EL COMITÉ 1973
Año. 3 Núm. 13
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Revista de difusión, crítica y creación literaria.
Para la mayoría de las personas ha tenido una presencia trascendental a lo largo de sus vidas. No sólo es la banda sonora de los escenarios afectivos de cada individuo, sino que tales escenarios se vuelven procesos afectivos colectivos. Las tendencias musicales dibujan un paisaje de la actitud mental de los grupos sociales que van de los niños a los criminales; desde la antigüedad hasta nuestros días. Aun cuando la tragedia griega y la música sacra de la Edad Media tienen una relación con la temática del mito, no podemos decir que haya sido establecida con una plena conciencia literaria. La razón es que no fue hecha con la conciencia de que fuera arte, pues formaba parte del rito y del culto. Este hecho dio un giro con la irrupción de la ópera en la escena artística; desde entonces lo que desde la modernidad se conoce como literatura no ha dejado de estar relacionada con la música. La música popular que va del jazz al pop, del rock a la música electrónica, también es una especie de crónica de las preocupaciones y ensoñaciones, de las veleidades y tristezas, de la alegría, de los placeres y que encuentra en las historias contadas un vehículo más de expresión. Está claro que la poesía no ha dejado de estar presente. Un ejemplo son los poemas musicalizados de gente como Nicolás Guillen, Antonio Machado, e incluso Neruda. Bob Dylan y Leonard Cohen, como poetas emblemáticos del rock y hasta el mismísimo rap, como manifestación de la poesía urbana y su ámbito marginal. Y gracias a esa presencia nuestras vidas se resignifican cada tanto; esa es una de las razones por las que hemos querido decir algo al respecto. Como siempre, nuestro agradecimiento con nuestros lectores y colaboradores es incondicional. Gracias Totales. 2
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EL COMITÉ 1973 Director general Marco Antonio Meneses Monroy
EL COMITÉ 1973. Núm. 13. La música. Revista de difusión, crítica y creación literaria. Correo electrónico: elcomite1973@gmail.com http://issuu.com/revistaelcomite1973 https://www.facebook.com/revistaelcomite1973 https://twitter.com/ElComite1973
Director Editorial Israel J. González S. Difusión y medios Almendra Vergara imagen y Diseño gráfico Israel Campos Nava
Consejo colaborador Agustín Cadena Rodrigo Círigo Guadalupe Flores Liera Comité colaborador de Rodrigo Círigo Alma Curiel Guadalupe Flores Liera Jerónimo García Riaño Israel J. González S. Marco Antonio Meneses Monroy Maik Moriarty
Contraportada Alma Curiel Publicación Bimestral Año 3. Núm.13. 2014. Septiembre - Octubre
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Editorial Relato No translation Jerónimo García Riaño Poesía
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Una gota de sudor les recorre la espalda Rodrigo Círigo
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Sobre la vida Marco Antonio Meneses Monroy
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Poesía en traducción Dos poemas de Christian Morgenstern Versiones de Marco Antonio Meneses Monroy
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Poesía en lengua griega Versiones de Guadalupe Flores Liera
Dossier 18
Portafolio Alma curiel Ensayo Manos Hatzidakis: El saboteador del orden Guadalupe Flores Liera
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El ritmo, el lenguaje Ensayo de Israel J. González S.
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Agora y Prisionero 51: Metal y literatura Maik Moriarty
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No translation
-… For example love (“… por ejemplo el amor”, dice el traductor simultáneo). Love is expressed as fresh wind waves (“El amor se expresa como oleadas de viento fresco”), which at times heated and enter burning our skin pores (“que por momentos se calienta y entra por los poros quemando nuestra piel”). Las personas del auditorio escuchan por sus audífonos la voz pausada y profunda del traductor, y ven mover los labios del escritor que lee su texto. Algunos cierran los ojos para escuchar mejor. -Many people think that love is the life´s meal (“Mucha gente piensa que el amor es el alimento de la vida”). Others believe love is more an invention of man, as God (“Otros consideran que el amor es un invento más del hombre, como Dios”). I think it’s a god that nourishes life (“Yo creo que es un dios que alimenta la vida”). El silencio del auditorio es golpeado por una tos seca que sale de alguno de los espectadores. - So life is created by a different god that the god that I was taught at school (“Así la vida es creada por un dios, diferente al dios que me enseñaron en la escuela”). And that’s the God of my novels and short-stories (“Y ese es el Dios de mis novelas y cuentos”). But the God of my poetry is another…(“pero el Dios de mi poesía es otro…”) A God who wears many customers, one that I don´t find yet (“Un Dios que se viste con muchos disfraces, uno que aún no descubro”), but I don´t want to discover, I want him to find me (“pero que no quiero descubrir, quiero que…”) sitting at my computer, full of uncertainty, not knowing what to put (El traductor emite un suspiro que aturde los oídos de los oyentes), not knowing that God will say through me, through my hands on the key board (un golpe seco se escucha por los audífonos de los asistentes, como si el traductor se tomara el pecho con las manos). And combining these two gods to make them a single melody. Los espectadores se miran entre sí. Por lo audífonos ya no sale la voz del traductor. -My melody, the melody of my new life - dijo el escritor.
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UNA GOTA DE SUDOR LES RECORRE LA ESPALDA
Rodrigo Círigo
Los niños construyen ciudades con sus palas y rastrillos de plástico dibujan postes de luz acueductos zonas de tolerancia rascacielos sobre la arena que el mar no remueve alzan distribuidores viales discuten el lugar de las estatuas mientras sus muslos se llenan de caracoles eligen los días los himnos dicen Éste es el nuevo mundo y una gota de sudor les recorre la espalda.
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Marco Antonio Meneses Monroy
Las cosas son y no son lo que parecen mientras la realidad rebasa lo mismo al hombre lúcido que al torpe. Es común decir la vida es sueño porque aceptar esta sentencia es no cuestionar el sinsentido de la vida igual a mariposas quemándose. Pero tal vez la cosa sea a la inversa y todo funciona de acuerdo a un plan siniestro donde el sufrimiento, las violaciones, el oprobio, son nuestro pan de cada día y funciona tan bien el hábil plan que no importa mucho lo negativo lo que cuenta es que a lo lejos una bola de fuego que a sí misma se aniquila, nos ilumine, y eso basta para seguir pisando esta tierra de espinas, para seguir comiendo este cactus de nopal sin fruto. Pero pensemos otra realidad: No existen dioses, ni Dios, ni plan alguno, no es que todo sea azar, sino que el hombre decide someter al yugo a todo ser viviente. En esta posibilidad el hombre es monarca y prosélito de su propio albedrio. Imaginemos una última posibilidad: el hombre es una luciérnaga tullida creada por otra de pálida luz a la cual imita sin tenerlo prescrito.
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CHRISTIAN MORGENSTERN
Christian Morgenstern (1871-1914) escritor alemán nacido en Múnich y fallecido en Merano.
Versiones en español de Marco Antonio Meneses Monroy
Abschied
Despedida
Weißt, was mir träumte? Wir nahmen Abschied fürs Leben. Deine Arme umschlangen mich und deine Lippen brannten und bebten... Brannten und bebten Verheißung Einer Nacht, einer chaotischen Nacht... Irgendwo ... Irgendwann ... Vielleicht nicht einmal auf dieser Erde ... Auf einem Stern vielleicht, da Unschuld noch in innerster Freiheit nimmt und gibt wie es sie drängt.
¿Sabes lo que soñé? Nos despedíamos de por vida. Tus brazos se volcaron hacia mí y tus labios ardían y temblaban… Se quemaba y temblaba la promesa una noche, una caótica noche… En algún lugar… En algún momento tal vez ni siquiera en esta tierra… En una estrella quizá, ahí donde la inocencia todavía en la más interna libertad toma y entrega mientras exhorta.
Und ich zog dich enger an mich und küßte dich inniger. Dann endlich löstest du langsam die lieben Arme und schürztest dein Haar in den strengen Knoten zurück Ich legte den Mantel dir um die Schultern. Die Tür fiel zu. Und drunten im Schnee lief eine schmale Spur magdlicher Stapfen hinaus, weit, weit in die mondhelle, einsame Nacht.
Y te atraje cerca de mí y te besé de manera íntima. Entonces, finalmente a modo lento retiraste los amados brazos y recogiste tu cabello en un severo nudo. Te puse el abrigo en los hombros. La puerta se cerró. Y en la nieve corría un esbelto rastro de virginales huellas afuera, lejos, muy lejos en la claridad de la luna sólo la noche.
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O traure nicht! Aus roten Morgenwolken blüht der blaue Tag in blasser Seligkeit ... Und über Raum und Zeit erhebt sich mein Gemüt zu dir. O traure nicht! Und bist du nicht bei mir -: Ein Licht sind wir und ist von mir zu dir. Aus roten Morgenwolken blüht der blaue Tag in blasser Seligkeit ... Und über Raum und Zeit erhebt sich dein Gemüt zu mir.
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CHRISTIAN MORGENSTERN Versiones en español de Marco Antonio Meneses Monroy
No te entristezcas Florecen las rojas nubes de la mañana el día azul de pura felicidad. Y sobre el tiempo y espacio se levanta mi alma hacia ti. No te entristezcas y no estás a mi lado, somos una luz y va de mi hacia ti. Florecen las rojas nubes de la mañana El día azul de pura felicidad. Y sobre el tiempo y espacio se levanta tu alma hacia mí.
Christian Morgenstern (1871-1914) escritor alemán nacido en Múnich y fallecido en Merano.
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POESÍA EN LENGUA GRIEGA Nota y traducciones del griego de Guadalupe Flores Liera
1. Στον ουρανό του τίποτα με ελάχιστα Από την κλειδαρότρυπα κρυφοκοιτάω τη ζωή την κατασκοπεύω μήπως καταλάβω πώς κερδίζει πάντα αυτή ενώ χάνουμε όλοι εμείς. Πώς οι αξίες γεννιούνται κι επιβάλλονται πάνω σ’ αυτό που πρώτο λειώνει: το σώμα. Πεθαίνω μες στο νου μου χωρίς ίχνος αρρώστιας ζω χωρίς να χρειάζομαι ενθάρρυνση καμιά ανασαίνω κι ας είμαι σε κοντινή μακρινή απόσταση απ’ ό,τι ζεστό αγγίζεται, φλογίζει… Αναρωτιέμαι τι άλλους συνδυασμούς θα εφεύρει η ζωή ανάμεσα στο τραύμα της οριστικής εξαφάνισης και το θαύμα της καθημερινής αθανασίας. Χρωστάω τη σοφία μου στο φόβο· πέταλα, αναστεναγμούς, αποχρώσεις τα πετάω. Χώμα, αέρα, ρίζες κρατάω· να φεύγουν τα περιττά λέω να μπω στον ουρανό τού τίποτα με ελάχιστα.
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1. Katerina Anguelaki-Rooke, nació en Atenas en 1939. Estudió Literatura Inglesa en Atenas, también realizó estudios en Francia y Suiza. Obtuvo el título de intérprete en las lenguas inglesa, francesa y rusa en la Escuela de Traductores e Intérpretes de la Universidad de Ginebra. Publicó su primer libro (Nueva época) en 1956. Escribe artículos sobre literatura y también traduce. Ha recibido varias distinciones por su obra. Algunos títulos suyos: Hermoso desierto la carne, El triunfo de la pérdida constante, Contrario amor, Los papeles dispersos de Penélope, Naturaleza vacía, La materia sola, y otros. El siguiente poema abre y da título al libro Al cielo de la nada con lo mínimo (edit. Kastaniotis, Atenas, 2005).
Al cielo de la nada con lo mínimo Por el ojo de la cerradura acecho la vida la espío por si acaso entiendo por qué siempre gana ella mientras nosotros perdemos. Cómo nacen los valores y se imponen a esto que se desintegra antes: el cuerpo. Fallezco mentalmente sin rastro de enfermedad vivo sin necesidad de estimulación alguna respiro así me encuentre a corta larga distancia de cuanto se palpa cálido, ardiente... Me pregunto qué otras combinaciones inventará la vida entre la herida de la desaparición definitiva y el milagro de la inmortalidad cotidiana. Le debo mi sabiduría al miedo; desecho pétalos, suspiros, matices. Me quedo con la tierra, el aire, las raíces; que desaparezca lo superfluo digo para ingresar al cielo de la nada con lo mínimo.
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2. Ποτέ μην βάζεις την άνοιξη σε παρένθεση Είναι δυο σύρματα μέσα μου τα ενώνεις κι ανάβει το τίποτα Τραβώντας την περόνη του φωτός μου εξερράγη ο άγγελος εκεί να δεις γυαλιά και πούπουλα αλλά από θαύμα γλίτωσα μόνη εκδορά η μνήμη μου και λίγο που (την Άνοιξη) χωλαίνω Κατά τα άλλα κοιμάμαι κανονικά δουλειές παιδιά καλά έχει περόνη και το σκότος; * Άμα πεινάει τα θαύμα Λάμπουνε και τα ψέματα για να με ξαναβρείς στο χρόνο μπρούμυτα παίζει κι εκείνος με τα σύρματα αρέσουν και στους δυο μας * Δεν τρέμουν πια τα χέρια μου κι αυτό να σας τρομάζει
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2. Giannis Stingas, nació en Atenas en 1977. Estudió medicina. Es autor de El vagabundeo de la sangre (2004), Visión recuperada (2006) y Herida semejante (2009). Colabora en varias publicaciones periódicas y ha sido traducido a varios idiomas. El siguiente poema pertenece a su segundo libro. Nunca pongas paréntesis a la primavera hay dos alambres en mi interior los unes y se enciende la nada Al arrancar la espoleta de la luz me estalló el ángel eran de ver los vidrios y las plumas pero me salvé de milagro por única lesión mi memoria y una leve cojera (en primavera) Por lo demás duermo normalmente el trabajo los hijos bien ¿la oscuridad tiene espoleta? * Si el milagro tiene hambre hasta las mentiras fulguran para que vuelvas a encontrarme boca abajo en el tiempo juega él también con los alambres a los dos nos gustan * Mis manos ya no tiemblan y esto debe infundirles miedo
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3.
Το άλογο την ποίησης δεν έχει ηνία ουδέ ωράριο. Οι οπλές του ματώνουν τη σκέψη Γι’ αυτό κερδίζει τη λευτεριά.
Ο έρωτας δεν ανασαίνει παρά την ικεσία.
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3. Mona Savvidou-Theodoulou, nació en 1949 en Limasol, Chipre, de padres que llegaron como refugiados a la isla a raíz de la tragedia de Asia Menor, en 1922. Estudió Filología Griega en la Universidad de Atenas y trabajó como profesora. Es directora del Primer Liceo Laniteio, secretaria del Centro Chipriota de Escritores (PEN) y miembro de la Sociedad Nacional de Escritores Griegos de Chipre y de Grecia. Ha publicado ocho poemarios, una obra teatral, relatos y estudios críticos. Poemas suyos han sido traducidos a varias lenguas.
El caballo de la poesía no tiene riendas ni horario. Sus cascos hieren el pensamiento Por eso obtiene la libertad.
El amor no respira pese a la súplica. (nota y traducción de Guadalupe Flores Liera)
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México, D.F. 1984 Fotógrafa escénica, estudió en la antes Escuela Nacional de Artes Plásticas ahora Facultad de Artes y Diseño de la UNAM. Se desarrolló en el Sistema Nacional de Teatros, su habilidad para capturar instantes la ha llevado a realizar más de un millar de fotografías en las que nos muestra esa pasión por las artes escénicas, danza, música, escena contemporánea, folclor mexicano... En esta ocasión mostramos una serie de fotografías de su exposición itinerante “Impresiones Escénicas... una muestra de emociones”, el trabajo visual, compositivo y creativo de estas imágenes documentales muestran escenas contemporáneas en instantes artísticos que perduran en la memoria del espectador. Disfruten de este talento en el que las imágenes lo dicen todo...
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LA DANZA DE LOS CISNES Compañía Contradanza Teatro de las Vizcaínas 6° Muestra de Artes Escénicas de la Ciudad de México Noviembre 2011
EL FLORIDO PENSIL (Plataforma Escénica Vasca) Compañía Tanttaka Teatro de la Ciudad 3° Muestra de Artes Escénicas de la Ciudad de México Noviembre 2008
AMARILLO Compañía Teatro Línea de Sombra Teatro Benito Juárez 4° Muestra de Artes Escénicas de la Ciudad de México Noviembre 2009
CORRIDOS URBANOS Compañía Nortec Collective Teatro de la Ciudad Esperanza Iris 5° Muestra de Artes Escénicas de la Ciudad de México Noviembre 2010
BOSQUES (Tetralogía La Sangre de las Promesas) Compañía Tapioca Inn Teatro Benito Juárez 6° Muestra de Artes Escénicas de la Ciudad de México Noviembre 2011
VIVIR MURIENDO Astrid Hadad Clausura 6° Muestra de Artes Escénicas de la Ciudad de México Noviembre 2011
EL HOMBRE QUE SÓLO SABÍA AMAR (Vicente Silva) Teatro de la Ciudad Esperanza Iris 3° Muestra de Artes Escénicas de la Ciudad de México Noviembre 2008
BODIESarenotBORDERS Compañía Péndulo Cero Danza Contemporánea Teatro Benito Juárez 5° Muestra de Artes Escénicas de la Ciudad de México Noviembre 2010
8° EMISIÓN DE SALAS DE URGENCIA Compañía Seres Comunes Vecindad de la Delegación Cuauhtémoc 6° Muestra de Artes Escénicas de la Ciudad de México Noviembre 2011
LOS JARDÍNES DEL ALMA Compañía Dramadanza Teatro Benito Juárez 3° Muestra de Artes Escénicas de la Ciudad de México Noviembre 2008
ACCIONES SOBRE LA FUERZA DE LA DEBILIDAD Compañía Entre Piernas Producciones Panteón de San Fernando 6° Muestra de Artes Escénicas de la Ciudad de México Noviembre 2011
CELSO PIÑA Y SU RONDA BOGOTÁ Teatro de la Ciudad Inauguración 6° Muestra de Artes Escénicas de la Ciudad de México Noviembre 2011
THE BELL (LA CAMPANA)
Compañía Periplum (Inglaterra) Explanada Lázaro Cárdenas del IPN Adolfo López Mateos 5° Muestra de Artes Escénicas de la Ciudad de México Noviembre 2010
El saboteador del orden Guadalupe Flores Liera El pasado 15 de junio se cumplieron veinte años de la muerte de Manos Hatzidakis, el hombre que marcó con su innegable talento y su recia personalidad el mundo musical e intelectual de Grecia durante la segunda mitad del siglo XX. Aunque su influencia en el mundo del arte se extiende hasta hoy de forma indiscutible, porque nadie como él para revolucionar la forma de hacer y concebir la música. 42
Nació en Xanthi, en Tracia occidental, en el norte de Grecia, el 23 de octubre de 1925 y comenzó sus estudios de música a los cuatro años. A los ocho años se estableció con su madre en Atenas, a los doce perdió a su padre en un accidente de aviación. Esto y el comienzo de la segunda gran guerra significaron para él y su familia enormes dificultades para salir adelante, que él afrontó sin darse tiempo para lamentaciones: fue cargador en el puerto del Pireo, trabajó en la fábrica cervecera Fix, fue empleado en un estudio fotográfico y ayudante de enfermero en un hospital militar, fue miembro de la Organización Política Griega de Jóvenes (EPON), donde conoció al otro gigante de la música griega, Mikis Theodorakis, con quien trabó amistad. Al mismo tiempo, dio comienzo a su prolífica carrera en el mundo de la composición musical, en el que destacó como uno de los mejores representantes de la unión de la música culta con la popular, así como de las corrientes europeas con la producción local. Fue, asimismo, el promotor de la canción basada en un discurso poético de calidad, con raíces en el pueblo y en sus mitos. Hatzidakis había realizado estudios de Filosofía en la Universidad de Atenas, donde conoció a quienes no tardarían en destacar en el mundo de la cultura, como los poetas Nikos Gatsos, Giorgos Seferis, Odysseas Elytis, Ánguelos Sikelianós, así como al pintor y escenógrafo Giannis Tsaroukhis, con quienes realizó colaboraciones que abrieron caminos innumerables a la creación en varios terrenos y que son consideradas ya clásicas. Asimismo, comenzó estudios de actuación, gracias a lo cual entró en contacto con el mundo del teatro, que sería otra de sus grandes pasiones. Fue justamente en el Teatro del Arte de Károlos Koun, figura relevante en el mundo de la escena, donde comenzó a musicalizar obras. Poco después, en 1946, comenzaría también a componer para el cine. Ésta época, que él señala como determinante en su formación, coincide con el descubrimiento de la música rembétika, género hasta entonces proscrito por la buena sociedad, ya que se encontraba confinado a lo que se consideraba el mundo de la marginación. Era la música que habían llevado con ellos los griegos expulsados por los turcos de sus antiguas regiones de Anatolia, a raíz de la llamada Tragedia de Asia Menor, en 1922, cuando Grecia vio destruidos sus sueños de recuperar los territorios que le habían pertenecido por siglos en esa región. El más de un millón de refugiados que llegó a Grecia a hacinarse y formar cinturones de miseria en puertos y ciudades llevaba entre sus pocas pertenecias un bagaje cultural valiosísimo que remitía a la tragedia antigua, así como a Bizancio.
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La hondura de estas composiciones, la instrumentación, la sobriedad, la riqueza de elementos convertidos por el tiempo en perfecta amalgama de equilibrios lo seducen para siempre. Hatzidakis será unos de los grandes defensores y reivindicadores de este arte, que es en realidad un estilo y una forma de concebir la vida. Para él no hay composiciones que traduzcan mejor la situación espiritual del pueblo griego en aquellos años dramáticos; representan, afirma, “la fuerza vital acumulada que se ahoga al no encontrar salida”. Aquí descubre que lo popular y lo populachero son cosas distintas; la banalidad, lo fácil, lo superficial, lo carnavalesco le producen rechazo; lo que le interesa es la raíz, la hondura, la esencia, la fuerza que emana de la experiencia acumulada en la memoria colectiva. Esto es lo que le interesa explorar. De esta manera, encuentra que: “Con el canto dialogaron los hombres y los pájaros y éstos, a su vez, con los hombres. Con el canto los antepasados enviaron mensajes a sus descendientes.” Descubre también que la verdadera tradición no tiene nada que ver con lo folklórico, de manera que es el primer compositor que se hunde en el estudio y recuperación de la tradición fuera de los marcos costumbristas. Comprende, más aún, que legalizar lo popular y darle carta de identidad es un acto político, un desafío al establishment. A través de la música y del canto creía firmemente que se produce una auténtica relación con el pueblo en los instantes en que éste vive momentos únicos, aún sin que comprenda que aquí radica su verdad. Por esta razón, buscó la unión de la música con la palabra como una forma de expresar las necesidades profundas de lo humano. El concepto de lo Bello, también a la manera antigua, lo preocupaba fundamentalmente, porque sabía que no tiene que ver con lo externo, sino con lo eterno, lo bueno y lo sublime. No está de más recordar que la unión de la música con la poesía procede de la Antigüedad ─también entre los antiguos mexicanos se dio esta misma combinación en el concepto de “flor y canto”─: la poesía se creaba para ser cantada y así, en boca del pueblo, se convirtió en un acto de comunión y una forma de expresión de las necesidades sociales. Éste era otro de los elementos que preocupaban al compositor griego: qué hace necesario a un producto artístico, de qué necesidad brota, a qué necesidad da respuesta. La música, en resumen, la comprendía sólo como un acto erótico, de auténtica comunión y no como una mera expresión artística.
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Hay una experiencia, también, que fue definitiva en su trayectoria. En 1961 le fue concedido en Hollywood el Oscar por la composición “Los niños del Pireo”, el tema central de la película Nunca en domingo del director Jules Dassin, protagonizada por Melina Mercuri. Este hecho lo lanzó a la fama, pero de una manera que le resultó incómoda. La identificación de su música con esa imagen frívola de una Grecia hecha para los turistas le resultó insoportable, siempre confesaría que quitarse esa loza de encima le llevó años y que hizo todo lo posible por alejarse de la imagen de compositor de temas facilones que este trabajo le creaba. Su actitud contestataria y su negativa a dejarse seducir por el glamour y la forma de la vida estadunidense le cerraron las puertas de la internacionalización, que no buscó nunca por el camino de lo comercial y de lo fácil. Los seis años que vivió en Estados Unidos entre 1966 y 1972 lo convencieron de lo alejado que se sentía de aquel concepto del arte. Hatzidakis ansiaba llegar al pueblo, ser conocido y querido por la gente, pero no por dedicarse a acariciar oídos, sino por sacudir las conciencias. No fue jamás complaciente ni hipócrita y difícilmente se recuerda a otro creador tan íntegro y tan valiente para defender sus ideas y tan decidido a respetar las ajenas. Lo caracterizaron el pensamiento político, el valor civil, la confrontación de todo lo que era considerado inamovible, la crítica aguda de las contradicciones y de las teorías monolíticas. Su sentido del humor era demoledor. “Soy ─se autodefinía─ un burgués demócrata humanista y un revisionista de la derecha.” Y añadía: “Contengo en mí al izquierdista, sólo que el izquierdista no me contiene a mí.” Promotor del trabajo de los jóvenes, demostró con los hechos las ideas que venía predicando y poniendo en práctica en otros espacios. En 1972 fundó el Café-teatro Polytropos en el que buscó “una presentación ritual del canto, con todos los medios que nos proporciona la moderna experiencia teatral”, es decir, una actividad de varios niveles en el espacio artístico con incidencia en la vida pública. En 1975-1977 fue nombrado director general adjunto del Teatro Lírico. En 1975, también, asumió funciones de director de la Orquesta Estatal, así como de director de radiodifusión estatal (ERT). Aquí es donde echó toda la carne en el asador. Hasta 1982 ─año en que fue despedido luego de innumerables amenazas, ya que sus decisiones provocaban escándalo por haberse puesto en contra del sindicalismo, la burocracia, el servilismo que caracteriza en muchas ocasiones a los funcionarios públicos─, dirigió el legendario Tercer Programa (Trito Prógramma como es conocido en Grecia), un concepto de hacer emisiones radiofónicas tan vanguardista y extraordinaria que nadie ha conseguido superar todavía.
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Hatzidakis llamó a colaborar con él a todos los artistas ansiosos de lograr un cambio, pero se atrajo sobre todo a los jóvenes que hubieran demostrado inquietud y talento y los llamó a volver a Grecia si es que habían emigrado, les dio la oportunidad de crear en libertad, sin presiones de tiempo, sin condiciones, sin censura, algo que no admitió jamás para sí y que no ejerció sobre nadie. Les adjudicó un salario digno, para trabajar sin horario, sin más presión que la demostración de que querían y podían estar a la altura del reto que se les presentaba. Su idea fue impulsar un concepto radiofónico para todos, sin distinción de edad o de instrucción en los radioescuchas. Se trataba de ofrecer un servicio de calidad sin criterios comerciales, de difundir obras clásicas y modernas de todas las expresiones artísticas, dar a conocer a sus autores y creadores, a través de su trabajo, de lecturas o de entrevistas, y de darles la oportunidad de seguir creando y de tener un espacio para presentar esas creaciones. Su lema fue “Educación, Arte, Información”, formar a los radioescuchas en lo mejor de la producción helénica e internacional y brindarles una información noticiosa seria, responsable e independiente. Fue verdaderamente el mentor de una generación de creadores y el gran impulsor de sus contemporáneos, trabajó con artistas independientes y con profesores y académicos, nadie estaba afuera de su proyecto, sólo quienes se autoexcluyeron. A los jóvenes les enseñó la responsabilidad ante las elecciones y no esperó prerrogativas a cambio. Hatzidakis era consciente de que no todos alcanzan las cumbres máximas de la creación, pero no iba a ser él quien le cerrara el camino a nadie para intentar lograrlo. Los músicos “serios” reprobaron su dedicación al canto, pero él contestaba que era “porque ellos nunca consiguieron cantar y esto los equiparaba con los negados para el amor”. Impulsó a los creadores sin otro interés que llevar a Grecia a dar un paso a la modernidad con el fin de que formara parte del futuro. Fue el creador de muchos festivales de poesía, de música y de canto para cine y teatro a todo lo largo y ancho de Grecia, que hoy son una tradición; financió concursos de composición, colaboró con artistas internacionales, compuso para el teatro antiguo y moderno (Bodas de sangre, Rey Lear, Don Quijote, Hamlet, Medea, Edipo, Lisístrata...), para el cine (América, América..., Cristo de nuevo crucificado, Estela...), varios musicales, escribió ópera y ballet, música sinfónica, obras para guitarra, para piano, para orquesta, grabó innumerables discos con las mejores voces y la mejor poesía; escribió poesía él mismo, dictó conferencias, trabajó incansablemente en su obra y sus proyectos y dejó también creación sin concluir.
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En 1985 fundó la revista Tétarto para el acontecer artístico y social a través de sus connotaciones políticas, otro de los puntos de referencia de su trayectoria. Creó también la compañía discográfica independiente “Sirios” y una boîte del mismo nombre, para impulsar la creación artística y musical sin criterios comerciales. Para romper con la inercia de décadas en el terreno de la ejecución creó en 1989 la Orquesta de los Colores, que dirigió hasta su muerte. Su deseo fue presentar de manera original obras de compositores clásicos y modernos. Manos, a secas, el diminutivo de su nombre (Manolis) como era y es aún llamado por la gente ─un privilegio que el pueblo griego concede sólo a quienes considera sus verdaderos hijos y representantes─, es el heredero de una generación, la de los años treinta, que luchó por convertir a la música culta en una tradición común y que a través del canto consiguió poner en boca del pueblo lo mejor de la poesía de su tiempo, es decir la expresión más pura de su alma. Su insistencia en ser fiel al camino que se trazó tenía como único propósito dirigirse a la dimensión onírica de la gente con el fin de mostrarles el camino que conduce a la libertad y a la disidencia. Ni más ni menos que la creación de una nueva estética. Su ideal no se vio del todo interrumpido por su muerte, aunque aún es tarea pendiente, a través de su rica e insuperable obra resuena todavía en la memoria colectiva en voz baja. Grecia, 29 de julio de 2014.
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Israel J. González S.
Según la etimología de la palabra ritmo, ésta se origina en el griego antiguo, que se traduce comúnmente como fluir (ritmós). Su traducción al latín se entiende como rhytmus es decir, cadencia; su imagen recuerda la idea de fluir de la palabra griega, aunque es posible que sea un salto de perspectiva. Pues en griego se piensa en el aspecto de la naturaleza, mientras que en latín recuerda más a la cultura. En la entrada del Diccionario de la Real Academia, ritmo, refiere a las cualidades de grato, orden, armonía, combinación y sucesión. Estos elementos califican la disposición de las cosas en el espacio y en el tiempo. No sólo se restringen a los objetos sino también a las palabras. Y ni siquiera exclusivamente al habla cotidiana, sino también señala que el lenguaje literario es poseedor de ritmo. Para más precisión, ritmo se entiende como sinónimo de metro o determinado número de sílabas y acentos en los versos. Por último, ritmo también aparece -y casi siempre está más intrínseca y comúnmente relacionado- como una cualidad de la música. En ésta última, el Diccionario lo define como: proporción guardada entre el tiempo de un movimiento y el de otro diferente. Pensar el origen de un aspecto de la cultura humana, es un acto de fe y de imaginación. La razón de esa situación es clara porque la conciencia en tanto tal, está en proceso de formación. No se tienen los elementos suficientes para saber con certeza cómo o por qué surgen las distintas prácticas de lo humano. A pesar de los progresos que han alcanzado ciencias como la antropología, la paleontología, la biología y la lingüística, a partir de las teorías de la evolución, aún son insatisfactorios los conocimientos acerca de los orígenes de la cultura; los que poseemos no pasan de ser meras conjeturas fundadas. Aún no es posible pensar qué había antes del tiempo. A pesar de los esfuerzos humanos, la respuesta mítica respecto al origen, contra todo pronóstico, todavía tiene una presencia importante en las sociedades actuales. El mito es la primera manifestación de la razón instrumental y del pensamiento religioso. 48
En casi todas las culturas el origen de las artes está bajo el auspicio de lo divino. Pero ritmo sólo es un elemento que compone algunas de ellas. Es una noción más cercana a la naturaleza. El significado primero de la palabra griega da una idea muy clara. Esto otorga el derecho a suponer que el sentido de ritmo nace con el cuerpo, con la conciencia de cuerpo más que con la mera presencia porque, ¿en qué momento fue percibido el latido del corazón como un sonido regular interno?, ¿a partir de qué situaciones se entendió el cuerpo como un cúmulo de sonidos? Es sabido que el cuerpo tiene sus sonidos, sus ruidos, y es posible, que también tenga sus silencios. Algunos son continuos y otros inconstantes y muy pocos, devienen inoportunos. Casi todos pertenecen al ámbito de la vida y el resto a la muerte, como los que anidan en el proceso de putrefacción. Como dejan ver las acepciones de la palabra, el ritmo no sólo permanece acotado a lo corpóreo, a lo auditivo. El lenguaje a pesar de tener un carácter fonético, también tiene su rostro en la escritura. A pesar de lo que pueda parecer, el ritmo no es exclusivo de la música, ni de la poesía, aunque en ellos aparezca de manera manifiesta y consuetudinaria. La danza, en cuanto movimiento ágil y elástico, es otro de los ejemplos de la plasticidad de ritmo más evidentes. Sin duda es fácil notarlo, en las innumerables maneras de hablar. Desde los acentos o tonos tanto personales, como los de una región o país, con un mismo idioma, y como los que son percibidos de una lengua a otra. La musicalidad es más clara en la extrañeza de la región respecto del hablante. Asunto casi imperceptible en la propia región. Los estados de ánimo también se expresan a su debido ritmo; esto de acuerdo a la condición impuesta a la forma de comprender y relacionarse con el mundo de un individuo, y en cuanto a su situación afectiva. El sentimiento ya no aparece únicamente en el rostro, sino en la manera en que se expresa el hablante. Quizás se puede colegir a partir de tal relación con la realidad –la forma en que es pensada, fantaseada, sentida-, con el imaginario de las personas que éste, también posee ritmo. La conciencia como el escenario de innumerables posibilidades de lo rítmico –pero es cierto que tampoco existiría sin que su ser excluyera lo temporal-. Volviendo al lenguaje escrito, la lectura es artífice de ritmo. No sólo por considerarlo como uno de sus vehículos, sino como condicionante de la temporalidad del lector. Así mismo porque remite a los estados de ánimo de los personajes o, al carácter del género; esto es más evidente en la poesía o, en el texto dramático en verso. Sin embargo, cabe la posibilidad de que el lector abrogue dicho tiempo. Esto es posible desde las condiciones de vida del lector, desde las que se permean y se realiza el trabajo de leer. ¿El ritmo está sujeto a la atención y los conocimientos del lector?
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La respuesta a esta pregunta es interesante. Esto en la medida en que la persona al leer, pone en marcha sus habilidades y su bagaje. Aunque no son los únicos elementos de los que se vale para adquirir y apropiarse de lo que está leyendo; la conciencia, como ya mencioné, tiene su propio ritmo. Éste aparece acompañando la reflexión. Y dicha actividad puede expresarse no sólo en la dosificación o tiempo de lectura; es notable, sobre todo, cuando la persona comienza a subrayar o hacer anotaciones al texto. Alguien que por gusto o por formación, incluso profesionalmente se ve en la necesidad de utilizar diversos textos, al mismo tiempo o en un prolongado período de tiempo, está más familiarizado con el ritmo de otros lectores. Los textos usados por un mayor número de personas son los que evidencian más recurrentemente el tiempo de los otros, así como su atención y su proceso. Las huellas de los ritmos localizadas en los textos son innumerables. De los subrayados a las anotaciones, de las manchas y la mugre a las páginas arrancadas. A veces hacemos arqueología de nuestro ritmo. Esto ocurre en los propios textos –en una relectura-, y nos encontramos con un yo reconocible, pero distinto. Recordamos el texto ya leído, pero también lo que pensamos en ese entonces y lo comparamos con la reflexión presente. El contacto con el ritmo exterior se nos otorga en los libros que son prestados y con los utilizados en bibliotecas. Casi toda huella que posee un texto, expresa una manera de entender, o de comprender, de estudio. No es algo que remita al puro texto, su referente es la manera de vivir y de comprender el mundo. Todo está en lo que es señalado, destacado, analizado. Incluso ocurre por igual cuando el libro se conserva sin anotaciones. Pero en este último es distinta la intención. En la primera, tal vez pasa que hay una relación de admiración o de identificación con lo que se piensa, con lo que se es, con lo que se sabe. En el texto inmaculado –que no el libro-, es probable, que no quepan medias tintas: es totalmente reverenciado o dejado de lado displicientemente. Un libro anotado es, en lo posible, una especie de cuaderno pautado. La musicalidad que señala es la del espíritu individual. Desde los inicios de nuestra humanidad el ritmo es uno de los elementos de la cultura que puede considerarse casi omnipresente. Que si bien, ahora se le ha otorgado un carácter de sistematicidad y su utilidad es manifiesta en diversos rubros de la cultura, quizás es porque nos lo ha dado a nosotros en reciprocidad desde sus inicios.
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En 1984 Rockdrigo González escribió un artículo llamado Onirismos Rocanroleros, mismo en el que habla sobre la posibilidad fáctica de crear un rock mexicano y no solamente en español. El profeta del nopal nos habla sobre dos formas para hacer el rock más “nuestro” y no solamente una traducción del rock and roll gringo: la primera forma es hacer una extrapolación de ritmos, o sea que, sin dejar de respetar los cambios armónicos, se les conjugan cambios rítmicos de géneros musicales nacionales. Por ejemplo, tenemos canciones de Café Tacuba, Botellita de Jerez o de Jaime López. La segunda forma se trata únicamente de utilizar un lenguaje y experiencias cotidianas que nos pertenecen, manteniendo el ritmo y la armonía original. Dado que el español tiene la flexibilidad de adaptarse prácticamente a cualquier ritmo sin importar su lugar de origen, esto, debido a su estructura sintáctica y semántica que la vuelven muy noble dentro de cualquier género musical (hemos escuchado reggae, bossa, country, etc). Dentro de éste texto nos encontraremos esta última forma. En algún momento de mi vida leí que literatura es todo aquello que sucede entre el papel y los ojos, esto se refiere a que literatura es todo aquello que se puede uno encontrar detrás de las letras, detrás de las ideas, todas aquellas imágenes que uno se crea, todo lo oculto que no está escrito, y sin embargo, se siente o se sabe, se tiene noción de lo que no se dice. Bien, justo lo mismo pasa con la música, las letras tienen algo oculto, algo que no se dice y sin embargo está, la literatura se encuentra ahí, pero aparte de ello, tenemos un reforzamiento a través de la música. No sería lo mismo One de Metallica sin la musicalización, no sería lo mismo November Rain de Gun´s and Roses sin los solos de Slash, no sería lo mismo El vals del obrero sin ese rítmo Ska y la velocidad que tiene. En la música, la literatura está presente, pero se encuentra reforzada a través de la música. Teniendo esto presente quiero mostrarles a dos bandas de metal mexicano. La primera vez que escuché a Prisionero 51 fue en un festival de metal aquí, en Pachuca, ciudad en que regularmente no hay este tipo conciertos; de eso ya tiene algunos años. En aquella ocasión tocaron distintas bandas buenas, la mayoría goth, pero me quedé impactado cuando escuché a Prisionero 51. No era solo la música, pues era un goth metal de muy buena calidad: con toques de power y speed, bastante rítmicos. En general muy disfrutable y te ponía a punto para el slam. En aquella ocasión tocaron distintas canciones y para este artículo seleccioné dos: Clarissa y mi favorita por excelencia: El batallón de San Patricio. 52
Comencemos con Clarissa, la letra comienza así: Tras los muros del oscuro callejón te miro en silencio desnuda en la noche. Desde aquí hay una ruptura moral y ética: una mujer desnuda en la noche, en un callejón… entonces nos lleva a una cuestión extraña, ¿Qué hace una mujer desnuda a plena noche? Bien, solo disfruta y déjate llevar en el viaje de la canción, eso es arte: ruptura, placer, desenfreno, sensaciones (incluyendo las de extrañeza o asco). ¿La imaginas?, ¿la ves?, si la respuesta es sí, entonces tenemos una primer imagen poética. El estribillo dice así: Y el dolor que habito en mi interior se desvaneció con los rayos del sol. Una voz arrullaba la flor que se marchitó, por la luna es que soy asesino, maldito. ¿Necesito explicar de qué va la trama? Por cierto, quiero rescatar “una voz arrullaba la flor/ que se marchitó, por la luna es que soy/ asesino, maldito.” Se me hace una imagen escabrosamente genial, la delicadeza del espíritu de Clarissa romperse, acabar con ella porque la luna lo vuelve un monstruo ¿licantropo, Mr. Hide que asolaba en la oscuridad? O la sombra de que habla Jung… la sombra que todos ocultamos y nadie quiere mostrar, pero que en algún momento tenemos que ver y, probablemente, nos somete. Un tema bastante recurrente en la literatura de terror y ¿por qué no?, en la novela negra. Segunda canción de la banda, militaricemos la cuestión: El batallón de San Patricio. Durante la intervención estadounidense de 1847 en México hubo un batallón de irlandeses inmigrantes, que, al ver que los trataban mejor los mexicanos que el mismo país por el que peleaban, decidieron seguir en la batalla, ahora como aliados de México. Ahora sí, al rock: A cada paso el dolor aumenta, la muerte es quién nos acecha. En el ocaso se ven jinetes, Acero y plomo combaten las huestes.
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En el párrafo anterior vemos otra imagen poética “en el ocaso se ven jinetes/ acero y plomo combaten las huestes”, es prácticamente imposible, al menos para mí, no imaginarme a una tropa de guerreros tras este párrafo. Como proscrito, me despreciaron, en tierra ajena fui humillado. Fue el dolor de aquella gente el que me hizo un insurgente. John Riley nos llamó a formar el batallón; En tierra azteca hoy daré mi vida entera. Vemos una primera parte llena de datos históricos que nos permite situar la historia en un tiempo y lugar, pero bueno, aparte de ello estamos aquí para ver qué sucede con la literatura dentro de la música de metal, y en específico, con el metal mexicano, así que para ello bastará la siguiente estrofa: El cadalso fue preparado, mirar al Norte fue el mandato. Franjas y estrellas el cielo rasgaron, y a los patricios asesinaron. Desde el principio: “El cadalso fue preparado”, una metáfora en relación a la cercanía de su final. “mirar al norte fue el mandato.” Defendieron la ciudad de Monterrey, sitio geográfico en México colocado justamente en el norte. Luego “franjas y estrellas el cielo rasgaron” una clara alusión a los USA, sin dejar de tener presente el dolor de ver el cielo rasgado, que es un cielo roto, herido, por el invasor del norte. ¿Vamos bien?, ¿vamos observando cómo la literatura se encuentra en la música y en un género a veces tan desprestigiado y que a veces parece olvidado? Bien, aún nos queda una banda y no por nada la dejé al final: Agora tal vez la banda más importante de progressive metal de México en los últimos años. Su música se caracteriza por ritmos rápidos, intensos y llenos de fuerza.
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Para esta banda prefiero tomar la estructura de su último disco en conjunto, el disco se llama “Regresa al vértigo”, es un disco que bien podría pasar por una ópera rock aunque no necesariamente, de hecho, yo creía que lo era, debido a la posibilidad de que tuvieran un desarrollo temático, una historia que cuenta con un principio, un nudo, un fin y una determinada cantidad de personajes, pero nadie más lo ha considerado. Es una obra con tintes de ciberpunk en las letras. Iré directamente al segundo track, a la primera, segunda y última estrofa que versan así: 1.-Soy restos de hombre soy circuito y muerte materia y mente que podrá resucitar 2.- Comienza, transforma mi forma queda atrás la razón nunca volvió y me acecha. 5.- Conectado a este monitor el tiempo me engañó y cobra con vida me asfixia. Si aquí encontramos una secuencia (obviamente ya que es un mismo track) con una temática netamente ciberpunk, como dice el título, habla del “hombre máquina”, un hombre que aún queda en espíritu… tal vez, y que ya tiene partes de “circuito y muerte”, tema nada extraño para el mundo de la ciencia ficción que podemos encontrar fácilmente adentrándonos un poco en este género literario. Ese es sólo un ejemplo, el álbum Regresa al Vértigo es un viaje completo a través de una tierra postapocaliptica, destruida y con muy claras referencias a la ciencia ficción. En resumen, es un agasajo escuchar un disco tan conexo y orgánico, sin añadirle el hecho de que es metal.
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