Revista Sold Out, nº 29

¡ NOTICIAS, ENTREVISTAS, REFLEXIONES Y MUUUCHA MÚSICA!

Nº 29. DICIEMBRE 2024

Sold Out es una revista cultural, descargable y gratuita, sin pretensiones, escrita y diseñada por personas enamoradas de canciones, párrafos literarios, fotografías, películas y toda clase de manifestaciones artísticas.

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@revistasoldout

Texto: Dani Pach Fotografía: @bea11trice

ta ¡Tenemos la respues en noches como esta!

1966. El año del nacimiento del rock.

Flipo infinito con lo mucho que parece que nos importa la salud mental. Flipo también con que el primero en hablar de ello hace unos años en el Congreso de las Decepciones (y en aquel momento, ojiito, la derecha se descojonó) haya sido un “señor” hoy cancelado por, precisamente, hacer daño de diferentes formas a muchas mujeres. Y flipo con la gente en general, en especial con esa que “convive” en ese submundo de las redes sociales, comentando todo que publican los demás. A día de hoy, cuando veo un vídeo en Instagram, ya sé qué tipo de comentarios lamentables me voy a encontrar justo debajo. ¡Con lo bonita que era esa red cuando la peña subía fotones creyéndose fotógrafos, y mírala ahora, llena de anormales de carrito! En un reel de un artista musical se ríen de lo delgado que está, llamándole de enfermo para arriba; en otro de un chaval streamer, critican su aspecto actual porque consideran que gordo estaba mejor, y directamente le llaman feo; a unos les llaman yonkis solo porque están viejos, otros son unos borrachos porque dan una opinión política que no nos gusta pese a ser respetuosa, y a otros directamente les insultan y tachan por vivir de subvenciones, como si no fuese lo normal en el cine y en todas las artes de cualquier país que pretenda preservar su cultura. Encima de anormales, ignorantes.

Estos días me dio mucha pena el punto

de Dani Martín, que ha publicado su nuevo disco y automáticamente se le ha puesto a partir por tantas cosas que no acierto a entender, entre las que se encuentra su edad. Con su edad, resulta, amiguis, que ya no puede hacer rock para quinceañeras. Supongo que Leiva tiene la exclusividad de esta movida, y claro, Dani no puede. “¡Te jodes, Dani Martín, tú no puedes!”, le habrán dicho en Sony nada más llegar, con el ex-Pereza descojonándose al fondo del pasillo.

Ahora por lo visto nos da cringue que se cague en el reggaetón, nos jode que esté delgado o gordo o lo que sea, nos jode cómo habla, que se haya hecho mayor, que tenga tatuajes y que anuncie gira después de llenar cuarentayocho Wizinks.

En fin, yo de él me habría ido de las redes unos días, porque no mola nada esto que hacéis, y menos cuando hay quien justifica que se le podría hasta patear porque total, gana mucho dinero, y en el fondo la pasta justifica el daño. Yo me pongo su Novedades viernes y ya está, arreglado, en su estribillo tenéis mi opinión sobre este tema. Es curioso porque nunca he sido súper fan de su proyecto en solitario, pero estas cosas hacen que uno se solidarice, y me he tenido que poner el disco para tratar de entender qué narices tenéis en la cabeza.

Bueno, vamos al lío, que tenemos mucha música chula en la útima Sold Out del año. Y portaos bien, hostias, que vaya tela.

Alberto Blanco (Reservoir Books)

Ahora que el año termina y es ley hacer balance, recuperamos este ensayo del mexicano Alberto Blanco, quien marca en 1966 el momento clave en el que el rock llega para convertirse en la banda sonora de nuestras vidas. El autor, legendario poeta del rock, define aquella como una época excepcional en la cultura, y reflexiona sobre ello sin dejar de lado el humor y las anécdotas siempre bienvenidas en publicaciones como esta.

Tampoco se puede obviar la realidad sociopolítica, sin la que jamás se habría dado una explosión de creatividad de este nivel. Alberto pone el foco en cuatro trabajos esenciales: Blonde on blonde de Bob Dylan, Pet sounds de Brian Wilson con The Beach Boys, Freak out! de Frank Zappa con The mothers of invention, y el Revolver de The Beatles, poniendo la base, el inicio del todo, en el grandísimo Sounds of silence de Simon & Garfunkel (Paul escribió la canción que da nombre al disco tras el asesinato de John F. Kennedy), lanzamientos históricos que sin duda hicieron explotar las cabezas de cientos de miles de quinceraños como él, y que por suerte el de Ciudad de México ha querido contar para delicia de todo nostálgico, aunando en sus páginas un sinfín de referencias, discos inolvidables y un conocimento profundo de la música que hará sentir al lector dentro de un flamante festival de la época. Lo dicho, tienes una joya literaria en tu librería favorita del barrio para regalar y compartir.

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Texto: Dani Pach Fotografía: Arriguri

maravillosa lástima

MAREN

Podríamos empezar estas líneas diciendo que este 2024 no parece haber sido un año sencillo para Maren y, sin embargo preferimos enfocarlo desde la valentía de quien, a pesar de su juventud, ha sabido tomar decisiones tan difíciles como clarividentes para elevar su proyecto musical a otro nivel, algo que a juzgar por este Qué lástima (Altafonte), sin duda ha conseguido con mucha solvencia. La artista bilbaina ha enfocado este segundo trabajo con cuidado, con meticulosidad, dotándolo de detalles pop y dreamy que convergen de una forma casi mágica en ese aura rock que intuimos que en directo será algo tan profundo como revelador. Maren se libera y pone, por tanto, las cartas sobre la mesa, destapando sus diferentes facetas: divertida, íntima, frenética, irónica y sincera (entre otras), algo que termina por acentúar la carga de verdad que se palpa en cada una de las diez pistas de este viaje a los cielos. Para poner las bases, el trabajo de la artista en producción (entre Dakota Studios y los estudios Artic Wave) iba a contar con el inestimable apoyo de Edu Martínez, la mezcla fue cosa de Carlos Dueñas y para el máster contó con otro grande, Ángel Medina. En la grabación contó con Rodrigo Hernández (Alizz, Vic Mirallas), Xavi Molero (Mole Quirk Sounds),

Marc Sospedra, el propio Edu Martínez, y Manu Blanco y Xoán Domínguez de Blanco Palamera. El títudel disco es cosa de la bisabuela de Maren, y el colectivo Arriguri se encargó de esta portada de altos vuelos. Pues eso, lo que viene siendo un equipón en general, para hacer realidad un disco que se inicia en modo ensoñación con un Tú puedes ver cuyo estribillo nos retrotrae a los años 60, entre la psicodelia y la paz de quien parece reconocerse en medio de la nada y sabe que debe avanzar.

Una maravilla de tres minutos exactos que nos introduce de lleno en la espiral de osadía y atrevimiento que nos va a acompañar durante la próxima media hora. Para Sold Out, porque aquí la subjetividad nos encanta, la canción del disco es Haría lo que fuera (menos lo que tú quieras), que además fue uno de los adelantos, con mucho acierto, para mostrar galones, y también para resumir el estado de ánimo de Maren, luchando por lo suyo por encima de todo y de todos. Nos topamos para entonces con un pequeño despertar - por su luminosidad - en Desde el otro lado, una pista que desborda sinceri-

dad y un cierto frenetismo que pedía a gritos un hilo electrónico que marca el ritmo y las pausas de manera sublime. No nos queremos dormir, pero al final sucede, e incluso soñamos con Plastificar, el último y maravilloso adelanto del disco, en el que cuenta además con la íntima colaboración de Víctor Rossy de Malmö 040. No es la única colaboración del disco, ya que Anne Lukin ayuda a Maren a subir el ritmo en Acostumbrarme, en los minutos más rockeros y rabiosos de este trabajo. En este punto ya hemos podido experimentar muchas facetas de Maren, que completamos con la el reflexión pop de Ya lo sé, otra vez, una pista breve con bases y coros súper cuidados que nos recuerdan a bandas de otro tiempo como Los Peces. La fiesta estaba reservada para Haginekaz, tímida de inicio pero desmelenada al final. ¡Qué gustazo de desarrollo! Pasamos por el pasillo de lo urbano en Corre, que el rayo no te parta, donde se palpa el efecto palamera de principio a fin, y la joya Amaiera (lo que te espera), que en su día reseñamos aquí, cierra el círculo desde la crítica social. Lo de Resort, a modo de epílogo, es de una desnudez tan sencilla como maravillosa, y es una forma perfecta de cerrar este Qué lástima. Enhorabuena, y muchas gracias además, Maren, por ser tú misma, rebelde.4

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un Hotel con vistas al mar

MORGAN

Texto: Dani Pach Fotografías: @bea11trice

Acaban de lanzar su cuarto disco en doce años de trayectoria, y todavía tienen en sus ojos el brillo y la ilusión de quien está empezando en esto. En esta ocasión han creado un lugar en el que sus canciones convivan, cada una con su libertad pero cerquita de las demás, y encima nos han invitado a que lo visitemos. Charlamos en el Café Barbieri de Lavapiés con Nina, Paco, Ekain y Schulthess sobre este lugar tan especial, ya disponible para todos. ¿Qué tal la estancia hotelera?

Nina: yo la llevo con mucha emoción. Hoy estuvimos en la radio, sonaron allí por primera vez estas canciones y es una sensación muy emocionante. También estamos nerviosos y con ganas de ver qué feedback hay de la gente. Las sensaciones ahora mismo nos son familiares, pero es cierto que no decimos las mismas cosas ahora que lo que decíamos en otros discos.

Pero es nervio bueno, es mariposa.

En este hotel contrasta mucho el calor que dais en un lugar de aparante frío.

N: estoy de acuerdo con lo que dices, es verdad que es bastante acogedor, aunque creo que es muy pronto para sacar conclusiones Ekain: todavía estamos asimilando qué es incluso para nosotros este hotel, viendo qué representa cada habitación, pero el feedback que nos dais nos sirve para ver cosas que quizás no veíamos antes.

De hecho, Intro: Delta, parece que te abraza nada más entrar.

N: esta canción hace muy bien el trabajo de situar el punto en el que estamos, de cerrar lo anterior y abrir lo siguiente. Siempre había sido pensada como una introducción pero no pensábamos en que fuese a ser el primer adelanto. De haberlo sabido quizás no me habría atrevido a mostrarla así, porque es la más vulnerable de todas.

Cuando Ekain lo propuso, tuve mi primer momento de vértigo pero lo hablamos entre todos y vimos que hacía bien ese trabajo, y al final fue una buena decisión.

Irse tan lejos a grabar une incluso más.

N: pienso que me conozco a mí misma y pienso que los conozco a ellos, pero a medida que van pasando los años y vamos sumando experiencias, ves que eso va a más, y también eres más consciente de cómo vamos cambiando. En este viaje era todo nuevo, pisas por primera vez una ciudad desconocida, la disfrutas y al final llegas al estudio hinchada de experiencias bonitas, brutales, que nos permiten estar muy preparados para empezar a trabajar. ¿Por qué Noruega?

E: yo tengo una lista de estudios a los que me gustaría ir en algún momento. De hecho hoy mismo me han hablado de Cherokee Studios en Los Ángeles, y ya me lo he anotado para echar un ojo en cuanto llegue a casa. Es como una lista para los re-

yes, y sí, el Ocean Sound estaba anotado, se lo enseñé a Nina, ella vio claro enseguida que ese era el lugar idílico, y con el paso de los meses vimos que encajaba tanto en fechas como en presupuesto.

Todas las flechas apuntaban a Noruega, y creo que ninguno de nosotros se ha arrepentido de esa elección, porque fueron tres semanas increíbles.

Hablamos de los créditos, ya que estamos, porque vaya equipón.

E: con Alain de Holyfire, quien se encargó de los diseños, llevamos ya muchos años trabajando, de hecho se encargó del arte de Air y del Live at Wizink Center. Es muy amigo nuestro y vimos claro que para este disco tenía que ser él también el encargado de esto. Vino a visitarnos al estudio y sacó muchas fotos e, incluso los vídeos que iremos publicando, son hechos por él. Es casa, es parte ya de Morgan.

Paco: tenemos la suerte de que la gente que nos rodea es muy talentosa. Entonces, de la misma manera que Chuches contactó con Martín para la producción, sabemos ver el talento y es un regalo. También es verdad que el hecho de que nos conozcamos hace que haya un punto muy guay en el compromiso, lo sienten como nuestro. Y no nos ha ido mal con gente externa, pero nos gusta esta forma de hacer las cosas.

N: Alain y Martín tienen en común que se involucran mucho. Alain nos pedía que le

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explicásemos incluso qué queremos decir con las canciones, se involucra mucho en el proceso de creación para sacarlo adelante.

Y Martín, ya desde el primer día de preproducción se metió muchísimo, de hecho era el primero en llegar y el último en irse.

Tenemos la suerte que quieran poner su talento en lo que nosotros hacemos.

Nuestro primer concierto fue en el Festival Gigante de 2016...

P: ¡en ese festi hizo triplete Chuches!

N: y yo toqué también con Quique.

E: recuerdo ver, mientras tocábamos, cómo llegaban los Sidecars para vernos. ...y la última, en la Acapulco de Gijón.

N: es curioso, ese lugar también tenía un poquito de esa estética hotelera.

Schulthess: lo peor de ahí era que no ha-

bía baño en el backstage, entonces la meada de urgencia no la tuvimos (risas).

Pero todo lo demás, fantásico. ¿Qué queda de aquel Gigante?

N: lo espiritual y filosófico que había cuando empezamos a juntarnos estaba en que no teníamos ni un discurso ni ningún argumento. Tan solo queríamos juntarnos para eso, tocar, y aquello ha resultado ser lo mismo a día de hoy, es decir, nos gusta mucho tocar y hacer música juntos, nos gusta disfrutar de este proceso juntos y, al final, hemos tenido la suerte de haber podido seguir haciéndolo a lo largo del tiempo, y con ello hemos disfrutado de muchas más cosas aparte de la música.

E: seguimos descifrando cómo debe ser una canción en el local, creo que seguimos afrotándolo igual que al principio. Cuando

algo nos llama la atención, vamos a por ello. Actualmente siguen pasando cosas inesperadas en el estudio, en el mismo local, sin que sea nada sesudo. Es un juego en el que nos lo pasamos bien, y cuanto mejor nos lo pasamos, mejor sale todo.

Habéis añadido nuevos sonidos ahora.

P: tal y como decía Ekain, es un juego, y tratamos de añadir nuevas cosas.

Queremos evolucionar, queremos tener sensaciones distintas, llegar a sitios que nos dan más vértigo, superar esos miedos.

En la producción esta vez hemos intentado buscar eso, salir de nuestra zona de confort. Es parte de la evolución, seguir sintiendo cosas, sentir que no queremos dejar de hacer esto nunca. Martín tiene gran parte de culpa de esto, y también por eso pensamos en él, ya que siempre explora mucho el mundo sónico, las cosas más friquillas. Creo que sumar su mentalidad más meticulosa con otra más rockera como la nuestra, es algo fantástico.

A Cruel te lo encuentras de sopetón.

P: Me gusta mucho el orden de las canciones que nos envió Ekain, que casi no tuvo cambios. Este segundo tema entra muy bien como cambio, la intro te sirve de adaptación, y luego de repente aparece otra cosa.

Hablemos de Arena también.

N: es que el blues es un género... Es verdad que yo siempre he cantado blues, sobre todo con Paco, y tenía ya ganas de tener uno nuestro. Cuando lo hice, me hacía gracia, me decía “qué poca vergüenza”, porque te ves inmersa en una música que en teoría no te corresponde. Cuando nos pusimos con ello, la idea era disfrutar del blues tal y como saliese.

E: era como verles en cualquier fiesta que podamos terminar, y que cojan la guitarra de repente y se pongan a tocar.

N: eso quería yo, que cuando llegase ese momento de las fiestas, sacásemos la guitarra y cantemos nuestro blues.

P: como guitarrista que lleva toda la vida intentando tocarlo, confirmo que te da todo el rato en la cara. Chuches lo hace muy bien, por ejemplo.

N: y tú también... ¡y yo también! (risas) P: es muy hijo de puta porque parece fácil y es todo lo contrario. En esta ocasión, el hecho de que además la letra esté en castellano, le da un ingrediente especial.

Ahí te das cuenta, por mucha música que escuches, que no estás intentando ser nadie, es decir, estás intentando ser tú, y a mí eso sí me parece muy atractivo, que alguien intente, usando las diferentes herramientas que tiene a su alrededor, lanzar su propio mensaje, decir “esto soy yo”. Hay influencias, es algo inevitable, pero esto lo entiendo como algo propio.

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Nuestra favorita es 1838.

N: esta canción tiene mucha historia, pero Chuches y Martín tienen más que decir.

S: pasó por varios estados, no es la canción original tal y como la trajo Nina, de hecho la hemos grabado en otras ocasiones. En esta ocasión fue Martín, que, por cierto, también fue de sus favoritas cuando le pasamos el repertorio, quien nos dijo “tengo el arreglo para esta canción”. La idea del piano parte de él en nuestra casa, en una mañana en la que nos fuimos a comprar cervezas, creo recordar, y al volver Martín ya había hecho una idea de ese piano. Es una canción marina, acuosa, rezuma algo así, y ese piano enfatiza muchísimo ese aire marino. A mí, si me preguntas, te diré que también es mi favorita. Y el arreglo, que está muy bien ejecutado por nosotros, es un crédito que se lleva Martín, que lo desarrolló al 90%. La canción es un temazo de Nina, pero darle ese aire me parece algo súper acertado.

E: encima grabarlo en Noruega, en el mar de las ballenas...

N: de hecho habla de una ballena, y es verdad que cuando estaba grabando la voz era más consciente de que en aquel estudio, mires hacia donde mires, todo da al mar. Recuerdo que aquella tarde hubo un tormetón y, de repente, salió el sol...

Son de esas cosas que cuando pasen los años me acordaré, porque es algo maravilloso. Ese piano me evoca aquel momento.

E: yo cuando la escucho, aparezco allí.

Ojo, y hay una canción en la que la voz de Nina deja de ser la prota.

P: cuando decidimos qué temas podrían entrar, decidimos incluir Jon & Julia y, a la hora de prepararla, Nina dijo, y creo que Martín también estaba de acuerdo, que quizás quedaría bien ese contraste.

N: es una canción que trajo Paco, y que desde el principio nos gustó mucho. Es gustosa de trabajar, de escuchar y de preparar. Claro, se da por hecho que voy a

cantar yo, pero es verdad que tanto Martín como yo teníamos claro que en la tonalidad en la que sonaba, y la dimensión que estaba ya adquiriendo, era una tontería ponernos a trabajar para adaptarla a mi tono. Es de cajón que la canción está diciendo que va con Paco, y de hecho ya la cantaba él cuando empezamos a ensayarla al principio porque yo no me la sabía, y ya entonces sonaba bien. Además aporta muchísimo al disco porque llega en un momento dado en el que quizás me estoy aburriendo y, de repente, surge un “eh, hazme caso, ven aquí otra vez”. Encima la canta increíble, ¡y sexy! Es muy enriquecedor para este trabajo. ¿En qué momento van a empezar las visitas otros hoteles / salas?

E: a mediados de marzo empezaremos con ello, todavía no hemos anunciado nada pero lo haremos en breve. De marzo a junio es lo que nosotros sabemos, y que será una gira de teatros.

P: pensamos mucho en hacer más discos,

ahora que hemos vivido esta experiencia, y te das cuenta de lo divertido que es rascar y sacar temas... Que no significa que no hagamos giras largas, pero me gustaría hacer más discos y giras más cortas. Hablo de corazón, a lo mejor luego no es algo práctico ni viable.

N: el propio disco habla por sí solo, es decir, hemos estado girando dos años y medio la última vez, porque el propio disco daba esa vida. Pero es cierto que cuando íbamos ya por los datos ya estabamos pensando eso de “¿vamos a ir otra vez a esa ciudad a decir lo mismo?” Que es cierto que tenemos ese miedo, pero luego hablas con la gente después de los conciertos y nadie tenía ese problema. Era un miedo nuestro, eso de que el mensaje se pudiera quedar un poco obsoleto, pero es cierto que con este nuevo disco ocurre esa cosa de que no te deja quieto en este punto.

Quieres ver ya lo que pasa. Lo mismo eso hace que haya una gira más corta que la anterior, pero nunca se sabe.

Y si no, cuantos más teatros mejor.

N: los teatros imponen bastante, de hecho estamos pensando mucho ya en cómo enfocar el show, cómo hacer el repertorio y cómo integrar las canciones. Tenemos muchas ganas, sobre todo de hacer un primer ensayo, y creo que va a molar.

‘Hotel Morgan’ está a la venta desde el 26 de noviembre en formato digital, al igual que la preventa del CD y el vinilo, con entrega el 31 de enero.

Fotografías: @bea11trice

¡TOMA CROQUEFEST! Que el camino más o menos complicado no quite la ilusión a este grupo de personas que aman la música y que han sido capaces de sacar adelante su particular celebración de la amistad, con croquetas de por medio como siempre, pero con un nivel sobresaliente en las formas. Dicen que hubo obstáculos, que fue duro superar una tarde-noche como esa, pero eso es algo que no se veía en la pista de la Independance, a rebosar de gente agradecida y con muchas ganas de pasar un rato diferente.

Texto: Dani Pach Fotografías: @bea11trice

Como ya había adelantado la organización del Croquefest a la Sold Out en números previos, no se facilitaron horarios con el objetivo de que el personal fuese puntual y no se marchase tras ver a sus colegas. Lo cierto es que la estrategia dio resultado, ya que la sala rozaba ya más de media entrada incluso antes de que empezase a sonar la música en directo. De la experiencia nos llevamos, entre otras cosas, un show muy potente y divertido (¡el tío del teclado está loquísimo!) de Gorila Flo, a quienes no habíamos visto todavía en directo y son el ejemplo perfecto de llevar la amistad verdadera a las tablas para tocar canciones bonitas, rabiosas y con muchos coros guays. Prueba de fuego para mostrar cosillas nuevas que están preparando en la cueva del gran Carlos Hernández. El público, obviamente, entregado y feliz, que es lo más importante de unos minutos frenéticos, bailables, y de mucha emoción.

El concierto de Karlan, que fueron las encargadas de abrir la lata croquetil, mantuvo la actitud del “pase lo que pase, nosotras tiramos hacia delante” desde el primer minuto, al mismo tiempo que daban cera murciana siempre con la sonrisa presente, que nos recordaba a ese locutor que se preguntaba siempre eso de por qué los jugones siempre sonríen igual. Fiesta es lo mínimo que ofrecen en vivo, con un bagaje muy a tener en cuenta para entender sus tablas, y que en eléctrico explica incluso más el respeto y admiración que se le ha ido otorgando con el paso del tiempo en su tierra. Presentarán, en 2025, Surfer, su primer larga duración, y también anunciarán una gira nacional de aúpa. ¡Abran paso a Lola y sus chicos, que ahora empieza lo bueno!

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La pinchada de Florida & Hermosso fue una experiencia incluso más bizarra de lo que imaginábamos, pero es que más de dos décadas de trayectoria a la cabeza de la escena en Zaragoza dan para mucho. Es quizás uno de los mayores aciertos del Croquefest, por su irreverencia, por el desparpajo, por las coreografías y porque llevan al extremo eso de que son animadores de adultos más que DJs. Su tema Gallagher, por si todavía no les conocéis, está en Spotify justo al ladito de su disco Cercado Mental, porque sí, este súper dúo también compone, y lo tal es ir a bailar con ellos sus canciones. ¡Qué gustazo el ratito fiestero del Croque, amigos!

Tres Rivieras petadísimas como tres soles, y ya en la primera de ellas, Gabri de la Rosa anuncia un Wizink para el 27 de diciembre de 2025. ¡Si esto no es lo que cualquier banda haya podido soñar algún día, qué podría serlo entonces! En la Sold Out te traemos algunas fotos de esa primera noche, en la que además de contar con amigos tendencia como Gisme de Ultraligera e Íñigo de ETS, la banda de Bilbao puso todavía más en valor su disco Alas, sin dejar de volver atrás para regalarnos los himnos que les auparon a la realidad de grandes escenarios en la que viven en la actualidad. Hay mucho trabajo, mucha ilusión y mucha naturalidad en una formación que ha sabido dar cada paso, ha sabido quemar cada etapa, y ha tomado, sin duda, decisiones complicadas para evolucionar, creando unos lazos fuertes con un equipo de profeionales que hoy son familia y sin los que nada sería lo mismo. Son lo más parecido a un ejemplo a seguir por todos, en la música y en la vida.

Texto: Dani Pach Fotografías: @bea11trice

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Texto: Dani Pach Fotografías: @bea11trice

TE AMA

Pavlenha es el nombre artístico del ponferradino Pablo López, quien no parece el típico artista al que le guste hacer demasiado ruido, al mismo tiempo que llama cada vez más la atención con sus canciones. No en vano, empieza a ser consciente de un público fiel que ha ido llenando cada sala en la que ha actuado.

Ahora, sacando el máximo partido a un un gran disco como Ambolo, se prepara para subirse al escenario de La Sala del Wizink, su próximo gran reto. Nos vimos un ratito en el Hard Rock Hotel, donde charlamos de la vida, de las canciones, y de Ponferrada.

Cómo enfoca uno un concierto así.

Con muchas ganas, el día 21 se acerca, ya veo un poco la meta, y a tope con la promo, con ensayos, la produ del directo...

Llenas el Café Berlín, la Mon, y ahora el ritmo de entradas apunta a lo mismo.

Hace unos días, de hecho, hablábamos de esto, y quedaban unas cien entradas. Nos han dado unas setenta más en la zona de arriba, que en principio iba a ser solo para invitados. Pinta bastante bien.

Si tuvieses que definir este 2024...

Ha sido el año que quería que fuese, sobre todo para mí. Para estar tranquilo, en el sentido de que tengo un proyecto que va dando pasos, no tanto grandes, más bien normales pero firmes, y que estamos haciendo las cosas bien. Lo que hacemos le

está gustando cada vez a más gente, hay una proyección brutal y creo que, dándole cariño y con mucho trabajo, puede crecer mucho más y eso es lo que quiero, seguir haciendo lo que más me gusta.

Las giras, mejor cortas y directas.

Ambolo salió en febrero, y giramos ese mes, marzo, abril, mayo... Luego tuvimos festivales en verano, y ahí decidimos parar y solo hacer dos fechas significativas más.

Se debe esto también a que estoy en un punto en el que estoy escribiendo bastante, y todo lo nuevo que va a venir da más sentido y va a tener un empaque más gordo con el proyecto. Creo que es mejor eso para crecer, más que volver a girar y estar un año sin publicar nada nuevo. Sería un error porque estamos subiendo poco a poco con una energía muy buena. En un momento de bloqueo me lo tomaría con tranquilidad y giraría seguro, pero en este caso quiero grabar, porque incluso la banda ha evolucionado mucho para bien y hay una frescura en lo nuevo que gustará.

Mientras compones, tienes margen publicando el directo de la Mon, curiosamente separado en EPs. Me parecía un poco pesado sacar todo el concierto del tirón, entonces decidimos escoger algunas canciones que recogían la esencia del directo, que están bien ejecutadas y en las que hubo una gran conexión con el público. Quería demostrar

de alguna forma a la gente que, aunque los discos se pueden escuchar de una forma concreta, el directo tiene un componente extra, una conexión y una energía diferente. También es importante para cuando alguien que entre a Spotify y escuche el directo sin conocernos de nada, se pueda sorprender. No quería ser muy pesado y meter diecinueve canciones, y creo que el resultado es bonito. ¿Dentro de lo nuevo, quizás estás acercando poco a poco las sensaciones del directo a las grabaciones?

Hay que tener en cuenta que el primer disco fue más atropellado en el sentido de que teníamos que sacar algo para empezar a movernos. En el segundo hubo mucho más tiempo para pensarlo bien, y yo ya estaba con el directo en la cabeza.

Teniendo más medios, la capacidad de probar más cosas nuevas, pudimos darle una vuelta importante el año pasado al directo. Para el concierto de La Sala le hemos vuelto a dar otra vuelta, y es que me preocupa bastante este tema. Mi banda me odia porque estoy todo el rato intentando cambiar cosas para que en vivo todo sea mejor. Luego es cierto que no compongo pensando en ello, pero intento hacer lo posible para que una canción que lleva sonando tres años, siga teniendo frescura, también para nosotros. Estamos dudando con algunas canciones porque alguna se tendrá que quedar fuera, pero

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hay canciones que siempre funcionan bien y que son muy agradecidas en los conciertos, así que al final cuantas más tengamos, más fácil será elegir las que más justicia nos hagan en vivo.

Repitirán algunas colaboraciones.

Tengo muchos amigos en la industria y nos llevamos todos genial, pero sentía que en este ciclo, con estos discos que son como muy familiares, en un momento además en el que empezamos a crecer todos al mismo tiempo, siento que no quiero tener una colaboración por tener. Más que un fin de gira, es una fiesta para mí y para toda la gente que me ha rodeado estos años, y por eso he invitado a Santi (Hey Kid), a Inazio, a Antón y a Guillermo (Taburete). Ellos me han ayudado en muchos momentos, ya no a la hora de tener una canción con ellos o de colaborar en algún momento, sino que fuera de la música somos muy amigos.

Podría intentar tirarme un triple e invitar a alguien que no conozco de nada, pero he preferido esto, también porque la gente lo va a disfrutar mucho, ya que saben la relación que tengo con ellos. Me parece algo bonito cerrar el año así.

El Pablo de hace cuatro años fliparía si se viese en esta tesitura.

Si al Pablo de hace cuatro años le cuentas esto, probablemente se reiría en la cara de quien se lo dijera. Me siento muy agradecido, y soy consciente, noto que hay

una conexión muy fuerte con la gente, que siente incluso como suyo el proyecto, porque sigo siendo un chaval y esa cercanía y sencillez ha conectado. Esto hace cuatro años ni me lo habría imaginado. Al final hacía lo que hacían miles y miles de chavales que están tocando en su casa. Supongo que tuve suerte, ahora poder llenar una sala de casi mil personas y de hacer giras como la de este año que ha molado mucho, tocar en festivales delante de ocho o nueve mil personas... Siempre había soñado con algo así, me encantan los vídeos, ver entrevistas, siempre he sido un melómano total, y para mí vivir esto a mi escala ya es...

Esa generación de artistas amigos, crecieron también con guitarras.

Ha surgido de forma espontánea, y luego es genial que nos llevemos todos tan bien.

De hecho tenemos cero ego con respecto al resto, si les va bien a ellos yo me emociono casi o más que si me pasa a mí, y eso también ha alimentado el hecho de que todos pudiésemos crecer. Somos una piña, y a la gente le mola eso, ver que somos todos colegas, que allá donde vamos siempre nos estamos apoyando mutuamente. A veces leo eso de los celos entre bandas, y yo eso no lo he vivivo, ni creo que vaya a vivirlo.

A Inazio le abriste tú los ojos.

Yo sabía que era un chaval de Pamplona, y

su primer concierto aquí en Madrid fue en un bar de discográfica. Una semana después yo tocaba en la Sala But gracias a Momentos Alhambra, es decir, me estaban pasando unas cosas increíbles ese año.

Inazio acababa de llegar a Madrid y le dije “tío, vente y toca delante de mi público, porque estoy seguro de que le va a gustar”.

A partir de ese momento nos hicimos muy amigos. Es una persona que, al igual que me pasaba a mí, no creía mucho en lo que estaba haciendo. Venía con miedo, porque Madrid impone, pero yo veía desde un primer momento que era una bestia, y ahora el tiempo y él me dan la razón.

La Sala del Wizink está ahí, pero luego terminas en casa, Ponferrada.

Los conciertos que más nervioso me ponen son siempre los de Ponferrada. Allí nos conocemos todos, y el concierto me lo tomo en realidad como una fiesta, que este año será en víspera de Reyes. Es un concierto para disfrutar con personas a las que veo muy poco y que fueron los primeros en apoyarme. ¿La canción que me salvará muta su significado a día de hoy para celebrar?

Es muy cruda, me abro mucho ahí, y es que realmente me salvó en una situación complicada. La gente me envía mensajes súper bonitos, algo que también sucede con Calle del reloj, más de desamor. Son canciones que también les han salvado.

Texto: Dani Pach Fotografías: @bea11trice

Tercer concierto en salas de este ambicioso proyecto personal de Chema Ruiz (El Canto del loco, Belgrado, Salvador Tóxico), y tercer lleno que se lleva junto a sus compañeros Paco Cuenca, Diego (también en Tiger and Milk) y Juan Hernando. En esta ocasión fue Siroco Club el lugar de encuentro de amigos, de antiguos compañeros de proyectos, y de ese joven e irreductible grupo de fieles a Trötegalôpe que no fallan ni entre semana para cantarse todo el EGO de arriba a abajo con sus copas bien puestas.

Para esta ocasión, Chema contó con colaboraciones de verdadero lujo, ya que iban a subirse al escenario dos artistazos clásicos de la escena madrileña. El primero fue el mañico Santi Diego de Capitán Sunrise y, a continuación, llegó el turno de Santi Castellanos, de Salvador Tóxico, quien por cierto nos adelantó que habrá novedades para 2025 (¡toma notición!). Es encomiable la apuesta y el camino musical elegido por Chema, que además está disfrutando con la ilusión de quien sabe que es la vía correcta para crecer haciendo lo que realmente quiere hacer. Hace pocas semanas publicó un nuevo sencillo, Big Bang, una canción más pop de lo que nos tenía acostumbrados, que desprende frescura y una luz que nos hace intuir una evolución hacia estribillos más reposados, más melódicos, manteniendo la crítica y la ironía que les ha definido hasta ahora. Esto, amigas, es gustarse, y nos lo cantaremos todo a la próxima.

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Texto: Dani Pach Fotografía: Kenneth Anderson

seguramente no sería

QUERALT LAHOZ

suelo tras ese vuelo tan intenso en lo más lejos, se nos vienen a la cabeza los emocional del EP Alto Cielo. Si vamos con los iniciáticos Fuel Fandango y el Niño de Elche, nombres, es vital la colaboración en la pasando por muchas bandas rock como La producción una vez más del también Plazuela o Vera Fauna), pero la impresionante granadino Toni Anzis. Del videoclip, con toda voz de Queralt, su caracter imponente y la su carga simbólica y con la intensidad naturalidad de tener siempre presentes en contenida, no podríamos pasar por alto que su universo musical a las mujeres con las que QL (editado por Say it law & Costa Futuro) es es una producción de Topo Colectivo, que ha creció y a su humilde infancia, permite que en el primer adelanto del nuevo disco de la sido dirigido por Ismael de la Trinidad, y que todos sus contrastes sonoros exista siempre artista catalana Queralt Lahoz, que verá la luz la dirección creativa fue cosa de Caballo un punto de intensidad que los une, los a lo largo del próximo año. Este sencillo, de Grande, dejándonos muy a nuestro pesar iguala, y ese es quizás el factor diferencial de apenas dos minutos, con clip cinematográfico muchos nombres importantes para un este proyecto tan bonito. Queralt tiene la raíz incluído, aúna tantos ingredientes y un resultado sobresaliente en el que además en la mirada, y eso es un don. Si nos damos significado tan profundo que bien merece un pone la guinda en la foto fija Kenneth un garbeo por el pasado de la artista y nos contexto y un análisis. Si lo tuviésemos que Anderson con un trabajo impecable. Si, por lo paramos unos veinte minutos en 2019, definir a nuestra manera, es algo así como un que sea, acabas de llegar a este universo de podremos escuchar el EP 1917, donde una no te olvides de dónde vienes de manual, pero la música urbana y latina, y no sabes muy pista como Como puñalá ya habla del valor nos quedaríamos muy cortos, ya que éste es, bien por dónde empezar pero te has topado del amor por los suyos, un sentimiento al que dicho por la propia Queralt, el ejercicio con este fotón de Queralt Lahoz, amiga, ningún otro amor podría ni acercarse; en su musical más honesto que ha llevado a cabo date cuenta, abre tu plataforma musical de disco Pureza (2021) una pista soulera y de hasta la fecha, abrazando su pasado, sus referencia y lee con atención, porque quizás tradición como De la cueva a los olivos habla raíces, como única forma de entender el esta artista se convierta en una de tus de su abuela como su Dios particular, y deja presente y proyectar el futuro. Somos favoritas. De Santa Coloma de Gramanet, y claro la importancia de ver siempre hacia producto de nuestra historia, y esa de familia migrante granadina, la artista se ha delante, luchando por sus metas; y ya en conciencia de sí misma conlleva, entre otras apoyado siempre en una fusión de estilos en 2023, y dentro del EP Alto cielo, al igual que en cosas, este regalo en forma de cumbia la que cabe la electrónica, los sonidos latinos QL, encontramos referencias a la muerte en refinada, fusionada a la perfección con bases y la música tradicional, buscando conexiones otra de las grandes canciones de Queralt, No elegantes y esa raíz flamenca tan suya, en el hip hop, el soul o el R&B. La raíz me salves. Son reiteraciones maravillosas que dejando ya un poquito más relegado ese flamenca es más que evidente, y es cierto mutan en la forma pero no en el fondo, y que punto hip hop que pudimos experimentar en que la fusión con ese tipo de música no es consiguen que, conociendo así a Queralt, no Pureza, su primer disco, y volviendo a pisar el algo tan novedoso en nuestros días (sin ir podamos dejar de escucharla con orgullo.

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Constantes y vitales

Se agotaron todas las entradas en el eventazo organizado por Constantes y Vitales (que cumple, por cierto, diez años de su tan necesaria actividad) en pro de la salud mental, cuyos beneficios irán destinados a Confederación Salud Mental España. Eso es lo más importante de una noche muy especial también en lo musical, ya que nos dejó momentos únicos en unos conciertos, más breves de lo habitual, de Merino, Tu otra bonita, Nena Daconte y Miss Caffeina, y que quizás por eso, por lo breve, pudimos disfrutar de las canciones más celebradas de cada artista en una suerte de gala de greatest hits presentada por la presentadora y también embajadora, Mamen Mendizabal.

Texto: Dani Pach Fotografías: @bea11trice

merino Cierto es que en su momento pudieron charlar para Sold Out Sandra Merino y Álex Gallego ante la salida de Himnos de guerra hace un añito, pero todavía no habíamos tenido la oportunidad de ver cómo se pasean sus canciones por el escenario. La experiencia es indescriptible, por la atmósfera densa y abrigada de sentimientos en la que habitan estos artistas, tan dados además a solidarizarse en cualquier espacio con todo tipo de causas, poniendo su música a disposición de todo lo que pueda hacer que este mundo sea mejor. En cuanto a las novedades, han lanzado En el laberinto, el segundo adelanto de su nuevo disco, El Bosque, que se intuye como un paso de gigante (otro más) en la escena. El 26 de enero actuarán en todo un Circo Price.

Otra de esas bandas que están de dulce y quizás todavía no son ni conscientes (ojalá sí) es la de Héctor Lacosta, Félix Vigara y Alberto Vallecillo, que ya están preparando la publicación de su nuevo single, Ryanair, disponible en plataformas el 13 de diciembre. En la Riviera no tiraron de novedades como la reciente Nadie, pero sí optaron por canciones que todos, los que les conocemos y los que no, pudiésemos cantar junto a ellos. Qué mejor regalo, entonar la alegría de vivir, en todos azul verdoso y con esa pequeña pizca de loca locura. Quizás 2025 se convierta en uno de los años más importantes de Tu Otra Bonita, de hecho empieza intenso en fechas, actuando en enero en Barcelona, Madrid y Valladolid. También han sido confirmados en la nueva edición del Festival de los Sentidos, y en el Gran Reserva Festival. ¡Que siga el baile!

tu otra bonita

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Mentiríamos si no aceptásemos que una de las grandes razones por las que acudimos a la Riviera, más allá de la importancia vital de lo solidario, es por ella. Lo de Mai siempre ha sido otro rollo, una forma zen y bonita (¡y muy diferente!) de hacer las cosas, y que en la actualidad parece estar en ebullición. Estamos especialmente atentos, sobre todo tras el lanzamiento de Maldita inocencia, un sencillo que incluirá en La escafandra, su nuevo trabajo que verá la luz en marzo del próximo año.

Cantamos un adios a la inocencia, al mismo tiempo que la artista abraza su pasado, hasta el punto de interpretar Idiota, la canción con la que todo empezó, para delirio y alegría de sus fans. Nena Daconte ha sido confirmada en festivales como el novedoso Play4Life y el Sonorama, además del Concierto Solidario por Letur, junto a Rozalén y muchos otros artistas. Qué de cosas para darnos :)

Bajando marchas desde hace muchos meses, y empezando poco a poco a poner las bases de lo que será el nuevo universo de la banda, Miss Caffeina hizo un pequeño alto para acercarse al gran evento por la salud mental e interpretar, entre otras, la necesaria y sentida Reina, que sin duda habrá ayudado a muchas personas a salir adelante en momentos difíciles. En unos tiempos en los que muchas bandas pop rock históricas de nuestro país están claudicando, da la sensación de que Alberto, Reys y Toni siguen sabiendo dar con la tecla, tras casi veinte años de trayectoria.

De momento reina el secretismo de cara a los próximos meses, al mismo tiempo que se desarrollan proyectos paralelos interesantísimos, pero algo nos dice que habrá noticias pronto.

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VEGA

ignis

Texto: Dani Pach Fotografías: @bea11trice

Si IGNIS es un regalo increíble en forma de disco que resurge de las cenizas, poder hablar de él con Vega es una verdadera delicia, y, sin duda, uno de los grandes momentos Sold Out (y ojo, que ha habido mucho nivel) de este año.

La artista cordobesa visitó Madrid para promocionar su último trabajo, y pudimos compartir con ella una buena cerveza en La Tita Rivera. Fue un ratito muy cálido y recogido en el que pocas cosas se quedaron sin citar. ¿Cómo estás llevando estos días?

Hoy estoy bien. Había hecho dos de esas entrevistas que todo artista desea, en medios generalistas, grandes, pero yo disfruto más con entrevistas así, de hecho he tenido otra con un medio también especializado en música, y lo disfruto más. Estoy feliz porque voy a acabar el día sin irme cabreada a casa (risas). ¿Qué te llega de este IGNIS tan gráfico?

Es cierto que a lo que yo llamo seguidores son personas muy fieles y de ellos generalmente siempre llegan palabras bonitas. Hay algunos que te pueden decir eso de “de primeras me ha costado”. Lo más novedoso aquí es la sorpresa de escuchar un disco entero, de arriba a abajo, que casi los he obligado, y creo que el resultado no es malo. Alguno, de primeras, me ha podido decir eso, que le ha descolocado en una primera escucha, y hablo de seguidores de toda la vida, de ese público fiel que me ha hecho la carrera, porque así es, y luego han ido adentrándose en el disco y te van comentando los detalles que van encontrando en las canciones. Lo que estoy notando es que he hecho un disco que se quema, y desde que lo he lanzado, no paran de generarse incencios. ¡Estoy apagando fuegos todo el día! Dentro de todos ellos, ha habido gente que se me ha caído por no creer en la forma. Yo seguía muy fiel a lanzarlo así, de una forma muy determinada, porque en realidad hice este disco para mí. Las espectativas... ¿gustarle a las listas?, ¿a las radios? Yo empecé en un año en el que no existían las redes sociales. Primero era la televisión, y luego eran las radios, luego vinieron los festivales, después las listas de reproducción, y ahora las redes, siempre con la idea de alcanzar las expectativas de otros. Con este disco quise hacerlo así, y a ver si por una vez cumplo las mías y no las de los demás. Y aunque ha habido gente que se ha bajado sobre la marcha y de forma abrupta por no creer, estoy contenta porque este disco, por la forma en la que lo he sacado y en los tiempos que corren, debería estar ya muerto. Las canciones se solapan, se lanzan muchos singles, yo misma en mi anterior disco saqué hasta cinco singles, y en aquel momento me quedó la sensación de vacío absoluto cuando salió el disco. Es que para ese momento ya estaba destripado, si es que queda solo que la gente vea el packaging, y tres temas. ¿Por qué he hecho una obra entera para terminar cortándola como el chopped y lanzarla? IGNIS salió el 25 de octubre, y a lo mejor estoy can-

tanto victoria demasiado pronto, pero han pasado casi dos meses y yo sigo haciendo entrevistas. Está como en un cuentagotas que es fruto de que las cosas están llegando cuando la gente está escuchando el disco. Por lo tanto, a priori, ya me está durando más que lo que en un principio hubiera durado de haber sacado tres singles, y una vez que lance el disco ya no tengo nada más que comunicar.

Habla el disco, no yo, y eso es muy positivo.

Además dura 43', nada común hoy en día.

El primer fuego que me lanzaron en septiembre fue que iba a salir Arde Bogotá con una canción de ocho minutos. Yo tengo tres o cuatro temas de seis, la media es de cinco, y solo hay uno que dura tres minutos.

Yo no sé hacer canciones más cortas, quizás vengo de otra generación o de otro desarrollo, o que me gusta deleitarme mucho en las letras. Aunque parezca que se conoce

más mi faceta como letrista, musicalmente soy una chica que está jugando constantemente con un cubo de Rubik en las estructuras de las canciones. Incluso si me aprietas, te diré que es lo que más tardo en elaborar, pero tiene que ver con cómo va a ser la forma de cada canción. Para las letras tardo muy poquito, es fácil para mí, pero disfruto mucho en la parte musical, creando las estructuras. Entonces es difícil que llegue a un estudio y cambie una estructura, porque vienen ya muy trabajadas.

Son canciones complejas, que tienen muchas partes, entiendo que es un disco que hay que digerir con paciencia, pero en un mundo donde todo es inmediato, donde se premian cosas mucho más simples (por decir algo amable), que alguien quiera escuchar mi complejidad es genial, y si no, no pasa nada, pero no quiero hacer lo otro. A veces se me plantea como una artista que va en contra de la industria, y considero que este no es el caso.

Mirlo blanco quizás sí, porque yo estaba cabreada con la industria, aunque creo que llevo cabreada desde el momento en el que conocí cómo funcionaba. Pero este disco no va en contra de la industria, simplemente es a favor mío. ¿Significa esto que estoy en una época que no me corresponde y que me he emperrado en que funcione algo que se sale de los parámetros del hoy? Pues es que no sabría hacerlo de otra manera.

De hecho, no da la sensación de que lo hagas para que funcione, como forzado.

Y no es solamente el hecho de no lanzar singles, es el packaging, las colaboraciones...

Tengo la ingenuidad o la estupidez que he tocado un techo en relación a las colaboraciones (en mis discos) y todas han surgido de forma muy natural y orgánica, con mucha química. En general, a mis seguidores les decía: no hay disco hasta que no haya canciones. La fecha no la pone un disco y las canciones salen. Y con éste lo medio avisé en un post porque no quería tocar, no quería coger una guitarra, ni un piano... No quería hacer nada. Venía de una situación tanto personal como laboral muy convulsa, y decidí parar. Me encontré con las canciones, las miré y me dije “tengo un disco”, pero la pregunta fue: ¿quiero hacer un disco aunque lo tenga? Lo que venía haciendo era eso, tengo canciones para un disco y la consecuencia inmediata era hacerlo. Por una vez me hice ese pregunta, y a partir de ahí empecé a ponerme líneas rojas para hacerlo.

Si voy a hacer un disco, quiero lanzarlo. De

aquí a que lo lance, no quiero ir con prisas incluso de a quién tengo que buscar para colaborar. No, lo quiero hacer yo, y si el día de mañana tiene que salir una canción de IGNIS con una colaboración, sadrá como salieron en su día Dónde estabas tú con Iván Ferreiro, que se lanzó casi un año después de la publicación de La reina pez. Que las cosas se den de manera natural. Soy publicista y entiendo todo eso, pero no me valen las estrategias. Me cansé de hacer estrategias porque por muy buena que sea, tienes que tener determinados mimbres dentro de la industria para que un proyecto salga adelante. Y yo no me considero en una situación de privilegio porque me siguen pasando fuegos, me siguen pasando cosas tras veintidós años de carrera. A veces, cuando hablo, la gente piensa que soy una soberbia, pero yo no hablo por mí, que yo ya he pasado por eso, ya me lo he comido, y simplemente vengo avisando porque si me pasa a mí con mi experiencia, qué no le pasará a un artista emergente, o a alguien que está empezando. Si para mí lo es, y ya voy consiguiendo que me resbale un poco y que esos fuegos no me tiren, pero qué pasará con esas artistas que no saben cómo funciona la industria. A mí me ha costado sudor y lágrimas entender su funcionamiento y vivirla. Ahora que te entiendo, no te quiero, no quiero estar ahí, y es una decisión voluntaria, aunque la gente pueda tacharme de artista frustrada. De frustrada nada, estoy muy feliz porque estoy haciendo lo que quiero, aunque fuera se pueda leer como

una respuesta de no éxito. El éxito lo mide cada uno, y el mío lo tengo medido, después de la cruda experiencia, en hacer lo que quiero. Ante frases como “lo haces desde una comodidad, etc”, pues lo más honesta que puedo ser con eso es que si en un momento dado me invadiese el síndrome del impostor (que puede ser, porque todos los artistas pasamos por eso), hay veces que digo: he escrito para mucha gente, y con los derechos de autor he financiado y sigo financiando mi carrera. Igual es un capricho que me estoy pegando, porque podría estar en mi casa escribiendo canciones y olvidarme de ser artista, y no tenga mucha razón de ser la de pasta que me gasto, y lo que invierto, una y otra vez, lo que le “pedía” yo en su día a una multinacional que hiciera conmigo y no hacía.

Siempre me queda la duda de si es un capricho que me puedo permitir porque en mi vida familiar, como, en todas las familias, hay una parte que está ahí respaldándote y te sustenta, en el sentido de que puedes correr ciertos riesgos con lo tuyo porque si pasa algo, esa parte está ahí. Eso lo tengo, no se lo voy a negar a nadie, y te puede permitir tomar decisiones de una forma más alegre, pero no deja de ser mi dinero, mi inversión, el hecho de querer recuperarla, y todo es fruto de mi trabajo y de mi esfuerzo. El público es soberano para opinar, y a veces lo hacen sin saber, pero no pasa absolutamente nada.

Hablabas de Iván, y es precisamente una canción suya la que te “reactiva”.

Me cuesta mucho separar mi versión de ar-

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tista que está en la industria, que tiene compañeros con los que me llevo muy bien, como puede ser Iván, con mi versión fan. En el momento el que le veo abrir la boca y cantar, se me activa en el cerebro el modo fan y ya no me lo puedo sacar. Y ojo, estoy muy feliz con que no se me vaya eso.

Podemos estar tranquilamente comiendo o tomando algo, pero al minuto le veo en el escenario y me pongo a llorar. No quiero que nadie me robe eso, todavía. Soy fan de muy poca gente, declaradísima como lo soy también de Los Planetas, y es algo muy bonito. Tengo todos los discos de ambos.

Por cierto, te has rodeado de musicazos.

Es una maravilla y todo es cosa de Ricky, empezando por que una de las primeras líneas rojas que puse era el reto de contar con él. Siempre me ha gustado su trabajo y sus producciones, y tenía claro que quería que el disco lo hiciera un bajista. Todos mis discos habían estado encarados desde el punto de vista de un guitarrista, y ya en mis composiciones me di cuenta de que no había espacio para solos de guitarra. En IGNIS hay muy pocos con respecto a otros discos. Hay una inercia en la composición, y pensando en que cuando me subo al escenario siempre me ponen el bajo y la batería, pensaba en que tenía que ser Falkner. Pero no me valía solo con saber cuánto cobra o qué disponibilidad tendría: yo quería que él quisiera hacer mi disco. Me he llevado tantas desilusiones en la industria, que por una vez

necesitaba hacer un disco con alguien que quisiese hacerlo conmigo. Hasta entonces venía trabajando con Sebastián Krys, y es verdad que es mi mejor amigo y lo hablaba de hecho con él. Recuerdo que me decía ¿y por qué no va a querer? Y yo le decía que estamos en España, y yo tengo una mochila que pesa a quien la lleva, ya que puede haber quien piense que le trasladas parte del peso si se roza contigo. Yo esto lo he visto, y con los años se ha ido limando y me he ido ganando un poquito de repeto como para que esa mochila no se tenga tan en cuenta, pero oye, a mí me gusta preguntar. Tengo esa sana costumbre. Ricky me dijo “¿tú estás tonta? ¡para mí hacer tu disco es guay!”. Me hizo mucha ilusión, y luego, ante la pregunta de cómo quería hacerlo, le dije que como en un principio no quería hacer un disco, no queria decidir nada de cómo hacerlo. Le enviaba una guitarra y una voz, en plan “estas son las canciones, me meto contigo en el estudio, grabamos, y si noto que algo de lo que estás proponiendo no lo veo, tú tranquilo que te lo digo.” Él aceptó, y cuando llegó el momento de saber qué necesitaba, me dijo que le molaría grabar con Dani Ferrer, con Víctor Valiente, con David Soler, con Jordi Mora de ingeniero... “He trabajado con todos ellos por separado, pero juntos en un mismo proyecto no, y para mí es como el dream team”. Me pasé toda la grabación llorando, emocionada, viéndolos tocar, y estaba viendo cómo las canciones fluían de una forma maravillosa. Tanto que me queda-

ba callada en vez de cantar. Estoy segura de que en algún momento dudaron de si yo cantaba o si era un bluf (risas). Un día me. dijeron “te vamos a grabar una voz de una”, y entré y la grabé de una. Salí, pregunté si querían que hiciese otra toma y tan solo me decían que por qué no había cantado en toda la semana. Fue muy divertido, la verdad, y luego me dijeron que se grabarían instrumentos en la Casa Murada, y las voces las grabamos en dos días. Y se grabaron así, en dos días a toma, una detrás de otra. Muy easy, tanto que luego pensaba, ¿y ahora qué hago yo con la gira de esto?

Justo me estaba imaginando eso, una gira con ese dream team.

Van a estar, confirmado. De hecho, voy a hacer solamente siete fechas tras hacer encaje de bolillos, porque ellos no paran, y tengo muchas ganas porque es bonito enseñar a la gente, no solamente el disco, sino que lo que he vivido yo, lo puedan vivir también. Para los músicos también será su primera vez juntos conmigo, y eso es algo muy emocionante. Me apetece mucho.

Incondicional en vivo será una suerte.

Esta canción la escribí en tres minutos, tan tierna y tan dolorosa a la vez, la escribí a la media hora de suceder lo que cuenta. Estaba buscando un sonido en el ordenador (odio Pro Tools con toda mi alma, donde esté lo orgánico...) y encontré de repente uno que me gustó. Lo que recibe Ricky son esos acor-

des, esa electrónica pura y dura, que es para mí una rareza, y ya marca mogollón la producción de esa canción. Dura seis minutos, pero si es por mí dura catorce y me quedo a vivir en el bucle ese del final, y le meto más techno atrás, cosa que no quiere decir que en directo no suceda. Muchas veces compongo con imágenes en la cabeza, y me expreso de la misma forma, con hordas de orcos o con escenas en las que se rompe un corazón. Es algo muy divertido cuando hay músicos de esa calidad, que lo ven a la primera.

Esto nos lleva también a Niña Descalza. ¿Por qué a los que os gusta la música os gusta esa canción? Para mí es una de mis favoritas, y creo que va a ser la gran incomprendida por mi gran público. Sé siempre, de mis discos, cuando los lanzo, cuál va a ser la incomprendida. Esta es una canción con una estructura distinta, muy del cubo de Rubik. La parte del final, cuando cambia y abre a mayores, es su estribillo original. De hecho venía de una estructura más convencional, y eso me aburre. Me pasa con muchas canciones, también en Si los árboles bailan.

Veo que tengo más de un estribillo, y otros artistas eligen uno. pero me las apaño para salvar a ambos.

Soy muy fan de esas canciones que abren, y esto me permitía generar una tensión que se corresponde con la letra, la más potente en lo emocional del disco.

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Más de una hora de bises Texto: Dani Pach Fotografías: @bea11trice

DELGADO

Sé que a veces te preguntas cómo es posible que Javi Heras te haya ganado tanto en el último año, y la respuesta está en sus canciones, obviamente, pero también en su naturalidad, en su elegancia interpretativa, en su forma tan bonita de agradecer absolutamente todo lo que la vida le da, y en la facilidad con la que eleva canciones de autor a verdaderas joyas pulidas, llenas de detalles, de brillos, de necesarias sombras y con esa forma innata de abrigarnos por dentro. La noche del Café Berlín fue lo más parecido a una noche perfecta, contando con su equipo titular en el escenario, y con dos de las inmensas colaboraciones del disco: Mäbu y Alberttinny. Es más feroz la vida, pero es que es escuchar los primeros segundos de Catedrales y solo piensas en que ojalá esta realidad pueda durar siempre. Esta no es un crónica técnica porque no tendría sentido, Delgado interpreta emociones, y solo podemos hablar desde ahí, por respeto y por admiración. Ojalá 2025 pueda ser un año de muchos conciertos para él, porque es un regalo que deberían experimentar y disfrutar en todo punto posible del país. Que no sea por no repetirlo una y otra vez.

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ULTRALIGERA matanza en el teatro eslava

“Sí, este soy yo, Gisme, y te estarás preguntando cómo he llegado hasta aquí.

Bueno, esta es mi historia...”

Viendo esta foto, uno quizás se limite a preguntar cómo es posible que no haya aparecido un gorila segurata a parar el show de los Ultraligera, justo en el momento de mayor ida de olla de un concierto que difícilmente olvidaremos todos los que estuvimos allí. Fue La Noche del boom absoluto para una banda que hacía semanas que tenía muy claro que no iba a dejar pasar esta oportunidad para sacar toda su artillería y demostrar que las cosas que les están pasando no son fruto de la casualidad. Un espectáculo en varios actos brutalísimo.

Texto: Dani Pach Fotografías: @bea11trice

Y decimos varios actos, porque Ultraligera empezó al máximo de intensidad, con luces y máquinas de aire al máximo rendimiento desde los primeros segundos, dejando con la boca abierta al respetable, que se supone que sabía a lo que iba, y a un buen grupo de personas de la industria que no podían evitar comparar lo que estaban viviendo con la irrupción de algunas de esas bandas que cambiaron el panorama del rock nacional de los últimos años. Entonces, en medio del vendaval, desaparecen, y a continuación les vemos con sillas altas para darnos en la cara con sus acústicas.

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El momento acústico, como imaginábamos, se fue envenenando en sí mismo, y lo que vino después no se puede explicar con palabras. Una tromba de temazo sobre temazo, ejecutados con una rabia y unas tablas súper trabajadas, al mismo tiempo que entre el público empezaban a aparecer bufandas, banderas y un sinfín de movidas que convirtieron la noche en una especie de parque de atracciones para unos músicos que se lo estaban pasando como jamás se lo han pasado en sus vidas. El climax llegó en ese momento en el que se nos ocurrió pestañear y al segundo vimos cómo Gisme empezaba a escalar hacia las barandillas del primer anfiteatro, una rockera temeridad que hizo que la peña no tuviese muy claro si aplaudir, gritar, hacer un pogo justo debajo del cantante, o simplemente esperar a ver de qué forma conseguía salir el tío de ahí. Un momento que siempre tendremos en la retina, y que ponía la guinda a casi dos horas de rock de altos vuelos.

Una carta de presentación de Pelo de foca que será difícil de igualar, incluso por ellos mismos, aunque se les ve amantes de los retos y a partir de este punto cualquier cosa puede pasar. Qué gran historia la de estos chicos, y qué lujo poder contarla desde tantos puntos de vista en Sold Out.

Texto: Dani Pach Fotografías: @bea11trice

blackpanda

Marta Marlo y Andrés Lim son tendencia y están de celebración, porque su primer larga duración, Vapor y cielo (Music for animals / Vanana Records) ya está en la calle, y les ha llevado en los últimos días a hacer diversas presentaciones y firmas, un trajín al que quizás no estaban acostumbrados, pero que tiene todo el sentido tras conseguir combinar, de una forma tan visual y luminosa, una propuesta excelente de pop, urbano y electrónica que no tiene comparación en la escena actual.

En la Sold Out les seguíamos la pista hasta lo enfermizo, y tuvimos la suerte de conseguir quitarles un poquito de su tiempo a pocas horas del lanzamiento del disco en plataformas, para brindar con vermú en el Nanai de la Calle del Barco. ¡Hablemos de nervios!

M: pues mira, el proceso está siendo muy guay, estamos como muy tranquis, pero de repente hoy nos ha entrado la gusa.

Parecería una nueva primera vez.

M: nunca habíamos empacado un trabajo de esta manera, en un álbum. Siempre habíamos sacado singles, más allá del EP, y es la primera vez que lo desarrollamos de esta manera, dedicándole tanto tiempo, tanto cariño y detalle, y siempre tienes esa cosa de cómo va a funcionar.

Desde pandemia hasta aquí, parecería que ha ido todo como muy rápido.

A: es un camino que hemos hecho en realidad casi sin percatarnos, porque empiezas single a single, y cuando ves que puedes finalizar, lo que al principio parece un muro gigante (que es finalizar un trabajo de una canción), en primer lugar, te entran ganas de hacer algo más grande y más complejo y, en segundo lugar, te das cuenta de que puedes ir haciendo todo ese trabajo muy poco a poco. El camino desde Miss u hasta aquí es como un flashback, ha pasado todo muy rápido. Lo resumo en cu-

rro, risas, viajes, jaleos que resolver, alguna cagada de por medio, sentimientos a punta pala. Son muchas imágenes, muchos días de concierto, días de curro hasta las mil.

Gente que se tatúa tus letras, gente que se casa poniendo el nombre de una canción tuya en su anillo...

Esa sensación debe ser indescriptible.

M: es un proceso, tú estás en tu casa componiendo, haciendo tu movida con tu compi, como tú quieres, y eres consciente de que lo que haces va a llegar a la gente, pero no sabes a qué nivel. Entonces es interesante recibir ese feedback, es un punto muy guay. Andrés y yo siempre decimos que para nosotros hacer música es como ir en una canoa. Remamos y remamos, pensando que al fondo habrá una isla, y el problema es que esa isla no la vemos, pero tienes que mantener esa fe, ese compromiso. Va a estar, y creemos en ello. Y cuando llegas, disfrutas un poco, comes, bebes, que es un poco ese feedback...

A: ¡...y otra vez a la canoa!

M: eso es, a por otro proceso creativo.

Habláis de imágenes, yo veo mucho azul.

A: está, de hecho, dentro de la paleta de colores elegida para proponer este disco.

M: todo ha tenido una intención en el proceso, una lectura. Cuando empezamos, tampoco sabíamos al 100% a dónde nos iba a llevar esto, ni cual sería el imaginario en el que nos encontraríamos, pero es cierto que a medida que hemos ido currando, se ha ido generando, y es bonito que se pueda percibir desde fuera, que se pueda entender ese imaginario tal y como nosotros lo hemos trabajado, aunque luego haya personas que tengan otras lecturas, como es normal.

A: en todas se ha ido dando en el clavo en este sentido, estoy muy contento porque estáis teniendo esa conexión con diferentes puntos del proyecto, muy en la dirección en la que lo hemos planteado.

Hablabais del agua, y hay sitio para el resto de los elementos.

M: nos hemos inspirado mucho en un paisaje natural, ya que hemos estado componiendo en Tenerife y Cantabria. Era algo inevitable, porque estábamos rodeados de naturaleza, que es algo que nos apasiona. La ciudad, Madrid, nos gusta mucho, es donde están nuestros amigos, donde está la escena, pero es cierto que para inspirarnos nos gusta mucho el silencio. Cuando te vas a estos lugares, encuentras sitios dentro que no te permite la ciudad, ni sus tiempos.

Todo esto en paralelo con poner la banda sonora de la película Valenciana.

M: son sinergias que se van cerrando con el tiempo. Venimos del cine y de las artes escénicas, y al trabajar en esos sectores hemos conocido a mucha gente con la que, de una forma u otra, hemos ido colaborando, nos hemos ayudado y nos hemos elevado entre todos. Cuando llegó

el momento de que Jordi Nuñez, amigo nuestro, iba a hacer su segunda película, tenía una canción en mente que quería que hiciésemos nosotros.

A: otras veces nos han contactado directamente porque a alguien de ese tipo de grupos de trabajo le gusta alguna canción nuestra y nos lo pide: “esta canción matchea para este momento concreto”, y vamos adelante con ello.

Hablando de equipos, el vuestro es de nivel, contando incluso con Ed is Dead.

M: le conocíamos, pero como fans.

A: terminamos en el estudio con Edu porque somos fans, hemos comprado y disfrutado su música antes, y creíamos que su sonido y su forma de ver la música podía encajar bien con el propósito que teníamos para este disco. Si a él le gustaba el proyecto, pues encantados porque nos alucina cómo trabaja... Y nos dijo que sí.

El diseño de Carlos Ojeda termina de poner la guinda y encaja increíble con la electrónica, y con todo lo demás.

M: yo estoy muy orgullosa con esa parte, y me emociona mucho porque con Carlos empezamos a currar casi de manera aleatoria. Nos contactó en su momento por Instagram y a día de hoy es de nuestros mejores amigos. Tiene tal talento, independientemente del disco... Creo que ha enriquecido muchísimo esta propuesta con su visión y, al igual que él, también María Naharro en Arte, María Verano en maquillaje, Chamo Armada con vestuarios, Luis Valderde con los diseños... Al final este es un disco que hemos sacado adelante una serie de creativos, apoyándonos entre nosotros con los recursos que teníamos, intentando sacar oro de la típica criba.

Estoy orgullosa de todos ellos, y sé que no hubiera sido lo mismo sin ellos.

En Efímero hay otra persona presente, la gran Gata Cattana.

M: es una artista que siempre nos ha inspirado muchísimo y, a posteriori, yo descubrí que también escribía poesía, me compré sus libros y nos los llevamos al proceso de composición. Me inspira mucho leer poesía a la hora de componer, porque son palabras que están detonando en ti.

A: es como un ping pong: estás recibiendo pelotas que luego devuelves transformadas en otra cosa.

M: filtras tu realidad y elaboras un nuevo mensaje.

A: partíamos de un folio en blanco para el disco, con el objetivo de escapar de todo lo que habíamos estado haciendo hasta entonces, y así dejarnos llevar por el lugar, los libros, la inspiración general. Y en un momento en el que no estábamos muy inspirados, mientras Marta leía, le estaba resonando una frase concreta. Esa frase ayudó a evocar todo un paisaje sonoro.

Así que, en gran medida, Efímero existe gracias a Gata.

M: de hecho, cuando sacamos el tema, tuvimos también la oportunidad de hablar con su familia, y para ellos fue algo súper guay. Es una artista que está viva, está en el imaginario colectivo de nuestra generación.

Hablemos, por favor, de No tengo prisa.

M: es la primera canción que compusimos del álbum, el momento en el que llegamos a Tenerife y nos pusimos a trabajar. Era el primer día y, en cierto modo, tenía miedo a eso del folio en blanco, al abismo, porque no sabes qué va a pasar.

A: a nivel producción, teníamos la presión de hacer rentables aquellos días, de no pensar que estábamos de vacaciones. Y eso supuso una presión que el primer día complicó la gestión de ese buen hacer, y de la estancia allí. Entonces optamos por to-

márnoslo de otra forma que no fuese desde las prisas por generar y, partir de ese momento, nació ese No tengo prisa.

M: es un reminder de: oye, yo sé que quieres dar tu mejor versión, pero calma.

A: y la forma de que eso se nos metiera en la cabeza fue haciendo la canción. Fue un mantra del proceso, y cuando estábamos muy agitados le dábamos una escucha.

M: hemos sentido bastante esa prisa durante el proceso, porque aun ha sido relativamente largo (un año y medio más o menos), Y esto es un recordatorio real que me hago, porque es algo que no me impone nadie, de hecho los deadlines no eran un problema.

A: si quieres hacer algo que mole, echa el freno.

Nos gusta mucho la canción que da nombre al LP, y que además lo cierra.

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M: este tema tuvo como clave la imagen, que era muy potente. Nos tocaron unos días con una nube muy visible, diría que imantada, era una cosa preciosa, y terminó inspirando todo el imaginario del disco.

Cuando volvimos a madrid, hablamos con Carlos Ojeda en plan amistoso, le enseñamos las canciones, creyendo que tenían mucho que ver las unas con las otras, pero desde dentro del proceso no sabíamos muy bien cómo se está percibiendo. Nos dijo: “Marta, aquí hay un hilo conductor, y esta canción compacta muy bien todo el concepto del álbum”. Ahí lo entendimos y empezamos a tirar del hilo para desarrollar todo ese imaginario.

cho disfrute, y momentos en los que hemos sentido el resolver. En un proceso comunal, hay muchos micro-procesos, muchas micro-decisiones, mucha gente también en la que delegas y, entonces, inevitablemente se dan momentos en los piensas: “buff, está costando”. Pero luego hay otros muchos momentos en los que te ubicas y dices: “joder, tío, es que yo hice esta canción, la hice de puta madre, contenta, feliz, y quiero recuperar esta sensación con la que hicimos esto”. Es olvidar un poco la parte de gestión para irnos más hacia lo que queríamos contar. ¿Si ha costado? Sí, un poco, pero tampoco es que haya sido un sufrimiento.

¿Cuánto ha costado llegar hasta aquí?

M: siento que ha habido momentos de mu-

Desde fuera, ahora sabemos que hay un trabajo muy gordo. ¿Creéis que se verá

reflejado en su justa medida?

A: miedo no tenemos, quizás yo me vea así como espectador u oyente de trabajos de otros artistas. A mí me encantaría que todo el mundo recibiera este disco como lo estáis recibiendo vosotros, entendiendo el concepto y a dónde queríamos llegar. No tenemos miedos, obviamente sí tenemos expectativas, curiosidad por ver si se encaja más en unos sitios que en otros, o si a la gente le gustan más unas canciones o temáticas que otras. En cuanto a esto último, y creo que hablo por los dos, no tenemos hijos favoritos. Ha habido que lanzar singles porque era lo que tocaba, pero nada prevalece sobre todo lo demás.

M: me encantaría que se entendiera el aporte de valor, que detecten que este proyecto tiene valor, mimo, está trabajado.

Texto: Dani Pach Fotografías: @bea11trice

BESMAYA La de veces que habrán estado así Javi Ojanguren y Javi Echavarri, micro a micro, en una habitación mientras crecían haciendo canciones, y lo espectacular que es verles ahí, en medio de la puta Riviera, rodeados de amigos y de fans cantando esas canciones que hace ya tiempo que han dejado de ser de ellos. Besmaya ya es mucho más que una sensación, y es cierto que llevan ya un tiempecito pisando grandes escenarios, pero esta fecha dentro de la gira estaba marcada en rojo, y más con todas las cosas bonitas que Nuevos lemas ha generado para estos dos buenos chavales.

Para esta cita contaron con la colaboración de íñigo Quintero, con quien acaban de publicar El tiempo que paso contigo, un sencillo que capta a la perfección la esencia de ambos proyectos.

Besmaya terminará el año en la Sala Óxido de Guadalajara el 14 de diciembre, para los rezagados.

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Una fiesta de las que ya no hay, por si teníais dudas de cómo fue esta celebrada segunda fecha de La Raíz en el Wizink, ante unas 17 mil personas que habían permitido a los de Gandía colgar el cartel de no hay billetes, con unos nueve meses de antelación. Acostumbrados a ver finales de gira en ese mismo recinto, esta celebración por el nuevo comienzo de la banda es de las cosas más especiales que muchos hayamos podido vivir en lo que llevamos de década, y es que fueron seis años duros para muchos, y nadie esperaba el anuncio de un inesperado parón en lo más alto.

Texto: Dani Pach Fotografías: @bea11trice

Música revolucionaria, muchas banderas republicanas y pogos simultáneos a lo largo de la pista, eran los fuegos que iban generando desde las tablas Pablo, Julio, Maloa y Panxo junto a sus musicazos. Los ritmos urbanos de siempre, las letras coreadas de principio a fin, los brazos arriba una y otra vez, y unos visuales espectaculares, hicieron, en conjunto, que no quisiésemos ni pestañear. ¡Estaban pasando cosas todo el rato!

Esta noche inolvidable es el punto de partida de una Gira de Reencuentro que les llevará desde marzo a actuar en espacios emblemáticos de todo el país. En ciudades como Bilbao, Zaragoza o Valencia ya se han agotado las entradas. Además, han sido confirmados en festivales como el Sonorama Ribera, el Viñarock o el Rabolagartija, entre otros muchos. Así que tío, abre tu agenda y organízate, porque este gente va con todo, como han hecho siempre, y es una gozada necesaria que, al igual que ellos vuelven a militar desde los esenarios, lo hagas tú también desde la pista.

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Mónica Morado - Jacques Brel. (autoeditado)

Sofía Lafuente - Eclipse (autoeditado)

Anabel Lee - Ven a jugar (Vanana Records)

Ya teníamos ganas de desconectar un poco de la vida para disfrutar con atención del tercer adelanto de Panaceas, el que será el segundo disco de la madrileña Mónica Morado. Quizás nos aventuraremos mucho si afirmamos que estos serán los minutos más íntimos y delicados de ese nuevo capítulo del proyecto de Mónica, pero algo nos dice que estará al menos en el top tres. En la producción y en la mezcla esta vez nos encontramos a Chapo González (Tarque, Xoel), y unos violines súper bonitos de la gran Amara Ríos. Todo para rendir homenaje a la memoria, al afecto casi infinito y, como bien dice Mónica, al respeto por el duelo del desamor. El protagonista de esta “película” no podía ser otro que el actor y músico belga Jacques Brel, uno de los grandes exponentes de la chanson française, y por supuesto del desamor. Si vives en Asturias, la voz y las letras de Mónica te esperan en el Toma 3 el 26 de diciembre. Si nos avisas, te hacemos hueco :)

La cosa va de desamor y es una suerte, en ese sentido, que caigan en nuestras manos estas cuatro fases del proceso, en voz y letras de una artista que ha nacido en Estados Unidos, ha vivido en Londres y canta en nuestro idioma, valiéndose de la luz y la oscuridad para explorar ese sentimiento tan doloroso como sanador. En la producción, Sofía ha contado en este segundo EP con Salvador Moratillo, Daniel Escalante y Nacho Larraza, y el resultado final le sirve para mostrarse vulnerable pero valiente desde la introspección, desde el necesario autoconocimiento, para hacerse fuerte y crecer.

Como trabajo conceptual, tiene todo el sentido escucharse las cuatro pistas del tirón, y cuando lo hagáis, quizás os quedéis prendados con la canción que da nombre al EP (y que además lo cierra) y que destaca por la cantidad de capas instrumentales, por su ritmo animado y por esas melodías vocales que parecen desatarse en una reflexión pop digna de artista grande.

Robar un banco con chupitacos previos en el Moloko no parece en absoluto una mala idea, así que nos apuntamos al plan de Víctor, Jordi y Perdi tras algo más de un año gozándolo con las canciones de Ganamos perdiendo. Producida en la casa de Carlos Hernández, y con la magia final de Ultramarinos Costa Brava, esta canción sirve a los de Terrasa para volver al ruedo con energías renovadas, un bajo muy potente, sintetizadores y, en general, con una sensación de que la cosa se pone seria. ¡Tío, si hay hasta trompetas y trombones! No podríamos decir que estén dejando a un lado ese punto rebelde que les caracteriza (o sea, se van de fiestaatraco, qué más quieres), pero sí es cierto que este sonido tiene un punto de potencia, incluso de cierta oscuridad, que antes no percibíamos, y que intuímos como una evolución natural para una banda que crece a ritmo a todos los niveles. No te los puedes perder en Madrid el 17 de enero, en la Sala But, dentro del Inverfest.

Margo - No puede ser.

(Warner Music)

Paulina del Carmen - Siempre (Discos de Menta / DAD)

Marta Knight - Unbothered.

(La Castanya)

¡Oídos abiertos, esto es un debut! María García marca con No puede ser el comienzo de su interesantísimo proyecto personal tras subirse a muchos escenarios, incluso como corista. Si esto va de transmitir, María tiene un máster, sin ir más lejos el vídeo que acompaña a esta canción (trabajazo del cineasta Carlos Cuervo) es un bodegón de pequeños movimientos en los que la mirada, los gestos y el ritmo pausado y tenso para superar una derrota sentimental desde el empoderamiento. Hay emoción, energía instrumental y una mezcla de soul y rock exquisita, combo perfecto para una liberación interna, una reflexión que se puede leer de forma súper nítida en los ojos de la artista. Puedes escuchar la canción sin ver el clip, faltaría más, pero la experiencia completa es altamente recomendable. Junto a su banda, María lleva currando en Margo desde febrero de este año, y se encuentra en pleno proceso creativo, así que estad atentas, que hay nivelón.

Una de las sorpresas inesperadas del mes es la música de esta artista de Granada, que ha lanzado este nuevo adelanto del que será su primer EP, Rosas y estrellas. Este 2024 ha sido el de apostar por su proyecto musical, que bebe del soul, la música latina, los sonidos urbanos y el pop, además de los matices sureños de raíz, aunque ella trata de huir de etiquetas y categorías para crear su propio camino Esta composición, que desborda sensibilidad e intimismo, fue producida por Miralles (Radio Palmer, Amigas!) y Jaime Beltrán (La Resinera), y cuenta con el arte de Alba Guni (La Química Film Lab) para la portada. Vamos, que se han alineado los astros en pro de que este sencillo llegase a nuestras manos brillante y con muchísima luz. El videoclip, dirigido por Isabel Tallón, va más allá, llenándolo todo de flores y de mar para dar todavía más enfasis al mensaje de que, al final, siempre hay otro siempre. El 31 de enero estará en el Lemon Rock de Granada.

¡Qué buenas son las guitarras 90s, brits, melódicas, tan clásicas y tan de hoy! La de Barcelona lanza al fin el que intuímos que será su único single de este año, de apenas dos minutos (lo bueno, ya se sabe, en frascos pequeñitos) y producido de nuevo por Pau Riutor. Rodeada de un montón de gente molona (en los créditos está Malena de El Momento Incómodo :D), esta artista con tanto camino y peso internacional, que se dice poco, lanza una cuestión tan importante de cómo cuidarnos y querernos, de cómo ser nuestro mejor amigo, y de aprender del pasado para encontrar nuestro camino. Marta la define como una canción que habla sobre las cosas feas, y el resultado es una cosa guapísima, que deja entrever que 2025 va a ser un año movido y lleno de novedades. Si no la conocías y te mola la música atemporal, ponte su disco Strange times forever. Nos lo agradecerás. Ojalá empiece a sonar en las radios de aquí, que tela.

¡LAS RESEÑITAS!

Texto: Dani Pach Fotografía: @bea11trice

“y esto es por ti, por nadie más...”

Es muy difícil para esta redacción de dos unidades de personas hacer listas de lo mejor del año (y ojo, tenemos más o menos claro cuáles son los discos, pelis y libros que más nos han gustado hasta ahora), y una de las razones es que todo dios difunde a sus “premiados” entre noviembre y diciembre. ¿No tendría más sentido que este balance se hiciese en enero? ¡Hay peña que ha sacado su disco hoy y, en cambio, hay medios que ya han publicado su disco del año hace días e incluso semanas! Resulta que tu disco puede ser un trabajo increíble que se recordará por los siglos de los siglos, pero es que, majo, lo has publicado en el último mes del año, y eso significa que te habrás quedado fuera de las listas, tanto de 2024 como de 2025. ¡Diciembre es el puto limbo musical y sus lanzamientos, los grandes ignorados! Dicho esto y, haciendo un alegato por el mes de las aglomeraciones y de los excesos de luces led, vamos a recordar algunos lanzamientos históricos que no habrían sido incluidos en listas (al menos en nuestro país), por esa razón tan absurda: Hotel California, el quinto álbum de los Eagles; London calling, el tercero de The Clash (¡un 14 de diciembre, viva el jodido punk!); el enormísimo Rubber soul de The Beatles, sexto álbum de los británicos; John Wesley Harding de Bob Dylan (el puto amo, lo publicó a cuatro días de terminar 1967); y el Let it bleed de los inmortales (ups, salvo por Brian Jones) The Rolling Stones. Poca broma, os lo digo. Luego está el Wrapped de Spotify, que no sé cómo lo hacen, pero lo hacen mal, sea o no de manera interesada, empezando por el hecho de que solo incluyen datos de escuchas desde el 1 de enero hasta el 31 de octubre. Por lo que sea, se cargan noviembre y de nuevo al malogrado diciembre, que vamos, soy yo el mes doce y los mando a todos a tomar por culo. “Ahí os quedáis, me llevo conmigo a Mariah Carey y os quedáis sin aguinaldos, malditos desagradecidos”.

Aprovechamos la coyuntura para mentar algunos grandes discos a los que no hemos podido llegar durante el año y que nos deja en el cuerpo una mezcla de rabia e insatisfacción, empezando por el ¡AHORA! de Biznaga, Futuros imposibles de Dorian, Bodhiria de Judeline, Gran hostal de Camellos, PO2054AZ (Vol.II) de Sen Senra, SORA de Ganges, Aquí y ahora de Delaporte, Conducción temeraria de Alizzz, o el Cancionero de los cielos de Viva Belgrado. Ya puestos, oramos también por secciones de la revista que se han ido quedado atrás o que no han tenido continuidad a lo largo de 2024, como el teatro, el Sold Out de cine o las cinco canciones / pelis / bandas sonoras de personas de la cultura. No nos da la vida, esa es la razón, pero nos pondremos las pilas para este año. ¡Felices festis!

MARSELLA - ERES ESA LUZ

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La música se disfruta más en compañía.

“La verdad de unos ojos que miran sin el amparo de quien sabe que está roto este corazón tan raro...”

LA CONTRA

Objet indéstructible, Man Ray (1923) La Soledad, Valeria Castro (2024)