Revista Sold Out, nº 15

NOTICIAS | ENTREVISTAS | REFLEXIONES CULTURALES Nº 15. OCTUBRE 2023

MAXI

¡anabel lee!

ARA FIORE | ÍDOLOS DEL PARQUE | REYS | FLECHA VALONA | LÍGULA | CUTI VERICAD | BUM MOTION CLUB. | ÁNGEL STANICH

Sold Out es una revista cultural, descargable y gratuita, sin pretensiones, escrita y diseñada por personas enamoradas de canciones, párrafos literarios, fotografías, películas y toda clase de manifestaciones artísticas.

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Fotografía por Dani Pach

Fotografía: @bea11trice

¡VAYA JARDÍN!

REDACTORES EN PELIGRO DE EXTINCIÓN

Esa pieza que no encaja.

Hace unos días nos sorprendió en RRSS un vídeo en el que Lorena Jiménez, fundadora y directora de la archiconodida agencia de promoción La Trinchera (por cierto, nos flipa el nuevo logo creado por Christian Tosat), se preguntaba cuál podría ser la razón de que esté siendo tan difícil sacar adelante las campañas de promo de sus artistas. También se cuestionaba si era algo general, es decir, si le estaba pasando lo mismo a las demás agencias, oficinas y gente freelance. Esto produjo una cadena de vídeos de profesionales de la música contando experiencias muy parecidas, y algunos incluso están proponiendo sentarse, debatir la situación y poner ideas en común para tratar de limitar, entre otras cosas, el ritmo vertiginoso de lanzamientos que, prácticamente a diario, ahogan los correos electrónicos de blogs, webs, revistas y demás medios escritos.

Tan solo los nuevos canales de comunicación, más ligados a lo audiovisual y generados casi con la misma rapidez que los lanzamientos, se salvan a medias del agobio generado por las incansables novedades musicales. No es que un periodista o un escritor amante de la música no quiera escribir sobre un artista que acaba de sacar un single. Es básicamente que no le da la vida. Joder, sin ir más lejos, un servidor creó esta revista con la idea de que sus números fuesen mensuales. Jamás habríamos abierto un

Santi Balmes con David Escamilla (Principal de los Libros) Este septiembre nos ha sorprendido con un puñadito de joyas literarias, entre las que encontramos este interesantísimo diálogo entre el frontman y lider de Love of Lesbian, y el escritor, comuni-

cador e incluso músico, David Escamilla. Tras más de veinticinco años del nacimiento de una de las bandas más icónicas de nuestros tiempos, quizás sea un momento ideal para ahondar en la carrera de Santi y descubrir cómo consiguió desarrollar esa creatividad que le ha convertido en uno de los compositores contemporáneos más reconocidos e importantes. La clave a nivel creativo radica, tal y como cuenta en esta extensa entrevista convertida en libro, en la búsqueda del equilibrio partiendo del caos total y de la tolerancia al fracaso. También es vital, para terminar de engancharnos a estas páginas, el hecho de que Balmes, más allá de sus canciones, ha publicado cuentos infantiles, novelas, relatos e incluso un poemario, y se está abriendo ante un escritor que, además haber publicado más de cincuenta libros, ha editado hasta tres discos de estudio. Se palpa la admiración mutua, hasta el punto de que el lesbiano leyó un poema de Escamilla en la presentación de “Solo la verdad es sexy”, su obra de Poesía Completa, hace ya tres añitos. Este será por tanto un viaje musical emocionante, reflexivo y con mucha miga, sobrevolando la carrera de un artista que, junto a unos músicos excepcionales, fue capaz de generar decenas de canciones revolucionarias convertidas en himnos para la importante generación indie que todo lo pudo en estos últimos veinte años, y en quienes se fijan hoy las nuevas propuestas emergentes. Este libro podeis comprarlo en la histórica Libería Cativos de Vigo.

blog porque sabemos lo jodido que es mantenerlo. Admiro lo más grande a todas esas personas que son capaces de publicar todos los días contenido original de calidad. Esas personas tienen su trabajo, su familia y sus problemas, y hacen un trabajazo de free porque les flipa la música. Aquí no sabemos hacer eso, no nos da la cabeza, es lo que hay. En ocasiones (por suerte no demasiadas), ni siquiera nos sentimos recompensados, porque el artista no se molesta en compartir ese contenido hecho con tanto cariño y con tanta verdad (aquí, sin ir más lejos, nos ha pasado con el artista portada de septiembre). No ganan ni pierden, de hecho solo pierde el artista, y esto a la larga se ve. Saturación + desinterés = dejo de escribir. En nuestro primer número (la Sold Out en modo beta), hablábamos de eso en esta misma página: cada vez hay menos redactores, y eso se puede cargar parte del tejido, entre otras cosas porque se dejará de hablar de esa banda que nadie tiene en cuenta salvo los medios pequeños. Ese artista que un día será conocido por todos, necesita un apoyo que ahora mismo, siendo pequeñito, está dejando de tener. Hay que buscar herramientas para no ahogar a los medios, pero también hay que buscar la forma de incentivar a todo aquel amante de la música y de la redacción para que haga ese trabajo tan bonito y tan necesario.

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CUANDO PERDER ES CRECER

Fotografía por: @bea11trice

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Fotografía por: @bea11trice

Una de las razones de que exista esta revista es porque existen bandas como Veintiuno.

No podríamos decir un número exacto de bolos que hemos presenciado de los de Toledo, son muchísimos, han pasado muchos años y tras frotarnos los ojos les vemos presentando el disco de sus vidas en Madrid delante de todos sus amigos, para después embarcarse en unas interminables jornadas de promo, donde hablan sin parar de eso, de El Arte de Perder. Al rato de llegar a la primera planta de las oficinas de Warner, Diego y Rafa nos reciben con un abrazo, y con relativa calma nos cuentan que les acaban de robar unos 5 mil euros de equipo, y que por esa razón nos están con ellos ni Yago ni Pepe. De nuevo, la mala pata hacía aparición, como marca de la casa en el camino y evolución de la banda. Entonces, alguien abre una cerveza, ponemos la grabadora en marcha y nos ponemos al día.

El primer pensamiento cuanto pensáis en el cuarto disco.

D: hay algo tierno en no haber cambiado de nombre, y en seguir defendiendo todo desde que empezamos, de manera que se pueda ver tu proceso artístico. Creo que es

algo bonito. Me parece guay que la geografía emocional de la banda se quede reflejada. ¿Veis mucho hacia atrás, al pasado?

D: no, porque no creo que sirva de nada, no trae nada bueno. Al menos yo no soy nada nostálgico. Es una emoción inerte.

R: está bien hacer retrospectiva, pero creo que no es algo que nos haga falta para crear.

Siempre estamos mirando hacia delante. La nostalgia a veces te paraliza.

Se mantiene la memoria a la hora de formar el equipazo que os rodea.

D: cuando empiezas eres un crío - Yago, por ejemplo, tenía quince años cuando empezamos a tocar - y es muy guay ver caras conocidas que siguen viniendo a los conciertos, que te han acompañado en el camino. Es como un lugar común, eso sí es volver a casa y tiene algo muy tierno: el que haya gente que, a pesar de los cambios, de la evolución que vas experimentando, decida seguir interesándose, y no opte por el discurso que veo en personas que dicen eso de “te has vendido, es que tal”. Sea lo que sea, sigues aquí, yo sigo enseñándote lo que hago, y eso es algo precioso.

Qué puede llevar a alguien a pensar que os habéis podido vender.

D: sostengo, y lo he dicho un montón de veces, que hay gente que escucha música por amor a la música, y hay un porcentaje de personas que escuchan música utilizando sus gustos para diferenciarse de los demás, algo que particularmente me parece menos sano. Si te gusta, probablemente te podrás enamorar de cualquier forma de música y no emitir un juicio, pero si escuchas la música desde un punto de vista más social, como queriendo distanciarte de otra tribu urbana, o de otra gente que escucha otras cosas, vas a desarrollar prejuicios. Vas a armarte contra el otro, la otredad es quien escucha otra música que a ti no te interesa, porque no te interesa lo que son, y tú te defines por lo que te gusta pero mucho más por lo que no te gusta, y para mí eso tiene un punto patético. Creo que discursos como “es que estos se han vendido” tiene más que ver con “es que ya no es solo mío”. A lo mejor le gusta a alguien que tiene menos que ver conmigo de lo que a mí me gustaría, y por tanto yo soy menos especial. Quien hace eso es quien pierde, pierde mucha música.

ido moviéndose casillas. Por supuesto, queremos gustarle a toda la gente posible por un motivo esencial: garantiza la supervivencia de la banda. Ahora mismo la banda va bien, y gustarle a la gente a la que ya le gustabas y a la gente nueva, conseguirá que le guste a más gente. Dar en la tecla... una buena canción es una buena canción. Si alguien tiene la opinión de que hacemos las cosas más fan service o menos, es una discusión sobre la que yo no puedo contestar. Yo solo tengo control sobre si la canción que he escrito es artísticamente honesta, si nace de una premisa sana, que es no hacerlo sublime como Pasolini, yo quiero hacerlo bien, quiero hacer algo que me legitime como lo que yo espero de mí mismo como autor. Y a partir de ahí si gusta... ojalá guste. Ojalá de lo que yo hago que me gusta a mí, demos con lo que más nos gusta. Estoy muy tranquilo con esto, hemos avanzado armónicamente, hemos avanzado en la producción, creo que las letras de este disco tienen una profundidad como pocas veces la habían tenido, y que eso haya conectado es una victoria. Lo celebro profundamente, como lo celebro de cualquiera que consiga esas cotas. Para mí el mejor disco de Viva Suecia es este último disco, pero entiendo que para la gente que quiere pureza, lo crudo y lo puro, cuanto más refinado suenes, o más pulido, es más incómodo porque le puede gustar a más gente. Lo que es friendly, para el purista es menos guay. Eso no es asunto mío.

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Lo mejor que puedes hacer es disfrutar de Carolina Durante y de Morat, y no de uno contra el otro. Es una discusión absurda. Y lo digo porque Carolina citan en una canción a Morat. Es mucho más guay nutrirte de las cosas chulas que tienen ambos.

R: e incluso disfrutar de los primeros discos de un artista y de los últimos. Se critica a muchos grupos porque los primeros discos molaban más que los nuevos, de si ahora se han ido al pop, etc. Es simple: los primeros los conocía menos gente, y tú te sentías especial por ello. Ahora los conoce más gente y ya no es algo tan especial, ni tú te sientes tan único.

Los medios, en torno a Veintiuno, siempre comentamos que dais en la tecla. Todas las canciones funcionan.

R: realmente no tenemos una percepción objetivo de qué canciones funcionan y cuáles no tanto.

D: este disco parte de 23 maquetas, de las que se han quedado once temas en total. La primera premisa para trabajar una canción es que a todos nos guste y estemos de acuerdo. Lo que creo que es digno se lo paso a los chicos, y trabajamos sobre eso. A partir de ahí, consensuamos qué de lo que nos gusta a todos, nos gusta para el disco que estamos montando. Lo primero que existe de este disco es un mail - de septiembre de 2021 - de “esta es la propuesta, esto es lo que queremos contar, se llama así, viene de este sitio” y ya había seis de los temas que iban a entrar en el disco. Creo que de esos seis entraron cuatro, no recuerdo exactamente, y luego ahi han

Las temáticas nos llevan al amor y desamor, a la crítica a la industria... siempre con esa la mala pata de fondo.

D: esta es la premisa del disco. El poder hablar de cosas que nos han ido pasando en estos últimos cinco años, pero cuando ya han pasado. Creemos que es el mejor momento para hacer un disco como este y cerrar una etapa. Llevamos un año muy bueno. ¿Cuánto va a durar? No tenemos ni idea porque es imposible controlarlo, pero es verdad que las cosas van bien, estamos trabajando mucho, estamos viendo los frutos, y podríamos hacer dos cosas: presumir de éxito y de lo bien que van las cosas, o hacer una parada, hacer un memento mori y subrayar ciertas cosas. No sé si tendríamos el tiempo para hacer esta entrevista hace cuatro años, y si lo tuviéramos no tendríamos la perspectiva porque nos estaban pasando alguna de esas cosas. Ahora, sin estar nadie enfadado, es más fácil contarlas desde un punto de vista más honesto, sin la mala hostia.

La gran novedad del disco es que es el primero de Rafa.

R: yo era fan de la banda antes de que me llamaran. Les vi en su primer concierto en Sevilla, que había unas cinco o seis personas.

En el segundo concierto ya había unas ciento

cincuenta personas, colaboré con ellos en Estela Plateada. Estaba muy nervioso aquel día. Cuando me llamaron me alegré mucho, pero también me entró mucho miedo. Por un lado, era entrar en un proyecto que ya estaba empezando a rodar, y no sabía si iba a cumplir lo que necesitaban o esperaban de mí. A nivel musical tenía claro que íbamos a encajar porque teníamos muchas referencias comunes. Para mí ha significado poder tocar con una banda que era de mis favoritas del panorama. Fue una ilusión increíble.

D: Rafa está en la banda porque nos encantaba a todos como músico, nos gustaba mucho Astropálido, y salió en la conversación en el momento en el que buscábamos a alguien con quien compartir la banda. Lo que se le propuso fue entrar en la banda, no tocar en los bolos y ya. Se le propuso ser miembro porque había una relación personal muy buena, siempre es un salto al vacío, pero creíamos que podíamos entendernos. Rafa aporta una visión de canción como casi nadie que yo haya conocido, sabe dónde está una buena canción, sabe detectarla, trabajarla, pulirla, sabe hacer de una canción algo mejor, es un productor extraordinario, canta increíble, toca muy bien, y encima es una persona muy fácil de llevar. En la convivencia, en un año en el que llevamos cincuenta bolos, es fundamental que te entiendas. De hecho ha propiciado cosas muy delicadas y muy bonitas. Todo este disco tiene detrás la cámara de Marina, que nos ha acompañado en la última gira, ha estado en los rodajes, en las promos... es amiga de hace mucho tiempo y viene con nosotros. Ella ha montado muchos vídeos sin decirnos que los estaba haciendo. Ha cogido piezas de unos vídeos para montar otros, ha hecho que algunos vídeos fuesen el behind the scenes de otros vídeos, ha creado cosas con piezas de material que tenía, y hay una pieza muy bonita con Chihiro, que es una de las canciones que más está gustando del disco.

Parte del disco lo hemos grabado en directo de una manera muy cruda para volver a tener un estímulo que perdimos en pandemia trabajando más desde casa. Nos fuimos a la Casamurada, ahí grabamos varios temas, se deconstruyeron las canciones in situ trabajando allí, y se puede ver cómo la parte más bonita de la canción surge porque Rafa dice “oye, para el final del tema se me ha ocurrido que podíamos cambiar algo”.

Marina estaba grabando, y cuando termina la canción ha dejado el momento en el que a él se le ocurría un cambio de armonía, para generar un momento precioso. Es una cosa muy delicada pero que cambia completamente la canción, y eso es Rafa.

Rafa te lo mejora (risas, se abrazan).

Remarcas siempre el sentido de ser una banda. El audio al recoger el premio Odeón no puede ser más claro, a pesar de los egos que se puedan generar.

D: y ahora hay una escena brutal, pero tampoco están del todo representadas, y tú lo sabes. Con la cantidad de bandas y con la escena que hay, no hay una representación real. No hablo de nosotros, que estamos haciendo un camino y estoy muy contento de que lo hagamos, o las dos, o las tres, o las diez bandas de un cartel que puedes ver en la media de festivales españoles. Digo que hay una escena brutal de bandas que están infrarrepresentadas.

Hay un ejemplo paradigmático que siempre pongo: en el Top 50 España Spotify, hay cero bandas. Cero. Es muy representativo que haya cero de cincuenta artistas punteros de un país en la principal distribuidora digital. Creo que insta una reflexión. Y sabemos con qué tiene que ver, de qué va, de qué es producto, pero señalarlo es un ejercicio de honestidad. En cuanto a los egos, claro que los hay, pero ha-

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blamos mucho. Hablamos mucho de cuál es el rol de cada uno, en qué trabajamos, tiene que ser algo flexible y tienes que comprometerte con la gente con la que estás. Puedes ser un egomaníaco, pero creo que eso es una puta mierda, yo prefiero querer y ser querido. Supongo que eso es venderlo, que no sé si es la intención, pero es lo que hacemos.

R: si tú quieres imponer tu ego, al final es mejor que estés solo. Hay artistas con un ego muy grande y saben que en equipo no.

D: hacen su disco en solitario con siete compositores por tema.

Tenéis una fecha importante en Madrid de manera inminente, e imagino que tendréis un 2024 movido. ¿Da miedo parar? ¿Uno sabe cuándo hacerlo?

R: creo que lo sabremos en el momento,

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mientras tengamos gasolina para seguir girando, Diego siga teniendo buenas ideas y queramos seguir trabajando, vamos a seguir haciéndolo. Realmente, 2023 iba a ser un año muy tranquilo, habíamos hablado de hacer presentaciones muy selectas, de hacer unos cinco o seis festivales, y al final nos han cerrado mucha agenda y nosotros mismos dijimos que queríamos hacerlo, porque nos sentíamos con fuerza y nos hacía mucha ilusión. El momento de parar llegará, de hecho en octubre terminamos las presentaciones, Diego va a estar en Argentina descansando... tampoco es que seamos mucho de parar, yo creo (risas).

D: parar para descansar es muy fácil, el único terror que compartimos es que paremos porque la banda se acabe. Todo lo que no sea eso, me la viene sudando a cuatro tiempos. Yo solo quiero que esto dure, que vaya bien y que nos tratemos bien. No espero absolutamente nada más.

Lo deseo, sí, pero no lo espero.

R: si 2023 se duplicase e hiciésemos un año igual en 2024, ya seríamos felices. No esperamos más de lo que hemos tenido, y si tenemos menos ya seremos felices, pero si conseguimos lo mismo será algo increible. Es muy difícil lo que hemos hecho, a nivel mental, a nivel curro, la respuesta de la gente, lo bien que ha ido...

Hemos tenido mucha suerte, y que se repita eso al mismo nivel es un regalo.

D: y el disco también tiene mucho que ver con eso. Siempre puedes hablar del caso de éxito, la gente que lo ha reventado este año, la gente que lo reventó el año pasado. Yago, seguramente lo habría dicho de estar aquí, y por eso lo voy a decir, porque tiene mucho sentido: nosotros empezamos, con mayúsculas, en 2019, que fue cuando la gente empezó a conocer a la banda de verdad, justo antes de que nos metieran en casa. Yago el otro día nos sacó un cartel de un pequeño festival en el que tocamos, y la única banda que queda es la nuestra. Esa es la conversación, de eso va el disco. Aparte de con nuestra historia y nuestro viaje como banda, y su valor intrínseco, se impone una reflexión - para quien quiera hacerla - de cuánto crees en las bandas que te gustan, cuánto vas a ver conciertos a una sala de 50 pax, cuánto apoyas o cuánto criticas, o cuánto hay de gossipeo en meterte con alguien porque hace algo, o cuánta lectura tienes tú sobre el artista que te gusta y cuánto te gusta y estás dispuesto a apoyarlo.

Porque hay bandas increíbles que luego, al final, van a ver quince personas, que son menos gente que la que está rajando de ellos porque lo que quieren es tener una conversación. No les gusta realmente la mú-

sica. Si te gusta esta banda, es producto, y tú lo has dicho al inicio de la entrevista, de que a quince locos os gustaba lo que hacíamos hace seis años. De eso somos producto, esos quince hablabais de nosotros a otros quince, y esos lo hacían a otros quince, y pasó de ser lineal a exponencial, y ahora nos quedan 300 entradas para llenar una Riviera que es en enero, y eso es muy guay. Está guapísimo, pero sin esa gasolina no estaríamos teniendo esta conversación. A mí lo que me angustia es que el otro día estuve viendo a una banda que me flipa, de unos chicos que vienen rebotados de otros proyectos, se llaman Puño Dragón, y quiero que tengan público, porque las canciones son la hostia. Igual que cuando veo a Shego, o a Belako, que llevan más años que nosotros. Lo que se debería es ver a esas bandas, y no quedarte con la playlist de Spotify que te da lo que quieres esuchar.

R: y esa gente que salen en listas además ya lo tienen hecho, ya tienen esa visibilidad.

D: sal y apóyalas, que es realmente de lo que va esto. Y no sé dónde está la autenticidad, pero sin duda la hay en gente que paga un local para ensayar, que toca instrumentos en una época en la que no te hacen falta para hacer música, ni para distribuirla, ni para enseñarla. Si te gusta eso que hacen, joder, celébralo y ve a verles. Solo hacen canciones.

AnabeL Lee

Liderando el nuevo orden

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Seguimos a Anabel Lee con atención casi desde que existen como banda, y prácticamente desde que decidimos montar esta revista sabíamos que llegaría el momento en el que pudiésemos charlar con ellos. Esta primera toma de contacto tenía que ser con el segundo álbum como protagonista. Ganamos Perdiendo les va a aupar a otro nivel en esto de la música, y tras las primeras escuchas quisimos conocer su perspectiva. El lugar, la oficina de Vanana Records. Lo de que hayamos entrado por la redacción de Mondosonoro por error, será algo que contaremos en otra ocasión, lo juro.

Describidnos cómo y en dónde estáis ahora mismo, ya con el disco fuera.

Jordi: pues en una nube.

Víctor: yo estoy en felicidad.

Perdi: yo aún estoy despertando, pero supongo que conforme pase el tiempo seré más consciente de lo que está sucediendo.

Aitor: yo estoy en modo “no saber lo que está pasando”. Ayer estábamos juntos y de repente “vale, ya ha salido el disco. Y ahora, qué”. No sabemos lo que es tener un hijo.

P: ni creo que nunca lo vayamos a saber.

A: bueno, eso nunca se sabe, pero es una sensación que al menos yo imagino así.

V: es como cuando jugué al Arkham Asylum de Batman, que yo decía “¡qué juegazo!”, y me lo pasé bien, y tal... pero luego salió el Arkham City. No sé si se va a entender la referencia A: yo la he entendido.

Es un disco un poco más melódico.

P: y no es algo buscado. Los temas iban surgiendo de forma orgánica. Al terminar el EP había algunas canciones, como Roma Caerá, o ideas que en ese momento no nos molaba afrontar. Fueron cosas en las que nos centramos a posteriori, y cayeron como un castillo de naipes. Roma Caerá y El Nuevo Orden, Natural para Vogue, sale la mitad del disco y hace apenas cinco meses salen los dos últimos temas que completan

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el disco. No nos planteamos cambiar nada con respecto a lo anterior, fue algo orgánico, natural. Estoy seguro de que en unos meses nos pondremos a componer para un tercer disco, un EP o lo que sea, y nos pasará exactamente lo mismo.

A: de hecho, Carlos Hernández, cuando grabamos Roma y El nuevo orden, nos dijo que eran buenos temas, y que teníamos que buscar más esa luminosidad del primer disco porque esto era más oscuro. Y Víctor le dijo eso, que Anabel Lee no se entiende sin esa parte oscura.

V: siempre hemos tenido una creencia por la melodía, y cuanto más aprendemos a ser músicos, más podemos desarrollar eso. Al final podemos permitirnos ese contraste entre rabia y melodía.

El factor diferencial, aunque resulte obvio, es la voz, más cercana al punk.

P: siempre decimos que, en parte, venimos del punk vallesano, y esa influencia siempre está. Nuestra idea es hacer música contundente y enlazarla a una voz más indie, y que el público tenga las dos cosas.

J: es súper curioso, la voz de Víctor es súper indie, y es cierto que mucha gente nos dice lo que tú, que le recuerda al punk y al rock español.

A: bueno, cuando se suelta Víctor y le sale la vena más punk...

Hablabais de lo orgánico. No hay casi nada de electrónica en el disco.

A: hay sintes, teclados en digital. Si tuviéramos un Hammond de 1968 nos poníamos a jugar con él ahora mismo.

P: no buscamos algo súper artificial, sino cosas con las que realmente se pueda hacer música. Que no suene a electrónica a saco.

J: que al final salgamos al escenario y podamos replicar lo que hemos grabado, porque al final nosotros somos eso. ¿De esto habla Tus putas canciones?

A: qué bien que lo hayas pillado porque

resume mucho lo que ha sido este segundo disco. Si tuviese que elegir una canción que englobase todo lo que han significado para la banda estos dos últimos años, en los que hemos vivido cosas guapas pero también hemos tenido nuestros momentos jodidos, sin duda para mí sería Tus Putas Canciones.

V: en el momento en el que te pones un listón súper alto buscando cumplir expectativas más generadas por otros que por ti mismo, y quieres contentar a todo el mundo... al final ocurrió que nos perdimos un poco. Nos acabamos reencontrando, y cuando eso pasó lo que nos vino fue la rabia.

No puede ser que hayamos estado así de emparanoyados con todo esto. Así que toma, tus putas canciones. A un crítico que nos escucha y diga “este disco es un 2 sobre 10”. Pues estas son mis putas canciones, si no te gustan pues a saber, tu rollo será otro.

Estamos enganchaditos a Cristales Rotos.

Contadnos algo de la quinta pista.

P: es una canción especial dentro del disco.

Es nostalgia desde el minuto uno. Cuando escuchas esos sintes, esas melodías, te recuerda al new wave de los 80 o 90. Te lleva al pasado, y la letra va a favor de toda esa carga. Es como un abrazo que te da un colega y despierta un recuerdo en ti.

V: si te pide 80s, dale 80s. En ese sentido sí que somos muy honestos con lo que hacemos.

Y cuál os gusta más a vosotros, o la que creéis que os va a gustar más en vivo.

P: aún no las hemos trabajado tanto, pero a mí quizás Roma, El Nuevo Orden...

J: a mí Soldado Universal y El Nuevo Orden.

Para tocar es espectacular. Me baso mucho en que una canción me gusta más en tanto que me divierte más tocarla. No me divierto con Cristales Rotos, de hecho lo paso mal, pero es cierto que luego la escuchas y digo “buah, me flipa mucho”.

Hablabais de El Nuevo Orden, y también lo será para vosotros. ¿Cómo os preparáis para todo lo que viene?

V: con mucha ilusión. En mi caso, me he quitado un peso de encima después de todo lo que hemos vivido en estos dos últimos años, y me siento preparado para empezar a disfrutar de los directos y en general de todo lo que hagamos.

P: hay un pero, y mola también decirlo, porque es un momento complicado - y el disco lo relata - en el que no te puedes dedicar 100% a la música ni 100% a tu trabajo. Estamos justo en medio, y eso genera mucha inseguridad. Te mentalizas en que hay que darlo todo porque nunca se sabe qué va a pasar. Quieres defender este disco como se merece, y confiar en esa implicación nos premie.

J: queremos que esto sea nuestra vida para siempre, y ahora no puede ser. Ojalá lo sea en algún momento. Entonces, se presenta

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algo que coges con mucha ilusión, pero al mismo tiempo te acojonas. ¿Cómo voy a hacer esto? Si tengo que estar pidiendo siempre un montón de días en el curro, al final un día puede que se cansen.

P: es como en el Minecraft, siempre vas picando piedra y nunca sabes...

A: lo coges con rabia y orgullo. Se ha sufrido mucho haciendo este disco, y ahora por narices lo voy a defender en el directo y voy a ir con todo.

J: si acabamos debajo de un puente, haremos un crowdfunding o algo así (risas).

V: yo creo que se acaba encontrando la manera. Al final es como ese amor que parece imposible, y luego no lo es tanto.

Y se habrán quedado canciones fuera.

P: de hecho nos íbamos a quedar cortos, porque el disco se iba a cerrar en la canción nueve. Haciendo honor al título, Ganamos Perdiendo, y por cosas de la vida, se retrasó todo (diseños y demás), sabíamos que queríamos llegar más allá y finalmente entraron Fleabag y Cristales Rotos. ¡Volvamos al tema Carlos Hernández!

V: qué decir de Carlos.

P: ya habíamos trabajado con él para el primer disco, y previamente con eso que nosotros llamábamos versiones del punk

para el indie moderno, que son las tres primeras canciones que publicamos.

También grabamos el EP. Llegábamos y ya nos lo conocíamos todo, era casa. Cada vez que le pedíamos nos decía eso de “pero si estáis en casa”. En este disco sí que es verdad que hicimos pre-producción de algunos temas con Pau Paredes (Ginebras entre otras) porque queríamos ir más preparados al estudio y considerábamos que su visión nos podía ayudar.

J: si es que ya te sientas en el sofá... y yo me echo hasta la siesta. Cuando terminé de grabar, después de comer... ¡es que no puedo no echarme la siesta porque me siento en mi casa!

A: encima es súper guitarrero, tiene un lado punki que flipas, con cuerdas se lo goza... en Soldado Universal hay guitarras que hizo él, y algún coro. Es así, te pide algo, y en un momento dado coge la guitarra y lo hace. Y tiene que ser así, Carlos ha tenido ese momento de revelación astral y necesita expresarse. Adelante, dale, Carlos.

P: se involucra mucho, es como si fuese su disco. En grabaciones anteriores incluso metió a su mujer a hacer coros también.

V: lo que mola es que llegas a un punto en el que cuando preparamos una canción no podemos evitar pensar: “buah, esta parte le va a flipar”, y al reves: “en cuanto lleguemos,

Carlos nos va a decir de quitar esto”.

A: un sueño húmedo es presentarme en el estudio con una Fender Stratocaster.

P: la va a partir. Y si no la parte lo haremos el resto de la banda.

Y en cuanto al Sonorama, pasáis de “nacer” allí a actuar en la Plaza del Trigo.

V: recuerdo esa comunión total con el público. Había gente incluso en la prueba de sonido, horas antes, con el calor que van a pasar después, con el estrés, con lo que tardas en salir... A mí se me quedó pequeño el escenario, y mira que hemos tocado en cajas de cerillas. Quería estar con todo el mundo ahi abajo.

A: ya ves la plaza entera a rebosar, pero ves además en la calle del fondo, a doscientos metros de ti a una persona encima de otra gritando y dándolo todo, y una parte de mí pensaba: esto es la hostia, es de los highlights que vamos a tener de nuestra carrera; y por otro pensaba: es absurdo (risas). ¡Lo veías de forma astral y te decías: mañana ya será otro día!

P: cuando ves el vídeo de aquellos momentos piensas: joder, que esos somos nosotros, que hemos vivido eso, y es muy heavy. No te prepara nadie para estar delante de tanta peña, miles de personas.

V: cuando sea viejo, el último de mis días,

estoy convencido de que esta será una de las cosas que recordaré.

P: me acuerdo del camerino, que es una bodega, e incluso me resfrié.

Mola porque estás tranquilo, tienes tu momento de silencio, yo me senté y me emocioné por lo que íbamos a vivir. Da mucha paz ese lugar.

Y esto enlaza en cierto modo con la colaboración con Maren.

V: no nos conocíamos de nada.

Buscábamos una voz femenina porque nos apetecía mucho una colaboración, pensamos en voces que fueran originales, que tuvieran cosas que contar, que no fueran muy obvias, y nos vino Maren a la cabeza.

Tiene una voz con mucha personalidad, lo tiene muy claro, y cuando la llamamos fueron todo facilidades.

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J: dos meses más tarde vino también a grabar el videoclip, nos pasó voces desde su casa... fueron todo facilidades.

A: es sorprendentemente joven.

Yo le dije: tú tienes un talento innato que gracias a Dios que lo estás explotando, porque todas sus canciones son temazos.

V: hace surf, vive en una autocaravana... ¡yo con veinte años jugaba al GTA 5!

Intuyo la respuesta a esta pregunta: cómo llevaréis todo esto al directo.

P: Anabel Lee será lo que es también en directo Las canciones crecerán en el directo, pero no dejará de ser lo que ya es.

V: a mí me molaría meter trompetas en alguna canción, que es algo que se planteó en las grabaciones, y sería una pasada.

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Si tienes alguna pregunta, duda o sugerencia...

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INAZIO

La naturaleza como inspiración

Es un verdadero honor para la Sold Out poder conocer de primera mano a un artista tan cercano como enigmático, de esos que te embelesan desde el momento en el que te topas con sus canciones en plataformas. Inazio es naturaleza, paz, nostalgia, emoción y, en general, plantea un universo sonoro en el que uno solo piensa en tumbarse en la hierba y respirar hondo, dejando que los matices de la vida hagan del cielo una obra de arte universal.

Visitamos las oficinas de Sony Music para charlar con el artista navarro sobre su último sencillo, Aunque estemos a martes, además de hacer balance de su primer EP y de elucubrar sobre el inimaginable concierto que ofrecerá en el Teatro Barceló el próximo 7 de marzo.

Fotografía por: @bea11trice

Fotografía por: @bea11trice

Aunque estemos a martes sigue la línea del EP, pero no es un tema reciente.

Estoy súper contento, porque lo grabamos hace milenios, lo tenía aparcado, en plan “ya saldrá algún día”, y ahora que ha salido estoy muy emocionado. La gente lo está recibiendo súper bien. Me vienen bajones de repente, no me digas por qué, pensando en si a la gente le va a gustar o no lo que hago, pero de repente es un “boom” absoluto. Me encanta sacar singles, porque es como si fuese mi cumpleaños. Todos te felicitan.

Un día dijiste: ¡ahora es el momento!

En realidad fue Sony quien lo dijo. Me preguntaron si tenía algún tema para sacar a la vuelta de verano, y yo dije “pues sí, tengo esto, que lo escribí con Nacho (St. Woods), pero no sé... y dijeron “tío, esto es increíble, sácalo”, y bueno, aquí estamos.

Hablabas de St. Woods, cómo surge esta unión tan especial.

Nos presentó un amigo, Javi Navarro (BMG), en un concierto de Luis Fercán.

Nacho y yo tenemos exactamente el mismo gusto musical. Nos flipa Bon Iver, por ejemplo, y compartimos mucha música.

Javi me dijo que molaría juntarnos para componer porque podrían salir cosas muy chulas de ahí, y efectivamente. Fui un día a su casa, creo que era la segunda vez que le veía, y a mí me gusta hacer arte con cierta confianza. Para mí componer no es algo banal, y cuando lo hago con alguien necesito cierto contexto. Echamos unas birras antes, unos pitis, unos bocatas, no sé, y entonces estuvimos charlando, conectamos al segundo y cuando ya después nos pusimos a hacer el tema, salió en dos horas y media. Esa misma noche me pasó una demo que no es muy distinta al tema original. Es cierto que el mastering lo ha subido a otro nivel, pero vamos, que en menos de 24 horas la teníamos.

Componer es algo muy íntimo para ti.

Recuerdo ese día con mucha alegría, me lo pasé bien. De cuando estás tan a gusto que te quedarías ahí mucho más tiempo.

Estaba súper cómodo, tocando la guitarra, componiendo, con unas cervezas, siendo además la primera vez que componía con alguien a quien no conocía, encima en Madrid. Le admiro muchísimo.

Mucha felicidad que contrasta con la temática de un amor roto.

El tema es mainstream, en mi opinión, de hecho nos reíamos mientras lo escribíamos. “Es bastante facilón, lo sabes”, me decía. Nos propusimos hacerlo pero de manera poco pop, es decir, vamos a esforzarnos con las metáforas, decir cosas de determinada manera... y creo que lo conseguimos. Tiene algo más allá de un simple desamor, y es que lo dejas con una

persona, pero sigues enganchado a ella, y hay una parte de ti que querría volver, pero sabes que en el fondo ni de broma. Y si esa persona conoce a alguien al poco tiempo, tú crees que te vas ahogar porque sigues aferrado a aquello, pero sabes que ya hay otra chica o chico, y que tú ya no pintas nada, tienes que desaparecer, desprenderte de eso. Me moló porque la idea era hacerlo bonito, la experiencia compositiva más divertida, más como un reto, y es un orgullo.

Volviendo al inicio de todo esto. Quién es Inazio y cómo ha llegado hasta aquí.

De no ser nadie a seguir siéndolo (risas).

Tengo muchas ideas de bombilla. Inazio no tiene nada que ver con Ignacio. A Inazio le ha pasado todo esto muy rápido, y esa velocidad le genera timidez, inseguridad,

mucho celo y mucho esconderse en sí mismo. Ignacio Lacarra, que creo que es en gran parte quien abre las entrevistas porque es demasiado suelto, es un desfasado, un risas. Pero ese es el que empieza a hacer música, y por eso los inicios fueron muy divertidos. Canto desde que tengo uso de razón. Un momento esencial, que me hace mucha ilusión porque está mi padre de por medio, se dio en segundo de primaria, en el recital de villancicos. En el de aquel año cantamos We Are The World, y fue muy divertido porque yo cantaba mucho - tenía discos de Mecano y de Supertramp -, la canción no podía dejar de cantarla todo el rato, y mi padre me grababa en vídeo. Se lo enseñaba a sus amigos con orgullo, y ahí yo empezaba a ver que me gustaba cantar y que lo hacía bien. Fueron pasando los años y

las cosas, y entonces me doy cuenta de que no estoy viviendo la vida que quiero vivir, y estoy haciendo un montón de cosas que no sé por qué las hago. Entonces compongo Vacío, que es la primera canción que publiqué. Fruto de la casualidad, estaba con Javier Ojanguren, de Besmaya - también están en esta casa, Sony -, que somos amigos del colegio, me dijo que estaba empezando a juguetear con el tema de la producción, y me preguntó si había escrito algo. Le dije que sí, de hecho había escrito París y Vacío, y me gustaba más esta última.

Me dijo “pues tío, vamos a mi casa y la grabamos. Oye, ¿y te molaría luego subirla a Spotify? y yo pensaba, joder, qué guapo eso.

No me había planteado nada parecido, ni tener un proyecto musical ni nada. Era algo utópico. El tema salió, y a la peña le volvió loca. Yo estaba contento porque la iba a escuchar mi tío, mi abuela, mi padre, mis hermanos, mis amigos, pero esto pegó un boom, me escribieron los de Warner, los de Universal... los de Sony tardaron un poco más (risas), pero hasta que no terminé la carrera y viene aquí a tocar al Patio de Mahou, no me planteé seriamente dedicarme a esto.

Además eres profesor, y no es algo que vayas a dejar a un lado.

No es mi idea, porque me ordena, me da mucha estabilidad. Me conozco, y a veces peco de desfasado, entonces saber que me tengo que levantar a una hora concreta, que tengo que soportar a unos chavales, que al llegar al cole soy don Ignacio, que además me tratan de usted. Eso te baja a la tierra, es divertido el trato con los chavales, el cariño que recibes allí. Me ayuda mucho por el orden, algo fundamental para mí.

Fotografía por: @bea11trice

empecé a hacerme tímido con este tema. Ahí empezó a nacer Inazio. He tenido la suerte de que en mi clase había ocho músicos, y ahora uno se dedica a los musicales, otro es profesor pero tiene una banda, otro estuvo en La Voz y ahora va a empezar el master de Warner, otro que viene de los musicales y ahora está empezando un proyecto propio, otro que tiene una banda en Pamplona. He crecido en ese ambiente, y cantaba para mí, a escondidas en mi casa. En tercero de la ESO empecé a tocar la guitarra, me empecé a atrever poco a poco a tocar delante de mis amigos, pero hasta bachiller no pasó eso de que me empezasen a preguntar: “pero Lacarra, tú desde cuando cantas”, y les decíaque de toda la vida y tal. En los primeros años de la carrera yo escribía poesía e iba a recitar a bares. Me daba mu-

cha vergüenza pero esa experiencia me ayudó a perder un poco el miedo a los escenarios, y un amigo mío de Valladolid saludos a Pedrito, que le quiero mucho -, cuando empecé con la guitarra me decía que lo primero debía ser la poesía. Yo no componía música, tocaba covers, y ahí es cuando me empieza a gustar la música folk.

La culpa de esto la tiene All the pretty girls, de Kaleo. Descubro esa canción y al momento me dijo: este es mi género. Y tras una serie de experiencias personales, en octubre de 2019 me hago esa pregunta que todo ser humano se hace al menos una vez. Qué quiero hacer con mi vida. No tanto a nivel profesional, si no más bien quién quiero ser, cómo quiero ser, porqué hacer las cosas que estás haciendo... Yo estudiaba Filosofía, y eso también me ayudó mucho a darle vueltas a

Entiendo que dentro de tus influencias folk, también hay de cositas de aquí.

En España hay muchos autores, pero es cierto que estos autores son los pocos que escucho con frecuencia porque me gusta todo tipo de música. Indie folk, bandas sonoras, rap, música de cantautor y música clásica. De los que escucho aquí, sin duda Club del Río, por las temáticas, el sonido... también creo que la naturaleza forma parte del género, de la idea de vivir una vida plena alejados del ruido, en buena compañía y poco más. También Luis Fercán, que es un animal y tengo unas ganas locas de que saque su disco. Luego hay otros que hacen urbano pero que tienen matices folclóricos, como Oddliquor.

Me gusta mucho Rey Lobo, que gira con otro indispensable: Guitarrica de la Fuente.

Este último se ha ganado el sillón del nuevo folk español, ha impulsado mucho el estilo ese de chico con guitarra, y el género que está haciendo es algo con lo que experimenta mucha gente. Por eso se ha ido ahora con Raúl Refree. No me quiero dejar a Nostalgia.en.los.autobuses, que es

el proyecto que tenía David, el cantante de La M.O.D.A., que parece que no lo escucha nadie y que me parece un desfase de proyecto. Evidentemente su banda también.

Incluyo también a mi amigo Santiago Vancells con quien he grabado Viernes de enero... me gusta porque hablando con Javi de esto, es cierto que es un género súper fluctuante, lo puedes mezclar con eletrónica, con urbano, lo puedes hacer orgánico, orgánico electrónico, puedes jugar mucho. La misma Rosalía es un ejemplo. Puedes coger el flamenco, que parecía tener un canon inamovible y no, puedes meterla a una guitarra flamenca unos ritmos que no tienen nada que ver con aquello y queda increíble.

Hablabas del estilo de cantautor. Parece un concepto que se ha abierto mucho.

Guitarrica, sin ir más lejos, hizo dos Galileos y luego un Teatro Barceló. Yo he hecho una Galileo y la Barceló se acerca.

He ido siguiendo sus pasos. En la España de los años 70 / 80 surge un grupo mágico de compositores: Sabina, Perales, Serrat, Aute; y en Latinoamérica nombres como Silvio Rodríguez, Pablo Milanés... de repente había un popurrí de cantautores muy potente que quizás no tuvo relevo y flojeó a principios de este siglo. Ahora parece que se está recuperando la cosa y hay muchos artistas que empiezan en esto en solitario. Es al mismo tiempo un problema para las bandas, que cada vez hay menos y cada vez es más difícil y más costoso sacarlas adelante. En el caso de mi banda es cierto que, aunque el proyecto sea mío, la considero parte de Inazio, ya que el directo lo hemos construido juntos.

No estamos tocando las canciones tal cual, y yo cuando me preguntan digo que tengo una banda. ¿Te acojona ese Teatro Barceló?

Ahora no tanto. Es como cuando me dicen en febrero que anunciamos actuación en el Jardín de las Delicias. Todo son risas, pero según se acercaba la fecha me iba poniendo más y más nervioso. Es algo normal, Rul, nuestro batería (Sidecars), siempre me dice eso, si no estás cagado antes de subir, no te subas. Si no tienes ese puntillo de respeto al público, de mostrar arte, de que lo que está sucediendo no es una tontería... Qué tiene el arte, que nos encandila hasta el punto de que uno pague parte de lo que tiene para consumirlo. Eso deja al artista en una posición de mucha responsabilidad. Y eso acojona. Tengo que darlo todo porque el ser humano necesita arte, necesita música, y me han elegido a mí - en este caso concreto - para que les encandile, y hay que estar a la altura. Si nos vemos una semana antes de la Barceló te diré que estoy a punto de desmayarse. Es un aforo de 900 personas y ya se ha vendido un número importante de entradas. Cuando salga ahí y vea a tanta gente... en la Galileo cuando salí me quedé

callado. Me entra la risa. Gonzalo me dijo: “va a empezar a tocar la banda, y tú desde fuera, bajando las escaleras del camerino empiezas a cantar. Y luego ya sales”. Yo pensé que sería algo guay porque me ayudaría a quitarme nervios. Empieza a sonar la música, empiezo a cantar, salgo al escenario y cuando veo toda la Galileo llena, algo que no imaginaba ni en sueños porque era la primera vez que tocaba en Madrid, me quedo tieso. Me tuvieron que decir por dentro “¡continúa, cabrón!”, y ahí ya seguí, pero es un momento que no asimilo, lo tengo grabadísimo, cantando París. Entonces cuando llegue a la Barceló y vea el percal... pero no lo pienso mucho, no merece la pena. Y está más cerca de lo que parece.

Fotografía por: @bea11trice

BUM MOTION CLUB

Fotografía: Víctor Cabezuelo

“Salirse de la línea recta es la única opción de sobrevivir al daño del paso del tiempo.”

Estamos acostumbrados, por suerte o por desgracia, a las prisas dentro de esta industria de locos, llevándose por delante, entre otras cosas, parte de esa magia que nos embriagaba cuando nuestros artistas favoritos publicaban un single, preludio de un disco que escucharíamos una y otra vez hasta estropearlo sin remedio. En la actualidad, que una banda vaya dando pasitos lentos pero seguros no es lo habitual, y por eso el ritmo de Bum Motion Club lo agradecemos tanto los fans de la música como el propio dreampop y el shoegaze - a ellos les mola más llamarlo dreamwave - que destilan. Iris Banegas, Pablo Vera, Alejandro Leiva, Alberto Aguilera y Pablo Salmerón forman este dream team que lleva desde 2017 fabricando canciones, primero en inglés y luego en español, de muy bella factura. Es frecuente que, al contrario que con muchas otras bandas, cuando alguien escribe sobre los Bum suela nombrar a sus músicos, y es que solo tienes que investigar un poquito sobre cada uno para darte cuenta de que es jodidamente difícil conseguir aunar tanto talento.

De ideas fijas, la banda ha grabado en El Búnker de San Crispín, en el barrio madrileño de Puerta del Ángel, con David Baldo (Carlangas, Aiko el Grupo, Repion...), y en Los Invernaderos, en Tetuán. La mezcla y producción corrió a cargo del propio Alejandro Leiva, y el master fue cosa de Vacuum. En las fotos, por cierto, está al pie del cañón otra persona indispensable en el crecimiento de la banda: un tal Víctor Cabezuelo. Con estos mimbres, el segundo adelanto del disco “Claridad y Laureles” no iba a dejar indiferente a nadie. La presentación de este trabajo en directo ya tiene fecha: será en la Sala el Sol el 22 de noviembre. Las entradas ya están a la venta desde hace semanas y la banda sé que están preparando un show muy especial. Si echas en falta una pizca de originalidad y de atrevimiento en lo que a música nacional se refiere, quizás no deberías perderte este concierto.

Puede que, en unos años, te lamentes de no haberles visto despegar.

Bum Motion Club: Deprisa, Deprisa (autoeditado) Más allá del guiño cinematográfico a Carlos Saura, es interesante el paralelismo entre la juventud malograda y perdida de la transición con respecto a las generaciones actuales, sin oportunidades y con el paso implacable del tiempo, tan veloz, y con ese terrible don de poder cambiarlo todo a su ritmo y manera. Solo nos salvará salirnos de la vía y seguir un camino alternativo, propio. La portada es un cuadro original del artista madrileño Juan Feo, percusionista además en Club del Río y Rufus T. Firefly. Guitarras oscuras, letras existencialistas, notas distorsionadas y un conjunto de matices que pide a gritos que alguien suba el volumen.

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La épica sensibilidad manchega.

HENKO Fotografía por: @bea11trice

La Mancha lleva un tiempecito majo dando golpes tímidos en la mesa de la música alternativa, no en vano diversos festivales unos más serios que otros - parecen estar ayudando a revitalizar un territorio que guarda tesoros dignos de mención como los veteranos Vuelo Fidji, los desenfadados Sugarcrush, la dj Bita, el power trío Mauri, los amigos del folk Vermú, o los inclasificables The Niftys. Desde hace meses mucha gente habla también de otra formación, en este caso de Ciudad Real, que tras haber publicado su disco debut en 2020 (La Edad del Plástico, distribuido por Beatclap) han ido madurando su sonido, valiéndose de influen-

cias diversas que van desde Pink Floyd y Radiohead, a Havalina y el evidente toque de Rufus T. Firefly, que nos flipa porque no hemos visto a nadie más seguir la estela de los de Aranjuez con tanto criterio. Ante sus expectativas ante la salida de Mar de Terciopelo, Henko nos cuenta que tras cinco adelantos, la otra mitad del disco guardaba nuevos matices no explorados previamente, en una espiral hacia la introspección y una cierta relajación, sin obviar los detalles y el sentimiento que termina de dar sentido a este trabajo.

“Las estructuras de las canciones, en general, tiran más hacia el pop. Puede que alguna se

vaya más hacia lo progresivo, pero es cierto que seguimos en búsqueda de nuestro sonido, y este disco ha valido para consolidar una base. Usamos sintes, hemos metido guitarras, y hemos jugado mucho con los sonidos. Nos hemos divertido hasta encontrar un sonido con el que sentirnos identificados”. Cada músico ha aportado sus influencias, aunque es cierto que, además de las mencionadas, les influye Standstill, banda a la que aman, y es patente el poso que ha ido dejando el progresivo. “Nos hemos dejado arbitrar por Manuel Cabezalí y Víctor Cabezuelo, nos han venido muy bien para focalizar y empezar este camino sonoro.”

mos más diferente a todos las demás, con un sonido más pop, más electrónico. “No nos decantamos por un estilo concreto, nos gusta expresarnos de la mejor forma, y esta idea quedaba muy bien con un sonido más pop. No se nos caen los anillos por hacer pop y que luego le siga una canción de progesivo. Mientras nosotros disfrutemos con ello, lo demás no importa”.

Luna es la favorita para Sold Out, y es la pista que cierra el disco, con ese punto épico a modo de guinda del pastel. “La llamamos la cancioncita (risas) porque en realidad tiene muy poquitos versos, pero hay concentrada mucha emoción en esa línea, y la vestimos

muy guay, de una forma muy ensoñadora, y tiene un final súper mágico. Me recuerda en cierto modo a la onda del último disco de Anni B. Sweet, ese rollo más cercano a la psicodelia. El final es precioso, y es la razón por la que decidimos que el disco terminase de esta manera.” En palabras de Víctor, la última canción tiene que ser siempre como una carta de despedida. Estas son nuestras canciones, y ahora que el disco se termina, aquí tienes un abrazo, y ojalá nos veamos pronto. “Ese punto de vista nos gustó, y nos pareció que era la canción perfecta para cerrar”.

Al respecto del formato, Elba Fernández fue

Fotografía por: @bea11trice

Cabezalí siempre ha sido un referente para algunos miembros de Henko. Conocían su labor en producción, y no había surgido la ocasión hasta este momento, cuando la banda se puso en contacto con él aprovechando su visita a Ciudad Real junto a Zahara. Le enviaron su primer disco, le contaron que tenían algunas canciones listas para un segundo trabajo, él escuchó ese disco debut, le gustó y les propuso quedar para tomar un café. “Nos salieron corazones en los ojos, nos tomamos un café con él y a partir de ahí pues...”

Oportunidades es el tema que considera-

recomendada por Manuel y Víctor. “Vimos sus trabajos y supimos al momento que tenía que ser ella. Le enviamos las canciones, le hicimos tan solo algunas indicaciones al respecto de los colores que teníamos en mente para esto. Nos presentó tres portadas y por unanimidad elegimos una de las tres.

Ha diseñado incluso las camisetas, y creemos que va a ser una gran alianza a largo plazo. Nos gusta trabajar con personas con las que nos entendemos y mantener la relación, y en este caso es algo simbiótico .

En sus perfiles en RRSS, Henko habla de reivindicar la música real y su sensibilidad.

“En nuestro caso, Castilla la Mancha por desgracia es un desierto cultural. Tenemos que pelear mucho por sacar conciertos adelante, y ya en ese sentido la cosa se complica. Al mismo tiempo, en Madrid todo es difícil en general porque hay muchísimas bandas. ¿Cómo te abres hueco en un entorno así? Lo que intentamos es disfrutar de lo que hacemos, tratar de diferenciarnos y entender que lo que es tendencia en un momento dado, es factible si lo llevamos a nuestro terreno, si le damos nuestro toque.

Vamos a la aventura, pensamos en disfrutar, hacer buena música.”

Fotografía por: @bea11trice

BUHOS DE ETIQUETA

DORIAN Fotografía por: @bea11trice

Es cierto que en la Sold Out siempre hemos sido en cierto modo animales de ciudad, una idea vital a la que nos hemos ido acostumbrando gracias a festivales ejemplo como el Tomavistas. En la capital hay decenas de propuestas de eventos más o menos masivos, y este Jardín de las Delicias nos ha sorprendido por el cuidado de los detalles desde que entras hasta que te vas a casa (la odisea para volver no es culpa del festival, pero tela).

Básicamente, y con todo el respeto del mundo, nos pareció un mini Madcool, aunque mucho más cómodo en todos los sentidos, no en vano el recinto cercano a la Facultad de Periodismo es mucho más habitable y agradecido a nivel espacios con los asistentes. A lo de la sostenibilidad, como todos los demás festis, le tienen que dar una vuelta, pero las intenciones son buenas y los intentos por hacer las cosas mejor se valoran positivamente. El espacio, evidentemente, daba protagonismo al escenario grande, en el que pudimos disfrutar del directo de Vetusta Morla, Dani Fernández o Sidecars entre otros, con un sonido de primer nivel y con el público entregadísimo desde primera hora de la tarde. En cuanto al escenario pequeño, reconocemos que ya en el concierto de Besmaya nos pareció que el acceso era demasiado estrecho para la gente que había, y nos dio algo de yuyu, hasta el punto de intentar no acercarnos demasiado por allí.

Dani Fernández, a quien hemos visto varias veces este año, puso una marcha más en su penúltimo recital madrileño, avisando al mismo tiempo del descanso que iba a tomarse tras su despedida en la Riviera. La energía y las tablas del artista nacido en Ciudad Real ha ido enganchando a todo tipo de públicos, y no nos sorprendió que en el Jardín triunfase también ante un público quizás menos festivalero.

DANI FERNANDEZ Fotografía por: @bea11trice

DORIAN Fotografía por: @bea11trice

VETUSTA MORLA

La consecución de artistas consagrados en el escenario principal tuvo como consecuencia un sold out de manual, y es que la tarde-noche guardaba un buen puñadito de colaboraciones entre ellos. Dani Fernández y Sidecars se intercambiaron momentos clave en sus conciertos, y Pucho de Vetusta Morla tuvo a Ede como compañera ideal en Maldita Dulzura, quizás uno de los momentos más bonitos y especiales de esta edición. Por supuesto, antes hubo gente súper madrugadora que se dejó la voz con Maldita Nerea, que, francamente, nos sorprendió a muchos con un show súper cercano y en contacto directo con su público. La noche terminaba con los incombustibles Dorian iluminando todo el espacio de color azul y sus flashes habituales. Lo cierto es que quizás fue por el cansancio acumulado, o que todavía quedaba una jornada súper loca de sábado por vivir, pero nos dio la sensación de que en el show de los de Barcelona la cosa se estaba quedando algo descafeinada. Nos generó cierta pena esa desconexión que, sin embargo, no era tal con el DJ oficial del evento, que lo dio todísimo.

Fotografías por: @bea11trice

SIDECARS

Fotografía por: @bea11trice

FOTO BONUS SIDECARS

Este planeta es para las valientes, y Maryan Frutos vuelve al ruedo de la música con un nuevo cambio radical a todos los niveles, en lo artístico y lo personal. El pop y el rock dejan paso a la electrónica más desenfadada y a los ritmos bailables, en una espiral de colores chillones que terminan de cerrar el círculo de un apuesta honesta por mostrar sus inquietudes actuales, su identidad propia y sus ganas de conquistar nuevos públicos.

KUVE

NO DRAMA

Fotografía por: @bea11trice

Fotografía por: @bea11trice

Ya había adelantos, pero qué tal ha ido la salida ya del disco al completo.

La respuesta de la gente que ya seguía a Kuve desde hace tiempo está siendo súper buena. Era algo que me generaba mucha intriga porque me seguían cuando hacía más pop rock, pero han reaccionado genial. De hecho se ha sumado más gente, y me pone muy contenta porque es la vez que más feedback estoy recibiendo, y más del cambio, que es cierto que es súper drástico. Para mí esto es algo así como un reset, como empezar de cero, parece otro proyecto pero es verdad que Kuve sigo siendo yo, al final es mi trabajo, mi nombre artístico... y un cambio nunca viene mal. Somos humanos, vamos cambiando en cada una de nuestras etapas, y esos cambios se ven reflejados en este caso en nuestras canciones. En cada momento, la vida te pide una cosa, y renovarse e ir acorde con cómo se siente uno, y con lo que quiere hacer. Es lo más fiel, al final estamos en esto para hacer las cosas según por donde nos lleve la música.

Hay artistas que han seguido procesos similares, sin ser muy conscientes, en un momento dado hacen click y se dan cuenta de hacia dónde quieren ir.

Una vez que empecé con estos nuevos sonidos, pensé “joder, creo que tenía que

haber hecho antes esto desde hace ya mucho tiempo, pero es cierto que en cada disco vas experimentando y haciendo lo que a ti te apetece. Fue en el confinamiento cuando empecé además a meterme de lleno en la producción, algo que me llena mucho.

El co-producir mis propias canciones - junto a Mario Vigara - para mí es algo súper importante, lo he llevado hacia donde he querido al 100%, y es la primera vez que siento eso en toda mi carrera. Todo lo que tenía en mi cabeza lo he podido reflejar tal cual en el estudio, con los sonidos que quería, y controlándolo todo. Siento que esto es el inicio de todo, de hecho curro como productora en Arde el Arte, con Raúl de Lara.

Estoy como productora vocal y produzco otros discos, y claro, también me he metido a producir lo mío, y me siento súper feliz de haber dado ese paso. Es otra movida, hacerlo tú misma es otro nivel.

Hay una tendencia a meter efectos en las voces, pero en este caso tu voz se muestra limpia.

Menos en Cari Cari, que es cierto que es verdad que metí un pelín de tune para darle un poco de rollo en la voz, pero sí. He jugado mucho con plugins doublers en Fluye, en Lo que me da la gana, en Xena... he metido algún efectos en las voces para

agrandar todo eso. y que se expandan las voces en los estribillos para hacerlos como más directos, con algo de gancho. A las voces les he hecho un tratamiento que cuando llegué a donde Raúl para que hiciera la mezcla lo primero que me dijo fue “¿¿Cuántas pistas de voz has grabado aquí??”

Según escuchamos el disco nos vamos encontrando una y otra vez con versos con los que te reivindicas, pasando por encima de lo que diga la gente y reafirmando que tus decisiones son buenas y te llevan por el buen camino.

Es curioso porque para mí es un disco terapéutico. No Drama nace de una persona que no se ha atrevido a fluir, que ha dejado de hacer algo por el qué dirán.

Yo soy muy así, y quería lanzar ese mensaje, porque creo que es necesario y porque incluso muchas veces no nos tenemos en cuenta a nosotros mismos, a nuestra salud mental. No nos cuidamos nada, es un bucle de trabajo, de estrés en el que no fluimos, no hacemos lo que realmente queremos o lo que nos hace feliz. Hay gente atrapada en cosas de las que no sabe salir. Escuchando el disco puedes reflexonar sobre todas esas cosas, pensar en dejarte llevar, en pensar en ti...

Es Sana Sana un buen claro resumen de todo esto, entiendo.

Es lo contrario al “no puedo vivir sin ti”.

Pues mira, yo no puedo vivir sin mí, y es que nadie puede vivir sin uno mismo, y sin cuidarse mentalmente. Al final estallamos, y yo me quiero cuidar, es mi momento, de ahí las pildoritas de promo que os hemos dado con el disco. Cada canción es como una pildorita para que te sientas mejor. No Drama es eso, siempre siendo realistas, pero quiero que escuchando el disco te sientas bien.

La canción que nos ha conquistado más hasta ahora es Como Será.

Esta canción habla precisamente del paso del tiempo. Cada portada tiene su significado, su mensaje, y para esta canción salgo con un reloj de arena. Pensamos demasiado en qué va a venir, y dejamos de pensar en el presente, en lo que estamos viviendo ahora. Voy a pensar en el hoy, sin pensar en qué va a ser de mí cuando pase esta cosa o esta otra. Nos agobiamos mucho con el futuro y joder, hace falta un poco de calma. No sabes qué va a pasar ni tú ni nadie, así que relax. Esta canción es eso, la pregunta del cómo será el mañana, un poco a modo de crítica. Es quizás el tema más diferente del disco, y quería ce-

Fotografías por: @bea11trice

rrar el disco así. De hecho fue de los primeros que salió, al principio era muy distinto a lo que fue finalmente. El disco empezó a crecer y tuve que volver a este tema para cambiar cosas más acordes al total. Si te enseñase el otro... a nivel de acordes y demás es igual, pero la canción la llevo por otro lado. Quién sabe, podría meter en algún momento estas primeras versiones a modo de bonus (risas).

Raúl de Lara habrá intentado tocar pocas cosas.

Raúl ha hecho las mezclas del disco. En el proceso hemos estado Mario y yo, Antonio Poza (Miss Caffeina) y Road Ramos, que por ejemplo el germen de Cómo será y Te conocí en un after se dio con ella. Raúl ha puesto su magia, es mi consejero, me ayuda mucho cuando estoy bloqueada.

Hablábamos del tiempo, y van algo más de diez años con este proyecto.

Desde que empecé en la música incluso muchos más, porque ya desde muy pequeñita estaba haciendo cosas. Se dice pronto el tiempo que ha pasado desde que saqué mi primer disco. Es verdad que he tenido un camino como muy de montaña rusa, y ya con la pandemia pues imagínate, que saqué Castillos de Fuego y después sa-

qué Castillos de Neon porque ya me empecé a rallar con sacar cosas más electrónicas con la idea de llevarlo al directo.

Y la música a tu alrededor ha evolucionado una barbaridad además.

Total, ha cambiado mucho todo, y yo también, claro. La cría que empezó a hacer Regresión, mi primer disco, no tiene nada que ver con la de ahora, ni en experiencias vitales ni en todo lo que ahora sé. La verdad es que me dejaba llevar más, y ahora no pasa nada por mi filtro (risas).

Se acercan las fechas de Barcelona, Madrid, Alicante... ¿cómo se lleva No Drama al directo?

He estado trabajando esto precisamente con Raúl, que tiene el Live Branding!, que es la parte de producción de directo, y lo hemos hecho de una forma súper meticulosa. Hubo un punto, al terminar el disco, en el que tuvimos que hablar de cómo hacerlo. Lo hemos estrenado en el Sonorama y ya me quedé tranquila porque veo que funciona guay tal y como lo habíamos planteado. Me dijo que tenía que llevar luces a saco, yo quería llevar bailarines también, hice unas visuales súper chulas... y armamos un fiestón, con la gente gozando con temas aún inéditos.

MICRO

TEATRO INMENSO

No es fácil coger una historia común y corriente y convertirla en algo que te haga reflexionar. No es fácil contar una historia en 15 minutos y que todo encaje. No es fácil contar con un mínimo espacio escénico y que la historia trascienda. No es fácil emocionar a un público que ya lo ha visto todo. No es fácil, pero Senén Marto a la dirección y Bea Revenga y José Manuel Peñalver sobre las tablas consiguen hacer al espectador partícipe de una historia en la que se demuestra que el punto de vista lo es todo, que la cotidianidad puede hacerte apretar un gatillo y el amor lo puede todo, pero todo puede destruirlo. Hemos podido ver La vela encendida durante el mes de septiembre en La Escalera de Jacob y esperamos que vuelvan pronto.

FDO: Bea P. Fotografía por: @bea11trice

Fotografías por: @bea11trice

Fotografía por: @bea11trice

¡Qué majete el señor Stanich en los Momentos Alhambra de la capital! El cántabro se metió muchísimo en el papel para regalarnos un concierto muy serio con su toque elegante, cómico y dicharachero. No estamos acostumbrados a verle en formato dúo, pero es cierto que junto a Jave Ryjlen son letales también en acústico. ¡Encima, nos regalaron dos birras al irnos! Sin coñas, Ángel hizo un recorrido pausado por los temas más coreados por sus fans, y claro, la Casa Árabe estaba entregadísima, salvo las filas de atrás, que por lo que sea estaban haciendo networking.

Esta es la vida moderna, hay quien sabe valorar un eventazo así y hay quien no sabe ni a qué viene. Gracias mil, Stanich, por ser, estar y padecer .

Flecha Valona - La sal de la vida.

(Esmerarte I.C.)

Reys - Dispare aquí.

(Altafonte / Hook)

Lígula - Feria Ambulante.

(Altafonte / Hook)

¡Qué buen rollo para contar un mal rollo! La banda liderada por Ezequiel Márquez se lleva por delante - al menos en parte - la línea instrumental de “Los días pasarán” (LP, 2022) e incluso del sencillo más reciente, “Marionetas”, más cercanos al pop rock clásico, para optar por una cobertura llena de ritmos latinos, con congas y marimbas incluidas. Una pista exótica y respetuosa que sirve como despedida a un ser querido de una forma más festiva, tal y como se plantea en diversas culturas. Recordar a alguien desde las anécdotas es posible, más allá de lo triste. La canción, en cierto modo xoelista, nos deja también detalles chulos en la portada, aludiendo a lo que podría ser un Sorolla contemporáneo desde una ventana del Náutico de San Vicente. Los de Jerez actuarán en Madrid el 11 de enero, dentro del cartelazo del Inverfest 2024. ¡Conozcámonos en la Siroco!

Estamos francamente sorprendidos por este primer adelanto de YEMINAI, el que será el primer EP del proyecto en solitario de Sergio Sastre, uno de los fundadores y cara visible de Miss Caffeina. Aunque encontramos dos pistas previas a este lanzamiento, da la sensación de que la búsqueda de un sonido propio y de identificar musicalmente sus inquietudes alcanza un punto óptimo con esta canción. De nuevo está detrás la factoría Alamo Shock, con Mostaza, Aitana y Perinetti haciendo magia una vez más, y nos genera mucha alegría, nostalgia y no sé muy bien qué más (pero hay algo más, te lo digo), el videoclip noventero en el que, entre la teletienda y el tarot, nos encontramos a personas increíbles en este mundillo cultural como Almu Palacios o Juanjo Rengel. El mensaje es claro y bailable: suelta ese lastre emocional que tanto te limita, libérate... y sube el volumen.

La música es justa, la industria quizás no tanto, y luego hay cosas inexplicables entre las que encuadramos a este sexteto madrileño que lo hace todo increíblemente bien y parece que no termina de tener un reconocimiento a la altura.

“Feria Ambulante” es un nuevo adelanto de “Hoy”, el cuarto disco de la formación que estará en tiendas y plataformas el 3 de noviembre, y parece pensada para envolvernos en una pausada reflexión en la que la luz es el arma que nos libera de nuestros miedos, de nuestras incertidumbres. Son tres minutos y medio de elegancia, desde un folclore casi medieval y desde lo orgánico en general, dignos de ponernos nuestros mejores trajes y bailar, antes de que este mundo terrible se acabe, o más bien lo acaben. El clip explica muy bien el sentido de la canción, con su carga onírica, y cierra el círculo de una pieza artística sublime.

Ídolos del Parque - Yo contra yo. (autoeditado)

Ara Fiore - Esta noche no.

(Acqustic)

Cuti Vericad - Yo solo quiero tu amor.

(Beatclap)

Bajamos marchas en el número de octubre para descubrir a esta banda del patio que en apenas dos añitos ha podido encontrar un sonido más compacto y maduro, con evidentes influencias del pop con el que crecimos. Fue precisamente en octubre, pero de 2022, cuando nacía esta canción, autobiográfica y con ese toque intimista y emocional digno de levantar mecheros, o pantallas de teléfonos (joder, nos hemos cargado hasta eso) en sus conciertos. Asumimos que eso es lo que les ha llevado a grabar esta pista en formato acústico, dando protagonismo a lo orgánico, tal y como surgió, en una habitación vacía cuando todavía ni se les había pasado por la cabeza poner un nombre al proyecto. En sus filas encontramos un viejo conocido, Mike (Psicología Inversa, Kelevek), quien se encargó de la portada y de gran parte de proceso creativo. Han compartido escenario hace poquitos días con La Ceja de Blas y La Fuga, y por lo visto se lió pardísima, así que esperamos nuevos bolitos.

Para quien escribe estas líneas es una alegría inmensa la evolución de Ara Fiore, bailable, electrónica, por momentos minimalista y con un rollazo digno de sonar en todos los tardeos habidos y por haber. Esta nueva etapa, la artista cordobesa afincada en Madrid está incluso más ligada a las redes sociales, en especial en Tik Tok, donde la creatividad se abre paso y está encontrado una forma de expresarse muy especial rodeada de sus canciones. En este caso, y encima en este número se ha hablado mucho de ello, la cosa va de cuidarse a uno mismo, de mimarse, de ver por lo nuestro, y pasar de esos comentarios innecesarios sobre nuestra apariencia, nuestro físico, nuestra forma de ser o de pensar. ¡Vive y dejar vivir, hostia ya! En los mandos de la nave ha contado con colosos como Jonathan Burt (Meler) y Neva, y el fotón es de Rai, así que nada más que decir, señorías. Desconocemos si hay fechas próximas, pero siempre se lo puedes preguntar tú y nos cuentas. Síguela y báilatelo todo, va.

Si te encuentras con esta portada en tu plataforma de confianza y no pulsas el play, no sé de qué planeta vienes, pero ya puedes espabilar. Tremendo trallazo guitarrero el del veterano artista aragonés, que lo presenta como el cuarto y último adelanto de su undécimo - sí, lees bien - disco, titulado “La Venganza del Samurai”, el cual quizás estés escuchando enterito mientras lees esto (sale el 13 de octubre). Básicamente sigue esa intensa línea frenética de rock and roll salvaje que hace que los tercios de birra se terminen antes y suban más rápido. Nos resulta divertidísimo este rockerismo que él llama “desengrasante” y “desdramatizador”, y nos ha hecho regresar a los demás adelantos de este año para terminar de alegrarnos de que sigan existiendo artistas así. Cuti Vericad presentará el disco en casa, en la Sala Oasis de Zaragoza el 11 de noviembre.

¡LAS RESEÑITAS!

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Fotografía por: @bea11trice

¡Wizink o barbarie!

En la era del Sold Out (no de nuesta revista, sino de eso de "no hay localidades) la cultura se percibe como escasez. El mundo post pandemia nos ha regalado, como extra a todo lo demás, una ansiedad por ir a todo, por estar en todas partes, un FOMO del que no podemos desprendernos. Y eso lo está monetizando la industria musical, que se ha dado cuenta de que hay nombres que venden entradas a 10 meses vista, que hay Wizinks que se duplican y triplican mucho antes de lo que tardas en llegar al fondo de tu tote bag. Mientras que hay propuestas emergentes de lo más disfrutables a las que les cuesta llenar una salita de tamaño pequeño, nosotros acumulamos tickets para ver por enésima vez a nuestro grupo favorito (que no está mal, hay que ser seguidor fiel) y tenemos que manejar agendas para que no se nos olviden las citas. Y yo, como buena nostálgica, echo un poco de menos no tener que planificar tanto y, por supuesto, dejar de vivir con el miedo a que ese show que tengo tantas ganas de ver se agote en 3 horas (que levante la mano quien no haya salido un momentito de una reunión de trabajo para abrir Wegow y asegurarse dos plazas de grada para el próximo de *inserteaquílabandadelmomento*). La magia del plan de última hora en el Café La Palma o en el Wurli (para otro número, el debate de si es EL ó LA Wurli -yo lo tengo claro-), reivindiquemos lo orgánico de la música y volver a encontrarnos escuchando a bandas nuevas y a otras que, sin llenar recintos gigantes, nos hacen llorar. Es maravilloso tener el wallet nutridito de planes, pero por favor, no dejemos de improvisar. FDO: Bea P.

LA CONTRA

"Prepárate para inhalar días de gloria...”

Max Ernst: Sin título (Dadá) .

En Espiral (2020) Carmen 113