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PRESIDENTE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ

ceci@revistamarvin.com

REPRESENTANTES EN EL INTERIOR DE LA REPÚBLICA

EDITOR UILI DAMAGE

Toluca Eduardo Uribe Morales

COORDINADOR EDITORIAL Pablo PULIDO

PUEBLA RICARDO CARTAS FIGUEROA

uili@revistamarvin.com pablo@revistamarvin.com

DIRECTOR DE ARTE ERICK RODRÍGUEZ SERRANO

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DISEÑADOR GRÁFICO DAVID HERNÁNDEZ

davidh@revistamarvin.com

EDITOR WEB ROBERTO GONZÁLEZ CLAPÉS

roberto@revistamarvin.com

REDACTORA WEB Orquídea Vázquez

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ricardocartas@revistamarvin.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA

joseantonio@revistamarvin.com PACHUCA Alfredo García

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GUADALAJARA JUAN CARLOS BASURTO

jcgbasurto@revistamarvin.com

IMPRENTA COMPAÑÍA IMPRESORA EL UNIVERSAL Allende 176. Col Guerrero. México DF. Tel. 5117 0190

RP Y PUBLICIDAD DELHY SEGURA

delhy@revistamarvin.com

VENTAS DENISE SÁENZ GONZÁLEZ

denise@revistamarvin.com Fotógrafo Feli Gutiérres

feli@revistamarvin.com

Editor Cómic Óscar G. Hernández

oscarghx@revistamarvin.com Producción Shirley Flora

shirley@revistamarvin.com ADMINISTRADOR EMMANUEL CORTÉ S

emmanuel@revistamarvin.com

RESPONSABLE DISTRIBUCIÓN CARLOS GONZÁLEZ MARTÍNEZ

carlosgm@revistamarvin.com ASISTENTE LUIS MAQUEDA

luis@revistamarvin.com ASISTENTE jacqueline arias miranda

jacqueline@revistamarvin.com WEBMASTER ERNESTO MAGAÑA

ernesto@revistamarvin.com MARVIN TV PEDRO VELASCO

pedro@lphantfilms.com

MVN 123 :: anti-convencional :: die antwoord

MARVIN TV PABLO SEGOVIA

pablo@lphantfilms.com

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Fausto Alzati Fernández, Luis Arce, Edmundo Bejarano, Víctor Carranca, Aarón Enríquez, Arturo J. Flores, Jorge Grajales, Juan Carlos Hidalgo, Alejandro Mancilla, alias Ricardo Miranda, Chico Migraña, Toño Quintanar, Alonso Ross, Luli Serrano, Paola Tinoco, Polo Vega, Carolina Yee y Regina Zamorano.

CONSEJO EDITORIAL Manú Charritton, Arturo Flores, Artemisa Hernández, Juan Carlos Hidalgo, Alejandro Mancilla, Leonora Milán, Mónica Ornelas, Humberto Polar, Nacho Rettally, Antonio Romay, Rafael Toriz, Nahum Torres, Carlos Verástegui.

RESPONSABLE DE DISTRIBUCIÓN Comercializadora GBN S.A. de C.V. Calzada de Tlalpan 572, desp. C-302 Col. Moderna. C.P. 03510. Benito Juárez, México D.F. Tel: (0155) 5618 8551

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CONTACTO Cozumel #61-4. Col. Roma Norte CP 06700.

México DF. Tel. (55)1998 0808 (55)1998 1818 Contacto: contacto@revistamarvin.com Suscripciones: suscripcion@revistamarvin.com

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MARVIN es una publicación mensual de Milvoces, S.A. de C.V. con domicilio en Calle Cozumel, 61 int. 4, Col. Roma Norte, C.P. 06700, Delegación Cuauhtémoc, México D.F. Tel/Fax:: (55) 1998 0808/1818.

VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD.

Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 123 correspondiente a: JULIO-AGOSTO 2014. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2011-100610180100-102. MARVIN es una Marca Registrada.

Contenido:: MVN:: 123 ::Anti-convencional:: 36 - EN PORTADA Die Antwoord 6 EN MEGÁFONO. Perfiles y noticias de música, cine y arte

MÚSICA 16 ATLAS SONORO. Propuestas emergentes interesantes: La Habana 18 Daniel Melero. Desafiando a la mentira 20 Protomartyr. La mala vida paga 22 Sia. El beatífico poder de lo furtivo 24 Nacho Vegas. Creando nuevas situaciones 26 JJ. El siguiente paso de la adolescencia 28 Tycho. Experiencia sensible en expansión 30 Entusiasmo antagonista. Tres casos completamente distintos de cómo pelearse con los convencionalismos y salir ganando 48 DE CULTO: Cornelius Cardew. La composición es un accidente

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FESTIVALES 34 All My Friends. Un nuevo amor de verano CINE 54 La Edad Atómica. Realidades que se volatilizan 56 El sonido de Bélgica. El after que nunca acababa 50 DE CULTO: Anti-clímax. Cine no narrativo

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ARTE 58 GALERÍA: Alfred English. Faux-3D 52 DE CULTO: Destruir para crear. Una agitación anti-estética CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA 65 Cómic y olvido. Un anti-desarrollo inconsciente 66 Un gogol de años después. Por Alonso Ross MARVINISMO

34

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44 ANTI de la Z a la A DE FONDO 68 La deconstrucción de la belleza. Anti-estética y fealdad 70 La protesta anarcochaira. Falsedad anti LITERATURA 72 Washington Cucurto. Anti-intelectual y cumbiero 73 4 libros ANTICOLUMNAS 74 OFF THE RECORD: Death el bailador, o los vampiros bailan aaaaaaasí, o ¡qué razón tenías, Botellita! Por Arthur Alan Gore 75 EL CUADERNO AMARGO: Sólo escribo por las chicas. Por Paola Tinoco 76 SANGRE DE METAL: Heavy metal, ¿anti-todo? Por Chico Migraña RECOMENDACIONES

44

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78 Estilo 79 Tecnología 80 EL PILÓN: Giovanny del Valle “Nosferatu”. De la moda lo que te incomoda

Anti-convencional.

El tema de nuestro número 123, julio/agosto 2014.

Es una idea difícil de desgranar.

Especialmente en un momento histórico en el que el camino universal es buscar la diferenciación, pero que por voluntades masivas, salta para volver a clavarse exactamente en las mismas aguas.

Lo convencional es existir de manera no-convencional.

Entonces, ¿cómo encontramos la diferencia? ¡En todas partes!

En el fondo. En la forma. En el contexto.

En los procesos que nos llevan a resultados iguales o que milagrosamente resultan un poquito diferentes; y en las materias mismas que se eligen para usar durante dichos procesos, sean convencionales o sean completamente originales.

En el azar, en el caos, en la planeación y en el orden.

En las variaciones mínimas.

En los detalles.

Es un gran reto a nuestro equipo pedirle que con la convencional fórmula de la lengua extirpen de nuestros convencionales temas de música, cine, arte y cultura, aquello que les signifique “anti-convencionalismo”, así tenga que ser una cosa sola, un detalle minúsculo dentro del universo que sea que dominen, que se distinga contrario a la norma. Y ya dije que se cuenta a “la norma de lo diferente”.

Para “no quedarnos con esta pelota”, convencionalmente te invito a escudriñar de manera especialmente anti-convencional entre las imágenes, letras, oraciones, ideas y sentencias de estas páginas, a encontrar cada cosa que te parezca salir de los convencionalismos, sea pragmática o puntualmente.

Y convencionalmente entablemos entonces un diálogo sobre lo anti-convencional.

Sea sólo por ponerle algo de “anti” al asunto.

Uili Damage @uili

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a quinta edición de Distrital, Cine y Otros Mundos, se llevó a cabo del 3 al 8 de junio en la Ciudad de México, reafirmándose como uno de los festivales de cine más esperados del año.

A lo largo de los cuatro años anteriores en que hemos podido disfrutar de Distrital, lentamente se ha forjado la idea de que se trata de uno de los festivales de cine más propositivos en cuanto a oferta de cintas independientes nacionales e internacionales.

Preocupados por “enriquecer el discurso audiovisual y dialogar de manera transversal con nuevas miradas que manifiestan formas honestas de ver y entender el mundo”, la quinta edición de este encuentro del séptimo arte nos trajo una selección de más de 40 filmes del 3 al 8 de junio en sedes como la Cineteca Nacional, Cinépolis Diana, Cine Tonalá, Centro de Cultura Digital, IFAL, Hotel Condesa DF, Casa Buñuel y Faros de la Secretaría de Cultura del DF.

Consultar el programa era como adentrarse en un sinfín de estrenos, presentaciones especiales y conferencias con invitados importantes, que distribuidos a lo largo de una semana, sólo hacían desear que uno pudiera dividirse en dos para disfrutarlo mejor. Entre lo más interesante del evento estuvo el filme de Yann González, Los encuentros después de la media noche, el cual dio apertura al festival; el elocuente documental El sonido de Bélgica; las escenas chuscas e intensas de Les rencontres d’après minuit, la ternura y empatía en Stand clear of the closing doors o American Interior, la mezcla de mito y realidad, responsabilidad de Dylan Goch y Gruff Rhys.

Como ya es costumbre, Distrital está dividido en siete categorías: “Estrenos mexicanos”, “Meridianos”, “Topografías”, “Archipiélagos”, “Cuadrante”, “Otros Mundos” y “Distrito X”. Todas ellas compuestas por magníficas obras cuidadosamente seleccionadas.

Cuadrante, particularmente, es una de nuestras secciones favoritas de Distrital debido a su relación con el mundo de la música. Para esta edición, la categoría nos presentó al “punk y new wave de los años 80, rememoraciones de la música electrónica como forma de resistencia social, y documentales que se enfrentan de diversas formas a la figura del rock star como Mistaken for Strangers”.

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Asimismo, se llevó a cabo la Retrospectiva de la obra de Matías Piñeiro como parte de “Archipiélagos”, y el director impartió “36 lecciones de cine”: un pequeño taller presentado el 7 de junio en el Centro de Cultura Digital, que tenía como objetivo realizar 36 reflexiones basadas en casos concretos extraídos de películas y directores de cine de todas las épocas.

Este año, el Reconocimiento ARCA del público a la Mejor Ópera Prima fue para la cinta Los Hámsters de Gilberto González, quien recibió 5 mil dólares de mano de Juan Pablo Bastarrachea (director artístico de Distrital) y Tania Esparza (directora de ARCA), con el objetivo de financiar el próximo proyecto del cineasta.

Finalmente, Distrital ha logrado ganarse toda nuestra confianza; con gran disposición nos atreveríamos a ver cualquier cinta en su catálogo, aún sin saber el título o leer la sinopsis. Los otros mundos que proyecta nos conquistan, nos hacen descubrir y esperar a que la próxima edición no tarde mucho, y cuando llegue, pueda extenderse a más de una semana. M

Distrital Distrital Cine y otros mundos

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l ron es una bebida muy popular en México. Lo mismo se puede degustar en los bares en presentación de mojito o en las famosísimas cubas (esa bebida perfecta para cualquier celebración). De hecho, ésta última hoy en día es conocida por todo el mundo.

Pero antes de cualquier analogía, regresemos el tiempo: la Cuba Libre se inventó hace más de 100 años y tiene su orígen en la Habana, cuando durante la Guerra EspañolaAmericana, a un capitán del ejército (conocido como Mr. Russell) se le ocurrió mezclar Bacardi Carta Oro con refresco de cola, hielo y un poco de limón fresco.

La combinación, claro, llamó la atención de todos los comensales que se encontraban en el bar americano y comenzaron a solicitar una ración de ese pequeño gran descubrimiento. Fue entonces que Mr. Russell propuso un brindis con la siguiente leyenda: “Por Cuba Libre”, sin saber que posteriormente esta construcción de palabras se convertiría en el nombre de una bebida internacional.

Todo esto lo sé gracias a Jesús, quien trabaja en la fábrica de Bacardi, de Puerto Rico, un paradisiaco lugar al que la empresa de Facundo Bacardí nos invitó para recordar la importancia y leyenda de su clásico Carta Oro, el pasado mes de junio. Jesús (cuya habilidad de narrar la historia provocó emoción y empatía) nos ofreció un recorrido en medio de una riquísima cata de rones y más rones. Y claro, es una obligación compartirles el siguiente dato: la auténtica Cuba Libre se sirve, sin excepción, con Bacardi Carta Oro, un ron dorado que se añeja de uno a dos años en barricas de roble y tiene notas de vainilla, caramelo, pasas, nuez tostada y plátano maduro.

Así que ya lo saben: ¡no acepten imitaciones!

El viaje en territorio boricua también contó con un paseo en la Casa Bacardí, en donde escuchamos la historia de la familia fundadora y el proceso de fabricación de los distintos rones y cómo Bacardi ha ido perfeccionado durante 150 años (una tradición así de longeva tiene que significar algo: que las cosas se deben hacer bien desde el primer día hasta el último).

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Una vez que ya teníamos los conocimientos básicos de tan antiguo ron, decidimos probarlo en un contexto diferente… la vida nocturna de la isla. Conocimos algunos bares populares del centro de San Juan y cerramos al ritmo de una increíble salsa en vivo que, además de la calidad de la música, nos dejó boquiabiertos viendo a las parejas que la bailaban con asombrosa destreza.

El Gran Meliá Resort nos ofreció un gran descanso después varios pasos de baile y Cubas Libres.

Nuestros maravillosos anfitriones no sólo nos dieron la oportunidad de atestiguar las raíces de una marca que los mexicanos hemos adaptado como nuestra, sino que conocimos las calles, la comida y a la gente que nos recibió con el buen humor y calidez que los caracteriza. M

BACARDI CARTA Bacardi Carta ORO Oro Celebrando la Cuba Libre desde Puerto Rico

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E En Megáfono pago. Comprar con cargo a tu Telcel, recibo Telmex, tarjeta de crédito o Tarjeta Claromúsica. El precio por disfrutar la música a través de la mejor app es súper accesible: $99 pesos al mes o $30 a la semana.

Descarga el app de Claromúsica disponible en la App Store o Google Play y olvídate de cargar los estuches de discos, de siempre estar buscando una estación de radio con buena música –y casi nunca encontrarla– o de que la memoria de tus dispositivos no sea suficiente para albergar tus vastos gustos. Anímate a tener todo siempre al alcance de tu mano, al alcance de un ligero tacto con la pantalla. M

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l auge que recientemente se vive con respecto a servicios de música en streaming es sorprendente, sobre todo contando el hecho de poder saciar en segundos cualquier necesidad musical en específico.

Tomando eso en cuenta, cada vez se está volviendo más difícil la oportunidad de seleccionar la mejor y más apropiada aplicación de acuerdo a nuestros intereses.

Claromúsica es uno de los nuevos servicios que se ha dado a conocer, y desde nuestra perspectiva es uno que pronto le volará la cabeza a muchos, principalmente porque deja de lado algo que hemos aprendido a odiar entre canciones: la publicidad.

Esta nueva apuesta, a cargo de Telcel, nos ofrecerá la posibilidad de acceder a Claromúsica, escuchar y descargar millones de canciones, ¡sin interrupciones de anuncios!

Además, podrás disfrutar las canciones de tus artistas y grupos favoritos en cualquier momento, donde quieras y cuando quieras aún sin conexión a internet; lo que significa: increíble música ilimitada en tu smartphone, tablet o computadora.

¿De qué sirve una biblioteca musical si no tienes la oportunidad de jugar un poco con ella? Ponerle tu sello, e incluso descubrir nuevas cosas y luego presumir. Ten la seguridad que con Claromúsica serás capaz de generar tus propias listas de reproducción musical, escuchar las últimas novedades y estrenos en alta calidad, radios exclusivas, y claro, compartir lo que estás escuchando con todos tus conocidos en redes sociales.

Según Claromúsica, existen tres clases de amigos que te buscan por diferentes razones: unos te buscan por tus gustos, otros por tus ídolos y otros por tu música. Consiéntelos a todos con una sola herramienta, ya sea en la fiesta, en el carro, en el trabajo, la escuela o tu casa.

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CLAROMÚSICA CLAROMÚSICA Escucha tu música favorita de una manera fácil e ininterrumpida ORQUÍDEA VÁZQUEZ

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- Surf Open Acapulco 2014 presenta su 3a edición del 5 al 13 de julio 2014, con más de 150 representantes del surf de 30 países, en el Hotel Fairmont Acapulco Princess. Habrá conciertos de Rey Pila, Allison, División Minúscula, Timothy Brownie, Le Youth (L.A.), Penguin Prison (L.A.) y Plastic Plates (N.Y.); exhibición de motocross freestyle; la Gira de Documentales Ambulante y transmisión en vivo por Live Webcast. Más en surfopenacapulco.com ____________________________________________________________________________ - ¿Sabes exactamente qué es Jim Beam? Es una marca de whisky bourbon que se produce desde 1795 (interrumpida por la prohibición); siete generaciones de la familia de Beam han estado involucrados en su producción. El nombre se le dio en 1933 en honor de James B. Beam, que reconstruyó el negocio al terminar la prohibición.

La sede se encuentra en Deerfield, IL en los suburbios de Chicago y es distribuido en México por Casa Pedro Domecq.

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- El Rumor-autorretrato juego “todavía” escénico de Ricardo Díaz se presenta en el Foro El Bicho (Colima 268, Colonia Roma Norte, México D.F.), del 13 de junio al 27 de julio, con funciones en viernes, sábados y domingos a las 20:30, 19:00 y 18:30 horas respectivamente. Cupo Limitado. Reservación necesaria. La obra se estructura por escenificaciones que derivan en situaciones de juego, que no importa controlar, sino plantear y permitir que fluyan, como un rumor.

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- La Tacopedia. Enciclopedia del taco recibió el premio a Mejor Libro de Cocina de Latinoamérica el pasado 20 de mayo en los Gourmand World Cookbook Awards 2014, en la ciudad de Beijing, ante una audiencia de más de 400 personas. El 15 de junio se celebró a la publicación en el marco de la 2ª Feria del Taco, organizada por la delegación Tlalpan - Margo Glantz presentó su libro Yo también me acuerdo el 18 de junio en El Péndulo de la Roma, acompañada por Emiliano Monge, Luis Felipe Fabre, Luz del Amo y Armando González.

- Emilio Behar Sidauy, Moisés Levy y José Hamui, tres fotógrafos de trayectoria internacional, se presentan en tres expos simultáneamente, todas tituladas Fine Art Landscapes, con foto de paisaje de gran calidad.

Las exhibiciones están en Centro Comercial Paseo Interlomas (Av. Vialidad de la Barranca No. 6, Col. Ex Hacienda Jesús del Monte), Centro Comercial Parque Interlomas (Av Jesús del Monte 41, Hacienda de Las Palmas) y Condesa (Av. México #27).

Más en: fineart-landscapes.com.

- El Museo Anahuacalli y el Museo del Juguete presentan En Concreto: 9 representantes de street art, en una expo curada por el Arquitecto Roberto Shimizu, con la intención de reconocer a estos nuevos muralistas que durante años han trabajado en las calles. Participan Neuzz, Motick, Paola Delfín, Fusca, Diego Zelaya, Minoz, Meiz, Nabs D y Daniel Buchsbaum, en la Pinacoteca del Anahuacalli: Museo 150 San Pablo Tepetlapa, Coyoacán, D.F. - La exposición Conteniendo la imaginación, del vino a la ilustración presenta la obra de más de 40 ilustradores inspirados en el vino, del 13 de junio al 20 de julio de 2014 en el Centro Cultural del México Contemporáneo (Leandro Valle No. 20, Centro Histórico, D.F.). Se realizarán catas, conferencias, conciertos y una feria el 19 y 20 de Julio. Informes: facebook. com/conteniendolaimaginacion - White Spider es un proyecto curatorial itinerante que presenta una serie de exposiciones atemporales, breves e intensas buscando la unión entre la obra de un artista y el público, recibiendo al público siempre en espacios distintos y afines a las propuestas. Uno de los elementos más importantes dentro las exposiciones es la selección del lugar, ya que al ser “sorpresa” esto da singularidad a cada una de las exhibiciones. Sígueles la pista en whitespiderproject.com - Museo Tamayo abre el Curso de verano 2014, del 16 de julio a 1 de agosto (de lunes a viernes de 9 AM a 2 PM, dirigido a niños de 6 a 12 años diseñado e impartido por la artista alemana Maj Britt Jensen, con la participación de invitados especiales.

Informes: Departamento de Educación. 5286 6519 ext. 133 educacion@ museotamayo.org

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- Los de Abajo continúa su decimoquinta gira por Europa, el “Mariachi Beat Tour”, luego de un extenso calendario que incluyó fechas en Helsinki, Hamburgo, Praga, Offenbach del Meno, Freising y Berlín; el concierto en el Badehaus de Berlín saldrá en DVD. El grupo confirmó su presentación el 12 de julio en el Bar Caradura del Distrito Federal.

- “El Brujo”, Javier Bátiz se presenta en el Lunario primera vez, con el espectáculo Libre como el aire (Reforma 50, Bosque de Chapultepec, costado poniente del Auditorio Nacional), el jueves 10 de julio a las 21:00 horas. Boletos $250, $350 y $450, disponibles en taquillas.

- Los Cafres volverá a nuestro país para celebrar su 25 aniversario luego de formar parte de la XV Edición del Festival Vive Latino el próximo 30 de agosto en el José Cuervo Salón. Tendrán como invitados a los tapatíos de Golden Ganga. La banda está apoyando su más reciente CD-DVD llamado Los Cafres. ¡25 Años de Música!.

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- Sony anunció que el servicio de video fluyente y de descarga digital de Video Unlimited ya se encuentra en vivo en México. Ya es posible alquilar o adquirir éxitos y películas clásicas de Hollywood, a través de PS Store y ofrece acceso instantáneo en sistemas PS4 y PS3, PS Vita y PC Windows mediante la aplicación Media Go de Sony, teléfonos inteligentes y tabletas Sony Xperia, televisores Sony BRAVIA y reproductores Blu-ray.

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- El Campeonato Mundial de SMITE, será en Atlanta en enero de 2015, con los mejores equipos de Hispanoamérica, Norteamérica, China y Brasil. En cuanto la versión local de SMITE se estrene la región latina, quienes usen otros servidores podrán transferir sus cuentas al servidor de Level Up, incluyendo todas las características logradas. Las fechas para el beta de SMITE en Hispanoamérica y Brasil se revelarán más adelante este año. Conoce más y juega SMITE gratis en smitegame.com.

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- Virgin Mobile llega a México con un sistema de telefonía que cobra por segundo, recarga que no vence, tarifa unificada para mandar mensajes nacionales e internacionales, navegar por megabyte o llamar a cualquier parte de México, E.E.U.U. y Canadá; ofrece servicio digital tanto para venta de celulares, chips o tiempo aire como para atención remota desde el propio celular, portal web, o vía telefónica. Los chips Virgin Mobile requieren un equipo desbloqueado.

- Por primera vez se celebró La Feria de la Música en el Auditorio Nacional, del 19 al 26 de junio. Fue un evento en el que se podía adquirir CDs, DVDs, discos de vinil, boxsets, ediciones especiales, tazas, playeras y libros con descuentos importantes de su precio normal. También actividades como conferencias, firmas de autógrafos, presentaciones y proyecciones de conciertos en la mega pantalla dentro del Auditorio.

- Manos de Topo estrenará nuevo álbum en noviembre del 2014, titulado Caminitos del Deseo, editado por la banda misma. The New Raemon vuelve a encargarse de la producción y ya está abierta la preventa del CD+ descarga digital en manosdetopo.com, donde ya puedes escuchar avances de la grabación.

- 3BallMty debutan en cine con una canción para la película A Million Ways To Die in The West (Pueblo Chico Pistola Grande), la nueva comedia de los creadores de Ted, protagonizada por Seth MacFarlane, Liam Neeson, Charlize Theron y Amanda SeyFried. El tema con el que participan es “Vaquero Electro”.

- Converse Rubber Tracks anunció a los artistas locales seleccionados para grabar en su estudio “itinerante” Honky Tonk Studios del 1 al 16 de junio: Tigria, YOGUI, Coyoli, The Mud Howlers, Señora Kong, Candy Colors, Orquesta Club, Radiovision, The Oaths, Joliette, O Tortuga, Caloncho, Big Big Love y Hawaiian Gremlins de entre más de 500 músicos de todos los géneros.

- ORLOK EL Vampiro, ópera Rock escrita y dirigida por José Fors (excantante de La cuca), se estrenará en la Ciudad de México, en una única función, el 22 de julio en el Teatro de la Ciudad “Esperanza Iris”, después del gran éxito en Guadalajara durante el mes de marzo, con 2 llenos totales y ante una gran ovación en el “Teatro Diana - Salió Days Unmade, el segundo disco de Las Robertas, realizado por el productor Jon Greene (quien ha trabajado con Crocodiles, Dum Dum Girls y The Soft Pack entre otros), con la mezcla perfecta entre el punk y el shoegaze. El grupo originario de San José, Costa Rica, conformado por Meche (guitarra y voz), Montse (bajo y voz) y Fabro (batería y voz) inició su gira gira a finales de junio, en México y California.

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La Habana, Cuba El expediente “Porno para Ricardo” TXT:: ALEJANDRO MANCILLA

@nosoymoderno

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orki Águila, líder de Porno para Ricardo, banda punk rock con sede en La Habana, fue encarcelado en 2003 porque sus letras anti-gobierno “violentaban el orden establecido”; esto según el Big Brother… o las autoridades cubanas, quise decir.

Gracias al activismo social internacional (el real, no el de Facebook, que en ese entonces ni existía), el artista fue liberado poco después, convirtiéndolo a él y a su grupo en pequeños héroes de la libertad de expresión en la isla. No tan bien le fue a William Fabián del grupo Eskoria, quien fue asesinado en 2010 (dicen que por causas ajenas a su radicalismo contra el gobierno, dicen).

Actualmente, entrevistar a Gorki es más complicado que caerle a Fidel Castro a su mansión con un six-pack: “Es que seguro el Internet de Castro es mejor que el nuestro”, me asegura Aleksandra Peszkowska, la chica polaca que maneja las redes sociales del grupo, y me pasa el número de celular cubano de Gorki. Fue inútil, sólo respondió una grabación con la voz de una operadora que suena a Gloria Estefan voceando ofertas en la CONASUPO.

Cuando logramos contactar (por Facebook) a William Retureta, bajista del grupo que ya ha dejado La Habana y vive en República Checa, las únicas palabras que le logramos sacar son: “En Cuba sólo tocan los grupos que le pega la gana a la Asociación Cubana del Rock”. Acto seguido, su señal se va para nunca volver.

“Tirano, tiranosaurio…No hay mal que dure cien años”, son algunas de las letras contra Castro de ésta, la banda punk más famosa de Cuba. Puedes conocer un poco más de ellos en la red: reverbnation.com/pornopararicardo

¿Rock contra bandera?

Nos topamos con dos posturas un tanto encontradas: Humberto Manduley es un teórico e investigador que ha publicado auténticos documentos como El Rock en Cuba (2001) y Hierba Mala (2013); actualmente combina sus colaboraciones en publicaciones internacionales y prepara una enciclopedia sobre el rock cubano. Y por el lado underground del asunto, contactamos a n1lknarf (no quiso que publicáramos su verdadero nombre: “me puedo meter en más líos de los que estoy si me hago más visible”), productor e integrante de Raw, proyecto de indie-rock de La Habana, quien ataviado con una playera que dice “i hate Led Zeppelin”, también nos dio sus impresiones: ¿Qué es lo más loable de hacer rock en Cuba?

Humberto Manduley: La perseverancia y el ir contra toda bandera superando obstáculos. Es una historia muy fragmentada por la censura y la autocensura. n1lknarf: En Cuba existe una cosa que se llama Instituto de la Música (NDLR: o querrá decir el Ministerio de la Verdad, parafraseando a Orwell), ellos dictan qué tiene calidad y qué no. Si quieres tocar, ellos tienen que avalarte; sin esa autorización que sólo otorgan a los hijos de músicos oficialistas o a quienes sobornan a los directores del instituto, no puedes cobrar nada ni aunque toques en un lugar privado, si lo haces te multan o hasta te meten a la cárcel. Aparte, debes pertenecer a una oficina de representación, no puedes auto gestionarte. Y si a pesar de eso haces música, eso es lo más loable… ¿Qué tan contestatario puede ser el rock cubano con esas limitantes?

H: Creo que hay cierta tendencia a politizar al rock en sentido general.

No creo el rock deba ser expresamente “anti” esto o anti aquello, ya lo es por naturaleza .. pero no es que sea punk atacar a Castro sino que

¿Bandas actuales de La Habana que recomienden?

H: Zeus, Blinder y Anima Mundi n1: La Babosa Azul y Porno para Ricardo. Si quieres te paso el teléfono de Gorki, se le había roto pero ya tiene uno nuevo…

No gracias, ya lo intenté…

Escucha a Raw, el grupo de n1lknarf en n1lknarf.bandcamp.com

La Habana en llamas

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urante mucho tiempo, Cuba fue el último bastión de resistencia anti-imperialista en Latinoamérica. Con el desencanto de los años (la caída de la URSS, los embargos de Estados Unidos, etc.), la utopía socialista se volvió tan decepcionante como el capitalismo y el sueño se tornó ríspido. A mediados de los años 90, el mismísimo Fidel Castro (quien había dicho antes en un discurso que The Beatles eran subversivos) inauguró una estatua de John Lennon en la Habana…¿Fue porque la letra de “Imagine” alude justo a ese sueño de igualdad social ahora adjudicado al NWO? Y qué decir de cuando el comandante visitó en su camerino a los Manic Street Preachers cuando estos tocaron en la capital cubana en 2001.

Lo cierto es que ceremonias aparte, para los locales no ha sido fácil hacer rock o música contracultural en la isla, principalmente porque las raíces musicales de la población están más emparentadas con el son y los ritmos tropicales, además de la “soviética herencia” de contabilizar todo (buscando información, hay una web que dice que en Cuba hace cinco años había 47 grupos “autorizados”…sí, se tienen que registrar como si vivieran en la novela de 1984). Por no mencionar a la salsa, “la maldita salsa” deben pensar algunos punks cubanos, ya que el género invadió prácticamente la Habana sin tomar prisioneros.

Sin embargo, hay nutridos ejemplos de bandas que han luchado contra la corriente y dejado su legado en la historia del rock hecho en la Habana, sobre todo de los años 50 a los 80, cuando florecieron cientos de bandas que fusionaban rock and roll, jazz y son con un ritmo que sólo los cubanos pueden darle a la música.

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¿Hay un nacionalismo en el rock hecho en Cuba?

H: Algunos grupos han intentado mezclar elementos de los géneros nacionales con el rock; por ahí se puede interpretar como una búsqueda de identidad, es más una identidad genérica que nacionalista. n1: El rock en Cuba es una basura, la mayoría de los grupos actuales copian a los de Estados Unidos. No hay interés; a mí me llegan cosas de Joy Divison, por ejemplo, gracias a amigos que me traen gigas de música, pero hace años vino Café Tacvba y no había ni 300 personas en el concierto.

Durante esos incipientes años rosas (los 50), agrupaciones como Los Llopis y Los Hot Rockers, conquistaban a las juventudes que aún no soñaban con emigrar a Miami. A principios de los años 60, solistas como Luis Bravo, se convertían en pioneros del rock and roll con versiones en español de canciones anglosajonas. La trova, género trascendental para la isla, también se fusionó con el pop y el rock, y combos como Los Dada, contaban con muchos seguidores. En los años 70, dos bandas destacaron: Los Kent y los Jets y, sobre todo, los revolucionarios –musicalmente hablando– Las Almas Vertiginosas. Las condiciones para tocar eran más complicadas que un hoyo funky del D.F. después de Avándaro; pero una ventaja es que muchos de los grupos tenían un sueldo asignado por el Estado por estar haciendo arte (ojalá Mancera esté leyendo esto). Desafortunadamente, a principios de los años 80 y hasta los 90, los “hombres de arriba” comenzaron a ver al movimiento de rock como parte del eje imperialista y a cerrar los espacios, aún así, bandas como Viento Solar (con influencias psicodélicas) se mantenían de pie y la fusión se comenzó a dar vía agrupaciones como Tendencia (quienes antes cantaban en inglés) y su mezcla de rock con ritmos afrocubanos (ése si era literalmente Ritmo Peligroso… tanto o más que el grupo de Piro, quien por cierto, igual es cubano emigrado a México).

Si trasladamos La Tribuna Anti-imperialista, escenario donde tradicionalmente Castro se pronunciaba contra Estados Unidos, a terrenos más abstractos, el mensaje de los grupos de rock debería ser parte de la consigna, de la ideología interna de los artistas de un país donde se tenía que odiar tradicionalmente al yanqui.

Pero… ¿qué pasa cuando el enemigo está en casa?

Sobre todo desde la trinchera del movimiento punk, las bandas locales comienzan a componer canciones anti-castristas (en México deberíamos hacer lo mismo, pero contra Cristian Castro) y a cuestionarse si la vida en la matrix comunista de La Habana valía la pena.

Es así que, ya bien entrados en los 90, cuando grupos más optimistas como Habana Abierta pugnaban con seguir ligando al rock con la cultura tradicional y hasta con la world music, y mientras el metal y el rock cantado en español comenzaba a hacerse de un espacio desde el under y lugares como “El Patio de María” en la Habana se volvían en referentes de la cultura alternativa de los años 90; bandas que comulgaban con la anarquía comenzaban a abrir los ojos. Ya en esa época, ponerse un tatuaje contra el régimen era un delito y atacar frontalmente al sistema casi una traición.

Actualmente, los sonidos más predominantes son el metal en cualquiera de sus manifestaciones, y grupos como Porno para Ricardo son leyendas locales.

Así las cosas en la romántica Habana. M

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hay poco rock que refleja situaciones nacionales, aunque musicalmente pueda estar bien hecho.

Daniel Melero Desafiando a la mentira del recuerdo TXT:: ALEJANDRO MANCILLA @nosoymoderno

Daniel Melero nunca ha sido huésped de lo establecido. Catalogado alguna vez como antimúsico o no-músico (él está más de acuerdo con la segunda definición), su postura ha dejado huella en las mentes y corazones de los soñadores atemporales de la música eternamente moderna. Desde sus primigenias aportaciones con el primer grupo de tecnopop de Argentina, Los Encargados, sus cambiantes trabajos como solista, su labor como artífice de discos de bandas como Avant Press o Soda Stereo o su dupla con Gustavo Cerati en Colores Santos, siempre se ha permitido dudar de todo aquello que tenía que creer y por eso su ruta ha sido la acertada indefinición como concepto, la provocación pop y una postura desafiante y auténtica. Esta plática tuvo como pretexto el lanzamiento de su nuevo álbum titulado Disco.

Sobre sus razones para editarlo de manera convencional, inicia la conversación:

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aniel Melero: ¡Es que un compact disc es también información! Aunque una carpeta en una computadora o una interface también lo son. Estilísticamente tiene que ver con esa visión de la música disco que tenían ciertas bandas de rock. Este disco es un laboratorio de música donde todos somos productores y usamos la marca “Daniel Melero”.

Cuando todo mundo tocaba rock, tú tocabas tecno… y cuando todos hacían tecno, tú volvías al rock: siempre en las antípodas…

DM: Todo está en función del cambio. No creo en la revoluciones, creo en los cambios. Yo no lo hacía por oponerme, lo hacía por información, la música siempre es un cúmulo de opiniones que se transforman en un concepto.

¿Entonces los futuristas tenían razón con eso de que la música se volvería sólo dígitos e información?

DM: Si tuviera que pensar en futuristas, sería en artistas del principios del siglo XX o en Marinetti. Lo que yo sí sé es que cuando grabo, las partituras se transforman en una mentira porque podría estar apretando una sola nota y que todo ocurriera. Antes a los grupos de tecnopop que no tenían baterista les aventaban fruta al escenario y, ahora, ése mismo tipo de gente va a bailar con un DJ que aprieta botones y dice que hace música. Y no es que critique ese tipo de expresiones, pero estoy en contra de aquello que aceptamos fácilmente.

Te consideran un antimúsico por esa postura…

DM: No, tiene que ver porque también utilicé muchos mecanismos de táctica y estrategia que podían considerarse como soberbia de parte de un chico que encontró el camino. Ahora hay muchas bandas muy buenas, pero que no encuentran la manera de llamar la atención, yo lo logré a través de un discurso además de la música. Ahora es más difícil que te presten atención porque hay mucha sobreinformación y nadie tiene suficiente RAM, todo forma parte del pasado sin que sea una conjunción válida para el futuro.

Noto mucha rendición a la música bailable en tu nuevo trabajo…

DM: En su momento no supe rendirme a las cualidades que tenía cierta música bailable porque estaba más enraizado con el punk-rock o el kraut. No me cabía mucho la alegría del Studio 54. Ahora comprendo que la música disco tiene una idea de drama muy bien explicada en Fiebre de Sábado por la Noche, que retrata a esa clase media baja ilusionada de que algo fabuloso le va a pasar esa noche en la discoteca.

Los nuevos lanzamientos musicales están vinculados a la T.V. DM: De todos modos es muy poco rockero que la televisión te diga qué está pasando en el rock. Por otro lado, los mega festivales están realizados por compañías de telecomunicaciones, y es difícil que así haya comunión, porque ésta está vinculada al arte y la comunicación está ligada a la transmisión de mensajes emitidos y recibidos tal cual se desee. Los artistas no deben ser creativos, deben ser creadores, diferentes a los empleados de las

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agencias de publicidad. Un creador puede hacer algo que a nadie le interese y que no tenga valor para el futuro ni para el presente, pero que no deja de ser una creación.

Ahora hay una promiscuidad estilística que no existía cuando a Los Encargados los bajaron del escenario a gritos y frutazos…

DM: Exacto, hoy eso no hubiera pasado. Tiene que ver con ese fenómeno de comunicación. Ahora los festivales son miles de prosumidores viendo lo que podrían ver con sus ojos, a través de un pequeño teléfono, para luego subir a YouTube un video que suena pésimo. Ahora ya nos acostumbramos a ver videos malos que pueden haber sido buenos y, definitivamente, es más interesante la mentira del recuerdo.

Entonces, ¿cuál es tu postura o tu fascinación por lo “anti”?

DM: Mas que anti, sigo siendo un no-músico; siempre estuve rodeado de buenos instrumentistas, pero tratando de elaborar las cosas de manera conceptual. Me manejo más en un campo que considero que es del arte, pero las canciones son una enunciación no necesariamente vinculada. Me llaman más la atención las frecuencias que las notas.

Si metemos en la ecuación la palabra “anti”…

DM: Yo soy un antilider, no me interesa el liderazgo cuando soy productor o estoy tratando de crear algo desde la nada. Soy antijefe, la autoridad no emerge de que te pusieron como productor artístico de algo, sino del saber hacer que funcionen las entropías de las ideas.

Pero dudo que creas en la democracia…

DM: Claro que no creo en la democracia, en el arte es una barbaridad ser demócrata, porque la razón no es la verdad; yo soy una anarquista situacionista. Es más fácil lograr hacer algo en la música o en el arte siendo un fascista, que un demócrata. En el arte puedes construir una casa sin tener las paredes levantadas y puedes poner un techo flotante y funciona.

Ese aura de misterio de saber cómo eran las músicos de las bandas, ya no existe…

DM: Lo que pasa es que la vida es mucho más misteriosa cuando uno no tiene mucha experiencia. Antes, la gente estaba dispuesta a ir a ver a una banda que no conocía, o comprar un disco por una portada o por la recomendación de un amigo. Internet ayuda a preservar los mitos, aunque a veces produce gemas donde no las hay; los que amamos el misterio aún seguimos buscando tanto en el presente como en el pasado.

Yo supe cómo eras hasta que vi la portada del disco de Los Encargados y no sabía quién de los tipos era Daniel Melero…

DM: Y en esa portada salieron unas fotos que no iban, y ya no pude corregir nada. Esa intención tiene que estar para que todo falle.

No somos Japón.

Como el primer disco de ELO editado en Estados Unidos que se llama No Answer por un error, ya que al enviar el telegrama de Londres decía “sin respuesta” y pensaron que así se llamaba…

DM: O como las canciones de los Bee Gees que vienen en el disco

“Internet ayuda a preservar los mitos aunque a veces produce gemas donde no las hay”.

—Daniel Melero de Fiebre de Sábado por la Noche que son los demos; lo que todos conocemos no son los temas terminados.

Si existe el pop perfecto… ¿Cuál es el antipop?

DM: El primer disco de The Velvet Underground resume los dos criterios: es un disco que, en medio del hippismo, habla de dealers, de sexualidad dudosa, de drogas pesadas contra el “amor y paz”. Nico cantando, Andy Warhol produciendo y diseñando la portada: eso es pop y antipop al mismo tiempo. ¿El arte debe tener una postura anti-convencionalismos?

DM: No se debe catalogar; por eso, no me gustan las encuestas de Mejor Disco del Año.

Nada es mejor ni es peor, el arte no tiene por qué gustarte, nunca ha sido cómodo.

Los Ramones tenían en esencia, unas bases bubblegum y pop, pero no eran cómodos…

DM: La gente se divide entre quienes les gustan los Ramones y quienes no. No les quitaré el habla a los que no, pero si alguien tiene problemas con los Ramones, creo que debemos hablar al respecto… ¿Cuál será la próxima revolución del rock?

DM: Las revoluciones son algo mediático, no una realidad. M

Los Encargados Silencio Synthpop con espíritu e intenciones de romance y obsesiones sofisticadas, en un disco que incluye canciones incorruptibles como “Líneas” y “Orbitando”.

Linda Mirada “Ruido de naves que parten” Single de la artista española que tomara el título de una de las líneas más evocadoras de “Orbitando”.

Juana La Loca Electronauta De los grupos más prometedores de la llamada movida sónica: noise pop, shoegaze, algo de after-dark… producidos por Melero (además hace algunos coros) quien ya los había incluido en un cassete de su sello Catálogo Incierto.

Protomartyr La mala vida paga TXT:: LULI SERRANO

Detroit se ha convertido en el sitio obligado para observar con morbo lo que el escritor James Griffioen acuñó como “ruin porn”: la mirada pornográfica frente a los restos de un sitio majestuoso que aun hecho pedazos, es bello. En la ciudad de los motores caben todas las historias: las líneas de ensamblaje automotriz de los años 20, el mural de Diego Rivera en el Instituto de las Artes, la fundación de la Motown y su posterior traslado a la más amigable Los Ángeles, las revueltas raciales, su colapso inminente. Es en medio de los cristales rotos, los edificios de techos derrumbados y las calefacciones encarecidas, que surge un cuarteto con un sonido que se cuela por las grietas del asfalto dañado y las marcas de un muro hendido por las balas de una riña. Constreñidos en una pequeña bodega helada, repleta de colillas de cigarro y latas vacías de cerveza, Joe Casey, Alex Leonard, Scott Davidson y Greg Ahee han construido un sonido bestial que exuda desencanto y furia a partes iguales.

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n medio de una ciudad asfixiada por la bancarrota, los crímenes y la desolación aún hay monedas de cambio que permiten respirar entre su propia niebla. Protomartyr es fiel ejemplo. Canciones desde la desilusión. Un derrumbe acompasado, emocional y sonoro.

La comodidad pocas veces ofrece inspiración para construir música relevante. Detroit hunde a sus habitantes y los orilla a mirar hacia las ruinas propias.

“Somos punk porque yo no canto bien”, dice Joe Casey, el vocalista y letrista que viste pantalones de pinzas. Su tono seco y profundo mezcla las palabras y las vuelve sordas. No todo está sobre la mesa, aún es posible adivinar las historias desoladas que cuenta. Mientras la batería impulsa y el bajo determina la taquicardia que te consume con cada canción.

Joe trabajaba en el Gem Theatre, un edificio construido en 1927 que fue trasladado ladrillo por ladrillo hasta su locación actual cinco cuadras después, luego de estar en peligro de demolición. Podías encontrarlo en la puerta del teatro, que alguna vez funcionó como cine porno, cortando boletos a los asistentes. También recibía abrigos en el guardarropa. Vigilando la entrada del Gem durante una boda, conoció a Greg, quien, junto a Alex, for-

maba una banda llamada Butt Babies, de la que poco se sabe salvo que aún conservan tres canciones en MySpace.

Alcohol y convivencia los orillaron a escribir música juntos. Cuando Butt Babies aún vivía, Joe se subía ocasionalmente a mitad de los shows para cantar alguna cosa en medio del sopor etílico y la sorpresa de quienes lo veían en el público. Su objetivo: descontrolar a la gente. Cuando ésta empezó a preguntarse quién demonios era el rubio que aparecía de pronto, comenzaron a usar este recurso con más frecuencia. Así fue como se creó Protomartyr, la primera banda de la que Casey ha formado parte.

Con toda claridad, Casey ofrece una guía determinante para descifrar su sonido, derivado del amor que siente por la serie de CD-Rs que publica hasta el momento Hyped to Death bajo el nombre Messthetics. En esta colección, bautizada en honor a una pieza temprana de Scritti Politti, abunda música marginal agrupada en el rubro del post-punk principalmente en el Reino Unido. La etiqueta, odiosa como todas, sirve como un modo de separar y reunir una muestra de los sonidos poco estilizados, idiosincrásicos, rápidos y oscuros que representaron el sonido de Inglaterra al margen de la conversación en

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TOBACCO Ultima II Massage Ghostly International Para quien no sigue los proyectos alternos de los integrantes de la banda de culto Black Moth Super Rainbow, y también para quien tiene hambre de música potente, con personalidad e ingenio, ya está disponible esto que puede calificar como un “frankenstein-gorila jugando con un teclado viejo”.

Grooves cavernosos, armonías que se “pandean” como cinta de cassette aguada y aires de funk duro. Grande.

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PS I Love You For Those Who Stay Paper Bag Records El tercer álbum de estudio de la banda de Kingston, Ontario, mantiene la fórmula de collage y experimentación: “Advice” y “Friends Forever” fueron compuestas mientras grababan en la primera incursión del dúo a lo que llaman “un estudio propiamente montado”, en el que contaban con “equipo fino” y tiempo de estudio a plenitud.

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la corriente principal. Messthetics atrapó irremediablemente a Casey y le permitió comprender que aunque, al parecer, todos ejercían el mismo “estilo” (el post-punk), el contenido de los discos era absolutamente disparatado, informe y vital. La curva es infinita y no hay límites.

El mecanismo de la banda para crear música funciona así: alguien llega con una canción ajena que le emociona y a partir de lo que les provoca sentir, tratan de reconstruirla con sus propios recursos.

El resultado jamás es fiel; la refracción los atraviesa y es imposible predecir hacia dónde se descompondrá el espectro. Sus canciones favoritas les están diciendo algo. A ellas les extraen el jugo, la carnita. El sentimiento básico de una pieza. Compusieron “Violent”, una de las canciones de su nuevo álbum, a partir del tema de un programa infantil, así que sus fuentes están literalmente por doquier.

Su discografía es difícil de conseguir. Existen dos 7 pulgadas que publicaron X! Records y Urinal Cake, cuya portada fue diseñada por el propio Casey, pero están agotados. Su primer LP fue grabado en un solo día, financiado por ellos mismos, bautizado como No Passion All Technique y publicado en un discreto tiraje de acetatos “Somos que también está agotado. El segundo álbum, bajo el abrigo del sello Hardly Art, se llama Under Color of Official Right y fue gra- punk bado en apenas un fin de semana en un estudio de Benton Harbour, muy cerca de Detroit. 14 piezas que apenas dan tregua a porque yo respirar, marcadas en vinilo rojo transparente.

En Protomartyr se suman de golpe los años de mirar no canto al piso, de ceder ante la presión escolar, de contar las monedas para el desayuno. Sus canciones narran historias que bien”. — surgen de las ideas más mundanas y simples, tratándolas desde una perspectiva que las revienta y las convierte en Joe Casey algo más. Son reflexiones sobre la terrible calidad de las conversaciones en los bares gracias a la posibilidad de buscarlo todo en Internet, los shows de televisión donde se simulan cortes de justicia, la apatía, los malos padres de los 80 que tendrán hijos y reclamarán venganza por la desatención, los tatuajes que se verán horribles cuando la piel se surque de arrugas.

Casey trabaja ahora en un club de comedia en Ferndale, un suburbio de Detroit. Siempre ha tenido trabajos mal pagados, por lo que la vida dura del rock ‘n’ roll no le resulta extraña. Decidió darle sentido a su rutina tomando un micrófono y una pluma. Sigue vistiéndose con pantalones de pinza y tirantes de elástico. Cita a Thoreau en alguna breve entrevista al responder qué tan seguido se cambian la ropa cuando salen de gira. Una advertencia sobre las empresas que requieren nueva ropa en vez de a un nuevo sujeto.

Ésta es la cara de Protomartyr, sujetos comunes y corrientes en cuyo interior habitan sonidos sin agenda, que descubrieron en su formación una salida a sus frustraciones y opiniones, sin alinearse a nada ni nadie más que sus propios deseos. Detroit, la ciudad que escupió a MC5 y Stooges, moldea el sonido del grupo y le recuerda al mundo que la bancarrota es a veces un estado de riqueza creativa que se impone a la sequía imaginativa de la abundancia. M

Gold-Bears Dalliance Slumberland Records Llega Dalliance, el excelente segundo álbum de este quinteto de Atlanta, Georgia, cuyo título hace referencia inequívoca a una canción de sus héroes The Wedding Present. Tras su debut, Are You Falling in Love?, la banda ha refinado su sonido, con más fuego y melodías más pegajosas, vestido de post-hardcore, emo y post-punk sin pena alguna, ya que su súper poder indiscutible es la capacidad de hacernos tararear cada cañonazo.

sia

El beatífico poder de lo furtivo TXT:: ORQUÍDEA VÁZQUEZ FOT:: RCA RECORDS

Reír a destiempo, llorar por años, entregarse a las adicciones, a los abismos, al éxtasis de probar de todo, vivir de todo; recapitular, querer hacerlo todo al revés y no desear lo imposible, podría ser la fórmula exacta para conseguirlo. Huir lo más pronto, lo más rápido, dirigir desde lejos; furtiva, con oído e instinto, bien sería la respuesta para volverse famosa y millonaria. El sueño de todos, menos el de Sia; cantautora australiana y mente maestra detrás de algunos de los más exitosos sencillos de estrellas como Rihanna, Beyoncé, Britney Spears, David Guetta, Katy Perry, Jessie J, Kylie Minogue o Flo Rida.

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l renombre de Sia Furler podría atribuirse al hecho de haber sido criada por dos músicos, a su naturaleza tan genuina o simplemente a una serie de sucesos que la han encauzando hacia la codiciada cima de la industria pop. A sus 14 años, cuando decidió que en vez de quitarse un diente chueco, prefería ir a estudiar a Italia, la vida y el desorden intencionado del cosmos ya le agendaban la primer cita con su futura yo.

La visita a un karaoke en el que interpretó “Lean On Me” de Bill Withers le costaría que su peculiar timbre de voz fuera “descubierto” por un DJ local, que más tarde le propondría grabar una canción. Posterior a ello, naturalmente, regresar a la escuela no sería apetitoso: “Yo tenía 17 y escribía acerca del racismo y la homofobia; tenía un mensaje y quería cambiar el mundo”, le comentó a Gigwise.

Fue entonces que con euforia juvenil, Sia se unió a una banda de jazz-funk llamada Crisp, con la cual grabaría dos discos de poco éxito y luego los abandonaría para vivir una de las etapas más fuertes de su vida.

Consiguió un trabajo en Japón como mesera y ahí se animaría a grabar un primer álbum como solista, OnlySee, mismo que contenía temas que decidió interpretar en el centro del bar para el que trabajaba mientras se sostenía del tubo para strippers. El material, según describe Sia, era la peor mierda trip-hop que puede existir.

Dándose por vencida, decidió viajar alrededor del mundo con su entonces pareja, Dan. Sin embargo, su “primer gran amor” falleció tras ser atropellado por un taxi en Londres. Devastada, Sia se dejó llevar por el sufrimiento y, junto a los amigos de Dan, vivió un intenso periodo de alcoholismo y drogadicción que se extendió por casi seis años.

Aún lidiando con el impacto de aquella pérdida, Sia logró firmar un contrato con el sello Dance Pool de Sony Music para grabar su segundo disco como solista

Healing Is Difficult. El material consiguió varios éxitos en el Reino Unido, incluso cuando su mánager en aquel tiempo resultó ser dealer de varias celebridades: “Yo me preguntaba por qué varios famosos sabían las letras de mis canciones, y al final me enteré que mi representante las ponía mientras se drogaba con ellos”. Suerte o no, el camino ponía a Sia en los lugares precisos, colaboró con Jamiroquai y Zero 7 y despues de despedir a su mánager y firmar con otros sellos, la cantautora lanzó Colour The Small One (2004), álbum en el que colaboraría con Beck y escribiría la etérea y nostálgica “Breath Me”. Posteriormente, se mudaría a Nueva York y publicaría Some People Have Real Problems (2008), explorando una vertiente más pop y upbeat reflejada en temas como “The Girl You Lost to Cocaine”, “Buttons” o “Day To Soon”.

Para ese entonces, América le había hecho mucho bien, la popularidad de Sia ascendía y varios de sus temas musicalizaban series televisivas. La vida le estaba devolviendo una gran sonrisa, el éxito la alcanzaba y el amor lo encontraba en una nueva y emocionante forma, a través de una chica con apariencia de un apuesto joven que aún no rebasa la mayoría de edad. Su relación con JD Samson (Le Tigre) se hizo pública en 2008, resultando en un intenso idilio que en algún punto quiso contraer nupcias y tener bebés.

El quinto álbum de estudio de Sia, We Are Born, se publicó en 2010, momento para el cual ya había coescrito cuatro canciones para el sexto disco de Christina Aguilera. Una nueva fase en su carrera se avecinaba, sus malas experiencias con disqueras harían que ella deseara retirarse de la jugada, apostar por estar detrás de cámaras, lejos del reflector, escribiendo para volver a otros famosos. Fue entonces que lanzó We Are Born con la intención de que fuera su último disco y, finalmente, poder alejarse de los escenarios y las entrevistas.

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Robyn Body Talk Konichiwa Records De aura similar y fijas convicciones, Robyn hace reminiscencia a Sia en Body Talk, sobre todo cuando hemos disfrutado de los vastos remixes que varios actos han realizado para la autora de “Clap Your Hands”.

Rihanna Unapologetic Def Jam Sabemos que la tirada de la cantante originaria de Barbados es mucho más pop y comercial que la música de Sia. Sin embargo, el timbre de voz es similar en ambas, y el hecho de que una escriba para la otra habla de la capacidad de reflejarse entre ellas. La interpretación de “Diamonds” que ha hecho Sia es fenomenal.

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Lykke Li Youth Novels LL Recordings Las texturas delicadas envueltas en nostalgia altiva hacen de las interpretaciones de Lykke Li un factor de comparación con el sentimiento exacerbado –de siempre estar jodido– en las canciones de Sia. En ambas, rara vez hay temáticas felices.

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“Yo nunca fui una prioridad… La fama no surge tan sólo de una buena canción, sino del marketing. Cosa que es enferma. Éste es un negocio enfermo. Es tan triste. Saber que lo que tiene que pasar para hacer a un artista exitoso, es desalentador”, mencionó Sia al respecto de sus contratos con Sony durante una entrevista con SMH.

Con este sentimiento Furler, accionó el plan para dejar de ser una víctima más de la industria e invertir los papeles: “Disfruto las ventajas de escribir más que las de interpretar. Escribir me hace sentir menos jodida, menos dañada... No hay promos, no hay giras, no hay entrevistas, no tengo que ser famosa. No tengo que entregar toda mi energía”. El plan era perfecto, pero no contaba con que su buen tino y su talento para “La fama percibir las mejores melodías y sellarlas con una letra distintiva, la harían aún más famosa y la arrastrarían al lugar del que más no surge quería escapar; ese que se encuentra en el centro de todos los reflectores. tan sólo de

En 2011, año en el que finalizó su relación con la exintegrante de Le Tigre, coescribió y prestó sus vocales para una buena “Titanium” de David Guetta. El sencillo ha vendido más de 3.6 millones de copias y estuvo entre los primeros 10 del chart canción, de Billboard 100. La historia se repitió para “Wild Ones”, de Flo Rida y lo que en un principio creyó que la mantendría sino del con un bajo perfil, disparó su renombre en la producción de sencillos y se volvió una mina de oro. En 2012, escribió marketing. la letra y la melodía para “Diamonds” de Rihanna; otro éxito internacional que la seguía catapultando como “la” Cosa que compositora maravilla.

Recientemente Sia fue convencida para rees enferma. gresar con un nuevo material que será lanzado bajo sus reglas. La próxima vez que veas un bob rubio, no Éste es un sólo tendrás que relacionarlo con el peculiar estilo de peinado, sino que ahora, inevitablemente, se volverá negocio la marca distintiva de la cantante.

Con la mirada puesta en el arte visual y enfermo. una estrategia que alejará su rostro de las cámaras, Sia tiene en mente realizar piezas de perforEs tan mance artístico en las que nunca dará la cara al público y siempre será apoyada por un personatriste”. -Sia je con un bob amarillo que haga mímica de sus nuevos temas, como lo comenta: “Si Amy WineFurler house era un beehive, yo seré un bob rubio, así evitaré usar mi cara para vender algo”.

“Chandelier” –seguramente uno de los mejores temas pop del año– fue el primer sencillo de 1,000 Forms Of Fear, el álbum que reafirma su potencial como artista. Recordemos las grandilocuentes presentaciones en programas como Ellen, dando la espalda al público, y con Maddie apoyándola, o en Late Night With Seth Meyers junto a Lena Dunham.

Contrariando toda la dinámica que se vive en el panorama actual de la cultura pop, desde un privilegiado rincón, Furler dirige y lidera. Basta verla como arquitecta de himnos monumentales o como una mujer llena de energía, estridencia y cero ambiciones, para darnos cuenta de que una personalidad honesta puede crear fortunas. Siempre habrá distintas altitudes en la vida, lo ideal es aprovechar la miseria de cuando uno está jodido para indagar en emociones infinitas, y como Sia, sentarte en casa cómodamente, con los perros en el sofá, grabar en el clóset de tu oficina, enviar el audio, y si tienes suerte… hacer un millón de dólares. M

nacho vegas Creando nuevas situaciones TXT:: JUAN CARLOS HIDALGO

Corre Resituación, el sexto disco en solitario de Nacho Vegas, y de repente toca turno a “Un día usted morirá” de la que se escucha: “Antes contaba ovejas, antes dormía bien; hoy sólo cuento amantes saltando a las vías del tren”.El asturiano parece estar de vuelta de tantas cosas; formó parte de la acometida del indie español con Manta Ray, ha sido conocido por el gran público al colaborar con gente como Christina Rosenvigne y Bunbury, ha explorado el folclor regional con Lucas 15 y posee un magnífico cancionero repleto de aseveraciones propias para la duermevela y el desamor.

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n los últimos tiempos le ha dado por la política; de hecho, se dice que Resituación (Terrícolas imbéciles, 2014) es su obra más impregnada de la situación social de su país. A su manera, es un activista que también se preocupa por las formas preciosistas del rock (un cruce de caminos entre crooner y crítico). Conversamos con un artista de gran calado, figura polémica donde las haya y ave de las tempestades que ha conseguido reinventarse y fortalecerse tantas veces como las ha creído necesarias.

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La ocasión para esta entrevista surge tras la muerte del gran poeta Leopoldo María Panero, por lo que resulta inevitable iniciar preguntando acerca de tu opinión sobre su obra y la influencia que pudiera haber ejercido en la tuya.

Nacho Vegas: Nunca lo conocí en persona. Lo leí sobre todo cuando tenía entre 20 y 30 años y me impresionaron sus versos duros, ásperos y llenos de belleza. A veces cantos a la desesperación, pero también vitales y hasta cómicos. Publicaba mucho en diferentes editoriales y me perdí un poco en los últimos años. Supongo que ahora aprovecharán para hacerle una antología como merece.

Siempre te has mostrado interesado por la literatura; en México apenas comienza a circular el libro Memorias sónicas. Cuéntanos sobre tu participación en él. Y por otro lado, acerca de la manera cómo percibes la relación entre música y literatura.

NV: Contra es una editorial de Barcelona que apenas tiene un par de años de vida y ya cuentan con un catálogo

estupendo dedicado a la música popular, sobre todo la anglosajona: libros de entrevistas, ensayos, cancioneros...

En Memorias Sónicas varios músicos del estado español escribimos piezas sobre algún disco que hubiera sido importante en nuestra educación musical. Yo escogí el segundo álbum de los Housemartins, una banda a la que adoro. Pero opté por un texto de estilo más periodístico que literario en el que hablo de la dimensión política del pop. Otros escribieron relatos combinando recuerdos y ficciones en los que suena música de fondo, y los hay maravillosos como el de Abraham Boba, ¡y no lo digo porque sea mi amigo! Pero a mí me resulta difícil escribir literatura sobre música. La literatura es una influencia importante en mis canciones, pero no sé hacer literatura sobre canciones.

Eres un artista con una labor que no se detiene, ya sea editando discos, haciéndolos circular, escribiendo. ¿En qué momento te consideras listo para decir: es hora de volver al estudio?

NV: Cuando tengo alrededor de 20 canciones. Entonces, necesito poner orden, porque todo es un caos en mi cabeza, en mi libreta de letras… En fin, en mi vida. Hacer discos es ordenar de alguna manera ese batiburrillo de palabras y armonías que conforman la manera que tengo de mirar al mundo.

El estudio de Paco Loco en Santa María goza de gran fama entre diversos músicos. ¿De verdad el lugar provoca tanta magia para que surjan canciones espléndidas?

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Resituación hace pensar en dos cosas: volver a una situación ya vivida o bien, redefinir una situación existente. ¿En qué rumbo ibas cuando decidiste utilizarla?

NV: Es lo segundo, sin duda. Reaprender a ver el mundo como paso previo y necesario para cambiarlo, para hacer que tu vida y tus relaciones con los demás sean sanas y dignas. Pero no es fácil, es un proceso doloroso y que puede asustar, pero al que tienes que entregarte para no ser un muerto en vida. Es radical, algo así como el amor: puedes renunciar a él o entregarte con todas las consecuencias, por peligrosas que puedan ser. Y elegimos lo último porque sentimos que es lo que debemos hacer, casi como un imperativo moral. Eso es también lo que yo llamo resituacionarse, hacer canciones, crear nuevas situaciones.

Vivimos en una sociedad que privilegia el éxito y denosta a quienes no ejercen el protagonismo, es entonces cuando es importante aquilatar a los “Actores poco memorables”; ¿estás de acuerdo con esta idea?

NV: Sí, porque un mundo así, brutalmente individualista, en el que prima la cultura del éxito, no genera más que insatisfacción y desigualdades. Tenemos que reivindicarnos como seres memorables en lo que nos hace iguales, no en lo que nos distingue. Sé que en esto muchos no estarán de acuerdo, pero yo lo considero fundamental. Lo que yo admiro de las personas es su capacidad de amar y su necesidad de ser amados; eso me fascina mucho más que la inteligencia, la belleza o el talento.

México es un país que te ha inspirado; a la distancia, ¿te enteras de lo que pasa aquí, conversas con amigos?

NV: Claro, estamos muy pendientes de lo que ocurre en México y preocupados. No deja de sorprendernos que un país en el que la gente es tan cariñosa, tenga ese problema enorme de violencia, y perdón si parezco ingenuo al decirlo así. En los ocho años desde que visité México por vez primera hasta ahora, he visto cómo el drama iba en aumento. Y creo que las causas hay que buscarlas en un capitalismo salvaje que degrada las vidas de las personas e impide que se cree tejido social. Pienso, por ejemplo, en las condiciones de trabajo de las maquiladoras, en los feminicidios de Ciudad Juárez, en ciudades que crecen con barrios sin los servicios sociales básicos, y en la violencia que genera eso... Y luego, ves que la derecha busca solucionarlo militarizando las calles en lugar de poner en marcha políticas sociales que atajen la raíz del problema... El neoliberalismo es la doctrina más miserable que existe en occidente. Y en Europa también es ahora cuando lo estamos sufriendo más, aunque las consecuencias tengan otras caras. Crece la pobreza, y aunque aquí no hay cárteles, está habiendo un auge de la ultraderecha preocupante.

¿Cómo es que se filtró la política en este conjunto de canciones?

NV: La política se filtra en la realidad, en todos sus aspectos. No sólo el económico o el social; también en el emocional. Cuando el poder pone en práctica políticas que benefician a unos pocos y agreden brutalmente a la mayoría, nuestras vidas íntimas también se ven desgarradas. Decidir deliberadamente apartar la política de las canciones serían en sí mismo reaccionario, además de deshonesto. M

Mursego Hiru La multiinstrumentista vasca Maite Arroitajauregi aparece como invitada; ambos comparten su filia por Daniel Johnston y lo homenajean en “Ciudad Vampiro”.

Fundación Robo Fundación Robo Disco doble que da cuenta del trabajo de Vegas como impulsor de esta plataforma política.

Nacho Vegas Canciones inexplicables El recopilatorio que permite entender la ética y estética de un artista comprometido con el oficio y la profesión.

Música

“Los que hacemos canciones nos perdemos en lo íntimo y nos olvidamos de que la música popular tiene que apelar a lo que sentimos en común”. — Nacho Vegas

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NV: Las canciones ya llegan escritas al estudio, pero Paco es capaz de meterse hasta el fondo y extraer de ellas cosas que tú ni siquiera imaginabas que estuvieran allí. Su mirada es única, muy poco ortodoxa, y además, lo impregna todo de sentido del humor.

En el estudio hay momentos hilarantes, y a mí eso se me hace casi necesario cuando estás grabando canciones muy duras. No sé, Paco crea un ambiente divertido, pero se toma muy en serio su trabajo y el tuyo.

jj

El siguiente paso de la adolescencia TXT:: AARÓN ENRÍQUEZ FOT:: MALIN BERNALT

Música

De todas las propuestas de pop sueco que han llenado nuestros oídos en los últimos años, JJ probablemente sea la menos referenciada, la que menos espacio mediático ocupa y quizá la que obtenga menor presencia inmediata en la memoria colectiva del universo musical actual.

Elin Kastlander y Joakim Benon parecieron tener muy claro desde el lanzamiento de su primer larga duración, jj no.2, que el drug pop con claras referencias hip-hoperas que engendraron en 2009, no podía irrumpir de mejor forma al mundillo musical de entonces que borrándole momentáneamente la cara al proyecto.

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La ausencia mediática, desde luego, parece tener sin cuidado a esta pareja de suecos quienes tuvieron muy en claro lo que acababan de sembrar. Pasaríamos de la aparente obviedad cursilona a la que nos remite la por momentos melosa pero cristalina voz de Elin, al no tan obvio uso de atmósferas a partir de sampleos que en el imaginario del rap devendrían en todo menos en dream pop. La crema de la inconvencionalidad pop de tierras suecas, retratada en la ausencia de un par de rostros adolescentes.

Y es que Suecia vive el esplendor de una nueva camada de artistas musicalmente hablando; con Lykke Li, The Knife y Robyn como algunas de las muestras más sobresalientes, es bastante entendible que JJ se nos olvide de pronto. Sin embargo, en cinco años, Joakim y Elin se las han ideado para mantenerse presentes de algún modo. Es como si fueran gestando quizá el regreso, o tal vez, más bien, la irrupción definitiva. Primero salir a la luz pública en el video de “Let Go” para dejar el anonimato, soltar algunos tracks, un EP tras otro, un segundo álbum no tan afortunado como el primero y el halo de misterio revivido tras el último de sus trabajos en 2012 con el EP titulado High Summer.

Es evidente que estamos ante un proyecto de pop nada convencional, pues lo recurrente en el sonido de JJ desde el origen son las constantes referencias a los estupefacientes; esto se entiende bien como un pastiche a la cultura del rap norteamericano o simplemente como una forma de asumir conscientemente el origen de su inspiración; pero, además, están los espacios en la atmósfera que crea Joakim, ya sea con capas de sintetizadores, con un beat africanizado o con una guitarra acústica, que piden naturalmente un coro como los de Elin, la fórmula funciona bien. En la alquímica

mezcla de sonidos cabe Lil Wayne, M.I.A. o Dr. Dre, sin ningún problema. Pero sobre todo, cabe la voz de Elin.

Desde diciembre pasado JJ compartió un track navideño titulado “Fågelsången”, que anunciaba la preparación de lo que podría convertirse en un siguiente disco.

Recientemente, nos encontramos con la noticia de que salía el trailer de lo que será su siguiente larga duración que llevará por nombre V, a la venta oficialmente a partir del 19 de agosto. El anuncio venía con una carta que decía: “Por fin nos volvemos a encontrar.

Y yo estoy como: baby, ¿qué haces aquí?

Te quedas en mi mente.

Hemos esperado todo el invierno por alguien como tú y sabemos que tú has esperado todo el invierno por alguien como nosotros.

Ni siquiera sabemos tu nombre o de dónde vienes.

Y algún día esta guerra terminará para estar junto a nuestros amigos hasta el final.

Haciendo nuestro camino a través de esta puta vida”.

La carta esta dirigida a los fans, pero tal vez tengan razón, tal vez todos hemos esperado durante “todo el invierno” por alguien como ellos, pero ¿cuáles ellos? ¿Los adolescentes intoxicados que deslumbraron a todos con jj no.2? ¿Los juguetones alquimistas del sonido con gustos musicales refinados pero gangsta? ¿Los freaks con potencial para hacer baladas cursis?

Escucha también...

Dr. Dre The Chronic Death Row Records Uno de los discos pilares del G Funk de la costa oeste y dueño de una de las portadas más transgresoras de la época (con una clara referencia a la caja de papel para fumar Zig-Zag); se trata de una apología a la marihuana y un clásico dentro del imaginario del hip-hop que tanto ama JJ y que posteriormente emulara con la portada del jj no.2.

Broder Daniel Broder Daniel Forever

The xx xx Young Turks Álbum debut de los londinenses que en 2009 nos tomó por sorpresa.

En aquella época se emparentaban mucho con JJ e incluso compartieron alguna gira. Aunque ambos han sido catalogados como indie pop, The xx es más sexual en sus letras. JJ son evidentemente más pachecos.

Música

Dolores Recordings El disco más representativo de la banda liderada por Henrik Berggren. Un icono sueco del mal denominado rock alternativo de los 90 y, sin duda, una referencia para todo sueco que ostente rareza y no convencionalidad.

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Lo que conocemos hasta ahora del álbum V, de acuerdo al tracklist presentado por ellos mismos a través de su página oficial y las páginas de sus sellos discográficos Sincerely Yours y Secretly Canadian, es que incluirá los ya conocidos cortes “Fågelsången” y “All White Everything”, canción para la que ya estrenaron incluso un video dirigido por Olivia Kastebring, en la que ambos parecen estar recluidos dentro de una institución mental o una clínica de rehabilitación. Una probable referencia a la cocaína, ¿o tal vez a la canción “All Black Everything” de Lupe Fiasco? Además, V incluirá un track llamado “Dean & Me”, evidente alusión al “Me & Dean”, que está en el álbum debut del dueto.

No es culpa de JJ haber nacido en la era de las referencias interminables y los mensajes encriptados. No diríamos nada si afirmáramos que en 2014 no hay nada nuevo bajo el sol, sin embargo, Joakim y Elin parecen haber nacido exclusivamente para estos tiempos; manejan a la perfección el engranaje de “Hemos las autoreferencias, de los homenajes, la manía de ir dejando pistas a lo largo del camino para que cuando lleguemos al final del túnel esperado no se nos escape un solo detalle del banquete que encontraremos al encender la luz. Todo parece estar ahí a propósito, es como un todo el juego y a ellos les encanta jugarlo.

Son varias pistas las que nos prometen que V podría invierno por ser uno de los regresos más sorpresivamente disfrutables de 2014. Para empezar, llevamos casi todo el texto leyendo JJ y no alguien como jj como se conocieron al principio. Cuando tocó a Joakim Benon hablar al respecto del disco contestó: “Yo diría que hemos esta- tú y sabemos do trabajado en este álbum toda nuestra vida. Es lo que siempre hemos querido hacer. Tengo la sensación de haber trabajado en que tú has este álbum desde que empezamos a grabar música. En realidad nunca hemos tenido ningún otro plan más que hacer realidad esperado el V y, al mismo tiempo, nunca supimos lo que era –la historia se presentó por sí sola– y es una historia que siempre ha es- todo el tado clara, sólo creció a su manera. Creo que ahora estamos listos para comunicarnos con el mundo”. invierno por

Con esto JJ parece establecer que el misterio, si es que existe, está por resolverse. Los suecos pueden alguien como ser excéntricos, pero saben cuándo es tiempo de salir a la calle. Esto puede ser una buena señal en caso de nosotros”. -JJ futuras entrevistas, pero aquí lo que realmente importa es que JJ ha jugado con nosotros todo este tiempo.

O no quisimos ver lo que era evidente: se trata de un concepto en constante gestación.

Ser poco convencional probablemente implique tener formas raras de evolucionar también. Pequeños giros pueden significar grandes cambios o ninguno en particular. En el caso de JJ da la impresión de estar ante un universo que se comunica constantemente con él mismo, como pequeños susurros que se hablan al oído. Es como tener la certeza de que se está llegando a la tierra prometida sin haber salido de la casa. Cada una de las composiciones musicales de Joakim y Elin son como una serie de pequeños juguetes nuevos que no tienen nada en común, pero de tanto que el niño jugó con ellos y se los apropió, ya parecen de una misma serie. Tal vez le creemos a Joakim y éste será el disco en que JJ pase de la adolescencia a la adultez joven; sería muy aventurado a estas alturas del auge pop proveniente de Suecia, hablar de madurez. M

TYCHO

Experiencia sensible en expansión

TXT:: JUAN CARLOS HIDALGO

Desde hace tiempo me queda claro que lo más importante de un disco es el grado en que detone la experiencia sensible, plataforma esencial para que se produzcan emociones y sentimientos; posteriormente, vendrá el desarrollo de pensamientos más estructurados. A primera instancia, se trata de algo intuitivo; luego, llega la parte más intelectual.

Música

E

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n ese sentido Awake, el cuarto disco de Tycho, es generoso. Provoca un caudal emotivo que me lleva a pensar en la riqueza de la música instrumental, y doy vueltas en torno a la decisión de un artista para expresarse a través de disciplinas diferencias. Scott Hansen, nacido en la segunda década de los 70, comenzó siendo diseñador gráfico y artista visual; por ello, las imágenes eran su principal vehículo antes de dar el salto a la música –en un principio, muy cercana al ambient y al minimal– a través de su debut con Sunrise Projector (2004).

El asunto central al momento de analizar a esta colección de piezas de música electrónica, ejecutada por un grupo, es remitirnos al lenguaje. Cómo es que un creador expresa sus ideas. Es entonces cuando resulta muy útil recurrir a la obra de uno de los grandes pensadores de la historia.

El austriaco Ludwing Wittgenstein (1889-1951) nos regaló Tractatus lógico-philosophicus (1922), una de la piezas esenciales de la filosofía. En ese demandante trabajo se incluye un apartado que se concentra en un planteamiento sintético: “De lo que no se puede hablar, hay que callar la boca”. La idea es aludir a lo inefable, es decir, lo que no se puede decir, explicar o describir con palabras y que no por eso carece de importancia.

Es oportuno recordar que muchas de las cosas más significativas para la existencia son inefables: el

amor, el dolor, la esperanza, el bien y el mal, etc. El arte entra en este terreno y, por ende, la música. En el libro se plantea que: “Aunque todas las posibles preguntas de la ciencia encontraran respuesta, nuestros dilemas existenciales continuarían siendo los mismos de antes”.

Mientras que en términos del humanismo, el italiano Umberto Eco recomendó a los intelectuales que si no tenían algo que aportar al debate público de un tema, lo mejor que podían hacer es cerrar la boca. Así que si un músico no encuentra necesidad de expresarse a través de palabras, no debería preocuparse demasiado si únicamente recurre a sonidos y silencios.

En ese sentido, Awake (Ghostly International, 2014) es un disco que aglutina emociones que no son fáciles de expresar con palabras, y lo que es más, probablemente no las necesiten. Quizá sea un dato aleatorio que técnicamente reivindique las guitarras con el efecto delay que imperaron durante los 80, o que su propuesta estética sea muy cercana a las maravillas que logra Nicholas Jarr en Darkside. La experiencia será distinta para cada escucha según lo que ocurra en su interior.

Una vez más apoyados en Wittgenstein, podríamos señalar al momento de dejar fluir el reposo de “Montana” –con su guitarra deslizante– que lo inefable (o místico –el milagro del arte–) no puede ser pensado, ya que se manifiesta por sí mismo.

Escucha también...

“La idea de hacer música es crear un medio para que la gente pueda proyectar sus ideas a través de él. Quería proyectar este

Darkside Darkside Nicolas Jarr armó un delirante live act con su buen amigo Dave Harrington que se asemeja mucho en sonido al grupo que nos ocupa.

nuevo y oscuro sentimiento, no en el aspecto emocional, sino de colores”. ­­— Scott Hansen

Hansen, Zac Brown (Bajo) y Rory O’Connor (batería) han buscado expandir la experiencia sensible mientras tocan con la idea de comunicarse a la perfección con quien entre en complicidad con su propuesta. No falta quien los ubica cerca del post-rock; tal vez sea sólo un juego de etiquetas; lo que es cierto es que comparten la noción de otro guitarrista peculiar, Tav Falco, quien comanda a los Panther Burns, y que con mucha certeza apunta: “Primero llega el instinto y luego, la articulación intelectual de ese instinto. Siempre he preferido el primer momento”. M

Tycho Dive Ya en su álbum anterior las cotas de calidad era muy altas, aunque todavía no era creado por un grupo.

Mike Oldfield Tubular Bells Es buen momento para reivindicar la trascendencia de un disco editado en 1973; su influencia ha sido mucha.

Música

en términos

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Siempre me ha interesado compartir qué es lo que determinado artista, álbum o canción me hacen sentir en lo específico. Ya adelanté que me parece que para acercarse a Tycho hay que abrir la gaveta de las emociones y dejar que salgan las que sean necesarias. Así lo he hecho, y durante las repetidas escuchas, acompañé al disco con la lectura de Limbo (Ed. Alfaguara), la más reciente novela de uno de los autores más arriesgados de nuestros días: Agustín Fernández Mallo.

Al español le interesa también que su narrativa se entrevere con el ensayo y recurra a la especulación ideológica.

Precisamente en este libro, que es en parte una road novel, doy con una frase que siento que perfectamente puede aplicarse a las ocho piezas que nos ocupan: “Sólo la palabra es capaz de articular una mentira, ni la música ni la pintura ni el cine ni nada salvo la palabra puede contar verdaderas mentiras”.

Por eso, es importante que Awake sea instrumental y que haya aprendido a callar como lo recomienda Wittgenstein. Del lote entero, “See” y el corte de apertura del mismo nombre son sus mejores logros. Muy probablemente las nuevas generaciones no sepan que también escuchan los ecos de The tubular bells (1973) de Mike Oldfield o de las composiciones de Jean Michel Jarre, en la electrónica desde los 70, pero tal vez ni les haga falta saberlo.

Para los especialistas es difícil que alcancen las altas cotas de Dive (2011), considerado su mejor trabajo a la fecha; en contraposición, se ha insistido de parte del sello disquero y los propios músicos que se trata del “auténtico primer disco de Tycho”, dada la concepción total como una banda (a la que tendremos oportunidad de ver en vivo en México durante el festival Ceremonia en agosto de este año).

Un dato curioso consiste en señalar que su carrera despegó a través de filtrar dos de sus temas en la programación de Cartoon Network. Primero fue “Dictaphone’s Lament”, fondo musical del video “Live Life to the Fullest”, presentado en Toonami, el bloque de acción nocturno del canal. Luego sonó “Cascade” (grabada para la compilación Adult Swim), incluida en el final del programa del 11 aniversario del segmento nocturno en 2008.

Pero ahora estamos ante la amplitud de Awake, una obra que parece en expansión. Cuando se encamina hacia su segunda mitad nos encontramos con “Apogee”, una pieza que nos hace viajar como si estuviéramos en el espacio; no en vano hay quien le encuentra influencia evidente de William Orbit, ya sea firmando con su nombre o como Orbital, su álter ego más conocido.

Y es que no dejan de brotar sensaciones relacionadas con el espacio exterior. Al grupo le interesa la ciencia y es por ello que han tomado el nombre del astrónomo del siglo XVI Tycho Brahe. Además, la portada –hecha por el propio Scott– es una franca alusión al sol.

Antecediendo a su final, llega “Spectre” y este periplo sensorial continúa; siempre pudiendo retomar a Wittgenstein (pero con algo de The xx en el recuerdo). Guitarra y bajo nos remontan a los jovencísimos ingleses, mientras que una frase del filósofo flota alrededor nuestro: “Trabajar en filosofía –como trabajar en arquitectura, en muchos sentidos– es en realidad un trabajo sobre uno mismo. Sobre la propia interpretación. Sobre el propio modo de ver las cosas y lo que uno espera de ellas”. Lo mismo ocurre con la música.

Entusiasmo antagonista Tres casos completamente distintos de cómo pelearse con los convencionalismos y salir ganando

Música

TXT:: alias RICARDO MIRANDA

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I Parece contradictorio iniciar un artículo sobre el antagonismo hablando de un economista que fue diputado y cuya creación es conocida en todo el mundo como “El sistema”, pero José Antonio Abreu es más que un economista y aún como economista no es un economista cualquiera.

Sus abuelos, cuenta, fueron inmigrantes italianos de la isla de Elba que al cruzar el Atlántico hacia Venezuela “trajeron instrumentos para una banda, para hacer música con la que se acompañaban las procesiones, las fiestas y ceremonias populares” en el pueblito mínimo donde se instalaron.

A Jose Antonio lo llevaron sus papás a ese pueblito, Monte Carmelo, a los seis años para que lo cuidaran mientras pasaba la cuarentena del hermano, que enfermó de tosferina. Ahí se encontró que en el patio trasero el abuelo había construido un escenario de madera donde se representaban obras de Shakespeare y de los clásicos castellanos. Abreu pasaba las tardes con la abuela traduciendo de italiano a español las óperas de Verdi y de Puccini, que ella se sabía de memoria.

Cuando regresó a Barquisimeto, que era donde vivía con sus padres, “ya tenía inyectada la vida musical, el hábito de la lectura y la pasión por los montajes de ópera y teatro”. Siguió con sus estudios de música académica, formó parte de la orquesta filarmónica de su estado y eventualmente se mudó a Caracas para seguir estudiando música. Ya en la capital, comenzó a estudiar economía para ensanchar sus perspectivas monetarias mientras seguía

ejerciendo y estudiando música. Haciendo malabares, Abreu logró combinar sus intereses y obtuvo simultáneamente su título de profesor ejecutante de piano, clave y órgano, un título de compositor y por el otro lado comenzó a trabajar en la División de política económica de la Cancillería para luego pasar al departamento de cuentas nacionales del Banco central de Venezuela y llegar eventualmente a fungir como diputado de 1961 a 1965, lo cual, dice él, le dio un conocimiento cabal del Estado y de todas sus estructuras, conocimiento que sin duda fue esencial a la hora de dar su golpe maestro.

Pausa para contexto: en esos años, Venezuela estaba en un proceso largo de reorganización. En 1958 el país se había deshecho de Pérez Jiménez, el dictador y el ambiente oscilaba entre el entusiasmo por la frescura de la nueva libertad y los traspiés inevitables de los nuevos gobernantes. En ese aire de mundo nuevo asumió la presidencia Carlos Andrés Pérez en 1974, y llegó para nacionalizar la industria del hierro en ese año y el petróleo el año siguiente. Era, pues, en palabras de Abreu “el clima cultural propicio para emprender un proyecto de carácter estructural”.

Ese proyecto estructural arrancó en 1975, cuando fundó la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar. Pero más que una orquesta, lo que Abreu tenía en mente era un proyecto global de educación musical en Venezuela.

Partiendo de esa orquesta empezó a formar músicos, pero también profesores, gerentes, contadores y a expandir su modelo organizativo, que acabó por convertirse en

perarlo. Así, los alumnos pueden atravesar barrios donde cualquier señal de ostentación equivale a un asalto seguro llevando violines, violonchelos y demás instrumentos caros que necesitan para ensayar.

Música

II Otra parada obligada en este recuento sobre el antagonismo es Charly García. Es sumamente irónico que actualmente mucha gente lo desestime, sobre todo en el norte del continente, pensando que es tan sólo un vejete medio excéntrico que recurre a cualquier desplante para hacerse publicidad, mientras que a otras personas les conceden una fama inamovible de haber sido auténticamente contestatarios cuando en realidad nunca lo fueron.

Un buen ejemplo de esto es Mick Jagger, quien durante décadas ha cosechado los frutos de ser considerado un férreo opositor al establishment pero nunca ha dudado un segundo para agachar la cabecita cuando se trata de ser reconocido por el régimen, como cuando lo nombraron caballero del imperio británico.

Otro ejemplo son los miembros de The Clash, que deben su fama a cantar canciones en las que hablaban de la falta de esperanza y de cómo el sistema los había dejado de lado, pero se conocieron haciendo fila para cobrar los cheques del paro que les daba el gobierno que según ellos no les ofrecía nada.

De este lado del Atlántico, en cambio, la maldad del régimen no era metáfora. Para la dictadura argentina “dejar de lado” a sus oponentes significaba aventarlos desde helicópteros al Río de la Plata. Sobre esa dictadura

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una red de orquestas que hoy es conocida como el Sistema Nacional de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela o, en corto, El Sistema. Hoy, cuarenta años después de que empezó, este sistema educa a 300 mil niños y jóvenes y tiene más de 250 orquestas sólo en Venezuela, pero ha sido replicado en 42 países y parió además al director de orquesta más carismático y talentoso de la actualidad: Gustavo Dudamel.

Lo que resulta revolucionario de El sistema es que no sólo es un programa de educación musical, sino que además está dirigido a los sectores de la sociedad que llaman “en riesgo”, es decir, los que por la pobreza suelen ser marginados y orillados a la delincuencia. El sistema de Abreu ofrece lo que es ampliamente conocido como el antídoto contra eso, pero rara vez suele usarse: organización social, participación comunitaria y educación.

Así, con el eslogan de “Tocar y luchar”, El Sistema ha sobrevivido durante 40 años a todo tipo de gobiernos.

Aparte de los músicos de las orquestas, ha creado un pequeño ejército de promotores culturales y le ha cambiado la cara a muchísimas de las comunidades donde opera.

Tal vez el más conmovedor de los reconocimientos que ha recibido, más allá del Premio Príncipe de Asturias, los premios de UNESCO y de un sinnúmero de organizaciones culturales de todo el mundo, ha sido la solidaridad de los “malandros” que supieron darse cuenta de que algo distinto estaba pasando. En Venezuela abundan anécdotas de estudiantes de El Sistema a los que les robaron el instrumento durante un asalto y que, cuando se corrió la voz, los malandros de su barrio rastrearon al ladrón para recu-

Música marvin.com.mx

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y esos militares Charly escribió una canción que entre otras cosas decía: “Amar a la Patria bien nos exigieron / si ellos son la Patria, yo soy extranjero”. Por cosas mucho menores que esa, mucha gente acabó desaparecida y precisamente por esa canción Charly García y su grupo fueron arrestados saliendo de un concierto y llevados atados y con vendas en los ojos un sótano donde un militar sostenía como evidencia de la ideología subversiva del grupo una grabación que hicieron esa noche durante el concierto. La calidad de la grabación era tan mala que los militares le exigieron a Charly García que fuera anotando la letra y, arriesgándose a enfurecer más a los militares con la burla, fue improvisando una letra más inofensiva y acabó por convencerlos de que la canción era menos crítica de lo que los militares habían pensado.

Contado así, a 30 años del hecho, queda como una anécdota curiosa, pero sin duda alguna, en 1981, atado y vendado en un sótano de la dictadura, el acto requirió mucho más valor que cualquier cosa que haya hecho Johnny Rotten, “rey del punk”, en su vida entera.

III Otro caso muy distinto nos pone el ingenio como arma para el antagonismo. En un video que la banda Vulfpeck subió a YouTube para proponerle a sus fans la estrategia, su líder, Jack Stratton, dice que cuando se juntaron a hablar de la posibilidad de una gira, los demás integrantes estuvieron de acuerdo en hacerla con una única condición: que todas las presentaciones fueran gratuitas. Para poder patrocinarla con esa condición grabaron un disco, Sleepify, que contenía diez tracks de 31 o 32 segundos cada uno, de puro silencio (porque Spotify exige que una canción sea escuchada du-

rante más de treinta segundos para registrar que fue escuchada). Como guiño adicional, los títulos de las canciones del disco empezaban con una (“Z”) y llegaban hasta las 10 zetas (“ZZZZZZZZZZ”).

Los cálculos de Vulfpeck arrojaron que como Spotify paga $0.005 por cada vez que se escucha una canción, si cada fan ponía a reproducirse el disco mientras dormía, durante la noche cada fan podía generar 800 escuchadas, lo que equivalía a $4.00 dólares. Si cada uno hacía eso durante varias noches consecutivas, y eso lo hacían varios miles de fans, la banda lograría juntar fondos para hacer su gira gratuita y las sedes donde tocarían se elegirían basándose en dónde habían obtenido más apoyo para reproducir Sleepify.

“Nunca en la historia de la música ha sido tan fácil apoyar la gira de una banda”, dice Stratton al final del video.

De ahí hasta que Spotify detectó la jugarreta y eliminó el disco (alegando que violaba los términos para subir contenido) la banda logró reunir alrededor de 20 mil dólares, que Spotify les va a reconocer. Spotify tuvo incluso la chispa de declarar a través de su vocero, Graham James, en una entrevista para Billboard, que “fue un truco muy astuto, pero nosotros preferimos los discos anteriores de Vulfpeck.

Sleepify nos parece una copia de la obra de John Cage”. M Las citas de Abreu aparecieron en: 1) Venezuela en el cielo de los escenarios, de Chefi Borzacchini, publicado por la Fundación Bancaribe La cita del vocero de Spotify se puede encontrar en: 2) http://www.billboard.com/biz/articles/news/touring/5937612/ inside-vulfpecks-brilliant-spotify-stunt 3) El video de Vulfpeck proponiendo la estrategia de Sleepify se puede encontrar buscando: SLEEPIFY /// The Spotify Funded Vulfpeck Tour

TXT :: POLO VEGA

Si los festivales son la oportunidad de jugar a crear una experiencia distinta para los asistentes, sorprendiéndolos, ofreciéndoles nuevas formas para poder divertirse, encontrarse con las mismas o nuevas personas en un contexto amigable disparado de lo habitual, poner variables inusuales en la misma ecuación y dejarte recuerdos que valen para lograr ser grabados en la corteza cerebral, todo esto con un soundtrack valioso, que te despierta más la curiosidad por seguir escuchando música nueva, entonces All My Friends, en cada edición, logra avalar su propia existencia como festival.

A

Festivales

ll My Friends es un pequeño de apenas cinco años, al que he tenido la oportunidad de conocer desde 2011.

Recuerdo que ese año fue en el mero centro de Tijuana; se realizó en una casa medio escondida, no se veía claro dónde era el lugar, fue de dejar el carro estacionado donde se pudo y buscar de dónde venía el ruido para llegar a una cochera que estaba abierta; después, caminar por un pasillo y encontrarte con una casa grande en la que había un escenario a lado de una alberca, otro en una cochera y otro más al subir unas escaleras, en lo que alguna vez fue una cancha de tenis.

No recuerdo quién, pero me contaron que la casa había pertenecido a un narco años atrás; nunca confirmé la historia, nada más me quedé con ella, porque se me hacía como Tijuana: tan bella y complicada.

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FOT :: CAROLINA YEE

La versión de 2012 tuvo como sede la Casa de la Cultura de Tijuana, cosa que se repitió al año siguiente, pero entre ambas versiones, aun siendo en el mismo lugar, se percibió un crecimiento del festival en asistencia, comida gourmet, organización, cartel con propuestas nacionales interesantes y actos de otros países. En ese recinto había un escenario en el teatro, uno en el patio trasero y uno en las escaleras que daban hacia una de las entradas del edificio, una Casa de la Cultura intervenida con creatividad para el placer de los que pisáramos el lugar.

Si en cada año se había ido sintiendo el crecimiento y la intención de hacer del festival una experiencia de exploración para los asistentes, este año lo dejaron más claro que nunca. Tengo el recuerdo fresco: llegando al Hotel Castillos del Mar, en Rosarito, después de dos horas y cuarenta minutos de carretera, dejar mis cosas en la habitación, salir al balcón, mirar las olas del Pacífico y escuchar el festival en los patios sucediendo abajo de mí, bajar y encontrarme con amigos de todos lados, ver stands de ropa, accesorios, un food truck y la cocina central en movimiento, Glasmus tocando en el jardín poniendo a prueba el sonido, dándolo todo y yo apenas irme ubicando en qué mas había.

Me encontré con unos amigos y me dijeron: “Vamos a bajar a la playa, al otro escenario”, y ahí fuimos, bajamos unas escaleras, compramos una cerveza doble en el bar y caminamos sobre la playa. Me tocó escuchar varias recomendaciones de comida por probar de los que habían llegado más temprano que yo; eso estuvo bastante bueno, les funcionó esto de poner estrellas de la cocina a la par de la música, porque era usual que entre las pláticas (además del típico “uh, no te pierdas a esta banda en tal escenario más tarde”), escuchabas a la gente conversar de lo que había para comer. Yo me fui por unas empanadas de pesto con tomate y queso tipo Oaxaca, pero me hablaron de unas hamburguesas con calabaza dentro de la carne, una cevichería increíble, un food truck buenísimo, tacos de pulpo con queso y huitlacoche… En fin, todo mundo hablaba de comida, además de música; precisamente hace unos minutos leía una reseña del Sónar donde decía: “Evidentemente uno no va a un festival a comer bien”, pero el All My Friends es la excepción a esa regla.

Mientras escuchaba a Hexorcismos con su experimentación en el jardín, una chica de Juárez contaba que se vino en roadtrip hasta Rosarito nada más por el festival y que acá conoció el mar por primera vez. Poco después, Clubz puso al festival en frecuencia, la banda llegó en el momento indicado y hasta una bebé de siete meses llamada Valentina

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cansó eso y el hecho de que el audio comenzó a fallar. Mejor me fui de nuevo al escenario del jardín a ver a Warm Places, que fue tranquilidad pura, un laboratorio de instrumentos, aparatos e instalaciones para hacer música y ruidos, un buen puente de calma para luego ver a los que muchos esperábamos desde temprano: Füete Billëte.

Desde que los puertorriqueños tiraron el intro, se sintió la enorme diferencia con los anteriores actos del cartel.

Punch, flow y capsulón. El escenario fue suyo, la gente se les entregó, y en eso, sucedió una sorpresa de película: un montón de fuegos artificiales estallaron en el cielo mientras, Beibi Johnson y Pepper Kilo seguían cantando a las mujeres, al dinero y a la marihuana. Al acabar su set ya todo era caras sonrientes, abrazos, amigos bailando, gente tirada en la arena, disfrutando del lugar y el momento. Para cerrar, Sonidero Travesura en la playa para seguir con los ritmos latinos prendiendo el baile y Santos en el jardín con su ruidosón para moverse sensualmente…

Marometas, empujones, baile y las últimas cervezas, para luego llegar a la habitación que se encontraba a unos cuantos metros. El All My Friends en Rosarito dejó enamorados a muchos y creo que el verano, de aquí en adelante, ya le pertenece. M

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los escuchaba atentísima; el mar a la derecha del escenario y el sol de las 4:30 p.m. sobre nosotros, otra cerveza doble y subir las escaleras de nuevo para ver a Batwings –que prendieron a la gente durísimo– se sumaban a los recuerdos de este evento. Bajamos de nuevo las escaleras para recibir a las traídas desde Costa Rica, Las Robertas, que tenía muchas ganas de ver y no me decepcionaron: girl power puro, con bellas melodías distorsionadas y una noción clara del sonido que quieren que salga de sus guitarras y amplificadores.

De nuevo, subir las escaleras, y yo sintiendo que debo mejorar mi condición física, pero, bueno, otra cerveza y a seguirle. En el jardín, la gente aprovechó el zacate para sentarse durante el set de Late Nite Howl, proyecto del que siempre tengo que hablar maravillas, porque me sigue encantando en vivo, siempre se siente distinto verle y, esta vez, la brisa de mar le acompañó perfecto. Después, ir por algo de comer, y por razones ajenas a este texto, me perdí una hora y media, y según me cuentan, me perdí de muchísimo al no ver a Lumerians y Bleached, pero yo andaba lejos.

Regresé para ver a Point Loma, la gente –en su mayoría sentados– disfrutaba de la calidez del sonido que se escapaba de las bocinas; luego llegó Ramón Bostich y su laboratorio de máquinas, llenas de amor por lo analógico y un synth-porn para complementar a las olas de fondo. Otra cerveza, la plática con los amigos. Es de noche y Gonjasufi ya está arriba del escenario; al principio iba bien y luego, fue pura confusión, no entendí el andar parando las canciones a los pocos minutos, volverlas a empezar hasta tres veces, después quitarlas a la mitad e iniciar otras; me

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En Portada

Un rap sucio, pobre, sexy y anti-cool TXT::

FAUSTO

ALZATI

FERNĂ NDEZ

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D ie A nt woord

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Hay pocos motores humanos tan potentes como el resentimiento. Podría incluso argumentarse que Karl Marx así lo creía. Él y prácticamente todas las celebridades entrevistadas en MTV o en E! que se cambia a una escuela más grande donde lo Entertainment Television. Tan consideran cool. Muy Van Gogh la cosa, pero, claro sin morirse antes, de favor. Puede, sin duda, resumirse a pronto comienzan a hablar de una suma de “likes”. El rap y el rock están repletos de historias así. Bandas que pasaron de tocar en bares su pasado y awebo tienen que sucios, donde les aventaban envases de cervezas con orines de universitarios, a después bañarse en chamrecordarle al mundo cuán re- paña en las suites más perronas de los hoteles cinco estrellas del mundo, o raperos cuyas comunidades chazados fueron en la prepa. pensaron eran unos bobalicones vendiendo piedra en una sórdida esquina, y ahora tienen rines cromados Cada uno de ellos promocio- de platino para sus Bentleys y ofrecen donativos millonarios a los centros comunitarios de sus antiguos nando la versión underdog de barrios... Ésa es la promesa del reconocimiento: un contraste deleitable. Es el paraíso que mantiene a su vida, como si la prepa y la todos los aspirantes a la fama intentando una y otra vez. Es lo que vende plumillas de guitarra en la adolescencia, no fuesen, per Sala Chopin.

La historia de Die Antwoord no es muy se, un infierno de procesos de distinta a este cliché de la fama. Y no tendría por qué serlo. En ese sentido, todas las historias de cómo se angustia y socialización. Para llega a la fama son aburridas (escuchar a los miembros de una banda hablar sobre su éxito es tan intetodos, parejo. Claro, hay quie- resante como oír a jugadores de futbol hablar sobre un partido, redundan en obviedades en un crescendo de apatía). Salvo que sea tu historia, por supuesto. nes usan toda esa ansiedad Entonces seguro te encantará repetir tu recuento de pompa y poderío una y otra vez, hasta aburrirte y desilusión como gasolina solito. Pero el que una historia se vuelva aburrida no es motivo para no procurar la fama. Chambeando y para perseverar, mientras chambeando. Las arrugas en la cara de Ninja, uno de que otros, en un marasmo de los vocalistas de Die Antwoord, es testimonio de ello.

Llevaba años dándole y dándole en la escena sudafrirencor y pereza mental, sim- cana de hip-hop, sin armarla del todo, sin convencerse de lo que hacía. Pero le siguió atorando, hasta que plemente se hacen mierda. Es se juntó con DJ Hi-Tek y la bizcocho freak Yo-Landi Vi$$er. Con estos peculiares elementos, encontró su difícil mantener en neutral un sonido, dice; un progreso, un estilo al que podía entregarse por completo (léase con tono de romance de telenovela, sil vous plait). Por más que haga parodias motor tan potente.

L

a fama, además de entrevistas para Rolling Stone y boletos para los Grammys, incluye la reivindicación del valor propio por medio del desproporcionado reconocimiento ajeno. Es un valor socialmente agregado. Gracias a muchísima gente, ahora la estrella puede decir que la gente que antes los despreció estaba mal. Es como un chico rechazado

de las tramas de la fama, lo cierto es que este trío gestó una forma de expresión propia y con ello, un modo particular de echar desmadre.

La historia es lo de menos.

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que sus ganas de mostrar la superioridad de su “buen gusto” o su “gusto raro”. Supongo que cada pavorreal exhibe su plumaje como mejor entiende.

Como sea... En 2008, Die Antwoord saca su La así llamada contracultura es ya poco primer disco, $O$, que comenzaron a distribuir gratis en línea. Su tirada era más bien la de ser escuchados más que una serie de innovaciones al mercado y, en y continuar tocando en vivo localmente para ir levan- general, a la estética mutante de la publicidad (el modo en que presenta sus valores). Si acaso existe la tando poco a poco su auge, pero la red jugó un papel contracultura no es contra o anti de nada, no se define crítico en la carrera de esta banda ­–su caso es un poco como el de los Vazquez Sounds–. El disco suelto en contraste de eso “otro”, y no se encuentra, en todo en la red no la pegó en grande, y fue hasta diciembre caso, en las sobras del rocanrol, donde la transgresión es no solo una obligación, sino que además está cerde 2009 cuando subieron el video para “Enter the tificada. Hasta MTV se cansó de pasar tantos artistas Ninja”, que despegaron macizo.

Millones de clicks: se viralizó como el AHN1. tan MTV por ser anti-MTV y ya mejor pasa realities Es comprensible ya que Die Antwoord, más que músi- puñeteros (y digo puñeteros porque son pubescentes y no le llegan a los tobillos a Cheaters o el legencos en sí, son un concepto, un conglomerado de nociones para los sentidos, y su propuesta visual es, a la dario Cops).

Asumamos, carajo, que la historia terminó, fecha, formidable: dinámica, iconoclasta, glam-trash, que la ideología es un cereal que ya se agotó y sólo bien producida y medio kitsch. Con la lluvia de clicks vino el contrato de Interscope (disquera que abriga a queda ver qué tan aguado te lo comes, o si usas cuchara o lo sorbes directo del plato. Pero, menos mal, Nine Inch Nails, Marilyn Manson, Eminem, Fergie...) porque acabada la ideología (en cuanto al sistema y la gira mundial. Y con ello, obvio, llegó el tan anheeconómico global, que ahora ya sólo se reedita en lado: “Tomen eso” que todo buen resentido suma a postproducción), reina sobre la fantasía moral utósus logros. pica el mero principio del placer y la expresión de

Lo reitero porque dos discos más tarde, el la subjetividad. espíritu de ese resentimiento sigue presente en sus

Así, eso que tantos artistas antes rechaproducciones. Y me parece lo menos afortunado de sus rolas. Digo, ¿en el tercer disco no se supone que zados y ahora aplaudidos, llaman venganza, sólo se debes quejarte de cómo la fama no te deja ir al Oxxo llama “plusvalía”. Lo único medio punk que nos qu como todo hijo de vecino, o sobre cómo la cocaína y el eda es la canción “Happy” de Pharrel; en tanto no es apologética, no requiere justificarse en ningún sufrisexo casual han dejado de tener tal encanto?

Además, ese rollo de “ustedes nunca creye- miento o supuesta superioridad moral/estética. Es ron en mí” es tan esencialista. ¿Cómo van a creer en una de las pocas rolas que no es cristiana de fondo ti si no has logrado nada y sólo pueden conocerte por (en tanto la mayoría del punk –y sus crías– es tan Jesus Christ entrando al templo y tirando las mesas tus obras y no por alguna esencia metafísica que te de los mercaderes). define y marca tu destino hagas lo que hagas?

Antes de continuar a debrayar sobre las pis ¿O qué la fama no te cambia, la moda no te tas del reciente Donker Mag de Die Antwoord, hay que mueve, una conversación no te afecta, una inhalada de chemo no te pone? Si no, siendo inmutable, ¿cómo aclarar otra cosa: es necesario situar en contexto a Die Antwoord, y no me refiero a que son sudafricanos le haces para expresarte? y que mezclan el afrikaans con el inglés y que claman

En fin, ya dejo el tema, es sólo que espero representar el rollo Zef (básicamente un kitsch sudaque Die Antwoord siga con su exploración y ya se fricano posmo-trash), sino algo mucho más básico: si despoje de ese trauma que ni falta les hace. bien son una agrupación arraigada en la virtualidad,

Es curioso que, dada la historia de esta banda, aún haya quienes consideran a Die Antwoord son, sobre todo, una banda para oír en vivo, mientras como underground o no-mainstream. Siendo que con se revienta a full y se echa desmadre en forma. Hasta el culo de alguna sustancia psicoactiva, claro. tanto ahínco se autoafirman en la validación que el Lo suyo es el circuito de retroalimentación mercado global, por fin, les dio, es un absurdo insípi- do. Aunque lo peor del caso es que aún haya quienes que se hace con el público, en vivo, con sudor salado crean relevantes los términos underground o mains- saltando del cabello y la promesa de una faje en el tream. Al escuchar música, importa lo que ésta evoca aire. Ese rush es su mero mole. No por nada el género musical/comercial al que se les suscribe es el rap-raen nosotros, el placer que genera, las sensaciones que suscita, el infernal ruido en tu cabeza que aquieta ve. Había que mencionarlo porque, en efecto, exhiben marcados elementos de ambos: el rap y la cultura y el modo en que abres los sentidos al mundo y la mente a variaciones en su cosmovisión habitual. Sin raver. En su sonido, en sus letras, en su actitud, en su modo de presentar su propuesta. Hay que tener esto embargo, no faltan quienes en busca de un refugio en cuenta a la hora de poner su disco. Así, me dispuse para sus inseguridades, albergan la fascinación por la disonancia, o por güeyes que orinan sobre platillos a escuchar el recién horneado Donker Mag, pues. M de batería conectados a un amplificador durante tres minutos 33 segundos. Y reconozcámoslo: no son más

1. “Don’t Fuk Me” Esta intro es un guiño, una gracia sin gracia. Proporciona una noción de actitud, un hashtag sonoro, un supuesto vistazo a la cotidianidad de la banda.

9. “Pitbull Terrier” 2. “Ugly Boy”

Una pista trance-rave cualquiera. Con un video

De lo más rifado del disco. Reminiscente a la

picudo, eso sí.

tremenda “I Fink You Freeky” en su previo Ten$ion. Una pista sexy para pasarla bien.

10. “Strunk”

Punto.

Con estribillo rockabilly clásico hacen una suerte

3. “Happy Goy Sucky Fucky”

de acordes menores siempre son buenos para lo

de trip-hop, demostrando que las progresiones

La

Techno-reven (en el mejor caso, bien para

emotivo. Mi pista favorita del disco. Un track vulne-

un videojuego de peleas tipo Mortal Kom-

rable y potente.

bat, mas no para descargar y traer en el

disección

Donker

En Portada

Mag:

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11. “Do Not Fuk Wif da Kid”

4. “Zars”

niña robot de anime noventero. Talking shit. Perfec-

Otro de esos clips sonoros identitarios.

tamente prescindible.

Yo-Landi de hater, escondida tras su efecto de voz

Claro sobre el idioma, Afrikaans, etc.

de

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celular). Chafa.

Aburrida. ¿Y si mejor hacen una rola

12. “Rat Trap 666”

chida en vez de contarme sobre sus

Rimas amenazantes. Un intento de gangsta rap.

hábitos lingüísticos?

Bah.

5. “Raging Zef Boner”

13. “I Don’t Dwank”

Recuerda a los primeros discos de

Atasque lírico a capella. La reiteración autoafir-

Eminem al estilo Slim Shady. Espero

mativa de “miren, estoy cabrón y ustedes me la

puedan mejorar tanto como lo hizo

pelan”. Pero pa’ cabrón, cabrón y medio.

Eminem. Y el disco tiene, más adelante, muestras de que sí...

14. “Sex”

6. “Pompie”

Kenji Kawai). Rimas sabrosas. Destreza rítmica

(Rip off de Daft Punk como mezclado con coros de Narcisismo indulgente insípido. Sí,

kinky. Con un halo de Tricky en las rimas. Afterera.

esa pista del disco.

Tachosa. Rifa.

7. “Cookie Thumper”

15. “Moon Love”

Una buena rola decadente. Buena para estar in-

Capricho post-rockerón.

toxicado en un rave de bodega bailando con chicas vestidas de unicornios eléctricos. Nomás.

16. “Donker Mag” Oraciones agnósticas “save me from myself”. Per-

8. “Girl I Want 2 Eat U”

sonal. Post-rocker/ambient. Una pista tremenda

Aprovechan un fondo como de rave balcánico en

para cerrar el disco.

mal ácido para elaborar sobre el cunnilingus. Ok.

En general, a ratos suena como si Skrillex sodomizara al wey de The Prodigy en un reven de Green Velvet. En otras ocasiones suena como el mixtape que Deadmau5 le regalaría a Moloko en Día de Muertos. En todo caso, prefiero sus rolas cachondo-divertidas o sus travesías sentimentales solipsistas. Sus tantos debrayes confesionales anabólicos y vómitos rencorosos son ya su punto bajo. Sin embargo, y esto es lo mejor, con Donker Mag han mostrado las posibilidades de hacia dónde pueden empezar a moverse y abrirse rutas expresivas. Dan señales, irrefutables, de que son un combo potente con una propuesta fresca. Aún creo que Die Antwoord (que quiere decir “la respuesta” en Afrikaans) es la respuesta a la siguiente pregunta: ¿qué viene después de t.A.T.u.?

Teoría de la ética, anti

VENOM

Según autores como Bernard Williams o John McDowell, tanta teorización sobre la ética ha forjado un movimiento que asegura que estas teorías son una pérdida de tiempo, a este movimiento se le conoce cómo “antiteoría” y a sus seguidores como “antiteóricos”. Ese afán de aplicar el método científico a todo razonamiento da como resultado estas rebeliones académicas.

Universo, anti

-imirped sol ,evol dna ecaep led osacarf le sarT salguoD ed orbil le ne sodatarter ,X socihc sod a dadivitagen y nédsed noc necerc ,dnalpuoC -itna a soledom omoc odnatlaxe ,roiretna ol odot .niaboC truK omoc selanoicareneg seoréh

...

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W

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X

eneraciónG ,

WW Aunque oficialmente se le conoce como la Word Wide Web, también se relaciona con el número 666 de la Bestia o Anticristo mencionado en la Biblia, entre otras cosas, por que la “waw” o “W” es la sexta letra del alfabeto arameo, idioma que se hablaba en el Nuevo Testamento. Otros Anti-cristos famosos: Hitler, Aleister Crowley y El Vaticano.

Este último, señalado porque sumando las letras “vicarivs filii deii” que representan al Papa en turno, da la cifra en su equivalente en nomenclatura romana de los tres números seis.elemento.

Marvinismo

Como antítesis de los mitos occidentales. los héroes de los dibujos animados japoneses tienen que morir para que se lleve a cabo una resurrección más poderosa. En el caso de Mazinger Z, éste es destruido en el último episodio de la saga original de fines los años 70. para regresar como Gran Mazinger. En la misma serie, un personaje como el Barón Ashura mostraba una dualidad que podría parecer una contradicción pero que en realidad era un complemento, un oxímoron en el que el anta-

En el universo de Spiderman, Venom alguna vez fue su nuevo traje especial generado en una Guerra Secreta Intergaláctica. Con el tiempo resultó ser la contraparte oscura con vida propia que estaba llevando al superhéroe por el lado maléfico del camino. Actualmente es uno de los villanos más recurrentes en el universo Marvel. Por cierto que Venom también cuenta con su “anti-venom” (otra paradoja). Y sí, hay un grupo de pioneros del black metal llamado así por si te lo estabas preguntando.

Z, Mazinger

Yin y Yang

Si bien se refiere a complementación y no a aniquilación, la relación entre materia y antimateria es similar a la idea del yin-yang. Esa unión forma un “todo”, y el encuentro entre la materia y la antimateria da como resultado la “nada”. En cierto punto, los conceptos de “nada” y “todo” por su naturaleza absoluta, tienden a coincidir.

Este universo hipotético sería el resultado de la existencia (o no existencia) de la antimateria residual generada por el big bang. Algunos teóricos afirman que así como se descubrió el positrón que es la partícula opuesta al electrón pero con la misma masa, igual puede haber un anti-universo con tu “yo” negativo rondando por ahí. Pero como cuando juntas materia con anti-materia ambas se neutralizan y desaparecen, es probable que nunca conozcamos ese mundo y a tu gemelo negativo malvado, ya que el encuentro de ambos mundos generaría una fuente muy intensa de rayos gamma que harían insostenible la vida… A menos claro, que viviéramos bajo las leyes físicas de los cómics, y que se generarán seres como Hulk.

“Prohibido prohibir” fue el slogan de ese mayo de 1968. En cierto modo, aquella paradoja explica muy bien la esencia del prefijo ANTI: “contrario, que lucha contra…”, porque cuando eres anti “cualquier cosa”, automáticamente te conviertes o en un simpatizante más de la tendencia contraria, o bien, en un nihilista que al final del día está favor de negar todo. Son esos dos caminos los del anti-héroe, el insoportable grinch, el antievolucionista que ahora es el actual escéptico que reniega del nuevo “dios” de “los otros”, esta vez un humano que se apellida(ba) Darwin. Este diccionario con fuertes pero involuntarias implicaciones antiLarousse en un antiorden, es sólo un pequeño ejemplo que retrata momentos, filosofías y hasta personajes donde la palabra ANTI tiene algún sentido.

Rock in opposition (RIO)

Antecedente no oficial del avant-garde. Se trató de un movimiento romántico idealista un tanto efímero que, tomando como punto de partida al rock progresivo, se establecía como un género anti-establecido como reacción al sistema discográfico de los años 70. RIO cuestionaba las formas de distribución musical y pugnaba por la libertad artística. Eran indies sin saberlo y su slogan era “lo que las compañías disqueras no quieren escuchar”. Para más detalles, consultar el documental Romantic Warriors - A progressive Music Saga.

Q

El movimiento punk fue el definitivo acercamiento radical del rock a la anarquía y aunque se volvió popular masivamente como sucede con casi toda moda surgida en el underground, dio origen a muchas tendencias que trascendieron la música. Aunque realmente su actitud anti-todo no correspondía objetivamente a los postulados básicos del manual del anarquista y se emparentaba más bien con el nihilismo.

dnoB semaJ ed agas al ed ejanosreP oicivres led oreinegni omoc egnuf euq -dag ed rodeevorp y ocinátirb oterces omoc Q otnat ,nomaD ttaM núgeS .steg y ”satsilairepmi“ sejanosrep nos ,dnoB -óicos y onigósim nu ,etnega omsim le y sinitram odnamot asap al es euq“ ,atap rellik-ohcysp nu omoc ”etneg odnatam le ,senoicaralced satse noc .”adreim ed sám dnoB-itna le ne etreivnoc es rotca sarrab ed( aloc ahcum noc orep ,osomaf .nesip el euq )sallertse y

Punk

Selman Waksman (1888-1973)

Superhéroe ucraniano cuyo “súper poder” fue ser el primer científico en acuñar la palabra antibiótico y sentar las bases para que en la actualidad te pudieras contagiar de, digamos gonorrea, y salir mejor librado que tus ancestros nacidos antes de este ganador de Nobel o de Fleming y Pasteur. Los antibióticos pese a su aparente significado contradictorio, fueron descubiertos cuando se comenzó a notar que ciertos micro organismos podían ser antagónicos a infecciones biológicas dañinas.

M

o

d

a

a

n

t

i

También conocido como el movimiento normcore, esta tendencia es como la antítesis del ya desgastado hipsterismo, ya que promueve la actitud de vestirse como sea sin importar marcas ni estilos teniendo como único fin la comodidad y derrocar la pretenciosidad. El término lo acuñó el colectivo afincado en Nueva York, K-Hole, quienes se dedican a elaborar marketing donde arte y consumismo puedan embonar. Los héroes del normcore son Jerry Seinfeld y sus secuaces.

Knol

K n o l (knowledge), surge como obra de referencia online creada por Google, con la pretensión de darle seriedad académica al problema de la famosa enciclopedia DIY Wikipedia: la autoría y veracidad de sus contenidos. Se quedó en el intento y desapareció en 2009, sólo dos años después de su creación. Pretendía ser anti-wiki y terminó siendo anti-sí misma.

Marvinismo

s-Anti Según el Urban Dictionary, se trata de los opositores a todo lo que Barack Obama diga o haga (si dice blanco, ellos dicen negro…por ejemplo). En Tennessee, un entrenador de deportes fue despedido por grabar y distribuir entre sus alumnos la canción anti-o´s llamada “When you´re holding a hammer, everyting looks like a nail”, con claras consignas anti-presidenciales.¿Cómo nos iría con un movimiento y canciones Anti-EPN ?

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O´

iluminatti, anti

Facebook, liga anti

Movimiento que podría parecer de la resistencia de la serie televisiva V, pero que en realidad busca desenmascarar y evidenciar a los que ellos llaman “los verdaderos amos del mundo”. Los iluminatti, camuflados como personas respetables de la élite mundial (gobernantes, artistas, etc.), que en realidad se tratarían de reptiloides de otra dimensión asociados a la serpiente del jardín del edén, que controlan la economía, hacen auto-atentados y siempre dejan referencias, como su símbolo de una pirámide con un ojo en medio o “el ojo que todo lo ve”, que sale tanto en discos de The Sisters of Mercy, como de The Alan Parsons Project o en playeras de Miley Cyrus. Su finalidad, instaurar un nuevo orden mundial. Para más referencias, ritualypropaganda.com

Una de tantas páginas dedicadas a denostar la red social creada por Mark Zuckerberg; se cataloga como la primera plataforma antiFB y cuenta incluso con un manifiesto de cinco puntos en los que, entre otras cosas, acusan anti ,entuza a la red -om nu se ,azutneg-itnA o elliacar-itnA social de ser una euq 0102 ne odigrus obofónex otneimiv h e r r a - y selbisiv seredíl renet on ed abatcaj es m i e n t a -en a raslupxe ovitejbo omoc aínet euq de mani- -eg ne setnargimni e senamlusum ,sorg ars Von Trier pulación Uno de los artífim a s i v a . -ivom etsE .siraP ed sellac sal ed laren ces del movimienPor si ”sesecnarf sol arap aicnarF“ ed otneim to cinematográfico q u i e r e s a ocop odnazivaus y odnagapa euf es Dogma 95, que ensuicidare s s o v i s e r g a s á m s o r b m e i m s u s y o c o p tre otras muchas te cibera c i d a r s á m s e n o i c a z i n a g r o a n o r a s a p cosas abogaba por néticamente .ahcered amertxe ed sel la anti-producción. hablanAños más tarde, ya do, incluyen herramienalejado de sus votos, el director filmó tas para borrar definila violenta Antichrist. Para seguir con el tivamente tu cuenta, prefijo “anti” relacionado con Von Trier, sin arrepentimientos. en la película Nymphomaniac, el direc¿Estás decido? Entra a tor se proyecta sutilmente a través del ligaantifacebook.com. ar, pero antes, ve a mi personaje de Stellan Skarsgård, como cuenta y dame un like un antisionista, aclarando que “no es lo por última vez….por mismo que antisemita”, como para jusfavor.

G

NIHILISMO

La corriente anti todo por excelencia; niega todo manifiesto social, religioso y político.

Una de sus paradojas más evidentes es que se niega a sí misma tificar el escándalo en Cannes del 2011 al chocar de cuando dijo simpatizar con Hitler. frente con el existencialismo.

Marvinismo

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Huxley, Aldous

De su cabeza salió Brave New World (Un Mundo Feliz), una fábula sobre la deshumanización en clave de futurismo amargo. El autor que también escribía reportajes críticos sobre filosofía y ciencia, estaba en contra de todo significado de la existencia y era virtual detractor de toda teoría metafísica, aunque contradictoriamente estaba muy interesado en los temas místicos.

Deconstrucción, Antiarquitectura Obra del teórico australiano Nikos Salingaros, que se presenta a sí misma como “un triunfo del nihilismo” y que CAOS, TEORÍA DEL analiza de lo esEn física: teoría anti-razón u orden, la combinación pecífico a lo general, la relación y sentido de la filosofía del en una misma estructura sintáctica de dos significa- proyecto arquitectónico con la obra dos opuestos (oxímoron), da lugar a un nuevo sentido construida. Sus tesis son opuestas a que destruye lo anterior. Entre sus postulados, asegura las de los teóricos arquitectónicos que la naturaleza se mueve de un estado de orden tradicionales y por lo mismo, muy perfecto, hacia un estado desordenado. Se dice que la denostadas en los círculos “serios”. Economía es, a su vez, la anti-teoría del caos. Ojo: el Uno de los capítulos de la obra se personaje de Southpark, el profesor Chaos (Butters), titula “El nuevo traje del emperador no ejemplifica lo explicado en las líneas anteriores. (deconstruyendo a los deconstructivistas)” como para que se den una idea.

tantes, Tricky, Wilco y Tom Waits, te pueden acusar de todo, menos de tener malos gustos. El label fue fundado en 1999 en Estados Unidos con miras en el punk, pero como podemos ver, después se volvió más incluyente pero igual de exquisito.

virtudes del superhombre, pero a la inversa.

Nietzsche se confundiría mucho

si leyera el cómic.los temas místicos.

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AntiRecords.

Si en tu sello han grabado Bod Mould, Elliot Smith, Os Mu-

Bizarro

La antítesis de Superman, cuyo planeta (Htrae) es cuadrado.

El personaje, que ha sido actualizado en múltiples casiones, mantiene intacto el concepto de que es un antí-Superman con todas las

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Establishment, Anti Término también conocido como contracultura, acuñado en 1958 por la revista inglesa New Statesman y que sirve para definir a todo aquello contrario a las normas existentes. Los sujetos van cambiando según el contexto y la época, por ejemplo, James Dean fue considerado en su momento como parte del anti-establishment y hoy podría parecer muy naive, porque los íconos son sustituidos generacionalmente.

Cornelius Cardew La composición es un accidente TXT:: LUIS ARCE

La escena es bastante sencilla: un automóvil es conducido a toda velocidad por la avenida Leyton al este de Londres. Las manos como soldadas al volante y el pie izquierdo empujando el acelerador con una intensidad tal, que podría llegar a romperlo. Una bella escena de velocidad, descrita miles de veces y filmada otras tantas. Es una escena cotidiana, normal, casi un lugar común por el cual podemos transitar sin detenernos a pensar demasiado en su significado. Sin embargo, esta escena también cuenta con otros detalles: en ella hay un hombre; un hombre que tranquilo o no, avanza, meditabundo, por esta avenida. Es la clase de hombre que cuenta sus pasos, que suele reflexionar sobre absolutamente cualquier estupidez, porque entiende que de no hacerlo, alguien más lo hará; quizás alguien sin su inteligencia o su entendimiento.

El hombre en nuestra escena responde al nombre de Cornelius Cardew y su papel es trágico.

De Culto Música

en otra característica de la partitura. No sólo rechazaba las estructuras musicales que ahogaban a Occidente –es bien conocida su crítica al trabajo de Karlheinz Stockhausen–; también desarrolló un método de escritura que le impedía, por volición y desde luego por cierto espíritu vanguardista, decirlo o escribirlo todo en la partitura. A diferencia de otros compositores que decidieron explorar el sonido y su manejo dentro del espacio, Cardew fue capaz de desarrollar todo un sistema que apelaba a la partitura vista como práctica del espacio y al intérprete como una extensión de los significados y apropiaciones descritos en la misma.

Por supuesto, Cardew comprendió pronto que su música, fervientemente política, fervientemente antifascista y sobre todo, fervientemente antiacadémica, estaba lejos de encuadrar en las cúpulas de la escolástica musical. Las interpretaciones de su obra eran mucho más parecidas al metal al rojo vivo, que a una tuerca que gira alrededor de un tornillo. Simplemente reclamaban otros espacios, y en ocasiones como The Great Learning, la creación de otros conjuntos.

Cardew intuyó que la exposición especular a la cual había sometido sus composiciones, resultaba de una comprensión un tanto complicada para la mayor parte de los intérpretes. A la sombra de su partitura, la lectura convencional se convierte en una lectura simbólica, desarmada y que vuelca constantemente diversas interpelaciones sobre sí misma.

Una comprensión de la partitura con tantas dificultades, motivó la creación de un ensamble específicamente diseñado para la interpretación de Cardew: la Scrath Orchestra.

Para comprender la magnitud de esto, quizá debamos detenernos un poco más en esta observación. La Scratch Orchestra muestra en la mayoría de sus interpretaciones una disciplina que no parece atañer al espíritu de libre improvisación que circunda al ensamble. Cardew comprendía que la música desde su interpretación tiene posibilidades ocultas. Por ejemplo, el secreto del espacio que deriva de las notas, es que puede corromperse, derivar en nuevas formas de entendimiento –o desentendimiento musical–. De ahí el origen de su obra cumbre, un escrito de 193 páginas que lleva el nombre de Treatise y del cual no hablaré, pero realizaré una atenta invitación a escucharlo y de ser posible, intentar su lectura.

Esta visión extremadamente meditabunda de la composición musical, le permitió explorar nuevas formas de entendimiento entre el intérprete y la partitura. Formas que evidencian cómo diversas posturas estéticas, vocales e instrumentales interactúan en la práctica interpretativa. Piezas como The Great Learning no pueden entenderse sin ese principio, sin la sugerencia de una relación que está siendo creada justo en el momento en el que es ejecutada. De esta clase de procesos compositivos, Cardew derivó en variadas afirmaciones de sus posturas políticas. La convivencia entre arte y política no era solamente de artificio, pues dicha coyuntura se resolvía con una simple fórmula: todo acto de creación es también un acto político. Un acto con una congruente vertiente filosófica-ideológica y una comunión personal entre material, artista y posición de enunciación. M

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etalles como la velocidad final del automóvil en el momento del impacto, el último pensamiento de Cardew o las circunstancias que dieron origen al atentado, pueden ser obviados. Resulta irrelevante mencionar o aclarar algo sobre este suceso, y aclararlo no garantiza que logremos entender la verdadera naturaleza del mismo; porque este accidente, a diferencia de muchos otros choques, parece deliberado; parece uno de esos accidentes cuyas características están tan bien pensadas, que de acomodar las piezas, de colocar cada uno de sus elementos ante la lupa de la inteligencia, posiblemente descubriríamos un nefasto asesinato o un plan macabro para deshacerse del que, en cualquier otro caso, debería de ser un simple transeúnte.

Pero no lo es; el hombre atropellado es Cornelius Cardew. Y ha sido atropellado, según sabemos, según queremos saber, porque su postura política lo ha convertido en un enemigo de las corrientes ultraderechistas del Reino Unido.

Cardew nació en 1936. Durante su infancia, su padre, un tal Michael Cardew, pasó días, semanas y luego meses y años impartiendo clases de alfarería en países demasiado lejanos de la civilización occidental. Prolongadas estancias en lugares como Nigeria o Ghana, imposibilitando que Cornelius o sus dos hermanos pudieran pasar algo de tiempo con él. Al tratarse de un infante tan inquieto, característica que si bien es intrínseca a los niños, también puede adjudicársele a los genios, Cardew enfocó su inteligencia en la comprensión del fenómeno musical. Se enseñó a tocar varios instrumentos y rápidamente se convirtió en uno de los alumnos más destacados de la Royal Academy of Music en Inglaterra. Sus profesores rápidamente identificaron en él una capacidad mayor de entendimiento y comprensión.

Interpretaba piezas demasiado complejas en su estructura y pensamiento y era un habilidoso ejecutante.

Cardew creció para convertirse en la clase de intelectual que respiraba, comía y bebía sus ideales. La clase de intelectual que se torna un poco insoportable para todo aquel que no comparte su estricta visión de la realidad. Horas antes del supuesto accidente, Cardew había visitado Europa, ahí organizó diversos comités y pláticas con jóvenes comunistas, mientras formaba parte del Comité Central del Partido Revolucionario Comunista Británico. El apego a tales ideales era tal, que algunos aseguran que eso le costó la vida, pero también, y de forma mucho más intuitiva, que le costó la inmortalidad.

Por su naturaleza y tiempo, Cardew es vanguardista. Entendió pronto que había compases que en una partitura permanecen callados. En ellos sólo se lee el silencio (un referente inmediato de estos compases suele ser 4’33” de John Cage, donde el intérprete no toca una sola nota durante su interpretación). Hay otros compases que hacen lo contrario, con una cantidad de notas tan avasalladora que resulta imposible para cualquier intérprete tocarlas todas; de ahí que algunos trabajos de Conlon Nancarrow o la música que varios aficionados crean en sus computadoras utilizando cerca de 3.5 millones de notas, sólo puedan ser interpretados por máquinas. No es una cuestión de virtuosismo, sino una relación que se enfoca en los extremos de las posibilidades que la partitura ofrece al intérprete. Dentro de esta notoriedad del vanguardismo, Cardew optó por enfocarse

ANTI-cLIMAX CINE NO NARRRATIVO TXT:: JORGE GRAJALES

De Culto Música

Hemos naturalizado al cine como una herramienta más para contar historias a través de la imagen y el sonido. Sin embargo, antes de que el cine se estableciera como un medio más para narrar anécdotas, se exploraron otras posibilidades que ofrecía que devinieron en un cine llamado experimental, avant-garde, expandido o visionario. Un cine anti narrativo que ofrece otros derroteros artísticos. Cine que incluso se puede realizar sin cámara.

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De Culto Cine

45 minutos a un zoom discontinuo en un pasillo de un cuarto hacia la superficie de un cuadro durante varios días y noches, acompañando de un sonido discordante. Snow describe así su filme: “... Una suma de mi sistema nervioso, dudas religiosas e ideas estéticas. Yo estaba pensando cómo planificar una obra sobre el tiempo en la que se evocaría la equivalencia de belleza y tristeza, intentando hacer una declaración definitiva del puro espacio visual y temporal del cine, equilibrando “ilusión” y “realidad”. El espacio sale de la cámara-ojo (espectadorojo), está en el aire, luego está en la pantalla, luego está dentro de la pantalla -de la mente.

La película es un continuo zoom que dura 45 minutos yendo de su campo más amplio al más cerrado. Se tomó con una cámara fija desde un extremo de un apartamento a 80 pies de altura, registrando el otro extremo, una fila de ventanas y la calle. El recorrido visual de la habitación (y el zoom) son interrumpidos por 4 acontecimientos humanos incluyendo la muerte. El sonido en estas ocasiones es un sonido sincronizado, música y diálogos se desarrollan simultáneamente con un sonido electrónico, que oscila desde su más baja frecuencia (50 ciclos por segundo) a la más alta (12000 c.p.s.) en 40 minutos. Es una dispersión total del espectro que intenta utilizar los dones de anticipación y memoria que sólo el cine y la música pueden ofrecer”.

Algunas de las características delineadas por Sitney se encuentran también dentro de la obra producida por el colectivo Fluxus fundado por George Maciunas en 1962. Dentro de este colectivo (entre los cuales precisamente se encontraban los mencionados Yves Klein y John Cage además de Yono Ono) surgirán las bases para el desarrollo del arte acción e incluso del videoarte -creado este último por el sudcoreano Nam June-paik– que tiene varios puntos en común el cine experimental anti-narrativo de esas épocas. Paik, es también el artífice de una de las películas más controvertidas de este colectivo: “Zen For Film” que consiste sólo en un rollo blanco de 16mm proyectado en la pantalla (cuya duración original era de 30 minutos) como una manera de cuestionar y reflexionar acerca del sentido de lo cinematográfico, viendo el transcurrir del rollo que acumulaba cada vez más polvo e imperfecciones que al ser proyectadas le recordaba al espectador que no estaba viendo meramente una pantalla en blanco.

Hoy día, continúa la exploración de este tipo de disgresiones anti narrativas en el cine y su relación mucho más cercana con otras disciplinas del arte, como lo vemos en la obra de Matthew Barney en su ciclo de Cremaster, toda una obra total conformada por piezas de música, escultura, performance, cine y video. Por obvias razones, mucho de este cine anti narrativo es difícilmente exhibido fuera de su campo natural de pertinencia que serían las galerías de arte y museos. Son raros los cineclubes que le dediquen funciones, aunque ciertamente hay cada vez más festivales de cine que le abren un espacio; FICUNAM siendo el único que le da un lugar preponderante. Recalco el hecho de que no me deja de parecer extraño este desdén, ya que el cine comercial gringo cada vez más nos ha acostumbrado a un cine carente de narrativas cuyo único objetivo es presentar vistosos efectos especiales creados por computadora durante dos horas, al grado de que ya deberíamos estar acostumbrados al concepto de lo anti narrativo en el cine. M

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o es que el cine haya sido inventado junto con un manual de instrucciones en donde se dictara que necesariamente se tienen que contar historias. Ya los futuristas se daban cuenta de las posibilidades cuando sacaron su manifiesto en 1911 en donde se podía leer: “El cine es un arte per se. El cine no debe por lo tanto copiar nunca el escenario. El cine, siendo esencialmente visual, tiene que realizar antes de todo la evolución de la pintura: desprenderse de la realidad de la fotografía, de lo bonito y de lo solemne. Volverse antibonito, deformante, impresionista, sintético, dinámico, libre de palabra.”

La compresión de estas posibilidades que ofrece el cine más allá de ser una recreación de lo teatral o de lo vodevil permea de manera natural en las corrientes modernistas del arte que se suscitan en Europa, como el mencionado futurismo y al cual podemos sumar también el expresionismo, el cubismo, el simbolismo, el dadaísmo, el constructivismo o el surrealismo. Artistas procedentes de diferentes disciplinas artísticas como la fotografía, la escultura y la pintura como Man Ray, Marcel Duchamp y Fernand Léger incursionaron en el séptimo arte.

Emak Bakia (1926) y L´ étoile de mer (1928) de Man Ray, dos obras que dislocan la lógica narrativa evocando la irracionalidad del subconsciente, son los ejemplos perfectos de un cine surrealista no narrativo inspirados por nociones Freudianas y que junto a Un Chien Andalou (1929) de Luis Buñuel y Meshes of the Afternoon (1943) de Maya Deren tienen un profundo impacto incluso dentro del cine narrativo, como el realizado por David Lynch.

Por otro lado, un cine más preocupado por estudios abstractos sobre el ritmo, movimiento y composición de las imágenes empezó también a tomar fuerza. Primeros ejemplos de ello son los filmes de Hans Richter (Rhythmus 21, Vormittagssupuk), Férnand Leger (Ballet Méchanique), Viking Eggeling (Symphonie Diagonale), Marcel Duchamp (Anemic Cinema) y Ralph Steiner (H2O, Mechanical Principles). La atención de este “cine puro” fue cambiando una vez que se alejó de las corrientes artísticas avantgarde europeas de principios del siglo pasado para centrarse a exploraciones del medio mismo en el llamado cine directo, en donde se interviene el celuloide y es posible realizar cine sin cámara, como en las obras de Len Lye y Stan Brakhage.

Esta preocupación enteramente formalista de esta particular corriente del cine anti narrativo, daría pie a lo que el especialista en cine experimental norteamericano P. Adam Sitney llamaría filmes estructurales. El surgimiento de estas películas a mediados de los años 60, es consecuencia directa del cisma que se había producido dentro del campo del arte que empezaba a cuestionar las nociones y funciones tradicionales del mismo replanteándose su papel en esos nuevos tiempos con artistas como Jason Pollock, Yves Klein y John Cage, rechazando el arte-objeto y creando el arte efímero y los happenings, precursor del performance.

En el cine estructural Sitney identifica cuatro elementos: parpadeo o destello, posición fija de la cámara (no necesariamente estática), montaje en bucle o repetitivo, refilmación de la pantalla. Eso sí, no necesariamente los cuatro tienen que estar a la vez para que la película sea estructural. Muchas de las películas de Andy Warhol, entran dentro de esta definición del cine estructural, aunque el filme más representativo de esta corriente sea tal vez Wavelenght del canadiense Michael Snow. En Wavelenght asistimos durante

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Una agitacion anti-estetica Destruir para crear TXT:: REGINA ZAMORANO LICEA Si la naturaleza del arte es la creación, ¿habría algo más anti-arte que la destrucción? Si lo humano es vivir, ¿habrá algo más anti-humano que la guerra y el asesinato? Eso precisamente era lo que deseaba demostrar el arte auto-destructivo. Cuando pensamos en anti-arte, inmediatamente nos viene a la cabeza Duchamp, los dadaístas y fluxus, pero poco se habla de un movimiento de destrucción en el arte que posiblemente influyó la cultura popular post-grungera en la que hasta la fecha vivimos inmersos tú y yo. ¿No me crees? Sigue leyendo...

ARTE ENFERMO Londres, septiembre de 1966. Un grupo de artistas internacionales, convocados por Gustav Metzger, se reúne en el Simposio de Destrucción en el Arte (DIAS, por sus siglas en inglés). Un nombre muy elegante para referirse a tres días de destrucción y autodestrucción artística.

Durante la conferencia de prensa, uno de los artistas invitados, Raphael Montañez Ortiz, destruye una silla a mano y patada limpia frente a los periodistas boquiabiertos.

Uno de los reporteros escribiría: “Hoy tuve la mala fortuna de presenciar un arte enfermo”. Y sí, dentro y fuera del festival, se llevaron a cabo acciones que incendiarían (literalmente) el status quo de la apretada ciudad británica y –¿por qué no afirmarlo?– del mundo.

AL DIABLO LA LEY, LOS PIANOS Y LA ROPA Una de las obras que marcó no sólo el Simposio, sino el imaginario popular, fue sin duda el legendario performance del artista Raphael Montañez Ortiz, estadounidense de origen puertorriqueño y mexicano. Presentado por primera vez en el DIAS, Ortiz ha creado y recreado más de ochenta veces a lo largo de su carrera sus Conciertos de destrucción de piano, en los museos y galerías más nice del planeta. Como habrán adivinado, el artista, hacha en mano, reduce a astillas un piano, mostrando así lo que le hacemos nosotros mismos a nuestra cultura.

Mientras Ortiz destrozaba instrumentos musicales, el artista John Latham realizó una quema de tres torres de libros frente al Museo de Historia Británico. Titulada SKOOB Towers, la obra simbolizaba la quema de las leyes inglesas, y provocó que la policía y los bomberos acudieran al lugar.

En tanto, Yoko Ono presentó un performance en el que su pareja de ese entonces, el cineasta Anthony Cox –faltaban unos meses para que conociera a Lennon–, le recortaba toda la ropa, dejándola en paños menores. Según Ono, esto representaba la destrucción que se vive en las relaciones personales.

GUITARRAS DESTROZADAS Y REVOLUCIONES Según la historiadora Kristine Stiles, el Simposio de Destrucción en el Arte permeó en ámbitos que ni siquiera podríamos concebir, como en el dominio de la psiquiatría y la psicoterapia, puesto que algunos especialistas de este ámbito asistieron a los happenings y performances que se realizaron durante esos días.

¿Y quién no recuerda con cariño nostálgico al joven Kurt Cobain azotando su guitarra contra el piso? Pues sin duda sabes que Pete Townshend de The Who fue de los primeros en hacerlo, pero, ¿acaso sabías que el pequeño Pete fue alumno de Metzger en la Ealing School of Art de Londres y que él mismo declaró que las cátedras de su maestro lo habían inspirado para destruir su instrumento?

La profesora Stiles, especialista en arte destructivo, ha realizado una investigación profunda y original, en la que propone una forma completamente diferente de apreciar el arte en general y su influencia en la cultura humana.

Según ella, el impacto emocional de las obras en los espectadores y en los mismos artistas es lo que genera nuevas formas de pensar y de ser, de ahí que proponga que el DIAS, aunque poco documentado y recordado en años posteriores, en realidad fue la semilla de los movimientos contraculturales de las décadas de los 60 y 70. Una afirmación audaz que, sin embargo, suena bastante lógica.

¿Podría ser que el DIAS haya permitido el estado mental que llevó a la rebelión del ‘68 en distintos puntos del planeta? ¿Que haya impulsado a los jóvenes, incluidos los roqueros, a cuestionar y desmantelar las ideologías y costumbres imperantes? ¿Será posible que hasta la actualidad siga influyendo en nuestras ansias de rebeldía (que son pocas, lo sé)?

Por otro lado, tendría también su lado oscuro… pues nuestro apetito por la autodestrucción también permanece. ¿Acaso no se puso de moda morir a los 27 años, como Kurt, Janis o Basquiat? Pareciera que autodestruirse es cool, es trendy –para muestra ver prácticamente cualquier video en MTV–.

Al día de hoy nadie puede negar que la violencia es glamurosa, estética, producto de consumo y… sí, obra de arte. M

De Culto Arte

HOLA, MUNDO CRUEL Así, a diferencia de los dadaístas y futuristas, que ya habían acariciado la idea de la destrucción, el arte auto-destructivo pasaba a la acción.

Frente a los medios que asistieron al DIAS, Metzger declaró que todo el numerito se enfocaba en los “elementos de destrucción en los happenings y otras formas de arte, y su relación con la destrucción dentro de la sociedad”. Lo que Metzger preguntaba era ¿cómo hacer un arte creativo o constructivo, cuando el mundo ha pasado por tantas guerras, crueldad, masacres y aniquilación? ¿No debería el arte confrontar y reflejar esa barbarie?

El Simposio buscaba también crear un espacio de diálogo acerca de temas que en esos momentos apenas interesaban a psiquiatras y otros especialistas, como la violencia, la autodestrucción humana y la inconsciencia en la que permanecemos pasivamente, hipnotizados por las baratijas que nos venden, mientras nos dirigimos hacia nuestra propia extinción.

Tan sólo por poner el dedo sobre estas incómodas llagas de la naturaleza humana, Metzger fue un visionario.

Además, aunque no lo logró del todo, debido a la cerrazón mental de la época, su intención no sólo era reunir a artistas, sino a científicos y a especialistas en salud mental. Sin embargo, sí logró convocar a alrededor de 100 artistas de varias partes del mundo, entre los que se encontraban Yoko Ono, los peligrosos accionistas vieneses, John Latham y el citado Raphael Montañez Ortiz, por nombrar sólo algunos.

PINTAR CON ÁCIDO En su obra South Bank Demonstration (1961), realizada al aire libre, en la ribera sur de Londres, Meztger, portando una máscara anti-gas y equipo de protección especial que le otorgaba un look nazi-apocalíptico, disparó ácido clorhídrico sobre unos trozos de nylon que empezaron a desintegrarse a los 15 segundos. Sobra decir que media hora después no quedaba prácticamente nada de la obra, más que un montón de jirones de tela.

La obra era una protesta contra la guerra, la mercantilización del arte y el capitalismo. Esta rebeldía contra el sistema le viene de mucho tiempo atrás y tiene sus raíces en su dolorosa historia personal. Metzger, originario de Nuremberg, Alemania, quedó huérfano tras los horrores de la Segunda Guerra Mundial y hasta la fecha no ha reclamado ninguna ciudadanía, por lo que es un hombre sin patria. Llegó a Londres con su hermano cuando apenas era un niño, pero sus padres murieron a manos de los nazis.

A los 17 años ya era comunista, y abandonó la pintura casi inmediatamente para explorar otras formas de expresión. Su dolor ante las atrocidades del mundo y la sed de autodestrucción humana lo inspiraron para revolucionar el arte. A pesar de contar con numerosas retrospectivas en los museos y galerías más importantes, se reconoce poco su aportación ideológica a la cultura popular de las últimas décadas.

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Ya en años anteriores, varios artistas, como el grupo Gutai (de Japón), Jean Tinguely o Robert Rauschenberg, se encontraban explorando distintas facetas destructivas en el arte. Sin embargo, fue Metzger quien ordenó sus ideas y, en sus manifiestos de 1959 y 1961, declaraba la necesidad de hacer un arte que encarnara las implicaciones de la tecnología y la guerra en la vida y el arte. Su definición de arte auto-destructivo era “un arte que contiene en sí mismo el germen de su destrucción en un periodo máximo de veinte años”, aunque también incluía la destrucción manual de la obra por parte del artista.

Realidades que se volatilizan TXT :: Toño Quintanar

Cine

Dos adolescentes beben clandestinos tragos de alcohol en un vagón de tren mientras que, por la ventana, aparecen los matices de la noche parisina. La Torre Eiffel es un gigante que ilumina con su luz ciclópea las oscuridades de una ciudad que, durante esas horas muertas, dista mucho de ser la postal cursi que años y años de clichés icónicos nos han querido vender. Bajo el amparo de las penumbras, la “Ciudad de la Luz” se llena de secretos, de oscuras posibilidades que no se animan a develarse por completo, brindándonos sólo algunos murmullos estériles de ese rompecabezas que es su colosal anatomía.

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s con este inicio con el que la realizadora francesa Héléna Klotz nos sumerge en los pasadizos oníricos de La edad atómica (2011), cinta que ha sido galardonada con múltiples condecoraciones, como son el Premio Fipresci del Festival Internacional de Cine de Berlín y el Premio Jean Vigo a la Mejor Ópera Prima.

Los nóveles actores Eliott Paquet y Dominik Wojcik dan vida a Víctor y a Rainier, un par de jóvenes amigos que, a través de lo que pareciera ser una noche de fiesta cualquiera, nos llevarán a recorrer una serie de delirantes escenarios donde la realidad y la fantasía convergen con inquietante perfección.

La edad atómica es un filme que procura la inflamación de un conjunto de rasgos surrealistas que destacan dentro del plano engañoso de lo creíble. Sin embargo, estas encrucijadas entre lo posible y lo imposible no son evidentes; la

película demanda de su público una percepción casi detectivesca, herramienta que tiene como tarea primordial la identificación de los atributos inexplicables que suceden en la pantalla, para después proceder a hilar la lógica de su naturaleza.

Aquí encontramos una auténtica apología del Realismo Mágico, corriente que se vuelca sobre un estilo fílmico que nos hace pensar en la literatura de Julio Cortázar y Juan Rulfo, a pesar de las obvias diferencias temporales y de contextos.

Uno de los principales aciertos de este discurso son las técnicas narrativas de las que se vale Héléna Klotz para codificar a la capital francesa como un inframundo de expectativas y angustias, donde la noche se vuelve un evento de confidencias sobrenaturales.

Es así como nos topamos con numerosos prodigios

Cine

Una lectura superflua podría hacernos pensar que La edad atómica tiene como primera intención brindar una exploración antropológica de la juventud actual, sin embargo, este filme va más allá de ser un simple documento que pone en evidencia los rompimientos generacionales que se han gestado durante la última década.

La introspección que la cinta hace de nuestro par de jóvenes actuantes nos orilla a definirlos como seres de otro mundo, anfitriones de un caudal de delirios y fatalidades que desborda de ellos cada vez que abren la boca, sepultándonos en una avalancha de cavilaciones efectistas que tienen muy poco que ver con la clasificación objetiva que se tiene de la adolescencia actual.

Víctor y Rainier se vuelven la encarnación de un cúmulo de inquietudes que van más allá de lo socialmente correcto, postura que se radicaliza cuando su desdén por la alienación aceptada les lleva a involucrarse en conflictos de cada vez más notable intensidad.

La excesiva sensibilidad con que manejan sus vidas los hace el blanco de múltiples desencuentros que van, desde el vacío insalvable, hasta el desapego por los sueños aspiracionales de su propia generación.

Estas complejidades emocionales se complementan con la ambivalencia de los contextos en que se desarrolla la obra. En primera instancia, nos encontramos con la euforia de la vida nocturna, del baile y de los encuentros fortuitos que, a pesar de tender casi siempre al desplome emocional, se vuelven testimonios de la existencia terrenal de los individuos.

Sin embargo, conforme la cinta evoluciona, presenciamos la necesidad del aislamiento pacífico. Hecho que se ve traducido en el acercamiento concluyente y, hasta cierto punto aterrador, que se gesta entre el hombre y la naturaleza.

Es así como súbitamente entendemos el espíritu iniciático de este recorrido nocturno. La travesía emprendida por Víctor y Rainier es un viaje de autodescubrimiento en el cual aprenderán a lidiar con esa fuerza atómica que persiste en sus interiores. La furia contestataria, hambrienta de emoción, puede ser canalizada, permitiendo un posterior reposo en las esquinas mundanas de la soledad.

Con una duración de tan sólo 67 minutos, La edad atómica logra introducirnos en una realidad ambigua, donde lo maravilloso parece siempre a punto de acontecer, manteniendo al espectador en una vacilación perpetua que dobla lo cotidiano sin jamás llegar a romperlo; atributo que la vuelve una cinta abiertamente anti convencional y desentendida de los parámetros clásicos del séptimo arte.

Una auténtica declaración de valentía estilística que se vuelve radical frente a un contexto que privilegia lo inmediato y lo fácilmente digerible. M

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Título: La Edad Atómica Año: 2011 País: Francia Dirección:: Héléna Klotz Reparto: Eliott Paquet, Dominik Wojcik, Niels Schneider y Mathilde Bisson.

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de carácter insólito, como es el caso de una discoteca donde, a pesar de la música estridente, los partícipes en los juegos de la seducción se comunican entre sí con susurros bajísimos, cuya excesiva claridad parece sugerir más la concreción de un incidente de naturaleza psíquica que de un simple flirteo.

Otro caso es el de la intempestiva aparición de una muchacha que, de manera misteriosa y dejando mil dudas a la imaginación, intenta hacer que uno de los protagonistas abandone a su compañero; todo con el fin de confesarle el secreto que recubre su inquietante ser.

Klotz nunca acredita o desmiente cualquier tipo de suposición; así como podemos estar frente a un fenómeno paranormal, también cabe la posibilidad de que la bebida y el cansancio estén comenzando a hacer estragos en la percepción de nuestros personajes.

Las pulsiones eróticas se encuentran trastocadas por esta noción delirante. El enamoramiento es una promesa inconclusa, oportunidad que nace casi por obra de un conveniente sortilegio. Esta potencia ilusoria transforma a los objetos del deseo en fantasmas que, de un momento a otro, deciden materializarse en el plano de lo palpable, remarcando de manera más aguda esa escala de irrealidad natural que hace de La edad atómica un trabajo único en su tipo; capaz de transgredir los estándares genéricos de la industria cinematográfica.

Al mismo tiempo, la excesiva estilización de ambientes nocturnos hace de éstos un campo fecundo para los desdoblamientos visuales y sonoros, vulneraciones que ocurren bajo una densidad de ensueño.

La música de la cinta tiene mucho que ver con esto, ya que los matices que la definen tienden a un misticismo que por momentos la mantiene dentro de los parámetros de lo común para después obligarla a alcanzar suposiciones enigmáticas. Todo esto acompañado por un baño de intensos contrastes que dotan de un aura fantástica a los sucesos comunes.

En esta pareja no encontramos a dos adolescentes convencionales. Su desenvolvimiento existencial los vuelve testigos autónomos, sobrevivientes de la naturaleza cada vez más superflua de su ámbito; actitud que hace de esta producción, un experimento de índole marginal y no un retrato limitante de la juventud.

Ejemplo de esto es el hecho de que la dependencia a la tecnología y a la sociabilidad virtual queda desechada de antemano dentro de la anécdota, presentándonos en su lugar a un puñado de muchachos que se encuentran enfrascados en la actualmente impopular actividad de vivir sus procesos afectivos de forma presencial y a flor de piel, sin los intermediarios de la modernidad.

El after que nunca acababa

Cine

TXT :: ORQUÍDEA VÁZQUEZ

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Tiempo atrás, en los años 20; la cerveza, los salones de baile, las ganas de diversión y los sonidos emitidos por un órgano Decap fueron protagonistas en el origen de una importante escena musical en Bélgica. Dichos órganos mecánicos, populares entre la Primera Guerra Mundial y la Segunda, fueron pioneros de la fiesta y fueron artefactos controlados por los primeros disc jockeys de la historia, quienes seleccionaban una a una las melodías y las colocaban casi artesanalmente para poder entretener a los fervientes trabajadores belgas que alegremente y con orgullo, sostenían a sus conquistas de la noche sobre la pista de baile.

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l reino de Bélgica fue creado en 1830, y entre sus tierras se encuentra Waterloo, mítico sitio en donde Napoleón fue derrotado. Conocido como “el campo de batalla de Europa” debido a su cercanía con países como Francia, Holanda o Alemania, la nación belga siempre fungió como punto estratégico en el mapa geopolítico. El diminuto país fue como una esponja que consumió todo lo que le llegaba de alrededor y se dispuso a crear su propia esencia a partir de ello.

Posterior a tanto hecatombe y destrozo a cargo de las continuas batallas, se construyeron miles de kilómetros de carreteras y vías de comunicación que dieron paso a un auge de bares y sitios de recreación que, al instante, la gente no dudo en poblar.

Pronto llegaría la invención del vinilo, las tiendas y su abundancia de discos, la computadora, los sintetizadores, las drogas, los antros, el alcohol, el libertinaje, el baile, las luces

pronto migró a otros lugares, se evaporó y se agotó dejando a los más clavados con la esperanza de que algún día pueda volver.

La nostalgia de aquellos momentos inspiró a Devillé para proyectarnos tres décadas de historia musical subestimada internacionalmente. Haciendo comparaciones con el Northern soul, el house de Chicago, el techno de Detroit o el dubstep de Londres, la capacidad cultural de Bélgica pide revalorarse y encontrar reconocimiento a través de un material honesto que, frente a muchos obstáculos de grabación, derechos de música y financiamiento, pudo compilar la importante colaboración de Bélgica a la música electrónica global. M

Cine

belgas en los 70 mediante discos americanos de los años 50 y 60. Tomó su nombre de un antro llamado así en honor al hit de 1968 ‘Mother Popcorn’ de James Brown, aunque la escena tiene muy poco que ver con el funk”, mencionaba The Guardian en un artículo sobre la escena.

Rectificando, junto con el documental de Jozef, que el periodismo musical muchas veces ha dirigido la mirada con desdén hacia aquel país europeo. Pero cierto es que casi 15 años antes de que las fiestas salvajes y semi-espontáneas de la autopista M25 se dieran a conocer al mundo, en Bélgica ya existía la primera discoteca –que antes fue una granja– albergando a miles de personas que cada domingo bailaban a un ritmo midtempo, provocado por los DJs que bajaban la velocidad de los temas originales. La atmósfera de aquel sitio era agradable, liberal; las normas morales no existían, sin problemas dos personas del mismo sexo podían bailar sin temor; el lugar se abarrotaba, sudor, cerveza y luces se habían vuelto una gran demanda, al punto de no caber dentro y bailar junto a los carros estacionados que rodeaban el edificio. Maravilla decadente.

A partir de entonces, el sonido de Bélgica comenzaba a cimentar su estructura dispersa y alocada, ya jugaba un papel importante en el desarrollo de la música house, pero a principios de los años 80, los belgas no estaban fascinados por Kraftwerk, querían algo más oscuro, más bailable, más intenso. Con ello el New Beat daba inicio a otra etapa gloriosa y surrealista que las pistas de antros como Ancienne o el mítico Boccaccio le dieron a Bélgica, seguido por el boom del techno y R&S Records.

Muchos recordarán “Pump up the Jam” de Technotronic o “The Sound of C” de The Confettis, ambos himnos para un movimiento que exacerbó la vida de la música electrónica – incluso en nuestro país o Argentina– y la vio caer ante la represión de padres preocupados por sus hij@s drogándose en los clubes.

Devillé ha puesto frente a nosotros un documental que logra retratar aquella época dorada, llevándonos hacia el génesis de la manipulación de la música electrónica y el poder

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neón, y claro, eso que conocemos como raves y que desde mucho antes que en Londres ya se estaban gestando en Bélgica.

“La música se transforma y cambia junto con las evoluciones tecnológicas, pero también lo hace atendiendo a lo que pasa en la sociedad”, menciona Jozef Devillé; director del documental El Sonido de Bélgica, atractivo material audiovisual del que hemos extraído los datos anteriores que bien podrían fungir como breviario cultural y musical de una etapa que influenció al mundo entero.

Su trabajo fue exhibido recientemente durante la quinta edición de Distrital, Cine y Otros Mundos como parte de la sección “Cuadrante”. La cinta, peculiarmente producida, hace un recuento de los puntos más altos en las expresiones culturales más populares de aquel país y las acompaña de un soundtrack plagado de beats y ritmos eléctricos chuscos.

“Popcorn fue posiblemente la última escena musical underground auténtica de Europa... su narrativa fue creada por

de impregnarle un sello nacional. De la mano de entrevistas con personajes como CJ Bolland, Joey Beltram, JD Twich y Ken Ishii, supimos que lo de Bélgica fue histórico. Todos los freaks de Europa Occidental sabían que si querían una fiesta de verdad tenían que cruzar fronteras para conseguirla, y fue así como foros con capacidad para más de 3 mil personas, en noches de domingo, eran habitados por todo tipo de gente proveniente de regiones vecinas que no dejaban lugar para más.

El espacio era exclusivo, codiciable, alucinante.

Según Jozef, “Boccaccio tocaba música comercial los sábados y podía poner cosas interesantes los domingos. Ese preciso día era cuando los locos salían de fiesta, porque la gente normal tenía que trabajar al día siguiente”.

El Sonido de Bélgica nos deja vivir, a través de una pantalla, la emocionante experiencia de entregar el cuerpo al éxtasis del baile –y por qué no, a las drogas–, durante un contexto histórico en el que se vivía la libertad de los primeros días, de las primeras discotecas, de los primeros beats. El éxito no tardó en llamar la atención de la sociedad recatada, entonces la prensa y el gobierno belga pronto comenzaron a cerrar los venues y relacionar el baile con la drogadicción y con una subcultura que ya había generado códigos y conductas poco entendidos por aquellos que vivían fuera de ella .

“Salíamos jueves, viernes, sábado y domingo”, mencionaba uno de los entrevistados en el filme, dando a entender que se vivía la filosofía “del after, del after, del after…”; la gente sólo dormía de lunes a miércoles, y eso, por supuesto, alzaba muchas cejas izquierdas.

La clausura de muchos lugares provocó un deterioro de la escena, sin embargo, el éxito comercial pronto mostró una baja en la calidad de la música, y así como la moda o el amor,

Título: The Sound of Belgium Año: 2012 País: Bélgica Dirección: : Jozef Devillé

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“Soy Alfred English, tengo 21 años; nací en Detroit y soy artista, productor musical y DJ. Llevo haciendo arte y música con ayuda de mi computadora desde hace siete años. Para mis obras uso exclusivamente Photoshop.

Una característica esencial en mi estética es la idea de que estás frente a un escenario tridimensional. Claro, esto es una ilusión, porque Photoshop sólo me permite trabajar en un plano 2D. Estoy muy interesado en crear patrones únicos con formas irregulares. Mi estilo puede variar un poco, pero algo que se mantiene constante es que no intento contar una historia en particular o exponer una idea en mis obras. Simplemente trato de hacer algo visualmente atractivo. Prefiero que el espectador tome de mis imágenes lo que quiera”. M

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Cรณmic y narrativa dibujada

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TXT:: OSCAR G. HERNÁNDEZ Probablemente de entre toos los fenómenos de la cultura pop, existe uno que se abrió paso por inercia propia, y es la historieta, el cómic, el tebeo, el fumetto, el manga… Cual fuere su nombre, éste surge y emerge (a pesar de una serie de estigmas que se le atribuyeron, como llamarle literatura barata o literatura para los pobres) en un país como el nuestro en donde día a día lucha contra el olvido.

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unque ha sido reconocida como el noveno arte desde hace mucho tiempo; resulta interesante observar la construcción cultural de la historieta en nuestra sociedad, ya que en México la cultura popular reproducida por el televisor, donde sus principales pilares como son los melodramas telenovelescos y la lucha libre, la popularidad de éstos nace en las historietas.

El mítico Santo, ese luchador del que generaciones tras generaciones oyen hablar e incluso siguen, fue un personaje de cómic antes de ser un luchador de carne y hueso.

Eso coloca a la historieta, sus estudios y pensamientos, más que en una posición de “anti”, en una posición de ignorados. No existe algo que sea anti-cómic o anti-historieta, lo que existe es un desconocimiento de ese universo.

El hecho de que la industria del cómic desapareciera en nuestro país impidió que se gestara un movimiento anticultural o anti lo que sea, que proviniera de ese medio. Los autores tanto dibujantes como argumentistas no pudieron desarrollarse al nivel de su vecino norteamericano; la industria del cómic, al igual que la del cine, se esfumó.

En México no pudo existir un Robert Crumb o revistas como El Víbora, Metal Hurlant o los pulp fictions, que acuñaran movimientos contraculturales desde el cómic, debido a que el contexto donde podía surgir en nuestro país desapareció y simplemente no tuvo la oportunidad de ser anti.

Después podríamos refreír los discursos que resuenan en muchas partes, sobre la necesidad de un resurgimiento de este arte en México. La realidad es que quienes llevan las riendas de las instituciones e industrias culturales lo desconocen, no le comprenden y, en el peor de los casos, es clasificado como un arte de menor importancia, acción que podríamos llamar una especie de anti-desarrollo, pero por inconciencia.

Lo cierto es que quizás el cómic es el vivo ejemplo de cómo el discurso de Marcel Duchamp, quien afirmaba que

sólo basta colocar algo en una galería para que sea considerado arte, ocurre a la perfección.

Mientras muchos historiadores y críticos del arte se siguen gastando en debates sobre el arte conceptual, en el cómic ocurre lo que podríamos llamar una “revolución silenciosa”.

Al cómic se le tomó por su naturaleza como un opuesto a la alta cultura, siempre fue anti-culto, los ejemplos más vivos en México –y que irónicamente son también las únicas referencias de masas– son los famosos Libro Vaquero, pero estas referencias sólo se les reconoce por su gráfica, no por sus contenidos, que si observamos desde otro ángulo, son los del gusto masivo por la cultura western, la violencia y el sexo.

Pensamos que en México no pasará ya mucho tiempo en que los cómics o las llamadas novelas gráficas penetren en la alta cultura y comencemos a ver que en las aulas universitarias sea permitido usarlos como citas y bibliografías de referencia. Y probablemente no sólo eso, sino que entren al terreno aún reservado para los sagrados libros como son las bibliotecas públicas.

Alguna vez, alguien le preguntó a un presidente que mencionara tres libros que hubiesen marcado su vida, si hiciéramos este ejercicio y preguntáramos a los más letrados por tan sólo una novela gráfica, veríamos la posición que tiene la narrativa gráfica en las clases cultivadas de nuestro país.

El destino del cómic como cultura pop se vuelve inevitable; aún con todos sus antis, ya sean conscientes o inconscientes, tomará su lugar más allá del olvido como ya lo hizo en otros lugares y en otros tiempos. M

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Un anti-desarrollo inconsciente

Cómic y narrativa dibujada

COmic o d i v l yo

ALONSO ROSS Originario de la Ciudad de México, Alonso Ross posee una gran trayectoria en técnicas como la cerámica, el grabado e ilustración. Ha formado parte de diversos eventos culturales, como el Encuentro Internacional de Artistas Independientes, Identidades y la Semana Latinoamericana de Arte Independiente en Morelia. Actualmente publica cómics en diversos medios y es docente particular.

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TXT:: VÍCTOR CARRANCA

Hay cosas bellas que resultan, a ojos bien abiertos, completamente grotescas. El cuento de la princesa y el sapo es ahora, fórmula invertida. El cielo se vació de ángeles. Ahora sólo llueven ranas (y no en el sentido forteano). El velo de la percepción se descorre y nos muestra, en escenarios conformados por la osamenta de la belleza, el verdadero aspecto de la (des)gracia corporal.

Hoy, la línea que divide la fealdad de la belleza, esa barra derridiana (en este caso, una balanza sin brazos), es un tajo; un corte de bisturí que demuestra que la estética se ciñe a la apariencia de la estética. No a su esencia. La apreciación obligada que deriva, en parte, de la simulación (la hiperrealidad) y la percepción del observador: uno se siente compelido a aceptar la belleza que se nos muestra, a través de una sobredosis de imágenes. Se admite y consiente, sin importar su calidad fantasmagórica.

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jetiva. Antes, los defectos físicos podían asociarse, igual con la demonología que con la divinidad.

Las cosas parecen inclinarse, nuevamente, a esa concepción antigua. Vemos levantarse, una vez más, al “moderno Prometeo” de Mary Shelley.

Cine de horror.

Ahora todo cuerpo es modificable. Aun así, parece que lo camp trasciende tiempo y espacio y encuentra, incluso, montajes abrumadores, en la música y el espectáculo. Lady Gaga es la reiteración de la percepción aparente de la belleza. La artista utiliza la reconvención de las fórmulas estéticas (tan reiteradas en sus predecesoras, las divas del pop) para conformar esa anti-estética.

Si Duchamp podía exhibir un mingitorio, en ese concepto kitsch del arte moderno; Lady Gaga es, en sí, un mingitorio en constante exposición, que igual puede modelar para Versace que contrariar a un público con un vestido hecho con carne cruda.

Quizá, los ejemplos de performances que han logrado explorar esta metáfora del Body-art, en términos de los que algunos estudiosos de corrientes estéticas han denominado la “Nueva carne”, permiten conocer esta alteración sustancial del cuerpo, como terreno de la ironía de la belleza contemporánea. Orlan, quien ha elevado la cirugía plástica a un happening (a través de lo que ella llama el “arte carnal”), ha sido objeto de diversas intervenciones quirúrgicas para modificar su aspecto, basándose en las obras canónicas de la belleza clásica, renacentista y hasta cienciaficcional, como la Mona Lisa, la Venus de Botticelli y lo que parece ser un personaje de Star Trek. Su objetivo, claro está, difiere del de aquellas real Barbies. Orlan, en realidad, deconstruye la belleza.

De igual manera, la fotografía de Cindy Sherman ha sido objeto de la misma polémica que despiertan los contrastes que desafían, de manera explícita, la tautología de la estética convencional. Desde su serie Sex Pictures, se aprecia este averío del modelaje tradicional, que mezcla envolturas plásticas para generar el concepto contemporáneo (o mediático) de la feminidad.

El uso de pelucas, máscaras, maniquíes y demás elementos plásticos, recrean esta conceptualización del artificio de los cuerpos. La sensación que generan estas fotografías sin duda nos remontan al concepto freudiano de lo siniestro; específicamente a la Olimpia creada por E.T.A. Hoffmann, en El hombre de la arena. En la novela, la mujer artificial es el símbolo perfecto de lo ominoso.

Aun así, si trasponemos el concepto de artificio, a una época contemporánea, descubriremos que el maniquí es el portento perfecto de este temor que nos genera un objeto, tan familiar como perturbador.

La reciente película Maniac (Franck Khalfoun, 2012), nos muestra a un asesino serial que vive entre maniquíes a los que da vida con la cabellera de las mujeres que asesina. Sin duda, el personaje de Frank Zito, nos recuerda a Ed Gein o a Norman Bates (aunque carece de la fuerza y complejidad de sus antecesores).

Tal vez, lo más interesante de este filme es que se desarrolla desde el P.O.V. (point of view) del protagonista; por lo que vemos lo que sucede, a través de tomas subjetivas que pretenden colocarnos en los ojos del homicida. A pesar de las fallas del guion, así como del encomio, ya demasiado visto, de la madre abusiva; lo cierto es que la atmósfera de Maniac mantiene una constante opresión en el espectador que deriva, claro está, de verse rodeado por maniquíes.

El maniquí y el ser humano figuras tan afines. Igual de sintéticas. El vínculo con la belleza, deriva de una relación objetal que pretende plastificar la belleza, quizá con la intención fallida de verla como imperecedera. Convertirla en algo reciclable.

Como se ha dicho, la verdadera belleza ahora corresponde al cine de horror. M

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bdominoplastia, bleferoplastia, body lifting, peeling, mastopexia, ritidectomía, lipoescultura. Todo sea por modificar, restaurar, diseccionar, ya sea el tamaño o la edad, la supuesta imperfección o la perfección sobrepuesta. Se trata, en fin, de alterar la realidad, a través de la reinvención del cuerpo.

La metamorfosis, impuesta y artificial, del sapo en apariencia principesca, a través de la ilusión o la artificialidad.

Ojos que no ven…

En The Rocky Horror Picture Show (Jim Sharman, 1975), vemos desfilar un gremio de estereotipos grotescos, monstruos travestidos, igual de icónicos que bufonescos, que crean un pastiche del cine de horror comercial.

Cine de horror.

Este tributo cinematográfico que mezcla los personajes que nos legaron Hammer y Universal, con un ambiente de cabaret cienciaficcional, sirvió de muestra para comprender el concepto de lo camp. Pero lo camp, pareciera, no se crea (ni se destruye), sino que se percibe y transforma a partir de una interpretación a posteriori de los excesos de vestuario y escenografía: la saturación del artificio, de lo aparentemente bello, de la belleza aparatosa.

Si la película aún puede ser proyectada con éxito, se debe a lo imperecedero de su iconografía grotesca.

Entonces, ¿qué hay con este otro mucho más exitoso espectáculo que nos rodea, día con día?

Cine de horror.

Desde Extreme Makeover y un sinfín de reality shows que exploran la trasformación de lo “feo” en lo “bello”, ya sea en cuestiones meramente corporales o hasta en los artificios (casa, vehículo o vestimenta) que nos rodean, lo cierto es que la estética es una metamorfosis kafkiana.

El éxito de los programas se mantiene en el suspenso de revelarnos, al final de cada episodio, la supuesta conversión prodigiosa. La trasformación se acepta sin miramientos. Ni siquiera es factible cuestionarnos si el escenario saturado por el que aparecen los “iluminados”, el exceso de maquillaje, joyería y rostros expectantes, son parte del más antiguo truco de magia: deslumbrar, apantallar, desviar la atención de lo sustancial. Como decía Bergson: “Los ojos sólo ven lo que la mente está preparada para comprender”.

En China, un hombre demanda a su mujer por procrear hijos “feos”. La razón: descubrir que su esposa se había sometido, antes de conocerlo, a un gran número de cirugías plásticas que “ocultaban” la verdad. Pero ¿en dónde existe la mentira? ¿Está en el supuesto engaño de la esposa o en el acto de ver, en dos niños, la apariencia de fealdad, como oposición a esa mentira tan aceptada que es la imagen fantasmal de la belleza?

Después de todo, Barbies reales como Kota Koti, Valeria Lukyanova o Cindy Jackson son el ejemplo de la plastificación de esta falsedad consensuada. Miradas límpidas que parecen esconderse tras unos ojos de cristal. Muñecas de bocas clausuradas.

Sonrisas sintéticas que dictan la preferencia por la ilusión de la belleza, sobre la belleza misma.

En Estados Unidos, un joven se opera, una y otra vez, con el objeto de parecerse a Ken, el novio de Barbie. Lo interesante es saber si el objetivo del muchacho es encontrar una mujer que responda al estereotipo femenino reproducido por la industria de estas célebres muñecas, o a uno de estos productos de la cirugía reiterada; es decir, a una de estas real Barbies. Al menos así conformarían una pareja perfecta: ambos aceptan la simulación y recrean, incluso, una más grande. Ken y Barbie juntos, figurativos, estériles, completamente desechables. Tal como decía aquella tonadilla insulsa del grupo Aqua: “Life in plastic, is fantastic”.

Umberto Eco, en Historia de la fealdad, realiza un recorrido, principalmente literario y pictórico, por las diferentes etapas de la historia y la concepción (predominantemente occidental) de la fealdad, en oposición a esa belleza, tan cambiante como sub-

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TXT :: rogelio villarreal El 2 de junio de 1967, decenas de estudiantes arrojaron huevos, tomates, piedras y bolsas de pintura a los policías que resguardaban la entrada del sha Reza Pahlevi y su esposa a la Ópera de Berlín. Una piedra golpeó la cabeza de un guardia.

En cuanto los monarcas se sentaron a ver La flauta mágica, el jefe de la policía ordenó una redada contra los estudiantes, golpeando con furia también a curiosos y transeúntes. Policías vestidos de civil e iraníes de la comitiva real se dedicaron a localizar a los cabecillas. Los policías agarraron a un estudiante.

A un agente que llevaba amartillada su pistola se le “escapó” un disparo y la bala se incrustó en el cráneo del joven, que murió poco después en una clínica municipal.

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l gobierno y parte de la prensa acusaron a los estudiantes de irresponsables y criminales. Miles de ellos, radicalizados, salieron a las calles. Discutieron la imposibilidad de fijar la revolución social en los límites de la Constitución al amparo de las tres M: Marx, Mao y Marcuse. Con la represión, los radicales confirmaban su teoría de que lo mejor para la formación de la conciencia es que la sociedad liberal ataque cuanto antes con su fuerza y con la mayor brutalidad posible.

A pesar de la simpatía del neomarxista Habermas por sus discípulos, éste advirtió del riesgo de un “fascismo de izquierdas”. Los radicales desecharon a Habermas y a otros viejos profesores y acogieron a uno que los convocaba a la acción revolucionaria: Herbert Marcuse. Éste los justificaba: “Las minorías oprimidas y sojuzgadas tienen un ‘derecho natural’ a la resistencia y al empleo de los medios ilegales cuando se ha visto que los legales no bastan. Al emplear la fuerza no están iniciando una nueva cadena de violencia, sino que tratan de cortar la que ya hay. Cuando son atacadas conocen el riesgo, y si están dispuestas a afrontarlo, nadie tiene derecho a predicarles la moderación”.

Más allá de las semejanzas y las diferencias con los acontecimientos del 1 de diciembre de 2012 en la Ciudad de México, es pertinente preguntarse hasta dónde coincidirían con Marcuse y sus estudiantes radicales los “anarquistas” que agredieron a la policía frente al Palacio de San Lázaro. A diferencia de los estudiantes alemanes, a los anarquistas mexicanos no parece que los oriente un teórico de altos vuelos, por lo que puede colegirse de las declaraciones de varios de ellos a los medios: “El movimiento anarquista no tiene la capacidad para articular, organizar o conspirar una protesta de la envergadura del 1 de diciembre y reiteraremos que fue el proletariado mexicano, el cual en legítimo ejercicio de su autodefensa, manifestó enérgicamente su descontento con el regreso del PRI” (“Aseguran anarquistas: fue ‘legítima defensa’”, Reforma, 3-XII-2012). La policía respondió con brutalidad y sin seguir protocolo alguno, hiriendo y apresando a muchos inocentes –sobre todo del movimiento #YoSoy132–.

El llamado “anarquismo” mexicano es un Frankenstein informe, sin pies ni cabeza, un trasunto debilísimo de lo que fue en sus momentos álgidos del siglo XIX, con el enfrentamiento entre dos titanes del pensamiento socialista, Marx y Bakunin, o por lo menos con la reivindicación crítica de los hermanos Flores Magón, que planteaban la abolición del Estado y la propiedad privada como parte de una revolución libertaria. Sus ideas tuvieron escasa penetración entre los revolucionarios, que se limitaron a las reformas políticas, dejando de lado las económicas y sociales.

El resto de la historia del anarquismo en nuestro país es poco relevante y limitado casi únicamente a la difusión de ideas en libros y publicaciones. Por ello debe preguntarse si los pintorescos, violentos y escasos anarquistas mexicanos insistirán en la consigna de derrocar al gobierno. Si es así por lo menos deberían de prepararse mejor en el plano teórico y privilegiar la disidencia inteligente por encima de la ignorancia y la estupidez. M

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mb u c y l a lectu e t n i i t An TXT:: NAHUM TORRES

FOT:: EDMUNDO BEJARANO

Bastó la aparición de Cosa de negros (2003) para que Washington Cucurto se convirtiera en autor de culto en su natal Argentina, ya sea porque en su narrativa, el vértigo, la oralidad y el imaginario delirante son preponderantes, o porque vino a dar voz a esa “inmigración silenciada”, como se afirmó en la Rolling Stone local.

Literatura

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.C., el pseudónimo de Santiago Vega (Quilmes, 1973), cobró vida propia a tal grado que sus lectores difícilmente reconocen su nombre verdadero. En poco tiempo pasó, de trabajar en un supermercado a ser el creador de la llamada “literatura cumbiesca” o “cumbiela”, también autopromocionada sarcásticamente como “Realismo atolondrado”, la cual se sostiene desde una estética realista pantagruélica –por decir lo menos–, de carácter ampulosamente marginal e instintivo.

Desde su primer poemario, Zelayarán (1998) –en claro antihomenaje al poeta de culto–, sus textos pueden leerse casi como (auto)ficciones a renglón seguido. “Me cuesta un poco diferenciar lo que es la prosa, de los poemas”, dice sin tapujos. “Parto de cómo me siento en el momento. A veces surge como un relato”, reafirmando lo que todos sus lectores han comprobado: su poesía, sin ser necesariamente prosa, contiene una forma narrativa.

Se explica: “Me siento un poco como un escritor de situaciones, de frases que escucho en la calle o en el trabajo o de cosas que recordaba de cuando era pequeño, con mi padre y mis hermanos. Él era vendedor ambulante y andaba todo el tiempo en la calle y yo siempre iba con ellos”.

Son el tipo de aventuras que Cucurto relata en su “cumbiela” Noches vacías (2003), o en las novelas Cosa de negros o El curandero del amor (2004), entre otros libros, que tienen como base sus propias vivencias de infancia y juventud: “Era un mundo que no estaba retratado y pensé que estaba bueno que lo contara porque así no iba a perderse, porque nadie hablaría de los bailes de cumbia en Constitución o de los colores del barrio; entonces siempre escribí para retratar ese mundo: mi familia, los compañeros de trabajo, los bailes, la migración paraguaya a través de mis amigos de la infancia”.

Cosa de negros es su obra más popular, “la que todos conocen, pero no la mejor”, dice y recomienda en el tono personal de un experto vendedor. “El amor es mucho más que una novela de 500 páginas; es una cumbiela-drama sobre un latinoamericano que sobrevive en el frío berlinés como un náufrago”.

Algo más que su vida es lo que expresa con Cucurto: su distanciamiento con el ideal estilístico montado al sujeto literario.

En una reciente visita a la Ciudad de México, Cucurto compartió un relato de su historial íntimo: aquel momento en que

decidió convertirse en escritor. Lo cuenta campechanamente, a manera de anécdota, ante medio centenar de personas que lo han ido a ver a la librería Rosario Castellanos, en la colonia Condesa: “A mí la literatura me llega por medio del trabajo”, cuando laboraba “en un supermercado armando una gran góndola en el sector de verdulería. Ese trabajo lo hacía con un compañero, de seis a nueve de la mañana. Un verano que mi compañero salió de vacaciones lo cubrió un chico universitario, Maxi, que sólo estuvo 15 días y no lo volví a ver nunca más. A la hora de descanso o de comer ese chico siempre sacaba libros y yo le preguntaba: ‘¿Qué es eso?’”. Cucurto habla sin dejar notar el sarcasmo entre los labios, y sin embargo, tampoco suena impostado: “Un día abrió una revista y venía la foto de un gran poeta: Roberto Santoro. Yo, que tenía otra imagen de los poetas, ya sabés, barba, traje, no pensé que los poetas podían jugar fútbol como cualquier chico de barrio”.

Aunque su relato no se ajusta a la “Evolución Cucurtiana”, sí tiene el hechizo adecuado ante los asistentes, aquellos que prefieren una mentira a escuchar la misma anécdota una y otra vez: “El día antes de irse, el chico me dijo: ‘Mira, tú que siempre me jodés con qué son los libros y qué es la poesía, esta tarde va a dar Juan Gelman en una librería del centro de la ciudad, venite a ver si aprendés un poco’. A las seis de la tarde llegué y había mucha gente en la vereda y la gente hablaba mucho y yo medio me asusté (ajá) y busqué al chico y no estaba y me quedé allí en medio de gente extraña escuchando la voz de Gelman. De pronto dijo algo que nunca me voy a olvidar. Dedicaba el poema ‘a esa juventud que estudia, que lee y que escribe’, entonces supe que ese poema no era para mí”.

A lo largo de tres lustros, ha publicado una cantidad de libros envidiable: media docena de poemarios (uno de ellos en la colección El billar de Lucrecia, en México: Hatuchay, 2005); varios volúmenes de relatos, así como siete novelas. “Escribo muy rápido, ¿viste?”, dice en tono jovial, “pero no tengo tanto tiempo para escribir y tampoco creo que nadie tenga tiempo para leer lo que escribo; así que no es mi preocupación estar mucho tiempo en algo. Aparte de que quiero hacer otras cosas. Mientras más rápido termino, mejor”.

4 libros ANTI-

acido en Nueva York durante 1983, este escritor de padres taiwaneses parece que siempre está aburrido y por eso

Nvaga entre distintas redes sociales. Parte de la autobiografía trastocada para hacer del aburrimiento y la no-acción

elementos esenciales de su escritura, a la que la crítica definió como Alt Lit. En su tercera novela se debate entre sus nulas relaciones sentimentales, su pasión por la comida chatarra y los fármacos. El protagonista está preocupado por llegar a los 27 y tal vez pasar a formar parte de ese club de suicidas célebres. Hay quien lo ha llegado a considerar “un pariente lejano y hipster de Samuel Beckett” o el sobrino incómodo de Douglas Coupland.

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escubres que tu primera novia te engaña en Facebook y luego encuentras el consuelo de una mujer madura en un chat sexual; mientras, consumes grandes cantidades de alcohol y videos sádicos en la red. Etgar –el protagonista– está hecho un lío y pasa el tiempo viendo documentales y escribiendo cartas a hijos que no tendrá. El autor apenas anda en los primeros veinte y ya fue elogiado por Nick Cave y la crítica inglesa. Escribe sin parar y cuenta con una nutrida producción. Ya es muy exitoso (premiado y traducido) y perfectamente ha sido descrito como “un Holden Caulfield con conexión a internet y el reverso cruel de Wes Anderson”.

e plano en el D.F. existen lugares horribles que son

Dfiel reflejo del caos urbano imperante: calles sucias,

puestos semifijos, vendedores ambulantes y un tráfico infernal. ¿En medio de todo ello puede surgir la poesía?

Al parecer a este periodista y analista político le parece posible y en vales de despensa escribe: “Pinche miseria: caguamas en fondas / vivienda popular / trabajos eventuales / televisión gratuita…”. Se trata de un esfuerzo por hacer arte del desastre citadino y acercarse a estéticas tan provocadoras como la de El libro vaquero.

Un ejercicio valiente que provocará urticaria e incomodidad entre mucha gente.

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uiero mudarme al bosque / y criar vacas y pollos / pero en cambio me iré al McDonald’s / y me compraré una hamburguesa de pollo”, así inicia “Necesito Medicación”, un poema de Noah Cicero, y entonces ya sabemos por dónde van los tiros. Los 15 poetas aquí incluidos apuestan por esa corriente llamada Nueva Sinceridad y sin quererlo dinamitan la solemnidad que caracteriza a la academia. Esta antología toma su título del portal New Wave Vomit, que Ana Carrete mantiene y que también forma parte de este recuento candente e incendiario (no apto para conservadores).

Ya ni siquiera vale tildarlo de posmoderno, su llaneza es contundente: “Vámonos a la cama, sólo una vez a la semana / te abrazaré muy fuerte, lo prometo”, dice Kendra Grant Malone. M

OFF THE RECORD TXT:: Arthur Alan Gore Novelista, soñador y Editor en jefe de Playboy México.

Columnas

@arthuralangore

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Se ha puesto de moda odiar las charangas. Empleo mal la palabra con conocimiento de causa; de acuerdo con el diccionario, la charanga es “un grupo reducido de músicos que con instrumentos de viento y percusión se dedican a animar una fiesta en diversas regiones de España”. En el argot chilango, charanga es una forma despectiva de referirse a géneros como la cumbia, la salsa, el mambo, el vallenato y cualquier otro pretexto para bailar en pareja en medio de una borrachera.

El estereotipo del rockero –sea lo que esa palabra significa hoy en día– dicta que el así identificado se acoja a (por lo menos) uno de los siguientes clichés: a) usar el cabello largo, b) llevar aretes, piercings y perforaciones varias, c) vestir de manera pandrosa (la única referencia etimológica que hallé es que Pándroso, con acento, “en la mitología griega, era hija de Cécrope y Aglauro y hermana de Aglauro, Herse y Eresictón”) y, por encima de todo y bajo la circunstancia que sea: d) NO BAILAR.

Sin embargo, está comprobado que bajo el influjo de bebidas emborrachadoras -adoro esta forma en que don Gabriel Vargas se refería al alcohol en La Familia Burrón-, hasta el más ultrablackmetalero, súpermetapunk o extrahiperhiphopero es capaz de sacarle brillo a la pista en mitad de una fiesta de XV años. Y el que esté libre de pecado, que se dé la primera vuelta.

Entre algunos afectos a la música alternativa –otra vez, sea lo que sea que eso represente– es un deber moral poner un grito en el cielo no sólo porque agrupaciones como Los Tigres del Norte o Los Ángeles Azules graben un disco junto a sus símiles de rock (suponiendo por un segundo que lo que Kinky, Calle 13 o Hello Seahorse! sea rock en estado puro), sino porque además tienen el descaro de aceptar presentarse como actos estelares en festivales supuestamente rockeros como el Vive Latino.

Ahí están, mis queridos colegas, cruzados de brazos y rumiando su coraje mientras montones de adolescentes, jóvenes, chavorucos y anexas bailan de lo lindo lo mismo con “March of the Pigs” que con “El listón de tu pelo”.

En 2010, vino a México la versión con Valor Kand de Christian Death, una de las bandas fundamentales del deathrock. Unos días antes de su concierto, un amigo que estuvo involucrado con la producción me contó que se había llevado a los músicos a conocer el Dos Naciones, una de las cantinas más arrabaleras y espinosas del Centro (nunca mejor llamado) Histórico.

Cuando los entrevisté, les pregunté si era verdad lo que me había contado Memo, mi cuate: que si habían bailado salsa y cumbias con ficheras por 30 pesos la canción, mientras bebían sendas cervezas de barril.

“¡Claro!”, me respondió Valor al tiempo que nos atragantábamos con un alambre de bistec con queso y caballitos de tequila, “esa música latina es lo mejor que he escuchado. Tengo que encontrar la forma de fusionarla con lo que hacemos”.

Es curioso cómo una fracción de algunos de los nuestros, en aras de ser leales a su espíritu rockero, depositan todo su resentimiento en una canción que no tiene por objeto otra cosa que provocarte a mover el cuerpo, mientras los punks venidos de Los Ángeles, para los que la música alternativa sí está ligada a sus orígenes, no se les borran los tatuajes ni se les rasgan las vestiduras (porque rasgadas las traen de fábrica) por sacar a una musa entrada en carnes y arrugas, a bailar.

Pero hasta nuestros vampiros locales suelen ser más papistas que el Papa. Hoy escucho “La baticumbia”, aquella célebre pieza cumbianchera que a Botellita de Jerez le costó la crucifixión sin anestesia por parte de sus fans, y no la encuentro muy distinta a lo que toca, por poner un ejemplo, el Instituto Mexicano del Sonido o Kinky. Entonces, ¿por qué tanto mame con los Ángeles pintados del color pitufo, sonando en estaciones de rock? La culpa no la tiene el charanguero, sino el que lo hace headliner. M

EL CUADERNO AMARGO T X T : : Pa o l a T i n o c o

ILUS :: FERNANDA COLÍN

Escritora, editora y promotora literaria que siembra el terror

a presentarnos al novio en turno, temerosa de que nos burláramos de su fealdad. El hombre misterioso (y ciertamente feo) era, ni más ni menos, escritor. Sin libro, hasta ese momento, pero escribía ocasionalmente en revistas musicales. El muchacho no tardó mucho en sentirse a gusto, y cuando los demás comensales le preguntaron acerca de su escritura, éste dio una parsimoniosa calada a su cigarro, se ajustó la cachucha (que maleducadamente no se quitó en toda la cena) y soltó la frase: “Yo sólo escribo por las chicas”. No pude evitar la carcajada ante semejante descaro. El robo del robo de una frase y de la actitud completa del antihéroe literario más famoso del barrio, ni siquiera iba a la fuente original (Bukowski), sino al imitador oficial (escritor mexicano de apellido italiano). Cuando el novio de la amiga preguntó por qué me reía, le dije simplemente: “Conozco al escritor de apellido italiano y, evidentemente, tú también”. El interpelado se sonrojó y luego, intercambió conmigo algunas anécdotas de las noches de juerga con él, entonces, amigo en común. Después de eso, fue un digno antihéroe cuya escala de valores y forma de operar es completamente distinta a la del héroe: en la cabeza del antihéroe, el fin justifica los medios. El ahora ex novio de mi ahora ex amiga confesó que admiraba tanto a Fadanelli como a Bukowski y, en ese sentido, cumplió su cometido, hacer un vergonzoso homenaje a ambos en una cena que probablemente figurará en alguno de sus cuentos o novelas. M

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El mundo de la literatura conoció, hace muchos años, al primer antihéroe: El Quijote de la Mancha.

Esta figura, sin embargo, ha ido cambiando a lo largo de los años, y en lugar de tener como antihéroe favorito al gallardo y deschavetado Hidalgo, aparece la figura de un borracho pendenciero, adicto al alcohol y al sexo, culto y alejado de la idea del reflector sobre sí. Hablo de Charles Bukowski, el antihéroe favorito de las últimas décadas, cosa que afirmo basada no sólo en la vox populi, sino en la cantidad de textos escritos para analizar su trabajo y las ventas de sus libros. También, añadiría, la cantidad de escritores posteriores a Bukowski que copian descaradamente su actitud y hasta integran la manera de escribir de aquel célebre y talentoso a su propia obra.

Recuerdo a un viejo vecino que tuve, de apellido italiano pero oriundo de la colonia Portales, escritor mexicano, quien solía invitarme a recorrer las cantinas de la Roma y la Condesa para departir alegremente con sus amigos. Con departir me refiero a beber hasta que el cuerpo aguantara. Recuerdo que en alguna de esas largas noches de excesos, le escuché decir a alguno de los presentes: “Yo sólo escribo para gustarle a las chicas”. Me hizo gracia pero la actitud era fácil de relacionar con la del viejo Buk y no me pareció mal que fuera su modelo de personalidad; si las quinceañeras quieren vestirse y bailar como Shakira, ¿por qué no imitar la personalidad de un gran escritor como Bukowski?

El colmo de la imitación, sin embargo, llegó en el momento en que uno de los amigos del citado escritor mexicano llegó a una cena, del brazo de una vieja amiga que hasta esa noche se había negado

Columnas

@paolatinoco

SANGRE DE METAL

ILUS :: enrique motte

T X T : : CHICO M I G R A Ñ A Chico Migraña, metalero y ya.

Columnas

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Metal, heavy metal, rock duro, rock pesado. Sea cual sea la referencia que se tenga, esos suelen ser los cuatro términos bajo los cuales la gente define al género más despreciado del rock. No es para todo tipo de oídos y definitivamente no es para cualquier persona. Para estar en el metal y sentirse a gusto es necesario entender su esencia anti, su rebeldía y sustancia.

La génesis del género se puede rastrear a la sucia e industriosa Birmingham de la Inglaterra de mediados y finales de los años 60. Ahí nació Black Sabbath y con ellos el metal. En ese contexto, una de las explicaciones gráficas más certeras de cómo entender lo que sucedía con esta banda la ofreció alguna vez Ozzy Osbourne: “En esos tiempos, en la radio se escuchaban canciones que decían que cuando fueras a San Francisco te aseguraras de usar flores en el cabello. Yo no entendía eso, me parecía ridículo, yo no tenía dinero para poner zapatos en mis pies y en la radio me decían que usara flores en el cabello. Y así nos sentíamos todos en la banda”.

Desde entonces la razón esencial del metal ha sido la honestidad, y con esa palabra en mente es muy difícil no ser anti. Anti-religioso, porque el sistema eclesiástico está lleno de mentiras, luchas de poder, pederastia, corrupción, sometimiento, despersonificación de los seres humanos, imposición, asesinato.

Anti-regulaciones moralinas porque la moral y la ética de las sociedades, sobre todo occidentales, que es donde mayor auge tiene este género musical suelen ser patéticas. Porque suelen ser impuestas. Porque no permiten el libre albedrío ni el crecimiento individual, promoviendo la idea de que el bien común necesariamente implica el sacrificio individual. Porque los gobiernos e instancias reguladoras del comportamiento como asociaciones de padres de familia, de religiosos, de vigilantes de las buenas costumbres y formas quieren que el mundo sea

apenas del color que ellos lo pintan sin permitirle a los demás explorar y buscar tal vez la consistencia detrás de los diversos colores del arcoíris. Es decir, no permiten que el ser humano se distinga a sí mismo en la eterna ecuación de intento y error, y en cambio promueven una idea de que todo está regulado y que pensar fuera de ese cuadrado es pecado, o delito.

El metal entonces es anti porque una buena parte de la población entiende la vida como un regalo que para disfrutarlo a plenitud se debe usar constantemente y con la menor cantidad de restricciones posibles.

Obviamente no se trata de promover la anarquía pero sí la libertad de ser uno mismo, experimentar y vivir. Y como es lógico, ahí en ese espectro habrá quienes abusen y se pierdan, quienes agredan las normas básicas de convivencia pero serán también ellos reflejo de que el ser humano es finalmente una criatura contradictoria.

El metal es anti porque de ser conformista, este mundo tendría menos piedritas en el zapato. Tenerlas significa que alguien deberá quitarse ese zapato para buscar una respuesta a su incomodidad. En esa búsqueda de libertad el metal vive y así, desde la visión anti del mundo, ofrecerá respuestas a millones de personas. M

Estilo PUMA lanza los nuevos PUMA King por Alexander McQueen

PUMA y Alexander McQueen se unen en una colaboración que rinde homenaje a la silueta más icónica en los archivos de futbol de PUMA. Los Puma King están hechos a mano utilizando los materiales de más alta calidad con atención exacta a los PUMA King originales, los colaboradores han producido tan sólo 100 pares que serán obsequiados a los amigos selectos de las partes colaboradoras en reconocimiento del 2014 en Brasil. El par está creado en cuero italiano flexible bruñido a mano en una rica tonalidad marrón.

Para marcar el lanzamiento de esta colaboración se tiene comisionado un corto que ilustra el proceso de producción, filmado en Italia, y que captura la esencia del proyecto artesanal y detalla desde el moldeado de la horma, hasta la compleja formación de cada tachón.

Cada uno de estos 100 pares vendrá con un libro colaborativo, que toma un mirada profunda dentro del rico pasado de uno de los botines de futbol más históricos.

Halloween Rock On: Una fragancia para el hombre de la noche

Estilo y Tecnología

Parfumerie Versailles lanza Halloween Man Rock On del diseñador español Jesús del Pozo; una fragancia “masculina, adictiva y envolvente como una segunda piel”. Se trata de una esencia oriental, fresca, con toques de madera que deja gusto a cuero sexy, almizcles, ámbar gris y vainilla. Con la caída del sol, encontramos un símbolo que representa al hombre nocturno y diverso.

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Levi’s lanzó su línea edición limitada Pride 2014 en honor a la igualdad

Durante el mes de junio, Levi’s apoya la igualdad con su línea Pride 2014, la cual incluye una camiseta de hombre, una blusa de mujer y una camiseta sin mangas unisex, todas con un logo retro de Levi’s con los colores del arcoíris y una estampa en el cuello trasero con la palabra “Pride 2014”.

También está disponible una gorra de béisbol con el logotipo del batwing icóno de Levi’s en los mismos colores del arcoíris; la línea estará disponible durante el mes de junio en tiendas selectas de Estados Unidos. Los precios van de $18 a $25 dólares y una parte se destinará a organizaciones de ayuda locales, en las respectivas locaciones: San Francisco: San Francisco Pride; Los Angeles: Christopher Street West/LA Pride; New York: NYC Pride; Georgetown: Capital Pride y Chicago: Chicago Pride.

Tecnología Alta fidelidad, look y confort Sennheiser

Sennheiser, empresa alemana especialista en soluciones de audio, lanza los audífonos MOMENTUM de pabellón, construidos con el mejor diseño para que la pureza y fidelidad sobresalgan; fabricados con materiales de primera calidad, como acero inoxidable pulido y cuero, acabados perfectos y una experiencia de audio óptima y cristalina. Los auriculares están disponibles en tres colores: marfil, negro y café. También están disponibles los MOMENTUM On Ear en azul, negro, rojo, verde, marfil, rosa y café; ambos modelos cuentan con un conector de 3,5 milímetros, y para los productos Apple cuentan con un cable adicional con control remoto inteligente y micrófono.

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La HP Pavilion x360 es una increíble PC táctil que, gracias a su bisagra 360°, se transforma con gran facilidad de una notebook al modo de atril o a una tableta, ideal para trabajar desde la banca de la escuela, el escritorio, un sofá, tomar notas o compartir presentaciones en el salón de clases. Con un diseño en rojo brillante, suave acabado resistente a las marcas de los dedos y aluminio cepillado en la base del teclado, es un equipo que te hará sobresalir. Además, viene con Beats Audio™ incluido. Y si buscas estar todo el tiempo en línea, y tener tu información en la nube, la HP Chromebook cuenta con las ventajas del sistema operativo Google Chrome y es ideal para el hogar o la escuela, ya que es perfecto para desarrollar documentos, presentaciones, escuchar música, enviar correos o navegar en redes sociales.

La pantalla HD de 14” ofrece mejor experiencia en línea y entretenimiento visual superior. Además, es el único equipo que mejora su rendimiento con el tiempo en cada actualización del sistema, y permite personalizarlo con aplicaciones productivas y de entretenimiento con tan sólo acceder a Google Chrome Web Store. Cuenta con batería de alta duración de hasta 9 horas y media. Por otro lado, la HP Beats Special Edition 15-p010la Notebook es un equipo especialmente diseñado para el entretenimiento, integrada con BeatsAudio™, dos altavoces y un subwoofer. Permite reproducir, mezclar y compartir música gracias a las aplicaciones de producción musical incluidas y su dinámica pantalla táctil capacitiva HD, con gran nitidez.

Estilo y Tecnología

Las nuevas PCs HP para el regreso a clases

El Pilón

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el terciopelo al vinilo, de las camisas con holanes al animal print, el subterráneo mexicano también ha escrito su propio capítulo en el mundo del vestir. Giovanny del Valle, quien hace más de dos décadas creó y dirige la que se considera la etiqueta decana en la indumentaria de las escenas goth, punk, steam punk, death rock, industrial, visual kei japonés, medieval, urbano y derivados, la cual celebra en este 2014, su aniversario número 20.

“Ha cambiado mucho la moda alternativa, como también se han diversificado los movimientos. Antes se utilizaba mucho el terciopelo en alusión a los vampiros, pero después se pudo acceder a otro tipo de telas, como la vinipiel, que es mucho más requerida en el universo cybergoth”, explica Giovanny.

Actualmente, del Valle tiene 48 años. Originalmente estudió Ingeniería en el Instituto Politécnico Nacional, pero ante la necesidad de buscar un trabajo que solventara sus estudios, tomó cursos de corte, confección y diseño de modas. Fanático de la música de Bauhaus, Joy Division y Gene Loves Jezebel, ingresó a la cultura gótica por conducto de una novia. Con el tiempo, se dio cuenta que no existían diseñadores ni boutiques donde se vendiera la ropa con la que los goths nacionales podían vestirse con ropa similar a la de las bandas que escuchaban.

“Casi todos se vestían con ropa de paca”, recuerda Giovanny. “Y entonces pensé: ¿por qué no hacer algo de moda alternativa? Bauticé a la marca como Nosferatu porque desde niño siempre fue mi personaje favorito”.

Las prendas tuvieron buena acogida por el subterráneo, incluso por parte del movimiento punk de la época, que ponderaba las virtudes del “hazlo por ti mismo” y darle la espalda a cualquier modelo de producción que imitara el comportamiento del sistema capitalista. Giovanny reconoce que hubo punks que lo criticaron “y preferían coser ellos mismos sus estoperoles, pero a muchos otros les gustó que la ropa ya estuviera hecha”.

TXT:: Arturo J. Flores @arthuralangore

Más información en: Facebook/Nosferatu-Boutique

LA SEMANA DE LA MODA ALTERNATIVA Actualmente existen varios diseñadores que se enfocan al nicho de la moda alternativa. Varios de ellos fabrican y venden sus mercancías en el Tianguis Cultural del Chopo, que hoy más que nunca se ha convertido en una gran tienda de ropa.

Sin embargo, Nosferatu quizá sea la única que está dada de alta en Hacienda, paga impuestos, cuenta con registro y funciona como empresa, con empleados (cuatro) a su cargo y una boutique (ubicada en República de Colombia #6, Centro Histórico), en la que además de los diseños en exhibición realiza prendas personalizadas a sus compradores, quienes lo mismo pueden adquirir un corsé victoriano que una capa vampírica o un traje similar al de los caballeros medievales.

Para promover sus diseños, Giovanny ha copiado las estrategias de la alta costura. De cuando en cuando organiza pasarelas en bares, en las que sus amigas fungen como modelos y portan los diseños mientras bailan canciones de las bandas que al autor le siguen gustando, como Bauhaus o Siouxsie and the Banshees.

Inclusive, en diciembre próximo, organizará el segundo Fashion Week Underground México, un gran festival que reúne a varios diseñadores alternativos de moda en un solo lugar. En 2013 los alojó el Paranoid Visions UTA (Querétaro #224, Col. Roma) y es probable que en esta ocasión lo haga por segunda vez.

Curiosamente, desde hace algún tiempo, diseñadores reconocidos como Paul Rizk (que abiertamente se ha confesado fan de Metallica y Guns N’ Roses) o de imagen como Aldo Rendon han incorporado el color negro a su trabajo, además de las calaveras, los estoperoles y el rasgado punk.

“Yo lo veo bien, porque, a su vez, yo soy admirador del trabajo de Gianni Versace y Dolce & Gabanna”, concluye Giovanny. “El que las marcas grandes volteen hacia lo alternativo para refrescar sus diseños no me parece que sea algo negativo”. M

De la moda lo que te incomoda

Giovanny del Valle "Nosferatu”

Desde hace 20 años, Giovanny comercializa ropa de manufactura alternativa relacionada con las culturas subterráneas; organiza pasarelas con modelos punks y goths y por segundo año consecutivo, planea llevar a cabo el Fashion Weekend Underground México.

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