MVN 173

EDICIÓN

173 $52.

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EXHIBIR HASTA:

THE BLACK KEYS Nashville, cerveza y rock

05-SEP-19

+PORTER

Enfrentando el caos

+ PRIMAVERA SOUND Ser anormal es normal

+ HUGO HUERTA

Retratos que empoderan

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PORTER

Enfrentando el caos

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+BLACK KEYS

Nashville, cerveza y rock

+ PRIMAVERA SOUND Ser anormal es normal

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Retratos que empoderan

COFUNDADOR CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@marvin.com.mx DIRECCIÓN COMERCIAL Y RP DELHY SEGURA delhy@marvin.com.mx ESTRATEGIA DIGITAL AURELIO VARGAS joseaureliovasan@gmail.com MARVIN TV PEDRO VELASCO pv.lphant@gmail.com DISTRIBUCIÓN EDUARDO CORTÁZAR ROSAS

DIRECTORIO

REPRESENTANTES EN LA REPÚBLICA TOLUCA EDUARDO URIBE MORALES aliasdg@gmail.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@marvin.com.mx PACHUCA ALFREDO GARCÍA r.u.d.o@hotmail.com

EDITOR EFRAÍN RAMÍREZ "MAKO" mako@marvin.com.mx DISEÑO EDITORIAL ADRIANA GALLARDO adrianag.marvin@gmail.com EDITOR CÓMIC ÓSCAR G. HERNÁNDEZ oscarghx@marvin.com.mx PROJECT TRACKING ALFREDO CALDERÓN alfredoc.marvin@gmail.com REDACTOR WEB ALDO MEJÍA TOÑO QUINTANAR COLABORAN EN ESTE NÚMERO Aldo Mejía, Álvaro Vargas, Claudia Herrera, Lenin Calderón, Sergio Benítez, Toño Quintanar, Wenceslao Bruciaga IMPRENTA Compañía Impresora El Universal Allende 176. Col Guerrero. México, CDMX. Tel. 5117 0190

CONTACTO

Cozumel #61- PB. Col. Roma Norte CP 06700.

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VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD.

Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 173 correspondiente a: JULIO/AGOSTO 2019. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2019-012816402300-102. MARVIN es una Marca Registrada.

Distribuida por: Comercializadora GBN, S.A de C.V. , Calle Federico Dávalos num. 35 Col. San Juan Thlihuaca, Delegación Azcapotzalco C.P 02400 CDMX y Arredondo e hijos Distribuidora, Calle Iturbide núm. 18 D, Col. Centro Delegación Cuauhtémoc, CP. 06040 CDMX

EDICIÓN

CENTRAL REPORT

CONTENIDO

LOUDSPEAKER

LOG

JULIO / AGOSTO 2019

8 14

24 46

ESTILO / Puma: Cell Stellar TECNOLOGÍA #SWATCHXBAPE /It’s easy when you are big in Japan

CHANCE THE RAPPER / Hip Hop de ruptura ATARI TEENAGE RIOT / Es como coger frente al público CUPIDO / Boy band para el amor millennial LOLO ZOUAÏ / El empoderamiento del pop JOLIETTE / Nada es tan especial y nada es tan importante

BLACK KEYS / Un reencuentro con los fans HUGO HUERTA / Un retrato, una artista PORTER / Música de obsidiana para hacerle frente a un mundo en caos

PRIMAVERA SOUND / Es normal ser anormal TED BUNDY/Durmiendo con el asesino TANIA REZA / Si te mueves, bailas LETO / Paraísos subterráneos BLACK FLAG/ Cantar con tu banda favorita COMIC Y NARRATIVA DIBUJADA / Breccia 100 COMIC Y NARRATIVA DIBUJADA /Moy Schiaffino

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CENTRAL

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EDITORIAL

L

legamos a la mitad del año, una edición doble de Marvin con dos caras distintas. De un lado la banda que representa lo más americano del rock, el regreso de los Black Keys dejando de lado todas las banalidades haciendo un disco de rock puro y en tu cara. Del otro lado, una banda consolidada dentro de la escena mexicana y que, con espacio, se ha logrado mantener en la mente del público con mucha mística de guitarras y sintetizadores.

Es decir, este número representa esa verdadera unión entre países del norte sin negociaciones absurdas, solo música para mantener la paz en la tierra. Todo ésto salpicado por toques asiáticos y suizos encarnados en la colaboración de Swatch con Bape y un poco de catalán revisitando los vagos recuerdos provocados por el Primavera Sound. Sin dejar de lado el arte y el cine para maravillarnos con distintas propuestas.

De igual forma, es un número con cambios en su cartelera, seguimos reinventándonos en el búnker de Marvin porque este barco no se hunde. Los cambios son necesarios pero no queda más que agradecer a Mi Gordstar por traerme acá, vara alta que hay que superar siempre pensando que en el camino nos vamos a encontrar una y otra vez para compartir hamburguesas y cervezas.

Efraín Ramírez “Mako” @makowww

Aún quedan cosas por descubrir y cosas por resolver.

Pero un desastre a la vez.

Aldo Mejía

Periodista de cultura, política y seguridad, egresado de la FES Acatlán. Estudioso de la contracultura y la narcocultura, así como de la relación entre ambas. Escritor en ciernes de crónica, cuento y ensayo.

Detective salvaje.

Sergio Benítez PR full time: PubliRelacionista por pura frustración, PeriodistaRock por mera emoción y PunkRocker por harta devoción. Hace mucho, dice poco y escribe más. Sencillamente un maldito monstruo sucio y maloliente.

Claudia Herrera

Licenciada en Historia y Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte, con especialización en arte contemporáneo. Su ámbito de estudio es el arte contemporáneo, arte electrónico y digital, las prácticas artísticas colaborativas, el arte público y sus múltiples formalizaciones.

Carolina Martínez

COLABORADORES

Carolina Martínez aka Chabaski es una ilustradora y animadora 2D mexicana. Actualmente es freelance y su trabajo se define por estilo cambiante y colorido

Álvaro Vargas

Méxicano, profesional de la industria de la música y el entretenimiento.

Entusiasta del street wear y el hermetismo, anti melómanos y gente que le mama lo que sea.

Toño Quintanar

Escritor, adicto al cine, cuentista, guitarrista en Los Riot y nigromante frustrado. Estudió Literatura e Historia del Arte en la UNAM. Ganador del XXI Certamen Literario Juana Santacruz.

Lenin Calderón

Coleccionista de archivos musicales pirata, películas de culto clonadas y libros prestados, a partir de los cuales intenta entender un mundo confuso.

Otro habitante más de la CDMX en espera de que la 4T funcione mejor que la 3D o la RV.

Wenceslao Bruciaga

Escritor, cronista, más de diez años como columnista de #ElNuevoOrden en Milenio.

Melómano irremediable e insufrible, boxeador amateur. Es autor de los libros Tu lagunero no vuelve más (ed Moho 2000), Funerales de hombres raros (ed Jus 2012), Un amigo para la orgía del mundo (ed Discos Cuchillo 2016) Bareback Jukebox (ed Moho 2017). Por culpa del hardcore punk lo tachan de ser un gay-antigay.

Twitter e Instagram: @distorsiongay

PUMA ESTILO JULIO / AGOSTO 2019

LOG

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Puma: CELL Stellar El regreso de las celdas hexagonales

Hace más de 20 años Puma introdujo su primera silueta con tecnología CELL. Esta tecnología de celdas hexagonales proporcionan una amortiguación estable y un mejor movimiento.

Ahora Puma presenta su nuevo calzado para mujeres, CELL Stellar. Y no podría tener una mejor presentación que teniendo como cara a la actriz y modelo Cara Delevigne, a quien recordamos por sus papeles en “Ciudades de Papel” y en “Escuadrón Suicida”; aparte de ser la host en la Non-Stop-Pop FM en el Gran Theft Auto V. El CELL Stellar es una nueva silueta para mujeres completamente nueva. Extrae señas de CELL Alien y rediseñándolos para las calles con una estética femenina.

Su collar bajo ofrece incontables oportunidades de estilo dependiendo tus gustos y cómo te quieras ver cada que los utilices. Este calzado se lanza en blanco y negro con una visible tecnología CELL en rosa vibrante, este calzado nos lleva de vuelta a la popular suela de los 90 y puede ser encontrada a partir del 11 de julio en distintas tiendas del país.

GADGETS

Project Scarlett TECNOLOGÍA

XBOX se reinventa

Durante el E3, XBOX anunció nuevos juegos, nuevas formas de jugar e insistió en que las marcas deben de llevar sus trabajos para crear nuevas consolas enfocadas en reducir tiempos y el cross-platform. De igual forma dijo que la gente debe de ser libre para jugar en su consola pero que el futuro está en jugar en la nube y jugar en stream. XBOX tiene pensado lanzar una nueva consola para el 2020, este proyecto lleva como nombre clave Project Scarlett y dicen que su procesador sera cuatro veces más poderoso que el de Xbox One X, aparte de que su resolución y framerate será algo nunca antes visto.

Link’s Awakening El regreso de Link JULIO / AGOSTO 2019

Nuestro pequeño amigo de orejas puntiagudas regresa para una consola de Nintendo. En esta ocasión solo se trata de un remake, hace varios años salió The Legend of Zelda:Link’s Awakening para el Game Boy pero la marca japonesa fundada por Yamauchi quiere revivirlo con mejores gráficos y aventuras, esta entrega verá la luz el 2 de noviembre de este año y lo podrás jugar en Nintendo Switch. Aparte, Nintendo anunció que The Legend of Zelda: Breath of the Wild tendrá una segunda parte pero no quisieron dar más detalles.

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Marshall y sus nuevas bocinas Hace algunas semanas Marshall presentó su nueva línea de bocinas portátiles. Son tres modelos disponibles: Stockwell II, Kilburn II y Tufton. Cada una de estas bocinas ofrece más de 20 horas de funcionamiento sin cables y su rango de alcance inalámbrico es de 10 metros, el sonido siempre será impeccable, audaz y potente. Su diseño hace recordar a esos amplificadores que usan en los escenarios con el icónico logo de Marshall. Además, si eres un purista del sonido, cuenta con un set de perillas analógico con el que podrás ecualizar el sonido.

SWATCH TECNOLOGÍA JULIO / AGOSTO 2019

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#SwatchXBape

It’s easy when you are big in Japan TXT:: Álvaro Vargas

Big in Japan, es uno de los clásicos de Alphaville que vio la luz en 1984, un año después de que Swatch, el gigante relojero suizo, presentara al mundo su primera colección. Coincidentemente fuimos a Japón para presenciar el lanzamiento de la más reciente colaboración entre Swatch y Bape. Dos titanes del fashion/urban trend de clase mundial, unen criterios y develan una colección de seis cronógrafos con molde de la serie Big Bold: Londres, Nueva York, París, Tokio, Berna y uno “Internacional” serán los modelos disponibles.

Llegamos a Narita después de catorce horas de vuelo y comenzamos a vivir al estilo Big Bold: arriesgado, diferente, propositivo, único, fuerte y ambicioso. El evento se llevó a cabo en varios puntos de la capital nipona con mucho estilo y rompiendo el molde vimos por primera vez la colección en diferentes locaciones en el área de Roppongi Hills, para seguir al elegante club Tsunamachi Mitsui, conocimos un burlesque japonés en L’eau à la bouche y rematamos con pizza, graffiti y rap en Pizza Slice, todo a bordo de autobuses clásicos japoneses camuflageados en piel Bape.

Como verdaderas obras de arte los Big Bold x Bape fueron exhibidos y puestos a disposición de los asistentes para posarlos en sus muñecas por primera vez, fue bastante difícil tener que quitártelos, como será difícil poderle poner las manos a uno de estos. Se perfilan rápidamente para ser una de las colaboraciones más importantes del año.

Conocer a #SwatchXBape fue como encontrarse con una pareja con la que haces click de inmediato y le quieres decir “te amo” al minuto uno y además ser correspondido. En el momento en el que lo tienes encima sientes que es algo diferente. Se siente bien, se mira mejor, te dan ganas de mostrarlo en tus redes, de celarlo y no soltarlo, piensas de inmediato con qué te lo puedes poner o cómo te verás con él.

La respuesta es facilísima. Te ves increíble y traes algo muy distinto a cualquier otro reloj que hayas tenido antes. Si uno se es grande en Japón es grande en todas partes.

LOUDSPEAKER

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CHANCE THE RAPPER HIP HOP DE RUPTURA

TXT:: Lenin Calderón FOT:: Cortesía del artista

Ciertas diferencias Chancelor Johnathan Bennett, como lo bautizaron sus padres, no es el típico rapero que salió de las calles y llegó a los charts. A pesar de provenir de una de las ciudades en EU donde la violencia es más brutal –e incluso ha producido subgéneros del hip hop tan violentos como el drill— el entorno de Chance siempre fue familiar y musical. Para empezar, sus padres trabajaban en el gobierno en muy buenos puestos. Gracias a la cercanía de su papá con el alcalde de Chicago, conoció al entonces candidato presidencial Barack Obama. Chance, que tenía 14 años, le confesó que quería ser rapero, el futuro primer presidente afroamericano contestó con un simple

“word”, una expresión muy hiphopera y que podríamos considerar el equivalente a nuestro comprometedor “que conste”. Mientras que muchos raperos a esa edad a lo que más aspiran es a ganarse la confianza del dealer local, Chance sellaba una promesa de vida con un apretón de manos del futuro presidente.

Futuros posibles Otra influencia clara de sus padres en el futuro musical del Chance fue lo que escuchó cuando niño. La colección familiar usual incluiría a Sam Cooke, Billie Holiday y otros artistas de jazz y góspel, aunque su interés personal en la música comenzó con Michael Jackson cuando aún tenía diez años. En cuanto a su iniciación en el hip-hop, un par de años más tarde el track “Through the Wire” lo animaría a comprar The College Dropout (2004), debut de Kanye West, y probablemente el mejor de sus discos. Otra conexión entre sueños del pasado y futuros posibles, pues ambos se han vuelto colaboradores frecuentes de unos cinco años a la fecha.

Por supuesto, Kanye es uno de los colaboradores en la producción de Owbum. La coincidencia entre ambos va más allá de haber nacido en la misma ciudad, comparten también ciertos temas en sus letras. En sus canciones, las referencias a La Biblia son constantes, no por nada ese sonido góspel que a muchos incomoda. Además, ambos parecen vivir una constante batalla entre la fe interior y la desesperanza del mundo externo. Tal vez por eso, y con la intención de ser un buen cristiano, Chance se involucra en cuanto proyecto o fundación caritativa se le atraviesa. Él mismo ha diseñado varios retos en redes para interactuar con su comunidad y generar ayuda directa.

Tres generaciones Otro elemento que le da ese estilo inusitado a varios de los tracks de Owbun, que Chance ha compartido, es quizá dónde fue concebida parte de la música. Kanye y Chance viajaron a las montañas de Wyoming para trabajar en el estudio con Mike Dean y Rick Rubin, dos productores históricos, sin los cuales sería imposible concebir el hip-hop tal como lo conocemos ahora. En una entrevista con el Chicago Tribune, Chance habló de la experiencia: “De pronto estábamos en medio de las montañas, rodeados por animales salvajes. Es muy diferente estar allá arriba, haciendo música. Kanye me preguntó si podíamos hacer un álbum con lo que grabamos. No sé aún la dirección que podremos darle a lo que hicimos allá o cómo encajará en lo que ya tenemos hecho, pero hay material que definitivamente rescataremos”.

Es imposible saber si Owbun recibirá el mismo número de nominaciones a premios como los Grammy o igualará las 57 millones de descargas que en su momento tuvo Coloring Book. Lo que es un hecho es que canciones geniales como “I Might Need Security” o “65 & Ingleside” ya comenzaron a generar polémica. Esos y otros singles han sido el warm-up para lanzar un disco de hip-hop de ruptura, con una brillante producción a miles de kilómetros de distancia del barrio y eso a muchos no les gusta. Muchos de sus detractores simplemente confirman el axioma formulado por quién sabe quién: “puedes sacar al negro del gueto, pero no puedes sacar al gueto del negro.”.

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LOUDSPEAKER

Han pasado tres años desde que este rapero de Chicago rompió records y hasta los Grammy fue a dar con su disco Coloring Book (2016).

Va siendo hora de que entregue lo que él mismo prometió para 2018. Él considera que su nuevo disco será un debut, a pesar de ya produjo tres previamente. Tal vez por ello, el título será una estilización fonética de la palabra álbum: simplemente Owbum.

En julio se estrena oficialmente esta producción, aunque él mismo la ha ido filtrando a cuenta gotas en redes desde el año pasado.

Track por track, ya dio a conocer 5 de los 7 que integrarán el disco y el público sigue sorprendiéndose con su estilo góspel, totalmente positivo, optimista y relajado. Sus beats están llenos de jazz y soul, sofisticados arreglos vocales y cuerdas con aspiraciones casi sinfónicas. Todo un numerito que para muchos simplemente no va con un género erigido sobre las batallas de MC’s o B-Boys y la guerra entre crips y bloods.

ATARI TEENAGE RIOT ES COMO COGER FRENTE AL PÚBLICO

TXT:: Wenceslao Bruciaga FOT:: Arturo Lara

Alec está bien pinche bueno. Lo tiene todo para ser ícono gay. Es más, tiene los músculos más macizos que personajes que provocan sueños húmedos homosexuales como Travis Wall o los actores porno más cotizados. Es buga pero un gran aliado de la lucha LGBTTTIQ, sin embargo ésta no lo reconoce como tal acaso por lo brutalmente violento de su proyecto, Atari Teenage Riot, una banda de digital hardcore que él prefiere ver como una guerrilla de djs contra un sistema que aliena a la sociedad mediante el consumo y una moral engañosa.

Este anti-rockstar estuvo en México como parte del toquín abridor de la Semana Indie Rocks! 2019 y a propósito de su vista aprovechamos para entrevistarlo:

LOUDSPEAKER

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¿Alguna vez te imaginaste que el mundo giraría hacia el conservadurismo radical y fanático como lo que estamos viendo? ¿Dónde quedó la enseñanza de Atari?

Nunca lo imaginé, ver a alguien como Trump en las noticias, pero sí que sabía que las sociedades suelen moverse con la misma pulsatilidad que un péndulo, sin muchas opciones de dirección. No veo el actual momento como el fin del mundo, o el despertar de un movimiento o el renacer de una nueva civilización. Lo que sí veo es mucha gente bastante crítica con la situación actual, que cuestiona todo lo que sucede alrededor o que le impacta de alguna manera en su vida cotidiana, aunque lo hace con una agresividad atroz, critican influenciados con unas ganas de pelear. A veces extraño cuando la crítica era propositiva, muy de los tiempos de Obama en los que la gente no estaba a la defensiva, aunque también bajaron la guardia, era una especie de paliativo social, la gente decía: “Por fin Obama es presidente, siendo negro, todo va a estar bien” como si eso fuera suficiente para que los gobernantes entiendan lo que pasa debajo suyo, pero al menos el clima propiciaba cierta paz.

Siempre será un misterio qué es lo pasa por la cabeza de los gobernantes.

También es cierto que de pronto la gente tiene una urgencia por posicionarse en temas

que han estado mal por mucho tiempo y los afectan, pero son opiniones reactivas, cuando el chingadazo los afecta y me parece es algo que debieron hacer todo el tiempo, perdona si sueno arrogante pero es algo que venimos haciendo en Atari desde nuestro primer EP, con la letra de nuestras canciones y la actitud, desafiante, la crítica al sistema como una encuentro de box porque la autoridad es un enemigo constante y para confrontarlo hay que estar entrenado, es la única forma de darles en la madre, leerlos y estudiarlos para luego darles el chingadazo… ¿Por eso estás bien mamado?

Un poco sí, pero creo que si es parte de mi actitud de resistencia. Hay que estar sano para tener fuerzas para cuando sea necesario. Los músicos de hoy son muy lánguidos. Su reacción frente a las injusticias son muy timoratas, de pronto toman conciencia sobre lo que está pasando en el mundo con una ansiedad de posicionarse y decir y hacer algo en público, pero a veces, fuera del impacto emocional creo que los efectos son mínimos porque al final generalmente se mueven bajo fórmulas comprobadas que ante todo dejan ganancias económicas y esto pone en duda su discurso y sobretodo convicciones. Su supuesto lenguaje pacificador es comodino pero sobretodo inofensivo…

A mí me enferma de pronto esa actitud blandengue sobretodo de los autollamados indies…

El lenguaje musical debe evolucionar, salirse de su zona de confort y la gratificación dócil e individualista, de esa modorres edulcorada. No basta con decir que hay injusticias con toda tu indumentaria orgánica. Para mí, debe impregnarse de más energía, mimetizarse con lo que estás diciendo, sentirlo. Por eso me gusta la programación electrónica, porque tiene más capacidad de interactuar con la vida cotidiana con todo y sus crueldades, me parece que la música electrónica tiene la capacidad de reproducir los sonidos de unos policías golpeando a manifestantes, puedes

grabarlo, grabar el sonido de una vitrina estrellándose por un ladrillo lanzado por un anarquista encabronado con el mundo para luego samplearlo, manipularlo y escribir letras sobre eso, cantar y bailar y rebasar los límites. Nos han dicho que nuestra música no se puede bailar, pero yo creo que sí, una mezcla de moshpit anarquista…

Y sudoroso. Alguna vez leí a Henry Rollins que el slam era una especie de orgía semi-reprimida, un montón de hombres unos contra otros estampando sus torsos desnudos, “ya mejor háganlo decía”…

Qué bueno que lo mencionas porque el techno es propiedad de la escena gay que al menos en Berlín ha sido fundamental para nutrir otras corrientes de la música electrónica. Muchos citan a Kraftwerk y me parece bien, pero no podemos negar el hecho de que eran sobreestilizados. Pienso mucho en cuando hubo un momento en que los clubes gay de Berlín programaban una suerte de techno-punk y eso fue fundamental en la formación del sonido de Atari Teenage Riot porque que la energía de sus beats decían algo, era tan sexual, desinhibida y al mismo tiempo poseían un discurso de honestidad y valentía de frente a una sociedad conservadora que rechaza todo aquello que no encaje en sus rígidos moldes, similar a la resistencia del Detroit Techno generada por negros. Una necesidad de manifestarse con el placer.

Quedé muy seducido por lo liberador de esa música, que desde entonces me dije que Atari debería tener ese toque agresivo pero altamente erótico, sexual que nos permitiera expresarnos sin inhibiciones, con el mismo salvaje deseo como cuando estás cogiendo. El techno alemán siempre ha tenido ese componente sexual, pero mientras otras corrientes y artistas lo utilizan como factor de hedonismo que facilita la entrada al mainstream, nosotros lo utilizamos como una herramienta de confrontación, como granadas de venganza desde la minoría. Algunos conciertos de Atari son como si estuviéramos teniendo sexo en vivo.

“El lenguaje musical debe evolucionar, salirse de su zona de confort y la gratificación dócil e individualista, de esa modorres edulcorada.”

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CUPIDO

LA BOY BAND PARA EL AMOR MILLENNIAL

Cupido un grupo que con su álbum debut replanteó la creatividad artística y hasta el amor en tiempos modernos. Solo Astra y Pimp Flaco tienen como misión propagar el amor.

TXT:: Aldo Mejía FOT:: Pedro Marnez

ñala el disco InnerSpeaker (2010) de Tame Impala, mismo al que las críticas percibían como algo normal y a casi diez años de distancia, algunos artistas lo tienen como una de sus influencias.

“Esto era un experimento en el sentido de que no se había hecho algo igual en España: la unión de un trapero con un grupo de pop y que saliera algo tan bueno. No sabíamos qué iba a salir de ahí, pero teníamos mucho cariño”, explica Luis y continúa Pimp flaco: “Al final de cuentas no había mucha distancia entre nosotros porque yo no estaba haciendo el trap que todos y ellos no estaban haciendo el pop convencional. Somos muy parecidos y se nota que vamos al mismo sitio”.

Sin embargo, Pimp acepta que este proyecto le presentó un reto al cantar en una estructura diferente que la de un beat pues una banda tiene variaciones. Por su parte, Solo Astra estaba jugando a hacer algo más complejo cada vez y tuvieron que frenarse un poco conscientes de que menos, es más.

La primera vez que Cupido se subió a un escenario fue en el Primavera Sound del año pasado, pero nadie sabía de qué se trataba.

En internet sólo había adelantos de No sabes mentir. “Fue muy guay porque para conocer el amor tienes que verlo cara a cara. Fue un momento súper bueno presentar temas completamente nuevos en directo porque hoy en día nadie hace eso”, recuerda Luis. “Entre el público veíamos caras emocionadas porque ahí no puedes fingir. La gente lo estaba bailando y disfrutando”.

Cuando les pregunto si existía alguna expectación por la respuesta del público me responden que sí, pero era mayor el respeto. Sabían de antemano que se podían subir al escenario con miedo. “Nosotros sabíamos que era bueno lo que teníamos y sólo estábamos expectantes a la respuesta, porque igual íbamos a seguir”, dice Toni mientras sonríe.

Para Pimp Flaco la situación es diferente pues, explica, sus seguidores pertenecen a una generación que crecieron escuchando artistas urbanos que no tenían instrumentos sobre el escenario. Acepta que los comentarios a sus videos en YouTube demuestran que hay chavales que no conocen una guitarra o un bajo, y que creen que todo sale de una computadora.

Al mismo tiempo se encontraron con que una generación de medios los bautizó como una boy band. Esto no hizo mella en Cupido, al contrario. “Lo planteamos como algo divertido para darle un poco más a la gente, nos flipa que nos conozcan y sentir que son nuestros amigos, no nuestros fans. Nos mola el concepto de boy band de los noventa y era un punto para diferenciarnos del resto”, dice animado Luis.

Las letras de Cupido sirven para romper uno o dos estigmas con los que lidian los millennials. Milhouse, por ejemplo, habla de un amor sincero, en el que no se ofrecen grandes lujos para conquistar. “Si te llevas a una chica a una casa muy simple seguro que te quiere. No tienes que ser el más rico o el más chulo. Metido en la cama con la persona que quieres puedes ser el más rico del mundo”, concluye Toni .

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LOUDSPEAKER

El año pasado, Cupido irrumpió en la escena musical española como una de las grandes revelaciones. Este grupo resultó de la unión del grupo de pop psicodélico, Solo Astra con la estrella del trap, Pimp Flaco. Aquella noticia empezó correr hasta llegar a oídos mexicanos y el entusiasmo que crearon les valió colgar el letrero de sold out en su primer concierto en Ciudad de México.

Cupido surgió en el momento en que Pimp Flaco estaba buscando una banda para que lo acompañara en algunos shows.

Sin embargo, me explican, se sentían muy a gusto y decidieron concebir una canción desde cero. El experimento fue tan bueno que al final compusieron ocho temas y el 14 de febrero estrenaron Préstame Un Sentimiento (2019).

“Hicimos esas canciones y son las que se acabaron”, cuenta Luis Sansó, “pero seguro que ya hay más por ahí. No queríamos empachar al público, y ocho canciones nos parecen suficientes. Ahora hay más temas acabados y pronto los vamos a soltar”.

Por su parte, Toni D cree que el disco, a pesar de tener unos meses fuera, “madura muy bien y con el paso del tiempo se va a disfrutar más pues van a descubrir lo bien hecho que está y el cuidado que le pusimos fue como de artesanía. La gente ahora lo disfruta de una forma superficial, pero podría cogerle otro sentido más adelante.

Coinciden todos en que a partir de Cupido podrían venir más grupos de este corte y cuando eso pase, su álbum podrá verse como un referente. Como ejemplo, Toni se-

LOLO ZOUAÏ EL EMPODERAMIENTO DEL POP

TXT:: Sergio Benítez ­FOT:: Cortesía del artista

Comenzó su carrera de manera humilde desde su habitación, mientras se grababa interpretando canciones que le permitieron mostrar su talento vocal y como compositora. Desde entonces, su crecimiento meteórico y constante la llevó a colaborar con el productor Stelios, quien ayudó a catapultar su carrera.

LOUDSPEAKER

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A unas semanas del esperado lanzamiento de su primer larga duración, High Highs To Low Lows, Lolo Zouaï mantiene el paso firme en busca de consolidarse como una de las mejores interpretes de la actualidad. Con apenas dos años presente en la escena, la chica de origen francés continúa solidificando un catálogo musical que mantiene elementos pop y dance que convierten sus canciones en autoproclamadas “baladas agridulces”.

La crítica especializada y de estilo de vida le brindó algunos de los primeros elogios a su música que ha demostrado ser multifacética, gracias quizá a su origen franco-argelino. En sus canciones alterna perfecta y sutilmente letras en inglés y francés que adereza con un sonido que parece único y que le ha permitido ganar fanáticos desde su debut.

Su carrera inició en plena adolescencia, cuando desde su habitación grabó algunas canciones que le permitieron darse a conocer de a poco. Actualmente es poseedora de una de las bases de fans cuyo crecimiento es continuo. Su ascenso musical ha sido relativamente rápido: presentaciones en cinco países aún como artista independiente, ha compartido el escenario con Alina Baraz, modelo de Tommy Jeans, colaboraciones musicales, compositora para otros artistas y más.

High Highs To Low Lows fue coproducido por Lolo y Stelios, el hombre detrás de la mayoría de los lanzamientos de Lolo hasta la fecha. Recién desembarcada de una gira por Norteamérica para promocionar su álbum debut, la cantante y compositora de 23 años, nos permite conocer algo más de ella para quienes aún no tienen el gusto. ¿Por qué decidiste mudarte a Nueva York?

Mi mamá obtuvo una oferta de trabajo en Nueva York y nos mudamos todos para allá.

Imaginé que sería la única oportunidad que tendría de vivir en Nueva York con una renta accesible. Fue entonces que comencé a trabajar en restaurantes con productores en diferentes estudios de grabación. ¿Qué te impulsaba a querer estar en esa ciudad?

Siempre escuché que “si puedes hacerla en Nueva York, puedes hacerla donde sea”. Parecía como un reto que me gustaba. Nueva York te enseña mucho acerca del esfuerzo y trabajo duro. No es un sitio sencillo para vivir, pero vale la pena una vez que encuentras tu rutina.

¿Cómo ha sido para ti la experiencia de estar de gira?

Ha sido increíble presentar el álbum en toda Norteamérica y escuchar a todos cantando.

Tuve mi primer autobús para andar de gira, lo que fue grandioso, porque viajábamos mientras yo dormía. Aunque fue complicado comer saludable y hacer ejercicio, ¡ja, ja! ¿Qué tanto reflejas en tu música tu herencia franco-argelina?

Para mí es importante incluir algo de mi influencia francesa y argelina en mis melodías y letras, para que la gente sienta de dónde vengo. Además eso enseña al resto del mundo un poco de mis culturas.

Si pudieras etiquetar en algún género la música qué haces, ¿cuál sería y por qué?

Me parece que lo géneros musicales te limitan como artista. Mezclo muchos géneros diferentes en mi música, estoy influenciada por R&B, Raï, pop, hip hop y otros.

Platícame cómo fue el proceso creativo para High Highs To Low Lows.

Todo sucedía en tiempo real. Mi carrera estaba empezando a crecer y tomar forma mientras lo estaba creando. Hice todo el álbum con Stelios, co-escribí y produje todas las canciones. Grabamos casi todo en un estudio subterráneo en el lado este de Nueva York; cuando empecé a grabarlo, aún trabajaba como anfitriona en un restaurante.

Luego, cuando comencé a ganar suficiente dinero con la música, renuncié y de inmediato fui a mi primera gira. Cuando regresé, Stelios y yo trabajábamos en el estudio las 24 horas, 4 días a la semana.

Trabajar con Stelios es un sueño hecho realidad; es una cosa de 50/50 donde ambos nos aportamos el uno al otro para crear letras, ritmos y melodías.

A estas alturas, ¿cuál dirías que es un gran miedo?

Hacer algo en lo que realmente no crea o que no me enamore. ¿Cómo te ves en cinco años?

Con varios álbumes. Siendo dueña de un departamento o casa. Vestir a la moda. Y espero obtener también algunos papeles de voz en off. Ya no quiero que mi mamá continúe trabajando.

EXTRA FACT Con frecuencia Lolo cita a Too Short como una inspiraciรณn e incluso, alguna vez, usรณ una identificaciรณn falsa para colarse a la fiesta de lanzamiento de su รกlbum No Trespassing.

JOLIETTE

NADIE ES TAN ESPECIAL Y NADA ES TAN IMPORTANTE TXT:: Aldo Mejía FOT:: Enrique Escobar

LOUDSPEAKER

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Uno de los grupos más importantes e interesantes del post hardcore mexicano acaba de lanzar su tercer disco de larga duración. A través de un correo electrónico, desciframos con ellos el proceso detrás de Luz Devora (2019).

He de insistir en que Joliette es una de las bandas que más tiempo invierte en estar de gira, aunque dicen que la experiencia les ha permitido distinguir con facilidad qué vale la pena. “Eso no quiere decir que no tocar alguna vez sea o haya sido una opción, pero hace cuatro años emprendimos un tour por México y Estados Unidos que duró alrededor de 4 meses, y eso es algo que no volveríamos a hacer.”

Les pregunté si había algo, fuera de la música, que los inspirara a lo que respondieron: “Todo lo que está fuera de ello influyó en este nuevo álbum. Siendo una banda que constantemente está de gira, al momento de regresar a casa y enfrentarse de nuevo con el ‘mundo real’, tenemos que empezar desde cero una y otra vez para sobrevivir y costear lo que más nos gusta hacer.”

“Después de esos 30 o 40 minutos de éxtasis puro que es estar en un escenario, el mayor reto es saberse un simple mortal y aceptar que uno no es tan especial. Aceptar lo que somos y que lo que hacemos puede ser tan especial como puede ser carente de sentido alguno, es de cierto modo, combustible para no dejar de hacerlo. Nadie es tan especial y nada es tan importante”, sentencian.

Tal parece que Fernando, Juan Pablo, Gastón y Azael son conscientes de que nada es para siempre, incluyendo a Joliette. Puedo percibir en sus respuestas el genuino gusto que tienen por cada paso que dan. “Tenemos como filosofía que vale mucho el registro de la obra que dejemos como legado tras haber dejado de existir. Es decir, toda nuestra atención está enfocada a la creación de canciones. Crecimos admirando a bandas que independientemente de sus álbumes, no dejaban de lanzar sencillos, epés, b-sides y splits. Es una tendencia que se ha reducido y a nosotros nos gustaría seguirla.”

Sin embargo, nada está más lejano que el término de este grupo, tienen claro que van a seguir haciendo canciones y conciertos mientras resulte divertido para ellos. “Cuando deje de ser un reto, no lo haremos más”, aseguran.

Mientras le doy otra vuelta Luz Devora, semanas antes de que salga, aún estamos a la espera de que el grupo vuelva a nuestro país luego de haber tenido problemas migratorios en Estados Unidos. Seguro que, para cuando se publique esto, habrán sorteado ese obstáculo y entonces podrán convertirla en una gran canción para presumir..

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Desde su nacimiento en el 2011, Joliette se ha convertido en una constante en la escena mexicana. Un par de discos de larga duración, Principia (2015) y Atáxico (2016), así como algunos sencillos alrededor han mantenido al grupo poblano en movimiento hasta llegar a este momento. Luz Devora es el nombre de su tercer disco de estudio y con el que están a punto de emprender un nuevo ciclo.

Fue en diciembre del 2017 que comenzaron con el proceso de composición, se reunieron cinco días a la semana con el objetivo de verter las ideas y nuevos sonidos, hasta que en febrero del 2018 lo tuvieron completo. El resultado es una docena de canciones en las que se escucha un avance y una diferencia marcada con sus antecesores.

Les pregunté si había existido un concepto detonante que envolviera el disco, a lo que me respondieron: “El aspecto lírico es el que esta vez engloba todo el álbum en un solo concepto. Son las letras más sinceras y directas que se han escrito a través de nuestra trayectoria como banda.

Luz Devora es emocional y crudo, menos pulido y más visceral”, me explican.

En el caso de la música, al igual que con Principia y a diferencia de Atáxico, fue un proceso orgánico en el que ya contaban con algunas ideas sin haber planteado una dirección. Sin embargo, aceptan que la inclusión de un nuevo baterista, Azael, los llevó a cambiar la dinámica de trabajo pues tuvieron que volverse a conocer para establecer nuevos parámetros y acoplarse en una fórmula efectiva.

“Los constantes ensayos y presentaciones en vivo nos han ayudado a ser mejores ejecutantes y desarrollar más seguridad en nosotros mismos. No sólo a la hora de tocar en vivo, también para saber los aspectos creativos que queremos proyectar”, dicen acerca del crecimiento que han experimentado en conjunto.

“El proceso de grabación también fue muy relajado y sin mayores exigencias. Probamos un par de cosas nuevas, claro, pero sólo por el hecho de hacerlo y no por obligarnos a que el resultado fuera específicamente lo que teníamos en mente.

Nos dejamos fluir mucho más esta vez”, profundizan sobre esta inmersión en el estudio. “Y comimos demasiada pizza de Benedetti’s en el proceso de grabación, tal vez sea importante destacar eso”, rematan con humor.

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THE

BLACK KEYS UN REENCUENTRO CON LOS FANS

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TXT:: Efraín Ramírez “Mako” FOT:: Alysse Gafkjen

l 12 de septiembre del 2003 recibimos la noticia de que Johnny Cash había muerto en Nashville, Tenessee. Sin embargo, esa no es la única razón por la que esa ciudad de Estados Unidos es famosa.

A nivel mundial, también es una de la ciudades que cuenta con más estudios de grabación. Nashville es conocida como “Music City”, y no es para menos, es de los lugares más importantes para la música y el destino que una gran cantidad de artistas elige para ir a crear nuevas cosas.

Hace poco conocí a una chica de Brasil que acababa de pasar por Nashville para trabajar en su nueva música y cuando le pregunté por qué, su respuesta fue que quería “ir a donde todo había nacido”. No sé a qué se refería con que todo había nacido ahí, pero tenía claro que fue a donde la música sucede. Al final, todos los caminos musicales conducen a Nashville. ¿Por qué estoy hablando de esa ciudad?

Porque volé a Nashville para platicar con The Black Keys acerca de su carrera y su nuevo disco. ¿Y qué más se puede hacer en Nashville? ¡Nada!, no lo digo yo, lo dijo el mánager de los Black Keys mientras estábamos en un barbecue, un día antes de ir a entrevistarlos. Él es originario de California, se mudó a Nueva York y después a Nashville. Ahí se encontró con que lo único que se puede hacer en Music City es tomar, comer y escuchar música; básicamente eso hicimos desde nuestra llegada porque “a la tierra que fueres, haz lo que vieres”.

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EL GRAN REGRESO Después de cinco años, The Black Keys vuelve con un nuevo álbum titulado Let’s Rock, un nombre duro para el momento en el que la frase más sonada en todos lados es “el rock está muerto”. Este disco contiene 12 canciones que nos llevan a esos tiempos en los que a la banda lo único que le interesaba era hacer rock y divertirse en el proceso. Sobre la creación del nuevo disco Dan Auerbach me comentó: “Pasamos un buen momento haciéndolo y fue muy fácil. Mientras nos volvemos más

viejos nos damos cuenta de todo el rock que nos rodeaba cuando estábamos en Akron, Ohio. En la radio siempre había buenas bandas de rock y cuando íbamos a Cleveland veíamos bandas increíbles. Se siente bien solo agarrar la guitarra y la batería.”

TERAPIA DE PAREJA Cuando dos personas lucen bien uno al lado del otro, a la par de llevar proyectos individuales y procuran la sinergia entre ellos, sorprende que comiencen a tener problemas.

Pero, bueno, es el ciclo de la vida. No se puede estar bien todo el tiempo. Así le pasó a The Black Keys, un día decidieron hacer el Turn Blue (2014) y después optaron por dedicarse a hacer otras cosas.

Patrick Carney emprendió su carrera como productor trabajando con Tennis, Tobias Jesso Jr., Wild Belle y compuso el tema para la serie original de Netflix, BoJack Horseman, junto a Ralph Carney. Mientras que Dan Auerbach se dedicó a su disquera y a grabar en solitario.

Media década transcurrió y grabaron el video de su sencillo “Go”, aquello resultó en una especie de terapia de pareja. Les pregunté cómo se sentían de regresar a tocar juntos y Patrick tiene una visión muy clara del cómo solucionar los problemas que te agobian cuando sientes que tu vida en pareja debe parar: la respuesta siempre es TIEMPO. “El hecho de que tomamos un descanso provocó que la gente pensara que había mucho drama, pero en realidad no lo hubo. Solo necesitábamos tiempo para hacer nuestras cosas. Estar en una banda te consume si te dejas.

Hacer ese video fue muy divertido, ridículo y es algo muy de Ohio: ser absurdo y ridículo.” ¿POR QUÉ NASHVILLE? Dan Auerbach decidió irse a Nashville, poner un estudio y crear una disquera que representara todo lo que tenía en su cabeza; el resultado fue el sello discográfico Easy Eye Sound, mismo nombre que el estudio. Han editado música de Link Wray, Shannon Shaw, Dee White y el Waiting On a Song (2017), de Auerbach.

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“CUANDO CRECÍ Y QUERÍA IRME DE AKRON PENSABA: ‘¿A DÓNDE TENGO QUE IR PARA SEGUIR CREANDO MÚSICA?, ¿EN DÓNDE PUEDO CONOCER GENTE INTERESANTE QUE ESTÉ HACIENDO MÚSICA?’ Y DIJE: ‘NASHVILLE, ESTE ES EL LUGAR PARA HACERLO’.”

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Pero, ¿por qué una banda de Ohio iría a grabar su nuevo disco y montaría un estudio en un lugar donde ya existen otros miles de estudios? Dan Auerbach sabía perfecto que esa ciudad tiene todo lo que necesitaba para cumplir sus sueños.

“He amado Nashville desde que soy un niño y venía a escuchar música. Cuando crecí y quería irme de Akron pensaba: ‘¿a dónde tengo que ir para seguir creando música?, ¿en dónde puedo conocer gente interesante que esté haciendo música?’ Y dije: ‘Nashville, este es el lugar para hacerlo’.”

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NO HAY OPCIONES, SOLO HACER LO QUE TE GUSTA Mientras vas avanzando en la vida y comienzas a ver los logros que alcanzaste o el rumbo que tomó tu carrera te pones a pensar en todo lo que ha sucedido. Como bien dice Patrick Carney, a veces también nos ponemos a pensar en todo eso que no hemos realizado o logrado y eso puede acabar con nuestra paz mental, entonces sólo tenemos que voltear hacia lo que has hecho y sentirte feliz de lo que sí está sucediendo en tu vida.

“Estoy muy orgulloso del trabajo que hemos hecho y lo que hemos logrado. Es raro porque no hemos tocado en tres o cuatro años, a veces me levanto en la mañana pensando en lo que no hemos realizado y es algo que me aturde la cabeza. Si pudiera hablar con los Patrick y Dan de hace 15 o 16 años les agradecería por el gran trabajo que hicieron.

“En ese tiempo sentíamos mucha desesperación porque no había otra opción para nosotros, era dedicarnos a la música o hacer algo que no nos gustaba e intentar hacer música. Pusimos todo el empeño para que esto fuera nuestra vida y no sólo una parte de ella.”

DE PLACERES SENCILLOS Quizá persiste la idea de que las estrellas de rock y sus gustos pueden estar llenos de lujos, pero si algo refleja The Black Keys es que es una banda que disfruta de cosas sencillas como cualquier otra persona.

“HONESTAMENTE, CREO QUE LO QUE NOS LLEVÓ A LA MÚSICA MIENTRAS ESTUDIAMOS EN LA PREPARATORIA ERA ESCUCHAR COSAS QUE NOS DEFINIERA POR SER DIFERENTES A OTRAS PERSONAS.” A Patrick le gusta el futbol americano, escuchar música y el béisbol. Es fan de los Indios de Cleveland, y durante la entrevista platicamos un poco de la película Major League (1989) protagonizada por Charlie Sheen, en donde encarna a Rick Vaughn, un pitcher con problemas de la vista pero con uno de los brazos más poderosos de la liga.

Mientras que Dan disfruta de andar en motocicleta para luego meterse en la alberca, algo normal cuando vives en un lugar donde todo el tiempo hace calor.

EL ROCK YA NO ES MAINSTREAM, NUNCA LO FUE Al final de la entrevista les pregunté a Patrick y a Dan si creían que Let’s Rock podría ser el estandarte para restregarle en la cara a la gente que piensa que el rock está muerto. Entre risas, respondieron que eso había dicho la crítica cada vez que The Black Keys lanzaba un álbum. Pero Patrick nos dio una visión personal de lo que es el rock para él en estos momentos: “Yo creo que el rock es popular, es música pop, y solo estuvo en los primeros lugares de las listas durante un breve momento de su existencia. Parte de la esencia del rock era ser subversivo, no tenía algo que ver con ser mainstream. Honestamente, creo que lo que nos llevó a la música mientras estudiamos en la preparatoria era escuchar cosas que nos definiera por ser diferentes a otras personas. Así que eso es parte del rock. Ser diferente y no estar en el mainstream me hace feliz.”

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HUGO H U E R TA un retrato, una artista

Hugo Huerta Marin (1985, Ciudad de México) es un artista multidisciplinario y diseñador gráfico con sede en la ciudad de Nueva York, cuyo trabajo se centra en temas de género e identidad cultural.

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“ESTAR CERCA DE ESTAS MUJERES COMPARTIENDO SU INTIMIDAD Y ESPACIOS PERSONALES, ME HA CONFIRMADO QUE LAS MUJERES SON PURA FUERZA, QUE SON CAPACES DE MOVER Y CAMBIAR IDEOLOGÍAS, DE MARCAR HITOS” TXT:: Claudia Herrera FOT:: Cortseía de la artista

¿De donde viene la idea de retratar mujeres?

Bueno, creo que todo comenzó por suerte, de verdad considero que estuve en el lugar y momento justo, un día en una inauguración en el Guggenheim de NY conocí a Marina Abramovich, nos quedamos solos durante unos 5 minutos y me preguntó: ¿Qué haces en la vida? Le conté que me encargaba del diseño visual de la expo que estábamos viendo y me pidió mi tarjeta, diciéndome que ella quería hacer un libro y que quería que yo colaborara. Una sema-

na después, el director del Instituto Abramovich me estaba llamando…

Comencé haciéndole una entrevista y un retrato, pero yo quería ir más lejos, quería algo más intimo. A Marina le han hecho muchos retratos, vídeos, documentales, reportajes, y yo quería algo diferente. Así que le corte un mechón de cabello, y le explique que para mi esa era una verdadera extensión del cuerpo que dice quién eres, de dónde vienes, le explique el significado emocional que tiene el cabello para mi y la importancia de que la entrevista no girará alrededor de su trabajo, sería en torno a ella, lo que siente y acepto. ¿Cuál es ese significado emocional?

Cuando era pequeño me fascinaba el cepillo de mi madre, tenía su olor, era parte de ella y yo pensaba que si ella moría, eso era lo que yo guardaría para tenerla cerca. El cabello nos dice tu ADN, tu origen social, tu alimentación, nos dice todo. Además para algunas culturas y personas tiene un significado esotérico y/o religioso.

Por ejemplo, Kiki Smith no se dejo cortar el mechón de cabello porque para ella, ese acto de “cortar” tiene mucho significado, prefirió arrancarse el mechón y dármelo! ¿Qué representan las mujeres para ti, por qué sólo mujeres?

Para mi las mujeres son poderosas, siempre han tenido un rol primordial en mi vida personal y desde luego profesional. Creo que hay mujeres que han sido un parteaguas en el mundo de la cultura. Hay mujeres que han llenado de significado social su trabajo y que han hecho que las cosas después de ellas fueran percibidas de manera distinta, no es sólo que sean mujeres y ya, es que han hecho cosas que han cambiado la vida de las personas.

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acido en la Ciudad de México, Huerta Marín recibió su licenciatura en comunicación visual de la Universidad CENTRO. En 2012 se mudó a Nueva York y desde entonces ha trabajado para instituciones culturales en los Estados Unidos y México, incluido el museo Solomon R. Guggenheim. En 2014, se unió al estudio de la artista serbia Marina Abramović como diseñador gráfico y director de arte. Juntos, han colaborado internacionalmente en lugares como The Royal Danish Library, Copenhagen; Sesc Pompeia, Sao Paulo; Moderna Museet, Stockholm; CAC Malaga, Malaga; The Art of Elysium, Los Angeles; Foundation Beyeler, Basel; Henie Onstage Kunstsenter, Oslo; Palazzo Strozzi, Florence, otros espacios públicos, privados e independientes de todo el mundo. Las exposiciones individuales recientes incluyen “ Portrait of an Artist “ en The Hole Gallery en Nueva York y Never Apart Gallery en Montreal, Canadá.

Normalmente entrevisto a mujeres, me gusta hablar las que hacen cosas diferentes en el mundo del arte, pero Hugo hace un trabajo visual extraordinario y está centrado en mujeres realmente poderosas. Hemos visto retratos de Marina Abramovich, Cate Blanchet, Yoko Ono, Tania Brugera, Orlan y un largo etcétera. Sus polaroid tienen mucha fuerza, las miradas son profundas...

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¿A cuantas mujeres haz retratado y entrevistado?

Después de Marina entrevisté a Tania Bruguera, Shirin Neshat, Tracey Emin, Orlan, Yoko Ono y Kiki Smith, de ahí salió el libro “Portrait an artist” (Retrato de un artista ) en una instalación de arte. El lanzamiento se llevó a cabo en The Hole Gallery en la ciudad de Nueva York el 1 de septiembre de 2017 y se publicó en ediciones Anteism.

La instalación fue muy bien recibida, y de ahí se fue a Montreal, ahora estoy en platicas con un Museo en México para este fin de año lo cual me ilusiona mucho, porque acá no se conoce mi trabajo.

¿Qué te han dejado todas estas grandes mujeres?

Estar cerca de estas mujeres compartiendo su intimidad y espacios personales, me ha confirmado que las mujeres son pura fuerza, que son capaces de mover y cambiar ideologías, de marcar hitos…las mujeres son todo.

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¿Después del primer libro que siguió?

Estuve pensando en trabajar con 4 vertientes del arte: Arte, Música, Moda y Cine. Me seguí con las entrevistas y los retratos. En moda entrevisté a Annie Leivobitz, Rei Kawakubo, Miuccia Prada, Anne Demeulemeester, Inez Van Lemsweerde, Diane Pernet, Diane Von Fustenberg. En cine a Agnès Varda, Uma Thurman, Anjelica Huston, Catherine Deneuve, Cate Blanchett, Julianne Moore y en música haré a Annie Lennox, Debbie Harry, Charlotte Gainsbourg, St. Vincent y Lady Gaga.

Me gustaría mucho entrevistar a una mexicana, sin embargo, no he tenido suerte porque las que he invitado no han accedido, pero no pierdo la esperanza.

Después de todo esto haré otra cosa, ahora estoy concentrado en la fuerza femenina, este proyecto implica mucha energía y tiempo, he ido de los Ángeles a Londres, París, etc, porque las entrevisto en sus espacios, así que yo voy a los lugares en donde ellas se sienten cómodas. Los retratos son en polaroid, busqué un formato que me parecía honesto, y ha funcionado muy bien. Todo esto será otro libro y una nueva expo, no quiero pensar que es una segunda parte, es más bien como darle continuidad…

POR TER MÚSICA DE OBSIDIANA PARA HACERLE FRENTE A UN MUNDO EN CAOS

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TXT:: Toño Quintanar FOT:: Cortesía de la banda

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ste año se encuentra irremediablemente marcado por el lanzamiento de Las Batallas, álbum de larga duración que deja al descubierto esa serie de procesos ultrasensibles que hoy en día hacen de Porter una maquinaria orgánica capaz de medir el pulso de la condición humana para traducir sus frecuencias en sonidos de carácter envolvente.

Compuesta por diez temas que mezclan el sonido característico de la agrupación jalisciense con una serie de nuevas y revolucionarias indagaciones estéticas, esta producción transita por distintas emociones, tanto desoladoras como lumínicas, que dan fe de aquellas guerras secretas, las cuales definen el día a día de nuestro planeta.

Desde las vicisitudes evocadoras de “¿Qué es el amor?” y “Pájaros”, hasta el ánimo de presagio apocalíptico de “Chesko”, Las Batallas es un álbum que nos invita a reconocer nuestras ataduras mentales para, acto seguido, reclamar nuestro derecho a la independencia.

En entrevista para Marvin, Porter no se anda con rodeos al momento de asegurar que se encuentra atravesando por un momento crucial en el que la reinvención y el arrojo creativo son sus principales herramientas; misma situación que se ve traducida en un poderoso ánimo de renacimiento que invita al ahora cuarteto a quemar las naves para expandir su propuesta hacia fronteras insospechadas. Después de todo, quién sabe; capaz les salen alas.

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¿Qué ha cambiado de ‘Moctezuma’ a ‘Las Batallas’?

Fernando: Antes estábamos mucho más centrados en aquello que llamamos “rock-experimental-mexica”. En este momento estamos cultivando un sonido mucho más abierto y libre. Estamos centrados más en los sintetizadores y en permitirnos jugar con géneros más distanciados. Ya no seguimos un concepto como tal. Queríamos generar algo diferente. Los sintetizadores son una pieza clave en la nueva era de Porter. Nos resultaron bastante útiles al momento de cambiar la hoja para escribir un libro nuevo.

Víctor: Creo que esta nueva etapa está definida por la flexibilidad, por la capacidad de mutar para transformarnos en distintas cosas. Porter es una banda camaleónica. Este nuevo disco es una prueba palpable de di-

cho asunto, ya que se trata de diez ideas distintas en una sola producción. Me emociona saber que estamos reinventándonos constantemente.

Las Batallas es un título que contagia mucha fuerza.

Diego: Nos gusta definir a la vida como una batalla constante. Todos los días nos encontramos con distintas circunstancias, tanto propias, como ajenas, que marcan un ritmo, una línea de lo que es nuestra existencia.

En este momento Porter se encuentra pasando por un estado de ánimo en particular que precisa indagar en esas batallas que todos tenemos: la muerte, la soledad, el vivir en un sistema, estar sometidos por mil circunstancias. Realmente nadie nos pregunta si queremos formar parte de esto. Es como si hubiéramos nacido jugando este jugo de mesa, LIFE (risas). Queremos reflexionar acerca de qué somos el día de hoy, a dónde vamos como humanidad.

Víctor: Nos encontramos pasando por un estado de purga. Este proceso implica afrontar el miedo, la locura, la soledad. A veces no reconocemos nuestras propias batallas y giramos la cabeza hacia otro lado; sin embargo, esas guerras también forman parte de nuestra humanidad. Ése es el ejercicio de Porter hoy en día: abrazar las batallas y transformarlas en algo más.

Ahora son un cuarteto. ¿Cómo influye esto en su química al momento de crear música?

Diego: Fue un ejercicio que nos obligó a explorar otras configuraciones instrumentales. Los roles cambiaron. Encontramos dinámicas nuevas. Todos hacemos de todo. Nos convertimos en una licuadora de exploración tanto singular como colectiva.

Hace poco tuvieron una presentación bastante íntima en Festival Marvin.

Fernando: Fue una gran experiencia. Los escenarios grandes te permiten tener una producción muy compleja. Sin embargo, los venues pequeños, en los que alcanzas a ver hasta la última cabeza, tienen una vibra muy especial. La energía es más cercana, el calor, el vapor de los sudores. Es interesante porque, después de tocar en festivales masivos los últimos años, regresar a un lugar con un aforo más pequeño (Caradura) hace una diferencia incluso en la cercanía de los músicos,

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Porter es una banda que ha sabido adaptarse a los cambios de la nueva era.

Víctor: Ha sido un salto cuántico. Los formatos físicos han dejado de tener importancia, el famoso disco de oro, todas esas formas tradicionales de medir el “éxito” de un determinado grupo. Porter se inicia al mismo tiempo que las redes sociales. Nacimos junto con Myspace, una de las primeras redes sociales de música. Hay muchos contemporáneos nuestros que difícilmente pueden conectar con las generaciones actuales. Yo tengo 35 años y, sin embargo, soy considerado un millennial; pero hay otras personas de veinte años que también son millennials (risas). A pesar de estas diferencias de edades, pertenecemos a una misma era de inquietudes. Esto permite que Porter siga entre el gusto de la gente joven. Fuimos de las pocas bandas de nuestra generación que lograron atravesar esta brecha generacional.

“Hombre Máquina” es una canción que tiene una perspectiva un tanto siniestra con respecto a la era tecnológica.

David: Estos temas forman parte de nuestra cotidianeidad. Son conflictos que estamos librando constantemente. No creo que sea algo bueno ni malo. Es simplemente algo que está sucediendo actualmente. Tomar una postura negativa con respecto a la tecnología sería algo un tanto soberbio.

Yo en lo personal me siento preso de ella; sin embargo, no queremos comunicar una perspectiva necesariamente negativa, debemos de aceptarlo como algo que está ocurriendo.

Fernando: No tratamos de buscar un estandarte ideológico en particular. Sólo queremos reflejar lo que vemos. Creo que hay mensajes aislados. Algunos temas podrían dejar al descubierto nuestras posturas con

respecto al rumbo que el mundo está tomando en la actualidad; sin embargo, no queremos tener una postura particular sobre la humanidad. Más bien queremos invitar a las personas a hacer preguntas con respecto a lo que ocurre.

Ustedes son músicos con una trayectoria considerable. ¿Aún se permiten el “lujo” de tener influencias musicales?

Diego: Creo que hemos llegado al punto de crear todo desde la nada. Llega un momento en el que tienes mucha información, no sólo musical, sino también emocional: libros, películas, la vida, amigos, situaciones. Todo es una inspiración. Siento que hemos llegado a esa etapa en la que componer es simplemente drenar lo que absorbes como ser humano, que el espíritu se vuelva tangible a partir de la música. Nos alimentamos de las emociones del día a día. ¿Tendremos que esperar otros cuatro años para poder escuchar el siguiente paso de Porter?

Víctor: Creo que cada disco tiene su tiempo y su momento. Sin embargo, tenemos mucho entusiasmo por avanzar hacia una nueva historia. Las Batallas fue algo muy intenso, con muchas emociones. El proceso de composición fue algo alucinante y, en lo personal, creo que llevamos a un nuevo límite nuestras capacidades creativas; sin embargo, creo que en este momento tenemos la motivación de saber qué viene después de este álbum. Trataremos de no esperar tanto para sacar algo nuevo.

Porter es una banda que siempre se ha definido por hacer de la música una especie de “substancia sensorial”.

Fernando: Nos gusta definir a la música como una estructura que debe de ser capaz de tocarte físicamente, de enchinarte la piel. Somos partidarios de generar paisajes que se mueven tanto por lo creepy como por lo alegre. Todos coincidimos en que la música siempre debe de ser una fábrica de emociones.

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tienes que cuidarte de no chocar con la batería (risas). Hasta cierto punto regresamos a nuestros orígenes, a esos escenarios donde la energía de la gente se siente de forma mucho más directa y el calor te acoge.

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46 Es normal ser anormal TXT:: Efraín Ramírez “Mako” FOT:: Oscar Villanueva

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47 El Primavera Sound es un festival que festeja la diversidad y la equidad, que te dice que ser raro estรก bien y que esa rareza es algo normal en el mundo.

LAS DIVAS Uno de los momentos más emotivos del festival fue ver a la Rosalía partiendo el escenario principal, la vimos hace unos meses triunfar en México y volar a Indio para cautivar al público en Coachella pero nada de eso se compara con verla en casa. Ese día también se presentaba James Blake, quien se subió con Rosalía para cantar “Barefoot in the Park”, Solange, Primal Scream, entre otros, pero los ojos del festival estaban puestos para ver su regreso a los escenarios del Primavera Sound. Y sí, lo logró, puso a bailar y a cantar a todos, logró demostrar que en su casa y con su gente se le respeta. ¡Qué show!

Llevar por sombra a Queen B debe ser complicado pero subirte al escenario y llenarle el ojo a los asistentes para no hacer alguna comparación es de Diva del pop, Solange llenó de magia la noche para lograr que el público que estaba cerca después de Rosalía se quedara ahí y no buscara refugio en guitarras después del reggaetón/trap/flamenco o como sea que le quieran llamar.

Salir en Disney Channel, convertirte en amiga de los Flaming Lips y decir que eres la personas que más fumó marihuana durante cierta época de su vida te convierte en una persona que tal vez no le caiga muy bien a la gente. Al final Miley Cyrus demostró que ya no es la niña buscando su identidad arriba de una bola demoledora y que tiene un show que cualquier banda de estadio podría envidiar. Pasó por todos sus éxitos y cantó lo más reciente que hizo con Mark Ronson, le dejó la vara alta a los que le seguían en los escenarios.

Charli XCX, me esperaba un show lleno de bailarinas, bailarines o cosas así que un show de pop siempre tiene pero no, me encontré con una chica que domina el escenario a la perfección y que no necesita de nada más que dos cubos gigantes con luces. Mis oídos sufrieron un poco con las chicas que se encontraban junto a mi cantando cada una de sus canciones pero WOW, un show brutal.

ESPAÑA PERREA HASTA EL SUELO Los sonidos latinos siguen rompiendo fronteras. Después de ese anuncio inesperado de Balvin en Coachella causando controversia entre los que reniegan que lo urbano ha tomado el poder a nivel mundial. El Primavera Sound no se quedó atrás y mostró que en

España se perrea y duro, un festival que atrae gente de todo el mundo se mostró abierto a los nuevos sonidos que dominan el mundo y que las estrellas pop han querido replicar cada vez más.

El escenario El Punto albergó a distintos proyectos, algunos conocidos para el público mexicano como Uzielito Mix y Rosa Pistola pero también tuvo momentos grandes mientras La Zowi daba cátedra de un show de sensualidad y trap. Beats al por mayor para destrozar la pista de baile acompañado o solo, o como quieras hacerlo pero DJ Playero no te dejaba descansar, todo para cerrar con Yung Beef y secuaces arriba de las tornamesas y destrozando los neones que adornaban el escenario.

LAS JOYAS OCULTAS En un festival con tantos artistas es probable que se me hayan pasado muchas cosas pero no se perdió la verdadera razón por la que iba: Descubrir algunas joyas.

Comencemos con Pavvla, una chica de Barcelona que radica entre Brighton y Barcelona, está firmada en un pequeño sello llamado Luup Records con cosas muy interesantes. Pero volviendo al tema de Paula Jornet, su sonido es una mezcla de folk con sonidos electrónicos que pasó de tocar con su guitarra acústica en pubs a presentarse en grandes escenarios en distintos festivales hasta llegar al main stage del Primavera Sound.

DTSQ, una banda de Corea que hace garage directo a tu cara. Ganaron un concurso de Vans hace unos años, los descubrí hace unos meses y fue una grata sorpresa encontrarlos en el cartel. Su show en vivo es poderoso, lleno de punk y psicodelia. Kevin Parker estaría orgulloso.

Música electrónica directo desde Asia, Kirara sorprendió a los que íbamos pasando por ahí. Música fina para que te sientas en un anime mientras corres por Shibuya levantando las manos como Naruto.

The Mani-las, power trio de chicas que saben perfecto lo que están haciendo. El trío está conformado por Mariana, Olaia y Maika Makovski, quien tiene ya una larga trayectoria artística. Darán algunos shows más pero según sus redes los que las logren ver serán afortunados porque detendrán su carrera.

LAS LEYENDAS El Primavera no dejó de lado a grandes actos consolidados que ya han pertenecido al festival y por los cuales la gente sigue desviviendo. Pudimos ver a Jarvis Cocker presentando su nuevo show en solitario que era una especie de stand up comedy con música en la cual interactuaba con el público.

FKA Twigs nos deleitó con su música y un show teatral que te sentías en un mundo alterno al festival cuando se estaba presentando.

Stephen Malkmus destrozó el escenario Primavera y Nas nos mostró porque es una leyenda del hip hop poniendo a la gente a brincar como loca mientras daba una repasada a todo su repertorio.

Dâm-Funk hizo un set que sacó fuego de la pista de baile mientras el sol comenzaba a desaparecer en el Fórum, una fiesta que si hubiera durado otras 3 horas seguramente la gente hubiera seguido pegada ahí.

MUCHAS, MUCHAS SORPRESAS En un festival de esa magnitud te puedes imaginar que todo está controlado y que ya nada te puede sorprender pero mientras caía la noche las pantallas de los escenarios anunciaron el regreso de Pavement, solo tocarán dos shows el próximo año, uno en el Primavera Sound y otro en el Primavera Sound de Los Angeles.

Así es, el Primavera se internacionaliza llevando por primera vez el festival fuera de Europa. Lo que empezó como un sueño en Barcelona se multiplica, aparte del NOS Primavera que hacen en Portugal, el Primavera Weekender que realizarán en Benidorm a finales de año, ahora se suma Primavera Sound L.A. y promete que será una cosa gigante. Si revisan el sitio del festival parece que todavía tienen una sorpresa guardada para el 2020.

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urante mucho tiempo tuve ganas de irme a Barcelona para conocer unos de los festivales más importantes a nivel mundial, el Primavera Sound se ha llevado a cabo en 19 ocasiones y la magnitud de su existencia sólo se logra percibir estando dentro de ese monstruo que despierta cada año en el Parc del Fórum.

Este año el Primavera Sound albergó a 295 artistas, 331 actuaciones durante una semana repartidas en 22 escenarios, de los cuales 17 estuvieron en el Fórum y los otros 5 repartidos por la ciudad.

No conté los pasos que caminé durante esta semana de locura ni conté a todos los proyectos que vi presentándose durante todos estos días pero terminé exhausto, volteabas a cualquier lado, dabas unos pasos y encontrabas algo que ver; te perdías por alguno de sus caminos y aparecía algún proyecto que no conocías su nombre.

Pocas veces se encuentra un cartel de festival en donde haya una paridad de género y Primavera Sound lo logró, mismo número de proyectos de hombres y mujeres. Pero no solo eso fue lo que llamaba la atención, la diversidad de géneros que se presentaron durante todos estos días te daban una idea de lo ecléctico que llega a ser el público en estos momentos.

El Primavera Sound es un festival que festeja la diversidad y la equidad, que te dice que ser raro está bien y que es lo más normal del mundo. Así como te gusta Stereolab, que era una de las bandas que más ganas tenía de ver, también te puede gustar J Balvin o Uzielito Mix, representante mexa por tierras catalanas y que puso a bailar a la gente poseídos por el perreo.

De vuelta a la fama

Ted Bundy decidió ser su propio abogado. Las fotografías de Bundy literalmente actuando su discurso ante el juez, son uno de los documentos más ilustrativos de su psicopatía y poder manipulador.

M

ientras la tasa de feminicidios se dispara en países como el nuestro, llega a la pantalla grande la más reciente versión de la historia de Ted Bundy. Uno de los asesinos seriales más despiadados pero también más populares, el magnetismo de su personalidad lo ha mantenido por décadas entre el estudio y el culto. A ambos los divide una línea muy tenue.

Kimberly Leach tenía doce años, prácticamente era una niña.

Aunque tímida, recién había sido nombrada corredora principal en el equipo de relevos de su secundaria. Asistió a clases la mañana del 9 de febrero de 1978 y cuando no llegó a las prácticas vespertinas, sus compañeras de equipo pensaron que algo andaba mal. Faltar a clases no era su estilo. Kim tenía fama de ser responsable.

Lynette Culver nació tres años antes que Kimberly, pero cuando desapareció en 1975 también tenía doce años. La primera vivía en Idaho, la segunda en Florida: a más de 4 mil kilómetros, prácticamente de costa a costa y de norte a sur de los EU. Lo más probable es que estas dos jóvenes nunca se hubieran conocido. Sin embargo, ambas forman parte de un selecto grupo de 20 mujeres jóvenes. Tristemente, todas ellas pasaron a la historia por haber sido engañadas, sometidas, asesinadas y ultrajadas —antes y después de morir— por Ted Bundy. Uno de los asesinos seriales más cínicos de la historia, Bundy confesó alguna vez que su lista sangrienta incluía no menos de 30 víctimas, en siete estados diferentes. Tal número de asesinatos se confirmó y fue condenado a muerte. Murió en la silla eléctrica en enero de 1989.

Mala hierba…

La fama de Bundy lo ha mantenido con vida. Desde hace muchos años, su historia ha generado decenas de películas y libros. Su magnética personalidad ha inspirado muchos personajes ficticios y series de TV, que aprovechan además todo el escándalo que se generó en torno a su juicio. Ted Bundy decidió ser su propio abogado. Las fotografías de Bundy literalmente actuando su discurso ante el juez, son uno de los documentos más ilustrativos de su psicopatía y poder manipulador.

A finales de los setenta, y una vez que salieron a la luz pública los funestos detalles de los montones de crímenes que se le atribuían, el ciudadano estadounidense promedio consideraba que Ted Bundy era la encarnación del mal. Una maldad que al parecer se convirtió en culto.

En mayo pasado, Netflix estrenó en EU Extremely Wicked, Shockingly Evil And Vile, la entrega cinematográfica más reciente —la octava, para ser exactos— en torno al caso Bundy. En nuestro país se llama Durmiendo con el asesino. En esta ocasión, el argumento se basó en un libro publicado en 1981, escrito por una de sus exnovias bajo el seudónimo de Elizabeth Kendall y cuyo título era “El príncipe fantasma”.

El director del filme, Joe Berlinger también es un iniciado en el culto. A principios de este año se estrenó su documental “Conversaciones con un asesino: Las cintas de Ted Bundy”, 4 horas del show de un asesino que quiere ser recordado como genio o sabio y cuyo ego crea una barrera patológica que suprime cualquier empatía con sus víctimas. El currículum de Berlinger incluye además una larga lista de documentales y series de TV sobre crímenes y asesinatos famosos en EU.

Dólares sangrientos Un artículo de Huffpost afirma que Berlinger ha impuesto el estilo que siguen muchos de los documentales acerca de crímenes que ofrece Netflix y que a últimas fechas han tenido gran demanda. Tal vez no sea una teoría tan descabellada pues la plataforma digital —que no da paso sin huarache— pagó 12 millones de dólares por esta nueva versión de los mismos hechos sangrientos. Para ello tuvo que vencer a billetazo limpio a distribuidoras de peso completo como STF y Lionsgate, en una subasta en la edición más reciente del Festival de Sundance. Esta pelea millonaria por los derechos para distribuir y exhibir sus locuras, seguro, inflarán el ego de Bundy más allá de los límites del infierno.

Hits para amarrar Para personificar a este horrendo handsome devil, se recurrió a uno de los actores con mayor magnetismo en la actualidad: Zac Efron. Dejar en sus manos un personaje así parece haber sido una decisión adecuada pues generó reacciones muy diversas desde que se dio a conocer el trailer. Es imposible no reaccionar con cierta reticencia a escenas en las que se retrata a este asesino cruel guiñando el ojo a la cámara y presumiendo orgulloso su trabajado abdomen, mientras ciertas poderosas canciones suenan de fondo. El soundtrack del filme está compuesto por hits probados y comprobados en la pantalla. Tal es el caso de “I Gotcha” de Joe Tex —usada por Tarantino en “Perros de reserve” — o “Do You Believe In Magic” de The Lovin’ Spoonful —usada en “American Pie” y muchas más. Pero la pieza que más destaca, tanto por su largo historial de apariciones en soundtracks como por la escena que matiza, es “Crimson and Clover” de Tommy James and the Shondels: un par de minutos de gloria previa al infierno mientras Bundy y su entonces novia bailan, pegaditos, idílicamente.

La gloria de los monstruos Tal ha sido la polémica generada por este atractivo retrato de Bundy, que el director ha tenido que salir a aclarar las cosas. Berlinger asegura que su objetivo nunca ha sido glamourizar a este asesino serial. “Nuestra película no glorifica en modo alguno a Bundy o los atroces actos que cometió. Tampoco intentamos dar esa impresión con el trailer que editamos”.

En lugar de esto, él le aseguró a Buzzfeed News que el filme es “un retrato serio de cómo Bundy engañó a la gente más cercana a él y cómo manipuló a los medios estadounidenses para poder continuar asesinando mujeres y evitar ser detenido o capturado por tanto tiempo”. Según él, el objetivo de la película es contar la historia de Kendall y por ello, no se incluyeron escenas en las que Bundy asesinara a alguien.

Más allá de la polémica generada por este nuevo y glamoroso retrato de Bundy, el estudio de su personalidad sigue siendo útil. Especialmente en un mundo poblado por feminicidas potenciales y monstruos de Ecatepec. Mientras algunos afirman que “la verdad duele”, otros están convencidos de que “la verdad nos hará libres”. El único problema aquí es que la verdad (o al menos la puja más alta) la tiene Netflix, sus algoritmos y sus ventas. Por ello, no debemos sorprendernos o espantarnos si continúa apareciendo más contenido así, ya vivimos una fiebre de asesinos seriales en los 90 y no se acabó el mundo.

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REPORT

TXT:: Lenin Calderón FOT:: XXXXX

TÍTULO Extremely Wicked, Shockingly Evil And Vile .

Ted Bundy: Durmiendo con el enemigo DIRECTOR Joe Berlinger PAÍS E.U DURACIÓN 1 hr 50 min REPARTO: Zac Efron, Lily Collins, John Malkovich, Hely Joe Osment, Jim Parsons

Si te mueves, bailas TXT:: Aldo MejĂ­a FOT:: Daniel Molina

La danza: es el cuerpo y su movimiento, pero lo hago a través de las artes visuales porque la danza como disciplina nunca me dio las herramientas ni las capacidades para decir lo que quería como yo quería.

La consigna de Personas Haciendo Cosas es “no hagas ningún movimiento que no te pertenezca”, un sólo movimiento te puede llevar a cualquier parte.

no resistió y la presión era tanta que en algún punto Tania deseó que se le rompiera una pierna para no tener que ir más.

Al mismo tiempo le convencieron de que no era buena bailarina.

Inclusive, hoy en día Tania es consciente de que no tiene las capacidades para ser una buena bailarina. Pero también comprendió que serlo significaba ser la marioneta de alguien pues sólo se limitaba a hacer lo que le decían, aquello provocó una ruptura y empezó a rebelarse. Lo que se tradujo en otras inquietudes: conoció las Artes Visuales y comprendió que quizá existían otras disciplinas que podían dar cabida a su talento y a sus ideas.

Divertida, Tania me cuenta que un día escuchó una canción de Bomba Estéreo y le nació hacerle un video. Escribió un guion, armó un crew y se aventó a grabar. Cuando lo empezó a editar, le dijeron que no servía y decidió eliminarlo en ese momento. En el proceso, alguien tuvo a bien de señalarle que estaba haciendo videodanza, una disciplina que en ese entonces no estaba siendo explorada en nuestro país.

Después de ese primer intento, pasaron dos años antes de que volvira a grabar, ya con más decisión, un nuevo video y le pidió a un maestro una de sus coreografías para hacer “Punto y Línea”. Con ese trabajo empezó a ganar premios y reconocimientos, lo cual le reveló qué quería hacer como proyecto de vida. Como pudo se graduó de Danza Contemporánea con honores.

Desde entonces, su conocimiento ha sido empírico pues ha tenido plena libertad para crear. Ahí vino Nave, un video que Tania describe como bello y estético, pero que no tiene alma. No cuenta nada y aun así ganó premios con él. Decidida, empezó a desafiar la danza y los parámetros que la limitan.

En la Universidad Nacional Autónoma de México se encontró con la especialidad en Danza y Mediación Tecnológica. Con una sonrisa plena y el rostro resplandeciente, Tania recuerda esa etapa académica como una de las más hermosas porque fueron un demo al ser una nueva carrera. Ahí surgió la idea de hacer GIFS en diferentes formatos. A uno de sus maestros, Mauro Herrera, le pareció una gran idea y ahí comenzó el que al día de hoy es el gran proyecto de Tania Reza: Personas Haciendo Cosas.

Hasta el momento ha presentado diez piezas performáticas en las que instruye a un personaje a repetir la misma acción tanto tiempo como pueda. Tania me explica que luego de cierto tiempo el cuerpo lo hace de manera automática, hasta que se descompone o modifica el movimiento y luego recupera su ritmo.

Una de sus piezas, la de un charro floreando la reata, le valió recientemente el Premio Nacional de Arte Joven. Este reconocimiento, así como el haber recibido el Fonca durante el año pasado, los cuenta como sus mayores logros profesionales y artísticos. El brillo que despiden sus ojos verdes cuando me explica su importancia, lo delata.

Las piezas de Tania Reza tienen como consigna que si te mueves, bailas. Su mirada ve danza en los movimientos cotidianos: denle a esta joven artista una cámara y toda la libertad posible.

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n marzo de este año Tino el Pingüino estrenó “Leben”, una canción que compuso con amor a su mamá y que se salía de todo lo que había hecho hasta ese momento por una simple razón: la instalación visual que acompañaba al track. Franco Genel sentado dándole la espalda al mar con una pantalla tras de sí en la que se veían visuales también del mar. Aquello estaba lleno de simbolismos, significados e interpretaciones por todos lados y la responsable de tan bello trabajo es Tania Reza.

A partir de ese momento empecé a buscar su trabajo previo y trayectoria hasta que pude sentarme con ella a tomar un té y conocer su historia hasta este momento, en primera persona. Por supuesto, ambos compartimos el gusto por la música de Franco y emocionada me cuenta que fue él quien la buscó para que dirigiera el video de uno de los adelantos de Oslo (2019).

Tania saca su celular y con una sonrisa me lee el mensaje de tono profesional que le mandó el rapero a su Instagram. Por supuesto, aceptó colaborar con él, y entonces las ideas empezaron a surgir. Tania me habla de todas las ideas que no fueron seleccionadas, desde la inclusión de un halcón hasta la posibilidad de que Franco cantara Leben en lenguaje de señas. Por supuesto, ninguna de ellas quedó.

Mientras bajaba el Sol en la playa de Cocoyoc, Acapulco, Tania le pidió a Franco que se sentara en una silla sin moverse, a excepción de la cabeza, y entonces corrieron los visuales. Un mar furioso lleno de espuma se ve en la pantalla mientras que detrás de todo ello un mar aún más inmenso rompe breves olas en la playa. La primera toma fue la seleccionada y Tania le tuvo que decir a Franco que ella no le había dirigido un video sino una instalación. El músico se emocionó al punto de echar a llorar.

Este es el trabajo más reciente de Tania, y quizás el más visto. Pero le antecede una joven trayectoria digna de admiración. Como en muchas historias, Tania Reza tenía un gusto por el baile y el cuerpo en movimiento, iba a clases de baile hasta que en su adolescencia descubrió la danza contemporánea. Pero no se lo planteó como una carrera a estudiar e incluso por presión social entró a estudiar Biología en la universidad.

No aguantó mucho y luego de la tercera clase optó por escaparse del salón para tomar clases de danza. Eso hizo durante seis meses hasta que se sinceró con su mamá, pero ella la convenció de que quizá era la universidad la que no le estaba funcionando y lo volvió a intentar en la Universidad de Guadalajara. Un día duró ahí, pasaron los primeros cinco minutos de una clase para que Tania volviera a desistir y fingió los siguientes seis meses que estudiaba.

Regresó a Aguascalientes para entrar a estudiar Danza Contemporánea en la Universidad de las Artes, pero se encontró con un programa muy ortodoxo en las técnicas y formas que se enseñaban. Les cuidaban la apariencia, les pegaban y les medían la comida. Pasaba hasta dieciocho horas en la escuela y le fue muy bien al principio, pero

Paraísos subterráneos TXT:: Toño Quintanar FOT:: XXXXXX

Leto forma parte de esas cintas contemporáneas las cuales encuentra en el blanco y negro a su formato estético por excelencia.

ÉRASE UNA VEZ, EN LENINGRADO… A diferencia de lo que podría pensarse, el cine de tonalidades biográficas no tiene a la verdad como principal finalidad.

Sus mecanismos discursivos no se limitan a retratar un determinado contexto, sino que crean nuevas realidades, reinterpretaciones de un mundo que inevitablemente se encuentra intervenido por las emociones subjetivas de sus protagonistas.

Leto (2018), la más reciente cinta del director ruso Kirill Serebrennikov, se apropia abiertamente de dichas facultades perceptivas para propiciar una serie de indagaciones sensibles en las que fantasía y realidad se funden en un mismo claroscuro.

Tomando como punto de partida la amistad entre los músicos soviéticos Viktor Tsoï y Mike Naumenko, esta cinta se da a la tarea de retratar de forma trepidante a la escena rockera de la Leningrado de los años ochenta; mismo contexto que destaca tanto por sus particularidades socioculturales como por ese halo de honestidad creativa que fue su principal combustible ideológico.

Durante poco más dos horas, Serebrennikov se da a la tarea de transformar a la cámara en un instrumento quirúrgico a través del cual una serie de sucesos de significativo valor cultural, histórico e iconográfico son extraídos del conglomerado homogéneo de la Historia para ser fijados vívidamente en la pantalla. El resultado de este experimento es una pieza plenamente plástica que logra transformar al séptimo arte en un efectivo dilatador espacio-temporal.

HUÉRFANOS DE PADRE Y MADRE Uno de los aciertos más elementales de Leto es esa soltura con la que recrea la serie de especificidades socioculturales que definieron a la juventud postmoderna de la Unión Soviética.

A lo largo de la cinta se nos presentan una serie de situaciones que, a pesar de tener al rock occidental como principal base conceptual, se encuentran irremediablemente atravesadas por una serie de circunstancias que parecieran incompatibles con la noción tradicionalista que se tiene de la música popular juvenil.

Sin embargo, es este mismo carácter excepcional –incentivado de forma directa por el yugo socialista- el que daría como resultado el surgimiento de una escena musical única en su especie la cual hallaría la forma de superar el escrutinio conservador del Estado para crear espacios secretos que resultaban inaccesibles para la mirada panóptica del Sistema.

Es en este punto en el que las facultades técnicas empleadas por Serebrennikov a lo largo de la cinta adquieren una contundente relevancia sensorial que nos invita a percibirnos integrados al relato.

Desde los primeros minutos del filme nos descubrimos rodeados por una ciudad que se alza a nuestro alrededor como una auténtica criatura viviente, repleta de rumores y esperanzas que a cada instante amenazan con devenir en explosiones de insoportable belleza.

Y lo que sucede es que esta cinta no se limita a hilar la historia de un círculo de jovenzuelos viviendo la plenitud de una época dorada, sino que se da a la tarea de hacer un corte profundo en la dermis de una civilización en particular para dejar en claro que, a pesar de su carácter maravilloso, el principal alimento del rock son los procesos sociales más cotidianos.

LA REALIDAD ES MI ROMPECABEZAS A pesar de esa precisión con la que logra enmarcar un contexto particularmente complejo, Leto es una cinta que se permite experimentar de forma abierta con las capacidades surrealistas del montaje y de la edición cinematográfica.

A lo largo de su narración nos encontramos con una serie de vacilaciones perceptivas en las que la realidad documentada y fantasía desbordante se conjuntan de forma armoniosa para dar pie a una redefinición de las capacidades biográficas del dispositivo fílmico.

El resultado es la concreción de una suerte de “máquina del tiempo”, la cual se da a la tarea de corregir el flujo de la historia, cambiando lo que pasó por lo que debió de haber pasado. Mismo triunfo que pareciera proclamar al séptimo arte como una última ilusión de justicia etnográfica que permite “reidealizar” la historia oficial de nuestra especie para indagar en escenarios hipotéticos que, a pesar de su carácter artificial, nos permiten acariciar la fantasía de un mundo diferente.

Misma propuesta cognitiva que se ve rematada por un collage iconográfico en el que las nociones más seminales de la música popular se transforman en vívida economía para la memoria y la ensoñación.

Leto podría definirse a grandes rasgos como una alegoría de la serie de esperanzas que definieron a un movimiento utópico –el de la eterna inocencia- el cual, a pesar de ser incapaz de triunfar en el plano de la realidad, perdura de forma eterna en el éter ilimitado del mundo de la psique.

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E

l rock y el cine tienen múltiples puntos en común. Ambas son plataformas estéticas que dependen de una serie de procesos mitificadores que transforman a los individuos de a pie en íconos, auténticos signos dentro de un lenguaje cifrado que rápidamente se convierte en un órgano vital para los grupos marginados. Dicho fenómeno permite el surgimiento de historias alternas, narrativas “no oficiales” que le confían al mundo los clamores secretos de aquellos individuos quienes, debido a distintas circunstancias, ya no se encuentran entre nosotros.

Volverte vocalista de tu banda favorita

TXT:: Wenceslao Bruciaga FOT:: Sandy Carson

esa forma, pues sí, muy inesperadamente punk. Después de ese dramático episodio, Ginn le pidió a Valley si quería tomar el micrófono al frente de Black Flag.

Pero Vallely tiene otra versión: Sólo puedo decirte que las cosas no fueron así. Greg y Reyes ya tenían intensas diferencias por cómo estaban tomando el rumbo en Black Flag y lo que pasó veía venirse desde antes. Te digo que cuando lo de Australia, a Reyes pude verle como facciones de alivio, pero no fue tan de desplante como lo pinta…

Serás el vocalista con quien Black Flag visitará la Ciudad de México por primera vez, un hecho histórico para la escena del punk nacional, ¿sientes algo de presión por cumplir las expectativas de los a veces insoportables fanáticos?

Prefiero pensar en que estamos muy emocionados. He estado en la Ciudad de México en un par de ocasiones y tuve la oportunidad de conocer un poco del movimiento punk de ahí. No te miento, no recuerdo el lugar, pero sí que me pareció muy intenso y comprometido, así que creo que el concierto estará sobretodo, divertido… pero sé a qué te refieres porque yo mismo, a veces, me considero como ese fan insoportable que describes… ¿Recuerdas como te hiciste fan de Black Flag?

No tienes idea, lo recuerdo perfectamente la primera vez que escuché a Black Flag, fue en septiembre de 1984, tenía 14 años. Llegó un amigo al sótano dónde vivía en Nueva Jersey, con un mixtape de varias canciones grabadas y la primera canción que sonó fue “Rise Above”. Desde niño he amado la música, de todo tipo, cualquier género, las estaciones de radio y los discos. Pero cuando escuché por primera vez en mi vida el intro de “Rise Above”, me introduje a un estado, fue la primera vez que escuché música que tenía un significado crucial en mi vida que no había escuchado nunca antes.

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lack Flag no es una banda. Al menos para mí, que los llevo tatuados en el brazo izquierdo: la famosa bandera negra fragmentada en cuatro rectángulos sobre una lata de aerosol que es una apología a “Spray Paint”, el proverbial segundo track del Damage, el álbum que fundó el hardcore como género que dignificó al punk devolviéndolo al purismo que siempre debió ser; aunque sobre la guirnalda que envuelve al pomo decidí que escribieran “Rise above” porque esa canción me cambió la vida. Black Flag se trata de un manifiesto ético sobre la anárquica posibilidad de cuestionar los sistemas establecidos que controlan las mentes mediante la retorcida manipulación de aquello que entendemos como valores para devaluar nuestro pensamiento, sobrepuesto en acordes de minimalismo a velocidad de metralleta y furia.

Buena parte de mi confrontación con los convencionalismos se la debo al soundtrack de Black Flag en mi vida y sus impacientes vocalistas, Keith Morris, Ron Reyes, Dez Cadena, el sabrosísimo de Henry Rollins cuya egocéntrica personalidad no pudieron empañar el núcleo discursivo de la banda y ahí radica una de las grandes virtudes de Black Flag, el del mensaje y la música por encima de la tentación del rockstarismo, aún a costa de sus propios beneficios. Le ética radical de Black Flag ha sido virtud sí, pero también flagelo suicida. Al parecer fue una de las razones por las cuales Ron Reyes no siguió cantando el repertorio en 2013 cuando Greg Ginn, el fundador cero de Black Flag decidió reactivar a la banda de forma constante. Por ese entonces el legendario skater Mike Vallely, viejo amigo de Ginn, viajaba con ellos a manera de tour manager en la gira que promocionaba el pésimo álbum What the… y eventualmente palomeaba con ellos. Hasta que pasó el incidente de Australia.

Reyes asegura que Vallely se paró a mitad del concierto para decirle que dejara de tocar, que todo había acabado para él y que lo mejor sería que abandonara el escenario, dice que lo despidió de

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“Creo tener un estilo propio, pero sería un mentiroso decir que es un estilo único porque definitivamente está muy cerca de los gritos de Rollins. Vuelvo a lo mismo, porque es con quién descubrí a Black Flag.”

¿Quién era la voz cuando descubriste a Black Flag?

La primera vez que escuche a Black Flag fue en voz de Henry Rollins, y son de esas cosas que también se te quedan grabadas, como un cicatriz después de un chingadazo, porque la voz de Rollins tiene ese poder de impacto, el sonido de su voz es duro, y la energía que desata con las notas de las canciones, me parece que es una combinación acertada que me llenó de emociones, pero sobretodo de sabiduría. Black Flag me confirmaba pensamientos que de algún modo ya intuía, pero con la fuerza suficiente como para poderlas gritar sin titubeos… ¿Cómo terminaste como vocalista de la banda de la que eras fan?

Si bien la invitación para ser cantante de Black Flag fue una agradable sorpresa, también entiendo que fue algo que se dio de forma natural, porque soy amigo de Greg Ginn de hace mucho tiempo. Muy divertido. Desde entonces hemos tenido una relación de amistad que se ha nutrido de intercambios de ideas y mucha música, así que ahora que canto con Black Flag de forma, oficial, por así decirlo, es como un afianzamiento de nuestra amistad. Pero si lo pienso desde aquella vez que escuché a Black Flag, cuando tenía 14 años y que ahora esté compartiendo mi voz con esas notas llenas de energía, nunca me pasó por la mente. ¿Tu cantante de Black Flag favorito?

Partamos del hecho de que me gustan todos los cantantes que han pasado por el micrófono en todos estos años de carrera de Black Flag, pero definitivamente tengo que decir que Henry Rollins, y

hay una razón obvia: fue la voz con la que descubrí a Black Flag y es un hecho de casualidad determinante que desencadenó otras anécdotas que conducían inevitablemente a tener una conexión con Rollins, él estaba al frente también cuando vi por primera vez a Black Flag, su intensidad siempre me pareció cautivadora y una presencia en el escenario difícil de olvidar por lo imponente de su comportamiento de encarnar las canciones a partir de sus desafiantes convicciones, su cuerpo y su voz como un instrumento más de la banda, siempre me impactó esa forma de vivir las canciones sin ese carisma a veces impostado de los cantantes de bandas que buscan simpatizar a toda costa a veces a costa de la propia música, sin embargo, el protagonismo de Rollins siempre fue honesto y esa honestidad la extendía hasta la música y podías verlo y sentirlo.

Por Black Flag han pasado vocalistas con un estilo propio imponente; ¿cuál sería el tuyo?

Creo tener un estilo propio, pero sería un mentiroso decir que es un estilo único porque definitivamente está muy cerca de los gritos de Rollins. Vuelvo a lo mismo, porque es con quién descubrí a Black Flag. La misma gente lo nota, después de los conciertos, suele decirme “la forma en como cantas y te mueves me recuerda mucho a Rollins·” Puede que sea un punto negativo porque el estándar es alto y ha superado la prueba del tiempo de forma implacable, la gente puede decir, mira este tipo queriendo ser Henry Rollins. Créeme que no, lo juro, es sólo que también me identifico mucho con sus su estilo, voz y posturas ideológicas, ¿cómo te distancias de la influencia sin que parezcas un imitador de la misma? Bueno, creo que la diferencia es que la influencia de Rollins es que viene de alguien que para mí es más que un artista. Es un pensador que utiliza la música, y otras tantas disciplinas, como extensión de sus ideas y narraciones. Y mi propio estilo tiene que ver con las ideas, los cuestionamientos y divertirme en el proceso. .

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No había escuchado algo parecido antes, era algo profundo, brutalmente potente en su minimalismo. Cuando me hablan de experiencias trascendentales, como las describen e impactan en sus vidas y me preguntan si he tenido una, respondo que fue aquella tarde de septiembre cuando escuché esa canción por primera vez.

LA INNOVACIÓN Y LO RIGINAL EN LA NARRATIVA DIBUJADA

BRECCIA 100 | CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA

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Después de 100 años es imposible no recordar y revisitar a Oesterheld y Breccia; ambos hicieron lo que nadie antes se atrevió: ser original

TXT:: Oscar G. Hernández

H

ace exactamente 100 años nacieron los dos autores latinoamericanos más importantes e influyentes de la narrativa gráfica, no sólo a nivel regional sino a nivel internacional. Ambos aparecieron en el cono sur, Hector German Oesterheld el 23 de julio de 1919 en Buenos Aires y Alberto Breccia el 15 de abril de 1919 en Montevideo.

La mítica dupla con cientos de miles de ediciones de sus obras en todo el mundo, son celebrados este año. La ciudad de Buenos Aires monto la primera gran exposición de Alberto Breccia titulada Breccia 100.

A simple vista parecería un poco una obviedad recordar a estos autores. Cuando me enteré del aniversario de ambos me di a la tarea de releerlos, estuve pensando mucho tiempo si valdría la pena volver a escribir sobre ellos.

La conclusión fue obvia , vivo en un país donde la cultura en narrativa gráfica es muy pobre y desconocida aún, un país que carece de figuras y obras que tengan la fuerza de estos autores. Así que una vez más tome su considerada obra cumbre Mort Cinder, una pieza que he leído en distintos periodos de mi vida y que cada vez que la revisito me sigue pareciendo sorprendente. Primero por el contexto en que fue realizada y después por la increíble vigencia de la estética de la pieza. Un nivel narrativo creado hace más de 60 años que es de una solidez única. El conjunto narrativo, mezclado con una propuesta de dibujo tan expresionista le dieron ese nivel artístico que marco a tantas y tantas generaciones.

Nombrar a los autores inspirados en el trabajo de Breccia puede ser muy ocioso, pero en esta época en que predomina el cine basado en cómic de superhéroe (lo que para el lector más exigente de narrativa dibujada es lo que el mal reggetón a la música). Sin embargo existe un autor del genero de superhéroe que se distingue y que han explotado hasta el hastío, ese es Frank Miller, para quienes aún no lo saben, es a partir de su obra que hicieron las películas de Batman dirigidas por Nolan; de la formula de Miller han surgido cantidad de series y películas de superhéroe que hoy revientan las taquillas de los cines, al igual que Maluma revienta las taquillas de los estadios.

Releyendo Mort Cinder no pude evitar el capítulo de La Batalla de las Termopilas, Frank Miller ha reconocido en diversas ocasiones como le marcaron Breccia y Oesterheld, de hecho su cómic 300 sobre las Termopilas, también llevado al cine, es un abierto homenaje o para algunos plagio a Mort Cinder. Aunque Miller ha reconocido que para encontrar la estética en su dibujo de alto contraste se inspiro por completo en el trabajo de Alberto Breccia, también es cierto que cuando revisamos la estructura narrativa de Breccia y Oesterheld lo desarro-

llado por Miller sin duda puede hacernos pensar en un plagio, más cuando encontramos diálogos idénticos en las 2 obras. Tome el nombre de Frank Miller porque creo es el que mejor corresponde al momento que vivimos, me refiero a ese que hace que predomine el cómic y cine de superhéroe. Y donde todo parece ser un remake con carencia de propuestas y originalidad; también para que el lector poco adentrado en narrativa gráfica pueda dimensionar la influencia, el nombre y la obra de los dos creadores del sur latino americano.

Mort Cinder la historia del inmortal que en realidad no es un inmortal ya que muere y renace, es una obra considerada de culto y de una vigencia irreal por su argumento y originalidad. Oesterheld no se podía concentrar del todo en la obra debido a su agitada vida, sin embargo Breccia se dio a la tarea de llevar la experimentación del relato gráfico a puntos que nadie desarrollaba ni se atrevía a plantear para esa época, el movimiento de su trazo y las composiciones de pagina es algo que no se vería sino hasta muy entrados los años 80, el dibujante buscaba la creación de una historieta nueva y única. El expresionismo en claro-oscuro creado en la gráfica alemana de inicios del siglo pasado y el renacimiento holandés, Breccia los tomaría para estirarlos, rehacerlos y romperlos en cada página de esta obra.

La época de ese relato gráfica es en la que Breccia se asume como un constante innovador donde experimenta hasta el cansancio y dibuja con navajas de afeitar, mucho tiempo después declararía que dibujaba con el instrumento que le exigía la obra, incluso un martillo si era necesario.

Son muchas las razones por las cuales algunos mencionan “Por qué Breccia es el más grande de todos los tiempos y no otro”. La obra de Breccia si lo pensáramos a niveles de plástica es lo más cercano a Picasso o a Goya, creadores que tendieron líneas para la posteridad y que siguen siendo inagotables por todo lo que contienen.

Posterior al periodo de Mort Cinder; Alberto Breccia debió huir de la dictadura militar para refugiarse en Europa, German Oesterheld no logro escapar, fue apresado y desaparecido por la junta militar al igual que sus hijas.

Tarantino este año arremetió en el Festival de Cannes contra el cine basado en cómic de superhéroes, los remakes y la falta de originalidad. No pude si no pensar que hoy día la experimentación en narrativa gráfica en el mundo es enorme (por supuesto no en el trendy taquillero), De ahí que después de 100 años sea imposible no recordar y revisitar a Oesterheld y Breccia; ambos hicieron lo que nadie antes se atrevió y que al parecer hoy día muchos continúan sin atreverse esto es sencilla y simplemente el ser original.

MOY SCHIAFFINO CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA

62 Desde niño sus juguetes favoritos han sido los colores y los materiales de dibujo. A pesar de ello, decidió estudiar ciencias de la comunicación lo que lo alejo poco de esos materiales.

Pero como el primer amor jamás se olvida, retomó esta pasión y se dedicó a prepararse en el ámbito de la ilustración y la narrativa gráfica, se encuentra muy comprometido con sus ideales de contar historias por medio de imágenes.

Ha participado en exposiciones colectivas y como tallerista en algunos museos de Tapatilandia. Al día de hoy, se encuentra desarrollando su primera novela gráfica titulada “Viva la Muerte”, a la par de otros proyectos cortos de cómic.

Instagram: @artofschiaffino

Carolina Martínez “Chabaski” Ilustradora | Instagram: @_chabaski_

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