número uno y favorito de las damas. Michael inicio su carrera en el mundo del teatro y la

TV inglesa y prácticamente su carrera despegó hablando inglés. Ingresó a las filas del cine en 2007, con su participación del guerrero con tanga Stelios en el filme de Zack Snyder, 300. Impresionó a propios y extraños por sus grandes dotes para portar sólo una franela... Curiosamente empezar en el cine con un papel tan pobre no ahuyentó a los directores. Steve Mcqueen, que por aquellos días empezaba en el cine, lo aceptó en la filas de su filme del 2008, Hunger. Y a partir de ahí lo ha llamado para cada filme que ha realizado; Shame de 2011 y en la recientemente galardonada 12 Years a Slave. Al igual que varios de la lista, Michael fue seleccionado por Quentin Tarantino para formar parte de los alemanes en Inglourious Basterds. Su ascenso en el mundo del cine continuó con su participación en la súper producción X-men First Class como el joven Erick Lehnsherr, Mangeto. Personalmente me sorprendió cuando interpreto al Dr. Carl Jung el filme de David Cronenberg, A dargerous Method.

Los arrebatos emocionales que exigía el papel estuvieron a la altura. 2014 también pinta para ser su año con estrenos como X-men: Days of Future past y el misterioso proyecto musical del director Terrence Malik.

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EN CARTELERA

Por Estefania Hipólito

RIO 2 U n ave citadina e hipocondriaca decide continuar la aventura con su amada Perla, pero ahora en el Amazonas junto con su nueva familia y sus viejos amigos.

Blu, Perla y sus tres hijos, viven tranquilamente en la ciudad de Río de Janeiro, pero Perla está convencida de que sus tres hijos necesitan vivir en un ambiente mas natural y por esta razón se embarcan en la aventura de ir a la Selva del Amazonas, durante este viaje Blu deberá enfrentarse a su más temible adversario, su suegro, mientras que Nigel la cacatúa, el villano de la película anterior, intentara hacer de las suyas y vengarse de Blu y de Perla Rio 2 al igual que su predecesora está llena de colorido y de música, con ritmos de samba, pero quizás tenga variaciones con la primera ya que el escritor principal Don Rhymer, falleció en su lucha contra el cáncer sin haber terminado el guion.

Título original: Rio 2 País: Estados Unidos Director: Carlos Saldanha

LOS INSOLITOS PECES GATO

Lunaa historia de una enferma terminal de VIH, su familia y melancólica jovencita que vive solitariamente, todo se

entrelaza para que nos demos cuenta que “Los suspiros son señal de que necesitas un poco mas de aire para respirar”.

Claudia es una joven solitaria que ingresa en el hospital por un grave caso de apendicitis, ahí conoce a Martha una enferma terminal de VIH que también es madre y ex actriz, ella invita a Claudia a su casa donde conocerá a los cuatro hijos de la mujer. El equilibrio de la familia es afectado con la llegada de Claudia, pero al mismo tiempo se empieza a crear un lazo de amistad que se estrechara más con un viaje a la playa, al parecer uno de los últimos deseos de Martha antes de morir.

Los Insólitos peces gato muestra como la muerte es difícil de asimilar, pero también te enriquece como persona, además el personaje de la joven Claudia está inspirado en la Directora de la película Claudia Sainte-Luce.

Título original: Los insólitos peces gato País: México Director: Claudia Sainte-Luce

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EN CARTELERA ILUSIÓN NACIONAL

Upaíses n deporte que se ha convertido en la religión de algunos y que sirve para ilusionar y unir a las masas es el

Futbol, en el cual más de 270 millones de personas participan directamente.

Ilusión Nacional es un documental que muestra la felicidad, la victoria pero también la derrota, la tristeza y la desesperación por la pérdida de un partido, el país protagonista es México, el director nos muestra, mediante el uso de collage, imágenes tanto de jugadores como aficionados que intervienen en esta celebración, y los distintos matices que pueden existir del futbol, desde imágenes antiguas hasta las más actuales.

Olallo Rubio ha dirigido anteriormente This is Not a Movie y Gimme the Power .

Título original: Ilusión Nacional País: México Director: Olallo Rubio

EL HIJO DE DIOS El destino de un hombre fue marcado desde antes de su nacimiento, él seria quien redimiera los pecados de la humanidad mediante su sufrimiento muerte y resurrección.

En esta ocasión Jesús será interpretado por Diogo Morgado, quien se encargara de representarlo desde sus orígenes, enseñanzas, ejemplo de vida y milagros, hasta su crucifixión, muerte y resurrección. Aunque quizás lo más sobresaliente de esta versión de la vida de Jesús es que se encuentra basada en la miniserie televisiva de History Chanel “The Bible” la cual tuvo más de 100 millones de espectadores. La música estuvo a cargo del ya ganador del Óscar Hans Zimmer.

Título original: Son of God País: Estados Unidos Director: Christopher Spencer

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