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05-OCT-18

164 Especial de moda 6

ELSA Y ELMAR

No te lo tomes personal, baby

ESPECIAL DE MODA #6

TODXS SOMXS MODA

05-OCT-18

164 Especial de moda 6

TINO EL PINGÜINO

Peleado con lo genérico

ESPECIAL DE MODA #6

TODXS SOMXS MODA

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RUBYTATES

Tu nueva banda favorita

ESPECIAL DE MODA #6

TODXS SOMXS MODA

05-OCT-18

164 Especial de moda 6

TRAICIĂ“N

Rebeldes de la heteronorma

DIRECTORIO PRESIDENTE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@marvin.com.mx EDITOR UILI DAMAGE uili@marvin.com.mx DIRECTOR DE CONTENIDOS PABLO PULIDO pablo@marvin.com.mx DIRECTOR DE ARTE HÉCTOR MONTES DE OCA hector@marvin.com.mx DISEÑO GRÁFICO ADRIANA GALLARDO adriana@marvin.com.mx RESPONSABLE DIGITAL HOMERO NÚÑEZ homero@marvin.com.mx REDACTOR WEB SANDRA RODRÍGUEZ sandra@marvin.com.mx ITZEL ROJAS itzel@marvin.com.mx

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Daniela Elbahara, Aarón Enríquez, Arturo J. Flores, Juan Carlos Hidalgo, Vicente Jáuregui, Mixar López, Toño Quintanar e Itzel Rojas.

REPRESENTANTES EN EL INTERIOR DE LA REPÚBLICA TOLUCA EDUARDO URIBE MORALES aliasdg@gmail.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@marvin.com.mx PACHUCA ALFREDO GARCÍA r.u.d.o@hotmail.com IMPRENTA IMPRENTA AJUSCO, S.A. DE C.V. José Ma. Agreda y Sánchez 223, Col. Tránsito, Ciudad de México, 06820, México Teléfono +52 (55) 5132-1100 MVN 164 :: ESPECIAL DE MODA 6

PROJECT TRACKING ISRAEL ARIAS israel@marvin.com.mx DIRECCIÓN COMERCIAL Y RP DELHY SEGURA delhy@marvin.com.mx VENTAS ÓSCAR PADILLA oscar@marvin.com.mx ALIANZAS Y OPERACIÓN MONTSERRAT ASCANIO montserrat@marvin.com.mx EDITOR CÓMIC ÓSCAR G. HERNÁNDEZ oscarghx@marvin.com.mx ESTRATEGIA DIGITAL AURELIO VARGAS aurelio@marvin.com.mx PRODUCCIÓN FERESHDE MOLUK feresh@marvin.com.mx ADMINISTRACIÓN JESSICA FRAGOSO jessica@marvin.com.mx DISTRIBUCIÓN EDUARDO CORTÁZAR ROSAS MARVIN TV PEDRO VELASCO pedro@lphantfilms.com

CONTACTO

Cozumel #61- PB. Col. Roma Norte CP 06700.

México DF. Tel. (55)1998 0808 (55)1998 1818 Contacto: contacto@marvin.com.mx Suscripciones: suscripcion@marvin.com.mx

MARVIN

VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD.

Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 164 correspondiente a: SEPTIEMBRE 2018. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores.

Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2016-011911392500-102. MARVIN es una Marca Registrada.

Contenido

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ESPECIAL DE MODA 6 SEPTIEMBRE 2018

En portada 30 ELSA Y ELMAR. La urgencia de amarte a ti mism@ 36 TINO EL PINGÜINO. Nada aquí es genérico 42 RUBYTATES. El principio de algo que nos está gustando un chingo 48 TRAICIÓN. “Todos quieren el arcoíris pero nadie le pone dinero al arcoíris”

Música

Cine Literatura Cómic

El Pilón

6 TECNOLOGÍA 7 ESTILO 8 EN MEGÁFONO. Noticias frescas para el mundo actual 18 STAND-UP. Nancy Villaló 20 INDUSTRIA: Compra Moda Nacional. Entrevista con Juanchi Torres 22 TIRZAH. El grandioso minimalismo del amor 24 MOUNT EERIE. El amor y la muerte –aquí y ahora– 26 TRONO MOB. Hambre de crecer, ¡pero más de bailar 48 DE CULTO: JB DUNCKEL. 58 DE CULTO. RUTH E. CARTER. Confeccionando la piel de la pantera negra LITERATURA 54 HORACIO GARDUÑO. Punks, provocación, sexualidad y mucho denim 60 GLADYS PARKER. El cómic viste a la moda 62 Cómic del mes: SOFÍA FLORES. 64 DIABLO GUARDIÁN.

Editorial

E

l final del tercer cuarto del año llega en este sexto especial de moda de Marvin, nuestro ya tradicional September Issue.

Y este año, final del período del gobierno mexicano actual, refleja en todos los ámbitos de la vida nacional una mirada generalizada, apuntada a la esperanza.

El termómetro musical apoyado en los looks que quedan reflejados en nuestras cuatro portadas coleccionables, si bien define claramente el acompañamiento sonoro de cada representante, no es exclusivo o excluyente de cómo debe vestir quien sigue a estas músicas: son propuestas líquidas, fluidas, acorde al momento que vivimos y que demanda cambios de percepción, de actitud y más profundamente, de los criterios de lo que debe llevar la etiqueta de “moda hecha en México” vs. “moda lucida en todo el globo”.

El vanguardista colectivo Traición, rebasa sus propias fronteras conceptuales de presentar una corriente de pensamientos manifestada en la música, la moda y las fiestas, al llegar a nuestras páginas con una representación viva de su propio emblema, el Polencho, el ser andrógino que abandera cada una de sus expresiones culturales.

Elsa y Elmar, cantante colombiana de dreampop se toma un momento para dejar aflorar la versión más rotunda de su persona artística en apenas, una breve sesión de fotos.

Rubytates hablan desde su trinchera en Toluca, Estado de México, con la lengua que ya predomina en las frecuencias sonoras de una generación inquieta, misma que ya amenaza con tomar las riendas del rock pop.

Y a sabiendas de que el hip hop habla por una buena mancha poblacional en el orbe, Franco Genel, “Tino el Pingüino” en persona, entra a la conversación con un discurso puro y a vistas, de identidad fuertemente local, apuntando lo que sucede desde el caló urbano, como se entiende en este final de la década.

Muchas formas y versiones de la voz de la moda se nos escapan aquí, por meras restricciones de espacio, pero sirva este número 164 de Revista Marvin para estimular tu curiosidad de indagar en los abundantes ejemplos para vestirnos ante el mundo, y refrendar las ideas de que todos somos moda, y desde estos espacio y tiempo que estamos viviendo, nos expresamos así: con una autenticidad inapelable.

Uili Damage @uili

Uili Damage @uili

Estilo

@fashionsecrets93 poniendo a Amazon en la cima

Amazon no suele ser el sitio donde buscarías prendas y accesorios de vanguardia en la moda. Para contradecirte y sorprenderte, la estilista de moda angelina, Keely Murphy, de sólo 25 años lleva el perfil @ fashionsecrets93 y “desentierra” auténticas gemas ocultas dentro de Amazon, que en verdad querrás ponerte. Murphy ha desarrollado un gusto espectacular para encontrar equivalentes de toda gran tendencia en curso, a “precios Amazon”. Aún cuando su gusto se carga mucho a los artículos de nostalgia, cada descubrimiento publicado en su cuenta es un obligado de cualquier influencer. Previamente la cuenta se llamó @AmazonFashionSecrets, pero en lugar de afiliar de alguna manera a Murphy o siquiera ofrecerle una plaza interna, Amazon la contactó para solicitarle retirar el perfil, siguiendo una de sus políticas contradictorias.

FILA DISRUPTOR II La nostalgia de los noventa regresa

MEMORIABILIA DE Los expertos en calzado deportivo de colección conocen a este modelo de FILA como los “ugly sneakers” o “dad sneakers”, pero en definitiva, el tiempo y la moda han jugado a favor de los Disruptor 2: Lo que surgió como la nostalgia y el rediseño de los modelos noventeros, ahora se han convertido en un “must”.

En 1996, FILA lanzó DISRUPTOR II y conmocionó al mundo con su última innovación. Este 2018, más de veinte años después, el mismo diseño todavía electrifica al mundo con su estilo futurista y su tendencia: Los “ugly sneakers” regresan para quedarse.

Su silueta gruesa, robusta y deportiva, cambian de contexto y con un espíritu que bandea entre el manga y el hip hop, se convierten en un objeto de deseo codiciadísimo y dan paso a que FILA innove e interrumpa de vuelta en la industria del calzado, capturando la fuerza disruptiva de este modelo, la cual hace ruido a cada paso.

THOM YORKE Ya está disponible (y volando) Thom estará de gira por Estados Unidos durante noviembre y deciembre, interpretando cortes de su material solista en una presentación de electrónica en vivo, en compañía del productor de Radiohead, Nigel Godrich y el artista visual Tarik Barri.

Oliver Coates será el telonero que lo acompañará y para estas presentaciones, ya está disponible la línea de coleccionables conmemorativos en la tienda virtual W.A.S.T.E. Headquarters. T shirts para hombre y mujer, sudaderas gorras, pins, morrales y sudaderas.

Adquiere tu(s) artículo(s) favorito(s) en https://store.wasteheadquarters. com/collections/thom-yorke-atoms-for-peace

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Tecnología

FENDER

ORII

en la comididad de tu habitación

transforma tu dedo en un smartphone

Además de sus amplificadores y guitarras, la tradicional marca Fender está apostando a dispositivos para la casa. Inspirados en el look de sus amplificadores de concierto, la marca lanzó el Fender Newport, una bocina inalámbrica que luce las típicas perillas de los amplificadores, para controlar el amplio rango de sonido que ofrece una bocina a la cual la batería le durara más de 12 horas.

Smartwatch

de la mano de Armani Primero, las empresas de tecnología comenzaron a entrar al terreno de la moda, pero en los últimos años hemos visto el fenómeno a la inversa, y prueba de ello es que Emporio Armani esté lanzando este smartwatch, el cual incluye un procesador Qualcomm’s Snapdragon 2100 y funciona con Google Wear OS. La batería de este smartwatch puede durar hasta dos días y el “Emporio Armani Connected Smartwatch” te permitirá trackear tu movimiento diario, organizar tu calendario, notificaciones y es compatible con algunas aplicaciones de terceros.

En un mundo donde los wearables están cada vez más presentes en nuestra vida diaria, llega al mercado un anillo que incluye muchas funciones: el principal objetivo del anillo es sustituir la pantalla de tu teléfono por este asistente por comandos de voz. ORII usa conducción ósea, lo que permite colocar tu dedo en el oido y escuchar llamadas y usar Siri o Google Assistant. Con un costo de $150USD, las primeras unidades de este gadget ya se encuentran listas para ser enviadas a todo el mundo.

Toda tu música

en un solo dispositivo La mayoría de las personas estamos usando servicios de música de streaming, pero siempre existe el problema de la capacidad de tu teléfono o si descargaste o no la playlist… Pensando en esto, Sony retoma su línea Walkman y lanza al mercado el Walkman NW-ZX300 que no es más que un reproductor de MP3 con la habilidad de reproducir archivos de alta calidad. Con un armazón de aluminio y 64 GB de disco duro, Sony ofrece más de treinta horas de música para cualquier tipo de viaje

Look Vintage

con sonido actual

Klipsch es una marca de bocinas de gama alta que se caracteriza por el color cobre como toque de distinción de sus equipos, y esta no es la excepción: el Klipsch Heritage es una bocina inalámbrica hecha con materiales como madera y tela con un look vintage. La bocina ofrece una calidad de audio superior a la mayoría de su categoría ofreciendo soporte para formatos de audio lossless y conectividad con varias bocinas inalámbricas por lo que podrás escuchar el mismo audio en distintos lugares de tu casa.

REVOLIGHTS Andar en bicicleta por la ciudad es tarea riesgosa y si lo haces de noche necesitarás un sistema de iluminación efectivo: Revolights es el sistema inteligente que cuenta con una aplicación para controlar todas sus características. Con capacidad de encenderse y apagarse en automático, direccionales, alertas de clima, registro de tus rodadas, estatus de batería y “conteo de logros”, Revolights te da todo lo que necesitas para tener una mejor experiencia en tu bicicleta.

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En megáfono

Tras una exitosa primera edición en marzo, Compra Moda Nacional presentó en días recientes la segunda edición del único festival en México que combina pasarelas y conciertos.

En esta edición, la música será representada por la revelación del house alemán, Satin Jackets, cortesía de Discos Panoram; JKRIV de Estados Unidos; Nuclear Digital Transistor de Colombia; Pauza de Cuba; Pato Watson, Costera, Mely Cantú, Valentina Moretti, Ilse Hendrix y Mr. Nahu de México, todos juntos en una gran fiesta donde la moda será protagonista.

En cuanto al segundo rubro estelar de este gran evento, podrás disfrutar pasarelas exclusivas de Alejandra Quesada, NO NAME Studio, y Jorge Ayala Paris, así como un Trunk Show con lo último de Levi’s, quienes regresan con su tailor shop para que puedas “customizar” tus prendas, además de experiencias por parte de L’oreal Colorista y por primera vez, una plataforma cortesía de Cerveza Victoria en pro de los talentos emergentes, como una iniciativa en pro del diseño y las instituciones educativas que forman a los diseñadores del mañana.

Además de las pasarelas y conciertos, en el evento encontrarás un exclusivo showroom, el mencionado tailor shop, un hairlab, y spots selectos de gastronomía.

Además, la organización del festival y sus aliados llevan el tema del diseño de moda mucho más lejos: en más de cinco instituciones de educación universitaria, se reciben propuestas de estudiantes, donde los resultados se someterán a votación en la página de Festival de Frente para elegir a doce seleccionados, mismos que presentarán su trabajo el día del festival, frente a un jurado de expertos que reconocerá a un solo ganador. #FestivalDeFrente está programado para el 29 de septiembre, y los boletos ya están a la venta en el sistema de boletos en línea Boletia: https://festival-de-frente.boletia.com y toda la información a detalle la encuentras en: www.festivaldefrente.com, /FestivalDeFrente y @festdefrente. ¡Celebra la moda!

LLEGA LA SEGUNDA EDICIÓN DEL FESTIVAL QUE MEZCLA MODA Y MÚSICA EN MÉXICO: #FESTIVALDEFRENTE

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En megáfono

ESTRENA PHONO CÓMICS #2, AHORA CON ¡SABINO!

Phono Cómics es un proyecto donde se narra que, sin importar los foros llenos, los conciertos exitosos y canciones con miles de vistas en canales digitales, hubo un principio donde todo parecía irreal y el objetivo del éxito musical se veía lejano.

Por medio de entrevistas y convivencia con distintos raperos, llegan estas colaboraciones entre músicos e ilustradores puntuales que nos cuentan las historias de la aventura de la música, tras bambalinas; para llevar al público una manera diferente de vivir una parte del archivo biográfico, específicamente de la escena del rap nacional.

Es septiembre y la segunda historia de Phono Cómics ya está aquí, con una nueva aventura y un nuevo talento mexicano –hasta se podría decir que tiene continuidad con el primer ejemplar con Lng/SHT–, mostrando caras y lugares conocidos de la escena independiente de la zona centro del país.

El cómic asoma una cara de la historia que muchos no conocen, retratando los inicios del proyecto de este rapper y de cómo se empezaba a forjar un camino en una escena musical que era ajena a él. No siempre estuvieron los millones de views o los sold out en la carrera de Sabino, el rapero tapatío. El principio del camino fue ríspido, con inconvenientes que parecían sacados de una comedia. Si bien la vida no fue muy amable con él en esos momentos, el artista no aflojó el paso.

En esta edición, la pluma de Edkkar se encuentra a cargo de la narración gráfica y puede adquirirse a partir de la primera semana de septiembre en el Kichink! de Phono Música y tiendas Stax (Ecatepec, Lindavista y Patio Revolución).

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En megáfono

FESTIVAL D’ÉTÉ QUÉBEC: UN SUCESO IRREAL EN UN SITIO IRREAL.

FOT:: FEQ

Quebec -así, escrito en español-, no puede ser real.

Y no hablamos de la hermosa y francesísima arquitectura de la ciudad, al pié del. Ni de sus abundantísimas actividades recreativas bajo techo o al aire libre, históricas, culturales y atractivos naturales. Quebec no puede ser real por su gente, los quebequenses.

Y es que ellos no profesan un afecto por su ciudad común y corriente, no es una pasión patriotera y panfletaria. Los quebequenses aman Quebec llevando a cabo acciones constantes y permanentes por su ciudad, mismas que le dan una identidad irreplicable: los quebequenses hacen a Quebec, todo el día y todos los días.

Nosotros lo descubrimos visitando la ciudad con el pretexto de asistir al Festival d’été Québec: diez días ininterrumpidos de celebración para chicos y grandes TODO el día con diez escenarios -incluyendo un impactante anfiteatro para ochenta mil asistentes-, en un espacio incrustado en el centro de la ciudad, con actos de primer nivel en música, atención verdaderamente ejemplar en los servicios dentro del área de festival -alimentos, logística, producción… ¡impresionante!-, espectáculos y atracciones en muchos locales que participan dentro el programa fuera de la zona de festival, ¡brazaletes transferibles validos para los diez días!, paquetes de grupo en las zonas de alimentos con atención completa y servicio incluido mientras el festival esté operando, y bueno… volviendo al cartel musical, ¡qué cartel!

The Weekend, Jethro Tull, Chromeo, Brokhampton, Neil Young, Bonobo, Passenger, Future, Loud, Shawn Mendes, The War on Drugs, Foo Fighters, Car Seat Headrest, Frank Turner, Metz, Beck, Phoenix, The Skatallites, Lorde, Cyndi Lauper, Galaxie, Femi Kuti, Avenged Sevenfold, Bullet for My Valentine, Dave Matthews Band, y hasta Sum 41 para los nostálgicos del happy punk… todo bajo una logística en la que puedes disfrutar muchísimas más atracciones que en cualquier festival en el que terminas agotado y desilusionado de todo lo que te perdiste.

Como dijimos al inicio, son los quebequenses quienes hacen no sólo de la experiencia de este festival una absolutamente entrañable, sino que la posibilidad de pasearte por el resto de la ciudad te enfrenta a una población enormemente orgullosa de hacerte sentir en casa, de hacerte partícipe de esta casa y dejar claro que esta actitud generalizada se debe a el deseo omnipresente de disfrutar y compartir un lugar en el que todo funciona, y funciona muy bien…

Además de la gran impresión positiva que nos dejó esta visita, su vista al lago, sin duda nos quedamos con ganas de traernos un recuerdo a casa, y eso sin duda incluye a bandas vitales y emocionantes como los garageros trepidantes Le Nombre, y los sensualísimos electro rockers Galaxie, chispeantes talentos que descubrimos en el programa de esta edición; y por supuesto, el platillo local por excelencia, las poutines, delicia absoluta “para llevar”, de papas a la francesa con trozos de queso fresco cubierto de salsa gravy, que en cada bocado llegan hasta el alma.

Esta edición sucedió entre el 5 y el 15 de julio de 2018, pero puedes empezar ya tus preparativos para descubrir Quebec y asistir a la siguiente edición del festival, en 2019, enterándote de cada detalle en: infofestival.com y en su fanpage: facebook.com/FestivaldetedeQuebec

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MUTEK MÉXICO LA CONQUISTA DEL MUNDO DESDE LO DIGITAL FOT:: MUTEK México

La segunda ola de festivales en México se acerca, y no se trata de cualquier listado. Este momento del año es cuando uno reflexiona sobre todo lo que se ha visto y escuchado, es la última oportunidad de ver a los artistas favoritos en su mejor momento, así que la planeación para disfrutar de un show en vivo requiere de concentración y una clara disposición sensorial.

Mencionar las diferentes opciones disponibles sería una actividad que nos tomaría más páginas, por lo que nos reduciremos en esta ocasión a un nombre que nos emociona todos los años y es MUTEK México, una aproximación hacia el futuro, hacia la dirección en que la música se dirigirá y mejor entenderlo ahora para recibirla con los brazos abiertos.

Esta nueva edición de MUTEK México (la número quince), se realizará del 19 al 25 de noviembre en la Ciudad de México, capital que albergará distintos shows en vivo y experiencias con relación a las nuevas tecnologías y nuevas formas de ver el mundo (como siempre ha sido en este evento cuyo origen se encuentra en Montreal, que celebró su edición 19 en agosto pasado).

Para este año, la primera tanda de cartas ya fueron colocadas sobre la mesa y entre los nombres que emocionan se encuentran Actress, SMERZ (para ser honestos, el acto que más emociona a la redacción de Revista Marvin), JB Dunckel & Jacques Perconte, Nathan Fake, Wolfgang Voigt y Lanark Artefax; lista que ya ha despertado el interés de los fanáticos de este festival que desde el año pasado cambió su sede principal para ofrecer alucinantes veladas.

La puerta está abierta, así que el siguiente paso lo daremos nosotros, para escuchar y observar imágenes insólitas de un mundo que sólo es posible en MUTEK México.

Toda la información de artistas confirmados, boletos, sedes y más en mutek.mx.

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MONTERREY DREAMERS TXT:: Pablo Pulido FOT:: Cortesía de Hellow

En estos divertidos años, me he podido hacer de una curiosa lista sobre mis ciudades favoritas de México; esta lista es variada y de todo tipo, y a pesar de que no soy fanático de los climas extremos, entiendo que algunas de ellas no serían las mismas sin el calor que influye en la personalidad de sus habitantes y en el cosmos de todo el lugar, y de entre tantas opciones, Monterrey siempre estará en un lugar importante.

Primero, la capital de Nuevo León es la combinación perfecta entre una ciudad cosmopolita y los modos regionales de una zona siempre en constante transformación (social, política y, principalmente, económica), cuya combinación desemboca en una explosión de colores, sabores y –por alguna extraña razón– en sensaciones que sólo podemos encontrar acá.

Por cada visita realizada a la capital de la cerveza ligera, uno se va encontrando con historias que nunca podrían suceder en la CDMX, personajes y amigos que en otras altitudes simplemente es imposible. Esto no se trata de una comparación, sino de una recomendación a adentrarse a su realidad, así que cualquier pretexto para visitarla vale la pena, como fue en este caso el Bud Light Hellow Festival.

Cuando uno llega al Hellow, uno puede darse cuenta que su vibra es imposible de quebrantar, pues a pesar de que ha cambiado de sede a lo largo de su historia, sus asistentes entienden el mood que se maneja aquí: cooperación, fiesta y hermandad. Aquí todos vienen a bailar, independiente si los gustos y la forma de ver la vida sea diferente de cada quien, porque como dice su slogan, ese día se trata de liberarse de todo: #undíadelibertad.

El clima no cede ni un momento, pero en algún momento los 38 grados y la humedad dejan de sentirse porque la fiesta aumenta por cada hora que sucede, hasta que cierras los ojos y los vuelves a abrir sólo para darte cuenta que el instante se ha ido, es un nuevo día pero no puedes borrar esa sonrisa de haber disfrutado del mejor momento de tu vida.

Visita hellowfestival.com para enterarte de los detalles de su próxima edición.

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REVISTA • WEB • FESTIVAL • EDITORIAL

17 AÑOS

DE REINVENCIÓN EDITORIAL

WWW.MARVIN.COM.MX • #MARVINCDMX MÚSICA • CINE • ARTE

Y todo empezó por accidente

Nancy Villaló

Stand Up Comedy

TXT:: Uili Damage FOT:: Humberto Pérez Valerio

Nacida en la Ciudad de México, la más joven de seis hermanos pasó breves temporadas en Chihuahua y San Miguel de Allende durante su niñez. A sus 38 años –recién cumplidos–, su apariencia híper sensual suele ser una de las herramientas más eficaces para agudizar su rutina; a veces es su principal enemigo, pero en cada ocasión lo combate y lo vence con carcajadas sonoras entregadas por su audiencia. Un cinismo elocuente desenmascara mucho de lo mujer de las mujeres y refuerza al feminismo por su lado más humanista y coherente… y todo empezó por accidente.

“San Miguel es mágico… Cuando yo era niña las puertas de todas las casas estaban abiertas todo el tiempo. Como era muy curiosa, casi me metía a las casas de la gente; allí me perdí, lloré, sufrí mucho, terminé en la delegación al lado de una prostituta y un borrachito descalabrado, esperando a que vinieran por mí… a los ocho años. Cuando eres la sexta de una familia que tiene muchas ocupaciones, tu seguridad no es prioridad de nadie [risas]”. ¿Cuándo ubicas tus primeros contactos con la comedia?

Cuando tenía como 10 años. Mi mamá es súper católica y me obligaron a ir a la iglesia desde muy pequeña. A los 6 hice mi primera comunión; a los 12 di catecismo. A los diez años participé en una pastoral y me tocó hacer de diablo, pero era una parodia de Paulina Rubio.

Fue muy divertido y me gustó mucho. La primera vez que hice reír a alguien, fue en ese momento. Y siendo chica era muy ocurrente porque cuando eres niño en un mundo de adultos –todos mis hermanos son mayores–, tienes que sobrevivir de formas diferentes. Yo jugaba sola y “sobrevivía” entre adultos. Me decían: “Hablas como grande” pero yo no conocía a otros niños, yo qué iba a saber. ¿Cómo llegas al stand-up comedy?

Por accidente [risas]. ¿Había algo que te apoyara en tus primeros acercamientos?

Yo tenía formación teatral: hice siete años de teatro independiente y además pasé por todos los géneros porque era una compañía que no tenía muchos recursos. Hacíamos desde teatro escolar hasta Shakespeare –uno muy barato, pero lo hacíamos–, y mi rango era amplio: hice mucha comedia, drama, farsa… me gustaba muchísimo. Y después de que hubo ciertas tragedias en mi vida, dejé el teatro, estudié sicología, empecé a hacer cosas en ese espectro, me puse a hacer foto (porque fui mamá y me volví una “sinquéhacer” y una tiene que vivir de algo)… parecía terapia: hacia fotografía,

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jardinería y maternidad. Me invitaron a documentar un proyecto que incluía ir a un open mic de stand-up y me subí y lo sentí y me volví adicta. Mi primero fue en el Woko, costeaba Alex Marín y Kali el Esewey; yo no tenía idea ni de cómo se vestía un comediante. Era vivir la experiencia. Según yo iba muy guapa y me presentó como Han Solo por la ropa que traía. Pero sentí la corriente eléctrica del público y empecé a ir cada semana.

A los seis meses llegó una convocatoria de Comedy Central, me les colé y mi vida cambió totalmente.

Cuando empezaste ¿también te pusiste a buscar de esta comedia?

Sí, ahí empezó la escuela, porque antes de ese micrófono abierto yo no había visto un solo show de stand-up comedy. Empecé a conocer, a buscar, empecé a ver a George Carlin, a Louis C.K… ahora ya no, pero yo lo amé mucho en mis inicios –antes de que fuera un pervertido abiertamente–, fui a ver los Siete Machos, conocí a Adriana Chávez, a Gloria Rodríguez… y me enamoré más porque descubrí un mundo que siempre había necesitado pero no sabía que existía y como lo sentí propio me embargó una felicidad que nunca había sentido. Había sentido otros tipos de felicidad, pero así me sentía tan afortunada de poder decir lo que yo pensaba de lo que fuera con la única consigna de hacerte reír. ¿Cuanto tiempo llevas haciéndolo desde ese open mic?

Ya tres años. ¿Tu chiste que más risa te da?

“Hay frases que la gente dice, que no tienen sentido, como la de que ‘al amor hay que cuidarlo diario como a una plantita’. Eso no es cierto: yo puedo dejar sola a mi plantita y no se coge a mi prima”… Lo gozo porque a pesar de que es sencillo es muy mío, no hay influencia de otros chistes de otra gente por ningún lado para que se me haya ocurrido. A mí me da orgullo [risas]. Y representa mi manera de ver el mundo.

Tu look ha sido importante en tus rutinas ¿Qué papel tiene hoy envía esto en tu acto?

Ahora es importante de una manera diferente. Como soy actriz, sí me transformo con la ropa. No actúo igual con tacones que sin. Es mi entrenamiento, estoy condicionada.

Hice ahora una serie de ejercicios: subirme sin tacones, en pijama, con pantalones, probé todos los estilos. Estoy aprendiendo a hacer efectivo el mismo chiste con lo que

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sea que me ponga. En algún punto de mi carrera voy a dar un show en pelotas. Mi propósito es ir más allá de eso. Nuestra sociedad mexicana nos ha enseñado que si ves chichis ya no puedes pensar en otra cosa.

Yo creo que no. Yo creo que puedes pensar mejor después de verlas porque ya no te distraen. Mi look sigue siendo muy importante: ahora me ha dado por usar kimonos; me he cambiado el color del pelo y antes me preocupaba “uniformarme” para que me reconocieran. No es que lo imaginara, la gente me lo dijo. Ahora esto cambió. Todavía no ajusto mi vestuario a mi rutina pero siempre hago chistes de lo que uso, para “quitar el elefante de la habitación”. ¿Qué comedia haces?

Antes decía que hacía comedia ácida; la verdad es que ya no lo pienso.

Llevo un buen tramo de auto análisis forzado por la vida y creo ahora que lo que hago es simplemente “honesto”. Subirme a decir la verdad, lo menos maquillada posible. ¿Qué verdad?

Sobre mi manera de pensar. A veces no crees en lo que los demás están diciendo, pero como quieres encajar lo aceptas, inclusive mientes. Creo que el gran reto de vida es lograr ser tú mismo a pesar de todo y es en lo que trabajo. Suena ridículo, parece que ser uno mismo debiera ser muy simple, pero no es fácil. Porque solemos ser muy crueles con lo que no entendemos, nos da miedo y lo atacamos, lo queremos “iluminar”. ¿Qué retos te parece que la comedia le ha puesto a los standuperos de tu generación para acá?

Ser originales. No existe desde como la están planteando ahorita, en mi opinión. Si tú dices un chiste que se parece a otro que alguien dijo hace tres años o uno del dominio popular de hace setenta años, eres juzgado de inmediato. A mí me han dicho que no puedo hablar de tal o cual tema por que ya lo dice tal o cual persona, como si fueran exclusivos y el cien por ciento de la gente que me dijo esto me dio la oportunidad de verlos haciéndolo; no hay uno que se salvara… además yo creo que el ambiente es muy cruel con los nuevos… y con todos los que estamos en esto; el ego nos traiciona a todos, todos los días. ¿En qué momento de tu trayectoria estás?

En el principio. Construyendo mis alas para saltar “el precipicio”.

Industria

COMPRA

MODA NACIONAL

Arquitectura del estilo Nacido Juan Álvaro Torre Hütt, durante los últimos 15 años, su nombre se ha convertido en un referente dentro de la industria de la moda mexicana. Aunque estudió arquitectura y es un coleccionista de arte empedernido, Juanchi descubrió que el diseño y la moda representaban su verdadera pasión. Desde entonces, ha puesto toda su energía en proyectarse dentro del incipiente mercado de la moda mexicana.

TXT:: Vicente Jáuregui FOT:: Moda Nacional

DESPUÉS DE FUNDAR con su hermano, el actor José María Torre, la tienda de ropa Ochö, Juanchi decide apostarle a las grandes ligas con Moda Nacional, primer tienda en línea para diseñadores mexicanos que busca enaltecer el trabajo de los diseñadores mexicanos.

Este año, Moda Nacional cumple ocho años y hoy es una plataforma sólida, con un equipo de trabajo sólido y nutrido. Platicamos con Juanchi Torre sobre el pasado, presente y futuro de su creación.

Cuéntanos la historia detrás de la plataforma digital de Moda Nacional.

Juanchi Torre: Todo comenzó con la apertura de la tienda Ochö. Iba muy bien, estaban pasando muchas cosas, pero noté que sería lento alcanzar todo lo que quería. Para agilizar, decidí unir a todos los diseñadores que conocía para hacer una tienda en línea. En sí la historia comienza con un amigo productor. Un día le dije que me comprara ropa para sus personajes.

Me dijo que sólo tenía uno que se vestía cool, y que el resto no iba con el perfil. Desde luego él tenía razón y así nace la idea de unir varias marcas para abarcar más.

Compra Moda Nacional nació como la primera tienda online con los mejores diseñadores de México. ¿Cuáles fueron los retos para darle vida?

Los retos han sido muchísimos. El primer paso fue ir con cada diseñador a presentarles el proyecto, desarrollar y ver que la plataforma jale bien, checar nuestro número de visitas, administrar, hacer inventarios, logísticas. Es una labor titánica que hoy en día se refleja en algo muy sólido y emocionante.

Somos una empresa con un equipo de

más de 30 personas, vamos muy bien con ese tema. ¿Qué ofrece la plataforma a los diseñadores? Por ahí leí que la empresa da herramientas de venta, administrativas, RRPP y publicitarias para impulsar sus productos.

Nuestra labor es darle todas las herramientas a los diseñadores para que se conviertan en una marca.

Una de nuestras fortalezas es el posicionamiento de marca, formalizar un proyecto de moda y lo logramos con un equipo robusto. ¿Cuáles son los criterios de curaduría para que un diseñador mexicano pueda ser parte de la plataforma?

La curaduría es un punto muy interesante. Nos fijamos en que produzcan, que tengan equipo, que inviertan tiempo, que no sea un proyecto momentáneo. Todo esto es importante, es el punto de lanza para que un proyecto pueda mantenerse. ¿Cuántas marcas/diseñadores mexicanos conforman ahora el roster de Moda Nacional?

Ahorita hay más de 100 marcas y diseñadores. Con cada una hacemos distintas cosas, pero todas importantes.

En un país malinchista, ¿cómo te surge la idea de enaltecer lo nacional y en qué consiste “Una de México”?

Hay mucho talento, proyectos y creatividad, ahora el mexicano está abierto y da la oportunidad a marcas nuevas. No me atrevería a decir que hay muchísimos proyectos, pero justo nosotros buscamos a los que están haciendo bien las cosas para hacer ruido con esa filosofía que

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mencionas, “Una de México”. Se trata de que de las prendas que uses al día, una esté hecha en nuestro país. Si te encantan los tenis Nike, está muy bien, no hay marcas mexicanas que ahora le hagan la competencias, pero combínalo con alguna chamarra o un accesorio de algún diseñador mexicano.

Hablemos de tendencias, ¿cómo definirías las principales tendencias que están ocurriendo ahora en México en cuanto a moda?

Ecléctica, hay muchísimos sazones. Así como hay marcas con colores sólidos e influencia, por ejemplo, Carla Fernández, quien está influenciada por artesanos. Hay muchísima variedad. Actualmente está pegando la moda de vestidos de noche. Vivimos un momento de mucho color y sabor. ¿Cuál es la responsabilidad del consumidor en este mercado, crees que deba de tener la conciencia del proceso que conlleva desarrollar una marca en México?

Sí, ahora tanto consumidor como diseñador están poniendo de su parte. El diseñador está bajando los precios, necesita pagar su taller donde hace 10 prendas de 10 mil pesos y no nos sale vender tan caro. Es un tema de oferta y demanda. El consumidor mexicano debe darle oportunidad a la marca, y el diseñador debe entender que con esos 10 mil el mexicano prefiere comprar una marca Premium establecida y con trayectoria.

Este año se cumplen 8 desde que arrancó el proyecto, ¿qué experiencias destacarías como las más enriquecedoras?

El poder desarrollarme profesionalmente en una de las industrias creativas más interesantes del mundo. ¿Qué viene a futuro para la plataforma?

Seguir construyendo cosas para que México camine, y que podamos crear una industria mucho más completa en el mundo de la moda.

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James Blake James Blake Atlas Recordings, 2011 Ni duda cabe que pese a su juventud marcó una ruta estética que ha marcado a toda una generación..

King Krule The Ooz Dark Green, 2018 A los 23 años demuestra madurez y talento; y también se suma a los que ya no ven barreras entre géneros.

Uno más que ama los ritmos lentos.

Sampha Process Young Turks, 2017 Otro proyecto surgido en el sur de London y en el que colaboró en algún momento Coby Sey.

Música

Ya lo intentó García Márquez enfrentando a El amor en los tiempos de cólera; ¿será que esa especie de furia incontenida bajó su registro en lo que va del siglo XXI? ¿Qué nos queda cuando el pulso del teléfono celular sustituyó al corazón? ¿A qué aferrarnos cuando los sentimientos son de microondas?

En el 2018, la velocidad sigue marcando la pauta de la vida privada… casi todo es efímero, fugitivo, poco perdurable. Algún futurólogo seguro predijo que en este preciso momento de la historia del tiempo los jóvenes amantes estarían condenados a sentir poco o nada; tal vez sea que son expertos fingiendo, pero no nos engañan… el amor sigue siendo el explosivo más poderoso, el más cercano, el que nos hace volar en mil pedazos todos los días… y luego nos devasta, nos aniquila.

Una vez destrozados y vueltos jirones, ¿cómo podemos reconstruirnos? En el lado opuesto, todos aquellos que aman y se sienten amados, ¿cómo pueden potenciar su momento de gloria y estirarlo? En ambos casos siempre nos quedará la música… ella interpreta la vida, la descifra, le da sentido y nos hace sentir que pertenecemos a algo. Por eso sigue siendo tan importante en la era de las plataformas y la circulación digital; si estamos amando queremos multiplicarlo exponencialmente a través de notas y silencios, si nos encontramos hechos trizas pretendemos cronicar el abismo y convertirlo en canción.

Ya lo dijo –y sin lugar a reproche alguno– el enorme escritor alemán Goethe: “Somos modelados por lo que amamos”. Así ocurre en el mundo real y ahora ha sido plasmado en un disco, que no es sino una galería de las manifestaciones presentes del amor. ¡Vaya reto! ¡Vaya osadía! ¿Un disco más de piezas dedicadas al amor en un instante en que la mayoría finge que importa poco?

Se trata de un desplante que puede catapultar a un artista o hundirlo hasta las profundidades del olvido. Todo pasa por una serie de decisiones. ¿La primera de ellas?

No era posible triunfar a través del engaño y la impostura; es menester para un álbum que hurgue en la naturaleza del amor en nuestros días sustentarse en la sinceridad total y en la disposición para develar cómo es que son las cosas.

La inglesa Tirzah Mastin ha hecho con Devotion (Domino, 2018) un disco importante no sólo por

“La espiritualidad de la sensualidad se llama amor”.–Nietzche

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su fondo sino también por su forma. El amor puede tender a ser exagerado, barroco… recargado; y ella ha optado por contarnos su percepción utilizando los elementos instrumentales más indispensables para rodear su voz… que es prístina, pero a la vez profunda y marcada por inflexiones naturales (aunque en el disco se recurra al auto-tune moderadamente).

Pudiera pensarse que ha sido una de esas obras surgidas del talento precoz, pero no van por ahí los tiros. Esta mujer ya ronda la treintena y ha experimentado la maternidad.

Además de enfrentar todos los días la rudeza del sur de Londres. Tirzah es alguien bien curtida, que pese a ello no teme mostrar su sensibilidad y sentimientos; no en vano incluye una canción que compuso cuando tenía 13 años y en la que ya especulaba acerca de qué se trataría la vida adulta.

“Go Now” es importante además porque se remonta al encuentro con Mica Levi, a quien el mundo artístico conoce como Micachu (y acompañada por The Shapes).

Ambas estaban matriculadas en Purcell School for Young Musicians, por el rumbo de Watford. La primera estudiaba arpa, mientras Mica se dedicaba a la viola. Congeniaron pronto y desde entonces han sido cómplices totales.

Nunca han dejado de colaborar y sumar intereses sonoros; a su manera cada una se vincula con un pop excéntrico y algo experimental, que con todo no deja jamás de ser gran pop. Nadie puede negar la manera en que han ido avanzando.

Cualquier otra figura juvenil se hubiera desbordado tras el éxito de “I´m Not Dancing”, que sacará en el 2013 con el sello Greco Roman –propiedad de Joe Goddard de Hot Chip–. En sentido opuesto, ha ido espaciando algunos sencillos a su nombre y siempre en colaboración con Mica, productora

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TIRZAH El grandioso minimalismo del amor

TXT:: Juan Carlos Hidalgo FOT:: Clare Shilland

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que ha trabajado en música para películas como Under the skin y Jackie (que les valió una nominación al Oscar).

Pero Tirzah siempre ha ido a su propio aire y ocupándose de sus intereses –darle vueltas al R&B sobre todo–. No son pocos los que siguen queriendo ver en Devotion un aire de lo-fi, pero no es así. Sus creadoras tienen la certeza de que sus sampleos deben ser creados a partir de sutiles partes de piano y manejar una simplicidad minimalista.

Dejaron de lado una producción grandilocuente y fueron dejando apenas lo necesario; en “Say when” hay un discreto acompañamiento para la voz, que se afirma como lo más importante.

Lo mismo ocurre con las bases rítmicas; son hasta cierto punto básicas para que el canto de Tirzah vaya produciendo un efecto sutilmente embriagador, lo que en “Do You Know” queda absolutamente de manifiesto. Estamos ante un disco instrumentalmente austero que resulta elegante por el acomodo de sus elementos. Nacen como baladas de piano a las que se agregan discretos motivos sonoros que las sofistican y agregan capas y secuencias. Ahí está “Holding On” como la más up beat de toda la entrega. No cuesta imaginar a alguien bailando solo hasta que alguien se acerca para susurrarle al oído una frase de Nietzsche: “La espiritualidad de la sensualidad se llama amor”.

En su pasado discográfico apenas si había un par de EPs y supo esperar lo suficiente para debutar con un álbum, que ahora trae muy entusiasmado al mismísimo Arca.

No es para menos, el tema titular en compañía de Coby Say (único colaborador externo y presente también en Big Data y Whities) es magnético y seductor, y tal como en los otros 10 tracks que lo acompañan se gana al escucha a través de un lenguaje llano y directo –dice las cosas tal cual son–; con ello obtiene una cercanía poco frecuente dado que los artistas marcan una distancia al respecto de los simples mortales que los siguen. Aquí se transpira honestidad a chorros.

Pensemos en Tirzah a través de palabras como cercanía, contagio, apasionamiento, involucramiento, pero antes que todo… sintamos la música y dejémonos llevar por lo que comunica al tiempo que tratamos de capotear a Emile Cioran: “A los últimos a quienes perdonamos su infidelidad es a aquellos a quienes hemos decepcionado”.

Música

Quisiera iniciar evocando un comic clásico, pero lo haremos más adelante, porque ante el noveno álbum del norteamericano se sigue imponiendo la muerte. Apenas tiene un año que editó uno de los discos más tristes de los que se tenga memoria: A Crow Look at Me. Aquel trabajo es brutal y transparente; un doloroso manual para intentar lidiar con la tragedia.

Surgió apenas un año más atrás, es decir en 2016, cuando Geneviève Castrée, dibujante y músico canadiense, falleciera a causa de un cáncer de páncreas a los 34 años y dejando huérfana de madre a su pequeña hija de un año de edad. Phil Elverum se volcó en las canciones para exorcizar la pena de perder a su pareja y hoy constatamos que lo sigue haciendo. Entonces inferimos que las canciones son el mejor bálsamo posible.

Siguiendo ese ritmo anual de trabajo y vivencias, el cantautor nativo del estado de Washington continua con su proceso en Now Only, que evidentemente se explica como una estrategia para concentrarse únicamente en el momento presente e intentar no insistir con remontarse al pasado; algo que es casi imposible. El propio músico comentó tras esa llorada muerte: “Todo es muy triste y surrealista. La amábamos y ahora cualquier cosa es extraña”.

Por eso es que ha emprendido la exploración de otras latitudes musicales con el fin de estar mejor. Y aquí es donde nos coloca delante de un comic clásico; en el tema inicial de su trabajo más reciente escuchamos: “We had finally found each other in the universe”. Una frase crucial para sostener “Tintin in Tibet”, en la que tras a encontrar a esa personaespejo ahora debe instalarse en una dimensión alternativa, como una forma de hallar un poco de consuelo.

Una idea que bien puede conectarse con los planteamientos del budismo tibetano.

Por supuesto que parte de una de las historias más famosas del enorme artista belga conocido como Herge (Georges Prosper Remi; 19071983). Fue publicada como libro en

MOUNT EERIE

“LA GENTE ENFERMA DE CÁNCER Y MUERE / A LA GENTE LE ATROPELLA UN CAMIÓN Y MUERE / GENTE QUE SIMPLEMENTE VIVE SUS VIDAS, Y QUE ES BORRADA SIN MOTIVO / MIENTRAS EL RESTO DE NOSOTROS MIRAMOS DESDE EL OTRO LADO”

El amor y la muerte - aquí y ahora

TXT:: Juan Carlos Hidalgo FOT:: Jacob McKinley

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1960 y en ella el joven periodista Tintin busca a su amigo Chang Chong-Chen, a quien dan por muerto en un accidente en el Himalaya; como trasfondo tiene a la percepción extrasensorial, la mística tibetana y la amistad. Phil se inspira en aquella aventura que ha atravesado generaciones para evocar un drama personal desde una intensísima primera persona.

Desde su comienzo Now Only es un trance completamente emocional en el que las entrañas están completamente expuestas y los sentimientos a flor de piel. Son seis canciones totalmente cohesionadas y que no dejan sensación alguna de que algo falte; no necesita más para calar muy hondo. Puede comenzar con la desnudez folk de “Tintin in Tibet” y luego mostrar un crepitar eléctrico en “Distorsion” –donde no hay mansedumbre–.

Mount Eerie en cada movimiento quiere enfatizar que se trata de una persona real que enfrenta su vida. Aquí no hay espacio para un rockstar, más bien se muestra como un ermitaño que se ve en la necesidad de ejercer su oficio de compositor y cantante; de hecho, recientemente publicó una larga nota en la que explicaba por qué prefiere vender el mismo su merchandising tras los conciertos y lo mucho que le disgusta dar autógrafos. A través del portal de la revista electrónica Reddit apuntó que se siente mal “por el futuro de la creatividad y por la continua vorágine de cultura de la celebridad en la que nos encontramos todos”. Dice que él prefiere difundir la igualdad y borrar las barreras entre artista y espectador y evitar que quien pide una firma “pueda sentirse superficialmente conectada a mí. Ya que en mi mundo ideal, veríamos a la persona que ha creado una obra de arte como un compañero, intentaríamos interactuar y apreciaríamos y recordaríamos esa interacción sin la necesidad de un souvenir vacío”.

Lo suyo es concentrarse en las canciones y sobre ellas podemos apuntar que proceden de la elegante estirpe de las de Leonard Cohen.

“Tintin en Tibet” nos remite a “Suzanne” y “Distorsion” –después del feedback– nos remonta a “Who by fire”. Aunque si nos fijamos bien también encontraremos cercanía con las piezas lóbregas y llenas de claroscuros de Mark Kozelek.

Los tres plasman con precisión e intensidad los grandes puntos de

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+ inflexión de las personas; no es posible evadir al amor y a la muerte, pero cuando se entrecruzan aquello toma tintes superlativos.

Estamos ante alguien que no se deja derrotar y que a viento y marea ha llevado adelante una carrera, primero como parte de la banda The Microphones y luego marchando en solitario, y llevando a cuestas ya nueve álbumes –contando éste–. En cada uno de ellos ha ido incrementando su capacidad narrativa, al grado que varios medios especializados han sugerido que sin problema alguno también podría tener una carrera de éxito como escritor; lo que sin duda se nota en “Two Paintings by Nikolai Alstrup”, que musicaliza lo que Elverum ha sentido contemplando dos obras del pintor noruego Nikolai Astrup; específicamente: Midsummer Eve Bonfire (1915) y Foxgloves (1920). El resultado es un espléndido ejercicio de retroalimentar disciplinas artísticas.

Como un gran respaldo discográfico tiene discos como Wind’s Poem (2009) y Clear Moon (2012) y luego esta seguidilla de álbumes que emanan de la fatalidad y la convierten en belleza musical. ¿Qué otra cosa podríamos pensar y sentir tras escuchar “Now Only” –la canción–? Phil no se reserva y es lapidario al cantar: “La gente enferma de cáncer y muere / a la gente le atropella un camión y muere / gente que simplemente vive sus vidas, y que es borrada sin motivo / mientras el resto de nosotros miramos desde el otro lado”.

Pero al final la vida sigue y Mount Eerie nos deja entrever un dejo de esperanza; él ha encontrado la manera de seguir adelante; las canciones y su hija lo han hecho posible. Todo ha servido para templar a intenso fuego a un cantautor que sabe que no ha sido tocado por los dioses, sino embestido brutalmente por el sólo hecho de existir. Una vez más –y cómo siempre– tan sólo el arte consigue rescatarnos.

Sun Kil Moon Benji Bajo uno de sus alter egos favoritos, Mark Kozelek es experto en hacer una radiografía de los momentos agridulces de la vida.

Scott Matthew Scott Matthew Al australiano, radicado es Nueva York, poseedor de una voz deslumbrante es posible llamarlo “El hombre más triste del mundo”.

Damien Jurado The Horizon Just Laughed Gooom, 2003 A la hora de pertrecharse tras de la guitarra y evocar la tristeza pocos como él para dar en el blanco de las grandes canciones.

Música

TRONO MOB Hambre de crecer,

¿Cuál es su proceso creativo?

Muchas veces nos juntamos en el estudio y las cosas salen solas, sin necesidad de sentirnos apresurados por sacar algo. En un par de horas podemos tener una canción.

¡pero más de bailar” TXT:: Daniela Elbahara

¿Cuándo, cómo y dónde surgió TronoMob? Trono Mob surge de la hangueo diario y los gustos que compartimos todos sus integrantes. Tenemos años de conocernos pero no fue hasta hace un año y medio que comenzamos a juntarnos a hacer música, fotos y videos juntos. ¿De dónde viene el nombre?

El nombre viene de fusionar el “Trono” (Trono Norte) que en este caso es un crew que iniciamos hace un tiempo, con la palabra “Mob” de mafia. Decidimos crearlo ya que Trono Norte es todo un colectivo multidisciplinario y el Trono Mob es la rama musical de ese colectivo. ¿Quién integra esta agrupación, qué los diferencia a uno de otro, cuáles son sus estilos?

Esto lo conjuntamos Jozué, Phyzh Eye, Jay P, Trippymvne, Fvmouz y 420 Stilo. En este momento somos tres los que estamos impulsando al grupo para lograr ciertos objetivos que tenemos fijados. Todos tenemos nuestros proyectos individuales, que van desde el boom bap al dance hall, la música de club, etc.

¿Con quién colaboran normalmente en cuanto a beats, arte, y features? Últimamente hemos trabajado con beats de Solo Da Masta y Rockes por mencionar algunos beatmakers; también hemos usado “type beats”, nos gusta trabajar con gente que tiene los pies en el suelo y sabe lo que quiere decir, normalmente existe una amistad. Nosotros podemos encargarnos de hacer el arte de varias de nuestras creaciones, aunque cuando ya es algo más trabajado y relevante, trabajamos con Hungry Design Co. Cuéntenme sobre su EP, ¿cuál es la temática general?

Nuestro EP se llama Hungry; estamos seguros de lo que hacemos y cómo lo hacemos: en este EP tocamos temas como ese, hablamos sobre lo que queremos concretar, sobre mantenernos al margen de lo negativo y sobre disfrutar, bailar, etc. Tenemos hambre de crecer. ¿Cuáles son sus planes después de sacar el EP? Tenemos muchas canciones que no entraron al EP y ya hay varias seleccionadas para que salgan después de estos seis temas.

Seguiremos creando música y todo lo que esté en nuestras manos para seguir disfrutando y hacerlos disfrutar con nosotros.

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FOTO:: Trono Mob PRODUCCIÓN Y DIRECCIÓN:: Neto Zamora STYLING:: Elié Rodriguez ASISTENTE DE PRODUCCIÓN:: Mike Rodriguez FOTOGRAFÍA:: 2025mx MODELOS:: Jozué, Phyzh Eye, Jay Pee (Trono Mob) ALGUNAS PRENDAS SON DE:: HOSMX y Crimelife Clothing AGRADECIMIENTOS:: Subaraya y Taller Mecánico Tampiquito

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ESPECIAL DE MODA #6

TODXS SOMXS MODA Producción y dirección creativa: Pablo Pulido Fotógrafo: Carlos Álvarez Montero Dirección de arte: Héctor Montes de Oca Asistente de foto: José Luis González Styling: Zái Najera Asistente de styling: Ana Velázquez Video: Orquídea Vázquez Maquillaje: Ixchel Paz Maquillaje (Traición): Andrés Mañón Asistentes de producción: Montserrat Ascanio y Fereshde Moluk Agradecimientos: La Langosta Vieja (Av. Chapultepec #464, Roma Norte, CDMX) Estética Baja (Tehuantepec #88, Roma Sur, CDMX) El Gato Espumoso (Cozumel 66, Roma Norte, CDMX) Heineken México, Vidcar González Montiel, Uili Damage, Sebastián Franco, Iyali Santander, Edwin Erazo Adriana Gallardo y Jessica Fragoso.

El estilo es una de las construcciones sociales y estéticas más complejas y en constante evolución. Sin importar las etiquetas, los contextos o ideologías, nuestra vestimenta responde también a una necesidad de comunicación sobre lo que nos parece esencial para nuestras almas y conciencias. Por ello, que la moda sea considerada una expresión artística al alcance de todos y no sólo de quienes la crean, porque día a día todos somos autores de nuestro propio look, uno que se adapte a las distintas actividades del día y que al mismo tiempo, refleje la manera en que vemos el mundo. Ésta es la premisa del Especial de Moda #6 de Revista Marvin, un manual de inspiración y una evidencia del fashionismo cotidiano. Y para ello, nos hemos unido con cuatro de los talentos más influyentes de los últimos años: Tino El Pingüino, Elsa y Elmar, Rubytates y Traición, sangre nueva que busca conquistarlo todo sin dudar en utilizar cada elemento de su esencia, desde su voz hasta la manera en vestir su prenda favorita.

Top: Hancker | Overall: Alysta Clothing | Joyeria: Tuza

ELSA Y ELMAR La necesidad de amarte a ti mism@

TXT:: Itzel Rojas

Cuando algo no sale como esperas, cuando tuviste algo de responsabilidad para que los resultados no fueran los ideales, cuando todo se va al carajo, no puedes hacer mucho para cambiarlo y sabes que no fue tu culpa, pero inevitablemente terminas echándotela al regazo, la espalda, el pecho, donde quepa. La culpa entra por el lugar más sensible de tu cuerpo, se acomoda y se expande. “Echarse la culpa” porque la vida simplemente tomó su rumbo y no pudiste controlarla es, usualmente, el cardio contemporáneo.

En portada

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fortunadamente, también está la contraparte. Cuando comprendes que no puedes controlar las decisiones de los demás, el azar, la vida; tarde o temprano llega el momento en el que terminas preguntándote ¿y yo qué culpa tengo? Le pasó a Elsa y Elmar después de largas reflexiones y trabajar en fortalecer el amor propio. “Culpa tengo”, el primer sencillo de su nuevo material discográfico, habla precisamente de eso.

“Yo creo que la primera manera de superar una pérdida, y lo digo por experiencia propia, es no tomárselo todo personal. O sea, se puede asumir lo que sea que uno pudo haber hecho mejor, pero no te puedes echar encima el peso de eso o creyendo que la ruptura fue algo que me faltó a mí o por algo que no tengo o que no soy. Creo que uno acepta lo que tiene por dar, lo que es, lo que dio y cuando uno lo hizo bien. Al final de aceptar eso, solo queda tranquilidad porque son cosas que uno no puede controlar. Eso fue lo que me enseñó este disco después de todo lo que viví y sigo viviendo.”.

Elsa y Elmar elevó las expectativas de este nuevo material después de lanzar su sencillo “Culpa tengo”, un tema que además de hablar sobre amor personal, una ruptura amorosa y las ganas de superarlo; cambió radicalmente de ritmo.

Se inclinó por un sonido más urbano.

Es evidente que los músicos modernos se tienen que abrir a los sonidos más actuales, no es coincidencia que los artistas que un día fueron totalmente pop, se adhieran a la fila del género urbano, pero éste no es por completo el caso de la colombiana. En este disco explora sonidos muy interesantes, pero también nos recuerda a la Elsa del pasado y es muy cuidadoso en conservar la esencia.

“Escuché muchos discos antes de hacer éste. Escuché el Lemonade de Beyoncé que pasa de un country a un pop súper dulce y luego un rock con Jack White, entonces me di cuenta que no importa el género que hagas. Sí ella lo hace, entonces todos tenemos derecho y podemos hacer lo que sea”.

Entre la Elsa de sonidos etéreos, letras tristes y palabras dulces, resalta mucho que sus palabras siempre vayan hacia el lado de la tristeza, pero aún así en sus canciones siempre hay algo que logra brindar tranquilidad para el alma de quien lo escucha.

“Yo no puedo evitar meterle la tristeza a todo lo que hago. Todas las letras tienen un sentimiento, eso es mi esencia. A mí me encanta hacer letras con sentimiento, pero luego hay baile pues es algo natural que me gusta mucho. Así como hay tristeza, hay alegría: somos opuestos.

Así se dio este disco”.

Elsa una mujer sumamente talentosa que ha sabido abrirse paso a través de sus composiciones, hoy más que nunca, este nuevo álbum está llegando a nuevos oídos y conquistando nuevos lugares. Además de su talento, es una mujer que impone seguridad por sí sola. Su estilo y belleza siempre ha resaltado, ¿cómo lograr hacer un conjunto coherente entre tu música, tus habilidades artísticas y la parte visual?

“Lo que intento transmitir con mi estilo es creatividad. Me encanta maquillarme aunque no para tapar algo en mi rostro, sino para realzar. Me gusta mucho jugar con lo colores.

Lo más importante para mí es que sea algo natural y cómodo.”

Nos queda claro que Elsa prefiere mil veces lo cómodo en este Especial de moda de Marvin, lo natural y lo elegante. Así fue su elección todo el tiempo, preferir lo cómodo y fresco sobre lo “payaso”, como dijera ella. ¿Si tuvieras que elegir una prenda para empoderarte y sentirte más segura, cuál sería?: “Me encantan los enterizos, es mi ropa favorita. Hay uno negro que siempre me pongo para todas las juntas y me hace sentir tremendamente poderosa. A mí me hace sentir muy poderosa trabajar, cuando estoy creando, organizando y logrando mis metas, eso me hace sentir muy capaz de todo. Cuando estoy en el escenario me siento con el poder de transmitirle a la gente el sentimiento de mi música. Si todo esto lo puedo combinar con la ropa que me pongo y el estilo que uso, me siento aún más empoderada.”

Curiosamente “Culpa tengo” y “Puntos medios” se están convirtiendo en temas que transmiten poder a quien los escucha: poder de decidir, para de seguir adelante, para enamorarse de uno mismo. Elsa y Elmar ha logrado transmitir el empoderamiento a través de su música. Su nuevo disco, sin duda, será medicina para las almas rotas que buscan sanar.

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Top: Nike | Pantalones: Ayanegui | Bolsa: Palm Angels | Chamarra: Levis |Tennis Nike

Top : Hancker | Joyeria Tuza | Abrigo NVDD

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Alysta Clothing | Dr. Martens | JoyerĂ­a: Elsa y Elmar

TINO EL PINGÜINO Nada aquí es genérico

TXT:: Aarón Enríquez

El largo recorrido que ha tenido el esperado próximo álbum de Tino el Pingüino, anunciado para estrenarse en algún momento del siguiente invierno, inició con “Fractúbela” hace casi un año y medio. El disco es un proyecto ambicioso que incluirá cerca de 30 canciones, incluidas la propia “Fractúblela”, además de “Gif”, “Cada siempre”, “Cuando piensas en mí”, “Sé que esperabas la lluvia” y “Carita de Sílfide”, todas ellas previamente estrenadas. Pero antes, Tino lanzará Diarquía, un EP que presentará en el Auditorio BlackBerry este 7 de septiembre. Platicamos con él antes de que toda la maquinaria que trae en mente salga finalmente a la luz.

Chamarra: Tony Delfino | Playera: Tino el Pinguino | Beanie: Attak Caps | Anillos: ÉL

Chamarra: Damir Doma | Playera: Cavempt

Chamarra: Tony Delfino |Playera: Sacrifice SW |Anillos: EL

Este número de Marvin está dedicado a la moda.

Lo digo porque en el video de “Fractúbela” sale una chamarra edición especial que sacaste con Tony Delfino, ¿cómo llevas tu relación con la moda?

Pues ha sido todo muy natural. Mi relación con la marca inició en noviembre del 2012, cuando grabamos el primer video en la historia de Tino el Pingüino que fue el de Telemaquia de los corazones locos, mi amigo Cuauhtémoc Suárez llevaba una chamarra de piel que sale en el video. Para nuestro segundo video que fue “Testarudo y al rescate”, me hicieron llegar una chamarra de mezclilla y ahí fue cuando ya decidimos llevar más allá la relación con Tony Delfino, una vez que reincides no hay forma de escapar. Se ha convertido en una prenda fundamental para toda la identidad de Tino el Pingüino. ¿Cómo sucedió la colaboración?

Para “Fractúbela” fui y le dije a Smithe que necesitábamos ocho chamarras iguales y fue él mismo el que me propuso la colaboración completa y la hicimos. Creo que las prendas que uso son importantes para formar mi identidad, lo mismo pasó con las gorras de Attack caps. Yo solamente quería usar una gorra que dijera DF, ahí sí emulando un poco la estética urbana del rap.

Te juro que si en ese momento hubiera habido una marca que dijera DF, la hubiera usado tal cual. A mí siempre me ha interesado, más allá de la música, generar esas cuestiones iconográficas que puedas reconocer tan solo con verlas, que se repitan tanto que las reconoces de inmediato.

También tiene que ver con que en mi vida soy muy simple, uso una sola gorra, una sola chamarra, una sola marca de tenis que es Adidas y hasta una sola loción, creo que eso me ayuda a no distraerme con tonterías.

Oslo promete ser un disco muy ambicioso, ¿qué tuviste claro desde el momento en que se te ocurrió el concepto?

Quería hacer un disco súper extenso porque en ese momento me estaba llegando mucha buena música y creativamente eso me motivó a sacar

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varias canciones con una estética en común, que tiene que ver con el frío. Desde el nombre, Oslo te remite al invierno, de ahí que salga en esa temporada del año, pero con ese pretexto abarcamos los estados de ánimo un poco más sombríos, más reflexivos. Es un disco que viene de estar conviviendo con la depresión, con la soledad y no siempre en un sentido negativo. Es también el ambiente, el lenguaje que es más sobrio, más elegante, quizá un poco más barroco. Hablo de cosas que alguien piensa a esta edad, como que el subtexto del disco es la crisis de los 30, porque recién los cumplí. Me interesa dejar algo que permanezca, que lo puedas ver en retrospectiva.

Hacer canciones que te den la sensación de que suenan a algo que no habías escuchado antes, creo que ese es el elemento interesante. Lo que hacemos es hip hop, eso no va a cambiar, pero también sabemos que siempre va a ser hip hop alternativo. Esa palabrita ya nos da la excusa de llevarlo realmente a donde queramos y a donde nos interesa.

Has hecho buen equipo con Ferdi en ese sentido, ¿no?

Sí, Ferdi es una persona que está peleadísimo con que las cosas sean genéricas, a los dos nos caga lo genérico y viene de un buen lugar, no es sólo como hacernos los raros, sino realmente nos interesa escuchar algo que digas: “¿qué pedo? ¿por qué está sonando eso”. ¿Entonces Oslo es un disco sad?

La estética yo diría que es más bien bipolar, es bi-sensible; tiene esa parte tierna y linda, pero también hay muchísimo de lo otro, eso que viene de un lugar más sombrío, profundo y oscuro.

Intentamos que el disco tenga ambas sensaciones y que no sea solamente para abajo. Me gusta mucho la música sad, pero la vida no puede ser así todo el tiempo, también hay luz. Es como un túnel. Cuando estás en él es oscuro, pero siempre logras ver la luz en el fondo. Intento que el efecto sea ese de decir: “güey, estoy aquí, estoy valiendo verga, pero no va a valer verga; al final todo va a estar bien”.

RUBYTATES El principio de algo que nos está gustando un chingo

Estamos en una peluquería de esas clásicas de la colonia Roma, con un aire muy setentero. Los muchachos de Rubytates llevan más de dos horas probándose prendas, cambiando de outfit y posando para la que será su primera portada en Revista Marvin.

TXT:: Aarón Enríquez

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oy en día hablar de cinco años de trayectoria es hablar de poco tiempo en realidad. Estrenan Ciudades de noche, su tercer material discográfico, un EP de 6 canciones que los pone bajo el reflector después de una exitosa presentación en el Festival Marvin del pasado mes de mayo. “Nunca habíamos tenido un shooting tan elaborado como éste. Ahora sí nos la estamos creyendo”, me comenta en son de broma Maximiliano Díaz, baterista de la banda. Esperamos a que Abel, salga del baño para empezar la entrevista, ha sido un día largo y el guitarrista no se siente nada bien físicamente.

Viven un gran momento como banda, ¿cómo se sienten con eso?

Pepe: Es un proceso que fuimos trabajando desde hace rato. Deben ser cuatro o cinco años conociéndonos como músicos, como banda y como familia. Las ganas que le puedes meter a un proyecto cuando lo tomas en serio, te llevan a obtener resultados a mediano y largo plazo, por ahora están pasando cosas muy interesantes y estamos muy agradecidos con la gente que cree en nosotros porque podríamos tener las mejores canciones, pero al final quien decide en dónde ponerte es el público.

Max: Cada vez nos enorgullecemos más de lo que hacemos. Este disco, aunque al final lo apresuramos un poco por los tiempos, salió como en verdad queríamos. Por ejemplo, ahora nosotros grabamos solos nuestras cosas, nuestros instrumentos. Hasta en nuestras casas hemos llegado a grabar y eso hace que ya no dependamos tanto de un productor o un ingeniero y que trabajemos nuestras ideas con más calma.

Fer: Sabemos que es el principio de algo que nos está encantando, pero no nos fijamos mucho en otras cosas. Sabemos que apenas es la mitad del camino de todo lo que queremos hacer y a todo a lo que queremos llegar. Nada más se siente esa emoción de ver que al parecer estamos trabajando bien porque a la gente le empieza a gustar y eso nos motiva a seguir adelante. vPepe: Desde el primer álbum nuestro proceso fue como muy directo y natural. Hacíamos lo que sabíamos en ese momento y las canciones salían de lo que sentíamos tal cual. Obviamente ha habido una evolución personal y musicalmente, eso es algo que nos ha hecho pensar en hacer mejor las cosas porque cada vez el panorama es

más claro conforme a las cosas que tú realmente quieres. Ciudades de noche, que es el nuevo disco, lo sentimos más completo, las canciones que hemos ido trabajando incluyen todo lo que hemos transitado en estos años, las personas con las que nos hemos cruzado, con quienes hemos trabajado o que nos han acompañado, hemos adquirido un poco de todo eso para poderlo plasmar musicalmente. Es por eso que es el proceso que más nos ha gustado, porque para nosotros es el resultado de la evolución constante de la banda, pero seguimos pensando que vamos paso a paso y faltan aún varios pasos por dar. ¿Siguen haciendo canciones muy personales?

Pepe: Yo creo que sí, las letras que hemos llegado a crear tienen algo que yo le llamo “el impacto intimar”, que es como adentrarnos a realmente lo que pasa en la vida de las personas. Obviamente con ironía o cierto humor, tal vez.

Max: No todas las canciones son cosas que nos pasan a nosotros, pero sí son historias que vemos o nos imaginamos de acuerdo al arreglo musical que llevan. Si la canción está muy seria o muy atmosférica, tratamos de hablar de cosas más reflexivas o extrañas. Si la canción es muy feliz podemos hablar de un personaje y ponerle una historia feliz.

Van por buen camino, pero si pudieran decidir llevar su carrera como alguna banda que admiran, ¿cuál sería?

Fer: Yo creo que como Jungle. Me gusta mucho como han hecho las cosas.

Max: A mí me gustaría como Foals.

Abel: (Sale de entre su cabello y su rictus de dolor, porque evidentemente no lo está pasando bien)… ¿Cómo Jungle? Así como va Rubytates está chido.

Pepe: Yo como Radiohead. Creo que esa forma en la que llevaron su proceso de crecimiento y la forma en la que evolucionaron en cada proyecto es algo que me interesa mucho. Como banda nos motiva siempre reinventarnos y explorar otras cosas.

Fer: Sí, por ejemplo, bandas como los Arctic Monkeys, The Strokes o Muse siempre hacen la misma música, siempre es una continuación del mismo disco, entonces nos gustaría mostrar otras facetas de nosotros mismos, pero a nuestro propio estilo.

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TRAICIÓN “Todos quieren el arcoíris, pero nadie le pone dinero al arcoíris”

TXT:: Arturo J. Flores

Los cuatro pilares del colectivo Traición son Lucía Anaya (Derré-Tida), Diego Jiménez, Pepe Romero y Alberto Bustamante (Mexican Jihad). Desde hace 3 años impulsan el reconocimiento del mundo queer desde la realización de fiestas emblemáticas y cada vez más anheladas. Platicamos con Pepe y Alberto acerca del papel que la moda ha tenido en el desarrollo de Traición.

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Vestido NVDD | ArnĂŠs: Sanchez Kane

En portada

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51 Falda y Top: AZZMA | Botas: Pepe Romero.

Vestido AZZMA

Después de nuestro propio cuerpo, la ropa es lo que mejor nos define ante los demás. A partir de esta idea, ¿qué es lo que Traición desea comunicar?

Pepe: No es un querer comunicar como tal, porque todo sucede de forma orgánica. Los asistentes a crean y provocan a partir de la comunidad y las tendencias; tiene que ver con la libertad y la desnudez.

Alberto: Lo que celebramos es la autodeterminación de que cada quien se pueda representar a sí mismo como quiera: con la ropa, en la forma de cómo te cortas la barba, hasta cómo te maquillas o quienes se inyectan hormonas o construyen su cuerpo en un gimnasio.

Todo tiene que ver.

Pepe: Traición se vuelve un aparador de los cuerpos diversos.

Desde un principio, el mainstream absorbió a la moda, la maquiló y se la devolvió al mundo de una manera específica; pero a la par, existe también un movimiento mucho más underground. ¿En dónde se ubica Traición?

Alberto: Traición pone énfasis en el origen y la mayoría de las veces es queer. Pero muchas veces lo queer viene diluido por el enfoque del mainstream, que es heteronormado y machista.

Una de las motivaciones explícitas de Traición es exhibir esas expresiones under, que son multidisciplinarias porque los gays y los queers están en todas las escenas, músicos, artistas y diseñadores. Porque te das cuenta que, además de quienes aparecen en el line up, los asistentes a Traición también tienen un trabajo creativo. Son fotógrafos o tienen una marca de ropa por su cuenta. No es un público pasivo que únicamente consume.

Una de las estructuras heteronormadas más antiguas tiene que ver con dividir los productos de la moda en “damas” y “caballeros”. Aunque la gente más joven no tiene impuesta esa programación, ¿cómo romper con ella en otros targets? Porque a las fiestas de Traición llega todo tipo de personas.

Alberto: Sí, pero la fiesta es el formato ideal para romper esas estructuras, porque sucede fuera de ellas o incluso, en un lugar donde puedes romper con las tuyas. En la fiesta eres otro.

Ahora, es importante señalar que esa visibilidad de lo queer no necesariamente es un triunfo. En este momento, lo queer está en la cúspide del mainstream. Todo mundo quiere tener vogueras en sus portadas, drags en sus eventos, pero eso no significa que las drags hayan mejorado su calidad de vida o que los bailarines hayan

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salido de su marginación. Lo bueno es que puedes controlar tu propia narrativa. Hasta hace poco, lo queer, por su carácter marginal, punk o DIY, no era propiamente documentado.

Pero ahora vemos que productos mucho más pop, están volteando a verlo. Pero los contextos son específicos, no es lo mismo hablar de lo queer en México que en Berlín.

La mediatización de Traición es diferente que lo que es Traición; por eso estamos aprovechando su visibilidad para empujar nuestras propias narrativas.

Una vez que se logra esa visibilidad, ¿cuál sería el siguiente paso?

Alberto: Que los creadores tengan los recursos, que no se trate únicamente de contratar a un trans por subirse a una tendencia, sino incorporarlos de manera activa a tus equipos. Por ejemplo, quizá el fotógrafo debe ser trans y no el modelo. Los ojos están puestos en la cultura queer, pero no los presupuestos. Nosotros como Traición estamos en los moodboards de todas las agencias y de todas las marcas, pero no obtenemos ningún patrocinio. Todos quieren el arcoíris pero nadie le pone dinero al arcoíris. ¿Se trata de una marginación a través del capital?

Alberto: Total, porque cuando hablas de cuestiones queer tienes que hacerlo de acuerdo con el mundo donde vives. No puedes removerte de la realidad de mercado o el capitalismo. Existes dentro de eso.

Una de sus influencias es Salvador Novo; y aunque Traición no sea explícitamente nacionalista, el tomar un icono cultural mexicano como influencia, ¿le brinda al proyecto una identidad más nacional?

Pepe: Como Alberto ha dicho en otras ocasiones, muchos gays mexicanos conocen a Oscar Wilde, pero no a Novo, un personaje tan importante para la literatura y el teatro, como para la estética queer.

Fue alguien que rompió los moldes.

Alberto: El valor de Novo fue más allá de la literatura, fue diseñador de interiores, gastrónomo y cronista. Además, vivió fuera del closet en los años 20.

Pepe: Eso hay que destacarlo, porque a los personajes históricos asimilados por el sistema cultural, se les “limpia” para no hablar de su queernes. Nadie piensa en Luis Barragán, por ejemplo, como queer.

Alberto: Por eso Traición se llama así, porque si la nacionalidad se construye a través de lo macho y la hombría violenta, donde ser puto es traicionar a México.

Pepe: En el prólogo de La estatua de sal, Carlos Monsiváis explica cómo Salvador Novo y Xavier Villaurrutia eran percibidos como unos traidores a la masculinidad, a la familia y a la patria, sólo por existir. Novo se esforzó por dejar testimonio de sus experiencias sexuales en su obra. En La estatua de sal encontramos a Polencho, que aparece mencionado sólo en un párrafo, en el que Novo cuenta que cuando él y Villaurrutia eran rommies, tenían un ídolo prehispánico nalgón al que llamaban San Polencho y que delante de él, con una jícara de vaselina “en un arrebato nacionalista”, realizaban orgías. A partir de ello, nosotros tomamos a la figura de Polencho para que en cada fiesta de Traición sea reinterpretado por un artista gráfico. A la fecha llevamos 31.

Alberto: Lo hacemos a través de una camiseta que es una pieza de merch. Cuando empezamos Traición, no teníamos mucha información acerca del origen de Polencho, pero asumimos que las pistas nos llevaban hacia Xochipilli, el Príncipe de las Flores, una deidad prehispánica asociada con el baile. Pero tres años después, descubrimos que se trata de Tlazoltéotl, la Diosa de la Inmundicia. Está asociada al placer y el exceso sexual. Aunque lo descubrimos después, hace clic perfecto con la idea.

Finalmente, ¿qué viene para Traición?

Estamos enfocando nuestras energías en la próxima Traición, que se llevará a cabo a finales de septiembre. Será en formato rave, no tan íntima como las anteriores. Quizá asistamos a un festival queer en Colombia y también estamos decidiendo si organizaremos un evento de Año Nuevo. Algo que nos tiene muy contentos es que lanzamos nuestro webshop, por lo que ya es posible conseguir en línea los saldos de las camisetas de Polencho. También estamos trabajando el fanzine, involucrándonos en campañas de salud sexual y próximamente haremos una edición para lesbianas de Traición.

Literatura

HORACIO GARDUÑO Puntos, provocación, sexualidad y mucho denim

TXT:: Juan Carlos Hidalgo FOT:: Cortesía del escritor

La memoria es un laberinto; muchas veces el trazo es ajeno, en otras contribuimos a formarlo, pero la mayor las veces es una mezcla de ambas cosas. La macro y la mini historia fundidas. Y así lo entiende la literatura al fundir ficción con trozos de realidad… con los vestigios de lo que hemos sido. Por eso New Wave (Alfaguara Juvenil, 2018), escrita por Horacio Garduño nos resulta tan familiar y cercana.

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SUBTITULADA COMO En busca de la memoria, el libro retoma hasta los años setenta –tan pocos vistos desde la distancia– al tiempo que pasa por el comienzo del punk en México y el anhelo de una banda novata por hacer new wave. Mientras tanto acompañamos a Lucrecia rearmando el rompecabezas de su vida –no exenta de momentos amargos–.

Marvin conversó con un autor que sazonó su historia con productos, marcas y personajes que flotan en el inconsciente colectivo mexicano mientras se asomaba a la generación que volvió a poner al rock en marcha tras la persecución oficial.

Los años setenta, más explícitamente en México, conforman una década vista con cierto desgano; últimamente los ochenta son vistos con interés y cierto romanticismo. ¿Cómo fue que decidiste regresar hasta aquellos años que te tocaron siendo un niño?

Los setenta mexicanos convirtieron al rock en música para viciosos de todo tipo y lo mandaron al baúl de los hoyos funky, de lo que ningún rockero se queja y al contrario, hablan con orgullo de esa etapa, pero sí, el rock era para un nicho mal visto. Más difícil era hablar de mujeres rockeras. La historia comienza en el hoyo funky del metro Balderas, aquél del que Rockdrigo González habla en la canción vuelta famosa por El Tri. Era el Salón Revolución, yo vivía por ahí de niño y los domingos por la tarde era un espectáculo ver a los rockeros pasar enmezclillados para su toquín. Me gusta escribir sobre el germen de las cosas.

En la novela se menciona a una chava rockera, Norma Valdez, que se presentó en ese lugar mucho antes de que existieran Angélica Infante, Kenny (a quien conocí por 1978 porque era mi vecina y se vestía como Olivia Newton John en Vaselina) o Cecilia Toussaint.

Los personajes de la novela se presentan ahí mismo: Lucrecia, la protagonista, es cantante y guitarrista, y tiene miedo porque la agreden, pero ella es punk, lo cual es discrónico, anticipado para el lugar y la época, y transforma el miedo por la agresión propia del género punk y propia de su estado mental. Pienso que los géneros musicales y los estilos fílmicos, como ejemplos del arte en general, son producto estético real de un sentir social e individual; Lucrecia es punk genuinamente por su historia personal, y luego se vuelve new wave por el giro que da su vida. Es una especie de metáfora estética, en la que lo personal transcurre en paralelo con la boga del punk y del new wave.

Que la novela se llame New Wave segura tendrá un gran efecto para atraer lectores, pero el gran tema es el clavado a la memoria –individual y colectiva–. ¿Confirmas que En busca de la memoria es el verdadero motor de la historia?

El título es un juego que aplica para la protagonista y para el lector. Quienes hace décadas vivieron el Distrito Federal y gustaban de esta música podrán reencontrarse con lugares, publicidad y canciones que no recordaban.

Pasando al tema central, recupero lo mencionado sobre el género, su estética y la psicología social e individual. El punk, fuera inglés, español o mexicano, fue producto de una disconformidad real, un despertar del sentido crítico de la generación antecedente, y una válvula artística de escape. No hubo una copia, sino un estar de acuerdo generacionalmente con el desahogo musical de esa furia.

El new wave, como consecuencia dialéctica del punk, fue una antítesis ya no furiosa, sino nerviosa, pero aún con cierta turbación. Pensemos en Elvis Costello o en XTC.

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La síntesis de ambas fue el synthpop, más apaciguado, más fresa. Es mi forma de verlo. Lucrecia ha borrado su memoria por un recuerdo terrible, en el que tienen que ver su padrastro directamente, e indirectamente (pero gravemente) su madre.

Sólo le queda su furia. Conoce a alguien que sin proponérselo la llevará por una etapa más estética, menos furiosa, más cariñosa, al tiempo que estará terminando de recuperar y compartiendo sus recuerdos con esta persona, creyendo que se ha reconstruido, pero sin conseguirlo realmente, de ahí la intranquilidad subyacente, de la que ella misma no se dará cuenta. ¿De qué manera combinaste la parte de investigación con la ficción desatándose libremente? Por ejemplo, ¿esa tocada londinense con Holly & the italians, de verdad existió?

Cuando uno escribe entra en una especie de trance, un poco también como la propia Lucrecia, que escribirá de sus viajes al interior de su mente. En ese trance la realidad se transforma para tu bien; tu percepción se abre para la novela que estás haciendo, y tomas lo presente y lo pasado que están en el aire y en tu mente. La novela tiene canciones que no me imaginaba que iban a estar y que me encontré mientras escribía, como hay recuerdos que yo mismo no tenía presentes.

Hay otro juego. Hay en la historia lugares que ya no existen o que nunca existieron y el lector puede creer que existen. Si va uno a la casa de Villa Coapa de la mamá de Iglú, encontrará un jardín porque es un predio en el que nunca se ha construido, en una Villa Coapa donde había vacas en 1981; por su parte, el Condominio Insurgentes es un fantasma que todos recordamos por sus anuncios cutre de zapatos Canadá en la zapatería del nivel cero; la Sala Margolin ya no existe (tristemente). También por Internet te encuentras cosas que no buscas. La investigación es más bien una serie de accidentes afortunados. El Electric Ballroom de Camden en Londres efectivamente tenía en aquella época una pista de patinar y un área para toquines de bandas punk, y Holly and the Italians se presentaron en la vida real justo el día en que Juanjo, Lucre e Iglú van dentro de la ficción, y es de los hallazgos afortunados que entraron como piezas de Tetris en la historia, porque Lucrecia e Iglú patinan y tienen su banda juntas.

Pienso en Ritmo Peligroso y Size como pioneros del punk en México; pero a la hora de saltar al new wave, tal vez haya algo en Kenny y los eléctricos y Taxi. ¿De dónde sale Mum? La escena del new wave en México se antoja algo escueta –aun con las bandas que tocaban en El 9–.

Creo que estuvo muy repartida la aparición de bandas new wave mexicanas, y que hasta los tardíos 80 continuaban saliendo, quizá por eso haya esa percepción. Además, lo llamábamos rock simplemente, y sólo hasta ahora en retrospectiva (para variar) los identificamos con aquel género.

Size, a quienes mencionas como punks, que sí lo fueron, también hicieron new wave, como Casino Shangai, Helicon, el primer Ninot, Bon y los enemigos del Silencio y hasta las Insólitas Imágenes de Aurora, por mencionar algunos ejemplos, pocos sí, en relación con Estados Unidos y el Reino Unido.

Y regresando a mi idea del germen, quise presentar a El 9 como un café bar en el que apenas su dueño estaba explorando la idea de presentar bandas. Mum, banda ficticia, se presenta como pionera de esta faceta del lugar, y fracasan. El nombre Mum es un juego de palabras rockero-feminista-sexual que las chicas se atrevieron a ponerle a su banda, por aquello del “Mum, bolita mágica”, como producto de la broma de Iglú a Lucre en el avión al gritar la palabra “clítoris” pretendiendo que nadie de los ingleses a bordo le iba a entender.

De Culto Música

25 BOSQUES DE

TECHNO GAS

TXT:: Jaime Acosta FOT:: KOMPAKT

L Su corta edad no le impidió adentrarse dentro de esa densa niebla. Deseaba que todas aquellas historias que habían impactado sus oídos traspasaran su cuerpo mortal. Minutos antes, la dietilamida de ácido lisérgico se fusionaba con su lengua para comenzar a viajar por el torrente sanguíneo.

os diferentes cantos de aves parecían conjuntarse para construir un dulce susurro que solamente los árboles lograban descifrar. A cada paso, las hojas secas emitían un quejido suave, avisando la llegada de aquel extraño caminante. El pequeño Wolfgang Voigt, lejos de su hogar en Colonia, recorría las 2, 519 hectáreas de reserva natural. Crujido. Canto.

Crujido. Canto. El bosque comenzó a cobrar vida propia. La unificación del trino de las aves, las crujientes hojas y el vaivén de los árboles ya no era más un sinsentido. Ahora las conexiones neuronales de Voigt producían sonidos tan profundos que controlaban su ser. Todos los sistemas y aparatos de aquel cuerpo, todavía infantil, reaccionaban como una especie de orquesta musical perfectamente dirigida. Las barreras con la naturaleza desaparecieron al mismo tiempo que los límites entre las distintas partes de su cerebro se difuminaron.

La boca jugaba el papel de una especie de puerta. Toda esa neblina se filtraba por aquel acceso e inundaba poco a poco el alma de Wolfgang. La disolución del Yo había comenzado, y no existía retroceso. Esa droga psicodélica que había sintetizado Hofmann en 1938 convertía en vapor sus entrañas. Mientras, de su cuerpo brotaban nuevas extensiones a cada segundo. Con cada una de ellas, un sonido diferente era emitido.

Mike Ink. Doppel. Grungerman.

Dextro NRG. Panthel. Auftrieb. Vinyl Countdown. Kafkatrax. Brom. RX7.

Centrifugal Force. X-Lvis. Crocker.

Dom. Strass. Fuchsbau. Tal. Algo le decía que esas ramificaciones convivirían con él de aquí en adelante. Sin embargo, la personalidad dominante iba creciendo. Se podían palpar las diversas texturas y la sonorización propia iba in crescendo.

Las aves, los árboles y las hojas habían mutado en forma de ondas acústicas. No importaba más el bosque. La expansión de la consciencia llegó al clímax. Sin pudor alguno, la fuerza de lo real y la energía de lo imaginario, se comunicaban entre sí para construir paisajes impactantes ante todos los sentidos. Tres días habían pasado. Tres días de transformación en neblina. Vapor. G A S. “Todo el mundo podría haber escuchado que, además del famoso bombo y la línea de bajo, hay algunos sonidos clásicos; cuerdas clásicas y armonías en toda su longitud. El único punto por el que es tan notable, el porqué estas cadenas están tan avanzadas, es dejar en claro la diferencia entre este tipo de música y la música ambiental clásica como Brian Eno o Kraftwerk. Es muy importante entender que la idea detrás de esto es imaginar que el club y el bosque son algo que se unen. Lo que quiero combinar aquí es la idea de perderme en algún lugar del bosque sin una dirección determinada. En algún lugar entre árboles y hojas, combinar esto con la idea o la impresión que se pueda tener al ir a clubes de techno oscuro. Y para mí, es importante decir que es la idea de combinar ritmos electrónicos y música clásica antigua y real. No solo ambiental; entonces no hay electrónica ni teclados, son muestras reales, y es la idea de llevar el bosque a la discoteca, o al revés. Para fusionarlo de una manera especial y fantástica”. — Wolfgang Voigt (Redbull Music Academy 2008) TECHNO KOMPAKT(O) Inmerso en la sub-cultura pop de finales de los setenta y principios de los ochenta, el alma del germano, nacido en 1961 (Colonia, Alemania), fue construida a partir de los diferentes géneros musicales que se colaban por sus oídos. Jazz.

Punk. Glam Rock. New Wave. Pop. Clásica. Los cuales, una vez insertados en su cerebro, eran mezclados y llevados a su mínima expresión.

El golpe auditivo más fuerte sucedió cuando el veneno de los insectos llamados acid house y techno, infectaron todo su sistema circulatorio.

Entonces su lenguaje se transformó totalmente.

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Ahora la forma en que se comunicaba dejó de ser verbal. Descubrió que los sonidos transmitían y conectaban directo al espíritu de los seres vivos. Esa búsqueda incesante de reducir la música a instancias minimalistas, lo convirtió en uno de los pioneros de la escena mundial del llamado minimal techno. El brutal impacto del género alrededor del globo, hizo que Wolfgang junto a su hermano Reinhard, Jörg Burger, Jürgen Paape y Michael Mayer, abrieran la tienda de discos Delirium en 1993. Esta derivó en el sello independiente Profan, el cual editaba producciones experimentales de los hermanos Voigt. Cinco años después, decidieron conjuntar a los diversos sub-sellos, la tienda de discos, distribuidoras y organizadoras de eventos para dar origen a la legendaria discográfica Kompakt.

“GAS fantasea con un cuerpo sonoro que se origina en algún rango entre Schönberg y Kraftwerk, entre clarín y bombo. G A S es Wagner disfrazado de glam rock, Hansel y Gretel en ácido. Una marcha interminable a través de la maleza –en el dance floor– de un bosque imaginario y brumoso”.

–Wolfgang Voigt (Love Inc. – Life’s A Gas) HANSEL Y GRETEL EN ÁCIDO. 1996 representó un año desquiciadamente musical para el alemán. La inspiración parecía atacarlo en todas direcciones. De lo más simple hasta lo más complejo, y viceversa. Flashazos venían desde aquellos primeros años de vida. La mitología alemana le susurraba al oído interminables veces.

Todos esos paisajes mentales eran procesados para convertirlos en ambientes abstractos y experimentales. Así fue como surgió su proyecto más prolífico y propositivo. Sus primeros trabajos se cobijaron bajo Profan, para después encontrar refugio en el sello alemán Mille Plateaux. El sonido reflejaba una especie de escape hacia un bosque muy personal y oscuro en el interior del alma de Voigt. Por fin había logrado decodificar el sonido techno 4/4 y dispersarlo en texturas sonoras ambientales. El dance floor resurgía con un nuevo concepto minimal. Samples que son compactados y estirados de mil maneras. Repeticiones que parecen no tener principio ni final. No hay nada paradigmático en la construcción de sus tracks.

Conviven, en una misma pieza, toda una sección de cuerdas apenas perceptible con mínimas expresiones sonoras salidas de una caja de ritmos. Pareciera que no existe la forma correcta de definir la expresión musical de Wolfgang. No hay manera de encapsularlo en algún género existente. Simplemente es música GASeosa llevada por caminos experimentales impregnados de LSD. Es ‘simplemente’ G A S..

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De Culto Cine

TXT:: Toño Quintanar FOT:: Jaxon Photo Group

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os modelos de producción que nos han acompañado a lo largo de los siglos se tratan, ni más ni menos, que de factorías monolíticas e inconmovibles las cuales, a través de distintos recursos ideológicos y materiales, tratan de institucionalizar una práctica en particular: el sometimiento de aquellos grupos humanos los cuales no forman parte de la normalidad occidental. Por supuesto, dentro de dichas comunidades oprimidas, la llamada “raza negra” se destaca como una de las más agredidas por el avasallante paso del “progreso” europeizante.

La normalización de la esclavitud es un fenómeno consustancial a las industrias y maquinarias culturales responsables de lo que hoy en día conocemos como civilización; sin embargo, su arraigo dentro del inconsciente colectivo de la humanidad sería imposible sin la presencia de una serie de complejidades semánticas que encuentran en las significaciones iconográficas de la imagen a uno de sus dispositivos ideológicos más rotundos e implacables.

Desde sus orígenes más arcaicos, las potencias físicas del colonialismo fueron reforzadas mediante una parafernalia subjetiva la cual, con el pretexto de documentar las actividades emprendidas por los pueblos expansionistas, generó una importante cantidad de imágenes-archivo que apelaban a un modelo de representación racializante que pretendía definir a la otredad como un grupo carente de humanidad que debía de ser sometido con el fin de salvarlo.

El resultado fue la instauración de una serie de violencias oculares que situaban al espectador occidental en una posición de autoridad panóptica mientras el ente observado era minimizado hasta el punto de perder sus derechos más elementales.

El influjo de estos modelos coloniales ha perdurado hasta nuestros días, afianzándose en los nuevos sistemas de representación que el capitalismo ha engendrado incansablemente en su afán por irrigar entre las sociedades modernas una serie de concepciones valorativas plenamente hegemónicas. El cine, al tratarse ni más ni menos que de la plataforma ideológica más potente de los últimos cien años, se destaca como una de los medios más fieles a dichas prácticas de sometimiento.

No es coincidencia que la cinta considerada por múltiples especialistas como la obra que afianzó de manera definitiva los modelos narrativos propios de Hollywood sea The Birth of a Nation (D. W. Griffith, 1915), pieza que guarda una serie de valoraciones raciales que pretenden legitimar la existencia de grupos fascistas como el Ku Klux Klan.

El surgimiento de esta cinta evidenciaría

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La historia de la humanidad es un relato de colonialismos, de violencias que permanecen adheridas a los propios mecanismos gregarios que nos definen como especie.

de forma temprana esas asociaciones coloniales que estarían constantemente ligadas al fenómeno de la imagen en movimiento. Sin embargo, a pesar de la recurrencia de dichas potencias autoritarias, el paso del tiempo traería consigo el surgimiento de mentes revolucionarias las cuales, valiéndose de las características más materiales del celuloide, lucharían por emancipar al fenómeno cinematográfico de esas cargas normativas que son tan oportunas para los círculos institucionales.

Es así como nos encontramos con Ruth E. Carter (1960, Springfield), diseñadora de vestuario quien, durante más de 30 años, ha luchado por hacer de la moda una declaración de emancipación y anticolonialidad.

Desde sus orígenes más elementales, la carrera de esta paradigmática artista quedaría vinculada de forma férrea a la cinematografía de Spike Lee, realizador cuya obra siempre se ha caracterizado por repensar la figura del individuo afroamericano mediante una serie de refrescantes aproximaciones antropológicas.

Las primeras colaboraciones de este par de visionarios –School Daze (1988), Do the Right Thing (1989) y Mo’ Better Blues (1990)– destacaron por ofrecer un estallido de colorido individualismo y estrambótica subversión en un mundo que abogaba por la despersonalización más homogénea. Estas tempranas muestras de creatividad dejaron en claro la riqueza palpable de los diseños de Carter, mismos que, una vez que atravesaban la dimensión onírica de la pantalla, adquirían una serie de potencias sensoriales que apelaban a las naturalezas más táctiles del espectador.

Más adelante, dicha inquietud encontraría aires cada vez más revolucionados con desenfadas producciones de talante hiphopero como House Party 2 (1991), The Five

RUTH E.CARTER

Confeccionando la piel de la pantera negra MVN-164

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Heartbeats (1991) y The Great White Hype (1996).

Apelando a una fusión estilística que parecía resucitar las inquietudes más subversivas de Basquiat, Carter se dio a la tarea de rescatar la polivalencia cromática característica de los atuendos típicos de Sudáfrica para fusionarlos con delirantes corrientes futuristas que transformaban a la vestimenta en un fenómeno ritualista, capaz de anunciar el nacimiento de nuevas estructuras sociales que nada tenían que ver con el paternalismo de Occidente.

Ruth es una artista consciente de la capacidad del vestuario para remontarnos en el tiempo gracias a esa relación invaluable que la costura y nuestra piel han sostenido desde siempre.

Misma potencia sensorial que es explotada por la diseñadora en sus colaboraciones más serias y obscuras. Momentos tremendamente apremiantes dentro de la lucha por los derechos de la raza negra –Malcolm X (1992), Amistad (1997), Selma (2014)– se ven representados de forma escandalosamente vívida gracias a los estudiosos diseños de una Ruth quien se encuentra más que convencida de que la vestimenta es una herramienta cognitiva que permite al público de cualquier raza vincular su propia sinestesia a una serie de situaciones que, bajo otras circunstancias, le parecerían completamente ajenas.

Lejos de ensombrecerse con el paso de los años, el trabajo de Ruth E. Carter continúa evolucionando prolíficamente para alcanzar nuevas relevancias iconográficas. La muestra más evidente de dicho asunto es su reciente participación en Back Panther (2018), cinta afrofuturista la cual explora la posibilidad de una raza negra liberada de cualquier colonialismo.

Mediante una fusión de tradicionalismo y modernidad fantástica –elementos como la escena de la coronación de T’Challa o el atuendo urbano estilo Tupac lucido por Erik Killmonger durante su primera aparición parecen invocar todo una galería cultural que resume de forma contundente las iconografías históricas de la raza negra-, los diseños de esta cinta rescatan las raíces más cautivadoras de la cultura africana para proyectarlos hacia los albores de una nueva generación que no está dispuesta a tolerar ni por asomo el sometimiento sufrido por sus antepasados; misma declaración que parece resumir de forma sumamente elocuente las principales inquietudes ideológicas que Ruth ha cultivado a lo largo de su carrera.

Cómic y narrativa dibujada TXT:: Oscar G. Hernández

No es la primera vez y seguramente no será la última que los diseñadores de vestimentas recurren al noveno arte para llevarlo a las pasarelas. Este año, para la colección primavera-verano, sería Prada quien se inspiraría en los cómics para presentar una serie de ropajes.

Miuccia Prada declaró en dicha pasarela: “Debemos verdaderamente comenzar a ser combativos”, al mismo tiempo que como escenario tenía un enorme muro con las páginas de un cómic. Así inició su desfile para el cual no recurrió a top models sino a jóvenes talentos, quienes vestían una serie de diseños desde chaquetas hasta playeras cubiertas por viñetas y dibujos que componían la colección, y que como suele ocurrir causó sensación.

GLADYS PARKER

EL CÓMIC VISTE A LA MODA

La relación moda y cómic es ya bastante añeja, aunque aún poco conocida sobre todo en México. Será quizás el Nueva York de Warhol, Lichtenstein y Basquiat donde se focalizó la atención en los cuadros y expresiones de lo que ocurría en las publicaciones pop, pero después de ellos han venido muchísimos autores desde diversas disciplinas para retomar lo planteado por aquella generación. Hoy en día son sin duda los europeos quienes más se relacionan con la narrativa gráfica y la moda. Una gran marca como Louis Vuitton ha dedicado un espacio a grandes autores de lo que los franceses llaman la Bande Dessinèe, entre los que se encuentran nombres como los de Lorenzo Mattotti o Nicolas De Crécy, quienes desarrollaron libros exclusivos para la marca. De hecho, el de Nicolas De Crécy lo desarrolló sobre México y fue expuesto hace un par de años en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México.

El cómic como narración abarca una cantidad considerable de épocas y páginas que nos hablan sobre la moda, ya sea desde la vida de grandes diseñadores hasta la celebración del consumo por ella o la crítica ácida por su venalidad y frivolidad.

Esa vieja relación comienza probablemente con las aventuras de Winnie Winkle, un comic strip de 1920 que contaba la vida de una chica de la clase trabajadora que dará el salto para trabajar en la industria de la moda. El personaje de Winnie alcanzo una enorme fama dentro de la sociedad de ese tiempo, su trama dedicada a un enorme guardarropa resultó tan influyente que abrieron un espacio en el cual se dibujaron las ropas coleccionables de Winnie para que los lectores las recortaran y vistieran al personaje con los codiciados diseños.

La industria del cómic en los Estados Unidos inmediatamente se asoció a la moda, los editores impulsaron a los dibujantes para que vistieran e influyeran en las lectores femeninas a través de los relatos y los dibujos de vestidos y un sinfín de prendas.

La autora que sobresalió de ese momento fue Gladys Parker, creadora de un comic strip titulado Mopsy, dedicado también a los asuntos de la moda. En Mopsy no sólo se desarrollaron situaciones con el personaje sino además se desarrollaron varios modelos de ropa que terminarían siendo parte de una colección, que empujó a que naciera una variante llamada Mopsy Modes. Parker, metida en dibujar constantemente ropa, terminó por dedicarse a que esos diseños se volvieran reales. Logró sacarlos a la venta en 1934, pero la historia no termina ahí; ya que el éxito de sus prendas llegó a Hollywood para vestir a la industria cinematográfica y a varias actrices de la época. Parker nunca se detuvo y también haría una columna dedicada a la moda. Lo que la convertía en una personalidad completa del naciente mundo del fashionismo.

Por razones que pueden ser muy obvias, el mundo del cómic ha estado conectado con el de la moda, los creadores son muchos y quizás los más visibles por el trabajo hecho en la ciencia ficción y el futurismo son Moebius y Mézières. Pero muchos años antes, el Mopsy de Parker se había adelantado a ellos y al New York de los 60 y The Factory.

En Europa o en países como Estados Unidos, la relación comic y moda es cada vez más común, hace unos años el Metropolitan Museum of Art de New York presentó una expo titulada Superheroes: Fashion and Fantasy, la cual mostraba la influencia del cómic en los creadores de moda.

Existe una vieja filmación de los 30 en la que Gladys Parker presenta su pasarela, el escenario es un enorme muro con viñetas y dibujos de su personaje de cómic Mopsy. La escena nos hizo recordar lo dicho por Miuccia Prada hace algunos meses sobre el hecho de comenzar a ser verdaderamente combativos.

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Cómic y narrativa dibujada

SOFÍA FLORES Desde el llamado Cono Sur, llega una increíble narradora gráfica: Sofía Flores, chilena, lectora, caminante y acumuladora de diarios de vida.

Desde su ventana en Santiago de Chile, le gusta mirar los edificios que brillan en la noche. Gusta de las carreteras futuristas, por eso dibuja un cómic de ciencia ficción y fantasía llamado Ciudad Cerrada. Este año expuso su primera muestra junto a su mejor amiga Catalina Cartagena, titulada Un cuarto propio en Plop!

Galería.

Twitter e Instagram @sofiafgarabito sofiafgarabito.blogspot.com/

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El pilón

VIOLETTA, el personaje central de Diablo Guardián (2003) -la novela de Xavier Velasco- es una protagonista sumamente entrañable, atrayente y perturbadora, así como Yocasta de Tebas, Medea, Helena de Troya, Desdémona, Justina, Emma Bovary, Fantine, Cellie, Lolita, La Maga o aquella Lisbeth Salander de Stieg Larsson; mujeres que nos hocican desde las páginas para hacernos partícipes de sus secretos más inconvenientes y depravados; personajes que nos mantienen al borde del abismo, en las continuas horas nalga, metidos la nariz en un libro; ninfas que nos cautivan y extasían, nos erectan y nos hacen lloriquear en menos de un párrafo, con la herida a flor de hiel.

La Violetta de Velasco es quizás La Santa -contemporánea- de Federico Gamboa o la Anné Copeau de Emile Zolá, por tanto: se trata de una chica de dieciocho años que tras vivir la infancia con sus padres, decide que ya no puede aguantar más sus “expectativas”, así que deja el palacio acartonado y mohoso de la familia y viaja a Estados Unidos en búsqueda de la “libertad”.

En Gringolandia, Violetta sobrevive gracias a su talento en la “ciencia de la seducción”. Velasco nos lleva a base de ritmo y sendos alaridos de Iggy Pop a los complicados caminos que las “decisiones equivocadas” llevan a su personaje por mundos llenos de prostitución, violencia y drogas… ¿qué podría salir mal? Todo en la novela es representado de la forma más cruda posible, dentro de una prosa que te pone a bailar slam en un toquín de punk, incluyendo a la naturaleza compulsiva de su protagonista.

Si leíste esta novela a principios de los años dos mil, y sentiste que se te rompía el corazón cada vez que Violetta abría las piernas, que sudaste y bailoteaste con ella en los antros más underground de Nueva York, que esnifaste cocaína a la par, que abrigaste el riesgo, el filo del cuchillo en tu espalda fría, que expulsaste materia existencial sin querer cuando se desnudaba, y que tú, como un voyeur, la mirabas por el reojo de la hoja, entonces sabrás que este personaje no podía ser interpretado por nadie, más que por la única imagen que tu cochina mente te confirió.

Dime cómo luce tu Violetta personal y te diré quién eres. Quizás tenga el aplomo, la rebeldía y el erotismo de Angelina Jolie, la malicia de Elle Driver, la belleza psicótica de Margott Robbie, la mirada de Krysten Ritter y lo junkie en Sky Ferreira o Chloë Sevigny; pero eso a los creadores de la serie pareció no importarles, en primera, porque descifraron mal la novela —como un abecedario de moral en la prostitución— y en segunda, porque los tres creadores son mujeres que leyeron la historia pero no se mojaron con el personaje: Catalina Aguilar Mastretta, Samara Ibrahim y María López Castaño, señoras que no sintieron el vértigo en los diálogos de Violetta, que no se vinieron con

ella, que no la celaron, que no la vivieron, y por eso, el personaje en la serie de Amazon Prime —con mano negra de Televisa— parece más un poste eléctrico que un personaje de Velasco. En lugar de construir un carácter con aplomo, rebeldía, erotismo, malicia, mirada oscura y temple junkie, solucionaron con llamar a Paulina Gaitán (Somos lo que hay , 2010), una actriz que te horada un huevo desde el principio, desde el primer capítulo, cuando denigra a la clase obrera de su país para escalar peldaños a través de su cuerpo.

Esa no es Violetta, Gaitán no es Violetta, Gaitán es obscena, sucia, sin alma, sin interpretación, con toda ausencia de carisma, Paulina Gaitán actúa mal y su dicción es atropellada, así como sus expresiones son sumamente marchitas: un grave error.

Diablo Guardián es una serie desangelada, sin diablo y sin guardián. A pesar de tener pietajes en Nueva York, no explotan esa ciudad, una localidad tan fotografiable como la gran manzana desperdiciada en secuencias sin fotografía aparente, las locaciones son extraordinarias y la dirección austera, los interiores se asemejan al peor set de la peor telenovela de Televisa; no logra conectar, no hay enganche. Los episodios, o más bien, el lenguaje de los episodios, su ritmo -del que tanto esnifa la novelaen la serie es tedioso, pesado y soporífero.

La salvan cuatro cosas: Adrián Ladrón (La 4ª Compañía, 2016) en el papel de Pig. Andrés Almeida (El lenguaje de los machetes, 2011) interpretando a Nefastófeles. Pedro Alonso (La casa de papel, 2017) como El Gallego y el soundtrack, que resuena en algunos episodios bajo el ritmo acompasado de “The Passenger”. Lo peor: el cameo del mismísimo Xavier Velasco.

Y reitero: el personaje principal no se parece en absoluto al retratado en el libro. Es interpretado por una mala actriz que parece que nunca entendió la personalidad y la motivación de Violetta.

Paulina Gaitán, debes pedir disculpas a todos los violettómanos.

SIN DIABLO Y SIN GUARDIÁN TXT:: Mixar López

“¡La verdad es que no soy nada sin mi diablo!”

-Babasónicos

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E

l cómic, el noveno arte siempre ha tenido un espacio importante en Marvin. Hace ocho años iniciamos una sección de cómic dedicada a la presencia, difusión y promoción de la narrativa gráfica, enfocándonos especialmente en la historieta propositiva y alternativa.

Por nuestras páginas han pasado grandes autores internacionales de diversas latitudes, y en 2017 nos involucramos con el Año Dual AlemaniaMéxico, haciéndonos cómplices del Goethe-Institut para dar a conocer el cómic alemán en México y el mexicano en Alemania, algo nunca antes realizado.

Para esto creamos Transcómic, un proyecto que se traslada, que muta, siempre partiendo del cómic.

De la mano, surgió la convocatoria “Viñetas por Mis Calles” para crear historietas sobre las ciudades y finalmente, la iniciativa desembocó en una colección en forma de libro bilingüe que lleva el nombre del proyecto mismo: Transcómic, con historietas creadas por autores de Alemania y México, que narran y dibujan historias de barrios y calles, entre la ficción, la realidad y la autobiografía, mostrando un pequeño abanico de estilos diversos.

En esta antología se incluye obra de Markus Witzel “Mawil”, Aisha Franz, Avgvstvs, Lizeis, Emanuel Peña, Fernando Figueras, Paulina Suárez, Sherezada Leyva, Eme de Armario, Verde Agua, Alejandra Espino y Óscar G. Hernández.

Puedes adquirir tu ejemplar de Transcómic en Librerías Gandhi, Sanborns y en todos los locales que distribuyen Ediciones Kamite. ¡Corre por el tuyo!

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