MVN 170

EDICIÓN

170 $52.00

EXHIBIR HASTA:

05-MAY-19

JUAN SON Indie pop más cósmico + BEAK>

La perfección de la improvisación

+ THE CHEMICAL BROTHERS Armonía en el caos

+ THE DIRT

El documental de Mötley Crüe

EL MARVINISMO QUE COMENZÓ EN PAPEL

18 AÑOS DE MARVIN

Tenía que ponerme a pensar en el papel –este texto pretende ser una apología del mismo-; en primera instancia tuve que recrear ese “viaje mágico y misterioso” que pasa por los egipcios, los chinos, los árabes y estalla con los holandeses; más tarde recordar la revolución industrial y el estruendoso paso de la cultura pop a la mediósfera…

TXT:: Juan Carlos Hidalgo

Histórica y técnicamente estaría en lo correcto, pero no sería tan estimulante y ese es el objetivo principal de este texto. ¿Qué sucede cuando alguien en alguna parte del mundo abre una revista que compró por decisión propia? Estoy convencido de que sigue brotando ese milagro espontáneo de la fascinación a través de la experiencia sensible –ese fenómeno que hace posible y sustenta al arte-.

Una revista impresa en papel debe conservar ese poder para atraer y obnubilar al lector a través de lo que el propio objeto aporta por su naturaleza: Oler la tinta, sentir su peso, apreciar el despliegue del diseño y su relación con las imágenes o la ausencia de ellas; ahí es cuando brota una especie de magia que se prolonga con la simple pertenencia –¡este arte-objeto es enteramente mío!-.

La revista Marvin nació hace dieciocho años a partir de ciertos principios que nos siguen moviendo y estimulando: la gran diversidad cultural existente, la sensación de pertenecer a un movimiento global y al intento de reflejarlo, más el gozo y la pasión por consumir e impulsar a todas esas alucinantes expresiones.

La manera en que asumimos la vivencia cotidiana de todas esas formas dinámicas tiene un toque hedonista y gozoso, y en sentido contrario a esa excesiva solemnidad que proliferaba en muchas revistas y publicaciones de aquel momento. Con el tiempo hemos comprobado que no estábamos solos ni equivocados, han sido muchísimos los que deseaban acompañarnos mientras descubríamos artistas maravillosos, películas inquietantes, cómics sorprendentes, viendo como la tecnología se colocaba hasta nuestra más recóndita intimidad.

Entendimos y atestiguamos juntos como el viejo sistema de “alta, media y baja cultura” explotó en un big bang del afterpop, y ahí estábamos para convertir en textos e imágenes a un rabioso riff distorsionado, a una secuencia sampleada que creaba ritmos casi imposibles… surgió así un universo de lo independiente que se multiplicó abarcándolo todo –el Génesis del Marvinismo-. Siempre lo hemos contado desde el papel, porque lo amamos y luego fue que nos diversificamos como un multiplataforma que incluye también a un Festival en el que lo emergente convive con figuras de culto y en el que la música es el pretexto para abarcar a otras experiencias, como la gastronomía y el arte.

Pero es momento de seguir revisando algunos aspectos que unen a todos aquellos que aman los impresos y al papel, y entre los que hay incluso un sentimiento de comunidad. El diario español El país publicó en 2018 un texto titulado “La prensa de papel todavía tiene mucho que decir y lo anuncia”, en el cual recopilaba distintas estrategias y campañas al respecto.

En ese sentido el gran diario inglés The Guardian, concibió un impreso en el que también alegaba contra los tabloides sensacionalistas y las fake news, cuyo slogan fue: “Gritando todos los días es difícil contar lo que es importante”. Por su parte, el legendario LA Weekly

defendía su resistencia: “Si puedes leer esto, la prensa de papel no está muerta. ¡Larga vida a la prensa de papel!”. Tal como ocurre con los amantes de lo viniles, los cassettes y la comida thai… todo pasa por la complicidad (y cierto impulso coleccionista).

Tal pareciera que los implicados en las publicaciones en papel hacen suyo el principio que da nombre al libro autobiográfico de Charles Bukowski: Peleando a la contra. Saben que la avalancha digital es enorme y pesada, por lo que han proliferado estrategias creativas que parece que contradicen las nociones imperantes en la época. Por ejemplo, la española Yorokobu se aferra a un lema de la vieja escuela: “Take a walk on the slow side”. Ellos afirman que le lectura de revistas impresas contrarresta la prisa con la que vivimos y ofrece un remanso para la lectura enfocada con énfasis en los detalles. Su equipo de redacción se apega a una sensación que nosotros conocemos bien: “La revista, en cambio, aporta ese factor de novedad cada vez que sale publicada (una vez al mes) y cubre la parte sensorial que las publicaciones en pantalla aún no tienen. En el papel se puede disfrutar más del diseño, el tacto de las hojas, el olor de la tinta y una lectura reposada”.

En Marvin somos apasionados de lo impreso y así lo hemos abanderado a través de campañas abiertas a las que se han sumado otros amantes de la celulosa procesada. Cierto, el amor por el papel tiene cierto toque de nostalgia, un elemento que está presente en el Marvinismo, tanto como nuestra creencia en la autogestión, ese principio que hace posible la real independencia y por supuesto, la manera en que sentimos y apreciamos a la música –un núcleo inagotable de energía-.

El Marvinismo también puede hacer suyas las ideas del investigador español Jaime Hormigos, quien en La creación de identidades culturales a través del sonido nos recuerda: “No hay vida cotidiana sin música, las diferentes culturas han logrado ordenar el ruido y crear melodías, ritmos y canciones que han desempeñado un papel trascendental en el desarrollo de la humanidad, desde los cantos de los pueblos primitivos hasta los ritmos más urbanos como el rock, el jazz o el blues han tenido una repercusión muy importante en el desarrollo de la sociedad. Ésta nos impone modos de pensar y de percibir, hábitos, costumbres y usos. La música como forma de expresión cultural siempre ha tenido un papel muy importante en la construcción social de la realidad, es un arte cuyo desarrollo va unido a las condiciones económicas, sociales e históricas de cada sociedad”.

El Marvinismo es expansivo, ecléctico, arriesgado, pasional… un prófugo en el tiempo y el espacio… en un momento dado comenzó en papel y ahora vamos por más –todavía nos consumen las ganas-.

EVERY DAY MEANS THE TURN OF A PAGE YESTERDAY PAGES | THE ROLLING STONES

COFUNDADOR CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@marvin.com.mx DIRECCIÓN COMERCIAL Y RP DELHY SEGURA delhy@marvin.com.mx ASISTENTE DE VENTAS ALFREDO CALDERÓN ALIANZAS Y OPERACIÓN MONTSERRAT ASCANIO montserrat@marvin.com.mx ADMINISTRACIÓN Y DISTRIBUCIÓN JESSICA FRAGOSO jessica@marvin.com.mx ESTRATEGIA DIGITAL AURELIO VARGAS joseaureliovasan@gmail.com MARVIN TV PEDRO VELASCO pv.lphant@gmail.com DISTRIBUCIÓN EDUARDO CORTÁZAR ROSAS REPRESENTANTES EN LA REPÚBLICA TOLUCA EDUARDO URIBE MORALES aliasdg@gmail.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@marvin.com.mx PACHUCA ALFREDO GARCÍA r.u.d.o@hotmail.com

EDITOR UILI DAMAGE uili@marvin.com.mx DIRECTOR DE CONTENIDOS EFRAÍN RAMÍREZ "MAKO" mako@marvin.com.mx DIRECTOR DE ARTE HÉCTOR MONTES DE OCA hector@marvin.com.mx DISEÑO GRÁFICO ADRIANA GALLARDO adrianag.marvin@gmail.com COORDINADORA DIGITAL FESTIVAL MARVIN ITZEL ROJAS itzel@marvin.com.mx EDITOR CÓMIC ÓSCAR G. HERNÁNDEZ oscarghx@marvin.com.mx PROJECT TRACKING ALFREDO CALDERÓN alfredoc.marvin@gmail.com REDACTOR WEB ALDO MEJÍA TOÑO QUINTANAR COLABORAN EN ESTE NÚMERO Alejandro González Castillo, Aldo Mejía, Antonio Quintanar, Arturo J. Flores, Claudia Herrera, Juan Carlos Hidalgo, Lenin Calderón, Mixar Lopez, Vicente Jauregui, Walter Schmidt, Wenceslao Bruciaga

DIRECTORIO

IMPRENTA Compañía Impresora El Universal Allende 176. Col Guerrero. México, CDMX. Tel. 5117 0190

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VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD.

Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 170 correspondiente a: ABRIL 2019. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2019-012816402300-102. MARVIN es una Marca Registrada.

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CONTENIDO

REPORT

CENTRAL

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ABRIL 2019

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EDICIÓN

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ESTILO / adidas + Evisen TECNOLOGÍA / Jonathan Contreras

NATALIA MARROKIN / Una voz con alma y sentimiento JENNY LEWIS/ Alt-country en videos de celular FUNERAL ADVANTAGE / Un extraño y delicioso fruto del dreampop UNKLE / El viaje continuo ROYAL TRUX / El dinero no es honesto THE CHEMICAL BROTHERS / Sin límites,hay que apreciar la armonía en el caos

JUAN SON/ El vaquero galáctico está de regreso BEAK> / La perfección de la improvisación

VIVE LATINO / 20 años de invocar a los elementales THE DIRT / Fascinación por la mugre COLECCIÓN GRISELDA HURTADO/ El arte de cambiar vidas MICK ROCK / Documentalista del rock BRUNO BARTRA/ El monstruo de tres cabezas AXIS / Explosión creativa desde Corea DOLOR Y GLORIA / Narrar para curar COMIC Y NARRATIVA DIBUJADA / El rojo te sienta bien COMIC Y NARRATIVA DIBUJADA / Jozz Ojeda

CENTRAL

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EDITORIAL

S

iempre son de gran alboroto las historias en tono de chisme detrás de la vida de los demás, qué decir si esos demás son célebres, o al menos figuras públicas. ¿Cuántos personajes del entretenimiento cargan con tras bambalinas tórridos y entornos inverosímiles que en poco o en mucho definen el sentimiento con el que nos embelesan? Tal vez la pregunta deba ser: «¿cuáles no?»...

Nuestro personaje de portada, Juan Son no se escapa, pero si llegó hasta esa frontal, aplaudamos, es por las canciones. Y es el foco que nos llama afinar: La música, la pulpa de nuestro dicho embeleso.

Sea como suceda su experiencia de vida, llegar a cristalizarla en una nueva entrega musical es, como en cada ejemplar de este reporte mensual, motivo que nos obliga a desear compartirla con todo cazador de tonadas, con toda especie de fan musical, para su revisión y reflexión.

El estreno de Juan Son, y el resto de grabaciones y otras manifestaciones artísticas aquí recopiladas, deseamos que sean compartidas por ti lectora o lector y tras tu evaluación, comentadas, hasta calificadas.

Gracias por asomarte una vez más a los trabajos que aquí exploramos y desmenuzamos para ti y ¡que la música siga sonando!

La puerta siempre abierta, la luz siempre encendida.

Son días extraños, y seguimos aquí para tomar nota de ellos..

Uili Damage @uili La puerta siempre abierta, la luz siempre encendida.

CENTRAL

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Toño Quintanar

Escritor, adicto al cine, cuentista, guitarrista en Los Riot y nigromante frustrado. Estudió Literatura e Historia del Arte en la UNAM. Ganador del XXI Certamen Literario Juana Santacruz.

Aldo Mejía

Periodista de cultura, política y seguridad, egresado de la FES Acatlán. Estudioso de la contracultura y la narcocultura, así como de la relación entre ambas. Escritor en ciernes de crónica, cuento y ensayo.

Detective salvaje.

Juan Carlos Hidalgo Consejo editorial y columnista de Revista Marvin, Diario Milenio Hidalgo y Radio BUAP. Jurado de la Beca María Grever, del Auditorio Nacional; miembro de la Red de Periodistas Musicales de Iberoamérica. Colabora en Nexos, Yaconic, Planisferio y Zona de obras (España).

Alejandro González

Le gusta la marca que el giste de la cerveza oscura le deja en los bigotes así como escuchar discos y comer jaiba en la playa. No tiene tatuajes ni cruza las piernas cuando lee. Es cronista musical por decisión propia y aun no se arrepiente de ello

Vicente Jáuregui

Músico que escribe para descubrir nuevos sonidos. Actualmente, soy guitarrista de Capo y San Pascualito Rey; además, colaboro mensualmente con Marvin y edito el sitio de La Banda Elástica, un portal de Los Ángeles que cubre la escena musical latinoamericana.

Claudia Herrera

Lenin Calderón

Mixar López

Walter Schmidt

Licenciada en Historia y Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte, con especialización en arte contemporáneo. Su ámbito de estudio es el arte contemporáneo, arte electrónico y digital, las prácticas artísticas colaborativas, el arte público y sus múltiples formalizaciones.

COLABORADORES

Arturo J. Flores

Entiende al periodismo como una enfermedad crónica y la padece hasta sus últimas consecuencias. Es autor de varios libros de cuentos, crónicas y novelas. Una de ellas, Fuck me, Nancy, fue publicada por Marvin. De día es el editor de Playboy México y de noche, se mete en problemas para tener de qué escribir.

(Guerrero, 1975). Cronista y crítico musical. Es colaborador de diferentes revistas y periódicos de México, EEUU, España y America Latina. Reside en Des Moines, Iowa, Estados Unidos. Su primer libro de crónica, ‘Prosopopeya: La voz del encierro’, está próximo a ser publicado por la editorial Paraíso Perdído.

David Flores

David Flores, conocido como El Chiak es un ilustrador mexicano de 28 años. Actualmente trabaja como ilustrador en Typewear y director de arte en Barrilete Cósmico, estudios de ilustración de la CDMX.

Coleccionista de archivos musicales pirata, películas de culto clonadas y libros prestados, a partir de los cuales intenta entender un mundo confuso.

Otro habitante más de la CDMX en espera de que la 4T funcione mejor que la 3D o la RV.

Con más de cuarenta años viendo la transformación de las músicas de vanguardia y el suceder de lo que puede llamarse rock mexicano, ha tocado, escrito, hablado y moldeado a la cultura moderna dentro y fuera de México. Bajista, editor y director editorial, periodista y aficionado experto en reptiles “Fuera de las computadoras, se me hace que es muy ranchero el siglo XXI”.

Wenceslao Bruciaga

Escritor, cronista, más de diez años como columnista de #ElNuevoOrden en Milenio.

Melómano irremediable e insufrible, boxeador amateur. Es autor de los libros Tu lagunero no vuelve más (ed Moho 2000), Funerales de hombres raros (ed Jus 2012), Un amigo para la orgía del mundo (ed Discos Cuchillo 2016) Bareback Jukebox (ed Moho 2017). Por culpa del hardcore punk lo tachan de ser un gay-antigay.

Twitter e Instagram: @distorsiongay

ADIDAS + EVISEN ESTILO ABRIL 2019

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adidas Skateboarding

Presenta su nueva colección en colaboración con la marca japonesa Evisen

Combinando detalles de diseño japonés con toques de moda urbana y deportiva, esta colección fue diseñada pensando en incorporar funcionalidad y utilidad a cada una de sus cinco piezas de ropa y calzado.

“Evisen es una marca de skateboarding que comencé en 2011 con mis amigos cercanos” explica su fundador, Katsumi Minami. “Nuestro estilo es una combinación del imaginario tradicional japonés y el skateboarding. Todos los miembros del equipo son personajes únicos y cada uno de ellos es interesante de manera propia, tanto en su estilo de vida como en el skateboarding. Para esta colaboración con adidas skateboarding, la idea de nuestro director artístico fue crear un logo a partir de muestras de etiquetas de sake. A todos en el equipo nos encanta beber sake”, afirma Minami.

Las prendas creadas en esta colección incluyen un “buzo” grueso de felpa con cuello redondo, una camiseta de algodón con estampados en las mangas, una camiseta deportiva en tejido piqué con acabado impermeable, un pantalón de corte holgado en nylon y una chaqueta impermeable y liviana.

La colección también incorpora el modelo de calzado 3MC personalizado y rediseñado para adaptarse a la estética de la marca de skate con sede en Tokio.

Los Evisen 3MC vienen en cuero resistente, fabricado para aguantar el desgaste del skate, y una suela de goma vulcanizada HexFlex que se adapta al movimiento natural del pie.

El look sencillo y minimalista de los zapatos viene completamente en blanco con detalles sutiles en tonos rojos y amarillos.

La colección adidas Skateboarding x Evisen ya esta disponible en México en Chilango, La Paloma, Antifashion, Real Skate, Terminal y adidas Originals Flagship Store Mexico City, en Atlixco 91, Condesa.

GADGETS TECNOLOGÍA ABRIL 2019

Xiaomi

actualizará sistema operativo

MIUI es el nombre de la capa de personalización del sistema operativo Android en los dispositivos Xiaomi: esta actualización será la versión 10 y dentro de los puntos más relevantes podemos encontrar Modo Oscuro, Desbloqueo Facial, nuevo efecto de sonido para Xiaomi Music y ajustes para que te dure más la batería.

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Nuevos Pokemones Nintendo acaba de anunciar la siguiente entrega de una de las franquicias más jugosas. La empresa anunció que a finales de este año tendremos una nueva entrega de Pokemon pero ahora para Nintendo Switch, durante la transmisión del Pokémon Direct se reveló el primer trailer de Pokémon Sword y Pokémon Shield que incluyen la octava generación de Pokémon.

Huawei P30 …y su mejor feature

Huawei es uno de los principales competidores en el segmento Android y recientemente uno de los directivos de la compañía reveló que de las mejores características del teléfono será el zoom óptico de 10 aumentos dejando al p30 como un competidor importante cuando de cámaras hablamos

SEAT TECNOLOGÍA ABRIL 2019

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SEAT Ibiza & Arona

¡Ahora con BeatsAudio, llega a México!

Se te podría caer el pelo con el sistema de sonido BeatsAudio, de Beats by Dr. Dre que equipa a los nuevos SEAT Ibiza y SEAT Arona Beats. Los dos modelos debutaron ante el público del Festival Internacional Primavera Sound de Barcelona en 2018, en el que la marca automotriz participa en calidad de colaborador estratégico.

El impresionante equipamiento sonoro de cada uno de estos modelos está compuesto por un amplificador de 8 canales y 300 watts, un procesador de señal digital (DAB) y siete altavoces de calidad excepcional: dos tweeters en los pilares delanteros, dos woofers en las puertas delanteras, dos altavoces de banda ancha en la parte posterior y un subwoofer integrado en el hueco de la rueda de refacción, que canaliza el sonido hacia el interior del auto.

Además del sistema de sonido Premium, Ibiza y Arona Beats incorporan el nuevo Digital Cockpit: un cuadro de instrumentos digital que el conductor puede personalizar a su gusto desde el volante multifunción o desde el sistema de infoentretenimiento. Incluye también el sistema Full Link para vincular el smartphone a la pantalla de ocho pulgadas mediante MirrorLink, Android Auto o CarPlay.

En su interior las vestiduras en acabado Alcántara tienen costuras en color naranja con diseño exclusivo BeatsAudio™, molduras cromadas en las ventanillas, y nuevas estriberas iluminadas de diseño específico que dan luz de ambiente en tonos blanco y naranja -los colores de BeatsAudio.

Los dos modelos llevan rines de aluminio bitono de 16” y 17” respectivamente, faros de halógeno con luz diurna en LED y luces traseras en iluminación LED, seis bolsas de aire (dos frontales, dos laterales y dos de cortina), Sistema Isofix, ABS Control de estabilidad, ESC Control eléctronico de estabilidad y asistente de arranque en pendientes.

SEAT Ibiza y Arona Beats están disponibles en el mercado mexicano con un motor 1.6 MPI de 110 HP, torque de 114 lb-pie, Ibiza Beats con transmisión manual de cinco velocidades y Arona Beats con transmisión tiptronic de seis velocidades.

Las dos ediciones especiales están montadas sobre la versión Style, para el Ibiza Beats con toldo panorámico y para Arona Beats con sensores traseros de estacionamiento y el cargador inductivo inalámbrico.

Descubre más en seat.mx.

EXPO SOUND:CHECK INDUSTRIA FEBRERO 2019

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Sound:Check Xpo 2019 La parada obligada para la industria de la música y el espectáculo TXT:: Vicente Jáuregui FOT:: Sound:Check Xpo

La Sound:Check Xpo se ha convertido en un obligado para quienes protagonizan la industria del espectáculo en México y Latinoamérica. Esta feria es consecuencia de un sueño: consolidar un espacio para mostrar las tendencias más innovadoras en audio, video e iluminación ante músicos, DJ’s, productores, ingenieros, proveedores, expertos y público en general.

Durante tres días, la Sound:Check Xpo ofrece conciertos con artistas nacionales e internacionales, master clases, conferencias, competencias estudiantiles, jornadas educativas en dos pisos del World Trade Center, recinto elegido desde la primera edición para albergar el evento.

Entrevistamos a Jorge Urbano, Director y Fundador de Sound:Check Xpo, la expo de audio más importante de Latinoamérica.

Cuéntanos un poco sobre tu historia personal, de cómo tus pasiones por la música y la mercadotecnia han encontrado un proyecto de vida.

Como bien dices, mis dos pasiones son la música y la mercadotecnia. Yo vivo, sueño y respiro música, la amo.

Afortunadamente, la vida me dio la oportunidad de vivir de ella: de joven fui DJ, también hice muchos eventos de teatro, musicales; luego trabajé en una marca muy prestigiada de microfonía. Ahí conocí todo sobre venues, tiendas de música, artistas, patrocinios, clínicas, educación, mercadotecnia.

Se han convertido en todo un referente para quienes buscan las tendencias en audio.

Si hay una manera de ver a una industria de forma tangible es yendo a una exposición que en tiempo y espacio reúne a todos sus protagonistas. Tenemos conferencias, nunca hemos sido una expo fría donde los productos están detrás del acrílico. Traemos a los representantes profesionales de cada marca de cualquier parte del mundo. Esto hace que los asistentes compren con de manera segura, con garantía. También hay muchas ofertas y promociones.

Todos estos elementos nos convierten en un obligado para la gente de la industria del espectáculo.

La curaduría de artistas es muy diferente, Sound:Check Xpo trae a instrumentistas que jamás se habían presentado en México.

Yo tengo 25 años yendo al NAMM show en Anaheim y ves la cultura de la música, cómo la gente se forma por una hora para tener un autógrafo o para hacerle una pregunta al baterista de Stevie Wonder, por ejemplo. No tiene que ser siempre el frontman. En Sound:Check Xpo le rendimos tributo a quien está detrás de la estrella: arreglistas, compositores, los músicos que graban o salen de gira. Nosotros presentamos a músicos que hacen las mejores clínicas de música, nacionales como Toño Sánchez. Internacionales como Stanley Clarke, Pedro Aznar, Gonzalo Ruvalcaba, Paul Gilbert, se me va la lista, han sido muchos. Es una fiesta, un aprendizaje y un networking tremendo. Es muy padre y emocionante. Faltaba en México una expo que diera todo lo que un artista, instrumentista, productor, DJ, bar, hotel, sala de conciertos necesita para sonar bien.

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NATALIA MARROKIN UNA VOZ CON ALMA Y SENTIMIENTO

Empecé a cantar a los ocho y a tocar el piano y componer a los diecisiete. Con el canto fue una conexión muy diferente.

Fue una conexión espiritual

Con solo veintitrés años de edad, la cantante y compositora mexicana Natalia Marrokin tiene una idea muy clara de lo que quiere y cómo conseguirlo. Su primer álbum titulado simplemente Natalia Marrokin es una muestra tangible de su talento y prodigiosa voz, con influencias de música afroamericana como el soul, el funk, R&B y blues, que combina de manera magistral.

“Desde muy chica mis papás me ponían música de bandas inglesas, de bandas estadounidenses como Earth, Wind and Fire, música disco, R&B, rock… diferentes géneros. También me pusieron música mexicana, pero la verdad no me interesó mucho. Tuve un gusto más natural por estas bandas norteamericanas o artistas ingleses como Sting, Elton John o Queen. Ahora he estado he estado escuchando mucho a Genesis, -por recomendación de mi productor-, al Genesis con Peter Gabriel y al Genesis con Phil Collins.

Porque yo crecí con Phil Collins ya de solista y me encanta. El soundtrack de Tarzán de Phil Collins me atrapó desde niña. Yo aprendí a cantar en inglés leyendo las letras. Así me fui construyendo con todo este aprendizaje; después, investigando en internet sobre bandas de soul y R&B, conocí a Chaka Kan, Sade, Aretha Franklin, a Whitney Houston, Stevie Wonder, Ray Charles, todo ese mundo con el que ahora me siento muy a gusto. Fueron muchos grupos y solistas, pero fueron el soul, el R&B y la disco lo que me atrapó. Más tarde estudié a Celine Dion y Whitney Houston, toda esta escuela gospel y R&B.

“Con el canto fue cuando me di cuenta de que había algo diferente en mí, tener esa voz me hacía muy feliz; podía sacar todo lo que sentía, mis frustraciones y otras cosas cuando cantaba. Me lo tomé en serio y me dije: ’A esto me voy a dedicar el resto de mi vida.

“Me gané una beca para Berkeley, Boston y estuve estudiando cinco semanas. Ahí me di cuenta que lo mío no es la música clásica. Fue donde conocí a Eric, mi pareja actual; él también se ganó la beca: es mi productor, mi arreglista. Él hizo casi todo lo del disco.

También me habló de la escuela Del Rock a la Palabra. Creo que fue una decisión correcta haber asistido a esa escuela, mis sinodales fueron Betsy Pecanins y Guillermo Briseño; con ellos hice una conexión muy linda. Ahí estuve estudiando cuatro años.

Aprendí muchas cosas en esa escuela, lo diferente de esta es que son artistas los que nos enseñan, no son maestros, no estudiaron pedagogía musical.

“Varias de las canciones del disco digamos que fueron “tarea” de la escuela, sobre todo las letras: teníamos que ver la métrica, las rimas y ver que no dijéramos tonterías; “Suspiros” está hecha con décimas de octosílabos. En la escuela aprendimos mucho, es un poco hippie a diferencia de otras, pero a mí me gustó.

“Mi disco es un sueño hecho realidad, que yo tenía desde hacía algún tiempo y di lo mejor que podía dar de mí en ese momento. Los músicos y los ingenieros son profesionales de primer nivel e hicimos un buen equipo juntos.

ESCUCHA TAMBIÉN Sade Diamond Life Epic, 1984 La cantante nigerianabritánica Sade Adu ha sido una gran influencia para Natalia Marrokin. Diamond Life es el disco debut de Sade y el más representativo que incluye los temas clásicos; “Smooth Operator”, “Your love is King” y “Hang on to your love”.

Sting Ten Summers’s Tales A&M Records, 1993 El ex cantante del grupo The Police, Sting (Gordon Sumner), en su cuarto álbum solista, que incluye los éxitos “Fields of Gold” e “If I Ever Loose My Faith In You”.

Tarzan Original Soundtrack Walt Disney Records, 1999 Música original de la película Tarzan, de Walt Disney, que incluye el trema “You´ll Be in My Heart” interpretado por el cantante inglés Phil Collins, favorito en la infancia de NM.

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TXT:: Walter Schmidt FOT:: Cortesía de la artista

JENNY LEWIS

No soy muy buena intérprete de la música de otra gente; siempre me da miedo arruinar la versión original. Ya hice “Handle with Care” de los Wilburys y “After Hours” de Velvet Underground con Rilo Kiley. Con eso es suficiente…

ALT-COUNTRY EN VIDEOS DE CELULAR

TXT:: Uili Damage FOT:: Cortesía de la artista

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Es el Valle de San Fernando y los asomos de Hollywood, los que vieron el paso a paso en la carrera de Jenny Lewis. Su primer acercamiento al estrellato fue actuando en series de TV y películas; pero en su presentación en el Corona Capital 2018 vimos a una artista completa, con total dominio del escenario y una energía vibrante, clara herencia de sus pininos.

Hija de una pareja dedicada al entretenimiento, nació en Las Vegas, Nevada el 8 de enero del 1976, de donde se mudó a San Fernando Valley siendo muy pequeña. Al ir creciendo se fue decepcionando del ambiente de la actuación y de manera muy natural adoptó el ambiente musical, tomando las riendas de la voz del grupo indie rocker Rilo Kiley en 1998 -mismo que formó con su pareja romántica de ese momento, Blake Sennet.

Tras reclutar a las flamantes voces de las gemelas Watson, Jenny debuta como solista con el álbum Rabbit Fur Coat (Team Love Records, de Connor Oberst) en 2006: una grabación de temas originales de country, americana e indie folk que la colocaron como una cantautora hecha y derecha con la cual opacó notoriamente toda la trayectoria de Rilo Kiley.

Jenny permaneció una grabación más con los Rilo, pero la mecha de la bomba ya estaba encendida y aliándose con su siguiente pareja, el escocés Johnathan Rice, regresó por lo suyo en 2008 con Acid Tongue, repitiendo en la estructura general del disco la panorámica “vaquera”, pero expandiendo el espectro del estilo hacia el rock directo y el R&B, con una maestría sin trámites, y otro más firmado como Jenny & Johhny de nombre I’m Having Fun Now (2010) Si bien el estilo de la cantautora ya es claro a estas alturas, esos trabajos le ayudaron a prepararse para la brillantina pop-country-rock (muy al estilo Fleetwood Mac) del larga duración The Voyager de 2014, producido ahora por el héroe de la americana indie, Ryan Adams, y en dos años más lanza el álbum epónimo Nice as Fuck, con Erika Forster y Tennessee Thomas.

Con dos sencillos al hombro (“Red Bull & Hennessy” y “Heads Gonna Roll”) y un buen trecho de trabajo en privado, la cantante apro-

vechó su presentación en el Corona Capital pasado para descubrirnos material del contenido en su nuevo largo On The Line.

“Son ya dos años de que estuve trabajando en estas canciones y lanzar finalmente algunos sencillos me libera mucha presión”, nos cuenta en entrevista. “… Aunque me despedí de Nice as Fuck hace unos cuatro y medio y ya empezaba a componer para esto”.

Rabbit Fur Coat ha sido decisivo en tu sonido. ¿Ahorita sigues allí?

Escribí y grabé yo sola en los dos discos exceptuando el cover de Travelling Wilburys en el primero. Todo lo demás, lo de en medio ha sido colaborando con otra gente aunque sea yo al frente y con estos dos mi composición es más pura. ¿Qué estados de ánimo predominan en On The Line?

Me siento muy bien… la música va muy a la par de mi vida diaria, con altas y bajas normales; en Rabbit… estaban pasándome un montón de cosas; perdí a mis padres, corté con mi pareja y lo escuchas en las canciones. Me da mucho orgullo superar esos problemas y poder cantar sobre eso. Me siento muy optimista. El tono general del disco es “atrevido”.

Es un disco de renacimiento, de un regreso, me veo nuevamente cerrando ciclos y empezando nuevos.

En ese sentido ¿es azotado o te lo tomas con calma?

Creo que es como una obra de teatro que empieza en un lugar de descubrimiento y termina en uno de auto renovación. Son dos años de mi vida. Creo que siempre he escrito melodías más luminosas que las letras que las acompañan y eso te da de todo. ¿Tienes algún momento favorito de este nuevo disco?

“Dogwood” el tema con el que abre el disco es el epicentro emocional de todo el álbum y es exactamente todo lo que quiero proyectar.

Hay un momento en el que todo se calla excepto una batería que se escucha gigantes-

ca y se oye también mi voz, yo en mi segundo más vulnerable. Este momento y buena parte de lo demás se grabó en vivo. Escuchas pequeños brincos de tono, respiraciones, el lado humano, pero eso me llega al fondo.

De tu presentación en el Corona nos dejaste con la impresión de que no eres una artista que se preocupa por un gran espectáculo de imágenes y video; que lo tuyo es el poder de las canciones y punto, ¿es correcto?

Es algo extremadamente caro con lo que he decidido no lidiar durante toda mi carrera, soy DIY y me encantaría tenerlo, es mi sueño; hago pequeñas películas con el celular, meto la mano completamente en todo mi arte y videos, soy una persona extremadamente visual.

Pero a esta altura me siento orgullosa y capaz de presentar música verdadera, con músicos en directo, nada de autotune ni pistas de soporte. Creo que si vas a echar mano de esas herramientas tienes que ser responsable de ofrecer cosas muy buenas y espero que lo que tengo a mano logre tocar a la gente. Cuando estoy grabando sí que estoy pensando en la iluminación del escenario para cuando lo toque en vivo. ¿Se te antoja hacer una película?

Con todo y la música, ¡claro! Ya he hecho música para películas, solo me falta filmar. ¿Te la pasaste bien en México?

Estupendo, pero no estuve más de 48 horas…

Como crecí en el sur de California he venido mucho a México, a la parte del norte y me gusta mucho. La cultura se parece mucho, me siento muy cómoda, tocando especialmente para público mexicano.

Fuera de los planes evidentes de hacer un disco, ¿qué te gustaría que pasara con este?

Que la gente lo escuche de una sentada. Todo de un jalón, sentir la historia completa una vez y ahí decidir si les gusta. Le puse mucho detalle a todo, a la forma en como se iba contando, el arte que va con ese ánimo, me emociona mucho compartirlo así. Espero ir a México a tocarlo pronto.

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21 FUN FACT Como niña actriz, Jenny tuvo la oportunidad de aparecer en la película de culto The Wizard (1989), junto con el astro de Los Años Maravillosos, Fred Savage, el celebérrimo Christian Slater, Beau Bridges, y el debutante Tobey Maguire (Spiderman 2002, 2004, 2007).

FUNERAL ADVANTAGE UN EXTRAÑO Y DELICIOSO FRUTO DEL DREAMPOP

“In a different way I thought you talking would be a reason to stay under cover I had trouble staying awake” –“Peach Nectarine”

TXT:: Juan Carlos Hidalgo FOT:: Cortesía del artista

enfila sobre la misma ruta de The Pains of Being Pure at Heart (pero los de Belong –su mejor obra-) en cuanto a sonido, y asimilando el oficio letrístico de Death Cab for Cutie (de cuando eran más jóvenes).

La crítica ya les ha celebrado esa “Peach Nectarine”, que saca el mejor rédito de un medio tiempo trotón pero con encanto. En ella –como en todo el resto- Kershaw coloca detrás capas de sintetizador que potencian esa búsqueda de encantar musicalmente, mientras se habla de la pérdida y la desilusión.

Suelo dejar completos los álbumes que me interesan –como debe de hacerse- y así lo he hecho con Nectarine en repetidas ocasiones y cada vez salgo recompensado. Siempre trato de dilucidar en qué otra cosa me hace pensar, en sí es que me remonta hasta algún escritor, sí se parece a un cuadro o escultura o sí bien nos hace sentir dentro de algún filme memorable.

En este caso, debo señalar que Tyler se presenta en directo como banda completa y que esta es la ocasión en que ha invitado a otros colegas a colaborar –se ha abierto más que nunca-, pero lo que más atrae es la idea de esa búsqueda como si fuera una entidad autosuficiente… la figura del músico solitario enfrentando su encierro y a sus propios demonios.

El modo de trabajo de Tyler Kershaw me llevo inicialmente hasta una frase de uno de los filósofos imprescindibles del siglo XX; Martin Heidegger (1889 - 1976) dijo que: “La angustia es la disposición fundamental que nos coloca ante la nada”. Y nadie puede negar que el músico lo está, parece que el desamor ha sido un detonante tremendo.

Pero luego regreso a “Stone around your neck” y me remontó hasta el queridísimo demiurgo rumano, afincado en París; Emile Cioran (19111995) apuntó: “Podemos imaginarlo todo, predecirlo todo, salvo hasta dónde podemos hundirnos”.

A juzgar por lo escuchado en su debut, Body is Dead (2015) y los cambios que ahora se aprecian en Nectarine, Tyler llegó a tocar fondo y por ello recurría al encierro como estrategia de salvaguarda emocional y luego se volcaba sobre sus canciones para purgarlo todo. Ahora ha sabido asomarse al mundo y proyectarse más allá de su propio reflejo, tal como sucede en “Take Me Down”. Si es que llegó a hundirse, ahora ofrece un delicioso fruto sonoro del que no conviene abstenerse porque se trata de todo un deleite, que además sabe cómo sacudir al alma.

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En la escena se mueve un hombre solo; lo vemos ir de un lado a otro de su habitación. Va y viene. Se sienta un rato delante de un teclado electrónico y toca unas cuantas notas. Se levanta, se traslada hasta la cama y pulsa una guitarra de palo. Lleva de un sitio al otro un pequeño cuaderno y un lápiz. Respira hondo. Hace anotaciones y emite sonidos que no escuchamos.

En otro momento, el mismo hombre solo -del que ya sabemos que es músico por oficiohace lo mismo en un pequeño estudio de grabación. Vuelve a tocar el sintetizador. Ahora la guitarra no es acústica sino eléctrica y también pasa un rato sobre la batería. En un atril bajito está colocado un bajo largo y gastado. No suelta el cuadernillo y el lápiz. Escribe una y otra vez. Esta vez pasa largo rato sentado en el suelo alfombrado y manipula un puñado de efectos para guitarra.

Regresa a su habitación y repite la misma rutina. Sigue solo y concentrado únicamente en tocar y componer. Intuye que ese es su destino. Al final de la jornada, cae profundamente dormido.

En esta hipotética secuencia podríamos ponerle nombre al músico solitario: Tyler Kershaw. Y también señalar que vive en la zona metropolitana de Boston, Massachusetts, al norte de los Estados Unidos. Esta es una posibilidad real, porque tal persona encarna al proyecto que conocemos como Funeral Advantage y que recién ha regresado con un segundo álbum que se mueve entre el dreampop y el shoegaze, y produce canciones que destacan por tener una música juguetona y energética que da soporte a un discurso de alguien en extremo sensible y acostumbrado a padecer severos quiebres emocionales.

El resultado es Nectarine, editado por Sleep Well Records, un disco que no deja de ser hijo de su tiempo: 7 temas que duran apenas 27 minutos. Por fortuna, están tan suficientemente logrados que no tenemos la sensación de una experiencia incompleta; se bastan para mostrar un equilibrio entre el artista, su interior y las cosas del mundo.

Si tomamos “Black house” –el segundo track- como punto de partida, habremos de destacar el uso creativo del delay para procesar la guitarra, que, por supuesto, nos tiene que remitir a los años ochenta. Seguro muy pocos lo relacionarán con lo que hacían los ingleses de The Chameleons, pero los evoca en ciertos momentos. En suma, Funeral Adavantage se

“Vengo de la cultura del sampler. Robo cosas y las junto después en un collage. Ese es el mundo en el que me eduqué, aunque ahora pienso que eso quedó siglos atrás”.

– James Lavelle

UNKLE EL VIAJE CONTINUO

TXT:: Lenin Calderón FOT:: Cortesía del artista

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UNKLE es un concepto que ha evolucionado como pocos a través de los años. Inicialmente, era un experimento que incluía a dos de los músicos más influyentes de fines de los 90 y principios de este milenio: Thom Yorke y DJ Shadow. A 20 años de su mítico disco debut Psyence Fiction y con James Lavelle en control total del proyecto prácticamente desde su segundo álbum, regresa este viejo tío, con un sonido súper denso y tan ecléctico, que cuesta un poco de trabajo reconocerlo.

Seis álbumes de estudio han pasado desde aquel disco debut, pieza fundamental del sonido trip-hopero y tornamesista de fin de siglo. Durante este tiempo, Lavelle ha llevado el proyecto de un lado a otro en cada disco. A veces conservando el downtempo abstracto que hizo a UNKLE célebre (End Titles, 2008), en otras ocasiones se ha declinado más por el art rock (War Stories, 2007) y también ha entregado discos llenos de breakbeat con un toque de rock indie (Another Night Out, 2011). Colaboraciones durante estas dos décadas lo mismo con Ian Brown que con Brian Eno, Jarvis Cooker o the Heritage Orchestra, le han enseñado a Lavelle la importancia de encontrar los cómplices adecuados. Por ello, desde el disco anterior trabaja con casi el mismo equipo de músicos y los ha conservado para esta nueva producción con algunos invitados extra.

Problemas de identidad El mismo Lavelle ha experimentado una transformación como músico durante todo este tiempo. Atrás parecen haber quedado aquellos maratónicos sets, diseñados para sacarle brillo a las pistas de baile a ritmo de breakbeat.

Aquellos DJ sets bailables que lo hicieron famoso son definitivamente cosa del pasado.

Sin embargo, sigue interesado en diseñar experiencias musicales que, aunque ya no sean para bailar, siguen siendo todo un viaje.

Esta nueva producción, que salió a la venta el 29 de marzo, es la segunda parte de lo que

Lavelle ha concebido como una trilogía. La primera entrega fue en 2017, The Road: Part I y era muy predecible el nombre de esta segunda entrega, The Road: Part II / Lost Highway pero era lo único predecible porque aquella primera entrega fue una caja de sorpresas en cuanto a variedad de estilos. Además, los músicos seleccionados y, sobre todo, los vocalistas parecieran estar pensados en darle una identidad al sonido de UNKLE. Esta es una de esas bandas o proyectos cuya identidad no está ligada a una voz en particular, colaboran con tantas diferentes voces, que es imposible relacionarlos con un solo vocalista. Desde los Chemical Brothers, hasta Groove Armada, pasando por Air, hay montones de ejemplos de bandas con ese “problema” de identidad.

El mejor viaje Para aquella primera parte, Lavelle hizo una mezcla asombrosa de nuevos y viejos talentos. Lo mejor de todo, es que en esta segunda entrega lo repite. La juventud de gente como Elliot Power, una voz nueva londinense llena de soul y bass, y ESKA, una big mama multi instrumentalista salida de lo más profundo de África, combinada con la experiencia de leyendas como Mark Lanegan, vocalista de Screaming Trees uno de los primeros grupos que podríamos llamar grunge, y el baterista de Queens of the Stone Age, Jon Thodore. Por si eso fuera poco, para esta nueva entrega se suman Mick Jones, guitarrista de una de las bandas más míticas, The Clash, además de Tom Smith, vocalista, compositor, teclista y compositor de una banda que está con todo, Editors y Andrew Innes guitarrista de otro grupo icónico, Primal Scream. Todo indica pues, que para este segundo viaje UNKLE planea llegar aún más lejos.

“Ambos discos fueron hechos con la misma intención”, aseguraba Lavelle en una entrevista reciente para el sitio clash-

music, “son una mezcla entre mixtape y un viaje. Vas en tu coche, comienzas en el día y conduces hacia la noche. El lenguaje con el que está hecho fue pensado para convertirse en el mejor de los viajes”. También afirma que el título implica varias metáforas: “puede ser el viaje a través de la vida mientras vas de arriba para abajo, pero también es este camino por el cual vas simplemente viajando, seleccionando cosas y colaborando. Todo eso se mezcla y se convierte en algo tangible, un disco, un show o una experiencia, es simplemente una especie de viaje continuo”.

A medio camino El primer sencillo que circuló por la red cuenta con las voces de Elliot Power y Miink. Además, “Ar.Mour”, tiene un video dirigido por Daryl Higgins que ilustra muy bien el concepto que es UNLKE, con todos sus recovecos surrealistas, coqueteos con lo metafísico y ese toque de pop amorfo que lo hacen inolvidable desde los tiempos de la clásica “Be There”. Esa primera entrega contiene de nuevo un elemento rítmico muy trip-hopero, siempre downtempo y relajado. Pero no habrá que dejarse engañar porque el viaje va para largo y quién sabe con qué podamos encontrarnos.

“Estamos a la mitad de la trilogía. El primer disco es como cuando te vas alejando de casa, aún eres ingenuo y estás en un viaje de descubrimiento. Hay elementos de mis primeros años pero también de cosas que hice después. Me siento optimista y estoy muy emocionado con esta segunda parte del viaje porque además es la primera vez que me encargo de dirigir todo el proyecto yo solo”. Así pues, tras un par de décadas, este veterano inglés fundador del seminal sello Mo’Wax, se suelta por primera vez. Habrá que acompañarlo mientras se echa este “solito” y lo vemos alejarse de casa.

ROYAL TRUX EL DINERO NO ES HONESTO TXT:: Lenin Calderón FOT:: Cortesía del artista

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Royal Trux es una banda legendaria, célebre por su sonido único e irrepetible, aunque siempre imitado.

¿Qué los hizo regresar a hacer música juntos?

Bueno, en realidad las cosas son un poco diferentes. Aunque suena como a “regreso”, nunca hemos dejado de hacer música. Tanto Neil como yo tenemos otros proyectos con los que nos hemos mantenido ocupados estos años. Él tiene compromisos en proyectos como Pussy Galore y Weird War, mientras que yo seguí ocupada haciendo cosas con RTX y Black Bananas. Así que no ha habido retiro y tampoco ha habido regreso.

Nos conocemos mucho, hacemos buena pareja musicalmente hablando y tal vez por eso nos gusta trabajar juntos. Hace un par de años coincidimos en una gira, pensamos que aún teníamos la química y fue entonces que decidimos volver a hacer música juntos, pero eso es todo. ¿Cuál es la mayor diferencia en su proceso creativo si lo comparamos con aquellos años?

Tiene mucho tiempo que ni siquiera vivimos en la misma ciudad. Creo que la distancia y los años de trabajo, la experiencia, han jugado un papel bien importante en este disco. Ahora somos más pacientes, creo. Nos damos la oportunidad de que las ideas y las canciones fluyan, reposen y puedan ser modificadas sin tanto problema. Tal vez, con las distancias, ahora nos toma más tiempo crear una canción o un disco, pero el resultado me gusta más. Antes, cuando estábamos juntos, todo era más apresurado, creo que nos presionábamos más y faltaba tiempo para dejar reposar la música.

En el video de “White Stuff” aparece gente blanca en diversas situaciones al límite, ¿intentan con este disco hablar del American Way of Life?

Pues en parte, sí. Creo que en Estados Uni-

dos estamos viviendo una de las peores crisis para la gente blanca. A pesar de que hay una persona en la Casa Blanca que favorecería las veces que fuera necesario a un blanco sobre cualquier persona de otro color, la gente blanca no lo está pasando del todo bien. Actualmente, hay una epidemia de fentanilo -peor que la de heroína de los 70- que está matando gente blanca todos los días y no creas que a la White Trash. No, la gente que está muriendo son amas de casa, madres, de clase media, incluso alta. “Suburban Junkie Lady” habla un poco sobre eso. Ese tipo de personas antes no eran precisamente el target de los vendedores de drogas pero las cosas han cambiado. Nosotros, aunque llevamos años limpios, conocemos el entorno y sabemos de primera mano los estragos de lo que te hablo.

Para este disco trabajaron con Kool Keith, el legendario Dr. Octagon y exmiembro de los Ultramagnetic MC’s, ¿cómo fue esa conexión? ¿Les gusta el hip-hop?

Sí, claro. Además él es uno de los músicos de la escena hip-hop de Nueva York que más nos gusta desde hace mucho tiempo, ya lo conocíamos desde nuestros años en esa ciudad.

Resulta que cuando estábamos grabando “Get Used to This” creímos que le faltaba un rap o algo cantado con ritmo a mitad de la canción y nos pusimos en contacto con él. Aceptó sin dudarlo aunque estaba en Inglaterra. Así que tuvimos que trabajar a distancia porque además logramos que Alexis Taylor de Hot Chip nos hiciera la mezcla de esa canción además de producir un par de remixes que quedaron increíbles. Creo que es la canción que tiene más millas en el disco porque fue de un lado a otro.

El anuncio de White Stuff nos decía que ustedes habían creado un disco “forzándolo hacia el futuro pero sin hacer algo con la mente en el pasado”. ¿Puedes contarnos más?

Primero tengo que señalar que fue un procteso muy fluido, insisto en que la experiencia y tantos años de trabajar juntos tuvieron mucho qué ver. Ahora sabemos mejor cómo obtener lo que queremos musicalmente, eso nos da más control. Y como ya te decía, la distancia también influyó, todos los tracks anduvieron de arriba para abajo, e-mail tras e-mail.

Fue un proceso lindo. Raro pero lindo. A pesar de todo esto, hay canciones como “Year fo the Dog” y “Under Ice”, en las que las voces se oyen bien claras, no se enciman y tampoco los instrumentos. Creo que White Stuff es un disco bien integrado aunque hecho a la distancia.

ESCUCHA TAMBIÉN The Kills Keep on Your Mean Side 2003 Grabado en dos semanas casi enteramente en 8-track, fue su debut en el seminal sello Rough Trade. Punk de garage, ruidoso y sucio en su intento por ser lo-fi.

The Cramps Off the Bone 1983 Un destilado del sonido primario de este legendario dueto de Sacramento pero que alcanzó la fama en el mítico CBGB de NY.

Dead Vibrations Dead Vibrations 2018 Canciones sobre canicas y mañanas domingueras con guitarras cortantes, bajos pesados y mucha distorsión. ¡Buen viaje!

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Como decía John Peel acerca de The Fall: “siempre los mismos pero siempre diferentes”. Así es el sonido de este dueto originario de Washington DC pero con historia en NY, Chicago, San Francisco y anexas.

Para confirmar que siguen modificando su sonido con el mismo ímpetu experimental, regresan después de casi dos décadas con un disco totalmente nuevo. Pshyco punk, electro, reggae, riffs de rock clásico y hasta un poco de rap, son algunos de los matices incluidos en su nueva producción: White Stuff, editada por Fat Possum, un sello que les ha dado nuevos bríos tras la reedición ahí de todo su catálogo.

Para hablar de este regreso hablamos con Jennifer Herrema.

THE CHEMICAL BROTHERS SIN LÍMITES, HAY QUE APRECIAR LA ARMONÍA EN EL CAOS TXT:: Aldo Mejía FOT:: Universal

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Esto es lo más cerca que he estado de experimentar el síndrome de abstinencia. Luego de esperar tres semanas a que la disquera me enviara el enlace para escuchar No Geography (2019), el nuevo disco de The Chemical Brothers, apenas pude escucharlo un par de veces antes de que ese mismo enlace expirara.

Sé que puedo esperar hasta su salida oficial, pero preferiría no hacerlo. Necesito volver a escucharlo.

Que me perdonen mis maestros de periodismo si a ratos pontifico sobre la calidad de álbum que hicieron Tom Rowlands y Ed Simons. Pero empieza de forma contundente.

“Eve Of Destruction” inaugura con una voz femenina robótica, que repite como mantra “Sacrifices justified” sobre un bajo atronador. A la mitad se suma una voz soul masculina y el track parece cruzar por un túnel. Al salir, lo recibe una multitud emocionada.

Sobreviene un cambio tan gradual como radical al final de esa primera canción y es ahí donde entra “Bango” que, a diferencia de su antecesora, tiene su acento en las percusiones y en los platillos. Pero aparecen nuevos sonidos a cada instante, mismos que serán exigentes para con el equipo de sonido que uses. Hay que saber apreciar la armonía en el caos.

Y repiten la dosis: hay un cambio progresivo que conecta con la tercera canción y la que da nombre al disco. Ésta es más breve, pero imponente. Da la sensación de estar contemplando un gran paisaje en el que se divisan tantos caminos como posibilidades. De la letra surge esta Hermosa línea: “If you ever change your mind about leaving it all behind, remember: No Geography.”

“Got To Keep On” es uno de los adelantos que habían ofrecido y éste se antoja mucho más bailable y estilizado. Un coro electrónico contrasta con otro que arroja un aullido muy suave. Entonces entra una voz que describe similitudes entre las lágrimas y las gotas de lluvia.

Su sucesora, “Gravity Drops”, nos sitúa en un escenario similar al paso de un tren y pronto se perciben menos matices en los arreglos. Hasta la mitad, en donde se satura el track y, como a capricho del maquinista, cambia de dirección por completo. Va en ascenso

sin explotar del todo y termina de un modo más bien convencional.

The Chemical Brothers no reniega que su música está hecha para bailar y lo reafirma con “The Universe Sent Me”. Una mujer repite algo que no vale del todo comprender pues a cada momento brotan elementos que toman turnos para brillar. Pero la base es una subida estrepitosa que se mantiene hasta el final.

A partir de aquí inicia otra trilogía de canciones que se relacionan de algún modo.

“We’ve Got To Try” arranca con un ritmo sobre el que se podría rapear, pero las máquinas toman revancha y cambian los tiempos, los tuercen, antes de que alguien rime sobre ellos. Aquí y allá se perciben sonidos aleatorios, hasta que luce un arreglo de cuerdas como una verdadera sorpresa.

“Free Yourself” es punto y aparte. Una voz femenina, aunque humana, carece de toda emoción e indica que bailar es la única forma de liberarte, de liberarla, de liberarnos.

Pero luego se torna en una orden: ¡BAILA! Y la canción te pone a prueba al tratar de seguir tres ritmos que, aunque diferentes, convergen entre sí en una violenta armonía.

Silencio… …y “MAH (Mad As Hell)” deviene en una pesadilla con unas voces que parecen celebrar el delirio. Una voz agresiva, más que hablar, ladra. Es una derrota. Para entonces ya estás bailando sin poderte contener a los rayos láser que atraviesan el campo auditivo.

Explota otra vez la canción y no desiste de ti hasta haberte hecho como quiso.

A pesar de todo eso, el cierre es un aterrizaje suave. “Catch Me I’m Falling” se recuesta en una voz emparentada con el soul que se vuelve amable con el oído. Un intento de trompeta eléctrica se escucha por un momento. Para terminar, el grupo parece haber destilado los elementos más simples y agradables del álbum en una canción.

The Chemical Brothers conjugó la libertad y la creatividad en una placa que no ha de estar del todo completa hasta ver cómo se comporta en vivo. No me voy a adelantar a decir que es una obra maestra, pero bien que se le parece. Necesito volver a escucharlo.

The Chemical Brothers está de vuelta con No Geography: la conjunción de su disco debut, Exit Planet Dust, con los elementos más psicodélicos de Further. Tom Rowlands y Ed Simons decidieron poner lo mejor de su trayectoria en su novena placa.

FUN FACT Para el video de Got To Keep On, The Chemical Brothers volvió a trabajar con Michel y Oliver Gondry. Con ellos ya habían hecho los videos de Let Forever Be, Star Guitar y Go.

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JUAN EL VAQUERO GALÁCTICO ESTÁ DE REGRESO TXT:: Alejandro González Castillo FOT:: David Franco para 13/TRECE ASISTENTES Jair Franco Marianna Gutiérrez

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“ESTOY ADQUIRIENDO UNA VISIÓN MÁS CÓSMICA DE MÍ MISMO”.

nes más oscuros a los paisajes eléctricos de Christian Fennesz, de los modos afelpados de los Ositos cariñositos a las garras de Moharra de los Thundercats; del “encanto estético de los postres” al “decadente olor de la vainilla”, y de la blancura gélida de Islandia a la brizna tibia chiapaneca. Se trata de la complejidad que encierra alguien que a los doce años de edad escuchó a Björk para que “jamás nada volviera a ser igual” y que hoy, al echarse en la costa, halla todo lo que necesita para ser feliz: “la calma del océano y el viento suavecito del mar”. Todo muy soleado, todo muy optimista; “porque antes yo era muy melancólico, pero, ¿seguirle de emo? No. Mejor jalar para otro lado”. ¿Qué tan largo fue el viaje que finalmente te hizo estar de vuelta aquí, enseñándonos tus nuevas canciones?

Desde que me salí de mi casa, a los 19, he hecho eso: juntar dinero para irme a viajar. Esta última vez me fui a Brasil, Chile y Argentina, y luego a Islandia, Dinamarca, Inglaterra, España, Holanda y Portugal, para después llegar a Chiapas. Viajé ligero, me llevé un morral de costal de Mérida y un cambio de ropa, mi guitarra y mi teclado. Me decían El Cantinflas, todos se burlaban de mí, pero yo me sentía fantabuloso. Me gustaba un lugar y me quedaba ahí, como gitano, sin importar si era rancho, playa o ciudad.

Mi presupuesto estaba limitado, entonces dormía en hostales, lo cual tiene cosas no tan chidas, como pasar la noche con veinte personas; pero en Chiapas, por ejemplo, todo era baratísimo. Rentaba un cuarto por 150 pesos la noche, o acampaba por treinta pesos. ¿Te consideras hippie? ¿Hippie? No sé qué significa eso, pero me llama la atención la palabra porque en la escuela entendí que los hippies no piensan como los demás. Estudié música en Londres y, la verdad, era muy mal estudiante. Me gustaba que nadie me molestaba, pero me costaba mucho trabajo aprender aquel modo de enseñar, muy estricto, muy clásico.

Te lo pregunto porque cuando estabas en Porter supongo que recibías trato de rockstar, pero pasaste de gozar en hoteles de cinco estrellas a dormir en la playa, todo por decisión propia.

No, yo nunca viví como rockstar. Y en su momento me dio coraje porque eso quería, pero jamás pasó. Algunos me decían: no, llegaste tarde, la industria se colapsó hace tiempo; y luego amigos de bandas grandes me contaban que habían viajado a tal lugar en jet privado, por ejemplo.

A mí no me tocó nada de eso. Una vez, con Porter, nos dijeron que nos iban a hospedar en el hotel Four Seasons, y estábamos bien emocionados, pero se equivocaron, hablaban del Four Points (y estuvo chido, no me quejo). Los artistas tenemos una cosa, como que tenemos que proyectar un poco que nos va bien, ¿no? Pero realmente yo no conozco a muchos músicos que sean millonarios. O sea, alcanza para tener una vida chida, pero nada de residencias en Vallarta o algo así.

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ientras desaparecí, llegué a pensar que mi misión en la vida era otra; ser granjero, por ejemplo. Estaba enojado, y era inmaduro también”. Así describe Juan Son el momento que vivió al esfumarse de las redes sociales, para hacer una travesía que él mismo denomina como de “supervivencia mental”.

Salió de casa sin destino, pensando que los días en que miles coreaban sus canciones jamás volverían, pero luego, cuando en el Caribe se hallaba, de pronto supo “que a la vida no le puedes decir qué hacer, que ella te va poniendo donde quiere”. Y ésta lo puso, otra vez, justo donde los acordes retozan y los compases triscan.

“Es que la música tiene su propio ritmo, no hay que presionarla. Imposible darle órdenes. Y fue así, sin premeditar las cosas, que todo fluyó y de pronto ya tenía una canción nueva”, comenta Juan cuando habla del regreso a los reflectores que protagonizó con “Siento”, el tema que lo llevó a internarse de nuevo en un estudio de grabación tras un prologando silencio. Un nuevo comienzo que lo orillaría a experimentar con un instrumental de texturas flamantes para hoy día colocar bajo el foco un manojo de canciones inéditas que suena a… ¿a qué suena? “Es buen ejercicio intentar ponerlo en palabras”, contesta el propio autor; “porque el mundo de la música es abstracto. No sé, no sé a qué suena lo que ahora hago. Podría decir que a algo que nunca pensé que podría existir, a algo que me reta. Y eso es emocionante”.

El ex Porter habla de su presente, y lo hace fervoroso: “estoy viviendo un proceso personal donde trato de jalar hacia lo bueno. Aunque sería hipócrita decir que no tengo días duros -no soy un payaso que se la viva sonriendo-, me siento animado, esperanzado”. Dicho ímpetu podrá palparse cara a cara en el Teatro Metropolitan el próximo 11 de mayo, cuando el de Guadalajara presente las canciones que le devolvieron las ganas de presumir su música y, de paso, lo llevaron a reintegrarse al universo virtual para mostrar todo lo que inspira su imaginario sonoro. Y vaya que hay bastante por ver y escuchar, porque sin duda algo interesante debe haber en todo lo que enciende la flama creativa de un hombre que en pleno siglo XXI no usa teléfono celular y que, hasta hace poco, odiaba que le tomaran fotos.

Efectivamente, el catálogo de estímulos de Juan es robusto. Va de los sonidos de los Caifa-

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Quizá los de Maná sí vivan de esa forma.

Tal vez. Ese grupo es un ejemplo de cómo hacer buenos negocios, de cómo forjar una empresa. Ellos han sido inteligentes en ese aspecto. Rara vez un músico es buen empresario.

¿Algo así fue lo que te hizo despedirte de Porter?

No, no fue por ahí. Me parece poco profesional caer en eso de tirarle tierra a otra persona. Es chistoso, pero hasta hace poco yo ni siquiera sabía que Porter estaba tocando ni que le iba bien, no estaba enterado.

Y ya que lo sabes, ¿has escuchado lo que hace el grupo sin ti?

No. Sería patológico hacerlo, ¿no?

Como ponerse a ver fotos de tu ex, donde salga besando al que ocupa tu lugar.

Exactamente.

Decías que te contaron que llegaste tarde para ser rockstar, pero estuviste a tiempo para protagonizar un relevo generacional que cuando Porter editó su primer EP ya se antojaba urgente.

Ahora que lo dices, noto que no estaba consciente de eso.

Es curioso todo lo que pasó con Porter en su momento y también descubrir cómo desde entonces todo ha cambiado mucho, muy rápido. Ahora hay muchas posibilidades tecnológicas, pero también mucha competencia. Hay estrés y esperanza, y eso es emocionante. El momento actual se parece a cuando los pioneros llegaron al viejo oeste, cuando esos vaqueros iban a la aventura: estaba todo por conquistar, pero era peligroso. ¿Y como el vaquero galáctico que eres, qué planeas conquistar ahora que has regresado?

Me gustaría innovar en los conciertos que ofrezco. Me encantaría incorporar olores, no sé, cocinar galletas para que la gente aspire ese olor; también quisiera tener un delfín en el escenario, pero eso es imposible. Creo que es un asunto más espiritual lo que yo busco. Ahora mismo estoy contento con la música que hago, estoy tomando fotos de mi diario espiritual y disfruto hacer eso: adquirir una

“EN SU MOMENTO QUISE VIVIR COMO ROCKSTAR, PERO JAMÁS PASÓ”

visión más cósmica de mí mismo. Creo que la vida está llena de decisiones, y si tomas las correctas puedes alcanzar un mejor futuro. Sin embargo, a veces es bueno no crearse muchas expectativas. Por ejemplo, Islandia no es el país que yo esperaba que fuera. Pensaba que era la tierra de Santa Claus, en mi mente estaba la idea de que hombres de galleta iban a recibirme al aeropuerto; encontré una ciudad que, incluso, se parece a Canadá. Claro, la naturaleza es hermosa, pero jamás vi polvo de hadas. Me gustaba más la Islandia que había en mi mente. En cambio, de Portugal no esperaba nada y me volvió loco, es uno de los lugares más increíbles que visitado.

Ya que tocaste el punto de tu puesta en escena, ¿cuando empuñas el micrófono te transformas en un personaje o no eres más que Juan Carlos Pereda?

Intento ser un personaje, pero aunque no quiera mi yo real sigue estando ahí. Todos tenemos una parte nuestra que vive dentro del closet, esa faceta en la que nos gusta pintarnos, disfrazarnos, comportarnos excéntricamente; jugar. A mí me gusta sentirme distinto cada vez que voy a tocar. Por ejemplo, un día digo: hoy voy a salir a presentarme en un cabaret decadente, y me comporto de una determinada manera. Para el video de “Siento” me puse una especie de túnica porque los griegos me gustan mucho, entonces me pregunté, ¿cómo sería un griego actualmente, cómo se vería vestido con telas fluorescentes? Así que me transformé en un griego de Tepoztlán. ¿Existe la posibilidad de que mutes en quien solías ser, ese tipo atormentado que cantaba “Espiral” hace años?

Es chistoso cómo la gente jamás ha dejado de pedirme que cante esa canción. Al principio yo no hacía caso, era muy egoísta; pero, ¿por qué no darles ese gusto a quienes van a verme? Yo siempre estoy cambiando, pero hay cosas de las que no puedo renegar, y no lo haré mientras me mantenga honesto con quien soy ahora, en el presente. Porque en mi pasado muchas veces predominó la desesperanza, y prefiero no hablar de eso, pero vaya que sé lo que se siente cuando no hay salida, cuando uno no sabe ni dónde se encuentra…

De manera que aquella espiral que viviste iba hacia la oscuridad, Juan. Al mero hoyo.

Totalmente, aquella espiral me llevaba al fondo. Estaba yo muy pirata entonces. Pero ahora prefiero hablar de cosas que hagan a las personas mejores.

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Cuando la música funciona como negocio a ese nivel se entra a un mundo donde, cuentan, incluso es difícil hacerse de amigos reales.

Creo que yo sí hice amigos en el mundo de la música, y eso ha sido muy bonito. Pero es cierto que muchas veces todo son mentiras, puro negocio disfrazado de amistad.

Para mí fue doloroso creer que contaba con alguien como amigo y era falso. Aunque no quiero hablar como víctima, quizá yo también era así entonces, tal vez yo también fui arribista.

LA PERFECCIÓN DE LA IMPROVISACIÓN

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TXT:: Wenceslao Bruciaga FOT:: Arturo Lara

Geoff Barrow es algo así como el héroe relegado de Bristol. Personaje obligatorio para entender el movimiento del Trip Hop que revolcó los noventa con su maquinaria de downtempo cinematográfico y de asfixia sexy. Fue la otra mitad de Portishead, aquella legendaria banda de los sonidos sin escapatoria. Visitó la CDMX con su proyecto Beak, banda de penetrantes raíces krautrock con toques de jazz y un experimentalismo paisajista que fue de los estelares del décimo aniversario del Festival Nrmal. ¿Cuál es la diferencia entre LA Playback y >>> (que entiendo se pronuncia Beak Beak Beak)?

Geoff Barrow: Verás, LA Playback fue una especie de compilación de sencillos, canciones y bsides que de alguna manera, nunca habían sido editados en vinil, o nunca estuvieron en un álbum, eran canciones que nunca fueron parte de nuestras grabaciones, por así decirlo, oficiales. La gente nunca las había escuchado.

Billy Fuller: Empezó siendo como una compilación de algunas cosas viejas, pero también nos dimos cuenta que había temas relativamente recientes que no habían sido incluidas en algún lado, sencillo o álbum, así que LA Playback también contiene canciones nuevas. El personal de nuestra disquera, Temporary Residence, nos preguntó si podían presentarnos como una banda con muchos años haciendo música, porque en realidad nunca tuvimos algo así como un lanzamiento oficial en Norteamérica, así que nos sugirieron hacer un disco que sirviera para presentarnos al público americano.

Geoff Barrow: Eran canciones que no habían llegado ni a las plataformas digitales, entonces es un disco cuyas canciones vamos a presentar en nuestro siguiente tour en mayo Estuve escuchando el último disco de Beak, >>>, mientras escribía un reportaje sobre una terrible ola de homofobia que está surgiendo en Brasil desde la llegada del presidente Bolsonaro, y fue bizarro que algunos sonidos del disco parecían ser los samplers políticos, como el soundtrack de una distopía, ciertos acordes atonales de guitarra me daban miedo: ¿tienen elementos políticos en sus canciones?

GB: Definitivamente hay sensibilidad política en el álbum y no necesariamente bajo una estructura política porque, no creo que la política sea poética. Así que nuestras canciones no son sobre personas que quieran cambiar el mundo cantando en los árboles, todos agarrados de la mano y con un arcoiris detrás. Más bien, las palabras y los sonidos tienen que

ver con la tensión que a veces genera la política en estos tiempos en los que básicamente se concentra en generar basura ideológica como lo que comentas de la derecha en Brasil. Nosotros invertimos más o menos dos horas en una canción, en lo que la grabamos y eso y sobre esa base rítmica agregamos las palabras y esas palabras tienen que ver con la sensación del momento y eso es todo. Pasa, que en esas dos horas, de pronto nos enteramos del caos de Inglaterra con el Brexit ,por ejemplo, y eso se trasmina a las pocas palabras de las canciones. Dicho esto, me gustaría dejar claro que no soy una persona que podría decirse poética, y en ese sentido, trato de llevar mi no-poética personalidad al estado de mis canciones.

BF: Entiendo lo que dices y es interesante que lo notes porque si, la incertidumbre política y de la propia sobrevivencia del mundo pende de un hilo y de las pantallas de nuestros celulares, creyendo que soltando opiniones sobre posturas estamos haciendo un cambio y me resulta duro creerlo. Esa contradicción de los aspectos de nuestra vida si se refleja en los cambios rítmicos de nuestras canciones.

Sin embargo, noto el sonido de las canciones de Beak muy políticas.

GB: Bueno, tampoco creas que es tan complicado porque todos saben, sabemos, que el mundo actualmente vive una situación de mierda, así que no tratamos de crear una declaración de principios sobre los temas que nos están oprimiendo, sólo tratamos de entender la situación del momento mediante un disco. Y la verdad es que si bien los títulos de la canciones pueden llegar a entenderse como posturas políticas, son ocurrencias de último minuto, palabras muy espontáneas, casi antes de dar el último brochazo o antes de imprimir el material. Pero eso si, tenemos que sentirnos a gusto con el título, si nos causa incomodidad, también lo cambiamos, espontáneamente.

Tienen una canción que se llama The Brazilian…

BF: Ese nombre lo puse yo. Creo que tuvo que ver con una línea de bajo que me recordaba viejos discos que tengo de rock progresivo brasileño. ¿Y es el mismo proceso con las letras de las canciones?

GB: Un poco si, todo lo que hacemos es muy espontáneo, a veces cinco segundos antes de empezar a tocar se me vienen temas a la cabeza y los voy escribiendo casi sobre las partituras o las grabo en el teléfono, a modo de spoken word, sólo para que no se me olviden, mientras vamos ensayando o tocando las canciones, es un proceso interesan-

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“DISFRUTAMOS DE EXPRIMIR TODO LO QUE NOSOTROS CONSIDERAMOS COMO INFLUENCIA, QUIERO DECIR, QUE NO SÓLO LAS INCORPORAMOS SINO QUE DISFRUTAMOS EL PROCESO, 41 COMO UN PORRO.” GEOFF BARROW

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“ME IMAGINO EN EL ESTUDIO A MUCHOS ARTISTAS NUEVOS SACANDO SUS CANCIONES DE POSTPUNK Y ALGUIEN DICIENDO “NO, NO, ALGO LE FALTA… MÁS BASS SOUND”, SÓL O P A RA SUBI R SE 42 A LA OLA O GENERAR VENTAS, O QUÉ SE YO…” WILL YOUNG

cias, no incorporamos elementos del blues a nuestras canciones, hacemos algunas intercepciones con acordes del western que creo pueden tener aproximaciones con el blues.

Y hablando de free jazz, noise y espontaneidad ¿hay improvisación en sus conciertos?

BF: Nada de improvisación. Lo hacemos en el estudio para dar matices a las canciones, moldearlas. Una vez tenemos la canción terminada, digamos que la re-aprendemos para ajustarlas, cada vez poniendo menos hasta que queden listas, y una vez terminado ya les metemos arreglos, la ensayamos con una meticulosidad matemática para tocarlas en vivo y que sea una experiencia potente, pero, que mantenga la fidelidad del álbum. Sobre el escenario, cada movimiento está calculado.

GB: Somos muy profesionales.

¿Es algo personal contra el blues?

GB: Creo que tengo una visión muy alemana del rock, seguro es eso. Como dices, hablando de Can, lo que me gusta mucho de ellos es su compromiso por así decirlo, de ensimismarse sobre ellos mismos. Sobretodo cuando están en el escenario y fueron capaces de inventar un propio ritmo que sólo les pertenece a ellos y de ahí nació lo que se conoce como el krautrock. Lo que pasa con el blues, fascinante a todas luces, es que se volvió de los elementos modernos más fáciles y que, me parece, ha unificado la creatividad. Quiero decir, que si escuchas muchos de los nuevos artistas de distintos géneros, ya sea rock, hiphop, country, ópera, están terminando con coros y arreglos de R&B y pasa que terminan sonando igual. Si pones la radio de moda, no puedes distinguir a los artistas, y no me refiero a las canciones en sí, pero, hay un modo de producción que lo está generalizando y yo me pregunto cómo es que la gente no se aburre de eso. Es ridículo que una canción de supuesto modern country termina sonando a R&B. Así que uno de nuestros mantras es que debemos sonar al rock duro, como creemos debe ser el rock y bueno, para eso tenemos que prescindir del blues, o lo que hoy se entiende por blues. No es por sentirnos únicos o cool, pero sí creo que pocas bandas están haciendo eso.

WY: Me imagino en el estudio a muchos artistas nuevos sacando sus canciones de postpunk y alguien diciendo “no, no, algo le falta… más bass sound” y sólo para unirse a la ola o generar ventas o que se yo…

No puedo escuchar su discografía sin pensar en una banda que nos gusta a los nerds y me refiero a Can. Noto muchas influencias del disco de Can llamado Soundtracks(1970).

GB: Bueno, eso es más o menos obvio. Pero la verdad es que disfrutamos de exprimir todo lo que nosotros consideramos como influencia, no sólo las incorporamos sino que disfrutamos el proceso, como un porro. Me gusta mucho Can y que se note es como compartir el placer que siento, como invitarte una cerveza. Dicho eso, debo decir que también disfruto a James Brown, el soul americano, el noise, lo que se entiende por música clásica moderna, y por ejemplo, por alguna razón, no le entro mucho al blues...

Will Young: Justo a lo que se refería Geoff, así como somos conscientes del proceso entre el placer y las influen-

En efecto, es curioso cómo de pronto todo se unifica en tiempos supuestamente liberales y no hay espacio para la diversificación. Recuerdo que un ex-algo, me preguntó ¿qué escuchas? Era el disco debut de Beak, y me decía: ¿por qué escuchas esas cosas si eres gay?

GB: En efecto, hemos llegado a un punto en donde pareciera que el rock es una mala palabra, pesan más los artificios sobre las bandas que la música misma. Creo que por eso en Beak apostamos a una especie de minimalismo filosófico. Me llama la atención cómo las nuevas generaciones de gays se rinden a la imagen de Lady Gaga y no retoman la historia de grandes bandas como Sparks, Roxy Music o Queen y de estos últimos, se le retoma por el romanticismo de su película que por la innovador de su música y sus grandes aportaciones al rock.

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te de creación. Ahora, que no se me malentienda. Si bien es espontáneo y pacheco (a veces las vamos escribiendo fumando porros), si nos preocupamos por que sean palabras que digan algo, que conformen un mensaje. La verdad es que como bien dices, estamos viviendo momentos muy complicados política y socialmente, pareciera que la tecnología nos empuja a decir lo que sea, pero estamos presionados por decir algo, y ante eso por momentos me invade la frustración de decir pura mierda compasiva sólo por ceder a esa presión. Quiero decir, creemos que decimos cosas radicales y sentimos gratificación por decir lo que los demás quieren escuchar y viceversa y eso ni siquiera son mensajes. Son palabras que se sueltan en una cámara de eco, no son diálogos reales. Y con esa realidad, si tratamos que las letras sean mensajes reales, quizás confrontativos, incómodos, pero si hay una preocupación por romper la fácil gratificación de las redes sociales, que parece ser el medio donde más se dicen cosas.

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Vive Latino 20 aĂąos de invocar a los elementales

La edición del 2014 es la que más shows ha reunido a lo largo de la historia del festival. En total, se presentaron 162 artistas que estuvieron repartidos durante cuatro días.

TXT:: Toño Quintanar

Respondiendo al llamado Muchas cosas han ocurrido desde la realización del primer Vive Latino, allá en el lejano año de 1998. Remontarnos a aquella época es invocar todo un caudal de caóticos rasgos contextuales –la Masacre de Acteal podría definirse como uno de los síntomas más evidentes- que servirían de lubricante para la llegada del nuevo milenio.

Con dos décadas de vida a cuestas, este festival se destaca como un veterano de guerra quien ha visto circular por sus huestes a varias generaciones de melómanos cuyas polifacéticas naturalezas dan fe de los cambios que nuestra propia sociedad ha experimentado con el paso de los años.

El VL podría definirse como una celebración al encuentro reconciliatorio. Esto debido a que, año con año, este evento se ha destacado como el epicentro por excelencia de una serie de pasiones afiebradas que logran reunir a individuos de distintas naturalezas con el fin de ensamblar un variado macrocosmos de experiencias y personalidades.

Su propio nacimiento se trata de un intento por reunir en un solo manojo conceptual esa serie de complejas ramificaciones que definen al apetito sonoro de Latinoamérica. Mismo fenómeno que, por supuesto, no se encuentra libre de ciertas contradicciones y tropiezos que son consustanciales al propio devenir cultural de nuestro continente.

Warrior’s Dance La oscuridad siempre precede a la luz más intensa, al clamor estroboscópico que anuncia el triunfo de la felicidad irracional. El sonido galvánico de los beats es un retumbar de trueno que golpea de lleno en los

pechos afiebrados; un clamor de guerra que nos regresa en el tiempo a nuestro pasado más primario, cuando el ruido de tambores poblaba la noche y el incienso con aroma a vainilla anunciaba el inicio de las Guerras Floridas.

Es en medio de esta monstruosa bocanada sonora que, como si se tratara de una súbita aparición, nos topamos con un desquiciado showman quien se retuerce a lo largo del escenario como si tuviera circuitos eléctricos corriéndole por el cuerpo en lugar de venas. El nombre de este individuo es Keith Flint y, tan sólo tres años después de esta actuación, habría de sucumbir para siempre a sus abismos personales.

La presentación de The Prodigy en el 2016 es sólo una pieza más dentro de ese enorme mosaico de momentos altamente intensos que es el Vive Latino. Sin embargo, no cabe duda de que este show sirve como una prueba fehaciente de ese ambiente de unificación que es el principal rasgo espiritual de este festival.

Por supuesto, mucho tiene que ver en dicho asunto el hecho de que, poco después de sus primeras realizaciones, este evento comenzó a desarraigarse de la exclusividad de su autoctonía hispanohablante para convertirse en un espectáculo de carácter internacional en el que todos los gustos e intereses tienen cabida.

Misma elección que, a pesar de ser constantemente criticada por los asistentes más puristas, responde a la preponderante necesidad de transformar al festival en un acontecimiento que se encuentre a la altura del carácter multifacético de la nueva era.

Un festival con muchas caras A pesar de la constante adhesión de artistas internacionales, es difícil no advertir cierto ánimo “reduccionista” con respecto a los artistas nacionales que son incluidos año con año en el cartel.

No cabe duda de que el festival ha tirado barreras a su manera al conjuntar en un mismo recinto a una serie de perspectivas musicales que, bajo una lupa decididamente prejuiciosa, podrían parecer irreconciliables. Después de todo, ¿en qué otro evento podríamos ver a Blur, El Tri y Los Ángeles Azules actuando en un mismo día?

Mismo asunto al que se suma el estatus de “Santo Grial” que esta celebración musical tiene entre las agrupaciones independientes de LatinoaTmérica quienes buscan dar “el gran salto”.

Irremediablemente, es necesario tomar en cuenta que, como todo fenómeno de masas, el Vive Latino tiene múltiples rostros.

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esde sus épocas más remotas, la humanidad ha precisado de actividades de carácter ritualista que le permitan forjarse una identidad propia. Las danzas alrededor de las hogueras, la pintura facial, los cánticos tribales; todas éstas son tradiciones que se han destacado a lo largo de nuestra historia antropológica como procesos ceremoniales que transforman a sus usuarios en integrantes de una cofradía que le brinda significado al mundo y a todo lo que acontece en él. Lejos de perecer con la llegada de la “modernidad”, estas prácticas no han hecho más que evolucionar hacia nuevas manifestaciones que dejan al descubierto ese apetito de cohesión que es la piedra angular de las comunidades humanas.

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46 The Dirt Fascinaciรณn por la mugre

The Dirt es glam hecho cine. Su narración es una colección de excentricidades y desfiguros que, si bien no tienen ningún tipo de valor “intelectual”, cumplen efectivamente con la noble función de excitar las sensibilidades más mundanas del espectador.

TÍTULO The Dirt DIRECTOR Jeff Tremaine AÑO 2019 REPARTO: Machine Gun Kelly, Douglas

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os ochenta fueron una era repleta de monstruos, de criaturas voraces quienes hicieron de la decadencia moral un espectáculo de masas. Sus historias, a pesar de encontrarse sumidas en la más férrea de las infamias, nos recuerdan de forma explícita ese gusto que la humanidad ha profesado desde siempre por la exageración y sus facultades más teatrales. Ante esta situación, sólo nos quedan dos opciones: condenar las obscenidades del pasado, o regodearnos en ellas.

Booth, Daniel Webber, Pete Davidson, Iwan Rheon

Los caminos del diablo Mötley Crüe podría definirse como la banda que fijó de manera definitiva esa serie de procesos altamente tóxicos que serían consustanciales al rock pesado gestado durante la era postmoderna.

Esto no sólo gracias al inusitado impacto mercadológico de su propuesta, sino también a ese conjunto de rasgos iconográficos que hicieron de esta agrupación la bandera de una nueva y salvaje era.

A pesar de ese ánimo “bobalicón” que quedaría adherido a la banda desde sus eras más tempranas, no cabe duda de que su carrera sonora podría definirse como un intento sumamente notable por invocar un rock n’ roll de naturaleza primaria el cual, por momentos, parecería más ligado al punk que al heavy metal.

La historia de Mötley Crüe deja al descubierto esos pactos demoniacos que son el combustible por excelencia de todo proyecto que ha logrado escapar de los inframundos del anonimato para adueñarse de las altas esferas comerciales. Mismo fenómeno que transforma a este proyecto en la materia prima ideal para las aproximaciones espectaculares que son propias del cine de carácter biográfico.

en las particularidades históricas de la Norteamérica ultra neoliberal comandada por la despiadada mano de Ronald Reagan.

Es precisamente en medio de este confuso panorama que la llegada de Crüe habría de transformarse en un referente perfecto de esa rebeldía contradictoria que, a pesar de trastocar la vena sensible de ciertos grupos conservadores, también habría de convertirse en un producto más que rentable para las industrias globalizantes de la época.

Desde los primeros minutos de la cinta, Tremaine deja en claro que su concepción de la banda es la de un organismo multidimensional el cual no puede encasillarse bajo los parámetros de una sola perspectiva.

Es de esta manera que acudimos a un relato polifónico el cual es ensamblado por múltiples narradores quienes le otorgan una especificidad emotiva sumamente particular a cada una de las secuencias.

Constantemente, los integrantes de la banda rompen la cuarta pared para interpelar al espectador mediante una serie de confesiones que se antojan sumamente sinceras. Mismo atributo que se ve acrecentado por una atmósfera que logra encapsular de forma veraz la esencia del viaje iniciático de la banda.

Desde el primer ensayo, hasta las épocas de descontrol junto a Ozzy –interpretado de forma sumamente competente por un camaleónico Tony Cavalero-, la cinta nos muestra el desarrollo de cuatro individuos de carne y hueso cuyas propias flaquezas personales parecen incompatibles con el estatus dionisiaco que la maquinaria cultural de su época se empeñó en conferirles.

Es de esta manera que el rostro más vulnerable de Mötley Crüe queda al descubierto igual que una fractura expuesta.

Persiguiendo fantasmas Antes que nada, es necesario dejar en claro que The Dirt (2019) es una cinta sin ningún tipo de pretensión.

Su concepto se rige por una primicia tremendamente sencilla: hacer del cine una atracción sensacionalista que capture las emociones más básicas del espectador; misma cualidad que, lejos de resultar demeritoria, se transforma en un gran acierto.

Después de todo, Jeff Tremaine – el director de la cinta-, es una figura quien se ha graduado con honores dentro del entretenimiento más guarro y descaradamente lucrativo; mismo respaldo que lo convierte en el candidato idóneo para narrar la serie de procesos vomitivos que se esconden detrás de la industria musical de carácter titánico.

The Dirt es una cinta cuya multivocidad nos brinda una perspectiva sumamente amplia acerca de los pormenores personales que intervinieron en el reinado de los Crüe.

Todo comienza en 1981 con Sunset Strip como el escenario perfecto para que la amoralidad occidental de pie a un fenómeno sonoro el cual encontraría en Nikki Sixx y compañía a sus monaguillos por excelencia.

Dicho contexto se nos muestra mediante una serie de aproximaciones casi documentales las cuales logran situarnos de forma vívida

Relatos de inframundo Las tonalidades emotivas de The Dirt son sumamente volátiles. Su discurso va del humor al horror sin previo aviso; mismo atributo que se vuelve especialmente útil al momento de narrar una de las tragicomedias más notables en la historia de la música contemporánea.

El montaje de atracciones hace uso de sus potencias más sugestivas con el fin de exhibir los fulgores de un estilo de vida en el que la cocaína y el sexo compulsivo son los ingredientes más cotidianos; sin embargo, la cinta va más allá de vanaglorias gratuitas para describir cierto dejo de calidez orgánica.

Episodios infamemente célebres como la relación de Sixx con la heroína o el accidente automovilístico que costó la vida de Nicholas “Razzle” Dingley –Hanoi Rocks- son abordados a partir de un enfoque que transita entre lo escalofriante y lo caricaturesco; misma fusión de estilos que nos otorga una perspectiva sumamente humanizada de cada evento.

A pesar de su ánimo sensacionalista, The Dirt no es simple material de tabloides. Su principal objetivo es hacer una disección del rostro más tangible de una época para erguir una suerte de monumento el cual nos invita a sonreírle a esa catástrofe rocambolesca a la que llamamos “pasado”.

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TXT:: Toño Quintanar FOT:: Netflix

Colección Griselda Hurtado El arte de cambiar vidas TXT:: Claudia Herrera FOT:: Cortesía Griselda Hurtado

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¡Mi colección es un universo, es mi universo! El arte me cambió la vida, mi colección está hecha con amor, de esperanza por el arte, por Morelos... por el arte de Morelos. Para mí el arte sirve para educarnos para despertarnos cosas, no importa qué cosas, pero creo que es fundamental que te despierte pasiones, no es solamente decorativo.

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¿Cómo comenzó tu colección, con qué pieza?

Mi primera pieza la adquirí hace mucho… el 31 de marzo cumplo once años de estar coleccionando. Fue muy chistoso porque llegó al restaurante un artista que se llama Lalo Lugo; él me pidió que le diera de comer a cambio de un mural que pintaría en la pared principal del restaurante, y yo le dije “órale pinta tu chingadera”. Él se tardó un año en hacer el mural y yo le di de comer todos los días… Así empecé a tener contacto con los artistas jóvenes: comenzó a correrse la voz de que yo daba de comer o que hacía cocteles a cambio de obra. Intercambiaba arte por comida y de pronto ya compraba, ya era un vicio… un vicio caro. Al poco tiempo llegó Cisco Jiménez a mi vida y ya con él comencé a involucrarme más en el arte y la cultura y entonces el vicio se convirtió en amor por el arte ¿Eres mecenas?

Pues no sé si mecenas: yo ayudo a quién necesita. Tengo un espacio no lucrativo que se llama “la verdolaga”, ahí exponen jóvenes morelenses que necesitan ser conocidos y se acercan a mí pidiéndolo, pero eso sí, sólo si son buenos, si lo que hacen me gusta; a mucha gente le dicho que no. Comida le doy a muchas personas y me gusta ayudar; ahora por ejemplo estoy ayudando a Amauri Colmenares, un joven poeta guerrerense que recién se ganó una beca. ¿Qué tipo de arte compras, qué es lo que más compras?

Principalmente arte morelense. Me interesa mucho impulsar el arte de mi región. Creo que hay mucha gente creativa que hace su trabajo de manera honesta. Me gusta lo que me haga decir “¿¡qué es esa chingadera!?”; me gusta que lo veas y te atrape el color, la textura, que te haga sentir. Compro a chicos de la UAEM o en exposiciones, en el centro morelense de las artes, en algunas galerías o en la Ciudad de México y también muchos vienen aquí con su carpeta. Para mí es muy importante tener arte que venga desde adentro que se haga por vocación no sólo para vender. Creo que el arte tiene que ser más accesible y por eso haré una fundación y mostraré mi colección muy pronto. Francamente no compro por inversión, mi colección no está en venta y tampoco me interesan los artistas porque estén de moda o porque sean tendencia; me gusta mucho la pintura y tengo mucha gráfica, gozo los colores vivos, y compro lo que me hace sentir cosas, no tengo consejeros ni curadores.

No me interesa que alguien me diga qué comprar, lo mío es visceral, no tiene nada que ver con el mercado, es sólo lo que me gusta y que me mueve por dentro. Tengo muchas piezas y todas son de mi gusto y todo lo escojo yo. ¿Cuál es tu pieza favorita?

Me gustan todas, hasta ahora no he comprado nada que no me guste, me ofrecen muchas cosas y he dicho que no muchas veces, nunca he comprado por compromiso y no pienso hacerlo.

¿Qué artista morelense crees que sea el más relevante?

Bueno, obvio, Cisco Jiménez es el más relevante y de los jóvenes creo que Minerva Ayón. Para mí en Morelos tenemos muchos artistas buenos, creo que tenemos una actividad cultural de primer mundo, desgraciadamente por políticas gubernamentales se están terminando esas maravillas y los perjudicados somos nosotros. Para mí sería un gran logro que se reconozca a nuestra región como un bastión de grandes artistas. ¿Qué artistas importantes tiene la colección?

Bueno, tengo algunos maestros y grandes firmas como Dr. Lakra, José Luis Cuevas, Felguérez, Rey Smith, Aceves Navarro, ellos son algunos de los nombres que han llegado a hacer más interesante la colección, pero son los menos. Es una colección con pocas mujeres pero las que hay me encantan, tengo Emi Winter, Larisa Escobedo, Nelva Basáñez. Y me encantaría tener un Louise Bourgeois, me parece extraordinaria.

El arte contemporáneo suele tener cuidados especiales, ¿qué cuidados especiales tiene la tuya?

La colección requiere los cuidados normales: la tengo en un sitio con temperatura y estamos haciendo lo de los “racks”, Javier Ocampo es quien la cuida, él lleva el inventario y el registro. ¿Sueles prestar obra para a museos o centros culturales?

Sí, he prestado piezas de Lalo Lugo, Cisco Jiménez, Javier Ocampo, Emi Winter y de otros artistas, he prestado muchas piezas para exposiciones en diferentes museos por ejemplo el Museo Carrillo Gil, Museo de arte Moderno, Jardín Borda y la Tallera Siqueiros. El año pasado me invitaron a hacer una exposición en el Jardín Borda que se llamó “Colección Griselda Hurtado”. Acepté con la única condición de que el curador fuera Thomas Flechel: fue la primera exposición de mi colección y mostramos 250 piezas. Yo dejé a Thomas hacer lo que quiso porque conoce perfectamente la colección y confío plenamente en él. El trabajo museográfico fue resuelto maravillosamente por José Valtierra. Nos fue muy bien, la visitó mucha gente y estuvo expuesta durante seis meses.

Yo quiero cosas buenas para mi colección pero no por mí, sino por los artistas que la integran, y me gustaría que esta exposición fuera itinerante, ¡me encantaría poder mostrar el arte morelense por todas partes! ¿Qué opinas del medio del arte?

Bueno, es un medio muy particular. En estos once años he hecho grandes amigos, a mis restaurantes vienen muchos artistas y los de mi colección se han convertido en grandes amigos. Aunque la amistad ha venido después de que se integraran a mi colección, no al revés… Yo creo que el arte y los artistas deberían de ser más críticos, el arte debería ser más pensante. A muchos artistas les gana el dinero y dejan de crear cosas que nos hagan sentir, dejan de ser apasionados. Para mí el arte sirve para educarnos, despertarnos cosas; no importa qué cosas, pero creo que es fundamental que te despierte pasiones, no es solamente decorativo. ¿Qué es para ti coleccionar, qué te significa tu colección?

Yo le tengo un cariño muy especial a mis piezas, hay colgadas en mi casa y en mis restaurantes. Me gusta que la gente coma frente a un Rey Smith o un Cisco Jiménez. Creo que muchas personas no conocen de arte y no saben que el arte es para todos. El arte tiene una función social y esta es mi contribución. Me hace ilusión hacer una fundación o un museo y hacer que mi colección viaje, que la vea mucha gente.

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riselda Hurtado Calderón nació en Arcelia, Guerrero en septiembre de 1977; muy joven dejó su tierra natal para afincarse en Cuernavaca, Morelos, lugar en el que se ha destacado como empresaria restaurantera y coleccionista de arte contemporáneo, mecenas y sobre todo como mujer generosa. Los que tenemos el gusto de conocerla, sabemos que es una mujer sincera, que dice lo que piensa y como lo piensa, para ella la honestidad es un valor y no sólo una cualidad.

En entrevista nos comenta que su colección cuenta hoy en día con una diversidad de obras de diferentes técnicas como pintura, escultura, gráfica, video, cerámica y está conformada básicamente por artistas morelenses, así como algunos de otros puntos nacionales e internacionales. Además cuenta con una importante colección de arte popular y otra de textil de varias regiones de México.

Mick Rock Un documentalista del rock

TXT:: Arturo J. Flores FOT:: Maxi Bernazza

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“¿Qué de malo hay en que quieras compartir con las personas una imagen de tu desayuno?”

¿Cuál es el recuerdo más salvaje que guardas de Queen?

Su ambición no tenía límites. Ellos estaban seguros que algo grande le estaba reservado y no se detendrían para conseguirlo. ¿Cómo fue trabajar con ellos, ir detrás de ellos con una cámara?

Nunca estuve detrás de ellos propiamente, como un paparazi. Digamos que colaboramos juntos. Logré unas grandes imágenes, pero siempre fue en estudio. Freddie fue muy generoso conmigo en ese sentido. Queen era una banda muy ambiciosa, pero también muy amable.

Nos queda claro que Freddie era un tipo sumamente histriónico, ¿había forma de hacerle una mala fotografía?

Muy pocas, era muy dramático, transmitía muchísimas cosas cuando se paraba delante de la cámara. Aunque siempre hay que desechar, borrar algunas tomas. ¿Te gusta más retratar a los músicos sobre o debajo el escenario?

Prefiero mil veces el estudio, porque todo está medianamente bajo control; las luces, el set. No he hecho mucho en concierto, pero también tiene su encanto. Hay mucha energía, aunque no me gusta tanto que hay tantas personas presentes. Prefiero que seamos uno y uno en conjunto.

¿Cómo elegiste las fotografías de esta exposición?

Es una combinación de lo que me pidieron directamente los productores de mi catálogo. Fue un proceso muy detallado de enviar propuestas y que me las devolvieran con un visto bueno. ¿De qué forma intentas extraer la esencia de un músico?

Estoy convencido que dentro de cada uno hay una esencia, un detalle que los hace especiales. Pero esta misma varía de acuerdo con las circunstancias de cada fotografía. Lo que intento es generar la mayor empatía con ellos. ¿Las bandas nuevas dejan ver menos su lado salvaje?

Algo, porque Internet ha hecho que todo se difunda con mucha más velocidad. Además que las imágenes se pueden trucar digitalmente.

Antes, una imagen podía tardarse años en dar la vuelta al mundo, pero hoy eso puede suceder con un solo clic. Tal vez eso atemorice a los grupos, que además tienen que seguir la órdenes de un manager. ¿De qué manera ha afectado el trabajo que realices el hecho que todos tengamos un celular y podamos sacar una fotografía?

Por el contrario, me gusta mucho que la gente saque fotografías y las pueda compartir. Es divertido. No afecta en lo más mínimo el trabajo de los fotógrafos profesionales. ¿Qué de malo hay en que quieras compartir con las personas una imagen de tu desayuno?

A la hora de hacer fotografías; ¿eres minimalista o trabajas con mucho equipo?

Depende, cuando hago una sesión de estudio sí intento tener a la mano mi computadora para revisar en tiempo real cómo va quedando el material, pero cuando salgo, sólo llevo una cámara. Incluso en el estudio no tengo más que un asistente. La grandeza de la foto no radica en la cantidad de juguetes que tienes, sino en lo que tus ojos son capaces de hacer. La práctica hace al maestro. Antes, los fotógrafos no retocaban mucho, porque era muy caro, pero los programas lo han vuelto mucho más sencillo y está bien.

La de Queen será tu segunda exposición al hilo en México, sumada a las fotografías de Bowie que trajiste el año pasado, ¿cuáles son tus mejores recuerdos de 2018?

La gente fue muy amable y me recibió muy bien, es muy intenso darte cuenta de las pasiones que una fotografía tuya puede desatar. ¿Cuál ha sido la personalidad más complicada a la que has tenido que retratar?

No ha habido una en especial, más bien las condiciones de una sesión pueden ser complicadas. Pero me complace mucho haber trabajo con todos los que he trabajado. Desde las viejas estrellas de rock hasta Shakira. No podría decir que alguna vez tuviera un problema digno de contarse. ¿Qué hay de tus gustos musicales?

Soy muy ecléctico, me gusta escuchar un poco de todo. Ahora mismo estoy pasando por un periodo de reggae. Tengo muy buenas canciones guardadas en mi reproductor.

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oy que todos tenemos un celular y prácticamente nos pasamos medio concierto haciendo fotos y grabando videos, cuando una selfie junto a una estrella de rock nos puede atraer cientos de likes a nuestra cuenta de Instagram, pudiera no tener mucha magia platicar con un fotógrafo.

Pero tampoco se platica todos los días con el hombre que tuvo delante de su objetivo a músicos de la talla de David Bowie, Queen, The Ramones, Lou Reed, Joan Jett e Iggy Pop, entre muchos otros.

El mismo a quien se le deben las portadas de discos tan emblemáticos como Ziggy Stardust, de Bowie; Queen II, de Mercury y compañía, y Raw Power, de Pop, y a los que Spotify, Apple Music y Deezer han reducido a meras estampitas postales que hay que apreciar con ayuda de una lupa.

Ese tipo es Mick Rock. Un británico a quien se le conoce con el pomposo título de “El hombre que fotografió los 70” tanto en estudio, medianamente sobre el escenario y hasta en cine, porque se encargó de la foto fija de El show de terror de Rocky.

Me habían concedido 15 minutos por teléfono, unas semanas antes de su viaje a México para inaugurar la exhibición Queen, el origen de una leyenda, que se se exhibe desde el 15 de marzo hasta el 21 de abril en el Foto Museo Cuatro Caminos. Pero escribió Guillermo Arriaga en el guión de Amores Perros “si quieres hacer reír a Dios, cuéntale tus planes”. No fue la mejor entrevista. Nadie previó que Rock hubiera estado enfermo en los días anteriores (sus problemas de salud lo obligaron a cancelar las entrevistas presenciales que tendría a su llegada a nuestro país y al cierre de esta edición no se sabía si pudiera estar en la conferencia de prensa) y que eso minara su disposición a responder. Habló poco y bajito; se guardó las anécdotas, apurado quizá a cumplir con el trámite y continuar con su recuperación.

Pese a ello, nadie me quita la satisfacción y la fotografía mental de haber charlado con un hombre que se encargó de documentar la historia del rock. No por nada en el apellido lleva la perdición.

Bruno Bartra

El monstruo de tres cabezas

El misticismo, la profecía musical y lo afectivo de las tradiciones orales y musicales, se mezclan con la filosofía social; que se prepara en el mundo de esta bestia tricéfala, por una música natural.

TXT:: Mixar López FOT:: Berenice Hernández

¿Por qué estudiar Sociología?

Lo complejo y a la vez fascinante de la sociología es que, al ser una ciencia social, su universo no está regido por una serie de leyes estáticas, inamovibles, sino que se va transformando a la par de la sociedad humana.

Se requiere tener cierta sensibilidad artística para poder afrontar esos cambios súbitos y comprender que, a diferencia del mundo de las ciencias naturales, no se pueden desarrollar axiomas que den una explicación definitiva de la realidad. La sociología en realidad tiene casi tantos resultados como métodos, pero a veces a las mentes –por más brillantes que sean– acostumbradas a navegar en un mundo con leyes y verdades absolutas, les cuesta mucho trabajo entender ese otro mundo en el cual la misma “ley” puede funcionar un día, dejar de funcionar al siguiente, y volver a funcionar años después.

Como si fuera la magdalena de Proust, en dónde encuentras en tu vida el origen de la pasión por la música?

Es muy curioso, porque mi “magdalena” serían un par de muletas: cuando veo a una persona con un pie enyesado y que debe andar por las calles en muletas, evoco inmediatamente el tiempo que estuve convaleciente, en 1997, tras fracturarme tres dedos del pie: fue entonces que tomé unas cintas de rock de mi hermana y de mi padre, le puse play al estéreo, y me obsesioné con el rock.

Mi vida, desde entonces, giraría en torno a la música. ¿Se debe seguir estudiando a la música tradicional en México desde el folclor y la historia nacionalista?

No, creo que se debe estudiar desde órganos totalmente ajenos a los intereses políticos, o de construcciones voluntarias de una identidad específica: se debe estudiar la música sin buscar crear a través de ella ese ideal mexicano, sino tratando de comprenderla a partir de su identidad local, y posteriormente buscar establecer conexiones con otros géneros y culturas, aunque el resultado no sea el que más nos agrade.

Háblame de tu carrera como DJ Sultán Balkanero.

Ha sido una gran travesía, llena de enseñanzas. De entrada, al poner música uno debe entender que se trata de una labor un tanto chamánica: se “cabalga metafísicamente por géneros musicales y sentimientos de una audiencia propiciando una atmósfera de vibra colectiva sublime”. En

otras palabras, uno se guía por sus propios gustos, pero debe reaccionar ante el sentir de los escuchas. Así inicia una suerte de negociación a partir de la lectura de los movimientos del público: si un género comienza a sacudir los pies de los presentes, y la idea del evento es poner a bailar a los asistentes, entonces uno comienza a enfocarse en ello. Pero también uno debe leer los movimientos y acciones de la gente, no se puede ser un dictador total, o se puede arriesgar a recibir una sonora rechifla, o matar el ambiente de un evento. Contrario a lo que parece, ser DJ puede llegar a dar unas buenas lecciones de humildad, e incitar a la exploración musical más profunda, para poder contar en todo momento con herramientas musicales que lo saquen a uno del situaciones complicadas. Todo ello sin caer en el catálogo de éxitos de Billboard que lo pueden convertir a uno en un DJ insulso.

A su vez, la carrera de DJ ha sido un respiro entre la formalidad de la labor periodística y académica, y una manera de conectar con públicos y personas de todos los estratos sociales, lo cual permite mantener los pies en el piso y entender de una forma peculiar la sociedad: he puesto música en fiestas juveniles de barrios populares, en espacios rentados para celebrar los 60 años de intelectuales contestatarios de clase media, y también en mansiones de personas cuyo gasto corriente diario supera el del promedio mensual de la población mexicana. ¿Cómo empezó “el ballet cósmico”?

Diría que comenzó cuando, después de hacer decenas de mixtapes para las fiestas con mis amigos de la prepa, llegué un día de 1998 al Foro Ideal, y el espacio me fascinó. Habría una treintena de personas en un sitio que podía albergar mil, pero la música era genial. Me acerqué al DJ y le dije que quería que me enseñara su oficio, con lo cual estuve de acuerdo. Así estuve unos meses, y poco a poco el DJ del lugar –Raúl Barajas– me fue dejando poner música por periodos más significativos de tiempo. Después, él me cedió el puesto para perseguir su pasión artística, que era la fotografía: ya para entonces el sitio tenía una concurrencia de alrededor de mil personas cada noche de fin de semana. En ese, mi primer año como DJ, fue que inició el “ballet cósmico”. Ahí se comenzaron a forjar poco a poco las tres cabezas de la bestia en la cual me transformaría Háblame de tu libro ‘Fronteras Reconfiguradas’ (Siglo XXI, 2018) definido por José Luis Paredes Pacho de La Maldita Vecindad como: “una crónica personal y una reflexión acerca de la praxis sonora del autor”.

‘Fronteras reconfiguradas’ fue, efectivamente, el resultado de mis vivencias a lo largo de casi una década en el ámbito académico, del periodismo musical y del trabajo con la banda. Cada una de estas áreas de mi vida permeó a la otra de una forma, y dio como resultado ese libro tan bien descrito por Pacho, quien a su vez, me parece, tuvo una experiencia similar cuando escribió su libro ‘Rock mexicano: sonidos de la calle’. En mi caso, experimenté en carne propia una vida trasnacional, y viaje constantemente a la par de las músicas que analizo en el texto, lo cual, me parece, le dio ese ángulo particular al texto.

55 REPORT

A

Pierre Bourdieu, le gustaba decir que: “la sociología también busca aprender los fenómenos irracionales en conceptos teóricos y significativamente adecuados”. Cita que bien podría definir a esta bestia de tres cabezas: Sociólogo por la UNAM, DJ y periodista con su columna “Identidades Subterráneas”.

En esta entrevista, charlamos sobre su concepto de sociología, de las sociedades de tradición oral y armónica, la musicología histórica, del folclor y la historia nacionalista dentro de la música, y de la responsabilidad del Dj frente a los escuchas.

AXIS

REPORT

56 “Yo creo que existen muchas similitudes entre el KPOP y el sonido Latino.”

– Sinxity

Explosión creativa desde Corea TXT:: Efraín Ramírez “Mako”

M

ientras hacía mis búsquedas en internet intentando encontrar los lanzamientos más recientes de K-Pop me encontré con una chica que me sorprendió, se llama Katie y su future R&B es definitivamente una locura. Decidí investigar un poco más acerca de ella y dí con el nombre de su disquera/agencia AXIS. Esta disquera resultó tener un poco más de fondo que ser solamente algo que se dedica a lanzar artistas musicales, es un colectivo creativo liderado por SINXITY, un personaje importante dentro de la industria musical coreana que fue director creativo de YG Entertainment, una de las disqueras más importantes de Corea del Sur. Poder contactar a SINXITY para hablar con él un poco acerca de esta plataforma creativa fue toda una odisea. Lo intenté por varios lados pero por el único lugar donde logré obtener una respuesta fue a través del instagram de SINXITY y lo único que obtuve fue un mensaje corto con un correo de una chica llamada Kat, le envié un correo y por fin pude concretar una fecha para poder hacer una entrevista.

AXISS CCP, es un colectivo creativo y en palabras de SINXITY lo que busca es “crear contenido de alta calidad que esparza un impacto positivo al mundo” y su responsabilidad personal es “crear el ambiente idóneo en donde este contenido pueda ser creado. En el sitio de Axis se pueden encontrar algunos proyectos que están desarollando, desde una marca de ropa hasta una plataforma más pequeña de creadores llamada “Ambitious/Ambition”. ¿Cuál es la diferencia entre las disqueras coreanas y Axis ?

En el lado musical, AXIS colabora no solo con artistas firmados sino también con otros artistas para crear discos y otros contenidos.

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Durante los últimos años el K-Pop ha incrementado su popularidad a nivel mundial, vemos que cada vez más artistas coreanos toman vuelos transatlánticos para hacer algunos shows en distintas partes del mundo. Hemos visto como boybands y girlbands crecen en seguidores en distintos lugares y los fans piden que vayan a sus países a cantar algunas canciones, en Estados Unidos los music charts ya cuentan con varios temas de estos artistas y se están convirtiendo en un fenómeno importante para la música. ​Acerca de lo que puede suceder en algunos años con el K-Pop Sinxity nos dijo “tendremos 3 o 4 nuevos equipos de artistas. Ellos van a ser capaces de hacer tours mundiales alrededor de Asia, Estados Unidos, Europa y en otros países van a tener su aparición”. La expectativa crece conforme va avanzando el tiempo, las disqueras coreanas están invirtiendo mucho dinero para dar a conocer nuevos proyectos y en eliminar las barreras del idioma para generar ingresos a nivel mundial.

La primera vez que escuché a Katie pensé que podría ser una estrella del pop, tiene un gran estilo, bella voz y “Remember”, su primer sencillo, es una canción que podría sonar en cualquier estación del radio con el potencial de que todo el mundo la pueda cantar, aparte de que el video estéticamente es perfecto, fue producido por SINXITY y dirigido por Paranoid Paradigm, quien ha dirigido videos para NCT 127, Moon y Penomeco. Acerca de Katie, SINXITY nos dijo que lo que más le atrajo de Katie para convertirla en el estandarte musical de Axis era su voz, su aura y su carisma.

Acerca de los planes de AXIS para este año con Katie, SINXITY nos dijo que “los sencillos de su álbum LOG van a seguir saliendo. Cada canción va a estar acompañada de increíbles visuales”. De igual forma, el proyecto “Ambitious/Ambition” será un parteaguas para el colectivo. ​ Cuéntame acerca de tu proyecto llamado “Ambitious Ambition” Ambitious Ambition es un equipo multicreador. Es una pequeña versión de una plataforma como AXISCCP y está cultivando los sueños de varios creadores como DJs, productores, actores, cantantes y raperos. ​ Hace unos meses Super Junior lanzó un EP que contenía un cover a Luis Miguel, hace unas semanas salió un video especial para esta versión de “Ahora te puedes marchar” que conmocionó a la gente. De igual forma algunos artistas coreanos están trabajando con sonidos que tienen sabor latino, acerca de estos experimentos SINXITY nos dijo “Yo creo que existen muchas similitudes entre el KPOP y el sonido Latino. Las nuevas canciones de NCT tienen ese efecto”.

No podíamos terminar la entrevista sin algunas recomendaciones de SINXITY para seguir conociendo proyectos que la están rompiendo del otro lado del mundo. Su primera recomendación como productor fue Dean, quien es catalogado como el nuevo talento a seguir del R&B coreano, ha hecho algunas canciones para VIXX y EXO bajo el nombre de Deanfluenza y hace un par de meses lanzó un tema llamado “Run The Streets” para una nueva campaña de la marca Puma.

Su segunda recomendación de productores fue Teddy Park, quien comenzó su carrera en la música con un grupo de hip hop llamado 1TYM y es fundador The Black Label un subsello de YG Entertainment que tiene firmado a Zion.T. Fue el productor de 2NE1, Big Bang y actualmente está trabajando con las chicas de Blackpink. De igual forma nos recomendó a Kim Sawol, una chica que está haciendo cosas increíbles con su guitarra quien es distribuida por Poclanos, una agregadora digital/sello que se vende como “The Next K-pop” y que tiene proyectos interesantes como Wooze y Minsu aparte de Kim.

Dolor y Gloria Narrar para curar

AlmodĂłvar regresa con una cinta introspectiva, para darnos a conocer su vida a travĂŠs de una historia llena de conflictos, deseos e historias personales.

P

ara su vigésimo primer largometraje, Pedro Almodóvar ha elegido contar una historia que muy bien podría ser la suya. Un director de cine en el otoño de su vida como protagonista, la película se remonta a tiempos, problemáticas y lugares muy ligados al pasado del realizador español más famoso en la actualidad, lo que la convierte en una de sus piezas más personales.

En abril del 2018, la productora El deseo anunció sus para filmar una nueva película. En mayo, Almodóvar apareció en una foto compartida en Twitter, acompañado por su cinematógrafo José Luis Alcaine y anunciando que estaban en busca de locaciones en Valencia, España. Para junio, la revista Fotogramas reportó que gran parte del rodaje se llevaría a cabo en Paterna, una localidad rural pequeña, muy parecida a aquella a la cual emigró su familia en los años sesenta, cuando Pedro aún era un niño. Esa fue la primera pista de que la trama del filme exploraría recovecos en el tiempo y en la vida del director.

VIEJOS CONOCIDOS El reparto también fue anunciado con bastante antelación. No extrañó a nadie que Almodóvar se decantara por viejos conocidos para él. En primera instancia, eligió para darle vida al personaje principal a uno de los actores con los que trabajó en sus primeros años y junto con el cual logró el reconocimiento internacional: Antonio Banderas -a quien el éxito llevó a Hollywood, aunque regresó a España para trabajar otra vez con él en 2012, en Los amantes pasajeros.

En esa misma película actuó también Penélope Cruz. Otra chica Almodóvar que llegó a Hollywood para conquistarlo y quien tiene un papel secundario pero importante en Dolor y gloria. Otros actores que también forman parte del reparto y que ya han sido dirigidos por él son Asier Etxeandía y Julieta Serrano, que tal vez sea quien más ha trabajado con él. La cereza en el pastel es una de las españolas más en boga actualmente, ajonjolí de todos los moles -por no decir azafrán de todas las paellasy cuya voz adorna ya el trailer de la cinta, con todo y un cameo mientras lava ropa a las orillas de un río y canta el clásico “A tu vera” de Lola Flores: Rosalía.

EN POS DEL RECUERDO En un género al que algunos llaman metacinema -que no es si no una película en la que, a su vez, se filman una u otras películas-, Dolor y gloria narra una serie de reencuentros, algunos físicos y otros recordados, en la vida de Salvador Mallo, un director de cine en la parte final de su carrera.

La historia rememora su infancia en los años 60 al lado de su familia recién emigrada, el primer deseo que despabiló a su cuerpo, el primer amor adulto en el Madrid de los 80 -los míticos años de La movida madrilèney el desencuentro experimentado cuando el amor estaba en pleno clímax.

Todo esto, con cierto sabor a Federico Fellini, en particular a uno de sus filmes más celebrados: 8 1/2.

El filme también ilustra la relación de este director “ficticio” con la escritura, única terapia a su alcance para olvidar lo que no quiere o no puede eliminar de su memoria. En referencia a sí mismo, retrata el amor apasionado que el protagonista siente por el cine desde la infancia, además del enorme vacío que se aloja en su estómago cuando los problemas de sa-

Cruz, Asier Etxeandía, Julieta Serrano

lud le impiden volver al plató de filmación. En ese intento de recuperar su pasado, Salvador experimenta una necesidad irreprimible de narrarlo y, en esa acto, encuentra también la salvación. En palabras del propio Almodóvar: “Dolor y gloria habla de la creación -cinematográfica y teatral -, de la dificultad de separarla de la propia vida y de las pasiones que le dan sentido y esperanza. También habla del teatro como un elemento que dinamita y dinamiza el pasado y lo arrastra hasta el presente”.

EL PASADO SALE CARO Lograr una producción en la que se escenifiquen no una, si no varias décadas, requiere de un gran equipo pero también de un gran presupuesto. Habrá que señalar también que, de acuerdo con cifras del Blog del cine español, las películas ibéricas suelen estar producidas con cantidades menores a los 4 millones de euros. Siempre bajo la premisa de que mientras más baja se mantenga la inversión, más rápida será la recuperación. Sin embargo, Almodóvar se cuece aparte pues, en una de esas, vende más en el extranjero que en su propio país. De esta forma, ha trascendido que la inversión en la ambiciosa producción de Dolor y gloria, supera los 10 millones de euros pues tan sólo en los sueldos de Banderas y Cruz, se gastaron lo suficiente como para producir una pequeña película. Con estas cifras, se supone que será la película española más cara producida en el 2019.

LOS ROSTROS DEL COLOR Otra pista para descifrar y desmenuzar detalles de la cinta antes de su estreno, fue el póster. Para muchos son simplemente una herramienta publicitaria, los pósters (que también les llaman carteles, pero ya ven cómo se ha puesto de caliente esa palabra, mejor dejémoslo en póster, al fin y al cabo el término ya hasta se encuentra en el diccionario de la RAE) son un elemento artístico más de todas las películas, igual que la música, el guión o el vestuario. De hecho, cada año se reconoce en los Premios Feroz, el equivalente español a nuestros Arieles, al mejor póster del año, de ahí su relevancia. Además, conociendo lo quisquilloso que es Almodóvar en todo lo que involucra diseño, sería ingenuo pensar que el póster no es un mensaje en sí mismo.

Con un estilo tal vez demasiado tradicional si lo comparamos con pósters de sus filmes anteriores, el de Dolor y gloria reserva pequeños espacios cuadrados para mostrar los rostros de casi todos los personajes. Esa es otra referencia clara a la película citada de Fellini, cuyo póster hacía algo parecido con el reparto que encabezaba Marcello Mastroianni y Claudia Cardinale. Habrá que echarle un ojo también a los fotogramas que Almodóvar eligió para mostrar a su reparto, pues casi todos los rostros mostrados en el póster tienen expresiones desencajadas, incluso a punto del llanto, como en el caso del personaje que interpreta Penélope Cruz. Tal vez será el dolor de la nostalgia por el pasado inalcanzable, del esfuerzo implícito en la consecución del éxito y la gloria. Una vez más, Almodovar en busca de los fantasmas del pasado… ¿será el sereno o se nos ha hecho viejo?

59 REPORT

TXT:: Lenin Calderón

TÍTULO Dolor y Gloria DIRECTOR Pedro Almodóvar AÑO 2019 REPARTO: Antonio Banderas, Penélope

EL ROJO TE SIENTA BIEN CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA

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TXT:: Oscar G. Hernández

E

l cliché de la melancolía, de la nostalgia, de los cielos grises, del amor frustrado, es un estereotipo que se inventa en la vieja Europa, ese continente con grandes zonas de pocos días soleados al año; Esa condición genera añoranzas. La primera es que el sol llegue. Después de eso es fácil crear conexiones a las ideas del amor no correspondido, de la depresión y de la tristeza; todo a partir de ese clima bastante gris, bastante oscuro.

Es quizás Paris una de las ciudades representativas de ese cliché; se dice que los parisinos siempre están deprimidos, también se dice que son bellos. Aunque en realidad son sólo clichés. Lo cierto es que desde esos estereotipos, se han logrado desarrollar un sin número de imaginarios, desde la cinematografía, la literatura, la música y por supuesto desde la narrativa gráfica. Esos imaginarios muestran la idea de nostalgia y belleza que se puede leer en más de un sentido.

Resulta interesante observar que la imagen de esa Europa nostálgica y bella, se construyó desde el soleado Hollywood. Es de ahí donde nos queda una de las frases más sobada y gastada, de amorosos separándose entre la gris niebla con el famoso “We`ll allways have Paris”. Esa frase inspiro a muchos, para lograr el modelo ideal de melancolía hollywoodense, además de ser de aprendizaje obligatorio para todo aquel que desea crear piezas sobre el amor. Existen varios tributos a la frase, que pasa por canciones, libros, hasta episodios de la serie Star Trek, incluso el mismo Ray Bradbury escribió un libro de cuentos inspirados en el famoso dialogo.

La nostalgia amorosa aparece a mediados del 1800 en las artes y sobre todo en la música, quizás su mayor representante fue Frédéric Chopin, melancólico hasta el hueso y de notas tan bellas que son algo más que patrimonio de la humanidad. Desde ese siglo se iría forjando lentamente la historia del amor romántico y no será sino hasta la posguerra del siglo XX que experimentara una nueva expansión con el “We always have Paris.”

El color azul se asoció a la tristeza, al amor perdido y no correspondido. En las novelas

gráficas ha sido un tema recurrente, existen libros muy bien logradas, considerados clásicos. Autores como Juilliard, Fiore, Gotting , Antico son sólo algunos de sus representantes, por supuesto sin olvidar al gigante Pratt.

Un libro que apareció hace algunos años y que dio un giro al azul, fue “Le Rouge vous va si bien” Algo así como: El rojo te sienta bien. Un compilado sobre historias de desamor, que literalmente enamoran y entristecen. Entre las peculiaridades de este libro encontramos figuras que toman y desarrollan el amor desde muy variados ángulos.

Algo que nos hizo muy felices durante su lectura es la diversidad de géneros en los relatos, los cuales fueron colocados alejados de la complacencia y de todo aquello que tiene que ver con cumplir la famosa cuota de género. Lo que resulta fantástico en estos cómics cortos es que la autora logra mostrar de manera natural las vivencias amorosas, sin importar si este amor es hetero, gay o animal, si corresponde a una generación u otra, a una clase social, época o a cualquier tipo de clasificación..

Para la autora el amor es simplemente amor; por supuesto el desamor lo acompaña.

Lucie Durbiano dibujante y escritora, sabe que el desamor es una constante en el cotidiano humano y a pesar de que sus siete relatos son hermosos, sólo un par logran el famoso triunfo del amor. Podemos decir que este pequeño libro marca un hito por muchas razones, pero sobre todo por colocar a la narrativa gráfica como una muestra de lo que puede ser un espacio libre de clasificaciones y estereotipos, sin prejuicios. Son pocas o más bien casi nulas las piezas que logran una integridad y pluralidad real y autentica.

Le Rouge vous va si bien, es un libro que escapa al encajonamiento, su lectura sólo permite mirarlo desde la belleza y la tristeza del relato y del dibujo. Algo más que agradable para aquellos que gustan de historias de amor llenas de sexualidad y autentico erotismo.

Pero sobro todo es un disfrute sobre el desamor y acaso encontrar belleza en el dolor que lo acompaña.

JOZZ OJEDA CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA

62 Nace en Querétaro hace 26 años, cumplió su carrera en Artes Visuales en el séptimo hoyo del los infiernos llamado Guanajuato, al terminar finalmente entendió que el cómic era lo que realmente quería hacer, siguiendo el camino del mono emigra a Guadalajara donde encontró una camaradería entre los patos, se dedica a hacer trabajos de vodoo a manera de ilustración, su mayor aspiración es propagar caos en el mundo de la narrativa gráfica.

DescĂşbrela y sĂ­guela en: www.instagram.com/jozz_ojeda

David Flores “El Chiak�

Ilustrador | Instagram: @elchiak

REPORT

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9ª EDICIÓN #FESTIVALMARVIN

@FESTIVALMARVIN /FESTIVALMARVIN FESTIVAL.MARVIN.COM.MX

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MAYO 2019

WIRE (UK) LYDIA LUNCH (USA) DAMO SUZUKI'S NETWORK (JPN)

CIRCUITO CONDESA-ROMA

ACZINO / BULLY (USA) / CARCA (ARG) ELEANOR FRIEDBERGER (USA) / THE GUADALOOPS EMMANUEL HORVILLEUR (ARG) LNG SHT PRESENTA GALAXIA CERO / LOS NASTYS (ESP) THE MEMBRANES (UK) / NIÑA MILTON JAMES EX-DËNVER (CHI) PEDRINA (COL) / SUNFLOWER BEAN (USA) TIGERS JAW ACOUSTIC SET (USA) / WOS (ARG) ARIZONA BABY (ESP) / CALA VENTO (ESP) / DE LA RIVERA (ARG) DRIMS / EL MEISTER (ESP) / KINGS OF THE BEACH (ESP) LOUTA (ARG) / MAX CHINASKY / MNKYBSNSS (COL) PROOF / URSS BAJO EL ÁRBOL

REPORT

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AFROMEGA / ANDREA LACOSTE (VEN) / BARBOTT (ESP) / BICHO BLANCO BIFANNAH (ESP) / BOTTLECAP (SUE) / BRONQUIO (ESP) / BUNYANS COLORES SANTOS / DANI BANDER / GAF Y LA ESTRELLA DE LA MUERTE (ESP) GUZMAN UVE / HOMERO III / KRUPOVIESA (ARG) / MAR ABREU RAMOS DUAL & YUL NAVARRO (ESP)) / SOLO ASTRA (ESP) / SUSPIRIANS (USA) TRONO MOB / VERDOR (CHI) STAND-UP COMEDY: ALEXA ZUART / CARLOS CHICKEN / CRIX CONTRERAS FINK / FRANCISCO SOLIN / GABY LLANAS / GABY NAVARRO GERMAN GALLARDO / GUY TREJO / ILICH FLORES / JAIME A. BRETÓN JAVIER VILLALVAZO / JOSAFAT / JOSUESY / JUAN CARLOS ESCALANTE JUAN PABLO AMADO (GT) / KATYA YAMANAKA / MARCO GUEVARA NANCY VILLALÓ / RAÚL MUÑOZ / TRISTÁN LUCAS (FRA)

CONFERENCIAS • CINE • ARTE • TALLERES

EVENTO PARA MAYORES DE EDAD