Revista Marvin 92 :: Ojo por ojo

DIRECTORIO

PRESIDENTE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@revistamarvin.com EDITOR EN JEFE VICENTE JÁUREGUI vicente@revistamarvin.com PUBLISHER TONY ROMAY tony@revistamarvin.com DIRECCIÓN DE ARTE ABRAHAM BELTRÁN bran@revistamarvin.com DISEÑO GRÁFICO ANGELIKA BARBEYTTO angelika@revistamarvin.com EDITOR WEB CARLOS JAIMES carlos@revistamarvin.com CONTENIDO WEB ARTEMISA HERNÁNDEZ artemisa@revistamarvin.com COORDINACIÓN EDITORIAL Y CONTENIDO WEB JIMENA GÓMEZ jimena@revistamarvin.com WEBMASTER ERNESTO MAGAÑA (DEQUEINTERACTIVO) ernesto@revistamarvin.com RP Y PUBLICIDAD DELHY SEGURA delhy@revistamarvin.com COORD. COMERCIAL Y ALIANZAS JEANINNE RODRÍGUEZ jeaninne@revistamarvin.com DISTRIBUCIÓN Y SUSCRIPCIONES EMMANUEL CORTÉS emmanuel@revistamarvin.com COORDINADOR DE MODA ESTEBAN ARZATE kwa@revistamarvin.com MARVIN TV PEDRO VELASCO pedro@lphantfilms.com MARVIN TV PABLO SEGOVIA pablo@lphantfilms.com FOTOGRAFÍA OzCorp, Pierre Bouret, Nicole A. Klinckwort, Mariel Argüello, Malfi.

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Lenin Calderón, Leandro Córdoba, Natalia Cano, Luis Clériga, “Chico Migraña”, Erick Estrada, Arthur Alan Gore, Carlos Gutiérrez, Óscar G. Hernández, Juan Carlos Hidalgo, “El Jergas”, Alejandro Mancilla, Rodrigo Mendoza, Hugo García Michel, Sophie Raymond, Juan Carlos Reyna, Jesús Serrano, Jasiel Villa, Regina Zamorano.

CONSEJO EDITORIAL Manú Charritton, Arturo Flores, Juan Carlos Hidalgo, Leonora Milán, Humberto Polar, Nacho Retally, Juan Carlos Reyna, Rafael Toriz, Carlos Verástegui.

CARTA EDITORIAL

Es curioso cómo en algunas ocasiones, los temas que elegimos para cada edición empatan con acontecimientos históricos relevantes. Nos pasó en 2009, cuando habíamos escogido Black Power con tema para junio, mes que coincidió con la muerte del Michael Jackson, sin duda alguna, un representante fundamental de la música pop negra. El primero de mayo, la noticia de la muerte de Osama bin Laden sacudió al mundo, y en Marvin no dejamos de pensar que fue asesinado bajo la premisa del “ojo por ojo”. La venganza de los gringos fue respaldada por la Ley del Talión, tema que extrañamente veníamos preparando desde hace un par de meses para esta edición de junio. ¿Mera casualidad?

Nunca lo sabremos. Para dejar a un lado las especulaciones hicimos un número con los pleitos más emblemáticos entre músicos, algunos personajes del cine, artistas, e incluso la lucha de un hombre contra el rock; Hugo García Michel, ex director de La Mosca en la pared, quien por cierto debuta en Marvin como columnista junto al “Chico Migraña” y Juan Carlos Reyna. También tenemos la cobertura del festival del Aniversario 10 de Marvin. Muchas gracias a todas la gente que nos apoyó ese día, especialmente a ustedes que cada mes nos ayudan a que Marvin siga creciendo.

Vicente Jáuregui

MVN 92 / JUNIO 2011 / BEASTIE BOYS / OJO POR OJO

RESPONSABLE DE DISTRIBUCIÓN Comercializadora GBN S.A. de C.V. Calzada de Tlalpan 572, desp. C-302 Col. Moderna. C.P. 03510. Benito Juárez, México D.F. Tel: (0155) 5618 8551 Mail: jnuno15@yahoo.com.mx REPRESENTANTES EN EL INTERIOR DE LA REPÚBLICA AGUASCALIENTES LIC.BLANCA A. JIMÉNEZ blancaajr@hotmail.com PUEBLA RICARDO CARTAS FIGUEROA ricardocartas@revistamarvin.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@revistamarvin.com PACHUCA NAYELY OLVERA nayely@revistamarvin.com MONTERREY NICOLÁS CHAPA nicolas@revistamarvin.com GUADALAJARA JUAN CARLOS BASURTO jcgbasurto@revistamarvin.com IMPRENTA COMPAÑÍA IMPRESORA EL UNIVERSAL Allende 176. Col Guerrero. México DF. Tel. 5117 0190

CONTACTO MARVIN

Cozumel #61-4. Col. Roma Norte CP 06700. México DF. Tel. (55)1998 0808 (55)1998 1818 Contacto: redaccion@revistamarvin.com Suscripciones: suscripcion@revistamarvin.com www.marvin.com.mx

Foto de Portada: Cortesía de EMI Music.

MARVIN es una publicación mensual de Milvoces, S.A. de C.V. con domicilio en Calle Cozumel, 61 int. 4, Col. Roma Norte, C.P. 06700, Delegación Cuauhtémoc, México D.F. Tel/Fax:: (55) 1998 0808/1818.

VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD.

Edición 92 correspondiente a: JUNIO 2011. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título No. 12669 Certificado de Licitud de Contenido No. 10241 Certificado de Reserva de Derechos al uso Exclusivo. No. 04-2010-052714562400-102 MARVIN es una Marca Registrada.

CONTENIDO

08 BUENAS NUEVAS Noticias de música, cine y arte.

14 ESTILO Tendencias actuales.

16 GADGETS Lo último en tecnología.

MÚSICA

17 Festival Marvin 10 años 26 MÚSICA NUEVA Cuatro talentos emergentes.

28 Atto & The Majestics. Recargado y Estereoscópico.

29 Los Dorados. Sonido de alcances cinematográficos.

30 Tigres del norte. Rugen a ritmo de rock.

32 Robot Koch. Entrevista con Robot Koch y Grace.

34 David Lynch. Por el lado oculto del sonido.

36 Architecture In Helsinski. Los chicos se siguen divirtiendo.

38 Siete temas y un café. Entrevista con Sam Fogarino de Interpol.

40 Richard y la teoría de la conspiración. Una charla distorsionada con Moby.

42 TV On The Radio. Luz que se escucha.

44 Foals. El reino secreto.

46 D eftones. La crítica del nü metal desde el nü metal.

72 DE CULTO Músicos Vs. Músicos. Algunas célebres batallas musicales.

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CINE

60 Junio de historieta.

64 Aullido. La generación Beat vista desde el cine.

74 DE CULTO Villanos Vs. Villanos. El mal 30 prevalecerá.

66

EN PORTADA

BEASTIE BOYS

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ARTE

Sébstien Feraut aka Niark1. Les petits monstrens.

70 CÓMIC.

DE FONDO

54 Un hombre Vs el rock. Las batallas de Hugo García Michel.

COLUMNAS

56 TERMÓMETRO DE RIESGO. Narcoglosario 1.

Por Juan Carlos Reyna.

57 BAJO PRESUPUESTO. Zoé en la prehistoria.

Por Hugo García Michel.

58 HABLO PORQUE TENGO BOCA. Sospechosismo, nuestro pan de cada día. Por Chico Migraña.

RESEÑAS

MÚSICA 78/ LIBROS 84/ / DVD's 85/ LINKS 86/ GAMER 87

80 EL PILÓN Vicente Ballestar. Anticipando lo retro.

46 38

CONTENIDO WEB

W W W. M A R V I N . C O M . M X REVIVE LOS MEJORES MOMENTOS DE NUESTRO FESTIVAL DE ANIVERSARIO. VISITA LA GALERÍA DE FOTOS DISPONIBLE EN MARVIN.COM.MX/10

VIDEO: ADEMÁS, COBERTURA EN VIDEO DEL FESTIVAL MARVIN 10 AÑOS. LAS MEJORES BANDAS, LOS MOMENTOS MÁS MEMORABLES, TODO A TRAVÉS DE MARVIN TV.

B I C I C L E TA S

AT T O & T H E M A J E S T I C S

ESENCIA MARVIN

Yo k o z u n a H K B O E

nergético, es el mejor adjetivo para referirnos a la presentación de HKBO, quinteto originario de Hermosillo, Sonora, quienes subieron al escenario del Imperial para demostrar el poder de sus rolas, caracterizadas por mezclar hardcore y metal con tintes industriales. Sebastián, vocalista de HKBO, no paraba de moverse por el pequeño espacio del escenario; y le quedaba tan reducido que un par de veces terminó cantando en el piso, mismo sitio en el que terminó el “Conejo” (guitarrista) al finalizar este frenético show.

Sandrushka Petrova (Descartes a Kant) fue invitada a compartir el micrófono con Sebastián, lo que incendió aún más el ambiente del Imperial. Como plus, pudimos escuchar una nueva canción de HKBO, así como un cover a “Poker Face” de Lady Gaga.

Cerca de la media noche, el momento de que los hermanos Tranquilino tomaran el escenario llegó, y sus fans se mantuvieron cerca del escenario para recibirlos. Arturo y Antonio presentaron un set list bastante nutrido, en el cual no faltaron sus ya clásicas “Slam y minifaldas”, “Sexo y marihuana”, “Boom” y por supuesto, como lo prometieron, nos enseñaron de qué va su próximo EP. Para finalizar esta presentación, Yokozuna armó una especie de jam, momento en el que pudimos apreciar por separado las virtudes musicales de este dúo. Un par de afortunados fans tienen hoy las baquetas de Antonio Tranquilino.

T X T: : A R T E M I S A H E R N Á N D E Z .

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F O T: : P I E R R E B O U R E T.

BUENASNUEVAS música DESDE HACE 3 AÑOS, TANTO LIFE BOXSET COMO ME HACE RUIDO SE HAN ENCARGADO DE OFRECER UN MAGNÍFICO CONTENIDO EN LA WEB. POR ESA RAZÓN, NOS COMPLACE FELICITARLOS EN ESTE SU TERCER ANIVERSARIO. ¡MUCHAS FELICIDADES A AMBOS! CUMPLEAÑEROS EN EL PASADO MES DE MAYO.

¿PIERDEN SU TOQUE LOS ROCKEROS LIGHT? SAÚL Y MANÁ PRESENTAN PÉSIMOS SENCILLOS

E

n la combinación entre letra y música radica la magia de una canción. Se trata de una fórmula sencilla, pero que implica mucho trabajo para que marche bien. De sobra se sabe que los versos deben coincidir con la estructura musical e insertarse en los lugares adecuados, pues cuando todo coordina se dice que la canción cuadra.

La presente nota es una invitación para que escuchen los sencillos de Maná y Saúl Hernández, y compruebe cómo es que la letra de cada una se siente forzada con respecto a la música. Apenas si ajustan las palabras, entran con calzador; casi el contenido no se adapta a su continente. Tanto “Molecular” del Caifán mayor, como “Lluvia al corazón” de los tapatíos, están llenas de lugares comunes.

Generalmente se es muy complaciente con las figuras mediáticas de amplio recorrido.

Saúl goza de un pasado glorioso que le merece el beneficio de la duda, mientas que el grupo de Fher y Alex siempre han mostrado una calidad paupérrima. Ambas canciones muestran un pobre manejo del lenguaje, malísimas imágenes y música poco novedosa. ¿Se les habrá acabado el talento? ¿Estaremos ante sus obras postreras? Eso sí, escúchelas bajo su propio riesgo.

T X T: : J U A N C A R L O S H I D A L G O .

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BUENASNUEVAS

CINE

D o cument a l e s D i s tri tal 2 011 Durante el festival Distrital 2011 (mayo 27-junio 5) tuvimos la oportunidad de presenciar una programación de cine documental de calidad, tanto nacional como internacional.

Por parte de México se estrenó el documental Esperando a los Bitles dirigido por Diego Graue y Raymundo Marmolejo. Este trabajo explora el submundo de la Beatlemanía mexicana; desde la hora de los Beatles en Universal Stereo, hasta la peregrinación anual del club de fans a Liverpool.

Esperando a los Bitles propone un punto de origen en la rumorada presentación que el cuarteto de Londres realizaría en nuestro país por ahí del 65, la banda nunca llegó y los fans convirtieron su decepción en una enfermedad: La Beatlemanía.

Otro de los trabajos más esperados de esta edición fue Katka, de la artista checa Helena Trestikova. Un documental fascinante que retrata 14 años de la vida de una joven drogadicta llamada Katka. El largometraje comienza en 1996, cuando las deseos de esta joven de 19 años aún involucraban una familia, un novio, una casa. Con el paso del tiempo vemos como su drogadicción aumenta, sus deseos e intentos de curarse siempre fracasan y su estilo de vida la lleva al robo y la prostitución.

Katka nos muestra la tiranía de las drogas sobre la mente y el cuerpo, la falta de esperanza y el devastador poder emotivo de la realidad sin filtros. T X T: : J I M E N A G Ó M E Z .

Django by Tarantino EL INFIERNO E S TÁ L L E N O D E A R I E L E S

El director de culto –con más éxito comercial del mundo– Quentin Tarantino anunció que ya se encuentra trabajando en un nuevo filme: Django Unchained.

Este nuevo proyecto es la versión de Tarantino de la clásica cinta de 1966 Django de Segio Corbucci, película sesentera que narra la historia de un forajido que, por azares del destino, se encuentra en el centro de una batalla entre el KKK y pandillas mexicanas. Django Unchained marca la incursión formal de este director en el género western, pues a pesar de haber colaborado con Takashi Miike en su propia versión de Django (Sukiyaki Western: Django) su aportación sólo fue como actor.

Para este próximo trabajo Tarantino contará con la participación del actor Fran Nero, que le dio vida al Django de Corbucci, y con el apoyo de The Weinstein Company.

La producción de Django Unchained comenzará el próximo otoño y la cinta se espera para finales del 2012. T X T: : J I M E N A G Ó M E Z .

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l pasado mes de mayo se llevó a cabo la entrega de los premios Ariel 2011.

La Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas o AMACC, para ahorrar aliento, hizo entrega de estas estatuillas. La ceremonia trascurrió sin sorpresas y la lista de ganadores –aunque predecible– fue justa.

Encabezando esta lista se encuentra El Infierno de Luis Estrada, que se llevó a casa los títulos de mejor sonido, mejores efectos especiales, mejor director, mejor diseño de arte, mejor actor principal para Damián Alcazar y mejor co-actuación para Joaquín Cosio, por su interpretación del Cochiloco, sin duda el personaje del año.

Además de esto, El Infierno se llevó el máximo galardón de la noche: Mejor película.

T X T: : J I M E N A G Ó M E Z

BUENAS

NUEVAS

Trasmuted FESTIVAL INTERNACIONAL DE PERFORMANCE

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l pasado Festival Internacional de Performance “Transmuted” (28, 29 y 30 de abril) se caracterizó por la disparidad en la calidad de los trabajos. Con artistas de Holanda, Inglaterra, Estados Unidos, Finlandia y uno sólo de México (algo extraño, pero decisión del curador Martín Rentería), el museo Ex Teresa Arte Actual tuvo una importante recepción de público.

El festival abrió con “El cartel de la incompetencia” del artista mexicano César Martínez, quien proyectó imágenes de figuras políticas para mofarse de la clase política mexicana. El perfomance mostró una buena producción, pero el contenido era ambiguo y con poco sustento en el discurso verbal.

Después siguió “Connection” de Irma Optimista de Finlandia, un performance sencillo y sutil, pero con una enorme carga emotiva en acciones que iban del caos a la calma; Willem Wihelmus (Holanda) un actor de performance minimalista, levantaba sólo polvo y basuras minúsculas mientras barría el suelo sin parar por 20 minutos –quizá una alusión a la conciencia–.

El plato fuerte, a cargo de Rodney Dickson (Inglaterra), “Entretaiment” nos sorprendió con su gran producción. Al entrar a la sala se tenía la sensación de estar en una feria con personajes extraños: al centro, tres músicos vestían de charros para tocar rock; había vendedores ambulantes, taqueros, prostitutas, y hasta un motociclista en una Harley Davison, con su respectiva chica, dando vueltas por el espacio. Todos los personajes interactuaron con el público, creando una atmósfera delirante, estridente y por momentos bizarra, que bien pudo ser una escena de David Lynch. Un ensueño en el que el público fue el actor principal. T X T: : M A K O .

ROCK’ N ROLL de Tom Stoppard La obra semi-musical

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Los oníricos cómics estarán en exposición hasta al 30 de julio en la Galería Vértigo. Colima 23 Loc. A. Col. Roma Norte.

ste mes llega a nuestra capital, la puesta en escena de la obra checoslovaca Rock’ N Roll dirigida por Alonso Ruizpalacios. Esta obra cuenta la historia del rock y del simultáneo diálogo que este género siempre ha tenido con los movimientos sociales.

Abarcando más de veinte años de historia, Rock’ N Roll comienza retratando el contexto social de Praga en el 68 y termina con la caída del muro de Berlín en el 90.

La adaptación mexicana es dinámica y multi-dinámica, pues la música en vivo se integra de manera excepcional a la historia, y la puesta en escena —con actores interactuando con el público— cambia la típica dinámica entre el actor y la audiencia. Además de esto, alrededor del escenario circular se proyectan imágenes, las cuales ayudan a situar al espectador y a envolver cada uno de sus sentidos.

Las canciones de Pink Floyd, The Beatles, Bob Dylan, Rolling Stones y Velvet Underground son sólo algunas de la herramientas usadas por este joven director para conectar al público con la historia.

Rock’ N Roll se estará presentando en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón, en el Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur, 3000) todo el mes de junio.

www.vertigogaleria.com T X T: : J I M E N A G Ó M E Z .

T X T: : J I M E N A G Ó M E Z .

Necesito Dormir Cómics De Rita Ponce de León

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ay sueños que parecen películas o pinturas. Todos hemos tenido ese sueño que al despertar nos dan ganas de escribir, dibujar o de algún modo plasmar en la realidad. Esta idea fue la que llevó a la artista peruana Rita Ponce de León ha crear la serie Necesito Dormir Cómics, que como su nombre lo hace suponer, consiste en la interpretación plástica de los sueños. Con un estilo realista –o lo más realista que se pueda pintar un sueño– Rita pinta los subconscientes de sus sujetos.

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ESTILO::

MR. KONE TOMANDO LIPTON Recientemente tuvimos la oportunidad de platicar con el ilustrador y artista pl‡stico Mr. Kone, durante esta conversaci—n conocimos un poco m‡s acerca de su trabajo, influencias, proyectos y colaboraciones, como la que recientemente realiz— con Te Lipton.

C sar Evangelista Bautista aka Mr. Kone cre— su pseud—nimo pensando en las viejas figuras publicitarias de los 40 y 50: "retomar esto de Mr. Clean, Mr. Mœsculos, me gusta mucho como suena".

Y es que la influencia que este artista retoma de esa poca no s—lo se limita al nombre; su trabajo tambi n refleja un estilo retro: "sobretodo las caricaturas de los a–os 20, Max Fleischer el creador de Betty Boop, y Popeye el marino entre otros. Crec’ viendo caricaturas, especialmente las caricaturas japonesas como Dragon Ball Z".

Todos esos estilos se pueden apreciar en su colaboraci—n con la marca inglesa Lipton: "fue una oportunidad de hacer un tributo a todos estos elementos; videojuegos, caricaturas, arte mexicano... nunca me dijeron que no pod’a hacer algo, me dieron mucha libertad y me pareci— que lo mejor ser’a hacer un homenaje de todos los temas que me interesan: hicimos cuatro latas referentes al amor, a la mœsica, a los videojuegos y pel’culas. Todo este proyecto ha sido para mi una oportunidad de representar cuatro etapas de mi vida, en 4 latas".

Mr. Kone ha logrado hacerse de un nombre como ilustrador, tanto en la escena nacional como la internacional, lo cual quiz‡ se deba a su uso de elementos mexicanos: "la talavera, la chaquira, el arte huichol, los decorados artesanales forman parte de mi discurso, revalorados y reinterpretados, un bordado hecho en vectores".

SWATCH BY HIROYUKI MATSUURA Para Swatch siempre ha sido importante crear nuevos e innovadores dise–os, es por esto que ha buscado la ayuda del artista japon s Hiroyuki Matsuura.

El trabajo que este dise–ador y pintor crea, evoca alegr’a gracias a sus mundos imaginarios y personajes coloridos y atractivos. El trabajo de Swatch m‡s el de este reconocido artista, da como resultado un producto œnico y memorable que decora vibrantemente el lienzo m‡s peque–o del mundo: tu reloj Swatch.

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SKYY VODKA

marvin te regala

Y EL ARTE DE HACER SKYYLING

En semana santa Skyy Vodka nos invit— a Acapulco, donde pudimos asistir a cuatro conciertos y participar en la campa–a Habla bien de Aca. Entre fiesta y playa conocimos m‡s acerca de esta marca de Vodka creada por Maurice Kanabar.

Lo que ya sab’amos fue confirmado con su nueva campa–a: Skyyling. Pero adem‡s, nos enteramos que el nombre viene de la pureza que recuerda el cielo, y que la botella, bueno, esa viene del azul que recuerda su nombre.

Skyy Vodka y Marvin te regalan una botella autografiada por Plastilina Mosh y otra por Sandra Collins. Contesta correctamente las siguientes preguntas y manda tus respuestas a contacto@revistamarvin.com ÀCu‡l es el nombre de la vedette que aparece en un video de Plastilina Mosh?

Menciona el nombre del primer disco de Sandra Collins.

Menciona cinco bandas nacionales que se presentaron en el Festival Marvin 10.

V Motel Boutique EL ROMANCE LEJOS DE CASA V Motel lleg— para reinventar la noci—n de pasar una noche rom‡ntica lejos de casa. Este concepto boutique busca satisfacer todas las necesidades de sus enamorados hu spedes; desde suites con jacuzzi para ocho personas, la cama de cuatro metros, o una villa con alberca, este hotel es ideal para llevar tus noches a otro nivel. El menœ incluye cocteles y comida gourmet, pero las sorpresas llegar‡n con el menœ sex, que ofrece sex toys, condones y s’, disfraces de enfermera.

V Motel ya abri— sus puertas. Para m‡s informaci—n visita www.vmotelboutique.com

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GADGETS:: marvin te regala

WALKMAN SERIE EO5 CAMINA CON SONY

Todos tenemos divertidos recuerdos del Walkman de Sony, y es que para muchos fue el primer reproductor de mœsica port‡til. Pero ahora, gracias al nuevo Walkman Serie Eo5, este gadget ya no est‡ confinado a la nostalgia; la nueva serie de Sony demuestra que el paso del tiempo representa evoluci—n.

El nuevo Walkman cuenta con novedosas funciones, como SenseMe que te permite clasificar la mœsica a partir de tu estado de ‡nimo.

El Walkman Serie Eo5 estar‡ disponible a partir del primero de junio.

Marvin y Sony te regalan uno, lo œnico que tienes que hacer es responder correctamente las siguientes preguntas y mandar tus respuestas a: contacto@revistamarvin.com ÀEn que a–o sali— el primer Sony Walkman? ÀQu capacidad ten’a este primer reproductor? ÀQu capacidad tiene el Nuevo Walkman E05 de Sony?

Menciona las nuevas funciones del Walkman Eo5 de Sony.

Menciona el nombre de los dos artistas que realizaron las portadas de aniversario de Marvin.

SAMSUNG GALAXY TAB 10.1 LA OTRA TABLETA

nzado oficialmente, o al La guerra de tabletas ha come ax, pues como todos sabemos cl’m su a m‡s ca menos se acer mercado, y aunque Samsung del 9% 99.9 el iPad controla el su primera Galaxy con intent— hacerle competencia alla del iPad sali— sin pant e lant bril y sa lujo la Tab, abolladuras. la llegada de la Todo esto podr’a cambiar con

‡s de hacer adem pues , nueva Samsung Galaxy Tab 10.1 la iPad, es tambi n hace que lo todo e ment tica pr‡c oid, esta tableta te tel fono. Gracias al uso de Andr al mismo tiempo que adas llam r hace permite recibir y 10.1 pulgadas ÁAy pap‡! de alla navegas la web en una pant tro pa’s el pr—ximo La Galaxy Tab 10.1 llega nues

o. mes de juli

PAPYRE

SALVA UN ÁRBOL, COMPRA UN PAPYRE Papyre es un lector electr—nico que te permite leer y tener acceso a todas tus lecturas en un s—lo aparato, gracias a su memoria interna es 350 MG. Adem‡s, Papyre hace la lectura m‡s c—moda gracias a su tinta electr—nica que elimina el molesto reflejo. Con una sola carga de bater’a puedes hacer hasta 10,000 cambios de p‡gina, digitales claro, y las cortadas de papel se vuelven cosa del pasado.

Para conocer m‡s acerca de este gadget y descargar libros electr—nicos visita: www.grammata.com.mx

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COBERTURA ESPECIAL DE ANIVERSARIO UNA DECENA DE APUNTES PARA UNA DECENA DE AÑOS T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

UNO puede pensar en todas las adversidades imaginables. El 21 de mayo fue elegido como comienzo del juicio final. Mientras tanto, en una de las ciudades más grandes del mundo, una revista se organizó para conformar una plataforma que permitiera mostrar una buena parte del talento emergente y algunos consagrados en el corredor de las colonias Roma y Condesa. Diez salas y bares abrieron sus puertas para un proyecto implicado en difundir la cultura desde su experiencia lúdica. Una parte del México capital se organiza, y una revista deja en claro que la independencia no es un eslogan ni una etiqueta, sino un principio para hacer que las cosas sucedan.

DOS horas o un poco menos de trayecto me separan de la zona de fiesta.

Mientras tanto Radio Ibero atiende los pormenores del festival, obsequia boletos y ánima un sábado en que el sol cae a plomo. La gente comienza a acercarse a un evento programado para comenzar desde la tarde. Me toca presenciar como en el Hilvana se afinan los detalles para la presentación de Bogo, una banda con gran poder guitarrero y tendencia hacia lo histriónico y siniestro.

TRES son los peruanos de Kanaku y el Tigre que llegaron al país –uno de sus miembros tuvo problemas–, pero ello provocó que sumaran músicos mexicanos a su alivianada oferta de folk. Los nacionales pusieron ukulele, banjo, contrabajo, trombón y trompeta, a un repertorio fino con pinceladas de jazz. Por el Sátiro circulaban miembros de Quiero Club y Natalia Lafourcade para echar una escuchadita a los limeños. La música se convirtió en luz.

CUATRO fueron las gotas de un hiper pertinaz esbozo de lluvia que me cayeron encima. Hubo que correr para guarecerse en el Hilvana. Para entonces Capo había aprovechado las dimensiones del lugar para sonar con todo su poder. Luego Turbina contó con sus incondicionales para explotar ese manejo de la intensidad eléctrica que los caracteriza.

CINCO cervezas y mismos mezcales pedimos en La Clandestina para una pausa breve y sobrecarga de pila. De refilón nos llegaba el sonido de URSS Bajo El Árbol desde el Tokyo Pop, pero hubo que prepararse para entrar al Imperial, porque se decía que ya no quedaban boletos para Holly Fuck y Vicente Gayo. Y sí, se llenó. Los Gayo dieron una presentación incandescente, incorporando furia y experimentación. Algo tienen de !!! Y The Rapture. No suenan a lo típico de por aquí y se les agradece.

SEIS grados son los que se necesita una mover para establecer relaciones importantes. Existe la teoría de los vasos comunicantes que vinculó a los mexicanos con la electrónica crepitante, intensa y muy analógica del cuartero de Toronto. Quizá lo más aclamado de la noche –muchas gente pide su vuelta–. Holy Fuck no distingue entre el rock, la odisea cósmica y lo electrochirriante. Control absoluto, texturas desbordantes y gran carisma. Nos hicieron ver que para ellos existe una Latinoamérica abstracta y futurista.

SIETE cuadras o algo así para llegar a CinEspacio 24 desde el Imperial.

El edificio alberga los resabios del Partido Popular Socialista –algo muy curioso–, en el patio central, un toquín que te remontaba a tiempos idos.

Una banda de punk –con cresta y toda la pinta– arremetía contra el sistema.

De Nalgas –la banda– soltaba una marejada de consignas. El sitio estaba lleno y daría el salto a la cumbia cósmica de El sonido San Francisco.

OCHO minutos llevaban tocando los ingleses de Fujiya & Miyagi cuando llegué a La Capital. Entre el público fue el grupo que más expectativas previas había causado. Extinguió primero los boletos y no decepcionó.

Mostró una acepción actualizada del krautrock. La precisión caracteriza a la base motórica de este estilo, a lo que agregaron algunos sonidos espaciales. Al final de la noche, los británicos se tomaban en la calle fotos con la gente sin necesidad de un dispositivo de seguridad; a fin de cuentas son simples seres humanos. Esta sencillez y falta de petulancia hizo crecer al festival.

NUEVE copas de mezcal se empinó uno de los Holly Fuck antes de subirse a mezclar en el after party que cerraría la noche. También andaban allí los argentinos de Biclicletas y los peruanos de Kanaku. Ya entrados en madrugada, dos de los Hello Seahorse! demostraron su faceta de DJ’s de ¡hip-hop! Había frenesí desbordado sobre una pista de baile que parecería no iba a terminar nunca.

DIEZ años de búsqueda por parte de Marvin para hallar –una y otra vez– eso que le falta a tu vida. Música, cine y otras formas del arte y las ideas son el móvil para un proyecto integral de cultura contemporánea. Se abre un panorama repleto de posibilidades para quien se atreve a hacer las cosas a su manera y tratando de retomar el pulso de la gente. No se acabó el mundo, los indignados siguen en las plazas, pero en nuestro interior el corazón, aún late con los onidos que Marvin nos regaló aquella noche de ensueño y utopía realizada. M

G R A C I A S A N U E S T R O S PAT R O C I N A D O R E S

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H O LY F U C K / F O T : : P I E R R E B O U R E T

V I C E N T E G AY O / F O T : : P I E R R E B O U R E T

DESCARTES A KANT / FOT::PIERRE BOURET

LASSERET TE FOT::ÓSCAR HERNÁNDEZ

A P O L O / F O T : : L O R E N A PA R R A / CINTHIA BAÑOS

SUAVE AS HELL FOT::REVISTA PITCH/ CYNTHIA RUBIO

HKBO FOT::SYNTHIA FRANCO

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B A M B A M / F O T : : R E V I S TA P I T C H / CYNTHIA RUBIO

QUIERO CLUB / FOT::SAKRE

PA S T I L L A FOT::PIERRE BOURET

E S A M I PA U !

FOT::ÓSCAR HERNÁNDEZ

L A B A N D E R V I L L E / F O T : : LO R E N A PA R R A / C I N T H I A B A Ñ O S

AT T O & T H E M A J E S T I C S / FOT::NICOLE A. KLINCKWORT

PA U L M A R M O TA / F O T : : M E L I S S A B A L L I N A

IMS (CAMILO LARA) FOT::MELISSA BALLINA

3 DUDES AND A MULLET / FOT::SAKRE

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DJ AZTEK 732 FOT::MELISSA BALLINA

B E AT B U F F E T / F O T : : S A K R E

S I M P L I F I R E S / F OT: : M A R I E L A R G Ü E L LO

SONIDO SAN FRANCISCO / FOT::REVISTA PITCH/ CYNTHIA RUBIO

SURFER BLOOD / FOT::NICOLE A. KLINCKWORT

D E N A L G A S / F O T : : R E V I S TA P I T C H / CYNTHIA RUBIO

DA P U N T O B E AT FOT::ÓSCAR HERNÁNDEZ

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FURLAND / FOT::SAKRE

C A N D Y / F O T : : L O R E N A PA R R A / CINTHIA BAÑOS

CAPO / FOT::SYNTHIA FRANCO

D J E R E C T U S ( S I LV E R I O ) FOT::ÓSCAR HERNÁNDEZ

Y E L L O W Y E S T E R D AY: : C A R L O S B A E Z A

GULA / FOT::SYNTHIA FRANCO

R E Y P I L A / F O T : : R E V I S TA P I T C H / CYNTHIA RUBIO

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LOS ESQUIZITOS/ FOT::NICOLE A. KLINCKWORT

JIANSU & THE BAND FROM MARS F O T : : L O R E N A PA R R A / C I N T H I A B A Ñ O S

SPIKE DEVIL DISCO FOT::MELISSA BALLINA

TURBINA / FOT::SYHTHIA FRANCO

N E O N WA L R U S / F O T : : M A R I E L A R G Ü E L L O

LOS MÚSICOS DE JOSÉ F OT: : M A R I E L A R G Ü E L LO

F U J I YA & M I YA G I / F O T : : M A R I E L A R G Ü E L L O

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JUAN CIREROL / FOT::SAKRE

M A R T Í N E Z / F OT: : M A R I E L A R G Ü E L LO

M OV U S / F OT: : C A R LO S B A E Z A

D J J AV I E R E S T R A D A FOT::MELISSA BALLINA

BOGO / FOT::SYHTHIA FRANCO

LORELLE MEETS THE OBSOLETE F O T : : L O R E N A PA R R A / CINTHIA BAÑOS

B I C I C L E TA S / F O T : : N I C O L E A . K L I N C K W O R T

KANAKU Y EL TIGRE / FOT::SAKRE

DELLARGE FOT::ÓSCAR HERNÁNDEZ

BUFI FOT::ÓSCAR HERNÁNDEZ

U R S S B A J O E L Á R B O L / F O T : : LO R E N A PA R R A / CINTHIA BAÑOS

Agradecemos a la Dirección Territorial Roma-Condesa, al Gobierno de la Ciudad de México y a la Secretaría de Cultura DF por el apoyo brindado durante la realización de este festival.

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MÚSICANUEVA:: FOT::SAKRE

www.myspace.com/jhuancirerol

JUAN CIREROL Ciudad: Mexicalli Discografía: Ofrenda al Mictlán La música de Juan Cirerol podría describirse como folklore, también podríamos decir que se trata de música norteña o, incluso a momentos , country.

Pero al final todos estos adjetivos salen sobrando; el sonido de Cirerol es uno honesto y preciso, sus letras son una oda a su ciudad y sus canciones –como fotografías instantáneas- capturan un momento en la realidad. Sin pretensiones o disculpas, Cirerol hace la música que conoce, con la que se crió y a la que a muchos de nosotros nos hace falta reconsiderar.

F OT: : M A R I E L A R G Ü E L LO

www.myspace.com/rockjuvenil

MARTÍNEZ Nombre: Martínez Ciudad: Torreón Discografía: Martínez EP, Compilado Rock Juvenil

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Paco “Parradas” Martínez es una de esas personas que no pueden dejar de hacer música; y es que además de formar parte del colectivo Le Touch, es guitarrista de Neon Walrus y fundador del sello Rock Juvenil.

Martínez es su proyecto de solista, en el cual explora con nuevos sonidos y profundiza ideas. Sin duda esta propuesta es una promesa de evolución e introspección.

F O T : : L O R E N A PA R R A / C I N T H I A B A Ñ O S

www.myspace.com/urssbajoelarbol

URSS BAJO EL ÁRBOL Ciudad: D.F.

Discografía: Lín3as M3ntales EP

Con integrantes que no rebasan los 23 años de edad, esta banda se caracteriza por mezclar elementos de rock experimental con tintes de psicodelia, lo cual deriva en un sonido aventurado y poco convencional.

Dentro de sus influencias se percibe un gusto por lo ácido, pero con chispazos de los mejores momentos de Caifanes. Llaman la atención sus guitarras atmosféricas, que pasan por Syd Barret y aterrizan en The Mars Volta.

F O T : : L O R E N A PA R R A / C I N T H I A B A Ñ O S

obsoletelorelle.tumblr.com

Ciudad: Guadalajara Discografía: On Welfare Lorelle Meets the Obsolete es la respuesta a la escena internacional en el radar shoegaze–dream pop. Conformado por Lorena Quintanilla (Lorelle) y Alberto González (The Obsolete), su nostálgico sonido ha cautivado oídos más allá del territorio nacional.

Bajo la disquera estadounidense Captcha Records, en 2010 lanzaron On Welfare, un álbum que reúne nueve tracks hipnóticos y complejos que, poco a poco, van construyendo el laberinto sonoro de Lorelle y lo obsoleto. Además del formato digital, el disco también fue editado en vinil y cassette.

LORELLE MEETS THE OBSOLETE

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MÚSICA:: Durante el primer cuarto del 2011 pasado nacio el nuevo v‡stago de Atto y los Majestics, mœsicos incansables que son capitaneados por un inquieto artista. Con Bifocal, Atto y sus Majestics encontraron ese sendero del rock que tanto hab’an buscado.Si bien Cadereyta Sessions o Nocturno Tremendus cumplieron satisfactoriamente muchas expectativas, no terminaban por cuajar en el gusto generalizado. Ahora, bajo la producci—n del afamado Sacha Triujeque lanzan un disco doble con un sonido perfectamente afianzado, una especie de tributo al rock cl‡sico que se adapta muy bien a estas pocas de velocidades que rebasan los 200 km/h.

S C I T S E J A M E H T O&

ATT

ÓPICO

EOSC R E T S E DO Y RECARGA

EN

el room de El Imperial, sostuvimos una plática con el líder y fundador de los Majestics. Fue de este nuevo material, el rock de las últimas décadas y la muerte los héroes, de lo que conversamos.

LOS MAJESTICS Atto: De una de las cosas que más me siento orgulloso es que la alineación ha permanecido intacta, seguimos siendo las mismas cinco personas que empezaron hace siete años. Esto habla de que estamos aquí porque verdaderamente amamos la música, porque realmente es lo que queremos hacer con nuestras vidas. Definitivamente habla también de que somos amigos dentro de

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la banda, nos conocemos bien y queremos compartir el mismo humor que nos hace compaginar como músicos. Todos tenemos otros proyectos: yo estoy con los Flash Tacos, con Los Concorde, en El Imperial; Ismael está con Los Daniels; Ianina con Selle y con su bebé; León con la foto. La mayor parte del trabajo la hago yo, pero nos hemos podido acoplar como grupo y darnos cuenta de que esto puede crecer.

BIFOCAL A: Es un disco doble y el título tiene esa ligera intención. Durante prácticamente todo el 2010 estuve escribiendo material, terminé con cerca de 60 canciones para este proyecto

y nos dimos cuenta de que la actitud que debíamos tomar era más prendida, rockera y con power. Pero también me encontré con canciones acústicas, con una onda más cinemática e íntima. Al elegir estas dos clases de temas nos dimos cuenta de que obtendríamos un buen resultado haciendo las dos caras de una misma moneda. Esto de los álbumes dobles tiene la idea de rendir tributo a esta catedral, el rock.

INDEPENDENCIA A: Nunca he querido que mi proyecto se relacione con una gran disquera porque ahí es cuando te vuelves más cómodo. Me he dado cuenta de eso con las personas que trabajo: si el video es malo, es culpa de la compañía; si no se vendió el disco, es culpa de la compañía… las disqueras ya son un chiste, prefieren invertir en tres o cuatro grupos con los que la tienen vendida y se olvidan del resto del mundo. Yo gozo mucho más el tratar de difundir mi música con mi esfuerzo. Claro que es mucho más cómodo sentarte en la casa y esperar a que te lleguen las regalías, pero también es mucho más controlador: ellos eligen qué sencillo debes rotar, qué rolas debes tocar en vivo y a qué lugares debes ir. Al final yo disfruto más hacer mis cosas y si lo independiente no me hará millonario, pues me da igual porque hago simplemente lo que quiero.

HÉROES DEL ROCK A: Se han vuelto muy cómodas las cosas.

De pronto me dan risa aquellas bandas que están más preocupadas por mandar friend requests que escribir canciones. Ya es más cómodo hacer rock y no debe ser así, tienes que estar sudando. Además, la tecnología nos ha vuelto más tarados; si tienes Pro Tools en casa, no tienes un deadline para hacer nada.

Ahora te tomas dos semanas para crear un par de compases, cuando a The Who le costaba 16 mil libras un día en el que todas las tomas debían quedar perfectas. Hay cosas muy buenas, pero el mercado también está saturado. Los grandes héroes nacieron en épocas donde se creaba un disco por año.

Ahora ya no tienes que ser un gran músico porque la computadora te ayuda a corregir esas imperfecciones, lo que ocasiona que esto se sature de basura, aunque también hay cosas muy rescatables.

¿Por qué quizá Kurt Cobain fue el último héroe y eso ya sucedió hace más de 17 años? No lo sé, quizá el rock se ha vuelto cómodo y con ello murieron los grandes guerreros. M

Los Do

rados

Good/pEresentan v 3 de jun io, 8 pm il Te

LOS

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DORADOS

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SONIDO DE ALCANCES CINEMATOGRÁFICOS TXT:: VICENTE JÁUREGUI.

Conoc’ a Los Dorados hace como seis a–os, cuando debutaron en los escenarios con Vientos del Norte, un magn’fico ‡lbum que los ubic— en el radar nacional como una banda desafiante y promisoria. Desde entonces han grabado un par de discos m‡s (Turbulencia, 2006 e Incendio, 2008), los cuales demuestran una amplia capacidad para reinventarse, y que no tienen problemas en pasar del jazz al rock experimental, o de explorar con los sonidos electr—nicos m‡s bizarros.

ESTE

año Los Dorados nos entregan Good/ Evil, un álbum que explora terrenos menos delirantes que en sus discos anteriores, y que incluso invita a la introspección. De entrada, llama la atención que los coqueteos con el jazz son mínimos ahora. “En realidad, ya ninguno de nosotros pone discos de jazz ni para cocinar pasta. Creo que nos embotamos con su sonido, y con ello no quiero decir que el jazz no nos guste, estuvimos dentro del género y fuimos encontrando varias mentiras hasta que dijimos: ‘yo paso’. Nosotros nos hicimos a un lado y nuestra filosofía tiene que ver más con una banda de rock. Nos encanta ir a tocar a festivales de jazz, pero con la tranquilidad de que seremos los tipos más raros del cartel” comenta Daniel (sax).

Sin duda alguna, Good/Evil marca un parteaguas en la carrera de Los Dorados, tomemos como ejemplo la incursión en el western en “Solariego”, una composición que Demian (guitarra) describe como “un tema muy cinematográfico. Lo compuse pensando en Yo Robot de Isaac Asimov, particularmente en una escena en que se están quedando sin oxígeno.

Se trata de una narrativa contemplativa que busqué trasladar a sonidos”.

Sobre el título del disco, Carlos (bajo) comentó: “fue surgiendo mientras

grabábamos el disco, la canción abridora se llama ‘Mal’ y la que cierra ‘Bien’, pero la idea de ponerle un título en inglés responde a una necesidad de internacionalizarnos. Esta vez llegamos al estudio casi en cero, quisimos hacer el disco más espontáneo y con menos improvisación”.

Aunque en la música instrumental los nombres de las rolas obedecen a cuestiones muy azarosas y subjetivas, llama la atención el título “Indie Gente”. “Es como una burla, una loquera con tres baterías que Rodrigo grabó sin siquiera escuchar las otras baterías.

Al principio la rola se llamaba ropavejero o indigente, pero después le metimos jiribilla y terminó llamándose “Indie Gente”.

Como ya es costumbre en sus discos, nuevamente invitaron a varios músicos, en este caso fueron los Neon Warlus y Chema Arreola, quien encarnó al Roba Palabras: “además de ser baterista y escritor, Chema tiene este personaje, que es un señor con tenis que improvisa en la onda spoken word. Lo encerramos en un clóset con

una línea de micro y de ahí salieron las líneas de ‘Here Comes the Sun’, una canción que al principio íbamos a llamar ‘Frankenstein’ porque fue hecha de pedazos e ideas de cada uno” nos cuenta Carlos.

Otro elemento que destaca en el disco es la experimentación electrónica y la poca improvisación que hay en los temas.

Sobre esto, Rodrigo (baterista) nos dijo: “la música electrónica es parte esencial de la música actual, su historia se remonta a 100 años atrás y es casi igual de vieja que el jazz.

Nos encanta la libertad que permiten los procesos electrónicos. Por otra parte, para este disco toqué las baterías más lineales, muy en la onda de Radiohead y Portishead, con muy poca improvisación”.

Será interesante asistir a la presentación de Good/Evil en el Teatro de la Ciudad, ya que ese día repasarán su discografía entera, con varios invitados de lujo y proyecciones en tiempo real a cargo de Jorge Orozco. Por lo pronto, Good/Evil se ha convertido en mi disco favorito de Los Dorados. M

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MÚSICA::

S E R IG E

T 30

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S O L L E D

T R O N

N E G RU

O M T I AR TXT

L :: AS

K C O DE R R E GA

CTU :: PI FOT .

A Í C

RO RE G

U P.

La œltima estrofa de la canci—n "Somos m‡s americanos" parece definir con exactitud el sentimiento y la lucha social que Zack de la Rocha y Los Tigres del Norte persiguen: "Aunque le duela al vecino, somos m‡s americanos, somos m‡s americanos que todititos los gringos". Aparentemente, el l’der de Rage Against The Machine y la popular agrupaci—n de mœsica tradicional mexicana tienen poca relaci—n, pero hay un punto en el que ambos convergen desde hace varios a–os: la labor que a favor de los migrantes encabezan desde diferentes trincheras.

TU DE CO VE OPORTU N DE UN OCER A ZA NIDAD CK A QUE H MIGO. ÉL ES POR MEDIO A MIGRA LUCHADO P UNA PERSO NA NT O QUE L ES Y POR L R TODOS LO E SUCE AS INJ S U D EN ES E A NUESTR STICIAS TADOS A UNIDO GENTE S. -J orge Hernán de

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LA

relación entre Jorge Hernández –vocalista de Los Tigres del Norte– y Zack de la Rocha surgió formalmente en 2010, a partir de una iniciativa que el cantante de RATM lanzó a través de su organización The Sound Strike, en la que diferentes figuras de la música –incluidos los “Jefes de Jefes”– se comprometen a no presentarse en vivo en el estado de Arizona, como señal de protesta contra la Ley migratoria SB1070.

“Tuve oportunidad de conocer a Zack por medio de un amigo. Él es una persona que ha luchado por todos los migrantes y por las injusticias que le suceden a nuestra gente en Estados Unidos, Los Tigres del Norte estamos en la misma lucha.

Un amigo en común nos juntó precisamente con el antecedente de que trabajamos en la misma área, cada quien con su estilo y su público, pero para el mismo fin”, cuenta Hernández, en entrevista para Marvin.

Meses después, la lucha activista del grupo mexicano y De la Rocha se trasladó al programa Los Tigres del Norte and Friends: MTV Unplugged, en el que Zack y don Jorge cantan a dúo “Somos más americanos”.

Aunque “Los Jefes de Jefes” se hicieron acompañar por otros músicos e intérpretes como Andrés Calamaro, Calle 13 y Juanes,

el tema con De la Rocha resulta quizá el más simbólico, sobre todo porque Zack reavivó sus raíces mexicanas para realizar una sentida versión de la rola.

Cuenta Hernández que una de las cosas más emotivas durante su colaboración con el rockero y activista político, fue el empeño que éste puso, no sólo para cantar en español e inglés, sino también para aprender a tocar el bajo sexto. “Me acuerdo que en el primer ensayo le gustó el bajo sexto y quiso grabar con ese instrumento.

Se lo llevó a su casa y dijo que al otro día llegaría más preparado, le dimos algunas instrucciones, ¿se imaginan el gusto que nos dio el interés que puso para aprender a tocarlo? Honestamente, no hay muchas personas que hagan eso”, explica.

El líder de los llamados “Ídolos del pueblo” recuerda que aquella noche, después de grabar el programa televisivo, platicó con Zack y acordaron que pronto tenían que trabajar de nuevo. “Se ha platicado de hacer un recorrido juntos, tengo la intención de invitarlo. Sucede que últimamente Zack no ha estado en Estados Unidos, andaba en Asia, pero creo que vamos a reunirnos próximamente para platicar sobre un proyecto que ya nos han ofrecido:

llevar el show del MTV Unplugged a México y América Latina con Zack en algunas fechas, y otros artistas en otras, así que ya veremos”, comenta.

LOS ÍDOLOS DEL PUEBLO… Y DE LOS ROCKEROS Pero este no es el primer contacto que Los Tigres del Norte tienen con el rock. Además del tributo discográfico El más grande homenaje a Los Tigres del Norte, que en 2001 le rindieron bandas y solistas como Café Tacvba, Julieta Venegas, Molotov, El Gran Silencio y Botellita de Jerez, la legendaria agrupación originaria de Rosa Morada (Sinaloa) tiene una conexión cercana con Korn; incluso Jonathan Davis se declaró fiel admirador de “Los Jefes de Jefes”, durante una conferencia realizada en la primera visita que la banda hizo a México, en 2003. La relación entre Korn y Los Tigres viene de antaño: El padre de Brian Head Welch (ex guitarrista de la banda de nü metal) es hijo de un empresario de grupos mexicanos en California.

“Jonathan (Davis) me ha dicho varias veces que tiene ganas de trabajar con nosotros, y el sentimiento es mutuo.

Me acuerdo que en 2007, John buscaba ir a un show a Toluca para ver al grupo en acción, pero desafortunadamente el plan se vino abajo. No podemos decir que no se dio, afortunadamente somos conocidos, porque en Bakersfield (ciudad natal de Korn), los conocimos cuando estaban chavos y nos iban a ver, así que tenemos recuerdos muy bonitos de ellos como personajes y como artistas, ojalá que Dios nos ponga en el camino”, dice. Hernández. M

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MÚSICA::

O K T O B O

E C A R G CH Y

R N O C TA S I V E R T

EN 32

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ROBOT

Koch es integrante y productor del trío multicultural de dancehall electónico Jahcoozi. Carta fuerte en los terrenos del dubstep y el glitch; en tiempos recientes se ha dedicado a su carrera solista y a las colaboraciones. El hombre es imparable, si sumamos sus discos, EPs, splits y remixes hablaríamos de varias decenas de lanzamientos. Entre sus proyectos recientes está la colaboración con la mexicana Graciela María o Grace; quienes tras una gira estadounidense se presentaron en la Ciudad de México. Tuvimos la oportunidad de sentarnos a platicar con ambos.

Hay una gran cantidad de música electrónica alemana. Desde Kraftwerk hasta Einstürzende Neubauten. Es como si el techno fuera el pan de cada día.

Robot Koch: En Berlín, definitivamente. Es una ciudad muy diversa musical y culturalmente hablando. El techno es una gran influencia para toda la escena musical de Berlín. Pero estos días es algo mucho más diverso que eso: hay fiestas de dubstep en Berghain, uno de los clubs más grandes de techno.

Al haber tantas cosas pasando en la escena de Berlín, parece complicado brillar. ¿Crees que sea un camino más fácil o más difícil para un artista emergente?

RK: Es una cuestión interesante. Yo creo que se está volviendo más difícil, porque solía ser muy sencillo conectarse con las escenas, pero ahora hay tanta gente extranjera llegando a Berlín, como gente de Estados Unidos, por ejemplo. Todos con ambiciones e ideas musicales. Definitivamente se está volviendo más difícil sobresalir para un artista. Considero que Berlín y Londres son los dos principales mercados musicales en Europa. En América es otra historia, el lugar más importante es Nueva York y tal vez un poco en San Francisco. Pero definitivamente es algo duro. La gente intenta traer nuevas ideas, pero es difícil ser escuchado como un artista nuevo, es algo que requiere de mucha paciencia. Yo he estado haciendo esto durante más de diez años, muchas veces he sentido que algunas cosas no avanzan. Y después algo pasa y te alegras. Siempre son altibajos, realmente nunca para, sólo cambias de nivel, pero puedes disfrutar el momento sin importar en qué punto estés.

Antes nos hablabas de fusiones y géneros mezclados dentro de la música electrónica.

Eso podría ser lo que caracteriza a tu grupo Jahcoozi. Probablemente tuvo influencias muy externas.

RK: Así es. Como Sasha [Perera], la cantante, es londinense; y Oren, el bajista, es de Telaviv, Israel. Yo soy de Berlín... todo resulta en un rango variado de influencias. La gente siempre nos dice que nuestro sonido no es nada alemán, lo cual debería tomar como un cumplido. No es que considere que lo alemán sea algo malo, pero durante mucho tiempo el sonido alemán estaba justificado como el techno de Berlín, y a mí me gusta salirme de esos parámetros. Obviamente es parte de la influencia, pero no me gusta repetir la misma fórmula. Prefiero tomar sonidos de otros lados e implantarlos dentro de otro concepto y de esta manera empujar los límites de la música. ¿Tienes algo así como una lista de artistas favoritos de Alemania?

RK: Es complicado. Hay cosas muy buenas por allá, como Modeselektor, que son bastante exitosos. Me gusta mucho Chris de Luca y Phon.o, que son amigos. RQM, que es un MC de Nueva York que se mudó a Berlín.

No podría nombrar uno nada más, porque hay variedad dentro de lo interesante.

Pero has compartido escenario con muchos de ellos. Al igual que los internacionales, como Aphex Twin y Jamie Lidell.

RK: Así es. Amo a Jamie Lidell, de hecho estoy tocando con su cantante de apoyo, que se llama Guillermo Brown y tiene una voz increíble. Está hablando con algunos sellos para sacar su álbum y estoy produciendo parte de eso. Recientemente toqué con Mr. Dibiase en Estados Unidos, que es un nuevo productor y beatmaker. Pero me gustan muchas cosas, como The xx, por ejemplo.

Volteamos a ver a Grace, presente y le preguntamos. ¿Y cómo se conocieron?

Grace: En Nueva York, en 2009. Yo estaba ahí de vacaciones y él iba a tocar. Mis amigos de Signal Deluxe –Jerga y Valeria– me mandaron un correo diciéndome que iba a tocar ahí. Le escribí y lo fui a ver. Era tan distinto lo que escuché que me encantó. ¿Te flechó?

G: ¡Ahh..! (Risas). No. Yo lo fleché a él.

Y para los no conocedores, ¿podrían explicar qué es el Project MoonCircle?

RK: Es el sello. La gente se confunde, pero

es el nombre del sello donde yo saco mi música y donde Graciela María ha lanzado su nuevo álbum. Es un pequeño sello que está creciendo en conjunto con los artistas, que es la razón por la cual me gusta trabajar con un sello pequeño y no con una disquera grande.

Cuéntanos Grace, tienes un nuevo disco que cuenta con la producción de Robot Koch.

G: Es mi primer disco solista. Antes había hecho algunas cosas con Signal Deluxe, también eran composiciones mías, pero no era realmente mi onda. Ahora con Robot también saqué varios lanzamientos, como “Listen to Them Fade” y “Brujería”. Pero este disco es más composición, letra y más de escuchar. La producción la hizo Robot y un amigo que se llama Sneaky. ¿Qué planes tienen para estas nuevas producciones?

RK: La verdad es que ya empezamos a trabajar en un nuevo álbum. Many Places acaba de salir, pero son canciones del año pasado. Toma un tiempo desde que comienzas algo hasta que sale. Así que ya empezamos a trabajar en cosas nuevas para el año siguiente.

(En ese momento, tuvimos una breve interrupción. Se apareció una escucha que llegó temprano al show con el nuevo disco de Graciela María, Many Places, en vinil. Fue muy inesperado porque ni siquiera Robot y Grace habían visto ya maquilada esa versión que apenas empieza a circular; una sorpresa más que agradable. ¿De detalles como estos se constituye la música de culto?)

Para concluir, cuéntanos. ¿Cuál es el lugar más feo donde has tocado?

RK: Ah, tengo una buena respuesta. Una vez toqué en Italia en un lugar muy bello, ¡pero era un restaurante! Se veía bien, pero yo tenía que tocar mientras la gente tomaba su cena.

Era bien incómodo, sentía que los estaba molestando y que ellos no apreciaban lo que yo estaba haciendo. Nadie estaba realmente contento... ¿Cuál es el lugar más increíble dónde has tocado?

RK: Es difícil contestar, porque he estado en muchos lugares grandiosos. Recientemente, en Estados Unidos, hubo varios grandes escenarios. Por ejemplo, en el norte de California, sitios como Arcata, que nunca había visitado. Son lugares pequeños pero con una muy buena escena, muchas buenas vibras y la gente enloquece.

Por último... ¿A qué le rinden culto?

G: Al dolor. M

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MÚSICA::

DAVID LYNCH

P O R E L L A D O O C U LT O D E L S O N I D O

TXT:: RODRIGO MENDOZA.

ntes se participa o Casi 450 n en el concurs ro inscribie crear los videos s del para s oficiale musicale ood Day Today" "G sencillo David Lynch. de

AUNQUE SUS PELÍCULAS Y SU MÚSICA PERTURBAN FÁCILMENTE, PARA LYNCH ES LA MEDITACIÓN TRASCENDENTAL LO QUE PODRÍA TRAER LA PAZ A ESTE MUNDO. 34

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En la quietud coloquial de ser criado con un par de hermanos y unos padres sin vicios que jam‡s discut’an, David Keith Lynch imaginaba que dentro de ese sosiego siempre exist’a "algo" maligno flotando en el aire. Aunado a su temprana estimulaci—n en la pintura por parte de su madre, y a las letras por su abuelo materno, el efebo Lynch tuvo las bases para dedicarse al mundo del arte. Como artista multidisciplinario inici— en la pintura, para posteriormente dar movimiento a esas im‡genes en el s ptimo arte. Cortometrajes, comerciales, dibujos animados, series de televisi—n, performance, composiciones sonoras y experimentos por Internet; complementan el imaginario del realizador.

COMO

sabemos, el cine fue la catapulta hacia la internacionalización de Lynch; con filmes como Eraserhead (1977), Blue Velvet (1986), Wild at Heart (1990), y más recientemente Mullholland Drive (2001) e Inland Empire (2006), ganó el título de cineasta de culto; sin embargo, este título no lo alcanza a definir como artista, y es que una de las ramificaciones de su quehacer creativo es la música. En Blue Velvet comenzó la relación con el músico y en adelante compositor de cabecera Angelo Badalamenti. Así, desde la balada pop de Bobby Vinton que da nombre a esta cinta, inicia el trato a nivel profesional entre cine y música.

En su génesis sonora, el estimado David mantuvo correspondencia indirecta en sus bandas sonoras con músicos como David Bowie y Lou Reed, la banda de metal Powermad y Rammstein, NIN y The Smashing Pumpkins; los setenteros progresivos Them y la cantante de pop sesentera Linda Scott, Roy Orbison y Rebekah del Río; pero es con Chris Isaak y Julee Cruise, Trent Reznor y Marilyn Manson, además de Moby, con quienes el oriundo de Montana estableció una relación simbiótica directa.

De tal manera, Mr. David Keith ya no sólo se conforma con las composiciones líricas y la dirección de videos (con el promo de thriller de Michael Jackson), ahora –en colaboración con Badalamenti y el productor Jhon Keff– participa en los arreglos de sus composiciones. Así nace su álbum debut Blue Bob, lanzado en la página de Internet de Lynch (www.davidlynch.com) en el año 2000; dejando el tema “In Heaven” dentro del repertorio de covers del cuarteto bostoniano donde Kim Deal hace los honores. Blue Bob contiene once tracks, ocho de ellos con Keff en las vocales y tres más son instrumentales. “Go Get Some” es una pieza de siete minutos que transita por la influencia en las guitarras agudas al estilo de bandas como Led Zeppelin y Pink Floyd, específicamente en largos solos que viajan de lo suave a los agresivo. En “Pretty

50’s” predominan los momentos de surf en las guitarras, mientras “Mountains Falling” se vale de tintes shoegaze, batería eléctrica y sintetizadores que visten a las voces con efectos reverb, las cuales crean atmósferas góticas durante casi nueve minutos. Esa trinidad de melodías se dieron a conocer en Mullholland Drive.

Con el colectivo Dark Night Of The Soul, liderado por el productor y mezclador Danger Mouse y Sparklehorse (antes del deceso de Mark Linkous), David –quien en un principio fue invitado a realizar el arte del disco– prestó su voz en el track “Star Eyes”, una rola introspectiva y atmosférica onda Sigur Rós con toques de Mercury Rev.

Cobijado por su trabajo anterior fueron lanzados “I Know” y “God Day Today”, un par de sencillos de primer nivel. La entrega incluye tres remezclas distintas, cortesía de Boys Noize, Underworld y diskJokke (se imaginarán el resultado). “I Know” es una pieza tranquila, poderosa e hipnotizante, que presume la participación de Ratcliff y Jon Hopkins, así como de Sasha Remix (quien participó en el segundo disco de U.N.K.L.E.).

Por otra parte, “God Day Today” coquetea con el electropop y el sufrimiento existencial es manifestado con sonoridades lisérgicas.

En tiempos donde el eclecticismo en el arte es fundamental para los creadores modernos, el autor de Twin Peaks profundizó en la industria sonora al involucrar a artistas como Peter Gabriel, Iggy Pop, Au Revoir Simone, Neon Trees, Ben Folds, Moby, Dave Stewart, Tom Waits, Arrested Development, Slightly Stoopid y hasta Maroon 5, dentro de su sello discográfico David Lynch Foundation Music. Sin embargo, aunque la carrera musical de Lynch ha entregado varias piezas que seguramente alcanzarán el status de culto, hay que decir la verdad: su grado de innovación no es el mismo que el de sus producciones cinematográficas. Mientras tanto, esperemos con ansias su próximo trabajo en la pantalla grande. M

DAVID LYNCH GOOD DAY TODAY SUNDAY BEST

Para ser honestos, la curiosidad es parte fundamental para explorar este, digamos, EP de larga duraci—n. Precedido por la fama de uno de los realizadores m‡s complicados que el s ptimo arte ha recibido, podr’amos cotejar de inmediato que sus temas y cadencia van hacia el sendero estridente y neurotizante; sin embargo, tal como el nombre lo indica, escucharemos cortes referentes a un buen d’a. De entrada, la energ’a que el electro produce en cualquiera de sus vertientes inunda de entusiasmo al escucha. Lynch logra transmitir esta idea con ayuda de las remezclas de la ex colaboradora de UKNLE, Sasha Remix, Ratcliff y Jon Hopkins; adem‡s del plus de Boys Noize, Underworld y Diskjokke para los tracks "God Day Today" y "I Know" respectivamente. La voz lyncheana modificada entre pesados y presurosos beats, se salpica del inevitable tema recurrente en el realizador, que conviven sin problemas con lo alegre de su canto.

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MÚSICA::

LOS CHICOS SE SIGUEN DIVIRTIENDO TXT:: LENIN CALDERÓN. FOT:: MAX DOYLE.

La historia de Architecture in Helsinki ha sido intensa, tanto en el desarrollo de su idea musical, como en lo que respecta a su alineaci—n. Para su ‡lbum debut de 2003 contaban con ocho integrantes, que en 2006 se redujeron a seis y luego a quinteto en 2008. Este af‡n cambiante ha producido cuatro ‡lbumes dignos de ser escuchados con atenci—n, simplemente por la diversidad que hay entre ellos, y porque dan fe de los progresos de la banda.

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ESTE

mes regresan con Moment Bends, un trabajo que les llevó casi cuatro años y que despierta interés porque es su primer disco sin James Cecil, uno de sus fundadores, encargado en discos anteriores de uno de los rasgos más celebrados de esta banda de Melbourne: la producción musical.

Por otro lado, la gradual disminución de integrantes en el grupo supondría una pérdida en la naturaleza ecléctica de AiH, pero este álbum es clave y Cameron Bird lo sabe; como líder y principal compositor de la banda se aseguró de entregar un disco bien terminado, concreto y menos ambicioso que Places Like This (2007) y sobre todo que In Case We Die (2005).

Architecture In Helsinki ha ganado adeptos desde su debut gracias a un sonido lúdico, repleto de cambios de ritmo y diversidad instrumental. Las armonías incluyen vocales de hombres y mujeres, mientras los constantes reprises refrescan su sonido y lo alejan de cualquier solemnidad, aunque sus letras sean mucho más que simples juegos de palabras. A través de los años, Cameron Bird se ha animado a cantar, y los instrumentos se han rolado entre los músicos porque todos son multi-instrumentalistas. Los chicos se divierten y eso puede escucharse totalmente.

Claro que el carácter lúdico y el deseo por experimentar tiene sus límites, cosa que Cameron demostró en el álbum anterior al tomar el micrófono. La producción de 2005 ya incluía canciones interpretadas por él y su voz se oía lúcida, confiada; pero en el siguiente disco esa confianza se excedió y nos hizo presenciar arranques líricos un tanto absurdos en su búsqueda de la improvisación y el furor interpretativo.

Para Moment Bends, esos excesos se han traducido en sensatez: canciones que sin mayor pretensión aspiran ser suspiros pop, letras cuya temática proporciona consistencia a todo el disco y la sensación de que se ha cambiado lo ecléctico por lo sintético, en pos de la elocuencia. En estos días, AiH dice más con menos: mayor profundidad y menos instrumentos, intérpretes más directos y menos integrantes. Temas como “The Beep” –que junto con “Contact High” promocionan esta nueva producción– conservan el espíritu

festivo de la banda y dejan muy claro por qué el estilo de AiH, ha sido relacionado con el de Tom Tom Club. Cualquiera que mire con atención sus videos, el arte de sus discos o escuche bien la forma en que construyen la armonía en sus canciones, descubrirá el nexo obvio entre los australianos y la mítica banda ochentera.

A pesar de que casi cada canción está asignada a un solo intérprete –en un intento por trasmitir mensajes más concretos– es imposible olvidar que AiH es una banda mixta y que las voces de Cameron y de Kellie Sutherland han combinado aceptablemente en otras ocasiones. Pero hay una característica que define el estilo de AiH: la intensidad de sus shows. Las giras les han servido para intercambiar música e influenciarse los unos a los otros, y les han dado credibilidad como acto en vivo al participar con gente como David Byrne, Yo La Tengo y Belle & Sebastian.

Algunos lo atribuyen a que, como eran un colectivo numeroso, rompieron la imagen estática del DJ detrás de una laptop o el músico indie ensimismado en los pedales de su guitarra. Otros piensan que, en escena, AiH simplemente se divierte y eso, invariablemente, se contagia. M

El origen diverso de los integrantes de AiH (no todos son originarios de Melbourne) hace pensar en el estilo ecl ctico de buena parte de su mœsica.

La primeras grabaciones de AiH les dieron fama de ser un grupo destacadamente bien producido. ƒstas se realizaron en el estudio Supermelodyworld, el cual es propiedad de la banda.

Han dicho que su nombre cuestiona la arquitectura retro-modernista o que surgi— en un acto dada’sta al sacar de una bolsa papeles con palabras escritas y formar una frase final. Nos gusta pensar que lo escogieron porque el nombre por s’ mismo provoca incertidumbre.

We Died, They Remixed (2006) contiene remezclas a temas de AiH a cargo de Hot Chip, Safety Sissors y Dat Politics entre otros. Esta colecci—n de mixes les trajo cierto renombre entre los asiduos a la pista de baile.

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MÚSICA::

TXT::

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JIMEN

E A GÓM

Z.

FOT::

ARTS

FT & CRA

S.

No hace falta m‡s que buenos temas y una sobredosis de cafe’na para tener una gran conversaci—n. Platicamos con Sam Fogarino, baterista de Interpol, quien nos dio su opini—n sobre tecnolog’a, el nuevo disco, el futuro, el pasado, Coachella, David Lynch y TV On The Radio.

Hace años, tenía una amiga que se refería a estas bandas como "gente en el escenario checando sus mails" (risas).

SOBRE MÚSICA

He estado escuchando muchos discos viejos, de cuando la música se grababa en vivo y en muy poco tiempo; eran discos increíbles que se hacían en cuestión de semanas, porque los músicos se reunían y tocaban.

Hablando de estas primeras bandas de los 70, que tenían una manera excepcional de reinventarse en cada disco; David Bowie y los Stones, incluso de Clash en los ochenta, atravesaron etapas musicales increíbles. Rompían fronteras y aún sabías que eran ellos expandiéndose e intentando cosas nuevas. Sólo puedo esperar que eso sea lo que nosotros hagamos.

COACHELLA CAFÉ

¡Justo de estas cosas me gusta hablar! (risas).

Lo tomo negro, con un poco de azúcar. A menos que tome un cortado o café con leche, entonces, claro, lo tomo con un poco de leche.

UNIRSE A INTERPOL

Es lo que quería hacer desde hacía años, pero no había logrado articularlo. Cuando escuche a esta banda fue algo inmediato: ¡Claro! ¡Quiero unirme a esta banda! Su manera de crear una atmósfera a partir de sonidos me cautivó; era música en la que te podías sumergir y no sólo algo para escuchar, lo cual es muy importante para mí.

INTERPOL, EL NUEVO ÁLBUM

El nombre del disco no tiene un significado profundo, simplemente nos pareció el momento correcto para llamar un álbum como la banda. También sabíamos que causaría mucha confusión el hecho de que una banda, en su cuarto disco de estudio, decidiera hacer un disco epónimo, pero a veces es divertido jugar con eso.

Estoy muy contento con este trabajo, por un tiempo, mi canción preferida de este álbum fue “Success”, pero mis favoritas en cada álbum van y vienen en ciclos, ahora por ejemplo, mi favorita es… mmm ¿Cómo se llama esa maldita canción? ¡Ah “Memorie Serves”! (risas).

SOBRE TECNOLOGÍA

Justo ahora tengo una opinión extraña con la tecnología, no estoy muy contento con ella.

Me encuentro regresando a la época en que los músicos tocaban música, cuando no lo hacían a través de una computadora. Eso no significa que Interpol tenga que permanecer en una clásica configuración de guitarra, bajo y batería, es sólo que hay muchas maneras de expandir tu sonido, sin el uso de la tecnología per se.

Ahora hay muchas “bandas” enfrente de una laptop en el escenario; y me conflictúa que esto pueda ser interesante para una audiencia, porque todos tenemos nuestras propias computadoras que vemos todos los días.

Quedé muy satisfecho con lo que hicimos en Coachella. Ahí usamos tecnología, pero fuera del reino de la música en vivo, esa clase de tecnología es maravillosa porque aumenta la experiencia visual. No pude ver realmente todo lo que se hizo, pero creo fue una colaboración genial.

SOBRE LYNCH

Trabajar con él fue asombroso, es un individuo muy generoso, amable e inteligente. Nunca había conocido a alguien así en mi vida, convivir con él es increíble, sólo te sientas y hablas por horas. La percepción del mundo de alguien que tiene esa clase de experiencia y talento, es jodidamente impresionante.

TU COSA FAVORITA

El nuevo disco de TV On The Radio.

“Caffeinated Consciousness” tiene que ser una de las canciones más excepcionales de los últimos años. De verdad recomiendo que le den una oída, todo el álbum es muy bueno.

Es una banda que realmente saber retener su esencia y expandir su sonido al mismo tiempo. Simplemente es algo brillante. M

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MÚSICA::

T X T : : S ATÁ N C A R R O Ñ A . F O T : : S U N N Y K H A S L A / C O R T E S Í A E M I M Ú S I C M É X I C O

ÀSer‡ posible que al gobierno -de M xico o Estados Unidos- le interese nuestra conversaci—n?

El otro d’a le’ que, de acuerdo con un estudio publicado en Nature Reviews Neuroscience, los mœsicos son capaces de escuchar mejor una conversaci—n cuando existe un ruido en el fondo. Esto por las conexiones especiales que desarrolla su cerebro, como consecuencia de la educaci—n musical. Sin embargo, lo primero que Richard Melville Hall aka Moby me pide cuando logran enlazarnos telef—nicamente, es que le hable m‡s fuerte.

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Desd e qu mœsia compe come c he a, one nc comppreocu jam‡sr p l que acer aado pome mismno sea nadier o. - yo Mo by

“HAY

mucho ruido, no te oigo”, dice. Tiene razón. Por obra y gracia de la inexorable Ley de Murphy, mi teléfono tiene el tino de fallar en este momento. Un inexplicable sonido de interferencia impide que nos escuchemos. ¿Nos habrá intervenido el gobierno, como rumoran los paranoicos? ¿Serán ciertas las teorías de la conspiración?

Sacudo el cable del artefacto hasta que la comunicación es mucho más nítida. ¡LUCES, CÁMARA, DESTRUCCIÓN! Charlamos acerca de Destroyed, el décimo disco de estudio en la trayectoria de Richard.

El título tiene una historia que el mismo Moby explicó en el diario que escribe para su sitio en Internet. Ahí relata que se encontraba en el Aeropuerto de Laguardia, en Nueva York. Su vuelo iba retrasado y a lo lejos distinguió un letrero luminoso con la frase: “Todo equipaje abandonado será destruido (unattended luggage will be destroyed)”, pero únicamente se iluminaba una palabra a la vez. Desde los diez años de edad, Richard jugaba con una cámara fotográfica, y hoy en día es un fotógrafo profesional (estudió una especialización en Purchase College, según le confesó a National Geographic) que nunca sale de gira desarmado. Así, Richard aguardó hasta que únicamente la palabra “destroyed” apareciera en la pantalla y apretó el botón.

“Destroyed se refiere a entropía, a la concentración de una gran energía de cambio”, explica ese sujeto que está del otro lado del teléfono. “Cuando voy de gira y despierto en una ciudad completamente extraña, con ropa que no es mía, acostado en una cama ajena y sin la comida que acostumbro, reflexiono mucho acerca de lo que dejé atrás, como si todo hubiera sido destruido”.

Producido por Richard, el disco está constituido por 15 temas, de los cuales tres (“Be The One”, “Sevastopol” y “Victoria Lucas”) se ofrecieron en forma de un EP gratuito que podía descargarse directo de su página. A su disquera debió no caerle muy en gracia que el artista obsequiara cosas, no obstante, desde hace mucho suele poner música a disposición de cineastas independientes, para que sea utilizada sin costo en películas que no persigan lucrar, a través del área MobyGratis. Igualmente, la compañía no sonrió cuando Richard invitó a tres de sus mejores amigos, Emily Zuzik, Inyang Bassey y Joy Malcom para que cantaran en Destroyed.

“Ellos siempre quieren que uno colabore con las estrellas de moda”, me confirma. “Pero yo prefiero a mis amigos”.

El molesto sonido de interferencia vuelve a interponerse entre nosotros. Alguien de su disquera fue quien nos puso en comunicación.

Es probable que lo haya escuchado decir, hace unos segundos, que a las corporaciones les gustaría más que Richard grabara con Lady Gaga antes que con una triada de completos desconocidos.

Bah, pienso, teorías de la conspiración. Sacudo una vez más el cable de mi teléfono y continuamos platicando.

, uiera bebgoo, iq s i n a y a Yo ue no lo h y desde q siento deseos tampoco por la noche. de salir -Moby

ÁNGEL CON VESTIDO Este décimo trabajo suena, por así decirlo, musicalmente hermanado con el paradigmático Play, disco que en 1999 catapultó a Richard a una popularidad fuera de los reinos del subterráneo electrónico, para asegurarle una posición entre los más populares exponentes del pop. Entre “The Day” –primer corte de Destroyed para el cual se rodó un video protagonizado por su amiga y bombonzazo Heather Graham– y clásicos de su arsenal como “Why Does My Heart Feel So Bad” o “Porcelain”, existe un delgado hilo que resulta evidente para el escucha avezado.

“Existe una razón”, me dice el calvo de lentes al otro lado del auricular. “Ambos discos” –como gran parte de su producción– “se escribieron desde el reino de la melancolía”.

En el caso de Destroyed, el insomnio obligó a Richard a mirar por la ventana de los hoteles para imaginar que podía ser el único hombre despierto sobre la Tierra. Sin lugar a dudas, y aunque se trate también de un disco mucho más electrónico que rockero, aquello le obligó a enfrentarse a sus propios demonios. Tanto como Heather lo hace en el video de “The Day” disfrazada de ángel.

“Desde que comencé a componer música, jamás me he preocupado por complacer a nadie que no sea yo mismo.

Destroyed es un disco electrónico, pero no el tipo de música que escucharías en una discoteca. Lo que a mí me interesa es provocar emociones en las personas, se trata de canciones con coros que se repiten incesantemente, como mantras, o con canciones en las que música y coro trabajen a la par o en temas instrumentales. En este disco existen los tres tipos de canciones y de cada una estoy orgulloso. Suena melancólico y triste porque me gusta la música triste, tanto como el punk o la música de cámara, pero eso no significa que yo sea un sujeto depresivo. Lo que quiero decir es que me fascina provocar

emociones en quienes me escuchan, y para ello puedo valerme de una batería o una secuencia, de una guitarra o un sintetizador.

Cada uno de ellos puede provocar lo que tú desees que provoque”, dice.

LA VENGANZA DEL NERD Teorías de la conspiración aparte, la voz que se encargó de que mi destino y el de Richard coincidieran por 17 minutos, me advierte que formule mi última pregunta. Tengo tantas en el tintero y es probable que nunca en la vida pueda hacérselas de frente. Quiero preguntarle qué sentimientos le generó – como oriundo y residente de Nueva York, además de alguien que cumple años el 11 de septiembre– la reciente captura de Osama bin Laden. También si pedirá disculpas en sus conciertos por tener un presidente como Obama, tal como hizo cuando Estados Unidos era gobernado por George Bush. No estaría mal hablar de su cristianismo, su vegetarianismo o sus pleitos con Eminem.

En vez de eso sencillamente le inquiero si considera que la música de hoy le pertenece a los nerds.

“Siempre nos ha pertenecido, sólo que ahora no nos dejamos crecer el cabello.

Hendrix fue un gran clavado en el sonido de las guitarras. Tienes que ser un nerd para tocar como él. Yo ya ni siquiera bebo, y desde que no lo hago tampoco siento deseos de salir por la noche”.

Eso ya me quedó claro. Sólo un nerd pone a Heather Graham a combatir con el diablo, en vez de imaginarla en bikini lavando un Ferrari. Cuando colgamos, el teléfono de mi casa dejó de hacer ese molesto sonido. Nunca lo ha vuelto a hacer. ¿Sería posible que a los servicios de inteligencia les interesara conocer algún detalle sobre el nuevo disco de Richard, alias Moby? Si es así, ya lo saben. M

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MÚSICA::

Para Gerard Smith, una eternidad de ruido blanco.

THE RADIO

LUZ QUE SE ESCUCHA

TXT:: JUAN CARLOS HIDALGO.

FOT:: CORTESIA UNIVERSAL MUSIC.

Lo primero que se pudo escuchar de Nine Types Of Light -cuarto LP de TV On The Radio-, fue el sencillo "Will Do" con su respectivo video, donde la banda aparece con tecnolog’a de realidad virtual. El grupo -originalmente asentado en Brooklyn y ahora ubicado parcialmente en Los çngeles- mostraba cierto inter s por temas cient’ficos para este trabajo, y desde su t’tulo ofrec’a una tipificaci—n de la luz, la cual revelaba formas imperceptibles para el ojo humano. En este trabajo tan vasto persiste la excelsitud, adem‡s de una zona de tensi—n entre la canci—n pura y un revestimiento logrado en el estudio. El grupo puede agregar mœltiples capas de sonido y efectos, de manera que el quid est‡ en d—nde poner y en qu sitio quitar.

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SU

anterior obra, Dear Science (2008), se confirmaba como el punto máximo en el cual consiguieron “desnudar” sus composiciones, aunque al parecer, ahora se equilibra la tendencia de construir una compleja telaraña sonora, y lo que varía es la velocidad de cada pieza. Lo innegable es que después de varios discos solistas no regresaron al estudio siendo los mismos: en este lapso intermedio Kyp Malone (guitarra y voz) probó suerte con Rain Machine (10) y Dave Sitek (teclados y guitarra) se acercó a la electrónica saltarina acompañado de varias vocalistas en Maximum Balloon (10). Mientras tanto, Tunde Adebimpe (voz principal, teclados y guitarra) colaboraba sin parar con otras bandas y componía con Gerard Smith (bajo/ teclados) el score del documental The Lottery, sobre una escuela pública de Harlem –Smith producía además a Midnight Masses, otro grupo neoyorkino–. El baterista Jaleel Bunton regresó a la guitarra (su primer instrumento) y se sumó a Reverend Vince Anderson & His Love Choir, para tocar blues y gospel.

Tras ese fructífero periodo de proyectos externos, finalmente se reunieron en el nuevo estudio que Sitek montó en L.A. para dedicar tres meses a la grabación de este disco, el periodo más corto para esta banda que viene trabajando desde 2001. Para hablar de TV On The Radio habrá que considerar que existe una clase de élite dentro de la música contemporánea, una especie de Champions League, en la que sólo militan los mejores.

Allí están Radiohead, Björk y Arcade Fire, entre otros pocos. A ese círculo pertenecen los TVotR, aunque quizá sean los más distantes y elusivos con relación a un público masivo. Para la crítica más experimentada se trata de una agrupación con tres discos que rozan la perfección de una obra maestra, y que marcan el pulso de la progresión musical de nuestros días. Lo anterior implica una exigencia de la más alta calidad, aún cuando banda atraviesa por un álbum de transición que no demuestra su creatividad al máximo.

Pero concentrémonos en la música del disco: una balada in crescendo como “Will Do” parece una “pista falsa” en comparación con “New Cannonball Run”, que además de sonar como una versión sci-fi de la música de Prince, corre con el típico medio tiempo que caracteriza al grupo. “Second Song” o la magnífica “Repetition” dejan constancia de la manera en que el blues o el soul pueden fundirse en estructuras del rock más futurista. En “You”, Tunde Adebimpe repite la frase: “You're the only one I have ever loved”.

Al respecto le preguntaron si se trataba de un

álbum de amor integral, a lo cual respondió afirmativamente.

Aunque la banda insiste en que han simplificado las canciones, en cada tema cambian de tempo varias veces, como en “No Future Shock” –rola cantada por Kip–. Más adelante encontramos una base de hip-hop ochentera en "Caffeinated Consciousness", canción influenciada por el sonido de Big Audio Dynamite. Sin renunciar a elementos electrónicos, Nine Types Of Light (Interscope, 2011) suena profundamente humano e introspectivo, tal como lo confirma la serie de diez videos que complementan la edición de lujo, y que también están colgados en YouTube.

TV On The Radio es un grupo que entiende al rock como una forma de arte; siempre se les ha colocado en el ala intelectual, y antes que un lastre, agrega caldo a su propuesta.

Para Tunde Adebimpe, la frase que da título al disco es hermosa en sí misma y dice que no refiere a un concepto en particular, aunque enfatiza que al referirse únicamente a nueve tipos de luz, miles se quedan fuera del conjunto. Quizá es una manera involuntaria de aludir a la singularidad que poseen. Tunde explica que se trata de reproducir algo que siente cuando escribe o toma fotografías. Hay en el acto mismo una intensidad espontánea; una experiencia plena e intensa en estado puro.

Tal vez es pronto para adelantar juicios definitivos sobre esta entrega en particular; sólo la distancia temporal otorgará un veredicto definitivo sobre este disco que, tristemente, será recordado como el último registrado por la alineación original, pues el bajista Gerard Smith perdió la batalla contra el cáncer el 21 de abril. A manera de epitafio, digamos que hasta hoy, la carrera de esta banda es tan peculiar como transmitir Televisión a través de la radio. M

Tunde Adebimpe tambi n particip— en el proyecto f’lmico nominado al îscar, Rachel Getting Married.

Cuando no est‡ con alguna de sus dos bandas, Jaleel Bunton se da a la tarea de meserear en el legendario bar del Lower East Side de Nueva York, Max Fish.

El bajista Gerard Smith muri— el pasado 21 de abril tras una lucha contra el c‡ncer de pulm—n. Ten’a 36 a–os.

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MÚSICA::

EL REINO SECRETO DE

FOALS TXT:: ARTEMISA HDEZ.

CORRÍA

el año 2007 cuando apareció “Hummer”, un potente track que bien pudo competir con “Magick” de Klaxons en plena fiebre new rave, y que había sido creado por cinco chicos que recién entraban a sus veintes. Como no les gustaba la música que ponían en las fiestas, Edwin Congreave, Jack Bevan, Jimmy Smith, Walter Gervers y Yannis Philippakis decidieron hacer una banda; lo que nunca previeron, fue que un año después dejarían la escuela para editar su primer álbum Antidotes. Como era de esperarse, después de un debut tan aplaudido vino la tensión: tanto los fans como la crítica anticipaban un disco similar al debut, o de plano, un álbum que reconfigurara el sonido de estos ingleses. En mayo de 2010, Foals respondió a estas espectativas con Total Life Forever, material inspirado en el futurismo de Raymond Kurzweil –que señala cómo los robots tendrán sentimientos en el futuro lo cual empata con la emotividad que la banda logra a través de la tecnología.

Foals estuvo en nuestro país el pasado 11 de mayo, día en que me reuní con Edwin y Yannis, en el hotel donde varios fans conocían a los músicos entre fotos, halagos, nervios y obsequios. Los primeros en aparecer en el lobby fueron Walter y Jimmy, quienes buscaban saciar el hambre acumulada por más de nueve horas:

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“perdimos un vuelo, entonces estuvimos atorados en el aeropuerto y no comimos nada, así que estamos hambrientos” comentó el altísimo y rubio bajista, Walter, mientras le daba un sorbo a su café del seven.

Mientras esperábamos a Yannis llegó Edwin, que además de tocar los sintetizadores, tiene un blog dedicado a la gastronomía. Con él charlamos de comida, precios de alcohol y de cómo se siente ser un rey fuera de su país natal. Sorprendido por el recibimiento que han tenido en México, Edwin dijo que aquí se sentían como reyes, principalmente por el hotel, que contrasta con los hostales donde son hospedados habitualmente. Y para continuar ese trato propio de la realeza, la primer ofrenda que recibieron fue un tequila: “conseguirlo en Inglaterra es difícil y muy caro, en cambio aquí fue lo primero que nos dieron”. Habrá que estar al pendiente de su blog para conocer sus opiniones sobre la comida y bebida mexicanas… por el momento nos adelantó: “me encanta la comida mexica, la hemos probado en otros sitios, pero no se compara; por la noche comimos mole y es delicioso, ¡amo México!”. Además, me prometió pedir unos chilaquiles para la cruda, pero no sin antes aclarar: “los probaré aunque no tenga resaca ya que me encuentro en una especie de rehabilitación, ayer me resistí a beber más

de un tequila, ¿sabes? Estar en una banda te da esa especie de ‘oportunidad’ en la que puedes beber lunes, martes, miércoles… y de pronto te das cuenta que llevas un mes borracho y no está nada cool, tu organismo lo resiente. Dejaré el alcohol de lado por un tiempo, espero poder cumplirlo”.

Después de muchas risas, Philippakis apareció muy sonriente y con una sudadera gris en la que se podía leer “México”.

Uno de los elementos más importantes en la música de Foals son los riffs de la guitarra. Aunque las influencias más claras de la banda son el Tago Mago de CAN y el Flowers of Romance de PIL, el vocalista complementa: “claro que son mis influencias, pero también incluiría a Talking Heads y bandas de alternativo de los noventa, algunas bandas británicas de los ochenta y bandas de 4AD records”.

La pregunta inevitable era Radiohead, ya que son de la misma ciudad.

“Todos crecimos en diferentes ciudades, pero claro, terminamos en Oxford; y aunque no es nuestra ciudad natal, Radiohead es una gran influencia para nosotros, son increíbles, tal vez algún día logremos hacer algo similar a lo que ellos hicieron y continúan haciendo”.

Foals son todo un fenómeno de Tumblr, el adictivo sitio de bloggeo y rebloggeo donde ellos ocupan uno de los

¿QUÉ YANNIS PHESCUCHA ILAPPAKIS ?

Wild Beast Friendly F ires The Future The Brian Sound of London Jonestown Tame Impa Massacre la

primeros lugares, con fans publicando entrevistas, fotografías, citas, etc. Incluso destaca un post en el que alguien publicó un deseo muy peculiar: estudiar Foalsology.

Mientras Edwin leía todos los links que les mostraba, Philippakis respondió: “en verdad estamos sorprendidos, odio los gifs, pero creo que es una manera de que los fans muestren su devoción. Me encantaría poder estudiar Foalsology también (sonríe), debe ser una gran ciencia y no veo mal que nuestras palabras estén cinco o diez minutos después en un Tumblr, así se conectan nuestros fans. Hace diez años me hubiera encantado conocer gente que disfrutara la misma música que yo; ayer vinieron a recibirnos unos chicos, nos dieron dulces y me contaron que se conocieron por Tumblr y que subirían algunas fotos ahí.”

Mientras tanto, Edwin seguía sorprendido y buscaba las palabras para contestar. “Es algo muy raro, es como si de pronto invadieran tu privacidad, pero después te das cuenta que es gente que te quiere y que haces feliz por medio de la música”, concluye el tecladista.

¿Y qué hay del futuro de Foals?

“Estamos trabajando en algunas canciones, pero no hay nada completo por el momento, queremos llegar a casa, tomar un descanso y que las cosas fluyan como siempre ha ocurrido.

No queremos presionarnos, será algo con lo que nos sentiremos a gusto”. Después de la emoción de ver a Foals en directo, y poder escuchar un adelanto del futuro de esta banda, una de las preguntas que quedan es si su tercera entrega los guiará al top del mainstream, o continuarán siendo un secreto a voces. M

FOALSOLOGY Psicolog’a: Entender las caracter’sticas y personalidades de Edwin, Jack, Jimmy, Walter y Yannis.

Ingl s: Composici—n l’rica y an‡lisis profundo.

Matem‡ticas/Ciencia: Observar fiestas a las que los miembros de la banda han asistido (usen su imaginaci—n).

Arte: Seminario con Tinhead o escuchar todo lo que Foals ha hecho.

Ciencias Sociales / geograf’a: Acompa–ar a la banda en su tour.

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MÚSICA::

LA CRÍTICA DEL NÜ METAL DESDE EL NÜ METAL TXT:: ASLE GARCÍA.

Para un sector de la cr’tica y el pœblico metalero m‡s ortodoxo, el nŸ metal -g nero que emergi— en la d cada de los 90 con una fusi—n de rock alternativo, rap y grunge- represent— un movimiento ef’mero que poco aport— a la mœsica. Sin importar las severas cr’ticas, el nŸ metal escribi— un cap’tulo importante para toda una generaci—n que se identific— con grupos como Korn, Deftones, System Of A Down, Slipknot, Limp Bizkit, Staind y Papa Roach; convirti ndose en herederos del sonido de Faith No More y Rage Against The Machine.

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CON

guitarras potentes, sonidos experimentales y los gritos guturales de Chino Moreno, Deftones siempre destacó entre los demás grupos. Su álbum Around The Fur (1997), es considerado por muchos la respuesta crítica del nü metal desde el nü metal, pues mientras ellos se preocupaban por la evolución de su sonido, Korn –el otro titán del género– nunca pudo superar lo realizado en sus tres primeras producciones.

“Es curioso, porque nunca tuvimos la intención de hacer un movimiento ni probar nada, mucho menos decirle a las bandas, ‘Hey, vamos a hacer esto’, me gusta pensar que siempre seguimos nuestro propio camino. ¿A dónde va ese camino? No lo sabemos, simplemente tratamos de experimentar”, dice Chino Moreno, en entrevista con Marvin.

White Pony (2000) marcó un “antes” y un “después” en la carrera de Deftones, pues además de ser el disco consentido de muchos fans de la banda, selló un período de distanciamiento entre Chino Moreno y el vocalista de Korn, Jonathan Davis, cuando declaró para la revista Revolver que Davis reflejaba un estancamiento lírico en su disco Untouchables. “Siguen en la misma línea – infancias tristes– ¿Cuántos años tiene Jonathan? ¿30? ¿Cuántos años han pasado desde que vivía con sus padres? Debería intentar con algo más”, dijo Moreno en la entrevista. La respuesta de Davis no se hizo esperar y declaró que los comentarios de Chino obedecían a sus celos por el éxito de Korn. Pasaron un par de años antes de que la relación entre ambos se reestableciera.

Muestra de ello fue el momento en el que cantaron “Wicked” –tema que grabaron para Life Is Peachy– en el Metal Fest, celebrado en el Foro Sol, en 2005.

“Cuando algo suena formulado o fácil, intentamos lo contrario, eso es lo que lo hace interesante y divertido. En lugar de hacer ‘straight metal’, intentamos hacer metal con melodía conjuntando todas nuestras influencias. Lo grandioso de la música es el abanico de posibilidades que tenemos.

Prefiero decir que nuestra aportación fue jugar con esas posibilidades, y no que somos iniciadores de algo, llámese ‘nü metal’ o lo que sea”, añade el vocalista.

Pero no sólo los riesgos que conlleva la evolución natural que toda banda debería tener en su sonido, representaron un reto para los integrantes de Deftones. En 2008, la agrupación asumió el desafío más grande que el destino pudo imponerles: El bajista Chi Cheng sufrió un terrible accidente que lo dejó en coma por casi dos años, obligando a sus compañeros a detener el lanzamiento de lo

"Nun tuvimo ca s la intenci movim ón de hacer u iento n n i p r o b ar nada..."

-CHINO

que sería el sucesor de “Saturday Night Wrist” (2006), “Eros”. Después de mucho pensarlo, y tras una lentísima evolución en la salud de Cheng, la banda reclutó a un viejo conocido en sus filas: el bajista Sergio Vega, ex Quicksand.

“El accidente de Chi fue un golpe muy duro, pero por suerte, nos tenemos el uno al otro.

Antes que todo, somos amigos muy cercanos.

El hecho de tenernos los cuatro que quedamos nos ayuda a sobrevivir, aunque obviamente sigue siendo difícil”, dice Chino.

En 2009, Deftones organizó un par de conciertos en Los Ángeles, en los que participaron Far (una banda muy allegada al quinteto californiano), P.O.D., Cypress Hill y Tommy Lee, entre otros, para recaudar fondos a beneficio de Chi Cheng. Será este verano, al final de su gira “Diamond Eyes North American Tour 2011”, cuando el grupo realice un concierto en su natal Sacramento para seguir con la colecta. “Intentamos hacer lo posible para recaudar fondos para él, porque lo trasladaron a otro hospital, está bajo el

MORENO

cuidado de un doctor especialista, quien está tratando con más terapias y procedimientos. El seguro no lo puede cubrir todo, así que todavía sigue siendo muy importante recaudar fondos, y que él (Chi) tome en cuenta que seguirá más tiempo con nosotros”, agrega.

Los descansos y proyectos alternos de sus integrantes son fundamentales para que la banda pueda cargar energía y evitar ser víctima de la “autorepetición”.

De ahí que, además de la promoción de su séptimo y más reciente álbum, Diamond Eyes –que llevará al grupo al Festival Lollapalooza, en Chicago–, y un vinil que recientemente lanzó con covers de Sade, The Smiths, The Cure, The Cardigans, Duran Duran y Japan, entre otros; Chino Moreno trabajó en su segundo proyecto alterno, Crosses, junto a Shaun Lopez (Far). “Son canciones muy minimalistas, con piano y algunos beats lentos, algo muy diferente a Deftones y Team Sleep. Ya tenemos algunas cosas armadas, veremos qué pasa”, concluye. M

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ENPORTADA::

E L O F I C I O AT E M P O R A L D E L A R I M A TXT:: JESÚS BILLY. FOT:: CORTESÍA DE EMI MUSIC.

Es complicado abordar el trabajo de artistas que se encuentran más allá del bien y el mal, este es el caso del trío originario de Brooklyn, quienes se caracterizan por entregar producciones impecables, concisas y macizas. Disco tras disco, los Beastie Boys se han salido con la suya y han dejado que su música hable por ellos; probablemente, si editaran un disco en los próximos diez años, se hablaría tan bien de él como se habló hace trece años de Hello Nasty, o hace veintidós de Paul´s Boutique. Estos señores entran en el selecto grupo de artistas que crean música que no caduca.

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CREO QUE EN ESTE DISCO, MÁS QUE EN OTROS, NUESTRA ÚNICA REGLA ES QUE NO HUBIERA REGLAS. MIKE D SI

de algo no carecen los Beastie, es de un envidiable sentido del humor. A lo largo de toda su carrera –que abarca casi ya tres décadas– nos han hecho cómplices de lo ridículo y lo irreverente; derrochan talento mientras demuestran ser artistas imprescindibles, al grado que bandas como House of Pain o Rage Against The Machine son inconcebibles sin las bases que el trío nos legó. Desde principios de los ochenta, MCA, Mike D y Ad rock, se han dedicado a consagrar el oficio de la rima callejera y experimentar con los estados más avanzados de la funkadelia.

Pero retrocedamos veinticinco años, cuando Licensed to Ill vio la luz. Después de unos cuantos ejercicios de hardcore punk, los Beastie Boys editaron un álbum lleno de peligro y rebeldía, que jugaba con los ritmos que Run DMC había creado, pero que también incorporaba un sonido aguerrido y escandaloso, cercano al thrash tan popular en la década de los ochentas.

No por nada Kerry King, guitarrista de Slayer, saltó a bordo y grabó las guitarras de “No Sleep Till Brooklyn” bajo la producción del gurú Rick Rubin.

Sin embargo, el sello distintivo de Licensed To Ill fueron las voces nasales escupiendo rimas sobre beber cerveza, ligar y de llevar la fiesta hasta sus últimas consecuencias. Todos los cortes del álbum tienen su respectivo toque humorístico, como prueba está el combo “Slow Ride” y “Girls”, un despliegue oligofrénico y sociópata de misoginia. El asunto se pone aún mejor con la mencionada “No Sleep Till Brooklyn”, donde el trío satiriza y ridiculiza el estereotipo de “rebelde sin causa” por el bien del entretenimiento.

Este año los Beastie Boys regresan más frescos que nunca, estrenan disco y videoclip de media hora para acompañar al primer sencillo, “Make Some Noise”. Ya que ahora se producen audiovisuales para ser consumidos por Internet –pues las cadenas de videos se rehúsan a programar algo sin Gaga en el nombre– podemos disfrutar el primer corte de The Hot Sauce Comitee Pt. II en YouTube. Se trata de una continuación directa del videoclip Fight For Your Right, que comienza justo donde nuestros personajes se quedaron hace veinticinco años. Ahora, MCA, Mike D y Ad Rock salen del departamento para

voltear de cabeza a Brooklyn, sólo que en esta ocasión son interpretados por Danny Mcbride, Seth Rogen y Elijah Wood respectivamente.

Fight For Your Right (revisited), como se titula el videoclip, es un desfile de cameos donde aparecen actores reconocidos como Stanley Tucci, Susan Sarandon, Kirsten Dunst o Laura Dern; además de cómicos de moda como el propio Rogen, Will Ferrel o Jack Black. La trama, aunque sencilla, es risible a ratos; los Beastie ochenteros se encuentran a los Beastie del futuro, y se desata una batalla de break-dance que culmina con los personajes orinándose entre ellos para después ser arrestados por tres policías (interpretados por los Beastie Boys originales).

The Hot Sauce Comitee Pt. II suena vigorizante, lleno de energía y dinámico, siguen rimando a todo volumen y sacudiendo nuestras cabezas.

En esta ocasión decidieron incorporan elementos sintéticos y beats muy trabajados y producidos, lo que deriva en grandes ritmos dignos de los mejores días del funk afroamericano. Sólo los Beastie Boys podrían hacer que Curtis Mayfield saliera de su sepulcro para bailar un poco.

Y, honor a quien honor merece, no se puede pasar por alto la participación de Mix Master Mike (el scratcher más rápido del oeste) y de Money Mark, cuyas aportaciones han sido cruciales para el sonido de la banda. Santigold y Nas son los privilegiados invitados en The Hot Sauce… y sin duda alguna, la colaboración más destacada es la del segundo, quien toma el micrófono en “Too Many Rappers” con un resultado literalmente implacable: hace una crítica despiadada a las rimas de “aficionado” y con ello ridiculiza a más de un “rapero” en voga.

Podemos ponernos exigentes y estar tranquilos a la vez, hay Beastie Boys para rato; los hijos de la Gran Manzana no tienen pensado parar de rimar en un buen rato. Y ojo, que hoy en día suenan tan vigentes y arriesgados como hace veinticinco años, cuando samplearon a Led Zeppelin en su primer disco. Y como dirían estos tres para abrir el álbum Check Your Head: “Because you can’t/ you won’t/and you don’t stop”. M

EL COMITÉ REGRESA A SUS ORÍGENES

La cultura trashy pop siempre estará en deuda con Ad-Rock, MCA y Mike D, el trío de blancos que nunca tuvo miedo de expresarse con música de negros, o de seguir echando desmadre a la edad en que cualquier músico adulto comienza a cantar en la onda superación personal. Por eso agradecemos a los Beastie, porque los años no les cortan el sentido del humor, ni deslavan su inventiva o su genio para crear música atemporal dentro de una escena bastante competitiva.

Señoras y señores, les dejamos las palabras que este comité brindó para Marvin a propósito de Hot Sauce Committee Part Two, con la mano en la cintura, un disco que ya perfila como de los favoritos del año.

TXT:: Vicente Jáuregui.

¿Cómo les va? ¿Qué hay de nuevo en este disco?

MCA: Yo diría que este disco es como ir de excursión, es como una aventura.

El otro día comentábamos que es parecido a subirte a una montaña rusa, ir en descenso y no aguantar el rush. Nosotros seríamos como esos tipos que vomitan, y la gente que escucha el disco son los que terminan vomitados, por lo cual, me disculpo desde ahora. ¿Cuál es la diferencia entre la primera y la segunda parte de Hot Sauce?

Ad Rock: Para Hot Sauce Committee Part One grabamos tantas canciones, que al momento de hacer los arreglos teníamos suficiente material como para sacar dos discos, así que decidimos tomar las canciones más raras para aterrizarlas un poco, y después hacer otras más bizarras que conformarían una segunda parte. ¿Qué parámetros tuvieron en cuenta para grabar el disco?

MCA: El parámetro básico fue mantener un formato breve en las canciones, evitamos atorarnos en improvisaciones largas. También quisimos lograr una vibra rara en la grabación, así que utilizamos micrófonos “chafitas”.

En general queríamos que las canciones no sonaran muy limpias, lo cual representa todo un reto si tomamos en cuenta que la maquinaría digital predomina hoy en los estudios. Finalmente, diría que buscamos una manera novedosa de mezclar diferentes estilos y de encimar diferentes capas de música entre sí.

Mike D: Creo que en este disco logramos hacer un ruido hermoso. Hay canciones como “Say It”, con capas de ruido que no podrías poner en una partitura musical, porque se trata sólo de un gran feedback de guitarra. Pero en todos los casos la intención fue construir cierta tensión, algo que afecte tu cuerpo, tanto o más que la música escrita podría hacer. ¿La música de Beastie Boys transgrede la cultura pop?

Ad Rock: La verdad no creo que lo hagamos. No puedes evitar que la cultura pop esté presente donde quiera… nosotros vemos la tele ¿sabes? A mí me gustan mucho los sabores de Häagen-Dazs, de verdad me encantan, sobre todo el de vainilla. Creo que sólo nos preocupa hacer nuestro rollo bien, y estoy seguro que por ello continuamos como banda, sin seguir las tendencias de moda. Me parece que preferimos hacer nuestras propias tendencias, las que podamos disfrutar los tres. Pero reitero que no lo hacemos desde fuera

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de esa cultura pop, porque estamos justo dentro de ella. Tenemos videos en MTV y música para descargar en Internet. Somos un poco similares a… ¿estás familiarizado con Philippe Petit? (equilibrista, mimo, monociclista y mago francés N. de R.). Bueno, somos un poco como él. ¿Entonces ustedes serían más como la parte desmadrosa del pop?

Mike D: Más bien creo que somos obstinados de nuestro propio curso. En realidad no estamos necesariamente interesados en analizar por qué las cosas son de esta o aquella manera, pero tampoco somos unos estancados.

Sea lo que traigamos en la cabeza, siempre estamos cambiando, no somos estáticos. En ocasiones, lo que nos interesa es llevado a una dirección más popular, pero otras veces resulta al revés. Cuando hicimos el disco The Mix Up, la mayoría de la gente creyó que sería un fracaso, y aunque no alcanzó lugares altos en las listas de popularidad, fue una aventura que gozó de mucha popularidad. ¿Qué representan los Beastie Boys para ustedes mismos?

Ad Rock: Nos sentimos gente honesta y valiente. Creo que de cierta manera somos sexys, digo, para nosotros mismos, pues lo que es sexy para algunos no lo es para otros. Hay varias palabras que podría usar para describirnos como banda: creativos, fuertes, sensibles… ¿Existen límites para elegir las temáticas en su música?

Mike D: Como hizo el famoso dadaísta Marcel Duchamp, tratamos de incorporar todo lo que podemos. Si él usó un inodoro, nosotros podemos usar el lavabo del baño. Es una opción diferente, pero quizá podríamos usar el inodoro si quisiéramos. Y eso estaría bien.

Creo que en este disco, más que en otros, nuestra única regla es que no hubiera reglas. ¿Después de 30 años de carrera, aún sienten que retratan lo que ocurre en la calle?

Mike D: En esencia, somos reporteros de la calle. No sólo nosotros, muchos artistas del hip- hop y MCs lo son. Nosotros escribimos y documentamos lo que vemos y experimentamos, la calle es nuestra extensión. ¿Cómo surgió la invitación a NAS para la rola “Too Many Rappers“?

Mike D: Somos fans de NAS desde su primer disco titulado Illmatic. Es alguien que ha hecho grandes contribuciones al hip-hop y como MC. Desde hace tiempo hablamos con él, pero hasta ahora surgió la colaboración, le enviamos un track con música que él generalmente no haría. Sinceramente, nos dejó bastante contentos lo que envió de vuelta.

Es un track duro con su voz repitiendo: “Too many rappers still not enough MCs”. La frase es aclaratoria: un MC es un artesano, un maestro de ceremonias, un controlador del micrófono, un jefe si quieres.

Hay mucha gente que rapea pero hay muy pocos verdaderos maestros del arte de ser MC, y que serían capaces de definir y redefinir lo que hacen dentro de la música. ¿Las canciones del disco fueron escritas recientemente?

MCA: Todo el disco fue escrito recientemente, durante los últimos dos años.

Pero podría pertenecer al periodo 1985/1986, ya que es una precuela a Licenced To Ill. Este disco es como un eslabón perdido, es como si fueras un antropólogo buscando la relación entre los humanos y un simio, un cráneo mitad humano mitad mono. Este álbum sería ese cráneo imaginario. ¿Qué tan adultos se sienten ahora?

MCA: Totalmente, ahora estoy vistiendo corbata y toda la cosa. Me he adulterado. ¿Qué onda con el arte del disco?

MCA: Esto te va a gustar. Recientemente viajé a México para visitar sus pirámides, y fue muy interesante contemplar todos esos árboles creciendo entre las piedras de las edificaciones. Es fascinante ver la reminiscencia de una cultura pasada y contrastarla con el ambiente urbano contemporáneo en una portada. M

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NOS SENTIMOS GENTE HONESTA Y VALIENTE. CREO QUE DE CIERTA MANERA SOMOS SEXYS. AD ROCK

DEFONDO::

TXT:: ARTURO J. FLORES. ILUST:: RENK.

Hubo una vez un tipo que se peleó con el rock mexicano. De “rockcito” nunca lo bajó y se ganó el desprecio de managers, músicos, colegas y promotores, por igual, como director de La Mosca en la Pared, quizá la primera y última publicación musical maldita de nuestro país. He aquí su versión de los hechos.

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LOS MOTIVOS DE LA MOSCA

La Mosca salió a la venta en febrero de 1994. El equipo lo conformábamos Fernando Rivera Calderón, que entonces tenía 21 años (hoy cerebro de Monocordio) como Jefe de Redacción; Ricardo Bravo (más adelante director de la revista Nuestro Rock) como Jefe de Información; Karem Martínez (actual directora de Tatuarte), como asistente, y yo como director.

No queríamos hacer una revista como La Banda Rockera o Conecte, en las que se usaba ese lenguaje supuestamente “para chavos”, que se me hacía muy paternalista. Yo defendía el buen español. Además, estaba en contra de esa idea de que las revistas debían apoyar al rock mexicano. Para eso estaban los ‘nanagers’ y las disqueras, pero los periodistas debíamos informar, criticar y reseñar.

RICARDO SE PONE ‘BRAVO’

No sabíamos cómo ponerle a la revista y Jaime (Flores, de la editorial) nos pidió que lleváramos propuestas. Al que ganara le iba a dar mil pesos de aquella época. Total que presentamos varias listas de nombres, pero ninguno nos gustó. Ricardo traía una playera de The Fly, de U2, así que Fernando dijo: “¿Por qué no le ponemos La Mosca?”. El nombre se quedó y él se ganó los mil pesos, pero Ricardo le reclamó. Dijo que él se había puesto la camiseta y que quería una parte del dinero. Empezamos a hacer el trabajo preparatorio y estaba establecido que el equipo debía quedarse en las oficinas de Editorial Egea para utilizar las computadoras cuando el personal saliera. Siempre nos quedábamos Fernando, Karem y yo, porque Ricardo encontraba el pretexto para hacerse güey. No me gustaba además que fuera tan defensor del rock nacional. Una vez llegó y nos dijo: “Ya sé quién será nuestra primer portada”. Le preguntamos quién y nos dijo que Alejandro Lerner, porque ya lo había apalabrado con Warner. Yo me negué porque eso era pop. El colmo vino un día que empezó a hablarme mal de Karem y a pedir que la sacáramos del equipo aún cuando ella convenció a Jaime de autorizar el proyecto de La Mosca. Esa fue la gota que derramó el vaso y coincidimos sacarlo del proyecto. Al poco tiempo él hizo la revista Nuestro Rock y empezó a tirarnos con todo en sus editoriales. Nos decía “la revista con nombre de insecto” o “los enemigos del rock nacional”.

Llegó al extremo de sacar un dibujo bastante malo, me parece que lo hizo él, de una mano con un cuchillo que decía “acabemos con los enemigos del rock nacional”, como invitando a matarnos. Fue muy psicópata de su parte.

DE CAIFANES ME COMO UN TACO

El supuesto pique con Caifanes es tan ficticio que el mismo Saúl se lo creyó. A mí nunca me gustaron y así lo escribí, desde que yo trabajaba en El Financiero. Incluso hicieron contacto conmigo Mónica Frías e Ileana Gordillo, de la oficina de Marusa Reyes, para saber si tenía algo personal contra ellos. Pensaban que yo era un hijo de puta, un demonio. Una vez hice un libro para editorial Planeta que nunca salió, se llamó El Rock Bajo Palabra. Entrevisté a cinco bandas y yo quería que estuvieran los Caifanes, pero de última hora Alejandro Marcovich no quiso darme la entrevista.

Decía que si el libro sería objeto de lucro, él quería cobrar. Entonces Saúl se puso en contacto conmigo y dio la entrevista, lo cual le agradezco. Fui a su casa, él vivía en la colonia Las Águilas en 1995. Charlé con él varias horas; me cayó muy bien y me trató poca madre pero insisto, no me gusta lo que hace. De repente en La Mosca nos burlábamos mucho porque Caifanes salía en la revista Eres, lo cual me parecía incongruente de su parte pero también le dimos varias portadas. Incluso Marusa me invitó a la primera presentación de Jaguares en el Auditorio, y antes nos llevó a Tepoztlán a entrevistarlos. Sin embargo, cuando entrevisté a Marcovich tuvo lugar la supuesta golpiza entre Alejandro y Saúl en el Vive Latino, y hasta publicamos sus radiografías. Saúl se negó a darnos su versión de lo sucedido. No tengo nada contra ellos, pero así es la historia.

ROCKEROS DE MÉXICO: UNÍOS (CONTRA MÍ)

A Control Machete le dimos portada, pero les pusimos un globito de historieta que decía “¿Qué hacemos en este pasquín?”. Me parecía bastante risible su hip-hop, por eso hicimos la broma. Pero los músicos mexicanos son muy solemnes, así que se molestaron. Con Maldita Vencindad hubo un texto en el que aparentemente los ensalzábamos, a propósito del disco Mostros, pero en realidad nos burlábamos cabrón. Sé que les cayó gordísimo. En un programa de radio Rocco se expresó muy mal de mí y por ahí me dijeron que donde Pacho me viera, me rompería la madre. Una vez me lo encontré en los pasillos de BMG Ariola, veníamos caminando cada uno de un lado y no había forma de eludirlo. Yo nunca me he peleado con nadie, pero supuse que si él me pegaba tendría que defenderme; cuando estábamos a pocos metros, me dijo: “Hugo, ¡qué gusto verte!”. Me saludó bien, así que nunca sabré si fue cierto lo que me dijeron de él. Hubo otras cosas, como cuando a Sabo Romo le reseñé uno de sus discos, el SSS, poniendo muchas “ZZZ” porque estaba de hueva. A otra bandita llamada Coma le pusimos: “si la mierda tuviera luz propia, este disco sería fosforescente”. Me enteré que uno de sus integrantes enmarcó la reseña, porque la supo tomar con humor. Igual hicimos La Mosca Redactora, una sección en la que nos burlábamos entre paréntesis de las estupideces que los músicos decían en las entrevistas. Entonces nos escribió una carta La Verbena Popular, de Nuevo León, para quejarse de lo que hicimos con su nota. Una vez, cuando venía U2 a México, la jefa de prensa de Ocesa, Lourdes Gómez, me hizo esperar casi dos horas en su oficina para decirme que si no le publicaba notas previas no me daría nunca más acreditaciones. Fue humillante. Yo le respondí que a mí sólo me interesaban las reseñas de los conciertos porque eso sí era periodismo, pero no las previas porque para eso se compraban las planas de publicidad. Nunca regresé a su oficina pero además publiqué como nota lo que me había dicho y ella se molestó muchísimo.

NI CLAPTON SE SALVÓ

Cuando alguien sacaba una revista, lo primero que hacía era invitar a Carlos Monsiváis a colaborar. Yo dije ni madres y por eso La Mosca salía con la leyenda: “en esta revista no escribe Carlos Monsiváis”. Incluso en una edición que sacamos de Rock y Mujeres, escribimos: “Aquí no escribe Elena Poniatowska”. No era nada personal contra nadie, no odio a nadie pero en este país el humor es considerado un veneno mucho más letal que la crítica agresiva. Yo no creo en el rock con nacionalidad, sino en el rock hecho en determinado país y el nivel en México es muy pobre. La Barranca me parece una buena banda de rock hecha en México, es rock sin nacionalidad aunque con dejos de mexicanismo. El Gran Silencio toca cumbias, lo hace muy bien pero no es rock aunque se disfracen de rockeros.

El otro día estaba en Mix-Up y le pregunté a un vendedor qué disco sonaba en la tienda: “Enjambre” dijo, a lo que yo respondí: “¡Qué bueno que me dice, para no comprarlo!”. El vocalista canta como Los Bukis y no está mal, es música respetable, pero que entonces no se digan rockeros. Pero para que vean que no era con los mexicanos, una vez saqué un artículo de Eric Clapton, de quien soy muy fan, en el que dije que su disco Pilgrim era una mierda. La jefa de prensa de Warner en ese momento, Mónica, me dejó de hablar y nunca más me recibió en su oficina. En resumen creo que La Mosca se atrevió a hacer cosas consideradas políticamente incorrectas, porque los periodistas de rock en este país están más comprometidos con las relaciones públicas, con que los dejen entrar al Vive Latino y les den canapés, que con su trabajo. M

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TERMÓMETRO DE RIESGO:: TXT:: JUAN CARLOS REYNA .

GUÍA BREVE DEL

NARCOCORRIDO Narcos, parrandas y ejecuciones son los ingredientes del narcocorrido. Estos cantos pretenden explicar la guerra desatada entre los cárteles y el Estado. A partir de esta edición, el músico y escritor Juan Carlos Reyna revelará todo lo que queríamos saber (y temíamos preguntar) de dicho género. He aquí la primera parte del Narcoglosario del Corrido Mexicano.

Movimiento Alterado: Adjetivo con el que se denomina, en el argot sinaloense, al universo de la locura narca. También es el nombre de un movimiento musical originado en abril del 2010 en Los Ángeles, California, promovido por dos productores culichis apodados “los Twiins”. Omar y Adolfo Valenzuela integraron un colectivo de 27 artistas oriundos del norte de México, en su mayoría de Sinaloa.

Los Twiins –aka Los Cuates Valenzuela– han producido cuatro volúmenes titulados Movimiento alterado y Cárteles unidos, el quinto y más reciente incluye 27 temas interpretados por igual número de artistas. No sólo por nacer dentro de esa locura narca se les asocia con el Cártel de Sinaloa, sino también por sus letras: "Carteles unidos es la nueva empresa, ‘El Mayo’ comanda pues tiene cabeza, ‘El Chapo’ lo apoya".

Los Cuates Valenzuela –como se les conoce a los creadores del concepto– han producido con éxito a otros artistas como Jenni Rivera y Calle 13. Ambos confesaron durante la presentación de Cárteles Unidos el 29 de octubre del 2010 en Los Ángeles, que el Movimiento Alterado pretendía imponer no un estilo musical, sino “un estilo de vida”.

Debido a que no puede ser comercializado de manera convencional, el Movimiento Alterado, se ha convertido en un fenómeno cibernético. En México no existe una legislación federal que prohiba el narcocorrido, pero muchos estados, como Chihuahua, ya han vetado su interpretación en vivo a partir de abril del 2011. Incluso, acuerdos regionales entre

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gobiernos estatales y radiodifusoras evitan su transmisión desde 2002, pero el Movimiento Alterado ha logrado encontrar su nicho en las redes sociales: “Sanguinarios del M1”, título de uno de los vídeos musicales que el colectivo tiene en YouTube, cuenta con aproximadamente ocho millones de hits.

La diferencia entre los Alterados y el resto de los compositores de narcocorrido, es que describen minuciosamente ejecuciones sanguinarias y defienden abiertamente a los villanos de la “lucha contra el narco” emprendida por Felipe Calderón.

José Ríos, mejor conocido como “El Komander”, es el intérprete más popular del colectivo. Otro de sus exponentes destacados fue Emilio Franco, quien el tres de noviembre del 2010 fue asesinado frente a su domicilio en Los Ángeles.

TRES COSAS QUE SINALOA HA DADO AL MUNDO Sus mujeres: El estado le ha dado a México cinco reinas de belleza. Muchas Miss Sinaloa se han liado con narcotraficantes, entre ellos Ernesto “Don Neto” Fonseca, Rafael Arellano Félix y Joaquín “El Chapo” Guzmán. La maldición comenzó en 1966, cuando Kenya Kemmeramand, Señorita Sinaloa 1958, fue asesinada en Sicilia, donde residía luego de haberse casado con el capo italoamericano Vittorio Giancana.

Dos meses antes de que la modelo Laura Elena Zúñiga fue arrestada en posesión de un arsenal junto a su novio, el sicario

Ángel García Urquiza –diciembre del 2010 en Guadalajara– había ganado el certamen Reina de Hispanoamérica en Bolivia. Al recibir la presea declaró públicamente que su mayor deseo en la vida era que hubiera “paz en el mundo”.

Sus mariscos: La gastronomía sencilla de la entidad está bendecida por pescado, camarón y molusco inusualmente frescos.

La cultura buchona: Como homenajeando el estereotipo del narco de la costa del Pacífico, el Buchón se caracteriza por vestir ropa ostentosa tipo Ed Hardy, y presuntamente, por no tenerle miedo a la muerte. Para ejemplo basta el canto de Los Titanes de Durango en “El Buchón”: “Yo pa los bisnes no me frikeo, tengo mi escuadra y si quieren yo les contesto”.

Así, el andar del Buchón es registrado en el narcocorrido; pues la celebración de la vida buchona, es decir de crecer pobre en la Sierra sinaloense y volverse rico por dedicarse al narcotráfico, es un tema típico para los artistas gruperos oriundos del pacífico mexicano.

Gerardo Ortiz, del Movimiento Alterado, fue víctima de un ataque en Colima el 30 de marzo, en el que murieron su representante y su chofer.

Un mes antes había sido ejecutado Alberto Lizárraga, clarinetista de la Banda Estrellas de Sinaloa y nieto del fundador de la banda El Recodo Cruz Lizárraga. Ambos se suman a una larga lista de músicos muertos, entre los que se hallan Valentín Elizalde, asesinado el 25 de noviembre del 2006, y Los Herederos de Sinaloa, ejecutados el 30 de octubre del 2010. M

ZOÉ I. Al parecer, no existen registros que lo puedan confirmar o testigos presenciales que sean capaces de hablar de ello. Nadie ha podido darme información fidedigna y en Internet no existe un sólo dato al respecto. Me baso pues en el complejo y resbaladizo expediente de la memoria. No se culpe a nadie sino a mí, de lo que pueda ser real y de lo que pueda ser producto de los más traicioneros recuerdos.

A principio de los años noventa, mis hijos Alain y Jan –hoy veinteañeros inmersos en los terrenos de la música electrónica y el diseño gráfico– cursaban la primaria en el Centro de Integración Educativa Sur (CIE) de Tlalpan. Se trataba de un colegio de esos que se llaman activos (cualquier cosa que ello signifique) y en sus aulas se respiraba un ambiente liberal y ajeno a todo autoritarismo. Cada fin de cursos se llevaba a cabo un gran festival vespertino, y por allá en 1993 y 1994, dicha celebración culminaba con la presencia de una estupenda banda de rock conformada por jóvenes preparatorianos, varios de ellos –según se decía allí– alumnos del propio CIE.

Los chavos tocaban covers en inglés y temas originales (no recuerdo si en español) y lo hacían con sorprendente calidad interpretativa.

Como buen padre rocanrolero, siempre me quedaba hasta el final con tal de ver a aquel grupo de cuyo nombre, por más que he tratado e investigado, no logró recordar.

Años más tarde, alguien me contó que algunos de los músicos de esa agrupación eran los actuales integrantes de Zoé, y que quien tocaba el bajo con ellos era nada menos que el “Queso” Bronfman (de Resorte, y muchos proyectos más). Trato de hacer un ejercicio nemotécnico y me parece recordar a un muy joven León Larregui al frente de aquella banda juvenil, aunque lo visualizo guitarra en mano (ahora rara vez toma el instrumento en vivo N. de R.), es posible que mi memoria me engañe.

Sería bueno preguntarle a él o algún otro de los miembros de Zoé si en su prehistoria tocaban en los festivales de fin de cursos del CIE.

BAJO PRESUPUESTO:: TXT:: HUGO GARCÍA MICHEL .

EN LA PREHISTORIA

II. Los años pasaron y Zoé pasó de ser una bandita marginal, a una agrupación capaz de vender cientos de miles de discos e incluso a agotar el boletaje para ¡once! fechas en el Teatro Metropólitan. ¿Quiere decir que el actual grupo es mejor que aquel que mis remembranzas me hacen ubicar a principios de los años noventa?

No necesariamente.

En la revista La Mosca en la Pared – que dirigí a lo largo de catorce años– algunos colaboradores y quien esto escribe, mantuvimos

una actitud crítica sobre la música de Zoé. En lo personal, me resulta desganada, plana, desprovista de energía y sin raigambre rocanrolera. Son un buen grupo de pop, con excelentes músicos, pero nada más. En particular me brinca el modo de cantar de Larregui, quien pronuncia el español como si estuviera cantando en inglés, aparte de adoptar un manierismo que mucho le debe (y no me parece una cualidad) al rock pop argentino.

Sí, en definitiva me gustaba más aquel grupo lleno de frescura y poderío que tocaba en el CIE que el actual. Igual ni era Zoé. M

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HABLO PORQUE TENGO BOCA::

Sospechosismo T X T : : “ C H I C O M I G R A Ñ A”.

N U E S T R O PA N D E C A DA D Í A La palabra se la escuché a un prominente político (¿se podrá catalogar con ese adjetivo a algún practicante de dicho oficio?) panista. Es una palabra curiosa, probablemente sea inventada, y sin embargo, describe perfectamente a una de las peores características que hacen del mexicano lo que es.

HACE

no muchas semanas, el América debía ganarle a Pumas (superlíder hasta esa última jornada del torneo) en C.U. para entrar a la liguilla. Sucedió y de inmediato comenzó a girar la maquinaria sospechosista.

En pleno ardor muchos, muchísimos dijeron que era un partido arreglado. Obviamente, como suele suceder, nadie aportó pruebas que sostuvieran semejante acusación. Simplemente hablan porque tienen boca e inundan las redes sociales con teorías de conspiraciones ridículas porque tienen Internet. Estos sospechonistas son auspiciados por gente estúpida, con “derecho” al micrófono, como José Ramón Fernández y David Faitelson, ambos llenos de una irresponsable sed de puntos de rating. Pero es fútbol y en verdad, no pasa tanto.

En México, el problema es que el sospechosismo ha cobrado tintes de alarma.

Más tardó en difundirse la noticia de la muerte de Osama bin Laden, que el imaginario colectivo en indicar que se tratata de una cortina de humo mundial, creada para tapar hechos verdaderamente relevantes y nefastos, que sucederían en horas o días posteriores a semejante anuncio. Por supuesto, aquí seguimos, no ha pasado nada grave (el aumento a la gasolina ha sucedido cada mes desde hace mucho tiempo) y hoy ya nadie parece recordar la gran catástrofe mundial que en teoría debía suceder.

Yo ya me cansé de esto. Hace algunos días, mientras esperaba el cambio de luz en un semáforo cualquiera, un anuncio en una barda

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me despertó. Si mal no recuerdo lo anunciado era un libro, pero lo que me pareció realmente relevante, fue la frase que usaron los publicistas para atrapar la atención de la gente: “Estamos como estamos porque somos como somos”. La frase es tan sencilla y aparentemente estúpida que se queda en la mente irremediablemente.

Lo peor es que es absolutamente cierta. Somos un país en el cual la educación es la última de las prioridades de los gobiernos, aunque se empeñen en decir lo contrario. Somos un país en el cual la gente prefiere la historia en versión telenovela que en un libro. Somos parte de una cultura donde es más fácil buscar la culpa en otras partes, antes que aceptar la propia. Somos un pueblo más bien flojo, en el cual abunda la idea de no hacer nada, pero sí de exigir condiciones de vida favorable.

Preferimos creer que el PRI es la solución a nuestros problemas porque “más vale malo por conocido que bueno por conocer”.

Somos un pueblo en el cual, muchísimas (y esto es alarmante) personas creen que deben votar por Enrique Peña Nieto “porque está guapo”.

Somos un país que sigue la boda real en el Reino Unido como si fuera realmente relevante, que acude en cantidades multitudinarias a “recordar” a un Papa muerto, pero que al mismo tiempo cree que el gobierno está nomás buscando alguna cortina de humo para lastimar a su gente.

Todo mundo se quejó de la cobertura mediática de la dichosa boda real, pero al

mismo tiempo todos la vieron. Todos se quejan y se asustan del culto a la Santa Muerte, pero todos celebran cada día 28 de octubre como si en ello les fuera la vida. Todos querían estar en el Estadio Azteca para ver a U2, aunque no sepan ni una canción de la banda, no entiendan su mensaje político (bastante errático, pero mensaje al fin) y finalmente todos quieren al ejército fuera de las calles, aunque no tengan respuesta alguna cuando se les pide alguna opción alternativa.

Sí, estamos como estamos porque somos como somos. México es un país que perdió la brújula hace algún tiempo y tristemente nadie ha podido enderezar el barco. Me cuesta bastante trabajo pensar en políticos decentes, pero me queda claro también que algunos habrá. Si vivimos todos los días con la sospecha de que el mundo entero está en nuestra contra, no vamos a llegar a ningún lado.

Desde este espacio, yo pediría que cambiemos la actitud sospechosista por una más activa y participativa. Ya estuvo bueno de decir que, en el mundo del futbol, México no juega el famoso quinto partido por culpa de los federativos. O qué ¿cómo es que Rafa Márquez puede ser totalmente irresponsable en cada ocasión que juega con la Selección Nacional y salirse con la suya? Ya estuvo bueno de tener intocables en cada sector de la sociedad. Así como todos levantamos la mano para agredir gobiernos y gobernantes por ineptos, burros y demás calificativos, también debemos hacerlo en otros sectores que se han vuelto intocables.

La Iglesia Católica y su incesante necedad de meterse en donde la Constitución se lo prohíbe, Televisa y su falta de responsabilidad social, TV Azteca y sus actitudes porriles como la del Chiquihuite, la patética prensa que tenemos…

Todos son pequeños males que nos llevan a no crecer. Todos son males que se pueden corregir si queremos hacerlo. O tal vez no y el sospechosista soy yo. M

KUNG FU PANDA 2

CINE::

LINTERNA VERDE

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X MEN - PRIMERA GENERACIÓN

61 EL VERANO ARRANCA OFICIALMENTE CON LAS CELEBRACIONES DE SAN JUAN Y EL FESTEJO DE LA NOCHE MÁS CORTA DEL AÑO. PERO ALGUNOS MERCADÓLOGOS VORACES NOS HAN METIDO EN LA CABEZA, LA IDEA DE QUE ESE VERANO EMPIEZA CUANDO EL PRIMER GRAN ESTRENO APARECE EN LAS MARQUESINAS DEL CINE. VIENDO LAS COSAS DESDE ESA PERSPECTIVA, MUCHOS ANTICIPAN –POR CASI UN MES– LA LLEGADA DE LA ESTACIÓN CALUROSA POR EXCELENCIA, Y LOS ESTRENOS DE PELÍCULAS GIGANTESCAS SE CONVIERTEN CASI EN UN FESTIVAL. SUMEMOS QUE EN LOS ÚLTIMOS 5 AÑOS (O MÁS), ESE “FESTIVAL” HA PUESTO SU ATENCIÓN EN PELÍCULAS SURGIDAS DE HISTORIETAS, NOVELAS GRÁFICAS E INCLUSO DE HÉROES QUE SE IMPULSARON DE LA TELEVISIÓN AL CINE. ASÍ, TENEMOS UN BUFFET TIPO LAS VEGAS, CON MÁS DE LO QUE SE PUEDE COMER, Y EN EL QUE NO NECESARIAMENTE SE ENCUENTRA LO MEJOR DE LA GASTRONOMÍA.

TXT:: ERIK ESTRADA.

JENNIFER

Yuh dirige Kung Fu Panda 2, y con esta película, la señorita especializada en dirección de arte hace su debut como directora de cine. No la tenía nada fácil. La primera parte de esta bizarra aventura tuvo tanto éxito que ahora, paradójicamente, corría el riesgo de nunca concretarse. Hoy que está terminada se busca un lanzamiento monumental, y no es para menos: de entrada, el reparto completo está de vuelta con refuerzos que ni los Patriotas de Nueva Inglaterra pueden soñar, Jack Black, Dustin Hoffman, Angelina Jolie, Seth Rogen, Jean Claude Van Damme, Lucy Liu, Gary Oldman, Michelle Yeoh y Jackie Chan. Para rematar, el guión se cuidó bastante (insistiré siempre: quien quiera competirle a Pixar debe trabajar sus guiones de manera extraordinaria), y aunque es obra de los también autores de la primera parte (Jonathan Aibel y Glenn Berger) los muchachos se tomaron sus buenos tres años para completar la nueva propuesta. ¿De verdad es nueva? Si Dreamworks aprendió la lección, que con un éxito inusitado plasmaron las tres partes de Toy Story, deberían presentarnos elementos nuevos, ideas que independicen a Kung Fu Panda 2 de la primera, pero sin dejarla en el desamparo.

El asunto, desgraciadamente, es que son precisamente los vecinos los que tienen todas las de ganar.

Cars 2 también se estrenará en estos días, y a pesar de estar en curiosa desventaja con respecto a Kung Fu Panda 2 (Cars es la película de Pixar con menor aceptación entre la crítica mundial), probablemente ha levantado más expectativas precisamente por ello. Sabemos que la primera parte es, en escencia, un capricho de John Lasseter (el amable mandamás en las oficinas en Emeryville), un sueño del que se acordó y con el que se casó. De hecho, hace unos años el mismo Lasseter llegó a insinuar que no trabajaría en la segunda parte, pero el hecho de que haya recibido apoyo del cuerpo creativo en Pixar, y por supuesto, el remate con el Oscar que se llevó Toy Story 3, no hace sino ponernos a pensar en una mejor película de coches parlanchines que la que tuvimos hace ¡cinco años! Ustedes hagan cuentas y saquen conclusiones.

CARS 2

Nada más para dejar claro el asunto, aunque Lasseter comparte de nuevo el crédito del director, nos hace ver algo de luz el hecho de que sean cuatro guionistas los autores de la segunda parte en lugar de los quince que firmaron la primera.

X Men, primera generación, también está en fila para su estreno en junio, y curiosamente la apreciación de esta secuela-precuela tampoco cambia mucho. La anterior película de los Hombres X no tuvo el recibimiento que el estudio esperaba, e incluso se especuló con la suspensión de proyectos surgidos de ella. Y sin embargo se mueve.

Podremos ver el surgimiento de los personajes que ayudaron a Bryan Singer a construir una película que fue casi unánimemente aceptada entre los amantes del cine de acción. Eso, claro, cuando el mundo de la historieta no estaba dentro del mundo del cine casi con calzador. Hoy las circunstancias han cambiado y por ello no podemos sino desearle suerte a este nuevo lanzamiento.

Hay también héroes primerizos. Linterna verde se prepara para su estreno de verano, y aunque es un héroe que a mí en lo personal no me dice nada, tendré que admitir que la manera en que han desvelado todo lo relacionado con la película (desde la elección del estelar, asignado a Ryan Reynolds, hasta las transformaciones en el uniforme, avances falsos y las imágenes finales que comenzaron a mostrarse en los cines hace un par de meses) sigue una estrategia que sin ser viral ataca agradablemente a quienes vivimos pegados al Internet.

THE BANG BANG CLUB

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La dirección de Linterna verde quedó en manos de Martin Campbell, de quien no hay que decir mucho más que la lista de películas de acción que ha dejado muy bien paradas, desde Casino Royale y Golden Eye (dos James Bond diametralmente opuestos pero igualmente efectivos), hasta La leyenda del Zorro, pasando por Vertical Limit y Edge of Darkness.

Eso, sin embargo, anuncia que la película será una buena oferta de acción, pero de eso a que nos reconcilie con un súper héroe bastante lejano y que se suma tarde a esta tormenta de ofertas de historieta, todavía hay un camino largo por recorrer.

La última recomendación del mes llega desde Sudáfrica, con una película llamada The Bang Bang Club. Dirigida por Steve Silver, un experto en el mundo del documental, cuenta a través de un lenguaje audiovisual muy realista, los últimos días del apartheid a través de la mirada (humana y fotográfica) de cuatro corresponsales de guerra que vivían en ese país.

Lo interesante es detectar el trabajo de los fotógrafos corresponsales en un hecho histórico que supondríamos pacífico, y la manera de filmar una ficción basada en hechos reales, de parte de un director acostumbradísimo a recoger los hechos sin filtros.

Condimentemos esto con un reparto hasta cierto punto discutible (Malin Ackerman, Ryan Phillippe y Taylor Kitsch) y tendremos una película muy particular pero que cumple con todas las expectativas que desde ahora ustedes pudieran depositar. M

CINE::

LA GENERACIÓN BEAT VISTA DESDE EL CINE “Vi las mejores mentes de mi generación destruidas por la locura, hambrientas histéricas desnudas, arrastrándose por las calles de los negros al amanecer en busca de un colérico pinchazo”.

TXT:: JUAN CARLOS HIDALGO.

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HOWL

sigue afirmándose como una de las cumbres poéticas del siglo XX, y no sólo por su parte historicista, que refleja la convulsión social de su tiempo a partir de un punto de vista íntimo, sino porque continúa siendo un alegato libérrimo que incita al ser humano a desprenderse de ataduras de todo tipo. Se trata de un poema que está vivo. Hoy resulta estremecedor, arisco y bravo como el mismo día que vio la luz, cuando en 1956 salió de la imprenta de City Lights Books, afincada en San Francisco y todavía en activo. El libro envolvía en llamas a los lectores, era una apología que buscaba la liberación del espíritu humano, lo cual no era agradable para los grupos conservadores, quienes además de cuestionaron el valor literario de la obra, abrieron un juicio contra Ginsberg por obscenidad.

Años después, esta película de título homónimo, dirigida por Rob Epstein y Jeffrey Friedman, aborda el poema desde distintas perspectivas, por lo cual es inexacto que ciertos medios de corta visión la interpreten como una mera biopic dedicada a Allen Ginsberg. Aunque “el poeta de los ojos de fuego” tuvo una existencia compleja e interesante –y Howl es la obra maestra que lo consagró– sus versos sólo son un capítulo más; si se rodara un filme biográfico integral habría que incluir sus viajes, su activismo político y las juergas que se corría con Bob Dylan, entre otros muchos.

Insistamos que en Howl, la película, el poema funciona como eje central narrativo; pues el filme se sostiene a partir de una montaje paralelo de partes bien definidas: una lectura en un pequeño antro de Frisco en la que Allen lee completo su poema. Se presentan además distintos segmentos del juicio y la intervención de varios testigos. Luego vienen extractos de una entrevista registrada en magnetófono. En esta lectura se precisan las intenciones del escritor, así como ciertos aspectos de la llamada Beat Generation –con secuencias de animación que con gran soltura recrean al texto y agregan plasticidad–.

Howl es poderosa y beligerante; raspa e ilumina por igual. Por eso es interesante que varias de sus partes se repitan, ya sean leídas por el fiscal, o bien por Ginsberg en aquella legendaria sesión a la que asistieron Jack Kerouac y Neal Cassady (amigos y escritores de los que estuvo enamorado), o bien como fondo de las animaciones que tanto nos recuerdan a las de The Wall de Pink Floyd (1982) de Alan Parker.

Epstein y Friedman han abordado previamente los hitos de la cultura homosexual en Norteamérica (son también los directores del documental El celuloide oculto), y al trabajar la cinta desde distintas capas han obtenido una obra con diferentes niveles de lectura; consta de una parte superficial didáctica, pero también de un aspecto lírico apegado a la lectura en vivo del texto, y aunada estrechamente a una soltura lisérgica que predomina en la animaciones. En suma, han logrado un buen alegato a favor de la libertad artística –necesario en este momento tan neo conservador–, en el que destaca la buena interpretación de James Franco encarnando a Ginsberg, muy contenida y sobria, lejana a cualquier cliché de lo homosexual.

EL FILME ESTÁ HECHO POR LOS DOCUMENTAS ROB EPSTEIN Y JEFFREY FRIEDMAN, QUIENES FUERON CONTACTADOS DIRECTAMENTE POR EL FIDEICOMISO DE ALLEN GINSBERG PARA CONMEMORAR EL 50 ANIVERSARIO DEL POEMA. En Aullido se muestran además de los grandes contrastes sociales de los Estados Unidos en la postguerra, sus tensiones, la lucha de un grupo de escritores –etiquetados y agrupados a fuerza mediática– que peleaban por un arte visceral y auténtico, por tratar de librar esa tendencia hacia lo pulcro y timorato. Los Beats inundaron y embriagaron de vida al arte, y en tal proceso de oxigenación se vieron inmersos en lo que hoy se entiende como contracultura, un término aún incómodo y difícil de definir. Lo cierto es que con sus aportaciones allanaron el camino en pos de mayores garantías civiles, respeto a la creación intelectual, y abogaron por la libertad sexual y de pensamiento también. M

Director Rob Epstein y Jeffrey Friedman.

Guión Rob Epstein y Jeffrey Friedman.

Reparto James Franco, David Strathairn, Jon Hamm, Mary-Louise Parker, Jeff Daniels.

País EUA.

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ARTE::

Hello Boy

SÉBASTIEN FERAUT AKA NIARK1 POR:: JIMENA GÓMEZ

En Paris, el aire huele a crepas, las calles se trazan simétricas y Sébastien Feraut, dibuja monstruos. Niark1 -como se hace llamar el ilustrador- crea un extraño universo, donde las criaturas tienen tres ojos y las formas geométricas te miran sospechosamente. En este mundo colorido y bizarro las figuras se tornan felices, caprichosas e incluso inocentes.

Niark1 y sus monstruosas creaciones se han ganado un envidiable lugar en la gráfica europea. Si quieres conocer más sobre este artista visita www.niark1.com

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Monday Wolf

La Chose Rose

Black Virgo Wash Poney

Dead End

They Watching You

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CÓMIC::

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DECULTO:: MÚSICA

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EN LA HISTORIA DE LA MÚSICA, LAS PELEAS SON COMUNES Y FOMENTADAS, YA QUE ESTA ES LA PROFESIÓN DEL EGO POR EXCELENCIA. NUNCA OÍMOS HABLAR DE FAMOSAS DISPUTAS ENTRE CONTADORES O DENTISTAS; LA GLORIA Y LA INFAMIA DE UNA RIVALIDAD BIEN LLEVADA ESTÁ –HISTÓRICAMENTE– RESERVADA PARA LAS

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ARTES Y SUS PERSONAJES MÁS COMBATIVOS: LOS MÚSICOS.

SAÚL HERNÁNDEZ VS. ALEJANDRO MARCOVICH

¿Qué pasa cuando unes a una de las figuras más talentosas del rock mexicano, con un guitarrista virtuoso argentino? Una explosión de egos del tamaño del Vive Latino.

Todo comenzó poco después de la separación de Caifanes; cuando los rumores de disputas internas –que apenas podían continuar llamándose rumores– y la batalla por la propiedad del nombre “Caifanes” se encontraba en su punto más fiero. Al final Marcovich ganó esta batalla, pero la guerra aún estaba muy lejos de terminarse.

Los dos músicos se dieron a la tarea de crear y mantener, por más de una década, una salvaje pelea verbal; declaraciones se dispararon en todas direcciones y a una velocidad impresionante.

Ganador: Ninguno. Después de años de declararse enemigos mortales, de repente y sin más, arreglaron las cosas. Se tomaron de las manos y caminaron hacia el horizonte el cual –fortuitamente– se encontraba en dirección a Coachella.

NOTORIOUS B.I.G VS. TUPAC SHAKUR

Antes de Kanye West y 50 Cent, teníamos a Tupac y Biggie. En una época no muy lejana, el hip hop era más que autos y chicas lavando dichos autos.

A principios de los 90 la escena del rap estadounidense era violenta y honesta, reflejo de una realidad desesperanzadora y brutal. La guerra en el hip hop no era metáfora y los territorios estaban bien definidos: West Coast vs East Coast.

Biggie Smalls era el peso pesado de Nueva York, mientras que Tupac Shakur representaba a la soleada California. En un estilo similar al que todavía se acostumbra, todo inició con una lucha de insultos freestyle.

Sin embargo ahí acaban las similitudes entre el hip-hop noventero y el que existe ahora. Biggie y Tupak fueron asesinados en 1993 en un tiroteo de pandillas.

Ganador: Nadie. Esta batalla no tiene un final feliz, no hay disco de reunión para Biggie y Tupac, no hay gira del reencuentro ni conferencia de prensa.

GALLAGHER VS. GALLAGHER

No hay suficientes metáforas en la Biblia para ilustrar el desdén que esto dos hermanos se tienen. La historia comenzó bien, dos hermanos ingleses se juntaron con sus amigos para formar una banda de rock. ¿Qué podría salir mal? Nada, al menos por un tiempo.

Oasis lideró uno de los movimientos musicales más importantes de los últimos años, vendió millones de discos y actuó frente audiencias en todo el mundo. Sin embargo, el ego es más denso que la sangre y las peleas no se hicieron esperar; en el lapso de un par de años la relación pasó de ser conflictiva a inexistente.

Ganador: El hermano con el corte de pelo más gracioso.

COURTNEY LOVE VS. EL MUNDO

El grunge nos dejo muchas cosas buenas, también nos hizo pasar varios momentos malos, incluso dolorosos. Y Courtney Love parece estar presente en ambos casos.

A esta rubia se le ha llamado de muchísimas formas: asesina, leyenda, sex symbol, junkie y twittera extraordinaria. Su lista de batallas, además de larga, es ecléctica. Con rounds como el que se dieron Billy Corgan y Love o Love y los ex Nirvana, es difícil negar la habilidad combativa de esta cantante.

Ganador: Courtney Love. Porque después de innumerables rounds sigue de pie y en tacones.

GILMOUR VS. WATERS

Hay una discusión que ningún fan de Pink Floyd puede evitar; ¿Quién es mejor Gilmour o Waters? La respuesta varía dependiendo a quién le preguntes, cuándo lo preguntes y con qué tono lo preguntes. Sin embargo algo es innegable: esta batalla no sólo existe en la mente de los fans; tanto Waters como Gilmour, en algún momento, han demostrado animosidad verbal y legal en contra del otro.

El conflicto inició durante la grabación de The Final Cut, álbum donde David Gilmour perdió su crédito de productor y el cual fue calificado por la critica como un álbum prácticamente de Roger Waters.

Después de esto y de que Roger se atribuyera, casi, todo el crédito creativo, se desató una lucha de poder interna que –eventualmente– se transformó en una batalla legal por los derechos del nombre. Y es que cuando Waters decidió abandonar Floyd, entre sus bajos y amplificadores quiso empacar el nombre de la banda. Los años pasaron y las carreras de solista decepcionaron, así que –y en honor de la paz mundial– la banda se reunió en el 2005 para el concierto de beneficio Live 8.

Ganador: Waters, indudablemente Waters. Porque para tener una banda extraordinaria un gran requinto no basta, son necesarias las grandes ideas.

METALLICA VS. MEGADETH

Metallica y Megadeth han protagonizado una de las batallas más feroces que la letra “M” ha visto. En varios sentidos esta disputa era inevitable, pues después de ser despedido/abandonar Metallica Dave Mustaine decidió formar Megadeth.

De ahí en adelante la banda adorno al metal con su constante y fútil competencia. Los fans metaleros –conocidos por su moderación– aceptaron esta rivalidad con los brazos abiertos y le dieron rienda suelta a su gutural voz, para mantener viva la discusión por más de 10 años.

Ganador: Metallica. ¿Quién demonios sigue escuchando a Megadeth?.

Estos son sólo algunos de los numerosos conflictos que la música ha visto y seguramente, no serán los últimos que experimentará. M

DECULTO:: CINE

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EN EL CINE HEMOS VISTO DESFILAR A INNUMERABLES VILLANOS QUE, POR ALGUNA RAZÓN, QUEREMOS VER GANAR. LLEGÓ PUES EL MOMENTO EN QUE LUCHEN POR LA SUPREMACÍA DEL MALO MÁS MALO. TXT:: JORGE ARIAS.

LOS CONTRINCANTES DARTH VADER

Amo y maestro del lado oscuro de la Fuerza.

Aunque lo has visto como un tierno infante y de la mano de Natalie Portman, es un tipo duro, robotizado, con asma perpetua y dispuesto a despedazarte.

NORMAN BATES

Clásico villano que simula ser un hijito de mami sólo para hacerte papilla con un cuchillo cebollero. Protagonista de una de las escenas más representativas del cine mundial, más te vale que no te halle solo tomando una ducha.

CONDE DRÁCULA

Aunque varios levantan la mano para ser el vampiro más temido, nadie se equipara con Béla Lugosi: ojos matadores y una sed insaciable que sólo se saciará cuando clave sus colmillos en tu yugular.

HAL 9000

En el mundo de las supercomputadoras, no hay algo más perverso que este ordenador lleno de maldad y conocimiento, con armas letales de esta y cualquier época.

FREDDY KRUEGER

Morir durmiendo jamás será una partida tranquila gracias a este peculiar personaje.

Llagas en la cara y una garra metálica son sus cartas de presentación; además, claro, de una simpática sudadera a rayas.

JASON VOORHEES

El hijo predilecto del campamento Crystal Lake, simplemente no soporta que los adolescentes le den rienda suelta a sus hormonas. Ha ido y venido de la muerte y hasta del espacio. Sin duda un tipo sui géneris.

HANNIBAL LECTER

Nada peor que un malandro que además sepa leer a las mentes débiles. Gusta de los buenos vinos, admira a Freud y su comida favorita es la quesadilla de sesos.

THE JOKER

Antes de partir, Heath Ledger nos dejó a uno de los más viles villanos de todos los tiempos.

Saluden al Guasón, que en más de una ocasión le ha hecho ver su suerte al caballero nocturno.

CÁMARA HÚNGARA

Mientras Norman Bates, vestido como su madre, se sienta en una mecedora escondiendo su letal cuchillo debajo de sus enaguas, Jason le canta un tiro derecho a Freddy Krueger pues, como se sabe, estos villanos tienen historia. HAL está muy interesado en hablar con Hannibal “The Cannibal”, así que decide enviarle un mensaje de texto a su celular.

Sigilosamente el Conde Drácula se acerca a Joker, quien está distraído pensando por qué Lord Vader anda tan serio.

Krueger acepta el duelo: machete contra garra de acero marcan el comienzo de un sacadero de chispas de proporciones épicas. El Joker, quien mira de reojo a Drácula, ha clavado un lápiz sobre la mesa, sólo en caso de que el chupasangre se acerque demasiado.

Hannibal le pide educadamente a HAL que espere, pues antes de charlar quisiera un ligero tentempié: mira a su alrededor y decide lanzarse sobre la yugular de Drácula, pues al final todos pueden esperar un ataque de “El Caníbal” menos el oriundo de Transilvania, ¿no?

Bates, sentado en su mecedora, saca su tejido y murmura una canción.

CAÍDOS EN COMBATE

Darth Vader se desespera con la lucha cuerpo a cuerpo, cara a cara, que sostienen Freddy y Jason pues –como siempre ocurre– los dos amenazan con matarse, pero ninguno da un golpe mortal. Con ayuda de la Fuerza les arrebata sus armas de acero mientras su sable láser, letal como siempre, cercena el cuello de ambos ídolos del Slasher. Sus cuerpos, aún con movimiento, van a dar a los pies de Bates, quien usa su cuchillo cebollero para rematarlos una, otra y otra vez.

En otras acciones Hannibal, quien mordió al Conde más colmilludo de la historia, tiene serios problemas gastrointestinales

pues, a fin de cuentas, comió carne putrefacta y se retuerce por todo el lugar. HAL, desesperado por no atacar con su famoso terror psicológico, se pone en modo “Reposo” para guardar energías. Drácula decide atacar a Joker, sólo para ser víctima del viejo truco del “Lápiz que desaparece” enterrado en uno de sus mundialmente famosos ojos. Ya con media visión, la sed sangrienta hace presa del heredero de las glorias de Transilvania, por lo que abandona a su presa para recuperar energías. Bates sigue tejiendo.

BATALLA FINAL

Mientras Hannibal pide una copa de Chianti, su vino favorito, para ver si así logra recuperarse, Drácula le drena el líquido vital de sus venas, dejándolo fuera de combate. Por otro lado, Vader se desespera con el imbécil de Bates, por lo que usa la fuerza para atacarlo lanzándole a HAL. El súper ordenador sale de su letargo sólo para ver cómo, tras ser esquivado por Norman y su mecedora, se embarra contra el muro para quedar inservible.

Joker decide atacar: confabula con Drácula para que juntos ataquen a Bates.

Mientras el Conde busca la yugular de ese “Hijo de mami”, Bates le entierra su cuchillo cebollero en el pecho, y le atraviesa el corazón. Mientras tanto, el junior estalla en una catarsis cuasiorgásmica. Joker aprovecha sus carcajadas para plantarle una granada en la boca; aunque Norman intenta quitársela, es demasiado tarde: su madre le espera en el más allá…

El Joker, que hasta el momento ha ejecutado sus planes a la perfección, habla con Vader para explicarle que él no es malo, tan sólo ha intentado sobreponerse al dolor que le ha causado el perder a toda su familia; le dice: “tú y yo no somos tan diferentes y nos necesitamos mutuamente ya que sin mí, tú no existes”. Nuestro asmático Sith, desconcertado ante estas palabras, se sienta un momento a reflexionar. El Joker piensa que el momento final ha llegado, y se acerca a Vader para atestar el golpe fatídico; pero Vader, tan volátil de carácter como siempre, se incorpora, toma a Joker por el cuello y exclama: “¡Yo Soy Tu Padre!”.

SU MALIGNIDAD

Todo ha terminado, Lord Vader ha demostrado, una vez más, que a malo nadie le gana. Con una tranquilidad que sólo poseen los más grandes villanos, se sacude un poco el polvo mientras espera que llegue su transporte intergaláctico.

Todos han sucumbido, murmura el Sith mientras se aleja del campo de batalla. Al fondo del lugar –entre una pared y una mecedora– un monitor roto se enciende, comenzando la restauración de su disco duro… M

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DECULTO:: ARTE

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IGUAL QUE EN LAS MÁS FINAS BARRIADAS Y EN LAS MEJORES FAMILIAS, EN EL VECINDARIO DEL ARTE TAMBIÉN HAY MANO NEGRA Y ZAFARRANCHOS. LA MAYORÍA DE LAS VECES, LOS INVOLUCRADOS FINGEN ECHARSE TIERRA EN NOMBRE DE LA SALVACIÓN DEL SENTIDO, LA NOBLEZA O EL DECORO DEL ARTE. PERO LA VERDAD ES OTRA. ¿QUIÉN PUEDE NEGAR QUE UNA MALA CRÍTICA GENERA UN PLACER MALSANO? ¿SE HAN PERCATADO DE QUE DETRÁS DE TODO NUEVO MOVIMIENTO ARTÍSTICO, SIEMPRE HAY UN BONCHE DE EGOS EXIGIENDO FLASHES Y FORTUNA? ¿NO CONTIENE TODO PACTO LA SEMILLA DE SU TRAICIÓN? INSULTOS, PUÑALADAS POR LA ESPALDA Y VENGANZAS QUE SE COMEN MUY FRÍAS RONDAN ENTRE CRÍTICOS, ARTISTAS, CASAS DE SUBASTAS Y HASTA DEBAJO DE LOS PUENTES. ESTO ES SÓLO UNA PROBADITA. TXT:: REGINA ZAMORANO

Cubismo ultramachista

Cuando Picasso presentó a Georges Braque como “su esposa”, perdió su amistad para siempre. Viniendo de un artista ultramachista, que consideraba a las mujeres en dos sopas, ––“diosas” o “tapetes”–, la frase no era muy halagüeña que digamos. Pero no se escandalicen, afortunadamente Braque ya le había ayudado a crear el cubismo, así que tanto Picasso como la historia del arte podían prescindir de él.

H vs. H

En 2004, Robert Hughes –uno de los detractores más aciagos del arte contemporáneo y de su mercado– quiso actualizar The Shock of the New, un programa de TV que retrataba la realidad del arte de los 80 (haciendo pedazos a Basquiat, entre muchos otros). Por supuesto, para su nueva versión el crítico quiso incluir imágenes de las obras de Damien Hirst, incluso buscó hacerle una entrevista, pero el artista se negó rotundamente a sabiendas de que terminaría hecho papilla… el pobre Hughes se quedó con las ganas.

Corte a: cuatro años después

Hirst organizó una subasta sin intermediarios, la cual causó desenfreno mediático. El futuro banquete de billetes exasperó a Hughes, quien despotricó en artículos y discursos en contra de Hirst; refiriéndose a su famoso tiburón como una simple “mercancía de mal gusto”. Por otra parte, la subasta no resultó ilesa: “Si hay algo que destacar, es la enorme desproporción entre los precios de su obra y talento” remató Hughes categóricamente. Pero a nadie parece importarle, ya que Hirst recaudó más de 270 millones de dólares; además, logró que los precios de sus productos (tiene tres centros de producción donde al menos 100 empleados le fabrican sus “obras” como Oompa Loompas) subieran como la espuma.

Por si esto fuera poco, se tomó el tiempo de declarar que seguramente Hughes es tan reaccionario que “lloró (como nena, le faltó decir) cuando murió la reina Victoria”. La pugna terminó, pero a Hirst le sigue pareciendo cómico dar entrevistas con una playera del programa The Shock of the New.

Cachetadas con guantes sucios

Una mañana de diciembre de 2009, Robbo —pionero del graffiti londinense, que actualmente se dedica al noble oficio de reparar zapatos— amaneció con una escandalosa noticia. Al parecer Banksy, la superestrella del street art, se tomó la libertad de retocarle una de

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sus pintas, la cual tenía 25 años debajo de un puente en Regent Canal.

Al respecto, Robbo dijo: “Mi honor está en juego, y aunque sea navidad voy a recuperarlo”, aunque en realidad quiso decir, “vaya oportunidad de hacerme publicidad”. Las leyes no escritas del graffiti consideran una grave ofensa pintar encima de la obra de un colega, peor aún después de tantos años; por ello, mientras sus hijos abrían sus regalos, Robbo decidió hacer justicia por su propia mano.

A partir de ahí se desató una guerra de aerosoles y stencils.

“King Robbo” ya ha modificado varios diseños de Banksy para vengarse de su afrenta ¬–pese a no saber a ciencia cierta si Banksy es el autor de todas las afrentas–. Obviamente, el autoproclamado rey se ha visto recompensado con toneladas de publicidad, entrevistas, e incluso algunas ofertas de galerías. El graffitero no se cansa de recordar que cuando conoció a Banksy en los 90, éste le dijo que jamás había oído hablar de él, a lo que Robbo respondió: “Tal vez no hayas oído de mí, pero nunca vas a olvidarme” y le soltó el bofetón que ha resultado tan redituable.

Insaciables

Para acrecentar sus ingresos, que de por sí no eran nada deleznables, las dos mayores casas de subastas, Christie’s y Sotheby’s, se pusieron de acuerdo a mediados de los 90 para fijar los precios de las comisiones impuestas a los vendedores, una práctica ilegal en Estados Unidos, que les aseguraba jugosas ganancias extras. Todo iba muy bien para las dos firmas hasta que François Pinault —sí, el que se casó con Salma— se convirtió en socio mayoritario de Christie’s. Inmediatamente despidió al director ejecutivo, Christopher Davidge, por abusivo (sus viáticos incluían una renta de 35 mil dólares), pero éste lo chantajeó con denunciar las prácticas que el antiguo dueño, Anthony Tennant, había iniciado y que él, con su manita santa, había implementado. Davidge obtuvo ocho millones de dólares de Pinault e inmunidad para él y Tennant, pero no contento con eso fue a contarle todo a la policía.

Así, Tennant –que empezó todo– se exilió en Gran Bretaña, donde ese delito es menor, mientras que el dueño de Sotheby’s, Alfred Taubman, fue juzgado y encarcelado en 2002. A sus 78 años, pasó nueve meses en prisión, pero no se preocupen, su fortuna de 750 millones de dólares le ayudó a pasar el trago amargo. Lo más escalofriante es que el escándalo no alteró prácticamente en nada la reputación ni las ventas de las dos casas, que siguieron recibiendo joyas, obras de arte y antigüedades de las “mejores familias”, y acaparando la mayoría del mercado, como si no hubieran abusado de sus clientes.

No importa lo que esté en juego, la maquinita de hacer dólares con el arte no dejará de girar, y ni la verdad ni la lealtad podrán evitarlo. M

M A R V I N R E C O M I E N D A

Un caleidoscopio sonoro LA

GANG GANG DANCE EYE CONTACT 4AD

historia de la música se sustenta sobre ciclos y procesos. Al menos en la escena contemporánea hay una tendencia a cierto reciclaje, pues su movimiento es cíclico. Gang Gang Dance viene trabajando desde hace una década, y se ha destacado por dar una importancia decisiva a la improvisación. Por ello sus directos tenían una energía espontánea, tanto, que incluso llegaban a desbordarse. En Saint Dymphna (2008), ese lado salvaje seguía suelto, pero ahora que han contado con mayores y mejores recursos de producción, hay que considerar que los encauzaron a su favor.

Una parte crucial de la improvisación es dejar fluir, lo que sin duda ocurrió durante la creación de Eye Contact, pues desde su tema inicial, “Glass Jar” –que dura poco más de 11 minutos– el grupo deja que sus elementos se desgranen a través de un impecable trabajo de Chris Coady (productor de su disco debut y colaborador en discos recientes de Yeah Yeah Yeahs, Zola Jesus, Beach House y TV On The Radio).

El equipo se conoce bien, lo cual facilitó el acomodo de los elementos: hay cantidad de electrónica eufórica, sonidos étnicos de oriente –tratados sin exotismo–, muchas pistas de teclado y una voz evanescente que nos remonta a los mejores años de Cocteau Twins, banda insignia de la vieja estética de 4AD, disquera que los fichó para este trabajo. Aún con el relevo de su personal, la banda ha conservado criterios estrictos de calidad, encauzados al tipo de sonidos de su disquera.

Eye Contact es un disco de aquellos que contienen un sencillo impresionante. “Mindkilla” es un estallido rítmico que nos traslada a un Caribe digital, a un trópico futurista. Aquí es donde se aprecia la batería de Jesse Lee –recién integrado a la banda– y que les ayuda incluso a probar con el R&B más mutante que se conozca: “Romance Layers”, en la que también colabora Alexis Taylor de Hot Chip.

Gang Gang Dance sigue gustando del riesgo y la capacidad para experimentar sobre la marcha. Sin duda, uno de los discos más notables en lo que va del año. Es urgente tomarlos en cuenta.

TXT:: JUAN CARLOS HIDALGO.

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R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1 Algunas constantes en el mundo del rock & roll son el uso de ritmos rápidos, melodías pegajosas y letras que hablen de desamor. La premisa de esta reseña es que no debemos esperar mucho de The Vaccines, un conjunto de jóvenes ingleses que repiten esa fórmula, con todos los trucos antes mencionados, y como suele pasar, llegan en un momento donde el rock básico estaba casi muerto –dominado por la electrónica y sus híbridos–. Desde la Ramonesca "Wreckin Bar (Ra Ra Ra)” hasta "Family Friend" entregan once canciones que buscan revivir el pasado, pero sin ser una copia al carbón. Sus letras son salvajes, como ejemplifica "Post Break-Up Sex" y su ¿respuesta?

"If You Wanna", la punky "All In White" y su lado "oscuro" en “Blow It Up". Nos queda claro que no The Vaccines no vienen a salvar al rock, sólo le dan más longevidad.

THE VACCINES

T X T: : JASIEL VILLA.

WHAT DID YOU EXPECT FROM THE VACCINES? COLUMBIA RECORDS

METRONOMY THE ENGLISH RIVIERA

BECAUSE MUSIC

THE ANTLERS BURST APART FRENCHKISS RECORDS

THE VIBRATORS PURE MANIA

Punk salavaje, rápido y adolescente, con letras sexuales, rebeldes y amorosas. Lo mismo, pero 34 años antes.

GIRLS! GIRLS! GIRLS! 25 ALL-TIME CLASSICS OF THE GIRL GROUP SOUND

La influencia en The Vaccines es evidente, surf-pop-rock-soul de grupos de chicas a mediados de los 60.

THE STROKES IS THIS IT

Hace 10 años con un debut honesto y lleno de actitud, abrieron un nuevo camino que resuena hasta estos días.

Como un simple escucha –digamos ocasional– debemos darle una gran palmada en la espalda a Joseph Mount (genio productor y mente detrás de la banda). Llegar al tercer disco puede parecer simple, pero en el caso de Metronomy es un poco distinto, ya que su carrera ha ido en ascenso sin llegar al tope de popularidad. Y aunque su momento llegó al adaptarse casi por casualidad dentro del new rave, con "Nights Out", surge la pregunta: ¿Por qué de entre tantas bandas con un sonido similar lograron hacerse de un nombre? Es simple, ganaron años de experiencia al debutar antes que los clones de esa generación. Al contrario de las grandes bandas que se queman la cabeza, estos muchachos no se complican tanto, son los mismos Metronomy que conocemos, pero con ligeros ajustes. Ahora suenen menos electrónicos, aunque más cercanos al rock; y al olvidarse de lo experimental se volvieron más orgánicos y digeribles. Ya no hay tantas invitaciones a la pista de baile, pero con ese entusiasmo y originalidad siempre serán bienvenidos.

ULTRAVOX SYSTEMS OF ROMANCE

T X T: : JASIEL VILLA.

Su segundo álbum marcó una evolución notable, muy similar a Metronomy.

Si buscas a un banda igual de dramática que Radiohead, pero de la que aún puedas presumir cierto sentido de pertenencia, el nuevo disco de The Antlers es una buena opción. Su segundo disco se titula Burst Apart, y es una buena manera de sumergirse en el océano de estos clavados y sentimentales hacedores de canciones. Lo mejor del álbum son las programaciones y los sonidos suaves de la guitarra – donde menos es más–, pues con ello demuestran que no es necesario saturar una idea para que suene perfectamente bien lograda. Mis tracks favoritos son “French Exit” –que parece The Postal Service en un plan un poco más obsesivo– y la hiper-down “Hounds”. Lo que no me gustó es que de repente se pasan de profundos y aburren. De cualquier manera, se trata de un racimo de canciones que irradian elegancia, a pesar de los lugares comunes de “Parentheses” o de “Every Night My Teeth Are Falling Out”, que suena como si Carlos Santana palomeara con Sigur Rós.

BON IVER FOR EMMA FOREVER AGO

T X T: : A L E JA N D R O M A N C I L L A .

Pioneros en tejer híbridos entre la electrónica y el rock.

CLOR CLOR New wave revisitado en pleno 2005.

WHO MADE WHO THE PLOT

Todo mundo (hasta los poperos) hablaban de este sentimental grupo. Entra en la onda, escúchalo. No lo combines con una decepción, ni con este disco de Antlers

RED HOUSE PAINTERS SONGS FOR A BLUE GUITAR

Cuando todos los demás te fallen, ahí estará este disco de los Red House Painters esperándote.

CODEINE THE WHITE BIRCH

Segundo disco de los neyorkinos y referente del movimiento slowcore.

79

R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1

EXPLOSIONS IN THE SKY

¿Qué sigue después del post-rock? Con este nuevo disco y luego de cuatro años de receso, Explosions In The Sky continúa navegando por la senda marcada por ese género –y sus convencionalismos–, y aunque no se trata de una revelación musical, en conjunto es una buena colección de canciones atmosféricas; claro, donde la guitarra se mantiene como protagonista. “Trembling Hands” y “Postcard From 1952” son mis cortes favoritos, ya que demuestran el apego a esos momentos “in cresendo” tan característicos en su proceso creativo. También destaca esa especie de psicofonía en tres actos titulada “Let Me Back In”. Sin mucha novedad, la banda regresa con un sube y baja emocional que no necesita etiquetas. Si eres fan quedarás satisfecho, pero con la sensación de que este disco pudo haber salido hace tres años… o dentro de veinte.

T X T: : A L E JA N D R O M A N C I L L A .

TAKE CARE, TAKE CARE, TAKE CARE TEMPORARY RESIDANCE

Tengo una playera de Sonic Youth que Gloria Trevi me halago un día… ¿y eso qué? Bueno, es que de esa banda todos, absolutamente todos tenemos una referencia, y por eso, siempre se puede decir algo bueno o malo de ellos. En esta ocasión, el guitarrista y creativo de los otrora jóvenes sónicos se pone sensible e invita a Beck para que le produzca un disco acústico, en un mood tranquilo y claro, muy diferente a lo que el guitarrista hace habitualmente con su banda. El resultado es un disco que recuerda un poco al sonido patentado por Neil Young, aunque las canciones están más viajadas que de costumbre, como “Circulation”, que está dedicada a la menstruación y al fin del mundo en 2012. ¿De cuál le habrá dado Beck? Un disco recomendable para fans y no fans de Sonic Youth.

THURSTON MOORE

WILD BEASTS

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HEX BARK PSYCHOSIS

Este disco es el culpable de que alguien acuñara el temino postrock en los 90.

AUSTIN TV FONTANA BELLA

Si tus referencias son más bien locales, Austin TV ha representado dignamente este estilo lleno de texturas y eternamente instrumental.

THE BAND MUSIC FROM BIG PINK Si tienes un grupo folk y Bob Dylan es tu fan, es como fundar una religión y que el Papa sea tu seguidor.

BECK MODERN GUILT ACOUSTIC No confundir con el disco de 2008.

Un año después, el mismo Beck lanzó una versión acústica del mismo álbum.

SONIC YOUTH WASHING MACHINE ¿Les dije que este nuevo disco de Moore no sonaba a Sonic? Ok, de todos modos vale la pena que escuchen uno de los mejores trabajos con su banda.

¿Qué define a una bestia? La existencia de su fuerza e ímpetu extraordinario, la oscuridad en su naturaleza, la estupefacción que causa su repentina aparición. ¿Debería ser horripilante por fuera, pero bella por dentro, o todo lo contrario? Según Hayden Thorpe, de los Wild Beasts, siempre se han sentido como una criatura difícil de querer: “por más que trato de escribir una canción dulce, termina siendo una creación bizarra”. La banda fue nominada al Mercury Prize en 2010 por Two Dancers, pero se encontraban compitiendo frente a The xx y Foals y su presencia fue casi imperceptible. Tal vez con Smother logren finalmente catapultarse a los anaqueles de la música británica, y nada sería más justo, ya que es una maravilla, casi un diez, una obra triste y oscura que se interna en temas pasionales, que se hace acompañar por falsetes y una convivencia sublime de todos aquellos instrumentos que tejen melodías en conjunto: dibuja un bosque lleno de paisajes salvajes, sexuales, de amoríos y lujuría, fauna y sintetizadores, monstruos y deseos, de miedo y desesperación.

T X T: : “ E L J E R GA S ”.

80

Además de ostentar un nombre de criatura gremlin, la banda heredó esta "otra criatura" que consta de un sólo track. Un viaje junkie postrocker de veinte minutos de duración.

T X T: : A L E JA N D R O M A N C I L L A .

DEMOLISHED THOUGHTS MATADOR / ARTS AND CRAFTS MÉXICO.

SMOTHER DOMINO RECORDS

MOGWAI MY FATHER, MY KING

TV ON THE RADIO NINE TYPES OF LIGHT Este año sacaron un gran disco.

Un tramo requerido si pasan por los Wild Beasts.

THE NATIONAL HIGH VIOLET Visitaron apenas nuestro país en el marco del Vive Latino 2011.

WILD BEASTS TWO DANCERS El disco que les hizo ser nominados al Mercury Prize

R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1

ARCTIC MONKEYS SUCK IT AND SEE DOMINO RECORDS

Los golden boys británicos maduraron rápidamente, aunque comenzaron muy jóvenes, lo hicieron con los ojos de la prensa musical sobre ellos. Afortunadamente su destino no ha sido fatídico y cada disco ha gozado de un éxito moderado. Ahora cambiaron el frenesí y la jovialidad por un sonido más denso y espeso. Sería muy cómodo decir que Suck it and See suena “retro”, ya que más bien continúa con lo que nos propusieron en Humbug. El resultado es cercano al trabajo de Marc Bolan con T-Rex o al de Paul Weller con The Jam: rock sin pretensiones, bien ejecutado, meticulosamente grabado y bien mezclado. Una vez más, James Ford (miembro de Simian Mobile Disco y productor para The Klaxons, The Last Shadow Puppets, Mystery Jets y Florence and the Machine) fue el encargado de producir el álbum, desde Favourite Worst Nightmare ha hecho una buena mancuerna con la banda, además de formar parte del proyecto alterno de Alex Turner, The Last Shadow Puppets. Suck it and See ofrece más que un título divertido y sugerente, sus doce tracks tienen actitud y carácter, aunque destacan el primer sencillo “Don’t Sit Down ‘Cause I’ve Moved Your Chair” y “Love is Laserquest”.

T X T: : J E S Ú S B I L LY.

CASS MCCOMBS WIT’S END DOMINO

THE JAM GREATEST HITS

Paul Weller y compañía hicieron siempre su santa voluntad, buscando también nuevas formas de entretener a la audiencia.

PAUL WELLER WAKE UP THE NATION

Un ejercicio experimental de gran calidad. Digno aspirante al Mercury Prize del año pasado.

BLACK REBEL MOTORCYCLE CLUB BEAT THE DEVIL’S TATTOO

El blues oscuro y endemoniado cobra vida con las guitarras semihuecas de estos señores.

LEONARD COHEN SONGS OF LOVE AND HATE Una voz de hierro que hipnotiza a cualquiera.

¿Por qué está tan triste Cass Mccombs? O más importante aún ¿Por qué se empeña en contagiarnos su tristeza? El quinto LP de este cantautor californiano, condensa un discurso de soledad y tedio, sumergido en melodías melancólicas y bellas. Es sorprendente lo que cabe en una instrumentación discreta. El álbum no es una invitación a la autocompasión o a asumirse emocionalmente miserable, ni deja un mal sabor de boca; por lo contrario, es muy disfrutable, y en un contexto adecuado invita a la catarsis. El proceso de Mccombs es lento, seamos sinceros, el señor se toma su tiempo y si somos pacientes se nos recompensará. Wit’s End avanza a paso lento, pero seguro, arranca con una serie de baladas dignas de un baile de graduación: voz y guitarra acústica, una tímida sección de ritmos y un sintetizador de acompañamiento. Imaginemos una escena juntos: el cielo nublado anuncia lluvia, Mccombs toca su guitarra acústica en medio de un granero abandonado y un poco de eco. Al otro lado, Leonard Cohen apaga la colilla de un cigarrillo con su zapato, se limpia la garganta y se acomoda el sombrero, mientras se aproxima a Mccombs y le da una palmada en la espalda.

JOHN CALE PARIS 1919 Su trabajo más emblemático.

GRAHAM COXON THE SPINNING TOP Una faceta antes desconocida de este gran guitarrista… el folk.

T X T: : J E S Ú S B I L LY.

COLD CAVE CHERISH THE LIGHT YEARS ARTS & CRAFTS / MATADOR

Matador Records está en una de sus mejores rachas, y para muestra el lanzamiento de este segundo álbum. Todo indica que después de Cherish the Ligth Years (editado por Arts & Crafts en México), las cosas serán distintas para Cold Cave. En su debut, este proyecto no consolidó un estilo propio; los temas resultaron muy dispares y la producción se perdió entre sintetizadores y loops. Aún así, el sencillo “Love Comes Close” puso a bailar a más de un hipster. En esta ocasión, el encargado de la producción fue Chris Coady –Yeah Yeah Yeahs, TV On The Radio, Blonde Redhead, Delorean y Beach House–. Cherish es más agresivo que su predecesor, y aunque predomina el synthpop y es altamente bailable, no deja de ser mórbido y oscuro. Eisold alcanzó la perfección vocal (considerando que viene de desgañitarse en proyectos de hardcore), es potente y emocional, pero sin plagiar a Dave Gahan o a Ian Curtis. Estamos frente al soundtrack de una historia de amor fallido –escondida detrás de ropa negra y toneladas de delineador para los ojos–, de esas que sólo podrían surgir en Nueva York.

compañía.

DEPECHE MODE BLACK CELEBRATION A partir de aquí, la cosa se pone buena con Martin Gore y

CUT COPY IN GHOST COLOURS Las viejas reglas, pero con nueva tecnología

THE CURE PORNOGRAPHY La primera parte de la trilogía bendita.

T X T: : J E S Ú S B I L LY.

81

R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1

EDDIE VEDDER UKULELE SONGS UNIVERSAL

Hace tiempo quedó establecido –pero no faltan talibanes– que Eddie Vedder no debe ser etiquetado dentro del grunge, ya que es un vocalista de muchos matices, con un registro robusto y gran potencia. En este disco establece que aun sin acompañamiento eléctrico y con apenas algo de instrumentación puede tener hallazgos interesantes. Canto y cuerdas agudas le bastan para desarrollar un ejercicio de estilo, en 16 piezas a las que acaso hay que acotar su semejanza (quizá hubiera sido oportuno intercalar con banjo), y mencionar que el ukulele ya es un instrumento recurrente en la nación indie (¿o debería decir hipster?). Las composiciones originales son 12 (considerando que "Can't Keep" es de Pearl Jam) y hay tres versiones: “Sleepless Nights” de The Everly Brothers (a dueto con Glen Hansard de The Swell Season); “Dream a Little Dream” de The Mamas and The Papas y el clásico para ukulele “Tonight You Belong To Me”, en el que además canta la hermosa Cat Power. Ukulele Songs no causará un punto de inflección en la historia, pero no desmerece. La fuerza de la voz prevalecerá sobre el instrumento.

T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

PANDA BEAR TOMBOY PAW TRACKS

THE LEISURE SOCIETY INTO THE MURKY WATER FULL TIME HOBBY

En ciertos artistas, el modus operandi determina el producto final. Hay los que se apegan a fórmulas, y quienes cambian de procedimiento en cada entrega. Noah Lennox –aka Panda Bear– sigue obsesionado con las estructuras, y las modifica en espiral tanto en su carrera solista como en Animal Collective. Cuando el colectivo grabó Merriweather Post Pavillion, surgió un documento sonoro de proporciones históricas. Después, Noah concibió en solitario Person Pitch como un álbum complementario que coincidió en hallazgos y exploraciones. Para Tomboy no utilizó el sampler como base y se apegó a una guitarra y un sinte Korg M3-M. ¿El resultado? Las canciones se volvieron sombrías y se redujeron en ritmo. Antes que afirmar algo, en estas piezas optó por lo meditativo, por abrir espacios para esbozar y especular. A cuatro años de su antecesor, Noah se siente cómodo probando otros recursos, pero mantiene ciertas obsesiones –como esa reminiscencia de Brian Wilson y los Beach Boys en “Surfer Hymn”–.

T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

Quizá sea defecto profesional, pero estas historias me encantan: en el competidísimo ambiente británico, Nick Hemming llevaba más de diez años tratando de destacar, sin conseguirlo… hasta que se unió con Christian Hardy. Ambos pensaron que nuevamente no pasaría gran cosa, pero The Sleeper (09), el debut del grupo, fue acompañado por la diosa fortuna y el panorama les cambió. Ahora llegó el momento de revalidar su amalgama de pop de cámara con folk. A pesar del título del disco, el contenido no es melancólico o lóbrego, sino cálido y reconfortante. Podemos decir que se mueven en una franja entre Mumford and Sons (“Although We Are All Lost” y “I Shall Forever Remain An Amateur’’) y Belle & Sebastian (“Dust On the Dancefloor”, hiper recomendable), pero siempre con modestia y sin la parte épica.

El sostén del álbum son los arreglos, que siempre van en función de los vientos y las cuerdas, aun cuando refuerzan la parte más pop, como en el sencillo “This Phantom Life”. No olvidemos que más allá de los rascacielos del rock and roll hay muchas edificaciones menos ambiciosas, pero atractivas. La modestia nunca cae mal y menos si viene acompañada con algo de inspiración.

T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

82

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EDDIE VEDDER WATER ON THE ROAD

DVD de un concierto en Washington D.C. (agosto de 2008), en el que toca versiones de Pearl Jam y de otros músicos.

AMANDA PALMER PLAYS THE POPULAR HITS OF RADIOHEAD ON HER MAGICAL UKULELE

La ex-vocalista de The Dresden Dolls recrea el cancionero de los de Abingdon, apoyada en esta especie de guitarrita.

DENT MAY & HIS MAGNIFICENT UKULELE THE GOOD FEELING MUSIC

Un crooner que desgrana sus penurias y fracasos rasgando su ukulele. Una rara joyita.

AVEY TARE AVEY TARE

Otro miembro del Colectivo Animal, Dave Portner, sacando a relucir sus sonidos más obscuros y personales.

PANDA BEAR PERSON PITCH

Primer proyecto solista que funciona como un manual de instrucciones de apetencias y filias; a partir de él se entiende mejor su aportación a la banda.

ANIMAL COLLECTIVE FEELS

El crecimiento del grupo ha sigo gradual, pero este fue el preludio para que su maraña sonora se convirtiera en algo muy grande.

FLEET FOXES FLEET FOXES

Guardan tanta sintonía con sus respectivos primeros discos, que a los ingleses les decían los Fleet Foxes británicos. Ahora cada uno sigue su propio rumbo.

TINDERSTICKS FALLING DOWN A MOUNTAIN

De la banda de Stuart Staples toman esa búsqueda de elegancia espontánea.

10,000 MANIACS OUR TIME IN EDEN

Para recibir lecciones sobre indie-folk, nada mejor que esta banda de leyenda.

R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1

LOST ACAPULCO LOS OBLIGADOS RACING TEAM TERRÍCOLAS IMBÉCILES

AMON TOBIN ISAM NINA TUNE

URSS BAJO EL ÁRBOL LIN3AS M3NTAL3S INDEPENDIENTE

Andrés García nos recibe en este disco proclamándose el “Rey del Rock and Roll”, el problema es que, a partir de ahí todo se vuelve pura técnica y poco feeling. “Burning Patrol” empieza con fuego y se apaga a los dos segundos, “La astronauta” es un grato viaje submarino entre botes de narcos y pulpos gigantes, “Koenji High School” me despierta de la monotonía de “Green Beans”, mientras “No chilles” es la canción que esperaba... con un espantoso solo de guitarra. Los Obligados Racing Team arranca quemando llanta sobre la carretera federal al infierno, a lo lejos son atrapados por aspectos técnicos, pero llegan al infierno. Los motores llaman y Juanito Wau nos abre las puertas a Zombie de Los Sleepers. Bajo entero, guitarras hipnóticas y ritmo necio son los caballos. Flores, amor y muerte el camino. Pero le falta gas y cochambre al Racing Team.

T X T: : PA M E L A C H U.

Amon Adonai Santos de Araújo Tobin, o simplemente Amon Tobin, es un músico radicado en el Reino Unido, pero brasileño de nacimiento. Sin duda, es uno de los artistas más inquietos del sello Ninja Tune. Si no está incendiando sus conciertos a la par de piezas visuales de hip-hop, crea material con su proyecto alterno, produce música para videojuegos o trabaja en su siguiente disco en solitario, como es el caso de ISAM, su séptimo larga duración de estudio. En este disco se aleja un poco de los bajos masivos que caracterizan sus trabajos anteriores, y en su lugar se acerca a la paleta auditiva de una manera mucho más minúscula. Hay pianos, cajas de juguete, cuerdas, voces dulces, percusiones orgánicas y altas texturas. Los que no lo conozcan se pueden llevar una gran sorpresa al descubrir sus mutaciones, así como el diseño de su fina amalgama sonora. Para quienes lo ubican, encontrarán su trabajo más minucioso y detallado a la fecha. Infalible.

T X T: : LU I S C L É R I GA

Un novel sexteto del DF ha dado sorpresas en los últimos meses.

Desde el nombre pareciera que estamos ante una banda con una sensibilidad mucho más artística, que la inerte camada local.

En su sonido conviven una guitarra muy distorsionada y otra extremadamente melódica, dos polos opuestos que pueden crear cierta simbiosis: no es excesivamente abstracto, pero tampoco sosamente popero. Agreguemos letras metafísicas, algo de jazz y progre (no demasiado); todo bañado en ácido sobre una sección rítmica sólida. ¿Qué obtenemos? Un carrusel psicodélico en el cual muchos empiezan a disfrutar de un colorido paseo, ya sea en los pasajes atmosféricos o en las explosiones aceleradas. Como grupo joven, aventarse a lanzar su primer EP en acetato debe de ser motivo de celebración. De seguir el camino correcto, URSS Bajo el Árbol podría convertirse en una gran banda avant-garde ofreciendo algo de lo que carece la mayor parte de la música experimental: una conexión emocional con su audiencia.

T X T: : LU I S C L É R I GA .

GUATS MALDITO REGGAETÓN

Por su sonido plano y predecible.

TELEKRIMEN SESIÓN EN EL ALICIA

Por el surf (y porque en Marvin piden tres referencias).

TWIN TONES NACIÓN APACHE

Por si los escuchas mucho. Todo se parece.

NINJA TUNE XX VOL. 1 & 2

Un acoplado doble por los 20 años de Ninja Tune, la ecléctica disquera a la que pertenece Amon Tobin.

TWO FINGERS TWO FINGERS

Amon Tobin se une a Doubleclick para hacer mancuerna en un proyecto lateral de hip-hop.

CHAOS THEORY SPLINTER CELL SOUNTRACK

Aquí, Amon se puso más ambicioso e invitó a múltiples músicos internacionales para acompañarlo en la banda sonora del videojuego de Ubisoft.

LOS DORADOS FEAT. CUONG VU INCENDIO

Con el neoyorquino Cuong Vu, Los Dorados han abierto el camino para el acid jazz en México.

CABEZAS DE CERA HECHO EN MÉXICO

Sin duda uno de los mayores exponentes experimentales mexicanos a nivel subterráneo e internacional.

LA ESPECIALIDAD DE LA CASA LA ESPECIALIDAD DE LA CASA

Un colectivo joven en el prog-funk psicodélico. Quizá los contemporáneos más directos de la URSS.

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R E S E Ñ A S L I B R O S 3 X 1 Quedar estático sugiere un desprendimiento de sí, sin embargo, la inmovilidad es imposible cuando se ha pensado en un Yo. De tal idea partió el posmodernísimo Disecado de Mario Bellatin (México, 1960), una novela corta donde se exploran los laberintos de la subjetividad. El ¿Mi Yo? de Bellatin constituye una entidad retórica que ha de cuestionarse sobre la existencia, la experiencia, la vocación, el tiempo y el recuerdo.

Leer la amable narrativa del autor, nos hace imaginar a un Bellatin consumado que se hace acompañar de un Bellatin al hombro; chiquitito y autorreferencial, el mini Bellatin entraña en las memorias de su autor y lo hace escabullirse en miserias y fortunas. Así, el ¿Mi Yo? logra quedar pausado, inmóvil, suspendido, disecado, pues –en palabras del autor– ‘solo así se aprecia la grandeza de la plenitud’. Para Mario Bellatin, esta obra representa la introspección y el descubrimiento de nuevos rostros a partir del carácter observacional de uno mismo.

MARIO BELLATIN

T X T : : A N D R E A V I CTO R I A B R AV O PA Z .

EL MENOR ESPECTÁCULO DEL MUNDO ED. PÁGINAS DE ESPUMA

IVÁN THAYS UN SUEÑO FUGAZ ED. ANAGRAMA

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Relato sobre el fin de los días a causa del SIDA.

MARIO BELLATIN POETA CIEGO

Sobre sectas que pervierten.

MARGUERITE DURAS EL AMANTE

Otra novela de introspección, finísima, poseedora de una narrativa exquisita.

DISECADO ED. SEXTO PISO

FÉLIX J. PALMA

MARIO BELLATIN SALÓN DE BELLEZA

Cada escritor termina por hallar el género al que mejor se adapta y que le permite transmitir su visión de las cosas. Hay que reconocer que es difícil que en un libro de cuentos, cada uno alcance el calificativo de notable, pero Palma hace el intento y casi lo consigue. Cuando acierta construye historias memorables, como aquella en la que un tipo se comunica con el ectoplasma de un tío muerto, a través de mensajes escritos en el retrete del baño de una cantina, o en la que un hombre escribe cartas a su hija haciéndose pasar por su muñeca perdida y buscando explicar tal desaparición. Casi en cada texto los protagonistas son masculinos y han sido dejados o están a punto de serlo. El abandono y la imposibilidad del amor están siempre latentes, así como la inserción de lo fantástico en escenarios aparentemente domésticos y comunes.

En esta obra también desfila un buen número de ancianos, lo cual enfatiza la escasez de esperanza. Este español es un escritor hábil que incluso logra dar la vuelta a los cartabones típicos del género. Palma sabe como infiltrarse, muchas veces a través de estratagemas tales como considerar al amor: “el menor espectáculo del mundo, porque sólo puede ser visto por dos espectadores al mismo tiempo”.

T X T : : J U A N C A R LO S H I DA LG O .

Le han llovido los elogios; Alfredo Bryce Echenique y Vargas Llosa han destacado su nivel literario, su pulcritud. Y sí, se trata de una escritura minuciosamente calculada, elegante, pero que en su grandilocuencia carece de emoción y visceralidad. Acaso lo más interesante del libro es que se trata de un cúmulo de cuentos que al concatenarse, conforman una estructura dinámica de novela. El peruano se da a la tarea de reconstruir el derrotero de cada uno de los miembros del taller literario “Los centenos”, que existió muchos años atrás en Lima, y del que salieron al menos tres figuras destacadas rumbo a la celebridad europea. Otros se perdieron en sus propios abismos. Así, ese estira y afloja con la fama es el pretexto escritural de la obra. ¿Qué hay después de esos escasos segundos de fama? Thays ofrece personajes en su mayoría antipáticos, petulantes y culteranos que causan repulsión acerca de la figura del escritor. De refilón muestra un Perú partido por las diferencias sociales.

Se trata de un libro muy bien escrito, pero escaso de auténtico nervio.

T X T : : J U A N C A R LO S H I DA LG O .

FÉLIX J. PALMA EL MAPA DEL TIEMPO

Su incursión en la novela. Con ella obtuvo el premio Ateneo de Sevilla en 2008.

ANDRÉS NEUMAN ALUMBRAMIENTO

Le ha ido bien con la novela, pero comenzó siendo un cuentista avezado con el que Palma comparte más cosas que una misma editorial.

PATRICIA ESTEBAN ERLÉS AZUL RUSO

“Páginas de espuma” apuesta por contar con algunas de las mejores propuestas de cuento en español que se escriben hoy día. He aquí una probadita.

IVÁN THAYS UN LUGAR LLAMADO OREJA DE PERRO

La novela que colocó al peruano en el tablero internacional de la literatura. Finalista del Premio Herralde 2008.

JULIO VILLANUEVA CHANG ELOGIOS CRIMINALES

Periodista sagaz que fundó la revista Etiqueta negra. Sin él, la literatura del actual Perú no sería lo mismo.

JAIME BAYLY LA NOCHE ES VIRGEN

Otro polémico –y hasta irritante– escritor peruano. Ave de las tempestades imprescindible.

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VISIONARY FILMMAKER COLLECTION

EL CISNE NEGRO DIRECTOR: Darren Aronofsky REPARTO: Mila Kunis, Natalie Portman, Vincent Cassel, Christopher Gartin, Winona Ryder, Sebastian Stan, Barbara Hershey, Janet Montgomery, Toby Hemingway y Kristina Anapau.

PAÍS: EUA GÉNERO: drama, thriller AÑO: 2011 Además de ser considerado el “thriller psicológico del año”, Black Swan marcó un regreso triunfal para Darren Aronofsky, quien ya anticipaba una obra maestra con “El luchador”.

Más allá de los cinco Oscares ganados, El Cisne Negro también muestra una faceta inquietante y seductora de Natalie Portman –que interpreta a una bailarina bipolar– en lo que quizá sea el papel más importante de su carrera. Por otra parte, las actuaciones de Mila Kunis, Vicent Cassel y Winona Ryder son de primer nivel y añaden la tensión que este guión demandaba.

Como la trama de esta peli ya es de dominio público, vale más resaltar los extras incluidos en la edición para Blu-ray: una hora y media de características especiales no incluidas en el DVD, con escenas del proceso de filmación, entrevistas con el reparto, así como con Darren Aronofsky.

CYRUS DIRECTOR: Jay y Mark Duplass REPARTO: John C. Reilly, Jonah Hill, Marisa Tomei, Catherine Keener, Matt Walsh, Diane Mizota, Kathy Wittes, Katie Aselton, Jamie Donnelly y Tim Guinee PAÍS: EUA GÉNERO: comedia AÑO: 2010 Aunque esta película entra fácilmente en la categoría de peli dominguera, en este caso la definición no tiene porque ser necesariamente negativa. Imaginen a un tipo llamado John, que luego de divorciarse dura siete años sin agarrar ni un resfriado. El señor está tan solo, que ya en la desesperación decide salir con su ex esposa… acompañada de su actual marido.

Los tres se van a un reventón casero en el que, finalmente, John se enamora a primera vista de Molly (sí, interpretada por la guapísima Marisa Tomei). Hasta aquí suena todo bien, pero en algún punto, la seductora Molly se da cuenta de que está saliendo con padre e hijo al mismo tiempo, y es donde la historia da un giro inesperado. ¿Qué podrá más, el amor paternal o la pasión desbordada?

DIRECTOR: Stanley Kubrick INCLUYE: 2001: A Space Odyssey A Clockwork Orange The Shining Full Metal Jacket Eyes Wide Shut Lolita Barry Lyndon Para nadie es nuevo que la piratería sea el enemigo número una de varias industrias. Sin embargo, las colecciones se cuecen a parte, ya que atrapan a los fans de hueso colorado en la medida que ofrezcan algo extra que las obras aisladas no tengan (remasterizaciones, fotos inéditas, textos, entrevistas, etc.), y que la piratería jamás podría ofrecernos. Esta colección dedicada a siete películas de Kubrick incluye un DVD extra con material adicional sobre Naranja Mecánica, comentarios de varios expertos, entrevistas de archivo poco vistas, especiales de realización, perfiles profesionales y algunas otras sorpresas.

Aunque ya hay varias compilaciones que reúnen el trabajo de Kubrick, esta edición destaca por su elegante y sobria presentación, además de que por primera vez podremos disfrutar de estos clásicos en formato Blu-ray.

RR EE SS EE ÑÑ AA SS LMI ÚN SK ISC A 3 X 1 T X T : : E L "J E R GA S ".

The Selby Is In Your Place

Pleasure Hunt

Chamo San

Idioma: inglés Link corto: www.theselby.com

Idioma: inglés Link: http://pleasurehunt.mymagnum.com

Idioma: español/inglés Link: http://cargocollective.com/chamosan

Todd Selby es un fotógrafo que enfoca su trabajo en retratar artistas dentro de su entorno personal, desde los lugares donde obtienen inspiración y hasta los sitios donde más tarde realizan sus obras. El proyecto abrió en 2008.

La agencia que tuvo a su cargo este sitio promocional para un helado, no inventó la dinámica de que las páginas interactúen con el usuario, pero sí lo perfeccionó al crear un juego de plataforma, en donde tomas control de una linda chica, en su búsqueda de chocolate a través de los anaqueles del Internet. No se lo pierdan, puede ser un hito en la publicidad.

Chamo es un ilustrador que estudió y vive en Barcelona. En su web tiene algunos dibujos a lápiz y un par de álbumes fotográficos para inspirar las ideas.

Los Simpson + Pulp Fiction

Make Your Franklin

Jorge Pedro en el DF

Idioma: inglés Link corto: http://bit.ly/ifteyF

Idioma: inglés Link: http://makeyourfranklin.com

Idioma: español Link: www.jorgepedro.com

Desempolvando un enlace que les será interesante si son seguidores tanto de la caricatura como de la película. Según cuenta la historia, un ilustrador de Film Roman –la compañía que trabaja detrás de Los Simpsons– creó estos bocetos donde algunos de sus personajes recrean escenas del filme de Tarantino. Estos dibujos se colaron y para nuestra suerte fueron a dar a este blogspot.

Se trata de un proyecto para que artistas reinterpreten el billete de 100 dólares, protagonizado por Benjamin Franklin. Si ustedes quieren aportar, pueden hacerlo sin ningún costo.

Ha trabajado en el mundo editorial y tiene una sección de ocio en Reactor. Un eterno enamorado de la Ciudad de México. Gocen de las anécdotas, recomendaciones y crónicas de Jorge Pedro, su guía.

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R E S E Ñ A S G A M E R Xbox y PS3 T X T : : C A R LO S G U T I É R R E Z .

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MOTORSTORM APOCALYPSE F.3.A.R Distribuidor: Sony Computer Entertainment Género: carreras Consola: PS3 Clasificación: T (Adolescentes) Número de jugadores: 1-16 Fecha de salida: mayo 2011 MotorStorm es una de las franquicias exclusivas para el PlayStation 3.

Desde su primera versión se ha caracterizado por ofrecer un juego lleno de adrenalina, con gráficos más allá de este mundo. En Apocalypse, los límites de la consola se empujan todavía más allá de lo esperado y nos entregan una experiencia llena de acción, choques espectaculares y escenarios dignos del Apocalipsis.

En MotorStorm Apocalyspe, cada que algún jugador comete un error se desata el caos con destrucciones espectaculares. Las carreras ocurren en una desolada ciudad de San Francisco, por lo que algunos escenarios serán reconocibles por los jugadores.

En el modo de un jugador la historia es bastante olvidable, pero funciona para explorar cada una de las pistas. La velocidad que se refleja en cada carrera es extrema, aunque eso mismo puede que cause algo de confusión para el jugador novato.

El juego soporta algunos modos multijugador que le agregan horas de acción, pero también incorpora compatibilidad con 3D, por ello, si se cuenta con un televisor compatible con esta tecnología, la experiencia puede ser aún más profunda. Se trata, pues, de un título imprescindible si gustan los juegos de carreras arcade llenos de acción.

Distribuidor: Warner Bros. Interactive Género: acción en primera persona Consola: PS3, Xbox 360 y PC Clasificación: M (Mayores de 18 años) Número de jugadores: 1-4 Fecha de salida: junio 2011 La tercera parte de esta saga de acción y suspenso nos trae de regreso a Point Man, el súper soldado que apareció en la primer entrega. La historia, complicada, se desarrolla nueve meses atrás, cuando Point Man y el equipo de solados llamado F.E.A.R., son enviados a detener a Paxton Fettel, un caníbal con poderes telepáticos. En este capítulo podrás elegir si juegas como Point Man o como Fettel, y disfrutar de la historia con dos perspectivas muy diferentes.

Pero no sólo la historia es terrorífica, el juego de acción en primera persona tiene giros inesperados y un ambiente que le pondrá los pelos de punta a más de uno. Visualmente ofrece atmósferas oscuras y escenas de sangre muy bien detalladas. Además, el sonido le imprime carácter y mucho suspenso adicional.

Finalmente, se puede jugar en modo cooperativo –un jugador será Point Man y el otro Fettel–, y cuatro modos versus, ya habituales en este tipo de juegos. Así que, fanáticos del terror, el suspenso y la acción, no lo piensen más y vayan por este gran título.

ELPILÓN::

r a t s e l l a B s e c in

V

TXT:: JIMENA GÓMEZ

El dibujo me comenzó a interesar desde muy jovencito a través de los primeros copis que llegaron a mis manos; Alex Raymod con Flash Gordon, Milton con Terry y los Piratas, el Príncipe Valiente de Harold Foster. Estos fueron los principales ilustradores que me llegaron mucho.

Quizás el que ha influido mucho en toda mi obra ha sido él, quien ya ha fallecido hace años y que fue famoso incluso en Estados Unidos: Jose Segrelles, valenciano ilustrador internacional, un gran artista. También algunos norteamericanos como Harold Foster Smith y Dean Cromwell.

El primer personaje que me cautivó fue la Lady Dragon de la serie Terry y los Piratas de Milton Caniff, quizás por las señoras guapas, las pistolas, o todo el conjunto de este personaje.

Yo siempre he pensado que si hay que dibujar a una mujer, habría que hacerla bonita, incluso forma parte de la novela.

Añade un poco de misterio y esto que llamaban glamour.

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O R T E R O L O D N A P I C I T AN

Pero sorprendentemente mi personaje favorito fue Aquiles, no sé por qué razón, pero lo heroico y titánico me impactó mucho.

Nombre: Vinces Ballestar.

Lo que más me gustaba dibujar eran los esqueletos, aunque daban mucho trabajo, costillas y eso. Pero es un símbolo más bien terrorífico, se prestaba mucho a la fantasía.

En México la muerte tiene un atractivo festivo.

Profesi—n: ilustrador. Su trabajo incluye las novelas de John Sinclair y carteles taurinos de Espa–a.

El arte mexicano me hace pensar en los grandes muralistas como Siquerios, Orozco, Rivera, esto es lo que me llega más cerca, naturalmente Frida Khalo. Todos estos pintores que llegaban a España por su inmensa fama.

De México sé una broma: Manolete le pegó un corrada a un toro y dijo que en México hasta las corradas sabían bien.

Me hubiera gustado mucho, no la corrada, pero sí haber visitado México; me gusta mucho su música, las rancheras, Jorge Negrete. Pero conocer México directamente hubiera sido una gran experiencia.

Edad: 82 a–os.

Pa’s: Espa–a.

Pr—ximos proyectos: expondr‡ su trabajo por primera vez en M xico, en la galer’a V rtigo (Colima 23 Loc. A Col. Roma Norte) hasta finales de julio.

La experiencia más curiosa que me ha pasado como ilustrador fue cuando me pidieron una portada para John Sinclair –esta novela se escribía en alemán y una agencia lo traducía– de un chino con un melón en la cabeza. A mí me pareció de lo más extraño, pero bueno, dibujé al chino con el melón en la cabeza. Al poco tiempo me devuelven la portada, la única vez que pasó, porque resulta que ellos querían un chapeau melon, es decir, un bombín. Tuve que quitar el melón de la cabeza y poner un bombín. M