Revista Estilo Propio #51

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ABRIL 2021

ENTRE EL ARTE Y EL DISEÑO

ELENA SALMISTRARO + OSTEN EN PUERTO MADERO + ENTREVISTA A FEDERICO FONTENLA + EXPERIENCIAS DE ARTE & GASTRONOMÍA

DISEÑO

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ELENA SALMISTRARO: DISEÑO, ARQUITECTURA E ILUSTRACIÓN

EXQUISITE CORPSE COLLECTION POR ADAM & ARTHUR

ARQUITECTURA

PROTAGONISTA

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SUNAC GUANGZHOU GRAND THEATRE POR STEVEN CHILTON ARCHITECTS

ENTREVISTA A FEDERICO FONTENLA

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RASCACIELOS EN TOKYO, NUEVA YORK, SHENZHEN Y TAIPÉI

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OSTEN, POR HITZIG MILITELLO ARQUITECTOS

PRESENCE IN HORMUZ POR ZAV ARCHITECTS

SUMARIO // EP51

STAFF

Estilo Propio es una revista trimestral sobre arte, arquitectura y diseño, publicada desde 2006. Propone un recorrido visual y narrado a lo largo de destacados proyectos nacionales e internacionales, desarrollados por talentos emergentes y consagrados. Por su periodicidad y formato se ha convertido en un producto editorial de colección.

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Dirección general

ARQ. MARÍA JOSÉ CÁNEPA mjcanepa@revistaestilopropio.com Producción editorial

LA DUPLA CREATIVA DE ANNAANDANIEL

NASHI CONTENIDOS editorial@revistaestilopropio.com Diseño editorial

ANABELLA COLÓ

INTERIORISMO

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diseño@revistaestilopropio.com Producción general

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WABI SABI POR THE ROOM STUDIO

REVISTA ESTILO PROPIO info@revistaestilopropio.com Impresión

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A INDUSTRIAS GRÁFICAS

MARROW MIDCENTURY POR BELLS + WHISTLES

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B+TUBE POR STOREAGE

ARTE

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Registo de la Propiedad Intelectual en trámite.

Estilo Propio Revista es propiedad de María José Cánepa.

www. revistaestilopropio. com revistaestilopropio

ELSA YRANZO: EL ARTE DE COMER

“STRUCTURES FOR LIFE”: NIKI DE SAINT PHALLE EN EL MOMA PS1

ADEMÁS

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TECNOLOGÍA

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DIRECCIONARIO

FAVORITOS

@revistaestilopropio @revistaestilop

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DISEÑO · Exquisite Corpse Collection

LOS CADÁVERES MÁS EXQUISITOS

TALLEO

Formas casi irreales, colores estridentes y tradición de manufactura son los elementos que dan vida a las piezas de colección de la dupla Adam & Arthur.

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Bajo la sigla A&A, el diseñador industrial australiano ADAM GOODRUM y el artesano de marquetería francés ARTHUR SEIGNEUR crean piezas hipnóticas bajo una ecuación infalible: diseño, innovación y tradición. Una de sus realizaciones más acabadas es la colección Exquisite Corpse, presentada en Tollarno Galleries, en Melbourne. ADAM fue el encargado de idear los muebles y diseñar los caleidoscópicos patrones, mientras que ARTHUR transformó esos conceptos en textura y les dio vida propia.

Antecedentes: piezas por pieza

Históricamente trabajada con madera, la marquetería de paja o centeno es una técnica manual extremadamente minuciosa con la que se decoraban muebles y objetos del hogar. Esta técnica de ornamentación comenzó a utilizarse en Europa durante el siglo XVII y experimentó un revival con el Art Deco en el siglo XX.

Alrededor de 1925, los surrealistas franceses inventaron un juego llamado “Cadáver Exquisito”, una manera ingeniosa de generar ideas aparentemente inconexas. El primer jugador dibuja o escribe algo en un papel, luego lo dobla y lo comparte con otro, que suma la siguiente parte. El resultado final suele ser inventivo y, casi con total seguridad, bizarro. En palabras de ADAM, el proceso

que utilizan en A&A para la creación de sus piezas es bastante parecido. Ambos sostienen que ninguno podría haber llegado a su diseño sin la colaboración del otro. En efecto, así fue como nombraron a las piezas: uno dijo ‘Long’, otro agregó ‘Bow’ y así nació el nombre de uno de los muebles: ‘Longbow’.

Los tres protagonistas

La colección está integrada por tres muebles, todos basados en una forma geométrica particular: el esfericón, un objeto algo paradójico, casi irreal, y de aspecto lúdico. Longbow es un aparador de extremos curvos en colores verde, amarillo, blanco y negro. Archant, una consola en gama de rojos. Talleo, una cómoda de finas patas y caja ornamentada. Las tres piezas están completamente cubiertas con marquetería de

paja: de arriba hacia abajo y de adentro hacia afuera. ARTHUR logró explotar al máximo el juego de texturas que produce la luz sobre el centeno, cambiando la dirección de las hojas y aumentando el brillo con un barniz de gel de sílice, que ofrece una resistencia al agua.

Lejos de la producción masiva y la demanda de objetos industrializados, la colección de A&A convoca a la creación artesanal, una tradición pasada y una técnica contemporánea. Con tres usos bien diferenciados, las limitadas piezas de la colección dan cuenta de una filosofía en línea con el bajo impacto ambiental y el valor agregado de aquello que es hecho a mano. El usuario, último jugador de este “Cadáver exquisito”, agregará el fragmento final con la vida que le otorgue al mueble.

LONGBOW

Imágenes cortesía de Andrew Curtis y Victoria Zchommler www.adamandarthur.com

ARCHANT

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ARTE · Elsa Yranzo

MILITANTE GASTRONÓMICA Es directora de arte, docente y fundadora del estudio Creative Food Studio, con base en Barcelona. Crea instalaciones y performances artísticas con comida para generar reflexiones sobre el vínculo entre la gastronomía y las personas a través del diseño, el arte y la belleza. La mesa está servida: ¡a comer con Elsa Yranzo!

DESDE LA COCINA “Soy inquieta y curiosa, feminista y activista y creo en el arte como generador de cambios”: así se autodefine ELSA YRANZO, una diseñadora única en su especie. ¿Cómo, cuándo y en dónde se encuentran el diseño y la gastronomía?

Para ella, la cocina es uno de los diseños primitivos que definió a la humanidad, originalmente pensado como una forma de supervivencia. Hoy, en cambio, se trata de mucho más: una expresión de tradiciones, culturas y necesidades, pero también de fisuras, excesos y desigualdades.

Además de su trabajo como diseñadora y directora de arte, ELSA tiene una intensa actividad y participación en distintos proyectos. Es co-fundadora de La Imperfecta Belleza, una trilogía de eventos que buscan replantear hábitos de consumo como el despilfarro alimentario mediante acciones artísticas: para ello utiliza productos de descarte e imperfectos. Además, es una de las creadoras de Food and Femininity, un colectivo creativo que investiga la relación entre comida y feminidad.

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ELSA también tiene un gran compromiso con la docencia: coordina la materia “Arte y Cocina” de la carrera de grado Ciencias Culinarias y Gastronómicas del CETT-UB. Es colaboradora docente en diferentes escuelas y universidades de diseño y comunicación de Barcelona. Además, da charlas inspiracionales sobre food design y crea contenidos para escuelas y festivales de diseño sobre la comida y su relación con el diseño, la sostenibilidad, las tendencias y otros conceptos.

CENAS DE GALA Uno de los proyectos más impactantes del estudio, realizado por ELSA y SEBASTIÁN ALBERDI, fue In the Bauhaus Kitchen, una experiencia que celebró el centenario de la emblemática escuela alemana: “Es un proyecto colaborativo que analiza e interpreta cómo la gastronomía y los rituales asociados con la comida fueron puntos centrales de interés en la escuela”, explica ELSA. El encuentro tuvo lugar en el Pabellón Barcelona diseñado por MIES VAN DER ROHE y LILLY REICH para la

Exposición Universal de 1929 y reunió a notables referentes de la gastronomía, el diseño de productos, la artesanía, la poesía, el cine, la escultura, el diseño gráfico, la fotografía, el estilismo y la música, entre otros. A partir de una serie de palabras clave (un ingrediente gastronómico, un material específico o un valor o atributo de la Bauhaus) crearon una experiencia gastronómica de tres horas dividida en distintos actos que conducían a la esencia de la escuela.

Para el lanzamiento de la colección de maquillaje de CAROLINA HERRERA, ELSA diseñó una experiencia artístico-gastronómica llamada Obsessions: los colores, las formas, las texturas y los estados (polvos, sólidos, líquidos) revelaron la identidad de los productos de Make Up a través de la estimulación sensorial.

“Como diseñadora y como ciudadana me interesan temas relacionados con la comida tales como el despilfarro y la seguridad alimentaria, la pérdida de conocimiento gastronómico, el deterioro del respeto por el planeta y los animales y la descontrolada industria del fast food.

La alimentación siempre será un tema de agenda pública, pero también un objeto sensible para el arte y el diseño como modos de reflexión. Si JOHN L. AUSTIN nos enseñó a hacer cosas con

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DISEÑO · annaandaniel

¡DIGAN

WHISKY! Con un estilo que describen como minimalista y divertido, la dupla creativa conformada por los arquitectos españoles Anna Devís y Daniel Rueda se dedica a crear fotografías de universos visuales inéditos. Usando a la arquitectura como marco (edificios, muros, vidrieras), despliegan oficios manuales, humor e ingenio para llegar a una única toma, tan perfecta como eterna.

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Los años 90 nacieron sin el Muro de Berlín. Fue la década de la primera oveja clonada, de la Internet doméstica y del ataque terrorista contra el World Trade Center. Se lanzó el primer libro de la saga Harry Potter, murieron la princesa DIANA, la Madre TERESA, AYRTON SENNA, FREDDY MERCURY y STANLEY KUBRICK, y se estrenaron éxitos de taquilla como “Titanic”, “Pulp Fiction”, “El silencio de los inocentes”, “Forrest Gump” y “The Matrix”. En 1990, además, nacían dos talentos de la arquitectura y la fotografía que estaban destinados a encontrarse en la Universidad Politécnica de Valencia: ANNA DAVÍS y DANIEL RUEDA. “A pesar de estar estudiando arquitectura, los dos estábamos haciendo cosas alrededor de eso: Anna estaba creando trabajos de diseño e ilustración; yo trabajaba en cultura en una escuela, armaba páginas web y hacía fotografía de edificios a nivel casi profesional.

Esas inquietudes hicieron que nos lle- “El arquitecto busca excusas en váramos bien: teníamos la idea de que la música, en el cine o, en otras haciendo imágenes podíamos aportar algo más y llegar a un público más am- disciplinas para crear su obra y plio que el de los arquitectos”. defenderla. Creemos que comunicar la arquitectura de una manera 1+1 = INFINITO diferente es algo que hace falta”.

De tanto conocerse, uno suele terminar la frase del otro. Sin embargo, la simbio- ANNA DAVÍS sis es complementaria: ANNA es la mente de las ideas, mientras que DANIEL es el gestor de la tecnología. Los padres de en todo ese proceso solo trabajen dos ella eran escaparatistas, por eso siempre estuvo rodeada de creatividad y acos- personas: “El equipo es lo que ves aquí: hacemos todo nosotros, desde traducir tumbrada a trabajar con las manos. En las ideas a planos y bocetos hasta ejecuel caso de él, tuvo una formación más tar cada pieza y hacer la fotografía. En detallista, concentrada en buscar el rigor geométrico de las cosas. “Somos dos per- algunas oportunidades no llegamos, y entonces por ejemplo hacemos el corte sonas completamente distintas, como el láser en el taller de unas amigas de la caying y el yang. Él es súper tecnológico rrera. O también nos ha pasado de tener y yo muy analógica”, cuenta ANNA. En que mandar a hacer una falda porque no sus obras es imposible discernir el rastro conseguíamos lo que necesitábamos en de cada uno (tan coherentes, acabadas y el mercado”, explica DANIEL. sólidas son), así como también creer que

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INTERIORISMO · Marrow Midcentury

LOS NUEVOS 50s

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El dúo Bells + Whistles cumplió el sueño de todo diseñador: desarrollar una casa icónica en Rancho Mirage, California: el color y las texturas, a la orden de la obra.

En 1957, los arquitectos modernistas WILLIAM CODY, DONALD WEXLER Y RICHARD HARRISON diseñaron en California un complejo de diez casas al que llamaron Thunderbird North. Sus unidades se destacaron por su adaptación a las condiciones climáticas extremas que supone el desierto, y WEXLER en particular por haber sido un pionero en la incorporación de acero en las viviendas. En agosto de 2019 una pareja compró una de las casas, Marrow Midcentury, que había sido previamente renovada por un dueño anterior: el lienzo estaba en blanco. Sin modificar la estructura base, decidieron renovarla por completo, pero de adentro hacia afuera. ¿Cómo convertir en propia una casa que es considerada sitio histórico de gran valor arquitectónico? La respuesta fue diseñada por Bells + Whistles.

Tras la huella modernista

BARBARA ROURKE y JASON ST JOHN, el dúo fundador del estudio de diseño Bells + Whistle, ambientaron los 3380 m2 de la casa respetando su estructura histórica. Trabajaron sobre la identidad de cada ambiente a partir de la paleta de colores, las texturas, y las formas, recreando terminaciones que fueron furor en los 50s, 60s y 70s. Las alfombras con pelo en relieve, los apoyabrazos circulares, los espejos de formas caprichosas, las mesas recibidoras con sostenes en forma de columna y las luminarias con flecos colgantes son algunos de esos exponentes.

MARROW MIDCENTURY ES UNA DE LAS DIEZ CASAS QUE FORMAN PARTE DEL COMPLEJO DISEÑADO POR LOS ARQUITECTOS MODERNISTAS WILLIAM CODY, DONALD WEXLER Y RICHARD HARRISON.

INTERIORISMO · Wabi Sabi

Wabi Sabi de exportación El dúo catalán al frente de The Room Studio se encargó de la remodelación y proyecto de interiorismo de una vivienda en Paseo de Gracia, una de las principales avenidas de Barcelona.

Quién hubiera imaginado que la identidad estética para una casa en la ciudad costera más famosa de España fuera la influencia japonesa. El pedido vino por parte del cliente: un espacio atemporal, cálido y acogedor en 230 m2 cubiertos y 280 m2 al aire libre con piscina, jardín vertical y espacio de sitting. Los elegidos para el trabajo fueron MERIXTELL RIBÉ y JOSEP PUIGDOMÈNECH, fundadores de The Room Studio, conocidos por trabajar la obra de manera integral, con el foco puesto en la iluminación y la funcionalidad de los espacios. Desde 2008 cuentan con su propia constructora, lo que les permite crear y ejecutar sus ideas a la perfección, e involucrarse de manera completamente inmersiva en la realización del proyecto.

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LA BELLEZA DE LO IMPERFECTO

Wabi Sabi es una filosofía japonesa: se trata de encontrar la belleza en la imperfección y el trazo que el paso de los años deja sobre los espacios y los objetos. Es la aceptación de lo transitorio y lo incompleto tanto en la arquitectura y la decoración, como en el diseño y la ornamentación de los objetos. Este término no solo es intraducible a nuestro idioma, sino que se considera como indefinible dentro de su propia cultura: se algo que no puede concretarse del todo, es simpleza en constante movimiento.

Además, es decoración con fines prácticos: nada puede convivir si no tiene una finalidad. Cada detalle es funcional y

“A través de materiales nobles con tonalidades neutras y sosegadas como el microcemento, el hierro y la madera, creamos un dialogo entre los diferentes espacios”.

PROTAGONISTA · Federico Fontenla

Compositor de mobiliario

En la fábrica escuela que lo vio crecer, rodeado por su familia y con la música acompañándolo a todos lados, el menor de los Fontenla se mueve con melodía y ritmo entre la oficina, el taller, la sala de ensayo y el estudio de grabación. Su recorrido fue largo y sigue prometiendo: egresó como periodista de TEA, estudió música y está por grabar su tercer disco. En la empresa se ocupa de las finanzas y el marketing, pero por su sensibilidad lo que más disfruta es el trato con el equipo de trabajo. De espíritu libre, actitud arriesgada y carácter empático, transmite un perfil de empresario consolidado, sin perder la humildad y la búsqueda del emprendedor. Desde sus veranos adolescentes hasta hoy, creció con la empresa y Fontenla creció con él: con ustedes, Federico Fontenla.

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DISEÑO · Elena Salmistraro

ELENA DE MILÁN

Nacida en 1983, la diseñadora de producto y artista ELENA SALMISTRARO vive y trabaja en la emblemática ciudad italiana. Se graduó en Diseño de Moda y Diseño de Producto en la Universidad Politécnica de Milán y, junto a su esposo, el arquitecto ANGELO STOLI, fundó su propio estudio en 2009.

Desde allí trabaja para marcas y empresas como Apple, Disney, Vitra, Lavazza, Alessi, Moooi, Timberland y Re-play, entre muchas otras. Desde la meca del diseño, charló en exclusiva con ESTILO PROPIO.

ARQUITECTURA · Presence in Hormuz

DEL DOMO VENIMOS, AL DOMO VAMOS

Como puntos de un tejido, los domos multicolores que conforman Presence in Hormuz, el proyecto de desarrollo urbano de ZAV Architects, se alzan sobre la orilla del Golfo Pérsico, al sur de Irán.

Por el puerto de la isla de Hormuz pasaban las naves que trasladaban petróleo por Oriente Medio. Hoy sus formas parecen un ornamento ubicado sobre la costa, pero en realidad representan los nudos de una alfombra. Los domos de colores de Presence in Hormuz reflejan el paisaje, que consta de la impresionante paleta cromática del golfo, la característica distintiva del área. Se trata de un proyecto de integración urbana que busca empoderar a la población local y articular una residencia turística llamada Majara, para que visitantes y locales puedan interactuar económica y culturalmente.

HECHO EN HORMUZ

Presence in Hormuz es un caso acabado acerca de cómo la arquitectura puede mediar entre distintos intereses y grupos culturales, generando una propuesta con valor agregado y un cambio político en la vida diaria del espacio. El proyecto se despliega en 4000 m2 y entrelaza la vida de vecinos del puerto de Bandar Abbas, los inversores de Teherán y lugareños de Hormuz.

La “localidad” es uno de los aspectos diferenciales. Se trata de una construcción accesible, para la cual se capacitó a la población: la mano de obra fue la principal inversión de capital del proyecto. La

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ARQUITECTURA · Sunac Guangzhou Grand Theatre

VOLVER A LAS TABLAS

El aclamado estudio Steven Chilton Architects diseñó el Sunac Guangzhou Grand Theatre, un revolucionario teatro en China que abrirá sus puertas en 2021.

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En el distrito chino de Huadu, en Guangzhou, al norte de la provincia de Cantón, el equipo inglés de Steven Chilton Architects diseñó un teatro multi-propósito para alojar 2000 personas. Pero lo más sorprendente del edificio no es su capacidad, sino la tecnología aplicada al diseño tanto de la sala como de su exterior. Como un espiral de merengue que se retuerce sobre sí mismo, el Sunac Guangzhou Grand Theatre impacta por su forma y color. Inspirado en la tradición milenaria del bordado sobre seda, la estructura final cuenta con un revestimiento en un intensísimo rojo sobre el que se trazan dibujos en dorado. Siendo Guangzhou el punto de partida de la ruta de la seda sobre el mar y, además, un eje artístico de referencia desde la dinastía Han -segunda dinastía imperial de China-, los arquitectos dirigidos por STEVEN CHILTON decidieron utilizar estos dos elementos constitutivos de la identidad urbana para ser ejes estéticos del proyecto.

BORDADO A GRAN ESCALA

La pintura y el bordado sobre seda son medios tradicionales que los artistas de China han utilizado durante miles de años, tanto como recursos creativos como para narrar mitos y leyendas en tapices y túnicas. Las ilustraciones del exterior del teatro fueron realizadas por el artista ZHANG GONGFEI y digitalizadas por el equipo de SCA, que luego las mapeó sobre la superficie geométrica del teatro. La disposición de las ilustraciones y su composición fue guiada de acuerdo a conceptos del arte del tatuaje: teniendo en cuenta la topología y la superficie geométrica de la fachada, las imágenes se ubicaron en función del movimiento del edificio, sus volúmenes y pliegues. “Nos inspiramos en un mito local, 100 Birds Paying Homage to the Phoenix”, dijo STEVEN CHILTON. El Fénix, localmente conocido como “Fenghuang”, es un símbolo de virtud y coraje, por eso los dibujos fueron ubicados en los pliegues superiores, mientras que

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INTERIORISMO · B+TUBE

SIN CORRECTOR: EL MAQUILLAJE DEL FUTURO La empresa de cosméticos B+Tube presentó su nueva tienda en Changsha, China. De la mano del estudio de diseño Storeage, creó un universo futurista con libertad de expresión y asistencia inteligente.

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Superficies tornasoladas, líneas curvas y pantallas con imágenes animadas recrean lo que parece el set de una película de ciencia ficción o un drama futurista.

Pero no: se trata de la nueva tienda flagship* de la marca de cosméticos B+Tube. Con la dirección del estudio de branding Storeage, el diseño de este nuevo espacio estuvo orientado a elevar la experiencia de compra a un nuevo nivel. El objetivo fue crear un diálogo más fluido con los adolescentes: a la hora de elegir maquillaje, buscan diversidad y libertad en la expresión y los colores.

“Queremos alentar a las generaciones más jóvenes a expresarse con las formas y colores que deseen, pero que el costo de ello nunca sea dejar de lado una piel saludable”.

Lisa You - CEO y fundadora de B+Tube

Tienda principal de una marca, generalmente ubicada en esquinas turísticas o zonas comerciales. La propuesta estética y de interiorismo revela su personalidad, y ofrece la colección completa de cada temporada.

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ARQUITECTURA · Osten

EL LUJO DETENIDO Ubicado en el barrio porteño de Puerto Madero, Osten es un restaurante y bar de alta coctelería con una temática y concepto históricos: la crisis del 29 en Estados Unidos y la literatura de Francis Scott Fitzgerald.

En 1929 la economía mundial se detuvo: la bolsa de Estados Unidos entró en su más dramática crisis financiera, conocida como la Gran Depresión.

Las consecuencias desataron interpretaciones y reacciones artísticas, entre ellas las literarias de FRANCIS SCOTT FITZGERALD. Sus textos compilados en The Crack Up sirvieron como inspiración para Osten, el bar diseñado por Hitzig Militello Arquitectos, quienes también recrearon el glamour de The Great Gatsby.

Un brindis con el pasado Osten no es uno de esos bares que sirven todo de entrada. Al contrario, se va revelando a cada paso, sorprendiendo al visitante a través de distintos estímulos: formas, texturas, luces. El pasillo construido con andamios ofrece seis accesos al espacio principal: el objetivo fue crear áreas independientes y privadas.

La entrada al bar se encuentra al final del corredor, que culmina con la identidad del bar sobre un metal perforado.

“La presencia de los andamios sirve como soporte de una era que ya no lograba sostenerse por sí misma”, cuentan desde el estudio.

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