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16SIENDOAÑOS CÓMPLICES

La complicidad de “la banda siempre llamada Café Tacvba” 05-MAY-17

LEVI’S

PNKSLM

Chance the Rapper

Jesse Kanda

Brian Eno

Dazed and Confused

Alan Moulder

Delphine Devigane

Record Store Day

Flood

Grandaddy

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Martin Gore

João Pedro Rodrigues

Hater

influencias x 16 años Los Punsetes

del mes SE DICE QUE EL CONTEXTO TE DEFINE, todo lo que pensamos, hacemos y sentimos es producto de lo que nos rodea (la originalidad, por ende, siempre será un tópico cuestionable). El universo Marvin, que involucra revista, web y festival, tiene un solo eje: difundir lo que nos gusta y contagiarte de ese gusto, ya sea en la música, el cine, la pintura, la literatura, etc. Cumplimos 16 años difundiendo la creatividad, no ha sido fácil, pero son esos nombres, creaciones, movimientos u objetos que nos recuerdan por qué hacemos todo esto. A ellos, les rendimos tributo.

Mark Bell LFO

nigel-godrich

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16 AÑOS SIENDO CÓMPLICES DE TODO AQUELLO QUE NOS EMOCIONA

Antes de empezar, me gustaría que tú, quien está leyendo estas palabras, te tomes un momento para pensar en tu canción favorita. ¿La recuerdas bien? Esa voz, ese ritmo, ese instante al que te remonta, esa sensación de felicidad…

Bueno, así se siente crear todo este universo de palabras e imágenes para ti, mes con mes: nuestra meta no es decirte qué es lo que está bien o mal, sino EMOCIONARTE E INSPIRARTE. Desde hace 16 años que MARVIN se dedica a inmiscuirse en ese mundo de la creatividad, entre millones de sonidos, imágenes de colores saturados e ideas amorfas, para crearte una selección muy bien definida y delimitada a lo que creemos fielmente que merece salir a la luz. Éste es un ejercicio de curaduría pensado en ti y para acompañarte en todos esos momentos que necesitas más que nunca de una canción, de alguna película o una fotografía que te recuerde que el arte existe para eso: para IDENTIFICARTE. Muchas gracias a todos los músicos, artistas, escritores, periodistas, managers, disqueras, realizadores, creativos, agentes, publicistas, promotores y, principalmente, a ti lector, por permitirnos acompañarte en estos 16 años como revista, sitio web, libros y #FESTIVALMARVIN. MARVIN, PARA TODA ESPECIE DE FAN MUSICAL.

DIRECTORIO PRESIDENTE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@marvin.com.mx EDITOR UILI DAMAGE uili@marvin.com.mx COORDINADOR EDITORIAL PABLO PULIDO pablo@marvin.com.mx DIRECTOR DE ARTE HÉCTOR MONTES DE OCA hector@marvin.com.mx DISEÑO GRÁFICO ADRIANA GALLARDO adriana@marvin.com.mx RESPONSABLE DIGITAL ORQUÍDEA VÁZQUEZ orquidea@marvin.com.mx REDACTOR WEB DANIEL ARCIA daniel@marvin.com.mx REDACTOR WEB TOÑO QUINTANAR

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Juan Nicolás Becerra, Lenin Calderón, Aarón Enríquez, Juan Carlos Hidalgo, Rubén Gil, David Jaramillo, Vicente Jáuregui, Alejandro Mancilla, Toño Quintanar.

CONSEJO EDITORIAL Manú Charritton, Arturo J. Flores, Alejandro González Castillo, Jorge Grajales, Juan Carlos Hidalgo, Alejandro Mancilla.

REPRESENTANTES EN EL INTERIOR DE LA REPÚBLICA TOLUCA EDUARDO URIBE MORALES aliasdg@gmail.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@marvin.com.mx PACHUCA ALFREDO GARCÍA r.u.d.o@hotmail.com TORREÓN FERNANDO FERNÁNDEZ hanzeldice@gmail.com IMPRENTA FOLI DE MÉXICO, S.A. DE C.V. Negra Modelo 4, Colonia Cervecería Modelo, Estado de México, D.F. C.P. 53330.

Teléfono 9159 2200.

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COMERCIAL ALEJANDRA LEAL alejandra@marvin.com.mx EDITOR CÓMIC ÓSCAR G. HERNÁNDEZ oscarghx@marvin.com.mx ESTRATEGIA DIGITAL AURELIO VARGAS aurelio@marvin.com.mx ESTRATEGIA COMERCIAL MAURICIO AYALA mauayala@marvin.com.mx DISTRIBUCIÓN EDUARDO CORTÁZAR ROSAS MARVIN TV PEDRO VELASCO pedro@lphantfilms.com

Fotografía de portada: Sakre

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MARVIN

VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD.

Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 150correspondiente a: ABRIL 2017. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2016-011911392500-102. MARVIN es una Marca Registrada.

Contenido

Editorial

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CÓMPLICES ABRIL 2017

M

arvin cumple 16 años.

Celebramos dieciséis años de complicidad con la cultura.

De correr en el tiempo codo a codo con la industria del arte, del entretenimiento: música, cine, arte plástico, literatura, cómic y hasta stand-up comedy.

De acercarnos a los creadores, hacernos sus amigos, indagar en sus vidas y sus secretos con la confianza de un equipo que funciona como un engranaje bien aceitado.

Ellos crean, nosotros te lo contamos; como una máquina virtuosa diseñada para preservar momentos edificantes, sóla y únicamente para el espíritu curioso de nuestros lectores, sus seguidores, el gran público.

Cumplimos 16 años aliándonos con todos ellos para “perpetrar el crimen” de comunicar las buenas nuevas y plasmarlas en la historia, para la posteridad.

Capturando momentos especiales que se convertirán en trayectorias asombrosas; en este número, por ejemplo, presentando el “Futuro” de esos cuatro cómplices de Ciudad Satélite que son Café Tacvba. Revisamos la producción más reciente de un conocido cómplice de Björk, llamado Arca. Jorge, Chema y Anntona, son los escandalosos cómplices con los que se asoció María en 2004 para darle vida al grupo madrileño Los Punsetes.

Echamos un vistazo fotográfico a la complicidad entre las bandas de México y otros países para mostrar eso que saben hacer, mientras nos deleitaron en la mayor celebración musical de nuestra ciudad que es el 18 Festival Iberoamericano de Cultura Musical Vive Latino.

Nos asomamos a nuevas complicidades de carácter internacional que se dieron también durante el Festival Nrmal 2017 En cine revisamos cómo el tiempo transformó la complicidad de Spud, Begbie, Sickboy y Renton, cuatro amigos que conocimos hace veinte años y que regresan a la pantalla este año en Trainspotting 2.

Establecemos nuevas complicidades dentro del mundo del comic, ahora presentándote la obra del muy ingenioso dibujante berlinés, Markus Witzel “Mawil”, mientras que en la cancha del stand up comedy, nos hermanamos con las andanzas del alucinante Conde Fabregat.

En portada 40 CAFÉ TACVBA

Música

Festivales

8 ESTILO 9 TECNOLOGÍA 10 EN MEGÁFONO. Perfiles y noticias de música, cine y arte

20 INDUSTRIA: HUMO. Una incubadora de talento 22 ATLAS SONORO: Buenos Aires, ese misterio de furia 24 ARCA. Gore auto infligido 26 LA BANDA BASTÖN. Un carnalismo único 28 LOS PUNSETES. ¡A la mierda con tu puto grupo!

58 DE CULTO: OK Computer, la complicidad de Thom Yorke y Nigel Godrich 30 VIVE LATINO 2017. El día que nuestro orgullo se sintió hasta la frontera 36 FESTIVAL NRMAL 2017. Ese lado del inframundo que ya no podemos negar

Fotorreportaje Cine

Arte Cómic

Stand-Up

El Pilón

48 CÓMPLICES DEL SONIDO. Los músicos de la calle 52 TRAINSPOTTING 2. Una nostalgia cínica 60 DE CULTO: Gabriel Figueroa. El secuaz por excelencia del cine mexicano 62 DE CULTO: Chapman Brothers. Complicidad carnal 54 EARTHING. Los cómplices engañados 62 CÓMIC DEL MES: Mawil

Son dieciséis años de complicidad creando todo tipo de fan musical, porque después de todo también somos cómplices y fans. ;)

18 CARLOS “EL CONDE” FABREGAT: entre lo horrible y lo baboso.

¡Celebremos juntos!

64 Guillermo Fadanelli. De los cómplices años setenta al estilo chilango

Uili Damage @uili

En megáfono

50 AÑOS DE FESTIVALES DE MÚSICA CON LEVI’S TXT:: Carleton Peck Extractos de la traducción y adaptación: Editorial

[Al paso de las décadas, ] los festivales de música han sido reimaginados y remasterizados una y otra vez, pero en los últimos años hemos visto una explosión en la popularidad de eventos grandes y pequeños en todo el mundo.

Los promotores han intentado aprovechar el impresionante peso creativo de los festivales legendarios de la década de 1960, desde eventos como el Mt. Tam Magic Mountain Music Festival en 1967, que dio a luz a despertares culturales como el Verano de Amor de San Francisco y el gigantesco Woodstock en 1969. Los programadores de conciertos están constantemente buscando encontrar ese punto donde los talentos desconocidos se mezclan con los íconos populares masivamente. Es fácil olvidar que Jimi Hendrix fue relativamente ignorado en los Estados Unidos (a pesar de sus éxitos en el Reino Unido) antes de sellar su destino como una leyenda, primero con The Monterey Pop Festival en 1967 y luego con el lluvioso set final de Woodstock dos años después.

El día de hoy, varios festivales se han convertido en escapadas anuales de primavera o verano para muchos fans, y los boletos ya se agotan incluso antes de que se anuncie la alineación del cartel.

Los promotores han renovado sus eventos con ofertas adicionales para el arte, el cine y el stand up, asociaciones con camiones de alimentos y otros servicios destinados a convertirlo en algo más que un maratón de música en vivo. Desde Coachella en el desierto del sur de California, hasta el Festival de Música de Pitchfork en Chicago, las escapadas al clima cálido suelen estar ligadas a estos eventos.

Y la conexión entre los fans y los músicos es lo que empuja a un festival más allá de una feria del renacimiento, a los momentos de emocionantes de magia pura que te dejan la piel de gallina. Desde Dylan volviéndose eléctrico en el Newport Folk Festival en 1965, hasta la legendaria actuación de Janis Joplin con el tema “Ball and Chain” en el Monterey Pop Festival en 1967, la trayectoria de la música de rock se ha entrelazado con los aspectos más destacados de los festivales durante más de 50 años.

Para cada momento de ‘unidad’ tipo festival musical que impregna nuestra cultura más allá del escenario, hay el choque después de la cresta. Esto sucedió con la cadena de festivales legendarios de los años 60, batallas de rap en el Bronx, Burning Man y Coachella.

Por supuesto, estamos viendo más y más pantallas brillantes esparcidas alrededor de la multitud, con selfies de “Te dije que estuve allí” en cada esquina, pero todavía hay algo en el caos que permite a la gente dejarse llevar de una manera que rara vez se ve en cualquier otro lugar.

Y la gente se viste de acuerdo a la ocasión.

La música y el estilo van de la mano con los momentos virales del circuito del festival. Y la moda siempre ha sido una parte de lo que da a los festivales su apariencia y su sentir.

Lo desconocido es parte de la belleza: incluso si estás familiarizado con las canciones, no sabes cómo sucederán las cosas en vivo o con el estado de ánimo de las masas que te rodean.

Esto lo sabe Levi’s, tan sólo por que no hay un festival de música que deje huella histórica, donde no se hayan visto muchas más que una prenda Levi’s.

Levi’s. 50 años de celebrar los festivales que cambian a la cultura.

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¡BJÖRK, HERMANA, TÚ ERES MEXICANA! La exposición completa sobre su trabajo llega a nuestro país

Oh por Dios, tendremos más Björk en nuestro país. Además de sus shows que disfrutamos en el Auditorio Nacional y en Ceremonia, fue a finales de marzo cuando la exhibición Björk Digital lleguó a México para mostrar la reciente faceta tecnológica de la artista islandesa, como parte de la celebración del 11 aniversario de Warp.

Se trata de una completa experiencia de realidad virtual inspirada en Vulnicura, el más reciente material de Björk, que incluye videos en 3D y VR. Además, la exposición cuenta con videografía remasterizada y The Biophilia Room, un espacio para adentrar al público a las apps, instrumentos y teorías que rondan alrededor y dentro de la música de Björk.

Björk Digital se encuentra en el FotoMuseo Cuatro Caminos del 21 de marzo y hasta el 7 de mayo.

La muestra incluye: • Stonemilker VR: Filmado en una locación remota en la playa de Islandia y dirigido por Andrew Thomas Huang, Stonemilker VR presenta a Björk interpretando en 360 grados el primer tema de Vulnicura.

• Black Lake: Una experiencia de música e imagen, el video de 10 minutos, concebido y realizado por el director director Andrew Thomas Huang, fue capturado en Islandia durante el verano de 2014 e incluye motivos de los paisajes islandeses –cuevas, lava, campos de musgo– y refleja ideas de dolor, perecer y renacer.

• Quicksand VR: Con una pieza para la cabeza impresa en 3D por Neri Oxman, Quicksand VR captura el performance en vivo de Björk en Miraikan, Tokio, en realidad aumentada. El trabajo fue creado en colaboración con Dentsu Lab Tokyo.

• Mouthmantra VR: Dirigido por Jesse Kanda, Mouthmantra VR transporta al espectador dentro de la boca de Björk para una experiencia intensa e íntima mientras canta el tema del mismo título.

• Family VR: Dirigido por Andrew Thomas Huang con dirección co-creativa de Björk y James Merry, Family es la pieza central de la antología en VR de Vulnicura, encapsulando el arco emocional del viaje de Björk, de la desesperanza al empoderamiento.

• Notget VR: Notget VR, dirigido por Warren du Prees y Nick Thornton Jones, presenta a la artista como una polilla transformada con máscaras creadas por James Merry.

Los horarios y precios para ver Björk Digital son: Lunes a domingo de 10AM a 8PM: $660 Miércoles a sábado de 8PM a 12AM (dos tragos de cortesía): $790 Lunes a domingo de 10AM a 12PM estudiantes o INSEN: $330

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En megáfono Hace tiempo que suceden cosas interesantes musicalmente hablando en Tijuana, el primer lugar en el que piensas que podría servirte de madriguera o escondite en caso de que vengas huyendo de la ley, seas un gringo que no quiere que los maleantes lo encuentren o recién te enteraste de que tu novia está embarazada. Pero hoy Tijuana brilla y no sólo es por su aura de mítico lugar fronterizo, sino porque de ahí surgen cosas cada vez más emocionantes, Policías y Ladrones es una de ellas.

La musiquita del Skype comienza a sonar y de inmediato aparecen en la pantalla de mi compu Luis e Iván. Resulta que es cumpleaños de Iván y se están tomando unas cervezas juntos, alzo la mía al otro lado de la pantalla para decir salud y comenzamos la charla.

Les ha venido bien el lanzamiento de Flores. ¿Se trata de su primer disco en forma?

Luis Munguía: Sí, es que antes de sacarlo no teníamos carta de presentación, porque el EP era de 2014 y no tenía nada que ver con lo que estábamos tocando ya en vivo. ¿Quién trabaja las letras?

Luis: Las letras son de Alonzo Akerman, que hace la voz y la guitarra.

Iván: Sí, digamos que él manda la idea y después la trabajamos juntos y le arreglamos los detalles. ¿Se acuerdan qué les gustaba y qué pasaba en Tijuana cuando formaron la banda?

Luis: Pues estaba el All My Friends y las cosas que traían a ese festival era lo que nos gustaba.

Iván: La primera banda que me acuerdo que influenció nuestro sonido fue Yuck, era como a lo que aspirábamos a sonar al principio. Después estuvimos en la escena del garage. Nos gustaban cosas como Dávila 666 o Iggy Pop.

POLICIAS Y LADRONES Entre el tormento y la simpleza preadolescente

Tienen más influencias, The Clash está en el nombre y quizá en algunas cosas tengan algo de Pixies, pero la letra me recuerda mucho a Belle & Sebastian, tienen mucho esa estética.

Luis: De hecho esa es una referencia que poca gente cacha cuando piensan a qué le tiran nuestras letras, porque tiene ciertos tintes de adolescencia, de pre adultez, una temática simple. Quizá muchos esperan letras más poéticas o más complejas, pero nosotros decidimos ir por ese otro lado simple, que también tiene su chiste.

En cuanto al sonido, creo que “Ni triste ni contento“ lo define perfecto…

Luis: Curiosamente acomodamos el disco de tal manera que esa canción estuviera a la mitad por lo mismo. Vienes de canciones un poco más aceleradas y después se va haciendo lento el ritmo, esa fue justo la intención.

Iván: Hay varias ideas dentro del disco que fuimos metiendo, por ejemplo, el cover de The Clash rompe un poco la estructura, que es sólo voz y guitarra, quisimos destacar que para nosotros esa formula es importante. ¿Qué prefieren ser, los policías o los ladrones?

Luis: Quiero verme cool y no contestar una tontada porque siempre nos hacen esa pregunta, pero yo sí prefiero ser policía porque andan en chinga todo el día y eso se me hace chido.

Iván: Pero los ladrones también andan en chinga, además comen donas.

TXT:: Aarón Enriquez FOT:: Cortesía de la banda

Policías y Ladrones son: Andrés Corella: Guitarra Luis Munguía: Batería Iván Félix: Bajo Alonzo Ackerman: Voz, Guitarra

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“Girls who are boys Who like boys to be girls Who do boys like they’re girls Who do girls like they’re boys Always should be someone you really LOVE”.

“GIRLS & BOYS” Cuando Blur le ganó a Oasis

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Y por otro lado...

Mientras Blur cantaba sobre la poligamia, los hermanos Gallagher se peleaban por todo. ¿Qué hay detrás del egocentrismo en Oasis? Todo en marvin.com.mx

El 7 de marzo de 1994, la radio en el Reino Unido le daba la bienvenida a una de las canciones más icónicas que el britpop ha dado en toda su historia: “Girls and Boys”, una canción interpretada por Blur que comenzaba a darle forma a todo lo que la banda ya había trabajado anteriormente. Con este tema, los londineses se colocaban en la cima de la música, ya que se aproximaba el lanzamiento de su álbum Parklife, un disco que marcó toda una época, convirtiéndose en un himno que revolucionó el sonido de la ola británica en los 90s.

Describiendo el panorama que se vivía en aquella época en Londres, el grupo mostraba un lado más creativo y fresco en comparación a sus canciones pasadas. Al salir este sencillo, Damon Albarn, Graham Coxon, Alex James y Dave Rowntree llegaron a ser comparados con The Kinks por el estilo que manejaban en su música.

A finales de ese mismo 1994, la NME Magazine nombró a“Boys & Girls”como la “canción del año”, aplastando a lo que en ese momento estaban haciendo sus “archienemigos” nacidos en Manchester: Oasis, quienes, por su lado, estaban disfrutando de las mieles resultado de su debut Definitely Maybe (esta gran batalla musical sobre quién es mejor, podría tomarnos toda una discusión cultural que terminaría en una subjetiva y ambivalente conclusión).

23 años después “Girls and Boys” sigue sonando, haciendo bailar y gritar a la gente, incluso Thom Yorke ha declarado que le hubiese gustado ser el autor de dicha canción y no esos “bastardos” de Blur.

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En megáfono TXT:: Uili Damage FOT:: Negro Desastre

Carlos “El Conde” Fabregat

Entre lo horrible y lo baboso

¿Cómo descubriste la comedia?

Yo digo que la comedia me salvó la vida más de una vez. Mi mamá veía mucha comedia; yo de morrito veía comediantes como Seinfield, Bill Cosby, Taxi, Wings, Cheers, Monthy Python... Yo era un niño muy payaso y cuando se murió mi jefe, que yo tenía diez años, mi mamá andaba muy mal. Y la única manera que yo veía que podía ayudar en ese momento y a esa edad era disfrazarme con ropa de ellos y le hacía un show. Primero dejaba de llorar, luego ya se botaba de risa y la situación empezaba a cambiar. Así fue como dije “esto es lo que yo quiero hacer”. De hecho ella fue la primera en decirme que no lo hiciera. “Es que los comediantes tienen unas vidas super tristes” decía. Ya cuando llegué a los 32 y ya había estado en un siquiátrico, dije “la vida triste ya la tuve, ya puedo ser comediante”. De hecho es común que una persona con ciertos problemas fuertes en su vida y se dedica a la comedia, tiende a ser más chistoso. Por supuesto que hay los que tienen una vida muy feliz y son muy buenos comediantes, pero en mi caso al menos, yo sí tuve que buscar la comedia en lugares donde no había nada para pasarla bien. ¿De dónde son?

Mi mamá es de El Paso, Texas. Yo crecí allá y tengo un hermano más grande. Es publicista, de hecho.

En el universo de los comediantes es muy común que haya un villano tonto que está listo para hacer un escándalo en pos de que gane la maldad y como es tonto nunca logra triunfar. Es común también encontrar a un loco lunático que hace disparates, y aunque da miedo se esfuerza por sacar la risa. Cuando llega el Conde Fabregat al escenario es muy sencillo pensar en estos dos estereotipos; sin embargo lo que vamos a escuchar es un personaje único y explosivo que aún usando alguna mueca de esos clichés, nos va a tomar por sorpresa con tópicos que van, desde situaciones tormentosas hasta estupideces cotidianas que toda persona que viva en una ciudad se encuentra y hasta sufre en secreto. Es como si Tribilín (Goofy) fuera poseído por un espíritu chocarrero...

Fuiste creciendo y ¿cuándo entendiste que el stand up era stand up?

Es muy chistoso porque esa era la comedia que más me gustaba. Cuando llegué a México, ya había fallecido mi papá, y en la escuela me preguntaban qué quería ser de grande y yo decía “quiero ser comediante pero de esos que tienen la pared de ladrillos atrás”. Nadie entendía de qué estaba hablando. Acá no se veía. Estaba Polo Polo Polo y Jo Jo Jorge Falcón y esa banda... pero ya. Me gustaba la idea de estar contra el muro. Entre la pared y el público. Yo soy bien attention hore y me latía la idea de que yo fuera el único hablando y todos escuchando. Desde muy morrito me gustaba. Y también quería ser actor. A esa edad estaba obsesionado con Jim Carey; después ya me cagó la madre, pero de morrito era mi modelo a seguir. ¿Hablabas con tus cuates de comedia?

Si y no me agarraban la onda. Estuve en una escuela de Legionarios de Cristo. Ahí fue donde me fuckupearon la cabeza. En El Paso estaba en un Montessori, que es completamente opuesto. Ya después, en esta escuela había clases de teatro y ese maestro me apoyaba mucho para que me lanzara por allí, pero todo mundo, toda mi vida me decían “no lo hagas, te vas a morir de hambre”.

Y es cagado porque estoy en uno de los puntos donde mejor me está yendo en mi vida. No estoy boyante, pero estoy bastante cómodo económicamente, no me falta nada. Cuando era animador,

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de repente me iba bien, de repente muy mal y de repente acabé deprimidísimo y en un siquiátrico; en cambio ahorita gano lo mismo pero estoy muy contento. ¿Cómo sucedió lo del siquiátrico?

Entré en una espiral descendente. Yo le entré a hacer animación con el mismo viaje con el que entré a la comedia: Yo quiero contar historias. Me late hablarle a la banda, hacerlos reír, hacerlos pensar, mal viajarlos, de ser posible. Pero en México, la industria de la animación está muy jodida. No quieren creadores, quieren copiadores y técnicos. Y yo nunca fui muy buen animador. Gané varios premios como el primer Animasivo del Festival del Centro Histórico, estuve en Spike & Mike, que es donde empezaron South Park y Beavis & Butthead, pero tenía que meter el varo que ganaba en publicidad para hacer esos cortometrajes. Es la única forma en que puedes sobrevivir de una manera creativa, como animador.

Entonces llegué a un punto en el que me saturé.

Trabajaba diez horas en un estudio y luego llegaba a mi casa a trabajar otras tres en mi corto. Entonces llegó un punto en donde ya no pude ni física, ni psicológica ni emocionalmente. Ya era demasiada carga. Me sobresaturé y me fui pabajo. Los últimos tres años que estuve en animación no hice ningún corto y me deprimí. Por que soy muy idealista. Carlin decía: “detrás de cada gran cínico hay un idealista completamente roto”. Yo soy muy cínico porque soy muy idealista. En la comedia ves cómo le estás haciendo el bien a la banda. Ves cómo llegan hartos de su día y salen contentos, super relajados, como si se acabaran de venir. Y eso es lo que me gusta de hacer lo que hago. Me gusta que la dedicación que le meto sea para algo bueno para la gente. Cuando estás trabajando en publicidad estás trabajando para engañar a la gente, para crearles necesidades que no tienen; no me late y me rompió. En el hospital estuve 4 meses. ¿Con qué saliste de allí?

Salí con el valor para aventarme a hacer lo que quisiera. Dije, “ya toqué fondo, ya nadie me va a tomar en serio porque ya estuve en un loquero, ya puedo hacer lo que sea”. Y me dio un gran aprendizaje de mí mismo, porque yo me levantaba a hacer mis actividades de servicio y todo el resto del día era terapia. Nos ponían películas hechas especialmente para confrontar algún problema.

Y en el standup es muy importante saber quién eres para poder hablar de ti de la forma más honesta. Aquí vale más el chisme que el chiste. No te voy a decir que me la pasé bien, pero estoy muy agradecido; fue algo súper necesario que yo tenía que pasar. ¿Y cuál fue el camino de allí a tu primer escenario?

Salí y volví a intentar animación un par de meses, porque era lo único que sabía hacer. Y luego fui a un casting y me quedé en el programa. Allí conocí

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a Esewey, a Gon Curiel, a Manu Nna, a Talavera y Gon me dio mi primer curso. Yo queríá´hacer standup pero me daba un miedo cabroncísimo, a pesar de que había salido muy envalentonado.

La primera vez que me subí fue en un open mic en el Woko y desde entonces ya no me pude bajar, hace 2 años y medio. ¿Qué comedia hace el Conde Fabregat?

En algún lugar oí que había “comedia de deconstrucción”, que tomas las cosas y las desmadras para analizarlas. De hecho cuando murió´mi papá encontré que necesitaba tomar una figura paterna y fueron George Carlin y Tom Waits. Creo que hago humor negro y mucho de deconstrucción. Ahorita estoy haciendo comedia más personal, de observación, pero a partir de estas dos que te digo.

De repente metes información muy dura en tus gags, pero al final del chiste acabas riéndote sepas o no esa info.

El stand up es una conversación. Y muchas veces mis temas no son para todos, entonces me concentro en que la explicación haya chistes y además sea en chinga para que no te de hueva, y también, juego mucho entre lo horrible y lo baboso. Puedo decir cosas aterradoras pero las contrasto con resoluciones súper tontas. Soy una persona muy obscura pero al mismo tiempo muy babosa. Soy un niñote bien enojado con el mundo. ¿Momentos horribles en el escenario?

Llegué tarde a hacer un show privado, a la fiesta de fin de año de una fábrica. Yo creo que estaban esperando chistes de vergas y yo no tengo eso. Y en menos de un minuto rompieron una silla y una botella y perdí toda la atención. En tres minutos ya pedía en mi cabeza que alguien me rescatara. Tenía que hacer veinte minutos y a los diez me bajé. ¿Alguno de gloria total?

En el Teatro Telmex, en Guadalajara, ante cinco mil personas. Nunca había tenido un show con tanta gente y aquí fueron cuatro. Hasta me mencionaron en el Huffington Post. Pero es igual de satisfactorio pegarla en un barecito. Una vez en el Beer Hall me fue tan bien que me empezaron a doler los oídos de lo fuerte que se estaba riendo la gente. ¿Tu chiste que más risa te da a ti?

Uno de comer bebés, pero a la gente no le hace tanta gracia como a mi. Tiendo a enamorarme de mis chistes y después de un rato los odio. ¿Tus colegas favoritos?

Ana Julia, Freddy el Regio, Mónica Escobedo, El cojo feliz, Macario, Nicho, Gus Proal... ¿Comediante extranjero que más odias?

Larry “the cable guy”, Carrot top... fíjate que es difícil que realmente odie a un comediante.

Industria

“He visto casos de bandas de este tamaño que tienen disquera y todo se vuelve muy difícil en cuestión de operatividad, deja de entrar lana por los mismos costos de estar en la disquera”.

TXT:: Vicente Jáuregui FOT:: Cortesía HUMO

HUMO AGENCIA MUSICAL

Una incubadora de talento

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HACE UNOS AÑOS, Sebastián Franco era bajista de Bengala, una banda muy promisoria que iba en constante ascenso en su carrera. De manera sorpresiva, el grupo decidió terminar. Sebastián fue invitado a formar parte de Reyno y desde un principio aprovechó sus contactos para conseguir tocadas, exposición y apoyo. Con la inquietud de entrar como agente de la industria musical, conoció a Camilo VII, un grupo nuevo al que decidió apostarle. Con intuición de sobra, la banda no tardó en crecer y de repente el trabajo era de tiempo completo.

Así nace HUMO agencia musical, una compañía que ahora, a dos años y medio, representa a casi 20 artistas de todos los géneros y edades como son The Guadaloops, Los Mesoneros, Baltazar, Cocó Cecé, Sol Flamingo, Love La Femme, Sierra León y Viva El Rey, entre muchos otros. Este 2017, HUMO arrancó Rock Al Patio, una iniciativa que lleva bandas a tocar a varias escuelas.

Platicamos con Sebastián sobre el origen de la agencia y todo lo que ha pasado en este tiempo.

Generalmente, un mánager es un músico frustrado. En tu caso es al revés, primero fuiste músico y ahora estás al frente de HUMO agencia musical. ¿Cómo surge la inquietud?

Sebastián Franco: Tenía la espina desde Bengala. Me interesaba hacer algo de chamba como agencia. Era músico pero me interesaban varias cuestiones del negocio dentro.

Al principio nosotros hacíamos todo, coordinábamos las tocadas, hacíamos logísticas. No sabíamos que alguien más lo podía hacer.

Después comenzamos a trabajar con mánager y eso quedó a un lado, pero yo mantuve la inquietud de hacer ese trabajo. Después se armó Reyno. Yo tenía contacto de medios, bookers, foros y demás, lo natural era que yo manejara a la banda. Se dio relativamente fácil, logramos buenas cosas en el primer año con esos contactos que rescaté de Bengala.

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¿Cuándo decides que es momento de hacerlo formal, como una agencia?

Cuando conocí a Camilo VII, pensé que podía usar todos los recursos de manera más organizada y estructurada. Con Reyno hice un plan de trabajo, con estructura y calendario. Con Camilo hice algo similar y comenzó a funcionar. Poco a poco se corrió la voz, llegaron más bandas y ahorita ya van 2 años y medio de que comenzó Humo.

No sé el momento preciso en que nace, con la inercia de la chamba se origina la necesidad de formalizarlo. ¿Crees que haber sido músico te da otra sensibilidad que ningún otro mánager pueda tener?

Sin duda, la mayor experiencia es haber estado de ambos lados.

Formar parte de una banda, grabar discos, estar en una disquera y tener un mánager te hace aprender mucho. Como mánager, haber sido músico me da cierta credibilidad, porque sé cómo se sienten las bandas. Tengo un conocimiento de su psicología, de lo que está pasando. Es distinto a un mánager que rara vez ha estado en los pies del artista. Se desarrolla una sensibilidad distinta. He estado ahí. Sé lo que se siente que te digan ciertas cosas. Con HUMO yo quise hacer algo distinto, basado en la claridad y transparencia en la carrera del artista, con cuestiones económicas, involucrar a los músicos en la decisiones importantes.

HUMO arranca con Camilo VII, una banda que recuerdo al principio no tenía apertura de ningún medio.

Es interesante a nivel industria, porque sin sonar en radio o tener reseñas favorables, solita contagió a la gente con el video de “No confíes en mí”. ¿Crees que vivimos un cambio de paradigma?

Siempre ha sido así. Pero ahora es más fácil llegar a la gente.

En tiempos de Bengala, había mucho control de los medios de distribución. Reactor era muy importante, porque decía quién era parte de la escena o no. Ahora

está en poder de los fans decidir quién tiene éxito, los canales han democratizado las cosas. Los fans tienen el control casi absoluto, las reproducciones de YouTube y Spotify surgen de ellos. Varias bandas que suenan ni las ves en medios, pero funcionan porque su base de seguidores es muy grande y están más posicionadas que bandas con artículos, portadas de revistas, que suenan en radio, pero ello no está ligado al éxito comercial (con ello me refiero a gente comprando sus discos y asistiendo a sus conciertos).

Ahora ya no es tan necesario estar en medios para subsistir. Camilo VII es totalmente independiente y autosustentable, no tiene un sello o una disquera detrás, sólo es la banda y la agencia. ¿Qué servicios ofrece HUMO a las bandas que están dentro de la agencia?

Tratamos de cubrir todas las necesidades de un artista. Somos un consejero artístico, damos consultoría: ¿qué hacer con tu carrera? ¿cuándo hacer ciertos movimientos? Decidimos si es mejor arrancar con un LP, un EP o con sencillos. Hacemos un plan de trabajo con objetivo y le damos seguimiento para que salga en los tiempos establecidos. Está la parte del booking, que va más allá de conseguir conciertos pagados: también abrimos nuevos espacios para que las bandas se den a conocer más fácilmente.

Hacemos conciertos en el metro y en escuelas. Ahora estamos con algo nuevo llamado Rock Al Patio.

Por otra parte hacemos medios y RP, mandamos la música a distintos medios de comunicación para conseguir publicaciones. También hacemos newsletters mensuales con los lanzamientos de cada banda.

Hacemos contenido para redes sociales como flyers, giffs, posts, cosas interesantes que las bandas puedan compartir en sus redes sociales. Algunos grupos no tienen tiempo de manejar sus redes y nosotros lo cubrimos.

¿Qué necesita una banda para formar parte de la agencia?

No hay reglas o parámetros claros para trabajar con una banda. Se trata de ver posibilidades de trabajar con bandas relativamente jóvenes.

HUMO nació con la idea de ser una incubadora de bandas. Una de las misiones principales es desarrollar nuevo talento, con bandas que literalmente van comenzando y no tienen un equipo. Los mánagers rara vez quieren echarse encima algo: tiene que haber devoción total o un futuro muy claro de negocio. A nosotros nos interesa desarrollar desde un principio. Nos basamos en el feeling y en el equipo que se forme alrededor de la banda. ¿Hay muchas bandas que los buscan?

Hay muchas bandas que quieren trabajar con nosotros. Para relacionarnos con bandas que están a unos pasos de tener una agencia, próximamente comenzaremos una serie de talleres. El objetivo es que conozcan nuestro método para aplicarlo a su realidad, que conozcan la industria musical. Esto porque tenemos un límite de bandas con las que podemos realmente trabajar y queremos ayudar a las que están creciendo.

En tu experiencia, ¿qué crees sea esencial para el desarrollo sano de una banda?

Es importante que las bandas tengan los pies en la tierra sobre el tiempo que puede tomar desarrollarse. Es muy difícil porque todos quieren tener éxito rápidamente. Es más complicado de lo que uno cree, pero se puede con trabajo. Hay que estar abierto a entender cómo se mueve la industria para generar las expectativas con base al conocimiento, no a una fe idealizada.

Atlas sonoro

BUENOS AIRES Ese misterio de furia. Un muy breve esbozo al rock bonaerense “Buenos Aires se ve tan susceptible” cantaba Cerati en una de sus mejores canciones. En 1958, Bill Haley visitó Buenos Aires y plantó una semilla de “maldad” que no pasó desapercibida para las bandas de rock and roll de la época, como Mr Roll y los Rockers. La nueva ola se llamó al movimiento influenciado por una invasión de grupos uruguayos y de los nacientes grupos mexicanos de rock and roll. Entonces llegaron los años 60 y el futuro genio del rock argentino, Alberto Spinetta y su grupo The Hammers, iniciaban su camino.

TXT:: Alejandro Mancilla @nosoymoderno FOT:: Jess Kraft

FUE EN BUENOS AIRES, como si de un Liverpool latinoamericano se tratara, que en un lugar llamado “La Cueva” se gestó un underground que acogió a grupos como Los Beatniks, cuyo single “Rebelde” de 1966 es considerado como el primer disco del rock argentino. Por su parte, Los Gatos Salvajes, con canciones en español, fueron otro de los responsables de una temprana escena de la cerca de los 70 y posteriormente, salieran a la luz futuros baluartes como Miguel Abuelo, Los Abuelos de la Nada (donde llegaría a militar Andrés Calamaro) o Sui Géneris, Almendra y Vox Dei, quienes en 1971 grabarían la primera ópera rock argentina titulada La Biblia. Eran buenos aires para el rock hecho en Buenos Aires.

En 1976, un golpe militar dejó al país en llamas y a los movimientos contraculturales, aislados. La “gran crisis” le llamaron, pero de sus cenizas, ya casi en los años 80, vendría lo mejor.

Buenos Aires se volvía la proveedora de un movimiento del que grupos que venían de deambular por la década pasada, comenzaran a generar frenesí: Raúl Porchetto, Miguel Mateos, Sumo, Leon Gieco o un ya moderno Charly García; los primeros esbozos new wave con Virus; por no mencionar a Patricio Rey y los Redonditos de Ricota, uno de los hitos urbanos argentinos que, aunque eran de La Plata, se volvieron parte del paisaje habitual de la escena del rock Bonaerense de la época. Irónicamente, la guerra de las Malvinas, fue otro de los factores que coadyuvaron a la consolidación de una avanzada que le dio prestigio al rock local.

Y mientras Charly cantaba “no bombardeen Buenos Aires”, un movimiento de rock en español crecía en la zona gracias a la prohibición del gobierno de que se tocaran temas en inglés en la radio. En ese contexto, grupos como Soda Stereo, cuya

influencia venía justo de bandas anglosajonas como XTC o The Cure, comenzó a proponer, con Buenos Aires como sede, un nuevo rock glamuroso que acogería también a Fricción o Los Encargados. Del otro lado, pululaban grupos más convencionales como los hard-rock de La Torre o Los Ratones Paranoicos que se sumaban a Ataque 77 en el punk, El Otro Yo en el rock o Los Fabulosos Cadillacs en el ska.

Los 90 recibieron a bandas como Juana la Loca, Avant Press, Los Brujos, Babasónicos y Peligrosos Gorriones. Las crisis económicas que asolaron al país, dejaron un Buenos Aires lastimado creativamente, pero, a pesar de que en los posteriores años el movimiento bajara de intensidad, la fusión de la música popular con el rock y otros géneros, y un necesario refugio en la independencia hizo que bandas otrora underground como Entre Ríos y Miranda! emergieran.

Hace unos años Fito Páez declaró que Buenos Aires vivía una aniquilación cultural, debido a que la gente abarrotaba los conciertos de Arjona, algo inédito cuando la música popular antes era el rock. Lo cierto, es que desde la independencia, interesantes proyectos han mantenido viva la llama contracultural de la ciudad. Sellos como PopArt, Catalogo Incierto o Índice Virgen, generaron cosas importantes e influyentes en su momento; proyectos intimistas como Sobrenadar, parecen heredar la vena del pasado y la herencia de uno de los artífices conceptuales del rock argentino: Daniel Melero, aún en activo. “La música independiente que escuchan todos” , dijo recientemente el Indio Solari –otro icono nacional–, “es un puto negocio del corazón: ese egoísmo heroico de ser libre, sin deberle nada a nadie y ganar”.

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AÑOS

COMO DIAMANTES TELEPÁTICOS

OTROS GRUPOS A SEGUIR

TOBOGÁN ANDALUZ

El arte como un lugar de resistencia Cuando de cómplices se trata, nada mejor que un hermano. Ejemplos musicales hay decenas, de los hermanos Reid de The Jesus and Mary Chain a The Carpenters o los argentinos Virus. Y es justamente con una interesante banda argentina de dos personas –que además son hermanos– que platicamos. No digas que no te lo advertimos, este proyecto tiene todos los elementos y buenas canciones para ser the next big thing independiente, ellos son Como Diamantes Telepáticos. De Buenos Aires para las naciones alternativas.

“Nuestra abuela paterna era profesora de piano y nos enseñó a tocar” comenta de inicio Mariela Centurión, “luego cada quien fue definiendo sus gustos”. La aventura comenzó en una fiesta familiar donde el par presentó algunas canciones. “De hecho ahí tocamos casi todas las canciones que figuran en el disco que se grabó pocos meses después”, asegura Fernando Centurión. El grupo siempre ha navegado en la independencia y desde sus primeros trabajos, llaman

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la atención en la escena afincada en Buenos Aires. “El nombre suele llamar la atención, lo cierto es que luego de nuestro primer show, alguien que estaba entre el público (y que no conocíamos) se acercó y nos sugirió que nos llamáramos Diamantes telepáticos”. comenta Mariela. ”Después buscamos en Internet y nos encontramos con que en el prólogo de un libro (de Allen Ginsberg) se hacía referencia a que cada palabra era ‘como un diamante telepático’, y eso nos convenció”.

Para comprender al grupo, bien vale la pena acercarse a sus primeras canciones. El video de “Nueva” es una buena manera. Sin embargo, analizando sus trabajos cambiantes, sus canciones y hasta su imagen, nos queda la impresión de que no es un proyecto de conformistas, porque siguen en la búsqueda: “Consideramos que como el pop hoy en día está más ligado a Lady Gaga y si bien el rock tiene una infinidad asociaciones, aunque la mayoría nefastas, creemos que aun conserva a nivel conceptual un rasgo romántico, ligado a la contracultura, es por

eso que nos asumimos como una banda de rock” asegura Fernando y reflexiona sobre la escena local de la que emergió: “Buenos Aires inspira sentimientos contradictorios. Por un lado hay gente muy talentosa y comprometida con lo que hace, y por otro lado estamos rodeados de gente reaccionaria que se fija en su propios intereses. Ambas realidades nos inspiran, la primera por influencia y la otra por la posibilidad de tomar el arte como un lugar de resistencia.

Seguramente hay gente en Buenos Aires que tiene ganas de escuchar música nueva, el problema es que, a pesar de la distribución que internet facilita, la difusión de la música está monopolizada por los pocos sellos multinacionales que tienen filial en Argentina, y esos sellos no editan discos de música emergente o rock independiente”, concluye.

El grupo está por estrenar un nuevo material, pero mientras tanto, en: comodiamantestelepaticos.bandcamp.com

@como_diamantes

toboganandaluz.bandcamp.com Originarios de Buenos Aires, el grupo practica un rock pop con tintes de noise. “Vos sos la capital del mundo” reza una de sus canciones, no sabemos si dedicada a Buenos Aires.

ASALTO AL PARQUE ZOOLÓGICO

asaltoalparquezoologico.com Interesante banda de shoegaze argentino con sede en Buenos Aires. cuyas influencias van de The Cure a Asobi Seksu y que practica un pop atmosférico y espacial.

Música

Arca

+

Gore autoinfligido

Tim Hecker Virgins Kranky 2013 Desquiciantes arreglos para piano y atmósferas ambientosas que parecen transcurrir en cámara rápida. Aunque tiene toda la pinta de ser un disco para oír de noche, parece más bien la música que produce la ciudad en sus vías y horas más ajetreadas.

Loscil Sea Island Kranky 2014 Electrónica ambiental con elementos clásicos que son el hilo conductor que hace el viaje más cálido. Música estática llena de vibraciones que provienen de voces corales, cuerdas graves, vibráfonos y pianos eléctricos Rhodes. Ambient con mucho soul.

Thundercat Drunk Brainfeeder 2017 Un disco con un título así no podría sino contener mucho humor y más de una rola para agitar la coctelera.

Kendrick Lamar, Pharrell y Wiz Khalifa prestan sus voces a un R&B muy jazzeado, rebosante de soul, sutil y con toques pop que sorprenden.

TXT:: Lenin Calderón TXT:: Daniel Shea

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AÑOS

“Aquí va mi voz y mis entrañas: siéntete libre de juzgar. Es como una corrida de toros: estás viendo violencia emocional por placer”.

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Como para quitarse la sombra de Björk y las siete canciones que le produjo en su disco más reciente, este venezolano veinteañero estrena su quinto álbum de estudio. Editado por el prestigioso sello XL, este disco de Arca sigue explotando la vena hipersensible que le escuchamos con la diva islandesa: electrónica experimental con toques de música de cámara y letras marinadas en desamor y ruptura, para recordarnos que los hombres también lloran.

Nacido en Venezuela en 1990 y bautizado como Alejandro Ghersi, Arca llegó a Estados Unidos a los tres años.

Por razones de trabajo, su padre tuvo que dejar el país –con todo y familia– y mudarse a una de las ciudades sinónimo del sueño americano: Nueva York. Para el pequeño Alejandro, ese sueño comenzó a materializarse a los siete años, cuando inició su educación musical tomando clases de piano clásico. Aunque él mismo recuerda que vivió su infancia “en una especie de burbuja” –en la que el hecho de tener una orientación sexual diferente fue difícil de aceptar–, su sueño musical se hizo realidad cuando, a los diecisiete, fue admitido en la Escuela de Artes y Ciencias de la Universidad de New York. No pasarían más de cinco años antes de que este enfant terrible comenzara a producir sus propios EPs y llamara la atención de varios artistas obsesionados con la vanguardia y bien conocidos por perfeccionistas, como FKA twigs o Kanye West.

LA VANGUARDIA DE LAS VÍSCERAS Dos cosas quedaron claras desde sus primeras producciones. La primera fue que él es un artista electrónico más interesado en hacer que su público se retuerza, que en verlo bailar en la pista. La segunda fue que él es uno de esos músicos cuyo sonido es indisoluble de los visuales que lo acompañan. Mientras su música parece provenir de un didyeridú ancestral que desprende estructuras corales formadas por los murmullos en tono grave de Arca, disueltos en beats entrecortados y filtrados a través de un sampler, las imágenes del arte de sus discos y gran parte de sus videos, son una mezcla de estructuras virtuales amorfas con escenas del cuerpo masculino herido, fotografiado en carne viva de forma explícita y sensual. Esta combinación entre un arte denso y conceptual, y una forma de expresarse altamente lírica y visceral, constituye un sello personal inconfundible.

Otro de los rasgos que lo distinguen, es su capacidad para producir por montones, lo que lo ha convertido en uno de los artistas más prolíficos de su generación. A un ritmo de álbum por año, desde el 2012 a la fecha cuenta con cinco LPs, dos EPs y trece créditos como productor en discos de artistas que incluyen, además de los ya mencionados, a Brodinski, Babyfather y Dean Blunt.

Pero, a pesar de tanta producción en su haber, la esencia de Arca sigue siendo prácticamente la misma. En su primer disco, Stretch 2, hay un track que bien puede servir como ejemplo: “Broke Up”. Ahí, toma un fragmento de uno de los clásicos del acid house más reconocibles, “This is Acid” de Maurice, para deconstruirlo, deformarlo y combinarlo con sonidos propios de la generación bass. Es una especie de fórmula que consiste en actualizar un sonido clásico al sacarlo de contexto, descomponerlo y fusionarlo con las tendencias musicales actuales. Esta combinación excéntrica entre elementos clásicos, novedades sonoras y técnicas vanguardistas de edición y producción, sigue teniendo un lugar preponderante en su enfoque musical y su más reciente disco es prueba de ello.

PRIMOGÉNITO QUINTO Un verdadero misterio de la música es cuándo un artista o grupo decide lanzar un disco homónimo. Muchos lo hacen en el primer álbum –a manera de presentación–, otros se lo reservan para el segundo–como para reafirmar que siguen siendo ellos–, otros nunca lo hacen y hay muy pocos que lo hagan después de su tercera o cuarta producción.

El caso es que Arca esperó hasta el quinto intento para nombrar a uno de sus hijos musicales igual

que él, tal vez porque es el más físico y corporal de todos. Esto se debe a que los elementos de música de cámara usados en otras de sus producciones, en especial los arreglos de cuerdas, nunca habían sonado tan dramáticos.

“Piel” –uno de los sencillos del disco–, por ejemplo, es una canción misteriosa, cantada en español, con una evidente carga homoerótica, en la que el cuerpo es visto como un vestigio desgastado del pasado, que puede revivir y renovarse a través de la pasión, una visión más carnal que la misma Semana Santa.

ABUSADOR DE MENTES Para enfatizar esta obsesión carnal que Arca tiene por retratar a flor de piel las emociones humanas, ha recurrido a un viejo aliado: Jesse Kanda, el mismo artista visual con el que colabora desde su primer EP y a quien conoce desde que tenía trece años. Los videos de Kanda han sido calificados como “mindfucking”, un calificativo que tal vez se quede corto pues le encanta producir imágenes transgresoras como siluetas de fluidos metálicos que se contonean orgánicamente, payasos mutantes con panzas de pico de loro y bebés muertos, viscosos, bailando a la twerk. Dios los hace y ellos se juntan, no cabe duda. No por nada muchos han hablado de la similitud entre lo que ellos han hecho juntos y el trabajo del dúo Aphex Twin-Chris Cunningham.

La prueba más contundente de qué tan bien se entiende esta dupla, son los videos que visten los primeros singles de su nueva producción. “Piel”, “Sin Rumbo” y “Anoche” son videos en los que el cuerpo y sus heridas son el leit motiv. En ellos, las heridas en la piel constituyen marcas de identidad, sangrientas pruebas de vida que conforman el pasado del protagonista, que siempre es Arca.

Los videos parecen haber cumplido con sus expectativas pues son tan viscerales e íntimos como las letras del disco, del cual ha comentado en una especie de apología de los cuerpos auto desmembrados y el destripamiento autoinfligido: “Aquí va mi voz y mis entrañas: siéntete libre de juzgar. Es como una corrida de toros: estás viendo violencia emocional por placer. En el disco hay un personaje que, casi como una burla de sí mismo, profundiza y experimenta cada vez más la automutilación. ¿Quieres gore?

Aquí está el gore”.

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Música

+ LNG-SHT Les Juro Que Sí Llego Pizzatanicos /Galaxia Cero, 2015 Tomando de referencia experiencias sencillas y cotidianas, LNG-SHT dispara versos que se pueden convertir en el lenguaje coloquial de muchos escuchas.

La Banda Bastön

Simpson Ahuevo El Morroeste Sicario Music, 2014 Las noche larga y las rimas que salen de este chico de Hermosillo nos hacen vibrar y sentir el calor de todo ese ambiente que se respira por las vivencias de la fiesta.

Charles Ans ATARAXIA: A Plena Luz Del Día XL Entertainment, 2016 Con su meticuloso y refinado estilo, Charles Ans le canta al deseo de querer a alguna chica, la ambición de tener algo en la vida y la lucha que atravesamos todos día con día.

WWW

Un carnalismo único

TXT:: Daniel Arcia FOT:: @daviddbarajas

Too much swag La Banda Bastön presenta la playlist con más flow del #FestivalMarvin. Escúchalo en marvin.com.mx

Forjar una amistad desde la infancia, hacer lo que más te gusta junto con tu mejor amigo y con el paso de los años, convertirse en una de las bandas más reconocidas del hip hop mexicano de la actualidad, no lo hace cualquiera. Ésta es la historia que se cuenta detrás de La Banda Bastön, originarios de Valle de Santo Domingo, Baja California Sur, Mü y Dr. Zupreeme emprendieron un camino desde los noventa, el cual se ha forjado a base de mucho esfuerzo y trabajo.

Con un sello característico que los define como una agrupación sin etiquetas, La Banda Bastön no llega a un público en específico sino que va obteniendo nuevos seguidores conforme van mostrando su trabajo; el alma de sus canciones se puede reflejar en cualquiera y por ello poco a poco se abrió lugar dentro del género.

En este 2017, regresan estrenando su álbum Luces Fantasma, una clara muestra de madurez musical que se forjó gracias a las múltiples presentaciones que tuvieron en todo el país. Sin pelos en la lengua, Dr. Zupreeme nos habla sobre el fiel sentimiento que tiene por Mü, el trabajo que hicieron para este disco y los consejos que podría haberse dado hace algunos años.

Después de un largo tiempo en el que estuvieron sin lanzar álbum pero con muchas presentaciones en vivo, ¿qué fue lo que hizo que La Banda Bastön tomara la decisión de hacer Luces Fantasma?

Fueron las experiencias; no queríamos hacer un disco y en seguida otro: sabes que te pasa de todo, cambia tu perspectiva del mundo, vives más cosas y puedes abordarlas desde otros puntos de vista. Queríamos darnos el tiempo de crecer y aportar algo diferente. Después de hacer tour con Todo Bien (2013), nos sentimos listos para empezar a hacer el nuevo disco. Desde el 2015 lo empezamos a maquetear. Las pistas, letras y colaboraciones se dieron también en parte del 2016.

En este nuevo disco, escucho que los versos y las rimas no perdonan, se nota que son valientes pero ¿existe algo a lo que le tengan miedo?

No sé, siento que en este disco, como bien lo dices, fue de perder el miedo a equivocarse o a ese tipo de cosas que te detienen como artista o creador.

No sabría decirte a qué le tenemos miedo, pero sí te puedo decir a qué no le tenemos miedo: al error, al fracaso,

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a la propuesta. La experiencia que tenemos en los escenarios haciendo música, nos da esa seguridad de perder el temor a tratar de lograr alguna colaboración o buscar a gente que pueda trabajar con nosotros.

Con el calor que desprende el enojo y la inconformidad que hay de la sociedad mexicana en contra del gobierno, ¿creen que puedes usar todo esto como materia prima para hacer rimas y versos?

Lo hemos hecho a lo largo de nuestra carrera, nuestras canciones más populares se tratan de eso, como “El país de las maravillas”. Tristemente cada seis años se pone de moda otra vez porque trata del circo electoral, cómo se maneja el gobierno para proteger sus propios intereses. Luces Fantasma se enfoca en las relaciones interpersonales, la relación de uno mismo con su ser o su ego. Con esto se logrará un cambio en el exterior, saber de lo que estamos hechos, de qué somos capaces. ¿Cuál es la conexión que existe entre la portada del nuevo disco y la canción central?

Luces Fantasma es como esos reflejos que salen en las fotos, que parecen ser algo que no son, pueden ser apariencias o dobles lecturas, las máscaras. Muchas canciones tienen algo de eso. La portada la hizo el estudio de Copete Cohete, le dimos el disco a Smithe. Es un trabajo de unas esculturas de acrílico de las que se alcanza a ver los esqueletos que tienen por dentro, son unas siluetas que se van transformando, como Mü, todo lo que hay en medio y yo. La portada es una abstracción de las dobles lecturas que hay en el disco.

El 1o de abril estarán en el Festival Ceremonia alternando con grandes artistas. ¿Qué significa para ustedes estar a la altura de esas bandas?

Nos da mucho gusto. A mí me gusta el festival, ponen mucha atención al hip hop y a los grupos de vanguardia. Es una oportunidad muy buena para hacer un estreno nuevo oficial del álbum porque si bien haremos una presentación oficial en su momento (mayo/junio), en abril tocaremos lo más que podamos.

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AÑOS

En todo el tiempo que llevan dentro de la música, las cosas les han salido bien (musicalmente), ¿qué tan cómplices son Mü y Dr. Zupreeme para que todo salga como debe ser? ¿En qué les ayuda a tener esta complicidad dentro y fuera del escenario?

Un montón, Mü y yo somos como hermanos, nos conocemos desde los cinco años aproximadamente, vivíamos muy cerca, nos juntábamos en la secundaria, crecimos juntos.

Nos ha ido pasando las mismas cosas al mismo tiempo, cosas que pasan con la vida y la edad, coincidimos en eso. Hay un mucho entendimiento y confianza entre nosotros desde el momento en que cada quien hace su trabajo. Yo, la música y producción y él las letras, lírica y rap. Hay confianza absoluta del uno con el otro, sabemos lo que cada quien está haciendo y podemos confiar al cien por ciento.

Si tuvieran una máquina del tiempo y pudieran regresar al momento que comenzó La Banda Bastön, ¿qué cambiarían?

Nos daríamos un poco el don de la paciencia porque nos tardamos diez o doce años en sacar nuestro primer álbum, después de tocar por todos lados. No estamos arrepentidos pero personalmente, le diría al Zupreeme de hace quince o veinte años: “No pienses que tu primer disco va a salir el siguiente año, deberás tocar muchas puertas, arar la tierra para poder sembrar y luego cosechar”.

Me la he pasado increíble en este proyecto pero sí hay momentos en los que te puedes desesperar. Me hubiera gustado saber desde antes que las cosas se tardarían un rato pero valdría la pena.

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“Me hubiera gustado saber que las cosas se tardarían un rato pero valdrían la pena”.

—Dr. Zupreeme

Música

Los Punsetes ¡A la mierda con tu puto grupo!

TXT:: Juan Carlos Hidalgo FOT:: Cortesía Mushroom Pillow

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Si con alguna banda se puede establecer una complicidad total e incondicional es con este quinteto español de terroristas llenos de inteligencia y sentido del humor. Claro, de parte de los que son seducidos por sus guitarrazos, melodías esplendentes y su actitud peculiar sobre el escenario. Y en su quinto LP cada vez hay menos espacio para que sus detractores cambien de parecer; porque vaya que despiertan odio concentrado. ¡Eso es lo que vale la pena del arte! Aquí nadie se queda indiferente e impasible. Se les prodiga amor en grandes dosis o se les repudia con vehemencia.

Apenas y esperan unos pocos segundos de ¡Viva! para soltar la primera andanada de provocaciones encantadoras: “¡Viva la tristeza! ¡Viva el dolor!... ¡Viva el presidente! ¡Viva el gobierno!”. Y se siguen con un largo listado para culminar sintetizando: “¡A la mierda con esta mierda!”.

Y con el juego de dos guitarras acometiendo sin descanso sobre una base rítmica contundente. Las melodías incluso pueden ser dulces pero lo que se dice reina en el territorio de la ironía.

Y no sólo lo hacen durante las canciones; también se dan tiempo de dar mamporros durante las entrevistas. A su paso por la muy comercial Cadena Ser se mostraron en el programa Fuego y chinchetas, en el que Elisa Muñoz y Carlos Cano dilucidan sobre los movimientos más recientes del indie, tan sólo para soltar una de esas frases propias para las ocho columnas del periodismo amarillista: “Como grupo odiado, promocionamos el odio a otros grupos”.

Porque uno de los primeros temas que soltaron para presentar a su más reciente obra lleva por título “Tu puto grupo”. Con ello han destapado la caja de Pandora en la vieja Iberia, pues siempre los grupos pecan de políticamente correctos y cuentan a los cuatro vientos que todo es solidaridad y buena ondita entre grupos y músicos, cuando se sabe que también abundan la mala leche, las envidias y las traiciones. ¿Por qué no hacerlo público de una buena vez?

No faltaran tantos que se sientan aludidos. Casi nunca se ejerce una crítica entre colegas que sirviera para elevar el nivel.

Siempre se apapacha y se miente con tal de quedar bien y evitar los desacuerdos airados. Aquí hay un acto de enorme valentía que se debe de aquilatar (¡Cuánto nos hace falta por estos lares!). Pero también hay que subrayar que suelen ser autocríticos, como ocurre en “Mabuse” –otro de los anticipos– en que reflexionan sobre la calidad de las composiciones del narrador del tema, que bien puede entenderse como un miembro de la agrupación.

A los de Madrid les gusta cambiar poco; hace mucho que tienen muy claro lo que se proponen como grupo de rock. ¿Cuántos actos en vivo pueden contarse en que su vocalista se muestre como una estatua de sal –incólume de principio a fin– en los conciertos? También son precisos en que cada uno de ellos debe de tocar mejor cada vez mejor y así maximizar el sonido que tan bien entienden la mancuerna a la que ya recurren por tercera vez; ahí están Pablo Díaz-Reixa –“El Guincho”– y Brian Hernández para que todo suene como si de un enorme tanque de asalto de última generación se tratara.

Más de 10 años de carrera en que todo ha ido para arriba; tanto en lo musical –terreno en el que las guitarras protagonizan– como en las letras, en donde son cada vez menos condescendientes y muestran un ingenio muy desarrollado. Por ejemplo, acerca de aquello de “Tu puto grupo”, Antonna (guitarrista) explicó a los escuchas radiofónicos: “En “Tu puto grupo” se quedan a gusto cantándoles a todas esas bandas que detestan. Un ejercicio muy sano: ‘Estamos promocionando el odio a otros grupos como parte de la melomanía.

Que te guste la música implica que odies por lo menos tres o cuatro grupos.

Menos de eso es que no te gusta mucho.

Como grupo muy odiado, estamos promocionando el odio a otros grupos’”.

El sentido del humor bien ejecutado siempre resulta reconfortante en la historia del arte; en España ellos se han encargado de soltar varios dardos envenenados.

Once en está ocasión que se presentan por la puerta grande. El video del tema que le da nombre fue dirigido por Luis Cerveró, quien tiene entre sus clientes a figuras de la talla

de Pharrell Williams y Justice. Y sin que se pierdan ni un ápice de un espíritu desenfadado y transgresor a partes iguales.

En está ocasión se han pasado a las filas del sello Mushroom Pillow esperando alcanzar cotas cada vez más altas de resonancia.

Vamos, que hasta cuesta descartar temas de ¡Viva!, el nivel cualitativo se mantiene en todo lo alto, los mismo en “Humanizando los polígonos” que en “Alphaville”. Tan sólo bajan intensidad en “El manual”, pero se dan tiempo para atacar a los principios del marketing para hacer que un artista triunfe en el mundo del pop. Hasta a la pasarela de lo plastificado le tundieron (¡bien por ellos!).

A Los Punsetes no les gusta perder el tiempo ni hacérnoslo perder; saben que se van haciendo mayores y lo revisan en esa “Aphaville”, que también homenajea al cineasta Jean Luc Godard: “El tiempo es un fuego que me consume, es un tigre, es un río que me arrebata. Pero yo soy el río, soy el tigre y soy el fuego, y ya me da igual lo que venga luego”. Por su parte, “Presagios de partida” pasa de la obsesión por la pornografía a tratar el longevo tema del desamor y el truene de una relación.

En ¡Viva! han conseguido ser totalmente concisos y certeros; con todo y que el cierre con “Estrella distante” se prolonga hasta los ocho minutos y se trata de un experimento sonoro inédito en su trayectoria.

Seguro habrá bastante gente a la que no les haga gracia sus historias e insultos –¡allá ellos!–. En cambio sumarán muchísimos nuevos adeptos porque las canciones son estupendas; a quién le guste el humor negro y soltar carrilla ante cualquier aspecto de la vida se verá recompensado.

No dejemos pasar que Ariadna cada vez está cantando mejor y que ellos permiten que escuchemos la voz con claridad –¡estupenda decisión en la consola de grabación!–. Al final podemos tramar múltiples atentados con cada uno de los temas; ni duda cabe que uno quisiera hacer valido aquello que sueltan en “Humanizando los polígonos”: “Cuando todo mundo me deba un favor, sembraremos el caos y la destrucción”.

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“Como grupo muy odiado, estamos promocionando el odio a otros grupos”.

—Antonna, guitarrista de Los Punsetes

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+ Anntona Internacional Gramaciones Grabofónicas, 2017 El proyecto solista de uno de los guitarristas. Apela al mismo sentido del humor, pero al final el resultado no es el mismo –le hace falta su banda–.

The Pains of Being Pure at Heart Belong Play It Again Sam, 2011 Ambas agrupaciones tiene distintos puntos de contacto en cuanto a su sonido y energía.

Los Punsetes IV Canada, 2014 Si el antecedente inmediato era estupendo, ahora se superaron a sí mismos.

El día que nuestro orgullo se sintió hasta la frontera

Vive Latino 2017

Festivales

160 mil personas es la cifra oficial de asistentes del 18o Vive Latino, una edición que a primera instancia se percibió dudosa; sin embargo, toda ambigua especulación sobre la fiesta que se realizó una vez más en el Foro Sol, desapareció entre el mar de gente que bailó hasta la locura, entre los cánticos y ejecuciones de Los Fabulosos Cadillacs, Babasónicos, Hombres G y otros nombres polémicos, siendo Bronco la mayor de las sorpresas. El Vive es nuestra casa, el testimonio de nuestra identidad que seguirá ardiendo hasta el final. ¡Nos vemos el próximo año!

The 5.6.7.8’s

Prophets of Rage

Arturo Lara Arturo Lara

Babasรณnicos

Arturo Lara

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Aร OS

Illya Kuryaki and the Valderramas

Arturo Lara

Arturo Lara

Inspector

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Aร OS

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Adriรกn Martz

Sakre

Sakre

Sakre

Arturo Lara

Sakre

Adriรกn Martz

Festivales

Foxygen

Jarabe de Palo

Kinky

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Arturo Lara Arturo Lara

Bronco

Los Fabulsoso Cadillacs

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Arturo Lara

Hombres G

Arturo Lara

Rancid

Adrián Martz

Festivales

Zoé

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Arturo Lara

Sakre

Arturo Lara

Justice

Sakre

Sakre

Arturo Lara

Mon Laferte

Enanitos Verdes

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AĂ‘OS

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Ese lado del inframundo que ya no podemos negar

Nrmal 2017

Festivales

Pocas cosas nos sorprenden hoy en día, y el festival Nrmal forma parte de esa élite sobre lo más preciado respecto al vanguardismo cultural.

Nicho, plataforma y difusor de otras expresiones ajenas al mainstream, el Nrmal es una cosecha efervescente de locura creativa; la cuna de mentes innovadoras y espanta-predecibles.

Aquí se viene a descubrir, aprender y a aprehender esa cara del arte que a veces no discutimos. Dos días de sobreestimulación lista para dosificarse antes de que el futuro nos alcance en compañía de nuevos visionarios.

FOT:: Pablo Navarrete

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• Trementina • CLUBZ • Dorit Chrysler

• Jesse Baez • Moon Duo •The Brian Jonestown Massacre

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Festivales

• Tortoise • Mueran Humanos • Lorelle Meets the Obsolte

• Rakta • Psychi TV • I.D.A.L.G

• Guido Möbius • Psychi TV • Black Devil Disco Club

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La complicidad de la banda siempre llamada

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TXT:: Uili Damage FOT:: Sakre

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En portada 2012 es el año en el que El objeto antes llamado disco, salió al público. Ese es el larga duración anterior a Jei beibi, la grabación número nueve de la banda, misma que sale a la luz al tiempo que publicamos este número de aniversario de Marvin.

Como adelanto de este nuevo material ya escuchamos los sencillos “Un par de lugares”, “Futuro” y “Disolviéndonos”, mismos que vuelven a abrir el abanico estilístico de la banda, sin dejar de reafirmar su postura de vanguardia mexicana mediante elementos inconfundiblemente regionales, bien ataviados de instrumentaciones de rock alternativo y electrónica, sonidos a los que nos tienen bien acostumbrados.

La misma alineación que fundó el grupo hace veintiocho años (por apellido y por estatura:), Rubén Albarrán, José Alfredo Rangel, Enrique Rangel y Emmanuel del Real, se mantiene sólida y saludable, creando propuesta sonora cosmopolita y luciendo una curiosidad musical con las que no han dejado de poner un ejemplo difícil de seguir, según demuestra la historia.

Aquí quiero leer “complicidad”, para señalar una de las causas que han permitido que el cuarteto sobreviva al paso de los años en un oficio tan volátil como es el entretenimiento.

Conversando con los cuatro integrantes, tal complicidad salta como una danza de opiniones enfocadas en un objetivo común: siempre al servicio de las canciones.

Y bueno, el cuento de “los tacvbos” sigue así...

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¿Hace cuánto se juntaron para hacer lo nuevo?

Quique: Habrá sido en septiembre de 2015. Era un año en que teníamos algunos compromisos de conciertos, pero no era un año de “gira oficial” de El objeto antes llamado disco. En septiembre tuvimos tres semanas de trabajo como punto de partida, en las cuales salieron cinco canciones de ideas que cada uno trajo y pudimos arreglar, montar, poner en demo y que guardamos hasta la siguiente oportunidad que tuviéramos para ponernos a trabajar. ¿Y las giras de 20 aniversario del Re? Joselo: Esas empezaron en 2014. El disco cumplió 20 y nosotros 25, pero la gira se fue extendiendo... Todo se extiende siempre con nosotros [risas]. Tenemos una agenda en la que proponemos hacer cosas de

una fecha a otra, pero nos ofrecen presentaciones y distintas cosas y se va extendiendo todo, más allá de lo que nosotros decidimos inicialmente.

Entonces, sí hubo un momento en 2016 en que dijimos “qué hacemos, podemos festejar el aniversario del Avalancha, tocando, haciendo una segunda parte, haciendo una serie de cosas que tengan que ver con ese disco”, pero nos decidimos por hacer material nuevo, lo cual es mucho trabajo pero no se percibe... no sé en qué mes de 2016 empezamos a trabajar otra vez en canciones pero ya teníamos la intención de estrenar en lugar de seguir celebrando el pasado.

Lo que tienen ahorita ¿ya es el disco final? o ¿siguen trabajando en canciones para incluir?

Meme: Ya estamos terminando los detalles de las canciones que elegimos. Ya está definido lo que vendrá en el disco.

Y en este material ¿hay música que tenga que ver en estilo/sonido con lo que hicieron en el material anterior, algo matizado por las canciones de sus discos cumpleañeros, o que conscientemente quisieron evitar que se pareciera a todo eso?

Meme: Yo creo que será más fácil apreciarlo a alguien desde afuera. Para mí, el tiempo es el que me enseña las similitudes. Esa conversación no la tenemos en el grupo; no nos esforzamos por acercarnos o alejarnos de las cosas que hacemos; eventualmente en algo te repites porque somos los mismos cuatro haciendo la música. Eso sí tratamos de reinventarnos, y yo creo que este disco es parte de la misma filosofía: buscar nuevos caminos, ejercitarnos de manera diferente, buscar caminos creativos que tal vez no hayamos explorado y que de pronto nos lleven a nuevos lugares y den resultados que no esperamos. Eso se repite, pero el resultado no es algo que hayamos previsto ni es una meta que hayamos visualizado. ¿Qué es?

Estamos en ese proceso. Ya hay una perspectiva clara de qué es de lo que se trata el disco, los rangos conceptuales o emocionales que abarca, pero tal vez la crítica de afuera es la que explique mejor qué ocurrió con este proceso. ¿Y hoy podrían decir de qué se tratan sus discos anteriores?

Rubén: Yo creo que más bien hubo algún momento en que los diferentes temas de los que se trataba un grupo de canciones tenían alguna relación.

Realmente no sé si ahora suceda eso. Sería una cosa de buscarlo. Antes lo notábamos más claramente.

De afuera, “Futuro” hace pensar que lo nuevo será una propuesta futurista de Café Tacvba. ¿De adentro cómo se ve?

Quique: Creo que sí percibimos que hay una expectativa generada con la canción por culpa de su título. Una expectativa que tiene que ver con la tecnología y lo novedoso. Pero es más una reflexión filosófica del tiempo que vivimos y cómo lo vivimos.

Creo que sí es un buen adelanto del rango de experimentación o de búsqueda que hay en este grupo de canciones. Sí creo que hay un atisbo de a dónde puede llegar y lo más curioso es que nos damos cuenta de que a veces para una parte del público esas expectativas no son alcanzadas y

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Tampoooooco, tampocooo…

Somos fans de Rubén y compañía, pero a veces no. Checa nuestros vídeos no tan favoritos de Café Tacvba en marvin.com.mx

¿Pueden señalar alguna música que los haya acompañado en el proceso de esta nueva grabación -independientemente de que se note o no una influencia en las nuevas canciones?

Quique: Yo he tenido una etapa difícil para escuchar música por la paternidad que “invadió mi vida” desde hace dos años. Escucho llantos o música infantil pésima [risas].

Meme: Yo creo que con los servicios de streaming me he encontrado que escucho más géneros que antes.

Algo que también tiene que ver con la vida familiar es que se escucha mucho pop por mis hijos y también entiendo que hay más presencia de esto que antes. De hecho de los últimos Coachella a los que llegué a ir noté una ausencia de rock o de cierta música con actitud de rock, y

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¿Ya tiene título el disco?* Joselo: No, pero es porque estamos viviendo este disco “en tiempo real”. Cuando salió “Un par de lugares”, en realidad era la canción que estaba más cercana a poder grabarse; pudimos grabarla de una manera buenísima, en un estudio muy especial, varias cosas se conjuntaron para que en una semana tuviéramos hecha esa canción, más allá de que tuviéramos que esperar a tener un álbum completo, distribuido, etc. No tenemos una disquera, hacemos lo que nosotros queremos dentro de un sistema. Terminamos la canción: la sacamos. Seguimos trabajando, fuimos a Los Ángeles y dijimos “saquemos otra canción”. Y fue “Futuro”. Y todas las demás se siguen trabajando.

No es como estar haciendo suspenso de a gratis. Así es como está saliendo. Muchas cosas también suceden a nivel individual. Tenemos ideas que compartimos en el momento en el que es necesario compartirlas. A lo mejor cada quién tiene un nombre del disco, pero no ha llegado el momento de proponerlo. También para nosotros existe se suspenso.

Cada uno tiene un momento favorito de las canciones que están tocando: Una melodía, un ritmo, una parte específica de algún instrumento, un coro, hasta un silencio. ¿Ya identificaron ese momento en alguna parte del material nuevo?

Rubén: A mí me sucede eso ya cuando estamos tocando en vivo porque sucede en relación al público. Disfrutaba mucho tocar “Volcán”, de El objeto...

Quique: Del material nuevo, tengo mucha expectativa de cómo se va a dar en el escenario tocar la guitarra en una canción que se llama “Vaivén”. Siento que es el gran reto que tengo que confrontar en cuanto se haga el montaje de las nuevas canciones para tocarlas en vivo.

Meme: Pues es que hay muchos momentos... tengo una excitación permanente a todo lo que está pasando con el nuevo disco. Me falta la distancia para identificar qué más o qué menos, enfrentar la problemática técnica de cómo resolver cada cosa en vivo...

Joselo: Hay varias canciones que ya tengo muchas ganas de tocar en vivo, pero ahorita me pasa igual que a Rubén, que a todos. Me siento muy emocionado con todo el material en estudio. Pero tocarlo en el escenario será toda otra experiencia.

Me siento emocionado con tocar dos canciones en especial que creo que van a tener una buena conexión con el público. * N. de la Ed.: Al cierre de la edición se nos informa que el título del álbum es Jei beibi.

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Pareciera que hoy es “políticamente incorrecto” hablar mal de Café Tacvba. ¿Se puede hablar mal de ustedes?

Joselo: Yo esperaría que sí. Que alguien diga lo que piensa y si no le gusta... Creo que lo que más me gustaría es que saliera un grupo que dijera “estos pinches Tacvbos ya qué hueva, vamos a hacer una música chingonsísima que le va a gustar a todos”. Y pues no veo que salga esa contrapropuesta de lo de nosotros. Me gustaría ver gente haciendo música nueva, chingona y no lo he percibido.

Rubén: Yo a veces me encuentro con opiniones así en las redes sociales que me crean un sentimiento encontrado. Me da coraje porque es mi grupo, pero a la vez me da gusto, porque es lo que yo decía de los grupos viejos cuando tenía esa edad. Siempre me dio flojera escuchar un grupo que tuviera treinta años tocando... “que ya se vayan a su casa”. Creo que todos lo decimos a esa edad. Y me da gusto que los jóvenes no escuchen esta música, que la cuestionen, “pinches abuelitos que se vayan a descansar, que se vayan a gastar sus millones”... ojalá tuviéramos unos millones qué gastar, eso sería muy bueno; no los tenemos desgraciadamente. Y por eso mismo también tenemos derecho a seguir trabajando. “Trabajo digno”, esa sería mi respuesta, por eso no nos vamos a descansar [risas].

me di cuenta después de dos visitas que me la estaba pasando mejor en la carpa de electrónica.

No me la cuestioné hasta después. Claro que después aparecía Arcade Fire con un súper show o algún grupo más vintage, como nosotros [risas]... Pero he encontrado que la cuestión del rock no ocurre nada más en México -yo decía a veces ¿dónde están los grupos de rock, o esas propuestas?-. Algo ha generado toda la cuestión digital, y por eso también encuentras de repente tantos haters contra cualquiera de los temas. Creo que la música electrónica está traduciendo ahora esa energía que tenía el rock. Hoy ese discurso ya no tiene tanta necesidad de utilizar el rock.

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para otra son superadas. Desde hace tiempo nos dimos cuenta de eso y desde entonces las expectativas que nos interesan son las nuestras.

Fotorreportaje

CĂłmplices del sonido La mĂşsica de las calles

FOT:: David Jaramillo

Vigilantes del asfalto, ojos de la selva gris, que hacen sonar sus instrumentos para hacer vibrar el pavimento, ellos son los músicos de las calles, esos que dan testimonio de las historias de la ciudad. Ellos alegran el camino de los millones de peatones que deambulan hacia un trabajo estresante o un destino gris, con sus notas trazan caminos dorados que brillan ante los ojos cansados; los pasos van al compás de un bolero, de algún rock and roll o de una cumbia, y el ritmo gotea constante. A ellos, nos entregamos y en ellos confiamos hasta llegar a casa. Oh, músicos de las calles, valientes cómplices del sonido.

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Cine

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Trainspotting 2 Una nostalgia cínica Hacer la secuela de un filme que se convirtió en un icono tan grande para toda una generación, como lo hizo Trainspotting, no debió ser una decisión sencilla ni para Danny Boyle, ni por supuesto para Irvine Welsh, la verdadera mente detrás de una de las historias favoritas de aquellos jóvenes noventeros que entonces se vieron retratados en ella y que hoy rebasan los 40 años. A pesar de ello la película recurrió al mejor recurso que quizá pudo haber recurrido. Ser cínicamente nostálgica.

TXT:: Aarón Enríquez FOT:: ARCHIVO

SABEMOS QUE YA sea por morbo, o autentico entusiasmo de fan, tú no podrás evitar acercarte a los cines una vez que se estrene, pero si aún tienes tus reservas por temor a que una de tus películas favoritas no cumpla con las altas expectativas que has prospectado, o eres un millenial que no entiende por qué tanto rollo con Trainspotting y no le tienes miedo a los spoilers te invitamos a leer estas razones por las que no te la puedes perder.

1. PORQUE YA EXTRAÑABAS EL SLANG ESCOCÉS Algo que caracteriza tanto al libro como a la película es el slang que hablan los personajes, característico de Leith, ciudad de la que es originaria Irvine Welsh y que está situada en Edimburgo.

El propio Welsh admite que así hablaba con sus amigos cuando solía ser un hooligan descarriado a principios de los 90 y así es como

hablan Renton y compañía en la segunda parte de la historia (bueno, digamos que ahora hablan como chavorrucos de Edimburgo, aunque hay algo en el acento que no deja de ser cool).

2. PARA ENTERARTE DE QUIÉN FUE GEORGE BEST (el mejor jugador de futbol del mundo según Sick Boy y Renton) A él le debemos frases como “Usé mucho dinero en coches, mujeres y alcohol, el resto lo mal gasté”, tuvo un aura de chico malo que lo hacía muy atractivo con las mujeres y además contaba con un sprint y una gambeta que no le envidia nada a la de Christiano Ronaldo. Tan rebelde que se ganó el mote del Quinto Beatle y por si fuera poco, Simon (Sick Boy), tiene todo un altar dedicado a él en su departamento que parece sólo estar esperando la visita de Renton para que ambos pasen toda la noche recordando sus viejas glorias.

3. PARA VER EL ÉPICO FACE SWAP DE RENTON Y SICK BOY El recurso de meter detalles tecnológicos para actualizar las historias es siempre polémico y causa opiniones encontradas, personalmente

no me gusta cuando el recurso es gratuito, pero en este caso resulta un detalle que va muy bien con el tono de humor que tiene la secuela.

No es bobo, es simplemente un guiño que con el tiempo resultará icónico; es tan simple que es genial.

Quizá sea porque hoy la amistad no se entiende igual sin el perrito de Snapchat.

4. PORQUE TIENE UN CAMEO DE IRVINE WELSH Nieguen que son fans de los cameos y su alma será absorbida por la tierra cuando estén esperando a que salga Stan Lee ahora que vayan a ver Spider Man Homecoming. T2 es en parte una celebración, de la amistad, de la vida, de una generación completa y sobre todo de la cosquilla que te lleva a querer vivir huyendo eternamente; por supuesto que en una celebración así no podía faltar Irvine Welsh.

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7. PORQUE “CHOOSE LIFE” Quizá toda la película vale la pena sólo por la nueva versión del discurso de Choose Life que hace Mark Renton, o no. La película es cínicamente nostálgica y es probable que el sentido del humor en esta ocasión vaya un poco más allá de lo que puedes tolerar si lo que buscas es clavadéz. Pero hay que reconocer algo: cuando Irvine Welsh se pone serio, no queda más que sentarse a escuchar con atención.

8. ES EL PRELUDIO PERFECTO PARA CEREMONIA Durante toda la película verás recursos nostálgicos que aunque pueden llegar a ser obvios, la realidad es que son efectivos. Seguro habrá quien saque más de una lágrima en ciertas secuencias que no te echaremos a perder, pero el coitus interruptus que te deja no poder escuchar la vieja “Born Slippy” a lo largo de todo el film, puede resultar en el mejor orgasmo musical cuando los ingleses la suelten durante su actuación en el festival Ceremonia. Que no te de miedo la nostalgia generacional.

FICHA TÉCNICA Título: T2: Trainspotting Director: Danny Boyle Año: 2017 País: Reino Unido Reparto: Ewan McGregor, Ewen Bremner, Jonny Lee Miller, Robert Carlyle

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6. POR VERONIKA Seamos brutalmente honestos: todo cuarentón tiene fantasías con mujeres 20 años menores, y qué mejor si son

belgas. No diremos más, sólo estas 4 palabras: Ve ro ni ka.

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5. PORQUE LOS CHAVORRUCOS TAMBIÉN PUEDEN SER DIVERTIDOS Ok, sabemos que no todos, ni todo el tiempo. La verdad es que aguantar a un chavorruco hablando sobre su primer concierto de El Mago de Oz o la vez que entró a dar un portazo en un concierto de Rage Against The Machine en el pabellón oeste del Palacio de los Deportes como si fuera la mejor experiencia que un ser humano puede tener jamás en la vida, es bastante pesado y aburrido si te pasa en una fiesta en la que tú lo único que quieres es beber y ligar.

Pero un momento, tienes 20 años sin ver a estos chavorrucos y ellos tienen el mismo tiempo sin fiestear juntos, así es que, créelo, la fiesta que agarran Renton y Sick Boy seguro te va a gustar.

Cómic y narrativa dibujada

EARTHLING TXT:: Oscar G. Hernández

Los cómplices engañados

LA VIDA EN FAMILIA es la que permite las más bellas complicidades y las más espantosas.

Dentro del llamado conjunto primigenio de las sociedades se suceden todas las integraciones y relaciones humanas para bien o para mal. El libro que ha compilado relatos innumerables de relaciones familiares enfermas y armoniosas es sin duda la Biblia. En ella encontramos padres que deben matar a sus hijos, hermanos que se matan entre ellos, padres que se acuestan con sus hijas, grandes matanzas, inundaciones, terremotos, enfermedades, sodomía, traición, etc. y todo lo que podríamos llamar un gran cimiento para el desarrollo de cualquier tipo de relato.

Ese libro ha inspirado como ningún otro lo que llamaríamos el pensamiento occidental. Con el tiempo y las libertades literarias las cosas cambiarían y los autores tomarían el gusto de narrar por mero placer. Sin embargo, de alguna manera las temáticas se conservan y se adquieren directa o indirectamente de dicho libro. Dentro del comic germánico encontramos a una autora capaz de conjugar un sistema de complicidad y ruptura que genera un gusto puramente contemporáneo. Su nombre es Aisha Franz y su historia la construye desde el núcleo familiar, con una perspectiva muy actual. A pesar de que las estructuras familiares siguen de alguna forma el modelo bíblico, ella lo olvida y nos presenta Earthling, una novela que sacudió la escena de la narrativa gráfica por muchas razones, siendo la libertad y la honestidad las que la dotan de fuerza y originalidad.

Franz se mete a la familia y las relaciones entre mujeres de distintas edades, para hacernos

observar como se pasa de una complicidad a otra y de cómo éstas se consolidan o se rompen. Una madre aún joven estudiante que se enamora y que se deja llevar por la frase: “No te preocupes por mí, ya nos las arreglaremos”, para después terminar en un “quizá sería mejor abortar”.

De entrada al encontrarse con estas frases descubrimos el cliché tantas veces visto y leído.

Es como si la conclusión ya se anticipara en la frustración de una madre que arruinó su carrera por el amor y el sexo que la llevaron ahora a vivir a la manera de una infeliz ama de casa a cargo de un par de hijas: una adolescente rebelde y otra pre-adolescente que no saben cómo encajar con esa vida.

Lo que nos sorprende del desarrollo de Earthling es que consigue plasmar en el relato un ritmo y fuerza que aleja cualquier posibilidad de molestia o aburrimiento, por el contrario envuelve, seduce, como si quisiéramos escuchar todo lo ocurrido una y otra vez. Esa historia donde la mujer es perseguida por sus fantasmas y alucinaciones. Donde el televisor es el primer cómplice y escape, que recuerda constantemente la vida que se abandonó, pero además el televisor es también el interlocutor que recuerda “no todo es tan inútil como piensas…no es demasiada tarde, creéme… confía en mi… estamos irremediablemente unidas, no lo olvides: ¡soy tú!

No puedes apagarme”. Estas escenas son de las pocas que se han visto en la narrativa gráfica donde el personaje se fusiona y divide por medio de un proceso alucinatorio donde el cómplice es el aparato televisivo que opera como un puente para escapar y se enfrenta a la realidad.

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Aisha Franz empuja a todos sus personajes a la alucinación ya sea por vía de una pantalla, un extraterrestre o el descubrimiento del sexo. Todas las mujeres que coloca en su novela sufren de algún delirio que les ayuda a huir de la realidad.

El personaje que refleja mayor la temática de complicidad es el alienígena que vive en el cerebro de la pequeña pre-adolescente, es el confidente perfecto el cual nadie ve y que de alguna manera protege y se identifica con la pequeña. Hasta el punto que la niña observando a su hermana rebelde y cachonda, se siente obligada también a pensar en el sexo.

Va al baño, se toca, se descubre, se prueba, quiere tener sexo con un alienígena que vive en su cabeza, tiene pesadillas que la llevan a aprender que quizá ya no es una infante.

El personaje de la chica adolescente es quizás el menos interesante, sin embargo, es el más real, ya que su historia gira en torno al sexo y a escapar de una familia que no parece tan horrible. La complicidad se da aquí por amistad, en esa vida de dos chicas que crecieron juntas, que se divirtieron juntas y que también se engañaron juntas.

El típico yo te cubro, para que puedas salir con el chico. Hasta que el chico deja plantada a su “querida”, para ser descubierto mas tarde con la mejor amiga.

Los relatos en Earthing son brutales y fuertes porque son simples, no vemos nada rebuscado, lo que impacta es la manera de contar historias que todos conocemos, pero que son directas y dotadas de un intimismos y honestidad que sacuden. Franz hace una obra libre y total en todos los sentidos, su gráfica podría ser la de la niña, la adolescente o la mujer adulta. Un dibujo desenfadado sin preocupaciones del perfeccionismo, todo hecho a lápiz con la fuerza que muestra la unión de las viñetas con la narración.

Un dibujo poético, con páginas poéticas por su actualidad y vigencia, sin exageraciones, sin pretensiones. Para mostrar que la mejor complicidad se da en el lápiz y el papel.

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Cómic y narrativa dibujada

MARKUS WITZEL

MAWIL

Te presentamos a uno de los más grandes representantes del cómic alemán. Markus Witzel, Mawil, el berlinés conocido como el Woody Allen del cómic, ganador del premio Max and Moritz y el ICOM, los más importantes para novela gráfica alemana. Mawil es fundador del movimiento de comix alemán (término que se usa para denominar al cómic underground); su obra ha sido traducida a varios idiomas incluyendo el español.

Una de las mejores maneras de descubrir el cómic germánico. www.mawil.net/ Ve el cómic exclusivo para Marvin sobre la Ciudad de México en nuestro sitio web marvin.com.mx

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De Culto Música

RADIOHEAD & NIGEL GODRICH A 20 años del OK Computer TXT:: Vicente Jaúregui

En ocasiones, el rechazo deriva complicidades insospechadas. Si los Beatles cambiaron el curso de la música pop junto a George Martin, desde finales del milenio, Radiohead hace lo suyo en complicidad con el productor Nigel Goodrich.

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ero antes de convertirse en el “sexto Radiohead”, Nigel fue rechazado de 100 estudios de grabación en Londres, incluido el Abbey Road, que le envió una carta posteada recientemente en su cuenta Twitter. Hijo de un supervisor de sonido de la BBC, Nigel comenzó como guitarrista, pero su ADN le mostró un hábitat natural en la ingeniería de audio. Recién graduado, trabajó en Rak Studio como operador de cinta de John Leckie, productor que estaba por enfrentar la grabación de The Bends, el tortuoso segundo álbum de Radiohead.

La relación de Radiohead con el estudio es legendaria: desde sus primeros años, los de Oxford encontraron hostil este espacio “estéril” y poco inspirador. En 1994, la banda “gozaba” la popularidad que cualquier músico soñaría con tener con un álbum debut. Irónicamente, para Radiohead se tradujo en una crisis que casi termina en colapso. La presión de EMI para tener una “segunda parte de Creep”, aunada a la opinión mediática que los catalogaba representantes del “one hit wonder” y la propia exigencia creativa del grupo para alejarse totalmente del sonido de Pablo Honey, causaba pánico al interior del grupo.

La disquera les dio un par de meses para grabar The Bends. Radiohead estiró el proceso durante medio año. Pero este lapso, que Thom recuerda como un “auto análisis doloroso”, recompensó a la banda en más de un sentido: por una parte, la sofisticación del disco rompe totalmente las expectativas. Por otro lado, la banda trabaja por primera vez con Godrich, aquel ingeniero rechazado 100 veces por varios estudios: sin querer, el desdén de Abbey Road permite el nacimiento de una mancuerna legendaria.

Invitado por Leckie para trabajar como ingeniero de My Iron Lung –EP editado en 1994, como avance de The Bends–, Godrich aprovechó cada ausencia del productor para grabar B-sides. Entre ellos, destaca “Black Star”, un tema ahora clásico que terminó en el disco. Radiohead no tardó en reconocer el talento de Nigel, a quien apodaron el “Nihilista”, un sobrenombre que denota su aptitud para desafiar la zona de confort. Y si algo seduce a Radiohead, es precisamente ese atributo heterodoxo.

Encarrilados en la hazaña de reinventarse, meses después, Radiohead invita Nigel para producir “Lucky”. El sencillo surge cuando Brian Eno los comisiona a escribir un tema para The Help Album, un álbum compilatorio destinado a la caridad. Grabada en apenas 5 horas, “Lucky” impregna de confianza a Radiohead, para enfrentar la grabación de OK Computer, un álbum ya delegado a Godrich en su totalidad. La invitación, marca el nacimiento de la dupla creativa más arriesgada y propositiva de los últimos 20 años.

Consciente de la asfixia que producen las cuatro paredes de un estudio, Godrich sugiere grabar fuera de la ciudad en St Catherine’s Court, en una mansión facilitada más tarde por la actriz Jane Seymour. El recinto marca una transición fundamental que Jonny Greenwood celebra especialmente: “fue como un grupo de personas ha-

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ciendo su primer disco juntos”. Pero no todos compartían ese entusiasmo.

Al escuchar el disco entero, EMI Capitol consideró que era demasiado melancólico y que con suerte vendería medio millón de ejemplares.

Contra todo pronóstico, a 20 años de su publicación, OK Computer es considerado uno de los 10 mejores discos en la historia del rock. Sobra decir que ha redituado ganancias millonarias a la compañía. A veces, la miopía del desencanto anticipa una bonanza financiera.

Grabado cerca del nuevo milenio, Thom Yorke abandona la escritura introspectiva en primera persona de The Bends y Pablo Honey, para aproximar una narrativa indeterminada: bajo la perspectiva en tercera persona, Ok Computer aborda con soltura la posmodernidad y su momento de ruptura. El vacío de la sociedad de consumo es poetizado con meta relatos que van de naves alienígenas a conspiraciones corporativas, policías del karma, androides paranoides y demás artilugios de la ciencia ficción. La ironía es reflejo de mordacidad y Thom la tiene de sobra. En sus letras, la sátira es reflejo del desencanto de una generación que reconoce el estatus de clásico instantáneo en la primera escucha del disco.

Apenas vislumbró su salida, la crítica emparentó el álbum con el ánimo progresivo de bandas como Pink Floyd. Pero las referencias de Radiohead eran menos predecibles. Originalmente llamada “Uptight”, “Subterranean Homesick Alien” fue una de las primeras canciones grabadas.

Además de la obvia referencia a Bob Dylan en el título, sus atmósferas fueron construidas a partir de un piano eléctrico y un ensamble de guitarras voladoras que Greenwood logró con el Whammy. Si hay una influencia detrás de este páramo etéreo, sería el Bitches Brew de Miles Davis, un álbum que Yorke tocaba obsesivamente y que contagió a Godrich por su sentido de la espacialidad. Otro tema primigenio fue “Electioneering”, la única canción del disco que avanza sobre un tempo desesperado.

Inspirado en una lectura de No Logo de Naomi Klein, un riff angular de Greenwood sustenta la primer letra globalifóbica de Yorke, un tema recurrente en discos venideros. Después de ver a un grupo de turistas en un pueblo francés, la melodía de “The

Tourist” fue interpretada en un mellotrón por Joony Greenwood. Usado extensamente en los 60, este instrumento es adoptado por el guitarrista para grabar varias canciones en el futuro.

Con solvencia para maridar letras de ansiedad y confusión con melodías delicadas, Thom presentó “No Surprises” a la banda en un camerino en Oslo mientras abrían para R.E.M. Más tarde, Jonny dobló la melodía de la guitarra de Ed O Brian con un glockenspiel, un instrumento usado por Mozart y Chaikovski. “Exit Music (For A Film)” fue escrita para la adaptación de Romeo + Juliet de Baz Luhrmann’s, quien necesitaba un tema para los créditos de la cinta. Bajo la épica de Ennio Morricone, esta canción eriza desde el primer rasgueo de la guitarra acústica. Con uno de los crescendos más estremecedores de su discografía, el tema explota en el caos bajo una masa de fuzz inyectada por el bajo de Colin Greenwood.

Desde el principio de la grabación, Goodrich sugirió adquirir equipo y aparatos para experimentar durante la grabación. “Exit Music” atesora un afortunado uso de la tecnología.

Bajo un hechizo gótico, “Climbing Up The Walls” es el track más siniestro del disco. Desde la batería electrónica que remite al kraut alemán, acá hay referencias atípicas: en la parte orquestal dirigida por Jonny, se asoma el compositor polaco Krzysztof Penderecki. Escrita como antídoto para calmar el ego al interior de la banda, “Karma Police” representa el momento más beatlesco del disco. Después de coquetear con “Sexie Sadie” en el puente, al final, una pared de ruido cierra el track, cortesía de la saturación de un eco en la guitarra de O’ Brien. Para “Airbag”, un collage de baterías inspirado en DJ Shadow, permea la rítmica de Phil Selway. Entre la electrónica de avanzada cortesía de Godrich y el ensamble de guitarras, este tema abridor esparce su melancolía eufórica al resto del disco.

Originalmente de 16 minutos, Radiohead interpretó “Paraniod Android” por primera vez en 1996, cuando abrían una gira para Alanis Morissette. Más tarde, la banda redujo la canción a tres secciones diferentes. Como un híbrido entre “Bohemian Rhapsody” de Queen y las dinámicas radicales de los Pixies, se trata de un maridaje improbable hasta ese momento. Bajo la complicidad de Godrich, “Paranoid Android” representa el tema álgido del disco. Con ambición de sobra, no importó su duración de más de 6 minutos para sonar en radio y TV: como “Creep”, su destino era convertirse en un himno generacional que hoy, a 20 años de distancia, aún suena fresco y futurista. Mientras bandas como Oasis inhalaban cocaína y escribían canciones bajo la monotonía de su pedal de distorsión, Radiohead habilitó un estudio con aparatos retro futuristas que delinearon la estética sonora del nuevo milenio. Con siete discos grabados en conjunto, Radiohead y Nigel Godrich conforman la dupla más propositiva desde los Beatles y George Martin. En ocasiones, el rechazo deriva complicidades insospechadas.

Dios ama a sus hijos. El niño A, lo sabe.

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“I’m a creeeeeeeeeeeeep”…

Conoce los covers mejor logrados y los peores tributo a Radiohead en marvin.com.mx

De Culto Cine

GABRIEL FIGUEROA

El secuaz por excelencia del cine mexicano TXT:: Toño QUintanar

Mucho se ha hablado recientemente acerca de la importancia de México como una cuna de grandes sensibilidades estéticas las cuales, valiéndose de las posibilidades del formato audiovisual, hilvanan nuevas realidades capaces de transportar al receptor hacia increíbles plataformas y texturas.

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ste fenómeno encuentra en la disciplina de la dirección fotográfica una de sus muestras más elementales, siendo nombres como el mediatizado Emanuel Lubezki o Rodrigo Prieto (impecable artista nominado recientemente al Oscar por su trabajo en Silence) algunos de los representantes más inmediatos dentro de dicho asunto.

Tal parece que México, al ser una nación que transita de forma ambivalente entre múltiples contrastes, ha legado para sus hijos todo un crisol de refulgencias que ejercen una influencia –especialmente– enervante entre las mentes de mayor amplitud sensible. Mismo fenómeno que encuentra en el mítico Gabriel Figueroa a su símbolo por antonomasia.

Nacido en el año de 1907 en la Ciudad de México, Figueroa se destacó siempre como un voraz captor de matices; un ente que gustaba de apoderarse de su realidad a través de un par de ojos, los cuales desintegraban la naturaleza primaria de la cosas con el fin de rearmarla a su antojo. Es así como iniciaría un tenaz desarrollo académico el cual irrigaría en un joven Gabriel el ideal de capturar a la belleza en todo su dinamismo a través de ese maravilloso dispositivo el cual conjunta arte y ciencia: la cámara fotográfica. Inclinación que a lo largo de sus 90 años de vida, lo llevaría a participar en más de 200 producciones filmográficas entre las que destacan algunas de las obras maestras más perdurables del cine autóctono.

UN MITO LLAMADO MÉXICO Desde sus primeras incursiones dentro de la fina disciplina de la dirección fotográfica (misma que se vería inaugurada por la cinta de 1932, Revolución), Figueroa dejó en claro que su principal preocupación estética era la de realizar una introspección pictórica en la que la forma estética fungiera como una materialización del mundo espiritual que yace trémulo en los entramados más ocultos de la naturaleza.

De esta forma su trabajo, fecundado a lo largo de distintos proyectos cuya narrativa abordaba variados rostros de la cotidianeidad mexicana, se convirtió en un escaparate de la riqueza cultural de nuestra nación. Esto a partir de una colección de imágenes que incluía, tanto rostros de personajes inflamados por una emotividad delirante; como por piezas paisajistas donde la belleza de la naturaleza se veía revalorizada a partir de las capacidades evocadoras del dispositivo fílmico.

Legendarias son las múltiples colaboraciones que Figueroa emprendió a lo largo de su carrera a lado de directores los cuales se avocaron a la construcción de algunos de los íconos más arraigados de la cultura visual mexicana. Cineastas absolutamente emblemáticos como Fernando de Fuentes (Vámonos con Pancho Villa, Allá en el Rancho Grande, Papacito Lindo), Alejandro Galindo (El Monje Loco, Ni Sangre, ni Arena, Virgen de Medianoche), Julio Bracho (Historia de un Gran Amor, La Virgen que Forjó una Patria, Distinto Amanecer) y Emilio Fernández (María Candelaria, Pueblerina, Las Abandonadas) encontraron en la maestría pictórica de Figueroa –influida por estilistas como Renoir– la herramienta perfecta para confeccionar obras de incalculable valor retórico.

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En manos de Gabriel, la lente se transformaba en una maquinaria delimitadora capaz de enmarcar realidades aleatorias con el fin de brindarles una identidad específica y plenamente reconocible. Un fenómeno que, incluso para los espectadores más jóvenes y descontextualizados, continúa fungiendo como un auténtico patrimonio simbólico el cual detona una familiaridad casi inmediata.

UNA CIUDAD DE VELAS Corría el año de 1950 cuando Figueroa se embarcó en un proyecto audiovisual el cual, haciendo gala de una serie de delirantes cruzas entre realidad descorazonadora y onirismo sugerente, se alzaría como todo un estandarte del cine universal. Los Olvidados es, hasta la fecha, una pieza capaz de conjurar toda una avalancha de emociones que se vuelcan sin concesiones sobre el receptor. Mismo asunto en el que, por supuesto, interviene la visión artística de un Figueroa quien encuentra en los rigores propios del surrealismo un pretexto más que óptimo para dar rienda suelta a la serie de inquietudes que, durante años, habían morado en su cabeza.

A diferencia de lo que nuestra percepción contemporánea podría indicarnos, el formato en blanco y negro representaba para los artistas de aquella época la plataforma esteticista por excelencia: un medio de expresión absolutamente puro en el que los juegos de luces y sombras propiciaban una serie de contrastes que adquirían una tremenda significación simbólica, poética y emocional.

Es así como la fotografía de Los Olvidados reflejaría las inquietudes filosóficas de un Luis Buñuel, quien deseaba construir un mundo narrativo donde las propiedades de lo palpable y lo psicológico se bifurcaran de forma inaplazable. Un logro que se repetiría con las posteriores incursiones de Figueroa en otros trabajos del director español como Él (1952), Nazarín (1958), La Joven (1960) y El Ángel Exterminador (1962).

Otro ejercicio que también atrae por su aura plenamente sobrenaturalizada es Macario (1960), de Roberto Gavaldón. Esta obra maestra de la filmografía autóctona sugiere un conjunto de conceptos donde la fantasía más obscura y mítica invade los matices propios de esa cultura mexicanizada, la cual siempre ha gustado de denunciar la convivencia entre la realidad y lo espectral.

Inolvidables secuencias de inigualable agudización estética, como aquella en la que un conjunto casi puntillista de velas ordenadas de forma pormenorizada a lo largo de las Grutas de Cacahuamilpa da como resultado un escenario que funde teatralidad y principios místicos, dan fe de ese trazo metafísico con el que Figueroa hizo de esta cinta protagonizada por Ignacio López Tarso todo un ritual artístico.

Fue así §como Figueroa plantearía una serie de posibilidades estilísticas donde la dirección fotográfica ya no sólo se destacaría por su capacidad para capturar la naturaleza en su intimidad más secreta; sino que también tomaría la insólita misión de confeccionar nuevas realidades a partir de los maniqueos propios de la perspectiva.

ADIÓS A LAS ARMAS Para mediados de la década de los sesenta, Gabriel Figueroa ya se había convertido en el artista fotográfico más solicitado de su nación; mismo fenómeno que podría compararse con el de un asesino a sueldo quien, a causa de su impecable destreza, se ha vuelto la opción por excelencia de todo aquel político quien desee despachar a sus rivales de forma eficiente. Claro, esto con la evidente diferencia de que los disparos de Figueroa (efectuados con la cámara y no con un arma de fuego), creaban vida en lugar de arrebatarla.

Asunto que no pasaría desapercibido para una notable cantidad de directores extranjeros quienes se encontraban ansiosos por dejar que su discurso adquiriera vida a través de la mirada quirúrgica del artista mexicano. Prueba de ello fueron sus contantes mancuernas con grandes directores como Albert Zugsmith (El Cuarto Chino), Don Siegel (Two Mules for Sister Sara), Brian G. Hutton (Kelly’s Heroes) y John Huston (Under the Vocano).

1997 fue el año en que la llama de Gabriel Figueroa se apagó para siempre; sin embargo, detrás de él nos encontramos con todo un museo subjetivo plagado por imágenes de feroz poderío psicológico en las que los aspectos más estremecedores y delicados de la realidad (y de la fantasía) se ven coleccionados en una misma galería.

Mismo asunto que nos invita a poner atención en los distintos rostros de nuestra cotidianeidad con el fin de extraer de ella esa hechicería que permanece oculta entre los recovecos de la materia.

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De Culto Arte

CHAPMAN BROTHERS Complicidad carnal TXT:: Rubén Gil

La exposición Punk. Sus rastros en el arte contemporáneo estuvo montada hasta el pasado 26 de marzo en el Museo Universitario del Chopo de la Ciudad de México, pero en mi mente le sigo dando paseos, recapitulo, recuerdo mi visita, pienso y supongo que para muchos ha de haber sido frustrante llegar y ver que no era una exposición sobre el punk como movimiento musical concretamente, sino una recolección de obras y registros de artistas bien punks.

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upongo lo anterior debido a mis prejuicios, y, porque me tocó ver varios chavales en el atuendo reglamentario del punkarro chic, ya saben, ca lzados con costosas botas Dr. Martens, jeans de diseñador con corte slim fit gastados, rotos estratégicamente y las cabelleras muy monas al estilo de las colas de los caballos de las Rainbow brite. Honestamente, nada que ver con aquellos paseantes –grandes consumidores de grenetina y Resistol 5000– que en mi juventud noventera me tocó ver en el tianguis del otro lado de la avenida y nombrado como el museo; y es que ser punk es más cuestión de actitud que una apariencia sistematizada o una estética catalogada en la actualidad.

Esta expo fue muy divertida, se divide en secciones tales como afirmaciones de posiciones o actitudes relacionadas con el movimiento al que pertenecieron los Sex Pistols, The Adicts, Henry Rollins y los Black Flag, Misfits, Atoxico, Masacre 77, entre muchos otros. Entrando, luego pudimos ver videos que registran acciones muy interesantes. En un principio veo un video de Antonio Ortega, en donde el artista se provoca el vómito y lo recolecta en una lata para después ser usado como alimento para aves, haciendo una escatológica analogía que nos dice: “lo que en unos es repugnante, en otros es habitual”.

Un poco más adelante podemos ver el remake de la pieza Frei von jedem Schaden! de Guillermo Santamarina, quien por cierto se autoproclama –según me han contado– el primer punk en México; esta pieza son los vestigios de una acción en la cual Santamarina lanza discos de acetato a las paredes de tabla roca con el fin de dejarlos incrustados en la misma, haciendo una referencia a la música como arma.

En otras secciones pude ver un foto-registro de Santiago Sierra, quien provocó un incendio y volteó autos en alguna ciudad; registros del colectivo mexicano SEMEFO con sus sangrientos performances donde tocaban death metal; una maravillosa escultura hecha de autoestéreos robados con autoría de Yoshua Okon y Miguel Calderón, en donde también se muestra un registro en video de los robos perpetrados, y, por supuesto, no podía faltar algún cartel de las rockstars del arte de protesta: las Guerrilla Girls.

Una pieza que me gustó mucho fue la fotografía de gran formato de una máscara de Paul McCarthy, el reconocido artista estadounidense que hace uso de la violencia en sus performances y videos llenos de sangre y excrementos, que

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en realidad son cátsup y chocolate, montajes a manera de caricaturas satíricas con guiños al Accionismo vienés.

Al ver esta pieza de McCarthy me vinieron a la mente las obras de Jake y Dinos Chapman, un par de hermanos ingleses con un cuerpo de obra muy satírico también, divertido y políticamente incorrecto, muy punk desde mi perspectiva.

En mi época de estudiante conocí el trabajo de los hermanos Chapman, en ese entonces me impresionó –en mi inocencia– que estos artistas pudieran haber tomado unos grabados originales de Francisco de Goya (1746-1828) y con todo el cinismo del mundo garabatear sobre ellos sin reparo alguno; ahora también recuerdo el drama que se armó cuando Carlos Amorales tomó un cuadro de José Clemente Orozco como plantilla para realizar un dibujo sobre muro en una exposición del Museo Carrillo Gil, o cuando Robert Rauschenberg visitó a Willem de Kooning y, tras beber una botella de licor, le pidió uno de sus dibujos para borrarlo, logrando con ello una resignificación del mismo.

Los grabados comprados y rectificados en 2003 por los Chapman Brothers, fueron una de las series de 80 grabados Los desastres de la guerra. Como bien sabemos, Goya fue un artista de contrastes; cortesano y perseguido por la inquisición, fino en el oficio de la pintura y dramático como los expresionistas del siglo XX. Limítrofe entre estilos, incluso lo podemos ver como un artista de transición hacia el neoclásico.

Goya en su época tuvo una visión bastante particular, por lo cual fue amado y odiado, tan solo basta con ver sus Pinturas Negras para deleitarnos imaginando la furia de los conservadores de la época.

Goya, quien se interesó por temas sociales y políticos, más allá de sus trabajos como pintor de la corte, generó obras como los ya mencionados grabados, imágenes muy poderosas, retratos gráficos de una invasión bélica, donde podemos ver personajes masacrados, colgados, asesinados de maneras varias, tétricos e inquietantes; pero, solo hasta el momento en que una de estas series fue a caer en manos de los Chapman, quienes se encargaron de divertirse –como ya es su costumbre– a las costillas de las imágenes y signos generados por alguien más. Los artistas le dieron a los mórbidos dibujos de Goya una nueva vida por medio de coloridas y humorísticas caras de animalitos y

payasos a los colgados y decapitados personajes monocromos.

Mucha gente se ofendió con este acto, pero –parafraseando al artista Ulises Carrión y su pensamiento alrededor del plagio– el arte no es propiedad privada y además refleja el amor que se siente por el autor. Aunque cabe aclarar, que en esta ocasión no hubo plagio, ni como decimos en el arte “apropiación”, pues no se copiaron los grabados de Goya, sino se intervinieron los originales.

Los Chapman son parte de los Young British Artists, grupo al que pertenecen los también polémicos Damien Hirst, Tracey Emin y Sara Lucas.

Este grupo o generación de artistas que se dieron a conocer gracias al galerista Charles Saatchi, quien los llevó a los escaparates del arte contemporáneo mundial.

Por medio de montañas de cadáveres descarnados, maquetas infernales en vitrinas, miles y miles de soldados vaciados en resinas durante años, Ronalds McDonald torturadores o dolorosamente crucificados, miniaturas que generan masas de horror a través de sus maquetas, los hermanos Chapman juegan con humor y se burlan de nuestros consumos y los suyos, pues evidentemente forman parte del mercado del arte mundial y con gran éxito; sus piezas de arte primitivo, nos pueden mostrar tallas rústicas apenas antropomorfas consumidoras de papas fritas y hamburguesas transnacionales.

Gabriel Orozco, en el documental que le hicieron por allá en los noventa del siglo pasado, se burlaba del humor de los artistas ingleses, el cual le parecía inexistente, ejemplificándolo con Francis Bacon; yo creo que no vislumbró en ese entonces la obra de este par, que si bien no son payasos simplones que se dediquen a entretener masas de gente como tanto standupero que hoy abunda, sí son de aquellos que como Goya, Schiele o John Waters con su Divine, nos divierten a algunos por su poder para causar indignación entre los más persignados y propios, aquellos adeptos del aburridísimo cliché sobre el comportamiento inglés.

Para concluir les narro la siguiente imagen: Un grupo de inocentes niñas se ven unidas por el torso, haciendo una masa de carne en círculo, como si estuvieran de la mano, pero pegadas entre sí, desnudas y bien peinadas, solo calzan unos lindos tenis deportivos, en algunas, la inocencia de sus rostros se ve enmarcada por órganos sexuales a manera de narices, su apariencia es realista y de escala natural. Así es el humor de los Chapman. Sencillamente, encantador.

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