Revista Marvin 96 :: Gore

DIRECTORIO

PRESIDENTE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@revistamarvin.com EDITOR EN JEFE VICENTE JÁUREGUI vicente@revistamarvin.com PUBLISHER TONY ROMAY tony@revistamarvin.com DIRECCIÓN DE ARTE ABRAHAM BELTRÁN bran@revistamarvin.com DISEÑO GRÁFICO ANGELIKA BARBEYTTO angelika@revistamarvin.com COORDINACIÓN EDITORIAL Y CONTENIDO WEB JIMENA GÓMEZ jimena@revistamarvin.com CONTENIDO WEB DANIEL PATLÁN patlan@revistamarvin.com CONTENIDO WEB ARTEMISA HERNÁNDEZ artemisa@revistamarvin.com APOYO WEB VICTORIA KARMIN karmin@revistamarvin.com WEBMASTER ERNESTO MAGAÑA ernesto@revistamarvin.com RP Y PUBLICIDAD DELHY SEGURA delhy@revistamarvin.com COORD. COMERCIAL Y ALIANZAS JEANINNE RODRÍGUEZ jeaninne@revistamarvin.com ADMINISTRACIÓN Y SUSCRIPCIONES EMMANUEL CORTÉS emmanuel@revistamarvin.com

CARTA EDITORIAL

La mejor manera de tratar un tema serio, es abordarlo con sentido del humor. Hablar de gore –sea como género de cine, música o arte–, motivó una portada diferente, la que nunca creímos hacer y que ahora tienes en tus manos ¿Quién no ha sentido morbo con las fotografías amarillistas de publicaciones como El Alarma!, La Prensa, Metro o El Gráfico? A manera de parodia y homenaje, nos trasladamos décadas atrás cuando esas páginas nos rebelaban que la sangre derramada es parte de nuestra condición humana.

Nunca habíamos tenido a Metallica en nuestra portada, y ahora los tenemos junto a Lou Reed, pues ambos decidieron tener una hija llamada Lulu, sin sospechar que procreaban el disco más polémico del año. A Marilyn Manson ya se le veía flaquear en la música, pero con acuarelas se pinta solo (literalmente), y nos muestra una faceta distinta, de pinceladas nerviosas y oscuras. Por último, celebramos el regreso de Tom Waits, quien luego de siete años sin grabar un disco, nos demuestra que es un verdadero outsider, un músico que si bien no podríamos calificar como gore, poseé la suficiente mala leche para desangrarnos con sus versos.

Vicente Jáuregui

DISTRIBUCIÓN CARLOS GONZÁLEZ MARTÍNEZ carlosgm@revistamarvin.com MARVIN TV PEDRO VELASCO pedro@lphantfilms.com MARVIN TV PABLO SEGOVIA pablo@lphantfilms.com

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Jaime Acosta, Luis Arce, Erick Estrada, Arthur Alan Gore, Alejandro González Castillo, Carlos Gutiérrez, Óscar G. Hernández, Juan Carlos Hidalgo, “El Jergas”, Erika Lepiavka, Alejandro Mancilla, Paul Medrano, Hugo García Michel, Leonora Milán, Sophie Raymond, Pepe Sánchez Cetina, Jesús Serrano, Paola Tinoco, Rafael Toriz, Regina Zamorano.

FOTOGRAFÍA Nicole Klinckwort, Daniel Patlán, Sakre, Óscar Hernández.

CONSEJO EDITORIAL Manú Charritton, Arturo Flores, Juan Carlos Hidalgo, Leonora Milán, Humberto Polar, Nacho Rettally, Juan Carlos Reyna, Rafael Toriz, Carlos Verástegui.

MVN 96 NOVIEMBRE 2011 LOU REED Y METALLICA TOM WAITS MARILYN MANSON GORE

RESPONSABLE DE DISTRIBUCIÓN Comercializadora GBN S.A. de C.V. Calzada de Tlalpan 572, desp.

C-302 Col. Moderna. C.P. 03510. Benito Juárez, México D.F. Tel: (0155) 5618 8551 Mail: jnuno15@yahoo.com.mx

REPRESENTANTES EN EL INTERIOR DE LA REPÚBLICA AGUASCALIENTES LIC.BLANCA A. JIMÉNEZ blancaajr@hotmail.com PUEBLA RICARDO CARTAS FIGUEROA ricardocartas@revistamarvin.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@revistamarvin.com PACHUCA NAYELY OLVERA nayely@revistamarvin.com MONTERREY NICOLÁS CHAPA nicolas@revistamarvin.com GUADALAJARA JUAN CARLOS BASURTO jcgbasurto@revistamarvin.com IMPRENTA COMPAÑÍA IMPRESORA EL UNIVERSAL Allende 176. Col Guerrero. México DF. Tel. 5117 0190

CONTACTO MARVIN

Cozumel #61-4. Col. Roma Norte CP 06700. México DF. Tel. (55)1998 0808 (55)1998 1818 Contacto: contacto@revistamarvin.com Suscripciones: suscripcion@revistamarvin.com www.marvin.com.mx

MARVIN es una publicación mensual de Milvoces, S.A. de C.V. con domicilio en Calle Cozumel, 61 int. 4, Col. Roma Norte, C.P. 06700, Delegación Cuauhtémoc, México D.F. Tel/Fax:: (55) 1998 0808/1818.

VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD.

Edición 96 correspondiente a: NOVIEMBRE 2011. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título No. 12669 Certificado de Licitud de Contenido No. 10241 Certificado de Reserva de Derechos al uso Exclusivo. No. 04-2010-052714562400-102 MARVIN es una Marca Registrada.

CONTENIDO

EN PORTADA

EN PORTADA

EN PORTADA

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LOU REED Y METALLICA

TOM WAITS

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MARILYN MANSON

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ARTE

68 CÓMIC 70 Enrique Metinides. Foto sensacionalista.

72 Hematofilia. Galería gore.

82 DE CULTO. Arte Letal.

42 44 06 BUENAS NUEVAS Noticias de música, cine y arte.

14 GADGETS Lo último en tecnología.

16 ESTILO Tendencias actuales.

17 SMIRNOFF Be there: Fiestea como un dubaití.

MÚSICA

18 Juan Cirerol. El punketo del norte.

20 Peter Gabriel. Entrevista exclusiva para Marvin.

22 Brujería. Del gore al humanismo.

24 The Horrors. Ha sido un viaje ajetreado.

26 Neon Indian. El extraño progreso del tiempo.

28 Wu Lyf. La fundación del joven Lucifer une al mundo.

30 Martin Gore. Honor a quien honor merece.

32 Ladytron. Más fans, menos fama.

34 COORDENADAS Nuevos talentos musicales.

78 DE CULTO El punk del coprófago.

CONCIERTOS

36 Galería Rocktubre.

38 Galería Corona Capital.

CINE

58 Robert McKee. Entrañas, guionistas llorones, narrativa y una incipiente amistad.

60 Festivales para gritar. Cine de horror en el mundo.

80 DE CULTO Cine gore. La mutilación es el mensaje.

DE FONDO

La muerte les sienta bien.

La realidad en añicos.

COLUMNAS

54 MALINCHEANDO. La responsabilidad del rock.

Por Pepe Sánchez Cetina.

54 OFF THE RECORD. El porno como una de las bellas artes. Por Arthur Alan Gore.

56 BAJO PRESUPUESTO. Roqueritos sangrones. Por Hugo García Michel.

56 EL CUADERNO AMARGO. Por Paola Tinoco.

RESEÑAS

MÚSICA 84 / CINE 91 / LIBROS 92 GAMER 93 / LINKS 94

96 EL PILÓN Marishka, cuando el gore se hereda.

ESENCIA MARVIN PRESENTADO POR

DIRTY KARMA + VESSPA as noches de miércoles siempre funcionan como preámbulo para un fin de semana rocker. Por ello, Marvin ha vuelto una tradición que cada primer miércoles del mes, se escuchen un par de bandas en Esencia Marvin.

Vesspa es una banda que lleva dos años rolando por el circuito de bares y foros del DF. Con un sonido bastante reverberado en la voz, Vesspa hacen un rock pop que recuerda a los Strokes por las guitarras, pero cantado en español. Mientras tocaban, pudimos notar que sus fans/amigos los siguen donde se presentan, algo difícil de lograr para una banda que sólo ha editado un EP.

Después de escuchar a la agrupación con nombre de motocicleta, llegó el turno de Dirty Karma, una banda que lleva seis años tocando por todos lados. Con un baterista suplente, los cuatro músicos demostraron gran amarre para los riffs bluseros y las letras de desamor teñidas con toneladas de distorsión de por medio. El karma de todos los presentes fue ensuciado por la potencia de un ampli de bulbos saturado, con solos de guitarra que mucho le deben a la vieja escuela del rock, esa que Jimmy Page y Angus Young construyeron con notas provenientes de los campos de algodón del río Mississippi. Dirty Karma ofrece un rock puro y sin complicaciones, lo suyo no es demostrar eclecticismo, sino comprobar que lo más efectivo del rock es hacer canciones sencillas, de tres acordes y con una melodía vocal memorable.

Fotos, reseña, podcast y videopodcast en

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Feliz cumpleaños al Auditorio música MEDIO SIGLO DE ESPECTÁCULOS El Auditorio Nacional ha presentado prácticamente todos los tipos de arte que puede ser interpretados en vivo, desde la danza, teatro y opera, hasta encuentros deportivos, festivales, música popular y conciertos de rock, pop, jazz.

Todos tenemos un recuerdo con este recinto; desde ver a Massive Attack, AIR, REM, hasta la reciente y explosiva presentación de Tears for

Fears, el Auditorio nos ha brindado experiencias realmente memorables.

Sin duda es uno de los mejores venues de la ciudad, como lo demuestran sus premios de mejor recinto internacional, otorgados por Pollstar y Billboard, también está en el top del mundo.

Pero el Auditorio es mucho más que un simple foro, se ha extendido para construir El Lunario, que con un ambiente más intimo es capaz de crear una profunda intimidad entre público y artista. Además el Auditorio inició una red internacional de recintos de espectáculos artísticos y culturales llamado AIRES, con el cual espera fortalecer los lazos y la promoción

WE DON'T PLAY GUITARS LA NOCHE DE LA TORNAMESA Pato Watson decidió presentar con El Imperial un nuevo concepto; WE DON'T PLAY GUITARS. Como su nombre lo indica, este evento se enfoca en el arte de la mezcla, y se celebrará una vez al mes en El Imperial.

Este 17 noviembre, los indicados para darle a todo menos a las guitarras, serán Puma, Rubinskee y el mismísimo Pato Watson, quien también es curador de estas fiestas.

La cita es a las 22 hrs., y el cover de $100. Para más informes y reservaciones, llama al 55251115.

cultural de modo que se puedan enfrentar los retos actuales de esta industria de modo eficaz y enfocado.

Con una serie de intercambios, sinergia y compartiendo experiencias, AIRES promueve la excelencia en el mundo del espectáculo y fomenta su desarrollo integral de manera global.

Para formar parte de esta red, cada recinto debe tener una capacidad mínima de 400 personas, además de presentar actos totalmente en vivo.

Para más informes sobre AIRES visita: www.asociacionaires.org y para conocer más sobre el Auditorio Nacional y sus próximos eventos visita: www.auditorio.com.mx

RENOH

Su nuevo amigo Reno La banda ganadora del Rockcampeonanto del año pasado; Renoh, anda estrenando disco, y de paso lo presenta en una gira nacional.

Hace un par de semanas tuvimos la oportunidad de hablar con ellos; entérate de todo lo que nos contaron acerca de su nueva producción, y su evolución como banda.

Checa la entrevista completa en

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EL CIENPIÉS HUMANO 2

M ÁS AS Q U E RO S O Y M ÁS L A RG O

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ALMODÓVAR Y

GUS VAN SAN

Mórbido Fest CORTOS SELECCIONADOS

Del 17 al 30 de octubre pasados, se llevó a acabo el festival de cine Mórbido Fest en la ciudad de Tlalpujahua, Michoacán, mismo que en la ciudad México tuvo distintas actividades. Durante días y noches llenas de terror y fantasía, Mórbido llegó a presentarnos algunas de las cintas más horrorosas de este año, así como clásicos del género.

Mención honorífica para la selección de corto-metrajes de este año, que además de mostrar trabajos de varios países, hizo un gran balance entre nuevos y tan nuevos cortos.

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El festival de Cine de Morelia es el más conocido y respetado de nuestro país; cada año cuenta con invitados de lujo y una selección equiparable con la de cualquier otro.

Este año, del 15 al 23 de octubre, el festival hizo lo propio con el estreno –en México– de la nueva cinta de Almodóvar La piel Habito, además de Cuando el amor es para siempre de Gus van Sant. También hicieron acto de presencia La Havre de Aki Kaurismaki, This Must Be The Place de Paola Sorrentino, We need to Talk About Kevin de Lynne Ramsay y como súper invitado de esta edición estuvo Michel Gondry.

Para más de la edición 2011 de este festival visita: www.moreliafilmfest.com

www.marvin.com.mx Checa tres de los cortos seleccionados en

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DE ESTRENO

ucho se ha dicho de la cinta original, que sorprendió al mundo con sus repulsivas actuaciones e igualmente asquerosa premisa. Gracias a la controversia que generó, poco a poco se volvió una curiosidad, estilo las serpientes-a-bordo, una de esas películas de las que todos hablan, y pocos han visto.

Ahora llega la secuela de esta vetada producción, que promete ser 100% médicamente incorrecta y bastante escatológica. La historia va más o menos así: un hombre que disfrutó en demasía de la cinta original decide hacer este experimento (unir personas de manera anoboca-ano-boca, para crear un único sistema digestivo) “en la vida real”, pero en lugar de crear un mísero ciempiés de tres personas, este hombrecito –petiso y regordete– decide hacerlo más grande y asqueroso.

Esta cinta dirigida por Tom Six, se estrenó el pasado 7 de octubre en exhibición limitada.

Sin embargo, no es muy probable que se estrene en las salas de nuestro país.

arte

EL GLOBO COMO ARTE

Festival Internacional de Globos de León Guanajuato

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or décima vez se llevará a cabo este festival, que del 18 al 21 de noviembre, llenará el cielo de Guanajuato de enormes y poliformes globos aerostáticos.

Esta es sin duda una de las ofertas más originales del mes, y además de ofrecer un espectáculo con globos, tendrá eventos simultáneos, entre los cuales se encuentra la Noche Mágica, donde los globos, además de ser iluminados de manera impresionante, se musicalizarán para crear un paisaje único.

Para más información sobre las actividades del festival Gana pases en www.marvin.com.mx/promos visita: www.festivaldelglobo.com.mx.

Vértigo Galería SEGUNDO ANIVERSARIO

Y PA R A C E L E B R A R " E L Ú LT I M O G R I T O "

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UNA TAZA DE CAFÉ EN REFORMA

UNA TAZA DE CAFÉ EN REFORMA

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esde hace algunos años, el Paseo de la Reforma funge como un museo callejero, donde igual se pueden contemplar exposiciones fotográficas en las vallas del bosque, o muestras de los escultores más importantes del país. Conscientes del potencial que una avenida tan emblemática tiene, Nescafé convocó a 12 artistas para 12 tazas enormes (dos metros de altura por dos metros de ancho), las cuales ya pueden admirarse en las afueras del Museo de Arte Moderno.

Cada uno de los 12 artistas expresó su manera de “despertar a la vida”, con estas tazas que demuestran cómo el arte objeto ha conquistado el mercado del arte contemporáneo.

Los artistas que fueron convocados para participar son Aldo Chaparro, Ale de la Puente, Alfredo Salomón, Edgar Orlaineta, Emilio Chapela, Emilio García Plascencia, Emilio Valdés, Eric Morales “Morbito”, Fernando Llanos, Héctor Falcón, Marcela Armas y Omar Torres, y sus obras se podrán contemplar durante todo el mes de octubre.

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omo parte de la celebración de su segundo año de existencia, Vértigo Galería está presentando la exposición El último Grito de Le Dernier Cri, una colección de obras gráficas creadas por este reconocido colectivo francés.

Ilustraciones y serigrafías componen esta selección de piezas, cuyas temáticas insurrectas y estilo agresivo recuerdan al Art Brut en su mejor momento.

Es la primera vez que su trabajo es mostrado en México, por lo que no te puedes perder esta expo que estará abierta hasta el 25 de este mes.

Colima 23 Loc. A Col. Roma (06700) México DF Tel: +5255 5207 3590 info@vertigogaleria.com

GADGETS::

Iphone 4 S

El casi nuevo iPhone Mucha fue la espera y las expectativas para el lanzamiento del Ònuevo iPhoneÓ, y es que Apple nos tiene acostumbrados a sorprendentes novedades tanto en hardware como software. Sin embargo, llegado el d’a, nos encontramos con la sorpresa de que no hab’a nuevo iPhone sino una versi—n ýSÓ del viejo. Pero no seamos injustos, s’ hay cambios y features frescos como Siri, pero sin duda no es el Òproducto m‡gicoý que Apple suele presentar.

Sony Tablet Serie S La tableta que faltaba

El mercado de tabletas, hace unos a–os inexistente, ahora tiene un nuevo competidor. En lugar de apresurarse para entrar al ring, Sony se tom— una pausa para crear una de las tabletas m‡s completas.

Con un dise–o ergon—mico, eficacia en navegaci—n y simbiosis con PlayStation, la nueva Sony Tablet Serie S es realmente impresionante. Adem‡s funciona con otros aparatos de televisi—n y audio como control inteligente. Todo esto aunado a lo que Android ofrece. La Sony Tablet Serie S ya est‡ disponible.

Lindam Dock RDP-X500IP by Sony Bocinas para las “i’” de tu vida

Ya sea para iPhone, iPod o iPad, este es el dock indicado, adem‡s de ser compatible con todos estos gadgets, cuenta con una potencia de 60 W R.M.S y un amplificador digital S Master y su tecnolog’a Clear Phase te da una nitidez incomparable, incluso cuando el volumen est‡ a nivel revi ntate-los-o’dos.

Tenemos un dock para el primer lector que conteste correctamente la siguiente trivia. *Menciona dos características t cnicas de este gadget (que no sean las antes nombradas.) *Nombra el disco del mes de nuestra edici—n de octubre. *Menciona dos mœsicos que hayan nombrado al iPod como el gadget del a–o, en nuestra edici—n de aniversario con The Strokes en portada.

Env’a tus repuestas a contacto@revistamarvin.com con la palabra DOCK en el asunto.

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Participa desde tu celular

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ESTILO::

Brantano

Compras online A partir de octubre, comprar zapatos en Brantano ser‡ cuesti—n de dar un click. Con un cat‡logo que ofrece m‡s de 150 alternativas, excelentes fotos y una descripci—n detallada de cada par de zapatos; adquirir tus Brantano jam‡s fue tan sencillo. Visita www.brantano.com.mx

Las Paez

Aligera tu vida Para aligerarnos del estr s, los nuevos Paez Sneakers con 9 modelos unisex, nos invitan a caminar m‡s sueltos con sus creativos dise–os; tan simples y libres que tus pasos nunca ser‡n iguales.

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Marvin y LeSportsac tienen promociones para ti.

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LeSportsac

Colección de invierno Para celebrar la temporada, LeSportsac lanza c‡lidos y elegantes modelos en tonalidades navide–as. Cada mes a partir de noviembre, un nuevo modelo estar‡ disponible para ti.

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Westies

Colección otoño/ invierno Con un estilo relajado de dise–o sustentable y vanguardista, Nordic est‡ inspirado en el estilo de aviador, mientras My Fair Lady nos remite a las d cadas de los 40 y 50 con su toque Art Nouveau.

Para quienes busquen una tendencia m‡s biker, Eccentric sorprende con su dise–o audaz y juvenil.

12 nov.

#BeThere: Smirnoff NightLife Exchange Project Fiestea como un dubaití (o sea, como alguien de Dubai).

Como ya sabrán, este 12 de noviembre se lleva a cabo la gran fiesta mundial de Smirnoff. El NightLife Exchange Project combina en pares a 18 países y realiza fiestas multiculturales en otros 32; mezclando costumbres y estilos crea algo parecido a la paz mundial, pero en fiesta. México tendrá como pareja a la exótica ciudad –seguro allá nos describen con el mismo adjetivo– de Dubai. Y como el punto es unirnos, conocernos, vibrarnos y mezclarnos, aquí te dejamos una guía para agarrar la fiesta como sólo un dubaití puede.

Lo que debes saber

Lo que debes hacer

De martes a domingo todo es fiesta.

La vida nocturna de Dubai existe todos los días menos el lunes, momento en que la ciudad descansa y los bares están prácticamente muertos.

Todo es dorado Antes de salir a festear no olvides que el lujo es una parte fundamental de la escena nocturna de Dubai, por lo que a tu atuendo no le pueden faltar nombres de diseñador, y mucho pero mucho oro, y es que el tener arabic bling es un deber para las noches de Dubai.

Los años 20 son los mejores Los clubes nocturnos, bares y demás establecimientos con licencia para vender alcohol se encuentran dentro de complejos hoteleros, y la edad legal para beber es de 21 años, sin embargo para entrar a los centros nocturnos debes tener 25 años.

Permiso para beber Para comprar cualquier tipo de alcohol debes, además de demostrar tu mayoría de edad, tener un permiso por parte del gobierno, de otro modo será imposible conseguir tus botellas de Smirnofff.

@smirnoffmx

/SmirnoffMexico

Las palabras mágicas Una de las cosas más importantes para los dubaitís es la cortesía y el respeto, por lo que debes ser súper educado todo el tiempo, te sugerimos pedir todo por favor y siempre decir salud al brindar. Aquí las tres cosas que debes saber decir en árabe: ¡Salud!: Fe sahetek Un trago más por favor: Wahid kaman min fadlak ¡Muchas gracias!: Shokran (jazeelan)

Números pares Muchos clubes de la ciudad son sólo para parejas, por lo que tener una cita es indispensable; sin embargo hay muchas chicas y chicos solteros, así que generalmente antes de entrar a un club la gente se reúne y empareja para poder acceder.

Al amanecer…

Todos los bares y clubes nocturnos cierran a las 3 am. Momento en que uno sale y se come el equivalente dubaití del hotcho o de los tacos, el Al Mallah. Este bocadillo callejero consiste en dos panes unidos con una sabrosa capa de queso derretido (insertar un ¡Yummy! en árabe aquí).

Ahora que ya sabes más de Dubai estás listo para el NightLife Exchange Project, así que pule tu oro más fino, practica tu árabe, agarra la fiesta y no olvides que este 12 de noviembre Smirnoff es el lenguaje universal.

CONOCER ES NO EXCEDERSE www.alcoholinformate.org.mx

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MÚSICA::

N A U J IREROL C C

El punketo del norte T X T : : PA U L M E D R A N O . / @ b a l a p o d r i d a FOT:: ZOPHIE FELINA.

LE

llaman “Mesías del mexicanorteño”, “Señor del anarcorrido” y “Profeta del crystal”. Su nombre: Juan Cirerol, y se trata del más reciente eslabón de la música norteña. Consciente de que la experimentación también es un proceso artístico, Cirerol sentencia que “aún faltan muchas cosas por descubrir” con ese género. El cantautor de Mexicali tiene razón. La búsqueda apenas comienza. El norteño parece que lleva el mismo camino del jazz en Estados Unidos (con sus respectivas proporciones): ambos comenzaron en cantinas y ahora son temas de cualquier conversación más o menos decente. El norteño inició entre las clases pobres, que se codeaban con inmigrantes europeos que vinieron en busca de fortuna a este continente. La unión de ambas culturas hizo posible el género. Los europeos pusieron el acordeón; nosotros, el corrido y la música ranchera. El resto, ustedes ya lo conocen.

No obstante, por muchos años Juan vivió en tugurios, junto a vascas y botas vaqueras. Era un género de borrachos, de la raza. Ahora, Andrés Calamaro le hace segunda a Los Tigres del Norte; el Flaco

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Jiménez acompaña a Ry Cooder; Eliseo Robles hace duetos con Eugenia León. Y lo que falta por ver. Durante años, los flirteos con el norteño fueron esporádicos, aunque magistrales. Quién no recuerda la versión de “Contrabando y traición” en una versión speed a cargo de La Lupita, o “Corazoncito tirano”, interpretada como soul jazz por Lila Downs.

No obstante, hubo quienes hicieron del norteño su segunda casa. Cómo olvidar a los muñecos de Tex-Tex, quienes arroparon al estilo y lo hicieron suyo para crear ese estilo tan característico de la banda. Otro caso es el de Armando Palomas, con su onda acústica y alcohólica, de amplias raíces norteñas y rancheras, que en decenas de sus temas usa sin miedo al corrido o al norteño. Sin embargo, la experimentación con el norteño se convirtió en vanguardia con la llegada de Nortec. Ellos lo han llevado al límite, lo desintegran y lo vuelven a unir en esa extraña mezcolanza que ha cautivado a miles. Discos como el Tijuana Sound Machine, hablan por sí solos.

Juan Cicerol, en cambio, ha emprendido esa experimentación con el norteño pero en sentido contrario: hacia lo básico. En vez de irse por loops, sintes o guitarras eléctricas, este bato eligió la guitarra docerola (de 12 cuerdas) y una armónica como los únicos instrumentos: “nunca me interesó (lo electrónico); sentía que perdía mi tiempo tocando eso”. El resultado tiene algo de minimalista, pero es muy familiar, porque todos alguna vez hemos escuchado un corrido acompañado del "chun-ta-ta" de una guitarra y una voz que arrastra gravilla.

En lo personal, creo que Cirerol es como si Hank Williams tocara canciones de Chalino Sánchez; o como si Rockdrigo se hubiera animado a cantar corridos. Sin embargo, la propuesta de Cirerol, que en esencia es norteño, tiene además, algo de punk, de country y de rupestre. Para el cantautor, en cambio, la cosa es más sencilla: “hago música regional”, ataja. A pregunta expresa si no le parece arriesgado hacer música regional cuando parece que el camino de la industria discográfica se dirige hacia otra dirección, el de Mexicali responde: “la música regional o tradicional nunca podrá ir por debajo de la música “moderna” porque es mucho mejor”.

Cirerol considera que su propuesta lleva un toque moderno a lo regional. Esto se constata cuando uno escucha los temas de este chicaliense. Toda su música está construida en el corrido, pero con un plus.

“Sí sí” o “Corrido de la desdicha” lleva algo de poesía beat. “Claro que no moriré” y “Toque y

rol”, lucen su influencia un poco folk, un poco country. “La chola” y “La banqueta”, nos dejan un sabor al Piporro y a Rockdrigo.

Cirerol es el heredero de la vena norteña que profesan escritores como Luis Humberto Crosswhite o Carlos Velázquez.

Porque hay que decirlo: escribe sobre trances cotidianos adicionados con absurdos o giros impensables. No le teme a contar reproches amorosos, pero tampoco a soltar un eructo a media canción. Se perciben huellas poéticas, humor narrativo y estilo intrépido, tan necesario y tan escaso en la música actual.

Nacido hace 24 años, Cirerol incursionó en la música con grupos de punk de su natal Baja California. En esta escena conoce a Martín del Prado, contraparte del proyecto. En un momento de su vida decide abandonar el rock. Algunas leyendas locales afirman que habló con el Chamuco, quien le indicó el camino de los hombres rudos: el corrido.

Más de una decena de temas fueron la carta de presentación de Cirerol: “grabé unos temas y los subí al MySpace; lo demás se dio solo”, asegura. Juan no miente: se presenta lo mismo en un bar, que en una taquería; además, ha sabido hacer del Internet una especie de manager personalizable. Sus primeras canciones subidas a la red son infaltables en cada tocada, como el “Corrido Chicalor”, “Trucha porque ya no hay tiempo” o “Corrido del manco”.

Para esos temas retomó poemas escritos durante toda su vida. “Tengo miles de poemas que escribía en secreto”, afirma.

Cuando le entraron ganas de componer, lo que tuvo que hacer es comprar una guitarra y rescatar sus textos. El resultado fue refrescante como una caguama, corrosivo como la salsa de un puesto de tacos en la esquina, garrudo cual caldo de camarón en una cruda y adictivo, muy adictivo, equiparable con la caspa del diablo.

De ahí siguió lo inevitable: una disquera a la altura de la propuesta de Cirerol, la cual no pudo ser mejor que Vale Vergas Discos.

Su primer disco, Ofrenda al Mictlán, se distribuye de manera digital y gratuita desde el sitio de la disquera (www.valevergasdiscos.com). “Estoy dejando el mercado del compact disc”, sentencia.

Para quienes gustan de tener el disco en materia, Cirerol tiene otro as bajo la manga: Ofrenda al Mictlán también se vende en vinil de 12 pulgadas. Ahora sólo resta esperar a que Cirerol nos muestre su juego de cartas y se anime a ganar la partida contra el mainstream. Tal vez luego se eche un buche de cerveza, tome su guitarra y se vaya rumbo al norte: “siempre regresaré a Hermosillo...”, advierte. M

MÚSICA::

ENTREVISTA EXCLUSIVA PARA MARVIN

"La libertad total es una prisión".

txt:: VICENTE JÁUREGUI. FOT:: EMI MUSIC.

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LOS ORÍGENES DE LA NUEVA SANGRE

“En los viejos días, existía una gran división entre los músicos clásicos y los que hacían rock o pop. Había demasiado snobismo. Pero nada de eso permanece, los músicos son muy abiertos ahora”. Para sustentar su tesis, Peter Gabriel lanza New Blood este mes, un álbum que “surgió como consecuencia de Scratch My Back, disco con versiones orquestales de músicos como David Bowie, Paul Simon, Neil Young, Lou Reed, Elbow, Arcade Fire, Talking Heads y The Kinks”.

Por alguna razón, los coqueteos entre el rock y la orquesta sinfónica, suelen ser experimentos pretenciosos que no añaden demasiado a las piezas originales, y cuando mucho funcionan para que los fans alardeen un supuesto refinamiento.

El mismo Gabriel cayó en cierto letargo musical cuando decidió “rascarse la espalda”, sin embargo, ahora lo hace con sus propias uñas, con versiones orquestales de sus rolas más emblemáticas. Para lograrlo buscó ayuda de diferentes arreglistas, hasta que encontró a John Metcalfe: “él había trabajado en los estudios Real World y tenía un proyecto llamado The Bays. Me gustaron varios de los scores que le escuché, así que John vino desde Oxford para hablar. Me cayó bien porque parecía abierto con las ideas, no tenía miedo de ser audaz, y mi intención, desde el principio fue hacer un disco así”, comenta Gabriel con espíritu aventurero.

ESCOGER LAS CANCIONES Si tomamos en cuenta que Peter Gabriel tiene una carrera de casi 45 años (partiendo de la fundación de Genesis en 1967), elegir 14 canciones de un catálogo tan vasto debe ser complicado: “desde un inicio quise que no fuera sólo trasladar un hit a una versión orquestal. Así que escogimos las canciones más texturales y evocativas (…) nos enfocamos a las piezas ambientales y dejamos de lado las de estructura pop.

Cuando la mayoría de la gente hace proyectos orquestales, mantienen el formato de banda de rock y sólo añaden la orquesta. Nosotros quitamos la parte rock, la guitarra, el bajo y la batería. Eso significa que estuvimos más comprometidos y que tuvimos sólo los colores de la paleta orquestal”. El proceso inició con 30 canciones, lo cual ayudó a que la relación entre Gabriel y John generara un diálogo que se extendió durante dos meses.

"Así comenzamos a conocernos muy bien".

Sobre el ejercicio de reinterpretar su propia música, Gabriel reflexiona: “es interesante cuando escuchas cosas que escribiste hace

mucho tiempo, de repente te das cuenta – quizá porque me estoy haciendo viejo– que ahora soy más crítico, particularmente con las letras, sean mías o de otros músicos”.

Es bien sabido que con los años, las cuerdas vocales sufren un desgaste natural, como lo afirma el prolífico Peter, “como cantante, siempre responderás a partir de lo que estés escuchando en el momento. Esas canciones han estado en mi sangre desde hace 20 o 30 años, así que las conozco al derecho y al revés. Pero claro, cuando creces tu voz cambia un poco. Creo que he perdido un tono en las notas agudas, sin embargo, mis graves son más fuertes.

Fue intersante porque tuvimos que bajarle un tono a un par de canciones, lo cual brinda colores diferentes. Leonard Cohen se ha convertido en un vocalista más interesante en tanto su voz ha madurado”.

LAS REGLAS DEL JUEGO Pocos músicos tienen la trayectoria como para hablar sobre el significado de “libertad artística”, pero el hombre que solía disfrazarse de zorro, flor o murciélago en su etapa Genesis, responde con aplomo: “amo la idea de hacer mis propias reglas, incluso aunque elija romperlas más tarde. Creo que la peor imposición que puedes darle a un artista, es decirle que puede crear lo que sea.

La libertad total es una prisión. Si le dices a un artista ‘no puedes hacer esto, ni aquello y mucho menos esto’, se pondrá creativo al instante. ¡Somos creaturas retorcidas!”.

BANDA VS ORQUESTA Tener sólo dos meses para terminar un disco es algo bastante complicado, pero con un estoicismo milenario, Gabriel confiesa: “disfruté mucho el proceso de estudio. Fue un tanto apretado y tenso, teníamos que hacer demasiado en poco tiempo y obviamente no recurrimos a ningún truco. Fue una experiencia natural, acústica y en vivo”.

Como señalaba arriba, un disco de estos alcances debe ser intervenido con precisión quirúrjica, con muchas precauciones y capacidad de autocrítica de por medio. “Grabar una orquesta es muy diferente. El proceso es mucho más rápido, casi todo fue en una toma. No queríamos esas cuerdas agresivas que son tan populares ahora en Hollywood y que te raspan los audífonos. En su lugar, buscamos la calidez de los instrumentos acústicos. Toda la gente que grabó son maestros con sus instrumentos, así que fue un poco intimidante al inicio. Después comenzó a gustarme

porque sentí que había mucha oportunidad de emocionarse”.

CONTRASTES

Para quienes asistan al conciertos de Gabriel al lado de The New Blood Orchestra, quizá sea la única oportunidad de escuchar un show tan peculiar, como Peter anticipa: “estoy seguro de que mi próximo disco será muy rítmico y electrónico, siempre busco el polo opuesto para balancear las cosas. Me gustan ambos extremos del espectro musical, cuando todos los ambientes naturales y los electrónicos o artificiales pueden hacer su trabajo de forma natural”. M

"David Crosby vino a un show en Santa Barbara y me dijo: ‘has encontrado algo nuevo en la música al hacer esto’.

Fue un gran momento para mí".

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MÚSICA::

“Machete en mano y sangre india caliente Fuerza satánica, buscando venganza”.

- Brujería, “Matando güeros”.

A Í R E J U BR EL

o O j u r B n L HUMANISM Jua ORE A

DEL G

TXT:: ARTHUR ALAN GORE.

Hace m‡s de una d cada, observar una cabeza humana producto de una decapitaci—n, todav’a no era algo comœn. S—lo peri—dicos como el legendario ÁAlarma! (Hoy es ÁEl Nuevo Alarma!) se atrev’an a difundir im‡genes de esa naturaleza, s—lo aptas para est—magos a prueba de fuego.

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6 de julio de 1993, una misteriosa banda de death metal llamada Brujería lanzó un disco –a través de la prestigiosa disquera Roadrunner– titulado Matando güeros, en cuya portada aparecía una cabeza cercenada del tronco. Escuchar aquel material –casi siempre en caset– se volvió asignatura obligatoria entre mis compañeros de la prepa. Aquella cabeza, a la que el grupo bautizó como “Coco loco” luego de adoptarla como mascota, además de las letras de Brujería, que versaban sobre temas prohibidos como el narcotráfico o el satanismo, se volvieron sinónimo de rebeldía precisamente por su intención de escandalizar premeditada.

Sin Internet de por medio, Brujería se encargó de preservar su leyenda. Sus integrantes –liderados por el carismático Juan Brujo –nunca otorgaban entrevistas ni tocaban en vivo. Aparecían en las poquísimas

“Los narcos de hoy no tienen corazón” fotografías cubiertos del rostro y, se rumoraba, eran narcosatánicos en activo y cargaban varias muertes en su conciencia.

Sin embargo, igual que los niños dejan de creer en los Reyes Magos, los metaleros un día nos desencantamos de Brujería. A excepción de Juan, el resto eran integrantes de bandas reconocidas como Cradle Of Filth, Carcass, Fear Factory, Napalm Death, Dead Kennedys y Faith No More, entre otros. Todo era una broma genial que se salió con la suya: llamar la atención.

En 2006, el grupo apareció en el Vive Latino y, a partir de ahí, se transformó en un grupo más que ya no asusta a ninguna abuela.

Unos días antes de su actuación en el José Vive Cuervo Salón, platicamos con Juan Brujo –identificado como John Lepe– vía telefónica desde Los Ángeles, California, y nos sorprendió diciéndonos, con su pochísimo español, que detrás de ese rostro cubierto por una bandera mexicana y la voz arrancada del mismísimo infierno, late un mexicoamericano más, indignado por la violencia extrema que azota nuestro país.

Antes nunca ofrecían conciertos, pero ahora Brujería tiene muchas fechas. ¿Finalmente te sedujo el mundo del rock?

Juan Brujo: Pues es que antes, en los primeros años, los miembros tenían otros grupos y no tenían tiempo. Ahora todos tienen más tiempo y lo hacemos para divertirnos, pero tampoco hacemos giras de seis meses ni mucho menos. Estas son nuestras vacaciones.

En México, hay iniciativas para prohibir los narcocorridos. Ustedes le cantan mucho a los narcos, ¿te disgusta que censuren a otros?

JB: Hemos tenido suerte, porque es complicado lo que hacemos. Primero por el tipo de música que es; segundo, porque no hay muchos promotores que se animen a llevarnos y cuando pasa, todos quieren meter mano. Pero nos gusta tocar en DF, son los mejores, siempre se prenden. Antes nadie me conocía, ahora voy al DF y resulta que muchos me reconocen. Antes hablábamos de cosas así como los narcococorridos, pero era muy underground y nadie más hablaba de eso. Ha cambiado mucho, como sabes, el narco se hizo popular y común. Cada día hay más cosas que pasan que no tienen razón, gente muriendo sin sentido. Ya se salió de control. Es demasiado, para mí ya es muy triste lo que está pasando.

Dices que te pone triste, pero eso no significa que no cantes “Matando güeros” si te la piden.

JB: La cantamos ahora como cuando se grabó. “Matando güeros” es del 93, se supone que las canciones tienen un tiempo, pero es curioso como la realidad se parece ahora.

Nunca pensamos en el impacto que tendría.

Su portada, hoy en día, es lo que aparece a diario en los periódicos.

JB: Matando güeros tiene 18 años y hace 18 años no se veía mucho de eso. No era tan común como ahora… fuimos los primeros que empezamos a cantar de eso.

LO DEL CASINO EN MONTERREY NO TIENE NOMBRE

Por tus venas corre sangre mexicana.

Aunque no vivas aquí, supongo que te duele México a la distancia.

JB: ¡Claro que me duele, para mí es un shock! Es duro. Lo que pasó en el Casino en Monterrey no me lo explico, no sé cómo ellos (los criminales) pueden hacer cosas así. No importan sus razones, están mal. Es muy cobarde matar a gente inocente. Por eso, el nuevo disco de Brujería hablará de poner un alto a esto. Ya no hablaremos –como antes– de lo que nadie quiere hablar, sino que diremos que tenemos que resolver esto (la violencia).

Brujería le rindió tributo al capo colombiano Pablo Escobar en una canción, ¿harías lo mismo con alguno de los narcotraficantes mexicanos?

JB: Antes era diferente. Pablo Escobar fue alguien que ayudaba a la gente de los pueblos, les daba dinero. Hizo muchas cosas buenas. Hizo malas, pero hizo más buenas por la gente pobre. Pero ya no se puede hablar nada de eso, hay tantos (cárteles) que no tienen corazón. No podría hacer una canción porque ya no hay gente así. Antes eran cosas de familia, como los italianos, pero ahora cualquier gente puede entrar a eso (la mafia), por eso se ha vuelto tan grave.

Ya no tienen leyes ni siquiera entre ellos.

Tú cantabas en “Revolución”: “Satanismo/ PRI es lo mismo”. Mucho se comenta que, el año que entra, otra vez podría gobernarnos ese partido. ¿De qué sirve cantar canciones así si nadie parece tener memoria?

JB: Cuando se hizo esa canción, en el 94, el

PRI era el gobierno. Tenían mucho control, ¿cuántos años estuvieron en el poder? (“Setenta”, le respondo.) Nadie más podía llegar a ser Presidente en ese tiempo. Ahora ya cambió de partido, pero la canción se quedó igual. El problema es que ya no puedes saber quién es quién. Son mamadas eso del cambio, partidos van y vienen, pero siempre es lo mismo en México.

También le cantabas a los migrantes, ¿te duele saber que México se volvió un infierno para quienes intentan llegar desde Centroamérica a Estados Unidos?

JB: Siempre habrá gente que buscará una situación mejor, arriesgando la vida incluso.

Eso me pega en el corazón porque así fue como llegaron mis papás a los Estados Unidos. Algunos llegan, otros no, por eso nuestras canciones hablan de que les demos chance a los migrantes, porque ellos sólo quieren dar lo mejor a su familia.

AHORA SOY COMO UN PAPÁ REGAÑÓN

Entonces, como dices, ¿en tu nuevo disco habrá menos sangre y vísceras?

JB: El tema es que yo estaba joven, pero ya pasaron 20 años. Ahora quiero ser más como un papá gritándole a los hijos lo que están haciendo mal. Se trata de arreglar las cosas, no de ser más desmadroso. ¡Mira cómo están las cosas, ya se tiene que calmar! A ver si no me matan. ¿Te han amenazado por lo que dices?

JB: Una vez alguien cercano a Escobar se me acercó a preguntarme por qué cantaba de Pablo, pero le dije: ¿has escuchado la canción? Habla de la parte social. ¡Ve a escucharla y luego me cuentas!

El narcotráfico comienza con el consumo, dice nuestro gobierno. ¿Qué opinas tú?

JB: No estoy contra el consumo, esa es decisión de cada persona. Si no le haces daño a nadie más, está bien. ¿Y la portada del nuevo disco será tan gore como todas?

JB: ¡No, el shock ya pasó! Hay tantos grupos haciendo gore que ya nada te sorprende. A ver cómo sale, pero estoy seguro que no será nada de sangre, como hace 20 años.

Antes éramos los primeros en hacer temas satánicos en español, pero ahora ya todos lo hacen. M

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Mร SICA::

"Parece que finalmente la gente nos estรก entendiendo, se estรก poniendo al corriente para comprender lo que estamos haciendo".

HA SIDO UN VIAJE AJETREADO 24

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T X T : : J I M E N A G Ó M E Z . F O T : : D A N I E L PAT L Á N .

Despu s de poco m‡s de un mes en gira, nos encontramos con unos Horrors bastante agotados -hecho que jam‡s adivinar’an tras ver su presentaci—n el pasado siete de octubre-. ýHa sido un d’a ajetreado, estoy listo para volver a casaý me dice Joshua Third, con una taza de caf en la mano, misma que minutos m‡s tarde terminar’a en el suelo a causa de un descuido. ýTenemos que llegar directo al estudio, despu s haremos un show al d’a siguiente de llegar a casa, y otro al d’a siguiente y al siguiente... (risas), aœn hay muchos detalles que afinarý. Y es que a tan s—lo unos meses de lanzamiento de su nuevo ‡lbum Skying, estos ingleses no paran de tocar.

ESTE

ritmo no es nada nuevo para ellos: en cinco años han lanzado tres discos, cada uno muy distinto del otro, pero todos ampliamente aclamados. Este tipo de reinvención drástica y extrañamente orgánica, se ha vuelto un sello horrorsquiano que ha dejado confundido a varios. “Está bien esa reacción, significa que no somos aburridos” afirma Joshua con una sonrisa.

“Uno crece y hace las cosas distintas, nunca fue algo predeterminado. Al grabar nuestro primer disco no teníamos ni idea de cómo iba a sonar el tercero (risas). ¡Ni siquiera podíamos creer que estuviéramos grabando el primero (risas)!

Su primer álbum, Strange House, era un grito, una instantánea de un momento ajeno a nuestro tiempo; brutal y honesto por igual. Con su garage rock de acordes rápidos y voces desgarradoras, The Horrors se pararon al frente de una escena y rápidamente provocaron su atención.

En este punto de nuestra conversación, una amable chica llegó a darle un café a Joshua, reemplazando el que ahora adorna la psicodélica alfombra del José Cuervo Salón, y así, con una bebida caliente volvemos a hablar de la nostalgia hogareña.

“La verdad, incluso cuando estamos en casa, pasamos nuestros días en el estudio; llegamos a las 12 y nos vamos a las dos de la mañana, así que tampoco estamos mucho ‘en casa’. Al menos estando de gira podemos ver muchos lugares distintos.

También te puedes poner un poco loco cuando estamos solos los cinco en un cuarto de hotel por tres meses… nos dan ganas de matarnos los unos a los otros (risas). Nos entendemos mejor ahora, explicamos mejor las cosas e

ideas que queremos realizar, o mejor dicho, explicamos cada vez menos: en lugar de decir cómo queremos que suene algo, tocamos un par de acordes. Este tipo de entendimiento, no verbal, es un poco raro; la cercanía crea relaciones muy extrañas, pero es muy divertido”.

Su segundo disco muestra el inicio de esta nueva comunicación, y los lleva a direcciones totalmente nuevas e inesperadas.

Primary Colors, del 2008, fue un golpe a la cabeza de los críticos y el público por igual, ya que cambiaron la fuerza por la edición, la contundencia por la profundidad, y de paso demostraron una habilidad y un conocimiento musical enorme. Producido por Geoff Barrow (Portishead), este disco les valió una nominación al Mercury Prize.

Con tal historial, el lanzamiento de Skying (2011) provocó muchas expectativas, sin embargo, como nos dice el guitarrista: “nosotros nos empujamos el uno al otro, esa es la única presión que importa y la más fuerte”. Esta actitud parece que les ha servido: “la gente lo está recibiendo bien, varias estaciones de radio lo pasan, lo cual es nuevo y extraño. Parece que finalmente la gente nos está entendiendo, se está poniendo al corriente para comprender lo que estamos haciendo. Aún no estamos en el punto de ‘somos los reyes del mundo’, pero cada vez a más personas les gusta. Es agradable, a todos les gusta un halago”.

Del mismo modo podríamos afirmar que a todos les gusta hacer las cosas a su propio modo; así que, sin mirar atrás o preocuparse por el hype o el backlash –o cualquiera de esos términos inmateriales–, The Horrors entró al estudio con sintetizador

en mano y dejando al productor en la puerta:

“Después de Primary… Geoff nos sugirió trabajar solos, y para este momento nos sentíamos lo suficientemente familiarizados con el equipo, sabíamos cómo debía sonar cada cosa y creímos que estábamos listos para hacerlo. Construimos un estudio, hicimos un sinte con muchos pre amps, que es donde conectas los micrófonos y demás para comprimir y hacer muchas cosas más; lo construimos prácticamente de la nada… ¡sólo porque podíamos! (risas). No, en realidad fue que al llegar al estudio, te das cuenta de que necesitas esto o aquello, y resulta que ‘aquello’ cuesta 80,000 euros o lo que sea, pero si tú lo construyes es mucho más barato, además de que puedes hacerlo sonar como quieres. De verdad, odio la idea de tener un sonido en la cabeza y no ser capaz de producirlo instantáneamente, y si puedes construir algo que lo haga por ti, simplemente lo haces”.

La frustración de tener una idea específica y no poder desarrollarla, es la pesadilla de cualquier músico, y podría resultar tentador alejarse de las nociones preconcebidas de sonidos o atmósferas, sin embargo, para estos cinco músicos de Inglaterra, el proceso creativo es una suerte de híbrido. “Es extraño cómo trabajamos, antes de grabar este disco todos estábamos de acuerdo en que queríamos explorar el espacio mucho más, en hacer cosas que se complementaran en lugar de oponerse o ser disonantes. Pero como somos cinco, por más clara que alguno tuviera una idea, el resultado final siempre iba a ser distinto. Cada uno la transforma, es una manera muy especial de trabajar”.

“Este álbum suena libre, ligero, por eso se llama así. Tiene esa sensación de ligereza, sin que el sonido es particularmente suave. Hay sicodelia en el sonido, pero ya no tiene referencias directas”.

Las influencias han sido un tema recurrente al hablar de The Horrors, no falta quien critica y desmenuza cada canción, en busca de sonidos familiares. Pero como bien señala Joshua, se trata más bien de un asunto de pasión.

“Escuchamos de todo, bueno, todo lo que podemos, no hay suficiente tiempo para escuchar música. De verdad la amamos, tenemos una pasión real por ella. No sé si es necesario escuchar tanto para crearla… seguro hay gente que no sabe mucho de música, pero es muy buena haciéndola y viceversa (¡es loco!). Lo único necesario de verdad es ser creativo, sentir algo y querer sacarlo. Skying hace eso, creo que es el disco más personal, el que más habla por y de nosotros”. M

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MÚSICA::

N O NE

N A INDI

CONVERSAMOS

con Alan acerca de la experiencia que fue componer y trabajar en este álbum, y las influencias que permitieron la realización de un producto como Era extraña. ¿Cuál consideras ha sido el cambio más substancial entre Psychic Chasms y Era extraña?

Alan Palomo: Honestamente creo que mucho del cambio, bajo el concepto del proyecto y en términos sonoros, reside en que se trata del primer álbum que realicé en un estudio.

Fue la primera vez en que tuve la motivación, el tiempo y los instrumentos necesarios para poder grabar un disco de manera mucho más convencional.

T X T: : LU I S A R C E .

FOT:: ARTS & CRAFTS MÉXICO.

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¿Cómo grabaste tu primer disco?

El primer álbum lo grabé en mi cuarto, fue mucho más íntimo y únicamente tenía un sintetizador y diversos samples para realizarlo. Era extraña fue un experimento de estudio. Ahora me doy cuenta cómo un álbum

puede cambiar dependiendo del proceso de producción y grabación.

Traducido al inglés, el título del álbum puede leerse She was Strange o Strange Era, ¿puedes explicarnos el valor de tal palabra para el concepto del álbum?

Siempre me ha gustado que la palabra “extraño” tenga esas dos connotaciones; para mí “extrañar” y “extraño”, son ciertamente parte de la misma emoción. El título de Era extraña juega con el concepto de vivir en una época donde para encontrar gestos culturales, que puedan construirse como ideas nuevas, tenemos que buscar en pedazos del pasado, o buscar en este espacio casi infinito que es Internet, hallando pedacitos de bandas nuevas para mutarlas en un contexto diferente. Con ello habría que crear cosas nuevas; en ese aspecto me parece como una ambivalencia casi nostálgica.

Es como jugar Frankenstein en videos de los 70 y 80. Por ejemplo, ahora mismo vivimos

Encontré este Casio Rapman, lo saqué del closet y comencé a trabajar al pasarlo por unos pedales de distorsión.

el futuro que muchas de las películas de esa época habían descrito, pero es casi como si estuviéramos viviendo en un universo paralelo; en ese aspecto, tenemos que encontrar pedacitos del pasado para construir el futuro. ¿Qué opinas de ser incluido en este estilo musical reciente conocido como chill-wave?

Creo que tengo una relación muy complicada con este término. Sin embargo, te ayuda a encontrar algunas bandas similares, y eso es bueno. Pero al mismo tiempo, pienso que trata de simplificar un estilo musical que viene de muchos lugares. Igualmente pienso que bandas como My Bloody Valentine tenían problemas con el término shoegaze, que literalmente significa que te estás mirando los zapatos mientras tocas la guitarra. Ya que han salido los segundos discos de estos artistas, es muy fácil darse cuenta de que no se trata simplemente de synth-pop extraído de los años ochentas o de R&B, sino que proviene de diferentes lugares.

era extraña En el 2009, ýShould've Taken Acid with Youý y ý6699 (I Don't Know if You Know)ý, fueron alabadas por blogs y revistas especializadas en mœsica indie. Durante ese verano, descubrimos que estas canciones pertenec’an a la autor’a de un mœsico de origen mexicano llamando Alan Palomo, quien acompa–ado por los visuales de su amiga Alicia Scardetta, presentaron Neon Indian, una propuesta multimedia que combinaba tanto mœsica pop y cortometraje, como electr—nica y dise–o. El resultado fue Psychic Chasms, que fue recibido y tratado con mucho entusiasmo por la cr’tica. Dos a–os despu s, llenos de trabajo y experiencia, Palomo regresa con Era extra–a, grabado en Helsinki, pero con mixes realizados en Nueva York al lado de Dave Fridmann, ex-miembro de Mercury Rev y productor de discos como It's a Wonderful Life de Sparklehorse y Congratulations de MGMT. Al escuchar tu música me viene a la mente el recuerdo de algunos videojuegos de NES o incluso Sega Genesis. ¿Durante tu infancia, estabas muy emparentado con esta clase de entretenimiento?

Honestamente, sí. Recuerdo a mi hermano jugar Nintendo, yo era muy joven y muy malo para ello, para casi todos los juegos, pero me gustaban los visuales y la música. A mí me interesó mucho más el Sega Genesis, porque la música estaba más influenciada por el pop moderno. Fatal Fury parecía música house. El sonido de Nintendo era muy singular, pero el Sega trataba de recrear estilos musicales, sólo que lo hacía en 12 o 16 bits. Era algo así como pop mutante.

Casio Rapman, lo saqué del closet y comencé a trabajar al pasarlo por unos pedales de distorsión. Desde que inicié a estudiar música, a trabajar seriamente y a componer tratando de tocar diferentes estilos, termino por recibir más y más influencias de mi papá.

Cada vez que le platico una historia sobre la gira o algo parecido, casi siempre tiene su propia anécdota para contar. De alguna manera, estamos viviendo vidas paralelas.

Es una conexión diferente, que siempre tuve, pero que ahora es completamente directa. Él todavía se dedica a la música, toca como dos o tres veces a la semana. M

¿Consideras que tu padre es una influencia directa en tu manera componer y de tu gusto por la música?

Sí, en una manera muy directa. En el primer álbum, para la canción "6699” samplee de una de sus canciones. El gusto por la música nació cuando estaba estudiando cine. Encontré este

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MÚSICA::

F Y L U W

R E F I C U L N E V O J O L E D D N N Ó U I C M A LA FUND UNE AL T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

No debe ser f‡cil que un adolescente en Manchester decida ser mœsico. Infancia es destino dice un libro cl‡sico de la psicolog’a. Si pensamos en aquella ciudad inglesa, se nos llena la garganta de tanto nombre ilustre: Joy Division, The Stone Roses, The Smiths, Happy Mondays, entre tantos otros. Pesos pesados dif’ciles de cargar al momento de lidiar con los fantasmas del pasado.

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PERO

el rock es un asunto de ADN y de formación cultural –académica o no–, me explico a continuación. Cuando unos mozalbetes mancunianos se preguntan cómo sonar para no parecerse a sus ilustres antecesores, requieren mezclar ese instinto musical que llevan en el código genético; además de analizar qué le falta al entorno para encontrar lo sorpresivo. De esa manera, logran que forma y fondo converjan en una propuesta tan efectiva como natural.

Parece complicado el proceso, y quizá los miembros de Wu Lyf apenas lo tengan en cuenta en su propuesta, que tiene claros ingredientes de una movida artística al estilo del fluxus o los dadaístas, pero en la era de las redes sociales. Ellery Roberts (voz, teclados), Evans Kati (guitarra), Tom McClung (bajo) y Joe Manning (batería) se resistían a mostrar sus rostros, a dar entrevistas, y en un guiño muy simbólico borraban constantemente su entrada en Wikipedia.

Al principio usaban seudónimos y no sólo fueron un suceso de Facebook y similares, su propio portal www.worldunite.org parece propio de una secta y está lleno de imágenes desconcertantes y bizarras.

Pero nada de esto tendría valor si la música no estuviese bien lograda.

Ellos hacen una variante inusual a la que denominan heavy-pop, y que se desmarca por el uso de un órgano de tubos de iglesia, además de sinuosas bases rítmicas, que acompañan a un vocalista poseso bajo los influjos de algún rito vudú.

Una canción muy significativa es “Dirt”, donde aparece la frase: "Yo y mis amigos hemos matado a un hombre diciéndole cosas que no podía entender". Las imágenes que conforman el video muestran a una turba juvenil con la cara cubierta, peleando contra la policía. Inmediatamente se vinculó al grupo con los acontecimientos de finales de 2010 y comienzos del 2011, cuando la violencia callejera se recrudeció en Londres y otras ciudades, sin embargo y para sorpresa de muchos, el clip se había registrado mucho antes de los acontecimientos reales.

Las referencias a lo esotérico y lo místico son un elemento más, sobre todo la broma provocativa que es el propio nombre del grupo, un acrónimo de World Unite! Lucifer Youth Foundation. Antes de que saliera su disco debut Go Tell Fire To The Mountain (L Y F Recordings, 2011) ya eran un fenómeno del marketing viral aplicado a la música. Con diez tracks debutantes en la calle, quedó claro que lo mismo pueden expresar su inconformidad social, que

soltar un grito de amor desgarrado (“I Love You Forever”). Tras mucho perseguirlos, los chicos han terminado por aclarar un tanto sus intenciones: “en realidad, lo que el disco intenta expresar es un viaje de autoconocimiento. Los diez cortes han de entenderse como una sola y gran canción.

Durante el camino te liberas de la gente que te presiona y al final consigues ser tú mismo”.

Y aunque jamás abandonan la melodía en sus piezas, lo más destacable es su forma de cantar-gritar, inflamada de emoción. ¿Con qué otras bandas relacionarlos? Algunos los comparan con el escuadrón del hip-hop combativo y político Odd Future, pero aunque respetan a esos californianos, Wu Lyf ha dejado muy en claro que van por un camino muy diferente. Lo sorprendente es que mencionan a Vampire Weekend para enfatizar la creatividad de sus ritmos, y luego saltan a los primeros Abe Vigoda, con esa manera de hacer un punk africanizado. Por edades y estrategias publicitarias, otra mención constante son The xx, pero menos fieros que los de Manchester, e instalados en el terreno electrónico.

Hay quien los considera un colectivo anarquista, pero según su página son: “una asociación sin ánimo de lucro, formada en 1998, y sujeta a la verdad de la juventud incondicional. Reúne una serie de disciplinas, tales como delitos menores, el diseño, el lenguaje del dólar, romper cabezas, editar películas, escribir literatura enferma y tocar heavy (pop)”. Solían pasar como una guerrilla urbana, pero luego salió a la luz que su manager es Warren Bramley, colaborador de Tony Wilson en Factory Records (Joy Division), y director creativo de la agencia four23, responsable de campañas para Adidas o Samsung. Se atribuye al mercadeo,

el súbito crecimiento de una banda, que pasó la mitad del año pasado tocando en un pequeño café de Manchester llamado An Outlet, mismo que pertenece a su agencia.

Pero lo importante es la música.

De los diez temas del disco, al menos la mitad son buenísimos, comenzando por “Summas Bliss” y “We Bros” –de lo mejor del año, absolutamente–, pero no están atrás “L y F”, “Cave Song” y “Heavy Pop”. Es cierto, algo tiene de The Walkmen y Les Savy Fav, pero para ser tan jóvenes, los Wu Lyf saben muy bien cómo quieren sonar, además de ser muy diestros –casi virtuosos– con los instrumentos. Se nota que Go Tell Fire To The Mountain fue grabado en una iglesia –el órgano de tubos suena tremendo–; y que no necesitaron de un productor que contaminara sus principios.

Por si fuera poco, el video de “Spitting Blood”, fue visto por el destacado director de cine Michel Gondry, quien no dudó en contactarlos. El material había sido grabado por un amigo del colegio, Jaime Allan, como parte de un curso que realizaba en Australia. Los elogios del creador de La ciencia del sueño no hicieron sino dar otro empujón mediático, al cual debemos sumar no sólo el 8.4 de calificación que les otorgó Pitchfork, sino también la siguiente aseveración: “Se inspiran tanto en La naranja mecánica como en sus compatriotas Happy Mondays”.

Es difícil predecir qué vendrá después; si es que el proyecto alcanza para más o se trata de una seductora coyuntura.

Hoy en día Wu Lyf nos incendia, nos contagia de su rabia y rebeldía. Buena falta nos hacía una banda como esta; esperemos que no se trate de una revuelta efímera. Todavía nos quedan ganas de creer, de verdad. M

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MÚSICA::

N I T R MA LEE

!

E R O G

E C E R E M R O N O H N E I U Q A R O N HO TXT:: JIMENA GÓMEZ.

La intrigante figura con alas negras y una Gretsch Falcon blanca en el escenario, siempre a la derecha de Gahan, siempre al frente de Depeche Mode. El creador de las letras oscuras y precisas, de las melod’as suaves y las guitarras fuertes, el hombre del peinado de rulos rubios. Ese es Martin Lee Gore. Una de las figuras m‡s emblem‡ticas de la mœsica en los œltimos 30 a–os, el nombre que todo fan de Depeche usa en vano hasta el cansancio.

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LO

que Martin ha construido con Depeche Mode nunca se vendrá abajo, aquí un homenaje a un hombre que no necesita razones para ser homenajeado.

Hijo de un soldado americano negro y una linda mujer inglesa, Martin nació en la ciudad de Essex, Inglaterra. Fue un niño tímido que pasaba la mayoría de su tiempo solo o golpeando a otros niños pequeños, hasta que su padrastro reprimió –con buena razón–, su conducta agresiva. Poco hay que decir sobre la infancia de Martin (a menos, claro, de que uno sea freudiano): creció y un día se topó con la vieja colección de discos de su madre, encarnando la historia más vieja del rock: el joven escucha compulsivamente cada disco de Elvis y Chuck Berry, hasta que un buen día, entre la octava o novena repetición del vinilo, decide que quiere hacer música.

A partir de este punto, la historia se desvía un poco del camino convencional: un Martin adolescente comienza a usar maquillaje, ropa extraña y desarrolla uno de los cortes de pelo más “estables” de la historia de la música: el estilo gore con rizos por delante y casquete corto a los lados.

Para explicar estos cambios en su apariencia tenemos que dar una vuelta por los gustos musicales del muchacho, que poco a poco fueron inclinándose hacia el glam rock de los 70, una de las paradas en su prolífico viaje musical. La música pronto se emparejaría con su imagen de new age gótico, si es que tal cosa existía en ese entonces, o en lo absoluto.

A finales de los 70, Martin conoce a Andy Fletcher en la escuela, pero sería tiempo después, mientras trabajaba en un banco y tocaba en una banda llamada Norman And The Worms, que Andy le propuso unirse a Composition of Sound banda que él y Vince Clark habían fundado. Con este suceso comienza la historia de Depeche, pero como este texto no es de Depeche, un breve recuento de los hechos bastará: en 1980, Dave Gahan se une a la banda y la bautiza como Depeche Mode; en 1981, Speak and Spell sale a la luz, donde Martin compone dos no tan afortunadas canciones “Tora!, Tora!, Tora!” y “Big Muff”. Entonces Vince Clark deja la banda y el asiento del compositor se queda vacío. Es así que Gore decide explorar terrenos menos iluminados.

Todos sabemos lo que sigue, y para quienes no, ahí está Wikipedia. Más que describir la historia, mejor hablemos de prosa. Con una oscuridad profunda y desgarradora, Martin logró sorprender a muchos, y es que el nuevo Depeche provenía de algún lugar escondido en sus entrañas,

o quizás fue adquirido durante sus años perdidos en Berlín, cuando se sumergió en la escena under electrosa y decadente. Viniera de donde viniese, una hermosa sombra se había postrado sobre Depeche Mode, misma que ya no habría de moverse jamás.

La oscuridad desatada se tornó explicita en Black Celebration, pero acompañaría todas sus futuras composiciones: “Enjoy the Silence”, “Personal Jesus”, “I Feel You”, “Behind The Wheel” “Home” o “Precious”, son sólo algunos ejemplos del enorme talento de Martin como letrista, y a su vez, son sólo la punta del iceberg de su talento musical.

Con Depeche Mode, Martin ha construido un catálogo impresionante y –cuestionablemente– individual; como demuestra la famosa anécdota de que antes de grabar Songs of Faith and Devotion, Martin llegó al estudio con demos prácticamente terminados, sólo para ser interpretados por la banda. Con el tiempo esto fue cambiando y Depeche Mode comenzó a funcionar cada vez

más como un grupo, de manera que incluso Gahan escribió un par de canciones en los últimos discos, las cuales no están mal, pero siendo honestos, apenas rozan la belleza y profundidad de las letras goresianas.

Recuerdo alegremente un incidente ocurrido cuando empezaba a estudiar la universidad: en alguna clase de poesía nos pidieron llevar un poema que nos gustara; con hoja en mano y delineador a más no poder, yo leí “In Your Room”. Más que un acto puberto de soberbia, se trataba de testimoniar el poder de sus letras; de que cada palabra está acomodada perfectamente, pintando un cuadro que no necesita nada más –incluida la música– para crear sensaciones hermosas.

Martin ha creado letras capaces de trasgredir años y lenguas, de hacer sentir a millones de personas que hay palabras para sus extrañas sensaciones, que alguien más está diciendo lo que ellos han sentido, y eso, como expliqué en aquella no tan lejana clase, es el signo de la poesía. M

"Déjame mostrarte el mundo en mis ojos". - "World in my eyes" Violator

Un homenaje audiovisual en

www.marvin.com.mx/mas

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MÚSICA::

N O R T Y LAD T X T : : J I M E N A G Ó M E Z . F O T : : FA B R I C I O T O M É

MÁS

MA A F S O N E FANS, M

Pocas cosas se mezclan tan bien como Ladytron y la lluvia. La melancol’a electrosa y un Teatro Chino lleno de gente dispuesta a bailar, y de paso agarrar una neumon’a, fue la tormenta perfecta del 22 de septiembre. Horas antes de su concierto en la Ciudad de M xico, bajo un sol imposible, hablamos con Mira Aroyo y Helen Marnie, dos cuartas partes de Ladytron.

INICIOS

MA: Es raro pensar en cómo empezamos, con los sintetizadores y esa clase de sonido que ahora ya es muy común. Al principio no había muchas bandas creando este estilo y queríamos hacerlo a nuestra manera. Ahora vemos que ha influenciado prácticamente en todos lados, es muy sorprendente.

HM: En el inicio lo hacíamos por diversión, era un hobby de medio tiempo, no sabíamos que continuaríamos por 12 años y mucho menos que íbamos a inspirar a alguien.

MA: Las referencias son algo muy extraño: todos escuchamos música muy distinta, y con el paso de los años nuestros gustos han cambiando. Pero al momento de escribir no pensamos en las canciones que nos gustan, sino en la música que podemos o queremos hacer. Empezamos a trabajar con una idea o sensación definida que en el proceso va cambiando. Los sonidos comienzan a integrarse de manera orgánica.

MÁS LIMPIO Y MÁS COMPLEJO

HM: La producción de este disco (Gravity The Seducer, 2011) fue muy distinta, quedó más limpia y con una vibra de estudio. En el álbum pasado se nota que lo ideamos mientras andabamos de gira: tiene más rock y vida.

En esta ocasión tomamos la decisión de

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alejarnos de eso y hacerlo más pulido, con más capas e instrumentación, creo que eso se nota en el álbum como un todo. Gravity The Seducer tiene madurez y un deseo de no ser siempre los mismos.

LA VIDA DESPUÉS DE LOS HITS

MA: Quisimos cerrar un capítulo tras lanzar el disco de éxitos (2011). Hemos hecho canciones que la gente reconoce – como “Destroy Everything You Touch” o “Seventeen”–, ahora queríamos decir: sí, están estos tracks, pero hay muchas otras cosas. Se trata de darle a la gente una idea más completa, además de hacer una pausa entre lo que hemos hecho los pasados diez años y lo que haremos de aquí en adelante.

HM: También fue una oportunidad muy buena, muchas bandas no duran tanto tiempo. Es algo muy lindo juntar todo lo que se ha creado y celebrar.

EN VIVO

HM: Cuando empezamos no tocábamos todo en vivo, lo cual se fue convirtiendo en un problema: al estar en el escenario, con una gran audiencia entregada, es inevitable querer darles más. Por eso decidimos tocar todo en vivo, recrear la mayoría de los sonidos. Se volvió algo constante y ahora es

casi una norma. También es más divertido para nosotros tocar así.

MA: Pero no estábamos recreando los sonidos exactamente, pues hay una gran diferencia entre Witching Hour y Light & Magic. Hasta antes de grabar éste último no habíamos tocado mucho en vivo y no sabíamos muy bien lo que estábamos haciendo. Pero después estuvimos tocando bastante y creo que eso marcó una gran diferencia. Nos hizo mejores compositores.

EN TU PANTALLA

HM: Ahora en los conciertos todos tienen sus pequeñas pantallas, el teléfono enfrente de sus caras para grabar cada momento, pero en realidad se están perdiendo de todo. Es divertido tomar fotos, pero creo que habría que tomarse una pausa y disfrutar la experiencia de verlo con tus propios ojos.

La tecnología cambia mucho la manera de disfrutar.

MA: Por otra parte, la tecnología también hace a la música muy democrática, y desde el punto de vista de creación puede ser peligroso, podría hacer que se perdiera el enfoque.

MEJOR FANS QUE FAMA

HM: Tenemos muchos fans, aunque hay una barrera que no hemos cruzado en cuanto a popularidad, pero no es algo que nos interese –menos ahora–, creo que no podríamos manejar esa clase de fama y todas las cosas que vienen con ella. Creo que nos ha ido muy bien y hemos sido muy afortunados, tenemos una buena base de fans en todos los lugares donde nos presentamos.

MA: No tenemos que responderle a tanta gente, eso también está bien. M

COORDENADAS::

r a t i r G ES

R A R O L L

NO

Armado tan sólo con una guitarra acústica y su voz, Alejandro González Castillo le dio vida a Gritar No es Llorar. Se cansó de tocar en grupos que no llegaban a ningún lado y que además, limitaban su obsesión: grabar canciones. Para él y su proyecto de pop melodramático, las palabras son más que un pretexto melódico; se trata de un arma de defensa que ha cultivado desde el año 2007. Escuchar las canciones de este proyecto, es adentrarse en un pequeño universo en el que caben líricas que “difícilmente podrían encontrarse en los áridos terrenos de la escena local” comenta Alejandro. Sin duda, un proyecto muy recomendable para disfrutar muchas tardes bipolares.

Redes Sociales:

www.gritarnoesllorar.bandcamp.com

gritarnoesllorar@hotmail.com

2 ANDROIDES ELLA

TIENE

Confieso que lo primero que me llamó la atención de este dueto fue el nombre que parece tomado de un cuento de ciencia ficción o de historieta onda Zor y Los Invencibles (para los que no ubiquen de qué diablos estoy hablando, se trata de un cómic mexicano ochentero malísimo pero que de niño me gustaba). Lo cierto es que una vez adentrado en su música, se nota una gran influencia del pop electrodoméstico, muy en la onda de lo que hacían hace algunos años Los Casio Commanders y Robotril, por mencionar algunas de las referencias mexicanas de este par oriundo de Mexicali que canta en español (con excepción de un par de temas) y también le da por mezclar britpop, tecnopop y algo de punk en sus alegres canciones que no dan tregua una vez que le das play. El mundo seguirá sin nosotros es su próximo disco el cuál se encuentran grabando en un monasterio abandonado enmedio de la selva de su imaginación. No les pierdas la pista, seguro darán mucho de que hablar en un futuro cercano ya que cuentan con muchas canciones verdaderamente difíciles de olvidar. www.ellatienedosandroides.com Redes sociales: /ellatienedosandroides /Ellatienedosandroides Ella Tiene Dos Androides Ella Tiene Dos Androides @polovega @telepedro Si no te gustó su cover de The Smiths, reclámales a este twitter. Aunque lo más seguro es que los felicites.

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Género: pop melodramático.

Ubicación: México, D.F. Influencias extramusicales: “El cine que agrede me gusta y me motiva. De hecho, siento que muchas de mis canciones poseen una especie de espíritu cinematográfico”. Su género favorito es la ciencia ficción.

Si pudiera hacerle una pregunta a John Lennon, ésta sería: “Hola John. ¿Puedes enseñarme los acordes de ‘Julia’? Llevo tiempo intentando sacarla y namás no puedo”.

Sus canciones están basadas en: Como siente que ya estuvo bueno de hablar de su vida en sus letras, ahora prefiere meterse en la vida de sus amigos y hacerles canciones –sin que se enteren–. ¡Aguas!, amigos de Alejandro.

Discografía: El LP debut de Gritar No es Llorar, a editarse en 2012 bajo el título Defensa personal verbal.

Tracks recomendados: “El fin del romance” y “Mi verano olímpico (Munich 72)”.

Los cinco discos que más lo han influenciado: The Beatles - Rubber Soul, Michael Nyman - The Piano Sings, The Beach Boys - Pet Sounds, The Zombies - Odessey and Oracle , Wilco - Sky Blue Sky. /Gritanoesllorar

Integrantes: Pedro Campos y Polo Vega.

Ambos escriben las letras y programan sus maquinitas.

Género: indiepoptrónica.

Ubicación: Mexicali y Monterrey. Ahora trabajan “a la Postal Service”.

Discografía: “Two Days Before After Tomorrow” (single), 2010; Nadie se enfermará este invierno, 2009; Tu mamá y tu papá son robots, 2009.

Han realizado versiones de: Gepe, “Amigos vecinos”; Size, “Me I Lost You” y "Bluebirds Over the Mountain” de Ritchie Valens.

Mayor atrevimiento en su carrera: Versionaron la gran “There Is A Light That Never Goes Out” de The Smiths… y salieron bien librados. Su disco debut fue producido por Fax, Rubén Tamayo.

Tracks recomendados: “Midori” y “Respirar al revés”.

Androides de donde tomaron su nombre: R2D2, el robot de Star Wars al que en México conocemos como “Arturito”. Bishop, el androide infiltrado de Alien. The Six Million Dollar Man, más bien conocido como El Hombre Nuclear. Los cyborgs de Blade Runner. El niño de Inteligencia artificial.

Como si hubieran viajado en una máquina del tiempo desde las época de XETU, de la movida española, llega esta banda cuyo nombre está tomado de dos palabras: Drag Queen y Drácula.

Ahora, si le preguntas a Harry, guitarrista del grupo, dirá que viene de Gárgolas y Dragones. ¡Pero no lo juzgues! Es por sus antecedentes góticos. Con influencias tan punks como Gloria Trevi, Flans, Alaska, Nacho Cano, New Order y Duran Duran, lo que el grupo en realidad busca –según sus propias palabras– es glamour, dinero, muchachas, poder, fama y el nombre de una calle en el centro de la ciudad. La banda se formó a mediados del 2008, con el objetivo de hacer música con letras en español; en ese entonces grabaron "A veces", una versión de Pedro y Las Tortugas (un casi olvidado grupo de rock mexicano de los 80). Si vas a uno de sus conciertos, ten cuidado: la banda destila glam. The Dragulas están terminando los detalles de su nuevo disco con un productor sorpresa, que tiene que ver con una banda que solía componer canciones con títulos como Mermelada Tabú.

LOS Redes sociales:

Las

thedragulas@gmail.com

/thedragulas

/The-Dragulas

¿Otra banda de chicas? Sí, y se formaron en la prepa hace dos años, cuando Alex (guitarra) conoció a Lolita, la vocalista y guitarrista (y qué nombre más apropiado) y ambas comenzaron a hacer ruido con otra chica llamada Mafer, convencidas de que como chicas, podían formar parte de una escena un tanto misógina. En ese entonces las chicas tenían menos de 15 años, pero sin duda alguna, estas lolitas conquistarán el mundo cual amazonas en poco tiempo. Escucha esta nueva propuesta de simple y llano rock, sin complicaciones de género ni conflictos feministas.

"Cero pretensiones, wey".

a r b r e d Wuan Redes Sociales: /laswuanderbra /laswuanderbra

Integrantes: Ruy Cometa, voz y barborosidad; Ruffus Culle, voz y poesía; Harry Hallelujah Hollow, guitarra delirante, secuencias & bajos; Gertie, pistas.

Ubicación: DF. Anécdota Dragulesca: “Una vez en Toluca se nos descompuso el coche, salimos de la tocada a ponerle agua… todos pintados y disfrazados, con capaz y antifaz. En eso que pasa una patrulla, ‘¿Ya viste?’ –Dice uno de los policías. ‘Esos súpervillanos se están robando un carro’ ”.

Lo que nunca harían como banda: Votar por el PAN. Ruffus nunca revelaría su verdadero nombre.

Sus gustos culpables: Morrissey, porque dicen que es racista.

Discos que han cambiado su vida: Neon Golden de The Notwist y Unidad de desplazamiento de Los Planetas.

Discografía: A bailar!!! con los Dragulas.

Sabe a demo, huele a demo, es un demo (Noisekontrol, 2009), The Dragulas contra la araña (2011).

Infravalorado: Consideran que Casino Shangai es una de las bandas poco valoradas en la actualidad. @thedragulas

¿Por que se llaman así?

“Buscábamos un nombre que, con sólo mencionarlo, supieran que somos chicas .

(Qué ternura ¿no?)

No se sienten parte de un movimiento de bandas de chicas porque: “Entre mujeres podemos despedazarnos pero nunca nos haremos daño”.

Los obstáculos a los que se han enfrentado incluyen: “Que no las dejen tocar por ser menores de edad, que un anciano se suba a golpearlas sobre el escenario (vestido como sado, suponemos) y fantasmas en la carretera.

Discografía: Chicas, no cover (Independiente) a punto de salir a la venta en CD. Discos que han influenciado su sonido: American Idiot - Green Day, Nightmare Avenged Sevenfold, 40 y 20 - José José, Lolita - Derenolts Se han arrepentido de estar en una banda cuando: Las confundieron con Belinda.

Son fans de: 31 Minutos y tienen una versión de “Mi muñeca me habló”.

@laswuanderbra laswuanderbra@hotmail.com

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CONCIERTOS::

Earth FOT:: Daniel Patlรกn

Bring Me the Horizon FOT:: Daniel Patlรกn Kinky FOT:: Daniel Patlรกn

Guns n' Roses FOT:: OCESA / Fernando Aceves

2011

Architects FOT:: Daniel Patlรกn

Editors FOT:: Daniel Patlรกn

37 The Horrors FOT:: Daniel Patlรกn

M83 FOT:: Daniel Patlรกn

Gang Gang Dance FOT:: Nicole A. Klinckwort

CONCIERTOS::

Javiera Mena FOT:: Daniel Patlán

Yellow Yesterday FOT:: Daniel Patlán

Portishead FOT:: Daniel Patlán

Mogwai FOT:: Daniel Patlán

2011 Coheed and Cambria FOT:: Daniel Patlán

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These New Puritans FOT:: Daniel Patlán

The Antlers FOT:: Daniel Patlán

El Columpio Asesino FOT:: Daniel Patlán

Wild Beasts FOT:: Daniel Patlán Ruido Rosa FOT:: Daniel Patlán

CSS FOT:: Daniel Patlán

El Cuarto FOT:: Daniel Patlán

The Strokes FOT:: OCESA / Nerea Basterretxea

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The Rapture FOT:: Daniel Patlรกn

No Age FOT:: Sakre

OMD FOT:: Sakre Austin TV FOT:: Daniel Patlรกn

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Moby FOT:: Sakre

Wavves FOT:: Daniel Patlรกn

Quiero Club FOT:: Daniel Patlรกn

DEFONDO::

“YO QUIERO SU LENGUA, NO PUEDO ABRIR SU MANDÍBULA, PERO PUEDO ALCANZARLA ENTRE SUS DIENTES. FINALMENTE SALE, LA HAGO ESTALLAR EN MI BOCA Y ME MIRO MASTICÁNDOLA EN EL ESPEJO. LUEGO VOY POR LOS OJOS”.

-Issei Sagawa

TXT:: JESÚS SERRANO.

EL

metal ha tenido una connotación con la muerte, el mal y la oscuridad desde sus orígenes. Basta recordar la portada de Black Sabbath (1970), en la cual una figura espectral nos observa fijamente en medio del campo. En este álbum, el tema homónimo nos narra la pesadilla de Geezer Butler, donde satanás lo visita una noche causándole un terror inconcebible.

Pero fue hasta la década de los noventa que la muerte, la violencia, la sangre y las vísceras, se convirtieron en leitmotiv de una corriente musical.

La banda británica Venom grabó en 1982, un álbum titulado Black Metal. En él lograron un sonido crudo y oscuro, cercano al trash de los primeros trabajos de Slayer, y con una temática bastante mórbida.

Este disco inspiraría eventualmente a un grupo de adolescentes que no sólo serían famosos por crear carismáticos personajes, ejecutar música caótica y macabra… o por quemar iglesias, sino también por cometer un par de violentos asesinatos, que añadieron al entonces naciente género musical, un halo de misterio que atrajo a miles de seguidores. Aunque el motivo de los crímenes es aún incierto, en gran medida ayudaron a darle al black metal el toque final de maldad y satanismo que necesitaba, ya que su parafernalia y espectáculo jamás fueron suficientes.

El black metal nació a principios de los ochenta en el noreste europeo, un movimiento inicialmente restringido a un par de bandas

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integradas por jóvenes orgullosos de sus raíces escandinavas, que además estaban inconformes con la Iglesia Católica, pues alegaban que ésta se había encargado de borrar ciertos rastros culturales. Los protagonistas de la historia fueron Varg Vikernes (alias el Conde Grishnack) líder del proyecto Burzum, además de Euronymous y Dead, guitarrista y vocalista de la banda Mayhem respectivamente. Al respecto, Jason Arnopp escribió en 1993 para la revista Kerrang:

“En Noruega, los terroristas satánicos, un grupo siniestro de neo-fascistas aduladores del diablo, están quemando iglesias. Uno de ellos, Varg Vikernes, enfrenta una sentencia en prisión por incendio premeditado”.

Posteriormente la sentencia no sólo sería por destrucción, sino también por homicidio.

La historia ya es muy conocida, manoseada y cada vez se reproduce con menor exactitud, al grado que los detalles varían de un blog a otro y jamás coinciden. Todo inició con el suicidio de Dead, vocalista de Mayhem, quien se abrió los antebrazos y se voló la cabeza con una escopeta. Euronymous encontró el cadáver días después, corrió por una cámara fotográfica desechable para retratar el cadáver (fotografía que posteriormente se uso como portada del álbum en vivo The Dawn of the Black Hearts), y se rumora que recolectó pedazos del cráneo para hacerse

un collar, además de cocinar un estofado con la corteza cerebral que brotaba de la cabeza.

Meses después, Varg Vikernes asesinó a Euronymous: lo que inició como una simple rencilla terminó en un sangriento asesinato. Los motivos son inciertos –no hay detalles esclarecidos–, lo que sabemos es que Vickernes propinó una puñalada en su cráneo, quitándole la vida instantáneamente –hay quienes aseguran que el reporte forense reveló más de veinte puñaladas–. Vickernes fue condenado a prisión, lugar desde donde continuó editando material. En 2009 fue puesto en libertad por buena conducta.

A partir del black metal, se volvió común narrar crímenes atroces y para jugar con una temática y estética gore. La forma y el fondo se fueron puliendo hasta consolidar el goregrind, género cuyo principal tema es la anatomía humana reducida a trizas de forma violenta y brutal. Como muestra del género tenemos Necroticism: Discanting the Insalubrious, un simposio de patologías humanas con paisajes dantescos de un rastro, ocupado por cuerpos humanos mutilados y descuartizados. Los culpables: la banda liderada por Jeff Walker de Carcass. A la lista del goregrind se suman Pungent Stench, Napalm Death, Hemorrhage, GUT, County Medical Examiners (un trío de médicos forenses que en sus ratos libres

hacen sangrar a sus guitarras) y Macabre, quienes elaboraron un álbum totalmente inspirado en Jeffrey Dahmer, "El carnicero de Milwaukee".

Más recientemente, la banda de noise industrial Gnaw Their Tongues editó un EP llamado Issei Sagawa, el cual hace referencia al famoso caníbal japonés que actualmente no sólo goza de libertad, sino de fama y dinero. Esta es una de las pocas agrupaciones conceptuales capaces de transmitir una oscuridad abrumadora, y de erizar la piel con sus paisajes sonoros de ultratumba.

Tampoco hace falta pisar territorios del metal para encontrar historias de criminales desquiciados y asesinos seriales, basta recordar el excelente Murder Ballads de Nick Cave and the Bad Seeds, donde al lado de PJ Harvey, le canta una canción de cuna a uno de los asesinos sadistas necrófilos más memorables de Norteamérica: Henry Lee Lucas.

Y efectivamente… la muerte les sienta bien. A la fecha existen bandas que persiguen un concepto, se toman el tiempo de elaborar una estética y rondan por los cementerios exhumando cadáveres para desmembrarlos y tener sexo con ellos. Después nos narran sus atrocidades en canciones, a veces bien producidas, otras no tanto, todo bajo órdenes de su pastor, un macho cabrío bípedo que luce garras en lugar de pezuñas. M

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DEFONDO::

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45 UNA COSA QUE SÍ PUEDE ENSEÑARNOS LA ESTÉTICA GORE A LOS MEXICANOS ES EL HECHO DE ASISTIR, ABSOLUTAMENTE HORRORIZADOS, AL ESPECTÁCULO DE NUESTRA DOLOROSA ANIQUILACIÓN. T X T : : R A FA E L T O R I Z .

UNA

de las características reconocibles de la estética gore, además de la exageración evidente y el artificio que la constituyen, es la intención de demostrar la vulnerabilidad del cuerpo humano, ocasionando, a través de la mutilación y la sangre, una sensación en el espectador que tiene más de arco reflejo que de reflexión sensible. Por apelar a sensaciones tan primitivas –por valerse un efectismo tan limitado y rastacuero– siempre he considerado tales devaneos del ocio empedernido como petulancias adolescentes que, salvo un par de películas de culto que erotizan a los atolondrados, no merecen mayor análisis que un comentario de banqueta.

Entre otras gracias horribles, el siglo XX demostró, para precariedad de nuestro imaginario simbólico e incluso para dignidad de nuestras neuronas, que la enajenación de buena parte de occidente comunica directamente con la estupidez y la zozobra. Acaso el día de mañana seremos conscientes de haber pergeñado algunas de las expresiones culturales más infames de la historia.

Sin embargo, toda perspectiva, por incómoda o insulsa que parezca, comporta un punto de vista y recorta la realidad, originando disensiones y consensos, bellezas egregias y consumadas patanerías. “A los escritores de este siglo las hadas les otorgaron en la cuna el don de horrorizar a sus semejantes, demostrando de paso que sus semejantes son horrorosos” escribió alguna vez Virgilio Piñera.

El muy oscuro presente en que se encuentra la República Mexicana ha demostrado que, amén de ser un país surrealista, México es también un país de criminales; ciego territorio virulento en el que la vida no vale nada y donde el miedo se ha instalado como el único evangelio (sobre todo fuera del Distrito Federal). Hoy en día caminamos las calles con un temor que atenaza como una sombra, emponzoñando los cielos y enturbiando la mirada. De ser un país alegre –con ese alarido que confunde el grito de dolor con el de alegría– hemos pasado a ser una tierra enlutada y triste en la que nada es lo que parece y donde todo se despeña a un rumbo peor. En estos días aciagos que nos ha tocado vivir, la desesperanza, la impunidad y el abuso son nuestro principal cobijo.

En ese sentido, una cosa que sí puede enseñarnos la estética gore a los mexicanos es el hecho de asistir, absolutamente horrorizados, al espectáculo de nuestra dolorosa aniquilación.

LOS PEDAZOS DEL MUNDO

“El narcotráfico suele golpear dos veces: en el mundo de los hechos y en las noticias donde rara vez encuentra un discurso oponente. La televisión acrecienta el horror al difundir en close-up y cámara lenta crímenes con diseño ‘de autor’. Es posible distinguir las "firmas" de los cárteles: unos decapitan, otros cortan la lengua, otros dejan a los muertos en el maletero del automóvil, otros los envuelven en mantas. A veces, los criminales graban sus ejecuciones y envían videos a los medios o los suben a YouTube

A diferencia de Centroamérica, donde ya es tangible el espanto y la desgracia en todo su horror.

1

después de someterlos a una cuidadosa posproducción. La mediósfera es el duty-free del narco, la zona donde el ultraje cometido en la realidad se convierte en un infomertial del terror”.

El párrafo anterior, firmado por Juan Villoro, ejemplifica perfectamente el pacto roto entre la realidad y sus escenificaciones. Y es que resulta casi tan grave como el hecho la representación que de él se hace: es como si los medios, en un delirio psicópata, le prendieran fuego a los desmembrados restos de un cadáver. Entre otras causas, esa es la razón de que la realidad mexicana hoy se tiña de rojo en horario estelar.

Si se quiere asistir a un espectáculo orgiástico de violencia y depravación basta con abrir las páginas del periódico. Así como en otras latitudes miden la alegría o el descontento, en México contamos con un voraz ejecutómetro, que todos los días exige su pantagruélica dosis de sangre nueva. Tristemente la muerte mexicana, en los últimos tiempos, ha abaratado su precio.

El siguiente párrafo, tomado de un periódico cualquiera en un día cualquiera, resulta más estremecedor que los delirios fílmicos de cualquier cretino: “El primer cadáver se localizó colgando del puente peatonal ubicado frente a la matriz del sistema municipal de Aguas y saneamiento; se trató de un hombre de 25 años con huellas de tortura y un tiro en la cabeza, al que los asesinos disfrazaron de hada. Después apareció el cuerpo decapitado de un hombre fuera del edificio de Salud Municipal. La cabeza se halló dentro de una bolsa de plástico, a unos metros de distancia”.

Poco y nada tenemos que buscar en el gore, toda vez que el mundo mexicano como lo conocíamos se encuentra en añicos, sangrante y mutilado en la mayor parte de su territorio. Somos habitantes de una herida que aún está muy lejos de cerrar; y parece que no hemos sentido todo el filo de la espada. 1

Por terapéutica social, toda la gente que trabajamos en medios, de una manera o de otra, tenemos la obligación política de pugnar por una cura; y con ello no me refiero a maquillar la realidad o intentar tapar el sol con un dedo (para tal actividad ociosa el gobierno se pinta solo), sino de no contribuir a un tremendismo desinformado que no hace sino ensanchar este páramo de horrores y de miedo.

Ante semejantes tecnologías de la violencia, el hecho de asumir el compromiso de estar informado de tiempo completo –cosa que se dificulta bastante por motivos que ahora no enumeraré– resulta ya un hecho revolucionario y de un alto compromiso civil. Sólo si nos proponemos no cerrar los ojos ante la corrupción, la inepcia y el contubernio que campea en la mayor parte de la sociedad podremos aspirar a una vida mejor. A una vida digna.

Por ahora nos encontramos en lo más oscuro del bosque, cercados por bestias y con el ánimo abatido.

Nada queda sino esperar, con las manos aferradas a la antorcha, por llegar con vida al final de la noche. M

ENPORTADA::

LA HIJA BASTARDA

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“SUPIMOS DESDE ESE DÍA -CUANDO TOCAMOS JUNTOS POR PRIMERA VEZ- QUE ESTÁBAMOS HECHOS EL UNO PARA EL OTRO” -Lou Reed Más de Metallica y Lou Reed en

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TXT:: VICENTE JÁUREGUI. FOT:: CORTESÍA DE UNIVERSAL MUSIC.

Hoy faltan nueve días para el lanzamiento de Lulu, el disco creado entre Lou Reed y Metallica, un polémico experimento que se mantiene celosamente guardado en los headquarters de Universal Music. En una época donde es moneda común que los discos se filtren antes de su divulgación oficial, Metallica nos recuerda que su batalla legal con Napster, no fue en vano. Así las cosas, muchos curiosos ya perdimos la cuenta de las veces que hemos entrado al canal LouReedMetallicaTV en You Tube, para escuchar "The View", el único tema revelado de una aventura presumiblemente expresionista. Irónicamente, la recurrencia con que lo hacemos, no se origina por una fascinación inmediata con la canción, sino todo lo contrario: le damos play esperando asimilar su contenido (que nos guste la rola pues).

DESGRACIADAMENTE

y para mal de muchos, las estadísticas indican lo contrario: de las 840,325 personas que hasta el 18 de octubre le dieron click al video, menos de una tercera parte le otorgaron un like (categoría más gringa y maniquea no puede haber). Y no es que apelemos al criterio de los usuarios de YouTube, pero cuando dos dinosaurios del rock yuxtaponen su talento, los llamados diehard fans generalmente defienden a capa y espada a "su" artista... pero en el caso de esta dupla impensable, muy pocos han salido al quite.

Si las estadísticas de YouTube son certeras, cada minuto hay una persona que se toma el tiempo de escribir un comentario, y en cada uno, se adivina un derrame biliar detrás de la pantalla. Como podría suponerse, los enojados no son los fans de Lou Reed –o quizá sí, pero ellos discuten sobre asuntos artísticos en algún café parisino o de la Gran Manzana–, sino los de Metallica; aguerridos y feroces como los lineamientos del trash metal demandan: "¿Qué diría Cliff Burton de esta blasfemia?", pregunta por ahí más de uno. "Mejor hubieran invitado a Dave Mustaine" coinciden otros.

"Sad But True" dicen los más azotados... en fin, está demás comentar que los más indignados hasta se pusieron medio soeces.

Afortunadamente la batalla campal es cibernética, pero al menos arroja una verdad: cuando un fan se siente traicionado, puede ser más peligroso que una novia(o) posesiva(o). Y no se trata aquí de prejuicios trasnochados, de que si la Costa Este rifa más que la Costa Oeste (ese delirio es propiedad del hip-hop), que si San Francisco es más cosmopolita que Nueva York, que si el trash metal es mejor que el art rock, que si los solos de guitarra deben ser técnicos o paranoides, que si el negro es ausencia de color y la sicodelia lo contrario, que si Bay Area Bangers o Exploding Plastic Inevitable.

Por suerte ya no vivimos en los 80, década en que una colaboración entre Metallica y Lou Reed hubiera sido imposible. En el mandato de Reagan, la intolerancia no fue exclusiva de los políticos: en cualquier high school, ser fan de una banda significaba algo parecido a un culto religioso, pues de ello dependía el sentido de pertenencia: elegir la banda "inapropiada" podía motivar una buena paliza y la respectiva exclusión del grupo alfa. Como ejemplo, declararse fan de Velvet Underground era confinarse al club de

los raritos, un exilio que sólo podía romperse al momento de inscribirse en una escuela de arte.

Posiblemente, ni los mismos miembros de Metallica se hubiesen dicho fans de Lou Reed en 1983, cuando regalaban viniles del Kill 'Em All para darse a conocer. Pero los tiempos cambian y los radicalismos terminan por diluirse. Como representantes de géneros e influencias en apariencia distantes, tanto Metallica como Lou Reed tienen al menos un par de cosas en común: ambos son identificados como parteaguas en la historia del rock, y los dos entregaron sus obras maestras hace ya varios años, sino es que décadas atrás.

Como buen "Padrino del grunge", Neil Young decidió invitar a Pearl Jam (la banda menos grungera de Seattle) para grabar el afortunado Mirror Ball. Entonces, qué tan descabellado es que como "Padrino del punk", Lou Reed busque nueva sangre en el imaginario Hetfield/Ulrich, un par que cita a los Misfits como su influencia.

Si nos atenemos a la versión "oficial", este romance de proporciones mitológicas inició hace dos años en el Rock and Roll Hall of Fame, cuando sendas divinidades tocaron juntos por primera vez. Pero sospechamos que el amor no fue a primera vista, aunque Lou Reed se haya puesto hiperbólico: “supimos desde ese día que estábamos hecho el uno para el otro”. Y si así fue, su primer vástago ya es considerado como bastardo por muchos.

No podemos juzgar un disco sin escucharlo completo, pero más allá de la polémica desatada, lo que en realidad hace más ruido, son todas las declaraciones de Reed. En un alarde irrespetuoso, incluso llegó a decir: “esto es lo mejor que jamás haya hecho. Y lo hice con el mejor grupo que pude haber encontrado”. Señor Lou Reed, ¿de verdad es necesario hacer declaraciones tan absurdas? En fin.

Mientras calentamos motores para escuchar el disco, otorguemos el beneficio de la duda y quedémonos con la sensatez de Kirk Hammet, quien de manera prudente se refirió así de Lulu: “definitivamente no es un álbum de Metallica, o un álbum de Lou Reed (…) es algo más. Un animal nuevo, un híbrido”. M

TAN MALO Y MALDITO COMO ÉL MISMO

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"ALGUNAS VECES CUANDO ESTÁS ESCRIBIENDO CANCIONES SÓLO HACES SONIDOS, Y LOS SONIDOS LENTAMENTE MUTAN Y EVOLUCIONAN HASTA CONVERTIRSE EN PALABRAS CON SIGNIFICADO." -Tom Waits

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T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

Stephen Hodges, Un Percusionista Que También Ha Colaborado Con David Lynch, Divide Al Mundo Entre La Gente Que Conoce A Tom Waits Y La Que No: “La Gente Me Pregunta Con Quien He Estado Tocando Todo Este Tiempo. A Veces Se Los Digo. Y Si Me Miran Con El Ceño Fruncido… Bueno, Pues Ya No Digo Nada Más. ¿Quién Coño Puede Explicar A Tom Waits?”.

ESE

hombre nativo de Pomona, California (1949), es la encarnación inversa del mito de Peter Pan: nunca quiso ser niño… ni eternamente joven. Nació para ser viejo y reivindicar los tiempos idos. Se caracteriza por una voz hiper rasposa como salida de ultratumba, además de recrear historias callejeras, muchas de ellas con gente solitaria y desafortunada como protagonistas. Comenzó como una especie de poeta beat atrincherado detrás de un piano mientras bebía litros de alcohol.

Admirador de Bukowski, formó parte de una escena bohemia –nada rockera– que se concentraba en antrillos de mala muerte de Los Ángeles.

Como actor, formó parte de la inquietante estética de Jim Jarmush –fue coprotagonista de Bajo la ley, entre otras cintas–, apareció en un papel pequeño en el Drácula de Coppola y en El imaginario del Dr. Parnassus, del delirante Terry Gillian. Desde sus inicios, Waits se mueve en una zona extraña, esa franja ávida de formas excéntricas del arte, donde ha concebido una música de gran capacidad narrativa y poética, siempre combinada con una experimentación ruda y hosca; de ahí que pueda considerársele precursor de lo que hoy entendemos por lo-fi –hasta una mandíbula de burro ha usado en el estudio–.

En La Coz Cantante –una biografía que incomodó al propio Tom–, Barney Hoskins apunta: “Lleva 40 años poniendo una voz salvajemente lírica, un sarcasmo no menos abrupto y una capa de vaporosa ternura en algunos rincones antes inexplorados por la música popular. Como Bob Dylan, Neil Young y casi nadie más, Waits ha logrado triturar los personajes que le habían asignado para sobrevivirse una y otra vez a sí mismo con regulares estallidos de talento, con la devoción de su público intacta y con la aureola de misterio impecablemente conservada”.

Tom hace una música noctámbula, teatral y llena de metáforas que eleva la cotidianidad a experiencia suprema, mientras su voz ronca parece magma ardiente recién vomitado por un volcán. Al ser tan callejero como ilustrado, este hombre se ha ganado a pulso el calificativo de figura de culto. Pocos artistas equilibran rudeza y misticismo en el mismo cuerpo, además de muchas zonas obscuras entorno a su biografía y movimientos.

De hecho, la vida de este compositor, actor y poeta se divide en un antes y un después: su actual mujer, Kathleen Brennan, lo libró del trago y otros excesos (es célebre su broma en que justificaba su ebriedad diciendo que era el piano el que había bebido), y por si fuera poco, ahora desarrolla sus piezas y proyectos con ella.

Thomas Allan Waits está más allá del bien y el mal. Ha publicado 24 discos, desde que en 1973 editara Closing Time. La amplia discografía de un hombre cuya voz patea como una mula y que hace las veces de lija para el alma, es una oportunidad de penetrar en la intimidad de alguien que ha dicho: "El público es un animal al que es mejor no alimentar”. La obra de Waits se aquilata por discos completos, jamás se conforma con piezas sueltas, pues siempre piensa en álbumes enteros –a la vieja usanza–, y así nos ha entregado

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capítulos igual de conmovedores que chirriantes y profundos; cómo olvidar entonces: Blue Valentine (78), Heartattack and Vine (80), Swordfishtrombones (83), Rain Dogs (85), Franks Wild Years (87), Bone Machine (92), Mule Variations (99) y Real Gone (04). Una selección mínima de sus distintas épocas, comenzando cuando se mostraba como una pianista de taberna, hasta los momentos en que se erige como un crooner maldito, o como el proto-punk que reclutaba a miembros de Primus para que lo acompañaran.

Sin duda, Tom es excéntrico en casi todo. ¿Cuántos artistas pueden rehusar el reconocimiento de tres festivales? ¿de ser la figura musical y personal que sirva de eje de tales eventos? Sólo puede entenderse si se trata de un outsider, de una personalidad elusiva en grado máximo, al que ni gracia le hace que le dediquen Waitstock (Nueva York), Stray-dogs Party (Dinamarca) y Waiting For Waits (Mallorca). Además, ha ganado juicios a quien osa tomar su música para comerciales sin su consentimiento.

Waits es energía incontenible, lo mismo puede acercarse al blues que al music hall; hacer mutar un tango o un vals para luego sumergirse en el ruidismo más primigenio. En 2008, el diario británico The Independent publicó una auto-entrevista en la que mencionó a algunos artistas que han moldeado su vida artística, entre los que se encuentran: “Kerouac, Dylan, Bukowski, Don Van Vliet, Cantinflas, James Brown, Harry Belafonte, Big Mama Thornton, Howlin' Wolf, Lead Belly, Lord Buckley, Thelonius Monk, John Ford, Fellini, Richards, Willie Dixon, Johnny Cash, Hank Williams, Frank Sinatra, Louis Armstrong, Robert Johnson y Enrico Caruso, entre tantos otros”.

Como están las cosas en el mundo de la música, ¿a quién se espera siete años para escuchar un disco de estudio sin perder un ápice de emoción y feligresía? Apenas nos conformamos con el documento de su gira pasada, Glitter and Doom (09), donde no sólo tocó desaforadamente, sino que mostró su talento como contador de historias.

Este año, Tom Waits está de vuelta con Bad as Me (Anti), un disco que abre con su lado más desmadroso (“Chicago”) para transformarse en una especie de Elvis en ácido (“Get Lost”) e incluso regresar a aquellas baladas de “rompe y rasga” para musicalizar amaneceres (“Kiss Me”). Son 13 nuevas canciones, en las que la canción “Bad as Me” presta su nombre al álbum y tiende una red de complicidad con sus seguidores: “Ustedes son tan malos como yo”.

Repito una y otra vez “Pay Me” y más me convenzo de que Bad as Me –como el resto de su obra– posee los atributos que el escritor inglés Nick Hornby otorga en su libro 31 canciones: “Increpa, motiva, da ganas de hacer cosas, ya sea escribir una obra de teatro, cocinar o correr rápido”.

Tom Waits hace que el entorno se cimbre, que nos sintamos en el epicentro de un terremoto mientras sus piezas se hacen eternas. ¿Habrá maldad en ellas? Por supuesto, pero también tantísima ternura y una esencia extraña de placer puro. M

EL ROCKERO PINTOR ¿O ERA AL REVÉS?

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TXT:: JIMENA GÓMEZ. FOT:: CORTESÍA DE UNIVERSAL MUSIC.

“Una historia contada por un idiota, llena de sonido y furia; que significa nada”.

- Macbeth, Acto 5 - Escena 5

HACE

15 años salió al mercado Antichrist Superstar, segundo disco de Marilyn Manson que finalmente lo catapultaría a la fama. Nacido en Florida bajo un nombre tan común como Brian Hugh Warner, pronto se encontró con el lado oscuro de la sociedad americana, con esa deformidad escondida detrás de las cercas blancas. En su autobiografía The Long Hard Road Out of Hell, Manson comienza con la frase: “Para mí, el infierno era el ático de mi abuelo”, después y con mucho más detalle describe este lugar y lo que ahí sucedía: su abuelo era aficionado a la zoofilia y el sadomasoquismo, así que es fácil imaginar lo que el pequeño mansito vio. Por si esto fuera poco, también ha señalado que en varias ocasiones fue abusado por un vecino durante su infancia. Ya en la adolescencia desarrolló una imagen cada vez más extraña, poniendo un énfasis atípico en la apariencia que quería dar, hasta que llegó a la música y la plástica, donde explora la sociedad americana, la putrefacción del pay de manzana enfriándose en la ventana, esperando eternamente ser consumido.

MÚSICA

En 1994, Marilyn conoce a Trent Reznor, y juntos coproducen Portrait of an American Family. Dos años más tarde Antichrist Superstar sale al mercado.

Con letras llenas de enojo, de grotesca honestidad y frustración, Manson le habló al escucha que todos pretendían ignorar, al chico raro que era mejor pasar de largo, y al hacerlo abrió su propio nicho de mercado. En este punto aún se percibía la honestidad de su música; a pesar de que su imagen era sumamente provocativa, la música todavía era lo más importante.

Emulando un tanto a Bowie, el Mechanical Animals implicó un drástico cambio en la parafernalia de Manson: de repente lo vimos ataviado con artilugios glam, y aunque dejó detrás el cuero y la sangre, la música seguía siendo sofisticada y propositiva.

Con el paso de los discos, la estética se fue imponiendo sobre todas las cosas, invadiendo cada nota, cada centímetro de celuloide y básicamente cualquier cosa que pudiera servir como lienzo. Para el lanzamiento de The Golden Age Of Grotesque (2003) la imagen lo era todo, y la balanza entre música y empaque ya estaba innegablemente desequilibrada; cada detalle, desde el disco, los videos, los singles y la gira, todo era una pieza perfectamente colocada dentro de un mensaje visual. Recuerdo los uniformes, la pseudo swástica en la cara del disco, el escenario repleto de iconografía inspirada en el fascismo; recuerdo todas estas cosas, pero quizás, sólo un par de canciones.

Cuatro años después, Eat Me, Drink Me (2007), fue lanzando ante un público frío y desensibilizado a su discurso, y para el 2009, la llegada de The High End Of Low sólo vino a reafirmar lo que muchos ya sabíamos: la música de Manson se había vuelto autocomplaciente, repetitiva e irónicamente, nada impactante.

Ahora, con su más reciente material titulado Born Villain –que será lanzado en el 2012–, Manson parece seguir mucho más interesado en la parte estética de su carrera, prueba de esto el cortometraje epónimo del disco, dirigido por Shia LaBeouf. Se trata de una pieza de poco más seis minutos, donde el protagonista es todo menos la música. Inicia con una escena larguísima calcada de La Montaña Sagrada de Jodorowsky; en algún

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“PUEDES SER JUZGADO COMO PERSONA O COMO ARTISTA, SI LA GENTE ME AMARA ESTARÍA MUY DECEPCIONADO DE MÍ MISMO”. -Marilyn Manson punto comienza la canción, misma que es interrumpida para que Marilyn recite un pasaje de Macbeth, de tal modo que resulta muy difícil enfocarse en la canción. Sin embargo, sería injusto juzgar su último intento con tan sólo escuchar una canción entrecortada; así que será mejor ser pacientes y esperar lo mejor.

ARTE

En 1999, Marilyn Manson comenzó a pintar utilizando acuarela y una improbable combinación de tonos pastel y temas macabros. Esta nueva faceta no es para nada sorprendente, y como venimos comentando, desde algún tiempo atrás la música parecía cada vez más una excusa para la creación de imágenes.

“Hacer arte no es de ninguna manera un hobby, le dedico la misma cantidad, sino es que más, de energía y esfuerzo que a todo lo demás que hago”. Así que con la música en un plano secundario, Marilyn podía dedicarse sólo al espectro visual. Resultado de lo anterior han sido varias exposiciones en diferentes ciudades del mundo, incluida su más reciente, Genealogies of Pain, en la cual colabora David Lynch con una serie de mini cortometrajes que son mostrados junto a las obras, y que se estará presentando el mes de noviembre en la Ciudad de México.

Con su paso por el mundo del arte, Manson creó un movimiento artístico autodenominado Celebritarian Corporation –nombre que también adorna la marquesina de su galería en Los Ángeles–, que ya ha acumulado críticas variadas, desde quienes aplauden su cualidad brut y la pureza del mensaje sobre el objeto, hasta los que califican el arte como menor y señalan que de no ser por su status de celebridad, carecería de lugar alguno en la escena del arte fino contemporáneo.

Lo cierto es que su obra está lejos de ser mala, y su discurso visual es sólido y congruente con su carrera. Desde las brutales letras del Antichrist Superstar, hasta la imprecisa fuerza de sus pinceladas, la visión artística de Manson podría calificarse de muchas maneras, pero nunca podremos decir que carece de furia o pasión. M

Isani Crop failure

Rosario

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The Man Who Eats his Fingers

53 “SI EL ARTE NO ES PROVOCATIVO NO ES ARTE, EN EL MEJOR DE LOS CASOS SERÁ ENTRETENIMIENTO”.

-Marilyn Manson

When I get old

COLUMNAS::

MALINCHEANDO:: TXT:: PEPE SÁNCHEZ CETINA.

TXT:: ARTHUR ALAN GORE.

Twitter: @delamalinche www.loshijosdelamalinche.com

Playboy, periodista de rock y escritor de ficción.

Twitter: @arthuralangore

LA RESPONSABILIDAD DEL ROCK Desde que la música pudo comprimirse en un cable de línea telefónica y compartirse, las etiquetas se fueron al carajo. Categorías novísimas despegaban como cohetes en los noventa. Lo que alguna vez fue alternativo terminó despanzurrándose en una etiqueta recargada de escenas y sonidos sin mucha dirección. La discusión, sin embargo, no gira alrededor de la calidad de las canciones que se aglomeraban, sino justamente, en la identificación de un movimiento sólido que existe dentro de un espectro muy amplio de posibilidades. De un tiempo para acá, todo fue indie, todo fue world music y todo terminó siendo rock.

Acaso sea ésta última categoría la más afortunada, porque ella misma sí es amplia y robusta como para que nos trepemos todos. Es un concepto tan trabajado, ejecutado y magullado que conoce todos los tiempos. A mí se me antoja como uno de esos temas en los que difícilmente puedes estar en desacuerdo; como la paz en el mundo. Siendo francos, nuestra generación premia la actitud rock. Lo irremediable es que también, casi cualquier cosa en esta década incipiente puede serlo. Basta con escuchar un abanico de bandas, estar en desacuerdo con una u otra cosa de la cotidianeidad y ponerle un poco de exceso a la vida.

Antes de que los más dogmáticos se alteren por lo escrito arriba, reconozco y respeto una esfera de valores que tienen historia. La música ha sido megáfono de movimientos sociales. El rock bien entendido tiene un trasfondo de libertad, de lenguaje en clave, éxodos intercontinentales y descubrimiento.

No es de extrañarse que buena parte de lo que escuchamos ahora tenga como elemento en común y sustento armónico el blues. Tampoco es raro que a movimientos como el R&B y el funk les de por ser explosivos y unir –consciente o no– a James Brown con cualquier rapero. A toda esa historia y ese demonial de actitudes, rebeldía y cambios, mi generación tuvo a bien ponerle rock. Y está bien.

Lo que no está tan bien, y es aquí donde entra mi personalísima perspectiva, es que, sí es magnífico que haya un movimiento ideológico y sonoro flexible en el que quepan múltiples manifestaciones de esta generación, la pasada y la próxima, pero no está bien que haya perdido potencia y carácter. Esto no tiene que ver con actitud o con la manera en que se hacen canciones. No se trata de tocar "bien rudo", sino de idea, de actitud frente a lo que le pasa a nuestras ciudades.

Somos una generación que tiene el peso de ser hijos de los jóvenes del sesenta y ocho. No se espera que armemos un pandemónium similar –cualquier victoria sería pírrica frente a las pérdidas humanas–. El contexto es otro; México es medianamente distinto. Sin embargo, tampoco se esperaría que fuésemos el opuesto, el de la total ausencia. No se entienda esto como un reproche podrido. Yo mismo soy parte de esto.

Lejos de lanzar un mensaje empolvado de activismo, y también muy lejos de un llamado eufórico a la revuelta de palos y piedras, no le vendría nada mal a estos tiempos que estuviésemos más despiertos, más al tiro.

El rock, entendido como nuestro pan de todos los días, como la energía que nos lleva a la escuela, así como cualquier manifestación artística en colores o intenciones, tiene la potencia para elevar espíritus en el disfrute de un concierto y en un país maltratado. Es responsabilidad de las bandas generar un mensaje que vaya más allá del relajo. No es hacer de la música algo político: es la pura responsabilidad de quien tiene el micrófono enfrente. El poder de reproducir la voz para ser audible en millones de oídos no debe ser subestimado. Es momento de que las grandes bandas mexicanas se amarren a sus circunstancias. De que seamos público dinámico y astuto para saber que heredamos un barco que hace agua y no hay nadie más para timonearlo. Es tiempo de que el rock demuestre de qué está hecho, y esta generación también. Maestros de las redes sociales, tenemos la oportunidad estelar de hacer del rock una revolución que trastoque la vida cotidiana. Nos toca hacer en este tiempo y con estos acordes una revolución sonora.

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OFF THE RECORD::

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EL PORNO COMO UNA DE LAS BELLAS ARTES “No te vayas a recargar ahí”, me dijo Carlos Camaleón, “está hecho de mierda”. A punto estuvo mi espalda de hacer contacto con aquel pedazo de tela, cuando mi amigo salvó la integridad de mi saco de pana. De un salto me hice para adelante y me eché a reír. “Gracias”, le dije antes de dar otro sorbo a mi tequila.

Era quizá la fiesta de fin de año más extraña a la que nunca hubiera ido. El Cine Nacional, para quienes no lo conozcan, es uno de los pocas salas de exhibición porno que quedan en el DF, quizá el único con un concepto tan estrambótico, porque además de proyecciones de todo tipo de películas pornográficas straight, gay, HMH, MHM, MM, HH y cuantas combinaciones se les ocurran, continuamente ofrece lecturas de poesía, conciertos de rock y actos de performance y bodypaint, por iniciativa de Mando y Mike, dos entusiastas metaleros a quienes se les ocurrió llevar la cultura a aquel submundo, convencidos de que incluso los seres más perversos también se rinden ante el arte.

Yo llegué por invitación de Camaleón, colega escritor, vampirólogo y excelente bebedor que me conminó a sumarme al colectivo Los Viejos Puercos, pléyade de bukowskianos que leían cuentos y poemas con micrófono, en medio de la oscuridad de la sala, mientras a sus espaldas se proyectaba alguna delicia tres equis tipo Cockzilla o una adaptación porno de Batman. Aunque no les pagaban, les daban de beber.

Los aquelarres tenían lugar los miércoles de 4 a 6 de la tarde.

La primera vez que fui, ingresé temeroso al cine, entre cuyos pasillos sus visitantes solían desplegar los más indecibles actos de lascivia. Incluso, recuerdo que retrasé hasta donde pude mi primer viaje al baño, convencido de que quizá no regresaría con vida de aquel inframundo enclavado sobre Avenida Fray Servando.

Conocí a personajes memorables como Cerebro, que en uno de sus performances invitó a que alguien de la concurrencia le practicara una felación mientras leía un poema… y lo consiguió. Agathokles, poeta del arrabal que gritaba como loco en el micro, emulando a los legendarios beatniks. Sadomasochrist, banda de metal que en más de una ocasión hizo vibrar al nacional con su música mientras proyectaban películas sado, y Frida con Todo Mi Odio, bellísima performancera que a la primera provocación se desnudaba, embelleciendo con sus múltiples tatuajes aquella alcantarilla donde ni Dios se atreve a poner un pie.

El último miércoles de 2010, Mando y Mike nos organizaron un brindis. Aquello parecía la fiesta de fin de año de alguna convención de extraterrestres. Actrices, músicos, poetas y degenerados bajo un mismo techo.

Tuvo lugar en un apartado que fue adaptado como galería, dentro del Nacional, para exponer su obra gráfica. Casi estuve a punto de “arruinar” un cuadro pintado con excremento cuando Camaleón me advirtió que no me acercara.

Y tres cervezas después, yo lo salvé de que se recargara en el cuadro de enfrente… pintado con sangre menstrual.

BAJO PRESUPUESTO::

EL CUADERNO AMARGO

TXT:: HUGO GARCÍA MICHEL .

T X T : : PA O L A T I N O C O .

Columnista de Milenio Diario y director de La Mosca en la Red. www.facebook.com/hgmichel

Escritora Twitter: @paolaticono

ROQUERITOS SANGRONES POESÍA EN VOZ ALTA: Uno de los síntomas más evidentes del infantilismo que durante años ha padecido el rock que se hace y se deshace en México, es su sempiterna sangronería. Muchos (¿demasiados?) de los roqueros, cumbiancheros, poperos, baladeros, gruperos, skaseros y demás especímenes que pueblan el curioso mundillo del rockcito nacional, se especializan en ser eminentemente sangrones, tanto que en ese sentido podríamos considerarlos gores… y no por sangrientos, sino por su espesa y pesadísima hemoglobina. Tres casos en especial ejemplifican lo que planteo.

1. El caso de los apelativos. Por alguna extraña razón, una buena parte de las bandas mexicanas, al presentar a sus integrantes, se limita a mencionar sus nombres de pila, así, sin apellidos, como se estila entre los grupos más plastificados del pop. Cuando los entrevistan o deben identificarse, lo hacen como Aldo, Pipo, Waldo, Arsenio, Cristóbal, Pompilio, Pedrito o cualquier nombre sin apellido. ¿Es una manera de aceptar su anonimato o de decir que forman parte de un grupo y que por ello las individualidades poco importan? No, nada que ver. Su egocentrismo y su altanería (palabra que rima con patanería) jamás les permitiría semejante actitud. Es, tan sencillo como eso, una mera sangronería. Porque creen que su solo apelativo basta para ser conocidos y reconocidos. Si al escuchar los nombres de John, Paul, George y Ringo los asociamos con los Beatles, ¿por qué no podemos relacionar a Billy, Rodrigo, Rubén y José con, digamos, Motel? Pues porque para ser reconocidos por el simple nombre de pila hay que haber logrado una real trascendencia. En el rock que se hace en México, decir Saúl nos remite de inmediato al caifanesco y jaguaresco chamán Hernández, y decir Rita nos hace remontarnos a la imagen de la recién desaparecida cantante de Santa Sabina. Pero son muy escasos los que pueden destacar con nada más que su simple nombre, despojado de patronímico. Quienes lo pretenden desde la medianía de su escaso o nulo talento no son más que unos… sangrones.

2. El caso de los gestos. Pídanle a un roquerito mexicano que pose para una foto, y de inmediato pondrá en funcionamiento todo un arsenal de caras y gestos que en otro contexto nos haría pensar en una persona oligofrénica y seriamente dañada de sus facultades mentales.

Quién sabe por qué extraña razón o por cuál retorcido mecanismo que se dispara en el interior de sus cerebritos, los músicos de rock nacionales (y de otras nacionalidades, hay que decirlo), en cuanto se enfrentan a la lente de una cámara fotográfica, gustan de adoptar posiciones corporales retorcidas, acompañadas de señas de los dedos y gestos faciales que van desde el arqueamiento de las cejas, hasta el fruncimiento de la nariz y la apertura máxima de la boca para dejar salir la lengua. Esto es “muy roquero”, piensan (es un decir), y de ese modo se muestran de las más ridículas y grotescas maneras. Se trata, sin dudarlo, de otra manifestación de irremediable sangronería y una muestra de infantilismo que raya, como mencioné líneas atrás, con la oligofrenia.

3. El caso del divismo. Graba un disco, aparece en un videoclip, Es entrevistado en Telehit, forma parte del elenco del Vive Latino o simplemente súbete a un escenario y con ello bastará para sentirte toda una diva. Ese es al menos el razonamiento que se hacen muchísimos roqueritos mexicanos y que los hace cambiar su comportamiento de la noche a la mañana para transformarse en sangrones por antonomasia que miran de arriba a abajo al resto de los mortales, desprecian con arrogancia a los periodistas y creen que la humanidad entera debe rendirse ante ellos.

Sujetos como estos sobran en la escena del rockcito nacional. Divismo, ¡cuántas sangronadas se cometen en tu nombre!

En fin. La enorme sangronería de los roquerines mexicanos produce tal cantidad de hemoglobina que la hace digna de un filme de Darío Argento. Se trata, no cabe duda, de un fenómeno plenamente gore.

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LA POESÍA MUTANTE

Uno de los géneros literarios más golpeados es la poesía. Y cuando hablo de trancazos me refiero a todo: tirajes mínimos de impresión, venta de libros, recepción en librerías y duración en la mesa de novedades, recursos económicos para producir eventos que incluyan poetas, en fin. Por donde veamos, parece que hubiera una ley en contra de promover tan noble género.

Como todo lo que se trata de hacer desaparecer, sin embargo, la poesía resiste y florece. Sale por donde puede, como el pasto en las grietas del asfalto o las raíces de los árboles que rompen banquetas ahí está, mutando para acercarse a la gente. Un ejemplo claro de esto es Poesía en Voz Alta, encuentro de escritores y performanceros que se realiza año con año en la Casa del Lago, con una propuesta de José Luis Paredes (Pacho para los cuates que lo conocen desde sus días de rock, como integrante de la Maldita Vecindad y los hijos del quinto patio) quien dio una vuelta de tuerca a la tradición de lecturas y charlas literarias que se organizaban a principios de los años sesenta, cuando este centro cultural universitario era dirigido por Juan José Arreola. Pacho se dio a la tarea de conseguir un elenco que experimentara en el escenario para obsequiar al público una nueva forma de escuchar poesía, y los resultados han sido hordas de jóvenes –y no tan jóvenes– llenando la Casa del Lago para escuchar poesía musicalizada, recitada, cantada, rapeada, teatralizada y un largo etcétera.

He de confesar que no era asidua visitante de Casa del Lago, pero una vez convencida por los artistas que invitaron este año, no me perdí un show. Los poemas sonorizados por músicos de fama internacional como Serge Teyssot-Gay, guitarrista del grupo de rock francés Noir Désir, o la obra de teatro de cámara Jerk, la poesía electrónica de Michel Bulteau, o la de estilo tanguero interpretada por Jorge Fondebrider y Tomás Gubitsch, sin dejar fuera la sesión inglesa con Simon Armitage o el show de los mexicanos Morocco: La palabra ladra y Vestigios, de Sandra Lorenzano musicalizada por Jimena Giménez Cacho.

Poesía en Voz Alta no es una presentación de libros, tampoco es un concierto como tal. Ni siquiera se cierra a otros géneros narrativos, quizá sea por eso que lleva siete años y un desfile de estrellas en ese lapso.

Uno de los eventos más concurridos y comentados en su historia fue la presentación de Michel Houellebecq el año pasado, que visitó México por primera vez gracias a la invitación de la Casa del Lago, y que junto con Alonso y José María Arreola dio una lectura musicalizada inolvidable de poemas que no se le conocían en nuestro país. Tampoco olvidaremos sus pasitos de baile en el escenario. Esperemos que pronto haya noticias de este gran escritor que hasta el cierre de la edición de esta revista, no había noticias de su paradero.

Siete años, siete festivales, siete encuentros de amigos y de desconocidos que enriquecen la escena cultural de la Ciudad de México, y nos convocan hasta a los que no somos doctos en materia poética. Si no lo vieron este año, no se preocupen, ya se está cocinando el del próximo año.

Y mientras, seguimos con festivales literarios: Hay Festival en Xalapa, con la participación de Richard Ford, Ricardo Piglia y Martin Amis entre otros; Feria del Libro de Oaxaca, que siempre promete (y cumple) buenas mesas de conversación y mezcal –este año dedicada al cine– y la siempre esperada Feria Internacional del Libro de Guadalajara, cuyo invitado especial es Alemania y tiene invitados de la talla de Mario Vargas Llosa, Herta Müller, Peter Stamm y otros grandes de la literatura latinoamericana y europea.

Por si fuera poco, la FIL festeja sus bodas de plata con los lectores. Allá nos bebemos pues. Ah si, nos vemos, me dicen acá.

CINE::

TXT:: JIMENA GÓMEZ.

G U I O N I STA S L LO R O N E S , N A R R AT I VA Y U N A I N C I P I E N T E A M I STA D

HABLAR CON ROBERT MCKEE ES INTIMIDANTE. CUALQUIERA QUE ALGUNA VEZ HAYA PRETENDIDO O DESEADO ESCRIBIR UN GUIÓN, CONOCE –O DEBERÍA CONOCER– SU NOMBRE. DURANTE MÁS DE LA MITAD DE SU VIDA, ROB (ASÍ NOS LLEVAMOS ÉL Y YO) SE HA DEDICADO AL ESTUDIO DEL CINE, ESPECÍFICAMENTE A SU ESQUELETO NARRATIVO, O PARA DECIRLO EN CRISTIANO, AL GUIÓN. EL RESULTADO DE TODO ESTE CONOCIMIENTO SE ENCUENTRA EN STORY, LIBRO CONSIDERADO COMO LA BIBLIA DEL GUIONISMO. ROB ES CONOCIDO POR LA SERIE DE SEMINARIOS QUE DA ALREDEDOR DEL MUNDO, ASÍ COMO POR SU LARGA E IMPRESIONANTE LISTA DE ALUMNOS, AUNQUE TAL VEZ, USTEDES LO RECUERDEN POR SU APARICIÓN EN EL LADRÓN DE ORQUÍDEAS, DONDE UN PERSONAJE ESTÁ BASADO EN ÉL. EN ESTA CINTA, LA SECUENCIA DONDE EL PSUEDO MCKEE SE DIRIGE A UN GRUPO DE GUIONISTAS, ES TAMBIÉN INTIMIDANTE. APROVECHANDO SU MÁS RECIENTE VISITA A NUESTRO PAÍS –EN LA QUE IMPARTIÓ UN SEMINARIO DE GÉNEROS CINEMATOGRÁFICOS Y OTRO DE GUIONISMO PARA TELEVISIÓN–, TUVE LA OPORTUNIDAD DE HABLAR CON ÉL. EL MIEDO A DECIR ALGO ESTÚPIDO FUE UNA CONSTANTE EN ESTA LARGA PLÁTICA, AFORTUNADAMENTE, ES DIFÍCIL DECIR ESTUPIDECES CUANDO HAY MUY POCAS OPORTUNIDADES PARA HABLAR. Y CUANDO ALGUIEN QUE COBRA MILES DE DÓLARES PARA SER ESCUCHADO NO TE DEJA HABLAR, UNO SE CALLA. ¡¿QUIÉN IBA A DECIR QUE ESTE SERÍA EL INICIO DE UNA HERMOSA AMISTAD?!

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Usted es conocido como el gurú del guionismo…

Rober McKee: Yo no soy el gurú del guionismo, me han… me dicen así, pero me parece que el término, más que ser halagador para mí, es despectivo para mis estudiantes, pues parece decir que ellos absorben sin cuestionar y ese no es el caso. (Después de esta puntual aclaración, vuelvo a comenzar; esta vez por el principio, el principio narrativo, claro está). ¿Qué debe tener una buena historia?

RM: La capacidad de crear interés –emocional e intelectual– y sostenerlo.

Esa es la cualidad de cualquier narración, ya sea una película, una novela o una obra de teatro; debe sumergir a la audiencia en una experiencia profunda, de modo que despierte curiosidad real por la vida de los personajes, todo esto sin parar por horas. Y al final, esa experiencia tiene que ser satisfactoria.

Si no hace eso, todos los demás atributos que pueda tener, no importan, se vuelven irrelevantes. El punto es, crear la sensación de haber experimentado partes de la vida que nunca podrías experimentar por ti mismo: verla de un modo distinto y ajeno a ti, para que de alguna manera, se vuelva tuyo; reír de cosas que nunca antes pensaste que fueran graciosas… todo en orden de expandir su humanidad más allá de sus propias vidas.

Para que esto ocurra, se debe crear un momento de análisis personal en cada miembro de la audiencia, darles cosas nuevas y frescas, de otra manera se aburrirán. Más allá de la experiencia, se debe crear un una sensación interna, emocional e intelectual que no se haya tenido antes.

Entonces, ¿de qué debe hablarnos una historia, de experiencias verdaderas o ideales?

RM: Esos conceptos no son contradictorios (me aclara amistosamente Robbie), se puede mostrar un ideal sin dejar de mostrar una verdad, un ideal lleno de verdad. Las tres opciones que se tienen son retratar al mundo idealista, pesimista o realística –ésta última contiene todas la anteriores–, y cada una de estas perspectivas tiene el potencial de captar una verdad hermosa. El mundo real es todas esas cosas; a veces la gente es muy noble y generosa, o criminal y cruel, pero la mayoría del tiempo hay un balance… a veces se gana, a veces se pierde, nunca es una sola cosa.

En varias ocasiones has dicho que la narrativa, en especial las películas, son una herramienta civilizadora…

RM: La vida no nos enseña a vivir, la narrativa lo hace. Una historia honesta nos hace mejores seres humanos, nos obliga a analizar nuestra vida, nuestras relaciones, y eventualmente nos hace más civilizados. Cuando la narración es mala la sociedad será decadente.

El cine en todo el mundo está decayendo. Hay algunas buenas cintas cada año, pero no es la norma. El cine se ha vuelto egoísta, complaciente. Las porquerías son toleradas, e incluso buscadas.

La primer cosa en la mente es hacer dinero, es algo que la sociedad, el cine incluido, nos ha enseñado: consíguelo como sea, haz lo que sea, repite cada cliché, no te esfuerces, hazte rico, hazte famoso. Esa enseñanza está peleada con el arte, con este tipo de valores es excepcional hacer arte. Pero yo no puedo hacer nada al respecto: sólo enseño el oficio, e intento marcar estándares, eso es todo.

Si el guión, y por lo tanto el escritor tiene tanto potencial e impacto en la sociedad, ¿cuáles son sus obligaciones?

RM: Muy buena pregunta. Tiene la obligación de ser honesto, de ser excepcional. Puede que no sean buenas personas, puede que sean hijos de puta; pero cuando un guionista se sienta a escribir se transforma en un ángel. Cualquier artista, cuando se pone a crear se debe convertir en el mejor ser humano que pueda ser: el más inteligente, el más audaz, el más empático. Si esto se consigue, el trabajo será hermoso.

GUIONISTAS CHILLONES

El guionista tiene este poder y esta capacidad, entonces ¿cómo es que no tiene más crédito por su trabajo?

RM: Primero que nada, esta es la típica pregunta de llorones quejumbrosos.

(risas nerviosas).

RM: ¿Por qué el pobre e ignorado guionista no se lleva el crédito? (dice Mckee con un burlón, pero amistoso tono). Es una pregunta pasada de generación en generación, entre lloriqueos sin sentido. Es una idea tonta y falsa; dos tercios de Hollywood son televisión, no cine, y los escritores tienen todo el poder, ellos escriben y son los productores –con todo el crédito y el dinero que eso implica– ese es un ámbito donde el guionista es clave.

En el cine es otra cosa porque la colaboración deber ser mayor y con muchas más personas. La diferencia entre un "buen filme" y un "gran filme" es el director, pero la diferencia entre tener una "gran película", o no tener película en lo absoluto, es el guionista. Todos saben que no pueden ir a ningún lugar sin un escritor, el director lo sabe, los actores lo saben y todos están constantemente buscando una historia genial con grandes personajes, esa es la base de todo.

Los medios les dan la atención a directores y actores, pero éstos saben que sus carreras no valen nada sin escritores. Así que no es tan malo como parece, de verdad no lo es.

VER CINE COMO NIÑOS

Según tu estética, las películas no se deben analizar…

RB: Sí se deben analizar, la cuestión es cuándo. La primera vez que disfrutas una hermosa película no la analizas. Recuerdo la primera ocasión que vi El Padrino, no estaba ahí sentado pensando en cámaras o en el clímax, sólo estaba disfrutando la experiencia. Te transformas en un niño, observando y absorbiendo. La segunda vez es el momento, en mi opinión, de preguntar; de ver lo que se hizo y cómo se hizo.

LA MENTE Y NO LA ENTRAÑA

Aprovechando que te tengo aquí amigo mío, (esta última frase puede o no haberse dicho en voz alta), quería preguntarte acerca del cine gore, y es que –a comparación de todos los demás géneros–, no encontré muchas opiniones tuyas al respecto…

RM: Es un efecto, una técnica del cine de terror: poner lo interno afuera.

Es una manera de impactar; en el género de terror hay dos cosas que se intentan provocar: una de ellas es el terror extremo y la otra es horrorizar.

En la última se trata de sacudir el estómago, provocar repulsión. Y el gore es parte de esto, yo lo llamo “la sensación de asco,” es una técnica válida.

Pero para mí es demasiado fácil, yo prefiero trabajar con la mente y no con las entrañas: hago que la audiencia imagine la sangre y la carne en lugar de mostrárselas, me parece que es más poderoso. M

MCKEE TE DICE QUE VER EN TV Después de terminar la entrevista, y ya con la grabadora apagada, Rob y yo nos quedamos a charlar casualmente, como sólo dos amigos lo pueden hacer. En esa plática me contó de sus series favoritas de TV. Aquí sus recomendaciones.

Breaking Bad

Weeds

The Sopranos

Damages

Boardwalk Empire

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CINE::

CINE DE HORROR EN EL MUNDO TXT:: ERICK ESTRADA.

NORMALMENTE, LOS FESTIVALES DE CINE NECESITAN SATISFACER A UNA LARGA LISTA DE EXIGENCIAS, EN CUANTO A GUSTO Y PREFERENCIAS, PERO EXISTEN TAMBIÉN AQUELLOS QUE SUELEN ESPECIALIZARSE. HAY FESTIVALES CON PROPUESTAS POLÍTICAS Y SOCIALES MUY MARCADAS: CINE HECHO POR INDÍGENAS, POR MUJERES O DE TEMÁTICA GAY. SIN EMBARGO, EN LOS FESTIVALES ESPECIALIZADOS EN EL CINE DE TERROR, HAY ALGO QUE LOS VUELVE ENORMEMENTE COMPETITIVOS Y EXIGENTES CON LAS PELÍCULAS QUE EXHIBEN, ADEMÁS DE QUE SON TAN DIVERTIDOS, COMO UN PASEO POR UN PARQUE DE ATRACCIONES HECHO A LA MEDIDA. ESTA

es una pequeña lista de los mejores festivales de cine de terror en el mundo, contando por supuesto con las propuestas mexicanas, hoy mundialmente reconocidas.

FESTIVAL MÓRBIDO DE CINE FANTÁSTICO Y DE TERROR

Se lleva a cabo a finales del mes de octubre en Tlalpujahua, Michoacán, y es probablemente el festival de cine de terror más importante en México, no solamente por su capacidad de convocatoria y la poderosa lista de invitados que suele presentar, sino porque es un festival que ha conseguido ramificar su espíritu a otras ciudades (incluidas algunas en países extrangeros como Costa Rica), además de mantener su presencia los 365 días del año, con propuestas alternas en radio, televisión e Internet. ¿El plus? Cuentan con un sentido del humor no retorcido, sino algo más.

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MÓRBIDO MÉRIDA

Este año, su segunda edición tendrá lugar del 10 al 13 de noviembre y cuenta con una oferta complementaria a su progenitor, el Mórbido de Tlalpujahua.

Contarán con una sede principal ubicada en el teatro Armando Manzanero, una joya arquitectónica estilo art decó. Mórbido Mérida cuenta con un apartado de clásicos del género, una lista importante de invitados especiales y un concurso de cortometrajes de terror y artes gráficas para jóvenes creadores. ¿El plus? Habrá exhibiciones gratuitas, estrenos regionales y tacos de cochinita ensangrentada.

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINEMA FANTÀSTIC DE CATALUNYA

De manera popular se le conoce como Sitges y es, simplemente, el primer festival de cine fantástico del mundo. Es uno de los que cuenta con mayor renombre, entre otras cosas por haberse convertido en descubridor de talentos. Es el festival al que todo verdadero amante del cine fantástico y de terror debe peregrinar, por lo menos una vez en su vida. Los medios de comunicación, especializados o no, reconocen su peso y año con año reportan desde este “Cannes del terror”, todo lo que invitados como Quentin Tarantino, Sir Anthony Hopkins, Jodie Foster, Paul Verhoeven, Ralph Fiennes, George A. Romero, Terry Gilliam, Rutger Hauer, John Landis, Joe Dante, Dino de Laurentii, David Cronenberg, Darren Aronofsky, John Woo, Park Chan-Wook, Johnnie To, o Tarsem Singh tienen que decir. ¿El plus? Barcelona está a la vuelta de la esquina.

THE NEW YORK CITY HORROR FILM FESTIVAL

MACABRO, FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE HORROR DE LA CIUDAD DE MÉXICO

Tuvo su origen en 2002, de manera independiente para difundir y promover cintas clásicas y trabajos contemporáneos. Después de 10 ediciones se convierte en la cara del género para la Ciudad de México. Tiene la particularidad de rescatar tanto a clásicos como a autores de culto: Takashi Miike, Shinya Tsukamoto y Carlos López Moctezuma entre muchos.

Este año, Macabro contó con secciones competitivas y estrenó en México la controvertida cinta El vampiro y el sexo, que mezcla cine de luchadores –con el mismísimo Santo–, cine de terror y un desfile de desnudos femeninos que en su época se convirtieron en mito en este país. ¿El plus? Lo tenemos más que al alcance.

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En 2011, cumple 10 años de llevarse a cabo a lo largo y ancho de la isla de Manhattan, muy al estilo del Austin City Limits. Exhiben entre 50 y 60 películas cada octubre en días cercanos a Halloween. Tienen una renombrada sección competitiva que incluye Mejor Película, Cortometraje, Fotografía, Efectos Especiales, Actor, Actriz, y por supuesto, el Premio del público, duro y muy exigente. Entre los ganadores del festival –que es también el más grande en Estados Unidos (hablando de terror y ciencia ficción)– están George A. Romero, Mick Garris, Roger Corman, Tobe Hooper y Robert Englund. ¿El plus? Hay fiestas y funciones con el 100% de la audiencia enfundada en un disfraz.

FANTASTIC FEST

Aunque se lleva a cabo en varias locaciones en Austin, Texas, su sede central suele ubicarse en el mítico Alamo Drafthouse, que según Entertainment Weekly, es el mejor cine de todo Estados Unidos. Más allá de las películas que exhibe o los invitados con los que cuenta, esta celebración está empapada del espíritu de una ciudad con una vida cultural activa, lo que lo establece al nivel de festivales como Cannes o la Berlinale, aunque esté centrado en la ciencia ficción, el cine fantástico y, por supuesto, el de terror. ¿El plus? Lo dicho, se lleva a cabo en el mejor cine de Estados Unidos.

FRIGHTFEST

Cumple 12 años y ahora se realiza cada agosto en el West End de Londres.

Es un festival de premieres, es decir, muchas de las películas del género son (o desean) ser exhibidas aquí antes que en otros lados. La calificación del jurado y público, la recepción y los resultados en este festival suelen ser un gran indicador del futuro de una película en la cartelera comercial. Aunque cuentan con el tache de haber dejado de lado la exhibición de A Serbian Film (presionados por el municipio de Westminster), también fueron bautizados por Guillermo del Toro (presente en dos ocasiones) como el “Woodstock del gore”. ¿El plus? Su sede central es el famoso e impresionante Empire Cinema.

BRUSSELS INTERNATIONAL FESTIVAL OF FANTASTIC FILM

Entra sin duda en la lista de imperdibles, y van ya por su edición 30. Eso los convierte en uno de los festivales especializados con más tradición. Por si eso fuera poco, es un evento que llama la atención de toda la ciudad y no es extraño encontrar paquetes de viaje planeados específicamente para asistir al festival, como quien disfrutando las apuestas y el box planea todo un año para viajar a Las Vegas. En su edición 2011, exhibieron desde Balada triste de trompeta de Alex de la Iglesia, hasta Rammbock (extraña fantasía zombi en Alemania) y Troll Hunter. ¿El plus? Su desfile zombi es de los más respetados.

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VISCERA FILM FEST

Imaginen que tienen todo lo anterior, pero en una organización sin fines de lucro. Aquí se busca abrir oportunidades a realizadoras femeninas, aquellas en busca de un cambio en sus roles dentro de la industria del cine, todo nutrido por la visión de directores, artistas, escritores y fotógrafos. Se apoya en varias ramas dentro del cine de terror, particularmente en el cortometraje. De ser seleccionado, el cortometraje en cuestión será promovido por TODO EL MUNDO a través de los contactos del Viscera Film Fest. ¿El plus? Es la especialización de la especialización dentro de la especialización. M

TALLER::

BABY YOU CAN DRIVE MY CAR

2012

YES

I'M GONNA be a STAR

Con su línea deportiva y juvenil, The Beetle muestra una personalidad única, flamante y rockera.

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and MAYBE I'LL LOVE

you

Su nuevo diseño, creado por Walter Da Silva y Klaus Bischoff, retoma las conocidas curvas de este clásico, pero les imprime velocidad y poder.

Cuando de sonido se trata, puedes usar tu iPod, iPhone y tarjetas SD para musicalizar cada uno de tus viajes, además gracias a su avanzado sistema touch screen, el control está en la punta de tus dedos.

BEEP Beep'm BEEP

BEEP

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Con 6 bolsas de aire, sistema de antibloqueo de frenos ABS, sistema de control de tracciรณn (ASR), sistema de control electrรณnico de estabilidad (ESC) y cinturones de seguridad de 3 puntos, podrรกs estar seguro mientras lo disfrutas al mรกximo.

YEAH!

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Ahora que ya sabes todo esto ยกes momento de acelerar! Gracias a su motor TSI 2.0L de 200 Hp. y transmisiรณn DSG de 6 velocidades con paletas de cambio al volante; a este escarabajo lo verรกs volar.

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CÓMIC::

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ARTE::

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FOTO SENSACIONALISTA TXT:: LEONORA MILÁN.

LA FOTOGRAFÍA DE ENRIQUE METINIDES ES PODEROSA E IMPACTANTE. AUNQUE SON ADJETIVOS COMUNES, SON LOS MEJORES PARA DESCRIBIR EL GÉNERO EN QUE SE ESPECIALIZÓ Y TRABAJÓ POR DÉCADAS: LA FOTOGRAFÍA DE NOTA ROJA. ADEMÁS, SON PALABRAS QUE VAN DE LA MANO CON LOS OBJETOS DE ESTA DISCIPLINA, ES DECIR, LOS ACCIDENTES Y LOS INCIDENTES POLICIACOS. LA DIFERENCIA ES QUE, EN EL TRABAJO DE METINIDES, ESTE PODER Y ESTE IMPACTO SE TRANSMITEN AL ESPECTADOR NO POR LA VIOLENCIA DE LA IMAGEN, SINO POR SU BELLEZA.

NO

cualquier fotógrafo (extendámonos, no cualquier artista, sea cual fuere el género en que se trabaje) logra retratar muerte, desastre, catástrofe o accidente consiguiendo que la imagen obtenida atraiga al espectador. Lo conquiste. No cualquiera puede enfrentar a su público cara a cara con la muerte y dejarlo pidiendo más.

Hoy en día la tecnología –que no perdona disciplina alguna– ha permeado de forma tal en la fotografía, que a veces nos cuesta trabajo creerle.

La posibilidad de retoque, modificación y reconstrucción digital de los archivos nos hace pensar, cuando nos enfrentamos a alguna imagen inverosímil, que estamos viendo algo falso; algo trastocado, algo construído. Qué fácil sería dudar de Metinides si siguiera fotografiando hoy... qué fácil sería pensar que la hermosura que expone en su obra es algo insertado, algo artificial que transforma lo que en la realidad resulta espeluznante. Pero cuando nos cae el veinte de que todo su trabajo es real, sólo nos queda asombrarnos; sobre todo al enterarnos que fue realizado hace décadas, cuando estas posibilidades mentirosas de la teconología aún no existían, cuando el talento de un fotógrafo bastaba para que lo horroroso pudiera ser bello.

Enrique Metinides –mexicano de origen griego– ha tenido una carrera larga; su primera fotografía fue publicada cuando apenas tenía 12 años (dos años después de que comenzara a fotografiar accidentes viales), después asistió un tiempo a otro fotógrafo de nota roja, para posteriormente cumplir él mismo con esa labor durante 30 años en nuestro país. Su archivo, por lo tanto, es vastísimo y muy diverso –se calcula que abarca la cantidad de 14 mil negativos–; esta enorme cantidad, sin embargo, no depende solamente del tiempo dedicado a su labor fotográfica, sino también a la prioridad. Metinides trabajó en estrecha relación con la policía y la Cruz Roja, quienes le permitían colarse a lugares donde sólo los paramédicos podían llegar, asegurándose así el estar presente en momentos críticos de los incidentes que retrataba.

Parte importante de dicho archivo consiste en fotografías de desastres de tamaño mayor: accidentes aéreos, trenes volcados, autobuses

desbarrancados, edificios destruidos. Desde luego, todas ellas son brutales; lo que impresiona no es sólo la magnitud del incidente, sino la cantidad de mirones que rodean la zona del percance. México es un país amante del gore, pero del gore en vivo, en tiempo real; al ciudadano promedio pocas cosas le gustan más que acercarse a una zona de accidente, disminuir la velocidad con la esperanza de avistar aunque sea una gotita de sangre, un fragmento del horror que vive el implicado.

Volviendo a la obra de nuestro fotógrafo, me atrevo a emitir opinión y afirmar que sus trabajos más importantes, los que más se quedan en nuestra memoria, son los que muestran gente; personas víctimas de accidentes, ya sean sobrevivientes, fallecidos o familiares que lidian con lo ocurrido. Es en ellos donde realmente brilla Metinides como el artista que es, al encontrar paz donde resulta obvio que sólo puede haber dolor, al plasmar belleza para sustituir la impresión negativa que nos causarían estas imágenes, vistas a través de cualquier otro ojo.

Y es precisamente eso... es el ojo privilegiado de Metinides lo que le ganó un reconocimiento como artista, a pesar de haber construido su carrera en publicaciones como La Prensa, Alarma y Crímen; lo que le hizo pasar del tabloide y el periódico amarillista a ser expuesto y manejado por varias galerías alrededor del mundo –incluso hasta el día de hoy–; lo que le garantiza ser recordado como aquél que capturó la muerte de una forma sublime, al grado que quienes pueden la exponen en sus salas, en sus estudios, en sus dormitorios.

Qué fácil sería juzgar a los mirones a quienes Metinides retrató una y otra vez, tacharlos de morbosos y regodearnos en nuestra decencia de ver un accidente y seguir de largo, sin espiar. Sin embargo, vale la pena preguntarse si los fans del fotógrafo no caemos en una categoría similar, y qué tanto la justificación de la belleza, del arte involucrado, nos permite ser mirones a una distancia prudente, marcada por los años y por el papel fotográfico que convierte al accidente en un simple recuerdo. M

ARTE::

4 tipos de sangre. 4 artistas gore.

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Lady bathory

“Soy fotógrafo dedicado al horror. Mi trabajo frecuentemente trata con los miedos psicológicos de la infancia.”

EUA www.joshuahoffine.com

Isolation

JOSHUA HOFFINE

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mujeres muertas ashley

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Slip, 40''x60'', Oil on Panel, 2006.

75 ASHLEY HOPE

CANADÁ www.ashleyhopeart.com

“Mi arte es acerca de vivir con ansiedad; la ansiedad de la muerte, del animal humano y sus muchas complejidades. Es acerca de no creer en dios, de lidiar con la vida y la muerte sin la narrativa religiosa. A pesar de lo que la gente piensa, hacer mis obras me recuerda cuanto amo este brillante, colorido y brutal universo. ”

Más de estos artistas en

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“He trabajado principalmente en crear ambientes en miniatura, donde seres imaginarios y decadentes evolucionan, delegan, consumen y excretan.”

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MARK POWELL

AUSTRALIA www.markpowellart.com

JESSICA HARRISON

INGLATERRA www.jessicaharrison.co.uk

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Broken Series (7)

“Esta serie comenzó de manera indulgente, casi como una fantasía infantil: jugar con la porcelana buena, esa que es guardada bajo llave. Detrás de esta idea se encuentra mi verdadero interés e intención; los objetos por dentro, descubrir nuevas capas en nuestra relación con los objetos cotidianos. Las figuras ya existen, son hechas por millares, objetos familiares, nociones de decoración. Yo abro la porcelana, dislocó miembros, separó la piel, rompo el frágil y frío cascarón. La nueva escultura existe paralelamente a la vieja, como un objeto que pedía ser tocado, y que evidentemente fue tocado.”

DECULTO::MÚSICA

EL PUNK DEL COPRÓFAGO TXT:: Alejandro González Castillo.

ESCENA I

ESCENA II

Es el verano de 1993 y el alcohol ronda generosamente entre las comisuras de quienes brindan con un tipo que parece encontrarse profundamente dormido. Las bromas que tienen lugar alrededor de éste, son las que suelen jugársele a los borrachos que extravían la razón demasiado temprano, así que algunos se toman fotos con ese cuerpo en calzones y con botas picudas hasta las espinillas. El rostro del inconsciente, hinchado y amoratado, posee el incómodo gesto que lucen quienes pagan con pesadillas sus insanas melopeas, sin embargo, ese sujeto, llamado GG Allin, jamás despertará para aliviar su cruda. Está muerto. Y lo que sus compinches celebran con risotadas es su funeral. En realidad, el occiso llegó tarde a su cita con la muerte; sobre su pezón izquierdo tiene tatuada la frase “live fast” y bueno, el tipo hizo su mejor esfuerzo yéndose a estrechar la pezuña del demonio a los 36 años de edad, aunque demasiado tarde si se considera que sus días estuvieron atascados de sangre, drogas, excremento y punk rock. Si algún personaje en la historia del rock & roll puede ser denominado gore, ese debe ser GG Allin. A su lado, todos lucen como cachorros temblorosos mamando de la teta de su madre.

Sobre el escenario, un grupo se empeña en ejecutar un punk de lo más gamberro. Al frente, GG Allin escupe blasfemias al micrófono. Desnudo, presumiendo un cuerpo plagado de tatuajes confeccionados en algún taller de mofles, amedrenta a la multitud que lo observa incrédula hasta que baja de la tarima para sujetar del cabello a una chica y así llevar su cabeza directamente hacia su pene. “Bit it, you scum!”, grita sin parar. Algún osado le arrebata a la chica, pero en la operación se lleva unos cuantos puñetazos como recuerdo. Frustrado, el “cantante” deambula por el local, buscando cómo entretener a esa horda de facinerosos que pagaron por verle. Entonces, sin previo aviso, les da la espalda a los asistentes y se caga.

Sí, defeca. El grupo que lo acompaña sigue tocando, como si aquel acto fuese tan normal como practicar stage divin, y el público, lejos de taparse la nariz y fruncir el seño, alienta cada pujido emitido por quien ya se arrodilla para tragarse el bulto hediondo que recién arrojó para luego embarrárselo en todo el cuerpo (poniendo especial atención en las mejillas). Con la boca atascada de heces fecales, Allin arroja un poco de materia fecal a quienes vociferan insultos. El ambiente apesta, pero el público luce encantado.

La fiesta de despedida

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El rock & roll

Después de todo, quien asistía a un concierto de GG se hacía acreedor a distorsión y rabia, pero también a unos cuantos golpes y, bueno –por qué no– un pequeño trozo de mierda.

Escena III

Fluidos eléctricos y corporales

The Murder Junkies, Texas Nazis, The Drug Whores, The Toilet Rockers, The Criminal Quartet, The New York Superscum… el número de grupos que acompañó a GG en diversos momentos de su vida fue tan aparatoso como las excentricidades de éste sobre las tablas. ¿Nombres célebres? Los hubo también: J Mascis, Dee Dee Ramone, Wayne Kramer y Thurston Moore se rasparon los dedos con aquel gamberro y habría que darles una medalla, porque aguantar tal ritmo no era sencillo, ya que cuando no estaba pasando una temporada en la cárcel, Allin ocupaba la cama de alguna sala de urgencias o se encontraba lo suficientemente drogado como para articular una estrofa. Y ya en directo, ¿qué tal soportar el trote de un sujeto que a la menor provocación se rayaba el tórax con latas de cerveza o, si no encontraba algún embase para herirse, usaba el micrófono como mazo para con él abollarse el cráneo? Hablando de heridas, jamás hubo trucos; azotarse contra el suelo hasta sangrar era un recurso común durante el espectáculo, así como hacerse de palabras con el público para finalmente terminar en un zafarrancho donde lo mismo corrían ríos de sangre que de orines. Porque golpear y orinar a este punk era de lo más común. “Es una forma de hacer comunión con el público”, argumentaba el recién bañado al respecto. Es decir, aquello era amor por los fans, no pequeñeces.

Escena IV

Los antecedentes y los créditos finales.

¿De dónde venía ese tipejo que deambulaba por las calles neoyorquinas a deshoras, ladrando necedades, buscándose problemas, desnudo y con una consistente capa de inmundicia cubriéndole los cachetes? Jesus Christ Allin nació en 1956, en Boston, y fue bautizado con ese nombre debido a que su padre juraba haber recibido la visita de un ángel, quien le dijo que su hijo sería una suerte de Mesías. Finalmente eso ocurrió, porque con el paso del tiempo no faltaron desequilibrados que celebrasen los modales de un adicto a la heroína que tras formar parte de The Jabbers, decidió crear a The Scumfucs, con quienes crearía su primer hit en las coladeras: Eat My Fuc. Es cierto que poco se ha hablado del perfil artístico de este sujeto, así que, más allá de analizar su legado discográfico (prácticamente no existen bifurcaciones en su rasposo cancionero; puro punk agreste) desmenucemos una de sus más célebres obras gráficas, titulada Blood, Shit & Sum, un collage de texturas y colores compuesto precisamente por… ejem, pensándolo bien, mejor dejemos de lado esos tiernos balbuceos artísticos y, sin ánimo de defender al engendro más amorfo que ha creado el punk, apuntemos que en algún momento de su existencia, el coprófago, misógino y drogadicto fue evaluado psicológicamente. Entonces, Jesus Christ Allin fue diagnosticado como un masoquista y narcisista con un desorden de personalidad. Nada especialmente grave, ¿cierto? o, ¿algún lector podría arrojar la primera piedra y gritar que bajo su cráneo no se aloja alguna de estos “desórdenes”? M Más de este tema en

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Existe un documental filmado por Todd Phillips titulado GG Allin and the Murder Junkies. En él, hay escenas con actuaciones de Allin, entrevistas con él y su hermano y compañero de banda Merle. La cinta salió en 1994 y fue reeditada en DVD en 1997.

El funeral de Allin fue una fiesta salvaje, con sus amigos posando con el cadáver, poniéndole drogas y alcohol en la boca. Al final, su hermano le puso un par de cascos en los oídos con una copia de The Suicide Sessions. El video del funeral es uno de los materiales extra del DVD Hated.

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E N I C

DECULTO::CINE

GORE La mutilación es el mensaje

A

TXT:: Andrei Vásquez.

pesar de que ahí están, nadie busca mensajes en el gore, sino sangre nítida, miembros cercenados y descuartizamientos. El gore, como herramienta, busca sacar tanto nuestros instintos más básicos, como aquellos que no podemos expresar –y mucho menos ejercer– libremente. El gore es un respiro, o quizá un desahogo de la mente humana.

EN

1963 nace Quentin Tarantino y Lee Harvey Oswald le dispara de John F. Kennedy; ese mismo año, el mercado engendra oficialmente al cine gore con el estreno de Blood Feast, del director Herschell Gordon Lewis.

En esos tiempos, gracias a la facilidad de rodar con bajo presupuesto, docenas de hombres de negocios a lo largo y ancho de Estados Unidos se convierten en productores de nudies, cintas hechas con el único fin de mostrar mujeres desnudas de la manera más explícita posible. Dentro de esa primera rodada sale Gordon Lewis, un publicista venido a realizador, que si bien sigue filmando nudies, pronto entiende que el público jamás perderá interés en el morbo, se trate de filmar desnudos o sangre humana.

Un día, después de filmar una soft porn más y aprovechando su día de descanso, Lewis decide rodar una película más arriesgada: se aleja del cuerpo femenino para transformar la sangre, los miembros amputados y las vísceras en protagonistas impersonales. Para sorpresa de muchos – incluido Lewis–, el filme se convierte en un éxito. Sin importar que la trama y las técnicas empleadas fueran pésimas, el filme dejó algo bastante claro: la gente no sólo resiste mucha brutalidad, además, la pide y la disfruta.

Blood Feast no es una obra maestra, pero logra sentar las bases de la estética gore y todo lo que ella traería al cine en los años venideros. La necesidad de banalizar la carne, de quitarle importancia a la sangre, de disfrutar de nuestra existencia absurda, encuentra aquí su nicho.

Sin embargo, podríamos decir que el inicio del gore es bastante más antiguo y europeo. Hay que mencionar que George Meliés, también participó en este nacimiento con el cortometraje Cirugía de fin de siglo (1902), donde utiliza una consulta médica para llenar de miembros amputados la pantalla; y si retrocedemos en el tiempo, específicamente a la ciudad de París durante el amanecer del siglo XX, las obras del Theatre du Grand Guignol son todo una referencia del género, con su espectáculo dramático, chorros de sangre falsa y una brutalidad que es apenas, un esbozo de las torturas y los descabezamientos que la raza humana viene practicando desde muchos tiempo atrás.

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Con esos antecedentes, no es una sorpresa que el rastro de sangre llegara a las cintas que Lewis filmó en los 70, cuando el género comenzó a producirse como pan caliente, ya que además de satisfacer y provocar las más bajas necesidades humanas, el gore es altamente redituable: poca inversión = buenas ganancias.

Así, ya sea el terror que provoca George A. Romero con su Night of the Living Dead (1968), o las rebanadas en The Texas Chain Saw Massacre (1974) de Tobe Hooper satirizando al norteamericano del medio oeste, la sangre siempre cubre las intenciones críticas del autor, pues en nuestro deseo de sangre se encuentran nuestras venganzas secretas, nuestros odios olvidados pero, sobre todo, nuestro rencor hacia la conciencia de la descomposición inevitable del cuerpo.

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HELLSING

NIGHT OF THE LIVING DEAD

CANNIBAL HOLOCAUST

En este sentido, Cannibal Holocaust (1980) de Ruggero Deodato, lleva al espectador hasta el extremo con tal de provocar indignación: un grupo de documentalistas quieren retratar las costumbres primitivas de los aborígenes del Amazonas, pero son sensacionalistas; provocan incendios, orillan a los nativos a comportarse agresivamente y, como era de esperarse, terminan devorados.

El problema de la cinta de Deodato era su verosimilitud, la cual tuvo cargos judiciales por acribillar una tortuga, rebanar el cráneo de un mono y acuchillar una rata: en aras de autenticidad cinematográfica, pasó seis meses en prisión, y a cambio satisfizo a los espectadores con una ajuste de cuentas cumplido ante nuestra mirada. Nuestra sed de revancha fue consumada porque, al final del día, todas las venganzas son la misma venganza.

Por otro lado y alejándose completamente de la verosimilitud, quienes mejor han aprovechado la estética gore se encuentran en el cine asiático, con gente que camina con los intestinos de fuera y la cabeza cortada. La farsa, esas risas con cada chorro de sangre, nos ayuda a asimilar el placer de contemplar cadáveres, de asimilar la tragedia de todos los cuerpos, que tarde o temprano quedarán sin vida. En este terreno van adelante realizadores como Takashi Miike –quien ha tenido gran influencia

TEXAS CHAIN SAW MASSACRE en directores norteamericanos– hasta los filmes y las series de anime gore, como Hellsing o Elfen Lied, que mantienen extasiados a los otakus del mundo.

El gore, con su intención de engañar a los sentidos, de hacer creer que los hombres pueden ser cortados a la mitad y expulsar muchos litros de sangre de manera explosiva, con su eterno amor a las vísceras, a la venganza y a la carne, ha marcado el cine, y quizás más significativamente, ha ampliado nuestra tolerancia mientras disminuye nuestra capacidad de escandalizarnos.

Hace poco más de 10 años, el doctor Giacomo Rizzolatti, realizó un experimento que consistía en colocar electrodos en el cerebro de un macaco, con lo cual descubrió que el área que se activa el comer un plátano, es la misma que se estimula cuando mira a otro agarrar un plátano. Son las neuronas espejo. Este hallazgo arrojó luz sobre nuestra empatía con la ficción y, sobre todo, el porno. Cuando vemos a un hombre penetrar a una mujer, nuestro cerebro piensa: soy yo. ¿Y en el cine gore? Imagina esto: la zona de tu cabeza que se activa cuando ves una decapitación falsa, es la misma que se accionaría si estuvieras ante el filo real de un hacha.

¿Cuál es el mensaje, entonces, de la mutilación? Que podría tratarse de tu cabeza. M

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ARTE LETAL DECULTO::ARTE

¿Audaces o perversos? ¿Enfermos o visionarios? A estos artistas no les tiembla el pincel a la hora de retratar la violencia en todo su esplendor.

E

TXT:: Regina Zamorano

xpresiones de intenso dolor y de éxtasis; sangre, vísceras, cadáveres y piel humana. Estamos a punto de entrar en el mundo de creadores que han decidido plasmar las pasiones más bajas en sus obras. Podemos llamarlos de todo, menos aburridos. Aquí una muestra de lo mejor del arte que no se hace llamar gore, pero vaya que se parece.

ORGÍAS Y CANIBALISMO LA HERENCIA TERO JAPONESA UENSCPALLAOCFERNÍO No podemos hablar del gore sin referirnos a los japoneses y su maestría del horror.

En el siglo XIX vivió Tsukioka Yoshitoshi. Él fue uno de los últimos guardianes de la tradición del ukiyo-e –la técnica ancestral de estampas japonesas grabadas en madera– la cual normalmente representa escenas de la vida cotidiana, actores de teatro Kabuki, luchadores de sumo, paisajes y mujeres.

Pero Yoshitoshi era mucho más creativo: hacia 1860 hizo una serie titulada “28 asesinatos famosos en verso”, también llamada muzan-e (“cruel” o “atroz” en japonés), en la que representó escenas de tortura, kimonos ensangrentados, decapitaciones, fantasmas y otras monerías.

Se dice que los japoneses colgaban estas terroríficas imágenes en sus casas para sentir un placentero escalofrío en los calurosos meses de verano. ¿Será? Yo prefiero un ventilador.

Hoy podemos admirar el legado de Yoshitoshi en películas japonesas; una de ellas, falsa snuff, se llama precisamente Muzan-e (1999) –y claro, en las de Tarantino–, pero también le ha servido de inspiración a dibujantes de mangas e ilustradores, como Kazuichi Hanawa o Suheiro Maruo.

Fuera de Japón, el artista Trevor Brown se apropió de esa estética para retratar niñitas macabras y pervertidas que chupan paletas de sangre o se sacan los intestinos con una espada. Lindo.

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El O.M. (Orgy Mystery) Theater es un performance de varios días que el artista austríaco Hermann Nitsch organiza esporádicamente en su castillo.

Sí, su castillo.

En medio de campos y viñedos, se congrega una audiencia de hasta 100 personas para participar en un ritual sangriento, sadomasoquista, mitológico y cruel.

Todo es parte de un guión, pero hay mucho lugar para la improvisación, pues el artista/director induce a los invitados a beber vino hasta hartarse, saltar desnudos sobre animales abiertos a la mitad y sacarles las tripas, crucificar a alguien, embadurnarse de sangre, sacrificar toros y bailar al ritmo de la música que él mismo compone.

El resultado es un festín en honor a Dionisos que busca liberar los traumas de los participantes a través de una intensa catarsis, además de celebrar y afirmar la vida

Nitsch, de 73 años, ha escenificado su O.M. Theater en varias ocasiones desde principios de los 60, cuando pertenecía al movimiento de los accionistas de Viena. En 1998, al cumplirse su performance número 100, llevó a cabo un ritual de este tipo que duró seis días enteros. En sus cuadros también utiliza sangre de animales y de menstruación, y ha dicho que quisiera usar un cadáver humano en alguna de sus obras, tal como usa los de animales.

Pero el artista chino Zhu Yu ya se le adelantó. En el año 2000, causó horror al comerse un feto humano que se robó de una escuela de medicina. Su obra llamada “Comer gente” causó bastante asco, incluso a él mismo y aunque se puso muy salsa arguyendo que “ninguna religión prohíbe el canibalismo”, confesó que vomitó después de engullir semejante tentempié.

“LE ROBARON LA CARA”

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También en nuestro país se cuecen las habas del morbo. El artista mexicano Omar Rodríguez Graham vio mucho más que nosotros en el ¡Alarma!, ya que de ahí sacó los modelos para su serie de pinturas de 2007 y 2008. Rodríguez elegía las fotos más sangrientas de choques, asesinatos, torturas o ejecuciones del periódico y hacía un vívido retrato al óleo, como en sus cuadros “Divide”, “Le robaron la cara” o “Reposo”.

El artista ha declarado que no quería saber quién era el muertito ni su historia, de este modo guardaba distancia y transformaba los cadáveres degollados en simples formas geométricas.

A pesar de que alguna vez declaró que era tanta la violencia en nuestro país que no podría pintar flores porque se sentiría falso, ahora pinta caballitos…

GORE+CHIC=VERY CHIC Ése es el eslogan de la marca SkinBag, creada por Olivier Goulet, un artista y diseñador francés, quien –siguiendo la tendencia fashion de Buffalo Bill en El silencio de los inocentes– se preguntó: “¿Por qué esconder nuestra piel bajo la ropa cuando podemos vestirnos con piel humana?”

Su idea de que tarde o temprano seremos uno con la tecnología lo llevó a crear una membrana de piel humana sintética, que utiliza para sus instalaciones y su línea de ropa y accesorios.

Según el sitio web de la marca, la atracción que sentirás hacia este material es instintiva, como cuando deseas acariciar a un “bebé o una mascota”, aunque también admite que a algunos les provoca cierta repulsión.

Entre las curiosidades que puedes adquirir en su página hay mochilas, portafolios para laptop, faldas, pulseras, chalecos, sacos, tazas para sorber tu té y hasta vestidos de novia con todo y ramo.

Los artículos se hacen a mano y vienen en piel amarilla, negra, roja, rosa y azul; las puedes pedir con marcas especiales o escarificaciones. También hay bolsas en forma de cabeza humana, pero los sesos se venden por separado. M Más de este tema en

www.marvin.com.mx/mas

M A R V I N R E C O M I E N D A

Mala leche para destruir el optimismo LEVÁNTATE.

Tom Waits Bad as Me Anti

Pero sólo hazlo si quieres de verdad, no porque eso signifique tu única alternativa.

Y entonces atrévete a cantar. Aunque, espera, no recurras a actos baratos, eso de ponerte bajo el chorro de la regadera a lastimar tu garganta porque sí, no vale. Sé valiente: párate de la cama y dirígete a un estudio de grabación para juntarte con Keith Richards y David Hidalgo,–sí, ese par de sujetos que forjaron sus canas con The Rolling Stones y Los Lobos- y graba un disco. Arréglatelas para confeccionar trece canciones luego de pasar siete años sobándote la barriga. Encuentra el modo de lucir novedoso ante una generación denominada indie que apenas conoce tu apellido y sal a las calles con la frente bien arriba porque, después de todo, ¿tú qué diablos tienes que demostrarle al mundo, si a diario te miras al espejo y te reconoces como Tom Waits?

Unta alientos de acero con tu voz más lacerada –esa que recuerda a Screamin’ Jay Hawkins- y llama “Satisfied” y “Chicago” al amasiato; compórtate ligeramente psicodélico en “Raised Right Man” y con “Get lost” úntale grasa a tu copete e insinúate rockabilly. Más tarde, ponte dubitativo y distante al ritmo de “Face to the Highway” y hiérete a ti mismo diciendo “Pay Me”; luego, recuerda a Roy Orbison en estado etílico con “Back in the Crowd”, pero no te excedas de miel, mantén tu halo de locura intacto y anúnciate como la mosca flotante en esa apetitosa cerveza denominada “Bad as Me”. Más tarde, solicita un ósculo en “Kiss Me”, pero hazlo con la aspereza del vinil como fondo y sin caer en la vulgaridad del romanticismo. Y ya al final, sin lágrimas que te ensucien, considérate la última hoja del árbol a dúo con ese Rolling Stone de apellido Richards. Y tú, lector, ten valor también. Párate de la cama y escucha “Hell Broke Luce” en este, un disco para machos, un álbum para aquellos que saben que la vida se arruga, que va mucho más allá de las gotas que arroja la ducha matutina.

T X T : : A le j andro G on z á le z C as t illo .

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R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1

FEIST METALS Universal

THE WAR ON DRUGS

¿Qué relación puede haber entre una canción tan deliciosa como “The Circle Married” y otra tan provocadoramente intensa como “A Commotion”? ¿Qué es lo que emparenta a un tema así de suntuoso como “Bittersweet Memories” con otro tan lánguido y conmovedor como “Anti-Pioneer”? Una sola palabra, una sola persona, una sola mujer, una sola artista, una sola compositora y cantante: Feist. Esta singular canadiense, de pasado y presente à la Broken Social Scene, como solista es una de las personalidades más fascinantes del folk rock actual y lo confirma con este su cuarto álbum, todo un reto después de haber grabado el extraordinario The Reminder en 2007.

Metals es una joya de creatividad, sutileza, inteligencia y desafío.

También de experimentación y de sorpresas. Leslie Feist no da concesiones. Su nuevo disco es una maravilla. Tal vez el mejor que ha producido en poco más de una década de carrera.

EMILY HAINES KNIVES DON’T HAVE YOUR BACK

Otra de las sisters dentro del club Broken Social Scene y un disco debut espléndido.

METRIC FANTASIES

Eclecticismo musical a la canadiense, un tanto enfermo pero gozoso (Help, I’m alive!).

Hace ocho años, los guitarristas y cantantes Adam Grabduciel y Kurt Vile se conocieron en la ciudad de Filadelfia y unieron sus talentos musicales. Fanáticos de la música de Bob Dylan, empezaron a escribir canciones y dos años más tarde se juntaron con el tecladista Charlie Hall, el bajista Dave Hartley y el baterista Kyle Lloyd para conformar The War on Drugs y grabar, en 2008, su álbum debut: el estupendo Wagonwheel Blues. Sin embargo, la lucha de egos llevó a Vile a dejar la banda, para seguir una muy prometedora carrera como solista y Gradduciel reformó al grupo. Fruto de este reajuste es Slave Ambient, un trabajo impecable con el cual el líder del cuarteto lleva al extremo sus ideas de juntar polos musicales opuestos, con guitarras y sintetizadores en un mismo nivel (como si Bruce Springsteen se uniera con New Order). Una propuesta interesantísima y con resultados francamente gratos.

BOB DYLAN BRINGING IT ALL BACKHOME

T X T : : H ugo G arc í a M ichel .

¿Atari Teenage Riot? ¿Acaso aún existe aquella banda berlinesa de finales de los noventa que hacía electro? ¿rock vertiginoso y salvaje?

Pues sí. Doce años después de su impactante disco The Future of War, el proyecto encabezado por el demencial Alec Empire regresa con este álbum apabullante que parecería haber sido producido en 1998.

La característica más importante de este nuevo opus de ATR es, de manera paradójica, que mantiene el viejo sonido de la agrupación, que continúa produciendo ese estilo cyber punk furioso y contestatario, a pesar de que para muchos, a estas alturas del siglo veintiuno, podría resultar un tanto demodé. Con todo, se trata de un trabajo muy disfrutable, altamente punzante, con una tensión que se mantiene a lo largo de casi tres cuartos de hora. Vale la pena, aunque parezca un tanto nostálgico.

IS THIS HYPERREAL? DOWNTOWN

Como una de las “hermanas” del colectivo canadiense, Feist tuvo una gran participación aquí.

T X T : : H ugo G arc í a M ichel .

SLAVE AMBIENT SECRETLY CANADIAN

ATARI TEENAGE RIOT

BROKEN SOCIAL SCENE FORGIVENESS ROCK RECORD

T X T : : H ugo G arc í a M ichel .

El antiquísimo álbum de 1965 con el que Dylan se volvió enchufado y revolucionó al folk… y al rock.

THE BYRDS FIFTH DIMENSION

Una cumbre del folk psicodélico.

Nada más y nada menos. Gracias, David Crosby.

KURT VILE SMOKE RING FOR MY HALO

Este disco confirma que la salida de Vile de The War on Drugs benefició a la banda, pero también al propio Kurt.

THE CLASH SANDINISTA!

La protesta llevada al límite de lo ambicioso y lo confuso, aunque con buenos temas.

APHEX TWIN HANGABLE AUTO BULB

Un EP de breakbeat a plenitud.

THE PRODIGY THE FAT OF THE LAND

Salvaje hardcore electrónico, de “Smack My Bitch Up” a “Firestarter”. Incendiario.

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R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1

Austin TV Los caballeros del albedrío Terrícolas imbéciles

A esta banda del DF le persigue su condición de rara avis en el rock nacional; a su favor tiene esa personalidad y sonido inconfundible, pero también le trae consigo limitaciones para oxigenar su propuesta. Esa era la misión: expandir su música sin perder por ello autenticidad. Y lo intentaron a través de un disco doble, en el que Hán, el primer volumen, es el menos predecible: es más lento de lo habitual, incluye piano, cuerdas y algunos vientos, pero conserva ese carácter cinemático que tanto los fortalece. En el segundo, Séeb, están los temas ya conocidos por sus directos y que foguearon por largo rato, como “El hombre pánico”, dedicada a Jodorowsky. Detrás de cada composición hay un sistema complejo que les da estructura, pero esto no debiera ser más que una anécdota colateral al resultado. Han crecido como ejecutantes y agregado mayor instrumentación (cosa que deberían tomar en cuenta quienes se sienten encasillados). Este es un LP lleno de recovecos interesantes, casi de orfebrería (“Despierta Wendy”), de exploración guitarrera (“Dick Laurent está muerto”, “Quedarse es morir”) y energía desatada (“Caballeros del albedrío”).

Explosions In The Sky Take Care, Take Care, Take Care

Referencia obligada, poseen coincidencias más que evidentes.

Mogwai Hardcore Will Never Die, But You Will

En asuntos del post-rock: los maestros. Su estela está caliente por el Corona Capital.

Yann Tiersen Dust Lane

Al francés también le dio por reunir ecos clásicos con rock.

T X T : : Jaime A cos ta .

The Field Looping State of Mind Kompakt Germany

En su tercer álbum de estudio –afortunadamente titulado Looping State of Mind–, la música de Axel Willner evoluciona como si se tratase de una espiral, con la finalidad de sumergir al escucha en la tónica del álbum: estructuras rítmicas construidas ad infinitum, acompasadas por la presencia de pequeñas repeticiones, loops o simples fragmentos melódicos, que le otorgan una sensatez casi pacífica a cada composición. Quizás el único punto débil de este álbum sea la duración de algunas piezas, “It's Up There” o aquella que da nombre al disco, terminan por ser cansadas al sobreponer elemento tras elemento, sin dejar claro el enfoque de la composición. Fuera de eso, en sólo seis canciones se conjuga el dinamismo y la frescura del techno, con la espacialidad etérea y casi perpetua del ambient. Efectivamente, el músico sueco lo ha logrado de nuevo. Esta es música con dinamismo emocional y una precisión metódica envidiable.

T X T : : L uis A rce .

"¿Where were you before you even existed?" es la frase con la que abre el universo contenido en Hurry Up, We’re Dreaming.

Las palabras se dicen entre sintetizadores, y comienza un viaje a través de la existencia, desde antes de su nacimiento, hasta que estalla como una supernova danzante en su propia órbita.

M83 Hurry Up, We’re Dreaming NOISELAB RECORDS /MUTE

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Justo como el título dice.

Ulrich Schnauss A Strangely Isolated Place

Hipnótico como Looping, pero dulce y amigable como un día soleado.

Seefeel

Quique Una obra maestra. Sus dimensiones pueden aumentar nuestra percepción sobre el trabajo de The Field y artistas similares.

SYNTAKS YLAJALI

Otro clavado a un mundo dificil de explicar de manera racional.

Es difícil traducir Hurry Up, We’re Dreaming a las palabras y a la sintaxis, puesto que va mucho más allá de ellas, se trata de sonidos mezclados de tal manera que escapan todas nuestras reglas racionales. Anthony González se olvida de la gravedad, del peso y del pasado para concebir una obra que resuena y atrapa eternamente a quien logre sumergirse en ella.

COCTEAU TWINS LULLABIES TO VIOLAINE:

Escuchar este álbum es comprender la sinestesia: la música se convierte en colores que llegan perfumados a la punta de la nariz y de un par de audífonos se disparan luces que sueltan emociones infinitas al espacio.

AIR FRANCE NO WAY DOWN

T X T : : E rika L epiav ka

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Purple Confusion The Sound of the Atom Splitting

SINGLES & EXTENDED PLAYS Los primos lejanos de M83.

Un EP lleno de sonidos que botan por el aire.

R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1

S.C.U.M Again Into Eyes Mute

MGMT LateNightTales NEWS, UPC

Si tu hermano toca en The Horrors y el vocalista de tu banda es novio de la hija de Bob Geldof, al menos ya es seguro que reciben tu demo en Mute Records. Pero si en tu presskit dices que tu sonido es tan original que no tienes ninguna influencia, una de dos: o creen que eres un loco egocéntrico o el nuevo genio que el rock esperaba. Ni tan para allá ni tan para acá, S.C.U.M. es una banda inglesa integrada por un puñado de casiadolescentes pálidos que suenan como si Peter Murphy aún tuviera credibilidad (antes de salir en Crepúsculo), o como si a alguien aún le importara lo que hace. Aunque no les gusten las etiquetas, el grupo claramente suena a ese punk bien tocado donde no hay vómito, ni estoperoles, y sí mucho glam y ese toque artsy que vuelve locas a las chicas que se sienten curadoras de arte. El disco tiene grandes momentos como “Amber Hands” o la intensa “Whitechapel”, el resto del material es el repaso de rigor a los sonidos new wave de toda la vida.

TXT:: A le j andro M ancilla .

La serie de compilados LateNightTales, es una buena oportunidad de indagar en el “yo interior” de las bandas invitadas, quienes seleccionan sus canciones favoritas en un mix, lo cual equivale literalmente a escarbar en el iPod o estante de discos de quienes protagonizan cada compilado. En la selección del disco dedicado a los gustos particulares de MGMT, se demuestra el buen gusto para ir del folk al shoegaze y el punk, pasando por el pop sicodélico, de una manera sutil y nada forzada. Imagino a los integrantes del dueto rehaciendo su lista una y otra vez, como suelen hacerlo los clavados en la música. El mix incluye a Suicide (evidente influencia estilística y conceptual en MGMT), The Velvet Underground, Spacemen 3, Julian Cope y otras joyitas, además de una versión inédita, realizada especialmente para el disco por los mismos MGMT de “All We Ever Wanted Was Everything” de unos Bauhaus en su mejor momento.

T X T : : A le j andro M ancilla .

A Flock of Seagulls Homónimo

Ambos tienen un nombre pretencioso y eficaz. S.C.U.M. significa “Society For Cutting Up Men”, frase atribuida a una activista que intentara matar a Andy Warhol.

The Horrors Primary Colours

“Mi hermano tiene una banda con sus amigos… ¿podrías escuchar su disco?” Rhys Webb de The Horrors en la oficina de Mute Records.

Times Square OST Architecture & Morality

El mejor soundtrack new wave post punk que he escuchado. Incluye lo mismo a XTC que a Gary Numan, Ramones y The Ruts.

Air LateNightTales

Dentro de la misma serie, destaca el disco curado por Air. El mix ideal para poner en la sala mientras tomas una cerveza obscura, aunque detras de tu ventana, el mundo se acabe.

MGMT Congratulations

Un buen disco, que no ha sido apreciado en su justo valor por quienes querían una copia al carbón de su debut.

2 Many DJs As Heard on Radio Soulwax Pt. 2

Si quieres escuchar un ejercicio de creatividad más que una selección, esto está "más acá".

CUBENX ON YOUR OWN AGAIN

INFINÉ

Vive en Puerto Vallarta y seguro se la pasa clavado en su cuarto haciendo música. Si bien por momentos peca de minimalista, este disco fluye cobijado por melodías bipolares y atmósferas delicadas, secciones rítmicas bien logradas (como el bajo a la Colder de "These Days" y sus ecos new wave) y desdoblamientos experimentales. El sonido de Cubenx nos hace pensar en un proyecto atemporal que no cae en la nostalgia gratuita: es un retrato de la electrónica con estructura pop, con guiños al afterdark y al catálogo de This Mortal Coil. Destacan “Lovebirds” con su loop obsesivo y una línea de voz un tanto fuera de lugar (que justo la hace interesante) y “Grass”, un muy buen tema, profundo y melancólico, con beats bailables y reminiscencias de The Art of Noise. Un buen disco de música ambiental y algo más, que no cae en la monotonía y que es apto para bailar entre las sombras, pero también para escuchar en los audífonos con el sol a todo lo que da. Por cierto, este proyecto de César Urbina ha sido muy bien recibido en Europa, demostrando que a veces no es necesario voltear tan lejos.

T X T : : A le j andro M ancilla .

Silvania En cielo de océano

Dos peruanos afincados en España, que combinaban shoegaze con ambient hasta que formaron el combo techno pop Ciëlo.

Seekers Who Are Lovers You Are the Pride of Your Street EP

Tienen nombre de canción de Cocteau Twins y con eso basta.

Mongolia Múltiples utilidades

Efímero proyecto mexicano que entre sus curiosidades, tenía un cover muy eficiente de "Cozumel", original de Cerati-Melero.

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R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1

Mayer Hawthorne How Do You Do? Universal

Modeselektor Monkeytown Monkeytown Records

Un exponente más de la resurrección del soul que forman artistas como Adele, Eliza Doolittle y Fitz and The Tantrums es Mayer Hawthorne, que presenta su primer disco de estudio con una transnacional (Universal), después de pasar exitosamente por la Stones Throw, con un par de producciones de larga duración y varios EP’s. En How Do You Do? se capitaliza el enorme talento que Hawthorne posee: trece temas increíbles lo comprueban. Se mueven entre coros gospel y trompetas que encienden la pasión musical. Grandes piezas que forman parte del pop de calidad como “The Walk”, “No Strings” y “Can’t Stop” –a dueto con Snopp Dogg– dan fe de ello. Este álbum brinda el mejor de los honores al género que popularizaría Marvin Gaye, Smokey Robinson e Isaac Hayes, pero lo trae de vuelta al nuevo siglo con un toque de frescura que agradará a las nuevas generaciones y a los viejos melancólicos.

T X T : : “ E l Jergas ”.

A lo largo de once temas, este par de productores de Berlín conocidos como Modeselektor, recurren al concepto IDM (intelligent dance music) como un género para las pistas de baile.

Monkeytown es su tercera producción de estudio, grabada con la ayuda de invitados como el gran Thom Yorke, quien ha manifestado que su pasión por la música electrónica se debe a tres bandas: Antipop Consortium, grupo de hip-hop neoyorquino; PVT –antes Pivot–, un ensamble de músicos australianos cercanos al math rock y obviamente los Modeselektor (muy apegados a lo experimental). El disco gira alrededor de beats que componen una electrónica bastante genuina, inteligente y audaz. En sí, Modeselektor sabe hacer música densa que puede ser leída desde varios niveles: el fanático del techno alemán encontrará el industrialismo en temas como “Evil Twin”, mientras el melancólico por el synthpop que se regocijará entre la añoranza que provoca “Blue Clouds”.

Fitz and The Tantrums Pickin’ Up the Pieces

También de California. Soul actual que toma lo mejor del clásico.

Smokey Robinson and The Miracles Going To a Go-Go De los primeras estrellas que tuvo en su catálogo la Motown.

Sam & Dave Soul Men

Tercer disco de estudio del dúo dinámico de la Stax Records.

Moderat Moderat

Un disco que Modeselektor grabó en colaboración con Apparat.

Theo Parrish First Floor

Primer disco de Theo, un representante del techno de Detroit.

Egyptrixx Bible Eyes

Me encanta este disco canadiense. Gran trabajo.

del

T X T : : “ E l Jergas ”.

Antoine Reverb Everything is a Foreing Language to Me Arts&Crafts México

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Del folk de cámara a la sicodelia espacial. Atrás quedan los días del Goodbye Victorian Houses (Happy Garlic, 2009), en los que la banda tapatía jugaba con instrumentación acústica como ukuleles y mandolinas. Everything is a Foreign Language to Me muestra una experimentación ambiental y atmosférica a base de sintetizadores, delays, reverbs, capas de voces y recursos inusuales en las esferas del mainstream. La característica principal del álbum es de carácter vocal: en lugar de un sólo cantante, Antoine Reverb incorpora tres voces diferentes. Este LP nos invita a sumergirnos en los discretos sonidos que salen de las bocinas, y que difícilmente son perceptibles en las primeras escuchas. A pesar de tener melodías tan delicadas y suaves, este álbum tiene pasajes obscuros que lo dotan de cierto misticismo, y que nos llena de curiosidad desde el principio para completar el viaje por los diez tracks. Este disco demuestra que la banda de Guadalajara tiene calidad de exportación. Más cerca del delicado sonido canadiense, que del genérico espectro nacional.

T X T : : D aniel Pat l á n .

Timber Timbre Timber Timbre

Folk melancólico hecho en una cabaña rodeada de neblina en el bosque.

Akron Family Love is Simple

Una comuna hippie haciendo música que podría considerarse como pop o folk de épicas proporciones.

Efterklang Magic Chairs

Toda la nostalgia de las tierras frías escandinavas aderezada con un toque de esperanza y felicidad.

R RE ES SE EÑÑA AS SMMÚ ÚS SI IC CA A3 3X X1 1

Jane’s Addiction The Great Escape Artist Capitol Records

El grupo de Perry Farrel goza de un crédito histórico ganado a pulso. Un halo de leyenda los protege –ellos picaron piedra en la era alternativa–, pero de verdad que no lo necesitan. No les pedimos que se reinventen –aunque ellos tratan–, sino de que hagan lo mejor posible la música que saben hacer. Y cuando eso sucede, llega el estruendo del rock más fiero y guitarrero.

“Underground” no se guarda nada y lleva todo el sello de la casa (con esa voz que es un caudal ululante). Aquí se demuestra que Dave Navarro no debe salir jamás de la banda; como pez en el agua, “Irresistible Force” demuestra ser un fluir. Pero el hallazgo más notable es “Twisted Tales”, quizá la canción más pop que han grabado nunca –con respeto para “Jane Says”–.

Dave Sitek de TV On The Radio fungió como bajista invitado en “I’ll Will Hit You Back”, mientras la producción del disco corrió a cargo de Rich Costey (Muse, Franz Ferdinand, Interpol). Para llevar ocho años sin disco, Jane's reboza vitalidad y ambición; y así lo ha dicho Navarro: “me encanta poder escapar de mi pasado, aunque fuese bueno. Simplemente amo más el futuro”.

T X T : : Juan C arlos H idalgo .

Hola a todo el mundo Estela Castiza Hatem Prayer Team

Veronica Falls Veronica Falls Slumberland

Lo he pensado mucho y no puedo dejar de anotarlo. La segunda entrega de esta banda madrileña me hace pensar en un licuado con Mogwai, un poco de El Guincho y cierta esencia de Sufjan Stevens.

Aunque raro, el resultado es maravilloso, pero no deja de preocupar que pase desapercibido, dado el escazo interés por lo que está pasando en España en los últimos tiempos (¡mira que son extraños los escuchas mexicanos!). Han dejado de lado el inglés de su debut, y ahora entregan un EP con tres interludios instrumentales y cinco canciones, de las que “LdS comunión” es una pieza magistral, sobre todo por su coro religioso y surrealista: “un día me tragaré al Dios muerto y dejaré lo que soy al descubierto”. Aquí hay guiños a mixturas de pop y folk de ambos lados del Atlántico, que en “Maestra alegría” funcionan espléndidamente. Respeto mucho al periodista Joan S. Luna, para quien este disco resultó de: “espíritu exultante, hímnico y epifanístico”.

T X T : : Juan C arlos H idalgo .

Jane’s Addiction El ritual de lo habitual

Un disco intenso que las nuevas generaciones deben descubrir.

Prodigioso.

Porno for Pyros Porno for Pyros

El proyecto de Farrel y Stephen Perkins, mientras Jane’s Addiction aparcó.

Velvet Revolver Contraband

Una de esas bandas all-star (con gente de Guns N’ Roses y STP) que en sus mejores momentos rockea durísimo.

Akron / Family Love Is Simple

Hay quien dice que “Maestra alegranza” la pudo firmar esta banda norteamericana de weird folk.

El Guincho Alegranza

Más folks y menos electrosos que Pablo Diáz, pero han asimilado bien sus maneras.

Explosions In The Sky The Earth Is Not A Cold Dead Place

Se comenta que la manera de usar las guitarras de los texanos ha inspirado a los madrileños.

Con un exceso de novedades cayéndonos encima, es difícil que un grupo debutante pueda mantener el interés lanzando sólo sencillos. Este cuarteto londinense lo ha logrado y al momento de llegar su primer disco –al que arriban casi con renuencia–, el resultado es sobresaliente. Sus referencias al sonido C-86, sentido vintage a lo Girls y una combinación vocal hombre-mujer son más que eficientes. “Found Love In The Graveyard” es un tema enorme –bajo machacón, coros brumosos, guitarra bien afilada– que presentó al grupo en sociedad y sigue tan vigente. Aquí no se apela a My Bloody Valentine, me atrevo a apostar que reverencian a los Pixies, ¿alguien disiente? Cierto, ya conocíamos “Beachy Head” y “Bad Feeling”, pero “Come On Over” nos sigue seduciendo –es estupenda–. De lo nuevo, me quedo con “Right Side of my Brain” y “Misery”. Un disco que nos recuerda que una canción de rock sólo necesita buen gancho y buen estribillo para ser encantadora.

Pixies Doolittle

T X T : : Juan C arlos H idalgo .

Otro grupo de Slumberland –muy comparado con Vivian Girls– con preocupaciones sonoras similares.

Toman de Kim Deal una buena enseñanza para darle al bajo un sitio importante.

The Pains Of Being Pure At Heart Belong

Comparten con los neoyorkinos mucho más que estar en la misma disquera.

Brilliant Color Introducing

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R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1

Zola Jesus Conatus Arts & Crafts México

Death In Vegas Trans Love Energies Drone Records

www.marvin.com.mx 90 90 www.marvin.com.mx

Conatus ofrece un espiral descendente de tambores de guerra y sintetizadores, aunado a una lírica que poseé una carga filosófica –al menos hasta cierto punto–. Las vocales de Danilova están muy cuidadas y bien tratadas, sin caer nunca en la “perfección” digital hoy tan en boga. El gran problema de esta propuesta es que nos hace extrañar los instrumentos análogos: se vale usar Ableton, no hay problema, está de moda, pero depender de un software siempre limitará la creatividad del artista (cuando la hay, por supuesto). Hacia los últimos temas del álbum, el sonido se “acartona” y queda sólo la voz de esta joven sobre una pista bastane pareja, carente de texturas y vida, dejando una sensación popera, en el peor de los sentidos del término. El conato de esta chica de sólo veintidós años es notorio, no nos sorprenda que un día consolide el álbum épico que aquí intenta.

T X T : : Jesús S errano .

Hubo una gran expectativa ante el nuevo disco de Death In Vegas, ya que pasaron siete años desde el fallido Satan’s Circus, y mientras tanto, nadie supo nada de Richard Fearless o de Tim Holmes. Ahora, con la llegada de Trans Love Energies, la apuesta es nuevamente por un sonido electrónico. En esta ocasión, Fearless se inclinó más por lo electro que por el rock, y a pesar de ofrecer tintes de varios géneros, predomina el trabajo de DJ. Sin duda, esta es una nueva faceta del proyecto, minimalista y menos ambiciosa, ya no hay pasajes shoegaze como en “Girls” o toques de folk como en “Killing Smile”; en fin, el sonido de Scorpio Rising ha quedado atrás. Trans Love Energies continúa justo donde Satan´s Circus se quedó, pero la pregunta es inevitable: ¿era necesario esperar siete años para editar este material? Y no es que se ponga en duda la calidad misma del álbum, sino que la espera fue larga y la propuesta es reciclada.

T X T : : Jesús S errano .

Austra Feel it Break

Chicas guapas, vocales exageradas… muchos sintes y pocas nueces.

The Gathering How To Measure a Planet?

Un giro de 360° al sonido de estos holandeses.

Chelsea Wolfe Apokalypsis

Esta chica avanza a paso firme, siempre por las cavernas y de la mano de demonios.

Death In Vegas Satan’s Circus

El disco más modesto y menos notorio del proyecto.

UNKLE Where Did the Night Fall?

Un concepto similar, la cruza entre un DJ y una banda de rock.

Air Talkie Walkie

Aquí también se combinan el software y las guitarras.

R E S E Ñ A S RM EÚ SS EI Ñ C A D 3 XV 1D Marvin y 20th Century Fox te la regalan, gánatela en

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El show de Cleveland Director: Seth MacFarlane Reparto: Mike Henry, Sanaa Lathan, Kevin Michael Richardson, Reagan Gómez-Preston, Jason Sudeikis, Seth MacFarlane Género: animación/ comedia País: EU Dibujante, guionista, productor, actor y director, el corrosivo sentido del humor de Seth MacFarlane (Connecticut, 1973) nos ha causado severo dolor abdominal, gracias al cinismo de Padre de familia y American Dad, dos series que hacen ver a Los Simpsons como personajes inofensivos. El show de Cleveland es una serie estrenada en 2009, basada en Cleveland Brown, un personaje de Padre de Familia que se divorcia de Loretta para comenzar una nueva vida. Cargada con la peculiar irreverencia de MacFarlane, los amigos y la nueva familia de Cleveland son escandalosos al máximo. En esta segunda temporada, la banda Stoolbend se va de farra hacia Las Vegas, Los Ángeles y Hawai, las ciudades del vicio por antonomasia. En los 22 episodios de la serie hacen su aparición estrellas como Kanye West y Justin Timberlake. Dentro de los cuatro discos, los extras de este DVD ofrecen escenas inéditas, comentarios de los creadores de algunos episodios, el tráiler de Hot Cocoa Bang Bang y La vida después de la escuela de cine con Mike Henry, uno de los guionistas de Padre de Familia.

R E S E Ñ A S L I B R O S 3 X 1

Algo que contarte Hanif Kureishi Anagrama

Broadway Express Iván Ríos Cal y Arena

El infinito viajar Claudio Magris Anagrama

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La sociedad británica, especialmente la londinense, tiene una composición multiétnica que marca el pulso de los acontecimientos.

El gran rompecabezas racial y religioso se recompone una y mil veces afectado por los manejos de la economía y la política. Tras los disturbios callejeros de hace unos meses, esta novela se convierte en un texto de suma vigencia y utilidad para explicar el devenir social de Inglaterra –con su pasado colonialista y sus ciudadanos/migrantes de segunda o tercera generación–. Kureishi es un inglés de origen pakistaní; sabe perfectamente de lo que habla y no le cuesta trabajo conformar una radiografía social de la década de los 70 a la actualidad (de Tatcher a Blair, pasando por los atentados del 2005). A partir de la óptica de su protagonista (Jamal Khan, de padre pakistaní y madre inglesa), que es un psicoanalista y escritor de reconocido prestigio, fotografía tanto a las flemáticas clases altas, como a las élites rockstars y los estratos más bajos. Una novela clásica –en el mejor sentido del término–, cuya trama es resumida a la perfección por el propio personaje así: “Los secretos de porqué el amor es difícil, el sexo complicado, la vida un dolor y la muerte tan cercana”.

T X T : : Juan C arlos H idalgo .

Nueva York es un paradigma en sí mismo, un microcosmos complejo y multicultural en progresión. Ejerce un magnetismo superlativo en mucha gente que decide explorar sus entrañas. El reto es lograr asimilarse y no pasar como un ente ajeno, como un simple turista que no ajusta en ningún lado. Este escritor mexicano buscó la manera de encajar para plasmar un ambiente culterano, por el que desfilan rockeros, pintores y periodistas de clase alta, galeristas e inversionistas de toda laya. Aquí hay cinco historias que se concatenan y se influyen. Los personajes no sólo se mueven por el deseo de celebridad, sino que son manipulados por sus obsesiones y delirios: del asesinato de un músico mundialmente famoso por un fanático religioso (no es Lennon), o la perdición de un articulista en una historia de frenesí místico. A través de uno de sus personajes, el autor llega a interesantes conclusiones sobre esta ciudad-fetiche: “Una voz me dice que en Nueva York la ira es un estado natural y la desilusión el destino manifiesto. Puedes enloquecer por un drama íntimo, por una mujer o por soledad o desconsuelo”. Tal fue su apuesta y obtuvo ganancia.

T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

Supuestamente es un libro de viajes, pero la sabiduría de este pensador termina por filtrarse en toda su prosa. Aunque los textos reunidos en este volumen están separados por un par de décadas –fueron escritos entre 1981 y 2004–, en su discurso no deja de sorprender la actualidad de algunas de sus afirmaciones: “Los totalitarismos aniquilan la memoria (…) tienden a arrancar el recuerdo desarraigándolo, a meter la historia en el desván o en el museo”. A lo largo de sus páginas recorre infinidad de países, cronicando sus hallazgos y observaciones.

Para este estudioso de la cultura Mitteleuropea, uno podría coincidir con Gunter Grass cuando anota: “La lucha por una nación cultural sería una lucha por la humanidad, porque, despertando las fuerzas contra la voluntad de potencia de los grandes estados, refrenaría su mecanismo agresivo”. Desplazándose de España a Vietnam, de Croacia hasta China, Magris es un viajante con mucho por decir y analizar.

Bien haremos en repasar estos textos, aparecidos originalmente en el diario Corriere della Sera, ya que su recomendación fundamental es apasionante: hay que dedicarse a vivir, viajar y escribir, como la triada perfecta para dilatar a la muerte.

T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

El buda de los suburbios Hanif Kureishi

Hay quien dice que en Algo que contarte, Kureishi –años más tarde y con personajes golpeados por la vida– reescribió la novela que le dio fama.

El malestar de la cultura Sigmund Freud

El oriundo de Viena solía decir: si quieres conocer a un ser humano, tienes que preguntarle cosas estúpidas.

El cuerpo Hanif Kureishi

Una de sus novelas más ambiciosas, dado que incorpora elementos de ciencia ficción, thriller y viaje iniciático.

Nueva York, ida y vuelta Henry Miller

También los autores de toque clasicista pueden interpretar lo que ocurre en la gran manzana.

Jay Z y Alicia Keys Empire State of Mind

Una oda musicalizada para encumbrar a la urbe de hierro.

Esclavos de Nueva York Tama Janowitz

Publicado en 1986, es uno de los mejores retratos de la Babel contemporánea; incluso fue adaptada al cine.

El Danubio Claudio Magris

Un ejercicio brillante de aleccionamiento cultural, mientras el cauce de este río de leyenda sigue.

El viento ligero en Parma Enrique Vila-Matas

Este escritor es presentado en el libro como uno de los escasos amigos de Houellebecq; con esta novela arrastró al mundo de la publicidad.

La historia no ha terminado Claudio Magris

Podría parecer un alegato contra Fukuyama, pero más bien es una disertación sobre la identidad y otros asuntos igual de trascendentes.

R E S E Ñ A S G A M E R T X T: : C A R LO S G U T I É R R E Z .

The House of the Dead: Overkill - Extended Cut Calificación: Distribuidor: SEGA Consola: PlayStation 3 Género: acción Jugadores: 2 Clasificación: M (mayores de 18 años) Fecha de salida: octubre 2011 Seguramente, alguno de ustedes conoció las “maquinitas” en su niñez, y jugó The House of the Dead. Fue un título pionero en el que debías matar a una cantidad irreal de zombies y seres monstruosos. Con el tiempo se han lanzado secuelas, e incluso llegó a las consolas caseras como el Nintendo Wii. Esta reedición incorpora algunos elementos de última generación, como gráficas en FullHD, soporte para 3D y compatibilidad con Playstation Move. Eso quiere decir que ahora, más que nunca, se puede disfrutar de esparcir litros de sangre por doquier, con una calidad visual insuperable. Para los no enterados, el juego sigue un camino predeterminado y es trabajo del jugador apuntar a cuanta criatura malévola aparezca en la pantalla. Para ello, tomarás el control del Agente Especial G, que en su primer asignación afuera de la Academía AMS, es enviado a investigar la misteriosa desaparición de personas en Louisiana. Lo que les espera es mucha sangre, acción y un toque de terror. Recomendable en esta época de gore.

Call of Duty: Modern Warfare 3 Calificación: Distribuidor: Activision Consola: PlayStation 3, Xbox 360 y PC Género: acción en primera persona Jugadores: 16 Clasificación: M (mayores de 18 años) Fecha de salida: noviembre 2011 Llegó la época del año en que otro Call of Duty, está en las tiendas especializadas de videojuegos. Sin embargo, este año es especial, pues regresa la serie que más éxito ha tenido en los último cuatro años: Modern Warfare. En esta ocasión, Modern Warfare 3 parece no querer romper moldes, sino perfeccionar el estilo de juego que lo ha hecho exitoso. Se trata de un first-person shooter enfocado en el combate realista, entre unidades de un futuro no tan lejano. El estilo de juego es una interesante mezcla entre acción frenética y sigilo. Visualmente es un título que trata de explotar las capacidades de las diferentes plataformas, sin embargo, no queda tan bien parado si lo comparamos con recientes lanzamientos como Battlefield 3 o RAGE. Aún así, es una gran apuesta que gustará a quienes ya son fans. Los que traten de infiltrarse en el universo de Call of Duty, bienvenidos sean, les esperan altas dosis de balas y soldados caídos.

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RR EE SS EE ÑÑ AA SS LMI ÚN SK ISC A 3 X 1

The Legendary: A film about The Roots Idioma: inglés Link: http://vimeo.com/20022107 Un pequeño documental de esta mítica banda que nos ha regalado discos como Phrenology, con el cual descuadraron el concepto que se tenía del hip-hop.

T X T : : " E L J E R GA S ".

Arcademi Idioma: inglés Link: http://www.arcademi.com/ Entusiastas de la estética: en este blog y tienda de diseño conviven diversos artistas a través de su portafolio.

Bradford Gregory Idioma: inglés Link: http://bradfordgregory.tumblr.com/ Mientra suceden las manifestaciones del movimiento Occupy Wall Street en Nueva York – para quejarse sobre la corrupción financiera–, Bradford Gregory capta con su lente imágenes increíbles.

Trailer de The Avengers Fayer Wayer Idioma: español Link: http://www.fayerwayer.com Página de tecnología que te habla desde México, Chile y España.

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Idioma: inglés Link: http://apple.com/trailers/marvel/avengers/ El próximo año se estrena la cinta que reúne al súper equipo de héroes de Marvel, conformado por Capitán América, Hulk, Thor, Iron Man, Black Widow, Hawkeye y Nick Fury. Una producción bastante prometedora para los seguidores de la serie. Aquí el primer vistazo.

RadCollector Idioma: inglés Link: http://www.radcollector.com Bitácora que difunde la buena moda, la cultura del sneaker y el skate. Siempre con una visión bien formada de la belleza.

C O N T E N I D O W E B

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cuando el gore se Hereda.

TXT:: ARTHUR ALAN GORE. FOT:: OSCAR HERNÁNDEZ.

La primera vez que vio un cadáver de cerca, Marishka tenía nueve años. Mucho tiempo después, ya adulta, hizo de los cuerpos sin vida su material de trabajo. Es propietaria, como lo fueron sus padres, abuelos y bisabuelos, de una funeraria en la que no únicamente se venden ataúdes, urnas de cremación, cruces o se ofrecen servicios de transporte en las tradicionales carrozas fúnebres, sino que se brindan servicios de embalsamamiento y “embellecimiento” de muertos. Ella misma, en persona, se encarga de bañar, maquillar y vestir los estuches que dejaron las almas en este mundo.

IGUAL que cuando era una niña, a Marishka no le provoca repulsión entrar en contacto con la carne helada de quien recibió el beso letal de la muerte. “Siempre lo vi muy natural. A veces, mis tíos cambiaban los cuerpos de la canastilla en la que los habían recogido a los ataúdes en la banqueta. Ya no es un trabajo, es parte de mi vida, de mi esencia y mi oscuridad”, comenta.

Marishka es gótica. Independientemente de conducir los destinos de la funeraria Romero, ubicada en el oriente del DF, siempre viste de negro, se delinea los ojos, se pinta las uñas, utiliza botas y escucha bandas como los alemanes Sopor Aeternus o Clan Of Xymox. Le gusta salir a bailar al Real Under y ver películas de terror clásicas como el Nosferatu de Murnau, o La noche de los muertos vivientes, de George A. Romero. “Mi hermano siempre dice que ya se acostumbró a que traigo una nubecita lloviendo encima todo el tiempo (risas)”. ¿Tus clientes se sacan de onda cuando te ven?

Marishka: Algunos, pero muchos ya se acostumbraron. Para mí, ser gótica no es una moda ni un “vamos a echar relajo el sábado

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en la noche”. Esto es parte de mi vida. Te juro que si salgo de viaje o voy a la escuela de mi hijos, me visto así. Además, nosotros tratamos de ser muy profesionales, hay otras funerarias que mandan chavos que llegan vestidos de reggeatoneros o con la camiseta del América. ¿Es buen negocio?

M: Mucha gente piensa que es un súper negociazo, pero hay tanta competencia que al final, se hace más por la satisfacción, porque de verdad me gusta mi trabajo. ¿Te gusta trabajar con la muerte?

M: Es complicado. Ya no lo veo como trabajo, sino como parte de mi vida. Lo que se complica es que cada vez que muere una persona, vienen los dolientes y ese dolor ajeno se me contagia. ¿Se ve igual la muerte en niños y adultos?

M: Con los niños es diferente. En los adultos se refleja como tal muerte. Se ven amarillos.

En cambio, los niños parecen que están dormidos. Con ellos sí me pega.

¿Quién te enseñó a embalsamar?

M: Nunca fui a una escuela, fue con la práctica.

Especialmente me enseñó un médico que trabajaba en la colonia Doctores. A veces los familiares sólo quieren que peines, bañes y maquilles el cuerpo. Hay otros que no necesitan ser embalsamados, sólo drenas los líquidos para que no haya escurrimientos. Mis abuelos taponaban los oídos y la boca, pero ahora existe un polvo especial que gelatiniza los líquidos del cuerpo y también se les hace una especie de liposucción. También hay que cerrar la boca con un pegamento especial; ya no se cose como antes, porque el chiste es que se vea lo más natural posible. ¿Tu trabajo es un arte?

M: Claro, de verdad que no se trata sólo de aventar un cuerpo. Todo tiene un porqué. Por ejemplo, el ataúd nunca debe ir acomodado con el cabezal hacia afuera de la carroza.

Siempre que lo metemos al revés, nos va mal en el servicio. Es nuestra cábala.M