Revista Marvin 93 :: Rehabilitación

DIRECTORIO

PRESIDENTE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@revistamarvin.com EDITOR EN JEFE VICENTE JÁUREGUI vicente@revistamarvin.com PUBLISHER TONY ROMAY tony@revistamarvin.com DIRECCIÓN DE ARTE ABRAHAM BELTRÁN bran@revistamarvin.com DISEÑO GRÁFICO ANGELIKA BARBEYTTO angelika@revistamarvin.com EDITOR WEB CARLOS JAIMES carlos@revistamarvin.com CONTENIDO WEB ARTEMISA HERNÁNDEZ artemisa@revistamarvin.com COORDINACIÓN EDITORIAL Y CONTENIDO WEB JIMENA GÓMEZ jimena@revistamarvin.com WEBMASTER ERNESTO MAGAÑA (DEQUEINTERACTIVO) ernesto@revistamarvin.com RP Y PUBLICIDAD DELHY SEGURA delhy@revistamarvin.com COORD. COMERCIAL Y ALIANZAS JEANINNE RODRÍGUEZ jeaninne@revistamarvin.com DISTRIBUCIÓN Y SUSCRIPCIONES EMMANUEL CORTÉS emmanuel@revistamarvin.com MARVIN TV PEDRO VELASCO pedro@lphantfilms.com MARVIN TV PABLO SEGOVIA pablo@lphantfilms.com

CARTA EDITORIAL

Después de la fiesta, la resaca siempre sugiere la necesitad (efímera) de rehabilitarnos. En Marvin hemos celebrado nuestros diez años con un festejo de dimensiones épicas, y por ello el tema de esta edición explora las consecuencias del exceso de fiesta, o mejor dicho, de su exigencia inmediata: la de rehabilitarse. ¿Ilusión? ¿convicción? ¿estereotipo? Hay muchas opiniones al respecto. Por ello te presentamos varias historias de personajes dionisiacos, caracterizados por reunir el valor para dejar a un lado las sustancias perniciosas. Desde Saúl Hernández (rehabilitado) hasta Los Babasónicos (renuentes), Picasso o Jackson Pollock, esta edición reúne testimonios y opiniones al respecto.

Por otra parte, antes de que Pulp se sumara a la lista de superbandas que regresan a los escenarios (rehabilitándose), dedicarles una portada nos parecía un mero ensueño. Para nuestra suerte, la banda liderada por Jarvis Coker declaró en noviembre de 2010, que estaba de vuelta para ofrecer varios conciertos con la alineación del gran álbum Different Class.

Los dejamos con la banda responsable de anticipar el reinado del brit-pop al mundo.

FOTOGRAFÍA OzCorp, Nicole A. Klinckwort, Mariel Argüello, Oscar Hernández.

ILUSTRACIÓN Adam Valenzuela, Javier Muñoz.

Vicente Jáuregui

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Iván Alarcón, Erick Estrada, Synthia Franco, Rogelio Garza, Arthur Alan Gore, Carlos Gutiérrez, Óscar G. Hernández, Juan Carlos Hidalgo, Andrés Ibarra “Chelito", “El Jergas”, Alejandro Mancilla, Hugo García Michel, Leonora Milán, Sophie Raymond, Juan Carlos Reyna, Jesús Serrano, Rafael Toriz, Jasiel Villa, Regina Zamorano.

CONSEJO EDITORIAL Manú Charritton, Arturo Flores, Juan Carlos Hidalgo, Leonora Milán, Humberto Polar, Nacho Retally, Juan Carlos Reyna, Rafael Toriz, Carlos Verástegui.

RESPONSABLE DE DISTRIBUCIÓN Comercializadora GBN S.A. de C.V. Calzada de Tlalpan 572, desp.

C-302 Col. Moderna. C.P. 03510. Benito Juárez, México D.F. Tel: (0155) 5618 8551 Mail: jnuno15@yahoo.com.mx

REPRESENTANTES EN EL INTERIOR DE LA REPÚBLICA

MVN 93 JULIO - AGOSTO 2011 PULP REHABILITACIÓN

AGUASCALIENTES LIC.BLANCA A. JIMÉNEZ blancaajr@hotmail.com PUEBLA RICARDO CARTAS FIGUEROA ricardocartas@revistamarvin.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@revistamarvin.com PACHUCA NAYELY OLVERA nayely@revistamarvin.com MONTERREY NICOLÁS CHAPA nicolas@revistamarvin.com GUADALAJARA JUAN CARLOS BASURTO jcgbasurto@revistamarvin.com

CONTACTO MARVIN

Cozumel #61-4. Col. Roma Norte CP 06700. México DF. Tel. (55)1998 0808 (55)1998 1818 Contacto: contacto@revistamarvin.com Suscripciones: suscripcion@revistamarvin.com www.marvin.com.mx

MARVIN es una publicación mensual de Milvoces, S.A. de C.V. con domicilio en Calle Cozumel, 61 int. 4, Col. Roma Norte, C.P. 06700, Delegación Cuauhtémoc, México D.F. Tel/Fax:: (55) 1998 0808/1818.

VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD. IMPRENTA COMPAÑÍA IMPRESORA EL UNIVERSAL Allende 176. Col Guerrero. México DF. Tel. 5117 0190

Edición 93 correspondiente a: JULIO-AGOSTO 2011. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título No. 12669 Certificado de Licitud de Contenido No. 10241 Certificado de Reserva de Derechos al uso Exclusivo. No. 04-2010-052714562400-102 MARVIN es una Marca Registrada.

CONTENIDO 08 BUENAS NUEVAS Noticias de música, cine y arte.

14 ESTILO Tendencias actuales.

15 GADGETS Lo último en tecnología.

MÚSICA

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16 Coordenadas.

17 Aeiou. Juan Son, Blonde Redhead y The Breeders crean un himno espacial.

18 Young Knives. Entre mutaciones sonoras.

19 Grimes. Demasiada estimulación.

20 La Gusana ciega. Fábulas de gusanas y conejos.

22 Babasónicos. Honestidad total.

24 My Morning Jacket. Aferrándose a los orígenes.

26 The Drums. Todo puede pasar… incluso algo genial.

36 Warpaint. Sonido fino, polémica y mucho amor.

38 Los 10 mejores discos a mitad del año.

66 DE CULTO Historias negras de recuperación.

50

48 PULP EN PORTADA

CINE

50 Cars. De autos y rock n’ roll.

54 Cine de julio-agosto. La lluvia incesante.

64 DE CULTO ¿Quién quiere rehabilitarse?

ARTE

56 CÓMIC. 58 Max-o-matic.

62 Guía de museos para este verano.

DE FONDO

32 La última y nos vamos.

36 Los hábitos no se destruyen, sólo se transforman.

COLUMNAS

48 TERMÓMETRO DE RIESGO. El narcocorrido y la simulación. Por Juan Carlos Reyna.

57 BAJO PRESUPUESTO. Cómo rehabilitar al rockcito nacional. Por Hugo García Michel.

RESEÑAS

MÚSICA 70 / LIBROS 76 / CINE 77 LINKS 78 / GAMER 79

80 EL PILÓN Alejandro Arizmendi.

Rock y Autismo visual.

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CONTENIDO WEB

W W W. M A R V I N . C O M . M X REVIVE LOS MEJORES MOMENTOS DE NUESTRO FESTIVAL DE ANIVERSARIO. VIDEOS DE LAS PRESENTACIONES DE BANDAS #MARVIN10 EN:

El Imperial

Caradura

La Capital

Casa Hilvana

Sรกtiro Bar

CinEspacio 24

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ESENCIA MARVIN F O T: : N I C O L E A . K L I N C K W O R T

No. 26

Bicicletas y Ruido Rosa E

s innegable el misticismo que genera una banda de rock integrada por mujeres jóvenes y guapas. Sin afán de sonar sexista, el simple hecho de ver el telón del Imperial abrirse y revelar a estas cuatro chilangas listas para soltar los primeros acordes, es una experiencia que hace vibrar a más de uno.

Con un foro a medias, el recinto de Álvaro Obregón 293 recibió como primer tiempo el rock de Ruido Rosa. Capitaneadas por Ale; Carla, Daniela y Mariluz, tuvieron algunas complicaciones con el audio, situación que fue resuelta 10 minutos después, el mismo tiempo que le tomó al Imperial llenarse

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totalmente para rockear con este proyecto.

Rock duro y a la cabeza, con ciertos dejos de inocencia y feminismo que terminan por afianzar el combo sonoro de una agrupación impecable en muchos aspectos.

Bicicletas ha estado en nuestro país por poco más de dos meses, desde Argentina y en su primera visita a México, estos chicos y su rock honesto han conseguido convertir a muchos en fans.

Cuando su turno de tocar llegó, la gente esperaba contenta; "Doce peces" fue el tema que dio inicio a la actuación del quinteto argentino, y mientras la voz de Julio guiaba al público, el ambiente de El Imperial se ponía cada vez mejor.

Uno de los momentos más buenos de la noche fue cuando Mariano, Julio, Federico, Ruki, Agustín e Ignacio, tocaron “María”; el tema de Café Tacvba llegó como un gesto de agradecimiento al público mexicano, y es que la bienvenida que estos argentinos han recibido durante su primer visita a nuestro país, ha sido cálida y efusiva.

Con la presentación de #Marvin10 apenas secándose en la memoria, la audiencia ya tenía los temas presentes y sabía lo que debía esperar de Bicicletas. "Araña”, “Pájaros” y “Extranjero”, pusieron a todos a bailar, mientras que “11 y 20” y “Quema” fueron las canciones encargadas de cerrar la noche.

Documental Big Jazz Band de México

V i v i e n d o

Im Still Here El freestyle de un hombre a un Hollywood despiadado. ¿Qué pasa cuando un movie star gringo, hecho y derecho, se deschabeta y decide volverse rapero?

La respuesta podría encontrarse en esta cinta, o quizás sólo encontremos más interrogantes. Hace unos años Joaquin Phoenix era un galardonado actor de hollywodense con buena recepción de la crítica y el público; ya había hecho de malo en Gladiador, de hermano solidario en Señales y poco le faltaba para alcanzar el codiciado lugar de leading man en la tierra del cine. Pero de repente –y como si de Tom Hanks en el Náufrago se tratara– Phoenix se dejó crecer la barba, se puso los lentes de sol y declaró que su vocación era hacer rap.

Después de esto y una bizarrísima presentación en un late show gringo, Hollywood colectivamente se rascó la cabeza en señal de confusión. Poco tardó para que los escépticos decidieran que todo se trataba de una farsa y que –en algún elaborado plan de publicidad– Phoenix se había vuelto loco.

Cuando se supo que el actor estaba grabando un documental sobre sus esfuerzos en el mundo del hiphop, los más cínicos del valle concluyeron en unísono, que esta era la razón por la cual Joaquin había cambiado tan drásticamente.

El tiempo pasó y Jaoquin se volvió una curiosidad hollywodense: una suerte de Gary Busey o Anna Nicole Smith, una de esas excentricidades que la industria tolera, incluso fomenta, pero que eventualmente olvida.

Im Still Here, es en cierto modo el grito de Joaquin al medio del que renegó. Phoenix sigue ahí enterrado en la leyenda que él construyó y de la que ahora sólo podrá salir con la ayuda de esta película.

Im Still Here, es un “documental” dirigido y escrito por Casey Affleck (sí, hermano de ese Affleck) y Joaquin Phoenix. Esta cinta se estrenará este mes de julio.

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d e l

J a z z

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n México la historia del jazz es extensa y a momentos tortuosa. Ser músico de este género implica una vida difícil en la cual se paga poco y se promete mucho. Con la participación de Armando Manzanero, Eugenio Toussaint, Paco de María, Dagmar Ruiz e Ignacio Acosta, entre otros; Resilencia por una nota: el documental de la Big Band Jazz de México explora este interesante submundo, al cual –sin percatarse del todo– la cultura musical mexicana le debe mucho. Este documental fue producido Valeria Estefan y se estrenará este año, mientras tanto ya puedes disfrutar del trailer en www.marvin.com.mx

COWBOYS a l i e n s

La película que lo tiene todo

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T X T: : J I M E N A G Ó M E Z

ay pocas combinaciones que suenan tan bien como la de Harrison Ford y un sombrero de vaquero, y si a esto le sumamos a Olivia Wilde (la doctora thirteen en House) y una manada de aliens empeñados en conquistar la tierra, el resultado es la película perfecta del verano: Cowboys vs. Aliens.

La historia comienza en 1873, cuando una nave espacial llega a Arizona con la intención de desplegar una invasión a nuestro planeta. Afortunadamente para nosotros, a la mano se encontraban vaqueros aguerridos dispuestos a defenderlo.

Dirigida por el ex director de Iron Man, John Favreau esta cinta coquetea, como su nombre lo deja suponer, con el western y la ciencia ficción. Sin duda una de las opciones más jugosas para este verano.

buenas nuevas ARTE

Centro Pompidou UN MUSEO AMBULANTE

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e trata de una estructura de exposición nómada, la cual se desplazará por toda Francia para presentar las obras maestras de la colección permanente del Centro Pompidou, que es la primera de Europa en lo que se refiere al arte moderno y contemporáneo.

Este museo ambulante, el primero en su género, se concibió para permitir a las poblaciones que viven en territorios alejados de la oferta cultural tradicional –como las zonas rurales y los barrios desfavorecidos – que accedan gratuitamente a las obras principales de la colección del Museo Nacional de Arte Moderno.

La estructura del museo recuerda a los circos ambulantes y las carpas de las fiestas foráneas y su objetivo es la democratización de la cultura. La primera exposición del Centro Pompidou móvil, titulada “El color”, comenzará en octubre de 2011, y presentará telas de Braque, Picasso, Léger, Matisse, Calder, así como una instalación del artista danés Olafur Eliasson.

La ciudad de Chaumont recibirá, durante tres meses, la primera etapa del museo móvil, la cual se desplazará posteriormente hacia ciudades del norte de Francia.

Roberto Dutesco

WILD HORSES de

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acido en Rumanía, Roberto Dutesco se mudó a Canadá en la adolescencia, y con el paso del tiempo desarrolló un proyecto fotográfico en Sable Island. Además de ser poeta, como cineasta ganó el premio otorgado por el New York Independent Film Festival, con su documental Chasing Wild Horses. Sus fotografías se han publicado en revistas como Interview, Details y Vogue.

Como su nombre lo indica, en esta exposición protagonizada por caballos salvajes galopando, la belleza convive con la fuerza de lo salvaje.

Esta exposición se presentará desde el 18 de agosto en la Casa de Representación del Estado de Veracruz.

Marsella No.77 Esquina Havre Del. Cuauhtémoc 12

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SABLE ISLAND

ESTILO::

ADIDAS MEGA

UN REGALO DE ANIVERSARIO Muchas cosas tuvieron que pasar para que nuestro festival de aniversario Marvin 10 se realizara exitosamente. Desde el clima, que nos regal— una calurosa tarde con pocas probabilidades de lluvia, hasta la perfecta sincron’a con la que las bandas realizaron sus presentaciones, todo encaj—.

Ese 21 de mayo fue un d’a de grandes satisfacciones y arduo trabajo para el equipo Marvin, que corri— de venue a venue, de parque a parque y de extremo a extremo por todo el circuito Roma-Condesa; actividad que no hubi ramos podido realizar sin la ayuda de nuestros adidas MEGA y es que gracias a sus tecnolog’as, ýTorsioný y ýSoft Cellý, la caminata fue firme y c—moda. Con todo esto en mente el equipo de Marvin y sus respectivos pies, agradecen a Adidas.

COCA-COLA CUMPLE AÑOS 125 AÑOS DE BURBUJAS

El 8 de mayo de 1886 el Dr. John S. Pemberton sirvi— por primera vez una Coca-Cola, 125 a–os despu s este refresco es conocido por todos. ÀQui n se iba a imaginar que una bebida espumeante y negra iba conquistar los paladares de todo el mundo?

Pero Coca Cola lo hizo y en el camino cre— algunas de las campa–as publicitarias m‡s ic—nicas de la historia. Con esto en mente y para celebrar un a–o m‡s de historia Coca-Cola edit— un libro conmemorativo en el cual se repasan los momentos m‡s cl‡sicos de la publicidad y fotograf’a de la marca. Este libro fue editado por Assouline y est‡ disponible internacionalmente y en versi—n digital en la tienda Apple.

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GADGETS::

ASUSTeK COMPUTER INC. LA TECNOLOGÍA PANDA

Para estos tiempos verdes, la compa–’a taiwanesa ASUSTeK Computer Inc., lanz— una laptop de 12.1 pulgadas, con una cobertura delgada y artesanal de bambœ moso; viene con un procesador Intel Core 2 Duo y 320 Gb de almacenamiento en hard drive. La idea de incorporar materiales org‡nicos a una pieza de hardware tiene la finalidad de desarrollar productos de alta calidad en el futuro, por medio del empleo de materiales que apoyen el ahorro de energ’a y la conservaci—n del medio ambiente.

SONY

PLAYBOOK

LA TABLETA BLACKBERRY Ha llegado la competencia del iPad, y al parecer viene con todo. PlayBook es la respuesta de RIM al iPad. ÀDe qu se trata esta nueva tableta? B‡sicamente es peque–a y ligera, con una pantalla t‡ctil de 7 pulgadas (frente a las 9'7 del iPad) y s—lo pesa 400 gramos (m‡s ligera que sus rivales). Adem‡s, la PlayBook permite mantener una comunicaci—n total con los tel fonos BlackBerry a trav s de Bluetooth.

ÀInconvenientes? Su bater’a no llega a las 8 horas que anuncia el fabricante y la cantidad de aplicaciones disponibles resulta rid’cula frente a la que App Store de Apple. Disponible en tres versiones diferentes de 16 Gb, 32 Gb y 64 Gb de capacidad.

REVOLUCIONANDO EL MUNDO Sony acaba de revolucionar el mundo de la televisi—n con su nueva serie de TVs inteligentes con Internet. Se trata de seis modelos de TVs con los que puedes navegar por Internet y mirar tus programas favoritos al mismo tiempo.

Adem‡s de disfrutar videos en YouTube, podr‡s descubrir videos en Full HD 3D con la nueva X-Reality PRO, identificar el nombre de la canci—n que est‡ sonando gracias a TrackID, compartir fotos en Facebook y realizar videoconferencias con Skype. Nada mal para una ýsimpleý pantalla.

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Coordenadas es una nueva secci—n con el c—mo y d—nde encontrar nuevos sonidos o proyectos emergentes interesantes. Esas bandas que seguro estar‡n dando m‡s de qu hablar pr—ximamente.

COORDENADAS:: TXT:: ALEJANDRO MANCILLA.

HEY CHICA! DESDE

2007, Hey Chica! viene haciendo música fosforescente proveniente de Guadalajara. Sus influencias van desde The Radio Dept., Sonic Youth y Electrane, hasta cosas French pop y shoegaze, pero tratando de sonar originales porque odian a las bandas que le echan muchas ganas... pero a sonar como otras. Actualmente el grupo planea asistir a la próxima edición del SXSW y seguir componiendo sus canciones mitad indie rock y mitad indie pop. No por nada fueron elegidos para abrir la presentación de Asobi Seksu en México, banda de la que son fans. ¿A qué suenan? A un balance exacto entre ruido y pop que funciona muy bien.

INTEGRANTES Kiwi Morado (Guitarra/bajo/voz) Jeka (Guitarra/voz) Barona (Bajo/guitarra) Baqui (Batería) COORDENADAS heychicamusic@gmail.com @heychicamusic www.myspace.com/heychicamusic heychicamusic

DISCOGRAFÍA BÁSICA Do you really Believe…? EP (2009) Happy Garlic/Poni Republic A Pop Song Romance, Compilation (2009) Lo que nadie ve LP (2011) independiente DISCOS QUE LES CAMBIARON LA VIDA: Clarity de Jimmy Eat World Siamese Dream de Smashing Pumpkins Yankee Hotel Foxtrot de Wilco NUNCA LOS VERÁS Haciendo algo que sea más pose que música, lo principal es hacer cosas que vayan exactamente con lo que dices ser.

UVI.LOV CORRÍA

2005 cuando Uvi.Lov comenzó a hacer ruido en su natal Monterrey, bajo la influencia de Radiohead, el math rock, el folk y el dream pop; y con la inquietud de experimentar con base en la improvisación y la eterna búsqueda de un sonido propio. Al escuchar sus temas “Las reinas no pueden escoger lo que su corazón quiere”, “ En la isla de las ovejas los techos son de pasto” o su muy sui generis versión en vivo de “Love Will Tear Us Apart”, no queda otro remedio que seguir la línea de color que su música deja en el horizonte. El grupo está listo para editar su primer disco con interesantes colaboraciones, y entre sus planes está seguir tocando en México y quizá regresar a España o Marruecos, lugares a los que han llevado su propuesta.

DISCOGRAFÍA BÁSICA Uvi EP (2006) Uvilov the EP (2009) Caligari EP (2011) INTEGRANTES Laiza, Javi, Adrián y Santiago

COORDENADAS

www

uvilov.com/site/musica @uvilov soundcloud.com/uvilov myspace.com/uvilov Uvilov

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DISCOS QUE LES CAMBIARON LA VIDA Ok Computer de Radiohead Revés/ Yo soy de Café Tacvba NUNCA LOS VERÁS Escuchando un disco de 311.

Detestan a ese grupo.

MÚSICA:: tiempo para pensar y la batería fue muy espontánea, nunca me detuve a analizar muy específicamente cómo quería que fueran mis baterías… al final me gustan mucho los beats que se lograron en este disco.

JUAN SON, BLONDE REDHEAD Y THE BREEDERS CREAN UN HIMNO ESPACIAL

E N T R E V I S T A C O N S I M O N E PA C E TXT:: VICENTE JÁUREGUI.

EN

ocasiones he pensado que Porter debió sacar un par de discos más antes de separarse, aunque después de escuchar Mermaid Sashimi la credibilidad en Juan Son como solista creció bastante.

Ahora, con el lanzamiento del viaje sonoro que representa Space Hymns, queda claro que Juan es capaz de crear discos redondos, sobre todo cuando se rodea de músicos de la talla de Simone Pace (batería de Blonde Redhead), Kelley Deal (The Breeders), así como un integrante sorpresa que pronto será revelado. Directo desde Nueva York, un habitualmente lacónico Simone Pace platicó durante veinte minutos con Marvin.

Blonde Redhead inició cuando tú y tu hermano conocieron a Kazu en un restaurante, y ahora inicias este proyecto con Juan Son después de conocerlo en otro restaurante.

Simone Peace: (Risas) Bueno, hay muchos restaurantes en Nueva York, aunque en realidad conocí a Juan en un café. Una persona que creyó que podríamos hacer música juntos nos presentó, al poco tiempo escuché algunos demos y me gustaron bastante, así que decidí meterme de lleno a grabar en este disco. Una vez en el estudio las cosas comenzaron a ponerse buenas y terminamos haciéndonos buenos amigos. ¿Participaste en la composición de los temas?

SP: Me involucré bastante en la producción y en desarrollar varias ideas armónicas.

Desde el principio la idea fue trabajar como productor en el estudio, lo cual nunca había hecho antes, pero me di cuenta de que lo disfruto bastante.

“Vivimos in LA” es el primer sencillo del disco y según Juan Son la segunda parte es una respuesta a “Jenny from the Block” de Jennifer Lopez. ¿Cuál es tu interpretación de la rola?

SP: Juan tiene una manera muy libre de escribir sus letras, a veces tiene dos cosas por separado que terminan por hacer sentido, y ese fue el caso de esta canción.

Eran dos ideas diferentes que terminamos uniendo. Yo nunca trato de pensar demasiado o analizar en exceso las letras, por lo cual no tuve problema en unir las ideas.

En México se han referido a Juan Son como una suerte de Björk mexicano. ¿Estarías de acuerdo con una declaración así?

SP: Mmmmmm, no lo sé, desde un principio sentí que Juan tenía una personalidad única en su voz, de hecho eso fue lo que me atrapó de inmediato. Cuando grabamos el disco no hubo ninguna intención de sonar como Björk, más bien fue una búsqueda por desarrollar las canciones como tales. Así que jamás compararía la voz de Juan con ninguna otra. ¿Tocaste la batería en este disco con el mismo estilo que tienes en Blonde Redhead?

SP: En realidad todo pasó muy rápido, en un par de semanas ya teníamos todo montado, así que no hubo demasiado

Leí que Ringo Starr es uno de tus bateristas favoritos, lo cual es curioso si tomamos en cuenta que es un músico muy poco apreciado entre bateristas.

SP: Honestamente, creo que cuando las bandas tienen un baterista muy bueno puede resultar negativo. Por ejemplo, si Megan de los White Stripes fuera una gran baterista sonarían como una banda de bar.

Por eso creo que Ringo es perfecto para Los Beatles, la gente que lo juzga sólo está viendo aspectos técnicos, pero yo creo que sus ideas en la batería son asombrosas para las canciones. Veo su belleza en el contexto de la banda, no en él como baterista, ¿te hace sentido lo que digo?

Lo entiendo perfecto porque en lo personal me gusta lo que toca Ringo.

SP: (Ríe) De verdad, la chica de los White Stripes no es una buena baterista, pero dentro del contexto de la banda funciona muy bien.

Siempre me he preguntado, ¿por qué usas un set de batería tan pequeño?

SP: La batería que uso es muy especial para mí. En realidad no la escogí por una cuestión de tamaño, sino porque al momento de probarla me dio algo con lo que me identifiqué bastante. Creo que con las baterías grandes se suelen perder cosas en vivo, además, me gusta viajar ligero y sin necesidad de cargar demasiado (ríe). ¿Harán una gira para presentar Space Hymns?

SP: Tengo que hablar con Juan primero para planear las cosas. Por el momento tengo shows con Blonde Redhead en junio en Canadá, después durante el verano haremos algunos festivales en Europa. Será difícil, pero me encantaría viajar a México para hacer algunos shows con Juan, sería realmente bueno poder hacerlo.

En cada número tenemos un tema en Marvin, y el de este mes es rehabilitación, ¿Has experimentado alguna en tu vida?

SP: No, en realidad trato de escuchar a mi cuerpo bastante, si lo haces te dirá lo que necesitas. De repente no como carne, dejo de tomar alcohol, es algo que hago periódicamente para limpiarme, pero jamás he experimentado una rehabilitación como tal. M

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MÚSICA:: ANTES DE SER CONOCIDOS COMO YOUNG KNIVES el trío usó los nombres de

PASTORAL EXISTENCE Y PONYCLUB.

YOUNG KNIVES

E N T R E M U TA C I O N E S S O N O R A S

TXT:: DANIEL ROJAS.

Hist—ricamente, Gran Breta–a ha dado a luz cientos de proyectos musicales exitosos; la mayor’a de los artistas que emergen de la vieja Albion parecen estar siempre bajo la lupa, el o’do y el escrutinio mundial, de manera que cada banda nueva preserva la tradici—n y mejora a sus antecesores. Si bien Young Knives nunca fue considerado "The next best thing" se ha mantenido a lo largo de los œltimos cinco a–os, con tres discos bastante parejos en su calidad y sonido, como su debut Voices of Animals and Men (2006), nominado al prestigioso premio Mercury de 2007.

EN

2011, Young Knives regresan con Ornaments From the Silver Arcade, tercer disco oficial del trío. Bajo este pretexto, Marvin tuvo la oportunidad de charlar con Thomas "House of Lords" Dartnall, bajista de este grupo oriundo de Leicestershire, Inglaterra.

MÁS QUE UNA BANDA DE GUITARRAS Luego del pequeño bache musical que significó Superabundance de 2008, Young Knives estaba seguro de que quería darle la vuelta a su sonido y evolucionar en los temas mostrados en Silver Ornaments from the Arcade: “Comenzamos a escribir canciones hace casi 3 años, pero el principal problema después del último álbum (Superabundance) fue que no había demasiadas ideas de hacia dónde ir y sobre qué ruta queríamos tomar. Finalmente, todos coincidimos en que queríamos hacer algo diferente a lo que habíamos hecho anteriormente, y alejarnos de la idea de que sólo somos una banda de guitarras”, continúa Thomas Dartnall “empezamos a escribir nuevas canciones y a experimentar con diferentes formas de instrumentación.

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Algunas canciones fueron escritas en el piano o teclados o simplemente las cantábamos juntos. Después de escribir un montón de canciones, decidimos que teníamos que hacer un disco conciso, algo más inmediato, así que nos deshicimos de todas las canciones más raras y nos quedamos con las que sonaban más instantáneas”.

En esa misma búsqueda de sonido e ideas, la banda firmó al laureado productor Nick Launay para que se hiciera cargo de la producción de Ornaments from the Silver Arcade. Launay es un viejo lobo de mar que ha tenido la oportunidad de trabajar recientemente con agrupaciones como Yeah Yeah Yeahs , Maxïmo Park y The Cribs; y en el pasado con Nick Cave, Gang of Four y muchas bandas reconocidas.

Sobre la experiencia de colaborar con un productor tan experimentado, Thomas Dartnall nos cuenta que “trabajar con Nick fue impresionante, principalmente porque compartimos un gusto musical y un humor similar. Él es una persona de clase media inglesa, y básicamente por eso lo

buscamos. Elegimos trabajar con Nick por nuestra referencia en Flowers of Romance de Public Image Ltd , y por las cosas que ha hecho con Nick Cave, queríamos capturar un sonido similar en este disco”.

EL LADO DIVERTIDO Lo primero que se percibe al escuchar Ornaments from the Silver Arcade es un sonido más festivo por parte del grupo, cortes como “Love My Name” así lo demuestran.

Sobre los cambios significativos que tomaron las composiciones de Young Knives, Dartnall dice: “nuestros discos anteriores eran muy oscuros y pesimistas en sus temas. Creo que con este disco quisimos mostrar nuestro lado divertido.

Amamos a artistas como Pavement y Frank Zappa, ellos muestran abiertamente que pueden ser tontos y divertidos, y eso era lo que queríamos hacer con este álbum.

Mucha gente piensa que uno debe ser muy serio con la música para ser creíble, lo cual de cierto modo es verdad, pero sin duda es todavía más difícil ser tomado en serio con canciones alegres”. M

DEMASIADA ESTIMULACIÓN

Grimes, de 23 a–os de edad, se describe a s’ misma como perfeccionista y obsesiva. Esto se refleja en sus dos obras, Geidy Primes y Halfaxa, y en el uso de su voz maravillosa, eje clave y columna vertebral de sus composiciones.

Tengo la hipótesis de que los cantantes de países fríos tienen un estilo muy distinto que los de países cálidos.

Claire Boucher: No sólo es en cuestión de estilo, el clima hace que la voz funcione de otra forma. Cuando hace calor mi vibratto se vuelve mucho mejor. Además influye la oscuridad del invierno, cuando todo el mundo se deprime. Este invierno fue particularmente deprimente para mí porque no tengo calefacción en mi casa, tengo mala circulación y se me congelaron los pies, estuvieron negros y ampollados por cinco meses. ¡Y ni siquiera estaba afuera! Es por cosas como esta que la gente hace música loca en lugares fríos. ¿Y la escena musical en Canadá? ¿Vale la pena la congelación?

CB: Antes Canadá tenía muchísimo presupuesto para el desarrollo de la música, pero le recortaron millones, todo porque alguien votó por un gobierno conservador. Aún así estamos mejor que en casi cualquier lugar del mundo y Montreal es un gran sitio. Todo el que quiera ser un artista y no esté ya establecido va para allá, porque es barato y tiene una escena artística muy armada.

Esto no ocurre en todo el país; ciertas partes de Canadá son desoladas, casi postapocalípticas. Hacer giras por Canadá es pesado, son horas de manejar y poco que ver.

Un lobo aquí y allá, árboles y de repente algún borracho. Y bastante pobreza. ¿Qué tal el fenómeno Arcade Fire? ¿Cómo les ha afectado?

CB: Nos ha ayudado muchísimo: van a nuestros shows y apoyan la escena local, atraen atención a Montreal, y más desde que ganaron el Grammy. ¿Una banda indie ganando un Grammy? ¿No es eso un poco raro?

CB: Sí, pero no debería serlo. Mis shows son muy contrastantes (desde cosas grandes e importantes hasta fiestas chicas que ni siquiera promuevo), pero no quiero dejar de lado lo divertido de la música, que es tocar

TXT:: LEONORA MILÁN.

para adolescentes borrachos que no tienen dinero para comprar mis discos, y que es más satisfactorio que los shows más grandes. Sin embargo, puedes combinar ambas y una cosa no debe excluir a la otra. Incluso Arcade Fire sigue yendo a pequeños shows ilegales en bodegas. Esto hace que la escena sea tan buena, que siga funcionando así y nadie sea pedante al respecto. ¿Y la influencia de NY, donde todo el mundo quiere estar?

CB: No sé si sea donde todos quieren estar; toda la gente que yo conozco que vive ahí es bastante infeliz. Todo es carísimo, todos trabajan todo el tiempo y cuando alguien regresa de tocar allá concluye lo mismo: no es un buen lugar para hacer arte, tal vez sí para promocionarlo pero no para hacerlo.

Cada que voy a Nueva York tengo que dormir en la calle, nadie quiere que te quedes con ellos porque todos viven en un clóset, nada de hospitalidad... voy por ahí cargando todas mis cosas y todo está lleno de gente desquiciada y enojada. He tenido buenos shows ahí pero me gustan más las ciudades con menos gente, como Baltimore o Detroit, sin reglas ni tráfico. ¿Cómo defines tu música?

CB: Mi música es completamente postmoderna, cada canción que hago es distinta y cada álbum también, porque soy el resultado de demasiada estimulación. En mi última gira

con los Dolldrums decidimos etiquetar nuestra música como future-shock. Tiene que ver con la ciencia ficción e Internet, con el impacto psicológico de la tecnología. Los future-shock tenemos el peor TDAH, y no hay nada similar en nuestra música salvo que es esquizofrénica y caótica, y lo que nos une es la obsesión social de conseguir información. Aún así, creo que es importante tener un movimiento y una coherencia que no sea corporativa. Nuestro punto de unión es el Internet, supongo; somos una generación particular porque fuimos los primeros que tuvimos Internet desde la infancia. Pienso que por ello nuestras conexiones neuronales son distintas y tenemos poca capacidad de atención. ¿Y esto es bueno o malo para la música?

CB: Es bueno y malo, dependiendo del enfoque personal; yo soy muy selectiva respecto a las cosas que oigo, no escucho tanta música nueva, un disco cada dos semanas, me gusta oír lo mismo una y otra vez. No puedo explicar el fenómeno musical actual, no creo que alguien pueda porque nadie entiende bien lo que está pasando con esta sobredosis de información.

Lo único que pienso es que en algún momento algo va a ocurrir, algo va a romperse. Creo que será el Internet. Terrorismo. Alguien hará algo para tirarlo. ...Esperemos, por nuestro bien, que Claire no tenga razón. M

Cada que voy a Nueva York tengo que dormir en la calle,

NADIE QUIERE QUE TE QUEDES CON ELLOS PORQUE TODOS VIVEN EN UN CLÓSET (…)

VOY POR AHÍ CARGANDO TODAS MIS COSAS Y TODO ESTÁ LLENO DE GENTE DESQUICIADA Y ENOJADA.

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MÚSICA::

FÁBULAS DE

Gusanas Y CONEJOS

UNA PLÁTICA CON LA GUSANA CIEGA TXT:: JIMENA GÓMEZ.

FOT:: OSCAR HERNÁNDEZ

La gusana ciega es una de esas bandas que te hace pensar en la chica que te gustaba en la secundaria, esa con la que nunca cruzaste palabra y que ve’as alejarse siempre dej‡ndote con una frase a medio decir en la garganta. De esas frases la Gusana Ciega hizo su letras, su sonido y su relevancia.

Despu s de dos a–os sin nuevo disco, y cinco sin material original, la Gusana regresa con el Conejo en el Sombrero. En medio de influencias ochenteras y guitarras melodiosas, Daniel, Germ‡n, Jorge y Lu regresan a demostrarnos que sonar a la Gusana, aœn significa sonar, bien.

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CONEJO EN EL SOMBRERO.

Daniel Gutiérrez: Ya habíamos hecho La Rueda del Diablo en el 2006 y Jailbol, un disco de covers en el 2008. Teníamos ya muchas ganas de hacer un álbum de temas originales; es un disco que pensamos mucho, que platicamos mucho hacia donde queríamos ir.

Uno de los puntos que teníamos claros era el de utilizar influencias que no habíamos usado antes, y otro punto importante era que lo íbamos a producir nosotros. Es un disco diferente que trabajamos a partir de una maqueta, –así como hicimos el Jaibol– que iba pasando por la cabeza de cada uno

de nosotros en su respectivo espacio. Un rompecabezas de las piezas que cada uno iba poniendo. El resultado final, aunque ya teníamos definida la dirección de cada canción, iba siendo una sorpresa para todos.

ARMANDO, EL VERBO

Germán Arroyo: Prácticamente todos grabamos solos, cada uno en el estudio que le tocó.

Quien armó el rompecabezas fue Lu, nosotros aportamos las piezas y él le dio forma.

Lu Martínez: Sí, y fíjate que costó mucho trabajo, era un gran compromiso para un disco de la Gusana Ciega, fue muy interesante… pero sí es un rompecabezas de muchas, muchísimas piezas… estuvo muy divertido.

Hablaba y pedía ayuda, rezaba (risas).

GA: Fue muy interesante, ya que era un rompecabezas de 5000 piezas, pero Lu no tenía la portada, no había una imagen para ir copiando. Eso fue lo que al final nos sorprendió, que poco a poco fue cobrando vida. Antes de que George grabara sus guitarras y Lu empezara a mezclar, no existían canciones.

LM: Teníamos varias influencias en común, y platicábamos cosas que nos parecían interesantes y varias de ellas eran motivos de bandas ochenteras, en el sonido y en las ideas; salió The Clash, Devo, Blondie y Cindy Lauper. Como que tuvimos un ambiente en común y buscamos combinar, a la manera de la Gusana Ciega, todas estas influencias.

Y creo que lo logramos.

GA: Yo debo confesar que con este disco crecí en mi forma de escuchar música, antes escuchaba a Cindy Lauper y era mmm… incluso me pasó con Blondie, antes escuchaba los hits, y no me parecía lo mío. Ahora ya soy fan, soy fan del baterista de Blondie.

LA INSOPORTABLE LEVEDAD DEL CELOFÁN

DG: Yo creo que la gente está disfrutando el nuevo disco, me parece que en general los comentarios son buenos, pero aún los que dicen “no es mi favorito” recomiendan oírlo, porque les parece que la Gusana trae algo nuevo.

Eso es lo más padre como banda, después de tantos años, poder hacer algo que se sienta fresco y nuevo.

GA: Los comentarios de los fans, sobre este disco, también son muy específicos: me gusta esta canción, pero esta me gusta más.

Con la gusana nos pasa mucho que tenemos el hit en la radio y entonces todo el tiempo es: tornasol, tornasol, tornasol… y hay muchas más rolas. También nos pasa con “No me tientes” y “Celofán”, pero con este álbum

en particular, los fans hablan de los nuevos temas, de estas nueve rolas.

de los U2fans– todos recordamos una rola de U2 que nos cambió la vida.

LOS FANS SE HACEN MÁS CHICOS Y LA GUSANA MÁS VIEJA

LA CÁPSULA DEL TIEMPO: LA GUSANA PARA LA POSTERIDAD.

GA: Gracias en parte a los dos años que no estuvimos tocando y a que las canciones seguían sonando en la radio, las nuevas generaciones tuvieron oportunidad de conocernos.

DG: Yo creo que la temática de las canciones es bastante universal, por lo que han logrado trascender; temas que funcionaron hace 10 años siguen haciéndolo. Es música que habla de ciertos momentos en la vida que, con el paso del tiempo, se siguen repitiendo en la vida de todos.

LA FÓRMULA DE UNA BUENA CANCIÓN

GA: Una de mis canciones preferidas para tocar en vivo, es “luz interna”. También las del nuevo disco me están resultando muy divertidas.

LM: Me gusta “Hey!” Hay varios momentos y mis preferidas van cambiando, pero hay muchas, “727” me encanta que la cantemos y que la cante la gente.

La Gusana Ciega, yo creo, es en esencia una banda de muy buenas rolas.

JV: A la hora de tocar una canción en vivo, si funciona se convierte en una gama de sonidos increíbles, pero si no fluye en vivo –en nuestro caso– no la consideramos una gran rola.

DG: También tiene mucho que ver el sentimiento dentro de la banda, esa sensación de que logramos el objetivo. Hay canciones en las que no logramos todo lo que podíamos y eso nos queda muy claro.

Por otra parte está salir a tocarla en vivo y ver si engancha.

Yo creo que la combinación de estas dos cosas, sería la fórmula para una buena canción.

COSAS QUE TE CAMBIAN LA VIDA

DG: The Wall, el primero disco de The Doors.

Para mí “Another One Bites The Dust” de Queen, la escuché en la radio –hasta ese momento no había escuchado mucho rock– y sí me hizo sentir algo muy especial, me encaminó hacia otro tipo de música.

LM: Yo he estado recuperando algunas canciones que había dejado de oír: “Higher Love” de Steve Winwood, me transporta. Me dice que todo está bien y se lo creo.

JV: Recientemente descubrí de nuevo a Simon and Garfunkel, lo oí y dije: ¡órale!

GA: Escuchando a The Cure es inevitable pensar en todas las cosas que viviste con un rola de ellos. Inclusive ahora que fue la U2manía –y me quejé tanto y tan amargamente

Si hubiera una cápsula del tiempo donde pudieran poner un disco de la Gusana, para ser desenterrado 50 años después ¿qué disco sería?

GA: El otro día, comentábamos George y yo de Correspondencia interna, los fans que lo escuchan no pueden ver eso, pero por cómo lo grabamos yo lo escucho y me huele al estudio que tenía un aroma muy particular…

Es un disco que cuando lo oigo desentierro muchas cosas.

JV: También el Correspondencia, fue una época muy especial, lo grabamos en un bunker.

D: Era una armería vieja. Yo enterraría Conejo en el Sombrero.

GA: ¡Espérate ese es el nuevo, no lo entierres!

LM: El primero que me pasó por la cabeza fue Conejo en el Sombrero, ya lo pensé más y podría ser cualquiera de los dos. M

CONEJO EN EL SOMBRERO RESEÑA PREMATURA DEL DISCO

Hace algunas semanas fui invitada a un amena reuni—n que ten’a como fin escuchar el nuevo disco de la Gusana Ciega y beber Jack Daniels.

Ah’ entre copas y fans, me hice de una opini—n sobre el Conejo en el Sombrero.

Los ochentas no son una referencia sutil en este nuevo trabajo, canciones como ýDomingo generacionalý o ýCastillo en la lunaý dejan bien en claro las influencias de este cuarteto. Sin embargo temas como ýAsimetr’aý, ýConejo en el sombreroý y ýDolor de huevosý -uno de los temas m‡s notables- reflejan un proceso de decantaci—n un poco m‡s fino, donde las influencias no s—lo se traducen al lenguaje de esta banda, sino que se adaptan y cambian con l.

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MÚSICA::

TXT: VICENTE JÁUREGUI.

H O N E S T I DA D TOTA L

BABASÓNICOS

Para cualquier entrevistador, entablar un di‡logo siempre representa varias dificultades. En varias ocasiones, el ambiente puede tornarse pesado cuando el entrevistado tiene poco que decir... o simplemente amaneci— de mal humor. Por ello, el caso de Babas—nicos resulta estimulante: no s—lo son buenos conversadores, adem‡s, nunca buscar‡n salirse por la tangente con las preguntas inc—modas, y por el contrario, parecen regocijarse con ellas. Su ltimo disco se titula A prop—sito, ‡lbum que s—lo un estetoscopio infartado podr’a diagnosticar como pop banal. Lejos de ofrecer un discurso vac’o, en cada frase subyace la ponzo–a y el delirio suficientes para ubicarse en las ant’podas de lo pl‡stico. A continuaci—n: Babas—nicos.

¿Cómo fue hacer un disco después de la muerte de Gabriel Manelli?

Mariano Roger: Hablaré sólo desde el plano musical y artístico, la cuestión personal la guardo sólo para mí. Para nosotros Gabo fue importante no sólo a nivel ejecutante, sino también como compositor, aportaba

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mucho en varios sentidos… pero al final la alteración genética de la banda nos llevó a lugares distintos, como que las canciones ahora sean mutantes, lo cual termina por beneficiar al disco. Nuestro desafío siempre es no repetirnos y no caer en lo obvio o lo seguro. Si quisiéramos repetir Infame,

“Putita” o Jessico no creo que pudiéramos, ya que siempre buscamos hacer algo tan fresco como el primer disco.

Adrián “Dárgelos” Rodríguez: Todos nuestros discos parten de una vicisitud, nunca nos es fácil trabajar. La falta de Gabo es una vicisitud.

Ahora tenemos muchas comodidades como una sala de ensayos, pero siempre afrontamos el reto de que las ideas compitan entre sí. Una música auténtica es la que te sale y no la que te impones. A la larga, el que va a tocarla eres tú, y a quien tiene que hacer feliz es a ti. La gloria de la plenitud que transmitimos en nuestros shows, esa especie de bacanal dionisíaca, es lo que la gente disfruta. Nosotros no hacemos música para el público, hacemos música para nosotros y la gente viene a ver lo locos que estamos. Shows de mierda o de colecciones de canciones hay muchos, pero muy pocos compiten en la locura con nosotros.

Me llama la atención la letra de "Carnaval"… ¿es como una apología de la fiesta?

ADR: Exacto. Iban a poner unos días feriados de carnaval y cierto sector de la prensa encumbrada dijo: “qué mal, cuántos días sin trabajo”. Pero ellos son los que no trabajan, son comunicadores, no periodistas, y ganan un montón de dinero y aun así tienen el descaro de quejarse de que los pobres tengan un día feriado para festejar. Me llama la atención ese miedo enorme del poder político ante la fiesta.

En Estados Unidos tienen miedo a que la gente festeje y platique, porque se darían cuenta de que la plata no existe, que todo mundo vive del crédito.

Después de tantos años, ¿cuáles de sus héroes permanecen y cuáles nuevos se han agregado a su imaginario heroico?

ADR: Yo tengo un imaginario heroico con Black Sabbath, Zeppelin, Marc Bolan, Martin Gore, Buddy Holly… todo ese rock pletórico.

Pero mis nuevos héroes son Álex Turner y Jack White. El rock es un terreno de héroes. El otro día en Argentina vi un programa de TV donde los músicos van a decir quíenes son sus héroes. Gustavo Cordera dijo que él no tenía héroes porque es algo militar, ¡qué ignorante! Un héroe proviene de la cruza de un dios y un hombre, viene del espartanismo, no de la mitología. En realidad él quería decir que no tiene ídolos, pero su ignorancia lo llevó a declarar cualquier cosa por tratar de ser original.

MR: La mía es Lady Gaga, ella es mi heroina. Los que componen canciones son mis héroes, mi héroe nunca será Eric Clapton o alguien que presuma su rapidez en el instrumento.

El tema de la presente edición de Marvin es rehabilitación, ¿han experimentado alguna?

ADR: Somos malísimos porque no llegamos nunca a eso (risas).

De última ¿a qué llaman rehabilitación? Uno puede dejar vicios perniciosos, pero ¿rehabilitarte de qué? Dejar hábitos es una cosa común. Yo necesito rehabilitarme de este mundo de mierda (risas).

MR: Yo no siento que me tenga que rehabilitar de nada, me siento muy habilitado (risas). Ahora la rehabilitación es un gran negocio impuesto por EU con los spas y todo eso. El negocio de la desintoxicación. ¿Charly García? Recuerdo que en una entrevista pasada para Marvin, algunos de ustedes dijo que representaba la estupidez humana…

MR: Mmm, ese debió de ser Diego, él siempre habla mal de Charly.

En lo personal no creo que Charly exprese la estupidez humana, en algún punto de su carrera hizo muy buenas canciones. Yo hablaría mal de un hijo de puta político, incluso prefiero hablar de Maradona, ¡ese sí es un estúpido! De última Charly es un artista y si después se convirtió en una caricatura de sí mismo, nadie está exento de eso. Su rehabilitación es parte de su caricatura, ahora es un gordo rehabilitado que no puede ni moverse. ¿Hay suerte de ironía contra el mundo del arte contemporáneo en "Flora y fauno"?

MR: Sobran los payasos que creen que poner un pedazo de mierda con chocolate es arte.

ADR: No sólo en el arte hay payasos, hay un punto extremo de ridiculización en la cultura en general, y la manera que tengo de quejarme es expresando delirio en la realidad. Los personajes que me toca representar están cargados de un cretinismo sin medida, ellos te vomitan que existe mucha mentira dentro del mundo snob del arte.

¿Cómo se da la relación con los fans que los siguen desde el principio en una especie de culto, y que ahora los critican por ser muy populares?

ADR: Hasta que aplicaron las leyes de libertad de culto pudimos tener un séquito más grande (risas). Y eso no lo podemos evitar. Yo creo que los primeros fans podrían pensar: “mira que avanzado era yo, me gustaban los Babasónicos cuando a nadie le gustaban”. Sería para ellos un halago que estuvieron en la vanguardia del entendimiento… pero no. Hay que entender que uno es más influenciable de joven, después, cuando ganas certezas envejeces, lo cual es una pena porque ya no aceptas nuevas bandas, las cuales vienen con nuevos mensajes que confunden tus certezas y terminas concluyendo que lo mejor es lo que escuchaste en tu época.

MR: Los fans de la primera hora creen que les perteneces. Te exigen que toques sólo los temas que les gustaban cuando eran jóvenes.

Mejor vuelvan a ser jovenes abriéndose a lo nuevo porque yo no voy a tocar por complacer a nadie. Ahora yo soy otro y me interesa tocar lo que soy en este momento.

ADR: Por suerte el tiempo se inmortaliza en los discos: ¡vayan y escuchen los discos viejos! M

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MÚSICA::

MY MORNING HAY

bandas que parecen estar hechas para recorrer países y ciudades por años y años, con presentaciones en todo tipo de foros y festivales, dejándose sendas barbas como medallas de honor, de todos esos días en los que no han pisado su casa. My Morning Jacket es una de ellas, una banda que se ha formado y curtido a lo largo de 12 años de estar tocando una y otra vez. Como buenos perros del camino, estos cinco originarios de Louisville, Kentucky, han sido parte de un longevo circuito musical, de ahí que el nombre de su sexto álbum sea Circuital. La banda que lleva años dándole vueltas a un circuito de rock, le rinde tributo al mismo, como si de jinetes de rodeo se tratara. ¿CUÁL ES EL LEIT MOTIF DEL DISCO? El regreso a casa. Yim Yames (como se autonombró Jim James) y compañía, conceptualizaron y grabaron el disco en su ciudad natal. Este regreso a casa también funciona a nivel sonoro, la banda parece retornar a las raíces country que le dieron génesis. ¿QUÉ NOS GUSTA TANTO DE MY MORNING JACKET? Que es una banda que siempre ha gustado de explorar diversos estilos. Mientras en Z desarrollaron un sonido épico, en Evil Urges se les metió el diablo funky y en Circuital suena a My Morning Jacket, ese grupo difícil de encasillar, alérgico a las convenciones y que no tiene miedo a sonar “demasiado country” o “demasiado pulido”. ¿LA BANDA COMETIÓ EL PECADO CAPITAL DE LA AUTO-REPETICIÓN O DE LA INFLUENCIA EXACERBADA? Quizás de lo único que podemos culpar a My Morning Jacket, y en especial a Yim Yames, es de la pesada influencia que ejercen los grandes del rock en este disco. Por momentos, es un disco muy en la vena de las mejores rolas de The Who, a ratos parece estar bajo la influencia del dulce fantasma de George Harrison, e inclusive podemos percibir tintes

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JACKET AFERRÁNDOSE A LOS ORÍGENES

T X T : : A N D R É S I B A R R A R Í O S “ C H E L I T O ”.

El Radiohead americano, la jam band para las personas a las que no les agradan las jam bands, la agrupaci—n que ha sido descrita como Led Zeppelin meets Pink Floyd: My Morning Jacket est‡ de regreso. de Roy Orbison en la balada más lenta del disco. También son culpables de haber hecho una de las portadas más feas en la historia, pero esto no debe aminorar las ganas de escuchar el disco, que es realmente bueno. ¿QUÉ ES LO MEJOR DEL DISCO? “Holdin On To Black Metal”, la canción más genuina e imponente que los oídos de este humilde colaborador han oído en lo que va de este 2011. Inspirada en un disco pop tailandés que Yim Yames obtuvo por azares del destino, esta canción tiene una línea de bajo que retumba hasta en los mayores rincones del alma; los coros femeninos corroen el corazón y la voz Prince-esca de Yim te invitan a aferrarte al metal negro hasta que Lucifer decida lo contrario. Escuchar esta canción en vivo debe ser una experiencia sensorial equivalente a ser partícipe de una misa negra, en la que invocas al chamuco a que te dé la bendición. ¿QUIÉN ES EL CHAMÁN DETRÁS DE ESTOS VETUSTOS ROCKEROS? Tucker Martine, quien con su impecable producción hace que las canciones más cursis del disco tengan jiribilla. Martine logró que el álbum sonara a un Kentucky postapocalíptico, derruido pero esperanzado.

CABALGAR HACIA EL FIN DEL MUNDO My Morning Jacket es una banda total y

completamente americana, las letras de este disco, en síntesis, nos hablan del hartazgo del mundo moderno, de su fútil velocidad, de la nula apropiación de los productos culturales que de él emergen, y del voraz consumismo que no se detiene ni con la mayor crisis social que se pueda vivir. Para ellos, la solución a esto es volver a los orígenes antes de que se aparezca ante nosotros el día del juicio final.

En estos días, en los que aparentemente se avecinaba el prematuro fin del mundo (que al parecer el próximo año sí nos toca), Circuital se escucha como un disco redentorio. Desde la abridora y ominosa “Victory Dance”, pasando por la dulce balada de “Wonderful (The Way I Feel)”, la enorme “Holdin On To Black Metal” y hasta la Roy Orbison-esca “Slow Slow Tune”, este disco coloca a la banda en la punta del iceberg, por el simple hecho de ser una banda genuina, carente de prejuicios estéticos y sonoros.

Circuital es un disco autocomplaciente, la banda se dejó llevar por sus filias y fobias sin pensar en nadie mas que ellos. Así tienen que ser los jinetes de rodeo. No pueden pensar cuántas veces le han dado la vuelta al circuito, no pueden pensar qué pasará si no acaban la carrera, ni a dónde los llevará; lo único que pueden hacer es cabalgar, mirar al frente y seguir su camino.

Esta mañana hace mucho frío, para salir y afrontar el día, necesito de mi chaqueta mañanera… que gusto que esté de regreso. M

MY MORNING JACKET

E S U N A B A N D A TOTA L Y C O M P L E TA M E N T E A M E R I C A N A ,

LAS LETRAS DE ESTE DISCO, en síntesis

N O S H A B L A N D E L H A R TA Z G O D E L M U N D O M O D E R N O ,

DE SU FÚTIL VELOCIDAD.

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MÚSICA::

THE DRUMS

TODO PUEDE PASAR… INCLUSO ALGO GENIAL

TXT: JIMENA GÓMEZ.

Una banda que s—lo quiere hacer canciones geniales. Esta es la mejor manera que se me ocurre para describir a The Drums.

Despu s de una amena conversaci—n con este tr’o americano, algunas cosas me quedaron muy claras respecto a su sonido y ambiciones. Y otras pertinentes a la mœsica en general me hicieron cuestionarme: ÀEs factible hacer giras por todo el mundo sin so–arlo antes? ÀTiene algo de malo sonar a lo que se suena sin pretender sorprender? Y m‡s importante, Àc—mo es que no los ten’a en mi rotaci—n constante del iPod?

DESPUÉS

de una extenuante gira, pasando por ciudades de Asia, los integrantes de este grupo se notaban cansados. Previo a la entrevista, confinada a un minúsculo patio para fumar, me encontré con el baterista Connor Hanwick –ahí en la unión que sólo se puede conseguir al compartir un cigarrillo– me contó de su gira; de lo extraño que era estar en Indonesia y ver a todo el público cantando a la par, de las máquinas que venden tazones de comida, de Corea del Sur, de la pobreza… Esta breve charla me creó buenas expectativas para la entrevista, mismas que serían confirmadas al sentarme con Jonathan Pierce, Jacob Graham y Connor Hanwick.

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IN MEXICO

Jonathan Pierce: Es el último show de la gira, ha sido un largo mes…

Y lo cerrarán espectacularmente ¿cierto?

JP: Sí bueno, eso esperamos (risas).

Jacob Graham: Todo puede pasar… ¿Incluso algo genial?

JG: Especialmente algo genial (risas).

IT’S ALL ABOUT A GREAT SONG

El sonido de The Drums es muy específico, muy americano… ¿fue esa siempre su intención?

JP: Cuando empezamos teníamos muchas ideas que queríamos incorporar, pero no el sonido exacto que deseábamos en mente, sólo presionamos "grabar" y lo que pasó, pasó. Nos dimos cuenta de que era un buen sonido y nos quedamos con él. ¿Están contentos con el lugar en que se encuentran en su carrera?

JP: Estamos muy agradecidos por todo lo que ha pasado y porque la gente escuche nuestra música. Pero sólo queremos escribir buena música y canciones geniales. Eso es lo que nos emociona, esa es nuestra meta, y todo lo demás es sólo resultado de eso. No hemos cambiado la manera en que trabajamos, el cómo escribimos y grabamos, aún no hemos comprado lasers para nuestros shows.

Esencialmente tenemos el mismo show que cuando empezamos, un integrante se fue y algunas cosas se movieron. Pero tenemos suerte de que la gente nos esté escuchando, sin que nos hayamos tenido que comprometer. Y si la gente no nos escuchara estaríamos haciendo lo mismo, sólo que con trabajos en el día (risas).

Porque la gente quiere vernos en vivo vamos de gira. Pero nunca hemos sido una banda ambiciosa, nuestra única ambición siempre ha sido crear canciones geniales.

Y esa es una ambición bastante grande por sí misma…

JP: (Risas) Sí supongo, es una ambición simple.

Sin una gran canción ¿cuál es el punto? Eso es lo emocionante para nosotros, algo que se sienta fresco y original. Al final del día sólo queremos complacernos a nosotros mismos, apreciamos que la gente lo disfrute, pero tiene que gustarte lo que haces, de otro modo no tendría sentido, sería sólo una broma…

Connor Hanwick: No creo que sea una ambición tan grande… crear una canción genial.

Mucha gente no puede…

CH: Esa es la diferencia entre ambición y habilidad. Si yo pudiera cobrar por escribir canciones mediocres (risas), podría hacerlo…

pero supongo que mucha gente lo hace para comerciales u otros artistas.

JG: ¡Moby! Ese es Moby y arderá en el infierno por las cosas que ha hecho (risas).

CH: (Risas) Nadie se propone escribir una canción mediocre, sólo te sientas y haces lo mejor que puedes.

nota que hay una persona atrás, un alma que habla a través de la música.

JG: Que tenga una personalidad definida, no quieres escuchar una canción que podría ser de cualquier banda, o que podrías poner a otro cantante. Una canción tiene que ser una cosa viva que respira. Tiene que ser personal.

SERIOUSLY JOKING

Cuéntenme del proceso creativo. Las letras me parecen tan… buenas.

JP: (Risas) ¿Buenas? Es lindo oír eso.

M: ¡Sí en serio! Canciones como “Me siento estúpido”, es decir todo el mundo lo piensa, pero ¿cómo dicen “eso es, así se llamará la canción”?

JG: (Risas) Sólo pensamos que llamarla así era una buena idea porque sonaba muy estúpido, creo que es un micro ejemplo que refleja algo que hemos hecho o planeamos hacer.

JP: Por lo simples que son, nuestras canciones parecen una broma para mucha gente. Nosotros las tomamos muy en serio.

Pero ¿saben que la gente lo percibe como una broma?

JP: Sí.

Y cuando le llamas a una canción “Me siento estúpido” estás participando un poco en la broma ¿cierto?

JG: (Risas) Sí, esa es la diferencia entre nosotros y una banda como Muse: ambos nos tomamos con igual seriedad, pero ellos no son capaces de reírse de sí mismos y de lo ridículo que es todo…

CH: Y no tienes que pegarle a la gente arriba de la cabeza. ¿Sabes? Hay algo gracioso en ese título, o en un primera línea “eras mi mejor amigo y luego moriste”…Ya perdí mi hilo de pensamiento (risas). Sí, no hay que golpearlos arriba de la cabeza... Thom Yorke probablemente tiene canciones llamadas “Cójeme, quiero morir”, de eso se tratan sus canciones (risas).

JG: Tener temas ultra serios, no es lo único que hace a una banda seria.

THE NEW STUFF

JP: Este disco es diferente, por las responsabilidades compartidas, podemos cambiar lo que hace cada quien. No hay ego en cuanto a quién escribió qué, o quién toca la guitarra.

Todo puede cambiar por el bien mayor de tener una canción genial. ¿Qué hace genial una canción?

JP: Es difícil de decir. Es una sensación, yo siento algo cuando escucho una canción genial. Creo que tiene mucho que ver con la persona; con una buena canción siempre se

¿Qué podemos esperar del nuevo álbum?

JP: Son 12 canciones, todas en esa idéntica estructura pop, no nos hemos alejado de eso.

Hay un par de sorpresas… pero en realidad es una tras otra; tres minutos y medio…

JG: Y esa es una decisión consiente. Queremos ser consistentes en nuestros discos, no queremos que nuestros fans tengan que cambiar su percepción de álbum a álbum.

JP: Le enseñé el disco a un amigo, y me dijo: “este álbum no puede ser de ninguna otra banda más que de The Drums” (risas) y eso es lo mejor que podemos escuchar.

Las bandas que amamos siempre sonaron casi igual, no les importaba que la mayoría de la gente deseara algo diferente. Nunca he entendido eso de: "En su show de esta noche ¿hay alguna sorpresa para nosotros?” (risas)… Si yo hubiera sido un adolescente en los ochenta comprando el nuevo álbum de The Smiths, no desearía ninguna sorpresa.

Sólo querría diez canciones bien tristes (risas). ¿Sabes? No sé por qué la gente necesita ser sorprendida todo el tiempo.

JG: Ve a Chuck-e-Chesse. Haz que alguien te compre un regalo, ábrelo, y luego ven a nuestro show (risas).

CH: Alguna gente te culpa por hacer lo que haces, y es estúpido. ¡Déjame en paz!

WITH LOVE…

Algo para nuestro lectores… para los que aún no los conozcan.

JG: Si estamos destinados a estar juntos, nos encontraremos. Con amor Jacob. M

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MÚSICA::

warpaint SONIDO FINO, POLÉMICA Y MUCHO AMOR TXT:: SYNTHIA FRANCO.

Abrían shows de The xx y poco tiempo después el álbum fue aclamado por la crítica. Todo el mundo comenzó a conocerlas y a hablar de ellas.

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ESTAR ON THE ROAD ES LO QUE MÁS DISFRUTAN Y NO SE VEN HACIENDO OTRA COSA… AUNQUE THERESA TAMBIÉN CUIDA DE SU HIJO.

ÀCu‡l de los siguientes aspectos metaf’sicos crees que sea m‡s poderosos en Warpaint? el hype, Àel feeling femenino o su sonido et reo? Desde el momento en que escribo esto hasta el el 9 de septiembre, d’a de su presentaci—n en M xico, Warpaint tiene 35 fechas en su agenda. Pa’ses principalmente europeos como Alemania, Italia, Polonia y hasta Australia quieren experimentar a trav s de sus propios o’dos, la especial atm—s-fera que esta all girl band genera en vivo. Cuando terminen su show aqu’, tristemente las veremos desaparecer en un vuelo directo a Colombia, sin oportunidad de entrevistarlas en persona.

COMO

booker con poca experiencia fue complicado lograr que The Windish Agency aceptara mi oferta para traer a tocar a Warpaint a nuestro país. Demasiada negociación… Sobre todo tomando en cuenta que fueron y serán parte de muchos de los principales festivales de música alrededor del mundo: el 15 de abril vimos su magnífica presentación en Coachella desde la comodidad de nuestra cama –vía el canal oficial de YouTube–, también desfilaron por The Great Escape Uk en Brighton el mes pasado, Primavera Sound en Barcelona, Glastonbury, Rock Werchter en Bélgica (el cuarto festival más grande de música europeo), Field Day en Londres, Oya Festival en Noruega, Leads and Reading y finalmente también harán vibrar a Japón en el Fuji Rock, que se lleva a cabo en un ambiente especial, lleno de orden y buena vibra, justo en las faldas del volcán Fuji.

A partir de los videos que he visto de ellas, su perfeccionismo, seguridad y presencia en el escenario, me hacen pensar que es una banda consolidada. Pero la realidad es que se trata de un grupo muy joven, literalmente, pues ninguna pasa de los 28 años, además de que su formación data de siete años atrás.

No sé respecto a otros lugares del mundo, pero en México muchos medios adjetivan a Warpaint como una banda hypeada: que si tienen buenas conexiones con el mundo de la música y el cine, que si el fallecido Heath Ledger era fan y asistió pancarta en mano a todos y cada uno de sus primeros conciertos, que si Theresa –la guitarrista– formó parte durante algún tiempo de la banda de Vincent Gallo, que si el EP Exquisite Corpse fue mezclado y masterizado por el rehabilitado John Frusciante, que si hubo romance entre éste último y Emily, la vocalista.

Y cuando escucho este tipo de comentarios y gossip, pienso: “qué cool”, pero

también en la idea romántica de la “banda de rock descubierta por el manager de una disquera o algún visionario del mundo de la música”, ¡pero esas son patrañas! En los tiempos de crisis que atraviesa el rock hay que trabajar para llegar lejos, y si uno cuenta con los "conectes" adecuados, ¿por qué no hacer que esas manos nos ayuden a llevar nuestro talento a otro nivel? Y eso es precisamente lo que han estado haciendo las chicas de Warpaint durante estos años: trabajar en definir un sonido propio y especial.

A la típica pregunta que todo mundo les hace de por qué se tardaron dos años en lanzar el EP Exquisite Corpse –siendo una banda de Los Ángeles y estando tan cerca de Hollywood–, Emily responde que estaban trabajando muy duro en crear un sonido con el que todas estuvieran satisfechas. Además, los cambios en la alineación, específicamente en el puesto de baterista, alargaron esa búsqueda.

Puede sonar ridículo, pero es verdad eso de que Warpaint se formó un 14 de febrero. Y más ridículo que lo diga, pero lo de Warpaint es una historia de amor; principalmente entre Emily y Theresa. Ellas son las fundadoras de la banda, y desde la secundaria tienen una conexión especial que se refleja en su sonido. Después de que se establecieron en Los Ángeles, tras haber viajado juntas por Europa y Asia y luego de pasar una temporada en Nueva York, Emily y Theresa fueron al estudio de su amigo, que estaba detrás de una tienda de viniles viejos, y ahí tuvieron su primera sesión como Warpaint; comenzaron a tocar, a improvisar.

Para ese entonces ya habían conocido a Jenny Lee, la bajista, y su hermana Shannyn Sossamon, que las abandonó para seguir su carrera de actriz.

Warpaint es una banda que se guía mucho por el feeling femenino; prefieren trabajar una y otra vez sobre composiciones

ya armadas que escribir muchas canciones, hasta que “se sienten bien” con el resultado.

La democracia reina al momento de ser creativas. Y en eso tiene mucho que ver la energía de amistad que las liga. Una vez que Rough Trade Records las reclutó para lanzar The Fool, su vida comenzó a ser muy diferente. Abrían shows de The xx y poco tiempo después el álbum fue aclamado por la crítica. Todo el mundo comenzó a conocerlas y a hablar de ellas. Pero respecto a esto, su postura es mantenerse al margen de lo que se comenta y publica de ellas. Estar on the road es lo que más disfrutan y no se ven haciendo otra cosa… aunque Theresa también cuida de su hijo.

Ahora que son tan famosas me pregunto, ¿de dónde habrá salido ese sonido onírico tan único que caracteriza a Warpaint?

Theresa estuvo en contacto con la música desde muy pequeña. Su madre le compró un piano y la enseñó a leer partituras, piezas clásicas de Beethoven inundaban su memoria.

PUEDE SONAR RIDÍCULO, PERO ES VERDAD ESO DE QUE WARPAINT SE FORMÓ UN 14 DE FEBRERO. Y MÁS RIDÍCULO QUE LO DIGA, PERO LO DE WARPAINT ES UNA HISTORIA DE AMOR; PRINCIPALMENTE ENTRE EMILY Y THERESA.

Hoy, seguramente también tiene que ver su pedal multidistorsión Holy Stain y el crujiente Tube Screamer. Stella Mozgawa –de quien no hemos hablado hasta el momento– es la baterista y también tiene padres músicos que se dedican a ello profesionalmente.

Ella es la más introvertida y aún le intimida estar en el escenario, por eso casi no voltea a ver al público ni canta. Y finalmente Emily creció influenciada por bandas como U2 y el ambiente hippie de Oregon.

Creo que la belleza en el sonido de Warpaint también tiene que ver con la belleza de sus creadoras, que complementan con un look a lo homeless para reafirmar ese concepto etéreo que las llevó a destacar y en donde lo más importante es imaginar, crear, experimentar y la inspiración que uno puede llegar a sentir cuando estás enamorado. M

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MÚSICA::

LOS

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THE PAINS OF BEING PURE AT HEART

FLEET FOXES

Se dice –y bien– que son lo más parecido a lo que una banda indie del siglo XXI debía ser. Pero se distinguen por la flexibilidad, su pop shoegaze es punzante y fiero, aun con su temática amorosa tan naif. Podían seguir ensayando en un cuarto trasero, pero ahora los producen santones como Flood y Alan Moulder: corazón y maneras amateurs con estrategia de grandes ligas. ¡He aquí el presente tal cual!

Una vez que grabas un primer disco en estado de gracia y que conduces a la ensoñación colectiva, no es fácil dar otro paso. Los de Seattle retrabajaron el material tanto como fue necesario, hasta volver a confeccionar otra joya de orfebrería musical. Aquí hay folk pastoral, piscodelia campestre y toques étnicos que logran una amalgama pop de extraña, pero seductora belleza. Un álbum que los hace –y nos hace– volar por las alturas.

GANG GANG DANCE

TV ON THE RADIO

Este combo neoyorkino se distingue porque parte de la improvisación pura, pero se siente que ha alcanzado su punto de equilibrio al componer. Toma elementos de música oriental y africana para pasarlos por el tamiz de una electrónica poderosa –que ha perdido lo chatarrera–. Halló una intensidad rítmica de cotas altas, que a veces tiende a la psicodelia y en otros momentos al baile desenfrenado.

La tragedia de la muerte de su bajista propinó un envión extra a esta banda, que continúa en la senda de quienes entienden al rock como una forma de arte. Se trasladaron a Los Ángeles para grabar el disco más accesible de su carrera, pero sin hacer concesiones. Los de David Sitek saben dar muchas vueltas a los sonidos de la negritud; logran dosificar la intensidad en las canciones y envolver al escucha.

BELONG / Slumberland

MEJORES DISCOS A MITAD DEL AÑO

HELPLESSNESS BLUES / 4AD

T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

No es lo habitual, pero Àa qui n le importa? Se puede hacer un recuento de aquellos discos que han copado nuestra atenci—n durante el primer semestre del a–o y que se distinguen por su calidad. Se trata de una instant‡nea de un momento espec’fico -presente congelado-. Cuando transcurran los 12 meses de 2011 veremos cu‡ntos sobrevivieron hasta el final y sabremos qui nes fueron desplazados. He aqu’ nuestra selecci—n de media temporada.

Se vale cruzar apuestas.

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EYES CONTACT / 4AD

NINE TYPES OF LIGHT / Interscope

THE STROKES

JAMES BLAKE

BEASTIE BOYS

Representar a la generación que hace una década partía el queso, debe de ser una losa pesada para cargar. Cinco años les costó echar a andar una maquinaria hecha de partes finísimas, pero frágiles. Quizá el talento siga intacto, luego vendrá la voluntad depositada en el proyecto. Han enriquecido su sonido de garage ampliando sus influencias. Teníamos demasiadas esperanzas, Angles no roza el cielo, pero sin duda es un buen disco.

El dubstep necesitaba dar un paso al frente y vino este veinteañero con algunos temas a los que catalogaron como post-dubstep; luego retrasó lo más que pudo su LP debut para caer con la sorpresa de que latía en el soul electrónico. Ahora es un crooner postmoderno que canta sobre delicadas bases digitales y va encontrando los momentos para pasar su prístina voz por filtros varios. ¡Cuánta juventud, cuánto talento!

Adam Yauch salió con fortuna del cáncer y los Beastie siguieron trabajando en el álbum.

No agregan elementos novedosos o inéditos a su brebaje, pero, ¡demonios!, qué buenos son en lo que hacen. Rap con sentido del humor gamberro, bases que van del funk al punk pasando por el dancehall. Han tomado lo mejor de sí mismos para volver fortalecidos, desmadrosos e inspirados. Deseamos que siempre estén hasta arriba.

DEVOTCHKA

BATTLES

BILL CALLAHAN

En “All the Sand In All the Sea”, los originarios de Denver han logrado un tema cuya belleza y porte debe de matar de envidia a Coldplay.

Ya no les basta con los sonidos balcánicos o el rock desértico. Han sabido llenar su paleta de nuevos colores gracias a su virtuosismo y sensibilidad. He aquí el álbum que los debe catapultar, pues les sobra elegancia, originalidad y solvencia instrumental. Ahora, todo lo que han sido se concentra y sublima.

No la tenían fácil, perdieron a Tyondai Braxton aportando la voz, así que el trío recurrió a invitados para nutrir su música experimental.

A medio camino entre la electrónica cerebral y la furia rock, coquetean con las matemáticas y otras nociones científicas.

Gary Numan, Yamataka Eye, Kazu Makino y el DJ y productor Matías Aguayo los acompañan en una reafirmación de personalidad y capacidad de reinvención.

Gracias a tipos como este norteamericano afincado en Texas, la canción como tal puede seguir siendo una experiencia estremecedora e inteligente. Con arreglos discretísimos da rienda suelta a sus palabras, que narran historias sobre un hombre que busca su lugar en el mundo preguntándose por cada cosa que le ocurre. Leonard Cohen y Dylan estarán tranquilos de saber que hay quien tiene el talento para seguir diciendo cosas importantes. Aquí no hay ligereza, sino las entrañas de la existencia bien expuestas.

ANGLES / Sony

100 LOVERS / Anti

JAMES BLAKE / Universal

GLOSS DROP / Warp

HOT SAUCE COMMITTEE PART TWO / EMI

APOCALYPSE / Drag City

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DEFONDO::

T X T : : R A FA E L T O R I Z .

Desde luego no sucede por gusto, ni es algo que se realice de buenas o con insufladas esperanzas (por el contrario, más bien acontece como una fatalidad extraña); pero llega un momento en la vida del ser humano –particularmente de aquellos proclives al descontrol y el abuso– en que por más que lo posterguemos y maquillemos resulta imposible continuar sin asideros. En algún instante, antes del fulminante punto de quiebre será necesario parar, cuando menos un poco: es imposible experimentar siempre y a toda máquina la fulgurante potencia de la vida.

Y

puntualizo inmediatamente. El problema con la rehabilitación no debería encubrir una terapéutica moral catequizante, ese disfraz para transmutar una necesidad de alivio físico y psicológico con la conocida culpa judeocristiana que todo lo infecta y lo carcome. El problema no sólo radica en el hecho de consumir drogas como rockero o beber como un polaco: el problema aparece cuando ciertos hábitos o costumbres nos impiden ser lo que somos, en una versión mejorada de nosotros mismos: el infierno se desata precisamente cuando resulta indispensable rehabilitarnos.

La rehabilitación, fiel a su nombre, desea reinstalar al sujeto en un estado que le permita cumplir satisfactoriamente sus actividades, llevando a buen cabo sus placeres y obligaciones. En el instante en que esta sencilla ecuación se rompe, estamos ante un adicto que necesita tratarse, toda vez que no supo escuchar el dictum que debiera estar tatuado en el corazón de los inquietos: el veneno radica en la dosis.

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Rehabilitarse, sin embargo, implica corregir lo que a su vez ya intentaba corregir la realidad: la humana necesidad de transformar su circunstancia.

EL ÚLTIMO APAGA LA LUZ

En una serie de entrevistas exquisitas, y bajo la manera de un abecedario que puede consultarse en YouTube, Gilles Deleuze discurre en la B al respecto de la bebida: “Beber es una cuestión de cantidad y esa es la razón de que no tenga equivalente con la comida. Cuando uno bebe a lo que quiere llegar es al último vaso, beber es literalmente hacer todo lo posible para obtener el último vaso. Un alcohólico es alguien que no deja dejar de beber, es decir, que no deja llegar al último vaso. ¿Qué significa el último? que ese día ya no aguanta más bebida. Es el último el que le permitirá empezar de nuevo al día siguiente; así que cuando dice el último vaso va en busca del

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penúltimo. No el último, porque faltaría a su compromiso”. Nunca he leído una descripción más certera de lo que acontece en la psique del alcohólico.

En efecto, se trata de llegar a la penúltima copa, de llenar los intersticios entre una y otra con cosas y palabras, con la tenaz esperanza de volver a beber. Lo que sucede entre esos intervalos es lo que algunos llaman vida (de ahí la frase de Brendan Behan, que explota con naturalidad: “I’m a drinker with a writing problem”).

A estas alturas, cada vez que el capitalismo salvaje ha hecho del consumista desenfrenado una figura omnipotente, el adicto ha devenido un fenómeno global que no respeta sexo, raza, ni religión: el hastaelhuevismo es un humanismo. Sin embargo, el lugar de los mexicanos en relación con las adicciones sería digno de un sesudo análisis psicoanalítico. En la patria tricolor es sinónimo de hombría y virilidad el acto de “aguantar vara”, de ahí que aún sea bien visto no llorar en funerales (como una variante insana del estoicismo), ingerir chile hasta sudar la coronilla (así se acabe con el colon desollado) y, honor entre los honores, beber como un mariachi despechado dado que, según complejas asociaciones, el consumo de alcohol es directamente proporcional al tamaño del miembro viril. Si a ello se le añade cierta predisposición literaria estamos, con todas sus letras, ante la efigie de un poeta maldito, acaso bananero, pero poeta al fin.

Ante semejante mitología, una herencia mal entendida y peor metabolizada del romanticismo alemán, resulta consecuente que el atasque se imponga como un evangelio, hecho que no se reduce al horizonte mexicano.

La necesidad de experiencias límite es una constante de la humanidad y en ningún caso privativa de José José, aquel príncipe de la canción que con menos lustros de trago seguramente se habría coronado emperador.

En nuestros tiempos, los casos de celebridades con adicciones han dejado de ser simbólicos para transformarse en una suerte de rito de habilitación cultural. De Britney Spears a Kate Moss, pasando por Robert Downey Jr., Amy Winehouse y coronándose con Charlie Sheen –el hombre sin contenido– se ha hecho de la rehabilitación un atributo curricular (y si bien Sheen no se ha sometido a terapia todavía, nadie debe dudar de que se trata de un becerro de oro). Los casos de Morrison, Hendrix y Joplin le dieron a las adicciones una impronta épica, crudo testimonio de que traficar con el fuego primordial puede incendiar hasta al mismísimo diablo. Hay temperamentos a los que no les basta mirar la hoguera: necesitan arder con ella.

En el camino, generalmente asfaltado por músicos, actores y artistas debido a su visibilidad con los medios, muchos se han perdido antes de que acabe la noche. Pensar en el speedball, esa mezcla letal de cocaína con heroína, es remitirse a John Belushi, Chris Farley, River Phoenix y Layne Staley, o a Jean-Michel Basquiat, el artista, murió de una sobredosis de heroína en el momento más productivo de su vida.

Enumerar casos de gente talentosa sería cosa de nunca acabar –por algunas razones intrincadas la lucidez suele exigir el cuerpo que la contiene en sacrificio–. El poeta más grande del siglo XX, Fernando Pessoa, murió debido a un cólico hepático derivado de la cirrosis ocasionada por su

afición al alcohol. Por tanto, más que juzgar al corazón adicto, me parece, es necesario comprenderlo. No nos habremos mirado desnudos todavía si somos incapaces de dialogar con las furias que nos habitan.

Aldous Huxley, que algo sabía sobre las adicciones, sostuvo que “el deseo por el alcohol etílico y los opiáceos ha sido más fuerte, en toda esta gente, que el amor hacia Dios, el hogar, los niños e incluso la vida”; y añadió, siendo él mismo un usuario reflexivo, que “todas las drogas existentes son traicioneras y dañinas. El cielo al que invitan a sus víctimas se convierte en un infierno de enfermedad y degradación moral. Primero aniquilan el alma, luego, en unos pocos años, el cuerpo” y sabemos que las inquietudes intelectuales que lo desvelaban iban encaminadas a transformar la mente, alterando el mundo de las percepciones en pos de infinitos maravillosos para regocijo del espíritu. Sin embargo, es necesario someter las pulsiones y los deseos a un permanente ejercicio crítico, a un examen que sepa que la evasión es sólo el primer peldaño de la vasta escalera de la experiencia humana que facilita la droga. Es necesario saber que, si no queremos tomar la última copa con la putilla del rubor helado antes de tiempo, habrá que ser dueño de nosotros mismos y salir de la noche y sus encantos antes de pedir la última copa, esa que, precisamente, necesitamos tanto. La puntualidad es una cortesía que no debe escatimársele ni a la muerte.

Después de todo, rechazar la última copa o dejar de lado cierta pócima de embriagadores venenos, no sólo nos dará el indispensable gobierno sobre nosotros mismos: también nos dejará intacta la certeza de que, todavía, en algún lugar inesperado, estará esperando por nosotros el trago final. M

“Está muy bien beber, drogarse. Uno puede hacer siempre lo que quiera si ello no le impide trabajar”.

- Gilles Deleuze

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DEFONDO::

TXT:: ROGELIO GARZA .

I L U S T : A D A M VA L E N Z U E L A .

La temporada aburrida del Dr. House es cuando el doc se rehabilita. El galeno macizo cambia las sustancias por el sexo con la doctora Cuddy y se convierte en el niñero de su bebé. Se acabó la diversión, pero también la profundidad del personaje. En su lugar queda una caricatura y la serie se vuelve insulsa.

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TODOS SOMOS ADICTOS Hoyos negros con un vacío insaciable. Dejamos unas cosas para tratar de llenar el pozo sin fondo con otras. ¿Hábito o adicción? Tiene que haber una enfermedad o un daño para que exista la rehabilitación, palabra que ahora forma parte del vocabulario oficial contra las sustancias que señala, juzga y criminaliza: droga, adicción, drogadicto. Términos para referirse a sustancia, hábito y consumidor. ¿Eufemismos o conceptos que van más allá del consumo de sustancias ilegales?

La conducta que repetimos porque nos produce placer crea un hábito que se vuelve necesario para sentirse completo y funcionar.

Y todo lo que entra al organismo por cualquier vía, así como lo que el cuerpo produce internamente, tiene sus efectos. Pero a nadie le gusta ser señalado como enfermo o criminal por hacer o consumir lo que le gusta.

Estamos habituados al ejercicio, al sexo, al café, al tabaco, al chocolate, al antidepresivo, a la comida, al alcohol, al trabajo, a la religión, al juego, a las compras, a la serie de televisión, a Internet, a la red social, a la pornografía, al videojuego, al iPhone. Hábitos legales, cuyos efectos llegan a ser más nocivos, y que no requieren rehabilitación.

El ser humano siempre ha necesitado asideros para suavizar la caída horizontal que menciona Cocteau. Por sí solo no cubre sus necesidades físicas y metafísicas al desnudo. La vida en seco carece de sentido, es rutinaria y aburrida, insatisfactoria y dolorosa. Los hábitos atenúan la caída y hacen llevadera la existencia. No hay persona sin hábitos

y tenemos especial cuidado en cultivar aquellos que nos hacen sentir bien, los que nos dan placer y evitan el dolor sin importar el daño o el beneficio para la salud. Quien se mortifica o aflige de alguna forma provocándose dolor y sufrimiento también está habituado a ello.

Desintoxicados, rehabilitados, jurados y abstemios salen de unas espirales para caer en otras quizá menos destructivas. Quienes pregonan “vivir libres de adicciones” y etiquetan a los habituados como “drogadictos que necesitan rehabilitación”, suelen padecer hábitos en secreto o en diversas formas socialmente aceptadas. Con frecuencia son retorcidos y criminales, como los políticos drogados de poder y los religiosos pederastas.

EL NEGOCIO DE LA REHABILITACIÓN Las granjas, instituciones y grupos de ayuda no están exentos de utilidades, irregularidades, denuncias y ataques criminales. Sin embargo, quienes lucran en serio son las clínicas de lujo que ofrecen sus servicios para desintoxicar y rehabilitar por módicas cantidades. Sitios de donde algunas personas salen con nuevos amigos para volver con más brío a los viejos hábitos. Y la prensa del espectáculo vende muy bien esas historias de rockstars ejemplares que salieron de las clínicas en California, una y otra vez, dándose golpes de pecho y tirando rollos infumables. Doñas aburridas del rock como Elton John y Steven Tyler, quien declaró haber gastado unos 20 millones de dólares en cocaína a lo largo de su carrera. Claro, semejante disparate le salió con aires de arrepentimiento al lanzar su autobiografía.

C U AT R O M É T O D O S P A R A R E H A B I T U A R S E EL MÉTODO SUBSTITUTO DE HEMINGWAY: BICICLETAS POR CABALLOS Nuestra cultura de consumo está saturada de substitutos tipo aspartame por azúcar. Este modelo aplica en planos superiores. En su relato autobiográfico “El fin de una afición”, incluido en su libro París era una fiesta, Ernest Hemingway explica claramente cómo funcionó el mecanismo en su persona cuando abandonó las carreras de caballos porque le robaban demasiado tiempo y energía, antes de aficionarse a las de bicicletas. “Por entonces ya había descubierto que todo, lo bueno y lo malo, deja un vacío cuando se interrumpe. Si se trata de algo malo, el vacío va llenándose por sí solo.

Mientras que el vacío de algo bueno sólo puede llenarse con algo mejor”.

EL MÉTODO EMOCIONAL DE COCTEAU: DEL GOZO A LAS MISERIAS ¿Qué pasa si al Chocolate Abuelita le quitamos el azúcar con todo y abuelita? Adiós dulzura, adiós emoción. Durante su estancia en la clínica para desintoxicarse, Cocteau escribió el libro Opio. Diario de una desintoxicación, en el que describe el proceso para sacar el opio de las células del cuerpo, pero no de los pensamientos y sentimientos: “La droga muerta deja un fantasma que recorre la casa a ciertas horas… Después de una desintoxicación vuelvo a encontrar miserias que yo le atribuía y que él atenuaba; recuerdo que me torturaban las mismas miserias, en otro tiempo, cuando yo no lo conocía… Curado, me siento vacío, pobre, asqueado, enfermo. Floto. Salgo pasado mañana de la clínica. ¿A dónde ir?…”

Por tanto, la rehabilitación con metadona le parece útil para: • Abandonar un hábito de opiáceos naturales sin sufrir de inmediato una reacción de abstinencia.

• Mantener el hábito –e incluso incrementarlo– sin estigma social.

Como dejar el whisky por la ginebra.

EL MÉTODO MATEMÁTICO DE ROQUET Sicodislépticos + Siquiatría + Amor + Muerte + Dios = Salud Mental El orden de los factores no altera el producto. De acuerdo con el azotado psiquiatra Salvador Roquet, es la suma de estos elementos lo que permite alcanzar el estado de paz interior, plenitud y felicidad que todos anhelamos.

El doctor fue pionero de la terapia con sustancias y autor de la Sicosíntesis de Roquet, que combinaba química cerebral, siquiatría, sicoanálisis, multimedia y misticismo. En el libro de Janine Rodiles, Una Terapia Prohibida, se detallan la metodología y los factores de la fórmula. Según él, desintegraba la personalidad del individuo y la volvía a reconstruir…

Ojalá cambiar un hábito fuera como cambiar el canal de la televisión cuando la serie se pone aburrida. Pero ya estamos tan habituados a ver la TV a colores que nadie la cambiaría por una blanco y negro, muda y sin control remoto, mucho menos la desconectaría. No sólo perderíamos su compañía, también el regreso del Dr. House a las sustancias que le dieron vida. M

EL MÉTODO FÍSICO DE ESCOHOTADO: GINEBRA EN LUGAR DE WHISKY Aplicando el principio físico de la impenetrabilidad, dos sustancias no pueden ocupar la misma célula. Para re habituarse, Antonio Escohotado sugiere una en lugar de la otra. En su libro Aprendiendo de las drogas, el autor establece los elementos principales del hábito: • El refuerzo o premio que el hábito proporciona.

• El vacío o deficiencia del que es síntoma.

• Las incomodidades concretas que se derivan de interrumpirlo.

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“Vivir es una caída horizontal”.

- Jean Cocteau

ENPORTADA::

O DE LA ELEGANTE REIVINDICACIÓN DE LOS DIFERENTES T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

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LAS CANCIONES DE PULP NO DIALOGAN NI CON LOS CONSERVADORES NI CON LOS LIBERTINOS QUE CREEN QUE DOMINAN AL MUNDO. SE DIRIGEN CON SINCERIDAD A LOS SOLITARIOS Y A LOS TÍMIDOS.

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Han pasado nueve años desde que Pulp dio su último concierto en el San Miguel Primavera Sound, y otro tanto desde que no aparece algún tipo de material discográfico. Con ese bache de tiempo, la pregunta inmediata sería: ¿qué tan presentes estarán para las nuevas generaciones?, ¿se deberá únicamente a los escuchas "adultos" todo el revuelo por su regreso?

Con una mística muy peculiar, Pulp demostró que a pesar de su status de banda de culto, el tiempo les haría justicia y los convertiría en una banda mounstrosa. Con luz propia sus canciones los rebasan, y con un peso específico funcionan como un vehículo del éxtasis. "Disco 2000" y "Common People" son dos temas que generan vínculos sentimentales entre escuchas de distintas generaciones. Tal pareciera que Pulp siempre ha estado ahí, que no se desintegraron y que sus alegatos a favor de las supuestas minorías siguen tan vigentes como el día en que fueron musicalizados.

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NA POSTAL INMEDIATA

Jarvis Cocker –líder y fundador– sigue teniendo la imagen del más nerd de los nerds, con sus gafas gruesas que subrayan su imagen de intelectual y su permanente perfil esquelético, logró cultivar la figura de un anti-galán, a la vez que la de un tipo sagaz y valiente al que no le temblaban las piernas para decir cosas importantes, siempre con ironía y humor negro.

Ahora lo encontramos el pasado mes de mayo, nuevamente sobre el escenario principal del Primavera Sound en Barcelona para marcar su retorno, lugar donde se dio el tiempo para dedicar una canción a “los indignados”, quienes recién fueron corridos a palos de la Plaza Catalunya. Jarvis dice no entender de política, pero insiste en que la violencia no se justifica.

En otro momento del concierto presionó rec mientras cantaba “I Spy”, con cámara de video en mano fingía entrometerse en la vida de las personas. Todos somos voyeurs y espiados por igual. La sociedad del espectáculo tiene sus ritos y Jarvis nos recuerda que no todo en el rock and roll es vaciedad; que se puede analizar al mundo contemporáneo sin dejar de mover el cuerpo. El presente nos regala una postal en la cual la banda de Sheffield parece suspendida en el éter de los tiempos.

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COCKER TENÍA LA HABILIDAD PARA PLASMAR LA SENSIBILIDAD DE UNA CLASE MEDIA GOLPEADA AL EXTREMO POR LA SITUACIÓN FINANCIERA.

PULP PERMITIÓ A COCKER EJERCER UNA ESPECIE DE CHARLES DICKENS DEL POP BRITÁNICO CON ALGO DEL ÁNIMO ESCANDALOSO DE OSCAR WILDE.

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DIFERENCIAS DE CLASE O LA REVANCHA DE LOS NERDS

Quizá no baste un seguimiento cronológico para entender a Pulp; hay que exponer algunas ideas sobre su ideología y para ello me parece oportuno remontarme al cuadernillo que acompaña a Different Class, su disco más trascendente. Editado en 1995, se trataba ya de un quinto LP y probablemente de su último esfuerzo por consolidarse, pues el grupo ya venía haciendo intentos desde finales de los años setenta. Cocker tenía habilidad para plasmar la sensibilidad de una clase media golpeada al extremo por la situación financiera. El booklet de aquel disco, casi negro en su totalidad y con una foto de boda como portada, cerraba con una frase contundente que todavía hoy podemos tomar como el manifiesto de la banda: Por favor entienda. No queremos problemas. Sólo queremos el derecho a ser diferentes. Eso es todo.

Cuando los Pulp arrancaron, el ambiente era hostil y poco favorable.

Los ochenta fueron años de lucha casi infructuosa hasta que las cosas cambiaron con el estallido del brit-pop de la siguiente década.

PÉGALE AL NEGRO

Pulp no sólo cuenta con sus temas más famosos. De sus primeros y casi desconocidos tres primeros discos It (83), Freaks (87) y Separations (92), podemos quedarnos con “My Legendary Girlfriend” y “Countdown” y del Different Class –que llegó a número 1 de las listas británicas– también son destacables “Underwear”, “Mis. Shapes” y “Sorted for E’s and Whizz”. Ya instalados en la celebridad que trajo ese disco número cinco, repasemos un capítulo maravilloso que nos habla de la combatividad de alguien como Jarvis, y que ocupa una gaveta importante en la galería de la memoria.

Durante la entrega de los Brit Awards de 1996 apareció nada menos que “El rey del pop”, Michael Jackson, cantando “Earth Song” rodeado de niños.

A Cocker le pareció deleznable la hipocresía del tipo y en un momento dado apareció en escena mostrándole el trasero.

No fueron pocas las fuentes que referían que el vocalista de Pulp intentó agredir a Jackson –lo que tiempo después se desmintió–, pero el hombre no se libró de pasar una noche tras las rejas. Al enfrentar al gigante mediático ganó cientos de admiradores, y el propio Jarvis se refiere a tal capítulo así: "Me pareció vergonzoso lo que hizo Jackson esa noche; fingiendo que tenía el poder de sanar, como si fuera Jesús. Ser pop tiene mucho que ver con los egos; compararse con Dios es perder contacto con la realidad. Me pareció vergonzoso y protesté. Ja, esto me hizo muy famoso en Inglaterra".

EL LEGADO

La leyenda de Pulp apunta que en la banda han tocado desde adictos al LSD hasta un sacerdote. Que estuvieron a punto de claudicar y de hecho en 1988, tras diez años de fracaso, Cocker y Martin Wallace se van a Londres a estudiar cine. Allí se reencuentran con el resto y suman a Steve Mackey como bajista. De no ser porque “My Legendary Girlfriend” vendió 1500 copias tal vez lo hubieran dejado. Los sencillos posteriores “O.U.”, “Babies” y “Razzmatazz” anunciaban que estaban para cosas grandes. Firmaron más tarde con Island –que editaría el recopilatorio Intro (93) y His ´n´ Hers (94)– disquera que los enfilaría al éxito.

Con relación a su momento de gloria, Pulp más bien tuvo un tratamiento de culto y algo menos masivo que Blur y Oasis, pero su lírica alcanzó gran calidad hasta el grado de plasmar algunas de las mejores crónicas de la clase media británica, probablemente desde los Smiths.

EL SONIDO Y LA FURIA

Organizar un inesperado regreso revistió la posibilidad de que los viese un público prácticamente infantil cuando se despidieron, además de sobresalir por tratarse de la alineación que tenían hace quince años (Nick Banks, Candida Doyle, Steve MacKey, Russell Senior, Mark Webber y el propio Cocker).

Aunque comenzó como una broma colegial –de nombre Arabicus Pulp– la banda permitió a Cocker ejercer una especie de Charles Dickens del pop británico con algo del ánimo escandaloso de Oscar Wilde. Se trata de un fino retratista que plasma las contradicciones y problemas de la sociedad de su tiempo. En su himno más incendiario, “Common People”,

se escucha: “Nunca vivirás como gente común, nunca harás lo que sea que hace la gente corriente, nunca fracasarás como la gente común; tu vida nunca se desvanecerá ante tus ojos, ni bailarás y beberás y follarás porque no haya nada mejor que hacer”.

Pulp tuvo igualmente la habilidad para no colgarse del pleitazo entre Oasis y Blur, ese que alimentó los tabloides ingleses durante los noventa. Al momento de recordar aquel exabrupto mediático, Jarvis tiene claro: "Eramos las tres bandas más famosas, quizá Blur era más famosa que Pulp. Pero, en realidad, nosotros no peleamos activamente, éramos más viejos que esos grupos. De cualquier forma, ése era un conflicto artificial". Ellos –más cercanos a los segundos– se dirigían a quienes tenían mayores intereses culturales y trataban de dar sentido a sus propias vidas.

En “Sorted for E’z & Whizz”, por ejemplo, abordaba lo que ocurría en los raves masivos que dominaban la escena de aquellos años: “Veinte mil personas en medio del campo, no termino de entender de qué va esto pero da igual, porque todos llevamos éxtasis y speed”.

VOLVER O NO VOLVER… ESA ES LA CUESTIÓN.

En Pulp cupo cierta parte siniestra del post-punk –al principio–, luego se mudaron a la pasarela glam rock y siempre reverenciaron a David Bowie, Roxy Music y T. Rex. Aunque esas bases discotequeras tomadas de la new wave les dieron un sello distintivo a partir de Different Class. En ellos siempre hubo elegancia, cinismo e inteligencia. De hecho, un muy oscuro This Is Hardcore (98) da cuenta de lo mal que se tomaron el culto masivo; la fama no iba con ellos. El último disco We Love Life (2001) ya no impactó de manera importante, tan es así que la disquera optó en 2002 por sacar un “grandes éxitos”. Pero antes de caer en la autocomplacencia, decidieron separarse discretamente.

Mucho tiempo pasó sin que contemplaran volver. Jarvis se divertía haciendo electrónica con Relaxed Muscle, componiendo y produciendo a gente interesante (Charlotte Gainsbourg, Marianne Faithfull y Nancy Sinatra) o montando The Weird Sisters para Harry Potter y el Cáliz de fuego. Y cuando nadie lo anticipaba, Pulp confirmó su retorno.

No sin sorpresa, Marc Spitz de la edición norteamericana de Vanity Fair, enumera con congruencia tres razones que nos dicen que no se trata de una reunión cualquiera: “Uno: ha pasado un buen tiempo.

Dos: no están tratando de levantar sus carreras (Cocker estaba perfectamente bien como solista).

Tres: se fueron sin gritar, por eso pueden volver sin remordimientos”.

EPÍLOGO REPLETO DE SEXO

Las canciones de Pulp no dialogan ni con los conservadores ni con los libertinos que creen que dominan al mundo. Se dirigen con sinceridad a los solitarios y los tímidos. La vida íntima no se compone en su mayoría de grandes hazañas, sino de infortunios y situaciones muchas veces incómodas. He allí la grandeza de temas como “Disco 2000”, en la que el protagonista cuenta su relación con Deborah, con quien creció desde la infancia y a la que primero le crecieron tetas en el colegio. Cuando ella despierta al sexo, todos aprovechan de su fogosidad, menos el narrador que debe conformarse con mirar a escondidas por una rendija.

Lo dicho, infelicidad y algo de mala suerte. Pulsiones que se amontonan mientras la existencia transcurre a toda velocidad con sus absurdos y nos arrastra. ¿Cuántos de nosotros terminamos experimentando algo parecido a “Underware”?: “Él sube las escaleras, y en un momento querrá ver tu ropa interior. Cuando se acerca no hay forma de esconder el hecho de que tú eres una chica, y él es un chico… si pudieras cerrar los ojos y recordar que esto es lo que querías anoche… ¿por qué se te hace tan difícil tocarle, entregarte a él? ¿Cómo chingados acabaste medio desnuda en el cuarto de un extraño?". M

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FESTIVAL::

Interpol / Eric Pamies

S A N

M I G U E L

The Flaming Lips / Dani Canto

T X T : : A R T E M I S A H D E Z . F O T : : P R I M AV E R A S O U N D .

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Swans / Eric Pamies

NO

hay cantidad suficiente de conciertos que puedan prepararte para un festival como el que Barcelona ofrece. Tocar el suelo europeo, tierra pisada por Gaudí y Picasso; y uno ahí con una humilde mochilita, un metro cincuenta de estatura y una expresión en el rostro que sólo puede corresponder a la de un enamorado; todo para asistir de cuenta propia al Festival San Miguel Primavera Sound. Desde hace once años este festival provee una foto instantánea de la música contemporánea, sirve de pulso y archivo para las propuestas más interesantes de la escena mundial, y esta edición no fue la excepción.

Los pasados 26, 27 y 28 de mayo, el Parc del Fòrum sirvió de venue oficial para esta celebración, misma que se extendió hasta el Poble Espanyol –foro que vio nacer al festival–, además de showcases en el metro, parques, salas de concierto y bares.

Dispuesto a despertar el espíritu post-punk con Public Image Limited, John Lydon apareció tras el micrófono ese primer día para dar inicio a una jornada musical que se extendería por más de 12 horas. El Guincho e Interpol se presentaron en el escenario Llevant mientras Girl Talk puso a bailar a todos los asistentes. Y como la cosa no mostraba señas de desacelerar, Gillis calentó los motores para la presentación de Baths en el escenario Pitchfork, el cual tuvo un lleno total con la actuación del joven James Blake, quien compartió fecha con Battles, Simian Mobile Disco y Tennis. Los eclécticos Gang Gang Dance y el show de tUnE-yArDs también contaron con una gran asistencia el sábado 28.

M Ward / Dani Canto

Pil / Inma Varandela

DO YOU REMEMBER THE 1ST TIME?

La presentación de Pulp era, sin lugar a dudas, la carta fuerte de este año, y es que después de casi una década de su separación, la sola idea de poder verlos en vivo ya parecía lejana y casi imposible. En noviembre del 2010 la banda programó su primera tocada –de nuevo juntos– para esta edición del Primera Sound Fest. El concierto no decepcionó, ya que además de Pulp, pudimos disfrutar de las presentaciones de M. Ward y Belle & Sebastian, y cuando la espera ya era demasiado para soportar, en medio de un juego de preguntas al azar, los primeros acordes de “Do you Remember the First Time?” comenzaron a sonar, la nostalgia de aquello que jamás has presenciado invadió a todos los asistentes y de pronto… era 1994 otra vez.

El sábado, cuando la emoción del reencuentro había disminuido, el line up siguió deleitándonos con Fleet Foxes, Mogwai, Swans, Pj Harvey, Animal Collective, Warpaint, Yuck, The Black Angels y Holy Ghost! Dignos representantes de la DFA provenientes de la gran manzana.

Después de tres días junto a la playa, recordando amores noventeros y emocionándonos con guiños de sonidos nuevos y frescos, el Primavera Sound Fest nos recordó –o quizá enseñó– lo que un festival debe ser. M

Pulp / Inma Varandela

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PJ Harvey / Inma Varandela

Grinderman / Dani Canto

Mogwai / Susana Lopez Blanco

Animal Collective / Inma Varandela Belle & Sebastian / Dani Canto

of Montreal / Dani Canto

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TERMÓMETRO DE RIESGO:: TXT:: JUAN CARLOS REYNA .

El gobierno mexicano apoya prohibir los narcocorridos, mientras los estados de Chihuahua y Sinaloa han comenzado a sancionar su interpretación. Nadie parece reconocer que la gente los escucha por nostalgia; paradójicamente, el narcocorrido nos recuerda que alguna vez estuvimos vivos. Los 40 mil cadáveres que acarrea el gobierno de Calderón no son los únicos, la sociedad mexicana está parcialmente muerta: hemos muerto política y moralmente, la ciudadanía ha sido ejecutada mediante la corrupción generalizada de la sociedad, ha sido asesinada en el fraude de nuestras instituciones políticas, policiacas, eclesiásticas y hasta en el modelo familiar mexicano.

UN

México distinto se revela en el imaginario folclórico del narco que promueve la música grupera; en este México hay hombría, mujeres y dinero: pero todo es mera simulación.

Ante ello el narcocorrido hace sentir a la gente súper viviente, le da la sensación de que en esta guerra absurda contra el narco, siempre habrá la posibilidad de ser un héroe. Pero la verdad es que se trata de un héroe de narcoficción, pues el narcocorrido devuelve a la vida y de paso invita a su público a hacerle coro al capo, a imaginar que “todos somos Chapo” y para colmo, el narcocorrido supone que sus protagonistas no sólo han sobrevivido al descalabro mexicano, sino que además de impunidad ¡gozan de inmortalidad!

En el sencillo “Morir o existir”, Gerardo Ortiz revive a Nacho Coronel... pero a un Nacho Coronel poetizado. El narcocorrido promueve la mentira de que el narco es cuerpo presente: organismo hegemónico y piramidal, encabezado por amos todo poderosos. Sin embargo, los cárteles no existen como tal, el narcotráfico es un virus multiplicado en miles de células en pugna; el descubrimiento de narcofosas revela que su realidad está constituida, más que por capos, por cuerpos que reclaman ser desenterrados.

El narcotráfico mexicano no tiene definición, el narcocorrido sí, tanto que entre músicos se habla de dos tipos: el “con permiso” y el “sin permiso”. En el primero el artista pide autorización al narco para cantar sus hazañas; de esta manera, el artista retribuye su padrinazgo, este es el caso de muchos de los narcocorridos de la década de los noventa, como

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los de Chalino Sánchez y el As de la Sierra.

La mayoría de los corridos actuales no son con autorización, es decir, son compuestos a partir de rumores y amarillismo noticioso, pero esto parece no importar: un baile con intérpretes del género, como El Komander, reúne hasta 40 mil personas con boleto pagado. La industria musical sabe que el narco, como mito de sangre y fuego, reditúa.

A la gente le gustan los narco corridos por inseguridad: porque hace visible lo invisible. Su público cree que son la meritita verdad, cuando hacen exactamente lo contrario: caracterizan burdamente un fenómeno que más bien no tiene forma.

El estado pretende hacernos creer que el narcocorrido invita al sicariato, lo prohibe porque no quiere reconocer que el sicariato es producto de décadas de corrupción.

El narcotráfico en México es un organismo sin centro que crece hacia todas direcciones, una red caótica de núcleos independientes y a la vez conectados que un día se alían, y al otro se traicionan: el narco, como el Estado, se encuentra decapitado. La industria de la música grupera insiste que no es así y eso le conviene al Estado, mientras todos (no sólo los músicos y procuradores, sino desde los autores de narconovela hasta los editores de la revista Forbes) den un rostro exagerado al narco, el Presidente podrá justificar su política belicosa.

Entonces ¿por qué prohibir el narcocorrido si alimenta esta guerra perdida de antemano?

Porque la prohibición es parte del show. M

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NARCOCORRIDOS CLÁSICOS

“Contrabando y traición” Los Tigres del Norte “Lamberto quintero” Antonio Aguilar “Clave 7” Los invasores de Nuevo León “Ayer bajé de la sierra” Lorenzo de Monteclaro “Clave privada” Los Tucanes De Tijuana “Los Zetas” Beto Quintanilla “Chuy y Mauricio” Los Canelos de Durango “Sanguinarios del M1” Colectivo El Movimiento Alterado “El Cocaíno” Los Buitres de Culiacán “Lucifer Encarnado” Gabriel Silva

BAJO PRESUPUESTO:: TXT:: HUGO GARCÍA MICHEL .

I L U S T : : J AV I E R M U Ñ O Z .

LA

primera pregunta sería: ¿se puede rehabilitar lo que nunca ha estado habilitado?

Parecería que no. Sin embargo, tratemos de ser positivos y digamos que sí, que resulta posible aplicar métodos de rehabilitación a esa especie de enfermo terminal, que ha sido a lo largo de medio siglo, el rockcito que se hace en nuestro país.

Una vez establecida esa premisa inicial, intentemos buscar los puntos malsanos, los síntomas del padecimiento, en dónde se encuentran las dolencias, las alteraciones, los malestares, los achaques.

Desde sus inicios, el rockcito nació con taras. Los grupos de finales de los años cincuenta y principios de los sesenta del siglo pasado (qué raro se siente escribir “del siglo pasado” cuando parece algo aún tan cercano) se dedicaron alegremente a realizar versiones de las canciones más exitosas del rock ‘n’ roll estadounidense, a las que adaptaban letras más o menos ingeniosas en español. Pero con alguna que otra excepción, a nadie se le ocurrió escribir temas originales.

Luego vino la terrible época de los baladistas fresas, seguida por la etapa de la psicodelia chafa que culminaría con el híper mitificado festival de Avándaro, con sus banditas que trataban de hacer música original… en inglés.

Los setenta estuvieron signados por el confinamiento del rockcito en la casi clandestinidad de los hoyos fonquis de las periferias urbanas y así transcurrieron cerca de dos décadas más, hasta que a finales de los ochenta llegó la puntilla que terminó con cualquier esperanza de hacer un rock sin diminutivos.

De 1958 a 1987, los roqueritos mexicanos cuando menos tenían presentes las raíces negras del género y las adaptaban de una u otra manera en su música, por más agreste y primaria que ésta fuera. No obstante, luego de 1988 las cosas cambiaron dramáticamente con la llegada del rock pop español y argentino, combinado con el predominio televisivo de los grupitos inventados por Luis de Llano Macedo. A partir de ahí, la puerca torció más aún el rabo y el rockcito firmó su carta de defunción, al transformarse en un

híbrido de Soda Stereo, los Hombres G, Flans y La Banda Timbiriche. Cualquier asomo de blues, soul, funk o rock a secas fue debidamente extirpado y con ello se perdió toda esperanza (esto para no hablar de la eterna actitud infantilista de los roquerines nacionales).

Así ha sido durante los últimos veintitantos años. El rockcito ha derivado en rockcitito y es lo que hoy se oye y se promueve: una música que lejos de alimentarse de negritud, se nutre de lo peor del pop, la cumbia y hasta la música grupera (escúchese a la sensación del momento, esa cosa llamada Enjambre, para saber de qué estoy hablando).

¿Existe pues alguna posibilidad de rehabilitar al rockcito? Francamente lo veo muy difícil, por no decir que imposible. Se requeriría de una reeducación total de los músicos y de los medios. Haría falta un severo ejercicio de autocrítica y una culturización exhaustiva. Habría que aplicar métodos radicales que incluyeran una revisión completa de la historia del rock, a fin de que la gente supiera que el padre del género es Chuck Berry y no Gustavo Cerati.

Sería una labor titánica y a estas alturas del partido, la verdad, qué flojera emprenderla. Mejor sigamos en el conformismo y la comodidad del “entrañable” rockcito. Después de todo, muchos Vive Latino quedan por delante. M

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CINE::

DE AUTOS Y ROCK N’ ROLL TXT:: ANGÉLIKA BARBEYT TO / JIMENA GÓMEZ F O T : : G U S TAV O D U E Ñ A S PA R A M A R V I N .

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CUANDO

oímos el nombre de Pixar o vemos la famosa lamparita aparecer en pantalla, sabemos que nos esperan unas buenas horas en el cine. Y es que con una trayectoria de éxitos sin precedentes, este estudio de animación ha creado bonitos recuerdos para la infancia colectiva.

Cars 2 es una secuela, de esas que Pixar comienza a hacer muy bien, de la cinta de 2006 que nos mostró un poco de la vida secreta de los autos, y lo mucho que se parecía a la nuestra. Con una narrativa efectiva y astuta, Cars nos hizo reflexionar sobre las cosas que de verdad importan, y curiosamente, entre ellas no se encuentran los autos deportivos. La secuela nace del cariño que el director creativo de Pixar, John Lasseter, le tiene a la cinta; después de dirigir la primera parte, Lasseter cedió los honores a Brad Lewis, pero permanece a bordo como co-director de esta cinta.

Entre las muchas apuestas que el estudio tiene para Cars 2, una de las más llamativas es la concepción del soundtrack, para el cual buscó la ayuda de Weezer haciendo el cover de “You Might Think”, canción clásica

de The Cars. Esta versión corrió a cargo del grupo californiano -con Brian Amadeus en las vocales-. Para la versión en español de la película, los Moderatto realizaron una nueva versión de su tema “Autos, Moda y Rocanrol”.

Acerca de esto, Brian Amadeus de Moderatto nos platicó: “se nos ocurrió, al igual que a la gente de Disney, que hiciéramos esta canción; es un tema que al principio de la banda estaba en el setlist. Nunca la grabamos porque el arreglo era bastante malo y no había terminado de agarrar y hasta ahora como que la inspiración fluyó… yo me imaginé mucho como un rollo fiesta… quedó genial, es como de película (risas). Tiene un sonido muy amistoso”.

Además de grabar este tema para la banda de sonido, Brian también hizo un poco del doblaje: “hice la voz de un coche viejo que se llama Otis. Es un auto que se queda a media carretera y ya no le están jalando las bujías ni las balatas, se anda derrapando y huele a clotch”, nos cuenta Brian.

UT TINCIDUNT MOLESTIE PRETIUM. NULLA TEMPOR ARCU SED LIGULA VENENATIS VENENATIS.

Construir una relación con los personajes de esta cinta no fue una tarea difícil para lo integrantes de esta banda, ya que cada uno de ellos es un auto aficionado: “¡de alguna manera, cuando estás en un coche, tú eres el coche, entonces está increíble!” –nos cuenta Mick P. Marcy–.

Y como cada auto tiene una personalidad definida, los miembros de Moderatto nos comparten sus preferidos, para Brian: “es un Moustang 6, 5 ½ o 66, y el Barracuda, ¡me fascina! Somos muy amantes de los autos viejos”. Mientras que para Xavi : “los autos de los 60 tipo Hot Rods; estos coches que empezaron a tener el motor de fuera, hasta volverse casi caricaturas con ojos en los faros, y luces por debajo. Esa onda coche-cómic me late mucho”.

La combinación entre Moderatto y Pixar, fue ensamblada en el cielo del rock y la carrocería, pues pocas veces una banda tiene la oportunidad de colaborar en una producción de la talla de Cars 2, hecho del que Moderatto está totalmente consciente: “el que te digan, de repente: 'van a hacer una canción para una película de Disney Pixar y a darle voz a los personajes y además podrán verse en la pantalla de plata', es algo extraordinario, estamos muy agradecidos con los dioses del rock n’ roll porque nos han hecho este, y muchos otros sueños realidad”. Cars 2 ya se encuentra en las salas y en su premier, el 19 de junio en el Auditorio Nacional, Moderatto tocó un par de temas, incluido “Autos, Moda y Rocanrol”. M

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FAVORITAS DE MODERATO Mick: Para mí la de Nemo.

Roy: Toy Story, por los soldaditos verdes. ¡Ese sí fue el momento Ratatouille!

Xavi: Los Increíbles.

Brian: Ratatouille, me la dejaron fácil, nadie más la dijo.

Elohim: Toy Story 1.

CINE::

TXT:: ERICK ESTRADA .

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ES

una labor titánica, prácticamente imposible, una lucha contra las fuerzas del universo. Abres la puerta, caminas debajo del calor del veraniego. A lo lejos, sin embargo, hay nubes de tormenta que quizá, sólo quizá, refrescarán la tarde. La noche llega y lo único que quieres es olvidar la tarde indigesta por el calor, la tormenta lejana y la oficina con el aire acondicionado que lleva tres semanas jodido. Llegas al cine, respiras aliviado en temperaturas frescas. Lees la lista de películas en exhibición y el ánimo se complica al recordar que más del 60% de las salas proyectan una película. Si los dioses del maíz palomero están de buenas tal vez puedas escoger entre dos…

Transformers está ahí presente, llena de vida y de esos esteroides que han hecho de esta franquicia una opción, casi inevitable, para desconectar el cerebro con efectos especiales al mayoreo. Parece, sin embargo, que la cosa ha mejorado (a pesar de que no aparece Megan Fox en las corretizas con los Decepticons) y que ese rancio sabor xenófobo se ha diluido en una historia que intenta caminar hacia algún lado. Eso sí, compruebas que los efectos han mejorado también desde la primera parte, allá en el mundo pre crisis de 2007 en donde no se distinguía quién era quién. Este Dark of the Moon de los Transformers por lo menos se ha guardado hasta el momento en que compras tus entradas, habrá un par de sorpresas y solamente resta comprobar si son grandes o no.

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Sin embargo, tienes otra opción, esperar 15 minutos más y ver finalmente Hanna, esa película-fábula de detectives y espías en mundos no precisamente apocalípticos –pero que bien podrían serlo– dirigida por Joe Wright, y que ya se ha lucido con ejercicios modestos como El solista o con aparatos un poco más grandilocuentes como Pride and Prejudice o Atonement. Aquí no solamente quiere lavar el prestigio de Saoirse Ronan con un juego de drama y acción, sino que la apoya con Cate Blanchett y Eric Bana. La historia de esta chica entrenada por su padre para ser una perfecta asesina fue musicalizada nada menos que por los Chemical Brothers, y si esperas un poco más, es otra opción en esta calurosa tarde.

Te lo garantizo, la situación no se pone fácil. Un guiño te llama la atención a El conspirador, una película dirigida por ese extraño ser llamado Robert Redford (el amor de muchas mujeres en el siglo pasado, el actor imitado por otros tantos, el director de cine y el creador del Festival Sundance) y que cuenta la historia de una mujer a la que se acusa de complicidad en el asesinato de Abraham Lincoln (allá en 1865); por supuesto, ella debe demostrar su inocencia. No es para nada lo que desde el título imaginas. Es la oportunidad de ver un gran thriller ambientado en lugares y tiempos a los que no estás acostumbrado. James McAvoy, Robin Wright, Kevin Kline, Evan Rachel Wood y Tom Wilkinson ayudan a tomar la decisión o a hacer hervir la confusión.

Eso es porque en el cine que está cruzando la calle proyectan Super 8, que dirigió J.J.Abrams y que produjo Steven Spielberg. La recuerdas muy bien. Se le acusó en un principio de ser una precuela a Cloverfield gracias a una lectura muy apresurada, de un avance que además, no mostraba nada. Pero ahora sabes; la película tiene mucho de autobiográfico tanto de Abrams como de Spielberg, y de la misma manera que un arma de última generación, posee lo mejor de los dos mundos que colapsan en el póster: la imaginación de Spielberg –el suspenso que siempre consigue en historias que quizá no daban para mucho– y todas esas teorías conspiradoras de Abrams –que solamente él y su equipo saben esparcir–. ¿Acción? Por supuesto que también hay acción, pero al estilo Tiburón.

Eso, en sentido estricto, hace un verano. Una oferta a la que hay que exprimir para que dé lo mejor, pero que al final se convierte en una señal más de que el calendario avanza, de que no siempre hay películas de San Valentín y enamorados sin remedio, o de Santa Closes enfadados.

El verano da otra perspectiva y lo confirmas a cada segundo en el lobby de ese cine, mientras contemplas tus opciones…

No puedes evitar leer de reojo el cartel de Harry Potter y la conclusión de conclusiones. Si los fervientes seguidores de Star Wars esperaron años para ver su primera trilogía terminada, los que se ilusionaron con las andanzas del ingenioso mago de cuyo nombre no quieres acordarte, esperaron mucho más. Y ahí está el póster, diciendo que hay que verla, que todo termina y que aunque seguramente conoces todos los detalles (porque compraste el libro), es el momento de verlos en movimiento en la pantalla de cine más grande de la ciudad, en tercera dimensión y con Emma Watson salvando a todos del desastre. ¿Ella no es quien los salva? No importa. En tu mente veraniega ella es la respuesta a todo. Y ahí está el póster y en él está ella.

Al lado, Toda una vida, es cine de verdad. Nada de modas contemplativas que quieren contar sin decir nada. Nada de cantinfleos minimalistas sino cine serio, de un autor serio que habla de lo que nos duele en occidente, pero sin necesidad de obligar a su fotógrafo a restringir la movilidad de su cámara, o forzar a sus actores a moverse como zombis de clóset. Mike Leigh entra al relevo del cine que no depende de efectos especiales y que no quiere que sus héroes usen capa. Algo de la infelicidad cotidiana se cuela a este sencillo, pero musculoso relato de la vida de una pareja a lo largo de un año. Subidas, bajadas, luces y oscuridades. Cine de verdad.

Ahí están. Las tienes frente a ti. Todas son opciones reales para el verano. Hay algo para todos bajo la brisa relajadora de aire frío en el lobby del cine. “Solamente escoge una” dice el señor Kierkegaard. M

CÓMIC::

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ARTE::

De nombre Max-o-matic, o Máximo Tuja. Nací en 1975 en Buenos Aires, Argentina. Intenté, sin mucho éxito, estudiar economía para después graduarme en comunicación. Entre muchas otras cosas, leí sobre Marx y sus seguidores, escuché a The Clash y a todas las bandas de punk que pude encontrar. Me enamoré de la cultura del fanzine y me convertí en un devoto seguidor de la ética del do-it-yourself. Hice todos los fanzines que pude en el menor tiempo posible. Después de un par de años aprendí las palabras “composición”, “layout”, “ordenador”, “arte”, “anti arte” y “sorna”. El fanzine me llevó al diseño; el diseño me llevó a los libros y las revistas. Después llegó Internet y todo lo que vino con ella. Desde 2002 vivo en Barcelona. Durante el día trabajo como diseñador gráfico, de noche ilustro pegando imágenes. Intento crear un mundo imaginario con los pedazos del mundo real. En 2006 desarrollé el proyecto Latex for fun que terminó transformándose en un libro publicado por la editorial alemana Gestalten, en mayo de 2007. También participé en varias exposiciones colectivas en Barcelona, Bilbao, Madrid, Sevilla (España), Buenos Aires (Argentina), Southport (U.K.) y San Petesburgo (Rusia), Tokio (Japón), Amberes, Bruselas (Bélgica), New York (USA), Berlín (Alemania). Para el futuro tengo ganas de seguir aprendiendo muchas cosas, no perder la curiosidad, conocer gente, ir a sitios nuevos. Este año tengo algunas exposiciones programadas en Rotterdam, Barcelona, Berlín y Lima.

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The cream series

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W - The Balde

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Cutters

Tenis

Sunday times

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ARTE::

P A R A

E S T E

V E R A N O

TXT: JIMENA GÓMEZ

Es verano, el sol calienta el asfalto y el corazón de una Ciudad de México semi vacía. Un mundo de posibilidades se revelan a tu disposición, entre ellas se encuentran las ofrecidas por museos y galerías. Para que aproveches al máximo de este artístico verano, aquí te dejamos una lista de exposiciones que vale mucho la pena ver.

MUAC MUAC

EXPOSICIÓN: Obstruir, destruir, ocultar ARTISTA: Enrique Ježik DIRECCIÓN: Insurgentes Sur 3000. Centro Cultural Universitario FECHAS Y HORARIOS: miércoles, viernes y domingos de 10:00 a 18:00 hrs., jueves y sábados de 12:00 a 20:00 hrs. Hasta el cuatro de septiembre

La artista colombiana llega a nuestra ciudad para presentar una instalación referente a la violencia política mundial. Con un eje simbólico, Salcedo presenta 96 unidades, cada una conformada por dos mesas invertidas y unidas por un bloque de tierra donde crece pasto. Cada unidad tiene el ancho y la longitud estándar de un ataúd representando a una víctima específica de violencia.

En esta exposición el silencio es la víctima, el espectador el testigo y los elementos orgánicos la vida misma contenida en el dolor que ocasiona la violencia. La combinación de las 96 unidades hace de esta muestra una experiencia estética poderosa.

Por primera vez se despliega, en una sola exposición, un panorama general y bastante completo de la obra de este artista argentino, que ha sido una de las figuras más relevantes del arte contemporáneo mexicano de la últimas dos décadas.

Mostrando esculturas, instalaciones, video arte e intervenciones, Obstruir, destruir, ocultar; es una exposición obligada de este verano gracias a su técnica e innovación, así como sus temáticas que sin volverse explícitas, no se quedan en el mero simbolismo estético.

EXPOSICIÓN: Plegaria Muda ARTISTA: Doris Salcedo DIRECCIÓN: Insurgentes Sur 3000. Centro Cultural Universitario FECHAS Y HORARIOS: miércoles, viernes y domingos de 10:00 a 18:00 hrs, jueves y sábados de 12:00 a 20:00 hrs. Hasta el cuatro de septiembre

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KURIMANZUTTO

EXPOSICIÓN: Wilhelm Sasnal ARTISTA: Wilhelm Sasnal DIRECCIÓN: Ob. Rafael Rebollar 94, col. San Miguel Chapultepec FECHAS Y HORARIOS: martes a jueves de 11 a 18 hrs., viernes y sábados de 11 a 16 hrs.

Por primera vez en la historia de la galería Kurimanzutto, se presentará la obra de un pintor. Y quien mejor para inaugurar que el pintor polaco Wilhelm Sasnal Con guiños al pop y al realismo, la obra de Sasnal se distigue por sus curiosas temáticas de las cuales sobresalen sus retratos a Teresa Lewis, asesina americana condenada. En 2005, Lewis convenció a sus dos amantes de asesinar a su esposo e hijastro, para así poder cobrar el dinero del seguro de vida. El crimen fue investigado y Teresa Lewis fue condenada a muerte.

Los tres retratos que Sasnal realizó de Teresa son parte de esta exposición.

MAM

EXPOSICIÓN: Deriva Especular ARTISTA: Gonzalo Lebrija DIRECCIÓN: Paseo de la Reforma y Gandhi s/n.

Bosque de Chapultepec FECHAS Y HORARIOS: de martes a domingo de las 10:15 hrs. A 17:30 hrs. Hasta el siete de agosto

MAM

EXPOSICIÓN: Remedios Varo y sus contemporáneas ARTISTAS: Remedios Varo, Leonora Carrington, Frida Kahlo, Kati Horna, Jacqueline Lambda, María Izquierdo, Alice Rahon y Brigitte Tichenor DIRECCIÓN: Paseo de la Reforma y Gandhi s/n.

Bosque de Chapultepec FECHAS Y HORARIOS: de martes a domingo de las 10:15 hrs. A 17:30 hrs. Hasta finales del mes de octubre Desde hace ya unos meses, en el Museo de Arte Moderno se ha presentado esta exposición colectiva; sin embargo, dada la amplia gama de obras, técnicas y temáticas que en ella se muestran, esta exhibición es una gran opción para este verano, y es que una sola visita no es suficiente para absorber el mensaje de ocho de las más grandes artistas mexicanas.

El eje conectivo de esta muestra reside en el trabajo de Remedios Varo, el cual sirve para dar puntos en común entre cada obra, de modo que una pieza de Varo va de la mano de otra pieza de una de sus contemporáneas.

Con la curaduría de Daniel Garza, esta muestra es efectivamente un paseo en el arte mexicano surrealista del siglo XX.

Esta muestra es una mirada al panorama general del trabajo del artista mexicano, Gonzalo Lebrija, quien a lo largo de su cuerpo de trabajo ha demostrado un entendimiento profundo de la fotografía, tanto técnico como conceptual. La luz, el reflejo, las texturas visuales y la propiedad especular son referentes claros en su obra, la cual –utilizando el símbolo del automóvil– reflexiona sobre el status, el consumismo, la tecnología y el poder.

VÉRTIGO

EXPOSICIÓN: Piñatarama ARTISTAS: varios DIRECCIÓN: MAM - Paseo de la Reforma y Gandhi s/n. Bosque de Chapultepec FECHAS Y HORARIOS: de martes a domingo de las 10:15 hrs. A 17:30 hrs. Hasta finales de septiembre Por segundo año consecutivo, Vértigo Galería realiza la exposición colectiva Piñatarama; con la participación de casi 40 artistas –nacionales e internacionales– convocados, esta muestra se llevará a cabo en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México.

Como su nombre lo indica, esta muestra expone piñatas intervenidas por diversos artistas, dando como resultado divertidas e inesperadas reinterpretaciones de este objeto popular.

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DECULTO::CINE

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Sería el peor de los lugares comunes decir que el cine es una droga. Hablar de la rehabilitación de un cinéfilo empedernido no haría sino redondear ese lugar común. Enfoquemos mejor la batería a la rehabilitación, el proceso –la mayor parte de las veces obligado por alguien más– hacia quien sufre algún tipo de adicción (en estos tiempos de hiper corrección política puede ser adicción a cualquier cosa) para que acepte primero que es adicto, y luego que debe ser rehabilitado. Si lo tomamos así, una lavada de cerebro.

TXT:: ERICK ESTRADA .

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ELLOS

, los adictos, todos los que en cualquier momento pueden ser víctimas de la presión social y ceder su voluntad para que, paradójicamente, vuelvan a hacer uso de ella (seamos sinceros, ningún adicto quiere ser rehabilitado), son el vehículo por el que nos acercaremos esta vez a propuestas, que si bien cinematográficamente no están tan parejas como sus hábitos, representan una oportunidad para revisar la figura y las maneras de operar de la contraparte de la adicción: la rehabilitación.

Encontramos primero a los adictos que por extrañas y bizarras circunstancias han sido intervenidos y después sometidos a un proceso de rehabilitación. ¿Funcionó?, ¿ayudó? Veamos cada caso.

BIRD

de Clint Eastwood La magia metálica de la heroína recorre las venas de Charlie “Bird” Parker para salir disparada, primero como inspiración, y después, como blues sucio a través de un saxofón que se acerca peligrosamente al cielo. Las tormentas interiores quedan apaciguadas para regalarle música al mundo, hasta que alguien decide que la heroína no debe tocar de nuevo la sangre de Charlie. La rehabilitación llega entrecortada, forzada, atrabancada e incompleta. La magia se esfuma.

NARANJA MECÁNICA

de Stanley Kubrick Alex es adicto a la violencia, al sexo, a la adrenalina, a la vida. La existencia es dura y sobrevivir en ese mundo del futuro, tan complicado y salvaje, es prácticamente imposible sin esas armas. Pero no, todos los demás dicen que no y rehabilitan a Alex y lo acomodan en una caja hasta que la vida misma le repele. Entonces sí, quienes lo sacaron del hoyo de sus adicciones están listos para sacar ventaja de él.

DRUGSTORE COWBOY

de Gus Van Sant Una “familia” se pasea por cuanta farmacia de luces verdes se les atraviese en el camino. Buscan pastillas, drogas duras legales que suplan su necesidad de sustancias que no alcanzan a comprar. Son ladrones de su adicción. Y de alguna manera, estando lejos, sabiendo que no son dueños ni de sus ideas, ni de las pastillas que consumen, saben que viven como rehabilitados. Queriendo siempre, temblando siempre.

ANGEL HEART

de Alan Parker Harry Angel es un excombatiente de la Segunda Guerra Mundial y como muchos ex soldados es adicto a la heroína, morfina y calmantes. Pero no, ahora vive limpio y sobrio ejecutando su nuevo oficio: detective privado.

Pronto se da cuenta que era mejor estar en esa nebulosa gris de las drogas del ejército. Así, limpio y sobrio el rostro del diablo ya no es borroso y debe verlo cada vez que despierta.

BUG

de William Friedkin Otra guerra. Otro soldado. Otro adicto. Otro rehabilitado. Lo envían a las calles y despojado de su manto de invisibilidad anfetamínica llega a un bar, conoce a una chica y entra a su casa (que de hecho está al lado del bar). Ahí, la desesperación de la abstinencia llega uniformada de paranoia y la chica, unida a él de manera irremediable, lo acompaña en un viaje seco (sin drogas) a lo más profundo de la rarísima psique humana (sin drogas). Imperdible.

¿Para qué rehabilitarse?

Y del otro lado están los que escaparon de la red de la perrera. Aquellos que saben que su adicción es lo único seguro que tienen en la vida y no la soltarán nunca. Los que no quieren ser rehabilitados.

EL HOMBRE DEL BRAZO DE ORO

de Otto Preminger Sí, es Frank Sinatra. Sí, es un excombatiente “reformado” que quiere entrar al mundo del jazz y tocar la batería después de haber pagado sus deudas.

Pero al reencontrarse con un viejo amor y ver que el actual no lo trata muy bien, la sed de magia regresa a su cabeza y la morfina se abre paso hasta su cuerpo. La vida es dulce de nuevo... ¿o no?

TERCIOPELO AZUL

de David Lynch ¿A qué es adicto Frank Booth?, ¿qué hay en ese tanque que siempre lo acompaña?, ¿por qué lo excita tanto? Lo cierto es que así como es, un niño-animal-salvaje adicto a no sabemos qué artes gaseosas, tiene a toda la ciudad en la palma de su mano. Es violento, es cruel y vil, pero quizá su adicción a ese tanque surrealista es lo único que lo mantiene atado a este mundo y evita que lo dinamite en mil pedazos. Nadie desea que se rehabilite.

QUADROPHENIA

de Franc Roddam Todos son adictos. Las anfetaminas saltan de motocicleta en motocicleta como si se tratara de insultos. Vuelan por el aire e iluminan la visión de un país en crisis, debastado por la guerra y hambriento de líderes. En medio, esas anfetaminas le ponen música a todo, a esta historia de desencuentros e insatisfacciones. Por si fuera poco, nadie quiere ver al mundo como es, todos lo prefieren a través del cristal de las pastillas... mejor aún si la música que llueve es la de The Who.

BARFLY

de Barbet Schroeder Henry Chinaski (su nombre es su currículum) es alcohólico. Lo sabe. Lo ejerce. Lo disfruta. Ni una sola gota de cerveza será desperdiciada. Esa cerveza es la que ilumina sus pasos hacia los oscuros callejones de Los Ángeles en los que pelea por nada, (¿por un pedazo de carne?) para luego encontrarse con Wanda Wilcox, alcohólica, más que él. Ese aceite de 40 grados es lo único que mantiene a la máquina funcionando, porque así son las cosas. Nietzsche en la barra del bar.

BAD LIEUTENANT

de Abel Ferrara Él es un policía, un buen policía que tiene que ser malo para ejecutar perfectamente su trabajo. Y es adicto a sí mismo, a la cocaína y no sabemos cuántas cosas más. Es el ego encarnado frente a los estimulantes y sabe que sin ellos no es nada. La magia religiosa de su inteligencia puede apagarse si esos polvos y esas pastillas desaparecieran. Habría más violencia, más abuso, más desencanto. El infierno del cuerpo policiaco solamente puede atravesarse montado en las nubes de las drogas duras. Entonces ¿para qué rehabilitarse? M

DECULTO::MUSICA

TXT:: ARTHUR ALAN GORE

Cuando no están sobre el escenario protagonizando un video sexual con Pamela Anderson o confinados a la soledad de un estudio, es seguro que a las estrellas de rock podrás encontrarlas en un lugar: el centro de rehabilitación.

Todos los músicos que se precien de serlo deben haber pasado por uno cuando menos alguna vez en su vida. Sin embargo, la rehabilitación se parece a la escuela. Muchos acuden, pero sólo unos pocos –casi ninguno– consigue graduarse. Amy Winehouse es una pésima alumna, y por más que dice “¡no, no, no!”, ya se encuentra repitiendo el curso. ¿Pero qué se puede esperar de alguien cuyo apellido es “Casa de Vino”?

LAS

leyendas respecto a la rehabilitación son tan desca belladas como divertidas (para quienes miramos los toros desde la barrera, claro), porque reflejan la personalidad infantil de los rockstars. En el fondo, debajo de la tinta de sus tatuajes y el metal de sus piercings, los rockstars son como niños pequeños que se rehúsan a comer sus verduras e irse a dormir temprano.

Pete Doherty le dijo a la revista Shortlist: “Cuando he ido a rehabilitación, ha sido porque un juez me da a elegir entre eso o la cárcel.

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Una vez que estás ahí, te das cuenta de que no se trata de dejar las drogas, sino de abandonarlo todo. No te permiten concentrarte en nada que no sea tu recuperación. A mí me dejaban tocar mi guitarra una vez por semana”.

Es conocido que Kurt Cobain se escapó del Centro de Rehabilitación Exodus de Los Ángeles, California, el 1 de abril. Saltó la reja de 1.80 metros y tomó un taxi al aeropuerto. Había llegado a Exodus un día antes, el 30 de marzo, para deshacerse de su adicción a la heroína y sus consecuentes intenciones suicidas. No vivió para contarlo.

Mitad verdad, mitad mentira, durante años circuló la versión de que a Keith Richards, de The Rolling Stones, le cambiaban la sangre en una clínica suiza para retirarle las drogas. Aunque suena como una rehabilitación mucho menos tormentosa que aquella que se nos presenta en Trainspotting, el proceso de hemodiálisis al que se dice se sometió el papá de Jack Sparrow es complicado y riesgoso. Muy caro, además. Aunque el dinero no representa un obstáculo para una auténtica estrella de rock.

Pero de mitos y anécdotas sólo se escriben biografías no autorizadas, mejor escuchar directamente de los músicos acerca de la rehabilitación.

EXIGENCIAS Y GROSERÍAS

AHORA SOY VEGETARIANO

OMAR RODRÍGUEZ-LÓPEZ

JESSY BULBO Y JENNY BOMBO

Poco después de la salida al mercado de ¡Oh, sí, más, más! en 2003, el segundo disco de Las Ultrasónicas, la bajista y cantante Jessy Bulbo abandonó la banda. Jessy desapareció del mapa durante un tiempo en el que inició un proceso de rehabilitación. Las drogas y los conflictos de la banda probaron ser una combinación desastrosa.

“Tenía semanas pensando en cómo matarme –reconoce Jessy–, estuve a punto de dar un trago de Easy Off, pero no me atreví. Subí corriendo las escaleras y le dije a mi mamá: ‘necesito ayuda’. Ella me llevó al psiquiatra”.

“Yo me salí. Los problemas empezaron desde los primeros ensayos, aunque no me quise dar cuenta. Tuve problemas con Jenny porque llevaba meses apoyándola y ella me hacía muchas groserías.

Tratar con un adicto en recuperación es difícil. Uno quiere curarlos con amor, pero ellos te lastiman y lo peor es que lo hacen sin intención, así que se vuelve una relación dolorosa. Con Ali la bronca era que me quería llevar hacia donde ella deseaba, no hacia donde iba mi vida. Me sentí atrapada por las exigencias de Ali y las groserías de Jenny.

Renuncié a la banda dos veces”.

En aquel entonces también entrevisté a Jenny, que afirmó: “Tengo dos años de estar sobria. Jessy sí me ayudó en la rehabilitación, lo malo es que quiso ser demasiado ‘ven, pajarito, yo te cuidaré’, y cuando estuve más fuerte, más lúcida y recuperada, empecé a tener amigos y ella (Jessy) lo tomó como una traición.

Lo de mi recuperación de las drogas no tuvo nada que ver con su salida”.

DIME, JAGUAR, ¿CÓMO TE CURASTE?

SAÚL HERNÁNDEZ

Durante muchos años fue adicto a la comúnmente llamada “Piedra”, a la que incluso le escribió una canción en El Silencio.

“No fue fácil, significó algo muy doloroso. Fue un proceso muy duro, pero me tenía que pasar. Fue muy triste descubrir, un día, que ya no tenía nada nuevo que meterme. Era como en el chiste: ‘Papá, te tengo dos noticias, una buena y una mala. La buena es que ya dejé las drogas, la mala es que no tengo idea dónde’. Cuando escribí ‘Piedra’ yo no era más que un ente cocainómano que se sumergía en la noche y era la noche quien me cobijaba, era mi elemento. Mi mundo se hizo cada vez más chiquito y la luz no me daba. ‘Piedra’ fue la primera visión de lo que me estaba pasando, pero desde afuera. Quería subir los peldaños, pero no era capaz. ¿Qué me ayudó a ver a luz? Por un lado, los compañeros. Alfonso me daba mis zapes.

Pero sobre todo me di cuenta que me estaba causando un daño. Me vi en el espejo y sólo se reflejó un esqueleto que se derretía entre las penumbras del azufre. Algo que me ayudó mucho fue el ejercicio. El primer día que decidí moverme, fui a los Viveros y no conseguí correr ni diez centímetros.

Eso me impresionó mucho. Entonces seguí yendo, cada vez corriendo un poco más. A la fecha, me gusta mucho nadar”.

“Las drogas ya forman parte de mi pasado. Lo dejé todo por ellas, era un chico que vagaba por las calles, vivía entre las ratas y les arrebataba la comida. Pero el cariño de mis amigos y el amor por la música me ayudaron a salir adelante, para rehabilitarme. Hace mucho tiempo que estoy sano y ahora soy vegetariano”.

LA PACHEQUÉS DEL VALIUM

JOSÉ FORS

“ ‘Mañana nunca llegará’ y ‘El espejo’ fueron las dos primeras rolas que hice cuando salí de la clínica. ¿Qué otra cosa iba a decir si es lo único que traía en la cabeza? No son tan obvias, pero algo hay de optimismo en ellas. Nunca sales de ahí, lo toreas. Una vez escuché que Pete Townsend dijo que lo único de lo que se arrepiente en la vida fueron las horas que perdió poniéndose hasta la madre. Es un sentimiento que te queda, estoy de acuerdo con él.

No me arrepiento de haberme atascado, sino de las horas que perdí en un bar, las horas que perdí crudo, las horas que perdí dormido o inconsciente.

Pierdes contacto con lo que te mantiene vivo. Lo que me llevó a internarme fue que un día quise pintar y me temblaba el pulso tanto que tuve que sujetarme una mano con la otra. Dije: ‘hasta aquí’. Cuando te metes a una clínica, te dicen que tienes que estar mínimo un mes, pero yo aguanté una semana. Te tienen pacheco todo el tiempo con valium y esas madres. Lo que me ayudó fueron las juntas, porque convives con güeyes que están en el mismo hoyo que tú. Ahorita ya me puedo echar un tequila, tranquilo, pero siempre es como tocarle los huevos al tigre. Desde que empezó Cuca hasta el 2000 fue mi época más atascada, pero el sex, drugs and rock and roll no me llenó. Nada más quería bajarme del escenario para irme al table a estar chupando. El que mandaba era el alcohol y valía madres”.

SIN PASÓN, NO HAY DIVERSIÓN

MOBY

“Solía ir a muchas fiestas cuando bebía, pero desde que dejé el alcohol me aburro bastante, ya no me gusta salir por las noches. Tengo muchos amigos que utilizan drogas y no me importa, los respeto, los quiero y bueno, a veces quisiera que se rehabilitaran, porque las drogas le han hecho mucho daño a la gente que quiero”.

LA REHABILITACIÓN COMO CARRERA

COURTNEY LOVE

“¡Mi fondo llegó cuando inhalé una línea de coca del trasero de Pamela Anderson! (risas). En realidad, supongo, el Vh1 Roast de Pamela Anderson, fue un muy mal momento para mí, era un desastre: tenía labial en toda la cara, estaba drogada y confundida, quizá incluso babeando. Andy Dick me había dado una pastilla antes del show, me dijo que era como Vicodin, Winona Ryder me había dado una pastilla igual meses antes. Era tan adicta que me tragaba prácticamente todo. Así terminé haciéndome adicta a los Benzos, fui a rehabilitación para dejarlos”.

“En el centro de rehabilitación de Silver Hill, conocí a este chico, tenía unos 20 años, nos hicimos mejores amigos. Ambos estábamos teniendo horribles ataques de abstinencia, nos sentábamos lado a lado en mecedoras por 72 horas seguidas, alucinando insectos y dragones. Fue como pasar por una guerra juntos, pero ahora ni recuerdo su nombre”.

Comentó en entrevista con Thefix.com. M

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DECULTO::ARTE Si los genios hubieran sido niños buenos, su arte hubiera sido muy malo. “Hoy Hemingway no sería un enorme escritor, sino un borracho, y Eric Clapton un drogadicto; la incorrección de su vida privada terminaría minando, a los ojos de su público macrobiótico, su talento artístico”, escribe Jordi Soler en su columna de El País, un domingo de mayo. ¿Así juzgarían hoy a Van Gogh, Picasso o Delacroix?

Probablemente. ¿Pero qué hubiera sido de la historia del arte si los hubieran mandado a rehabilitación?

TXT:: REGINA ZAMORANO.

LA INSPIRACIÓN, ESPECIE EN PELIGRO

Antes de la era del yoga globalizado, la obsesión por lo orgánico y la taladrante consigna de hacer ejercicio y ser delgado, hubo tiempos mejores.

Tiempos en los que la inspiración era una parte importante del proceso creativo de los artistas, los intelectuales, incluso en el de los psiquiatras y psicólogos, hoy tan ávidos de ayudarnos a cuadrar en la sociedad –en los 50, el doctor Oscar Janiger prescribió 3,000 dosis de LSD a mil voluntarios, entre ellos Aldous Huxley y Cary Grant–.

Cuando la pintura aún era respetada, los creadores debían sacar de su propia cabecita ideas de composiciones, colores, personajes, escenas y técnicas.

Cada cuadro debía ser poderoso, verosímil, innovador, vibrante… ¡Hoy dan premios Turner por prender y apagar la luz en una galería!

Para censurar a la autocensura, para torcer la imaginación, algunos usaban, usan y usarán, sustancias que alteran la percepción, buscando algo que les abriera un poco el coco, que les permitiera ver las cosas de una manera única. ¿De eso se trata el arte, no? Quién sabe si artistas como Caravaggio, Eugène Delacroix, Modigliani, Picasso, Miró, Van Gogh, Francis Bacon, Toulouse-Lautrec, Daumier, Degas, Pollock, Jean-Michel Basquiat y el propio Damien Hirst —ni hablar del arte psicodélico—, serían lo que son hoy sin esas experimentaciones.

¿Qué clase de obras habrían realizado si hubieran vivido según el Manual de Carreño? Éstas son sólo algunas suposiciones.

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PICASSO, UN PINTOR SIN ESTILO

Según una de sus biógrafas, Arianna Stassinopoulos, Picasso solía consumir opio en 1905, aunque también podía conseguir fácilmente morfina, éter y hachís. En 1907, pintó Les Demoiselles d’Avignon, una obra revolucionaria, precursora del cubismo, que echaba mano de rasgos africanos, estilo que marcó su pintura, pero horrorizó a muchos de sus colegas y “aburrió” a los críticos.

En 1908, Picasso tuvo una visión terrible después de consumir hash. Se vio a sí mismo estancado, condenado a pintar lo mismo por siempre, sintió que no le quedaba nada por aprender y tuvo ganas de suicidarse.

Luego, en 1909 desarrolló de lleno el cubismo, junto con Georges Braque, pero durante la Primera Guerra Mundial, volvió a un estilo más oscuro y figurativo.

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Es probable que sin su experiencia con las drogas no hubiera pintado con tanta libertad como lo hizo, mandando las normas al carajo y utilizando a voluntad una u otra técnica. Su visión se hubiera hecho realidad: sería un pintor mediocre, retratista de payasitos y personas depresivas.

“El estilo es algo que suele atar al artista y lo hace ver las cosas de una manera determinada; las misma técnicas, la mismas fórmulas”, escribió el artista español. En cuanto a él: “me puedes ver ahora mismo, pero ya he cambiado, ya soy otra persona, ya estoy en otro lugar. Nada puede atarme, y por eso no tengo estilo”, así explicaba por qué a veces pintaba cuadrado un tazón redondo.

DELICIAS ORIENTALES

Otro ejemplo es el maestro Eugène Delacroix, con sus majestuosas pinturas llenas de movimiento, decadencia, exotismo y carnes rosadas y jugosas.

En 1832, hizo un viaje a Marruecos que cambió su visión, y es imposible pensar que no probó el hachís por esas tierras. Además, perteneció al Club des Haschischins, creado por el psiquiatra Joseph Moreau, en 1844. En una pequeña isla en medio del Sena, se juntaban Beaudelaire, Honoré Daumier y otros artistas, a comer hash.

A su regreso de Marruecos, sus pinturas se hicieron más libres, los trazos menos definidos, más vitales y “espontáneos”, los colores más vivos y los cuerpos, de animales y personas, deformes y expresivos. Basta comparar cuadros como La muerte de Sardanápalo (1827), fuerte, pero contenido, con el mural Heliodoro expulsado del Templo (1854). Sin esas ayudaditas, quién sabe si en la Exposición Universal de 1855 se le hubiera reconocido como el hombre que, a pesar de una rígida educación clásica, revolucionó la pintura.

PASADOS DE COPAS

Caravaggio y Jackson Pollock fueron dos alcohólicos memorables y genios empedernidos. Ambos murieron a causa de su vicio antes de cumplir los 45 años. Sin la embriaguez, el exceso y las juergas en los burdeles, Caravaggio, quien era la sensación a principios del s. XVII, tal vez no hubiera podido observar la verdadera naturaleza humana, esos pequeños gestos que dan vida a la vida. Habría pintado clásicas e insípidas escenas religiosas sin humanizar –de manera muy políticamente correctas para su época– a personajes intocables, como lo hizo en "La muerte de la Virgen" y "La crucifixión de San Pedro".

En cuanto a Pollock, es innegable que el alcohol, que empezó a consumir desde muy joven, modificó su mente. En 1947 ya había consolidado su técnica del dripping, que consistía en piezas abstractas, realizadas con pintura líquida que esparcía como en trance en grandes telas colocadas sobre el piso. A lo mejor, sin su adicción se nos convierte en una mala copia de los muralistas mexicanos, pues sus primeros trabajos estaban claramente influenciados por nuestros pintores nacionalistas. Qué horror.

HADAS VERDES

Es bien conocida la debilidad de pintores como Van Gogh o ToulouseLautrec por la absenta o hada verde, la bebida de moda entre la “artisteada” a finales del siglo XIX. Según el New York Times, la absenta de esos años contaba con 260 partes de tuyona (el compuesto alucinógeno) por millón, mientras que la que puede conseguirse hoy contiene 10 – ridículas– partes.

A mi parecer, sin su “hada madrina”, Van Gogh hubiera pintado inofensivos paisajes y aburridos floreros, algo así como las maravillosas obras de arte que cuelgan en los hospitales, los McDonalds y los Vips. M

M A R V I N R E C O M I E N D A

Alt country futurista POR

MY MORNING JACKET CIRCUITAL ATO Records

fortuna existen artistas que no viven obsesionados por trepar en las listas de popularidad, ni erigirse en los profetas de cierta causa o estilo. Hay quienes marchan a su aire y en ese deslinde apuntalan su individualidad. La banda de Louisville, Kentucky, despliega sus velas seguros de que el viento de la libertad habrá de favorecerlos. A estas alturas de la historia no requieren de validación externa alguna, lo suyo muta porque así lo indica su instinto, su naturaleza.

No es la primera vez que se pronuncian por un country del futuro, por una especie de americana de ciencia-ficción. No se conforman con aludir a música del pasado, sino que la toman y la catapultan hacia tiempos venideros. Hacen lo que el retrofuturismo en la literatura o el cómic: crear una dimensión alterna en la que lo vintage se trastoca en vanguardia; lo cual les vale para marchar codo a codo con Wilco.

Ahora han registrado 10 canciones llenas de guitarras procesadas, cuerdas, vientos y una batería con algún vestigio progresivo, pero en las que destacan los juegos del sintetizador –justos, no grandilocuentes–. Para apreciar la hechura, hay que señalar que no se quedan con lo típico de estrofa-coro-estrofa; MMJ produce un volumen de rock en el que se imponen las texturas y los ambientes que crean. No ponen a la melodía por encima, sino a la intensidad que crean todos los elementos sumados.

En la canción que titula al disco, una guitarra casi proveniente de Tool o A Perfect Circle, explora la base rítmica hasta estallar en un crescendo incandescente. MMJ siempre se ha mostrado hermético, misterioso, pero al parecer ha alcanzado la mejor manera de exponer su sofisticación con claridad. Algo que en buena medida logró el productor Tucker Martine (también miembro de The Decemberists).

Habremos de destacar “Holdin On to Black Metal” y “First Light” como otros dos pilares.

Tal pareciera que son una versión cósmica de los Allman Brothers o The Band tocando en una cantina sideral. Tras Evil Urges (08) –un disco errático-, el grupo de Jim James ha enfocado con precisión su territorio. Regresan potenciados.

Han trabajado en una obra que encaja en la galería de lo mejor de su carrera. Este es el álbum que les puede traer nuevos seguidores: tiene riesgo y contenido.

T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

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R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1

SAN PASCUALITO REY VALIENTE TERRÍCOLAS IMBÉCILES

BON IVER

En este tercer disco de los pascuales conviven su dos venas más representativas: una parte está orientada a un sonido rock ciertamente filoso (“Despertar”); y otra conserva esa vertiente de arrabal que tanto los distingue y nos atrae. Allí es donde se mueven con más comodidad y registran sus mejores trazos. “Pájaros negros” y “Carne abierta” es de lo mejor que han grabado a la fecha, porque consolidan una personalidad propia, un sello de identidad que abreva de lo mexicano sin caer en lugares comunes. En cuanto a solvencia y calidad compositiva no hay carencias (“Que pensar en ti” es también notable), ahora habrá que desplegar otros mecanismos para que se conviertan en la banda grande que han anticipado. Si consiguen que “Si te vas” entre a las radiofórmulas habrán dado un paso muy grande, he aquí una canción de antología. Es el momento de vencer cualquier tipo de obstáculo para saltar a las grandes ligas... o en caso contrario, diluirse por siempre.

T X T : : J U A N C A R LO S H I D A LG O .

JAVIER SOLÍS SOMBRAS

Uno de nuestros mejores cantantes vernáculos; con él despunta el dark mexicano. Bien valdría aprovecharlo más.

LA BARRANCA EL FLUIR

Los puntos de encuentro con el sonido de la banda de José Manuel Aguilera son notorios –en ciertos temas, no en todos–.

MEGAFAUN HERE TO FORE

T X T : : J U A N C A R LO S H I D A LG O .

DEATH CAB FOR CUTIE CODES & KEYS

Los amigos con los que Justin comenzó su carrera ahora siguen su propio camino.

FLEET FOXES HELPLESSNESS BLUES Ambos proyectos se conectan por ese tratamiento pastoral de las voces.

Ambos buscan anteponer la sutileza y la hermosura a todo lo demás.

JAGJAGUWAR

CEREMONY STONES THROW/ EXPONENTIAL RECORDS

Otaola explora vertientes muy cercanas a su obra solista.

Ya no hay encierro en una cabaña distante para purgar el desconsuelo, Justin Vernon aprendió a que la esencia permanezca, pero con diferentes y más sofisticadas infusiones. El sucesor de un exitosísimo For Emma, For Everago (08) conserva lo necesario y agrega elementos que lo nutren y lo hacen crecer: mayor instrumentación, distintos tratamientos rítmicos, vientos y hasta unos tenues toquecillos de electrónica. Los dos temas de apertura (“Perth” y “Minnesota, WI”) son espectaculares y quizá sean las apuestas más fuertes de esta colección. Vernon es alguien que canta bien –casi en susurrante falsete–, y aprovecha sus varias inflexiones y registros.

Cierto, las variantes son pequeñas, pero el efecto es igual o más cautivador.

No es más un hombre devastado, ahora sabe muy bien la manera de conducirnos por vastos parajes de emociones. “Calgary” –el sencillo de adelanto– es también emotivo a lo grande.

BON IVER

MEXICANS WITH GUNS

ALEX OTAOLA FRACTALES En “Salgamos de aquí” de Valiente,

Son las seis de la mañana de un sábado ordinario. Los setenta llevan media década recorrida. Marvin Gaye entona “What’s Going On” para la parrilla de dibujos animados. Uno de los niños que no se la perdían resultó ser Peanut Butter Wolf, reconocido DJ, amante del vinilo como material discográfico, y fundador de la disquera Stones Throw (1996).

En ella sólo firma música y artistas que le agradan (J Dilla, MF Doom y Aloe Blacc); no hay espacio para más. Si lo que escucha no le gusta, no es bienvenido, aunque se esté tratando de un éxito comercial seguro.

En ese sentido, Ernest González y su proyecto de dubstep con sabor latino, Mexicans With Guns, puede estar seguro de que su música es significativa para al menos un experto en beats como lo es el Wolf, quien se encarga de la distribución de Ceremony. Originario de San Antonio, Texas, González es una franca promesa de la electrónica con raíces mexicanas. Ya era hora de que Toy Selectah se librara de un poco de peso en sus hombros. Bienaventurado seas Ernest.

T X T : : “ E L J E R G A S ”.

TOY SELECTAH MEX MACHINE

Toy estrena disco con la Mad Decent, disquera de Diplo.

DIEGO BERNAL BESIDES

T Diego –también de San Antonio, TX– cita al Trío Los Panchos y Bill Wither como sus influencias. Forma parte de Exponential Records, disquera perteneciente a Ernest González.

CHANCHA VÍA CIRCUITO RÍO ARRIBA

Amo este proyecto. Es de Buenos Aires, Argentina, firmado con la ZZK Records. Electro con tintes de cumbia oscura.

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MATÍAS AGUAYO I DON’T SMOKE EP KOMPAKT

SHE WANTS REVENGE VALLEYHEART FIVE SEVEN FIVE MUSIC

DEATH CAB FOR CUTIE CODES AND KEYS ATLANTIC

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Ya lo decía Kelly Johnson mientras trabajaba en los talleres de Lockheed Martin: “Mantenlo simple, estúpido” –o “K.I.S.S.” por sus siglas en inglés–. Décadas después Matías Aguayo le daría la razón al ingeniero. Con un par de discos editados por la disquera Kompakt, Aguayo ha sabido adoptar lo mejor del techno minimalista, para dar un baño de renovación al género que alguna vez Michael Mayer diera continuación en los dosmiles. Matías es un eslabón de esta cadena. El último. El más reciente. Se ha ganado ese lugar porque ha sabido darle un sabor diferente al frío minimalismo del sintetizador, le ha sabido fijar su estilo y lo ha llenado de jovialidad y frescura. Con este EP siguen las frases tontas y repetitivas, acompañadas de la cadencia latina que ya le van asegurando al autor un referente inmediato en la mente del que escucha. Una voz sin matiz sale de repente en el tema que le da nombre al EP, diciendo una y otra vez: “Rebolledo, do you have a cigarette?”, a lo que la otra contesta: “No, I don’t smoke, I don’t smoke…”. Así de simple, pero genial.

T X T : : “ E L J E R G A S ”.

A Justin Warfield y Adam Bravin les salen mejor los EP’s que los LP’s, no cabe duda. Después cinco trabajos, la indiferencia es un sentimiento generalizado hacia el trabajo de este dúo, pues la crítica especializada los ha calificado de músicos mediocres y letristas inmaduros… y tal vez los argumentos sean válidos. Después de todo, ¿a quién le gusta escuchar a tipos de casi cuarenta años quejarse de cómo una chica en medias de red y labial rojo les rompió el corazón? Es seguro decir que este es el disco más “sincero” de She Wants Revenge, ya que aquí se presentan como lo que realmente son: un par de fresas románticos sin remedio. Valleyheart aterriza en los territorios del pop, pecando descaradamente soso. Pocos temas son para escucharse más de una vez, de hecho, “Take the World”, “Up in Flames”, “Little Stars” y “Maybe she’s Right” hubieran hecho un EP más que decente. Podríamos esperar eternamente un buen álbum de She Wants Revenge, pero simplemente no vendrá.

JAMIE XX & GIL SCOTT-HERON

WE’RE NEW HERE

Se nos fue Scott-Heron, pero aún tenemos, por largo tiempo espero, al niño genio Jamie xx.

THE FIELD FROM HERE WE GO SUBLIME Clásico instantáneo.

FOUR TET THERE IS LOVE IN YOU

Editado bajo la Domino Records, hogar de toda la vida de Four Tet, este es su último disco.

MARILYN MANSON THE HIGH END OF LOW Poco importó el regreso de Jeordie White, le llovieron pedradas al reverendo por este disco.

LIGHT ASYLUM ST EP Darkwave con potencia y vigor.

COLD CAVE CHERISH THE LIGHT YEARS

TXT:: JESÚS SERRANO.

Oscuro y emotivo, muy recomendable.

Debo reconocer que no asimilé este disco fácilmente, después de reproducirlo varias veces, me di cuenta de que ya sabía de memoria parte de las letras, pero no podía ubicar las canciones, ni conocía sus nombres. Codes and Keys no es impenetrable como Narrow Stairs, ni tan intenso como Transatlanticism, sin embargo, es poco accesible, y es en realidad difícil explicar por qué lo es, ya que no propone nada ajeno o discordante a los trabajos anteriores de esta banda. Una vez más Chris Walla, en su papel de productor, apuesta por instrumentaciones complejas y un sonido construido con miles de arreglos y texturas. La voz de Ben Gibbard, menos desazonada que en otras ocasiones, suena aburrida y predecible, al mismo tiempo que sus letras dejan de lado el toque narrativo que muchos disfrutábamos. Honestamente, aquí no se encuentra el sonido cohesivo del cual, hace unos años, estos señores podían presumir.

DEATH CAB FOR CUTIE NARROW STAIRS

TXT:: JESÚS SERRANO.

Sin duda, el álbum menos accesible de esta banda.

THE SHINS WINCING THE NIGHT AWAY El equilibrio entre dulces melodías y distorsiones.

RILO KILEY UNDER THE BLACKLIGHT La sensual voz de Jenny Lewis nos cuenta historias de desamor.

R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1 He aquí el primer disco de Cults, creado por un par de mocosos que recibieron la suficiente difusión a través de Internet, como para generar expectativa aún antes de haber grabado un LP (algo común en nuestros días). ¿A qué suenan estos chicos? Quitemos las toneladas de fuzz tipo The Raveonettes, y obtendremos algo similar aunque más aburrido. Estos chicos tomaron el pop de los 50-60 y le añadieron algo de punch y reverberación, todo con su respectivo toque lo-fi. Las vocales de Madeline Follin emulando a Leslie Gore, cansan en los primeros tracks. Afortunadamente, Cults es breve y se digiere rápido: once baladas de baile de graduación gringo que entran por un oído y salen por el otro. Este álbum se siente “muy verde” y hecho de manera apresurada, sin embargo son jóvenes aún y tal vez en un futuro nos sorprendan.

CULTS

TXT:: JESÚS SERRANO.

CULTS IN THE NAME OF

TXT:: ALEJANDRO MANCILLA.

SÁNCHEZ DUB & THE CANDY CORPORATION

La música electrónica y el tecnopop español anda en buen momento desde hace años, y como prueba el trabajo de Nacho Canut (Kaka de Luxe, Los Pegamoides, Parálisis Permanente, Intronautas, Los Vegetales, Dinarama y Fangoria), bajo el seudónimo Jet 7, en el que realiza remixes de algunos grupos nuevos y otros ya consolidados. Muy buenas reversiones que en conjunto forman una nueva mezcla, desde el muy particular estado de ánimo del artista, a canciones de sus paisanos Lemon Fly, Munich 72 y Roberta Marrero, o a los peruanos Pestaña. Mis tracks favoritos son el remix al grupo Montevideo y también el de “Barbie debe morir” de Villa-Toro.

TXT:: ALEJANDRO MANCILLA.

SUSURRANDO DISCOS

THE SUPREMES THE SUPREMES A´GO-GO

“You Can't Hurry Love” y la voz de Diana Ross son gustos culposos ineludibles.

THE RAVEONETTES WHIP IT ON

TITÁN TERRODISCO Grupo del que Andrés Sánchez formó parte en los primeros discos. Este es su primer y más experimental entrega.

ZOÉ MTV UNPLUGGED MÚSICA DE FONDO En teoría no tiene mucho que ver, pero Andrés colaboró en este disco en el bajo.

IMS MÉJICO MAXICO Armaré un grupo de electrocumbias y se llamará ISTE, Instituto Sociópata del Techno.

APOCALYPTIC GIRL BOY MADAME RECORDS

JET 7

Aunque no hay material editado de este quinteto, le deben su fama al filme Blue Valentine.

Lo-fi y la época dorada de Hollywood.

Escuchando este disco se antoja que el Apocalipsis sea en Acapulco.

Destacan el segundo track “Swimming Around” y “2BE”, con sus guitarras de fondo y bajo hipnótico, mientras que el tema homónimo al título del CD es un tema un tanto obscuro y atmosférico que también podría ser el soundtrack de un paseo funk por el bosque. Encontramos además ecos de Beck y un reggae disimulado en “Who Wants Peace”, dentro de un disco que no traiciona su origen sintético, pero que se nutre de cosas más tangibles y humanas. El disco fue producido por el mismo Andrés Sánchez y por Phil Vinall, quien ha trabajado con Elastica, Radiohead y los mexican brit poperos de Zoé.

ELECTROCONVULSIONISMO COMPÁCTO

PENNY AND THE QUARTETS WATER ON THE ROAD

LEMONFLY SÍNDROME DE PETER PAN Eran uno de los grupos más prometedores de la escena tecnopop española, hasta que se pelearon.

Lo bueno es que volvieron este año y de ahora, hasta el infinito y más allá.

DINARAMA + ALASKA CANCIONES PROFANAS Antes de ser fan de Madonna, lo fueron de Siouxsie, como lo demuestra este disco de Dinarama (la dupla Berlanga-Canut) y Alaska.

VARIOS ELECTROSPAIN Disco clave para entender esa nueva movida que hace más de un lustro, amenazaba con explotar con bandas como Insulina y las Pony Girls.

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R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1 Antes de lanzar este disco, los integrantes del grupo, Ivan Howard y Kelly Crisp, se divorciaron... y bueno, aún así decidieron seguir juntos haciendo esas intimistas pero grandiosas canciones de amor como “Birds Make Good Neighbors” o la exquisita canción pop “Come Visit Me”. No me malinterpreten, no ando en plan romántico, pero sí me pregunto cómo es que pueden seguir trabajando juntos tras estar divorciados. ¿Recuerdan La guerra de los Roses?, pues definitivamente esto no es “La guerra de los Rosebuds”. Un disco agradable, sentimental y algo triste, pero muy recomendable si cuando te preguntan qué música escuchas, contestas que indie-pop y folk.

TXT:: ALEJANDRO MANCILLA.

THE ROSEBUDS

TXT:: JASIEL VILLA.

whokill 4AD

NATIVE TO KITSUNÉ

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CHER & SONNY LOOK AT US

Una pareja que era tan melosa que daba asco, pero es otro disco que deberían escuchar los Rosebuds para reconciliarse. Bueno, hagan de cuenta que no.

Estos no son pareja, pero seguro M. Ward montó todo el númerito del grupo para tirarle la onda a Zooey Deschanel, lo apuesto.

Lejos de darse por vencida, todo indica que la Srta. Merrill Garbus buscó tener una segunda oportunidad, olvidemos su irrelevante debut Bird-Brains para prestar toda nuestra atención a w h o k i l l, un disco delirante. Lo primero que resalta es la imaginación y forma de explotar tan libre en las canciones, para ello tomó elementos de diferentes épocas y géneros, trozos de R&B, mucho afrobeat y elementos tropicales, lo cual transita sobre una voz que transmite mucha emoción y arreglos excéntricos. Hay similitudes con el trabajo de Fela Kuti, Esquivel, Coconut y hasta Os Mutantes, pero afortunadamente no hay un género específico. Se trata de un disco complejo, ecléctico, variado e impredecible; francamente les hará pasar un buen rato. Anoten canciones como "Gangsta" y "Bizness" en las listas de lo mejor del año.

IS TROPICAL

Si alguien les pasa este disco a los recién divorciados Rosebuds, seguro terminan llorando... de pena.

SHE AND HIM VOL. 2

LOUD PLANES FLY LOW INSOUND VINYL

tUnE-yArDs

DIEGO VERDAGUER Y AMANDA MIGUEL SIEMPRE FUIMOS DOS

VAMPIRE WEEKEND VAMPIRE WEEKEND

Otra muestra de cómo absorber diferentes influencias y transpirarlas en algo propio

EL GUINCHO ALEGRANZA

Irremediablemente, tUnE-yArDs remite a la paleta de géneros que logra Pablo Díaz.

WHITE RABBIT FORT NIGHTLY

Ska, R&B, percusiones y pianos propios del jazz.

A veces me pregunto si lo que conocemos como actual y nuevo realmente lo es, o sólo se trata de un déjà vu. Por ejemplo, el sonido de Is Tropical no debería emocionarnos tanto, sólo es un grupo de jóvenes punk –que como muchos que han surgido de la explosión new rave– se empeñan en lograr un híbrido entre el rock y la música electrónica, ese que es frecuente en el set de cualquier DJ indie.

Aunque las sorpresas son pocas, se aplaude el entusiasmo y la buena producción de temas synth-pop como "South Pacific", por otra parte, "The Greeks" y la juguetona "Clouds" son canciones para explotar la pista. Al final encontramos mucho refrito electro-clash con guiños a Fischerspooner, DFA y Klaxons... nada mal, sólo que muy genérico.

No hacen mucha falta bandas así, el mercado es apretado y si no se cuenta con el ingenio de sus colegas y antecesores (Friendly Fires, Late Of The Pier) no es emocionante la aventura de darles play.

TXT:: JASIEL VILLA.

KLAXONS MYTHS OF FUTURE

THE

NEAR

El álbum más influyente de la escena bailable desde 2007 hasta la fecha.

LATE OF THE PIER FANTASY BLACK CHANNEL

Otro disco representativo del new rave, en un tono más auténtico y explosivo.

KITSUNÉ MAISON COMPILATION 11: THE INDIEDANCE ISSUE

Lo más reciente de la disquera francesa muestra el trabajo de contemporáneos de Is Tropical.

R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1

MYSTICA GIRLS METAL ROSE INDEPENDIENTE

Lo sorprendente no es que sean chicas. Tampoco su desbordante belleza. Mucho menos su habilidad musical. Todo eso se da por sentado. Lo que verdadera y gratamente sorprende es el arrojo para ser diferentes y fieles a sus convicciones. En tiempos en los que la música se acomoda en terrenos de confort, coros facilones, atmósferas dulzonas y vocecitas que apenas semejan el susurro de un duendecillo, Mystica Girls se erige con una colección de canciones estridentes pero elegantes, llenas de valles, crestas, cambios y atmósferas. Si bien la calidad de grabación les queda a deber, se puede apreciar la voz mandante del bajo, el ocasional protagonismo de la guitarra y la constante presencia bataquera.

Metal en su estado más fresco. Vale la pena echar una oída a “Metal Rose”, que pinta para himno, y “Tortura”, en la que Sofía derrocha pasión a la hora de interpretar. Un disco ideal para sacudir la cabeza.

T X T : : J AV I E R G O N Z Á L E Z .

Oscuro, sin lugar a dudas se escucha el nuevo disco del sexteto mexicano de metal progresivo. Canciones como la que le da título al material, bien pudiera servir como fondo a una renovada versión de La Dimensión Desconocida. Los diálogos entre guitarra y batería se convierten en recíprocas ráfagas de golpes, que tienen por objeto tender la alfombra en la que los teclados juegan a placer. Suena mucho más heavy de lo que solían, por lo que se agradece que sus integrantes se tomaran el tiempo para crear tan elegantes riffs, muchos de los cuales se quedan impresos en la memoria aún después de escuchar las rolas. El virtuosismo no está peleado con las canciones agradables, que desde la primera escucha se vuelven contagiosas.

ÁGORA

T X T : : J AV I E R G O N Z Á L E Z .

DEPECHE MODE

El bajo es la columna vertebral alrededor de la cual se construye una enredadera musical de muy altos decibeles. Los clásicos no pasan de moda.

VERUCA SALT AMERICAN THIGHS

Otra agrupación femenina que en sus tiempos rompió esquemas.

MÖTLEY CRÜE GIRLS, GIRLS, GIRLS

Independientemente de su discutida calidad musical, hay que reconocer que Vince Neil y compañía tienen una gran presencia escénica.

DREAM THEATER IMAGES AND WORDS

No se podría entender el metal progresivo sin la aparición de este disco icónico.

SHADOW GALLERY CARVED IN STONE

No es tocar lo que ellos hacen, sino convertir sus instrumentos en extensiones de su cuerpo.

MAKINA

RED Si bien en género no tienen nada que ver, el metal mexicano encuentra en este disco uno de sus momentos históricos en los que más orejas le prestaron atención.

REGRESA AL VÉRTIGO INTOLERANCIA

REMIXES 2: 81-11 EMI

IRON MAIDEN FEAR OF THE DARK

Con ayuda de artistas como Francois Kevorkian, The Orb, Dan the Automator, Stuart Price, M83, Röyksopp, UNKLE, Six Toes, Trentemøller, Vince Clarke y Alan Wilder; Depeche Mode hace un disco destinado para fans devotos –de esos que a este grupo le sobran– y en el cual difícilmente encontraremos algo que suene viejo. Algunas de las cosas más interesantes de esta entrega, es la colaboración –por primera ocasión– de los dos ex integrantes de la banda: Vince Clarke remezclando “Behind the Wheel” y Alan Wilder con “In Chains”. La utilidad de un álbum de remixes pude ser debatida ampliamente, pero en algunos afortunados casos –como lo es este– resulta una buena manera de apreciar a una banda desde una nueva perspectiva, donde el remix se vuelve una herramienta para abrir espacio y observar el potencial no explorado de un tema.

Prueba de esto es la versión de “In Chains” –track de Sounds of the Universe– en el cual Alan Wilder toma la canción, y más que hacer un remix, le da un giro y propone una nueva producción. El resultado es extraordinario. La canción que Wilder genera es aún más obscura, densa y deliciosa que la original.

T X T : : I VÁ N G . A L A R C Ó N .

DEPECHE MODE VIOLATOR

El disco que consolidó a DM como una de las más grandes y exitosas bandas de la historia.

RECOIL LIQUID

Del proyecto liderado por Alan Wilder se desprende este disco donde lo esencial es el drama.

ERLEND ØYE DJ-KICKS

Otro ejemplo de un álbum de remixes bien hechos.

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R E S E Ñ A S L I B R O S 3 X 1

CIRCA 94 FRAN ILICH ED. TIERRA ADENTRO

SOLAR IAN MAC EWAN ED. ANAGRAMA

EL COLECCIONISTA DE JUGUETES JAMES GUNN ED. MONDADORI 76

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En esta novela hay una yuxtaposición de planos que buscan estimular la descolocación, no sólo del lector, sino de los mismos textos. Está la historia de Orión, un tijuanense de 17 años; Nébula, una novela cyberpunk; además de hipertextos colocados en algún portal de Internet.

El entramado funciona como un mecanismo del engaño, pues incluso el título, que debería remitirnos al mentado año en que transcurre la acción, es el nombre de un importante rave que se llevara a cabo en California en aquel entonces. Desde la esquina del mundo se construye y deconstruye la cultura contemporánea. Aquí se cruzan todas las tribus urbanas conocidas y por conocer. Se vive en una franja en que no se es ni norteamericano ni mexicano. El protagonista ambiciona con revolucionar la literatura nacional, mientras vamos siguiendo su historia de amor con una diva del under local. Aquí todo se mezcla ad infinutum: música, drogas, familia y política. El centro del país está muy lejos y es ajeno; acá la realidad es un rave histérico que no termina nunca.

NORTEC COLLECTIVE TIJUANA SESSIONS VOL. 1

T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

Para acercarnos a la complejidad tijuanense, desde la estética delirante de uno de los mejores autores de TJ y uno de los menos conocidos.

El detonante de este libro fue el viaje que McEwan hizo con un grupo de científicos y artistas al círculo polar ártico, en 2005, para presenciar de primera mano el cambio climático. Ahí fue donde surgió el personaje de Michael Beard, un tipo que a pesar de haber merecido el Premio Nobel de Física –por modificar ciertas teorías de Einstein– posee una personalidad que deja mucho que desear. Se trata de un hombre egoísta, mentiroso, glotón y bebedor, que manipula el entorno a su conveniencia excepto su vida sentimental –que es un completo desastre–. La novela transcurre entre el manejo amañado de su profesión y posición, y las artimañas para superar el bajón de haber sido engañado por su quinta esposa. Aprovechando las ventajas sociales, se hace de nuevos romances, engaña a la ley y se apropia de información suficiente para desarrollar un proceso artificial de fotosíntesis que revolucionará la generación de energía. Una novela en la que caben la ironía y el escarnio para demostrar que aun entre las supuestas élites exitosas, hay antihéroes que resultan patéticos. También en los círculos científicos se imponen los intereses personales al bien común.

IAN MCEWAN ON CHESIL BEACH

T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

Ofrecemos un número sobre rehabilitación; no es fácil dar con un libro que aborde el tema sin caer en lo típico. La máquina del azar nos coloca delante de una novela que tiene como protagonista a alguien que no logra jamás dejar las adicciones. De hecho, termina con una sobredosis de vodka y pastillas que lo manda in extremis al hospital. James Gunn es un cineasta y escritor que conoce a fondo los vericuetos de la Serie B y los escasos presupuestos, pero que ha cocinado a fuego lento sus habilidades en los bajos fondos del espectáculo. Es por ello que crea un alter ego que se mueve en el Nueva York de 1995, trabajando para un hospital del que roba cantidades inmensas de pastillas que le reditúan lo suficiente para comprar muchísimos juguetes –especialmente robots– que lo remontan a su infancia junto a Bill, su compasa laboral y juerguista. Una novela en onda absolutamente low fi, que con gran sentido de la sorna muestra cómo es que el esquema social de las familias conservadoras norteamericanas se resquebraja. Aquí hay white trash puro y duro, salpicado de un humor despatarrado. James Gunn –el personaje– se va echando a perder desde pequeño; es un adalid de los freaks y termina yéndose progresivamente al barranco sin que el amor pueda chisparlo de sus vicios.

T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

En Circa 94 hay un fragmento en que se habla mal de la propuesta del colectivo más famoso de Tijuas.

FRAN ILICH METRO POP

Este fue el debut del actual ganador del Premio Binacional de Novela Joven Frontera de Palabras / Border of Words 2010.

RAFA SAAVEDRA LEJOS DEL NOISE

Terminó Sábado, siguió con la escritura de Chesil, luego enfrentó Solar, dejada de lado durante algunos años.

MARTIN AMIS LA VIUDA EMBARAZADA

Compañero de generación literaria de McEwan, aquí trae la revolución sexual a revisión.

IAN MCEWAN AMOR PERDURABLE

Logradísima novela –con posterior película– de este autor inglés en la que se aborda el padecimiento del Síndrome de Clerambault.

DOUGLAS COUPLAND EL LADRÓN DE CHICLES

He aquí otra obra que tiene a un derrotado irredimible en su centro.

JAMES GUNN SCOOBY DOO

En busca de garantizar su economía, ha participado como guionista en las dos primera películas acerca de la serie animada.

BECK “Loser”

Esta canción debería de ser el himno de James Gunn –el personaje-.

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R E S E Ñ A S D V D

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ZOÉ MTV UNPLUGGED/MÚSICA DE FONDO 127 HORAS REPARTO: Zoé PAÍS: México GÉNERO: musical AÑO: 2011

Después de batir el récord de la banda con más presentaciones en el Metropólitan, Zoé lanza este Blu-ray con las versiones “desenchufadas” que se han convertido en verdaderos himnos generacionales. Nunca una banda mexicana de rock, se había dado a la tarea de hacer una producción tan ambiciosa como la que esta banda de Cuernavaca ha logrado, y que dotó de un nuevo sentido a la manera de hacer unpluggeds para la famosa cadena de videos.

Con invitados de primer nivel (Chetes, Lo Blondo, Bunbury). Esta edición cuenta con una versión para reproductores de alta definición, además de un making off, dirigido por el baterista Rodrigo Guardiola, el cual incluye las memorias del proceso creativo que implicó este gran concierto.

APOCALYPSE NOW

DIRECTOR: Danny Boyle REPARTO: James Franco, Amber Tamblyn y Kate Mara PAÍS: EUA GÉNERO: drama, suspenso AÑO: 2010

DIRECTOR: Francis Ford Coppola REPARTO: Martin Sheen, Robert Duvall, Dennis Hopper, Marlon Brando PAÍS: EUA GÉNERO: drama bélico AÑO: 2010

Después de dirigir cosas como Trainspotting o La playa, Danny Boyle ganó el Premio de la Academia como Mejor Director por Quisiera Ser Millonario, ahora llega con esta historia basada en hechos reales, acerca de un hombre que lucha por sobrevivir las innumerables adversidades que representa estar perdido en un remoto cañón en Utah. Aron Ralston –interpretado por James Franco– es un apasionado del deporte extremo que queda atrapado cuando se desprende una piedra, lo cual transforma un día de aventura en un reto de sobrevivencia. Para librarla sólo tiene la típica navaja de MacGyver, una cámara de video y 127 horas. No olvidemos que la trama está basada en una historia real, y que Aron Ralston realmente vivió el terror de la incertidumbre hasta que decidió cortarse el antebrazo para no morir.

Solemos creer que rodar sin dificultades películas tan ambiciosas como Apocalypse Now, sólo es una cuestión de presupuesto.

Sin embargo, el mismo Coppola revela ahora lo que su esposa Eleanor ya había explicado en libros, documentales y artículos: el rodaje en Filipinas fue un verdadero infierno. Esta edición, que podría considerarse definitiva, viene con tres discos en Blu-ray, e incluye tanto la edición original como la Redux que Francis sacó hace una década. A parte, los extras son bastante numerosos y altos en dosis de Napalm, sobre todo las ilustres conversaciones entre Coppola y Martin Sheen, quienes hablan sobre todas las dificultades que enfrentaron al filmar las últimas escenas de la peli en el río. Además, el documental Corazones de la oscuridad: el apocalipsis de un cineasta se antoja imperdible, tanto como la platica con John Milius, autor del guión.

RR EE SS EE ÑÑ AA SS LMI ÚN SK ISC A 3 X 1 T X T : : " E L J E R GA S ".

Moxy Creative House

American Athlete Animal Político

Idioma: inglés Link corto: http://www.moxycreative.com

Idioma: inglés Link: http://americanathlete.blogspot.com

Idioma: español Link: http://www.animalpolitico.com

Un puñado de diseñadores que se dedican principalmente a desarrollar carteles con concepto minimalista y vintage. Hay de películas famosas, de cervezas con motivos de personajes de caricaturas, o con la vestimenta que distinguía a músicos célebres. La página aún no está al 100%, pero ya se puede visualizar sin problema todo el trabajo de este estudio de diseño.

Música afro, funky, caribeña y disco. Extraida de vinilos de colección. Un infaltable para los aventureros de estos géneros.

Ventana digital que ofrece un escaparate para periodistas independientes que buscan informar con un estilo fresco. Me encanta esta página.

Su Majestad El Taco

Anatomy of a Mashup

Selectism

Idioma: español Link: http://sumajestadeltaco.blogspot.com

Idioma: inglés Link: http://daftpunk.themaninblue.com

Idioma: inglés Link: http://www.selectism.com

Bitácora a cargo de un experto gastronómico en conocimiento taquero como lo es el Cha! Aquí se satisfacen las demandas de un público que busca lo mejor y sólo lo mejor en el tema.

Como su nombre lo indica, esta es una radiografía interactiva de un mashup, el producto que se da cuando dos o más piezas musicales conviven al mismo tiempo formando una nueva. El autor es Cameron Adams, quien utilizó sólo canciones de Daft Punk.

Revista en línea que persigue la vanguardia en moda emergente. Un rastreador de nuevas tendencias.

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R E S E Ñ A S G A M E R Xbox y PS3 T X T: : C A R LO S G U T I É R R E Z .

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GREEN LANTERN: RISE OF THE MANHUNTERS Distribuidor: Warner Bros. Interactive Género: : acción Consola: PS3, Xbox 360, Wii, Nintendo DS y Nintendo 3DS. Clasificación: T (Adolescentes) Número de jugadores: 1-2 Fecha de salida: junio 2011 La película de Linterna Verde tenía que venir acompañada de un complemento interactivo, y en esta ocasión se trata de Green Lantern: Rise of the Manhunters, que está disponible para todas las consolas.

El videojuego está muy ligado a la película, tanto que el superhéroe del juego es el mismo actor del filme: Ryan Reynolds con todo y voz incluida. Hablando de la historia, ésta inicia cuando los Manhunters –esos robots humanoides– deciden invadir el planeta de los Linternas, y como Hal Jordan será tu tarea defenderlo. En el caso de dos jugadores en cooperativo, el segundo se vestirá de Siniestro.

El juego se compone de dos modalidades distintas. En el modo terrestre, en donde muy al estilo de God of War, la acción se desarrolla en tercera persona y tenemos a nuestra disposición combos y un arsenal potenciado por el misterioso anillo verde. La acción es frenética y bastante fluida. Como se trata de un juego apto para la mayor parte del público, la violencia es mesurada y la inteligencia artificial es algo tonta. La segunda modalidad consiste en volar, a modo de shooter manejaremos a las Linternas Verdes por los aires y el espacio. Sería divertido si los controles respondieran con mayor precisión.

En resumen, este juego es mucho mejor de lo que se podría esperar y los visuales son bastantes sólidos, recreando casi al pie de la letra a lo que vemos en la película. Si eres fanático de este personaje o te quedaste con ganas de más después de ver el film, deberías fijarte en este título.

BATMAN: ARKHAM CITY n/d Distribuidor: Warner Bros. Interactive Género: acción Consola: PS3, Xbox 360 y Wii U Clasificación: M (Mayores de 18 años) Número de jugadores: 1 Fecha de salida: octubre 2011 El mejor juego basado en un personaje de un cómic ha sido Batman: Arkham Asylum; pero ¡qué digo de un cómic! es uno de los mejores títulos disponibles de acción. Punto. Así pues, la secuela que saldrá en octubre de este año promete ser todavía mejor.

Arkham City es ahora el hogar de los delincuentes más peligrosos. Esta fortaleza de alta seguridad se encuentra en el corazón de Ciudad Gótica, y varios de los personajes más emblemáticos aparecerán en esta nueva historia, algunos, como Catwoman, serán jugables. El título promete la misma ambientación oscura y enemigos con una inteligencia artificial sobresaliente. Además, el Caballero de la Noche ahora contará con algunas novedades en su arsenal y movimientos, haciendo esta experiencia aún más interesante.

Todavía faltan algunos meses para tener la versión final de esta nueva aventura de Batman, pero sin duda se antoja para mayores de edad, y más importante aún, para los fanáticos de los juegos de acción inteligentes, del sigilo y gadgets, de los villanos, de Robin y del guardián de Ciudad Gótica: Batman.

EL PILÓN::

ALEJANDRO ARIZMENDI

ROCK Y AUTISMO VISUAL

Edad: 35 a–os Pa’s: M xico Profesi—n: m‡s que artista, autista visual; ilustrador; dise–ador gr‡fico y director de arte en el estudio Howling Monkey.

Algunos trabajos: arte de festivales como el Vive Latino y el Corona Capital.

Artista o banda a la que le gustar’a hacer un cartel:Mike Patton, Fever Ray, The Knife, Yeah Yeah Yeahs o Le Butcherettes.

Contacto: behance.net/modafoka00 facebook.com/alex.arizmendi Mi primer acercamiento con OCESA se dio por un editor para el que trabajaba en una revista, él me recomendó. Me parece que fue previo al VL 2006, ahí participé únicamente como ilustrador para el cartel. OCESA tiene su área interna de diseño y por eso, en un principio, colaboré únicamente con el arte, no con el diseño y mucho menos con las cuestiones técnicas. También participé en el Jazz Fest de México (el único año que se hizo) y ahí se entabló una conexión vigente hasta hoy.

A veces es difícil trabajar en estos proyectos.

Sobre todo porque hay un tercer involucrado: el patrocinador. Esto como artista te mete

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T X T: : C A R LO S JA I M E S

muchas trabas. Tienes que respetar al 100% los lineamientos que la marca te exige. Cada trabajo como estos tarda normalmente de dos a tres meses, lo cual incluye al proceso creativo: desde el brief, pasando por los bocetos, hasta las entregas finales.

En el caso del Vive Latino, es muy importante escuchar qué es lo que necesitan para cada edición. Empieza con una junta en donde me empapo de sus ideas, me llevo eso de tarea y empiezo a explorar las ideas que más me gustan, a partir de ahí, aterrizo una lista de conceptos, desde palabras o estilos gráficos que puedan encajar en la línea que quiero dar; después busco referencias visuales como colores y fotografías.

Una vez que tengo esa sopa juego con todo en mi cabeza y aterrizo ideas sólidas completas. De ahí viene la etapa de bocetaje, por lo general presento tres bocetos para que escojan. Si reduces todo esto a tres meses, nos encontramos con un margen de maniobra demasiado corto.

A esto hay que sumarle la presentación a los patrocinadores. A veces entrego los bocetos y pueden pasar semanas enteras sin que reciba comentarios, hasta que un día antes del lanzamiento llegan los cambios (risas).

El hacer un cartel para el Vive Latino, no necesariamente implica conocer los nombres de las bandas que conformarán esa edición antes que nadie. Normalmente yo les mando el puro arte umbrella con el line up pasado para que ellos simplemente acomoden las nuevas noticias.

Lo más importante es que el diseño cumpla con su trabajo: comunicar. Para mí siempre estará en primer plano el hecho de que trabajo para un cliente y si al cliente le gusta, pues es un buen trabajo. Sin embargo, la reacción de la gente también es increible. Recién fuimos a una plática en la UAM Azcapotzalco, pegaron un cartel del VL para anunciar que estaríamos ahí... el cartel desapareció a los 10 minutos (risas).

Hablando de conciertos y desde el punto de vista gráfico hay cosas muy notorias.

Estamos en una etapa en la que no necesitas que el cartel te dé toda la información, basta que sólo incluya una señal de que algo va a pasar para que la gente se meta a Internet a investigar los detalles. Esta ha sido un poco mi discusión con algunos festivales a realizarse próximamente; podemos apostarle más a una idea gráfica que apoye o represente la imagen del festival más allá de presentar el line up. El chiste es que vayas pasando por la calle y te enteres de que sucederá, la demás información te llegará tarde o temprano, quieras o no.

Por otro lado, reconozco el esfuerzo que hace la gente de festivales como el Vive Latino o el Corona Capital por tratar de regenerar esta cultura y hacer material nuevo. Igual se les tacha de muchas cosas, pero a mí me consta el esfuerzo que hacen. Siempre está el rumor de que el arte del Vive Latino lo hizo el hijo del organizador o el sobrino de no se quién… la realidad es otra evidentemente. M