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NITA LEVITANTS IVÁN FERREIRO TOUNDRA SODA STEREO LANDA LA DISQUERA CARMEN LILLO

ANABEL LEE MODELO

ANIVERSARIO EMERGE

SARA DEL VALLE YOLY SAA BALIZA

ALDHARA BLONDE POULAIN MANU MÍGUEZ SONIA NAWRI GUITARRICADELAFUENTE SSIFF

PUÑO DRAGÓN

LA 126

EL HOMBRE QUE SE ENAMORÓ DE LA LUNA

MARÍA DE LA FLOR LORENA GAYOSO

[ ARDE

BOGOTÁ ]

¡ NOTICIAS, ENTREVISTAS, REFLEXIONES Y MUUUCHA MÚSICA! Nº 51. OCTUBRE 2026

AMOR Y LIBERTAD

Texto: Dani Pach Fotografía: @bea11trice

Estamos llenos de amor. ¡Hasta los topes! La gran tarde-noche vivida en el podcast El hombre que se enamoró de la luna por nuestros 50 números (en páginas interiores hablamos a conciencia de ello) nos tiene blanditos, en un shock emocional digno de ver y, por esa razón, este número se ve impregnado por pura humanidad letrística de unas vibras tan bonitas que ojalá pudiésemos mantener por siempre. Sobre todo porque el programa de Pablo Loriente fue la guinda soñada en unas semanas muy intensas en las que visitamos La Disquera para rodearnos de muchos sellos independientes de los que hablamos en la Sold Out cada mes, abrazamos de nuevo y al fin a nuestros cartageneros favoritos Arde Bogotá, por fin pudimos charlar con Puño Dragón de su nuevo álbum y de cómo la música les ha ido cambiando la vida poco a poco en estos últimos años, y nos tomamos una caña en el centro de Madrid con las sorprendentes La 126 a quienes ya pudimos ver en vivo en 2024 con su correspondiente crónica en esta revista. Como colofón, pudimos charlar con los coleguitas siempre presentes en nuestro corazón Anabel Lee prácticamente el día previo a la publicación de este número en relación a Todas las vidas, un imponente y delicioso tercer álbum en el que reencontrarse. Una de las noches más especiales de estos últimos días fue la que nos llevó, prácticamente al mismo

La vida es esto, amor. Bely Basarte.

(Lunwerg Editores)

A principios de año, la artista madrileña Bely Basarte publicó su primer libro y al fin lo traemos a la Sold Out como una generosa puerta abierta a su universo creativo, ligado de forma irremediable a su faceta más íntima y vulnerable. Estas páginas en las que Bely muestra por primera vez cómo y dónde nacen sus canciones, están llenas de poemas, ilustraciones, composiciones, fotografías, incluso un scrapbook de collages, y también de cicatrices, sueños, verdades y silencios. Es en definitiva una suerte de diario personal con mucho material inédito en el que también hay cabida para las letras de su último álbum de estudio, Amor letal (Acqustic, 2025), un trabajo que la propia artista siente como el primero tras más de una década de aprendizaje en lo relativo al sonido y a las letras, y cuyas diferentes emociones e intensidades van en consonancia con estos escritos. Estas 168 páginas son amor, amor inmenso, amor a pesar de la ruptura, a pesar del dolor, con la honestidad y la valentía como valedores de un mundo interior de una Bely Basarte para quien sentir sigue siendo un acto revolucionario. Si entre las hojas una se encontrase el vídeo de Amsterdam con las siluetas en movimiento, lo vería hasta como algo normal entre tantas revelaciones. En tu librería de barrio te espera ansioso de ser leído este libro en el que Bely Basarte inspira sin proponérselo a quienes alguna vez escribieron para no romperse o que encontraron oxígeno en el arte. Para las que amaron hasta doler.

tiempo, al final de gira de Guitarricadelafuente en el Movistar Arena y a la imponente gala de premios organizada por +Músicas. Obviamente el combo música y cine es la gran tendencia de nuestros días gracias a los Javis, la película La bola negra y el inesperado protagonismo del artista de Benicàssim, pero fue curiosa esa coincidencia en valores y reivindicaciones en ambos eventos, con una Samantha Hudson que hizo de insospechado puente: tras recoger su premio a mejor videoclip por Full lace y el tuck, se la pudo ver minutos después en el concierto de Guitarrica gracias una videollamada muy celebrada en la que Samantha conectaba desde la revolucionaria Puerta del Sol apoyando la causa vital por una vivienda digna. Más allá de esta anécdota, en dichos premios, tan importantes para poner en valor el talento femenino, vivimos muchos momentos dignos de soltar la lagrimita. Sin ir más lejos, Luz Casal alumbró con sus palabras el presente de las mujeres artistas, algo que junto a las actuaciones de Ede, Amaral o María Terremoto terminaron por hacer más especial todavía una noche en la que Valeria Castro, Gara Durán y Amaia fueron los nombres más nombrados en premios y nominaciones. Lo mejor fue toparnos con multitud de artistas entre el público con tanto que decir, y que han tenido y seguirán teniendo en estas páginas su espacio y cariño. ¡Qué súper mes, amigas!

Sold Out es una revista cultural, descargable y gratuita, sin pretensiones, escrita y diseñada por personas enamoradas de canciones, párrafos literarios, fotografías, películas y toda clase de manifestaciones artísticas. Puedes escribirnos para sugerir lanzamientos y publicaciones a revistasoldout@gmail.com, aunque también puedes enviarnos opiniones y sugerencias que puedan inspirar contenidos diferentes para nuestras páginas en próximos números. Te invitamos a suscribirte y que la Revista Sold Out llegue cada mes a tu correo electrónico. También la puedes compartir con tu entorno y amigos.

@revistasoldout

LANDA

La larga espera ha llegado a su fin, ya que 16 años después de Baile de máscaras (editado también por Subterfuge), Landa vuelve al ruedo con un tercer álbum creado desde la necesidad de volver a sentir ese cosquilleo y emoción real que brinda la música, y lo hace sin valerse de la nostalgia pero sí atendiendo a la artesanía compositiva que en su momento hizo de este proyecto musical su seña de identidad. No sabemos si siguen buscando la canción perfecta de pop, pero este elenco de diez canciones pop-rockers con alma anglosajona setentera aportan una luminosidad inesperada de otro tiempo que despierta cositas en los corazones de quienes venimos del indie primigenio y el moderneo. Tras unos adelantos que descubrían en orden la primera parte de este trabajo que inicia el hitazo Guerra mundial, nos embarcamos con ilusión en el estribillo facilón y coreable de Noche de locos (y en su solo de guitarra, obviamente), en unos minutos perfectos para un fin de fiesta que contrastan con la reflexión Sin razón y con motivo, que se presta más a encender los mecheros y a abrazarse con quien tengas al lado. La track 7 da nombre a este álbum y, por tanto, tiene su punto protagónico, entre punteos, riffs tapados y unos versos que hablan de quien no alcanza a ayudar a quien parece no tener solución. Es curioso porque en No lo entiendo, sea por las guitarras en particular o por la estructura en general, uno no puede evitar pensar que quizás este sea un buen homenaje a bandas como The Sunday Drivers o Tachenko, incluso de bandas quizás menos conocidas como los coruñeses Stereotipos. La original reverberación vocal (e instrumental) en Despacio nos quita ese pensamiento de forma radical, en una oda al rock lento con gravedad cero y a ese irresistible erotismo que no se puede relatar mejor que desde el rock. El álbum termina con las notas limpias de Creo que no, que es justo eso, un no directo, un puñadito de puntos sobre las íes, en la línea de un trabajo rotundo, bonito, esperanzador, cuya clave reside en combinar a la perfección lo analógico con las herramientas de hoy en día.

Texto: Dani Pach Fotografía promocional

PERFECTO DESASTRE, lleno de grandes nombres. Este tercer álbum de Landa se grabó en directo con instrumentos reales (algo por lo visto no tan habitual) en el estudio 5020 de Miami en agosto de 2025, con la dupla “latingrammeada” Orlando Vitto (Axis3 Studios) y Renzo Bravo en la producción, priorizando lo emocional sobre lo digital. Álex, Ernesto y Nico trataron de construir verdad en forma de canciones, y el origen que desembocó en estas diez canciones es el regalo de un Pro Tools al propio Álex, quien enlazó el “juguete” a una idea en una nota de voz para volver a encender la mecha creativa. El arte de este Perfecto desastre es del artista Mario Feal (Ángel Stanich, La La Love You, Los Estanques...).

CRÓNICA DE SSIFF 74

Archivo Festival de San Sebastián / Gari Garaialde / CC BY-NC 4.0

Zinemaldia 74: El festival de los cuidados Esther Ramos San Pedro La 74ª edición del Festival Internacional de San Sebastián coronó a Mike Leigh y su película sobre los cuidados, Tender Loving Care. Dejó a toda una sala muda con La bola negra y despidió a José Luis Rebordinos. Crónica de nueve días en los que el cine volvió a ser, sobre todo, un lugar de encuentro.

Hay un momento en el Festival de San Sebastián en el que todo el mundo hace lo mismo. Da igual que seas una estrella de Hollywood, un director que acaba de aterrizar en Donosti, un periodista que lleva cuatro días durmiendo poco o alguien que simplemente ha conseguido una entrada después de actualizar la web treinta veces: se apagan las luces de la sala y se aplaude. No es por la película, es por el simple hecho de estar ahí y por formar parte, durante un rato, de algo que sucede al mismo tiempo para todos. Un pequeño ritual que se repite año tras año en cada proyección y que resume bastante bien lo que ha sido la 74ª edición del Festival de San Sebastián: un festival hiperconectado, de móviles en alto en cada alfombra roja y de titulares que corren más rápido que las propias películas pero que, en el fondo, sigue necesitando algo tan poco tecnológico como es el hecho de estar todos juntos, hacer piña y tejer redes de cuidados en un mundo tan hostil y lleno de ruido. Y este año, casi sin proponérselo, esa idea acabó siendo el hilo conductor de toda la edición. Archivo Festival de San Sebastián / Pablo Gómez / CC BY-NC 4.0

Archivo Festival de San Sebastián / Jokin Fernández / CC BY-NC 4.0

Una Concha de Oro para la ternura. La gran ganadora lo dejó claro desde el título. Tender Loving Care, comedia dramática del director británico Mike Leigh, se llevó la Concha de Oro, además del premio al mejor guion y una Concha de Plata compartida para Kate O’Flynn. El largometraje retrata, con enorme sensibilidad, la importancia de los cuidados, la empatía y las redes de apoyo. A sus 83 años, Leigh ha dejado entrever que podría ser su despedida, y cuesta imaginar una mejor.

Los Premios Donostia remaron en la misma dirección. Naomi Watts ensalzó el cine como una de las formas de arte más colaborativas e imprevisibles, construida por personas que confían unas en otras y que, juntas, “hacen posible la magia”. Werner Herzog, el otro premio Donostia de la edición, subrayó la importancia de ser “parte de una comunidad”. Y Brad Pitt, que volvía a Donosti 17 años después para presentar Heart of the Beast, revolucionó la ciudad firmando autógrafos durante más de una hora y defendió dedicar más tiempo a tejer vínculos y a “cuidar de las personas cercanas”. Lo mismo que hacen, sin grandes discursos, los personajes de Leigh.

Archivo Festival de San Sebastián / Jorge Fuembuena / CC BY-NC 4.0

Aplaudir antes, callar después. Si hay un ritual que define al Zinemaldia es el aplauso antes de empezar. Ocurre de forma unánime y espontánea en todas las salas, en el preciso momento en que se apagan las luces y suenan la sintonía oficial y la cortinilla del festival. Es la manera que tiene el público de celebrar algo tan simple como reunirse para ver cine. De decir: estamos aquí, juntos, compartiendo un espacio, y no solos en casa frente a una pantalla.

Archivo Festival de San Sebastián / Gari Garaialde / CC BY-NC 4.0

Por eso lo que pasó en el estreno en España de La bola negra, de Javier Calvo y Javier Ambrossi, en la sección Perlak, fue tan especial. El aplauso llegó al principio, como siempre. Al final, lo que llegó fue el silencio. No recuerdo haber vivido algo así en un cine, y eso que la película terminó de madrugada.La sala se quedó completamente petrificada, mirando los créditos y sin decir nada. Te entra dentro, te revienta y necesitas unos minutos para recomponerse. Impecable. No hay otra definición.

Archivo Festival de San Sebastián / Gari Garaialde / CC BY-NC 4.0

El público del festival pensó lo mismo: La película de Javier Calvo y Javier Ambrossi se llevó el Premio del Público a la mejor película con una nota de 9,40, después de haber ganado el premio a la mejor dirección en Cannes. Poco más se puede añadir.

Lo que no se vé: El adiós de José Luis Rebordinos. Esta fue también la última edición de José Luis Rebordinos como director del festival, que a partir de ahora pasa a manos de Maialen Beloki. En varias de sus entrevistas de despedida, Rebordinos repitió una idea: está más orgulloso del trabajo que no se ve que de todo lo que el mundo observa.

Archivo Festival de San Sebastián / Gari Garaialde / CC BY-NC 4.0

Y ahí está buena parte de la magia de San Sebastián. En el trabajo de comunicación, por ejemplo, el que hace posible que miles de periodistas podamos contar lo que pasa. Este año, la Academia de Cine ha reconocido a Koro Santesteban, jefa de prensa española del festival desde 1997, con el Premio de Comunicación Alfonso Sánchez, la distinción con la que destaca la labor de medios y profesionales en la divulgación del cine español. Un premio que es también de todo su equipo, y muy especialmente de Gemma Beltrán, jefa de prensa internacional del Zinemaldia. Disculpad que la mencione, pero fue ella quien me enseñó a creer en mí, a seguir mis principios y a confiar en esta industria.

Archivo Festival de San Sebastián / Jose Gegundez / CC BY-NC 4.0

¿Por qué no miramos más a quién tenemos al lado? Al otro lado de la butaca. Más de 175.000 espectadores y casi 6.000 acreditados llenaron las salas durante nueve días y convirtieron el festival, una vez más, en un espacio de encuentro alrededor del cine. Una comunidad, como diría Herzog. Quizá sea eso lo que más me lleve de esta edición. Que, entre tanto ruido, a veces lo único que necesitamos es mirar a la persona que tenemos en la butaca de al lado, respirar, aplaudir y sentir que el cine sirve para eso: para disfrutar, para olvidarnos un rato de todo y para hacer del mundo un sitio un poco mejor. Y no, no es un otoño cualquiera. Escribo esta crónica y estas líneas con unas elecciones generales convocadas para el 29 de noviembre y con la Puerta del Sol, convertida, una vez más, en una acampada de jóvenes que piden algo tan básico como una vivienda digna. Lo que salga de las urnas también acabará proyectándose en las pantallas: en las ayudas que permiten que existan películas pequeñas y valientes, en el espacio que tanto ha costado ganar a directoras, guionistas y técnicas, y en la libertad para seguir contando las realidades del día a día que nos atraviesan. El cine siempre ha sido un espejo, y ahora más que nunca, necesitamos que nadie lo apague. Que sigamos mirando hacia adelante, hacia el progreso, y no hacia atrás. El año que viene el Zinemaldia cumple 75 ediciones. Hasta entonces, fundido a negro: la sala vacía, pero la historia no ha terminado. Esperemos que en septiembre del año que viene vuelvan a apagarse las luces, volvamos a aplaudir antes de la primera imagen y que San Sebastián vuelva a ser lo que mejor saber ser: la protagonista de su propia película.

MODELO ¡se les nota en la cara!

Texto: Dani Pach Fotografías: @bea11trice

¡Qué tíos más majos Jorge Doherty y Batz! El dúo de moda, callejero de origen y también de actitud, se pasó por Madrid para ver a Ca7riel & Paco Amoroso y dedicaron un ratito de su previa a charlar con nosotros. Han comenzado una etapa súper ilusionante que ha tenido ya hitos inolvidables en Sonorama y en el Vive Latino. Pero ellos son conscientes de que el trabajo empieza a dar más que nunca sus frutos, ¡y lo mejor está por llegar! ¡Qué pasada el 2026 de Modelo! B: estamos muy contentos. Y ahora mismo agobiados (en el buen sentido) por la de cosas que tenemos entre manos. D: siempre que venimos a Madrid aprovechamos para condensar muchas cosas, y no deja de ser un poco denso. B: es cierto que lo que ha venido al final del verano y justo después está siendo atronador. Hemos hecho cosas que han ido muy bien, el Sonorama por ejemplo, el Vive Latino, todo ha encajado y lo vemos como una bola de nieve que va cuesta abajo, que nos flipa pero que, al mismo tiempo, nos está costando entender. Bola de nieve a todos los niveles, claro. D: el equipito que durante tanto tiempo éramos nosotros dos está creciendo ahora un poco, es algo que nos hace muy felices, pero también nos abruma un poco. Es lo típico de las primeras veces. B: se ha despertado un interés en nuestro proyecto en el que por supuesto nosotros

llevamos creyendo desde siempre, pero ahora hay gente externa a nosotros muy dentro de esto y es algo extraño. Y además os costará delegar. D: Hasta ahora hemos sido multitasking. Un grupo de nuestra generación no para, lo hacemos todo nosotros, Batz era hasta ahora el tour manager, y todas nuestras canciones las grabamos, producimos y mezclamos nosotros. Todas las giras, todo lo técnico... Y, de repente, llega una oportunidad de ampliar el equipo, y te ves haciendo una primera gira con un poquito de staff, de crew, de compañeros que nos ayudan en todo. A nosotros, que íbamos en mi Skoda Octavia los dos, con una flght case, la batería de juguete y un ukelele. Estamos haciéndonos a lo nuevo. ¿Cuándo creéis que empieza esa bola de nieve a crearse? B: en el Vive Latino del año pasado. En realidad, en la trayectoria de Modelo cada año ha habido algo que nos ha dado un plus para encarar el siguiente. Asumiendo que nuestro proyecto todavía es muy pequeño, tenemos la inmensa suerte de que llevamos viviendo de él unos tres o cuatro años, y en esa edición del festival conocimos a la que hoy es nuestra manager. Hemos vivido desde entones una etapa junto a personas que nos ayudan a pensar, que nos ayudan a tomar decisiones que van más allá de nuestra visión artística, poniendo las cosas en perspectiva. Eso está

haciendo que el proyecto se vea sólido con respecto a una industria, sin olvidar que nosotros somos los mismos y seguimos haciendo lo mismo. De repente, esta estructura nos está abriendo a formar parte de un entramado muy grande. Y por eso estamos hiperventilando (risas) desde hace unos meses. Sois profetas en vuestra tierra además. Los mejores hitos son en Zaragoza. D: lo de nuestra ciudad es una locura. Desde el primer momento que empezamos a tocar allí, cerrando o empezando nuestro “curso escolar” desde hace cuatro o cinco años. Primero fue en La lata de bombillas, y ahí la gente nos apoyó mucho hasta el punto de que se llegó a hacer una segunda fecha. Al año siguiente nos fuimos a otra sala con un aforo más grande, de 400 personas, que sería La casa del loco, y la gente también respondió hasta el lleno. Un año después hicimos la Sala Oasis. Es un sueño para toda banda de Zaragoza poder actuar allí, ya estamos hablando de un aforo de más de 800 personas, ¡y la gente también la llenó! Llegado ese punto ya no sabíamos muy bien qué hacer, y entonces se nos ocurrió hacer el Zaragoza Tour, actuando en esas tres salas, tres días consecutivos, de menor a mayor aforo. Se nos ocurrió la locura de una entrada triple que incluía una pulsera a modo de festival, y bastante gente compró ese pack. Era importante esto porque llevábamos tres setlist diferentes y canciones diferentes.

De hecho, la mayor fumada fue que en cada concierto íbamos a tocar lo que estábamos viviendo en ese momento, y por eso en la primera fecha interpretamos canciones que hacía mucho tiempo que no tocábamos. ¡Eran las que tocábamos entonces! Por ello, esa entrada triple se fundió la primera. 120 personas vinieron a La Lata y, obviamente, sabíamos que les íbamos a ver dos veces más desde arriba. Fue una experiencia muy bonita por la forma de conectar con la gente que nos apoya, y nos fuimos todavía más conscientes del cariño que tenemos allí. Un año después hicimos el Teatro de las Esquinas, en el que entran unas mil personas, e íbamos con miedo porque son muchísimas entradas, pero la gente se las ventiló en apenas 24 horas. ¡Hasta el punto de que colegas nuestros no pudieron venir! Tuvimos que hacer apaños para que pudieran venir nuestras madres, se nos pasó por la cabeza incluso ponerles camisetas de “Modelo Crew” y pasarlas. El caso es que este año nos hemos calentado con la Sala Multiusos, que es el auditorio y tiene un aforo de 3500. Fuimos a verlo el otro día, vacío, y da frío. D: ¡Es que es una nave! B: ya no es un semiteatro como el de las Esquinas. Estamos hablando de un rectángulo vacío, enorme. De igual forma, estamos tranquilos por la gente, es decir, este vértigo y este miedo que tenemos ahora, se compensa porque la gente nos da la mano al otro lado. Sabemos que va a ir bien porque la gente se hace dueña de lo bien que va. Al final en Modelo estamos haciendo cosas muy parecidas a las que hacíamos hace 7 años en la calle, y la gente se identifica con eso, con lo que queremos expresar. Es su Sala Multiusos, su movie. Nosotros tan solo llenamos el escenario. Desde arriba algo hacéis muy bien, incluso para quien no conoce vuestras canciones. Contagiáis celebración. B: Eso es la calle, nos lo ha dado el don de ver lo que pasa. Cuando estás tocando en la calle, la gente se para o no, se pone a bailar o no, y ocurre que Jorge es un increíble monitor de campamento. D: de hecho sí, me he dedicado muchos años a ello, a animación, etc., y hemos trasladado eso a la calle. B: antes de Modelo tuvimos diferentes grupos, de hecho, yo participé a la batería de lo que era su grupo cuando éramos adolescentes. Cuando me piré a Inglaterra él me daba envidia porque pensaba, joder, yo ya no tengo a este súper frontman a mi lado. Soy fan de su escenario, de su capacidad de comunicarse con la gente, y cuando nos reencontramos y volvimos a formar equipo pensé: ¡es que ni bajista necesitamos! D: y yo no habría montado un grupo de dos personas de no estar con Batz. Estoy

muy cómodo en el escenario porque tengo a un colgao a mi lado haciendo precisamente de colgao, tanto como lo hago yo. De hecho, si estoy un poquito más bajo de ánimos, me giro, lo veo súper encendido y cambio el chip. Tengo que estar a tope, mi compañero lo está dando todo. Nos retroalimentamos mucho en el escenario, y creo que eso se transmite a la gente, se les transmite esa energía y al final, ellos no se quedan solo con las canciones. Se quedan con esa energía, de hecho, nos lo dicen mucho eso de “no os conocía, pero x”. Es un chute de energía que no sé muy bien cómo explicarlo, y podríamos irnos a casa todos agotados, pero ocurre que la gente sale de ahí con más vitalidad. B: y todo empieza ahí. Nuestro directo está pensado para eso, pensando que el público

que tenemos delante no nos va a conocer. Nos enfrentamos al directo como si estuviéramos en la calle. ¿Cómo podemos comunicarnos con esas personas y hacerles partícipes? En la calle no te conoce nadie, y eso es precisamente lo que mola. Lo tenemos todo documentado además, es decir, podemos ver las reacciones de la gente en 2019, por ejemplo. D: vosotros nos visteis en el Vid, y allí, el primer año que tocamos lo hicimos en el suelo. Nos “colamos” entre dos conciertos, obviamente esto pactado con el festival. B: nos dieron permiso para no echarnos. Nos dijeron algo así como: no queremos saber nada, pero si lo hacéis como decís, no os vamos a echar. Así lo acordamos. D: fue un hecho similar al del Sonorama. B: con la diferencia de que en Aranda no era ni pactado. Aquello fue una macarrada.

D: Ahí podemos hablar también de un antes y un después. Batz sigue viviendo en Brighton, imagina la de vuelos que se coge cada dos por tres, es una locura, y cuando hicimos lo del Sonorama en 2023 obviamente no estábamos en el cartel y éramos un grupo mucho, obviamente, más pequeño. Entonces vimos eso de que hay conciertos en la calle, ¡y si nosotros tocamos en la calle en Brighton, por qué no íbamos a hacerlo en Aranda durante los días del Sonorama! Teníamos miedo porque nos podía pasar cualquier cosa, que la policía apareciese por allí, que el festival nos echase, pero la realidad es que nos dejaron una batería de coche para poder conectar los instrumentos... B: todo montado con las pinzas, que pensábamos que explotaría el Sonorama si aparecía alguien con pistolas de agua. D: ...y a raíz de eso fuimos al Vive Latino, y ocurrió que ellos también querían que nos colásemos en su festival. Se convirtió al final en la fórmula para darnos a conocer. En directo honráis todas vuestras etapas, toda canción puede entrar. D: eso es, no somos una banda canónica de centrarse en lo nuevo. ¿Ahora con un futuro álbum, asusta más eso que una sala enorme aún vacía? B: para nosotros el directo es como nuestro bebé, está vivo, es una hora que va separada de nuestras canciones en particular. Lo dividimos por bloques, es decir, no vivimos los conciertos como canción más canción más canción, porque en una canción no te da tiempo a llevar a la gente a un lugar determinado. Es una progresión, necesitamos varias canciones parar traerte a un punto, subirte, bajarte, y ahora la pregunta que surge con el nuevo disco de cara al directo es: ¿cómo abrimos un espacio a estas canciones nuevas y qué lugar ocupan en nuestra obra que es el directo? Para que entre una canción, inevitablemente se tiene que ir otra. Nos enfrentamos a eso, y creo que es algo que terminará decidiéndolo el público. Ellos decidirán cuáles son las canciones que les mueven más, con sus escuchas y opiniones nos ayudan a dirigir nuestro directo. Esto de hacer un disco es algo nuevo pero nos tranquiliza que tenemos una comunicación muy directa con la que gente que vive Modelo con nosotros y, por tanto, las respuestas no nos las tenemos que inventar. De forma indirecta nos lo dirán. Con esto se intuye que vendrán muchas fechas chulas en 2027. B: antes de venir a esta entrevista llevábamos unas dos horas reunidos para descubrirlo. No las conocemos aún, pero ya sabéis que el 9 de enero en la Multiusos de Zaragoza nos vemos. Reuniones y un mismo modus operandi.

D: tenemos un gran equipo y algunos que ya estaban. Es el caso de Vanilla Bloom, que son unos cracks y llevamos trabajando con ellos mucho tiempo. Siempre nos han flipado, son dos chavales también de Zaragoza, otros colgaos como nosotros que tampoco saben muy bien dónde se están metiendo. Es un orgullo eso de crecer en paralelo. B: sigue ahí la gente de siempre, y ahora están entrando nuevas personas para trabajar en cosas también nuevas. La música sigue siendo cosa nuestra en grabación y producción, contando con Vacuum para el master, y es que nos funciona trabajar en familia. Esos vídeos minimalistas en los que sucede la vida, cielos azules, verano... D: es al final lo que somos, una batería y un

ukelele, tan solo dos en un escenario. ... pero algo ha cambiado en este sentido en Café en medio de la tormenta. B: ocurrió que se me rompió el menisco. Esta canción parte de una experiencia... D: creo que, aunque es una canción más oscura, fruto de que nos gusta experimentar, pero tiene también su luz. B: con las canciones del álbum que aún no han salido nos hemos podido meter en sitios a los que no habríamos entrado de pensar que todas nuestras canciones tengan que entrar en directo. Esta canción se hizo así, desde la libertad de no saber si teníamos que tocarla. D: y que no tiene que ser todo un verano eterno. Contamos que estamos relajados en medio del caos. En Madrid sabréis de lo que hablamos, que vaya agobio de ciudad.

El 2027 se intuye como un año de mucho trabajo y de muchos retos. B: cuando estábamos en Brighton, Modelo estaba en la guardería. En los últimos seis años se ha hecho el colegio, y en este curso la banda empieza el instituto. Le esperan ahora cuatro años de insti. En Zaragoza hemos aprendido muchísimo, nos hemos embarcado en una gira con muchas fechas. Hemos tenido años de 50, de 70 fechas, todo entre dos personas. Ahora lo que queremos hacer en este año que entra es, a través de nuestro disco, poder presentar nuestro bebé que ya no lo es tanto al resto de la península. Y si podemos salir del país lo haremos con todo. D: y entre los aviones de Batz, cuando tenemos alguna semana más liberada y tenemos que componer o producir, también me montaré yo en el avión para, en el estudio, seguir trabajando canciones, que también nos gusta mucho. Es muy bonito ir caminando por el paseo marítimo, pensando en que además haces ese recorrido para hacer música. B: ¡ahí además tocamos en la calle por primera vez! Lo dicho, el 2027 será eso, tratar de llegar, con música nueva además, a mucha más gente. Para nosotros no va a cambiar nada en realidad, somos los mismos colgaos y vamos a estar igual de reventados, pero con suerte podremos comunicar nuestra movida un público mayor.

Iván Ferreiro 35 años de

EQUILIBRIOS IMPOSIBLES No era el primer Movistar Arena de Iván, pero sí el primero en el que honrar de verdad su trayectoria. No en vano, es uno de los mayores talentos de nuestro país, con el don de conquistar corazones de toda clase y condición desde hace más de tres décadas. La noche en el Palacio de los Deportes podría haberse titulado “Fin de la tercera parte” con todas las de la ley, pero quizás Iván ha entendido al fin que no hay final que valga, y que los anteriores se repiten todo el rato, una y otra vez. Por ello el Hoy por ayer, y por ello Piratas siempre será Casa.

Texto: Dani Pach Fotografía: @bea11trice

El propio artista, junto a su banda de infinitos quilates en la que siempre está presente su hermano Amaro, avisó de que prácticamente no iba a hablar para no tener que suprimir nada de un repertorio amplio en el que no se dejó ni una de esas grandes canciones con las que crecimos. Los más fans querríamos más, por supuesto, y quizás algún día disfrutemos en vivo de Oh nena, El sabor de las cosas, El mundo de Wayne o Tan fácil y, sin embargo, nos emocionamos como pocas veces en un concierto cuando Iván empezó a cantar Te echaré de menos, una canción inédita en directo para quienes no llegamos a tiempo a aquella despedida en La Riviera en octubre 2003. Así, en el show se fueron alternando las diferentes etapas para terminar firmando un set list generoso y agradecido en el que no habría lugar para los bises y sí para la Fe.

Teniendo en cuenta que Iván Ferreiro todavía tiene que visitar en esta gira las ciudades de Lugo y Donosti (13 y 14 de noviembre respectivamente), enumerar en estas líneas todas esas canciones no tendría ningún sentido, y tampoco es lo más importante en un repaso tan amplio en el que lo emocional vence sobre todas las casas. Sin ir más lejos, y más allá de la obvia nostalgia, el nerviosismo sí parecía apoderarse por momentos del artista de Nigrán en determinadas canciones, algo que terminó por contagiar incluso al mismísimo Leiva, una de las dos colaboraciones de la noche, en unos minutos cómicos en los que el de Alameda de Osuna trataba de interpretar junto a Iván su canción Breaking bad. Obviamente, el Movistar Arena estaba para disfrutar, y en ello venía de serie también celebrar el error y lo humano.

Versos como Vendiendo Europa a los americanos de Ciudadano A no podían sonar más fuertes y letales, atendiendo a estos tiempos convulsos, en un concierto en el que además de ratitos íntimos para los hermanos Ferreiro, pudimos disfrutar también de leds psicodélicos, interferencias visuales y errores informáticos, propios de una etapa final de Piratas en la que la electrónica buscaba su protagonismo con artefactos de toda clase y condición.

El Relax es un álbum valiosísimo que quizás ahora se valore mucho más que en su momento y que tenga cierto protagonismo en una noche así es más que un regalo para los fieles, para quienes siempre creyeron en una banda, que quizás fue una adelantada a su tiempo, y cuya discografía trasciende y hace soñar a varias generaciones.

No parece nada sencillo resumir 35 años de trayectoria en un show, entre la melancolía, la pasión, la rabia, los momentos lentos y los más divertidos de una carrera histórica. Pero cuando Promesas parece llegar a su fin y el público canta el clásico Insurrección, tal y como ocurrió en aquel Fin de la segunda parte hace justo 23 años, te das cuenta de que solo Iván puede hacer esto. Da igual que Xoel López salga a escena sin presentación de ningún tipo y da igual si Maga “telonea” Turnedo una vez más. Todo eso es maravilloso, pero aunarlo en un todo tan inmensamente bonito es algo que solo puede hacer él, al menos hasta la fecha. Iván Ferreiro mira a la cara a todas sus etapas con orgullo, y también con agradecimiento. El mismo que le traslada un público fiel que asume el tiempo y la distancia como propios. Chihiro, M, Pris, Kina, Mr. Wah Wah, Suso Martínez Romero, Wayne, Audrey, Mirna, Rocco Sigfredi... Gracias, Iván, por sorprendernos en este sueño sin querer. Vivir es el alambre, y el resto es esperar escuchándote.

ALDHARA

BELLADONNA

La Sala Galileo Galilei vive una nueva revolución cultural en su legendario escenario y también entre sus mesas, y buena prueba de ello es la puesta de largo del primer EP de la artista madrileña Aldhara. Belladonna, entre telas y destellos azules, es el flamante resultado de una infancia y una adolescencia ligadas a la música gracias al conservatorio (tocaba el violonchelo) y a sus inquietudes en torno al flamenco y al folclore. En su evolución mucho tiene que decir su lugar de nacimiento, New Haven (EEUU), lugar al que vuelve en un momento dado y en el que decide dedicarse a la música de forma profesional.

Texto: Dani Pach Fotografía: @bea11trice

Para llevar a cabo su directo ante una sala llena de fans, pero también de crítica, diversas personalidades de la industria musical y, por supuesto, amigos y familia, Aldhara cuenta con músicos de la talla del percusionista Ángel Quijano, la guitarrista María Hernández, Darío Bizz (De Rancho) y la propia hermana de Aldhara, quien incluso se atrevió con una versión a modo de interludio.

Hay quien podría pensar que el proyecto de Aldhara tiene muy buenos mimbres pero quizás es pronto para que se sumerja en grandes producciones o en presentaciones dirigidas a un público más profesional. Lo cierto es que en un año prolífico en el que, además del EP, ha seguido publicando sencillos como Cascabel o Antares, y en el que ha participado en eventos como el POP CAAC de Sevilla o el maravilloso Leturalma, pocos mejores entrenamientos musicales y personales se nos ocurren para poner toda la carne en el asador y ver hasta dónde puede llegar como artista ahora. Su directo, cargado de emotividad, y en el que combina raíz, lo puramente orgánico con guindas digitales y con una puesta en escena muy clara en lo estético, sin abusar de visuales pero sí creando una atmósfera elegante entre lo onírico y lo puramente terrenal, es una buena forma de contarle al mundo hacia dónde quiere dirigir su proyecto. El pop, el flamenco y esa forma de envolver el escenario son ya de por sí grandes avales para lucir grandes composiciones como Los que ganan o Edén, las dos mayores cartas de presentación de Aldhara. Para ella, la música es un territorio libre en el que las referencias juegan entre ellas sin que nadie las riña ni las separe y, además, liga lo resultante en canciones a un espacio audiovisual al que da mucha más importancia de lo que en directo podría parecer. Los ejemplos en forma de videoclips de Adictos o la propia Antares, con la imagen con grano, con su puntito vintage, parecen dotar incluso de más fuerza sus composiciones. Hay una buena baza en ese sentido por explotar en un directo muy trabajado, impoluto, al que quizás con el tiempo le siente bien un poco de improvisación. Llegará.

Texto: Dani Pach Fotografía: @bea11trice

PUÑO DRAGÓN

[ Mañana es (definitivamente) hoy ]

La escena asturiana no deja de lanzar al universo del pop y el rock multitud de propuestas de un nivel altísimo, y Puño Dragón es uno de sus mayores avales. Afirman que el álbum Juegos violentos (2025) es el gran punto de inflexión en su trayectoria musical, que les ha llevado a ofrecer muchísimos conciertos al año por todo el país. Ahora, con un delicioso y punzante A palos (dist. Altafonte) ya en la calle, los del Principado asumen los golpes como una forma válida para avanzar, armados de ironía y del fuerte sentido de la amistad que les ha traído hasta aquí. Compartimos cafés en el barrio de Delicias para ponernos al día con la hoja de ruta. ¿Qué tal está Puño Dragón hoy? Estamos un poco cansados porque esta es una semana de promo en la que tenemos que hacer muchas cosas, pero al mismo tiempo muy motivados, felices. A palos es todo un discazo de carretera. Y nos hemos dado cuenta de lo bonito que es en realidad este lifestyle. No éramos conscientes de que podía serlo tanto estando juntos, siento tan colegas. De esa sensación, de ese espíritu, de esa forma de entender la vida nace todo esto. Cierto es que Juegos violentos, por así decirlo, os cambia la vida. De hecho, nos la cambia de manera literal. Nos preguntan mucho si tenemos cierta

presión a la hora de lanzar un nuevo álbum, de si estará “a la altura”, y quizás deberíamos sentir algo así pero somos un poco inconscientes. Disfrutamos como niños de todo este proceso, desde el mismo momento en el que empiezan a nacer las canciones. Es la primera vez que Rafa compone teniendo gente al otro lado que nos espera, y esto hace que uno escriba con más confianza que nunca. Ahí él no se arrugó en absoluto, pero es que cuando fuimos al estudio, una fase en la que manda más German, tampoco se arrugó. Hubo más confianza que nunca, después de tantos años haciendo música es la primera vez que decimos: ¡somos cojonudos, me cago en la puta! Eso entendemos que es precisamente lo contrario a tener o sentir presión. De hecho, nos ayuda a ser más nosotros mismos, que es al final lo que ha gustado a la gente. Llámalo fresco o natural. ¿En qué momento una banda como Puño Dragón nota ese “clic”? Sorprendentemente, en este proyecto sentimos que había algo que ya hacía clic desde el principio. Ocurre que, por suerte, el volumen de gente ha ido creciendo y, de hecho, con nuestro primer álbum nos impactó mucho que a la Siroco vinieran a vernos unas 100 personas y, además, cantaban nuestras canciones. Eso escaló a una primera Sala El Sol, y a una segunda que fue algo increíble, a la altura de lo que

fue, al final, toda la gira. De repente empezamos a enlazar muchísimos bolos, era una locura, y allá donde íbamos, Palencia, Salamanca, etc., siempre nos encontrábamos a unas 50 ó 60 personas loquísimas. Al final te das cuenta de que en todas las fases que ha vivido la banda, las cosas siempre han ido un poco por encima de nuestras expectativas. Es bastante grato, eso y que teníamos siempre la carta del contragafe, hablando siempre de que no vendría nadie a vernos (risas). En lo relativo al proceso de grabación, quizás es lo que menos cambia, independientemente del crecimiento. El gran cambio en esta ocasión es que Rubén Loro ha participado en las grabaciones por primera vez. ¡Ahora tenemos un teclista de verdad! Se nota mucho en el sonido de la banda, y a la hora de producir facilita mucho las cosas. Pero más allá de esto, nuestra forma de trabajar es la de toda la vida. De hecho, antes de que existiera Puño Dragón, Rafa y Germán ya trabajaban así, desde hace más de diez años, sacando fotos de canciones prácticamente cada día. Esa es la filosofía que tenemos a la hora de hacer música: intentar ir al estudio y salir de él con una canción. A veces empezamos desde algo a medio hacer, otras veces vamos sin nada, y otras con cosas más trabajadas, pero el objetivo es que a las 20:00h, o antes si se puede, salgamos con un tema terminado.

Intentamos no pre-producir mucho ni maquetar. Vamos con notas de audio de Rafa, por ejemplo, y a eso le dedicamos como mucho unas diez horas hasta que las cosas terminan tomando forma. Esos más de diez años juntos invitan a pensar en las otras bandas que residen en Puño Dragón. La cosa viene desde los tiempos en los que tocaban en Tigra, e incluso la producción de los discos en solitario de Rafa (2018 2021). Hay muchísima confianza ahí. En juegos violentos la rabia daba paso a la calma. Sin embargo, A palos es lo más parecido a una montaña rusa musical. Este disco es un camino. Cuando hicimos este tracklist (cada uno propuso el suyo), estábamos jugando a ordenar los temas y nos dimos cuenta de que en uno de ellos, el de Rafa, había un principio y un final, una especie de viaje. De hecho, el primer tema (De to se sale) es una especie de prólogo en el que un personaje se enfrenta a los problemas de la vida y el último tema (Subir por el puerto) es básicamente regresar a casa, en este caso a Asturias. Empiezas asumiendo los palos de la vida, no se le pueden poner parches al dolor, esto hay que gestionarlo y, de ahí, también salen cosas bonitas, salen canciones, y por lo menos estamos todos los amigos juntos en una furgoneta yendo a algún sitio absolutamente aleatorio. En el caso de la canción estamos yendo a Jerez, un sitio en

el que el propio Rafa, por ejemplo, nunca ha estado. ¡Por eso lo puso! Y en esa canción final es un voy a regresar a Asturias y voy a hacerlo por el camino por el que hay que hacerlo, que es por el puerto. La pista cinco, Suuave, es quizás la canción más “bestia”. ¡Toma ironía! Curiosamente fue la última canción que grabamos. En el proceso de Juegos violentos nos pasó algo parecido, es decir, Rafa es como un grifo, tiene muchísimas ideas, al final acabamos grabando entre 20 y 25 temas y siempre es complicado elegir de ahí tan solo 12. Suaave fue la última en llegar, ese mismo día en el estudio de forma como muy urgente. La canción no tiene ni puente, va directa al estribillo, nos gusta mucho porque el inicio es pausadito y, conforme avanza, llega un momento en el que te atraviesa. Fue un proceso en realidad muy divertido y nos gusta recordar que de la nada salió este cuchillo ahí en medio. Es muy acertada además su situación en el disco. La premisa era: vamos a grabarla, porque la tenemos y porque estamos precisamente en un estudio, pero con poca fe y asumiendo que no entraría en el disco. Ahí entró en juego el contragafe. Nos encantó, terminó entrando e incluso fue uno de los singles. ¿Y qué pasa con esas canciones que se quedan fuera? ¡Son muchísimas! Tener tanto donde elegir está guay, primero porque nos aseguramos que esa

fase en el estudio se alargue más. Tenemos la suerte de que grabamos en el estudio de Germán (House of light, Oviedo), es decir, no tenemos que estar contando las horas. Para nosotros es un punto del proceso muy divertido, lo común es ir a un estudio con las cosas muy preparadas, pero nosotros podemos hacer el camino inverso y disponer del tiempo que necesitemos. Eso da pie a que salga mucho material y que podamos encajar mejor las piezas. En Y cómo sabe!, en contraste a Suaave, detectamos una pseudo-nada. Podría serlo. A Rafa le retrotrae a un reggae muy lento, de hecho, nació un poco como eso, un reggae, pero luego decidimos no instrumentarla. Esto es así hasta el punto de que hace la tontería esa del “a la la la la lon” en los 30 últimos segundos, como si fuese Bob Marley, aunque en realidad no tenga nada que ver. Mola mucho meter una caricia de penúltima. Si nos queda una última hostia, por favor, reposemos aquí. Esa “última hostia” guarda un guiño al himno asturiano, por cierto. El anterior álbum era muy Madrid, y es que Rafa vivió en la capital durante cinco años. Aquello respiraba ciudad, Bailén y muchas otras cosas, y ahora nos volvimos a Asturias. Este disco es más casa, y también es desencanto: Madrid, cuánto te quise, porque antes había un corazón donde hoy sólo late el asfalto cuando lo funde el calor.

Subir por el puerto era un final precioso por esa vuelta al fin a casa, yendo por la montaña en lugar de ir por el túnel, viendo bien el verde, como merece la ocasión. Y terminar con el himno de Asturias es un chovinismo que nos emociona, y tenemos muchas ganas de tocarlo y cantarlo en los conciertos. La amistad, la vuelta, los palos, conectan increíble con el arte de Alejandro Famos, incluso aunque la portada y las de los singles no tengan relación entre sí. El concepto de la portada del disco es precisamente su concepto. Es un disco de amistad, de superar los problemas con tus amigos, y la foto de portada quizás parezca agresiva, casi podría parecer una pelea. Incluso podrías pensarlo por el título del álbum, pero en realidad es un abrazo. Son cinco tíos abrazados, casi como una especie de melé, pensando en que, si hacemos una pelota juntos, nos duelen menos los palos. En cuanto a la conexión con los singles, el razonamiento es muy básico, y es que no nos gusta mucho desvelar el arte del disco en esa etapa de lanzamientos previos. Creemos que pierde potencia cuando llega el día de publicación, porque lo has ido desmenuzando. La portada tiene que ser algo que te impacte, de la misma forma que impacta el arte de cada single en particular, que guardan dentro de sí toda la coherencia. ¿Cuánto cuesta girar desde el punto de vista de la amistad? Es similar a un campamento de verano de cuando éramos niños o el hecho de compartir piso o tener una relación de pareja. Si alguien te cae mal lo vas a descubrir, y sabes que va a haber mucho roce y momentos en los que uno pierda la paciencia, otro se ponga malo o esté bajo de energías, otro que esté muy cansado... La experiencia te pone a prueba, pero de lo malo sale lo bueno, lo que merece la pena. En Puño Dragón hemos escogido las personas correctas para este viaje y hemos aprendido a reconocer los tiempos de cada uno, sus ritmos. Tenemos protocolos de emergencia, y suma para bien la ética de trabajo, ya no solo de los músicos, también del equipo humano que se ha ido formando alrededor. Todos vamos en la misma línea en trabajo, en comunicar y en cuidar a la otra persona, en anticiparnos cuando alguien no tiene un buen día. Al principio no nos salía muy bien, pero después de 60 bolos y tanta carretera, el mecanismo se va engrasando. Es eso que dicen del todos a una. Se viene un buen número de bolos, con dos Rivieras y dos Tribeca Live en enero. Y hay ganas, nos flipa tocar y nos motiva.20

Da igual en realidad el escenario porque lo que prevalece es la ilusión, y da igual si delante hay 50, 100 o mil personas. Lo jodido es cuando no vendes entradas. Se pasaba mal hace seis años cuando tenías que llamar a la gente pidiendo por favor que viniesen porque apenas tenías diez entradas vendidas. La sala llena es un spa. Y esto lo decimos ahora, ¡a saber cómo estaríamos si hablamos de esto en la víspera de las Rivieras! Al respecto de Oviedo se da una paradoja, ya que a Germán y a Rafa siempre les mola eso de volver a casa y enseñar a nuestra gente lo que estamos haciendo. No desde un punto de vista vanidoso, más bien en el sentido de compartirlo, porque nos han visto pasarlas canutas tocando al lado de una tragaperras, por ejemplo.

Pero al mismo tiempo hay una pérdida de foco, es decir, no se sabe muy bien dónde está Puño Dragón y, de hecho, hablamos mucho de esto y es que en Asturias es donde más nos llaman Puño y Dragón, Es algo que quizás no nos pasaría nunca en Murcia o en Zaragoza. Quizás tenga que ver con que no hay mucha cultura de rock y de conciertos, y lo decimos sin mala intención ni faltar al respeto a nadie. Es un hecho, en otras ciudades saben más de qué va la película. Curiosamente, hay una cantera de artistas haciendo cosas increíbles, pero no termina de convertirse en un tejido cultural estable. Lo más representativo de la cultura saludable en Asturias es el Prestoso Fest. Terminemos definiendo el disco en una sola frase: (Julián Seijas): ¡¡¡GGGGGGGGG!!!

EL HOMBRE QUE SE ENAMORÓ DE LA LUNA #LUNA410 Cuando Pablo Loriente propuso a quienes hacemos la Revista Sold Out un programa para celebrar y poner en valor nuestros 50 números, no imaginábamos semejante acto de generosidad, tanto de él como de todas las personas que hacen la Luna desde hace tantos años. Se nos sigue poniendo el corazón blandito cuando recordamos momentos de lo vivido en la Sala Mirador, y solo nos sale agradecer una y otra vez que un programa icónico en lo cultural y en lo social haya sabido valorar como nadie nuestra labor, elevando la historia de una revista digital a algo que ya no olvidaremos.

Textos de Dani Pach Fotografías de A. Makeda

Con la propuesta encima de la mesa, y pensando en quiénes querrían acompañarnos en una noche tan bonita, con las semanas se nos venían a la cabeza dos grandes artistas que quizás no tienen todo el foco que podrían merecer y que, sin embargo, se apuntaron sin dudar a esta Luna 410. Sara del Valle y Delgado decidieron además fusionar sus respectivas canciones Luz de luna y Oigo un rumor, convirtiendo los primeros minutos de programa en algo mágico que emocionó al respetable hasta el punto de animarse a cantar con ellos. En la puerta del backstage, y esto es una confesión real, se vieron bocas abiertas y alguna que otra lágrima por lo inesperado del momento, y por las tablas de dos artistas con tanto que decir y que ojalá hayan abierto una ventana de escuchas entre el público lunero.

Como siempre, y con las 50 portadas de fondo, el inigualable Peru Saizprez sería el primer encargado de activar la palabra, atropellando con ella al poderoso al mismo tiempo que activa y pone en alerta al vulnerable. “Cuidado con lo que compras porque nos están vendiendo entradas para un callejón sin salida”. Qué momento tan certero, por desgracia, para hablar de memoria, de deshumanización, de ruinas y de futuro decadente, al mismo tiempo que Peru anima a pasar revista, a bailar, y a disfrutar en definitiva de todas esas cosas que jamás estarán en venta. Ni mucho menos lo estará jamás la vida. Qué pasada pasada.

estas

letras,

Peru,

qué

“Es necesario decir que fue inevitable escondernos detrás de una anciana para encontrarnos y crecer.”

Y es que hace prácticamente un año estábamos entre el público en la Luna celebrada en el CSO La Rosa, en el corazón de Madrid. Allí conocimos la realidad del Sindicato de inquilinas, ese que desde hace unas semanas acampa en la Puerta del Sol junto a muchísimas compañeras y compañeros. Es un orgullo que existan personas que sencillamente ayudan a otras a a salir adelante, a entender y a luchar en procesos tan traumáticos como el de un desahucio. La presión ha hecho caer un gobierno, Maricarmen lamentablemente ya no está en este mundo y en la Sala Mirador no sabíamos el valor simbólico que ya de por sí tenía la esquina del escenario en la que, además de representar a diversas organizaciones, había una tienda de campaña en honor al movimiento histórico que está levantando poco a poco a esta sociedad adormecida.

Con todo esto, pudimos charlar de cómo nació esta revista, de cómo Bea empezó a hacer fotografías a la gran mayoría de artistas de nuestro país, de cómo preparamos las entrevistas y de un sinfín de anécdotas que, por suerte, se pueden escuchar una y otra vez en todas las plataformas de audio desde hace unos días. A nuestro juicio, deberíais aprovechar la coyuntura para escuchar todas las Lunas posibles, una tras otra. Son todas un chute de cultura y valores que bien mereció su inclusión en la lista “50 Best Podcast 2026” de Forbes. Nada es causalidad.

Los invitados a la Luna 410 iban a ser, de forma inconsciente además, dos artistas súper conscientes en valores y sentido de la industria musical. Contar con Álex y su proyecto Sienna es un privilegio, sobre todo porque él mismo ha sido hasta hace pocas semanas su propia oficina desde que la composición y el arte inundaron su cuerpo. Él era su booker, su agencia de comunicación, su discográfica, y de esta forma terminó llenando pequeños y grandes espacios, en salas y en festivales de envergadura, generando un público fiel de forma orgánica. Hoy ya prepara la salida de su álbum más ambicioso, Lince, y en la Mirador nos regaló dos canciones de ayer y de hoy en una interpretación tan bonita que todavía no nos la creemos.

Vega fue la última ilustre invitada, y preguntaba nada más sentarse en el chéster de Pablo cómo era posible que no hubiesen podido coincidir en una Luna hasta ese mismo instante. La artista cordobesa está experimentando una etapa de mucha luz, lo decían sus ojos, y es una alegría inmensa que tras el resurgir de IGNIS parezca atisbarse nuevo material en el horizonte. Entre el público había un buen número de fans emocionados tan solo de escucharla hablar de música en un ratito muy enriquecedor.

De su pequeña actuación, lo mejor fue comprobar cómo una artista que nos ha dado tantas alegrías en forma de canciones, es incapaz, al menos de momento, de desligarse de aquellas que sobre el papel pertenecerían ya a otra etapa que querría cerrar. De otro planeta se queda por el momento, y en la Sold Out lo celebramos por el cariño, por los cuidados y por cómo crece el corazón cuando suena.

Esta foto de A. Makeda es a nuestro juicio una de las más bonitas de este programa, ya que para la Revista Sold Out es un honor poder juntar durante unos minutos a estas dos personas que podrían estar horas hablando de arte, de activismo, de industria y, a buen seguro, también de ahondar más en ese concepto del amor al arte que tanto dio que hablar y que Vega se esfuerza en no enfocarlo desde el conformismo.

El equipo de El hombre que se enamoró de la luna es oro. Veinte años de trayectoria en las ondas avalan un proyecto solvente de ideas, de generosidad y de sentido de la cultura y de la justicia social. En la Revista Sold Out estamos muy felices de poder coincidir en tiempo y forma, y muy agradecidos de poder enseñar de una forma tan especial lo que hacemos mes a mes, y de forma indirecta también lo poco que dormimos. Gracias, Pablo, Makeda, María Maquieira, Peru Saizprez y Vicky Cantos. Gracias, de verdad, por ser como sois.

Si tienes alguna pregunta, duda o sugerencia, o quieres. anunciarte en estas páginas... ¡ESCRÍBENOS!

revistasoldout@gmail.com

Texto: Dani Pach Fotografía: José Luis Hernando Gómez

CuANDO soda stereo hIZO LA MAGIA. Cuesta distinguir la realidad de lo ensoñador cuando hablamos de música, tan acostumbrados a lo paisajístico de las composiciones y a los recuerdos y deseos que van ligados a ellas. Pero en el caso de la eterna banda de Buenos Aires, Soda Stereo, dicha diferenciación es del todo menos nítida en su vuelta a los escenarios gracias a la gira mundial ECOS. Hace apenas un año anunciaban esta iniciativa junto a la frase “llegó la hora, el minuto, segundo, instante”, y nadie se podía imaginar cómo sería realmente esa vuelta al futuro. A toro pasado tampoco lo tenemos muy claro, pero sí sabemos que cuando en el Movistar Arena alzamos la vista al escenario, allí estaba Gustavo, allí estaba Cerati, tan elegante, tan rockero, con sus guitarras icónicas como la PRS Multifoil a pleno funcionamiento. ¡Allí estaba, justo a la derecha de Charly Alberti y con Zeta Bosio algo más alejado! Esta fue la única parada en toda Europa para mostrar el mágico truco, y eso supuso que muchos fans viajasen desde diferentes puntos del continente e incluso desde mucho más lejos. No en vano, era además la primera parada en nuestro país tras más de 30 años, tras un mayo del flamante 92 en el que el trío seguía presentando el álbum Canción animal.

En aquel momento, Soda Stereo actuó por partida doble en la siempre recordada Sala Revolver, en dos conciertos íntimos con alrededor de medio aforo vendido, en una época en la que, a pesar de llenar grandes recintos, en terreno español las cosas no eran tan sencillas. Vaya si cambiaron desde entonces, que incluso con Cerati en su versión futurista han llenado de arriba a abajo el siempre imponente Palacio de los Deportes. Cerati no estaba, pero en realidad sí, hablando al público y cantando una veintena de canciones que hoy son historia de la música global. Descender del Olimpo hacia el escenario parecía algo mucho más difícil y delicado, pero nada parece imposible para una formación que sigue poniendo del revés al respetable cuando interpretan Cuando pase el temblor, del mismo modo que emocionan a propios y extraños con la iniciática canción que da nombre además a este show conceptual. Ver a tanta gente rendida a la causa, con sus viejas y nuevas camisetas, frotándose los ojos, da incluso cierta envidia sana de no haber podido vivir al 100% las aventuras de Soda Stereo cuando lo terrenal era lo común. No se sintió en esta hora y media ningún tipo de vacío y, ni mucho menos, se sentía extrañeza mientras Gustavo cantaba tan nítido y mágicamente gestual Nada personal, con sus coros, con su gancho pop, con sus contundentes cajas.

Con sinceridad, nos consta que en medios especializados se esfuerzan en explicar la técnica, el truco, la magia, pero la realidad es que llegado a un punto del show no necesitábamos entender nada. De repente éramos parte de todo ese universo, y nos hemos visto en otro tiempo, quién sabe si en 1997, antes de esos más de diez eternos años de pausa como banda. La realidad es que este show celebra y honra la figura de Gustavo Cerati, y precisamente es en los minutos finales cuando lo sentimos tan adentro que no necesitamos verlo, de verdad o mágicamente. Y por eso De música ligera se interpreta al fondo de la pista, con todos a una, celebrando, saltando, gritando a pleno pulmón esa canción histórica que conecta generaciones y sobre todo muchos grandes recuerdos. Charly Alberti y Zeta Bosio son increíbles coprotagonistas, los mejores, como siempre lo han sido, esta vez de un concierto que apela a la épica, a lo imposible. Qué bonito volver a vivirte, Gustavo.

Corren nuevos tiempos para la oficina Emerge, que hizo el agosto en el mercado de fichajes para añadir a su nómina de artistas en plena pretemporada a formaciones que nos encantan y de las que hemos hablado más de una vez en la Sold Out. Nos invitaron a su fiesta en Plaza Mahou, y allí disfrutamos de tres grandes y solventes propuestas en vivo.

ENSEÑA SUS CARTAS

Texto: Dani Pach Fotografía: @bea11trice

EL MOMENTO INCÓMODO

Guapísimo el show de la última formación en llegar a Emerge, y de la que acercamos a estas páginas el hitazo Luego nada es para tanto en el pasado mes de abril con el que iniciaban un nuevo camino sonoro. De hecho, marcó el inicio de una etapa marcada por el que será el segundo larga duración de Malena y sus musicazos.

Parece, por tanto, que se queda ya un poco atrás el bedroom que caracterizó el proyecto en sus inicios y que cristalizó en el álbum Soy consciente (2024), del que se extraen grandes canciones como Estoy enamorada de ti o la inicial 2 minutos más. En cualquier caso, el futuro de El momento incómodo en su nueva era en, Emerge a buen seguro le llevará por caminos todavía no transitados a todos los niveles. Os lo contaremos, sin duda, durante el cada vez más cercano 2027.

CARENCIAS AFECTIVAS Con Qué mal momento (lanzado en febrero) pudimos conocer en tonos verdes y mucha ironía el primer larga duración de Carencias afectivas, apuntalando el proyecto de Juan Casado, el reconvertido a bajista Julio Teigell, Juan Margallo y el más alejado de los focos Javier Herrero (¡que iluminen a los baterías como merecen!). Madrid, Almería y Cantabria representada para reventar escenarios al más puro estilo Mujeres o Perro, con sus cositas brit y una pizquita de ese punk divertido que termina por marcar la diferencia en directo.

El inminente viernes 16 de octubre presentarán al fin ese primer álbum en la madrileña Sala Uni, en una noche que abrirá Nuevo Fichaje presentando también su EP (¡más madera!), y pinta a verdadera fiesta antes, durante y después de un concierto que presumiblemente será la última fecha de Carencias Afectivas este curso, al menos en Madrid. Así que todavía tienes unos días para aprenderte Alcaldesa y salir con tus colegas cantándotela por Malasaña o allá donde pares. Sí, esa noche en Madrid habrá muchas cosas, pero ni un solo plan para no escapar como este.

BALONCESTO

Esta es la banda de la que todo el mundo habla desde hace semanas, y tiene mucho que ver en esto el álbum Un mundo para Glup publicado a finales de septiembre como una continuación brutal de un disco ya de por sí fabuloso como el debut Primavera tardía lanzado hace apenas dos años. Todo desde la sencilla premisa pop rocker de dejar reflejado lo que son en canciones.

Este trabajo lo definen ellos mismos mejor que nadie: “es un compendio de canciones narradas a modo de mitos y cuentos que hablan de la Tierra y nuestra forma de habitar en ella. La fragilidad de lo material y el poder de lo natural y artesanal”. ¡Joder, es fabuloso! De momento nos lo estamos gozando especialmente con el temazo Una casa, por esas guitarras, por esos estribillos a bocajarro, por los punteos... ¡Vaya, que nos flipa!

Pero el disco es mucho más que bailar en la nieve mientras crecen amapolas, y prácticamente las canciones se van envenenando hasta un límite nirvanesco que da gusto escuchar, cargándose de paso cualquier referencia que encontremos puntualmente. Trabajazo en la producción y mezcla de Jorge Antequera, quien termina de imprimir la fuerza necesaria a unas canciones que, insistimos, empiezan templadas y terminan achicharrándonos los oídos como pocas veces hemos experimentado. Si estás en Zaragoza, Barcelona o Valencia, ve a verles, copón, que la ocasión lo merece, y más a sabiendas de que están subiéndose a los escenarios más chulos de la escena estatal. En la Siroco y en el Planta Baja saben perfectamente de lo que hablamos.

¡La fiesta de los sellos independientes! Texto: Dani Pach Fotografía: @bea11trice

La segunda de edición de La Disquera en el Cuartel de Artillería de Murcia ha sido una bendición y, en cierto modo, nos ha llevado a preguntarnos por qué narices no acudimos a la llamada hace un año. Entonces, esta original iniciativa fue capaz de captar de cero un buen puñado de sellos independientes para celebrar un encuentro fonográfico que, más allá de su singularidad, se ha terminado convirtiendo en una quedada de muchos amigos de la música nacional en sus diferentes niveles, con la premisa de compartir impresiones, objetivos y formas de trabajar para salir adelante de la mano en la medida de lo posible. En esta ocasión, dicho encuentro hizo que confluyesen en un mismo lugar sellos como Flor y Nata, Calaverita Records, Bufalabala, Discos Bora Bora, Sonicdad / Discos de Menta, Son Buenos, La Semilla Records, Grabaciones Vistabella, Talento Gorila, Perdición, Cartago Records, Hurra!, Helsinki Pro o Wiccan Play Blues Record Label. Y, al mismo tiempo, algunos de los artistas que editan en dichos sellos estaban en Murcia para ofrecer pequeñas actuaciones y así enseñar al público general y al especializado cómo avanzan sus proyectos. Hablamos de público general porque, al contrario de lo que suele suceder en este tipo de encuentros, La Disquera es de entrada libre, un dato y un hecho valiosísimo para los fans musiqueros y también para todo aquel que pueda tener un mínimo interés en adentrarse en la industria musical buscando una oportunidad por pequeña que sea. Si tuviésemos que atrevernos con una pequeña conclusión antes de contarte más cosas a continuación, diríamos que La Disquera guarda algo valiosísimo dentro de sí, y tiene que ver con la ilusión, con la curiosidad y con el conocimiento, hasta el punto de que habríamos firmado al menos una jornada más para poder asimilar mucho mejor lo vivido.

Aunque el encuentro se limitaba a una sola jornada marcada para el 26 de septiembre, la organización planteó un encuentro previo la tarde-noche anterior en la mítica Sala REM, testigo del crecimiento de tantos grandes artistas. Allí, además de poder charlar de forma distendida como muchos compañeros de las discográficas como Pepe Molina, con artistas de merecido abrazo como Madbel o con críticos y periodistas musicales como Javier Lorbada, La Disquera, bajo la cortesía de MusicAdders, nos regaló los primeros tres conciertos de esta edición. Así, pudimos disfrutar el directo de tres formaciones de estilos muy diferentes, empezando por la murciana (del Barrio del Carmen) Aurora Plazza y su propuesta cercana al jazz con trazas de pop e incluso de bossa nova. Aurora venía acompañada por sus inseparables Víctor Carrillo al contrabajo y Patricia Miralles a la batería.

Siempre es acertado empezar un evento tan denso con un directo fuera de lo común, y más si podemos disfrutar de canciones como Tell me if I’m wrong en vivo, justo antes de que Billman, con Bruno Villapol a la cabeza, convirtiesen la REM en el un codiciado templo del post rock. Se habló mucho este fin de semana de ellos, y algo tendrán que ver pistas como Moby Dick o Carta breve para un largo adiós, inmersas en universos literarios que parecen guardar muy buenas intenciones y algún que otro secreto de cara al lanzamiento del que será su álbum debut. Esperanzador directo una vez más, hasta el punto de que casi generaba cierta pena pasar el testigo a Ave Alcaparra, que iban a ser los encargados de incendiar el garito con su punk rock divertido y, sobre todo, reivindicativo en clave regional. El pequeño EP Murcia1200 es un fiel reflejo de sus intenciones, entre las que ponen en valor el destrozo y el poco valor que las autoridades han dado siempre a las edificaciones milenarias del lugar, eliminando su valor histórico a base de palazos. Muy interesante la retrancosa propuesta de Jorge Coy, Alberto Meca y compañía.

Metiéndonos en harina, la mañana del 26 de septiembre empezó súper fuerte, y el ritmo no bajaría precisamente desde el momento en el que Lepanto apareció en el escenario reservado para acústicos en plena entrada al Cuartel. Allí, todavía con el sol a favor, la banda almeriense aprovechó para presentar Daruma (Flor y Nata), un álbum en el que el new wave y los sonidos sesenteros parecen tener incluso más protagonismo de lo común, en un diálogo constante entre las emociones, el sonido y la estética. Todo redunda en la filosofía oriental de la constancia y la consecución de objetivos, tratando de establecer un equilibrio entre lo tradicional y lo moderno. Nuestra canción favorita del disco es Estocolmo, aunque el álbum es ideal de principio a fin. Los chavales tocaban el mismo día en Madrid, por lo que tuvieron que recoger los bártulos a toda prisa, no sin antes charlar un ratito con Sold Out para ponernos al día y hablar de un disco que ahora mismo está sonando en la ofi. El frenetismo mañanero nos llevó a ver en cuanto pudimos el show de la incombustible Clara Plath, quien estaba presentando en el Escenario Estrella Levante su último trabajo, Voladera (Flor y Nata). Se trata de 32 minutos divididos en 10 canciones impregnadas de ternura, desengaño, amor y una necesidad capital de reconstruirse, engalanados por un pop rock por momentos más analógico y por momentos más rendido a los sintes. Si la crítica especializada dice que es el mejor disco que han hecho hasta la fecha, no hay más que hablar, así que nos limitamos a escucharlo y a seguir los pasos de una formación que va por su cuarto trabajo y sigue escarbando en un underground en el que están cómodos y en el que, además, son punta de lanza por méritos propios. Es cierto que conforme avanzaba la mañana intuíamos que iba a ser complicado ver todas las cosas que queríamos ver, y eso no es algo necesariamente negativo, ya que iba más de cómo te organizases para poder llegar, por ejemplo, a la presentación de esta edición con Claudia Orellana regalando palabras de ánimo y orgullo por poder llevar a cabo con tanto esfuerzo un evento tan sumamente complejo que alterna charlas, acústicos, conciertos eléctricos, showcases con aperitivo, firmas de discos e incluso la emisión de programas radiofónicos como Capitán Demo de Radio 3, las mesas redondas de Indie FM Radio y los debates más crudos y directos de MondoSonoro Sur. A esto debemos sumar el hecho de que cada sello tiene su propio stand, puestos a lo largo del edificio y en los que de forma espontánea surgen espacios de promoción y corrillos.

Cuando entiendes que no es posible llegar a todo, te relajas y empiezas a disfrutar de lo que La Disquera ofrece según el momento en el que te veas liberado, así que alternamos dos grandes conciertos prácticamente a mediodía. Uno fue el de la divertida banda local Karlan, bien conocida en esta revista y que está presentando su flamante segundo álbum Digan lo que digan (Talento Gorila). No era sencilla su actuación ante un sol y un calor prohibitivo, pero la invencible formación mixta montó su fiesta igualmente, y cuando quisimos darnos cuenta Lola estaba saltando y pasando el micro a un respetable feliz y enloquecido. No había piñas en el escenario esta vez, pero es cierto eso que dicen de que siempre es verano cuando Karlan se sube al escenario, allá donde sea. Quizás uno de los momentos más especiales (y ojo, hubo muchísimos) fue ver en el escenario a Los amigos de los animales, la mítica y fantasmagórica banda que lleva varias décadas operando en lo musical prácticamente desde la clandestinidad. Su única referencia de estudio hasta este año, homónima y publicada en 2018, no hacía presagiar el lanzamiento del álbum ciertamente conmemorativo Nosferatu 1922-2022, que vio la luz el pasado mayo. Esto fue de la mano de una experiencia audiovisual que combina la proyección de la icónica película de cine mudo con música atmosférica e instrumental en formato cuadrafónico, una absoluta maravilla que llegaron a presentar en Brasov (Transilvania) y, por supuesto, en la clausura del XV Festival Sombra en el Teatro Circo de Murcia. En la Disquera, ligados al sello Perdición mostraron una versión más terrenal, con instrumentos analógicos, sonidos setenteros y una sensación de atemporalidad digna de alegrar a cualquier fan que pueda estar un poco decepcionado con esto de la música. Al otro lado de los muros ya se preparaba para su actuación en solitario la artista de Castellón Gema Elagua, quien a tenor del sol y de verse en cierto modo limitada en el escenario, decidió adelantar sus telas y su teclado hacia el centro de la pista improvisada, de forma que su público pudiese disfrutar de su intensa actuación con al menos un puntito más de sombra. Antes, repartió entre los musiqueros hojas con trocitos de una de sus canciones para que nadie se quedase sin cantar, un modo muy original de promoción que ha hecho que la Sold Out tenga un recuerdo único en su oficina itinerante. Según nos chivan por el pinganillo, Gema, que acierta en eso de que compone canciones tristes para tipas alegres, conoció a JMVAL en Murcia y colaborarán juntos en una nueva y próxima canción.

No dejaban de suceder cosas en La Disquera, y con poco tiempo de margen pudimos ver en el mismo escenario a Radio Palmer (abajo) y a La Chance (arriba). En cuanto a los primeros, nos encantó volver a verles tras una accidentada primera vez en la Sala El Sol debido a la huelga de agricultores de 2024. Nos gustan mucho además sus nuevas referencias sin espacios de este año, Causasperdidas y Ningunarespuesta, haciendo valer el menos es más en las producciones para seguir desarrollando una nueva etapa que tiene pintón. En cuanto al joven proyecto local La Chance (celebraban su 2º aniversario), suenan sencillamente genial, con ese pop más reposado de otro tiempo. Nos fastidia encontrarnos solo cinco referencias en plataformas (Cartago Records) porque el cuerpo es sabio y pide más

La verdad es que La Disquera midió bien los tiempos, porque cuando necesitábamos sentarnos, nos encontrábamos dentro del Cuartel actuaciones súper chulas como la de NanaSantaParda, quizás uno de los descubrimientos más sonados de esta edición, a juzgar por algún que otro crítico musical presente. Aunque los sintes mandan en temas como Mychest, experimentar sus canciones en su estado más desnudo es un lujo del que ya veremos cómo recuperarnos. En este punto podemos decir que estamos in love con Mas no importa, y que esperamos Falso querer, su nuevo sencillo, casi con la misma ilusión que ella. ¡Qué acierto el reconocimiento en el CreaMurcia!

Otra de esas revelaciones que solo se dan en eventos así es la puesta en valor del trabajo de Álex Ferrán. El compositor, capaz de aunar en sus canciones estilos como el pop, el urbano e incluso detalles jazz y R&B, lanzó hace apenas diez meses Demo, su primer larga duración, y ha dedicado este año a revisionar en vivo sus canciones, al mismo tiempo que preparaba conciertos como el inminente (17 de octubre) en la madrileña Clamores. La cantera murciana es inagotable, y la clave quizás esté en que nada se parece y todo destaca. Álex, en su caso, acerca estilos menos comerciales a un pop con gancho que no necesita artificios para brillar. ¡Y es divertido!

Las primeras filas ya no son nuestra obsesión, salvo si se trata de un espacio en las ondas como el de nuestros amigos de Indie FM Radio, que a pesar de algún que otro problema técnico fueron capaces de sacar adelante dos espacios súper necesarios y diferenciados en los que contaron con Dada Memphis (Wiccan Play), Pepe Molina, Ruth Lorenzo, Clara Plath, Aarón Saez, David Lozano y Bruno Laencina. Representación brutal de la escena murciana que solo podían haber conseguido reunir Meri y José David Millán. Su concurso Radar Emergentes, por cierto, es algo increíble y se acaba de celebrar con cierto suspense la final en La Merced (Lorca) con las bandas Capros, Belapalma y Malafé

La tarde iba cayendo poco a poco, y justo en esta de La Disquera esperaban una serie de grandes conciertos de bandas como Gluu!, que desde Alicante venían a liarla con las canciones de su irreverente EP Boicot a Gluu! a punta de pistola. Esta peña mola, porque su sonido electrificante y garajero con su puntito de otro tiempo (¿80s, 90s?) nos llevan a pensar que Tarantino les habría hecho ricos de haber coincidido en tiempo y lugar. Si tenéis oídos (y ojos), es importante que os pongáis el Live at Blava 2026 para ser un poco conscientes (y aún así ni de lejos) de lo que generan los chavales en directo. La enganchada a Lo intento todo pero nunca es suficiente... es más que real. Del lujo de tener a Anaut en medio de toda esta movida habría que hacer un artículo aparte, sobre todo porque con la excusa de seguir presentando su cuarto álbum de estudio, Perro verde (Calaverita Records), no dejan de hacer carretera. La siguiente parada del dinámico proyecto les llevará, sin ir más lejos, al Fira Trovam de Castelló el 12 de noviembre, pero antes tocaba pasar un poquito de calor en Murcia. Este álbum, de unos más que agradecidos 53 minutos, destaca entre otras cosas por ser el primero con letras en español, lo que unido al cambio de formación a trío, abre irremediablemente una inspiradora etapa llena de retos. El barco, con la inestimable colaboración de Anni B. Sweet, entró por merecimiento y por lo social en nuestra lista semanal, aunque podría haber entrado cualquier otra canción, empezando por la rareza (en el buen sentido) La carta, que cierra el álbum de forma apoteósica. Decía Fernando Neira eso de qué necesario sería prestarle más atención a artistas como Anaut, y qué honor poder charlar con ellos antes de subirse de nuevo a la furgo.

Agradable es el nombre de la nueva canción que, a modo de spoiler, Caries (el proyecto de Arturo Casabuena) anunció en La Disquera. Esto ya de por sí es algo guay, sin dejar de poner en valor su disco Volverán a casa (Grab. Vistabella) publicado a finales de abril. Voz sin adornos, teclados y alguna que otra base sencilla, son las claves de un proyecto ganador del CreaMurcia en la categoría de canción de autor. El concepto de hogar y su buen rollo nos ha llegado, siendo de los proyectos que más nos ha llamado la atención, recordando a artistas como Salvador Tóxico. El intimismo, lo cotidiano, la nostalgia y el recuerdo tienen en Caries un gran representante. En una tarde en la que en diferentes charlas se cuestionó y debatió sobre el papel de las multinacionales y de las plataformas de streaming, Pértiga quizás tengan algo que decir, empezando por que es imposible encontrar sus canciones en otro sitio que no sea su Bandcamp oficial. Así que, mientras lees esto, ábrete una pestañita para gozártelo con la maqueta de Motherlode, la primera canción de la banda, además de la demo de Isla Grosa. Es una sensación bonita la de encontrarse a una banda en fase beta (por así decirlo) en un evento de la magnitud de La Disquera, y dice mucho de su función como plataforma de lanzamiento, tal y como lo fueron en su día otros eventos de calado similar en la ciudad de Murcia. El patio del Cuartel de Artillería ya se estaba llenando bastante para ese momento, y además no había ninguna otra actividad activa al mismo tiempo, por lo que su slot era perfecto para enseñar un directo poppie, llámalo modernillo si quieres, divertido pero al mismo tiempo serio y con galones, virtudes que les han permitido abrir para RATA o para Amor Líquido, actuar en el Lemon Pop y hacer lo propio en la última edición del CreaMurcia. Mucha tela que cortar y muchas cosas por descubrir de esta banda enigmática en los detalles pero muy familiar en lo importante, que es el directo. La peña, ya sí que sí, se preparaba para los directos quizás más esperados de esta jornada de locos, que como suele ocurrir en estas cosas, suelen guardarse hasta el final. Vendrían enfilados, por tanto, los conciertos del proyecto offline Bicicleta, de los tendencia Ruto Neón y los Pedriñanes 77, buenas representaciones de lo rebelde y del power pop más top de la zona.

Otro ser humano con el don de la ubicuidad (y van unos cuantos en este número es Aarón Sáez), a quien nos topábamos en su stand, en las mesas de Indie FM Radio en el ratito de interesantísimo debate junto a Arturo de MondoSonoro Sur, y ya por último en el escenario principal de La Disquera rodeado de los músicos que junto a él terminan formando ese proyecto llamado Bicicleta, al que ha decidido cuidar alejándolo de todo tipo de plataformas de streaming. El que fuera la cara más divertida (y ojo, había nivel) en Varry Brava y que nos ha conquistado de forma irreversible con Carey, muestra su versión más crítica con la industria musical en este proyecto en el que las opciones para escuchar y hacerte con su disco se limitan a la “web/sello/casa” Bufalabala, espacio creado por el propio artista y que, además, se extiende a libros, moda, arte o entradas. La realidad es que las canciones, que en dicha web sí pueden escucharse, están al gran nivel al que siempre nos ha tenido acostumbrados Aarón, y la edición física es un formato CD suspendido en un original pódium en lugar de la típica caja. El propio artista afirma que una carrera musical solo puede empezar sin prisa, y recogemos el guante como creadores de un espacio para un lector que no quiera puto leer en diagonal. El directo es, como no podía ser de otra forma, muy trabajado, hipnótico, incluso da la sensación de que los de Aarón parecen encontrarse en una versión más consciente de sí mismo. Si nos preguntasen, diremos que nuestra canción favorita es Buscando la nieve.

Bruno Laencina es de esas personas que siempre están. Está cuando las ideas nacen, cuando las cosas se están construyendo y ahí sigue cuando ya están en marcha. En cualquiera de esos puntos puede, además, idear una canción, un vídeo, algo divertido que pueda hacer de esta vida algo diferente, algo mejor. En torno a las 21:30h el cerebro de Ruto Neón, que llevaba viendo conciertos desde primera hora a un ritmo mayor que el nuestro, se subía al Escenario Estrella Levante sin ningún tipo de cansancio en el gesto junto a su inseparable percusionista José Antonio García y el resto de músicos para hacernos pasar uno de los momentos más valorados de esta edición de La Disquera. Sí, han pisado los escenarios de muchos grandes festivales de este país, se graduaron en El Náutico de San Vicente junto a los colegas Lori Meyers, han perpetrado colaboraciones súper curradas con artistas como el propio Noni, con A Mares, con Muerdo, con Varry Brava o con Vera Fauna, y han sido reconocidos como mejor banda debutante y mejor banda pop rock por los Premios de la música murciana. Y, sin embargo, cuando se suben al escenario siempre es como la primera vez. Siempre es como ver a niños grandes soñando despiertos y enseñando a sus amigos lo bien que tocan y las grandes canciones que han ideado como Pensando en la muerte, 3 segundos o la estrenada para la ocasión Salabosque. La intuición nos dice que 2027 va a ser un gran año para Ruto, por que vayáis echando un ojo a sus fechas. El que avisa...

La Disquera es un lujo por conocer. Esa es la conclusión de un día frenético en el que nos habríamos dividido (y de hecho lo hicimos en cierto modo) para no perdernos absolutamente nada. Todo en esta iniciativa es necesario, todo suma, todos los sellos creen y crecen y lo mismo ocurre con los músicos, que en muchos casos han terminado colaborando entre ellos, pertenezcan o no a los sellos participantes. Conocer las realidades, dificultades y grandes bazas de cada uno de ellos es toda una experiencia que llevarse al corazón, y ya solo pensamos en La Disquera 2027.

GUITARRICADELAFUENTE y el fin de gira soñado

No es ninguna exageración utilizar el apelativo “histórico” para resumir en una palabra el fin de gira ligado al álbum Spanish leather en el Movistar Arena. Si a un trabajo descomunal a todos los niveles sumas un show de tiempos, de revoluciones y silencios, de frenetismos y pausas, de fuerza y de múltiples emociones, unido además al inesperado y descomunal papel en la película La bola negra, uno solo puede rendirse al facto de que Guitarricadelafuente es hoy el artista del momento. Lejos (y tan cerca a la vez) queda ya aquel chico que se escudaba en su guitarra mientras casi parecía llorar Guantanamera y “jugaba” a hacer flamenco en Agua y mezcal, canciones que en una noche así sonaron y se celebraron como verdaderos milagros de nuestra música.

Texto: Dani Pach Fotografía: @bea11trice

La realidad es que esas casi dos horas confluyeron sobre el escenario, y también sobre la singular manta de arena, las diferentes versiones del artista de Benicàssim, que sintió la necesidad de hacer obligatorios honores al álbum La cantera (2022, Sony Music) en la primera parte del show. Caballito o Mil y una noches fueron ofrecidas así al ferviente público desde esas tablas propensas a lo diáfano, con un artista orgulloso del camino hasta el punto de abrazarnos con ABC, una de esas primeras canciones que empezaron a forjar su figura creativa y que hoy va camino de los 52 millones de escuchas en Spotify. Sus versos, “siento el susto en el cuerpo, el vértigo dentro”, harían de alfombra roja para uno de los grandes momentos de la noche: La nieve, la canción bandera de la banda sonora de la nueva película de Javier Calvo y Javier Ambrossi que desde aquí asumimos como futura archipremiada en clave cine. En un Movistar Arena hasta los topes, algo más de 15 mil personas permanecieron esos cuatro minutos con la boca abierta, y un porcentaje alto de todos ellos se emocionaba tanto como a la salida de su cine de barrio. Ese sentimiento se veía estimulado con la presencia de la trompeta del film y de diversos pasajes que se sucedían en las inmensas pantallas. Mención obligada al hilo es cómo los visuales vistieron de forma magistral cada momento del show.

¿Y quién me defenderá a mí de tu belleza? Las pausas entre canciones eran necesarias, a nuestro juicio, ya que un concierto de este calado bien merece asimilarlo in situ. Eso sí, tras la pausa oficial que daba paso a los bises, fuimos más felices que nunca al ritmo de BABIECA!, esa composición colosal que lleva año y medio haciéndonos felices cuando iniciamos el Spanish leather, del mismo modo que nos envuelve la nostalgia (incluso más) cuando Tramuntana lo cierra. Qué elección mas acertada, y qué difícil además, acertar con tan solo dos decenas de canciones en una discografía soñada de principio a fin. Sixtinain, una composición que este mismo mismo mes de octubre cumple 8 años desde su publicación, pondría el broche final a una noche única en la que hubo amor, pasión, belleza y, por supuesto, reivindicación gracias en parte al don de la ubicuidad de Samantha Hudson, que recogía un premio otorgado en la gala de +Músicas y a continuación se bajaba de nuevo a las tiendas de campaña de la Puerta del Sol. Desde allí conectó en directo por videollamada, para algarabía de un público consciente y esperanzado. El fin de gira de Guitarricadelafuente fue, en definitiva, mucho más que eso. Spanish leather cierra su ciclo oficial de directos con todos los galones posibles, con todas las plazas conquistadas, pero la realidad es que lo de esa noche en el Movistar Arena pareció más bien un comienzo. Quizás el mejor comienzo que el artista de Benicàssim podría imaginar jamás.

TODAS LAS VIDAS

Texto: Dani Pach Fotografía: @bea11trice

Anabel Lee ha crecido en todos los sentidos posibles. En lo musical ha dado un salto compositivo, en lo estético el concepto se apuntala y en lo puramente mental son más conscientes que nunca, como gran baza para seguir creciendo. Acaban de lanzar su tercer álbum, Todas las vidas (Vanana Records), y aunque lo más relevante es eso, la clave es su presente menos combativo y más de reafirmarse. Echamos la tarde para charlar de música con los chavales (Vio no pudo apuntarse), de lo audiovisual y de lo mucho que se pierden los Ubers cuando tienes prisa. ¡Qué nueva etapa vital! Y estamos muy contentos en ella, además, veníamos de hecho en el Uber escuchando el disco y al conductor le ha molado. Estaba súper a tope el tío. Hace tres años estábamos aquí mismo, hablando de Ganamos perdiendo. Hay cambios evidentes desde entonces. ¡Ahora hemos incluido hasta trompetas! Incluso un trombón. Más allá de lo musical, hemos experimentado cambios vitales importantes. Nos mudamos a Madrid, es una vida nueva y nos hemos ido haciendo a la ciudad. Esto incide inevitablemente en la composición y en la forma de hacer las cosas. Nos hemos cambiado de local, lo dice en Anabel Lee: horas de terapia, cambios de ciudad... También nos conocemos incluso más y nos hemos permitido ir más allá, en este sentido, para

que, lejos de aburrirnos, podamos añadir elementos nuevos, instrumentos, canciones quizás un poquito más oscuras, pero no tanto desde aquel punto más punk, más bien hacia un universo más Queens of the stone age, por ejemplo. No sé si la palabra “amable” procede. Esta evolución ha sido, en cualquier caso, muy orgánica, no hemos tomado ningún camino de forma intencionada. Cuando estábamos empezando a componer y surgían canciones como Me cago en el amor o Eterno Parque Galván, nos íbamos dando cuenta de que quizás no queríamos lo mismo, que nos apetecía rebajar los tempos, tocar un poco más lento, y creo que es algo que Jordi por ejemplo ha agradecido mucho. Es cierto que Víctor y Perdi difieren al respecto de la intencionalidad, porque hemos conseguido hacer ejercicios de abstracción en el estudio, con la idea de seguir el instinto, como una especie de piloto automático que nos marcábamos. Debíamos confiar en nuestra propia intuición, y puede haber una tendencia a pensar que hay cosas que han sido sin querer, pero tampoco podemos engañarnos, porque hemos decidido confiar en el conductor. Hemos decidido no estar atento al camino porque sabes que él sabe a dónde vamos. Confiábamos en lo que estábamos haciendo, teníamos muy claro lo que hacíamos en cada canción, y eso nos permitió abstraernos e introducirnos en

ese proceso de escucha activa y compositiva. Lo que es seguro es que necesitábamos hacer algo diferente, algo que nos sorprendiese a nosotros mismos. Si hay un ska (Wilson) es porque quizás no nos lo habíamos planteado nunca, y quisimos probar a hacer uno. Ahí hay intención, y también mucho análisis sobre las propias notas de los instrumentos. Tuvimos que suprimir cosas y hubo notas que tuvimos que cambiar, porque nos acercaba a otro tipo de ska, nos acercaba a otra emoción. Entonces volvíamos a escuchar referentes. Así ocurría con todas las canciones, y la conclusión es que es un disco muy artesano. Un disco lleno de colaboraciones que no tienen, además, mucho en común. Incluso está Valverdina en los créditos. ¡Gracias por mencionar a Valverdina! Las colaboraciones, más que en lo musical (que también), nos han impregnado en lo personal. Han servido además para ayudarnos a quintarnos mucho complejo de encima. Nos ocurría mucho eso de que proponíamos colaboraciones a artistas que no contestaban a tiempo, o no podían, o no les rentaba por lo que fuese, o no era el momento... Nos preguntábamos por qué el resto de bandas sí conseguían estas cosas y nosotros no. Con este disco todo esto se desbloqueó totalmente y no nos lo creíamos. ¿Que Despistaos han dicho que sí? ¿Y Sidonie también? Con Magüi hay un vínculo, nos conocemos, pero con esas

bandas no había ese nivel de confianza, y de hecho nunca nos lo creímos mucho. No somos nada crédulos hasta que las cosas están ya pasando. Hasta que no esté, no ha pasado, y preferimos verlo así por nuestra experiencia. Cuesta mucho cerrar colaboraciones. Lo mejor es que todo tenía sentido: en Eterno Parque buscábamos a alguien que fuera mega 2000s y Despistaos era la mejor opción; Estado mental es una canción muy de hermandad y haciendo valer el buen rollo que hemos tenido siempre que hemos coincidido con Sidonie, les tiramos la propuesta y se ilusionaron mucho; con Magüi, insistimos en que puede ser más obvio por ser Vanana, pero aun así la gente se sorprendió mucho en una canción (Me cago en el amor) que es ideal a dos voces. Entraron además todos los sencillos lanzados desde Ganamos perdiendo. Víctor lo comentaba antes: puede haber gente que no entienda, por ejemplo, que hayamos incluido la versión de Karol G, pero también hay personas que nos han agradecido que esté dentro. No añadimos en su día en el primer disco canciones como Enchochado de ti y nos dio rabia porque se quedaron colgadas. Ahora ni nos planteábamos que volviese a ocurrir. Vemos en la producción cambios, entre Pau Paredes y Carlos H. Nombela. Y creemos que este punto no se terminó de entender muy bien. Me cago en el amor

tiene una pre-producción hecha por Raquel (Ginebras), luego se produjo en el estudio por Carlos Hernández, y la mezcla se hizo en Ultramarinos. Las voces se grabaron en el estudio de Pau Paredes. Al respecto de Ven a jugar se grabó también en el estudio de Carlos, la pre-producción fue cosa de Pau, quien también la mezcló. Y ya el resto del disco es pre-producido, grabado, producido, mezclado y masterizado por Pau Paredes. Cada uno ha aportado de formas súper importantes, hablando de canciones sobre las que ha pasado ya un tiempo considerable, pero sí sentimos que Todas las vidas tiene una dirección incluso creativa por Pau. Si hablamos de Wilson, él mismo trajo la base porque es una canción de su adolescencia. Tenía la línea principal de la canción, faltaba el estribillo y alguna otra cosa, y nos preguntó si nos apetecía hacer algo así. Ahí nos vimos y dijimos: ¡vamos a jugar! En general Pau ha aportado en muchas cosas, puentes, detalles, incluso echó una mano en alguna letra. Hay una omnipresencia suya y, curiosamente, sus aportes ya venían de Natural para vogue de nuestro disco anterior. Es, sin ninguna duda, el quinto Anabel Lee. Y completáis el álbum con el arte made in yourself (Víctor & Perdi). Tiene más peso Perdi, y viene inspirado en un fanzine que se hizo súper viral en nuestro canal de Instagram. En menos de tres días tuvo unas 2 mil interacciones, y era la guía del pogo vol. 2. Estábamos

pensando en cosas del disco y Víctor empezó a darle vueltas a eso, preguntando por qué no lo habíamos aprovechado. Lo vio en ese momento: ¡esta es la portada del disco! Y esto teniendo en cuenta que él se había tirado semanas diseñando una portada alternativa. Al ver este arte, mucha gente nos decía cómo esto ya lo habían visto antes, y es por venir de la publicación que más interacciones ha tenido nunca. Faltaba mencionar a Raúl de Lara, vuestro as para preparar el directo. Estuvimos, de hecho, en Murcia en agosto trabajando con él durante una semana, y luego hemos trabajado también aquí en Madrid. Hubo un impass en los últimos bolos del año pasado, en festivales importantes, ya que sentíamos que había carencias en nuestro directo. No de actitud pero sí de concepto, y veíamos necesario refinar la puesta en escena y, sobre todo, canalizar la energía. Por suerte caímos en manos de Raúl y él fue nuestro faro. Encajamos con él incluso más allá de la perfección, hemos encajado en ideas, somos todos un poco punkis, se generó una amistad posterior e incluso es nuestro técnico de directo en donde es posible que lo sea. Anabel Lee no es una mega banda con un caché descomunal, pero él confía en el proyecto y ni nos lo creemos cuando le ves sonorizándonos. En este álbum ha mejorado el sonido de cada uno, nos ha animado a usar otros instrumentos, y ha puesto coherencia en un álbum lleno de 68

canciones que quizás no pegaban de inicio las unas con las otras. Y lo más bestia es que en vivo todo tiene incluso más sentido. Escuchándoos, en general vemos mucha más coherencia que hace tres años a todos los niveles. Nos alegra que podamos transmitir algo así, porque antes no teníamos una punta de lanza tan decidida. Había unas ideas que molaban un montón pero quizás había cosas que desde fuera no se entendían del todo. Ahora es cuando empezamos a notar que se entiende lo que es Anabel Lee: punk, amor, codazos y profundidad. Y creo que verlo desde fuera nos ayuda a nosotros mismos a entendernos también. Nuestra música está pensada obviamente para ser escuchada, pero nos gusta pensar que también es para ser vivida. Ni IA ni hologramas ni historias. Vivirlo es la clave, no hay nada que transmita como transmite un músico en directo, ¡Qué ganas ya de nuevo de un directo vuestro! Pues tenemos ya fechas cerradas hasta marzo de 2027. Fantaseamos en cómo será un próximo disco, pero ahora toca reposar este lanzamiento, hemos actuado en casa (Tarrasa), también en Sonorama Ibiza, y nos apetece mucho hartarnos de tocar. Lo que más nos ilusiona es estar encima de los escenarios y saludar a todo el que podamos en los diferentes puntos del país. ¡Queremos furgoneta y salas!

Sara del Valle y el efecto MIMO

Texto: Dani Pach Fotografía: @bea11trice

El ÚLTIMO PASEO

La Sierra de Madrid guarda un tesoro difícil de describir con palabras en el corazón de una laberíntica casa de madera en la que la danza, la producción, la composición y las clases de canto son todo uno. Allí creció y se sigue desarrollando como artista Sara del Valle, quien tras un primer álbum revelador, Isaac (2021), el EP Paquita (2025) y singulares revisiones de sus canciones en acústico, en directo y en colaboración con otras grandes artistas, se atreve al fin con su segundo larga duración. De esta nueva etapa ya conocemos adelantos como el exquisito Momentos lentos (canción candidata en su momento a Benidorm Fest), la original pedida de mano titulada Siempre, y el beef con mucha tela que cortar titulado Cambio de piel. El pop, el rock, el folk y el góspel (qué alegría la vuelta de esto último) se han cogido más de la mano que nunca, y con esa fuerza tan

inusual, Sara está construyendo una nueva narrativa que, si bien sigue honrando a su círculo más cercano, convirtiéndolo en canciones y, por tanto, en íntima y elegante eternidad, ahora la engalana de flores, de naturaleza, de color verde, de azul, de amarillo, del rojo de las rosas y de los tejados, del castaño de las puertas y de las escaleras. De esta forma da vida a El último paseo (Indica / Virgin), una composición especialmente intensa con los versos a flor de piel, con la viva emoción de quien ha amado como nadie a su mascota, a su fiel amigo durante 14 años, su perro Duque. La producción en El Santuario es una absoluta barbaridad, contando con el aporte de sus inseparables Julio Gómez, Rubén Vispe, Guille Golden y Julen Zaldua, y partiendo como concepto de esa puerta abierta que Duque cruzó tantas veces. Ese es el símbolo: la posibilidad de seguir encontrándose de la forma que sea. En lo puramente técnico o estilístico, si es que eso fuese realmente importante en una canción tan de erizar, estos minutos suponen una vuelta al folk americano, también en cierto modo a la canción de autor (algo no tan habitual en Sara), pero la clave está en el camino hacia un pop emocional que sube varios escalones de belleza, allá donde el alma soul y góspel parecen alcanzables tan solo por unos pocos. Sara del Valle quizás sea la última en llegar a ese exquisito club, se estará acomodando con su eterna sonrisa mientras tú lees esto y, a buen seguro, estará dando conversación a alguno de esos otros artistas únicos en los que tardará mucho en reconocerse. Pero lo hará. Estamos convencidos de que lo hará. La luz, la paz, la ilusión y la pausa serán transversales en Mimo, un trabajo que verá la luz presumiblemente en febrero del próximo año, y del que todavía podremos conocer algún adelanto más en las próximas fechas. Queremos tenerte cerca, Sara del Valle.

[ ARDE BOGOTÁ ]

“Todos los amigos son bienvenidos al hervidero, al hervidero de amor.” Texto: Dani Pach Fotografía: @bea11trice

Son el absoluto referente, y eso explica las semanas de absoluto colapso de público, medios y crítica en torno a los de Cartagena, que hacen todo lo posible por estar en todas partes y en todo momento para enseñar, de cientos de formas posibles, el álbum Manufacturas del Club de la gente sola (Sony Music). Este es un álbum conceptual, un álbum que duele, que emociona a un nivel indescriptible y que además cuenta con una producción nada sencilla de ver en trabajos de bandas nacionales. Arde Bogotá nos recibe en la oficina bunkerizada de Sony Music con abrazos y una sonrisa, la misma que mantienen desde hace más de seis años en los que han construido una carrera sólida y ejemplar. De las calles de Murcia al mundo. Comparemos nervios con respecto a Cowboys de la A3. Ahora estamos mucho más nerviosos. Quizás no tanto como lo hemos llegado a estar en el proceso de gestar este álbum, pero aún así lo suficiente nerviosos, y más sin duda que con la salida de Cowboys. ¿Por las expectativas, quizás? Quizás por la repercusión, sí. Cuando salió Cowboys no sabíamos qué iba a pasar, habíamos sacado algunas canciones que tuvieron buena recepción y en general estábamos muy contentos con ese disco, pero nada de lo que ocurrió después estaba escrito y, desde luego, no podíamos de ninguna forma vaticinarlo. Este nuevo álbum viene después de una repercusión muy grande, lo cual no significa que la creación de las canciones haya dependido de ello, pero conforme se acercaba la salida... Con todo lo que ha representado hacer este disco, con todo lo que hemos pasado y con todo lo que hemos aprendido, podemos decir que dentro de MCGS, además de una colección de canciones, hay una colección de recuerdos, unos muy bonitos y otros complicados. Ahora, que la gente haga con este manual de instrucciones lo que considere. Con La Torre Picasso y Flores de venganza, parecía que había otro plan. ¿Dónde reside el cambio de rumbo? La primera canción que hicimos para este álbum fue El tesoro, y la segunda fue Señor Herrero. Y fue al terminar esta última cuando dimos con el principio de una temática y, sobre todo, con el principio de un riesgo sonoro que puso todo en contexto. Al respecto del resto de los temas, hay una pregunta que recordamos a Dani hacer, que es cómo convive esta canción que acabamos de hacer (la que fuera en ese momento) con Señor Herrero. Es decir, no descartábamos en ningún momento Señor Herrero, eso era algo que tenía que estar. Ahí empezó a fraguarse de alguna manera esa conversación de cómo

hacer un corazón y, además, de cómo hacerlo indolente. Lo hablamos y nos dimos cuenta de que estábamos haciendo un manual de instrucciones. La misión es fallida y, curiosamente, es ahí cuando se llena la nave, la fábrica, al nivel prácticamente de una obsesión. Y más allá de la pena o el dolor. Cuando componemos, solemos apoyarnos mucho en preguntarnos mucho también si una canción es válida para entrar dentro del disco por una serie de patrones. La noche sonaba nocturno, oscuro, y nos preguntábamos si las canciones tenían sentido dentro de ese disco, y en este trabajo había varios conceptos: la tristeza, el consuelo... Las composiciones tenían que encajar en esos patrones. Todo pasaba por la aprobación de esos conceptos, y por

eso ha cogido ese tinte. En lo musical tenía todo el sentido que fuese así, en las letras también, y no es algo malo, es decir, ese rock hacia afuera, esa fiesta, esa celebración del rock and roll con el exterior es una cosa que ya hemos hecho, y ahora es justo lo contrario. Es la antifiesta, es mirar hacia dentro, son guitarras eléctricas resonando dentro de uno. La introspección se palpa, y en Asidero, con sus guitarras limpias, es cristalino. Es una canción que forma parte de lo que Antonio llama la moraleja del álbum, compuesta por Asidero y Sacude. Hablan casi de lo mismo, de ese mantra de si tuvieras que hacerte un corazón al que agarrarte, háztelo de cristal por si acaso te hace falta quitártelo de en medio. Es una canción que hicimos cuando ya estábamos

cerca de cerrar la composición para el álbum, de decir “este es el repertorio, vamos a centrarnos en pulir las canciones que hemos hecho”. Lo recordamos como un momento muy chulo, estábamos en una casa rural en Bullas... Muchas veces hablamos mucho durante la composición y antes de ese proceso también, pero allí no hablamos. Tocamos la canción una vez, y otra vez, y otra y otra, conforme íbamos tocándola, las partes iban encajando, cada instrumento encontraba su sitio, y en un momento dado le dimos al rec. Esa grabación es una cosa muy similar a lo que hay en el disco. El objetivo era intentar hacer una canción pequeña. ¿Hubo tentación de vestirla más? Se prestaba a eso, pero había algo novedoso en esa forma que tuvimos de componer en ese momento, ya en la recta final del proceso. En esa semana en la casa rural nos fuimos a una iglesia, la vaciamos, nos metimos con los instrumentos, y desde la casa nuestro equipo se encargaba de grabar. Luego fuimos todos a escucharla delante de los altavoces, y sí, quizás todos sentimos que la canción podía ser incluso más grande, pero terminamos llegando a la conclusión de que no. Asidero tenía que ser como fue finalmente porque habla de una forma íntima de encontrarse con esa letra. Aunque se pueda vestir más, no se hará. Estas partes del proceso deberían tener registro audiovisual. Es valiosísimo, y vosotros comunicáis en Youtube como nadie hace, con Sabotage Propaganda. Lo intentamos. De un tiempo a esta parte intentamos grabar muchas cosas, y Sabotage se encarga de armar un concepto maravilloso y terminar de ayudar a bajar el concepto musical al visual, incluso al packaging del disco. Están muy implicados incluso en cómo vestir el escenario, y también en cómo poder moldear, por ejemplo, Bigger Splash. Intentamos

generar ese tipo de contenidos porque además, por otra parte sería una pena no tenerlos. En el futuro quizás nos preguntemos “qué hicimos aquella vez”, y tienes los vídeos para recordártelo. Que a lo mejor te encuentras una gilipollez, tipo que nos fuimos a un kebab y nos partimos de risa por lo que sea. La tarde que hicimos Asidero, cayendo en la cuenta ahora mismo, sí se estaba grabando, y nos gustará mucho en el futuro revisitar algo así, sobre todo porque es muy interesante conocer qué sucede durante un proceso de composición tan singular.

podría hacer con ello. Joe no sabe quienes son los Lori, o quienes son los Viva, o quiénes son Ginebras. Joe solo sabe que Arde Bogotá hace unas canciones que le gustan. Entonces viene a Cartagena, las trabaja allí con nosotros, nos seduce (risas) y nos dice: “si queréis terminar el álbum, puedo trabajar en Los Ángeles o en Marsella”. Ahí pensamos: ¡Marsella, por favor! Pero esa era una opción mucho más cara, así que nos fuimos a L.A. Esta parte del proceso se resume en un mantra que él tiene: “mi trabajo es abrir puertas. Yo solo puedo deciros que también podéis hacer esto - nos lo ensañaba - y ya vosotros decidiréis si tiráis por ahí o no. Hay canciones donde sí cruzamos esas puertas y hemos llegado a lugares a donde no habíamos llegado, como ocurre en El club de la gente sola. Nuestra versión inicial de esa canción es muy diferente a lo que ha terminado siendo, y ese proceso ha sido difícil en algún momento porque es como quitarse una venda. A veces cuesta, pero como mínimo gracias a él hemos aprendido muchísimo, tanto otras formas de hacer canciones como de grabarlas.

Hay un buen elenco de ingenieros de sonido también en los créditos. Ocurre que hay cosas como los coros de Sacude (Celia Jiménez y J.A. Chacón), el yunque, la trompeta, grabadas por ejemplo en Cartagena. El álbum ha estado construido de forma que alguien decía “¡falta no se qué que se graba en tal sitio!”, ¿Estaba en esa ermita Joe Chiccarelli? y eso agranda los créditos para orgullo No, no estaba, ojalá (risas). Es fuerte lo de nuestro además. Y Selena Rodríguez canta Joe, nosotros teníamos el deseo de grabar en Olivos, en El club de la gente sola, y tiene con alguien de fuera porque pensábamos un momentito en Hervidero. (y, de hecho, así ha resultado ser) que alguien de fuera no nos iba a ver en el Ya con el disco fuera, ¿qué pasa ahora? contexto de “ah, joder, Arde Bogotá, les va Ahora haremos los hervideros, vamos a súper bien, se parecen a tal cosa, les gusta intentar trabajar en hacer una gira grande no se qué...”. La idea era que se encontrase el año que viene, haremos más hervideros con algo descontextualizado, que recibiera al otro lado del charco... Y vamos con el unas canciones y que se preguntara qué anhelo de que esto guste también en vivo.

LO SABE DIOS

Carmen Lillo

No es la primera vez que en Sold Out te acercamos la música de la artista y compositora madrileña Carmen Lillo, y qué mejor forma de volver a adentrarnos en su universo con la excusa del reciente EP conceptual que ha publicado este mismo mes. LO SABE DIOS (Diskover Co.) es una respuesta al mundo de la música, al mundo de la noche y a ciertas experiencias que quizás no eran las esperadas en relación a la búsqueda de oportunidades en la industria. Por ello, lo mejor era volver cuanto antes al origen de las cosas, centrándose en hacer canciones desde la verdad, desde lo más adentro de su ser y desde las vivencias y sentimientos que todavía no sabe explicar. Carmen, que se formó en jazz pero nunca ha dejado de mirar con decisiva fuerza a la nueva ola, opta en esta ocasión por una estética futurista para atravesar el frío con paciencia y constancia, manteniendo en un primer momento la calma ante un mundo hostil en 13:13, la composición que abre este trabajo bello y delicado de pop y electrónica. El ángel de la guarda protege a la artista y, pese a ello, no puede evitar que ella salga a la calle en Martirio, un espacio en el que muestra su vulnerabilidad y pide ayuda con la mirada para superar un duelo. Envueltos en un paisaje más urbano, estos minutos fueron compuestos junto a Pablo Amat y tiene su punto empoderador, aderezado además por elementos de raíz muy de la escena actual. El ecuador del EP hace parada en Táctica, el momento perfecto para que la hispano-argentina Carlota Urdiales aparezca en escena para dibujar, junto a Carmen, un ratito nocturno en el que son protagonistas la sensualidad y la energía de quien se sabe deseada o, al menos, observada con cierta curiosidad. Es una composición que recoge el guante de los detalles urbanos y en la que, además, terminaron colaborando Juli Chaves y CURRO. El frío parece enquistarse en el EP cuando suena Cristalino, quizás la pista más íntima y emocional en la que Carmen Lillo se atreve incluso a improvisar con ciertos detalles de la canción. Es ley en este punto citar a Ángel Martínez, director de todos los vídeos y responsable de que la Sierra de Madrid se vea tan bonita como hostil a 5 grados bajo cero. La canción que cierra este trabajo, y la última además en llegar, es Golden, la más personal porque sirve de reflexión o balance. El coro gospel (dirigido por Manu Tellado) es un extra ideal en un ratito que representa el lado menos bueno de la industria musical, la doble cara del éxito, la soledad... y, al mismo tiempo, una realidad de la que Carmen no puede ni quiere salir. Esta contradicción de algo más de tres minutos que termina en luz, en un nuevo y esperanzador camino, guarda en sus últimos segundos la voz de la madre de Carmen. Es un mensaje de ánimo, de orgullo y de agradecimiento a la constancia. Carmen Lillo ha aprendido, en definitiva, a tomar su propio camino con sus tiempos y formas. Estas canciones representan dos años de aprendizaje, de dudas y de cambios, por lo que es sin duda su trabajo más personal, creado además junto al entorno musical que le acompañó en el proceso. Lo mejor de todo es que este EP es una puerta abierta a otros universos compositivos, a otras realidades creativas que ojalá Carmen sepa aprovechar. Texto: Dani Pach Fotografía promocional

¡NADA PUEDE. HACERNOS MAL!

Texto: Dani Pach Fotografía: @bea11trice

LA 126

Desde Elche, con espíritu combativo y un soplo de aire fresco que va más allá del cliché, se ha echado a la carretera La 126. El trío, al que tuvimos la suerte de ver en el increíble Big Up! Murcia en su edición de 2024, visitó Madrid para participar en el Festival Indyspensable y, a pesar del caos de la gran ciudad, consiguieron zafarse para compartir cañas y comentar algunos detalles de su presente y futuro, ligado sin remedio al inminente álbum debut Nada puede hacernos mal, editado por Mushroom Pillow y con salida marcada para el 23/10. ¡Qué felicidad de presente, La 126! ¡Y qué impaciencia también! En nada sale ese primer álbum, es el acontecimiento más grande del año para nosotras, y estamos felices pero con eso dentro. Hemos trabajado mucho en este disco, lo anunciamos además relativamente pronto, y en ambas cosas, la forma de trabajo y esas comunicaciones son cosas que nunca habíamos experimentado. Se nos hacen largos lo días, pero ya no queda nada. En el primer EP (Todo venía de antes) os autoeditáis, en el segundo tenéis algo de apoyo ya, pero esto es otra historia. Creemos que aquí tiene que ver mucho también que somos personas muy sociales, agradecidas y también muy constantes. Siempre nos hemos tomado muy en serio lo que hacemos, desde el respeto y desde el agradecimiento de poder tener una oportunidad. Hemos intentado ir adelante

con todas las que se han podido dar, aunque algunas no hayan ido adelante porque a lo mejor no encajaban tanto con el proyecto. Somos escépticas y vamos con pies de plomo, asumiendo que pasar de estar solas a tener un equipo puede abrumar pero también ilusionar mucho. La verdad es que siempre hemos vivido grandes comienzos, es decir, todos los hitos van asociados a inicios. Ahora publicaremos un álbum debut con un primer sello, y es el culmen de muchas primeras veces que hemos ido construyendo entre las tres y a lo que se han ido uniendo personas poco a poco. ¿Cuánto ayuda un equipo a que un disco así pueda publicarse? Tras lanzar el segundo EP (Te enteras?) empezamos a tener en mente la idea de enfocarnos en un disco, y entonces Mushroom Pillow nos contactó, lo cual fue un alivio, sobre todo a nivel de recursos. Se dio todo prácticamente a la vez, nos pusimos a trabajar en el concepto, en las canciones, y ya fuimos del tirón tratando de pensar en grande. A base de tocar en directo también se nos fue cambiando el chip a la hora de encerrarnos a componer, teniendo claro que lo siguiente no podía ser otra cosa que un formato largo. Los medios no existían aún, pero el deseo sí. En la producción contáis con un gran productor como Álex Román, con parada en Ultramarinos para el máster.

Con Álex llevamos trabajando desde siempre, es literalmente la primera persona que confió en nosotras, y en este paso tan importante hacia un LP teníamos claro que tenía que estar él ahí una vez más. Hemos aprendido muchísimo con él y ha tenido siempre una paciencia inmensa al inicio porque éramos nuevas grabando canciones. Al respecto de Ultramarinos, nuestro sello nos recomendó a Víctor y nos encajaba muchísimo porque ha trabajado con muchas bandas que nos molan. ¿Será menos guerrero este álbum? No sé si estamos en un punto menos punki, quizás hemos madurado, las letras han evolucionado y subido el nivel, y hemos intentado abrir el universo de La 126 para hacer cosas más complejas o, al menos, cosas que antes no sabíamos cómo ejecutar. Hay momentos del álbum que son muy cañeros, pero está todo más medido o con un puntito más de elegancia que en los EPs. El cuerpo nos pedía esto, de hecho, nos atreveríamos a decir que el álbum es un reflejo fiel de lo que es la banda hoy. Representa el crecimiento, las estructuras son más complejas, más elaboradas, las armonías son más presentes, el propio concepto de las canciones y el del álbum en general está más claro... Que es cierto que siempre hemos sido de dar muchas vueltas a las ideas y de hilar fino, pero consideramos en este caso que el resultado es muy bueno. Entra en juego la introspección, incide 77

mucho eso en el sonido, pero también es verdad que en directo la atmósfera es mucho más duro, más rockero, más sucio de lo que se podría suponer. ¿La introspección está conectada a esa imagen de disfraces? En realidad el álbum habla mucho de la forma en la que uno mismo se piensa, de sentirse libre de ser lo que uno quiera ser, de permitirse cambiar, y de tener la tranquilidad, en un mundo que no te lo permite demasiado, de pensar que las cosas no están tan mal como podría parecer o que confiando en una simple relación de amigas las cosas pueden ir mejor. Los disfraces y demás simbolismo son juegos (a nosotras nos encanta todo lo performativo) que nos sirven para explicar que podemos tener múltiples alter egos y que nos gusta que sea así. En el vídeo de Alguien especial hablamos de convertir esos espacios que quizás no son tan conocidos para nosotras en un hogar. Y lo hacemos deformando habitats que no son tan cercanos a nosotras, como el bosque. Nos gusta jugar con los conceptos, llevarlos a nuestro terreno. Esto conecta, intuimos, con el trasfondo verde de las portadas y las ilustraciones de María Cañamero. El álbum en lo visual gira en torno a un bosque porque nosotras venimos del Mediterráneo y allí esos paisajes frondosos no existen. Ese lugar simboliza esa búsqueda, ese crecimiento en lo desconocido, el hacerte un hueco en un sitio y además sentirte cómoda en dicho lugar. Esas plantas humanizadas de las portadas representan la transformación que queremos vivir en ese espacio. ¡Hay un montón de festivales en la naturaleza en los que encajaría esto! Sería increíble, nos llevaríamos los disfraces y todo lo demás, ojalá se diese. La rareza del disco, a modo de spoiler, quizás sea ESCUPIR. Esa era una canción de esas que al principio no nos salía. Le dábamos vueltas y vueltas y, de hecho, fue prácticamente la última en terminarse porque no había forma. Ya era algo personal, llevábamos tiempo escuchando referencias y no nos quitábamos de la cabeza que esta canción tenía que entrar. Nos apetecía mucho mostrar esa versión nuestra, y lo difícil era darle coherencia con respecto al resto de canciones y el concepto. A nivel vocal era complicado porque era algo más hablado que melódico y no estábamos tan acostumbrada a hacer algo tan plano. Al final supimos hilarlo bien, empezamos a meter armonías, más melodía, (el estribillo y el puente están a rebosar), y dicha melodía empezó a coger color de La 126.

Al hilo del concepto general, estoy en un momento en el que no sé muy bien qué estoy haciendo, pero voy a jugar. Y que salga lo que tenga que salir. Hablemos entonces de referentes. Cuando La 126 nació, nos fijábamos mucho en la escena nacional en su mayoría, y con este álbum hemos ido hacia afuera, a bandas inglesas, argentinas, intentando abrir más la mente. Realmente son ahora las cosas que más nos apetece escuchar a todas, estamos en sintonía en ese sentido. Esa es la gran diferencia a la hora de construir este disco con respecto a todo lo anterior. Es cierto que también nos fijamos mucho en los directos de otras bandas que nos gustan. Cuando tenemos la oportunidad, tras los conciertos, solemos obsesionarnos con esas bandas, y eso nos

influye mucho. Un ejemplo concreto son SPRINTS, con quienes coincidimos en Bilbao. Alucinamos, fue un descubrimiento increíble para nosotras, nos fascina lo que esa tía es capaz de hacer. Esa es una referencia que no teníamos antes. Para nosotras supone un antes y un después este tipo de descubrimientos. Ahora coincidiréis con diversos referentes en festivales de los que antes erais fans y ahora os subís al escenario. En el Truenorayo hablamos por ejemplo cruzamos dos frases con Grandmas House y nos quedamos tiesas. Somos majas pero nos quedamos un poco shockeadas en según qué momentos. Con Dani de Aeronave Adolescente nos hemos hecho bastante colegas de la música, es un tío majísimo y tuvimos feeling al instante.

El 13 de noviembre se os podrá ver en el Zgz Feliz Feliz. Con este festival nos morimos de la ilusión desde que supimos que íbamos a estar. Cuando vamos a tocar no nos importa realmente el tamaño del evento en cuestión, todos nos parecen importantes y es que no podemos verlo de otra forma. Estamos preparando nuevo directo, creemos que está quedando muy guay y todo lo que sale lo vamos acogiendo con toda la ilusión. Conectar con la gente allá donde sea y poder enseñarle lo que hacemos es algo que nos apasiona, nos hace muy felices. El caso de Zaragoza no nos preocupa en absoluto, sabemos que la gente va a estar receptiva y que va a ser un gran bolo. Nos preocupa más una fecha en la que casi no vaya a ir gente o que no conozcamos mucho cómo va a ir la cosa. En un sitio en el que va a haber ambientazo, pues mira, bienvenido. Puede servir de previa, además, a un 2027 que quizás supere en intensidad a este año que termina. Ojalá que sí. Este año lo hemos pateado mucho pero creemos que nos queda un montón también por patear. Nos falta calle (risas), pero nos encanta llegar a los sitios y encontrarnos compañeros músicos que tienen ese trajín súper normalizado. Tú aún flipas porque tienes a un gran artista al lado. Seguimos encontrando la belleza en eso. Ojalá esa sensación esté en nosotras mucho más tiempo.

Ahora empezaremos a tener compañeros con los que solo coincidremos así, en festivales. ¡Eso nos apetece mucho! En estos tiempos de regresión, sois una gran apuesta. Somos plenamente conscientes de que hay una ola enorme de nuevos grupos de rock, y las chicas estamos intentando remontar un poco, pero es obvio que los porcentajes de artistas chicos es demasiado grande. Es una mierda, y nuestra obligación es luchar por ocupar espacios, dar por saco y hacer entender a todo el mundo que aquí estamos, que no nos vamos a ir por mucho que tengamos que esforzarnos el triple para llegar a determinados sitios.

LEVITANTS

Texto: Dani Pach Fotografía: Samuel Gómez

¿QUÉ ARDERÁ MAÑANA?

Sobre Levitants: ¡El nuevo álbum de Levitants ya está en la calle! La banda de Valladolid celebra sus quince años de trayectoria con un trabajo, compuesto íntegramente en español, en el que apuntalan el significativo sonido de la formación como concepto y cuyo propósito es levantarte del sofá, sea para bailar o para bajar a la calle a quemar cosas. ¿Qué arderá mañana? (Calaverita Records) es un tercer LP transgresor incluso desde su duración, unos nada comunes 48 minutos, y se ha construido desde la paciencia, mimando cada detalle, letra o arreglo, tratando de encontrar el enfoque de cada una de esas piezas en el disco con la mayor coherencia. En la producción han contado con una personalidad del rock más guitarrero como Javier Velba (El Meister, Arizona Baby), quien ha elevado el nivel de dinamismo y la ambición al respecto del detalle. Así, las canciones fueron naciendo y creciendo entre la ciudad natal de todos ellos, un retiro clave en Almería y la importante estancia en Granada para terminar encerrándose a grabar en La Mina, la cueva de los sueños de Raúl Pérez. Allí decidieron dividir la grabación en dos partes, yendo juntos al directo para las tomas de las bases rítmicas, y añadiendo a posteriori voces, sintes y percusiones. Quizás esta, junto al derribo de prejuicios autoimpuestos y el abrazo a nuevos colores y texturas, sea la razón de que pistas como La cena o Muerte a la española sean puñetazos más intensos de la norma, del mismo modo que Alta tendencia (¡ojito a ese bajo!) o Nuestros nietos nos vengarán guardan contrastes rítmicos más cercanos a una experimentación propia de bandas como Aina. Súmale al total el cierto frenetismo de Fondo de pantalla, la tensión de Pechocuchillo, con esa guitarra guía tan característica, o el punto melódico e incluso amable de Señales, y te queda un álbum bien completo en texturas y recursos. Cabe destacar que entraron 11 canciones de 14, que el máster fue cosa de Mario G. Alberni (estudio Kadifornia) y que la banda apoyó todo el trabajo con detallitos extra grabados en La Leñera, con Dino Martín al mando. Allí grabaron coros gospel con Cabeza de Gallo y Rocío Torío, guitarras de Rubén Marrón y percusiones de Guille Aragón (ambos Arizona Baby) para el tema de cierre, Vamos a Bailar. En NNNV grabaron percusiones de orquesta por María Arranz y también un coro infantil de la escuela Planísimo. Un elenco descomunal para hacer realidad un disco muy bien grabado y de muy buenas canciones. Ojalá sea alta tendencia.

Ni banda emergente ni revelación. Levitants pasaron por tus oídos antes de la dichosa pandemia, y es que su primer y explosivo EP, Coimbra, data de 2016. El punto de inflexión quizás se marca en el lanzamiento de Enola (2019, Subterfuge), un impactante disco en inglés abierto a la experimentación y al underground, a base de punteos, bases y voces que les acercaban al brit de Editors. Tras el parón covidiano, la banda giró a ritmos y sonidos más luminosos, lanzando el sencillo Nuevas generaciones, que tiraba más hacia un universo más Stereophonics (¡toma galesada!) y que terminó cristalizando en el álbum Futuro inmediato en 2023. Esto supuso el paso definitivo a las letras en español y al indie rock más guitarrero, que tiene continuidad en este ¿Qué arderá mañana?, rendido a lo trascendental, lo irónico y lo impredecible.

Texto: Dani Pach Fotografía: @bea11trice

SONIA NAWRI Este número de la revista no puede ser más murciano, y es que nos fuimos a la sesión vermú de un clásico como el Fotomatón Bar para poder echar un buen ojo por primera vez al proyecto de la artista murciana Sonia Nawri. En escenarios fuera de tu ciudad las cosas nunca son sencillas, y menos si a pocos metros del local se está produciendo al mismo tiempo una de las mayores manifestaciones en pro de la dignidad por la vivienda. Pese a todo, Sonia Aracil puso toda su actitud y creatividad para sacar adelante un show ligado irremediablemente a su álbum Somos culpa de la astrología (Diskover Co, 2025). El título y las vibras dan pistas de la línea astro pop al que Sonia hace honores prácticamente desde que empezó a hacer canciones, allá por el año 2019.

Sanar a través de composiciones que incitan al baile es su sino y Sonia, para conseguirlo, trató de adaptar su formato visual y sonoro todo lo posible en base a las circunstancias sin perder demasiado fuelle. La realidad es que este tipo de proyectos musicales se entienden mejor desde el formato banda, o al menos desde una puesta en escena en la que la artista principal esté desocupada y solo se preocupe de cantar y azuzar a su público para pasárselo lo mejor posible en el escenario y fuera de él.

El aporte, en este sentido, de Guille a la guitarra es vital, pero ojalá se hubiese podido multiplicar en al menos dos Guilles más. Por lo demás, nos alegra mucho haber podido ver a Sonia Nawri, que seguirá llevando su pop emocional y la nostalgia dosmilera a diferentes espacios y salas del país. Somos conscientes de lo que supone viajar para actuar a muchas horas de casa y solo podemos desear que todo el esfuerzo se siga viendo recompensado en nuevas grandes experiencias en directo.

Texto: Dani Pach Fotografía: @bea11trice

blonde poulain ¡Qué interesante el proyecto de otro murciano, en este caso Pablo Nicolás, aka Blonde Poulain! El vermú del Foto derivó en un original viaje al espacio estelar, en el que la narrativa al más puro estilo Odisea en el espacio permitió dar alas al EP Blanc: L’Espace publicado este mismo verano. Parafraseando al propio Blonde, en vivo genera transiciones con fragmentos de películas de culto para sacar adelante un show serio, crítico, experimental y consciente a nivel social.

Con el original traje de la NASA, sus propios logotipos y con el synth wave como arma principal, Blonde Poulain puede estar más que orgulloso de sacar adelante, con solvencia y por sí solo, un directo culto y muy coherente en el que nada es casual ni en lo estético ni en lo creativo, valiéndose del minimalismo y explotando sus recursos de una forma muy original. Si en el Fotomatón no había demasiada gente, es lo de menos, porque los que estábamos nos hemos llevado a casa una experiencia que desde entonces contamos a todo musiquero que nos topamos. Así se vienen con nosotros la próxima vez.

Para la Sold Out este show supone además un aprendizaje, ya que Blonde nos abre un universo muy interesante en esa escena french touch (electrónica francesa de principios de los 90) en la que se inspira. Encima nos hemos llevado a casa unos llaveros nfc con su logo espacial creados por Sandra Dezta con los que ahora nos ponemos las canciones del reciente álbum de Blonde a todas horas. Quizás este tipo de proyectos que rozan lo gourmet estén limitados a salas, a un mundo más underground, y no se nos ocurre mejor razón, visto así, para acudir a las salas y disfrutar de experiencias musicales que jamás encontrarás en festivales masivos. El fast food está bien, pero Off-World en una sala con buen sonido y un público educado es otro rollo.

MANU MÍGUEZ bien de altura

Texto: Dani Pach Fotografía: @bea11trice

La vida, por alguna razón, no nos había permitido volver a ver a Manu Míguez en vivo durante demasiados años. Por ello, la presentación de su nuevo álbum, Barco rojo de cristal (autoeditado) en una plaza tan diferencial como la Sala Clamores iba a ser, al fin, la forma de desquitarnos. La sala, con mesas y asientos como en los viejos (y mejores) tiempos nos recibía con la portada de este nuevo trabajo y un QR. Para que no se nos olvide que, a pesar de todo, la música sigue ahí, esperando su momento.

El cantautor (quizás se queda obsoleta ya esta palabra) salió en frío al escenario para tocar el piano en una primera parte del concierto pulcra, bella, respetuosa, hasta que varias canciones después se subieron al escenario la bajista Laura Parizzio y el baterista Daniel Rodríguez, haciendo volar todas y cada una de las canciones del álbum en formato trío. La iluminación, además, llevó la firma de otro también baterista, Iván Méndez.

Dice Manu que todavía sigue latiendo en esa tarde, y el sentimiento es compartido por un público muy atento a canciones como el cierre a modo de bonus track del disco Canto en silencio, celebrado desde el mayor de los respetos. Esta canción, a golpe de ruidos de mar, corona un trabajo lleno de melodías y versos mimados, cuidados, con la sensibilidad que siempre ha caracterizado a Manu, pero con un plus de profundidad desde lo más hondo de su poesía íntima. El pop y el folk de nuestros días está, por tanto, de enhorabuena con estas once canciones, con la introducción y con el interludio que divide el disco en dos.

Animal es la canción que más nos ha conquistado hasta este mismo momento de un álbum coproducido por el propio artista junto a eminencias como Gonzalo Lasheras y Josué Bravo, para dar más pistas todavía de lo que tenemos entre manos. A ti te gustará Tardes naranjas porque eres de tararear y de las canciones que entran a la primera, pero este tipo de trabajos (el segundo larga duración de Manu, por cierto) son de los de ponerse una copa de vino y no hacer nada más que escucharlo de principio a fin. Suena a cliché, pero es palpable: no puedes escuchar una canción de pop rápido con guitarras limpias y llenas de luz como Último suicida y ponerte a hacer otras cosas justo después. ¡Es que sencillamente no puedes! ¡Prueba y nos dices! En definitiva, es un placer volver a ver en directo a Manu Míguez y también volver a conectar con sus canciones. En estos tiempos difíciles, qué buenos son los sueños, por mucho que quieran escaparse a veces.

¡LAS RESEÑITAS!

Toundra - Siete. (autoeditado)

Baliza - Primavera. (Infarto Producciones)

María de la Flor - Desbocada y contenida. (Raso Estudio)

El contexto es clave para entender este nuevo álbum de Toundra tras 4 años de silencio y de runrunes, abrazando la autogestión y también los sintetizadores analógicos, que encajan de vicio con el rock progresivo que les ha traído hasta aquí. Por ello, destacan en estas 7 pistas los desarrollos largos instrumentales, marca de la casa, enfocados desde un universo electrónico en equilibrio. No pierden su pegada, ganan en recursos, y guardan sorpresas como la colabo de un fundador de Toundra como Víctor García-Tapia, al mismo tiempo que Jorge García graba por vez primera guitarras y sintes. Es un trabajo espléndido que se terminó de cocinar en Ultramarinos, con Santi García Víctor a los mandos, y que corona el arte de la ilustradora y pintora Mercedes Bellido. Wispar y Uniforme son nuestras favoritas, la primera por sus atrevidos punteos surfeando el caos, y la segunda por su punto cinematográfico, y es un gusto escuchar un disco así al completo, lleno de canciones extensas y potencias renovadas.

La conexión dublinesa que unió a un catalán (Gon Massey) y a un galego (Anxo Silveira) sigue dando sus frutos en forma de buenas canciones. Esta tercera referencia del año, sin ir más lejos, ayuda mucho a hacerse una buena idea de lo que se viene a nivel álbum en clave viaje de vuelta, al mismo tiempo que nos traslada a ese flashazo que muchos hemos vivido al imaginar una vida entera con alguien a quien solo hemos visto de pasada tras cruzar nuestras miradas en el tren. Así que, amiga, para cuando te vuelva a ocurrir, ponte estos tres minutos y medio de sintes, punteos y guitarras distorsionadas, coros inesperados, batería comprimida y voces limpias. ¡Para qué más! Gon y Anxo se lo guisan y se lo comen, tanto en la producción como en la mezcla, y es evidente que la cosa cuaja, ya que han logrado triunfar en la capital irlandesa, y esa gran experiencia, con sus matices adquiridos en lo puramente musical, se viene a nuestro país con galones. Una historia de cine en clave pop-rock.

Algunos habrán conseguido llegar a la música de María de la Flor gracias a su aporte al violín y a los coros en los shows de Valeria Castro, y eso está muy bien, porque la artista madrileña guarda dentro de sí un cúmulo de canciones extremadamente bonitas y eternas que merece mucho la pena conocer. Este sencillo es el primero de un álbum producido por Roy Borland (quien grabó pianos, bajos y sintes), y en él María busca definirse, si es que eso fuese posible, convirtiendo su retahíla de preguntas retóricas hacia sí misma en un manifiesto vital. En los créditos instrumentales es ley mencionar a Marc Pinyol, Carlos Otero, el don de la ubicuidad Gon Navarro, Carlos Clerencia y los coros de María Yfeu. Escaparse por los bordes es genial, y es mejor si vas así de acompañada, hasta el punto de que Cristina Jul (@teoricadelcaos) te haga fotos incluso mejores que la media. El folk, la canción de autor, el pop y las melodías de raíz están de enhorabuena. María se está encontrando y con ella los demás.

Lorena Gayoso - Septiembre. (autoeditado)

Nita - Magma. (LP, Warner Music)

Yoly Saa - Se siente fuerte. (Warner Music)

Septiembre significa volver a empezar, y este año es incluso más diferencial para Lorena, ya que puede poner su propia banda sonora a las aventuras vitales de estos últimos tiempos, que la han llevado, entre otras cosas, a cambiar de ciudad. Esta canción de estreno fue escrita durante un taller de escritura en el que la artista granadina se veía inicialmente incapaz de componer, un bloqueo, que a la vista está que consiguió superar, al mismo tiempo que liberaba y mostraba su vulnerabilidad como primer paso para salir adelante. Sonidos limpios, sintes minimalistas y diferentes registros de voz para bajar a los infiernos y también elevarnos al mayor de los brillos. En la producción, mix y mezcla de esta canción encontramos a John Gardyk, y la imagen tan bella y cuidada es obra de Claudia La Kore, quien hizo magia con un videoclip de sombras pero, sobre todo, de luces y esperanza. Desde lo más íntimo del pop y desde la elegancia de lo visual, son más que bienvenidos estos aportes que nacen desde la verdad, por cruda que sea.

El primer larga duración en solitario de Nita sobrecoge y, de hecho, a uno le invade el respeto de estar escuchando algo ciertamente histórico, casi a modo de ritual, como es este pseudo-viaje electrónico al centro de la Tierra. Es indescriptible el magnetismo de estos casi 29 minutos, en los que los últimos 3 se convierten en un inesperado abrazo final, caluroso, onírico, titulado Solo si despiertas y que nos tiene en shock desde la primera escucha. Se luce Bronquio en la producción y Marcos Muniz en la mezcla y el mastering para terminar de dar forma a un trabajo en el que continúan las flores y la visceralidad de otro tiempo, la sensibilidad tan llena de contundencia de Nita sigue ahí y, sin embargo, todo suena a nuevo, como si las canciones se pudiesen oler como los libros que abres por primera vez. Nos quedaríamos a vivir en la preciosista Salvavidas, pero la realidad es que es un disco ideal para buclear enterito, para no dejar de moverte, independientemente de lo que estés haciendo. Qué alegría de trance y qué gran ensoñación.

En no demasiadas semanas estará en la calle el nuevo disco de Yoly Saa e intuimos que éste será el último adelanto, una oda a la reconstrucción personal, a lo honesto, envuelta en un pop luminoso y positivo. ¡Si te hace sonreír, aquí es! La clave en esta nueva etapa reside en que la artista pontevedresa explora su nueva faceta como productora, asumiendo un papel más activo en el desarrollo creativo y sonoro de sus canciones y, por ende, de ese inminente nuevo trabajo. Le acompaña en esta empresa Pablo Estrella, y la canción viene acompañada de trocitos de su verano convertido en morriñento videoclip (Paula Blas y Téyou tienen mucho que decir aquí) en el que predominan los azules y naranjas que terminan pintando además la portada, en la línea de las demás referencias de este año. Es el momento para gritarle al mundo lo bien que sienta estar bien, y que se fundan de nuevo la Yoly artista y la Yoly de carne y hueso, la real, la que disfruta de una increíble puesta de sol. Esta revelación supera las 100 mil escuchas en apenas un mes.

Un disco, una verdad.

Un número tan emocional como este nos viene de perlas para reiterar en el ahora, en la libertad y en el amor. Si quieres a quien tienes cerca (y/o lejos) díselo, hostias, que la vida no es un libro por leer. Ahí estamos, pasando páginas, esperando a no sé muy bien qué, a no sé muy bien quién, a llegar a no sé muy bien dónde. Y pasan los capítulos, uno tras otro, sin vivirse. Desvivirse por vivir debería ser ley, debería ser la norma que solo unos pocos siguen y a quienes además tachamos de locos, de tarados, de gente que, según nuestra forma de vida, no merecen ser tomados en serio. La realidad es que no nos necesitan, y tampoco les importa lo que pensemos. Tan solo viven, es decir, no se preocupan por vivir porque viven, y vivir deja poco lugar a pensar que viven. Si piensas, luego existes, sin duda, pero vivir es otro nivel y, por mucho que mires atrás y recuerdes las vidas que has tenido y las que no has podido tener, por mucho que atisbes un futuro de mierda o un horizonte esperanzador, la luz es la de ahora. El futuro es ahora. El futuro es ahora. ¡El futuro es ahora! Ahora, por favor, ponte el nuevo disco de tu artista favorito, báilatelo o llóratelo, compártelo con tu gente, envíales audios o grábate en vídeo cantando su mejor canción. Abre la ventana y grítaselo a tus vecinos y, a continuación, ve a la frutería del barrio y dile a todas las señoras lo guapas que están y cómprate en el mercado todo lo necesario para cocinar tu comida favorita. Invita a tu mejor amiga a comer contigo, abre el mejor vino para la ocasión y pídele que traiga el postre. Traerá el mejor postre, te lo aseguro. Échate una buena siesta y, si recibes una llamada spam, dile a la teleoperadora que tiene una voz súper bonita y cuélgale. Cuando el día termine y te quedes mirando al techo, se te escapará la sonrisa que has robado a un montón de personas tan solo por el sencillo gesto de vivir. En estos tiempos difíciles, en estos días en los que salimos a la calle a luchar contra quienes no quieren que vivamos, contra quienes no quieren que sonriamos, aquellos llamados locos serán los primeros en luchar. Porque vivir no es un privilegio, pero saber vivir es un don, y esta “aptitud” bien merece poner la cara, el cuerpo, la vida, ante quienes no han vivido ni sonreído jamás. Ojalá todos fuésemos locos y además lo estuviésemos. Si le quieres díselo, no será tarde hoy. Sonreirá.

Texto: Dani Pach Fotografía: @bea11trice

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