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6 Presidente :: Cecilia Velasco Martínez ceci@revistamarvin.com Editores :: Cecilia Velasco Martínez :: Humberto Polar hpolar@revistamarvin.com Publisher :: Manú Charritton manu@revistamarvin.com Coordinación Editorial :: Vicente Jáuregui vicente@revistamarvin.com Dirección de Arte :: Sandra González D. Diseño Gráfico :: Mariana Villanueva Coeditor de música :: Jorge “Negro” Hipólito Coeditor de cine :: Juan Patricio Riveroll Administración :: Emmanuel Cortés Martínez :: Agustín Reséndiz Publicidad :: Tony Romay ventas@revistamarvin.com Internet :: Cristina Miranda Webmaster :: Ernesto Magaña :: Daniela García Ruesga

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MARVIN es una publicación mensual de Música y Estilo México S.A. de C.V. con domicilio en Newton No.53-3er. piso interior 9, Col. Polanco, C.P. 11560, Delegación Miguel Hidalgo, México D.F. Tel/Fax:: (55) 5281 5203. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título No. 12669 Certificado de Licitud de Contenido No. 10241 Certificado de Reserva de Derechos al uso Exclusivo No. 04-2003-052613330500-102 MARVIN es una Marca Registrada

Fe de Erratas:

En nuestra edición 62 faltó el crédito de la foto de Apparat (pág. 15). La fotógrafa fue Mariana Coppel.

Consejo Editorial :: Marisol Argüelles :: Gabriela Fenton :: Roberto Garza :: Camilo Lara :: Eliana Pasáran :: Humberto Polar :: Nacho Rettally :: Jaime Romandía :: Joselo Rangel :: Carlos Verástegui Colaboradores:: Benjamín Acosta, Mayte G. Bonilla, Natalia Cano, Ingrid Constant, Andrés Díaz, , Silvia Gutierrez, Sergio Heisinger, Willy Heisinger, Oscar G. Hernández, Juan Carlos Hidalgo, “El Jergas”, Roberto Armando López G., Micro, Chico Migraña, Nacho Rettally, Juan Patricio Riveroll, Andrés Sánchez Juárez, Álvaro Sepúlveda, Rafael Toriz, Oscar Uriel, Francisco Zamudio. Fotografía:: Diego Bobadilla, Arturo Lara, Fernando Moguel, Pedro Velasco. Ilustración:: Óscar Coyolli.

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10 Muchos aspectos que condicionan nuestro estar en el mundo, se encuentran profundamente vinculados a procesos de tipo cíclico. Los movimientos de traslación y rotación pertenecen a ese ámbito. Tales regularidades llevaron al hombre a conceptos como el de año, días, horas o al de las cuatro estaciones que, desde pequeños, aprendimos a relacionar con tal o cual fenómeno climático. Una de las frases más socorridas reza que “todo cambio es bueno”, sin embargo, la transformación que está sufriendo la tierra con el calentamiento global, sería sin dudas una excepción. Cada año, las estaciones son más irregulares, y quizá en 40 años la experiencia del verano tenga que ver poco con las lluvias. En nuestra edición especial de Verano, rendimos culto a la creatividad de quienes han sido inspirados desde eso que hasta hoy reconocemos como veraniego. Óscar Uriel te recomienda 10 películas representativas de la estación torrencial. En música tenemos una entrevista con Nortec, el colectivo tijuanense que puso a bailar a México, Sudamérica y Europa. Con un ímpetu retro llega MGMT, una colección de sonidos de rock pop emparentados con la psicodelia. Predilecta de Woody Allen, la sensual Scarlett Johansson ahora interpreta canciones de Tom Waits. También tenemos una entrevista con Juan Patricio Riveroll, nuestro editor de cine, hablando a propósito de Ópera, su primer largometraje. Además, él mismo nos introduce a Bordertown, película sobre las desaparecidas de Juárez. Por último, no te pierdas la entrevista exclusiva con Perry Farrell, cerebro detrás del festival de corte alternativo más importante del mundo. Por último, el clima en Marvin cada día está mejor. Nuestra nueva contratación estrella hace que recibamos el verano con vientos de cambio muy prometedores. Si bien no es una cara nueva en la revista, a partir del próximo número Humberto Polar se suma como editor, quien trae bajo el brazo una carta de presentación abrumadora: notable publicista, guitarrista (Réplica) y Dj/productor (Monopolar). Aprovechamos para darle la bienvenida a través de esta nota editorial. Cecilia Velasco


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música

cine

28 Música Nueva Movus. Un viaje hacia un cuento de hadas.

68 Sótano Divertimento II.

30 Nortec Collective presenta: Tijuana Sound Machine. 32 Julieta Venegas. El sonido del verano desenchufado. 34 Death Cab For Cutie. Por el camino estrecho. 36 MGMT. Abriendo el tercer ojo del mundo. 38 Scarlett Johansson. De diva a indie star. 40 La Suerte de Mudhoney. Una entrevista imaginaria con Mark Arm. 42 Neon Neon. ¡Autos, moda y technopop, uooh, nuestra civilización! 44 El Mago y su verano. 54 Instantáneas del Vive Latino 2008.

70 Bordertown: El Blues de la Muerte. 72 Ópera. Reinterpretaciones y experimentación cinematográfica.

58 En Portada

de fondo

Perry Farrell y el legado de Lollapalooza.

76 De Culto

Nick Cave y el derecho a quedarse muerto.

82 Alter Ego

Pablo Britos. La persistencia del Beat.

78 Cine de Culto 10 películas veraniegas.

arte

74 Carrie Borzillo. Manual de una dulce chica explosiva para conquistar rockstars. 80 Arte de Culto El sitio del verano.

46 Los monjes y los juegos olímpicos. 48 12 Canciones de un verano ardiente. 50 A ritmo de viajero ensimismado.

otros

10 Buenas Nuevas Noticias de música, cine y arte. 24 Estilo Jack Daniel’s Studio No. 7. 26 Gadgets Innovación y estilo. 64 Moda Tiki Tiki Reseñas 3x1 86 ¡Viene bien-eh! 87 Música 92 El Otro Lado 94 Cine 96 Libros 97 Comics 98 Museos 99 Educación 100 Gamer Los mejores videojuegos. 102 Agenda Los eventos del mes. 104 Hastatras Marcello Lara El Gerente.


B U E N A S N U E VA S Modelo Light Connection Tour 08

FOT y TXT:: Ache Producciones. Más de 3,800 jóvenes arribaron al Centro Banamex para ser participes del gran lanzamiento del Connection Tour 08, auspiciado por Modelo Light y que llegará a importantes ciudades del país. El Connection Tour es toda una experiencia que combina la música y el video en un ambiente multimedia, donde también se realiza performance y danza aérea

por parte de la compañía Humanicorp, que cuenta con un importante prestigio internacional. Con esto se ha creado todo un concepto para reventar y deleitar los sentidos de los invitados. La primera escala del tour contó con la presentación de Playa Limbo, grupo originario de Guadalajara que comienza a consolidarse en la escena pop nacional. El cierre de la noche corrió por parte de los chilenos Kudai, quienes actualmente se encuentran promocionando: Nadha, su más reciente disco. Entre cervezas y un gran ambiente, la gente no paró de bailar y cantar en toda la noche, manteniendo con ello la fiesta a tope hasta pasadas las cuatro de la mañana. El Modelo Light: Connection Tour 2008 apenas ha comenzado y promete ser una grata e inolvidable experiencia para sus asistentes.

Tradicional:

Fiesta 100% Congelada FOT y TXT:: Ache Producciones. Tequila Tradicional echó la casa por la ventana con una gran fiesta congelada, muy ad hoc con la particular forma de beber este tequila. Más de 2,800 invitados se dieron cita el pasado viernes 16 de mayo en Expo Bancomer, Santa Fé para reventar en una fiesta donde se utilizaron más de 40 toneladas de nieve artificial, así como esculturas de hielo de más de dos metros de altura y árboles artificiales que junto con la luz, simulaban un mundo polar y congelado. La principal atracción de la fiesta fue una divertida forma de ingresar: tenías que tomarte un shot de tequila y lan-

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zarte en una llanta por un tobogán de nieve con más de 20 metros de largo por siete de alto. Los invitados ingeniaron las más atrevidas formas de aventarse por el tobogán, desde sentarse típicamente en el interior de la llanta hasta lanzarse boca abajo. Durante la fiesta se tuvo la posibilidad de degustar diferentes cocteles elaborados a base de tequila. El más buscado fue el de Chamoy, que al servirse congelado, resultaba todo una delicia. No cabe duda que Casa Cuervo siempre se luce con sus fiestas sumamente divertidas y memorables. La de Tradicional 100% Congelado no fue la excepción.


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Apparat Pasaje América/ 15 de Mayo TXT:: Vicente Jáuregui. No sé si todas las noches sean tan concurridas en el Pasaje América, pero el día que Apparat (banda lidereada por el alemán Sascha Ring) se presentó en este glamoroso antro ubicado en el Centro Histórico, no cabía un alma más en el lugar. La cola para conseguir un trago era interminable, pero el calor hacía que te aferraras hasta llegar con el barman. Ya con bebida en mano, de repente subieron los músicos de Apparat. Debo decir que asistí a escuchar a una banda de la que no tenía más antecedente que los clásicos comentarios de “está buenísimo”, “son increíbles”. Para ser honesto, a la tercer

rola mis expectativas se volatizaron. El sonido era más o menos bueno, pero las composiciones parecían hechas por un adolescente que sólo aprendió a tocar dos acordes. No es que la música deba ser compleja, de hecho es muy fácil caer en la pretensión yendo por esos terrenos, pero la monotonía no es una cualidad a la que debamos aplaudir. Es extraño que aún sigamos adulando acríticamente agrupaciones tan poco propositivas, donde pareciera que el peinado y la ropa de los músicos es el gancho para que cierto tipo de público se reúna. En fin, después vino el DJ set de Damián Romero a salvar la noche.

MÚSICA

Noche Jay Jay Johanson La Covadonga/ 23 de mayo TXT:: Juan Carlos Matus (yodex). Entrando al salón del evento te llevabas la impresión de asistir a un combate entre un gourmet de tendencias y un recital de música. Una asistencia seducida por el coqueteo del titular de cartel con el pop horizontal bailable de sus discos anteriores (Rush, Antenna ) más la docena de disc jockeys que le secundaba, apuntaban a una noche de electro bumping que, para sorpresa y decepción de otros se tornó en una balsa de madera perdida en un melancólico manglar musical. Jay Jay Johanson cruzó (cual güero jala cables) desapercibido entre el público hasta plantarse junto con su banda en el escenario. Sonaron los primeros acordes de “It hurts me so” (Whiskey) y a continuación otros de su última entrega (The long term, physical effects are not yet known) y aunque el formato actual de la banda prescinde de guitarra y dj, el combo se desenvolvía con la contundencia que este crooner

nórdico exige. Jay Jay Johanson dirigía el navío con la lúgubre languidez de su carácter. El público lo atendía o ignoraba a partes iguales. Su voz calando y dialogando entre el óxido de un Rhodes Stage Piano, contrapuesto a una base rítmica que en momentos nos sugería estar ante un Chet Baker del futuro. Temas de Tattoo ( “She´s mine but I´m not hers” con piano ), Poison (Far Away ) e incluso Rush, que tras escuchar una versión garage del discotequero tema “On the radio” estaba claro que Jay Jay Johanson está de vuelta, y que el tejido jazzístico de su sonido actual va mucho más allá que una referencia similar a lo que se denominó en algún momento como trip hop. Incluso Portishead se alinea al número de seguidores de su eficacia compositiva e interpretativa. Después de todo la intensidad no se explica, se siente, o como él bien canta: “So tell the girls I´m back in town”. yodex@soundsister.com

La Barranca/ Metropólitan/ 30 de Mayo

TXT:: Vicente Jáuregui. FOT:: Cortesía de Ocesa/ Fernando Moguel. La primera vez que escuché a La Barranca en vivo, fue hace como cinco años con lo que podemos decir fue su “segunda alineación” (Aguilera, Otaola y los hermanos Arreola). Ahora, con la presentación de Providencia en el Metropólitan, había una expectativa por escuchar a los músicos con quienes nació esta agrupación hace más de diez años (Aguilera, Alfonso André y Federico Fong), y que ahora se reunieron para grabar y presentar su séptima producción. Desde los primeros guitarrazos de “Animal en Extinción” se anticipaba un concierto intenso y emotivo, muy bien sonorizado bajo la tutela de Eduardo Del Águila, con invitados como el “Cox” Gaytán en el violín o Gimena Jiménez Ca-

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cho en el cello, quienes se encargaron de redondear un set acústico donde sonaron rolas como “Akumal”, “La Rosa”, “El Desafío”. Lo primero que cabe resaltar es que esa noche fue un repaso por toda la discografía de La Barranca, ahí se tocaron todas la canciones que un fan espera, creo que por eso la entrega del público fue desbordante: todo mundo cantaba las letras de José Manuel Aguilera, desde los temas del Fuego de la Noche o Tempestad, hasta las rolas de Providencia o El Fluir. Los años de experiencia nunca pasan gratuitamente, en los casos más afortunados, finalmente se traducirán a través de la pasión que un grupo logra transmitir a la gente con su música. En ese sentido, La Barranca es una propuesta sui generis, definitivamente una de las cinco bandas mexicanas que no hay que perderse.


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MÚSICA

Festival Colmena

Tepoztlán/ 7 de junio

TXT:: Willy Heisinger. FOT: Arturo Lara. El paisaje que ofrecía el Jardín Sagrado era muy ad hoc para que Sigur Rós tocara –sólo como ellos saben– desde las abigarradas profundidades de la infancia y la melancolía de montaña con botas, y para que Jónsi dejara su arco de violín hecho pelusas. Abrieron con “Svefn-g-englar” (la del ruidito de sonar submarino). No obstante que “La Señora de la Montaña” purificara desde temprano el lugar con sus cánticos, Orri tuvo que dejar las baquetas apenas terminada la segunda canción (“Glósóli”). Se agarró de los pelos y se fue a sentar para no volver más. Jónsi, confundido, dio la noticia de que su amigo se sentía mal y que tendrían que suspender el concierto por un rato. Mientras tanto, la banda de vientos tuvo que improvisar algo. Hasta nos tocaron el Himno Nacional de Islandia. El público mexicano le echaba porras a Orri con toda la buena vibra para que se recuperara… pero eso no sucedió. Más tarde sale Jónsi y anuncia, con mucho pesar, que Orri definitivamente no podrá tocar, y que agradecía

nuestra comprensión. Así que se las arreglaron como pudieron: las chicas que tocan las cuerdas (y que tienen su proyecto propio Amina) salieron armadas cada una de un tom a darle recio, y uno de la banda de vientos suplió heroicamente a Orri para tocar “Gobbledigook” y no dejar que los ánimos decayeran. El concierto, pese a la adversidad, fue realmente maravilloso. Todos los grupos y solistas estuvieron espléndidos. Los mágicos gorjeos del multiinstrumentista Andrew Bird nos encantaron. Pocos músicos tan ágiles y talentosos como él. Seguro el eco de este festival perdurará mucho tiempo, impactándose de una a otra peña del Jardín Sagrado. En cuanto al transporte de regreso, sólo podemos decir que hubo una desorganización total. Todos buscaban donde treparse, los autobuses no se daban abasto y, para desgracia nuestra, tampoco había señal telefónica. Era algo así como estar bajo la ley de –el que apaña, apaña–. Muchos tuvimos que caminar hasta el estacionamiento, o sea, unos 12 km abajo (si no es que más) para llegar a nuestras casas.

Sigur Rós

Premios Indie–O/ Polyforum Cultural Siqueiros/ 11 de Junio Alejandro Otaola

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TXT:: Vicente Jáuregui. FOT:: Cortesía de Alejandro Otaola. Con el objetivo de premiar a los representantes más destacados dentro del movimiento de la escena independiente en México, se realizó la primer edición de los Premios Indie–O. Alrededor de 500 personas acudieron a la ceremonia donde tocaron bandas como los Fancy Free, Yokozuna, el Fenómeno Fuzz, entre otros. Las categorías que fueron consideradas para la premiación fueron varias. De entrada hay que destacar que esa noche Austin TV recibió la ma-

yor cantidad de premios: como Banda del Año, Mejor Diseño de Arte­–Empaque y Mejor Banda de Punk y Otros Géneros. Seguramente el criterio de “otros géneros” debe ser muy amplio, por no decir ambiguo. Como la banda de Mejor Trayectoria ganó Café Tacvba, quienes no pudieron asistir a recibir su trofeo, tampoco Emmanuel del Real pudo hacer lo propio con el premio como Productor del Año. Alejandro Otaola recibió el galardón de Disco Experimental del Año con su discazo Fractales, del que tocó algunas rolas en vivo. Algunas estatuillas se

fueron para Guadalajara: Siddharta se llevó la de Mejor Solista del Año, y Descartes a Kant fue votada justamente como Banda del Año. Otro premio muy bien merecido lo recibió el legendario Foro Alicia por el arduo y constante trabajo como Foro Independiente. Esa noche los Fancy Free demostraron en el escenario porqué merecen ser la Mejor Banda en Vivo. En la categoría del Medio Independiente del Año la revista Indie Rocks! resultó ganadora. Esperamos que los Premios Indie–O tengan continuidad y que el año entrante podamos asistir a otra edición.


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Música

J&B: UNA INMENSA E INTERMINABLE FIESTA GLOBAL NOS ESPERA TXT:: Cecilia Velasco. FOT:: cortesía J&B. Cappadocia, Turquía. Un paisaje alucinante, único en el mundo. Una tierra llena de historia y magia. En este entorno, una inmensa bola de cristal que simboliza la ambición de pasarla siempre bien le da al paisaje un tinte aún más onírico. Esta es la experiencia a la que Marvin fue invitado el pasado 31 de mayo, y que se ha vuelto un

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clásico instantáneo entre las muchas fiestas que nos ha tocado ver. Se trata, por supuesto, de la primera de las fiestas que J&B ha diseñado para llevar por el mundo entero. Nos quedó muy claro que J&B es sinónimo de hospitalidad y de buenos momentos desde que abordamos el avión hacia Turquía, donde permanecimos 5 días. Una vez en Estambul, un vuelo chárter nos llevó a los casi 200 invitados hacia


BUENASNUEVAS www.revistamarvin.com la región de Cappadocia. Artistas, diseñadores, modelos y socialités de diversos países conformaron la comitiva. Al bajar del avión, las camionetas de J&B nos estaban esperando en el aeropuerto para llevarnos al hotel, y de ahí a esta increíble región de cuevas rocosas, un paisaje realmente único en el mundo. Al pie de este exótico entorno, J&B instaló todo lo necesario para crear las condiciones que requiere una exquisita cena típica turca al aire libre, sólo rodeados de las impresionantes formaciones volcánicas que alguna vez habitaron los hititas. Una vez terminado el banquete, todo mundo estaba animado para

continuar la fiesta entre luces, bailarines y bolas disco. El artista estelar de la noche fue el mítico Boy George, en su faceta de DJ. Desde hace ya bastantes años, Boy George se reinventó y creó una legión de seguidores gracias a su estilo ecléctico y personal de mezclar. Amante del house clásico, Boy George no duda en introducir en sus sets sonidos y beats hiphoperos, que además van aderezados con su propia voz cuando toma el micrófono. Su música old skool mantuvo los ánimos al máximo hasta la 5:00 a.m. A esa hora la emoción llegó literalmente a lo más alto ya que todos los invitados navegamos

MÚSICA los cielos en un paseo por globo aerostático. Un fin de fiesta inolvidable, un lugar inolvidable como lo fue toda la fiesta. Nos quedamos ansiosos por saber más sobre cómo serán las fiestas venideras si la primera fue así de espectacular. Por lo pronto, el nuevo evento de J&B para este verano es una explosión creativa enfocada en diferentes disciplinas como: pintura, música, decoración, etc. Se llevará acabo un tour en las principales ciudades de España de julio hasta agosto. También les anticipamos que México es uno de los países donde podremos disfrutar de las increíbles fiestas de J&B. Allí estaremos.


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CINE

Expresión en Corto: un verano cinéfilo Tongolele a la fiesta de Guanajuato

Tongolele

TXT:: Silvia Gutiérrez. FOT:: Cortesía de Expresión en Corto. El festival de cine conocido sobre todo por su enfoque en los “cortos” inicia su segunda década este año. Es también sabido que su sede, el estado de Guanajuato, se aprovecha al máximo: desde sus foros hasta los que sin serlo son convertidos en tales, como los cementerios para las funciones de cine de terror y las plazas transformadas en salas de proyección al aire libre, aunado a las fiestas, conferencias, mesas redondas y exposiciones, es una grata forma de disfrutar el verano mientras se “rescata la actividad artística fílmica”, pues el compromiso

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de sus organizadores se extiende en una oferta de becas, talleres y apoyo financiero. Hemos visto crecer este festival de alcance internacional. Tan sólo el año pasado recibieron más de 1,300 trabajos de 72 países. Ficción, animación, documental y experimental coinciden en óperas primas, no primas y de culto. En cuanto a esta última categoría nunca faltan los homenajeados. Este año Yolanda Montes “Tongolele”’ fue la elegida y en Marvin no quisimos dejar pasar la oportunidad de platicar con esta bailarina de culto, de origen estadounidense, de la época del mambo y los cabarets de la ciudad de México,

y que a sus 76 años continúa con esa carrera que la hizo brillar también en el cine al lado de Tin-Tán, Julissa, Pedro Infante, Pedro Vargas y Pompín Iglesias. Algunas de sus películas son: Las fabulosas del reventón (1982), Las mujeres panteras (1967), ¡Mátenme porque me muero! (1951) y Han matado a Tongolele (1948).

pañol bailaba en muchas películas. Han matado a Tongolele (1948) fue la primera que hice como estrella, tenía 18 años.

Tu personaje fue inmortalizado hace tiempo. Te están haciendo una estatua para colocarla en una glorieta en Cuajimalpa (D.F.) y este año recibirás un reconocimiento más por tu trayectoria en el Expresión en Corto. Sí, hace poco me llamaron para darme la noticia. Me siento muy honrada de que ahora se trate de un evento de cine internacional.

¿Qué sigue para Tongolele? Nunca he pensado en el futuro, vivo mi vida y las cosas llegan. Sigo bailando porque me gusta pero ya no hay teatros familiares, ni siquiera los centros nocturnos de antes, a los cuales se acudía a ver un show, se podía comer y bailar. Seguiré con mi pintura y escultura, tengo muchos amigos artistas. Siempre estoy ocupada. He vivido como si tuviera un destino, dejo que las cosas vengan por sí solas.

Cuéntanos cómo empezó todo. Empecé de 15 años. Tuve suerte: primero me presenté en un show tahitiano en San Francisco y después en uno cubano con Miguelito Valdés. Llegué a México invitada por una modelo que me presentó en la arena Coliseo. De inmediato me hice estrella del teatro. Antes de los 17 años ya era primera figura. ¿Y el origen del apodo “Tongolele”? Me sugirieron que cambiara mi nombre, combiné uno africano y uno tahitiano porque definían mi estilo y resultó “Congolele”, pero no me gustó y lo cambié a “Tongolele”. Sin embargo, yo no quería quedarme con ése, pensé que lo usaría sólo para una obra cubana en la que estuve. Yo prefería llamarme “Sandoa” pero se me quedó desde entonces. ¿Cómo fue el paso al cine? Fue simultáneo, tan pronto empecé a bailar llamé la atención de productores. Me buscaron pero como no hablaba es-

¿Qué le recomendarías a alguien que planea dedicarse al cine? Que estudien mucho porque ahora hay mucha competencia y poco cine. Uno aprende con el público.

Eso suena muy bien. Gracias por la entrevista y muchas felicidades. Muchas gracias. Encantada. En julio de 2008 la opción es pasar por Guanajuato y ser testigos de la primera jornada de co-producción cinematográfica de la India –el país invitado– y Latinoamerica. Productores, directores y distribuidores disfrutarán del recién firmado tratado bilateral de comercio entre la India y México. Un apoyo más es “MexiCannes”, el Programa de Residencia de Verano en Guanajuato que ofrece una plataforma de proyección y apoyo a 12 cineastas internacionales seleccionados por Cannes. Festival Internacional de Cine Expresión en Corto: 18 al 27 de julio. San Miguel de Allende y Guanajuato. www.expresionencorto.com 



TNT+Film BUENASNUEVAS www.revistamarvin.com

CINE

Aprende de la pantalla grande desde la pantalla chica

TXT:: Vicente Jáuregui. FOT:: cortesía TNT. A partir de julio podremos disfrutar del programa TNT+Film, una emisión semanal de formato innovador y entretenido cuyo tema central es el cine. El programa será conducido por Cecilia Suárez y Rafael Sarmiento, quienes buscarán atrapar al espectador con curiosidades, juegos, entrevistas, clips, detrás de las cámaras, etc., sobre diversas vertientes de la industria cinematográfica. Todo tipo de cine tendrá cabida, de modo que no será extraño que convivan tanto producciones independientes o de cine nacional, como filmes de corte hollywoodense. La parte innovadora reside en que cada espectador será desafiado por efectos especiales a descubrir la “película del día” a través de varias pistas que se darán durante media hora. Además, en el foro habrá visitas de directores de cine mexicanos e internacionales. Marvin entrevistó a Ceci Suárez y a Rafa Sarmiento para que nos platicaran su experiencia como conductores del programa TNT+Film.

¿Cuál es la dinámica del programa? Ceci: Es un programa interactivo en donde el espectador se mantiene activo durante todo el programa. Hay una participación en línea directa con el estudio de manera que cada quien desde su casa participa. Se trata de ir adivinando cosas. No es un programa en vivo, todo está grabado en Brasil antes de su emisión, pero aún así hay participación y animación. ¿Qué es lo que buscan del espectador, cierto aprendizaje? Rafa: Yo creo que la parte enrrique20 | MARVIN

cedora es abordar el cine de manera diferente, ir desmenuzando cierta película a partir de sus temas, dando referencias de otras películas que hayan tocado los mismo temas. Todo eso complementado con entrevistas de gente que está involucrada directa o indirectamente en el tema. Por ejemplo, hablábamos de la película de Cameron Crowe Casi Famosos donde se desglosaba la década de los 70s, el rock and roll en el cine, las groupies, y eso va complementado con entrevistas con Alex Lora, con los chavos de Zoé, y ellos mismos hablan de esos temas. Esa forma de abordar los temas, creo que es la parte diferente para la gente.

Cecilia Suárez

¿Ustedes se involucran en la parte creativa del programa? C: Rafa tiene un rol mucho más creativo en este programa, yo básicamente presento las películas. Me gusta que si hay una cosas que quiero añadir, quitar o subrayar, siempre son muy abiertos. El formato ya está muy definido de antemano por la producción brasileña, que es donde se hace el programa. R: Nosotros viajamos cada mes a Sao Paolo, la producción se hace allá. Lo padre es que nos dan la libertad de expresarnos como queramos, en ocasiones nos preguntan, “¿qué significa chido?”, les explicamos la expresión y se queda. ¿Cómo llegaron a ser conductores de televisión? R: Por la huelga de la UNAM. Yo estudiaba arquitectura y al mes de no hacer nada ya me volvía loco, estaba deprimido. Entré a Azteca, estuve nueve meses sin cobrar un

Rafa Sarmiento

duro, después se fueron dando las oportunidades, empecé de asistente cargando cables, entrevistas, hasta que me dieron mi primer programa y así se fueron dando las cosas. C: A mi me habló un amigo de producción de Capadocia para hacer

el casting, sonaba un poco ajeno pero decidí ir, y me pareció muy chistoso el formato, llegaron las vacaciones de diciembre y me dijeron que me había quedado. Además cuando te dicen que se va a hacer en Brasil, pues… resulta muy estimulante.


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EL AMOR HASTA LA LOCURA MUSEO SOUMAYA

TXT:: Willy Heisinger. Debido al éxito que ha gozado la exposición El Amor hasta la Locura. Arrebatos Eróticos y Místicos, Museo Soumaya, se resolvió prolongarla hasta finales de agosto del año en curso. Pinturas de diversos autores, pe-

riodos y corrientes se reúnen para corroborar la necesaria presencia de Eros en cualquiera de sus modalidades. No se trata tanto de indiferenciar lo espiritual y lo carnal, mas sí de hacer ver que, en el fondo, son dos caras de una misma moneda. Lutero, al hacer otra lectura de las Sagradas Escrituras, lo capta más o menos en ese sentido, y así se permite llevar una vida contemplativa sin necesidad de imponerse el celibato. El amor carnal no tiene por qué obstaculizar la realización espiritual, ya que pueden conjugarse, complementarse. La doctrina tántrica, asimismo, ha postulado el amor carnal como un medio para lograr la comunión (o por lo menos el roce fugaz) con lo divino

ARTE en una suerte de cenit orgásmico. Si esto hubiera sido comprendido a su debido tiempo, el amor que Abelardo -otro famoso teólogo- le profesaba a Eloísa no le hubiera costado las partes nobles. Las recurrentes representaciones que de María Magdalena hay en la sala, insinúan precisamente el tan conocido y polémico tema del Cristo como un hombre que, finalmente, no podía desentenderse de su naturaleza carnal. Aquí hasta el más leve roce de un aire cargado de feromonas puede provocar un delicioso sobresalto. Henri Lebasque, con su Desnudo Extendido, muestra a una mujer recostada, de la cual no se sabe con exactitud si es que ha saciado recién sus caprichosas querencias, o si es que sólo le da rienda suelta a sus más dichosas fantasías. Un florero es, al parecer, el agente de toda esta sensualidad a flor de piel. Los párpados desfallecidos

reemplazan a aquellas sábanas que aparecen arrojadas, fungen como tales, para que así ella, en pose venusina, entre en un estado de ensoñación puramente hedonista. ¿Y qué decir de Paolo y Francesca, de Ingres? Al ver al joven uno no puede sino pensar que todo él es un falo erecto abriéndose paso poco a poco, insistentemente. Al fondo aparece la mirada reprobatoria, y a la vez cómplice, de un hombre cuyo Eros es nulo (lo cual explica, de hecho, el que su mirada sea estas dos cosas). Las esculturas de Rodin y Claudel se llevan las palmas por su intensidad, por su voluptuosidad erótica, por la manera de representar esa idílica y perfecta correspondencia entre los enamorados que los lleva a trascender este mundo. Estas, y muchas otras obras, frases célebres, y curiosidades diversas, están ahí para que nosotros también nos dejemos arrobar aunque sea por un momento.

GANADORES DEL CONCURSOImpresos: IMAGINA & VIVE CUERVO Video: TXT:: Tony Romay. FOT:: cortesía Imagina & Vive Cuervo Por octavo año consecutivo se realizó el concurso Imagina & Vive Cuervo, donde universitarios de toda la república expresaron sus ideas creativas acerca del consumo responsable de alcohol. Se registraron 1,165 estudiantes y 1,881 proyectos en las modalidades de anuncio de revista, video para Youtube y spot de radio. Los ganadores serán premiados

en una fiesta organizada por Jose Cuervo Especial en el Pasagüero. El primer lugar ganó una computadora portátil, asistencia al programa “Espacio Vanguardia” y productos Jose Cuervo para una fiesta de 300 personas. El segundo lugar ganó una cámara de video y productos Jose Cuervo para una fiesta de 200 personas. El tercer lugar se llevó una cámara de fotos y productos Jose Cuervo para una fiesta de 100 personas.

1° lugar: Frases, de Jorge Alberto Mexía Rivera - Universidad Latinoamericana Campus Valle 2° lugar: Camino, de Juan Carlos Hernández Cárdenas y Ariadna Flores Loyola - Tec Estado de México 3° lugar: Buena Onda, de Armando Allan Marín Robles - Centro de Estudios Universitarios en periodismo y arte en Radio y Televisión

1° lugar: Juntos por la conservación de la memoria, de Tonatiuh Torres Cornejo y Marcos Obregón Victorica - Universidad Latinoamericana Campus Valle 2° lugar: Sólo un, de Ana Cecilia Pineda Molina - Centro Universitario de Comunicación 3° lugar: Deja las llaves, de Catherine Araceli Hoyo Garduño - Universidad Latinoamericana Campus Valle

Radio:

1° lugar: Los borrachos siempre dicen la verdad, de Jorge Arriaga Fagoaga y Diego Chávez Aguirre - Centro Universitario de Mercadotecnia y Publicidad 2° lugar: Apodos, de Daniel Domínguez Pastrana y Fernando de la Cruz García - Centro Universitario de Mercadotecnia y Publicidad 3° lugar: El joven Erick, de Erick Urban León y Fernando Roberto Arzate Hernández - Centro Universitario de Mercadotecnia y Publicidad ganador primer lugar categoría impresos

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Jack Daniel’s Studio No. 7 2008

25 de mayo de 2008 Lynchburg, Tennessee

Jack Daniel’s Tennessee Whiskey fue anfitrión de 200 afortunados invitados de Venezuela, Colombia, Chile, México, Puerto Rico, entre otros, para una verdadera, única y exclusiva experiencia al estilo de Jack Daniel´s. El sitio elegido fue el Studio No. 7 donde presentaron músicos como Beto Cuevas, Vynil de México, Lapdance de Puerto Rico y Silvestre de Chile. Los invitados pudieron atestiguar cómo detrás de un gran sabor generalmente hay una historia que contar, y que pocas son tan peculiares como la del legendario whiskey Jack Daniel’s, la primer marca registrada en su tipo en los Estados Unidos (1866). A pesar de producir cada gota del whiskey de más venta en el mundo, es sorprendente saber que Lynchbrug Tennessee tiene una población oficial de sólo 361 habitantes. Si no es suficiente sorpresa, es impresionante saber que la venta de alcohol está prohibida desde 1909, y sigue hasta nuestros días. El éxito de Jack Daniel’s, se debe a que en sus 142 años, la cata del whiskey ha sido reservada a siete personas, de la cuales el primero fue por supuesto su fundador Sr. Jasper Newton “Jack” Daniel. Actualmente el séptimo maestro catador es Jeff Arnett, quien se asegura de garantizar que la fórmula original sea vertida en todas las botellas de este inigualable whiskey.

El número 7

Las teorías sobre el número siete en la botella de Jack Daniel’s son varias, pero la más recurrente dice que hace años, la empresa transportaba todos los productos por el ferrocarril. Un envío fue perdido, y cuando los barriles fueron localizados un nuevo boleto de embarque fue creado y la palabra Old fue escrita delante del número original de embarque, No. 7. A partir de entonces se comenzaron a recibir pedidos del Old No. 7, tal y como aparece en las etiquetas.

El Sabor del Rock and Roll

Por alguna razón, el whiskey Jack Daniel’s ha estado muy presente en el cine y la música. Era la bebida favorita de Frank Sinatra. También hay escenas memorables en las páginas del cine, como la de Jack Nicholson bebiendo un Jack en la escena de baile de El Resplandor. Sin embargo, el vínculo más fuerte ha sido entre la imagen y la inspiración de varias estrellas de rock con el disfrute del Jack Daniel’s: grandes músicos como Jim Morrison, Slash, Noel Gallagher, Van Halen, Motley Crüe, Jimmy Page la citan como su bebida preferida.


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Glacéau vitaminwater Glacéau vitaminwater® llegó para abrir las puertas a una nueva categoría de bebidas: agua adicionada con vitaminas. La bebida incluye todo para aquellos que buscan llevar una vida más sana y balanceada. Su fórmula está especialmente equilibrada para hacerte sentir bien, para lograr que te desempeñes mejor. Glacéau vitaminwater®, te da una manera práctica y deliciosa de refrescar tu vida porque parte de los nutrimentos que necesitas durante el día. Hoy ya puedes disfrutar de esta agua vitaminada en México, de hecho es el primer país de América Latina donde podrás disfrutarla. Búscala únicamente en los lugares más exclusivos del D.F., Guadalajara, Monterrey, Los Cabos y la Riviera Maya. Prueba sus siete diferente sabores: Power–c, Zoom, Vital, Energy, Multi–v, Restore, XX.

adidas Grün Huertos Urbanos Como parte del lanzamiento de la línea de corte ecológico adidas Grün, la marca alemana estará celebrando con su línea de productos “amigable al medio ambiente” una serie de actividades “verdes”. A partir de junio se ofrecerán en la terraza de la tienda adidas Originals (Atlixco 91, Col. Condesa) los talleres denominados “Huertos Urbanos adidas grün” los cuales tienen como objetivo desarrollar rincones verdes en la ciudad, todo como una búsqueda por cuidar el medio ambiente de la Ciudad de México. Los talleres serán impartidos por Sembradores Urbanos, un colectivo de mujeres que promueven la agricultura urbana en la Ciudad de México.

SONY Sin duda alguna, la marca Sony está asociada internacionalmente con los más altos estándares de calidad en lo que a productos electrónicos se refiere. Además, sus productos siempre han estado a la vanguardia, adelantados respecto de otras marcas tanto en lo referente al avance tecnológico, como en cuestión de diseño y estilo. Hemos incluido algunos avances visuales de las novedades de Sony en México. Seguro no tardarás en querer adquirir alguno de sus productos.

POWER BY KENZO NUEVA FRAGANCIA PARA HOMBRE Desarrollado por Olivier Polge, el nuevo perfume para hombre Power by Kenzo, de entrada conquista por la forma curvilínea y la textura metálica de su envase diseñado por Masuichi Ichimura, cuya elegancia recuerda una botella de sake. La composición de Power by Kenzo apela a la floralidad abstracta: no se trata de una rosa ni un jazmín, sino de una sensación. Por debajo, tiene notas de base amaderada de ámbar y corazón de bergamota, cilantro y cardamomo. Por encima una mezcla de especias y de cáscara de cítrico que añaden frescura y energía. La gama Kenzo Power incluye tres eau de toilette, una de ellas en formato 750 ml, y cuatro productos complementarios: un desodorante vaporizador perfumado de 150 ml, un bálsamo para después de afeitarse, un desodorante roll–on y un gel de ducha integral espumoso.


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Celulares Kill Silence Soundsystems de LG LG KM710 – El Audaz

Con un diseño tipo Slider y un control giratorio de música bastante innovador, ubicado al centro del teléfono este aparato dista de ser un mero celular, para convertirse en un centro musical: cuenta con un botón de acceso directo a MP3 para escuchar hasta 25 horas de música continua o reproducir 2,000 canciones. Además, tiene una avanzada cámara digital con Autofocus y Flash LED integrados, ideales para captar los mejores momentos en cualquier lugar.

LG KM 3

80 – E

l Elega

Para f in Sound alizar con la gama LG KM systems d de los e LG, 380, u nuevo te pre n s celu c elular diseño lares muy e sentamos tipo F al mo legant lip y c extern derno e y ca ontrole a. Pos utivad ee un s de m or, re a Adem producir ha batería ex úsica en su con ás, cu c s e pa t a4 pciona l que p rte y un p enta con T 0 horas de u ouch P anel r ede m úsica ítmico ad de ritmo contin lumin il de tu u m ú a. inació oso mú de voz de fác sica. Ademá que se activ n en azul il acce a al m s so, y u , incluye u na gra ismo na cám bador ara f a Autofo otográfica con cus y Flash LED.

LG KM500 – El Divertido

nte

De diseño juvenil y divertido tipo Slider, este modelo reúne características únicas: es el único del mercado que cuenta con Doble Bluetooth® para compartir tu música hasta con cuatro personas a la vez, 2 Bluetooth® y 2 Plug-In. El nuevo LG KM500 reproduce tu música con una gran calidad de sonido gracias a su innovadora tecnología denominada 3D Sound Engine. Por si esto fuera poco, cuenta con un panel rítmico luminoso, que se activa e ilumina al ritmo de tu música. Además también tiene la avanzada Cámara Digital con Autofocus y Flash.


Coffee Digitable

Peter Lea, diseñador inglés, ha propuesto un gadget ideal para la sala de televisión en casa, que además de contar con una muy avanzada tecnología, es un objeto decorativo muy estético. Se trata de una mesa de centro que cuenta con un reproductor de CD / DVD / Blu-Ray con gabinetes para almacenar películas, así como controles para la televisión y el reproductor. También incorpora un carrusel para almacenar discos sin sus cajas. Y aunque todavía no cuenta con una fecha de lanzamiento y/o precio de venta, este gadget seguramente será de lo mas sofisticado y cool cuando se encuentre a la venta. TXT:: Nacho Rettally.

Digital Pot

Yanko Design nos demuestra que nunca fue tan fácil cuidar de una planta en la oficina, ya que esta maceta digital USB cuenta con sensores de humedad, temperatura y agua. Estos sensores se grafican en una pantalla de LCD con caras animadas que despliegan emociones. Opcionalmente se le puede dar un sexo a la planta para que sea niño o niña. Esta maceta interpreta las necesidades de la planta indicando si le falta agua o le sobra, en caso de que le sobre es drenada a un recipiente interno. También detecta si la temperatura de la tierra es demasiado cálida o fría. Todo esto obteniendo corriente eléctrica de un puerto USB. La información de la planta puede ser descargada de la PC a la maceta y la maceta regresa asimismo la información, con el status de la planta a la computadora. TXT:: Nacho Rettally.

¿Dj, Vj o todo en uno? Nueva SVM-1000 de Pioneer, para combinar audio y video Un buen set de música electrónica ya no se limita a la calidad de la música que pones, o a tu habilidad para hacer buenas mezclas. Ahora puedes acompañar tu propuesta visualmente, una opción que hasta ahora, requería de otra persona que acompañara tu trabajo, aparte de un presupuesto adicional. Pioneer acaba de lanzar un nuevo mixer que permite hacer las dos cosas a la vez. Una solución tan soñada como esperada. Su nombre SVM-1000. Más información en www.pioneer-mexico.com


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Movus

un viaje hacia un cuento de hadas

Movus es un grupo conformado por cinco tapatíos, quienes han impuesto un sonido único en sus cuatro años de carrera. Porque son el grupo oficial del Festival Internacional de Cine realizado en Guadalajara este año y para aprovechar el reciente lanzamiento de su primer disco homónimo, nos reunimos para platicar con el grupo de cómo ha sido llegar hasta donde están, así como de los planes que tienen a futuro.

TXT:: Álvaro Sepúlveda. FOTO:: Cortesía de Lala.


Ya no fue cuestion de juntarnos a tocar, ya nos dimos cuenta que estaba sucediendo algo, ya teniamos una identidad y ese compromiso, fue como una bola de nieve, empezo a crecer solo .

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Esteban Testolini

¿Cómo nació la banda? Raúl Andréu: Nos formamos hace cuatro años, primero cada uno como músico por su cuenta: Raúl Andréu (Guitarra), Esteban Testolini (Guitarra), Pablo Crespo (Guitarra), José Luis Domínguez (Bajo) y Russel Ruvalcaba (Batería). Movus nació con el fin de hacer música, de hacer un proyecto que no tuviera muchas limitantes, un proyecto musical-instrumental influenciado en lo que vivimos. Fue cuestión de sentarnos con una idea y tocar un riff o un acorde, que poco a poco fuimos vistiendo. Hicimos algunas progresiones de acordes hasta que logramos el tipo de narración que buscamos. ¿Por qué Movus? Esteban Testolini: Movus, pues nos bautizó una amiga que nos dijo que el nombre es un personaje de cuento de hadas, un príncipe. Nos gustó fonéticamente, además es una palabra de cinco letras, nosotros somos cinco, y pues se quedó. Están promocionando su disco “Movus”, ¿cómo fue el proceso para lograr esto? E. T.: Fue difícil, todos queríamos hacerlo. Empezamos a arreglar las rolas y nos juntamos a grabar con Aldo Muñoz, fue como semana y media de captura, hicimos una mezcla rápida y llevamos los tracks con Diego Martínez de Lumen Lab. Eso nos ayudó a formalizar el proyecto. Lo sacamos de ahí, hicimos un master y lo llevamos con Chava Yánez para hacer otra mezcla, faltaba hacer la maquila, no sabíamos si hacerlo independiente o qué. Nos acercamos a 3er piso Records y fue cuando se hizo el deal. ¿Y cómo van con su disco? E. T: Con el disco nos ha ido muy bien, ya está a la venta en México y hemos mandado discos a Europa, Asia, América Latina y Estados Unidos. Pablo Crespo: Hemos encontrado en algunos blogs, que bajan nuestro disco desde Italia, China, Rusia y muchos otros países. A partir de eso nos salió una propuesta de meter una rola en un compilado en China, con la posibilidad de hacer una gira por allá. También vamos a Estados Unidos y a diferentes estados en México. Estamos muy contentos con el resultado tan positivo. Todas las rolas son instrumentales, ¿Por qué eso? P. C.: Hicimos un disco instrumental, en gran parte influenciados por la música que escuchamos y escuchábamos en ese momento, sentimos que la música que lleva algo cantado, acapara el primer plano y los instrumentos terminan estando en función de la voz.

E.T.: Cuando estás en una banda empiezas a entrar en un ritmo de trabajo, de manera que tu creatividad gira entorno a la banda, entonces así trabajas ¿no?, como banda. Nosotros nunca sentimos la obligación de meter voz, lo cual también habla de la mística del proyecto. ¿Tienen planes a futuro? E. T.: Tenemos un plan de grabar un nuevo disco con Jimmy Lavalle de Album Leaf, pero mientras se concreta seguimos tocando. Fuimos la banda del Festival de Cine en Guadalajara, escuchamos nuestra rola (“Midgard II”) en los spots del festival y fue algo bien padre. También tocamos en la ceremonia de apertura, con un espacio y un sonido impresionante. Las personas relacionan mucho a Movus con el cine. ¿Qué opinan de eso? P. C.: Siempre ha existido esa conexión entre Movus y el cine. Somos cinéfilos, creemos que hay un vínculo muy fuerte entre la forma narrativa de Movus y del cine. E.T.: Escuchar la rola en el anuncio del Festival de Cine cambió mi visión del track, agarró muchísimo sentido, quedó perfecta. ¿Qué diferencia existe entre escuchar a Movus en vivo o grabado? Russel Ruvalcaba: La música es para escucharla en vivo, una buena banda debe de tocar mejor en vivo, la energía de las personas hace que sea mucho mejor. Es en vivo donde se puede notar la aportación del “Venado” que es como el sexto miembro de Movus, hace los visuales y al arte para nosotros. ¿Cómo definirían su sonido? E. T.: Etéreo, post rock, progresivo, épico, melódico, etc. Es algo muy de nosotros “caún” (risas). Marvin es una revista de culto, ¿a quién rinden culto? E. T.: En común a Radiohead, pero nos gusta toda la buena música y escuchamos lo más que podemos. Nos hemos influenciado también por bandas como Sigur Rós, Mogwai, Tristeza, Massive Attack, Pink Floyd. R.R.: Le rendimos culto a la música que trae algo interesante, que trae propuesta. ¿Algo que le quisieran decir a los lectores? P. C.: Que nos visiten en el Myspace: www.myspace.com/movusband, que busquen el disco (risas) y que escuchen música. M

“Marvin y 3er Piso Records regalan 5 discos de Movus. Ingresa a www.revistamarvin.com y entérate como ganarlos”.


30 TXT:: Ingrid Constant. FOT:: cortesía EMI Music

Hace casi una década, cinco músicos se reunieron para formar el colectivo Nortec, que fusionaba en una curiosa mezcla la música norteña con la electrónica. Después de varios discos y de giras internacionales, dos de sus miembros, Pepe Mogt (Fussible) y Ramón Amescua (Bostich) lanzan un nuevo disco. Se trata del Tijuana Sounds Machine, que intenta describir en un viaje auditivo a su ciudad natal. Hablamos con Pepe sobre su nuevo proyecto, su peculiar modo de hacer música, y desde luego, de la ciudad que muchos conocen como el lugar más feliz de la Tierra. Me gustaría empezar por hablar un poco sobre tu trayectoria como músico. ¡Huy! (risas). En resumidas cuentas, tengo ya casi veinte años haciendo música electrónica. Empecé prácticamente a finales de los ochentas; forme parte de bastantes agrupaciones. A finales de los noventas, en el ’99 empecé con lo que ahora llamamos Nortec. Ahora, después de varios discos estoy con el Tijuana Sound Machine. Pero si quieren ver mi trayectoria, pues métanse a YouTube y pongan Pepe Mogt (risas) para ver mis videos desde los 80s. Te pregunto porque se ha hablado mucho de cómo Nortec hizo algo nuevo con la música electrónica en México hace algunos años, pero no sé qué significado crees que tenga su música en este momento. Yo no te puedo decir que Nortec definió un nuevo sonido en México, porque nosotros somos un colectivo de músicos. Nuestra propuesta es simplemente la fusión de los sonidos regionales del norte mexicano con la música electrónica. Eso sí, tiene un sonido muy mexicano; pero hay mucha gente que nos ha seguido en el sur o en otras regiones, como pudieron haber seguido a un grupo francés o a uno inglés. Sólo que nosotros somos mexicanos y con mucho orgullo hacemos esta fusión. Obviamente el hacer esta mezcla nos ha abierto las puertas para festivales muy importantes, como el Rockslide en Dinamarca. Hemos tocado en el mismo festival donde se presenta Björk, The Who, Beastie Boys, Basement Jaxx o nombres así. También tocar en otros festivales grandes en Estado Unidos tiene cierto peso, como el que nuestra música tenga más apertura. Me he encontrado con gente de México en Europa que no conoce Nortec y lo descubre en un festival europeo. Hay gente mexicana que es fan de otros grupos, y nos encuentran en los festivales o en línea. En estos días Nortec sigue significando la fusión de música electrónica, pero ahora contamos con una trayectoria muy amplia. ¿Por qué encontramos cada vez más colectivos en la música electrónica? No es una tendencia nueva. Cuando formas un equipo, las cosas fluyen más rápido, y puedes delegar a cada miembro responsabilidades de acuerdo a su especialidad. Por ejemplo, nosotros nos dedicamos a la música; algunos producen más y otros menos. Nosotros tenemos a gente que se dedica exclusivamente a la parte visual, al diseño gráfico. Le dan una estética a Nortec y un sentido gráfico que como músicos, nosotros jamás le podríamos dar. También hay gente que se dedica solamente al video de las presentaciones en vivo. Aunque ahora somos Bostich+Fussible, seguimos siendo parte de Nortec Collective. Entonces llega todo un equipo de diseñadores para la parte visual, que ya había trabajado con Nortec. Todo fluye mejor. Hay proyectos que funcionan como colectivos (aunque no tengan el nombre como tal) y han sido muy exitosos. Es lo que pasa con Daft Punk, que en su contrato dicen que en las presentaciones pueden aparecer dos personas disfrazadas de robot que no sean ellos mismos (risas). Yo no tengo nada contra ellos, a mí me gustan mucho. Nosotros lo vemos como una agrupación, pero en realidad son un colectivo: tienen todo un equipo detrás que trabaja con ellos: en la parte visual, la gente que consigue su estética, etc. A final de cuentas es un trabajo conjunto aunque no se vea. En nuestro caso la palabra es más obvia, porque venimos de varios proyectos independientes que se juntaron para sacar estos discos de manera colectiva, pero también tenemos discos individuales. Me interesa que al principio su música era regional, pero ha conseguido éxito internacional. ¿Cómo explicas este movimiento de lo local a lo universal? Es algo natural. La gente dice que nadie es profeta en su propia tierra, y yo pienso que es todo lo contrario. Creo que primero tienes que funcionar a nivel local, luego regional, nacional y después tirarle a lo internacional. Sobre todo en nuestro caso, porque en mi caso por ejemplo, yo puedo mezclar techno o house; pero tendría que ir a vivir a Inglaterra si quisiera

La ciudad está creciendo como una explosión. Hay también incremento en la violencia. Además están la frontera y las mafias. ¡Pero yo aquí me quedo! Si hay que tirarse al suelo, pues me tiro.


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sonar muy inglés, para vivirlo realmente de forma local y después llevarlo a México. Si quisiera lograr un techno alemán, tendría que aprenderlo allá. Pero nosotros somos Nortec, somos de Tijuana y obviamente tratamos de fusionar los elementos locales para llevarlos afuera. Entonces tenemos una interpretación muy regional, natural. No estoy tratando de emular nada exterior. En Tijuana sucede algo muy peculiar: también hay una mezcla de identidades. Claro, lo que sucede en Tijuana es que hay una mezcla de todo lo mexicano en un solo punto. En Tijuana hay gente del Distrito Federal, de Guadalajara, Monterrey, Sonora, de todos los estados… Y los gringos. Claro. Imagínate toda esta gente mexicana que converge en el mismo punto: todos con diferentes ideas. Algunos vienen sólo para hacer algunas compras, o tomar algún curso y se quedan a vivir aquí. Es una ciudad joven que está creciendo mucho. Hay muchas oportunidades de trabajo, y sobre todo una apertura artística muy amplia. No es como en ciudades como el D.F. donde la competencia es muy grande, y hay que lidiar con instituciones, o los foros son limitados. No sé si te gustaría hacer algún comentario sobre la violencia que se vive en tu ciudad. Es algo muy común, y tiene que ver con el crecimiento de la ciudad. La violencia la puedo resumir en muy pocas palabras. Simplemente con ver que hace veinte años la ciudad tenía 200 mil habitantes, y ahora somos casi dos millones, eso da una perspectiva de lo que está pasando. La ciudad está creciendo como una explosión. Hay también incremento en la violencia. Además están la frontera y las mafias. ¡Pero yo aquí me quedo! Si hay que tirarse al suelo, pues me tiro (risas). Pero desde el punto de vista de la creatividad, es una ciudad importante. Tenemos la creatividad de hacer las cosas por ti mismo. Por ejemplo, en el D.F. hay grandes fiestas de las marcas, y llevan un gran sonido, con bandas internacionales, etc. Aquí es muy diferente: si vas a hacer una fiesta, le llamas a tus amigos y cada quien lleva algo. Si alguien está haciendo instalaciones o performance lo llevan, y al final todo es muy independiente. Te abre posibilidades de intercambio que quizá en otros lugares estén limitadas.

Ahora sí platícanos sobre el nuevo disco. Este año Nortec Collective decidió explorar lo individual. Nosotros como Bostich y Fussible ya habíamos hecho algo previamente, pero decidimos juntar el material que ya teníamos recopilado y es así como surge el Tijuana Sound Machine. Juntamos los temas que teníamos, y organizamos la música de modo que simulara un recorrido por Tijuana, por todos esos puntos de la ciudad que nos recordaban algo. Incluso hay partes sobre cruzar la frontera y regresar. En este caso el diseño lo hizo Fritz Torres, que es una de las primeras personas que participó en la parte visual del colectivo. Él llegó con la idea de un auto que se transforma en una máquina de sonido. En un comunicado que nos llegó dice que ahora van a tener más músicos en vivo. ¿Cómo está eso? Hubo una confusión. Cuando salió el disco, alguien escribió que nosotros estábamos buscando más el sonido acústico que el electrónico, pero ese no era el punto. Más bien nos estamos volviendo más electrónicos (risas). En el Tijuana Sessions Vol. 3 en el que tocó todo el colectivo junto, tocamos en Bellas Artes y tuvimos varias fechas en México, tocamos con la banda Agua Caliente y salíamos a veces hasta con 18 músicos en vivo. De repente sí sonaba muy acústico y teníamos la parte electrónica también. Ahora lo que estamos haciendo Bostich y Fussible es sólo llevar a los músicos que vamos a usar. Y son muy específicos: el acordeón, la trompeta y una tuba, porque es lo que más se utiliza en el disco. Si podemos vamos a incluir un bajo sexto. Bostich y yo estamos haciendo un show de música electrónica en vivo, nos integramos con las partes visuales y con los aparatos que no son ya sólo la laptop. Antes podías estar parado atrás de una mesa y al mismo tiempo estar chateando en el Messenger (risas). Ahora ya es salir y tener más interacción. Tenemos amigos que nos están ayudando, y vas a poder ver máquinas que funcionan con rayo láser; vamos a tocar un arpa láser por ejemplo. Nos estamos yendo por ese lado. Los shows de Bostich+Fussible van a ser muy diferentes a los de Nortec. La forma de interpretar es muy distinta; lo que se escucha en el disco es para estar encerrado en tu casa, cerrar los ojos y ver Tijuana. Pero en vivo es la Tijuana de noche, la Tijuana loca. Es el mismo disco, pero vamos todos a bailar. ¿A qué o a quién le rindes culto? A Tijuana (risas). M


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Julieta Venegas El sonido del verano desenchufado

Hemos sido acostumbrados a pensar en términos dualistas, léase, bueno­/ malo, blanco/ negro, rock/ pop. Generalmente nuestros juicios, se mueven delimitados entre dos opciones, lo cual, además de dificultar los matices, nos permitirme descalificar casi de manera automática todo lo que transite de un polo al otro. Obviamente lo que ocurre dentro de la industria discográfica también es juzgado con categorías muy generales. Ir del pop al rock generalmente se asocia con algo bueno, casi, casi aprobado de manera a priori, sin importar la calidad final o las intenciones que hay detrás, pero en el caso inverso, cuando un músico pasa del rock al pop la descalificación es inmediata. Para nadie resulta nuevo que la carrera de Julieta Venegas coincide con el último caso: cuando salió “De mis pasos”, su primer video allá por 1998, recuerdo que tenía cierto aire alternativo que nos gustaba mucho a algunos cuantos. Ese gusto se mantuvo firme durante Aquí y Bueninvento, sus dos primeros discos. De repente, cuando su tercer producción Sí comienza a sonar, pasó lo que nunca creímos: todo mundo amaba de buenas a primeras a Julieta Venegas, lo cual no podía ser leído de otra manera que como una traición por sus primeros seguidores. No nos vamos a poner a discutir lo “bueno o malo” de esa transición porque se nos iría la revista entera y no llegaríamos a nada. Mejor busquemos un matiz. Entrevistar a Julieta me parecía algo atractivo desde el punto de vista de la nostalgia. Iba a poder conversar con alguien que a los 18 años me movía bastante, pero que siendo honestos, había dejado un poco de lado. Lo cierto es que esa especie de indeterminación se me fue sacudiendo cuando llegué a la cita en una galería ubicada en la calle de Francisco Sosa, en Coyoacán, y en una pantalla gigante daba inicio el Unplugged que grabó para MTV. Primero me llamó la atención el sonido de una tuba que recordaba las composiciones juguetonas de Haydn. La instrumentación era bastante rica: un ensamble de alientos y cuerdas transportaban cada canción a otro plano, banjo, xilófono, vihulea y hasta un serrucho tocado por Natalia Lafourcade, todo con muy buenos arreglos de Jacques Morelenbaum (ha trabajado con Caetano Veloso, Gal Costa, Madredeus). En fin, si algo puedo concluir de la escucha, es que se trata de un disco muy recomendable. Al menos me hizo reflexionar lo arbitrario que es descalificar un género. Pero dejemos que Julieta nos cuente sus impresiones del Unplugged que grabó para MTV. Por: Vicente Jáuregui. Fotos: Cortesía de Sony BMG.


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¿Alguna vez te imaginaste haciendo un Unplugged para MTV? ¿Cuáles son tus ediciones favoritas del pasado? Tenía ganas de cambiar de formato, salir un poco del rock pop que ya había venido haciendo por años en giras, quería salir de eso, incluir a gente que tocara varios instrumentos, buscar timbres diferentes. Entonces les tiré un poco la piedrita a los de MTV y les gustó la idea. Mis Unplugged’s favoritos yo creo que son el de Los Tres, el de Café Tacuba y el de Björk. También he visto cosas que me han gustado mucho de Caetano Veloso en acústico. Kurt Cobain decía que cuando grabó el Unplugged de Nirvana se sintió “desnudo”. ¿Cómo te sentiste tú? Yo “vestí” mucho con los arreglos, además de que lo que hago no es tan eléctrico como para sentirme desnuda. Siempre he combinado mucho lo acústico con lo eléctrico. Un paso lógico era en lugar de quitar cosas, reemplazarlas y buscar otra dinámica, crear otra historia, no quería hacer un mero trámite, sino hacer algo especial para eso, entonces compuse canciones nuevas, invité a gente que me emociona. Teniendo tantos amigos músicos, ¿Fue difícil elegir a los invitados? Fue difícil, pero todo lo pensé en términos musicales. Cuando fui a Brasil a juntarme con Jacques le dije que quería conocer a Marisa Monte, soy fan total, conozco todos sus discos, me dijo que sí, me la presentó, después le envié una canción y terminó cantando a dúo en el disco. ¿Cómo anda tu portugués? Es curioso, cuando voy a Brasil me sale el “portuñol”, como que allá la gente te entiende y tú a ellos, son idiomas muy parecidos. La tuba le añade un aire juguetón muy interesante a las canciones ¿Tú escogiste

los instrumentos para este álbum? Sí, yo decidí todo lo de la instrumentación. Con Jacques Morelenbaum (co productor del disco) fuimos pensando cómo ensamblar las cosas. Yo ya tenía la idea del cuarteto de cuerdas, y bueno, después vinieron los alientos. Creo que la tuba es un instrumento que arma la fiesta él solo. Mi primera inspiración para el show provenía de hacer como una especie de fiesta de pueblo, pensé en un grupo de músicos que pudieran andar por muchas partes tocando. ¿Qué planes tienes para el verano? Me voy de gira, comenzamos en Durango, luego a Boston, Nueva York, varias partes de Estados Unidos. Vamos a tratar de ir a todos lados: Argentina, Chile. También existe la posibilidad de ir a visitar algunas partes de Europa. ¿Vas a hacer la gira con el mismo formato del Unplugged? Me voy tal cual, no los mismos músicos, pero sí con el mismo ensamble. Cuando empezamos a planificar la gira pensé en hacer algo más sencillo, pero a la mera hora sí nos aventamos. Nunca me he ido de gira con un grupo tan grande. Estamos ensayando duro, eligiendo a los músicos que nos van a acompañar de gira, es un proceso largo. ¿En qué punto de tu carrera sientes que estás ahorita? Todo lo que significó la experiencia de hacer este disco fue buena, yo lo produje, es la primera vez que me aviento a hacer algo así, toda la cuestión de hacer los arreglos, la instrumentación lo hice sola, y no es que yo quiera hacer todo, al contrario, me encanta trabajar con otra gente, pero sí se me abrió un poco la cabeza de todas las posibilidades que hay. ¿Marvin es una revista de culto, a qué le rindes culto? Pues, no sé, es difícil, tú le puedes rendir culto a Caetano Veloso aquí en México, pero igual te vas a Brasil y allá él no es tan de culto (Risas). M


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Death Cab For Cutie: por el camino estrecho

TXT:: Humberto Polar. FOT:: Cortesía Death Cab For Cutie.

Me sumo a la polémica de si esa larguísima introducción de “I will possess your heart” resulta hipnótica o es más bien pretenciosa. Hacer un single de ocho minutos es ciertamente pretencioso y llamativo. Hay que lidiar con los fantasmas de “Stairway to Heaven” o “Hey Jude”. ¿Salen nuestros amigos bien librados?


El destino de Death Cab For Cutie podría haber cambiado para siempre después del apabullante éxito comercial de Plans, del año 2005. Es fácil para las personas que nos sentamos cómodamente del otro lado de los audífonos a estirar las piernas y juzgar los méritos o deméritos de quien osa poner un disco a nuestra merced. De eso se trata ser un artista al fin y al cabo: exponerse, con todos los riesgos que eso conlleva. Lo difícil, en este caso, es ser Ben Gibbard, el compositor y voz principal de esta banda de Bellingham, ciudad cercana a la mítica y alternativísima Seattle, quien se retiró a un rincón de California (siguiendo los pasos de Jack Kerouac tan literalmente que se quedó en una cabaña usada por Kerouac como búnker creativo décadas atrás) a componer las once canciones que conforman el sexto álbum de este grupo polarizante y protagonista indiscutible de la escena alternativa de los últimos 10 años. El resultado, el recién editado Narrow Stairs es un disco que pone en evidencia cuáles pueden ser algunos de los dolores de crecimiento de una banda que se encontró hace tres años con una explosión de interés masivo inesperado (pero no por ello menos deseado) y hoy tiene que justificar la incómoda posición de sonar indie y mainstream al mismo tiempo. La temática de las letras de Gibbard no ha cambiado mayormente. Desde el principio sabíamos que DCFC es una banda “emocional”. La primer canción de su primer álbum (“President of what?”, de You Can Play These Songs With Chords, 1997) tiene un tono de reclamo melancólico que continúa de una u otra manera en toda la carrera de la banda y es parte de su atractivo.

Es la línea general de las letras de Narrow Stairs, donde de pronto encontramos reflexiones un poco más angustiosas sobre las relaciones vida-muerte, logro-fracaso, todonada que casi siempre terminan siendo simplemente reflexiones sobre la guerra santa que trae la yuxtaposición chico-chica. Desde la primera canción, “Bixby Canyon Bridge”, Gibbard ya está reclamándole a alguien que “es incapaz de ver un sueño” (You just can´t see a dream). Y así sigue el álbum, con momentos intensos y figuras por momentos hermosas. Y reclamos y amables amenazas. En “Talking Bird” Gibbard nos dice, o le dice a ese pájaro, quien quiera que sea, que “ todo seguirá aquí mientras escojas quedarte/ todo seguirá aquí mientras no te escapes”. En el polémico single “ I will possess your heart” nos impone (o le vuelve a imponer a la destinataria de su letras) el peso de su obsesión: “Vas a pasar tiempo conmigo/ y sé que encontrarás amor/ poseeré tu corazón”. En la hermosa balada “The Ice Is Getting Thinner” Gibbard es aún más evidente: “Me entristece decirlo/ pero ambos sabemos, y es cierto/ que el hielo se estaba poniendo más delgado/debajo nuestro”. En las letras de este nuevo álbum encontramos consecuencia con las preocupaciones permanentes de Gibbard, quizás un poco más serio y adulto como corresponde a un “treintón” que acaba de volverse multiplatino en ventas y es visitante asiduo del universo prime time gracias a sonar con frecuencia en The O.C. o C.S.I: Miami. Por el lado musical, hay una búsqueda evidente y trabajada. En la producción encontramos mucho

la huella de Chris Walla, lo cual se puede apreciar mejor escuchando Field Manual, disco solista que Walla lanzó este año por Barsuk pero que venía esperando su momento desde el 2006. Muchas de las ideas que se desarrollan expansivamente en Narrow Stairs pueden ser encontradas en este álbum en forma (a veces no tan) embrionaria. DCFC busca intensamente en sus raíces y se ratifica en sonoridades lánguidas y experimentales. Por otro lado, no le huye a la sensibilidad pop que todos le reconocemos a esta banda desde siempre. De pronto, en mi opinión, hay algunos gestos que me dicen que la banda está tratando de sonar creativamente al día. Y de pronto trata demasiado y se nota el esfuerzo. Digo esto, por ejemplo, por el sonido de tablas indias en Pity and Fear, inadecuado e innecesario para mi gusto. O el arreglo de “You Can Do Better Than Me”, tan abiertamente sesentero que hace pasar inadvertida a la idea central de la canción. Me sumo a la polémica de si esa larguísima introducción de “I will possess your heart” resulta hipnótica o es más bien pretenciosa. Hacer un single de ocho minutos es ciertamente pretencioso y llamativo. Hay que lidiar con los fantasmas de “Stairway to Heaven” o “Hey Jude” (que ciertamente no tuvieron un radio edit). ¿Salen nuestros amigos bien librados? Es cuestión de gustos. A mí la canción me gusta como es. Pero me pregunto si el retar a la industria no se podría haber abordado de una manera más sorprendente, si esa era la intención. Me encanta por otro lado la frescura de “No Sunlight, Long Division” o “Your New Twin Size Bed”, rolas simples y precisas en el logro de sus intenciones.

O la conmovedora Cath..., a mi gusto el mejor momento del disco. DCFC traía cierta presión de cara a este álbum. Pese a sus magníficas ventas, que hacen lucir inadecuada la etiqueta de indie, algunos piensan que Plans es por momentos un disco soporífero y anodino. Esto no es del todo justo. Plans tiene a mi juicio hermosos momentos y expresa la vena pop que justificó al final el paso de la banda de las trincheras de Barsuk Records a la plataforma de portaaviones de Atlantic Records. Pero, es obvio, la expectativa por Narrow Stairs era grande y los oídos estaban particularmente exigentes. El título, “Escaleras Estrechas”, me recuerda a las escaleras que llevaban a mi habitación de niño y que nadie sino yo, hecho a años de práctica, lograba subir con cierta velocidad. No pienso que Narrow Stairs peque de inaccesibilidad. Todo lo contrario, la intuición pop de la banda le permite llegar a la audiencia con algunos momentos leves, ganchos melódicos amables y letras medianamente relevantes para la sensibilidad cotidiana. Pero también es un álbum hasta cierto punto sufrido, de parto difícil. DCFC ya es una banda grande, en todos los sentidos. Y ser grande tiene sus inmensos problemas y sus inmensas satisfacciones. Creo que DCFC no ha elegido el camino ancho y fácil para seguir con su carrera y eso se agradece. Están cimentando el lugar que les costó alcanzar, y hay muchísimos fans y simpatizantes que los estamos acompañando en este paso por un camino más estrecho. M

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36 Abriendo el tercer ojo del mundo Un síntoma que seguro todos hemos experimentado a la hora de buscar novedades musicales, es que los medios de comunicación (y por ende la cantidad de información que generan), han provocando paulatinamente una cierta sensación de “malestar”, por citar un término freudiano. Me explico mejor. Por todos lados hay una gran cantidad de discos nuevos (lo cual de entrada pareciera un alegato a favor de que la creatividad atraviesa una etapa saludable), sin embargo, señalan cómo la escena está plagada de campañas publicitarias que categorizan como si en la semilla de cada lanzamiento musical, estuviera germinando el siguiente gran grupo del año. Por esa razón, es normal sentir cierta incredulidad cuando de repente todo mundo apunta hacia MGMT (Management) el dueto que opera desde Brooklyn N.Y., prácticamente desconocido hasta finales del 2007, cuando el pop psicodélico de su álbum debut Oracular Spectacular, detonó un buen número de criticas que los ubican como uno de los diez grupos a escuchar en el 2008.

Del anonimato, a los grandes escenarios

El fenómeno tuvo un impacto tan súbito que seguramente agarró por sorpresa a Ben Goldwasser y Andrew VanWyngarden, quienes a pocos meses de ser tan sólo un par de músicos con pinta de hippie, lanzan un disco que en cuestión de meses los coloca en festivales de la talla de Coachella y Bonnaroo, además de ser invitados a presentarse en programas como The Late Show with David Letterman. Nada mal para unos chicos que compartían el gusto de escuchar a Prince y Kraftwerk mientras estudiaban en la universidad, sin la intención de formar una banda formal, pero cuyo entusiasmo paulatinamente se tradujo en un peculiar estilo de asimilar y mezclar distintas influencias musicales. La historia de estos oriundos de Connecticut resume el sueño hecho realidad de todo aspirante a músico: después de graduarte de la universidad no tienes que conseguir trabajo mientras “la haces”, porque el EP que lanzaste te lleva de tour, y al siguiente año a firmar un contrato por cuatro discos con una transnacional, con el plus de poder trabajar con Dave Fridmann, productor que canalizó el exquisito sonido de los últimos discos de los Flaming Lips.

Hedonismo lírico

Trabajar bajo la batuta de un talento como Fridmann, es como presenciar la conversión de una película en blanco y negro a la visión technicolor. Un ejercicio imprescindible cuando se intenta obtener brebajes lisérgicos como el caleidoscópico ensamble sonoro de MGMT. Bastaría imaginar sus canciones desnudas, exentas de manipulación con procesos o filtros, etc., para descubrir melodías cuya simpleza es el vehículo adecuado para expresar letras que resumen el sueño adolescente. Las primeras líneas que se pueden leer en “Time to pretend”, su primer sencillo, dice: “Hagamos algo de música, vamos a hacer algo de dinero, encontrar modelos como esposas… tomar algo de heroína para fornicar con las estrellas”. Como sentencia abridora su peso es equivalente a una suerte de declaración de principios, de una expresión de hedonismo posmoderno que embona perfecto con la acidez espacial de su música.


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El dúo dinámico

Hay en la música de MGMT la intención de abrir una ventana para que las letras de contenido jocoso, con aire de broma, sean profundas, tristes y divertidas a la vez. La ecuación es a todas luces arriesgada, es fácil resbalar en la pretensión cuando se quiere ir por ese rumbo, pero esta banda sale bien librada, en efecto, sus canciones son profundas, tristes y divertidas a la vez. Andrew y Ben son concientes de que sus personalidades son opuestas en el nivel de la metodología con que trabajan al hacer música. Andrew dice ser “espontáneamente práctico”, mientras Ben se asume como “prácticamente espontáneo”. Lo que pareciera un juego de palabras en realidad es un auto análisis que remite al viejo, “los polos opuestos se atraen”. En el caso de MGMT la empatía nace por un interés común en temas como el paganismo místico, los sonidos psicotrópicos y un gusto por la música de los alucinantes Incredible String Band, Hall & Oates, Suicide y Royal Trux. Ellos dicen que su música le debe tanto a la “teoría del caos” como a la “geometría de fractales”. De manera intuitiva, podemos suponer que también deben ser sibaritas aficionados a los aderezos. Basten unas cuantas atentas escuchas al disco Oracular Spectacular para ir descubriendo una sofisticada disposición de sabores, épocas, géneros, recursos, etc. Lo cierto es que esta colección de canciones poco tienen de nostalgia en sus letras, y sin embargo una dosis considerable se filtra al escucharlas, quizá eso les da un aire de atemporalidad.

Raro experimento

Ellos dicen que es una suerte de accidente que a la gente le comenzó a gustar su música. Como si no tuvieran nada que perder, en sus inicios Andrew y Ben solían hacer ciertos experimentos que sólo se me ocurren propios de la teoría del comportamiento o de una irreverencia muy fina: escribían canciones muy malas sólo para aprender cómo ser realmente malo con cierto género, y ver que a la gente le guste la canción sólo porque le gusta el género ¿Raros? Muchas veces algo totalmente descabellado tiene consecuencias insospechadas. Entre los primeros fans que fueron partícipes del experimento estaban un grupo de estudiantes de NY que fundaron el sello independiente Cantora Records para sacar el primer EP de la banda. En él estaban incluidas “Kids” y “Time to pretend”, que a su vez también se pueden escuchar en Oracular. No hace mucho tiempo que MGMT no tenía muy claro a dónde se dirigía, y hoy ya protagonizan las listas de popularidad de Inglaterra y Estados Unidos. Para quienes creemos en la música como un medio curativo e incluso terapéutico, un grupo que declara estar en medio de “las caóticas vibraciones negativas del mundo, con un álbum que destila la esencia del pasado, promete el futuro y ofrece una experiencia transformadora y absorbente entre las moléculas y las vibraciones del futuro”, definitivamente da la impresión de traer algo. Aún es temprano para saber qué le depara a esta banda. Sería prematuro juzgarlos por su primer disco. Pero ateniéndonos a lo que hay, MGMT promete una experiencia tántrica de dimensiones insospechadas. M TXT:: Vicente Jáuregui. FOT:: Cortesía Sony BMG.


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Scarlett Johansson De diva a indie star

TXT:: Ingrid Constant FOT:: cortesía warner Music.

Ya olvidé cómo fue, pero seguramente se debió a una de esas mágicas coincidencias que sólo suceden en la red. Las conexiones, los links y el ritmo de mi propio ocio me llevaron a un archivo poco conocido: un cover de la hermosa “Summertime” interpretado por Scarlett Johansson. La canción forma parte del disco Unexpected Dreams-Songs from the Stars, una colección de canciones clásicas interpretadas por actores hollywoodenses. Sabia elección para iniciar una carrera como solista, aunque hubiera sido de modo informal. Esta canción ha sido una de las que más versiones se han hecho, pero son célebres las de Ella Fitzgerald y Louis Armstrong, y la de Janis Joplin. En este disco nos deleitamos con la dulce y ronca voz de Scarlett, envuelta en una atmósfera tenue, como previa al sueño. Tan sólo dos años después, lanza su primer disco: Anywhere I Lay My Head. Coqueteos con la música

Después de escuchar esa canción, recordé la primera vez que la voz de Johansson había llamado mi atención. En 2003 la hija del gran director Francis Ford Coppola rodó su opera prima: Lost in Translation. La película le mereció a Sofía el reconocimiento de la crítica como joven promesa gracias a su hermosa dirección, un guión impecable, y sobre todo el buen ojo de haberle dado a Scarlett el protagónico. En ese entonces, ScarJo (de acuerdo a la jerga de tabloide) tenía tan sólo 17 años, y sin embargo su actuación enamoró a la crítica. Al final, la cinta consiguió regresarle a Bill Murray papeles dignos de su talento y colocar a Scarlett en la mira de directores famosos.

Mientras la tensión sexual (nunca resuelta) entre los personajes crece, llega la escena reveladora. Scarlett usa una peluca rosa y canta “Brass in Pocket” de the Pretenders. Desde los inicios de su carrera hasta ahora con el lanzamiento de su primer disco, sorprende su madurez; la misma que se percibe con tanta fuerza en cada nota que alcanza esa peculiar voz. De niña, trató sin éxito protagonizar cintas como The parent trap, que le arrebató una pecosa y siniestra Lindsay Lohan. Pero su verdadera ambición, declara Johansson, era Broadway. Pronto se dio cuenta de que su voz de barítono no se lo permitiría.


39 Grandes cámaras

Después de haber protagonizado películas como la genial Ghost World de Terry Zwigoff, Girl with a Pearl Earring, The Island y The Black Dahlia de Brian De Palma, Johansson consigue el mayor de sus logros artísticos: convertirse en la nueva musa de Woody Allen. Desde los tiempos de Mia Farrow no se veía a la misma cara estelarizar varias de sus películas (y menos fuera de Nueva York, una de las grandes obsesiones del director). Ciertamente Allen hizo con Scarlett lo que antes había logrado con Diane Keaton: presentar al mundo una nueva diva. Para el 2007 ya había conseguido ser nombrada la mujer más sexy en publicaciones como FHM, Maxim, Playboy y Esquire. De cualquier modo, llamaba la atención que una mujer curvilínea recibiera tanta atención frente al canon esquelético que rige nuestros días. A pesar de los que hasta la fecha insisten en encontrarle parecido con Miss Piggy, Scarlett aparece con la gracia de una diosa en la que se ha llamado la obra maestra de Woody Allen: Match Point. Ciertamente el papel no era sencillo, y menos cuando el director incursionaba con tal radicalidad en el más bello y puro género dramático, siguiendo la tradición griega de la tragedia. Algunas quieren ser una chica Almodóvar, pero ahora la única chica Allen a la vista es Johansson. Esperamos con ansias el estreno de su nueva película Vicky Cristina Barcelona, filmada en España.

¿Indie?

Extrañamente para muchos, ScarJo se subió al escenario para cantar “Just Like Honey” con Jesus and Mary Chain en Coachella 2007. Pero no era casualidad. La actriz/cantante llevaba tiempo preparándose para la escena indie gringa. Esa misma canción formaba parte del soundtrack de Lost in Translation. El disco Anywhere I Lay My Head es en realidad un tributo a Tom Waits. ¿Por qué? De acuerdo a Johansson, cuando tenía 12 años, el padre de su mejor amiga ponía en el coche de forma obsesiva discos de Waits. Así comenzó a interesarse por esa extraña música, que no obedecía melodías ni ritmos convencionales. En una entrevista declara: “La música de Tom Waits de alguna extraña forma llama la atención de los niños, porque discos como Small Change tienen esa vibra como de circo o carnaval. Las canciones son muy cinemáticas. Creo que de niña me atrajo del mismo modo que amaba “Being For The Benefit of Mr. Kite!”, una de mis canciones favoritas de The Beatles. Esa música en verdad deja que la imaginación de los niños vuele”. Johansson también ha hablado sobre las semejanzas que hay entre la música y la actuación, y el mismo Tom Waits apareció en varias películas, incluyendo un par de Francis Ford Coppola. Como era de esperarse, la crítica está dividida. El Times le dio al álbum una de cinco estrellas; la reseña de Uncut dice que el único problema es que Scarlett sencillamente no nació para cantar y Rolling Stone dice que esa vocecita como de neblina a la Marylin Monroe es chocante en varios tracks. La recepción también ha sido extraña. Mientras que en algunos países europeos ha conseguido colocarse en los primeros 30 lugares de los charts, en Estados Unidos no llegó ni a los primeros 100.

¿Por qué? De antemano, lanzar un disco de covers es siempre un gran riesgo. Los fanáticos de las grabaciones originales pueden siempre sentirse ofendidos; y tal ha sido el caso de los seguidores de Tom Waits. Curiosamente, la canción más criticada es “I Don’t Wanna Grow Up”, pero porque The Ramones la había covereado antes. Pero para los que se animen a escuchar el disco, encontrarán en ella a una potencial favorita, si consiguen deshacerse de los mencionados prejuicios. Creo que la producción en general provoca cierto escepticismo. No hace mucho, vimos a Scarlett protagonizar uno de los videos más costosos de la historia, el de “What Comes Around…/… Goes Around” de Justin Timberlake. En el imaginario popular, ella encajó perfectamente en ese mundo pop en el que Timberlake es rey. Para los que aún tienen confianza en la versatilidad de Johansson, basta ver el video de la canción “When The Deal Goes Down” de Bob Dylan, filmado en Super 8, y dedicado casi en su totalidad a mostrar la belleza de Scarlett que necesariamente recuerda a las grandes divas de Hollywood. Y ya comprometida con el legendario cantautor y sus causas, aparece también en un video de Will.i.am (Black Eyed Peas), dirigido por Jesse Dylan, para apoyar a Barack Obama. De cualquier modo, en su propio disco las amistades cultivadas cosechan grandes frutos. En las canciones “Falling Down” y “Fannin Street” colabora David Bowie, y hay más colaboraciones de miembros de los Yeah Yeah Yeahs y Celebration. Para ser suficientemente claros, el disco fue producido por Dave Sitek (TV on The Radio), quien la describe con gusto como un gran hallazgo. Las influencias musicales de Scarlett quizá no son tan claras como las de su productor, y más aún porque se trata de un disco para rendir culto a Tom Waits. Sin embargo vale la pena escucharla reinterpretándolo. Las mejores canciones son “Fannin’ Street”, “Anywhere I lay my head”, y “I wish I were in New Orleans”. Sobre todo recomiendo “Song for Jo”, escrita por Sitek y Johansson. Ahí sí puedes dejarte llevar por su voz oscura y misteriosa sin temer ofender a algún gran monstruo de la música. Muchos tienen temor, recelo y desconfianza ante los actores que después de que logran cierto reconocimiento, deciden incursionar en la música. Por ejemplos vivos y contundentes, lo mismo sucede a la inversa: qué triste es cuando un músico decide actuar y no sale bien. En este caso, el disco Aywhere I Lay My Head merece al menos el beneficio de la duda. Todas las líneas de este artículo fueron para hacer notar que no estamos ante el álbum debut de Paris Hilton (ni ante uno de los estrenos de sus películas). Por el contrario, llama la atención que una mujer de 23 años tenga en su currículo más de una docena de películas como estelar, un disco y un próximo debut como directora en un corto que aparecerá en la película New York I Love You, y protagonizado por Kevin Bacon. El disco merece al menos el reconocimiento de tener una cuidadosa selección de las canciones de Waits. Al escuchar cada uno de los tracks, se percibe que el criterio no fue otro que un genuino gusto. Cuando lo escuches sabrás enseguida que si de algo vale todavía la etiqueta de indie, aquí hay mucho de eso. Al final, el disco tiene una muy buena producción, y si bien no es el disco que escucharías completo, es altamente recomendable para disfrutarse en soledad y melancolía. M


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La Suerte De Mudhoney

Una entrevista imaginaria con Mark Arm TXT:: El Visisonor. FOT:: Cortesía de Sub Pop.

Nota Editorial: La entrevista imaginaria con Mark Arm, está basada en varias fuentes como son medios impresos y electrónicos. Su carácter imaginario tiene que ver con la manera en que Andrés Sánchez–Juárez, “El Visisonor” articuló las respuestas.

A diferencia de otros grupos de grunge, la mayoría de expresión barriobajera y proletaria, los integrantes de Mudhoney casi todos provienen del college. La fortuna y la falta de ella fue siempre un factor para la integración y desbandada de esta asociación rockera de nerds. Mark MacLaughlin (Mark Arm) es uno de los principales responsables del nacimiento del grunge, una amalgama de metal, arena rock, punk y garage representado por agrupaciones como Nirvana, Pearl Jam y Soundgarden. Cuando por un breve tiempo a principios de los noventa, Seattle fue la capital mundial del rock, Mudhoney, la más alternativa de todas las bandas, se integró con el regreso de Turner y la incorporación del bajista Matt Lukin y el baterista Dan Peters, el nombre fue inspirado por una película trashy de principios de los años sesenta de Russ Meyer, Mudhoney, la cual por cierto, ninguno de ellos ha visto. Antes de que formaras Green River, los críticos consideraron a tu anterior banda Mr. Epp and The Calculations la peor del mundo, ¿tú que opinas? MA: Eso mismo han dicho de muchas y a fin de cuentas nadie sabe quienes son los críticos ni se acuerdan de ellos. En cuanto a Mr. Epp, con la llegada de Steve Turner, quien se hizo cargo de la guitarra, yo me pude concentrar más en la voz y creo que maduramos un poco. ¿Cómo nació Green River? Después del truene de Mr. Epp decidimos empezar de nuevo y Steve conocía a un baterista, Alex, (Alex Vincent), y con la incorporación de Jeff (Jeff Ament) en el bajo y Gossard (Stone Gossard) en la otra guitarra formamos Green River. En 1985 lanzamos el primer EP llamado Come on Down. Poco después Steve decidió regresar a la universidad y lo reemplazamos con Bruce (Bruce Fairweather). Sin embargo Green River fue otro fracaso. ¿Qué pasó ahí? Nos fue mal en una gira y se retrasó la producción de nuestro segundo EP Dry As A Bone para el sello independiente Sub Pop, pero junto con The Melvins ya teníamos una buena legión de seguidores. Incluso salió nuestro primer larga duración Rehab Doll (1988), no fue tan fracaso. El primer gran éxito de Sub Pop fue con Mudhoney, pero ¿no sentiste alguna vez envidia de Nirvana o de Pearl Jam? No en realidad, Nirvana tocaba un grunge bastante comercial para el gusto fresa de “chavitas” de secundaria posers que se sentían muy malas. De Kurt (Cobain), más que lástima puedo sentir compasión, al volarse la cabeza sólo se condenó a regresar a esta mierda, de Pearl Jam sólo te puedo decir que fuera de Ten (1991) y Vs. (1993) todo me suena muy parecido, aunque no tengo nada contra Eddie Vedder.


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Cuando Lee Ranaldo los invitó a su gira por el Reino Unido ¿sabías que ellos -Sonic Youth- eran fans de Green River? Nunca lo imaginamos, pero te digo que teníamos una buena legión de seguidores. Ahora, los discos de Green River son considerados de culto para los “gruncheros” y los de Mr. Epp también, aunque tú digas que éramos malos. Yo no lo digo, lo dicen todos tus críticos, también afirman que desde My Brother The Caw (1995), su último álbum The Lucky Ones (2008) es el mejor, y ya son veinte años de Mudhoney, ¿son ustedes los últimos “gruncheros”? La producción de Tucker Martin fue bastante afortunada, nos hizo regresar desde un cierto anacronismo ingenuo –Since We’ve Become Translucent (2002)– hasta nuestros orígenes insurrectos y sediciosos –Every Good Boy Deserves Fudge (1991)–. Después del segundo disco con Sub Pop, Mudhoney se deslizó en el pastoso mainstream mediático al firmar con Reprise/Warner, y con ello decepcionó a casi todos sus fans, quienes lo consideraron una felonía al sello indie que los protegió y a sus propias raíces e identidad. El resultado lo pagaron caro al reci-

bir una patada en el trasero por las pocas ventas de Tomorrow Hit Today (1998) que pese a su pretencioso título no fue hit en ningún momento. ¿Cómo tuviste cara para regresar a Sub Pop después de haberlos traicionado? Tú sabes que todo es un negocio y el mundo una porquería capitalista incluidos nosotros. Con Warner grabamos uno de nuestros mejores discos, como tú lo señalaste antes, y a la Sub Pop le hemos dado a ganar mucho dinero. Nuestro último disco The Lucky Ones es sin duda el mejor de todos y ellos fueron los que se nos acercaron de nuevo. Si pero después de que los habían corrido de Warner y estaban devaluados. ¿Qué onda con tus convicciones? Por un lado vociferas en la rola “I’m Now” (bien cobijado entre las estridencias feedback de la guitarra de Turner y el crujido tortuoso del bajo de Steve Dukish) : “The past made no sense/ The future looks tense”. ¿Otra premonición? Y en el track “New Meaning” aúllas: “I’ve got new meaning, baby/ Don’t you take it away.” Por fin, ¿Qué quieres decir con todo esto? “The lucky ones have already gone down/ The lucky ones are lucky they’re not around”. M


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Neon Neon:

¡Autos, moda y technopop, Uooh, nuestra civilización! Este asunto tiene como trasfondo una enorme pasión por los automóviles y en la superficie una obsesión por recuperar la exuberancia kitsch de los años ochenta. Si nos apegamos a la mitología hollywoodense, el apellido DeLorean siempre estará ligado al automóvil de las películas Volver al Futuro, cuyas puertas se abrían hacia arriba, y era manejado a través del tiempo por un eterno actor adolescente llamado Michael J. Fox. De aquel modelo sólo se fabricaron 9,000 unidades. En la vida real, el visionario constructor de autos John Zachary DeLorean (Detroit, 1925) cayó en desgracia cuando en 1982 fue arrestado en Los Ángeles por intentar vender un maletín de cocaína con un valor de 24 millones de dólares para salvar su empresa de la quiebra. Dos años después fue declarado inocente, después de demostrar que los agentes federales le incitaron a cometer el delito. En marzo de 2005, a los 80 años de edad, falleció en Nueva Jersey. La vida de DeLorean no es sino un ejemplo tangible del vértigo con el que se vivió la década de los ochos. Con una velocidad pasmosa se podía llegar a la cumbre y súbitamente caer de la palestra. Nada era realmente sólido, su artificialidad era simbolizada por su producto insignia: el plástico.

TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

Hoy los ochenta están de moda. Es cool retomar su mal gusto, su chafez, que en España es definida como lo cutre. Artistas jóvenes son tentados por aquella década explosiva —cual línea de la mejor coca— para reinterpretar su estética, ya sea plástica, cinematográfica o musical, como en el caso de un dueto surrealista, formado por un DJ-productor de hip hop bizarro conocido como Boom Bip (Bryan Hollon por su nombre de pila) y el cantante de una banda británica orientada al ensueño y la psicodelia rock, que el mundo conoce como los Super Furry Animals. Gruff Rhys, vocalista y compositor, tenía 12 años en 1982, cuando DeLorean fue encerrado en prisión. Sin duda, una buena edad para tener la capacidad y ambición de aprehender y aprender todo de la vida. Este encuentro entre la hip hop nation norteamericana con el britrock inglés fue posible por los gustos compartidos. Más allá de los autos y los ochentas, también coincidieron en su filia por ese sonido dulzón del synth-pop, el italo y otros sonidos y estéticas conectadas con la disco music. El proyecto lleva el atinado y reiterativo nombre de Neon Neon (¿alguna extraña conexión con “El príncipe de la canción”, José José, o franca alusión a Duran Duran?), y bajo tal apelativo han firmado Stainless Style (Lex, 2008), un disco con amplias y gozosas referencias a OMD, Ultravox, The Human League, Gary Numan, A Flock Of Seagulls, y demás héroes de la década que comenzó con las Olimpiadas de Moscú.


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De las 12 canciones que conforman el álbum, quizá la más emblemática sea “I Lust You”, en la que acompañados por la voz de Cate Le Bon lanzan sentencias que se apegan al espíritu lujurioso y de sexo rápido, típico de la época. Una voz sugerente se declara dispuesta a todo: “Te amo si el premio está a la altura”. La avalancha de teclados vintage se desborda y la chica se lanza: “Te deseo si el premio está a la altura”. Si abrimos los sentidos y el recuerdo, incluso los teclados algo tienen del high-energy más pop. La pareja de músicos se muestra en relajamiento total; no hay la menor incomodidad por explotar su faceta más frívola. Los ochenta fueron una fiesta y ellos lo saben. En “Dream Cars”, “I Told Her On Alderaan” y “Raquel” rinden homenaje a una larga lista de figuras extraídas tras exprimir a la nostalgia. Hay una invocación a los Cars de Ric Ocasek, y de allí en cascada surgen nombres como Tears for Fears y los primeros Depeche Mode. Stainless Style, que también puede ser entendido como un álbum conceptual sobre John Delorean, ha sido definido –con certeza y gracia– como un regreso “a ese mundo de sintetizadores, hombreras y cocaína, más tierno que irónico: no se trata de burlarse de los excesos y la superficialidad de la época, sino de recordarlos con cariño desde la distancia”.

No faltará quienes vean en el dueto del cantante de los Super Animalitos de Peluche y el productor de Mogwai, M83 y Four Tet una nueva versión de The Postal Service, por su fórmula de cante famoso+genio tecnológico, pero lo cierto es que más bien van en la misma onda de Cristal Castles, Hercules & Love Affair y Cut Copy. Para este revival hedonista contaron también con la complicidad de Fab Moretti (The Strokes) y The Magic Numbers, quienes aparecen en discretos cameos musicales. Desde Los Ángeles, donde trabajaron en estudio (no incluyeron en el proyecto intercambio alguno de MP3) Boomp expone su sentir: “No hay ninguna ironía, lo que quisimos hacer fue una genuina apropiación de estilos con los que crecimos en nuestra adolescencia”. Mientras que Rhys, desde las islas británicas, acota: “Recuerdo los años ochenta como si el futuro hubiera llegado. Grandes marcas, poder, exceso, gadgets, ¡mal gusto! Nos cepillamos un puñado de canciones que eran demasiado jugosas”. El cubo Rubik, calentadores, descapotables, discos de vinyl, artículos fosforescentes y demás parafernalia de antaño subyace en este disco desfachatado y fiestero. Neon Neon es sinónimo de nostalgia, pero también de imaginación. M

www.myspace.com/neonx2


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El mago

y su verano TXT:: Chico Migraña.

El siguiente texto es una compilación con extractos de varias canciones de rock en español. A las primeras tres personas que envíen los nombres correctos de las canciones y sus intérpretes, ganarán un regalo sorpresa. Suerte. Cuenta la historia de un mago que un día en su bosque encantado lloró, porque a pesar de su magia no había podido encontrar el amor. Eran los tiempos de los mitos y leyendas, cuando la noche olía a misterio, incienso y aceite quemado para alumbrar. Un ángel caído gritó en éxtasis, parecía un gemido de placer. Conversando con su confidente, a un gato de color gris acero con ojos verdes de aceituna se le escuchó decir que aquel amante sin rostro la hizo esclava por beber su sangre. No sabe de lo frágil de mi carne —continuó—, dice que no me encuentra en el espejo y lo enmudece la belleza. Para él, para sus manos expertas, la soledad es su mansión nocturna. Viaja veloz al filo de la luna, quiere llevarla asida a sus espaldas, abandonados por la muerte. Nigromante poderoso, dominador del nombre primario de todas las cosas, ese lenguaje que mantuvo a los dragones como raza superior por milenios, que les daba poder sobre cualquier elemento, tan poderosos como era, vivía en la angustia del desamor. Viajó por el tiempo y aprendió, descubrió la cruel realidad de la humanidad, cada vez más alejada de lo espiritual y lo básico, cada vez más apegada a los rumores del lado oscuro. Conoció a una pobre niña que rumiaba, mirada perdida y corazón apagado. Se sentía como ella, piedra, inerte. Cerraba los ojos y pensaba un hechizo para sacarla de su dolor, y sólo encontraba frases dolorosas cargadas de recelo. Y así la recordaba, con las barbas mojadas de brandy y de ron y las piedras rozando sus senos, muñequita de hule, de plástico; muñequita sintética, inhalando bolsitas con resistol, pasa la vida esperando un gran amor. La veía con ternura y ansia sin poderla ayudar, y se angustiaba: cuántas manos han tocado tus manos, las mismas que te han asesinado. Cuántos ojos te han mirado a los ojos, los mismos que al mirarte se han burlado. Un hombre sin amor está incompleto, y aquel ángel caído no había roto nunca más la quietud de la noche con sus gemidos. Fueron amantes, se dieron todo lo que se puede imaginar, hasta que una noche caliente como pocas, el agotamiento pudo más y al terminar, el poderoso hechicero cayó en terrible sopor, y rendido, se durmió. Nunca fue perdonado, por lo menos hasta ese tiempo. Se colgó de las nubes y las algas, buscó consuelo con entrepiernas varias, en la mezcla de olores de otros cabellos, en los sabores de otros labios, sin éxito. No lo entendía porque conoció mucha piel en esos momentos, y se cuestionaba. Cuántas veces has negado que

sueñas otra piel, que hay sudor en tu mirada, que tu voz ya se secó... se preguntaba. Y cuando pasa, ese suspiro es delatador, cuando se aleja, sientes que el mundo se va a caer. Hazlo tu secreto —se murmuraba— y siente lo prohibido. Ese silencio será tu poder. Y poder tenía, sólo que el vacío provocado por la pérdida de aquella cuya sangre había bebido era demasiado doloroso. Alguno de sus viajes al futuro le salió caro. Un día lo asaltaron, y sin saber ni cómo ni por qué, se encontró con un tipo que tenía sangre seca debajo de la nariz, la ropa rasgada y muchas ganas de platicar. Con voz ronca y acento de Clavillazo le contó su historia. Tuve un saque de onda en días pasados, me asaltó una banda de reventados —dijo. Saca pa’ los puros, gritaron “tochos”, sácanos de apuros, saca los “chochos”. El pobre mago no entendía, pero fascinado atendió el resto del relato. Sácate un cigarro que tenga barro, sácate un cerillo que tenga brillo. El pobre diablo seguía su historia: yo saqué las uñas, estaba erizo, pero tres me abarataron y voy pal piso. De regreso en su tiempo sabía que tal vez nunca recuperaría el amor de su ángel caído. En el futuro vio que la felicidad es más una utopía que algo tangible, le quedaba nada más la opción del recuerdo y seguir adelante. Eso pensaba cuando un verano en alguna época remota se la encontró. Quiso salvar el recuerdo de su amor, salvar su alma de la tortura eterna del sinsabor, se humilló, suplicó. Se maldijo mil veces por aquella noche y preguntó una vez más qué es lo que está pasando por esa cabeza, una promesa o mi mala suerte que será no verte, y en voz de súplica gritó —quiero pedirte un favor, ármate de todo tu valor y mátame antes de decirme no, mátame antes de negármelo—. La vida puede ser más dolorosa que la misma muerte, y eso lo entendió aquél mago con resignación. De origen elfo, su destino era vivir por centurias completas sin sentir el paso del tiempo. Vio nacer y morir muchos amores más, aunque nunca pudo olvidar a su amada ángel caída. A su salud y para satisfacer la parte masoquista de su interior, el mago salía todos los veranos a distintos parajes boscosos y murmuraba una tonada, que decía: cerré los ojos por un instante y te veo a ti, imágenes que nos han borrado de un pasado feliz, sueños que nunca llegaran a hacerse realidad, tu nombre escrito en una pared, con el viento hablará, ¿qué hay amigo al otro lado del silencio? Ni las aves ni las piedras ni los árboles supieron jamás que el amigo no existía, que al otro lado del silencio la que habitaba era mujer, la mujer del verano. M


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TXT:: Sergio Heisinger. ILUST:: Óscar Coyoli.

Este ha sido un año agitado para China. Tuvo una de las peores nevadas, vivió lo trágico de un terremoto, sufrió de accidentes ferroviarios y para entrar en tema, un incidente negativo para sus futuras relaciones comerciales con el resto del mundo: la confrontación con el Tíbet. A casi todo el mundo le pareció que los tibetanos, con sus revueltas del pasado 10 de marzo en Lhasa, levantaron antes de tiempo el telón de los juegos de Pekín. El interés de varios se encendió antes que el pebetero cuando los monjes —al conmemorar el 49 aniversario de su fallido levantamiento contra el gobierno maoísta— saquearon comercios y prendían fuego a vehículos y edificios, todo lo cual terminó con una represión militar cortesía del actual gobierno chino: monjes muertos (cerca de 100 según tibetanos exiliados y ninguno o muy pocos según informes del partido comunista), varios heridos y encarcelados. Al otro día, en las calles, ya salían de los altoparlantes del partido frases del tipo: “sepan discernir entre los enemigos y los amigos, mantengan el orden”.

“Mientras el budismo tiene sus orígenes en el misticismo y en la ‘irrealidad’ hindú poco interesa el tiempo o la cronología, en los relojes de los juegos olímpicos se exige la precisión de las fracciones de segundos… Uno representa un mundo conquistado, el otro un mundo de protagonistas. Mientras unos viven en la cima del mundo, otros anhelan la cima del podio”.


Suena extraño que los tibetanos —que poco o nada tienen que ver con dichos juegos— hayan anticipado alguna especie de inauguración del olímpico evento, pero al parecer aprovecharon el recorrido que la llama olímpica tenía que hacer por el Everest, es decir, por sus dominios. Incluso en Londres y París hubo réplicas en son de protesta y se intentó apagar el fuego durante su recorrido pese a que la antorcha iba bien escoltada. Pero se sabe que los deportistas no necesitan una apertura del tipo revoltoso. Tienen suficiente publicidad, conciertos inaugurales, himnos, fuegos artificiales y demás artificios para cautivar a millones de telespectadores deseosos de espectáculo. Si en varios medios de comunicación se relacionó a los monjes con los juegos no fue por mera casualidad ni exceso de lucidez, pues últimamente no ha faltado quien aproveche los millones de ojos prestos para acaparar la atención con otro espectáculo que el deportivo: en los juegos olímpicos de 1908 en Londres, los atletas irlandeses boicotearon la competencia para reclamar la independencia de su país; en 1932, en Los Ángeles, un atleta italiano aprovechó la audiencia para hacer un saludo fascista público desde el podio al estilo de su admirado presidente Benito Mussolini; para los siguientes en Berlín 1936, algunos atletas judíos intentaron un boicot, puesto que los nazis no perdieron la oportunidad para su propaganda; en 1952, en Helsinki, los deportistas soviéticos se quedaron orgullosamente en su país y sólo visitaron Finlandia los días que les tocaba competir; en Melbourne 1956, Líbano, Irak y Egipto se negaron a participar en señal de protesta contra la invasión francesa e inglesa a Suez, así como España, Holanda y Suiza aprovecharon para protestar contra los militares soviéticos que reprimían las revueltas anticomunistas en Budapest; en Tokio 1964 se le negó a Sudáfrica la participación debido a su política racial (apartheid), y Corea del Norte e Indonesia se retiraron porque China fue invitada a competir en Yakarta; en 1968 varios países se negaban a venir a México si la Unión Soviética asistía, por la invasión Rusa a Checoslovaquia, y también hubo manifestaciones por la matanza de estudiantes en la Plaza de las Tres Culturas de Tlatelolco poco antes de los juegos; en 1972, en Múnich, un grupo de palestinos asesinó y secuestró a varios deportistas israelitas para pedir la liberación de unos 200 compatriotas; en 1976, en Montreal, 26 países africanos liderados por el Congo se negaron a participar porque Nueva Zelanda no fue sancionada por jugar partidos amistosos de rugby con Sudáfrica (todavía castigada); en 1980, en Moscú, debido al ataque ruso a Afganistán, 62 países no participaron debido a un boicot promovido por el presidente Carter; para la siguiente ocasión, en 1986, en Los Ángeles, la Unión Soviética se vengó y logró que 14 países aliados faltaran a las competiciones en Estados Unidos; en Seúl 1988, Corea del Norte, junto a Cuba y Etiopía, se rehusó a participar, pues no fue co-anfitrión en el evento por diferencias políticas con Corea del Sur; en 1996, hubo en Atlanta un bombazo que dejó un par de cadáveres y un centenar de cuerpos maltrechos. Mientras poco se oye por acá sobre el Tíbet y las costumbres de sus habitantes autóctonos (últimamente China interviene manejando los medios de comunicación, y prohíbe la entrada de periodistas extranjeros a la región­),­ en los juegos olímpicos las cámaras televisivas internacionales muestran a todo el mundo desde las merecidas gotas de sudor hasta las insignificantes vellosidades de los deportistas —y, de paso, la marca de los tenis—. Mientras el Tíbet es una región más o menos apartada geográfica, cultural y económicamente del mundo occidental, los juegos olímpicos figuran como la apoteosis del mundo moderno y los negocios; mientras en el Tíbet rige la doctrina budista que niega la importancia del yo, en las competencias los atletas olímpicos se esfuerzan por sobresalir y obtener galardones reales —con lo que crece también silenciosamente el ego de los espectadores nacionalistas que ven triunfar a sus héroes—. Mientras el budismo tiene sus orígenes en el misticismo y en

la “irrealidad” hindú poco interesa el tiempo o la cronología, en los relojes de los juegos olímpicos se exige la precisión de las fracciones de segundos… Uno representa un mundo conquistado, el otro un mundo de protagonistas. Mientras unos viven en la cima del mundo, otros anhelan la cima del podio. La región de Tíbet ha sido invadida e invasora. En el siglo VII invadió regiones fronterizas chinas. Tuvo un jefe mongol que nombró al primer Dalái Lama en el siglo XVI, autoridad que regía hasta 50 años. También se rumoran historias oscuras sobre la tradición lamaísta, por cierto, que acusan a los antiguos regentes de asesinos o caciques. En el XVIII los chinos ayudaron a los tibetanos a expulsar invasores hindúes, pero no nada más por filantropía, pues ellos se quedaron en la región, y eso es harina de otro costal. El Tíbet está ocupado y administrado por chinos desde 1950, poco después del ascenso de los comunistas. Los educadores del decimocuarto y actual Dalái Lama —y premio Nobel de la paz—, Tenzin Gyatso, le dieron autoridad a sus 15 años para ver cómo enfrentaban el conflicto. Entonces fue consultado para organizar una resistencia que más bien aumentó las tensiones entre ambos pueblos hasta que en 1959 fue sofocada por las tropas maoístas: se destruyeron cientos de templos, murieron y se exiliaron varios miles. Allí sí que hubo platos rotos, el Dalái Lama escapó a India junto con otros millones de seguidores. El Tíbet quedó sitiado desde entonces por los militares y China lo controla. Así, el “feliz” mundo occidental sigue llegando poco a poco a Lhasa con mayor facilidad: construcción de carreteras, aeropuertos, sistemas modernos de comunicación, comercios, y hasta un costosísimo tren que sirve tanto para trasportar a turistas como para movilizar militares. Los tibetanos se quejan de que los chinos están cometiendo un genocidio cultural en su territorio. Los chinos creen que han liberado a los tibetanos de un régimen feudal que llevaba siglos de “atraso” y que están ayudándolos en su desarrollo. Este choque cultural es evidentemente desfavorable para los tibetanos, pues les toca la peor parte, la del invadido, los trabajos peor remunerados y el menoscabo de sus tradiciones a cambio de otras impuestas “nuevas” y “mejores”. Por estas y otras causas hubo de 1996 a 2001 una serie de conciertos en pro de la liberación del Tíbet llamados los Tibetan Freedom Concerts. En ellos participaron varios grupos como The Smashing Pumpkins, Sonic Youth, Radiohead, Rage Against the Machine, The Skatalites, Blur, Porno for Pyros, Herbie Hancock and the Headhunters, Björk, entre muchos otros. Y por cierto que la buenaza de Björk gritó en su último concierto en Shanghái “¡Tíbet, Tíbet!” mientras cantaba: “¡Declare Independence!”, lo que provocó controversia y animosidades con los chinos. Comentarios, controversias, lejos de preguntarse qué es lo mejor para el Tíbet (que no garantiza ninguna respuesta sensata) mejor pregunta por las consecuencia de la desaparición de una cultura que se sustituye lentamente por otra, so pretexto de mejora. Pero en el pensamiento tibetano lamaísta seguramente otra cosa ocurre, pues no en vano hay protestas. Y si no hay una manera de medir la felicidad o la mejor forma de vida, suponer que Occidente es preferible que la alteridad, puede sonar tan absurdo como suponer que el hombre es más feliz que un pez. Pruebas de las imperfecciones occidentales: violencia, estrés, corrupción, hipocresía, extrema vigilancia, incompetencia, indiferencia, desempleo, y diversas formas de desequilibrio que van desde depresiones suicidas hasta homicidios. Pero quizá quede pendiente, pues ahora no hay tiempo para reflexionar sobre eso, y para no variar, en este asunto olímpico se imponen los negocios sobre todas las cosas. Las cifras relativas a las ganancias se estimaron muy por arriba del costo de los juegos: ¡1,600 millones de dólares! M

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TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

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En ciertas partes del planeta, con la llegada del verano las actividades laborales se reducen prácticamente al mínimo y la gente –voluntaria o involuntariamente– debe dedicarse al solaz y el esparcimiento. Esas son algunas de las prerrogativas del primer mundo. De este lado del Atlántico no sucede lo mismo, pero el sistema escolar disminuye su actividad y mucha gente ejerce de vacacionista a tiempo completo. Con la temperatura, el tiempo libre aumenta; así que siempre hace falta alguna que otra listilla de buenas recomendaciones auditivas para pasar el rato, aun teniendo en cuenta que cada selección es personalísima y parcial. Aquí se sugiere una docena de temas para tener de fondo durante esas emocionantes incursiones veraniegas. Podría intuirse por el título que pudiesen funcionar como un Viagra sonoro. Algunas de sobra pueden serlo –el espectro para fantasías sexuales es amplio–, pero con el calentamiento global, la cabeza de este escrito más bien hace mención a que el clima está quemante y en alza constante (para algunos un placer, para otros un suplicio). No existe pues obstáculo para no acompañar el trance personal con estas rolas canallas, contagiosas e hirvientes.

1 Vampire Weekend: “Walkott”

Un auténtico cañonazo que a estas alturas ya debe ser o debería ser sencillo. El efervescente momento de estos chicos de Nueva York sigue creciendo con una pieza que nos enseña cómo usar la marimba en el universo rock, que quiebra una y otra vez su ritmo para hacer caber pasajes clásicos de cuerda, sin perder jamás su lujosa estirpe pop. Es coloquial, callejera y, sencillamente, perfecta. Parte fundamental de uno de los discos del año, eso es un hecho.

2 La casa azul:“La revolución sexual”

En España, de donde proviene este proyecto ultra kitsch, lleva haciendo furor desde hace tiempo como un reciclado homenaje al sonido Eurovisión (el OTI europeo) y al pop bubblegum con mucho funk discotequero. Producida al estilo Giorgio Moroder, es un himno lujurioso para la pista. La letra es desmadrosa, fresca, con todo y pasaje vocal melcochoso. Con ella podemos musicalizar muchos de nuestros mejores episodios veraniegos.

3 Pete and the Pirates:“I’ll love”

Si lo tuyo es el britpop, pues desde Reading llega un nuevo comando juvenil para bombardearnos con guitarras chirriantes, tambores machacones y un bajo tan preciso como un reloj. Escudados en una gran solvencia instrumental, nos recuerdan que se puede ser joven, bello, desfachatado y pretenderlo todo. Están en su derecho; es sólo rock and roll, pero nos gusta.


4 Cali:“1000 coeurs debout”

Existe gran cantidad de buena música procedente del mundo francófono que pasamos por alto. Este es el caso de “1000 coeurs debout” que de haber sido firmada por Arcade Fire estaría en la cumbre. Se trata de épica energética –con todo y coros incendiarios– para prender fuego a cualquier reventón respetable. Además, tiene una letra políticamente combativa, como es costumbre de este cantautor galo.

5 Mahjongg:“Tell The Police The Truth”

Nunca falta en cada banda de amigos los clavados que buscan con ahínco los sonidos más experimentales y bizarros (ahí están las huestes seguidoras de Tool, King Crimson, etc.). Para todos ellos, he aquí una banda que transita la senda señalada por Battles el año pasado. Aquí hay rock matemático, exploración progresiva y electrónica ruidista, que retoma toda la elaboración rudimentaria y autóctona del colectivo Konono No.1 para su propio sonido. Un logradísimo alucine para los momentos de mayor delirio.

6 Sr. Chinarro:“La resistencia”

Antonio Luque lleva unos años en estado de gracia; es probable que sea el mejor letrista que actualmente posea el castellano. Aquí sigue haciendo un pop rock basado en soberbias líneas melódicas y en el que cada instrumento realiza a la perfección su papel. El bajo no puede evitar acordarnos de New Order, la guitarra acústica se desliza sobre las canciones de amor/no amor de un artista español al que le debemos mayor atención y reconocimiento. Una joya donde las haya.

7 Santogold: “You’ll find a way”

Uno de los mejores sencillos under de lo que llevamos del 2008. Santi White y su novio/productor Jhonny Rodeo han firmado un disco que los acerca a las mancuernas tipo M.I.A.–Diplo. También exploran el dub mutante y ciertos sonidos asiáticos, pero tienen otra una veta de pop contemporáneo que usan en esta pieza, ideal para salir a explorar la noche en busca de hallazgos carnales.

8 Crystal Castles:“Crimewave”

Un track rescatado de un split editado junto a Health se convertirá en una de esas pistas que los DJs habrán de filtrar durante las incesantes sesiones dancísticas de los meses más dionisiacos del año. El dueto de Toronto nos entrega electrónica condimentada con sonidos vintage y vocales, que la hacen asequible y disfrutable, sobre todo ahora que lo ochentero es reutilizado con cinismo.

9 Ojos de Brujo:“Get up, stand up”

No puede entenderse el verano sin reggae y viceversa. Del aclamado álbum en vivo del combo barcelonés más exuberante, habrá que repetir con insistencia este clásico universal de Marley, cuyo impresionante arreglo incluye sección de metales en onda salsera, scratcheos de DJ Panko y los sonidos flamencos marca de la casa. María “La Canillas” canta a todo pulmón acompañada de gente como Amparanoia en los coros. ¡Que comience la fiesta mestiza!

10 The Last Shadow Puppets: “The age of the Understatement”

El proyecto conjunto entre los vocalistas Alex Turner de los Arctic Monkeys y Miles Kane de The Rascals, producido además por James Ford (Simian Mobile Disco) tiene todo para acaparar la atención de las huestes más rozagantes y guitarreras. En los arreglos participó Owen Pallett, miembro de Arcade Fire y Final Fantasy. A los estallidos de combustión espontánea que ya les conocemos les viene bien ese toque orquestal. No pierde beligerancia pero gana personalidad, una más elegante.

11 Lemonheads: “Mrs. Robinson”

Ahora que se ha reeditado en versión corregida y aumentada el único disco respetable del grupo de Evan Dando (It’s a shame about ray, 1992), es válido retomar el gran y desparpajado cover que le hacen a Simon & Garfunkel y que se ganó la inmortalidad como soundtrack de El graduado. Será ideal utilizarla si el verano trae consigo un complejo romance con una mujer mayor.

12 The Ting Tings:“That’s not my name”

Katie y Jules son una pareja de ingleses (modernos, petulantes y guapos) que nos mantuvieron atentos aun antes de que saliera su primer LP. Unos nuevos e-stars que nos deja el MySpace, y que nos seducen por su gran capacidad para sumar a la música actual (ecléctica y bailable) sonidos del pasado (pop de los 50s y funk setentero). ¿Cómo te opones a hits infalibles como “That’s not my name”, “Great DJ” y “Shut up and let me go” (tema del nuevo anuncio de iPod)? ¿Poseen auténtico talento o son llamarada de petate? Al momento masajean los sentidos y nos hacen mover el cuerpo.

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A ritmo de viajero ensimismado “…en el hombre, al igual que en las aves, parece haber una necesidad de emigración, una vital necesidad de sentirse en otra parte.” Marguerite Yourcenar

I TXT:: Mayte G. Bonilla. Habrá quien tenga lista la mochila desde hace algunos días, seguramente los mapas y las direcciones ocuparán un FOT:: Arturo Lara. lugar especial. Pero no, tú no eres de los que se anticipa con reservaciones, ¡vamos! ni siquiera con una guía de tu próximo destino; por el contrario aguardaste hasta el último momento, ese en el que las ansias por viajar llegan a su punto más alto de ebullición. Sólo así empacaste algunas cosas, “lo necesario”para escapar de la prisión en la que se ha convertido el trabajo, o simplemente por las ganas de estar a kilómetros de tu cotidianidad… ¡de transportarte! Aprisa y con un bulto de expectativas a cuestas, te dirigiste entonces hacia este lugar donde, en palabras cortazarianas, “todo es nuevo, donde todo es otro”: los paisajes, la gente, el tiempo, el bullicio, los silencios… Y sin embargo, podría ser cualquiera, cualquier playa, una urbe, un pueblo anidado entre las montañas; sea la forma que sea recorrerás sus caminos, lo mismo sus dunas de pensamientos que se pliegan con las olas, que los empedrados de dudas cuesta abajo, talvez cuesta arriba, ya habrá tiempo de averiguarlo. Primero, tientas terreno. Mientras los otros siguen al pie las instrucciones, ubican coordenadas y letreros, buscan algunas señales y se inventan otras, tú prefieres dejarte llevar por tu sentido de aventura, aunque muchas veces te hayas reprochado la mala decisión. Quizá es el efecto de la distancia o es que el cúmulo de experiencias se te olvidó en la estación. Lo que es un hecho es que, una vez aquí, pareces más dispuesto a la sorpresa. Colores, olores, rostros que por muy aprisa no pasan de largo. Es que aún te resulta imposible separar una cosa de otra; ya sea en los largos circuitos de una ciudad, entre la humedad de la niebla, en una noche de luces multicolor, el recibimiento del todo suele ser vertiginoso… inasible en sus detalles.

II A pocas horas del arribo, hay quien ya cumple con su ruta, formando parte de las postales que hace mucho eligió. Por fortuna también están aquellos que, seducidos por el encantamiento que puede producir el azar lejos de casa, repentinamente decidieron abandonar los planes en un cuarto del hotel o en una tienda de campaña. Incluso, puede que los veas por ahí vagando con la falsa soltura que adopta el novato en territorio ajeno. Será fácil reconocerlos cuando tu mirada se encuentre con la de ellos, a mitad de esos largos paseos. Claro que en este viaje, los encuentros van más allá de toparse con las pupilas de otro forastero que, al igual que tú, ha salido corriendo de sí mismo. Aunque nada es predecible y la soledad se ha empeñado hasta ahora en ser tu única acompañante, incluso en bares y tabernas, no es difícil suponer que a la vuelta de la tarde estarás charlando quién sabe con quién.


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III Ni el color, ni la raza, ni siquiera el idioma o la nacionalidad serán impedimento para que los encuentros humanos se susciten en un viaje que lentamente ha ido cambiando tu ingenua sustancia. Ahora no sólo posees la lista de los errores y aciertos que tu instinto ha cometido (esos que se resultan en descubrimientos tales como “un nuevo sabor preferido”, una palabra que “aunque suene a lo mismo significa distinto”, un tiempo que se mide “cuando los moscos amainan”, un nuevo reproche: “debí de haber comprado una guía”); además has recopilado algunas conversaciones, las que escuchaste por casualidad y las que buscaste en algún bar cuando la soledad se convirtió en hastío, historias que te contaron o que tú mismo imaginaste con tan sólo ver a la gente pasar. En esos momentos fue que intentaste (conscientemente) descifrar a los nativos, y como en un acto reflejo reconocerte en este sitio al que nunca pertenecerás pues, antes de que las escenas de mar, pueblo o desierto, bosque o ciudad se vuelvan cotidianas, estarás dando por terminado este viaje con el que cada verano te lanzas a la aventura de averiguar al mundo. M


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Instantáneas del Vive Latino 2008 TXT:: Vicente Jáuregui. FOT:: Arturo Lara.

Las expectativas que provoca un festival de música, cualquiera que sea la latitud de su origen, estarán en proporción directa con la cantidad de “peces gordos” que vayan a protagonizar sus tarimas. Siguiendo esa premisa, el sentir general del público mexicano respecto de la edición 2008 del Vive Latino, al menos juzgando por lo que se escuchó entre amigos, músicos, blogs, colegas, estuvo animado por cierto desgano, un poco a raíz de esa costumbre por valorar únicamente lo consagrado. Pero si nos desprejuiciamos un poco, quizá el 2008 puede ser visto bajo otra óptica: se dio cabida a varias bandas nuevas que a nuestro criterio, vale la pena escuchar. Un primer comentario incidiría en la propuesta funky jazz de los tapatíos Troker, definitivamente hay algo que te atrapa en el desenfado con que estos músicos logran restar seriedad a un género aún marginado como el jazz. Ya que estamos con Jalisco, otra banda que promete mucho son Descartes a Kant, rock intenso y estridente emparentado con Sonic Youth y Mr. Bungle. Recién salidos del horno tocaron Los Daniels y LeBaron, ambos grupos promocionando su primer disco, los dos en la vertiente indie. Por otro lado, fue interesante descubrir las paredes “guitarrozas” de Ventilader. Uno de los momentos memorables del Vive, fue la reunión de Santa Sabina luego de casi cuatro años de no pisar escenarios, resultó emotivo recordar temas como “Chicles” o “El Ángel”. Ya en el terreno de las reuniones, Botellita de Jerez hizo un show que nos recordó el lado humorístico del rock. Por otro lado, no sabemos si es por iniciar una tradición ver cada año a Bersuit, Los Tres, Babasónicos y Las Víctimas del Doctor Cerebro. El surf tuvo un día glorioso con la presencia de los Straitjackets y Lost Acapulco. Para el público más rocker se armó durísimo el slam con Los Ángeles del Infierno, El Haragán y Cía, Tex Tex y Ágora. Definitivamente la cereza del pastel fue la presencia de una leyenda con Los Lobos, así como de los británicos Black Rebel Motorcycle Club. Los dejamos entonces con las siguientes instantáneas. M

Babasónicos


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Los AutĂŠnticos Decadentes

Santa Sabina

Ceci Bastida


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Los Ratones Paran贸icos Los Lobos


Yokozuna

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Strait Jackets

Dante Spinetta y Emmanuel Horvilleur Botellita de Jerez

Descartes a Kant


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Es un trabajo duro, pero alguien tiene que hacerlo.

Perry Farrell y el legado de Lollapalooza


59 TXT:: Humberto Polar. FOT:: cortesía Sony BMG. ¿ Cuáles son las motivaciones profundas que llevan a un músico a compartir la energía que pone en su propia carrera con la promoción del trabajo de otros? Quién sabe. Hay diferentes posiciones que tratan de explicar el altruismo, todas muy cínicas. Está aquella que conocemos desde la infancia como el síndrome del dueño de la pelota. En mi escuela había un personaje que llevó las cosas (sus padres las llevaron, más bien) al extremo de organizar un torneo de fútbol internacional para poder jugar sostenidamente con una camiseta (número 9, para más señas). Su técnica futbolística era letal, pero para su propio equipo. No había manera de hacer un futbolista coherente de aquel muchachito que vio realizada su fantasía por un par de semanas y del que hoy desconozco el paradero. Quizás organice algún festival de rock en algún lado. Claro, no hay que tener una banda para organizar un festival. Aunque Perry Farrell organizó la primera edición de Lollapalooza con la intención de que fuera una despedida coral a Jane’s Addiction, una banda por lo demás extraordinaria y más que merecedora de ese y muchos otros honores. No hay duda alguna: lo de Perry no es un caso de pelotitis. Tampoco pienso que Perry Farrell sufriese de aquel otro síndrome que llamaremos el Factory Trap o la Post-hipnosis de Warhol. A saber, un tipo talentoso e hiper inteligente, que logra esconder una inseguridad visceral tras una peluca hecha de enigma y dogma difuso, y consigue cual flautista de Hamelin rodearse de gente que genera energía para la usina que al final sólo hace brillar al que se sienta más arriba, Warhol mismo. No parece ser que Perry Farrell necesitase de la ayuda de las mentes más representativas de esa suerte de nuevo dogma que se dio en llamar alternative (el indie de principios de los 90) para brillar. Ya brillaba por sí mismo, y mucho. No imagino a Perry Farrell vampirizando a Sonic Youth o Living Colour o Cypress Hill o Red Hot Chili Peppers o Nine Inch Nails para lucir como el sumo pontífice del gusto oblicuo y avanzado. Es estúpido tan sólo pensarlo. Por supuesto, otra manera de ver el altruismo es como un buen negocio en el mediano plazo. Lo que puede parecer hoy el apoyo a causas nobles de la periferia cultural puede significar mañana quedar ubicado en el centro gravitacional de las mismas. Con los beneficios que trae el encanto de lo marginal para las facciones más culpables del mainstream. Aunque no hay absolutamente nada de malo en hacer un buen negocio, sospecho que tampoco este es el caso de lo que nos ocupa.

De pronto lo que pasó, y pasa con Perry Farrell no tiene segundas lecturas. De pronto es un caso simple e inexplicable de generosidad. Hay algo que mueve a algunos artistas a compartir, obsesiva, patológicamente, el amor que sienten por la música con otros. Obvio. De eso se trata ser un artista. Pero hay algo que sucede cuando ciertos artistas no quedan contentos con ser el ídolo de uno o de muchos. Una necesidad de que la gente oiga más música se empieza a volver una cruzada. No importa si las puertas ya están abiertas para sí mismo, este tipo de artistas goza con la idea de que más puertas se abran para otros artistas que considera talentosos. En un mundo tan plagado de egos fatuos como la cultura pop, un rasgo de verdadera pasión está en gestar espacios para que la música de calidad superior se difunda de manera importante. Por supuesto, surge la pregunta: ¿Y quién es Perry Farrell para decidir cuál es la música más creativa de su época y cuál no merece estar en su fiesta? Bueno, es su fiesta. Puedes ir o no. Un festival como Lollapalooza que, a la manera de la vieja persecución entre Mahoma y la montaña, se dedica a recorrer un país con una influencia que 15 años después podemos calificar sin miedo a equivocarnos de generacional, no necesita probar nada más. Con altibajos, con cambio de dueños, con inconsistencias, pero trascendente al fin. El test del tiempo le sonrió. La manera en la que Perry Farrell usó su influencia para resucitar Coachella, además, así como algunos gestos menos conocidos que Perry Farrell ha tenido en favor de otras causas altruistas hablarán de él por muchos años. Hoy se insiste en llamarlo el “padrino” de la cultura alternativa. No sé si este término es correcto. Yo diría que Perry Farrell se echó encima un trabajo que podría haber hecho más bien un empresario codicioso. Su ambición era que más gente oiga más música, que más gente la pase mejor. Es la misma motivación por la que hay gente que decide hacer fiestas en su casa y no le importa recoger todo el Apocalipsis al día siguiente. Es lindo ver a la gente feliz. Se siente bien oír aplausos para bandas que no son las de uno cuando hay verdadero amor por la música. Creo que Perry Farrell duerme bien en las noches y a veces sonríe solo, cuando nadie lo ve.


60 TXT:: Vicente Jáuregui.

Antes de hablar con Perry Farrell, tenía cierta premonición de que tras esa imagen de glamorosa y desinhibida que adoptó desde sus primeros días en Jane’s Addiction, vive un hombre amable que incluso tuvo la cortesía de deletrearme los nombres de las canciones y grupos que escucha regularmente. A continuación, los comentarios de un melómano que además de haber dado su voz a tres magníficas agrupaciones norteamericanas (Jane’s Addiction, Porno For Pyros y Satellite Party), es el cerebro que ideó Lollapalooza, el primer festival de corte alternativo del mundo.


61 ¿Qué te mantiene motivado y emocionado para seguir haciendo música después de tantos años? Empecé a tocar como DJ hace como 11 años, y en ese momento mi cabeza se abrió hacia otros mundos: hip hop, break beat, down tempo y por supuesto rock and roll. Comencé a poner música en casas, en fiestas caseras, clubs, y todo eso me llevó a explorar, buscar cosas que me ayudaran con mi DJ set. De ahí comencé a producir canciones que pudiera tocar como DJ, cosa que me mantuvo muy activo y emocionado, al grado de reflexionar cómo es que la gente que salió hoy disfrutó la experiencia de escuchar música, porque en los primeros años de los 80s cuando iniciamos, el asunto era salir a un club a ver una, o quizá tres bandas. Algunas veces tú estabas en uno de los grupos, o tus amigos. Ahora las cosas han cambiado: el centro de la noche es un DJ. Las canciones no duran tanto, casi siempre son cortadas. Además estás expuesto a un gran rango de música en un corto periodo de tiempo. Hoy, si estás en Los Ángeles o Nueva York, tendrás que hacer uso de lo que llamo “the party trap”, ver a la gente pensando en los b.p.m. (golpes por minuto). Generalmente al inicio de la noche puedes comenzar con 85 beats, quizá 65, hasta que al final de la noche talvez llegues a 230, de modo que tienes muchos estilos musicales para explorar en el medio. A mí, sobretodo por Lollapalooza me parece muy importante preguntarme qué es lo que hace de una fiesta, una gran fiesta. Me emociona mucho programar las bandas que tocarán pensando en qué tipo de gente disfrutará escucharlas. Hablando de fiesta, siempre ha estado presente un elemento de fiesta en lo que haces, ¿sigues siendo un party animal? Para mí es muy importante que la gente reviente. Es tan importante como el trabajo, trabajamos para terminar disfrutándonos en una fiesta, así es como lo veo. El trabajo conduce al día libre donde podemos festejar, que es la mejor parte de la vida, por lo tanto todavía disfruto la fiesta. La fiesta perfecta para mí es salir hacia un hermoso destino donde haya gente que disfrute una buena decoración, sea en un exterior o interior. Debe de haber buena comida, buena bebida, mucho licor, y desde luego buena música, que no hará sino separar a la gente: habrá gente que sólo quiera escuchar música pop regular que no requiere un oído refinado, pero también habrá gente con un oído más sofisticado, con una conversación inteligente que te haga sentir en un ambiente de relajación, y con esa gente querrás entablar una amistad profunda, larga. ¿Qué nos puedes decir de la edición 2008 de Lollapalooza? ¿A quién te emociona ver este año? Tengo mucho amigos, pero me interesa mucho ver las presentaciones de Kanye West y Nine Inch Nails, porque tienen producciones increíbles. Cuando un artista diseña su show en vivo estás frente a un proceso muy interesante de cómo se ensamblan cuestiones musicales con otras visuales. Estar cerca de eso me mantiene muy contento.

De las rolas que traes en tu iPod, ¿cuáles son tus favoritas? Gucci Mane con la canción “15 Minutes Past the Diamond”, tengo algo de Björk, “Venus as a Boy”, es muy buena... tengo la canción “Creator” de Santogold, Yummy Binham, y la canción se llama “Come and get it”. Uno muy gracioso: Shit Disco, y el track se llama “Reactor Party”. Si pudieras elegir un dream team musical, ¿a quién elegirías? Podría ser John Lennon, o Jimmy Page... me encantaría trabajar con Sasha. ¿Disfrutas la fama? Es increíble poder viajar a todo el mundo y ser bienvenido, invitado, amado; todas esas cosas son hermosas. Pero con la fama es una cosa curiosa, puedes tenerla de muchas maneras. Puedes andar por ahí con guardaespaldas, haciendo un gran asunto de ti mismo cuando no estás en el escenario. Creo que ese tipo de fama no es algo bueno. A mí me encanta ser artista, pero creo que mis raíces son underground, encuentro muy aburrida la cultura pop, ser famoso dentro de esa cultura no es tan interesante como dentro de un ambiente de arte verdadero, donde la gente, como ya lo dije, te dará la bienvenida dentro del círculo correcto. ¿Cómo ves la situación política de tu país? Mi actitud es de, “todo mundo habla de que habrá un gran cambio... “, pero mi respuesta real sería que con los políticos, con la manera en que se eligen no habrá ningún cambio, todo está dirigido por compañías de petróleo o por los intereses militares. En mi opinión, el cambió más grande hasta donde puedo ver, es saber que la gente puede cambiar. El presidente, no creo que él pueda hacer el cambio. Siempre guardas la figura. ¿Haces mucho ejercicio? No hago ejercicio con pesas, me encanta nadar, hacer surf, también practicar bicicleta, tengo una bicicleta de carreras, uso todo eso. Creo que es necesario ejercitarse todos los días, y sé que es muy difícil, uno tiene trabajo, no puedes ejercitarte como cuando eras más joven, pero creo que es muy importante para sentirte mejor. Como dije antes, reventar, hacer ejercicio y trabajar, todo es importante, la clave está en el balance, puedes hacerlo todo en este mundo, ¡¡¡todo!!! ¿Es verdad que viviste en algunas playas de México? Bueno, he ido a surfear varias veces a México, he ido a muchas playas de allá, me gusta ir seguido por ahí. ¿Qué te ha gustado de México? Las cosas que más me gustan: creo que hay gente muy artística, hay arte muy bello en la Ciudad de México, también creo que hacen fiestas increíbles, hay gente muy sofisticada, tengo muchos amigos por allá. Algunos de los mejores días de mi vida los he vivido surfeando en pequeños pueblos de México, recuerdo mucho Puerto Escondido. También he ido a la Ciudad de México como DJ, y a tocar con Jane’s Addiction.


62 Visité tu MySpace y noté que tienes muchos comentarios de fans, ¿tú lees y contestas los mensajes? ¿qué piensas de este tipo de comunicación? La última vez salí de gira por unos nueve meses, y visitaba mi MySpace cada día, cargaba imágenes, fotografías. Algunas veces los mensajes eran hermosos, otras muy sucios, pero era muy útil tener toda esa crítica. Pero no he visitado el MySpace desde el año pasado. Mi esposa se encarga de revisarlo cada día, y en ocasiones se entristece cuando se topa con comentarios groseros, pero la gente que lo hace lo tiene fácil: no es difícil jugar al rudo cuando te puedes esconder. Nadie sabe cómo luces, nadie sabe quién eres, si eres listo o estúpido, eso sucede ahora con Internet. La gente que escribe, lo hace porque fue a la escuela, y si tienen un trabajo como periodista en una revista de música es gracias a que aprendieron a escribir; ahora no necesitas ningún atributo para dejar un comentario. No estoy diciendo que esté mal. Por ejemplo, las mujeres… he estado casado ahora por varios años y he aprendido a conocer mejor la mente de la mujer, y sé que son muy emocionales en lo que dicen, entonces ahora soy muy cuidadoso con la lectura de comentarios en MySpace. Me gusta la salud mental y no quiero escuchar cosas terribles, aunque de repente leas cosas lindas también, pero prefiero ponerme a escribir y producir música, prepararme para los shows. Antes no leía artículos acerca de mí, y creo que no he cambiado mucho en ese aspecto, si algo hago es mirar una foto, con eso soy feliz. ¿Qué recuerdas de tus primeros días como músico? Las cosas eran muy diferentes, no teníamos Internet, tenías que promoverte de otra manera, sacar tu música. Había una industria musical bastante saludable, pero las cosas han cambiado y con ello toda la experiencia de hacer música. Hay mucha gente diciendo que ser músico ya no es bueno porque no hay dinero que redituar, y lo creas o no, la falta de dinero cambia la manera en que la gente tome o no la música con seriedad. Hoy tienes que ser muy creativo para ser músico, para existir tienes que idear nuevas maneras de expresión. Muchos de mis amigos ahora hacen música para películas, aunque ellos tienen la fortuna de seguir saliendo de gira para hacer dinero. A toda comunidad de músicos les cuesta mucho trabajo echar raíces hoy; en lo 80s los músicos eran patrocinados por las compañías disqueras, ahora no hay más dinero para las giras de los músicos. Antes las compañías te apoyaban, esperando que tres discos después fueran todo un éxito con ventas millonarias. Eso ya no existe. Antes la gente llenaba los lugares, y hoy los DJs no reciben a tanta gente, pero las cosas cambian, sería increíble crear una escena donde pueda haber una comunión entre músicos en vivo y DJ sets. ¿Cuáles son tus planes inmediatos, planeas venir a México? Me encantaría ir a México, siento un gran deseo de llevar a mi banda, Satellite Party, llevar Lollapalooza. Pero hay que ser pacientes. Realmente estoy buscando llevar Lollapalooza a México, talvez en un par de años, ya veremos. Marvin es una revista de culto. ¿A quién le rindes culto? Admiro a los grandes artistas. Admiro mucho a Jeff Koons, es un gran arista, lo conocí el otro día, hizo una escultura de porcelana de Michael Jackson, la tienes que ver. Él se casó con una estrella porno italiana que funge en el Parlamento… La Cicciolina. ¡¡¡Sí, sí!!! Ella. Admiro también a muchos músicos, mucho más que a un político. Creo que la diferencia es que siendo un artista puedes tener un alma pura, pura (lo dice en español la segunda vez). ¿Hablas español? Un poquito (lo dice en español también). Muchas gracias por poder estar en la portada de su revista. M


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TIKI TIKI


ella: vestido blanco de algodón: Levi’s • Cinturón café con aplicaciones de metal: Diesel (Fashion Dymnamics) él: No pocket office shirt azul: Levi’s men’s • Pantalón corto easy fit overdye navy: Buffalo David Bitton (Fashion Dymnamics) • Tennis: Adidas (Fashion Dymnamics).

ella: top medora café: Buffalo David Bitton (Fashion Dymnamics) • military slim vest: Levi’s Redtab juniors.

ella: western shirt rosa: Levi’s Redtab juniors • scrunch capri gris asfalto: Levi’s juniors. él: t-shirt gris bicycle man tee: Levi’s men’s.

fotografía: Diego Bobadilla y Pedro Velasco • maquillaje y peinado: Carmen de la Torre Fuentes • cordinación de moda: Sandra González modelos: Carolina Franetovich y Javier Cantele • locación: Tiki Bar (Querétaro 227, Roma, 5584 2668)

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ella: top nadine blanco: Buffalo David Bitton (Fashion Dymnamics) • Falda: Levi’s. él: camisa blanca con detalles en azul: Buffalo David Bitton (Fashion Dymnamics) • Jeans: Levi’s • Tennis: Adidas (Fashion Dymnamics).

ella: Pantalón tailandia girs: Kosiuko (Fashion Dymnamics) • v neck raw edge top crudo: Levi’s juniors. él: T-shirt roja con blanco: Levi’s Strauss • pantalón corto easy fit overdye slate: Buffalo David Bitton (Fashion Dymnamics).

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Divertimento II H

TXT:: Juan Patricio Riveroll. ay en el tema de las teorías de conspiración una fuerte atracción que nos envuelve y sobre todo nos seduce, bajo la pregunta imposible de qué tanta verdad habrá en aquellas elucubraciones, qué tantas posibilidades tienen de ser ciertas y qué tanto son un mero invento. En la frontera del conspirador está entonces el visionario, aquel que a partir de las verdades de su tiempo puede ver más profundamente hacia probables o posibles futuros. En ese sentido, para mí hay tres obras cumbres del siglo XX: Brave New World de Aldous Huxley publicada en 1932, 1984 de George Orwell publicada en 1949 y Farenheit 451 de Ray Bradbury, publicada primero como cuento y luego como novela corta entre 1947 y 1954. Un libro de 1985 hace las veces de compendio y análisis de los dos primeros: Amusing Ourselves to Death de Neil Postman, cuya tesis es que el mundo totalitario de Huxley triunfó sobre el de Orwell, ya que hoy el ciudadano no tiene cerradas las puertas de la información, sino que por una excesiva oferta de entretenimiento, escoge no informarse, no educarse, no mejorarse intelectualmente prefiriendo cegarse ante el televisor. En esa vena conspiradora/visionaria circulan dos documentales en la red: Zeitgeist de Peter Joseph y Loose Change de Dylan Avery, dos piezas invaluables para abrir los ojos, para salir del letargo impuesto desde arriba y terminar el hipnotismo que impera en la sociedad de hoy. Además, son un gran ejemplo de la democratización que puede traer consigo el video. Estos documentos audiovisuales están disponibles para todo el que tenga acceso a una computadora y a una conexión a Internet. Es sólo cuestión de querer enterarse. Quizá como recomendación veraniega de humor existencial complementaria a las ideas de Zeitgeist, pero en otra órbita, está la extraordinaria I Heart Huckabees (2004) de David O. Russell, una brillante comedia ácida en la que estrellas hollywoodenses conviven con ideas filosóficas que se expanden más allá de la pantalla. Una película que bien vale la pena ver una y otra vez, tanto por sus atributos cómicos como por la introspección y extensión de las ideas que propone. La trama comienza cuando un joven activista contrata a un par de detectives existenciales para que le ayuden a resolver su caso, y de paso intentar llegar a LA VERDAD existencial del ser humano. De ahí se desliza la resbaladilla.

El argentino Juan José Saer (1937-2005) habla sobre el escritor, pero tal figura puede ser sustituida por la del artista con el simple afán de extrapolar a todas las artes su idea sobre la escritura en su genial ensayo “Una literatura sin atributos”. Un par de párrafos: “...poseer la voluntad de construir una obra personal, un discurso único, retomado sin cesar para ser enriquecido, afinado, individualizado en cuanto al estilo, hasta el punto de que el hombre que está detrás se convierte en su propio discurso y termina por identificarse con él. Todas las fuerzas de su personalidad, conscientes o inconscientes, se encuentran en una imagen obstinada del mundo, en un emblema que tiende a universalizar su experiencia personal. “Todo escritor (artista) debe fundar su propia estética. Los dogmas y las determinaciones previas deben ser excluidas de su visión del mundo. El escritor (artista) debe ser, según las palabras de Musil, un ‘hombre sin atributos’, es decir, un hombre que no se llena como un espantapájaros con un puñado de certezas adquiridas o dictadas por la presión social, sino que rechaza a priori toda determinación.” Cada vez hay menos hombres sin atributos en un mundo cuyo objeto consiste en sumar atributo tras atributo para construir identidades a partir de clichés, de lugares comunes, de arquetipos. El ciudadano acaba siendo lo que compra, lo que escucha, lo que ve, habiéndose perdido en tales cuestiones externas de consumo bajo el olvido del ser, un término enterrado en el fondo de cada individuo, relegado a las profundidades del subconsciente. Después de 21 años que Francia, el país anfitrión, no ganara el festival de Cannes, Laurent Cantet gana la Palma de Oro con Entre les murs (Entre los muros), un cineasta que a pesar de —o gracias a— su corta filmografía, es imprescindible. ¡Bravo! Luego de tres años y medio de vicisitudes un tanto ineludibles, este mes se estrena Ópera y se decide el futuro a corto plazo de Panorama, mi segundo largometraje en post-producción, que podría estar terminado para fin de año. Ambos sucesos son de vital importancia personal, porque aunque la permanencia de Ópera en la cartelera será difícil debido a su naturaleza distinta a la costumbre, la esperanza de que interese a espectadores que me permanecerán anónimos es apremiante. Y si se le da la oportunidad a Panorama, una segunda brecha cinematográfica se habrá abierto en un instante. Pero de cualquier forma la vida sigue, con o sin cine de por medio. M


TXT:: Juan Patricio Riveroll. FOT:: cortesía Artecinema

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Bordertown: El Blues de la Muerte Juárez se ha convertido en un gran cementerio de tortura, en un río de lágrimas y un cúmulo de sufrimiento a manos de seres despreciables que difícilmente se podrían llamar humanos, o más bien, tristemente el ser humano es capaz de una brutalidad inmisericordiosa que, por lo menos en Juárez, parece no tener límites. Gregory Nava, director de cintas como El Norte (1983), My Family (1995) y Selena (1997), logró filmar una película sobre el tema de las llamadas “muertas de Juárez” con estrellas hollywoodenses y un digno presupuesto. Cualquier esfuerzo para poner este tema sobre la mesa es por demás loable. Esta es la muy particular historia de una película que analiza una de las miles de aristas de este vergonzoso caso de negligencia socio-política bilateral entre México y los Estados Unidos de América, —the land of the free—. Aquí lo que platicamos en la entrevista con Gregory Nava a propósito de Bordertown. Antes que nada, felicidades por la película. Creo que es una película que se tenía que hacer. Como cineasta y como un director que siempre ha hecho películas sobre temas sociales, no podía ver esta situación de las mujeres de Juárez y no hacer nada. Terminé el guión en el año 2000, y aunque teníamos la participación de Jennifer (López), nos costó mucho trabajo conseguir los fondos porque es una película con un tema social y no tiene un final feliz, es más bien muy oscuro. Pero finalmente la hicimos y fue una gran lucha de muchos años. Cada año tenía que revisar los números de las mujeres que iban siendo asesinadas y era una tragedia, es una tragedia. Es un problema que cada vez crece más, aunque escuché que últimamente los asesinatos han disminuido, no sé si eso sea cierto. Es posible, pero las personas que tienen esa información son las mujeres de Juárez, las madres. Trabajamos con un grupo de madres de las víctimas. Lo que ellas tienen que decir es 100 veces más importante que lo que yo tengo que decir. Sí, en términos humanos, claro. Después de que ellas hablan en eventos, todos entre la prensa quedan llorando. Vamos a hacer una rueda de prensa en México en la semana que se estrene la película. Estará Maya Zapata, Amnistía Internacional y van a traer a algunas de las madres para que hablen también. Por otra parte dijiste que Bordertown no tiene un final feliz. En relación con la realidad, creo que sí tiene un final más feliz de lo que realmente sucede. Bueno, es que al final de la película los asesinatos continúan. Al final descubren otro cuerpo y Lauren (el personaje de López) dice que la situación continúa igual. Lauren, Eva (el personaje de Zapata) y Alfonso (el personaje de Antonio Banderas) luchan y logran algo porque así es. Quería mostrar que en las luchas sociales es así: sí se logra algo. Con lo que luchan logran algo, pero al final la situación continúa como si no hubieran hecho nada. Pero hay que luchar, ese es el mensaje de la película. Hay que luchar aunque sea algo que no puedes superar, resolver, solucionar, terminar. Tienes que continuar la lucha. Para mí fue un retrato de una lucha social porque he participado en muchas en las que trabajas y logras algo. En esta película se logra algo. Se descubre a la gente, pero finalmente continúa como antes, y eso es parte de la vida.


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¿Supiste de algún caso de alguna mujer que haya sobrevivido, como el que retratas al inicio de la película, o es puramente ficción? Bueno, la verdad es que la película es una ficción, pero sí está basada en eventos reales. Es verdad que hubo dos o tres mujeres que sí han sobrevivido ataques, y en un caso nombró a un chofer de camiones. Entonces sí está basado en realidades, pero al final es una ficción. Eso es lo que hacemos en el cine y en el drama. Está basado en experiencias reales pero finalmente no es real, no está basado específicamente en un evento. Pero cosas como estas sí han pasado. He visto otros documentales sobre el tema y lo que sí se ve un poco más ligero en la película es la manera en que las torturan, porque no nada más las violan. Creo que la violación es lo de menos cuando te das cuenta de qué manera las torturan y cómo las acaban matando, y eso lo dejas fuera. La escena en la que raptan y matan a Eva es muy fuerte. Tienes razón: la realidad es peor, pero tienes que llegar a un cierto nivel como cineasta. Hicimos pruebas con la película yendo más allá de eso y el público no lo podía aguantar. ¿Filmaste planos más fuertes? Más, pero pensando en no perder al público, porque es interesante que pasando un punto, cuando es más terrible, el público se cierra y se sale de la sala o se ríe, porque emocionalmente no puede lidiar con lo que ve: es demasiado aunque sea verdad. Tienes que hacerlo de una manera respetuosa para que no sea explotación. La mayoría de la gente ha elogiado esa escena que comunica lo terrible del caso. Como director, la manera en que finalmente la resolví fue a través del primer plano de Maya Zapata. Podemos ver en su cara cómo sufre, cómo comunica el horror de lo que le está pasando. Para hacer una película y poner imágenes en la pantalla hay que aminorar las cosas y llegar al balance correcto. Cuando exhibimos la película por primera vez a las madres de Juárez, yo pensé que ellas no iban a aguantarla. Antes de la presentación hablé con ellas y les dije que si en algún momento se querían salir del cine, que por favor lo hicieran. Todas ellas perdieron a sus hijas, pero todas aguantaron. Lo que no pudieron aguantar (algunas de ellas se salieron del cine llorando y gritando) fue la escena en donde ella está bajo la tierra y sale de su propia tumba. Cada una de ellas ha tenido ese sueño con su hija.

¿Tienes alguna teoría de quién está detrás de los asesinatos? La que está en la película: que son muchos. Tienes una situación provocada por el Tratado de Libre Comercio (TLC) en la que abren miles de maquiladoras, y la ciudad crece de 200,000 habitantes a 2,000,000 en cinco años. La policía y todos los servicios no pueden aguantar ese crecimiento y todo se sale de control. Cientos de miles de mujeres, sobre todo jóvenes, son empleadas en las maquilas que funcionan 24 horas, y tienen que cruzar la ciudad a una colonia muy lejana porque ganan tres dólares diarios, entonces se vuelve un campo libre de mujeres. Quien quiera matar a una mujer por cualquier razón va a Juárez: hay evidencia de robo de órganos, asesinos seriales, iniciaciones de pandillas... hay evidencia de muchas cosas. Y saben que nadie va a hacer nada, que las autoridades quieren tapar la situación en lugar de investigar y tratar de encontrar a esta gente. El valor de una mujer mexicana en nuestro mundo es igual a cero. Si 5,000 mujeres son asesinadas, ¿qué importa? No le importa a nadie. No le importa al gobierno mexicano, ni al gobierno de los Estados Unidos, ni a las fábricas, ni a las autoridades, ni a la prensa norteamericana. A nadie. Y eso no lo puedo aceptar, porque su vida sí vale mucho, ellas son gente con alma y corazón, con sueños: por eso hice la película. Quería decir: “la vida de esas mujeres sí vale”. Es una injusticia y un abuso que la mujer mexicana y la mujer de Juárez tiene que soportar. Tenemos que parar ese abuso. Quiero llamar la atención ante esta situación, quiero que la gente que vea la película presione al gobierno en México y que presione al gobierno de los Estados Unidos para hacer algo que pare esta tragedia. ¿Qué tanto crees que el cine pueda influenciar al mundo en términos reales? En este caso y en cualquier otro. Tengo mucha fe en el poder del cine y la televisión, porque ha cambiado el mundo. Las imágenes han definido cosas muy negativas, estereotipos que vienen de la televisión y el cine, como el cine latino por ejemplo. Entonces si ponemos historias verdaderas con imágenes positivas, es lógico que también eso pueda influir al mundo. Creo que como cineasta y como un cineasta hispano, mexicano-americano, es mi responsabilidad hacerlo, y es lo que estoy tratando de hacer. M

El valor de una mujer mexicana en nuestro mundo es igual a cero. Si 5,000 mujeres son asesinadas, ¿qué importa? No le importa a nadie. No le importa al gobierno mexicano ni al gobierno de los Estados Unidos, ni a las fábricas, ni a las autoridades, ni a la prensa norteamericana. A nadie. Gregory Nava


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Reinterpretaciones y experimentación cinematográfica

Ópera Después de un sustancioso recorrido por festivales en el extranjero y nuestro país, la primera película del cineasta y crítico fílmico Juan Patricio Riveroll llega a las salas de cine. Escrita, producida y dirigida por este mexicano −quien también es coeditor de cine de nuestra revista de culto− Ópera (2007), por su uso del lenguaje cinematográfico ha sido elogiada por figuras como el consagrado cineasta Nicholas Roeg (Performance, 1970; Walkabout, 1971; The Man Who Fell to Earth, 1976), presidente del jurado del 31º Festival Internacional de Cine del Cairo (en el cual ganó el Premio de los críticos internacionales FIPRESCI, Premio al mejor primer trabajo de un director y Mejor Actriz). En entrevista para Marvin, Juan Patricio detalla las intenciones detrás de este filme que de cualquier forma resulta polémico. TXT:: Silvia Gutiérrez La película definitivamente te pone a pensar. Se agradece que no sea un dramón FOT:: cortesía Juan Patricio Riveroll. −también es atractivo que sea una road movie−, pero quizá no queda muy claro qué une a Marina (Marina Soto) con su amante Pablo (Arturo Ríos). ¿Puede ser por la apatía en el ambiente? Te puedo contestar lo que yo pienso, pero yo creo que en el buen cine eso depende de cada quien, y la opinión de uno es tan importante como la de otro. Ella lo admira mucho sin conocerlo, había leído sus escritos. Él está en la midlife crisis. En realidad no tienen nada en común, pero tardan en darse cuenta de ello. Pero esa es mi interpretación porque además la película no tiene un guión, ella no es actriz y él sí es un gran actor. No fui con nada predeterminado. Sucede igual en la segunda película que estoy terminando: busco sin querer plasmar una idea previa, son más bien una especie de documental-ficción. Y por no tener guión, ¿había muchas posibilidades diferentes para el desarrollo de la historia? Creo que la película recuerda a Twentynine Palms (Bruno Dumont, 2003), con la gran diferencia de que en ésta se nota más la atracción física entre la pareja, pero Ópera no se va por esa línea… Hubieran podido pasar muchas cosas, entre ellas que se desarrollara mucha atracción entre ellos, claro. Lo que pasa es que ella era mi novia en ese momento y eso obstaculizaba un poco que se fueran a enamorar; quizá si yo hubiera tenido un cast diferente… pudieran haberse enamorado realmente y haber desarrollado una química en la película.


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¿Crees que todas las óperas primas son un homenaje a los cineastas que influencian al autor? Para nada. Todo es posible. ¿Cómo es en tu caso? Yo sí hice un homenaje, a muchos cineastas. Me quité el sombrero con todas las influencias porque soy muy cinéfilo. Ese fue mi camino de acercamiento al cine, a diferencia de otros que llegan por lo técnico desde la asistencia en cámaras y ese tipo de cosas. El homenaje más claro es a El desprecio (Le Mépris, 1963) de Godard, es una reinterpretación de ella, así como El desprecio es una reinterpretación de El viaje en Italia (Viaggio in Italia, 1953) de Roberto Rossellini. Pero hay referencias a Elogio de amor, otras a Bresson. Entonces en Ópera si había una intención directa de hacer un homenaje y también de ser muy purista: con cortes muy directos, para que fuera naturalista, como con la música. Toda la que hay viene del coche nada más. ¿Quiénes son tus personajes en Ópera? Son ellos mismos, los actores. Yo hablé con ellos desde el principio. Les dije que yo no dirijo actores, que ellos debían crear a sus personajes y creo que eso hicieron. Son muy naturales, él es un enorme actor y ella ganó el premio a mejor actriz en el festival del Cairo. Los personajes acaban siendo lo que son. No sé qué tanto de Arturo salió en el personaje, eso es para preguntárselo a él, porque yo no lo conozco tanto. ¿En qué sentido se puede decir que “dirigiste” la película? La palabra dirección la entiendo más como un oficio, como parte de la publicidad por ejemplo, algo tradicional. Pero yo no buscaba algo en específico, sino una cierta verdad. Marina tenía miedo al principio de que no le saliera lo que quería, pero tuvo que olvidarse de eso, porque lo que saliera, eso era. Sale mucho de mal humor y así es la película; por eso es más una cosa de autoría y no tanto de dirección. Me encargué entonces del argumento y la realización, decidí dónde iba la cámara, la puesta en escena...

¿Qué retratan los silencios de Ópera? La realidad. Esa misma cierta verdad de la vida de la que hablaba, hay que respetar el silencio que trae la vida. También la película conscientemente va en contraflujo del cine tradicional de entretenimiento, que a veces no le da lugar al silencio. El resultado fue muy intuitivo, pero nunca me puse a pensar si iba a ser una película con muchos silencios, sólo acabó siendo así. Es, como decía Bresson sobre sus obras: “cada película es una tentativa de cine”, una experimentación. No traté de hacer “la obra”, con un guión perfectamente detallado, sino que comportara un proceso hasta la edición, para abrir más caminos y no estar cerrados a las fórmulas convencionales. ¿Es por alejarte de la narración? De algún modo sí, porque yo le tiro más a hacer cine de ensayo, como el de las últimas películas de Godard o Inland Empire de David Lynch, en las que se tratan ideas y filosofía a través del cine para que al final éste hable de cosas de las que sólo él puede hablar. Cuando se inventó el cine lo más fácil fue copiarle al teatro y la literatura. Puede involucrar narrativa pero debería ser una copia. Creo que en una primera película no te puedes salir tanto de ahí, se podría pero no me parece tan conveniente, por eso Ópera tiene un aspecto claro de narrativa. M Otros festivales en los que ha participado Ópera: 56º Festival Internacional de Cine Mannheim-Heidelberg, 2007 8º Black Movie Festival de films des autres mondes (Ginebra), 2008 8º Festival Internacional de Cine Era New Horizons (Wroclaw, Polonia), 2008 9º Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria, 2008 9º Festival Internacional de Cine de las 3 Américas (Québec), 2008 10º Festival Internacional de Cine de Mumbai (India), 2008 18º Cinequest Film Festival (California, E.U.), 2008 26º Festival Internacional de Cine de la Cinemateca Uruguaya, 2008 1º Festival de Cine Latinoamericano (Oaxaca), 2007 3º Festival Internacional de Cine de Acapulco, 2007 11º Festival Internacional de Cine Expresión en Corto (Guanajuato), 2007 5º Festival Internacional de Cine Contemporáneo de la Ciudad de México (FICCO), 2008


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Manual de una dulce chica explosiva para conquistar rockstars

TXT:: Natalia Cano. FOT:: cortesía Carrie Borzillo-Vrenna. Imagina que Chris Vrenna (tecladista de Marilyn Manson, ex baterista de Nine Inch Nails, fundador de Tweaker, y ganador de un premio Grammy) te preguntara: “¿Quieres ir a cenar la próxima semana?” Debido a tus posibles reacciones, él podría arrepentirse. Al final te quedarías sin cena, pero sobre todo, sin uno de los sueños que casi todas las mujeres han tenido alguna vez: salir con un rockstar. Ahora viene la buena noticia: hay una mujer que sabe cómo ligarse a un músico famoso, y te lo puede enseñar. Ella es Carrie Borzillo-Vrenna, y una noche escuchó esas palabras mágicas. Sucedió en la zona VIP, durante un concierto de Garbage, en el Palladium de la ciudad de Los Ángeles. Desde hace ocho años es esposa de Chris Vrenna, y decidió compartir su experiencia en el libro Cherry Bomb: The ultimate guide to becoming a better flirt, a tougher chick, a hotter girlfriend, and living life like a rockstar. Pero el nuevo libro de Borzillo Vrenna es además un manual para vivir como toda una chica rocker, y qué mejor si además los consejos vienen de famosas como Tori Amos, Dita Von Teese, Louise Post (ex Veruca Salt), Lisa Loeb, Nicole Lee y miembros de SuicideGirls.com. En entrevista la autora nos dio los detalles sobre su nueva obra. ¿Cómo nació la idea de escribir una guía para mejorar las técnicas de seducción y vivir la vida como una rockstar? Mi idea original fue un libro con consejos para ligarte rockeros, pero en un sentido mucho más irónico: una especie de guía humorística para lograr citas con músicos. Esa primera idea encaminó este proyecto. Fue entonces cuando le di un giro, y lo convertí en un libro de estilo de vida para una chica rockera.

¿De dónde viene el título? Mis amigos de MySpace (www.myspace.com/carrieborzillovrenna) dieron cientos de sugerencias, pero nada encajaba con las ideas de mis publicistas. Una noche, Chris (Vrenna) y yo pensábamos en ideas para el título. Después de una botella de vino —y una larga noche— recordé cuánto me gustaba la canción “Cherry Bomb” de The Runaways. The Runaways era un grupo femenino de adolescentes, y su actitud rebelde resume muy bien esta yuxtaposición de las palabras “cereza” y “bomba”, porque mientras las cerezas son dulces, las bombas son letales. Así me considero a mí misma: dulce y explosiva. ¿Qué descubriste durante el desarrollo del libro? Definitivamente, este no es un libro del club de lectura de Oprah, con algún significado profundo. Es un libro para divertirse, y para que lo conviertas en algo útil en tu vida. Sin embargo, aprendí que muchos de los conocimientos que alguna vez pensé que eran inútiles, ahora le sirven a otras personas, y eso me hace sentir realmente bien. ¿Cómo seleccionaste los temas de este libro? ¿La mano masculina estuvo involucrada en alguna parte de Cherry Bomb? Fue muy fácil y divertido organizar las 86 diferentes ideas en el libro, aunque tuve que omitir varias. He pensado en que guardaré esos artículos para otro libro o revista, o quizá podría postearlos en mi nueva página en cualquier momento. Básicamente escribí de todo lo que sé y todo lo que amo. Lo curioso es que aunque este es un libro escrito por una mujer, aconsejada por sus amigas famosas, muchas de las ideas las aportaron hombres, quienes finalmente son el objetivo a seguir en algunos de los capítulos.


75 ¿Dónde conseguir Cherry Bomb? Cherry Bomb es editado por Simon Spotlight Entertainment, y puedes adquirirlo en www.amazon.com, o a partir del 5 de agosto en librerías de Estados Unidos.

Sobre la autora Carrie Borzillo-Vrenna ha sido editora y colaboradora de revistas como Billboard, Spin, People y Alternative Press. Además, participó en una columna sobre sexo para la revista de Gene Simmons (Kiss). En 2002, la periodista publicó un libro biográfico sobre Nirvana titulado Eyewitness Nirvana: The Day-by-Day Chronicle. Actualmente reside en Los Ángeles, y colabora en RollingStone.com.

Chris, que siempre interviene en todos mis proyectos, escribió el segmento “Tour Bus Haiku” para el capítulo “Tour Bus Etiquette”. El libro no lo menciona, así es que los lectores de Marvin son los primeros en saber que Chris lo escribió. Es tonto, pero bonito, y es algo así como: “Un autobús de gira Haiku Los camiones para las giras pueden ser divertidos, Si sigues ciertas reglas, Puedes seguir una, pero nunca dos”. ¿Hay algún consejo dado por alguna de tus entrevistadas que sea muy significativo para ti? Tori Amos escribió el capítulo “Tres razones por las que vivo”, mismas que ella resume así: tener disciplina, recargar tu mente, cuerpo y espíritu y mantener tu fuente de creatividad como un centro. Por supuesto que esas tres cosas son algo que debo recordar y hacer siempre. Fue bonito aprender algo en mi propio libro. ¿Cuál es tu concepto de “chica bonita”? Mis iconos de belleza siempre han sido más alivianados y sexys. “Bonita” no es una palabra que esté en mi vocabulario. Me gustan las bellezas poco convencionales, creo que es más interesante de esa forma. Prefiero la belleza de Sarah Jessica Parker, Frida Kahlo y Christina Ricci sobre la de Jessica Simpson, Hilary Duff o Cameron Diaz. Un estudio realizado por Dove arrojó que algunas mujeres estarían dispuestas a renunciar a parte de su inteligencia a cambio de ser más bellas. ¿Cuál es tu opinión? ¡Qué enfermo! La inteligencia es la cualidad más hermosa que una mujer puede tener. En ese sentido, hay un mensaje fuerte en mi libro acerca de cómo la confianza está en tu mente. Si piensas que eres bonita y sexy, y puedes transmitir esa confianza, entonces los demás te verán de esa forma. El capítulo “Actitud, confianza, sex appeal y trabajo” está enfocado a ese tema. M


o h c e r 76 e d l o e t r y ue e v m a e C s r k a c i d N que a

Las letras bucólicas y narrativas cobran una importancia fundamental en toda su obra, y son buena muestra de la originalidad de su concepción apocalíptica del mundo en la áspera realidad urbana del siglo XXI.

TXT:: Andrés Sánchez-Juárez. FOT:: cortesía Anti Records Andrés Sánchez-Juárez conduce El Visisonor los domingos a las 21 hrs. por Ibero 90.9 FM.


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Las estrellas de rock han sido siempre motivo de innumerables anécdotas, extravagancias, escándalos, líos con la justicia e incluso muertes sorprendentes. Algunos son la anécdota misma expresada a través de sus ideas y criterios bizarros: “Desde que recuerdo, por haber escuchado la historia de Lázaro en la Iglesia cuando era niño, siempre me sentí turbado y preocupado”, comenta Nick Cave en relación a su decimocuarta y última producción recientemente publicada Dig!!! Lazarus, Dig!!! (2008), y continúa: “Me sentí traumatizado. Todos admiramos los milagros de Cristo: ¡levantar a un hombre de la muerte! Pero nunca pude evitar preguntarme cómo se sentiría Lázaro. De niño me daba miedo, para ser honesto. Tomé a Lázaro y lo trasladé a la ciudad de Nueva York para darle a la canción un sentimiento más contemporáneo, más actual. También estuve pensando en Harry Houdini, quien pasó gran parte de su vida tratando de desenmascarar a los espiritistas que lucran con el dolor que padecen los que perdieron a un ser querido. Él creía que no hay nada más allá de la tumba. Harry fué el segundo escapista más grande de la historia, el primero fue desde luego Lázaro” y concluye: “A veces si escuchas por la noche atentamente la canción podrás oír la voz de Harry y el triste sonido de sus cadenas.” Para los que pensábamos que era difícil superar su álbum previo Abattoir Blues/ The Lyre of Orpheus (2004), The Bad Seeds nos recuerda que desde un lejano 1984 y un primer título, From Her To Eternity, la banda no tiene un solo disco malo y ni siquiera alguno regular; todos oscilan entre lo bueno y lo excelente. Intenso, sombrío, burlón, irónico, siniestro, melancólico y apasionado, Nick Cave parece encarnar una rara combinación de Lou Reed con Bob Dylan en su estilo y discurso musical. Pero a diferencia de ellos, posee una viril y bien templada voz de barítono. Nicholas Edward Cave nació el 22 de septiembre de 1957 en Warracknabeal, Australia. Escritor, músico y actor, es además un sobreviviente a los malos hábitos de la heroína que, dicho sea de paso, marcó la primera parte de su carrera. Como hijo de un profesor de literatura y de una bibliotecaria, Nick es el referente de las siempre bien cuidadas y pulidas letras de sus canciones. En cuanto a su música, que es contemporánea al desarrollo de los movimientos góticos y dark de murmullos electrónicos o rebuscados, Cave encontró la expresión oscura, lóbrega, tétrica y tenebrosa a través del realismo nihilista de una poesía cínica e impactante, combinada con un sonido áspero, rudo, seco y

experimental. En el tiempo de lo que se llamó el rock alternativo, —whatever that means— Cave fue el más alterno de todos. Es dueño de una personalidad pendular que se proyecta tanto en su música como en su vida sentimental. La amalgama entre el que probablemente es su disco más fresa, poético y orquestal, The Good Son (1990 y su noviazgo con Kylie Minogue), contrastan con la argamaza de su álbum Murder Ballads (1996), con temas de historias de asesinatos, y su relación con PJ Harvey. Las letras bucólicas y narrativas cobran una importancia fundamental en toda su obra, lo mismo que en la historia de Larry —Lázaro—, son buena muestra de la originalidad de su concepción apocalíptica del mundo en la áspera realidad urbana del siglo XXI. Larry no desea la resurrección: nadie se lo preguntó. Cuando por fin descansaba en la muerte, un impertinente taumaturgo lo revive y lo condena a arrastrar una vida perdida que da tumbos y rebotes entre la violencia, las drogas, el sexo y el amor insatisfecho. Todos los relatos en Dig!!! Lazarus, Dig!!! como en el corte “Hold On To Yourself”, son versados entre ráfagas onomatopéyicas de violas y guitarras eléctricas y acústicas con parcos golpeteos percusivos: I’m so far away from you I’m pacing up and down my room Does Jesus only love a man who loses?

Como siempre, destacan las colaboraciones de Warren Ellis en la ejecución de la viola, el violín y la mandolina eléctrica como en “Lie Down Here (And Be My Girl)” y de Mick Harvey en el piano y demás teclados, como en “Jesus Of The Moon”. Recorrido un largo trayecto desde sus inicios góticos con The Birthday Party a principios de los ochenta hasta el garage post punk de su proyecto simultáneo Grinderman en el presente siglo, en el último track The Bad Seeds y Nick Cave se despiden con “More News From Nowhere”: Don’t it make you feel so sad, don’t the blood rush to your feet to think that everything you do today, tomorrow is obsolete? M


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10 películas veraniegas TXT:: Óscar Uriel.

Verano: Estación del año que te remite a olores, canciones, amores y cine. Es inevitable asociar esta temporada con algún filme que te remita a un momento pasado de tu vida, cuando la libertad y la inocencia se encontraban aún en nuestra cotidianidad. A continuación me gustaría enlistar (en cuenta regresiva), diez películas que, a título personal, me provocan recordar algún verano en mi vida, al mismo tiempo que un sentimiento de nostalgia invade mi cabeza. Siéntanse libres de armar su propia lista.

10. Secretos del Corazón (1997) Dicen que los españoles están obsesionados con retratar la etapa franquista en su cine, sin embargo, hay pequeñas “joyas” que hacen la excepción, como este filme que capta perfectamente la ingenuidad de los protagonistas en un verano campestre en los sesentas. Javi es un niño precoz que visita la aldea de sus familiares. Durante ese tiempo resolverá viejos misterios que rondan a su familia por años, a la par que descubre el sentimiento de la verdadera amistad. El realizador vasco Montxo Armendáriz dirige a un elenco de estupendos actores de la talla de Carmelo Gómez, Charo López y Silvia Munt, pero es el pequeño Andonio Erburu quien se roba la película.. La banda sonora incluye canciones como “Dame”. Esencial.

9. Cuenta Conmigo (1986) Esta película de Rob Reiner bien podría ser la mejor adaptación de una novela de Stephen King a la pantalla grande y vaya si estamos hablando de un logro. La entrañable cinta se ha convertido en todo un fetiche generacional (al cual, confieso, pertenezco) por provocar inmediatamente un golpe de nostalgia proveniente de los eclécticos ochentas. Un grupo de amigos, encabezados por los emblemáticos River Phoenix, Corey Feldman y Wil Wheaton, viven un verano inolvidable alrededor de sus problemas familiares y de un singular cadáver. Un extraordinario retrato del fin de la inocencia.

8. Vaselina (1978) No podríamos excluir un musical de verano en nuestra lista, y menos uno como Vaselina. El realizador Randal Kleiser, traduce un musical menor de Broadway y lo convierte en un fenómeno fílmico, inclusive para nuestros tiempos, además de crear las imágenes icónicas de John Travolta y Olivia Newton John, como los eternos colegiales que recuerdan sus noches de verano. La banda sonora es por demás contagiosa tocada en el marco perfecto, como son los días y las noches de escuela. Indispensable.

7. Muerte en Venecia (1971) Podría ser o no la obra maestra de Luchino Visconti, pero lo que es innegable es la trascendencia cinematográfica de sus imágenes. Dick Bogarde interpreta al aburrido compositor Gustave Aschenbach, nuestro protagonista obsesionado con un adolescente de nombre Tadzio, en una exótica locación veneciana, mientras Silvana Mangano y otros italianos de la alta sociedad son testigos silenciosos. La cinta está basada en un texto de Thomas Mann, y las consecuencias son más que memorables. Un verano que sirve como marco para una historia sobre la búsqueda de la belleza y la incapacidad de hacer algo cuando la encuentras.


6. A Pleno Sol (1960) Antes de la versión de Anthony Minguella, el francés René Clément ofreció una singular interpretación del éxito literario de Patricia Highsmith, y lanzó en plan estelar el rostro de Alain Delon, quien hizo propia la personificación de Tom Ripley. Es una cinta que nos recuerda lo mejor de Hitchcock: mascaradas, dobles agendas, personalidades usurpadas, todo en un set sofisticado y el calor de un verano. A eso hay que incluir la sugerente banda sonora del gran Nino Rota, así tenemos como resultado un relato amoral mucho más atrevido que la versión del blando Matt Damon.

5. Los Goonies (1985) De regreso a los ochentas con esta cinta de aventuras, más que emblemática para toda la generación X. Un par de hermanos poseen un mapa que los llevará a encontrar un tesoro que les permitirá, a su vez, salvar su casa. El realizador es Richard Donner, quien trabajó con un guión de Steven Spielberg y Chris Columbus, sin duda conocedores de las fórmulas de éxito de Hollywood. La película no fue el trancazo que se esperaba, aunque se quedó dentro del bagaje de todo una generación, además representa el sueño que todo niño desea vivir, principalmente de quienes que andamos en los treintas. Incluye una rola de Cyndi Lauper.

4. Almohada Para Tres (1982) El lugar es la isla griega de Santorini, el pecado es un ménage á trois que escandalizó en su época. Una digna película “prohibida” de verano es este filme protagonizado por los entonces jóvenes Valerie Quennessen, Darryl Hannah y Peter Gallagher, quienes se embarcan en una aventura erótica que para estos tiempos, resulta ingenua. La historia es por demás simple: dos aventureros jóvenes en busca de emociones fuertes en la playas griegas, se encuentran con una belleza europea y deciden formar un singular trío. A esto se le suman impresionantes paisajes, así como dos o tres canciones de Chicago y Depeche Mode.

3. Nunca en Domingo (1960) De la autoría del desaparecido Jules Dassin, este es un brillante filme basado en la gastada anécdota de la prostituta que tiene corazón. Lo que hace única a esta película, es la imponente presencia de Melina Mercouri en un fantástico set griego (de nueva cuenta) donde los domingos se come, canta y baila. La atmósfera de esta cinta es por demás invitante a un singular verano, en donde se dejan a un lado las ideas filosóficas, para sumergirse en la pasión y el deseo acompañado de una canción que forma parte de la historia de cine.

2. Verano del 42 (1971) Pocos rostros tan bellos como el de Jennifer O’Neill, en lo que puede ser la historia de amor más simple, pero más representativa de un verano. Es la típica historia de un adolescente enamorado de una mujer mayor que él ( ¡22 años! ), además de ser prohibida por estar casada. Es tierna, compasiva y dolorosa, como suele ser el despertar romántico de cualquier jovencito. Muchos la criticarán de cursi y melosa, pero los invito a negarse ante los encantos de esta pequeña joya de la década de los setentas.

Casi Famosos (2000) Es casi imposible distinguir a un verano emblemático sin su música. Esta película los mezcla perfectamente. Es la historia de un adolescente, cronista de una revista de música, quien se embarca en una gira acompañando a una banda de rock. El sueño de muchos para pasar un verano inolvidable. Cameron Crowe lleva a la pantalla grande las aventuras de este adolescente, quien se enfrenta al amor por una groupie que se hace llamar Penny Lane, a la rebelión en casa, y a todo el universo del sexo, drogas y rock’n roll. ¿Qué más se puede pedir? M

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El sitio del verano

Summertime And the livin’ is easy Fish are jumpin’ And the cotton is high George e Ira Gershwin

TXT:: Rafael Toriz. Seres destinados al tiempo, nuestras vidas son una sucesión ininterrumpida de distintas y similares coloraturas. Ya sea que se trate de estancias tropicales, gélidas o templadas, siempre nos encontramos sujetos a las inclemencias del ambiente. De entre las cuatro posibles estaciones –imágenes a su vez de los períodos de la vida– el verano es el territorio que conjunta el vigor con la libertad y el placer con el descontrol. La llegada del verano –en la acepción monotemática que promueven las sociedades de consumo– es una invitación a la sensualidad y al libertinaje, al ocio desaforado y al recuerdo radiante: evocar el verano, para una generalidad en la que me incluyo, es recordar la vida descalzo (la expresión es de Alan Pauls y alude a la playa), el sol infinito, la experiencia del viaje, el calor sofocante y algunos encuentros amorosos tan duraderos como una paleta de hielo en un microondas y tan intensos como la luz de un cocuyo en una noche de perseidas (fue Olivia Newton John quien cantó con inocencia “Summer loving happened so fast “ en Vaselina (1978) junto a un rudísimo y delgado John Travolta). Recordar el verano es ubicar un sitio intangible que acaso no viva más que en las opacidades de las fotos no digitales, las mentiras de la memoria y el resabio de temas musicales que tan pronto como llegaron se extinguieron para siempre. El verano, como el paraíso divino, es un lugar del que hemos sido expulsados y al que sin embargo podemos retornar, eventualmente, como a los paraísos artificiales.


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Fábulas sin moraleja

Es de sobra conocida aquella fábula que cuenta la historia de una perseverante hormiga que durante el verano se la pasa trabajando para asegurarse sustento durante el invierno; mientras que una “holgazana” cigarra no hace otra cosa que cantar y bailar sin preocuparse por su futuro. Desde que escuché la historia por vez primera, siempre abominé de la pésima moraleja que encierra el relato y de la mezquindad de la hormiga, quien no tuvo reparos en realizar su actividad cansina al cobijo de la alegría, la buena vibra y la gratuidad de la belleza del canto de la cigarra, metáfora del artista donde las haya. Este ejemplo preclaro de egoísmo encierra una deontología moral reprobable que obliga a despreciar a la sociedad “improductiva” y a sentirse mal por disfrutar la vida a plenitud, ese derecho a la pereza que no sin acierto defendió Paul Laforgue, yerno para regocijo de la ironía histórica de Karl Marx. No pocos han sido los artistas que han hecho del verano, en buena medida distrito inmaculado del deleite, un sitio cercado y palpable, dando rienda suelta a su temperamento de cigarras. El italiano Cesare Pavese (1908-1950), autor entre otros libros de Trabajar cansa, La playa, El bello verano y La luna y las hogueras, es un escritor que nos muestra –a través de su memoria atávica– una de las características del “verano de la vida”: la pérdida de la inocencia y la imposibilidad de habitarlo a perpetuidad. En su obra el acto de volver al pasado se revela como un ejercicio que entraña una amarga tristeza no exenta de una discreta dosis de dulzura, de calor diferido que si bien no conforta sí constituye un testimonio de otros tiempos, acaso mejores. Pavese es un escritor, como la mayoría de los excelentes, corroído por el paso del tiempo: por la reminiscencia espectral de otros lugares vistos con otros ojos. El italiano es un otoño entrado en invierno que mira más con deseo que nostalgia eso que ya no es y nunca más será. Otro escritor de similar temperamento pero vuelto hacia el placer y la alegría, Roland Barthes (1915-1980), escribirá en Mitologías –libro espléndido por donde se le vea– “El escritor en vacaciones”, un ensayo tan desmitificador como pertinente. Sostiene el francés: “La prueba de la maravillosa singularidad del escritor es que durante esas tan comentadas vacaciones, que comparte fraternalmente con obreros y dependientes, no deja de trabajar, o al menos no deja de producir. Falso trabajador, también es un falso vacacionista. Uno escribe sus recuerdos, otro corrige pruebas, el tercero prepara su próximo libro”. El párrafo es un relámpago. Acostumbrados al ocio (im)productivo, buena parte de los escritores no descansan ni siquiera en días de asueto; lo que por otra parte no implica que en “días laborales” no puedan pasarse la vida al ritmo de la rumba y la maraca. Entre el amplio espectro de los “servidores” del arte creo que los escritores son conspicuos habitantes del sitio del verano, ese lugar que más que visitar de vez en cuando (si en algo estimula la lectura es por su consentimiento del viaje sin boleto) los habita a plenitud. Todos los veraneantes son consumados sibaritas.

Para sitiar el verano es preciso mencionar la ópera Porgy and Bess realizada por George Gershwin (1898-1937). La composición, parte fundamental de la banda sonora de occidente, es un reflejo dichoso de la cultura del sur negro de Estados Unidos en matrimonio con la tradición sinfónica europea. Es imposible no estremecerse ante el profundo e inefable moaning del segundo movimiento “Summertime”, interpretado por Ella Fitzgerald y Louis Armstrong. Posteriormente se destacarían los covers de Frank Sinatra y Janis Joplin, así como las ejecuciones hechizantes de Charlie Parker, Miles Davis y John Coltrane. “Summertime” más que un ícono es un himno de cálida tristeza en expansión. Por otro lado resulta obligado referirse al mítico y tempranamente muerto Eddie Cochran (1938-1960), autor de uno de los máximos éxitos del rockabilly, “Summertime Blues” género en el que se destacarían Elvis Presley, Johnny Cash, Jerry Lee Lewis y Chuck Berry. Las composiciones y las letras de Cochran serían una influencia en mayor o menor medida en grupos como The Beatles, The Who (quienes interpretaron una versión molesta de “Summertime Blues”) y en personajes tan aparentemente disímiles como Sid Vicious o Mick Jagger. Otro grupo que ha hecho su agosto con el verano (valga la redundancia climática para este parte de la tierra) han sido los galeses de Manic Street Preachers, quien con el tema “Indian Summer”, tercer sencillo del disco Send away the tigers, han construido con bellísimo acierto un lugar para el verano, la esperanza y la nostalgia: una canción armoniosa y liviana. Finalmente no puedo dejar de pensar en el Verano porteño de Piazzolla, pieza que consigue instalarme en cuestión de segundos en mi primera niñez (aunque nunca en la misma medida ni con la magia perfecta del Chorus 1 de Heitor Villa-Lobos), cuando escuchaba a mi padre tocar su guitarra hasta bien entrada la madrugada. Recordar aquellas noches con la casa apagada mientras todo era llenado con sonidos de ese pozo de viento es, de alguna manera, regresar a la alegría. El verano, como cualquier otra estación, es una disposición del ánimo, un territorio que se puede recordar, olvidar, celebrar o ignorar pero en el que está prohibido echar raíces. El verano es un estado mental: una ensoñación hermosa y alucinante como nos enseñara Shakespeare en A midsummer Night’s dream, jardín en el que nada es lo que parece y no obstante todo es maravilloso y verdadero. El verano es un sueño lúbrico y narcótico. Al ser transitorios como el planeta que nos contiene, estamos condenados a vivir el otoño y a sucumbir con el invierno (cabe también la posibilidad de morir en primavera o de brincarse estaciones). Intentar aprehender un lugar tan incierto y a la vez tan seductor con la fragilidad de los recuerdos o la cortina de las palabras no puede sino ser un acto de fe que se resuelve en espejismo: ya no somos lo que fuimos ni estaremos donde estamos. Seremos otros. Sin embargo, pese al calentamiento global y las heladas imprevistas, mientras guardemos la conciencia de un pasado, aún podremos viajar a sus gloriosas costas melancólicas; ese lugar que conocimos en el sueño de una noche de verano. M


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La persistencia del Beat TXT:: Humberto Polar.

Pablo Britos trabaja intensamente para que la cultura electrónica de calidad se mantenga viva en México.

Entre los mitos e imprecisiones que rodean a la escena de la música electrónica en Latinoamérica, uno de los más difundidos y cíclicos es que “está casi muerta”. Quién sabe por qué hay tanta gente que la quiere ver morir. Es cierto que en la mayoría de países latinoamericanos la cultura electrónica no ha permeado en públicos extensos de la manera en la que lo ha hecho en, digamos, Alemania, Francia o España. También es cierto que cuando se trata de opciones y subgéneros más propositivos las audiencias no reciben la suficiente información masiva que les permita tener opciones, comparar y no sólo seguir los dictados comerciales que llevan a mucha gente a pensar que lo único que vale la pena es Armin Van Buuren o Tiesto, que a veces es lo único que no vale la pena. De pronto Chile, Brasil y Argentina producen más artistas destacados en la escena mundial que México, pero eso tiene más que ver con circunstancias de distribución y ubicación que necesariamente de talento. El famoso “estar en el lugar correcto en el momento indicado” (que en estos días significa prácticamente estar en Berlín) ha servido para posicionar nombres como el de Ricardo Villalobos, Gui Boratto, Franco Cinelli, Pier Bucci o Luciano en la estratósfera de la electrónica creativa. Y vaya si estos son artistas talentosos. Pero hay muchos otros nombres con muchas otras propuestas. Lamentablemente, los espacios y personas que se esfuerzan para hacer conocidas estas propuestas, es la carencia mayor de nuestras escenas. Por eso es tan refrescante conocer el trabajo de Pablo Britos. Un excelente DJ que decidió no quedarse en las glorias efímeras de sus propios sets, sino que tomó el camino difícil: promover la cultura electrónica propositiva en México y abrir, a veces a pulmón, más espacios para más artistas locales. Pablo Britos nos cuenta qué es lo que ha hecho, hace y quiere seguir haciendo en sus propias palabras. Sobre los inicios Nací en Córdoba, Argentina. Me empiezo a involucrar con la música electrónica allá, a mediados de los 90. Aunque había una escena más bien “trancera”, me dí cuenta que había espacio para sonidos más interesantes, destellos del underground. Eso me cautivó y empecé a hacer parte de estos eventos, a aprender sobre esta cultura, muy pequeña aún, destellos en realidad. En el 99 me fui a Buenos Aires a mirar qué pasaba con las fiestas por allá. Tuve acceso a música nueva, monté mi pequeño estudio, mi setup, y empecé a practicar mi técnica como DJ. En ese mismo año me fui a trabajar a Miami y rápidamente me involucré con la escena de los pequeños bares de Washington Av. Estuvo bien la experiencia en Miami, pero no me gustó lo que pasaba allá musicalmente. Empecé a buscar nuevos espacios. Por aquellos días, una productora llamada Kunlap me trae a México por dos semanas para un trabajo. Me cautivó México. Sentí que era un lugar donde podía sentar cabeza y desarrollar la idea que tenía. La música que traje para ese evento funcionó muy bien. Sentí que algo grande podía pasar entre México y yo. A fines del 2000 ya estaba viviendo aquí.


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Sobre empezar en México Ya viviendo aquí empiezo a buscar. A buscar escenas, clubes, espacios, referencias. Fue una época en que me di bastantes golpes, pero también aprendí muchísimo. Me formé mucho en los primeros meses. Tuve la suerte de conocer a Marco Victoria, que en ese momento era el gerente de un club que andaba muy fuerte, el Rioma en el DF. Marco me apadrina y me da un espacio los días miércoles, tanto para trabajar yo como para traer artistas internacionales. Siempre pensé que podemos aprender mucho de ver tocar artistas con otras culturas e influencias y compartir nuestros espacios con ellos. Ahí empieza un crecimiento fuerte para mí. Estuve haciendo eso hasta el 2004. Luego empiezo a viajar por México. Consigo una residencia en el Club La Habana de Monterrey. Empiezo a hacer muchas fiestas privadas. Diría que mis vínculos más fuertes son con la escena del DF y de Monterrey, más allá de que hago trabajos con el Bar Américas de Guadalajara. He estado con la música en casi todo el territorio nacional, en Playa del Carmen, en Cabo San Lucas, en muchísimas otras ciudades. Sobre buscar nuevos sonidos Desde hace dos años y medio tengo un sello llamado Pino Rec, que codirijo con Andrés Oddone. Andrés está en la Argentina. A través del sello tenemos oportunidad de oír y conocer muchas cosas nuevas. Tenemos en el sello proyectos como Tremor, Frikstailers, Sandro Lee, Zort. Por ejemplo, Zort es un grupo que lleva más de 10 años tocando y haciendo música muy propositiva y original. Frikstailer es un dúo que tocó en Experimenta de Madrid, un festival que es una referencia en la música experimental en Europa, que ha hecho una gira europea, que ha tocado en Berlín, Glasgow y otras ciudades. El año pasado en el Mutek México tuvimos la oportunidad de hacer un showcase de Pinorec y trajimos a Tremor, a Yoshihiro Hanno, a Lucas Ortega, a Mijail Stravostrand. Nos importa que la gente pueda ver en Pinorec propuestas en vivo, distintas a los dj sets. Las decisiones de lo que lanzamos las tomamos compartidamente con Andrés Oddone y Natalia Brito, que está aquí en México. Para nosotros el 50% de la decisión pasa por la calidad humana del artista, obviamente la música debe ser de calidad y tener una propuesta honesta. Pero la parte personal es importante para nosotros. Todos nuestros releases han sido digitales, en CD. Ahora quieren hacer una rama de Pinorec llamada Pinotec, basada en México. Vienen además unos 7” de remixes de Frikstailers y de Switch. Sobre promover una cultura Soy más un productor y un promotor que un DJ en este momento. Me hace feliz dedicar mi energía a buscar talentos en México y también en el exterior. Me interesa promocionar las buenas propuestas y los nuevos artistas que van saliendo en México. Puedo hacer esto porque después de ocho años aquí tengo acceso a muchos espacios, he podido conseguir hacer de esto algo viable. Es una etapa nueva de mi vida que inicié hace año y medio y quiero llevar lejos. Los nuevos talentos necesitan un espacio. El proyecto a través del que lo hago se llama Nómada. Como su nombre lo dice, Nómada es un evento que rota en diferentes espacios, distintas ciudades, cada quince días. Se trata de llevar a tocar a una cantidad de muy buenos músicos mexicanos que ya están exportando sus producciones al exterior. Me llegan muchos trabajos que creo que están bastante bien. Eduardo Pinto y Balcázar de Guadalajara, Lego del DF... hay muy buenos productores que ya están un poquito más posicionados. Me interesa darles un espacio a estos talentos chiquitos que tienen un gran futuro. Nómada también trae artistas de fuera como Dan Curtin o Yoshihiro Hanno. Estos artistas te dejan mucho cuando compartes el escenario con ellos, es una gran escuela. Sobre vivir de la música electrónica en México Siempre ha sido y será difícil, pero las cosas están cambiando en el mundo. Es importante conocer bien los nuevos medios. La revolución de la venta de música por internet ha acortado el tiempo entre que un track salga y llegue a tus manos. Aunque a todos nos encantan los 12” de vinilo, para los productores y los dj’s los medios digitales aceleran los procesos. Así es más viable que los productores/músicos locales puedan vender su música en el mundo. En cuanto a que los músicos y dj’s se presenten, es importante la constancia. Por ejemplo, el trabajo que ha hecho


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Ramón González en el Bar Américas es un trabajo consistente que lleva más de 5 años, impulsando talento local y de la república todas las semanas, e internacionales una vez por mes, cada jueves. Eso ya se extendió a la Universidad de Guadalajara y a otros espacios de esa ciudad. Así se va forjando una cultura. Estuvo la semana pasada Señor Coconut, está ahora Sigur Rós. Son bandas alternativas pero muy pegadas a lo que nosotros hacemos. Guadalajara está creciendo. En Ciudad Juárez está lo que hace el Hard Pop, un club que lleva talentos todo el tiempo y comunican bien su trabajo. Monterrey es un poco más inconstante. Aquí en el DF, el AM local es un lugar que me ha apoyado incondicionalmente. En Satélite está el Play, que insiste en mostrar a su público nuevos artistas locales e internacionales, música siempre interesante. El Mutek es un festival muy necesario para ampliar esta cultura. Con Nómada, queremos desarrollar espacios propios para poder responder a eso de la constancia. Sobre la carrera Estoy sacando dos tracks en el sello Crema, de Argentina, de Daniel Cevallos. También he sacado compilados en Pinorec. Pero la verdad, en este momento, disfruto más de ser promotor y apoyar a otros artistas. Me gusta hacer el warm up y que después venga el artista, prefiero eso a ser el centro de la fiesta. Creo que en México he tenido grandes oportunidades y por eso me considero un artista mexicano. Aunque me encanta volver a Córdoba de cuando en cuando y tocar. Allá hay muy buenos clubes como el Infierno, el Dorian Gray. Me gusta volver a casa. Al principio de mi carrera había mucho de ego en eso de querer ser el DJ principal, el centro de la fiesta. Ojo, me encanta ser DJ y lo seré siempre. Pero ahora de verdad me interesa que haya un crecimiento para todos, poner los espacios que he logrado para abrirle las puertas a otros. Que a la gente talentosa no le cueste tanto llegar a hacer su carrera como me costó a mí en su momento. Estos tiempos son mucho más rápidos. Sobre el estado de la música electrónica Creo que no hay decadencia en la música electrónica sino en los estilos. Es decir, de pronto decae por un momento el house, o el techno, o el minimal, pero la música electrónica tiene la capacidad de generar siempre buenos sonidos. Además los chicos que van creciendo tienen cosas nuevas en la cabeza y eso se traduce en nueva música, en nuevas cosas interesantes. Cuando no escucho música de club, escucho música contemporánea y experimental. Estuve vinculado a la organización del último festival Radar y tuve acceso a muchas cosas interesantes. Me gusta mucho Fennesz, Ryuichi Sakamoto, Alva Noto, les presto mucha atención. En cuanto a música de club, escucho cosas tipo Samim, Circo Loco, Cadenza... me gusta la música alegre, que te deja una sonrisa siempre. M

Conoce más del trabajo de Pablo Britos en: www.pinorec.org www myspace.com/pinorec Algunos links a productores/músicos electrónicos de México: www.myspace.com/edupinto  www.myspace.com/jiony  www.myspace.com/kongatronix www.myspace.com/metrika   www.myspace.com/lineasdenazca www.myspace.com/osbernal  

Algunos links vinculados a artistas internacionales www.myspace.com/radiq  www.myspace.com/francocinelli www.myspace.com/thedancurtin  www.myspace.com/tharealjayhaze www.myspace.com/argenix 


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TXT:: Vicente Jáuregui

XL Recordings

www.xlrecordings.com Sigur Rós Með suð í eyrum við spilum endalaust Ratatat LP3 Cajun Dance Party The Colorfull Life

Atlantic Records (UK) www.atlanticrecords.com

ATO Records

www.atorecords.com

Santogold Santogold Downtown/ Lizard King (US)

My Morning Jacket Evil Urges

Columbia Records

Mute Records

www.columbiarecords.com

www.mute.com

MGMT Oracular Spectacular

XX Teens Only You

Anti

Yazoo Upstairs at Erick’s

Geffen Records www.geffen.com Weezer The Red Album

4AD

www.4ad.com Stereo Lab Chemical Chords

www.anti.com Islands Arm’s way


Bruno Pronsato

Lie Down in the Light

Why Can’t We Be Like Us Hello Repeat Records

★★★★

★★★★

★★★★

El actor Will Oldham, quien es mejor conocido como músico bajo el seudónimo de Bonnie “Prince” Billy cuando hace música folk, puede ser comparable a lo que alguna vez fue Michael Jordan para el baloncesto, es decir, un jugador fuera de la norma, un hombre que domina y entiende absolutamente todos los factores que intervienen en su campo y destaca entre los demás, en este caso Bonnie en la música folk actual. Lleva más de 15 años sacando discos, los primeros con un proyecto llamado Palace Brothers y no hay desperdicio, en todos queda clara la calidad de este cantautor nacido en Kentucky, USA. Su estilo se basa en canciones aparentemente simples, los arreglos están inspirados en raíces muy norteamericanas y cercanas al country más clásico. Contrario a lo que nos tiene acostumbrados, este disco no es tan depresivo como los anteriores, tiene cierto dejo de felicidad por ahí y los ritmos, sin perder su esencia, son más alegres. Por supuesto, aquí comprobamos la maestría que tiene este músico que, a decir verdad, a estas alturas ya no tendría nada que demostrar. TXT::Micro.

Steven Ford es el verdadero nombre de Bruno Pronsato, quien también ha usado los apodos Bobby Karate y Osvaldo, no entiendo esa manía de los productores y músicos electrónicos de cambiar de nombre, pero en fin. Al escuchar este disco es imposible no sentir ganas de bailar, inmediatamente comienzas a mover el cuerpo de manera instintiva y es que detrás de toda esa sarta de etiquetas que se deben de poner en la electrónica, en este caso podríamos catalogarlo como minimaltechno-micro-house, pero en el fondo me gusta pensar que es house, o sea, música para pistas de baile capaz de prender y hacer que el cuerpo se mueva sin darte cuenta hasta el amanecer. En este sentido este disco cumple con creces. Tiene tientes muy contemporáneos, no estamos hablando del clásico “punchis-punchis”, hay una intención de búsqueda muy marcada y una serie de atmósferas y ritmos que dan un sentido, un sonido nuevo que se agradece. Why Can’t We Be Like Us es un disco que pone muy en alto el nivel de la electrónica por estos días. TXT::Micro.

Una de las maravillas del iTunes Store es que tienes acceso a mucha música muy nueva, justo en el momento en que sale a la luz, en lugares tan lejanos, como Japón en este caso. Es un disco muy extraño en el sentido que tiene una distribución limitada, más bien local a nivel CD físico, pero podemos encontrar los mp3 por ahí y disfrutar de esta maravilla que nos manda el lejano oriente. El responsable detrás de Organic Stereo es un tipo llamado Hiroyuki Morikawa, quien toca la guitarra acústica y la mezcla con todo tipo de sonidos electrónicos y orgánicos procesados, los cuales va entretejiendo y combinando hasta dar como resultado asombrosas composiciones instrumentales. Se pueden llegar a percibir de pronto unos niños jugando en un patio, o agua cayendo en alguna vasija, detalles que le dan un sentido mucho más tierno y humano al resultado final. Como es de esperarse en un disco japonés, el proceso de producción es impecable, todo está en su lugar y suena como debe de sonar. Organic Stereo se perfila como un ejemplo perfecto de la búsqueda japonesa a la combinación de acústica y electrónica. TXT::Micro.

Iron & Wine The Creek Drank the Cradle. Con un corte más fácil de escuchar, new folk que vale mucho la pena. M. Ward Transfiguration of Vincent. Todo un rescate de estilos antiguos que el día de hoy adquieren un sonido renovado. Bonnie “Prince” Billy I See a Darkness. Considerado una obra maestra del género, un disco crucial para el sonido peculiar de Bonnie.

Ricardo Villalobos: Alcachofa. House de primer nivel creado por un músico chileno. Burial: Untrue. Con una intención mucho más undergrounddub, es también uno de los proyectos de electrónica más interesantes actualmente. Akufen: My Way. Con mucho menos intención de hacer bailar, pero con más intención de crear sonidos novedosos.

Susumu Yokota: Wonder Waltz. Con un corte menos pop y más ligado a lo conceptual. Proyecto de electrónica japonesa digno de atención. Cornelius: Fantasma. Uno de los discos más representativos del pop alternativo en Japón. Nobukazu Takemura: 10th. ¿Hasta dónde pretenden llegar en Japón con la combinación de acústica con electrónica?

Drag City

The Stories Linger in My Mind Bridge Records & Agency

87

música 3x1

Organic Stereo

Bonnie “Prince” Billy


Joy Division

NIN

The Best Of

The Slip

★★★

★★★★

Este es un disco casero, está realizado con tres pesos desde el cuarto de una chica en la extraña ciudad de Leikanger en el lejano país de Noruega. Las canciones fueron escritas y grabadas del 2004 al 2007, Silje Nes le dedicó tres años de su vida a su primer disco. Este trabajo puede ser un ejemplo de que con muy pocos recursos es posible hacer música increíble, aquí el talento supera al presupuesto por mucho. El disco está lleno de atmósferas creadas por espacios de sonidos hechos con una mezcla de electrónica con acústica, de pronto hay cosas indescifrables, ruidos que se meten para interrumpir alguna melodía. Muchos de los sonidos son creados con instrumentos que Silje Nes construyó exclusivamente para la grabación de sus canciones. Tiene un sentimiento de ternura, ese tipo de sensación que no sabes si es producto de una inocencia innata o si realmente detrás de esto se oculta una mente desquiciada capaz de hacer las peores crueldades. Tiene un sonido muy vanguardista pero siempre con un tono sencillo y humilde que nos atrapa desde la primer canción. TXT:: Micro.

¿Una recopilación más de Joy Division? Aunque se creería imposible después del box set Heart and Soul (2001) y más aún cuando hablamos de un grupo que oficialmente sólo grabó dos álbumes: Unknown Pleasures y (1979) Closer (1980). Este irónico y predecible Best Of tiene una versión doble con la que los aferrados a esta banda –una de las de mayor carga de melancolía y desesperación de Manchester y de las más simbólicas en toda la historia de la música– encontrarán su razón de haber sido editada. El segundo disco incluye otros recuerdos dejados en los archivos de la BBC, concretamente en Radio 1, cuando John Peel los invitó a un par de sus sesiones en 1979 para ser exactos, destacando la grabación de la infaltable “Love Will Tear Us Apart” y “Transmission” –sólo una de las dos vale la pena, puesto que la otra es bastante deficiente– donde Ian Curtis es la leyenda, pero el grupo que lideró de manera efímera –inició en 1977 y decidió ahorcarse apenas tres años después– fungió como catalizador entre el punk y el dark. Sin embargo, es el oportunismo evidentemente la verdadera razón de ser de este compilatorio, que además contiene una entrevista de tres minutos y medio que tiene más valor nostálgico que periodístico. De vivir aún en este mundo, Curtis cumpliría 52 años este 15 de julio. TXT:: Benjamín Acosta.

Trent Reznor, el artífice de la instalación sonora que representa a Nine Inch Nails, está más activo que nunca. Sorprende por dentro y por fuera. El remolino sónico que distingue su propuesta llega a los extremos de un verdadero torbellino arrasador donde su estridente potencia se eleva al rango de la grabación perfecta, de la producción que no se le escapa detalle. Y, con respecto a la parte “externa”, la lógica de distribución y mercadotecnia de su obra sigue los preceptos de la autogestión, de la independencia artística con la que él decide la forma más conveniente para llegar a la mayor cantidad de escuchas posible, dependiendo también del grado de fanatismo. No queda duda de que The Slip es un álbum demoledor, poseedor de un espíritu casi autodestructivo que a la vez permite la reinvención de sí mismo, buscando nuevas formas dejando intacta la esencia siempre contundente de su propuesta. Además, este disco no puede comentarse por cada uno de los diez tracks que lo integran –si acaso decir que “Discipline” o “Echoplex” resultan de lo más asequibles–, cuando en realidad se trata de una obra totalitaria y altamente disfrutable para quienes gozan al ser marcados por esas largas uñas. The Slip aparece después del somnífero Ghosts I-IV, retomando las deliberadas saturaciones que proyectan esa furia argumentada en el estado actual de las cosas. TXT:: B.A.

Mum: Finally We Are No One. También un disco lleno de detalles, tiernas melodías y de microsamplings. Sigur Rós: Ágætis Byrjun. Atmósferas sonoras sorprendentes, música que tiene que ver con lo espiritual. Boards Of Canada: Music Has the Right to Children. Este disco ya, bajita la mano, lleva diez años influyendo el curso de mucha música electrónica.

The Cure: Seventeen Seconds. Un sonido más suave pero no por ello menos triste y sofocante. Bauhaus: In the Flat Field. Los príncipes del gótico post-punk. Los alaridos de Peter Murphy retumban más de dos décadas después. The Fall: The Complete Peel Sessions 1978-2004. Dignos sobrevivientes de todos los embates post-punk.

Nitzer Ebb: Showtime. No está por demás repasar el trabajo de estos ingleses de probados alcances industriales. Front 242: Front By Front. Antes de caer en el desencanto, ritmos machacantes para la pista de baile. Throbbing Gristle: 20 Jazz Funk Greats. De los primeros experimentos afortunados al convertir al ruido en sonido.

música 3x1

88 Silje Nes 

Rhino / London

Ames Room Fat Cat

★★★★

Null


Jim Noir Barsuk

Radiohead She & Him

Best Of Volume One

Capitol

★★★★

★★★

Merge

Entre lo acústico y lo cósmico, es la sensación que nos deja un tema como “Don’t You Worry”. Refrescante como en su momento fue Donovan y evidentemente optimista como a veces lo es Beck, resulta la música de Noir, inglés de 26 años quien ya nos había alegrado más de una tarde con su debut Tower of Love (2006). Esta segunda entrega continúa la senda alegre que evita cursilerías con una musicalidad simple en apariencia. En Jim Noir, el disco, prevalece una seguidilla de amaneceres radiantes que iluminan lo grisáceo de Inglaterra y con una fuerte influencia de una psicodelia que apunta hacia una dirección eminentemente electrónica (“All Right”, es un ejemplo claro de ello). Pop burbujeante con un intenso trabajo de estudio y con letras livianas que no intentan más que definir sin rebuscamiento, estados de ánimo y breves historias cotidianas. Anecdotario de 14 capítulos que reúne las formas de un estilo que puede basarse en sonidos en desuso, que Noir redefine en temas como “Ships and Clouds”, donde el empleo de sintetizadores y cajas de ritmo se fundamenta en lo básico. TXT:: B.A.

★★ Paciencia, es lo que debe tenerse para el disco debut de la sui géneris pareja que forman la actriz Zooey Deschanel y el músico country M. Ward. ¿Por qué? Básicamente debido a la voz de Deschanel que por momentos cansa y empalaga. Es dulce, raya en la candidez bochornosa, y quizás por ello en la primera escucha de Volume One resulte hasta cierto punto frustrante. Sin embargo, estas canciones de naturaleza acústica y coros deslizables pueden resultar con un atributo epidérmico y terminar por contagiarnos durante un amanecer dominical al que se desee dar un giro atípico. “This Is Not A Test” nos recuerda a The Mamas & the Papas y el slide guitar de “Change Is Hard” hace patente el amasiato artístico entre el placer campirano de Deschanel y el oficio de un guitarrista como Ward. Un proyecto que surgió muy rápido tras conocerse durante la filmación de The Go-Getter, donde el director Martin Hynes tuvo la idea de juntarlos. Recomendamos la versión de la Beatle “I Should Have Known Better” y las pegajosas “I Was Made For You” y ”Sweet Darlin’”. TXT:: B.A.

Obedeciendo la lógica del mercado y de los tiempos que corren, aparece esta colección con las canciones más “memorables” –si es que podemos colgarle ese adjetivo– del grupo de Oxford. Una selección tan discutible como el hecho de desarticular sus primeros seis discos de estudio que delimitan una trayectoria donde el factor común es la creatividad que se impone en su propuesta. Discos en cuya estructura no faltan ni sobran piezas y donde cada una de las canciones tiene un peso específico dentro del total de la obra. Es entonces cuando aquí se establece una secuencia que contempla los sencillos que tampoco siguen un orden cronológico. Si de encontrar el lado positivo se trata, hay que notar cómo la forma colectiva no sacude el fondo individual y de ahí que cada uno de los temas sea capaz de sostenerse sin otra clase de apuntalamientos. Después del éxito en ventas de In Rainbows a través de internet, la música de Radiohead es observada por su disquera como un producto más valioso, como para dar lugar a la reedición de su discografía. La versión especial de este compilatorio sólo presenta unos cuantos lados B. TXT:: B.A.

Super Furry Animals: Phantom Power. Ese carácter impredecible y pachoncito lo enlaza debajo de la superficie con Noir. The Flaming Lips: Yoshimi Battles the Pink Robots. Psicodelia que despunta en cada historia y termina diluyendo el supuesto de la coherencia. Teenage Fanclub: Man-Made. Songwriters con pinta de banda. El lado opuesto y complementario.

Neko Case: Fox Confessor Brings the Flood. Colaboradora de New Pornographers, cuyas canciones resultan ser ensoñadoramente country. Dolly Parton: Backwoods Barbie. En apariencia sólo hay dos grandes razones para escucharla. Al parecer el tiempo ha demostrado que, en efecto, así es. Jenny Lewis: Rabbit Fur Coat. Simultáneo a Rilo Kiley, Lewis se juntó con la gemelas Watson para interpretar canciones optimistas.

Radiohead: The Bends (1995). Rompiendo con el mito de que el segundo disco es desafortunado, el grupo demostró que “Creep” había quedado muy atrás. Radiohead: OK Computer (1997). El clásico, la obra maestra donde comulga un intenso trabajo de composición y una no menos laboriosa producción. Radiohead: In Rainbows (2007). La más reciente joyita de Thom Yorke y su equipo, que resulta como consecuencia de una discografía que sigue la lógica creativa.

Mr. CD y Marvin te regalan el disco Radiohead The Best of. Para más información, entra a www.revistamarvin.com

89

música 3x1

Jim Noir


Panic At The Disco

música 3x1

90

2 Minutos

Kate Nash

Pretty Odd (Welcome To The Sound Of) Warner

Made Of Bricks Universal

★★★ El cliché nos dice que estamos frente a una nueva Lily Allen. ¿Cierto o falso? Para alimentar dicha teoría tenemos “Pumpkin soup”, la cual puede analogarse por momentos con canciones tipo “Shame for you” o “Take what you take”, de la cantante londinense. Sólo eso podría unirlas, o quizá también el hecho de ser amigas y que Allen hizo famosa la música de Nash, tras aceptarla en sus amigos principales del myspace. En contraparte, se asoman una serie de diferencias muy notables: sobre “We get on” y “Dickhead”, codificada en clave de soul lento, puede sentirse, escucharse, y hasta olfatearse, una afinidad vocal con la Björk más procaz del Selmasongs: Music From The Motion Picture Soundtrack Dancer In The Dark. Además, difícilmente podemos oír a Lilly decir en una canción “Stop being dickead (…) You’re just fucking up situations”. Otras influencias tonales fácilmente predecibles, aparecen al interior de “Birds”, o “Mouthwash”, y corresponden a Dolores O’Riordan y a Regina Spektor. Un debut venturoso de una mujer con las herramientas necesarias para edificarse un propio estilo, uno muy diferente a con quien pretenden compararla. TXT:: Francisco Zamudio.

Björk: Selmasongs: Music From The Motion Picture Soundtrack Dancer In The Dark. La chica ciega que sufre una canallada y muere por ella. Mezcla perfecta entre actuación y canto. Lily Allen: Alright, Still. Una semejanza más: Ambos discos fueron éxitos rotundos en el Reino Unido. Regina Spektor: Begin To Hope. De Rusia con amor. Actitud que influye.

★★★★ En su segunda incursión discográfica, la banda norteamericana pasó de ser un grupo emo-core con expresiones electro-bailables, a rendirle tributo a la década de los 60, en una placa fuertemente influenciada por The Beatles. “Hemos estado ocupados escribiendo canciones para ti. No tienes que preocuparte, porque seguimos siendo la misma banda”, canta Brendon Urie en medio de un ambiente festivo, con aplausos, como si el Sargento Pimienta regresase del Olimpo 40 años más tarde escoltado por The Who. En “Nine in the afternoon” unieron en un coctel a los Beach Boys con Queen y el Cuarteto de Liverpool, cuyo peso sonoro es abrumante lo mismo en los coros de reminiscencias a “Rain” que adornan “She’s a handsome woman”, que los arreglos orquestales, realizados en los estudios Abbey Road, cuyos matices no hacen sino recordarte otra rola del Pepper: “Within you without you” (al momento de escuchar “When the day met the night”). Ni hablar del final de “Behind the sea”, casi calcado de “A day in the life”. Hay algo más de otros personajes, como Bob Dylan o la Electric Light Orchestra, que rondan los surcos digitales en espera de ser descubiertos por las nuevas hordas de fanáticos del original Panic! At The Disco. Ahora, los intentos evolutivos se agradecen, pero ¿qué pasa al momento en que dejas de sonar a ti mismo? TXT:: F.Z.

The Beatles: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Hace 40 años que el Sargento enseño a tocar a… todos sus descendientes. The Beach Boys: Pet Sounds. Fuente inagotable de inspiración. Innovadora experiencia sonora de su tiempo. Electric Light Orchestra: Face The Music. Porque los alumnos siempre pueden sorprendernos.

20 Años No Es Nada 1987 - 2007 (CD + DVD) Warner

★★★★ Un individuo avanza por el pasillo con un bate de béisbol entre las manos. En su loco andar golpea las puertas y la pared lo mismo con la madera que con los pies. Los créditos del DVD develan su oculta personalidad: es Walter “Mosca” Velásquez. Pero no es el único desequilibrado paseándose por el lugar con ganas de destruirlo todo. “Monti”, “Papa”, Pedro y Blinsky también dejan fluir sus instintos asesinos. ¿En qué terminó el indicio de masacre? En el Estadio Obras Sanitarias de Buenos Aires, Argentina, donde el 25 de agosto del 2007, 2 Minutos celebró de manera oficial 20 años de carrera: “Antes de grabar Valentín Alsina (su primer disco, editado en 1994) nosotros veníamos del súper under. Y dijimos: firmemos un contrato, que es por cuatro o cinco años, total, con el primer disco se van a dar cuenta y nos van a meter una patada en el culo a cada uno. Pero nos equivocamos, porque empezamos a vender y a vender”, recordó el “Mosca” a un diario bonaerense, antes de iniciar un recital copado en su mayoría por jóvenes que chocaban sus cuerpos en huracanado pogo (o slam para los metaleros), mientras por las bocinas salían “Lejos estoy”, “2 Minutos”, “Pelea callejera”, “Tema de Adrián”, “Demasiado tarde” y “Amor suicida” TXT:: F.Z.

Los Violadores: Obras Cumbres: Punk rock gaucho de primera generación. Indispensable para entender dicho estilo en un país latinoamericano. Attaque 77: Obras Cumbres: Junto con 2 Minutos, culpables de la masificación del punk en la Argentina. Flema: Caretofobia Disco 1: Punk rock argentino que se resistió a dejar su carácter underground. El 31 de mayo del 2002, Ricardo “Flema” Espinosa, cantante y líder del grupo, se aventó desde un 5º Piso. Murió en el hospital.


Grand Archives

Los Dorados

Grand Archives

Narrow Stairs Atlantic Records

★★★ Narrow Stairs es el sexto álbum que nos ofrece esta agrupación de Washington lidereada por Ben Gibbard, quien se coloca junto a otros compositores que han sido influenciados por la vida y obra del escritor Jack Kerouac, tales como John Lennon, Bob Dylan y Tom Waits entre otros. Gibbard ya había rendido homenaje a Kerouac en ocasiones anteriores, pero es hasta Narrow Stairs que logra un sonido que muchos han catalogado como el mejor de su carrera. Sonido que sin duda no sería posible sin la presencia de su productor y guitarrista Chris Walla, mismo que ha trabajado con él desde el primer disco de Death Cab For Cutie. El disco abre con la pieza dedicada a la escritura de Kerouac, Bixby Canyon Bridge, que sin duda es precisa al invitarnos a explorar el contenido de este álbum, en el cual encontraremos melodías tiernas y melancólicas dignas de ser escuchadas en la intimidad de nuestros audífonos camino a casa. Resaltan los temas: “Cath...”, “No Sunlight”, “Long Division” y “Talking Bird”. TXT:: El Jergas.

Lightspeed Champion: Falling Off The Lavender Bridge. Primer disco del solista Devonte Hynes, pura tristeza adolescente. Art Of Fighting: Second Storey. Indie desde Australia, seguramente será difícil conseguirlo, pero aún así es mejor tener pañuelos a la mano. Get Cape. Wear Cape. Fly; Searching For The Hows And Whys. Uno de los puntos en donde The Postal Service y Death Cab For Cutie se encuentran.

Incendio

Intolerancia

Sub pop

★★★★

★★★★

A la edad de 15 años, Cuong Vu emigró de Vietnam a los Estados Unidos. Gracias a una inventiva y versatilidad natas, con el tiempo se convirtió en un respetado trompetista y vocal de la escena del jazz neoyorquina. Los Dorados son una banda formada por latitudes dispares: dos norteños, un argentino y dos chilangos, que conforman el ensamble de jazz, progre, noise, rock experimental más contundente de la Ciudad de México. El año pasado, todos estos músicos se reunieron para aventurar un viaje hacia regiones musicales tan arriesgadas como desafiantes y avanzadas. El resultado: Incendio, un disco recién salido del horno, de grooves que machacan sobre ritmos funkys, ácidos, de coqueteos crimsonianos, incisivos ataques melódicos (cortesía de alientos que fluyen desbocados entre procesos análogos vintage), scratches oportunos, guitarras espaciales, etc. Una amalgama ecléctica cohesionada gracias a un fino balance entre composición, experimentación e improvisación. Un disco muy recomendable si disfrutas de emociones fuertes, febriles… aunque, partiendo de que fue la única banda a quienes “les pidieron otra” el día que sonó el post rock angelical de Sigur Rós, tenemos como corolario: Si bien es un álbum denso, finalmente su desenfado entusiasma a propios y extraños. TXT:: Vicente Jáuregui.

Seguramente los seguidores de Band of Horses se preguntaron: ¿a dónde se fue la contundencia del primer disco? Y es que aunque Cease to begin no es nada despreciable, carece del encanto inapelable del debut epónimo. Pues bien, la respuesta se halla en la ausencia de Mat Brooke, quien dejara al grupo en busca de proseguir su andar en calidad de conductor único y ya no en mancuerna, como lo hacía hasta entonces con Benjamin Bridwell. Al frente de su nueva agrupación, Brooke se desborda con tantos buenos haceres que conoce como instrumentista y compositor; su talento tiene pacto con las melodías. Su maridaje entre rock, folk y pop se siente suelto, saltarín y espontáneo. Si su intención es emocionar a sus escuchas, sin duda lo consigue, aunque cuando cojea de cierta faceta cursilona, que por fortuna no priva sobre el resto. El disco comienza inspirado y contundente con “Torn Blue Foam Coach”, una balada llegadora con un pie en el pasado y el resto mirando al porvenir. No pierde en cortes como “Sleepdriving”, “Miniature Birds” y “Swan Matches”, el resto quizá sea un tanto prescindible. Lo que nos deja cuatro excelentes canciones en una entrega de once, lo que hoy por hoy no está nada mal.. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

Band of Horses: Cease to begin. Para aquello de las morbosas e infaltables comparaciones. Andrew Bird: Armchair Apocrypha. Para recibir otra lección del arte del silbido. Wilco:Yankee Hotel Foxtrot. Para saber por dónde va la onda del country alternativo o Americano.

Los Dorados: Turbulencia. El disco donde parece leerse una declaración de principios, y el compromiso radica en unificar intensidad e inventiva. Cuong Vu: Vu tet. La última entrega de Cuong Vu se divide en siete tracks lisérgicos, agitados, delirantes, como la belleza desnuda. Miles Davis: Bitches Brew. El disco monumental del que se derivó tal revolución, que hasta la fecha implica una referencia obligada para cualquier aventurero sonoro.

música 3x1

91

Death Cab For Cutie


92

Madonna Hard Candy TXT:: Nacho Retally.

Durante 26 años, Madonna se ha caracterizado por entregar excelentes producciones, todas ellas impecables. Aunque no todas han tenido la misma trascendencia comercial, han sido casi en su totalidad trabajos de producción impresionantes. Otra de las características de Madonna es la de cambiar de productor casi en cada álbum: Babyface, Björk, Bill Bottrell, David Foster, Danja (Nate Hills), Hugo Chad, Jellybean Benitez, Lenny Kravitz, Mirwais Ahmadzaï, Nile Rodgers, Pharrel Williams, Stuart Price, William Orbit… Todos ellos son mega productores de inmensurable talento, que han hecho que Madonna sea reconocida también por su calidad. Ahora toca el turno a uno de los mejores productores y star makers de los últimos tiempos: Tim Mosley, mejor conocido como Timbaland, que ha producido principalmente talentos hip hoperos como Snoop Dogg, Missy Elliot, Jadakiss, Jay Z, Ludacris, etc., así como urban poppers como Limp Bizkit, Justin Timberlake, Nelly Furtado, Alicia Keys, Duran Duran. Aquí es donde yo me pregunto si darle a la gente lo que “funciona” es lo correcto, pues si bien Madonna no hace hip hop, tener un “sonido” característico de producción es válido, cuando un productor no es tan conocido. Por ejemplo, Ray Of Light tiene todo el sonido de William Orbit, sin embargo se adaptó perfectamente al sonido de Madonna. Por otro lado, creo que el sonido de Timbaland es demasiado característico de él y de repente me parece que “Candy Shop” suena muy similar a “Earth Intruders” de Björk, y a “Give It To Me” de Nelly Furtado y Justin Timberlake, así como a “Promiscuous” de Nelly Furtado. Es como escuchar exactamente la misma base rítmica con diferente lírica. ¿Evolución? No estoy seguro que esta sea la mejor manera. Hard Candy (el nuevo álbum), es una colaboración de varios de estos productores: Timbaland, The Neptunes y Danja. A pesar de que cuenta con tres fuentes de producción, el disco tiene un sonido homogéneo; pero los tratamientos tanto electrónicos como acústicos son sumamente creativos y con mucho hook. En lo particular hay dos canciones en este álbum que llaman mucho mi atención: “Heartbeat” y “Miles Away”. En verdad considero que sonar “como los demás” demerita un poco el trabajo de una estrella como Madonna, que siempre ha brillado con luz propia. Y es que esos temas suenan a lo que Gwen Stefani pudo nunca haber querido (por haber salido mucho antes). Es allí donde puede estar bien producir a muchas estrellas diferentes, pero creo que Madonna debió ser más cuidadosa al elegir a The Neptunes, quienes participaron también los dos discos anteriores de Gwen Stefani. En general considero que el Hard Candy representa cierta evolución y resulta novedoso para sus seguidores; es decir, es otro paso más al constante cambio de Madonna. Sin embargo, desde el punto de vista de la producción, tristemente es uno más de sus múltiples trabajos con estrellas. Me parece que eso no le hace bien al artista, ya que acaba por sonar muy similar a algo que ya salió antes. Afortunadamente la voz de Madonna nos salva un poco de esta situación de similitudes, y seguramente la producción del tour y demás elementos que acompañan al lanzamiento de un nuevo material, le darán el lugar al que ella está acostumbrada. O quizá me puse muy rudo analizando este material que en definitiva fue sumamente bien producido, y en términos técnicos, está redondito. ¡Éxito comercial! M


Jamiroquai

Oasis

Iron Maiden

Live At Montreux 2003

Lord Don’t Slow Me Down

★★★★

★★★★★

Sin restarle mérito a la remasterización de aquel VHS grabado en la Long Beach Arena de Los Ángeles, mejor conocido en el mundo bajo el nombre de Life After Death, lo interesante de este lanzamiento doble se encuentra en el DVD 2. Por principio de cuentas aparece la continuación del documental autobiográfico History of Iron Maiden, el cual inició en el 2004. Aquí podemos enterarnos del proceso mediante el cual la banda grabó una de sus obras maestras, el álbum Powerslave. ¿En dónde compró Bruce Dickinson la máscara de plumas que lució en la gira?, ¿por qué tocaron “Smoke on the water” en la recepción de una boda en Polonia? Todas las respuestas vienen en ese cortometraje, mismo que se hace acompañar de otro denominado Behind The Iron Curtain, testimonio audiovisual que narra sus aventuras por Hungría, Yugoslavia y Polonia, países sujetos a férreos gobiernos socialistas, y donde la banda fue una de las primeras en llevar una producción de primer mundo. La reacción de los mismos militares encargados de resguardar todos sus movimientos es inolvidable. Imprescindible para conocer más de Maiden, y de qué forma estaba dividido el mundo entre 1984 y el ‘85. TXT:: Francisco Zamudio.

Jason Kay sale de lo que en la penumbra luce como un templo precolombino. O al menos ese tipo de inscripciones parecen adivinarse a los costados de la escalera por donde baja rápidamente hasta el ras del escenario. Lleva la cabeza coronada con un penacho de plumas elaboradas de un cromado metal, cuyo contacto con las luces provoca la expansión de estas por toda la sala. Relumbra. Acompañado de su banda y un par de coristas poseedoras de unas voces extraídas del paraíso; deja pasar los compases preparatorios de una sincopada base rítmica construida por Nick Fyffe en el bajo; Derrick McKenzie tras la batería y Sola Akingbola; culpable de esas hipnóticas e incitantes percusiones que te invitan inexorablemente a la pista de baile, antes de saludar con un cálido “Bonsur, Montreux”, arrancándole de inmediato las primeras estrofas a “Use the force”. La tercera aparición de Jamiroquai en el Festival estuvo enmarcada en un ambiente festivo, de celebración, de canciones tipo “Cosmic girl”, “Canned heat”, “Love foolosophy”, “Alright” o “Deeper underground”, pequeños ejercicios de funk & soul cuya liberación de endorfinas está asegurada inclusive en casa, a través de un decente equipo audiovisual. Si alguien pregunta por “Space cowboy”, díganle que puede encontrarlo como un bonus track de 12 minutos en el menú. ¡Let’s dance! TXT:: F.Z.

Banquete en dos tiempos: comienza con un primer DVD intitulado Lord Don’t Slow Me Down, una road movie documental filmada en blanco y negro, dirigida por el productor musical Baillie Walsh. Ahí podemos ser partícipes de las actividades extra-escenario de la banda, ocurridas durante la gira mundial de presentación del álbum Don’t Believe The Truth entre el 2005 y el 2006, con una pista extra de audio donde los hermanos Gallagher le ponen un sabor extra a lo que nuestros ojos ven: “¡Cabrón, ese taxi no te alcanzó!, ¡cabrón, maldito cabrón! Si hubiera conducido yo, te habría alcanzado”, le dice Liam a Noel mientras se mira a este último cruzar una calle en Nueva York esquivando un coche de alquiler. Sólo para fans clavados. El otro DVD se compone de un show en el City of Manchester Stadium casi abarrotado. Ahí podemos observar todos y cada uno de los elementos -la egolatría exacerbada de los consanguíneos incluida- que han hecho de Oasis una gran banda, poseedora de una estampa imperecedera. “Lyla”, “Cigarettes & alcohol”, “Little by little”, “Wonderwall” y “Rock ‘n’ roll star”, entre otros clásicos del cancionero del brit pop moderno, pasan lista de asistencia preparándole el terreno a “My generation”, un cover a Los Who que simplemente eriza la piel. Imprescindible para defender el argumento de que el rock no está ni por asomo… muerto. TXT:: F.Z.

Iron Maiden: Classic Albums The Number Of The Beast. Narraciones épicas en pasta digital para conocer a fondo las grandes trayectorias del metal. Metallica: Classic Albums Metallica. Mismo tipo de descripción, mismo éxito… diferente legado. Motörhead: Classic Albums As Of Spades. Una banda mítica, no tan exitosa como todos quienes les siguieron… Pero sí demasiado influyente.

Stevie Wonder: Songs In The Key Of Life. Durante mucho tiempo, los detractores de Kay insistieron en que es sólo un clon vocal de Stevie. Esos mismos años han dejado claro que Wonder es pilar del R&B, y Jay está muy próximo a dejar su propia huella… en el funk. James Brown: Live From The House Of Blues. De maestros del funk y demás raíces I. Chic: Le Freak “Live”. De maestros del funk y demás raíces II.

Oasis: …There & Then. Actitud, soberbia, buen rock & roll… Explosiva fórmula cuyo rango de éxito va de unos pocos asistentes al Powerhaus Club en Londres en 1993, a 60 mil enfebrecidos seguidores en dos noches dentro del mítico Earls Court. Oasis: Familiar To Millions. De mantener la sinergía sin volverse un desequilibrado ¿O no? Oasis: Definitely Maybe The DVD. De trasladar tus diamantinas gemas a los formatos de las nuevas generaciones.

Live After Death EMI

★★★★★

Eagle/JM Distribuidores

Universal

dvd música 3x1

93


La libertad / Los muertos / Fantasma

94

Persepolis

estrenos cine

Ópera

La influencia Dirección: Lisandro Alonso Guión: Lisandro Alonso Género: Drama País: Argentina

Dirección: JP Riveroll Reparto: Marina Magro Soto, Arturo Ríos, Martín LaSalle, Magdalena Flores, Daniela Schmidt Argumento: JP Riveroll Género: Drama País: México Año: 2007 Ópera es la historia de Marina, una joven universitaria interesada en la literatura que conoce a Pablo, escritor venido a menos envuelto en un matrimonio que va en picada. Luego de pasar una noche juntos, la invita a recorrer con él algunas zonas del país sobre las que tiene que escribir en una guía turística. Una road movie inspirada en cintas clásicas de antaño, haciendo tributo a los autores cinematográficos que abrieron trecho hace tanto tiempo, cuyas obras mantienen su poder como referencias importantes. Arturo Ríos juega el papel del escritor, mientras que Martín LaSalle, el pickpocket de Robert Bresson, hace también una breve aparición. Filmada en mayo de 2005, Ópera ha transitado por varios festivales en México y el mundo, ganando tres premios en el Cairo con un jurado presidido por el cineasta británico Nicholas Roeg: el FIPRESCI (otorgado por la prensa internacional), Mejor Primera Película de un director y Mejor Actriz a Marina Magro Soto. Se estrena el viernes 27 de junio, al fin.

Dirección: Vincent Paronnaud, Marjane Satrapi Voces: Chiara Mastroianni, Catherine Deneuve, Danielle Darrieux, Simon Abkarian Guión: Vincent Paronnaud, Marjane Satrapi Género: Animación/Biografía/Drama País: E.U., Francia Año: 2007 La historia de Persepolis está basada en experiencias reales de la vida de Marjane Satrapi, quien escribió la novela y el cómic en el que está basado el guión, en el que colaboró también Vincent Paronnaud, el otro co-director. Satrapi es de Irán, Paronnaud francés, y ambos logran una simbiosis de gran categoría. La pequeña Marji observa cómo es derrotado el Shah de Irán durante la revolución de 1979, pero mientras va creciendo se da cuenta de que ese nuevo país se está convirtiendo de nueva cuenta en un régimen represivo debido a los fundamentalistas islámicos que lo gobiernan. Por esta razón sus padres la mandan a estudiar a Viena, en donde el choque de culturas es muy fuerte para una niña iraní. Largometraje de animación en la que Chiara Mastroianni y Catherine Deneuve, entre otros, dan sus voces a estos ingeniosos personajes dibujados en blanco y negro. Las dos dimensiones en las que se basan los dibujos dan el entorno a esta película tan personal, cuya visión política se mezcla intuitivamente con la vida del personaje principal, tan excéntrico como el mundo que retrata. TXT:: Juan Patricio Riveroll.

La libertad Reparto: Misael Saavedra, Humberto Estrada, Rafael Estrada Año: 2001

Dirección: Pedro Aguilera Guión: Pedro Aguilera Género: Drama País: España, México Año: 2007 La influencia es una película escrita y dirigida por Pedro Aguilera en una coproducción mexicano-española, puesto que está filmada en España pero parte de su financiamiento se llevó a cabo aquí. Cuenta la trágica historia de una madre soltera que debido a la falta de pago de la renta del local comercial en donde trabaja, pierde toda su fuente de ingresos, sumergiéndose así en una pronunciada depresión. Tiene dos hijos a los cuales le es imposible pagarles la colegiatura, así que se refugian con ella tras una vida imposible. Tanto ella como sus hijos son de cierta forma víctimas de la sociedad capitalista, un monstruo multicéfalo que no comprende razones más que las del dinero. Es una historia común y corriente cuyo título puede remitir al gran clásico de Cassavetes A Woman Under The Influence, aunque en este caso The Influence se refiere a la ebriedad, mientras que La influencia refiere a la enfermedad crónica que sufre a partir del inevitable desliz psicosomático. Es el cine del futuro, el cine del hombre y la mujer común y corriente. El cine de la verdad. El cine imprescindible. TXT:: J.P.R.

Los muertos Reparto: Argentino Vargas, Francisco Dornez, Yolanda Galarza Año: 2004 Fantasma Reparto: Argentino Vargas, Misael Saavedra Año: 2006 El ciclo del cineasta independiente argentino Lisandro Alonso, supone la totalidad de su filmografía exceptuando Liverpool (2008), es decir, tres películas complejas por su simplicidad. A mi gusto, La libertad es la gran obra de Alonso, película en la que retrata la vida diaria de un trabajador de campo: su cotidianidad basada en el trabajo que más tarde irá a vender a gente de la ciudad. Y viene ahí la pregunta: ¿en realidad somos libres? ¿Existe tal cosa como la libertad? Los muertos trata sobre un ex-convicto que al salir de la cárcel hace una larga travesía para encontrar a su familia. Fantasma es la síntesis de ambas: en un cine viejo del puerto de Buenos Aires, los dos protagonistas de La libertad y de Los muertos deambulan por el inmueble para luego asistir a la proyección en 35 mm de una de estas cintas. El cine de Alonso ha ido dejando huella en los circuitos de cine internacionales, y aunque su recepción aquí pueda ser difícil por el tono naturalista y la cadencia del tiempo en cada plano, será sin duda un soplo de aire fresco para el público cinéfilo mexicano. TXT:: J.P.R.


Gangbang

Vidas perpendiculares

Mentiras Contagiosas

Óscar David López

Álvaro Enrigue

Jorge Volpi

E. E. Cummings: Poemas completos. Obligada lectura; uno de los grandes poetas del siglo XX. Rubén Bonet: Amoebas y logaritmos. Experimentación escritural en estado puro. Rafa Saavedra: Lejos del Noise. Otro habilidoso artífice de los malabares con el lenguaje.

Álvaro Enrigue: El cementerio de sillas. Otra arriesgada novela del autor. Jefrey Eugenides: Middlesex. Una saga generacional, de Grecia a Detroit, con un protagonista bisexual. Homero: La odisea. Todo comenzó con la epopeya.

Jorge Volpi: En busca del Klingsor. Su principal referente novelístico. Sergio Pitol: El arte de la fuga. Compilación fundamental para conocer y entender a uno de nuestros más grandes escritores; un avezado combinador de ensayo y ficción. Roberto Bolaño: Entre paréntesis. Imperdible colección de ensayos y artículos. Otra óptica con el mismo trasfondo.

libros

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Fondo Editorial Tierra Adentro, 08 No le viene mal el calificativo de insólita a la aparición de este poemario concebido por Óscar David López (Monterrey, 1982). Hace mucho tiempo que en calidad de lector de esta disciplina no topaba con un libro nacional que combinara una hechura impecable con desparpajo, soltura e incluso un inteligente sentido del humor. En un medio en el que imperan la rancia solemnidad y una complejidad impostada, se desmarca una poética congruente con el pulso de los tiempos, es decir, fragmentaria, ágil y -coincidiendo con los editores- libre de ataduras morales. La singularidad y atrevimiento de este autor le permite dedicarle, por ejemplo, algunos versos al pensador Jacques Derrida tras su muerte, que nada tienen que ver con una intelectualidad soporífera: “el amante que se enamora/ es un ciego deseando ser fotógrafo/ y yo veo tus libros/ preguntándome por qué no puedo/ mantenerme en la vida como un bonsái”. No puede decirse que sea una obra perfecta y acabada; lo que es más, celebro su imperfección, porque es sinónimo de vitalidad y evolución. Con poemas como: “Ese nombre”, “Gamoneda”, “Me basta esta noche” y “Mis sobrinos se ausentan cuando escuchan un partido de fútbol” se exploran posibilidades muy poco frecuentadas por una cofradía que más bien pretende relacionarse únicamente con los “grandes problemas del alma humana”. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

Anagrama Un buen indicador para establecer los tamaños de un escritor es la medida de los retos que asume y a la postre los resultados. En ocasiones, la misión elegida se muestra insuperable, y en otras el hallazgo es espléndido. Álvaro Enrigue (México, 69) decidió establecer un diálogo con la estructura tradicional de la novela para replantear su vigencia e intentar llevarla un paso adelante. A fin de cuentas esa es una tarea inherente a un escritor con agallas: inyectar vida y energía nueva a la literatura. A partir de un seguimiento puntual a la vida de Jerónimo Rodríguez, hijo de un acaudalado panadero asturiano, radicado en Lagos de Moreno, Jalisco, y su infancia miserable, pues es considerado un retrasado mental, nos sumergimos en una espiral narrativa que yuxtapone tiempos, voces, escenarios e historias. Del México conservador y oligarca de los años cuarenta y cincuenta conectamos incluso a tiempos prehistóricos, cuando no se había inventado el lenguaje y la existencia era instinto puro, y de ahí a los primeros años de la era cristiana, para situarnos en un Medio Oriente multicultural, en donde los dogmas religiosos condicionan la vida sentimental. Los celos, pulsiones eróticas, conflictos éticos y morales más las diferencias –generacionales e infranqueables- entre padres e hijos acompañan el recorrido del hombre sobre la senda de la historia. TXT:: J.C.H.

Páginas de Espuma Figura eminente de la estrategia literaria conocida como el crack, funcionario público, personaje mediático, y por todo ello, animador de la cultura contemporánea mexicana, Jorge Volpi se ha hecho de seguidores de igual manera que de acérrimos enemigos. Cada uno de sus trabajos es un detonante de intensas y justificadas polémicas. Tal es la naturaleza de las ideas, provocar el debate, mover al diálogo. En Mentiras Contagiosas apunta: “El ser humano es el único animal que ha convertido sus obras –su cultura- en su principal garantía de supervivencia y la novela ocupa una posición central en este esquema”. He aquí el tema de este nuevo empeño escritural: la revisión y análisis de un género al que constantemente se le decreta la muerte clínica, pero que a decir de muchos otros sigue gozando de cabal salud. Al final novelista, a Volpi le sobran recursos y artimañas para entreverar ensayo y ficción, una zona movediza que le permite desplazarse a sus anchas y repasar los planteamientos de Cervantes, Orson Welles, Rulfo, Pitol y Fuentes, entre otros; y abundar sobre la naturaleza y fin de la narrativa misma. Tras su lectura tendremos oportunidad de establecer convergencias y diferendos; de sumarnos a sus filas o incluirnos entre sus detractores. No se trata de una obra que provoque indiferencia; todo lo contrario. TXT:: J.C.H.


El cómic de verano

TXT:: Oscar G. Hernández. Llegó el verano, acompañado una vez más de los grandes estrenos cinematográficos. Por supuesto, el mundo del cómic no se queda atrás y nos presenta sus novedades para esta calurosa estación del año, momento ideal en el que muchos aprovechan para consumir estos lanzamientos. Los cómics que a continuación te presentamos son novedades e incluimos un joven clásico. De esta selección tenemos un cómic que ya se ha instaurado como obra de culto en el mundo del noveno arte, y que está haciendo historia en la primera década de este siglo. Nos referimos al exitoso Persépolis de Marjane Satrapi, que está dando la vuelta al mundo batiendo varios récords de ventas. Además es la sensación de la crítica mundial, y la película parece seguir el exitoso camino que inició el cómic. Los siguientes son dos trabajos realizados en México: Ángel Caído. la saga de fantasía de Arturo Anaya, Francisco Espinosa, Rodrigo Tobias y Mauricio Herrera, que aparece como un producto complementario a la película. Finalmente tenemos Zapata, El Hijo del Maíz de Mario Vázquez y Federico Aguilar, historieta que recurre a la figura del célebre revolucionario mexicano.

Persépolis

cómics

Marjane Satrapi Norma Editores Leer Persépolis es iniciar un recorrido voraz que nos lleva a las profundidades de una historia de vida. Por medio de Persépolis penetramos en un retrato social de lo que significa vivir en un mundo construido a partir del fanatismo religioso. No es difícil entender el éxito de esta obra, ya que sus contenidos tocan diversas fibras que sensibilizan al lector, obligándolo a la reflexión y al sentimiento de humanidad. El cómic es de carácter autobiográfico, y es narrado de una manera precisa y constante. De entrada destaca la simpleza del dibujo, realizado con un tono infantil en blanco y negro. Nos llevaría a pensar que todo su soporte se debe a la construcción de un guión soberbio, pero conforme avanzamos en sus páginas el uso del dibujo y del color funcionan a manera de contraste con las secuencias e imágenes generadas por la narración. Persépolis ha ganado todos los premios que se podían ganar en el universo del cómic, desde el ansiado Salón del cómic de Anguleme (para algunos el más importante de Europa), el premio Harvey en los Estados Unidos y después viene una larga lista, que incluye diversas nominaciones a los premios Eisner. La película se hizo del premio del jurado de Cannes 2007. Esta obra apuntala una vez más al cómic como arte superior que se anticipa constantemente al cine.

Zapata, El Hijo de Maíz

Mario Vázquez, Federico Aguilar Ensamble Comics Zapata es el héroe recurrente por excelencia en México. Desde el estallido indígena del zapatismo en el sureste mexicano, es motivo de culto por viejas y nuevas generaciones que encuentran en él una bandera constante para reivindicaciones sociales, foros universitarios, tesis, filmación de películas, series de televisión, marcas de tequila, libros, canciones, obras de teatro, etc., etc. En este caso el cómic hace su aparición para rendir homenaje a tan mitológico personaje. Zapata, El Hijo del Maíz recuerda la serie de historietas de los años 80 titulada México, Historia de un pueblo, dirigida por Paco Ignacio Taibo II y Sealtiel Alatriste, asesorados por Guillermo Bonfil Batalla. El dibujo del Zapata es limpio y claro. Muchas veces hace guiños que apuntan a la fotografía, sin embargo el descuido en la edición y en el ritmo narrativo hacen que leerlo resulte una tarea intrincada en algunos momentos. Cómic indispensable para aquellos que quieran experimentar un episodio poco tratado sobre el héroe mexicano.

Ángel Caído

Arturo Anaya, Francisco Espinosa, Mauricio Herrera Editorial Vid Es común observar cómo debido a su éxito y popularidad, un cómic es llevado a la pantalla grande. Ángel Caído es la excepción, pues fue concebido como un producto complementario a una realización fílmica. Es posible que esta sea una de las razones por las que el cómic es más bien endeble y ofrece muy poco al lector. El argumento se basa en la receta clásica y simple, que resulta demasiado evidente cuando la lucha entre el bien y el mal tiene su origen en un universo religioso. El tema ha sido tratado hasta el cansancio por autores de diversas áreas. De hecho existe un cómic homónimo en los Estados Unidos de Peter Davis y David López; en Francia circula el manga Bastard, L’Ange Déchu de Kasushi Hagiwara y en Italia Angeli Caduti dal Cielo de Sabrina Mancuso. Seguramente en cada lengua encontraremos un cómic con el mismo título, o quizás demasiados con el mismo argumento. Muchas veces se cree que el recurrir a personajes como los ángeles seduce fácilmente al público, y cabe señalar que en algunas ocasiones ocurre. Pero al ser una fórmula tan gastada, se vuelve un verdadero reto para los creadores dar un tratamiento que aporte algo al tema. El Ángel Caído de Anaya es un cómic que tanto por su dibujo y guión definitivamente resulta difícil de leer. Sin embargo es de aplaudir que Editorial Vid vuelva a sus raíces y finalmente se haya decidido por editar nuevas producciones mexicanas.


98 José Luis Cuevas. 258 Obras

Jeff Wall

museos 3x1

Oficios en Bicicleta.

Una buena oportunidad para ver reunida la obra de este artista mexicano, quien curiosamente nunca antes había expuesto en Bellas Artes, y sobre lo cual declaró: “Me dolía no estar en Bellas Artes y quizá por una especie de rencor nunca visité las salas ni las exposiciones que se presentaban”. Se trata de una retrospectiva que muestra desde sus primeros trabajos de dibujo de 1940, sus trabajos posteriores como grabador e ilustrador, su incursión a la escultura en los 90s, así como su reciente interés por la pintura en acrílico. Si nunca has tenido la oportunidad de ver algo de Cuevas, esta exposición curada por Teresa del Conde y Luis Rius, e inaugurada por Felipe Calderón, presenta una colección integral en la trayectoria de un artista considerado como parte de la “generación de la ruptura y el neofigurativismo”. En la muestra se manifiesta, a través de diez núcleos temáticos, el lenguaje formal característico de Cuevas, sus influencias plásticas y literarias, testimonio de una prolífica trayectoria. Del 5 de junio al 3 de agosto en las salas Nacional, Rivera, Justino Fernández y Paul Westheim. Palacio de Bellas Artes, Av. Juárez esq. Con Eje Central Lázaro Cardenas. TXT:: Vicente Jáuregui.

Jeff Wall nació en Canadá en 1946, y desde una temprana edad comenzó una carrera como pintor, pero en la década de los sesentas dio un giro para dedicarse a la fotografía, inspirado en la obra de Edgard Ruscha, Robert Smithson y Dan Graham, quienes se caracterizaban por poner la estética documental de la foto al servicio del arte conceptual. De manera paralela Jeff Wall fue seducido por el dramatismo y la inventiva del arte pictórico de otras épocas, sobre todo de Velázquez, Monet y Cézanne. A partir de que desarrolló esos intereses estéticos, Wall comenzó la creación de una práctica donde la fotografía era utilizada para retratar escenas complicadas, que criticaban la tradición documental establecida. Así mismo, la investigación de cineastas como Jean–Luc Godard e Ingman Bergman, hicieron mella en la percepción que Wall estaba desarrollando acerca de cómo aplicar la foto a distintas posibilidades y situaciones. La presente exposición, curada por Tobias Ostrander, trae ejemplos de imágenes a color en cajas de luz, así como impresiones de gran formato en blanco y negro. Museo Rufino Tamayo, Reforma y Gandhi, Bosque de Chapultepec, Tels. 5286.6519 y 5286.6529. TXT:: V.J.

Gilberto Aceves. El artista realizará una serie de dibujos cuya temática se centrará en el pintor impresionista Joaquín Clausell. Museo de la Ciudad de México, Pino Suárez 30, Centro Histórico, Tel. 5522.9933. Retratos de una Ciudad Fugitiva Un recorrido por el México del Siglo XIX a través de los grabados de Casimiro Castro y Pedro Gualdi, colección de la Ciudad de México. Museo de la Ciudad de México ubicado en Pino Suárez No. 30, Colonia Centro, Tel. 5522.9933. Oraciones en Piedra. Una exposición conformada por 110 fotografías en la que se muestran paisajes y edificios prehispánicos, algunos de ellos prácticamente desconocidos. Galería Abierta del Cinvestav, Av. Wilfrido Massieu s/n esq. Av. IPN.

Panorámica. Iniciativa del Museo Tamayo de Arte Contemporáneo que consiste en presentar videos experimentales de artistas nacionales e internacionales. Museo Rufino Tamayo, Reforma y Gandhi, Bosque de Chapultepec, Tels. 5286.5619 y 5286.6529. Unir–Servir. En conmemoración del centenario de la empresa Ferrocarriles Nacionales de México. Museo de los Ferrocarrileros, Alberto Herrera s/n, Col. Aragón La Villa. Leonardo Torres Lerdo de Tejada, Ceda el Paso (Recolecciones Gráficas). Una exposición en un clásico bistro de la Condesa. Café la Gloria, Vicente Suárez 41, Col. Condesa. Tel. 4211.4185.

Una exposición que busca mostrar, a través de 29 fotografías, cómo es que la bicicleta ha sido y sigue siendo protagonista del quehacer cotidiano, así como del paisaje urbano de la Ciudad de México. En esta ocasión podrás ver una selección de las mejores imágenes del Primer Concurso de Fotografía Oficios en Bicicleta. En ella notarás cómo la visión de los participantes se mezcla con el paisaje urbano de la calle Guatemala, lugar donde se ubica la sede de esta exposición, es decir, el Centro Cultural España. Esta exposición se inaugura en el marco del 1er. Congreso Nacional de Ciclismo Urbano, y representa una oportunidad también para introducirte de manera visual en el medio de transporte que ha inspirado a varios artistas, científicos e intelectuales, a desarrollar sus pensamientos, y que hoy se mantiene como una manera de transporte eficiente, barata, ágil, pero sobre todo, amigable con la gestión del desarrollo sustentable del medio ambiente. Centro Cultural España, Guatemala 18, Col. Centro, Tel. 5521.1995. TXT:: V.J.

NTSC-MX-PAL: Conversiones de video. Muestra colectiva de videoartistas mexicanos con piezas de profundo sentido crítico, predominio de la poética de la imagen. Centro Cultural España, Guatemala 18, Col. Centro, Tel. 5521.1995. Dibujos mexicanos. Una muestra conformada por 60 obras del acervo, y que tiene como objetivo dar una visión panorámica de la evolución del dibujo a lo largo de la historia del arte mexicano. Munal, Tacuba 8, Col. Centro, Tel. 5130.3400. Días de radio. Diseño y memorias. Una colección de 76 piezas entre radios, micrófonos, partituras y discos, que muestran los cambios en el diseño de uno de los medios de comunicación más influyentes en nuestra sociedad. Museo Franz Meyer. Av. Hidalgo 45, Plaza de la Sta. Veracruz, Col. Centro, Tel. 5518.2266.


Cursos de Verano Museo de San Carlos

Como cada año y en el marco de su 40 aniversario, el Museo Nacional de San Carlos ofrece su ya tradicional curso de verano, en esta ocasión bajo el título Asómbrate con la luz: Taller Arte en Vacaciones 2008. Los participantes conocerán varios detalles sobre las técnicas que utilizaron los pintores del Barroco mediante actividades prácticas de carácter lúdico y didáctico que girarán en torno a la magia de la luz. El curso está dirigido a todos los niños y jóvenes de 8 a 18 años de edad que quieran aprovechar el verano de una forma creativa y divertida, la intención del curso es despertar la curiosidad por conocer y experimentar tanto con esta corriente artística, como con el arte en general. La duración del curso es de 12 sesiones que se impartirán tres veces por semana. El inicio será el 14 de julio para finalizar el 8 de agosto. Museo de San Carlos, Puente de Alvarado 50, Col. Tabacalera, Tel. 5566.8085. TXT:: Vicente Jáuregui.

Cine Hecho a Mano

Taller teórico-práctico de Curaduría.

Con la premisa de rechazar el modelo del cine comercial, donde cada película cuesta millones de dólares, además de requerir una cantidad enorme de gente, el objetivo de este taller es permitir explorar diferentes maneras de producir imágenes en movimiento, mediante técnicas de tipo artesanal, busacando siempre producir cine con un bajo presupuesto. Para tal propósito se explearán diversos recursos como son el revelado a mano, el cine hecho sin cámara o la manipulación de imágenes encontradas. El objetivo del taller es que al finalizar, los alumnos presenten una serie de cortos producidos de manera colectiva, para que los estudiantes adquieran los conocimientos necesarios que permitan continuar produciendo películas con poco dinero. El taller será impartido por Jesse Lerner, un reconocido cineasta y escritor de amplia trayectoria como documentalista y en los ámbitos de la exploración de la imagen. Centro de la Imagen, Plaza de la Ciudadela 2, Col. Centro, Tel. 1450.3705. TXT:: V.J.

Dirigido a Estudiantes de nivel universitario y profesionales de cualquier campo del saber que deseen concebir y montar exposiciones, en este taller se contestará qué es la curaduría como mediación, escritura, obra de arte, como asalto. Además se intentará responder si existen uno o varios modelos de pensamiento curatorial, y finalmente cual es su función. También aprenderás todos los pasos para organizar una exposición de arte, desde la selección de artistas y obras, hasta la selección del espacio museográfico, los principios básicos de montaje museográfico y las diferencias entre guión curatorial y guión museográfico. Por último, el programa contempla aspectos técnicos de la exposición como son planeación y ruta crítica, cronograma y presupuestos, permisos, producción de obra, aseguramiento, montaje e iluminación. Consideraciones críticas sobre la curaduría será impartido por Carlos Aranda Márquez. Universidad del Claustro de Sor Juana, Izazaga 92, Col. Centro, Tels. 5130.3330 al 32. TXT:: V.J.

educación

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Midnight Club: Los Angeles Consolas: Xbox 360, PlayStation 3, PlayStation Portable. Distribuidor: Rockstar Games. Género: Carreras. Fecha de salida: septiembre 2008. Clasificación: Teen.

★★★★ La clásica serie de juegos de carreras clandestinas, creada por la controvertida casa desarrolladora de videojuegos Rockstar, trata de impresionarnos ahora con la salida de su más reciente título denominado Los Angeles, pero, ¿no será más de lo mismo? Esta serie de juegos de carreras clandestinas que ya hace un tiempo tuvo su auge, principalmente con la salida de películas como Rápido y Furioso, trata de quedarse en el gusto de la gente, implementando cada vez más y mejores autos con licencia, lo cual significa ver y utilizar autos, como los que sólo en sueños, o si nos ganamos la lotería algún día, podremos comprar. Pero siempre se corre el riesgo de que al ser el séptimo juego de la serie, haya poco que ofrecer de nuevo. Sin embargo MC: Los Angeles hace un cambio radical al cambiar las carreras de calles en penumbra, por caminos y carreteras a plena luz del día. El segundo cambio se lo lleva el aspecto gráfico, que deja atrás los modelos de autos que parecían cajas de cigarros, y ahora rivalizan perfectamente contra otros más modernos. Y es que no podíamos esperar menos, ya que el desarrollo de MC: Los Angeles comenzó desde que salió la primera versión para el PS2, y de ahí en adelante las mejoras no se detuvieron. Los tiempos de carga son prácticamente inexistentes y el uso de los menús en pantalla se utiliza al mínimo para enfatizar lo simple que es meterse a correr en una carrera clandestina en donde no hay reglas de ningún tipo. En cuanto a la ciudad de Los Angeles, que sirve ahora como escenario, no se limita solamente a una pequeña parte de ella como en los otros títulos: ahora tiene tres veces el tamaño que su antecesor Midnight Club: Dub City. No te preocupes por su tamaño, ya que desde el principio puedes recorrer por completo toda la ciudad sin restricciones. Los eventos son lo que uno podría esperar: van desde las retas en línea con amigos, como las competencias por autos en las que sólo necesitas parpadear tus luces y estarás corriendo como nunca antes imaginaste. TXT:: Roberto Armando López G.

Tales of Vesperya Consolas: Xbox 360. Distribuidor: Distribuidor: Namco Bandai. Género: RPG. Fecha de salida: agosto 2008. Clasificación: Everybody.

★★★★

Este año se ha caracterizado por la salida de secuelas de muchos de los juegos de más renombre, que han visto la luz para formar parte de nueva generación de videojuegos. Sin embargo, hay otros títulos que no cuentan con un gran despliegue de mercadotecnia, y aún así sobresalen entre los grandes. Tales of Vesperya, para la gente que no lo sepa, pertenece a la serie de juegos de rol , denominados “Tales”, misma que ha existido desde hace mucho tiempo. Es famosa principalmente en todo oriente, y poco a poco se ha ganado un lugar en todo el occidente, en donde predominan los juegos de disparos. Como todo juego juego de rol, Tales of Vesperya toma como premisa principal, la justicia y sus implicaciones, tanto físicas como morales, en un mundo mágico que hace varios años fue invadido y casi completamente destruido por poderosos demonios. Esto ocasionó una devastadora guerra que eventualmente terminó con la victoria del bien sobre el mal. Sin embargo, hoy en día la sociedad ha evolucionado, y todos aquellos valores que sus antepasados trataron de inculcarles, se ha ido perdiendo día con día. El mundo en el que viven, por su parte, quedó protegido con una barrera de energía que no sólo serviría como escudo contra los demonios, sino que también les proveería de alimentos y ahora, inexplicablemente ha comenzado a debilitarse. Con todos estos aspectos, se hace imperativo que toda la gente se ayude una con otra para tratar de sobrevivir. Todo esto desencadena una larga serie de eventos en los que la justicia y su significado tendrán mucho que ver, y en los que viviremos una gran historia de actualidad, magia, fantasía y amor, como sólo la serie de Tales puede hacerlo. No hay pierde, Tales of Vesperya es uno de los títulos que cuentan una gran historia, con música y diseño de personajes a cargo de Kosuke Fujishima, conocido por su trabajo en el popular animé. TXT:: Roberto Armando López G.


música

cine MARTES DE CINEBAR Presenta: En el mundo a cada rato / Las tortugas pueden volar Lugar: Lunario del Auditorio Nal. Fecha: 1 de julio, 19:30 / 21:30 Costo: $50

MARTES DE CINEBAR Presenta: Frágil / El Orfanato Lugar: Lunario del Auditorio Nal. Fecha: 22 de julio, 19:30 / 21:30 Costo: $50

POSTALES DE LENINGRADO Lugar: Cineteca Nacional Fecha: Del 4 al 17 de julio

FOBIA Lugar: Vive Cuervo Salón, D.F. Fecha: 4 de julio, 21:00 Costo: $320

LA CASTA Lugar: Vive Cuervo Salón, D.F. Fecha: 18 de julio, 20: 00 Costo: $300

MUSE Lugar: Arena Monterrey, Nuevo León Fecha: 16 de julio, 21:00 Costo: $300 - $850

JULIETA VENEGAS Lugar: Teatro Diana, Guadalajara, Jalisco Fecha: 1 de agosto, 21:00 Costo: $300 - $550

MARTES DE CINEBAR Presenta: La verdad y la mentira / Festen Lugar: Lunario del Auditorio Nal. Fecha: 8 de julio, 19:30 / 21:30 Costo: $50 EL LLANTO DE LA MARIPOSA Lugar: Cineteca Nacional Fecha: Hasta el 10 julio LA INFLUENCIA Lugar: Cineteca Nacional Fecha: Hasta el 10 de julio MARTES DE CINEBAR Presenta: La lista negra / El clavel negro Lugar: Lunario del Auditorio Nal. Fecha: 15 de julio, 19:30 / 21:30 Costo: $50

Lugar: Auditorio Telmex, Zapopan, Jalisco Fecha: 18 de julio, 21:00 Costo: $250 - $900

CICLO WOODY ALLEN RECIENTE Presentando: Misterioso asesinato en Manhattan, Balas sobre Nueva York, Poderosa Afrodita, Todos dicen que te amo, Los enredos de Harry, El precio del éxito, El gran amante, Pícaros ladrones Lugar: Cineteca Nacional Fecha: Del 17 de julio al 3 de agosto JOE SATRIANI Lugar: Teatro Metropolitan, D.F. Fecha: 12 de agosto, 21:00 Costo: $260 - $860

NO QUIERO DORMIR SOLO Lugar: Cineteca Nacional Fecha: Del 18 de julio al 3 de agosto

MARTES DE CINEBAR Presenta: El señor Napoleón / La vida en rosa Lugar: Lunario del Auditorio Nal. Fecha: 29 de julio, 19:30 / 21:30 Costo: $50


JULIO-AGOSTO teatro arte CICLO 50 AÑOS DE LA NUEVA OLA Presentando: Van Gogh, La primera noche, Los mocosos, Una vida, Los 400 golpes, El bello Sergio, Los primos, Los amantes, La fuente de la vida, La cabeza contra la pared, El signo del león, Hiroshima, mi amor, Sin aliento, París nos pertenece, Lola, Crónica de un verano, Cleo de 5 a7, Jules y Jim, La infancia desnuda, El fuego fatuo, Los carabineros, La piel suave, Tomás el impostor, La chica y los fusiles, Alphaville, Los paraguas de Cherburgo, La felicidad, La vieja dama indigna, Pierrot el loco, La coleccionista, La religiosa, El hombre que miente Lugar: Cineteca Nacional Fecha: Hasta el 3 de agosto MARTES DE CINEBAR Presenta: Amor y muerte / Los inquebrantables Lugar: Lunario del Auditorio Nal. Fecha: 5 de agosto, 19:30 / 21:30 Costo: $50 MARTES DE CINEBAR Presenta: Un retrato de Diego / Los ladrones viejos Lugar: Lunario del Auditorio Nal. Fecha: 12 de agosto, 19:30 / 21:30 Costo: $50 MARTES DE CINEBAR Presenta: Juno: crecer, correr y tropezar / Paranoid park Lugar: Lunario del Auditorio Nal. Fecha: 19 de agosto, 19:30 / 21:30 Costo: $50 MARTES DE CINEBAR Presenta: Mi punto G / Venus Lugar: Lunario del Auditorio Nal. Fecha: 26 de agosto, 19:30 / 21:30 Costo: $50

METÁFORAS ÍNTIMAS – RICARDO GARIBAY Lugar: Fototeca Nacional del INAH, Pachuca, Hidalgo Fecha: Hasta el 13 de julio LOS PUNTOS DEL COMPÁS. ARTE COREANO CONTEMPORÁNEO Lugar: Sala de Arte Público Siqueiros Fecha: Hasta el 20 de julio

LA MUJER DE ANTES Lugar: Teatro El Granero Centro Cultural del Bosque Fecha: Hasta el 15 de julio (martes y miércoles 20:00) Costo: $150 BENITO ANTES DE JUÁREZ Lugar: Centro Nacional de las Artes Fecha: Hasta el 20 de julio (jueves y viernes 20:00, sábados 19:00, domingos 18:00) Costo: $120 ¿QUIÉN SE RÍE DE MIS ANGUSTIAS? Lugar: Sala Xavier Villaurrutia Centro Cultural del Bosque Fecha: Todo julio (lunes y martes 20:00) Costo: $150 EL RUIDO DEL AGUA DICE LO QUE SIENTO Lugar: Teatro La Capilla Fecha: Todo julio (jueves y viernes 20:00) Costo: $120 TRAINSPOTTING Lugar: Teatro Julio Prieto Fecha: Todo julio y agosto (jueves 20:30, viernes 19:30 y 21:30, sábados 18:00 y 20:30, domingos 17:00 y 19:00) Costo: $200

IMÁGENES ENCONTRADAS (SALPICADERAS) – CARLOS AGUIRRE Lugar: Sala de Arte Público Siqueiros Fecha: Hasta el 20 de julio SEGMENTOS DE LA DESMEMORIA – YESICA BARRERA Lugar: 100 M3 de arte contemporáneo Fecha: Hasta el 24 de julio MÚSICA DE HUESOS Lugar: Ex Teresa Arte Actual Fecha: Hasta el 27 de julio CAUSA EFFICIENS Lugar: Ex Teresa Arte Actual Fecha: Hasta el 27 de julio LEÓN FERRARI. OBRAS 1976–2008 Lugar: Museo de Arte Carrillo Gil Fecha: Hasta el 3 de agosto CIEN CARTELES Lugar: Biblioteca de México “José Vasconcelos” Fecha: Hasta el 3 de agosto CEDA EL PASO – LEONARDO TORRES LERDO DE TEJADA Lugar: Café La Gloria Fecha: Hasta el 6 de septiembre JEFF WALL Lugar: Museo Tamayo Arte Contemporáneo Fecha: Hasta el 14 de septiembre


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Marcello Lara

EL GERENTE ¿Qué tan difícil es ser el gerente? La verdad es muy fácil (risas). Afortunadamente se armó un equipo en la estación que es muy profesional y que tiene mucha experiencia en lo que hace. Mi función no es la de estar con el látigo detrás de la gente. Todos los que están en la estación tienen mucha experiencia de trabajar en radio, y los que estamos del otro lado tenemos mucha experiencia en la administración, así que ha sido muy fácil ser el gerente porque cada uno sabe muy bien lo que hace. No todo mundo conoce todo acerca de Marcello Lara. A parte de ser el gerente de la radio más importante de rock de la ciudad de México... Tengo un alter ego que se pinta la cara y toca en un grupo de rock, llamado Moderatto. (risas) ¿Antes de Moderatto que hacías? Llegue a la estación y a Moderatto por muchos azares del destino. Por un lado, siempre toqué con grupos. Vengo de una generación en que estábamos todos muy cercanos. Toqué un tiempo con mi hermano grande en un grupo llamado Bon y Los enemigos del silencio y luego hice mis grupos solo. Mi primer grupo de rock lo hice con el Cha hace 25 años. De ahí conozco a los Fobia, y siempre habíamos querido hacer algo juntos. Y luego trabajé 10 años en una disquera, por lo que conocía a toda la gente de la radio, pero del otro lado, siendo el disquero molesto. Cuando dejé las disqueras me dediqué un tiempo a producir televisión en Canal 11, y acabe aquí. Juegas dos papeles. ¿Qué pasa a la hora en que Marcello debe decidir la música que debe sonar en la radio? Afortunadamente no elijo yo la música que entra, y eso ha sido una liberación total. No solo por la carga conflictiva de mis dos trabajos, sino porque es una carga muy difícil decidir que música sí y que música no debe sonar en la radio. Hay un director de programación en la estación, hay un consejo de programación, del cual formo parte, que a fin de cuentas es el que decide, pero yo no tengo voto en ese consejo. Soy como un radioescucha más que opina que le gustaría escuchar en la estación y que no. Sólo dos radios apoyan al rock en México (Reactor e Ibero 90.9.) ¿Por qué esto es así habiendo tanto público para este tipo de música? El chiste es que no hay un compromiso, ni libertad de discurso. Los ejemplos cercanos fueron Rock 101, Radioactivo y W Fm. Fueron muy exitosos y lograron una enorme transmisión de discurso y crecimiento porque eran como una cosa familiar, no era un negocio. Pero en el momento en que se comprometió el discurso por las necesidades comerciales se fue a la chingada. Cuando el discurso se vuelve medianamente inteligente y ya no es sólo poner música y decir pura burrada, empieza a incidir positivamente en el público. La radio comercial es un negocio enorme. Entonces, hay una serie de intereses que frenan muchísimo el desarrollo de los discursos coherentes o medianamente pensantes. No digo que Reactor sea una estación inteligente. Al contrario, creo que nuestro discurso es más musical que echar rollo. Eso ha hecho que la gente se conecte, y a partir de nosotros brinque a otras cosas. Y eso es lo que a los compromisos comerciales no les gusta mucho. Tú y tus hermanos están muy vinculados en la música… Nos queremos adueñar de la industria (risas) ¿Sus padres se dedicaban a la música? No, fue pura curiosidad y resultado de “hippismo”. Nuestros padres son abogados los dos, pero eran medio hippies y tenían muchos discos en la casa. ¿Y cómo se llevan los hermanos Lara? ¿Han tocado juntos? Sólo lo hemos hecho una vez, en la presentación del disco del Instituto Mexicano del Sonido en el Hard Rock. Nos hicimos escuchando la misma música los tres, por lo que compartimos la misma formación. M



Revista Marvin 63:: Especial de Verano