REVISTA EL BONDI - SEPTIEMBRE/OCTUBRE 2020

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SEPTIEMBRE/OCTUBRE 2020

COBERTURAS MIMI MAURA ATTAQUE 77

ENTREVISTAS HANA AUDIA VALDEZ BERSUIT VERGARABAT

SOL PEREYRA

ME GUSTA

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contacto@elbondi.com Dirección General: Anabella Reggiani Jefes de Redacción: Pablo Andisco y Sergio Visciglia Directora de Fotografía: Bárbara Sardi Edición General: Fernando Villarroel Redes: Daniel Prieto y Juani Lo Re COLABORARON EN ESTE NÚMERO: FOTOGRAFÍA DE TAPA: Sol Pereyra por Bárbara Sardi CRONISTAS: Anabella Reggiani, Augusto Fiamengo, Fernando Villarroel, Juani Lo Re, Lucas González, Matias Fangi, Maia Kisz, Maximiliano Novelli Frutos, Milagros Carnevalle, Nahuel Perez, Sergio Visciglia y Pablo Andisco.

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CONTENIDO DISCOS PUM SensaFilo Robert Plant

04 Sueño Azul 05 Ep´s 06 Bicicletas 3000

07 08 09

los indispensables - 10 a 23 ENTREVISTAS Santiago Santiago PUM Hana Los Blenders Cashate Alejandro Desilvestre Audia Valdez Bersuit Vergarabat Rudy Insombrio Esteban Martinez Sol Pereyra

24 28 30 34 36 37 38 40 44 46 48 52

COBERTURAS Los Tabaleros Premios Gardel 2020 Attaque 77 La Mississippi La Vela Puerca Mimi Maura

INFORMES

Streaming en vivo

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DISCOS PUM

CRUZA EL LABERINTO

Cronista: Nahuel Perez | 01 de Septiembre

PUM presenta su segundo disco de estudio, Cruza el Laberinto, grabado en Abbey Road Studios.

La banda ganadora del concurso televisivo “Camino a Abbey Road” presentó en todas las plataformas digitales su nuevo álbum, editado por el sello Geiser Discos, grabado en el mítico estudio londinense bajo el padrinazgo espiritual de Wallas de Massacre, Álvaro Villagra en los controles y la producción de Michel Peyronel.

Las diez canciones que componen el laberinto diseñado por Joaquín Baglietto en voz, Santiago González en guitarra, Nehuén Chumbita en bajo y Alan Castillo en batería proponen en sus letras el romance, la disconformidad y la épica veinteañera típica, pero la música expone una preproducción que los impensables medios con que fue plasmada ponen en relieve con un sonido demoledor.

Arreglos cuidadosos, movedizos, cambiantes, tensión narrativa, y un crecimiento desde lo cercano al corazón hasta la potencia de la declaración de principios generacionales de ‘Vale la pena respirar’, con la colaboración del propio Wallas, uno de los cortes de difusión previos a la edición del disco como tal.

Cruza El Laberinto es la entrada por la puerta grande de una banda que ya tiene bajo el brazo el sueño imposible de muchos, un linaje que ya atraviesa varias generaciones -y bandas- a la que lo único que le falta es una presentación en vivo a la altura de la calidad sonora de este disco editado y post producido en pandemia.

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SENSAFILO

RARA MEZCLA

Cronista: Pablo Andisco | 04 de Septiembre

En su tercer álbum, la banda mete en la coctelera lindas melodías, invitados top y su clásica ironía para entregar lo mejor de su cosecha.

A comienzos del año en el que celebran sus primeros diez, y a cinco de su último trabajo, SensaFilo publicó su tercer álbum, Rara Mezcla. Y en este juego numérico, la banda reafirma su identidad sonora, apoyada en la mixtura de voces, géneros y formatos, la ironía ácida y sensible como lírica y la melodía como bandera innegociable.

El desafío lo encararon con la producción de Pablo Wehbe -ex Aztecas Tupro- y para enfatizar aún más la rareza de la mezcla, convocaron a músicos de la escena, de diferentes generaciones y estilos. SensaFilo logra que cada invitado, con su respectivo peso específico y pese a lo reconocible de sus interpretaciones, se involucre por un rato en el ADN del grupo.

La mixtura y el mestizaje son entonces un hilo conductor amplio, por donde la banda puede forzar sus propios límites, trazados de manera ambigua entre el rock, el reggae y el ska.

El disco abre con “Rara Mezcla”, con la participación de Maikel, guitarrista de Kapanga, pero en la voz, ideal para un reggae que se va pudriendo y endulzando, en sintonía con un estribillo catártico. “Yo no comprendo de razones / ni negocio condiciones”, cantan con Palo Pandolfo en “Ni de favor” y el camino parece tener sentido en los aires latinoamericanistas que caracterizan la variada obra del ex Cornelio.

En “Modorras”, se toman de la mano al Vala de Cadena Perpetua para meterle velocidad cuasi punk a una historia de desencuentros, con puente cadillac incluido, antes de desembocar de lleno en el terreno manosdefilippiano: “Excesos”, con el Cabra, es una ironía sobre el paso del tiempo y “Estamos acá”, con Pecho Anzoátegui que suma al rapero Killato para acompañar la lírica más densa del disco.

Si pensáramos el álbum en un formato de vinilo, daríamos vuelta y la cara b mostraría un SensaFilo de puertas adentro. Con el productor Pablo Wehbe presentan “No me ignores”, lo más cercano a su propuesta clásica, y la banda en solitario hace de “Estribodrio” una declaración de principios ante el tema de moda, que puede ser ese como cualquier otro, acompañado por un reciente clip de difusión y entrecasa.

Para cerrar, el grupo ofrece otra arista de su sonido en formato live session, entre reversiones de “No me ignores” y “Otra vez” –original de Música para diván (2015)- y una novedad, “Soy el silencio”, una hermosa melodía cancionera.

SensaFilo celebra diez años de carrera y hace de la rara mezcla, dos caras de su misma moneda. Una más cargada, aprovechando las bondades del estudio, los featurings y la producción, y otra más intimista, pero no por eso menos caliente. www.elbondi.com

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ROBERT PLANT

DIGGING DEEP

Cronista: Maximiliano Novelli Frutos |21 de Septiembre

Robert Plant prepara un disco antológico en el que rescatará pistas de diversos momentos de su carrera e incluirá tres canciones inéditas.

El legendario ex frontman de Led Zeppelin se encuentra con los preparativos del lanzamiento de un trabajo compilatorio, titulado Digging Deep (2020) -que se traduce como “cavando profundo” en español-, que incluirá dos CD, estará disponible en las plataformas digitales y contará con 30 temas que abarcan cuatro décadas de trayectoria, en el que mostrará un notable abanico de influencias en su arte.

Como parte de esos preparativos, Robert Plant también está presente en un podcast -disponible en Spotify, YouTube, Deezer, Apple Play, entre otras plataformas-, llamado “Digging Deep with Robert Plant”, que se encuentra en su tercera temporada. En cada episodio el músico inglés relata las historias asociadas a cada uno de los tracks que componen el box set. Cada capítulo está presentado por el periodista Matt Everitt de la BBC 6 Music y fue grabado en vivo en el Rough Trade East de Londres.

El próximo 2 de octubre saldrá a la venta el álbum que mientras tanto se encuentra en etapa de pre venta. Entre la gran cantidad de temas de diferentes momentos de su carrera contará con tres temas inéditos: el primero de ellos es “Nothing Takes the Place of You”, canción que fue escrita por el músico Toussaint McCall; “Too Much Alike” un rock clásico hecho en formato de dúo con la cantautora estadounidense Patty Griffin; por último, “Charlie Patton Highway (Turn It Up - Part 1)”, que es una pista que es un adelanto del próximo disco del artista que grabará con su banda solista, Band of Joy Volume 2, que vería la luz más adelante en el año.

El resto de las canciones del flamante compilado recorren no sólo la historia del compositor, sino también muestran las numerosas influencias sonoras que van desde la música folclórica galesa hasta aquellas procedentes del medio oriente. De esta manera, deja armado un catálogo de temas provenientes de sus ocho registros editados como solista, entre ellos se encuentran “Hurting Kind” -uno de sus mayores hits-, “Shine it All Around”, “Too Loud” y muchos más.

A través de ese paneo por la discografía de Plant, también se encuentran diversos invitados tales como su antiguo compañero de ruta en los días de Zeppelin, Jimmy Page, Phil Collins, Nigel Kennedy, Richard Thompson, Buddy Miller, entre otros. Estas colaboraciones forman parte de las historias que el cantante decidió revivir, que forman parte de su extensa obra, como una forma de inspiración para las nuevas -y viejas- generaciones.

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SUEÑO AZUL

ROMÁNTICO POSMODERNO

Cronista: Maximiliano Novelli Frutos |05 de Octubre

Luego de publicar cuatro adelantos, Sueño Azul presenta su segundo larga duración donde brillan las melodías pop con cierta estética retro.

El proyecto de Gabriel Kerman publicó recientemente en las plataformas de streaming Romántico Posmoderno (2020), el sucesor de Dónde está el amor (2019), en el que las texturas pop dominan la escena que se mezcla con cierta melacolía vintage, a través de ocho pistas que resultan en un álbum breve pero contundente.

Este trabajo de Sueño Azul comienza con “Quiero”, uno de los cuatro simples que sirvieron de adelanto a la placa que nos ocupa. Desde esa pista se aprecia ese sonido retro expresado mediante sintetizadores que remiten a los años ‘80, que a la vez se mezclan con guitarras acústicas y eléctricas, bajo, batería y la voz de Kerman que canta las historias que hablan de amores en tiempos extraños, como los que atraviesa la humanidad actualmente.

Sigue “Desobedecer”, que inicia con un sampleo donde se escucha, con una finalidad irónica, un discurso en inglés de un político, mezclado con los sintes y la batería que marca el ritmo con aire bailable desde los primeros segundos. En “La Hora”, con texturas que se acercan al tecnopop, el ex Sambara le avisa a alguien que “voy sabés lo que soy, vos sabés dónde voy” y continúa con las melodías que remiten, por ejemplo, al grupo francés Phoenix o a la retórica del chileno Álex Anwandter.

El sonido electrónico abre con una prominente percusión “Partir”, otro de los singles que vieron la luz previo a la salida de este segundo LP de Sueño Azul, donde reclama a la otra persona que “me dejaste loco, ahora te vas sin mí”, para luego avanzar con “Del Otro Lado”, una canción con armonías frescas que remiten a los 80 pero con un balance contemporáneo que dan, por ejemplo, las guitarras. En esa misma canción también se escucha la participación del músico y productor M1GUEZ, que forma una suerte de sinergia vocal con Kerman.

Cerca del final se encuentra “Trampolín”, donde la lírica cuenta que el protagonista se aleja para cuidarse, mientras que las guitarras adquieren mayor relevancia en la que podría ser uno de los tracks más rock-pop del disco, que también fue editado previamente como single, con una estructura y música que lo lo transforman en uno ideal para escuchar en la radio.

La velocidad disminuye en “Tu Canción”, una dedicatoria a alguien que considera tan especial que hace dudar al personaje si “no somos la misma piel” y le dice que “tu canción suena bien”; dicho track cierra con una coda que genera un ambiente que recuerda al Charly García de las épocas de Piano Bar (1984).

Queda así una suerte de puente hacia el final del registro que tiene a la breve “Los Sueños”, donde prima la guitarra acústica que crea un ambiente íntimo y onírico a la vez mientras en la lírica intenta aferrarse a los recuerdos de días más felices, que en la actualidad parecen muy lejanos en el tiempo. De esa manera termina un registro que invita a reproducirse una y otra vez. www.elbondi.com

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EP´s:

Cronista: Sergio Visciglia | 07 de Septiembre

ANDANDO DESCALZO – “COLABORACIONES DE INVIERNO” La banda de Mataderos se confiesa en este invierno a través de colaboraciones virtuales para sobrellevar la pandemia. Así entonces, surgen reversiones frescas, espontáneas, casi minimalistas de cinco canciones propias.

“Cuando llueve” con su onda de siempre junto a Palo Pandolfo, “Ilógico” bien íntima y arrabalera con la participación de Alto Bondi a puro bandoneón, y la imbatible “Impulso” con invtadxs por doquier: Beto Olguín (Los Pérez García), Tita Print, Pablo Guerra (Caballeros de la Quema), Diego Aput (exbajista de la banda) y Juan Pablo Francisconi.

A piano voz continúa “Ventanas” en una versión que ya había salido a la luz en esta pandemia para corroborar una nueva variante de la banda con Juani Rodríguez bien crooner y Pablo Otero como pianista puro. Cierra “Volveré” bien acústica para coronar un EP ideal para sentir que pese a este presente siempre tendremos esperanza.

CLARA CAVA – “LAVANDINA” Todo compuesto en cuarentena, este nuevo trabajo de la cantante resalta desde el comienzo “Precipicio” sacude a puro trap y flow, el cual se mantendrá durante toda la obra, pero ya desde “Loca de la cabeza” aparecen influencias más souleras que irán y vendrán también en “Justo ahí” (más funkera) y “Amor x la idea” con toques jazzeros. Todo siempre acompañado de bases electrónicas y un rapeo bien llevado a lo urbano.

Los pequeños momentos más melódicamente cantados resaltan por la calidad interpretativa de Clara, dueña también de una lírica que gana terreno y pide parar la oreja para atender lo que dice durante todo el EP. La frase: “te hice una canción, ni la escuchaste”. Invitadxs: Laura Morgado, Justo y Tade Fonk. Ideal para escuchar mirando las visuales que acompañan a la perfección.

TOMÁS LOTO – “POR MILÉSIMA VEZ” Con tan solo diecinueve años a cuestas, Tomás Loto apuesta a la melodía, a la canción y ofrece en su primer EP cinco piezas de pop para aventurarse en el camino del indie. Con guitarras bien presentes “Nadar” inaugura una escucha amena y llevadera que se vuelve misteriosa con “Mundo nuevo”: inicio de máquinas, más oscuro, estribillo bien arriba y voces habladas que se entrelazan para que el coro vuelva una vez más y se impregne en nuestra memoria.

Algunas insinuaciones ochentosas que se nos colaban en el inconciente se materializan más en “X.M.V”, aunque con sonidos bien actuales, para darle más presencia a la particular voz. “A veces” retoma el camino más popero y cancionero, mientras que “Niña de magia” despide el trabajo con calma y paz.

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LIMON – “LA MÁQUINA QUE ESCUPE PRISMAS Vol. 1” En esta primera entrega audiovisual, Limón escupe ritmos, sonidos y virtualidad pura. En experimentación constante e intrincada, “Hiela” abre la escucha con letras casi encriptadas tanto en el audio como en la imagen. “Sonar en la radio” cumple el rol más cercano al formato canción y su estribillo ganchero junto a Rocco Posca puede lograr tranquilamente lo que vocifera.

Mientras las olas del video continúan acompañando, a modo de Bonus Track brilla “Beautiful” de Gustavo Cerati, que ya habían interpretado en el Quilmes Rock online de este año. En la web de la banda se puede ver más material audiovisual que completa este flamante trabajo.

BICICLETAS3000

BICICLETAS3000

Cronista: Matias Fangi |12 de Octubre

Tras un fuerte cambio, Bicicletas evolucionó hacia Bicicletas3000 y presenta nuevo disco en plena pandemia.

En ocasiones la vida nos pone palos en la rueda. Bicicletas tuvo un enorme palo que sacar de su rueda delantera. La partida de su vocalista principal en busca de nuevos horizontes fue una prueba que Fede Wiske y compañía pudieron sacar adelante, renovándose y lanzando Bicicletas3000 un disco que vino a marcar el nuevo camino que la banda busca transitar, respaldados por sus diecinueve años de trayectorias en el indie porteño.

Bicicletas3000 es un disco que comparte una base común, dando la sensación de que se escucha una sola canción. Es como esas reuniones con amigos en donde todo fluye de una manera natural y aunque la conversación tome diferentes aristas, siempre se puede ver el hilo conductor de la misma y se puede volver sobre ella una y mil veces.

El nuevo álbum gira en torno a la idea de la energía interior, y el lugar utópico y distópico de las ideas. La bola de luz en la caverna futurista del arte de tapa ilustrada por Ezequiel Black, simboliza el tercer ojo que invita a verse a uno mismo como parte de un todo.

Generando un coctel de ideas la banda asegura tener como referentes a diversos seres del mundo artístico, tales como Happy Mondays, Aldous Huxley, Babasonicos, Keith Haring, Damon Albarn, Jodorovsky, Jungle, Julio Le Parc o Hot Chip, por nombrar algunos.

Una marea de sonidos con sus altos y sus bajos se convierte en una representación idílica del pensamiento creativo; ideas que se enlazan y fluyen entre sí, en un espiral ascendente formando un puente entre la primera y la última canción.

No era descabellado pensar que la pérdida de una pieza vital de la banda se convirtiera en un obstáculo difícil de esquivar, pero Fede Wiske, Ruki Pardo, Diano Repetto y Nacho Valde, no dudaron en subirse a la bicicleta y esquivar todo lo que se les interpuso. Este disco es un premio a su esfuerzo y dedicación. www.elbondi.com

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LOS

S I D N I

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JUAN CARLOS BAGLIETTO: “Un loco en la calesita” (ft. David LebÓn)

CORVEX: “Volver a nacer”

EL PLAN DE LA MARIPOSA: “TÚnel de la vida”

El trovador rosarino sigue soltando clásicos de su repertorio en versiones caseras y adaptadas al sonido swingero de su banda actual. Para la entrañable “Un loco en la calesita”, original de Fito Páez, suma un refuerzo de lujo con el solo de David Lebon, el guitar hero que según el propio Baglietto necesitaba el tema y del que el mismísimo loco hubiera estado más que orgulloso.

Allá por el lejano enero, con agenda 2020 repleta de shows, Carajo anunciaba su separación. Casi siete meses después, en un halo de hermetismo, Marcelo “Corvata” Corvalán, renace como un fénix, y presenta su proyecto solista Corvex. Su primer sencillo es una balada rock con letra dura y evidente: “dándole la espalda al dolor, olvidando toda traición”, expulsa desde una melodía sombría, pero efectiva. “Esta canción habla del amor que duele cuando cura, el que te enseña a volver a nacer”, explica Corvex y agradecemos por su canción.

La banda de los hermanos Andersen se muestra hiperactiva durante la pandemia. Primero fue el proyecto colaborativo Demos de aislamiento, en el que convocaron al público y a artistas amigues para elaborar en conjunto un manifiesto de época. Con “Túnel de la vida” adelantan su nuevo álbum, y en un crescendo épico y circular, apuestan a la empatía general y a la salida colectiva como la única posible.

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S E L B A S N E P S SEGUINOS EN

Por Sergio Visciglia, Pablo Andisco, Lucas González, Augusto Fiamengo, Juani Lo Re y Anabella Reggiani

CIUDAD PARANOIA: “El cuarto” Luego de años de poder disfrutarlos solamente en vivo, Ciudad Paranoia decidió por fin entrar a estudio y en plena pandemia lanza su debut, a través de “El cuarto”, primero corte de lo que será su álbum Epílogo.

Al golpe de rock tan cancionero como apocalíptico, acompaña un gran video animado, realizado por su cantante Germán Parise, con influencias de la obra de Tim Burton o el artista Stanley Donwood.

PAO DE BONIS: “Dime dÓnde vas”

(ft. Stephen Voyce) “Dime dónde vas” nos envuelve en su súplica constante y todos nos quedaremos cantando, como necesitando saberlo todo.

Una base a pura máquina con mucho flow, acompaña una melodía calma y sombría que sale de la también maquineada voz.

El cantante y productor canadiense Stephen Voyce aporta su toque para terminar de embellecer la canción.

PAULA VAN HISSENHOVEN: “Invisible” Conocida por su trabajo como tecladista de Aterciopelados, Paula van Hissenhoven continúa con su camino paralelo en solitario que comenzó en 2017.

En “Invisible”, suerte de cara b de su single “Volver”, convierte el aislamiento en un gran tubo de ensayo y con Santiago González Rosas componen esta delicada pieza pop, con los teclados como línea melódica y los sonidos e instrumentos caseros como complementos lúdicos. www.elbondi.com

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LOS CALIGARIS: “Vivir asÍ es morir de amor” (ft. Pedro FernÁndez) Mientras continúan ofreciendo cortes de su último disco Salva (2019), Los Caligaris lanzan esta versión bien bailable y cancionera del clásico “Vivir así es morir de amor” de Camilo Sesto, con el artista mexicano Pedro Fernández como invitado. Con toques exquisitos, ideal para bailar pegados pero moviéndose en estas vísperas de primavera.

TONY 70: “La llamada” Tony 70 se planta frente a la pandemia con un funk efervescente concebido durante la etapa de cuarentena y que invita por sobre todas las cosas a no permanecer quieto. La base de batería y una guitarra machacante marcan el pulso bailable desde el inicio, al cual se suman rápidamente un bajo zigzagueante y teclados que aportan brillo a una lírica de tono introspectivo y esperanzador –sobre todo en estos tiempos- de la mano de “una llamada directa al universo” que se convierta en “la llave al paraíso interior”.

CLARA BALLESTERO: “Cumbieta” El tercer single de la cantante llega a pura cumbia como un nuevo aviso de lo que será su disco debut. El camino nos muestra una vez más su incursión por ritmos latinoamericanos y auguran lo que será un más que auspicioso trabajo cuando lo escuchemos completo. Clara Ballestero aparece con material en este 2020 pandémico y se asoma con grandes augurios.

1000ODIOS: “Carcosa” La oscuridad se adueña de la escucha apenas comenzamos a escuchar y a ver el videolyric de la canción “Carcosa”, adelanto de lo que será el nuevo material de 1000Odios. El death metal domina la escena y nos avisa con qué nos toparemos en Placebo & Terror. Para escuchar bien fuerte.

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SIMON ACIDO: “Me quiero ir a Ibisa” Pide todo lo que lxs jóvenes quieren, y adultos también, claro. Pero la actualidad pandémica no nos deja que lo hagamos como quisiéramos.

En este segundo corte, Simon Acido irrumpe con una lírica popera y barrial que musicalmente coquetea con lo urbano, sintes y con un estribillo que levanta y nos termina de comprar. “Vamos a bailar, tomemos una birra y bailemos más”

ISAIAS ERES: “A la distancia” Un ida y vuelta que no termina, o tal vez no empieza. Un diálogo entre una voz femenina que habla como por mensajes vía celular y la voz masculina que canta y en el estribillo reza un “yo debería estar muerto por vos” para terminar dándose cuenta de que “estamos muertos los dos”. La voz final anticipando unos sintes le dan un toque de épica perfecto.

LOS SHAKERS: “El karma” En un nuevo truco de magia, Hugo Fatorusso rescata de la cápsula del tiempo un tema de la emblemática banda uruguaya que revolucionó la escena beat del Río de la Plata a mediados de los ’60. “El karma” había quedado afuera de Bonus Tracks (el álbum que publicaron en la reunión de 2005) y combina la escencia beatlera del grupo con arreglos cercanos al pop.

BANDALOS CHINOS: “El Ídolo” Entre el bolero lacrimoso y el pop bailable, Bandalos Chinos arma una minisuite de estética retro y mirada a futuro. La lírica propone una reflexión sobre el star system y la siempre conflictiva relación entre el fan y el ídolo. “No quiero conocerte / prefiero imaginármelo / adentro de mi mente / seguro sos mucho mejor” canta Goyo Degano, y resume a la perfección la idea de la canción.

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RABANES: “De mÚsica ligera” (ft. Beto Cuevas & Randy Elbright) El grupo panameño tiñe de atmosfera ska el clásico de Soda Stereo para continuar celebrando sus 25 años de carrera. Para esta versión, suman las voces de Beto Cuevas (La Ley) y Randy Elbright (Molotov), quienes aportan sus respectivos colores a la canción y funcionan como dimensión geográfica de la influencia del trío en la escena latinoamericana.

PAPINA DE PALMA: “No es joda” La inquieta artista uruguaya presenta el adelanto de Lo que encontré mirando para adentro -toda una síntesis del estadío pandémico- un EP que funciona como un ejercicio instrospectivo y un nuevo desafío profesional. “No es joda” es una belleza de poco más de un minuto, en la que Papina dobla voces e instrumentos, abre la puerta a este nuevo universo y deja con ganas de conocer más.

CORDEROLOBO: “El tambor del ritmo sobre mÍ” Después de la publicación de “Singular”, el grupo muestra un nuevo adelanto de su cuarta placa. Entre sampleos de Totó La Momposina y una percusión mántrica, Corderolobo invita a abrirse a los sonidos y los vientos latinoamericanos, mientras las palabras, susurradas, complementan el estado de trance. Para cerrar los ojos y dejarse llevar.

RAMIRO ABREVAYA: “Para salvar la primavera”

El cantautor retoma un clásico de la trova rosarina firmado por Enrique Llopis y Rafael Ielpi y lo resignifica en clave poprockera. La idea surgió del periodista Reynaldo Sietecase, para musicalizar su programa de radio La inmensa minoría. El músico ejecutó todos los instrumentos y grabó esta bella reinterpretación del tema, con la dosis justa de nostalgia y esperanza.

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ELLA ES TAN CARGOSA: “Autorretrato” (ft. Manuel Moretti) El grupo de Castelar sigue festejando por los 20 años, repasando su discografía en versiones con invitados. En esta oportunidad, rescatan esta hermosa canción del álbum 11 (2011) y suman a otro gran artesano de canciones como Manuel Moretti. En el clip, con formato lyric video, el autorretrato se vuelve álbum de fotos, recortes y emociones varias que repasan dos décadas de rock canción.

LA PEGATINA: “Te verÉ cuando yo quiera” (ft. El Kanka)

Bien cancionera española, La Pegatina nos trae este temazo junto a El Kanka como invitado estelar. Para escuchar una y otra vez, con su dejo de melancolía y un costado más intimista de esta ecléctica banda que tanto nos suele visitar por estas tierras. Mientras no se pueda, al menos nos deleita con otro adelanto de lo que será Darle la Vuelta.

CLAUDIA SINESI - “¡Chas!”

Claudia Sinesi, histórica bajista y compositora de Viudas e Hijas registra este cover del dúo español Alex & Christina, grabado de 1998.

Con idea y producción de Yul Acri y la participación de Robertino Franc en guitarras, Tomás Barry en sintetizador y Joaquín Franco en batería, la interpretación de Claudia respeta la esencia pop original, pero aporta otro caudal instrumental y resalta la línea lúdica de la canción que tan bien conecta con su banda de los ‘80.

LXS FAMILIA: “La plaza”

Riff poderoso y atrapante, estribillo comprador. Canción efectiva en esta propuesta de Lxs Familia bien arraigada en el indie y con una letra bien arraigada a la nostalgia de aquella tan cercano y lejano a la vez. No eran tan malos esos tiempos pero vendrán mejores. “No estaban más las cosas que solían estar... será que quiero todavía cantar acá...” cantan para no perder las esperanzas.

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RADICAL RADIO: “Buenos tiempos” Un punk bien cancionero y agradable, una música que te transporta y te da ganas de seguir. Una letra cruda y excelentemente resumida por la banda misma: “una canción positiva dentro de un mundo miserable”. Los rosarinos nos traen esta auspiciosa pieza acompañada de un atrapante video lyric con muy buenas animaciones.

LOS BESOS- “Modo aviÓn” “Modo avión”, lo primero de Los Besos desde Matemática sentimental (2019), presenta a una Paula Trama en todo su esplendor.

Al resguardo de una pequeña orquesta pop cada vez más exquisita, la trovadora se apropia con solvencia del imaginario apocalíptico, lo reinterpreta (“No hay tierra en este amor”) y confirma, una vez más, que sacar belleza de este caos es virtud. ¿O no?

CONOCIENDO RUSIA: “Tu encanto” (ft. Fito PÁez) Con un feat de lujo, Conociendo Rusia y su frontman, Mateo Sujatovich, ratifican su lugar de referencia como banda de sonido actual del rock argentino clásico. “Tu encanto” tiene música de Mateo, lírica compartida con Fito Páez y la interpretación del grupo que aporta frescura y clasicismo a un tema con destino de hit. En el clip en modo corto, los cantantes conectan desde la intimidad de sus habitaciones y refuerzan el impulso guitarrero que alimenta la canción.

PABLO DACAL: “Nada de ti” Luego de la experiencia en formato trío que derivó en Mi esqueleto, el cantautor Pablo Dacal abrió cajones, hojeó libretas y desempolvó viejas composiciones para encuentran su sonido desde el hoy. Tal es el caso de “Nada de ti”, un bolerazo denso y melodramático, en el que las imágenes visuales de su letra expresan todo el hastío que puede caber luego de una historia de amor que ya no es.

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PASAJE OSAKA: “Canciones de amor”

Pasaje Osaka se pudrió también de las canciones de amor y le da todo su toque bien referenciado en el indie pop argento a esta belleza de Julieta Venegas. Resultado: una gran versión con unos sintes bien particulares que se roban la escucha. Todo grabado por cada integrante en sus casas, ya costumbre en tiempos de pandemia.

ALL THE HATS: “Caballo de madera” (ft. Moska 2 Minutos)

La banda punkrocker de Rosario agarra el tema más punky de Los Fabulosos Cadillacs y además invita a uno de los más grandes emblemas del género en la escena nacional. Todo dado para que salga una poderosísima pieza que nos da ganas de saltar por todos lados dentro de nuestras cuatro paredes.

SUPERCENTER: “Una noche mÁs” Formado en 2013 en Tandil y con dos trabajos en su haber -De la calma al huracán (2013) y Fotosensible (2018)- Supercenter publicó el primer single de su próximo álbum. Con producción de Sebastián Schachtel (Las Pelotas, La Portuaria) el tema descansa en la melodía de la voz, mientras recibe los embates de las guitarras y los teclados, una sensación que se ratifica cuando Eduardo Bianchetto canta “El vértigo es un vendaval / doy vueltas en el aire”.

ROTIVAL: “La prÓrroga” Hacer un puente: Venezuela, Buenos Aires, Barcelona. El power dúo caraqueño lanza una nueva canción de sus sesiones en vivo desde dos extremos del gran charco atlántico. Con mucha fuerza de guitarras y batería, “La prórroga” viene acompañada de “El autorretrato”, ambas canciones originales del EP Manifiesto del año pasado y buenas muestras su rock villano. www.elbondi.com

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AC/DC: “Shot of the dark” Con los regresos de Brian Johnson -de alta de sus problemas auditivos- y de Phil Rudd –que solucionó sus líos con la justicia-, AC/DC vuelve a demostrar su capacidad de sobreponerse a las mayores desgracias como si nada hubiera pasado. Pocas bandas consiguieron un sonido tan representativo como la de los hermanos Young y no iban a cambiar a esta altura del partido. Angus a cargo, Malcolm como guía espiritual para “Shot of the dark”, una inyección del más puro hard rock.

SANTIAGO LLORENTE: “Equipaje de mano” (ft. Ricardo Mollo) Aires de zamba, coros envolventes, guitarras acústicas bien encendidas, la calidez de Santiago Llorente y el acompañamiento grandilocuente nada menos que de Ricardo Mollo. “Equipaje de mano” asoma con fuerza, repleto de condimentos y una entrega total.

DOBLE VALENTINA: “Un ratito” El single debut de Doble Valentina es tan hipnótico como placentero.

Amable, cancionero y bien brillante. La nueva artista empezó hace meses a jugar con canciones en redes y rápidamente deslumbró a los seguidores. Nos quedamos un ratito más, sin dudas, esperando más canciones.

SIG RAGGA: “Pensando” (ft. Nahuel Pennisi) Luego de la publicación de su cuarto álbum, Relatos de la luna, Sig Ragga continúa el camino de las reversiones con esta perla, una melodía frágil y cristalina original de Aquelarre (2013). La colaboración de Nahuel Pennisi resalta el pulso folklórico del tema y aporta un nuevo color a los arreglos vocales.

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CHYMES: “Worship” La cantante australiana saluda a tierras pampeanas con su candente “Worship” y toda su impronta indie, sumándose al empoderamiento femenino. Sumando escuchas mundiales de a miles, promete un desembarco en el país apenas superemos estos tiempos de pandemia.

Bienvenida virtualmente, por ahora.

MARTINA FLORES: “El olvido” Después de “Tacto” y “Fuego en el agua”, Martina Flores muesta un nuevo single con el que amplía su universo sonoro y compositivo. Con base en las acústicas y los sintetizadores, “El olvido” es una muestra tanto del caudal vocal de la sanjuanina como de su precisióna para elegir las palabras necesarias para exorcizar el pasado, como cuando canta “quiero estar viajando al sol y quemar lo que fuimos”.

LOS ABUELOS DE LA NADA: “Lunes por la madrugada” (ft. Ricardo Mollo & Manuel Moretti)

En este extraño proceso de vuelta, interrumpido por la pandemia y golpeado por la muerte de Chocolate Fogo, los integrantes de la última etapa de la histórica banda que decidieron volver siguen activos y lanzan una reversión de “Lunes por la madrugada” con dos invitados de lujo que revitalizan la canción gracias a sus geniales interpretaciones. Ricardo Mollo (Divididos) y Manuel Moretti (Estelares) le dan nueva luz a este clásico inoxidable.

AGUSTINA BÉCARES: “Oscuridad” (ft. El PrÍncipe Idiota)

La cantante mendocina publicó este año Breve relato de un suceso irreversible, su tercer álbum o, dicho de otro modo, un viaje íntimo en modo EP del que se destaca este tema. “En la oscuridad todo a mano está / Cuidado que tanta luz encandila”, canta Agustina en una suave canción folk con sutiles toques de electrónica y el feat de El Príncipe Idiota, que surge imperceptible y va ganando espacio hasta fundirse en la magia de un tarareo seductor. www.elbondi.com

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FILTER FAUNA: “Amor visceral” ¿Cumbia villera colombiana? Sí, que sí. Desde Bogotá Filter Fauna, caracterizado por fusionar la música alternativa con el folclore andino, explora en este caso en los ritmos del subgénero nacido en las vísceras de los suburbios de Buenos Aires y los introduce en su tierra cantándole a los excesos. La protagonista es la gula, uno de todos los pecados capitales que aborda en lo que será el disco que verá la luz a mitades del año próximo.

LEVA: Tanto viaje En el segundo single de su primer álbum -luego de la doble versión de “Sale el sol”- Leva sigue explorando los límites de la canción rock.

“Tanto viaje” se apoya en la percusión para jugar con las guitarras y sintetizadores que enmarcan una letra rutera e introspectiva: “Cambiás la canción por quinta vez / ninguna estrofa representa este lugar”.

SINGAPUR: “Mutar” “Mutar” puede ser el nombre el perfecto para esta canción que consolida una evolución sonora de Singapur respecto a lo que fue su primer disco, con un sonido más crudo dentro de su estilo indie. La simpleza calma cancionera de esta nueva pieza nos envuelve y nos deja llevar placenteramente de principio a fin. Pequeño tip: si cerrás los ojos la disfrutás mejor.

SABOT: “No puedo parar” Como si fuera una cara b a su producción anterior, “Fusilados” –una guitarreada acústica registrada a orillas del Lago Lácar- Sabot se da un shot de adrenalina urbana con “No puedo parar”. Bajo la influencia de misteriosas golosinas psicodélicas, la banda muestra toda su potencia rockera a dos voces, a puro quiebre y a toda velocidad.

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EL PEYOTE ASESINO: “Vos no me llamaste” El Peyote Asesino, la pata rapera de la invasión rockera uruguaya de fin del siglo, muestra el single adelanto de su primer álbum en más de veinte años. Con producción del guitarrista Juan Campodónico, uno de los más reconocidos de su generación, “Vos no me llamaste” tiene la polenta y la acidez que caracterizó al grupo y que se reinventa en esta nueva etapa. “Soy la piedra en tu zapato / vos pisá fuerte que aguanto”, canta Federico Santullo en un clip que retoma a la banda desde aquel stop en los ‘90 e invita a reflexionar sobre las nuevas formas de comunicación propias de esta era.

JULIÁN BAGLIETTO: “Veo amor” En su tercer single en solitario luego de una década al frente de Huevo, Julián Baglietto da muestra de su versatilidad y se anima al bolero. “Veo amor” tiene la dosis justa de elementos clásicos del género –la cadencia musical, la dulzura de la guitarra acústica, un hermoso solo de trombón de Juan Canosa- en diálogo con un sonido moderno de programaciones y condensado por la fresca interpretación de Julián. Esta sensación se redobla con el videoclip y su mágico viaje en el tiempo y el espacio, responsabilidad de Eugenio Chiavassa.

MUERDO: “Yo pisarÉ las calles nuevamente” Producto de su constante presencia por tierras del sur de Lationamérica, el español reversiona el clásico de Pablo Milanés dedicado al pueblo chileno y de todo el continente. En clave candombe electrónico down tempo, este adelanto de un futuro disco viene acompañado de un potente video que empieza con imágenes de la dictadura de Pinochet para llegar y centrarse en esta actualidad de constantes manifestaciones que volverán a la calle seguramente una vez que termine la pandemia.

DIOSQUE: “AlegrÍa dispersa” (ft. Los Besos)

El cantautor tucumano mixtura su voz con la inconfundible Paula Trama en esta canción que combina nostalgia, imágenes urbanas cargadas de soledad pandémica y un poco de pop. Una canción simple, bonita y efectiva, de esas que no podes dejar de escuchar una y otra vez en tu playlist primaveral.

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MARRA Y LES PRACTICANTES: “Uruguay (乌拉圭) Remix”

Producto de su último EP, Marra y Les Practicantes entrega un video desde casa y continúa mostrando sus influencias de oriente. Su casa, Uruguay, la banda oriental, Oriente. Todo se junta en este video.

“Desde mi casa con mucho huevo y garra charrúa oriental”, nos cuenta Emilio Marraccini, el gestor de todo esto.

VIVA ELÁSTICO: “Ardiendo en la Arena” Tercer adelanto del cuarto disco de la banda en el que las guitarras se entrelazan creando un sonido como si a Viva Elástico lo produjera Trent Reznor. Este track baja los bpm pero aumenta en densidad atmosférica con respecto a sus antecesoras “Rebeldía y Swing” y “Reo y Solitario”, acaso más pop y bailables. Respecto al videoclip, casi podemos asegurar que transcurre en el mismo universo de Star Wars. Una aventurera recorre paisajes desolados, arenosos y un sol que quema haciéndose uno con la canción en cuestión.

JOSE AJAKA: “Bienvenido” “Bienvenido” es el primer corte de difusión del cantautor José Ajaka, de su disco 2:42, cuyo nombre curiosamente responde a la duración de todas las canciones del mismo. Se trata de una canción sobre el amor y el ser, que mezcla un sonido entre folk, pop y clásico. Una pizca de pimienta musical en estos tiempos de pandemia.

LAS BODAS QUIMICAS: “Prisionero” Las Bodas Químicas presenta “Prisionero”, una canción que nace en los talleres de la Unidad Penitenciaria nro. 48 de José León Suarez, donde la banda participaba. Con una gran cantidad de invitados, entre los que se destacan Piti Fernandez y El Plan de La Mariposa.

“Cuando el mundo enloqueció, quedamos encerrados” dice con su melodía ranchera pop. Cualquier casualidad con el mundo actual, es pura coincidencia.

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TRAZAR DIAMANTES: “Delirio”

Diferente a sus temas anteriores, esta novedad de la banda peruana Trazar Diamantes llega con guitarras y baterías loopeadas más sintes bien presentes. Buena dosis de pop que sobre el final se rockea a partir de la ebullición de las seis cuerdas. Llega acompañada en plataformas digitales de dos versiones remixadas.

MERMELADA DE MORCILLA: “No me dejes por Whatsapp” Totalmente gestada en cuarentena, esta canción continúa esa impronta tan característica de la banda, de meterse con las situaciones bien cotidianas desde un lugar que coquetea entre lo irónico y eso de sentir un “¿a quién no le pasó lo mismo?”. Las buenas ocurrencias generalmente son acompañadas de calmas melodías al mejor estilo trovador y “No me dejes por Whatsapp” no es la excepción.

WILLIAM FITZSIMMONS: “Daedalus, My father” Con ciertos toques folk, “Daedalus, My father” se muestra bien desgarradora de principio a fin. La letra aborda ese miedo a enfrentar la vida cuando nuestras queridos ya no están entre nosotros, aunque no hace falta entender la lírica del estadounidense para que se nos caigan varias lágrimas. Adelanto de lo que será su nuevo disco a editarse en el próximo año.

PONELE: “Materializo”

Desde San Martín de los Andes emerge Ponele y su nueva canción “Materializo”, un pop con un bello y cuidado ritmo sonoro, repleto de una exploración artística constante. Pegadizo y bailable, llega acompañado de un video en el que se conjugan los paisajes de sus tierras con avatares de videjuegos, lo real y lo virtual.

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SANTIAGO SANTIAGO 24

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ENTREVISTA

“NO TENGO PROBLEMAS CON EL EGO” Luego de codearse con la crema del indie platense, el músico de 24 años publicó su celebrado, confesional y fugaz bautismo de fuego como solista, “Trae una flor la corriente”.

Cronista: Lucas González Fotos: Adriana Beltrán-Prensa 02 de Septiembre

Hace poco, el platense Santiago Monroy leyó que a Fabiana Cantilo le costaba componer, a diferencia de Fito Paéz, que quemaba los días escribiendo, y se sintió interpelado. Por ella, claro.

“Para mí, la composición es algo nuevo”, se abre por teléfono a poco de haber publicado su celebrado, confesional y fugaz bautismo de fuego como autor e intérprete, Trae una flor la corriente. Habituado a “una especie de pop”, buscó romper con la monotonía estilística y optó por una impronta diferente, una que estuviera más vinculada al tango y al folk, que inclusive coqueteara con la canción popular, la de autor.

Por eso el álbum, primero que firma con el alter ego dostoievskiano de Santiago Santiago, pareciera alejarse de

cierta norma y relacionarse con algunas de las plumas y voces más exquisitas de la ciudad, como Pablo Matías Vidal (Los Valses), Sebastián Coronel (La Teoría del Caos), Carmen Sánchez Viamonte (La Sánchez Viamonte) o Lautaro Barceló (El Estrellero). También resuena, por qué no, el eco de las extintas Tocate Mil y La Comu, iniciativas que post Cromañón solían convocar a varixs cantautorxs de la escena local. Lo cual resulta paradójico, ya que “desde un comienzo mi cabeza estuvo lejos de acá”. En realidad, Monrroy redobla la apuesta y asegura que puso el foco de atención en Las Sombras, el cuarteto pampeano de rock visceral. “Siempre había había algo de ellos dando vueltas, fueron como un faro”.

Es sábado, el segundo de julio, y Santiago atiende el llamado

de Revista El Bondi desde el estudio que montó en uno de los dos ambientes del departamento que comparte con Sophia Di Girolamo, pareja y fotógrafa a cargo de la portada del flamante trabajo, en La Plata. “Antes vivía solo y no necesitaba la pieza. Hoy es un monoambiente con una sala de ensayo”, confiesa sobre el refugio profesional (“acá se gestaron Adiós y buena suerte, de Peruano, e Ideas para un mundo imaginario, de Fus Delei”) y emocional donde transita buena parte de la cuarentena. “Al arranque de la pandemia ensayaba y estudiaba a pleno. Después medio que me saturé y tuve que parar. Y si no toco, lo que más hago es escuchar música con mi compañera.

Podemos poner cinco, seis o hasta más discos por día.

Ahora estamos muy copados con (Harry) Bertoia”. www.elbondi.com

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La disposición desfavorable de dos ventanas y los siete veladores distribuidos en las habitaciones hacen que la iluminación en general sea tenue, igual que el tono de su voz cuando se define como alguien “meticuloso y metódico”. Por ejemplo, invirtió alrededor de dos años tan solo en terminar las cinco canciones de Trae una flor la corriente, dejando unas diez en el camino. “Intento darles tiempo, para que decanten de manera natural.

Me gusta partir del piano o la guitarra, probar varias instrumentaciones y grooves.

Luego llega la letra. Es un proceso largo y quise llevarlas al máximo de lo que creía posible”, refuerza la idea.

El espacio de unos escasos metros cuadrados está apenas decorado (“hay poco y nada.

Me distraigo muy fácil.

Por lo que el orden y cierta disposición de las cosas me permiten estar más ligero”) y, eso sí, poblado por equipos: un Farfisa de 1968 (“tiene esa cosa media sandresca que suena en ‘Lo que dicen tus amigos’ y ‘Encanto’”), un Baldwin Fun Machine del 74 (“casi un órgano de juguete con unos audios hermosos”), un Casio 701 modelo 80 (“la dulzura que aparece en la ‘Indiferencia’”), una guitarra Framus 69 (“el audio del disco”), un bajo Fender Precision japonés de los noventa (“mi herramienta de laburo”) y su última adquisición, un minilogue (“no me gusta mucho, pero lo uso 26

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bastante para trabajar”).

El panorama se completa con una copia de Lo bello y lo triste, la novela del japones Yasunari Kawabata (Osaka, 1899) que inspiró el título e indirectamente el mood de su álbum debut.

Las dos son obras de contrastes, de claroscuros, aunque el autor oriental apele a la ficción y el compositor argentino a una suerte de narrativa del yo que se referencia sobre todo en la escritura autobiográfica de Fito Paez, “una persona que vivió muchos episodios complicados y que los reflejó en su lírica. Maneja esa dicotomía entre lo alegre y lo súper oscuro”. Corrobora: “Mis letras son agridulces. Tratan de la soledad, de reflexionar, de buscarle una vuelta luminosa a situaciones amargas”.

La confesión inicial en “La pantalla” lo certifica (“Ya no sé cómo hacer para no cargar lo que hice mal”). Desencantado, en “La indiferencia” plantea que “me es difícil mantenerme callado, algún silencio en el pasado fue dolor”. También brilla la bucólica “Encanto”, en la que ironiza: “Estoy esperando que caiga el cielo y otra vez poder irme de acá”. O “Un poco”, donde mete segunda y habla de un necesario distanciamiento emocional. Por si acaso está “Lo que dicen tus amigos”, western tarantinesco que cierra el larga duración: “No voy a mostrarte una sonrisa si adentro mío hay... un precipicio. O podría mentirte”.

-¿Por qué exponerte ahora, después de tanto tiempo?

-Supongo que tenía cosas para decir. Si a la gente le gusta, va a funcionar. De lo contrario, seguiré tocando adelante, atrás, o en cualquier otro lado.

No tengo problemas con el ego, ni loco. A mí lo que me gusta es la música: puedo cantar, ser instrumentista o arreglar canciones, que es mi rol natural y casi lo que me da vida (sonríe). Suena exagerado, pero es así.

Modesto de expectativas, a sus 24 años Santiago se convirtió en un actor de reparto consagrado que luce una infrecuente combinación de humildad y talento. La misma que le permite y permitió codearse con la crema del indie platense: actual miembro de Roto y de Rara, pasó por Muerte al Tio Cosa, Peruano, la formación seminal de Fus Delei y Thes Siniestros, donde -según él- hizo escuela.

A continuación, recupera su coming of age con el bajista Juan Irio y el guitarrista Marto Remiro: “Yo era un borrego de 17, 18 años que venía del punk.

No los conocía, pero sí al baterista (Flavio Marianetti), así que audicioné para ser el cuarto integrante que buscaban. Cuando terminamos de ensayar me avisaron que a la semana siguiente había una fecha en La Trastienda y preguntaron cómo me veía tocando ahí. Fue una locura, una cosa hermosa.

Por suerte, caí rápido y de chico en una banda que se movía muy bien y que me sirvió de guía”. Resumido, tocó durante la etapa de Dorado y Eterno (2012) y presenció la génesis de lo que terminaría siendo el reciente Está naciendo el nuevo día.

El mito fundacional de este joven veterano es más terrenal que extraordinario.

No tiene muy claro el motivo (“porque en mi familia no hay otro músico”), pero hubo un día en el que siendo pequeño descubrió que las voces se podían armonizar y que disfrutaba de hacer coros, terceras y hasta octavas. Aburrido en los cumpleaños de 15, imaginaba cómo sonarían las cumbias si fuesen interpretadas por The Strokes y pensaba los correspondientes arreglos corales.

Educado de manera instintiva más que académica (“estudié unos años en EMU, pero me gusta elegir a mis profesores‘‘), el multiinstrumentista opina que “en el imaginario (malo) de la gente está instalado que la inspiración viene a uno porque sí. Claro, hay personas que tienen un montón de creatividad, aunque la realidad es que en la música, como en cualquier otra disciplina, hay que sentarse a estudiar, tocar y probar”. Aquello y lo del libro de Kawabata lo sacó de Ramiro Sagasti, el alma mater de Pérez y de Roto -NdlR: el grupo lo completan Kubilai Medina y Faustina Sagasti, hija

de Ramiro e integrante de Isla Mujeres- que avaló los temas de Trae una flor la corriente, el cual se grabó con un dream team de actuales y antiguos colegas.

La dinámica de trabajo, continua Santiago, se asemejó más a la de un taller de escritura que a la de una producción convencional.

“Tomábamos mates, yo cantaba lo que tenía, él se paraba, daba unas vueltas, iba a la biblioteca y volvía con algo para leer. Al final, le dio un toque increíble a las letras. La experiencia fue tremenda. Imaginate, ¡yo crecí escuchando Pérez!”, redondea y cuenta con la misma incredulidad que está colaborando en el LP solista del propio Sagasti. “Al verlo laburar también aprendí un montón. Es una persona que se dedica 100 por ciento a la música, que se la toma muy en serio: a la mañana toca, a la tarde responde mails y organiza en lo que llama la oficina y luego compone.

Además, es como un tío para mí. Cuando voy a la casa, y me reciben su esposa Guille y Faus, me siento en familia. Y Roto es eso, una familia que se junta a delirar con sintetizadores”, se abre por última vez.

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ENTREVISTA

“FUIMOS SEGUROS, SIN PRESIONES Y CON LA MENTE BIEN CLARA” La banda ganadora del concurso Camino a Abbey Road, en su edición 2019, presentó su flamante disco, “Cruza el laberinto”. El segundo álbum de la banda está enteramente grabado en el mítico estudio londinense.

Cronista: Nahuel Perez Fotos: Gentileza Prensa 02 de Septiembre

Integrada por Joaquín Baglietto en voz, Santiago González en guitarra, Nehuén Chumbita en bajo y Alan Castillo en batería, PUM no es una onomatopeya que representa una aparición repentina, sino que es la sigla de Presente Universo Música. Su talento y propuesta rindió frutos en la pantalla chica, quedándose con los pasajes a Inglaterra para registrar un disco que, a todas luces, ya sonaba enorme. La clave, según explicó Nehuén a nuestra redacción, estuvo en el trabajo previo y en la dedicación de sus músicos.

-¿Cómo fue la preproducción del disco?

Nehuén Chumbita: -La preproducción del disco contó con varias instancias. Nosotros teníamos pensado -y de hecho lo hicimos- grabarlo en un estudio de acá en Argentina.

Habiendo terminado la grabación en dicho estudio nos llaman mencionándonos que habíamos sido seleccionados para participar del concurso “Camino a Abbey 28

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Road”, en el programa de tv llamado “La Viola”, transmitido por TN. Al enterarnos, decidimos dejar en pausa lo que veníamos trabajando. De repente, ganamos la primera instancia del concurso, luego, la segunda y, por último, terminamos ganando la final. Esa grabación previa del disco terminó siendo una super preproducción de lo que luego grabamos finalmente en Londres. Fuimos seguros, sin presiones y con la mente bien clara gracias a esa “grabación piloto”, en un estudio bastante piola de acá. Sumado a que los temas ya los veníamos cocinando y tocando en vivo antes inclusive de las maquetas.

-¿Cómo jugó ese trabajo previo durante el concurso?

NC: -Este trabajo previo nos hizo pisar fuerte, primero en La Trastienda para TN y, luego, en los estudios de Abbey Road. Si bien, como te contaba anteriormente habiendo contado con esta preproducción, nosotros desde el minuto cero de la banda fuimos siempre muy metódicos

y profesionales frente a nuestro trabajo sin dejar de lado lo que eso nos genera a nosotros, es la mezcla perfecta entre amor y dedicación.

Creo que eso se notó frente a las cámaras y en el resultado del disco que grabamos y lanzamos en agosto de este año.

-¿Cambiaron mucho lo establecido en la preproducción del disco desde que se enteraron que grababan en Abbey Road Studios o se apegaron al plan?

NC: -Nuestro plan siempre fue el mismo, hubieron uno o dos instrumentos de la primera grabación en Mawi Road Estudio que dejamos y utilizamos en este disco. PopArt nos asignó como productor a Michel Peyronel, quien fue el responsable de algunos cambios e ideas nuevas dentro del disco, pero sin que nosotros dejemos de sentir ajeno nuestro laburo, justamente, respetando nuestro plan desde un principio. Nosotros fuimos a Abbey Road ya sabiendo qué y cómo íbamos a grabar y hacer.

PUM

-¿Cómo es la historia de tu llegada a la banda?

NC: -Siempre vi a PUM desde abajo del escenario y decía para mis adentros: “Que ganas de estar ahí arriba con ellos rompiéndola”. Se ve que alguien sabe leer mentes muy bien entre ellos, aunque todavía no se quién es, o soy yo el que maneja telepatía sin querer (risas) pero un día en febrero del año 2018 me llama Santi. Yo, en Córdoba, “amaneciendo” a las 12 del mediodía. Me dice que posiblemente quede vacante el puesto de bajista en la banda. A todo esto, trataba de razonar si todavía estaba dormido o si, efectivamente, esto era así. Unos días después me llama de vuelta para confirmarme y ahí explote de alegría. Esto se debió a que compartimos una fecha del año anterior, yo con mi banda de ese momento y ellos como invitados. Se ve que algo hice bien en esa fecha que después hayan contado conmigo para proponerme ser parte de PUM. -¿Qué hacían para divertirse en Londres, además de grabar?

NC: -Para divertirnos en Londres, primero, tuvimos que terminar el disco pasando por seis días de puro trabajo con un enganchado de hotel-estudio, estudio-hotel, que en realidad no fue nada tedioso para nosotros, sino que fue puro disfrute y diversión como vos decís. Estábamos en uno de los estudios más históricos del mundo y no solo eso, sino que estábamos registrando nuestro disco en ese lugar. Luego, pudimos adelantar el pasaje de vuelta para quedarnos unos días más vuelteando, conociendo, comprando regalos para nuestra gente y para nosotros mismos. Fue un tour fugaz y la verdad es que nos quedamos con muchas ganas de volver.

Pasamos navidad juntos en Londres y eso también fue hermoso, un lindo cierre del viaje y que mejor cierre que brindando. ¿Qué tienen pensado para el 2020 con semejante trabajo para presentar?

NC: -Para este 2020 -o lo que queda de él- tenemos pensado seguir manijeando el disco, presentarlo como sea. En estos momentos, la única opción cercana que tenemos es presentarlo vía streaming así que estamos craneando esa posibilidad. Mientras tanto, empezando a cocinar nuevo material para un tercer lanzamiento, Ideas no nos faltan. ¡Así somos! www.elbondi.com

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ENTREVISTA

“LO QUE FUNCIONA ES LA EMPATÍA” Florencia Ciliberti se planta ante las incomodidades y genera, constantemente, nuevas formas. Otras Formas. Entre todo eso, un sello discográfico que festeja sus veinte discos.

Cronista: Maia Kisz Fotos: Gentileza Prensa 07 de Septiembre

“Otras Formas es un proyecto que me atraviesa política, social y artísticamente. Porque entendí que quiero que mi obra sea como nuestro existir: todos somos todo y depende de nuestras posibilidades lo que hacemos”, define Florencia Ciliberti. Su arte se expande por tantos espacios que resultaría extenso enumerar todo lo que hace. La biografía en su Instagram la describe como artista visual, música y fundadora del sello exclusivo de artistas visuales que hacen música (Otras Formas). A eso habría que agregarle que investiga, está escribiendo un libro y otros quehaceres que conforman su pasado y su proyecto de futuro.

No hay una sola palabra que alcance para definir lo que hace.

En ella todo dialoga. Se enreda. Se vuelve una totalidad diversa. Pero algo está claro: lo que Florencia hace no tiene una forma. Tiene muchas. Otras.

Florencia venía del mundo de la música, el que habitaba con su proyecto Hana. Pero ese lugar le pareció poco seductor. Quizá por las limitaciones que implica expresarse en un sólo lenguaje, quizá porque no le resultaban 30

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interesantes los interlocutores, las notas que le hacían y, tampoco, la manera en que difundían sus obras. Lo cierto es que había una molestia y decidió correrse. O, mejor dicho, expandirse, romper los límites. “Desde el comienzo sentí que no importaba el lenguaje o la materia con la que iba a trabajar. Importaba lo que tenía para decir”.

pero era hombre. Eso fue bastante cretino en mi generación, pero me hizo ser más salvaje. Hizo que realmente no me importe lo que digan. Siempre me costó mucho más. Pero, gracias a eso, después no tuve ningún reparo en generar toda la movida que logré con Otras Formas desde un mundo conservador como el de las artes”, cuenta Florencia.

“Siempre fui muy outsider en los lugares. Por un lado, soy mujer y, por otro, me tuve que autogestionar muchas cosas desde que empecé, en 2005, con mi proyecto solista como Hana. En ese momento no había muchas chicas en escena y padecí todo el machirulaje que te puedas imaginar”, recuerda y ejemplifica lo que dice con situaciones que la aburrían, cansaban e incomodaban. Momentos en los que su arte quedaba minimizado y las oportunidades de visibilizar la producción cultural no eran iguales para todas las personas. “Tenía discos nominados a los premios Gardel. Gané mi premio Gardel.

Pero nada era merecedor para la mínima nota. Se la daban a la persona que vivió lo mismo que yo,

“Mucho de lo que hago es desde la incomodidad absoluta. Me da fuerzas. A veces es hermoso construir desde la alegría, pero también hay que armarse cuando no te gusta como son las cosas.

Cuando deseas que se modifiquen”, dice la artista quien, al buscar nuevos espacios, comenzó a hacer muestras de artes visuales. Con este movimiento, y ante un nuevo escenario, sintió que sus pinturas al óleo eran consideradas obras, pero su música no. Y, lejos de quedarse quieta, decidió investigar.

Construir espacios colectivos. “¿Qué es lo que a mi me gustaría que pase?”, se preguntó y la respuesta fue: “Sentir que soy importante, pero que el de al lado también lo es. Creo que el verticalismo no va. La respuesta es

HANA

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horizontal. Por eso ahora es tan fuerte el concepto colectivo. No es uno y los demás subordinados. Si llegamos a la cima, lleguemos entre todos. Es un concepto político y es posible”. De esas premisas florece todo el trabajo realizado en Otras Formas.

En 2016 empezó con una investigación sobre artistas que tenían material musical grabado. Eso decantó en un objeto/obra/instalación: el primer disco compilado que se presentó en el Museo de Arte Moderno con una escucha colectiva acompañada de performances. “Había conseguido grabaciones del pasado y de artistas contemporáneos. Cuando terminé la muestra, se me acercaron otros artistas diciendo que tenían más material.

Ese fue el comienzo”.

Desde ese momento, escucha y hace una suerte de curaduría para definir lo que sale en el sello. “No me importa si es una mujer que nunca sacó un disco y tiene 40 años. Si está bueno lo que hace, lo voy a editar. Y eso es algo que no sería vigente en una discográfica porque se rigen por otras cosas. En esta sociedad, por ejemplo, la edad es un valor. En mi discográfica el valor es la obra”, dice Florencia y cuenta la experiencia con Golosina Caníbal, el disco que Roberto Jacoby, autor de más de la mitad de los discos de Virus, sacó en 2018. “Es muy reconocido en el mundo de las artes, pero está camino a los 80 años. Sus canciones me parecieron una joya. Hay muchos artistas que tienen proyectos musicales, pero están en las sombras. Y la música también es obra. Estoy decidida a sacarnos ese corset que reprime las libertades”.

Esa represión de la que habla Florencia aparece en muchos aspectos y en diversos espacios. En diciembre de 2019 se sancionó la ley de cupo femenino y acceso de artistas mujeres a eventos musicales que establece que en festivales y eventos tiene que haber un mínimo del 30% de artistas mujeres. En agosto de 2020 salió un informe realizado por el colectivo Nos quemaron por brujas que analiza los programas más escuchados de la primera mañana de radio: el 78% son conducidos por varones. En septiembre de 2020 se publicó la ley que establece que en el Sector Público Nacional tiene que haber un mínimo del 1% de la totalidad de los cargos laborales ocupados por personas travestis, transexuales y transgénero. Todas estas leyes y cifras responden a reclamos por igualdad de posibilidades. En este contexto, el trabajo colectivo se vuelve vital para la visibilización de las problemáticas culturales, laborales y políticas. “En un momento dije: toda la música que me llega es la que se pasa de boca en boca y nosotras, como mujeres, tenemos que trabajar más para llegar a los oidos de la gente. En el mundo de la música, como en el de las artes plásticas, hay muchas mujeres que hicieron 32

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obras maravillosas y, lamentablemente, no fueron difundidas. Ahora hay un gran movimiento en el campo de las artes que se llama ´Nosotras Proponemos´ y no solo tratan de visibilizar, sino también de que haya más equidad a la hora de premiar. Porque cuando se cura una galería, ¿a qué artista se muestra?”.

Nosotras Proponemos es una red de mujeres del mundo del arte.

Artistas, curadoras, investigadoras, directoras de museos, escritoras y galeristas­que se unieron para instalar prácticas feministas y la igualdad de oportunidades en sus espacios de trabajo. Desde ese colectivo expresaron, a principios de 2018, que sólo ocasionalmente los museos argentinos superan el 20% de artistas mujeres en sus colecciones y, para visibilizar y ejemplificar, del 2 al 20 de marzo de ese año realizaron apagones de media hora en la planta alta del Museo Nacional de Bellas Artes, dejando iluminadas solo las obras de artistas mujeres. El resultado: oscuro. “Heredamos algo que no se había replanteado: el tener que hablar siempre de referentes masculinos, por ejemplo. Pero me parece que a nosotros nos toca investigar. Veo que hay cambios de paradigmas. Hay un montón de bandas de mujeres. Es maravilloso.

Y, para eso, es importante lo colectivo”, define Florencia y cuenta que al momento de armar el sello Otras Formas ya tenía planeado su sexto disco. “Hablé con Dani Umpi y con Juan Becú, que eran dos artistas de quienes me había llegado material después de lanzar Otras Formas Vol 1, el primer material del sello que había surgido de mi investigación.

Entonces les dije que me parecía hermoso que hagamos un sello exclusivo para artistas visuales porque lo colectivo es más fuerte.

Yo podría haber sacado mi disco

como saqué los anteriores, pero me parecía hermoso hacer una red.

Y eso es algo que siento que funciona en diferentes sectores. Es así. Es armar redes. Es armar colectivos. Lo que funciona es la empatía”.

“El arte es una gran herramienta de lucha para cambiar el mundo. Y, también, es un lugar donde podemos volar y ayudarnos entre todos y todas para creer que hay algo más. El arte es el relato mágico que está al alcance de todos. Vos por ahí estás sentado delante de una obra. No tenés ni idea y te ponés a llorar. Y decís: ¿Qué es esto? Y no sabés de pintura, ni de teoría. Pero, de repente, llorás”, dice Florencia, maravillada por lo que hace. En sus palabras deja claro que la empatía no solo está en generar lugares para que quienes hagan diversas expresiones artísticas puedan expresarlas libremente, sino que, también, está en dejar lugar para que la persona que vea o escuche las obras tenga un rol activo y pueda generar diversos sentires a partir de lo que le llega desde los sentidos. “Si no hay lugar para la imaginación, estamos listos”, define la artista.

Cuando Florencia produce sus obras trabaja con un 50% de conducción desde su deseo y un 50% aleatorio que evoca como un factor mágico. “Cuando escribo una canción aparece la palabra, un condicionamiento importante.

Aparece un mundo que quiero transmitir. Pero, también, aparece algo medio chamánico. Si está totalmente organizado, no me funciona. Muchos movimientos del arte surgieron como accidentes.

A Pollock se se habrá caído un tarro, vio lo maravilloso que pasó cuando corrió el pincel y, después, se hizo fuerte en la pintura. A veces del accidente y del error aparecen los grandes descubrimientos. El

arte te confronta a eso constantemente. Para mi es como una religión. Entendiendo eso, enfrento la vida de otra manera”, dice Florencia, dejando entrever los hilos que tejieron la creación de Otras cosas. Un proyecto que surge de una investigación, de empezar a moverse desde una incomodidad y que, después, cobró identidad propia alimentado por una gran diversidad de artistas visuales que buscan el espacio para compartir su material musical. 20 discos en tres años es, hasta ahora, el total del material editado. Pero, para la impulsora de todo esto no hay limitaciones en el arte. “Es un espacio donde realmente no existen los imposibles y, si existen, es como concepto. Como entidad. Y lo maravilloso de la música es que ahora todo se puede lanzar en las plataformas digitales. No se detiene. Extraño los shows en vivo, el roce del cuerpo del otro, sonreir con el de al lado porque estás bailando y no importa nada más que eso. Toda esa experiencia también forma parte de la música.

No se cómo vamos a volver, pero los lanzamientos van a seguir”.

Después de todo, si algo sabe hacer Florencia es transmutar las limitaciones e incomodidades.

Encontrar formas, Otras Formas. Y seguir haciendo y expresando.

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ENTREVISTA

“NUNCA SERÉ POLICIA”

El bajista Osmar Espinosa desmenuza los pormenores de “Perdidos en Pantitlán”, beligerante canción antiyuta, y anticipa detalles sobre el tercer disco del cuarteto mexicano, “Mazunte 2016”.

Cronista: Lucas González Fotos: Gentileza Prensa 24 de Septiembre El último video del grupo mexicano Los Blenders, el que ilustra la vertiginosa “Perdidos en Pantitlán”, pareciera una secuela de La Purga dirigida por Christopher Nolan. Las imágenes -directas, grotescas, exageradas- se suceden una tras otra, mientras que el soundtrack -avisa la gacetilla de prensa- es “una mezcla entre el sonido del rock con las guitarras de surf más agresivas que hayamos sacado y un coro pegajoso”.

de Los Violadores, “Gente que no”, de Todos tus muertos, o “Nunca seré policía”, de Flema. Aunque el vínculo con la música criolla pasa en realidad por otro lado: “Nos gusta Cerati, Spinetta y Los Espíritus.

Más que nada el rock independiente que se hace allá. Está padre. Acá y en Estados Unidos compartimos escenarios con Bestia Bebé. Además, hemos tocado con Él Mató y Las Ligas”

En una ciudad desvencijada como telón de fondo, primero surge un patrullero sacado de Blade Runner. Después, llegan los “agentes del orden”, derechos y humanos. Por último, el músico callejero al que chupan, torturan y asesinan. ¡Bang, bang, estás liquidado! “Pantitlán es un lugar concurrido, peligroso, donde se juntan varias estaciones de metro.

Hay mucha gente, movimiento y asaltos”, asegura el bajista Osmar Espinosa sobre la colonia situada al oriente del populoso Distrito Federal.

De acuerdo al propio Osmar, “Perdidos en Pantitlán” está inspirada en hechos reales (le pasó a un amigo de ellos) y es una excusa para tratar “la brutalidad policíaca que siempre ha existido”, del abuso por parte de las autoridades. “Nos gustaría que a los chavos, a la nueva generación, no los levanten y lleven por echarse una chela o un cigarro de marihuana en la calle”, suma el también baterista de O Tortuga.

“En nuestro país hay impunidad y manda el que más dinero posee”, continúa. Así y todo, la flamante administración del progresista Andrés Manuel López Obrador (AMLO) le genera expectativas. “Se están tomando medidas para que la gente pueda estar mejor”, asume.

Y sigue: “Veníamos de un sistema muy corrupto, que en un año no va a cambiar completamente. El gobierno tiene sus altibajos, pero lo vemos con esperanza”.

El quinto y último adelanto de lo que será el tercer larga duración del cuarteto, Mazunte 2016 (editado por Devil In The Woods y Sonido Muchacho), carga las tintas contra la violencia institucional y dialoga, gracias a lo conciso de sus líneas (“Po li cía/ Apiádese de mí/ No nos desaparezca/ Solo nos queríamos divertir”), con algunos hitos antiyuta del cancionero popular argentino, caso “Represión”,

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-De vuelta en campaña, Donald Trump retomó la idea de construir un

muro que separe Estados Unidos de México. ¿Qué opinión te merece la noticia?

-La verdad, sabemos que lo dice cuando necesita votos. Es meramente político, para conseguir adeptos. No es algo que nos preocupe, el gobierno de Estados Unidos está teniendo una buena relación con el de México, que al igual que ellos es una potencia.

-¿Son pesimistas o poco optimistas de cara al futuro? “Ha sido” (“No hay presente, no hay mañana”) o “Bien verga” (“Odio el verano y a tu generación”) exhiben de cierto hastío.

-Pues, somos una mezcla de las dos. Por un lado, Los Blenders está referenciado hacia lo feliz y optimista, con las cosas buenas de la vida, la luz al final del túnel. Por otro, hay situaciones malas que nos gusta analizar y en las que debemos ser más críticos. Hablar de cuestiones fuertes, como en “Perdidos…” y “Canción de protesta”.

Al conjunto lo fundaron Alejandro Archundia (voz, guitarra y composición) y Sebastián Villalba (guitarra) en Coapa, sureste de la Ciudad de México.

Ambos, se supo hace poco, querían ser “The Strokes, The Libertines o Arctic Monkeys. Nos

LOS BLENDERS

gustaban un chingo los Dynamite”.

Pretendían encarar algo que “fuera un tanto rockanrolero, similar al de los grupos mexicanos de los 60 -Teen Tops, Los Apson, Los Hooligans- y a toda esa onda de letras melosas y amor juvenil, pero con un twist más actual de meterse drogas”. Por eso, después de probar el ácido, incursionaron en otras sonoridades. “En algún momento se nos relacionó con los Wavves y esas bandas (Surf Curse, por ejemplo).

Realmente, nunca fue intencional”.

Tras doce años de carrera, ¿cuál es la relación con las drogas recreativas? Ahora el que responde es Espinosa: “Componemos a partir de lo que vivimos, situaciones que le pueden suceder a cualquier joven o adulto. La gente se identifica con lo nuestro (NdlR: en YouTube superan las cuatro millones de visualizaciones y en Spotify suman 80 mil oyentes mensuales) porque hablamos de la cotidianeidad”.

La filial mexicana de Vice les sigue

el rastro desde Cemento y ya en 2013, cuando ganaron popularidad en Bandcamp, dio cuenta de “un cuarteto de vatos haciendo pop punk despreocupadamente, por el mero placer de divertirse”.

Cuatro años más tarde definió a la propuesta como “canciones playeras de drama existencial juvenil sobre amor, desamor y todo lo que hay en medio”. El mismo artículo postuló que sin buscarlo se convirtieron “en la referencia de toda una generación”, asentando “las bases para que pudieran existir Señor Kino o los Sgt Papers”.

Luego de un simple (Ah Oh, 2012), dos discos (Chavos bien, 2015, y Ha Sido, 2017) y un par de EPs (Oye, 2011, y Meta y Dinero, 2013), no hay un consenso bastante generalizado acerca del género madre de Los Blenders. Scrolleando, en la lista figuran: “pop punk”, “surf épico”, “indie punk”, “punk rock”, “lo fi garage”, “surf garage”, “punk meloso con toques de surf” y hasta

“infeccioso surf pop”. Carlos Medina, bajista de Little Jesus y co productor del celebrado Ha Sido (el medio Indie rocks! lo calificó con un 10), dijo en un programa de la televisión azteca que eran una suerte de “comedia ácida, estilo South Park y Los Simpsons. Evocan un sentimiento juvenil”. O bien, un eslabón perdido entre Cadena Perpetúa y Las Piñas.

Cuesta imaginar, entonces, qué habrá detrás del inminente Mazunte 2016.

El bajista anticipa que tendrá “un sonido nuevo, fresco, maduro.

Intentamos experimentar, ahondando en armonías vocales y otros recursos compositivos”. Dicho esto, revela que los cuatro integrantes de Los Blenders “escuchamos cumbia, rock, reggaeton, ritmos latinos, tribales, electrónica. No estamos peleados con ningún género”. Al contrario, están abiertos a cualquier oportunidad. “La cuestión siempre pasa por evolucionar musicalmente, pero sin perder la esencia de lo que somos”, concluye.

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ENTREVISTA

La banda de metal argentino sacó nuevo disco y aprovecha la cuarentena para componer y prepararse para cuando pueda volver a las giras.

CASHATE

“EN LAS CANCIONES HAY UN POCO DE LO QUE UNO BUSCA PARA COBIJARSE”

“Hasta el fin de los tiempos” es el material más reciente de CASHATE. “Este disco surge de algo muy simple. Una idea: uno se tiene que sentir bien para poder hacer el bien”, afirman desde el grupo compuesto por la guitarrista y compositora Eve Korrea, el cantante Fernando Vox, el bajista Miguel Aguera y el baterista Emanuel Larta.

“Uno no siempre está igual de ánimos, pero en esa búsqueda hay que equilibrar y poder mandar un mensaje de aliento”, definen. Si bien el nombre de la banda proviene del dicho “Cashate y hace”, esta banda dice y hace.

Comunica con sus canciones. Combina palabras y energía para generar potencia y plasmar ideales.

-¿Por qué es tan importante para CASHATE dejar mensajes positivos?

-Porque el que escucha, cuando queda a solas con la canción, asimila el mensaje. Ese momento es importante porque la persona recibe la fuerza del intérprete para que salga adelante de lo que esté pasando. Es importante que sepa que hay alguien que quizás pasó por lo mismo y que no lo quiere ver mal. Desde ahí parte todo. Quizás es un mensaje, quizás un poco de acompañamiento. Algo que puede que no se encuentre en familiares, amigos o compañeros. Pero, de alguna

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manera, en las canciones hay un poco de lo que uno busca para cobijarse en esos momentos difíciles.

-En enero sacaron un video, el de “Ritual”, que muestra imágenes de giras y recitales. Un ritual que ahora falta, ¿qué otros rituales encontraron para mantener la esencia de la banda?

-Tuvimos que cambiar por nuevos. Sin embargo, está siendo muy productivo para la composición de nuevas canciones. Nos va a ayudar a valorar mejor lo próximo. Los nuevos rituales implican más comunicación y menos contacto entre los músicos, pero estamos al pendiente del otro por miedo a un contagio. Se extraña mucho la antigua normalidad, pero ayudar entre todos también es muy bueno y saber que tenemos tiempo para lo compositivo es genial. Y, como nuestra bandera es “cashate y hace”, tomamos ese sentimiento que surge de lo que necesitamos para triunfar ante la adversidad y seguimos en camino.

Nuestro lema es una lucha constante.

Lo bueno es no caer, poder usarlo a nuestro favor como experiencia.

-Experiencias tuvieron muchas, como las giras. Cuando empezaron con la banda, ¿imaginaban lograr eso?

-Soñábamos hacer giras internacionales. Concretarlo nos llevó mucho tiempo y dedicación. Pero vivimos por y para la música. Entonces, esa llama no se apagó nunca. Pasamos cosas muy lindas haciendo lo que más nos gusta.

Si bien el lugar donde tocamos es significativo, somos bastante inconscientes al momento de hacerlo porque sólo nos preocupa tocar. Dónde lo hacemos depende de muchas cosas.

Lo importante, siempre, es seguir.

-¿Qué sigue para el futuro?

-En principio, seguir rotando nuestro nuevo trabajo, Hasta el fin de los tiempos (h.e.f.d.l.t.). En enero sacamos el clip de “Ritual”, nuestro primer corte de difusión. En junio lanzamos el segundo: “Habla Con Dio$”. El disco tiene muy buena aceptación en las plataformas digitales y eso nos tiene muy contentos. Así que esperamos sacar nuevos videoclips, reanudar nuestra gira por el interior de Argentina, seguir llevando a otros países nuestra música y representar a nuestro país en donde se dé la ocasión.

Cronista: Maia Kisz Fotos: Martín Dark Soul-Prensa 24 de Septiembre

ENTREVISTA

Alejandro Desilvestre presentó su nuevo videoclip y single “La revelación”, grabado íntegramente en Bariloche y disponible en todas las plataformas digitales.

ALEJANDRO

DESILVESTRE

“ME HUBIERA GUSTADO TRABAJAR CON SPINETTA O CERATI, Y ME GUSTARÍA HACERLO CON COTI HOY” Convocado por Miguel Zavaleta para formar parte de Sueter en 1985, participó del disco La máquina del tiempo de los Twist, para luego formar su propia agrupación, La KGB. A lo largo de su posterior carrera solista tocó junto a artistas como Fabiana Cantilo, Marcelo Moura, Andrés y Javier Calamaro. Su carrera musical lo llevó por Alemania, México y hoy, de vuelta en Argentina, Alejandro Desilvestre presentó su nuevo material y prepara su próximo disco Todo volvió.

que me sucedió cuando conocí a mi actual pareja. Se revelaron muchos sentires profundos para mí.

-¿Cuál es la historia detrás de ‘La revelación’?

-Es el encuentro de dos almas, dos seres. Nada es azar. Todo tiene un porqué y un para qué, a través del Universo. En cada latido, nuestro palpitar relega a la mente y nos zambulle a ese mar, donde la revelación es sentirnos.

Así lo describo esta canción, es lo

-Dada tu trayectoria, actualmente, ¿cómo ves la escena musical local?

-Veo que lo que acapara la mayor atención es el género del Trap.

Allí, la juventud está encontrando una identidad fuerte y como todo hay trabajos que me resultan más interesantes y reveladores.

-¿Cuándo se viene el cuarto disco solista?

-La Revelacion es la primera cancion del cuarto disco, el mismo va a ir saliendo a cuenta gotas y en forma paulatina a lo largo de este año. El nombre de mi cuarta placa solista es Todo Volvió y me encuentro trabajando arduamente en el. Para fin de año tendremos el disco completo.

-¿Te quedó algún artista nacional con el cual te hubiera gustado trabajar, pero no se dio?

-Me hubiera gustado trabajar con Spinetta o Cerati, y me gustaría hacerlo con Coti hoy. A lo mejor el universo me lo regala y tengo ese gusto.

-¿Qué planes tenés para cuando se termine la pandemia?

-Mis planes son vivir, ya que en estos momentos estamos sobreviviendo. Mis planes son tratar de respetar y cuidar todo lo que vive y tratar de comérmelo.

Mi plan es sonreír.

Cronista: Nahuel Perez Fotos: Gentileza Prensa 28 de Septiembre

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ENTREVISTA

“ME GUSTA EL ARTE QUE INCOMODA” La multifacética artista presenta su nuevo disco el próximo 23 de octubre vía streaming con una propuesta audiovisual que también traerá el lanzamiento de una colección de ropa inspirada en el disco.

Cronista: Sergio Visciglia Fotos: Gentileza Prensa 01 de Octubre

Audia Valdez conjuga todas sus facetas en su nuevo trabajo Transforme C1. La música dispara desde el cine y se materializa también con una nueva colección de ropa unisex diseñada por ella misma. Inspiradas en las canciones del álbum, se exhibirán en la presentación oficial vía streaming en su “Espacio Audia Valdez” el viernes 23 de octubre.

a la vez de alerta, tratando de conectarme con mi interior, de estar presente y conectada con mis sentimientos profundos.

Ciertamente este disco es una foto sonora de este momento de mi vida, es un disco que siento muy íntimo y personal, porque lo hice en soledad en mi pequeño laboratorio musical.

Tiene cientos de horas de mi ser en cada detalle, cada sonido, cada palabra, está todo el amor “Desde el 2014 decidí unir mis que siento por el arte y por este facetas bajo este mismo nombre mundo que nos tocó vivir en para así poder canalizar mejor este momento. Hubiese sido la energía, y es algo que siempre un disco muy diferente si este hice, intentar ser coherente con tiempo hubiese sido otro, y eso mi obra en todos los rubros”, re- lo agradezco, en cierta forma salta la artista y sentencia: “Creo volví a conectarme con cosas que el mensaje es más potente que estaban lejos porque la de esa forma”. velocidad y alienación del mundo a mi alrededor me alejaban de ciertas cosas, cosas que está -¿Cómo fue grabar en los tiem- bueno volver a recordar, volver pos distópicos en que vivimos? a sentirlas.

-Estaba muy conmovida, y aún lo estoy, con lo que estamos -Ya el adelanto y luego muchos atravesando como humanidad, pasajes del disco nos dejan el entorno se impregnó mucho preguntando aquello de cuál en este disco, sobre todo en es la realidad, en qué lugar nos la parte sonora, los climas, los ponemos para mirarla. ¿Sos arreglos, la forma de cantarlo.

Necesitaba sentir esa sensación más de las preguntas que de las respuestas? que tiene el disco de calma y

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-Totalmente, ¡soy más de las preguntas que de las respuestas! Me gusta que mis letras generen preguntas, que pongan en relieve preguntas que no son tan cotidianas, preguntas que tienen que ver con la existencia, o cuestiones que tal vez dan una cierta incomodidad... ese es el tipo de arte que a mí me gusta: el que cuestiona o incomoda de alguna manera...

Audia Valdez en lo musical viaja mucho por lo urbano, lo electrónico, el ambient y un pop bien instrumental. Ella lo define como pop disidente. Así lo desarrolla ella: “Desde el principio cuando me hice solista, en el primer show sola me preguntaron qué tipo de música hacía y realmente no sabía cómo definirla, entonces dije que hacía música disidente. Tenía 17 años y a pesar de mi ingenuidad sabía perfectamente que era una freak total” (risas).

-Tu primer EP se llamó Trance Disidente.

-Claro. Me resulta difícil clasificar el estilo que hago, porque fusiono estilos, aunque siempre

AUDIA VALDEZ

están las programaciones y los teclados, me gusta la experimentación y la fluidez de los géneros musicales y del arte.

Lo de pop disidente es porque desde hace un tiempo tomé un poco las formas estilísticas del pop pero con líricas no edulcoradas como suelen ser las canciones pop, así que “disidente” es algo que me siento más libre, aunque este disco sería más bien “electrónica pop transforme”. ¡Me gusta inventar categorías inexistentes! (risas)

-Muy contentxs con la nominación del video y con la repercusión que está teniendo, es un festival que reúne propuestas muy interesantes de cine, fashion films, música y tecnología, así que estoy feliz de participar y tocar allí. Toqué un set especial para el festival, con versiones inéditas de mis temas desde mi laboratorio musical.

-Este nuevo trabajo ya te está dando alegrías extras como la selección de tu video en el BAIFF, ¿cómo lo viviste y qué nos podés contar de la experiencia?

-Estoy preparando un set súper tripero porque voy a presentar versiones inéditas del álbum y al mismo tiempo va a haber una performance especial para presentar la colección de prendas unisex que diseñé inspiradas

-¿Qué puede encontrarse uno en la presentación de tu nuevo disco el 23/10?

en las canciones del disco. Va a ser un show hipnótico, la puesta y el formato están influenciados en la estética de David Lynch.

-¿Cuáles son tus trozos de films favoritos?

-Ciertamente hay muchos trozos de films memorables. Hay una escena de “Carretera perdida” ( Lost highway de David Lynch ) que es muy bella: en un teatro vacío una mujer canta a capella una canción tan conmovedora que de solo recordarla se me eriza la piel. Otra escena genial es de la película “Despertando a la vida” (Richard Linklater), cuando uno de los personajes apaga y prende la luz para saber si está en un sueño o está despierto. www.elbondi.com

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ENTREVISTA

“A LOS HITS HAY QUE QUERERLOS Y CUIDARLOS” Bersuit Vergarabat festeja los veinte años de “Hijos del Culo” y es la excusa perfecta para debutar en esto del streaming. Más perfecta aún para charlar con el tecladista, compositor y fundador Juan Subirá. A través de las canciones del disco recorremos pasado, presente y futuro.

1) EL GORDO MOTONETA Hijos del Culo desemboca luego del éxito rotundo del apocalíptico Libertinaje (1998). Los hits y las denuncias sociales y políticas ya eran característica principal de una banda que claramente ya no podía parar.

“La herencia del menemismo fue tremenda, claramente terminó en estallido social, el gobierno de De La Rúa fue una especie de coda, la estiraron pero ya estaban todas las cartas echadas. Nosotros medio que lo veníamos advirtiendo, pero fue algo muy triste, un momento muy desesperante, crisis muy profunda, enfrentamientos, muertos, muy duro. Eso dejaron los diez años de neoliberalismo salvaje”.

Si el disco anterior había sido un escupitajo a todo lo que estaba pasando en el país, este flamante trabajo, mucho más introspectivo, nos desnudaría personajes que claramente pueden verse como la consecuencia de todo lo que se advirtió.

2) LA DEL TORO “En 1999 fuimos a España y nos encontramos con esa cosa medieval que es la corrida de toros, pese a que en algunas provincias ya está prohibido, en algunos lugares es culturalmente muy fuerte. Esa especie de circo romano en el que terminan matando al toro es algo muy doloroso y brutal. Intentamos un poco burlarnos de la situación,

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y como se decía que al toro le daban algunas medicinas para que esté más atontado, ¡no droguen más al toro, dróguenme a mí!”

-Tiene eso también de dar vuelta la tortilla, de cazar al cazador como decía el Bocha Sokol. ¿Sentís que hoy en día es imposible que la tortilla se vuelva?

-Cuando empezó la pandemia había voces que decían que podía pasar, siempre uno quiere querer que pueda pasar, pero todos sabemos el poder que tiene el capitalismo, que de alguna manera atesora a través de los años y de la historia. No se avizora en el corto plazo un cambio tajante, pero sí estaría bueno que lo que está pasando nos invite a reflexionar acerca de nuestra forma de vida. Seguramente habrá mucho para escribir y estudiar, no es gratis todo esto que está pasando.

3) EL VIEJO DE ARRIBA “Siempre hay un viejo de arriba, en cada casa, en cada lugar del mundo.

Puedo pensar en Trump, en Bolsonaro, o hasta en un vecino. Eso existe en todos lados. Una vez un amigo músico que tocó muchas veces con nosotros me contó que donde él vive tenía unos vecinos enfiestados a full casi todo los días, y en un momento no daba más y les fue a tocar el timbre para pedirles por favor que se calmen un poco y los pibes le pusieron “El viejo de arriba”.

Se quería matar, “¡me converti en el viejo de arriba!”, me decía (risas). Es muy fuerte”.

4) CANCIÓN DE JUAN -¿Recordás cual fue tu primera canción?

-Nos juntábamos en casa con Carlitos (Martín, baterista) y Pepe (Céspedes, bajista) a los 13 años. No teníamos ni instrumentos, solo una guitarra vieja con tres cuerdas que no sabíamos tocarla. Sin embargo empezamos a hacer canciones: una se llamaba “Espérame” que hablaba del tiempo, otra que trataba de un linyera (ya en esa época estaba presente mi obsesión con esta cuestión), y otra acerca del espacio. Después ya con instrumentos, conocimos un par de acordes y fue todo un poco más elaborado. Pero fue instintivo: no teníamos instrumentos, no sabíamos tocar, pero ya queríamos componer canciones. Normalmente arrancás y tocás algunos covers de canciones bien conocidas, simples, esas que sabemos todos, pero lo nuestro fue extraño, queríamos nuestros temas.

5) DESCONEXIÓN SIDERAL “¿Cómo hacer algo que valga la pena cuando se está solo? Es imposible.

Mañana por la noche me estrellaré contra la atmósfera de la Tierra”, reflexiona alejándose del sol el personaje principal de Caleidoscopio, el

BERSUIT VERGARABAT cuento de Ray Bradbury en el que se inspiró Subirá para esta canción. “Mi hijo menor está leyendo Crónicas Marcianas, siempre trato de inculcarle a los pibes que se metan con la literatura porque te abre la cabeza”.

-¿Sentís una influencia plena en la literatura a la hora de componer?

-Siempre estuvo, está y estará. Cuando empezamos a escribir letras de canciones, además de que no teníamos instrumentos como te decía, me di cuenta de que tampoco teníamos lenguaje, entonces empecé a leer mucho y me encantó.

Realmente me sorprendí, me revolví toda la biblioteca de casa, pedí muchos libros prestados y descubrí a Cortazar, Borges, Arlt, Girondo, entre tantos más. Fue para mí revolucionario, encontré otra manera de contar las historias.

6) PORTEÑO DE LEY “Tito (verenzuela, guitarra) logró hacer una perfecta síntesis de la porteñidad. El porteño tiene muchas cosas lindas y otras que los demás detestan, y a veces te das cuenta de que es con justa razón. El porteño tiene esos aires de superioridad, se cree muy piola y ganador. Tiene bajezas y cosas lindas también. Un ida y vuelta constante, y la música acompaña www.elbondi.com

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de forma estupenda esa forma de ser y decir”. Por favor, ¡me extraña araña!

Vos despreocupate, yo me ocupo de esto, ¡andá y fumá!

7) CARONCHA Tan íntima y sentida, tan personal y cruda es esta historia escrita por Gustavo Cordera acerca de un niño castigado brutalmente por su padre. Tan íntima y personal es la relación entre el excantante de la banda y Juan. “En los últimos años nos vimos poco pero continuamos la relación, para mí fue bueno poder retomar la relación, volver a hablar desde otro lugar, el lugar de amigos, de personas que no están juntas pero que hemos compartido muchas cosas, muchas situaciones de vida. Poder recuperar un poco de eso, aunque sea a la distancia, fue bueno”.

-¿Te imaginás en un futuro al lado de él en un escenario?

-De invitado puede pasar, creo que sí, de alguna manera se va a dar.

Después como Bersuit es un poco más difícil porque realmente los últimos años nos alejaron. Yo lo que le dije a Gustavo es que si realmente quería recuperar la relación con la banda iba a tener que hablar con cada uno de los integrantes, tomarse ese trabajo.

Apuro no hay, pero lo tiene que hacer él, todo depende de él. Yo creo que si tiene la voluntad de acercarse y recuperar la relación con sus ex compañeros en la parte humana, eso es muy importante. Lo demás se verá.

8) LA PETISITA CULONA Como tantas otras bandas de los ’80 y ’90, Bersuit tiene canciones que hoy en día ya no son tan bien vistas aunque en su momento hayan tenido su deleite general. “El contexto social condiciona la lectura y la forma de vivenciarla, y es correcto porque pone en tela de juicio la cuestión de mujer como objeto. En su esencia la canción es fiestera, graciosa y disfrutable. Lo que ocurre también con este tema, es que las chicas se subían al escenario a bailar y estaba buenísimo porque le daba carácter de fiesta a la canción.

Muy distinto para mí es el caso con “Hociquito de ratón”, aunque en su momento cuando se compuso era una canción libertaria. Si agarrás la letra

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ves que dice “censores moralista ya todo terminó”, estaba dirigida a esa gente, fue compuesta en los primeros años de democracia, ’83, ‘84, donde se recuperaban un montón de cosas luego de los años oscuros de dictadura. La canción incitaba a liberarse.

Con el tiempo fue acompañada con las chicas que subían y se ponían en tetas, y eso se hizo más importante que la canción, si eso no pasaba como que la canción ya no tenía sentido.

Entonces cuando volvimos dijimos que claramente ese tema no se podía tocar más”.

contábamos. Hoy por hoy, hace unos años ya que vivo cerca de la cancha de River, aprendí la lección (risas).

9) TOCO Y ME VOY

-¿Cómo es tu día a día en estos tiempos?

“El futbol es un pedazo de vida, de corazón. Vengo de una familia hincha de Racing, y a los 7 años le dije a mi papá que quería ser de River. Época jodida, muchos años sin salir campeón y en 1972 juega un triangular y le gana a Boca. Mirando ese partido con Beto Alonso, Pinino Más, Jota Jota López, dije quiero ser de River. Pierde la final con san Lorenzo y después sale campeón recién en el ‘75, pero había una escuela de futbol que me encantó.

Un amigo de mi papá me empezó a llevar a la cancha y fue alucinante”.

-¿Cómo fue para un fanático de River vivir en La Boca durante tantos años?

-El barrio siempre me gustó, tengo mucho cariño por el barrio y por la gente, fueron muchos años. Un día estaba en el Parque Lezama, había jugado boca y me empecé a cruzar con toda la gente que salía de la cancha y saltó uno que me reconoció y me saludó al grito de “¡vos sos hincha de River!”. Lo abracé y le dije que se calle porque me iban a matar. Otra vez, el día que Racing le ganó a Boca 6 a 4, mi hermano que es académico fue a la cancha con amigos y volvieron contentísimos. De repente uno salió al balcón con un calzoncillo de Racing, se agarraba los huevos gritando a los que pasaban y se empezó a juntar abajo un montón de gente que miraba para arriba, gritando que iban a buscar los fierros. “Chau, no salimos más de acá”. Me asomé y vi que entre los de abajo había algunos conocidos mío, de la murga de La Boca, así que empezaron unas largas y arduas negociaciones que por suerte llegaron a buen puerto porque si no creo que no la

10) LA VIDA BOBA “Es la contra de La vida loca”, decía Cordera allá a principios de milenio cuando el hit de Ricky Martin hacía estragos en todo el mundo. En el vivo, la banda muchas veces acompaña la canción con visuales y actuaciones que parodian y critican a la automatización, casi como un futuro (o presente) distópico. Y vaya si estamos viviendo una distopia en la actualidad.

-En casa estoy bien, es una casa bastante cómoda, en estos meses fue muy importante eso, que haya muchos espacios. Tenemos un cuartito con mis hijos con instrumentos y cada tanto nos ponernos a tocar. Empecé a trabajar con canciones viejas, a armar maquetas y pensar en hacer otro disco solista, en esta situación es casi como ideal. Así que lo llevo por ese lado productivo.

11) GRASÚN ¡A bailar el milongón! “El grasún que todos llevamos dentro. La canción es graciosa, divertida, dejamos fluir esa grasitud. El estribillo es toda una declaración de principios: “seré grasún, pero no soy grosero”. Bersuit tiene esa cosa foklórica que atraviesa a través de muchas canciones. La milonga y el tango están debajo de muchas, como así otros ritmos foklóricos”.

12) NEGRA MURGUERA Bersuit acumula muchísimos hits que se convirtieron en clásicos, pero uno de sus más grandes clásicos tiene la particularidad de que nunca fue corte de difusión. “Negra murguera” se metió en el corazón de todos sin la insistencia de las radios. “Fue muy atrevido hacerlo en aquel momento, todos sabíamos que era muy difícil, el propio Gustavo Santaolalla cuando lo fuimos a grabar advirtió que nunca había grabado una canción así, ¡y era Santaolalla! Le tenía respeto y a la vez un poco de temor. Fue un gran desafío y creo que salimos bien parados, lo

siento como un logro, es una gran historia, realmente lo quiero mucho a este tema”.

13) LA BOLSA Y hablando de éxitos, llegamos al gran hit del disco. Nacido en un asado en Córdoba, se tocó por primera vez en vivo esa misma noche, algo casi idéntico a lo que había pasado unos años antes con “Yo tomo”, otro hitazo de la banda. “Tiene una energía increíble, es muy auténtica, muy genuina, la esencia fue eso que pasó ahí en ese momento y ya está, eso es imbatible”.

-¿Cómo te llevás con los hits?

-A los hits hay que quererlos y cuidarlos. A veces uno despotrica, o se pelea con ellos, porque los piden siempre y siempre tienen que estar. Pero por algo tienen esa magia, que uno ni sabe por qué la tienen, pero la tienen.

Me parece que las bandas no se

pueden pelear con lo que genera su música porque es parte de su esencia, yo aprendí eso con los años. Si la gente se enamoró de una canción hay que ser agradecido y tocarla.

14) VENENO DE HUMANIDAD La oscuridad y la luz. La introspección como cualidad primaria. La pluma de Subirá se puede ejemplificar perfectamente en esta canción, un germen junto a muchas otras de lo que luego fue su solista Fisura Expuesta (2008) y que, como nos cuenta, ya tiene cimientos para un sucesor. “Tengo muchos temas, inclusive los que nunca vieron la luz, que tienen esa esencia más oscura. Son temas que siempre me movilizaron, siempre intenté que si esos sentimientos nacen, que fluyan y se puedan plasmar en una letra.

Veneno habla del encierro, del ahogo, de no encontrar salidas en situaciones de la vida. Muy para esta época, ¿no?

Aprender a vivir con esas situaciones

nos hace crecer”.

15) ES IMPORTANTE

El sábado 10 de octubre a las 22 Bersuit Vergarabat festeja los veinte años de Hijos del Culo vía streaming y la cita ya está sobre la mesa. Es un buen remedio para sobrellevar estos tiempos. Pero es importante que regrese el carnaval. “Encontrarnos, abrazarnos, reírnos, sentir las vibraciones de la música y de la vida. Pero todos entendemos la situación y sabemos lo complejo que es. El deseo está y sería muy importante que urgentemente podamos volver a festejar”.

Cronista: Sergio Visciglia Fotos: Gentileza Prensa 04 de Octubre www.elbondi.com

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ENTREVISTA

“ESTOY EN LA BÚSQUEDA CONSTANTE” La cantante cordobesa editó nuevo single y el 10 de octubre ofrece un streaming en vivo gratis desde el Teatro Ciudad de las Artes de Córdoba.

Cronista: Sergio Visciglia Fotos: Gentileza Prensa 06 de Octubre

2019, un festival y un siniestro fueron el germen para una nueva canción para Rudy junto a la banda Las Diferencias, “Blues #6346”, nacida en tiempos de cuarentena. Ese mismo año, otro festival, otro germen, otra canción nacida en cuarentena, en este caso junto a Mariana Päraway y su nombre es “Canción inútil”.

“Soy bastante cholula, debo admitirlo”, reconoce la artista entre risas ante la coincidencia de festivales, nuevas amistades y nuevas canciones.

“Me gusta mucho conocer a músiques que admiro. Incluso me gusta ir como espectadora al Cosquin Rock, festival en el que jamás estuvimos programados, y conocer a Sol Bassa una gran colega y quedarnos horas en su camarín compartiendo. Los festivales nos daban esa chance, no me sucedió lo mismo con los 44

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que son vía streaming ya que nos falta el contacto humano cara a cara, hay menos camaradería y tienen otra lógica.

Sin dudas esperamos tocar en muchos más festivales lo antes que se pueda”.

-¿Cómo se fue gestando esta nueva canción? ¿Cómo convivís con estos tiempos de hacer todo a distancia, tanto audio como video?

-“Canción inútil” es una canción que salió una noche toda de corrido. Me acosté a dormir y al otro día me levanté y… ¡seguía funcionando! No le di muchas vueltas y decidí que quería grabarla allá por febrero. Invitar a Mariana fue un gusto personal que me di y hacerlo a distancia es una posibilidad que viene contemplada al invitar a alguien de otra provincia. Por supuesto que el plan era viajar a Men-

doza a hacer el video, lo cual no se pudo, pero siento que la experiencia de hacer todo a distancia termina dándonos muchas libertades.

-En otra nota decías que te gusta aprender constantemente y no quedarte en la zona de confort, este tema ofrece una veta tuya más ligada a la canción, ¿te gusta ir explorando diferentes estilos según lo que pida la canción?

-Sin dudas. El asunto con los estilos es que uno siempre escribe cosas inspiradas en lo que escucha. Entonces tampoco es que voy a salir de un día para el otro con una chacarera porque no es lo que consumo. Estuve todo enero y febrero matándome con Neil Young y puedo ver cómo eso influyó en mi canción. De hecho, quería hacer una can-

RUDY

ción como “Harvest Moon” y es lo más próximo que pude llegar. Seguramente habrá nuevos intentos.

-¿Qué nos podés contar de lo que veremos en el show del 10 de octubre?

-Estamos planeando un show de casi una hora sin parar, con temas de nuestros tres discos: El reino, Corredora del desierto y el tercero que saldrá el año que viene, aún sin nombre.

También vamos a tocar por primera vez en vivo los dos singles que sacamos este año: “Blues #6436” y “Canción inútil”. Estamos contentos, ensayando mucho, con expectativas, ya que será el único show del año con banda completa, en un lugar tan hermoso como es el Teatro Ciudad de las Artes. Pero tengo un gran equipo que me ayuda a producir y a que todo esté bien así que vamos con todo.

-¿Cómo es tu día a día con la música en estos tiempos tan extraños?

-Actualmente estamos ensayando mucho para el vivo, sacándole la tela de araña a los temas más viejos y tratando de que convivan con los más nuevos. Estoy tomando un taller de composición de canciones junto a Santi Moraes. Siento que me mantiene en acción y al pie del cañón para no perder el vicio compositivo. Trato de tocar más el piano, la guitarra me está dando algunas limitaciones. Estoy en la búsqueda constante, encontrando algunas cosas interesantes en el camino. www.elbondi.com

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ENTREVISTA

“EL DESAFÍO ES SEGUIR CREANDO MÚSICA Y SEGUIR LO QUE NOS DICTA LA INTUICIÓN” Insobrio fue nominado a los Premios Gardel 2020 en la categoría “Mejor Álbum de Rock Pesado” por su disco “De Negro”,y siguen bien activos en este año tan especial.

Cronista: Nahuel Perez Fotos: Gentileza Prensa 12 de Octubre

Habiendo compartido escenario con bandas como Aerosmith, Slayer, Linkin Park, Limp Bizkit, Whitesnake, Buckcherry, Cavalera Conspiracy, Soulfly y Michael Schenker -la lista se agrandará con el futuro show con Metallica y Greeta Van Fleet en diciembre que aún sigue en pie-, la banda Insobrio recibió una nominación en los recientes Premios Gardel 2020. Tanto reconocimiento de parte de sus colegas y la industria musical nacional llega en un momento muy especial para este quinteto nacido en 2007. Revista El Bondi aprovechó el momento y conversó con Agustín Guevara, cantante del grupo, acerca de este gran momento que están viviendo, a pesar de la pandemia, de las decisiones estéticas detrás del flamante disco, y sus planes para lo que resta de este 2020.

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-¿Qué significa para la banda recibir esta nominación por un disco que marca un cambio en el sonido?

-Es muy lindo y reconfortante, los cambios que precedieron a la salida del disco fueron largos y profundos, sentimos que fue un proceso que salió a la luz con “De Negro”, que aún estamos desarrollando, y terminará de consolidarse con los próximos discos. Ser reconocidos por colegas y por la cámara es un premio en sí mismo.

-¿Cómo decidieron pasar de letras en inglés a un disco plenamente en español?

-Sentíamos que necesitábamos dar ese paso para no tener esa sensación de que estábamos lejos de lo que proponíamos y queríamos a nivel artístico. Así como en su momento para mí fue fácil y natural escribir en inglés, hoy me siento muy a gusto escribiendo en mi idioma nativo,

también recibiendo muy buenos comentarios lo cual nos demuestra que la decisión fue acertada.

-Han compartido escenario con grandes bandas internacionales ¿cuál fue el recital que más recuerdan y por qué?

-En lo personal tengo dos.

El primero que tocamos con Max Cavalera y Cavalera Conspiracy por lo que significa Sepultura y Max en mi vida, el norte que marcó una banda saliendo de Brasil al mundo y estando a la altura de las grandes ligas. El otro fue el show con Limp Bizkit en Luna Park por lo que significó tocar con ese lugar lleno y el recibimiento del público. Ambos shows están muy presentes aún en mi corazón por la emoción que resultó tocar ahí con esos grandes artistas y frente a su público.

INSOBRIO -En una nota para Diario Popular, publicada el 11 de diciembre de 2019, explicaban que “De negro” representaba no solo un cambio de etapa, sino la concreción de desafíos y un duelo para la banda. ¿Qué nuevos desafíos esperan enfrentar en esta nueva etapa?

-En este momento sobrevivir a esta pandemia y poder seguir conectado con el público ya es un desafío para todos los que hacemos música, pero yendo a la pregunta el desafío es seguir creando música siguiendo lo que nos dicta la intuición y nuestras ganas sin dejarnos influenciar tanto por el entorno o lo que se espera de nosotros.

-En circunstancias normales, una banda tendía en mente su próximo disco o salir a mostrar el material. ¿Qué tienen en mente ustedes para lo que queda de 2020, además del show que van a telonear a Metallica y Greta Van Fleet en diciembre?

-Ojalá podamos salir de esta pandemia que nos golpea a todos, ese es el primer deseo. Nosotros estamos trabajando en unas sesiones en vivo grabadas a la distancia, estamos armando un show para salir por streaming y una sesión para celebrar los trece años de la banda, además de lo que será nuestro próximo disco. Así que con muchos planes y expectativas. La música nos acompaña y nos guía, veremos dónde nos lleva.

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ESTEBAN MARTÍNEZ 48

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ENTREVISTA

EL BIG BANG DE ESTEBAN MARTÍNEZ

Esteban Martínez tiene nuevo álbum “Big Bang” y se presenta este viernes 30 en vivo por streaming.

Cronista: Milagros Carnevale Fotos: Gentileza Prensa 25 de Octubre

Esteban Martínez es cantante, guitarrista, compositor y productor musical. En Big Bang, su disco debut como solista, conviven varios géneros, como el groove y el soul, en pos de transitar el camino de la experimentación en el área del rock latino de autor.

-¿Cómo empezaste a hacer música?

-Empecé a tener una relación especial y personal con la música desde muy chico y me parece que en esto de “hacer canciones” una cosa fue llevando a la otra. Probablemente porque soy hijo único, al no haber otro ser humano para compartir juego, de un momento para el otro, a los 5 o 6 años aproximadamente me hice fan de escuchar la radio.

En ese momento el programa que estaba de moda era “Los 40 principales” de Fm Hit. La programación de la radio empezó a transformarse en mi primer repertorio de alguna manera, me sabía todas las canciones. Al cantarme los 40 principales de

punta a punta me encontré con cierta disponibilidad de mi voz como instrumento y como juego a la vez. Además, siempre fui muy enamoradizo e interpretando las canciones de amor en la intimidad de mi casa encontraba, de alguna manera, la forma de desahogarme y expresar lo que sentía. El mundo se me revolucionó cuando entrando en la adolescencia, año 93/94, descubrí MTV. Esto que me pasaba con la radio, me empezó a pasar ahora con la programación de ese canal. Hoy por hoy es más de televisión basura, pero en ese momento (y sobre todo para mi que era un niño y que estaba de algún modo incorporando todo lo que se me presentaba) MTV era la puerta de entrada a un montón de contenidos que en ese momento me resultaban novedosos y a la vez sexys, medio contraculturales con respecto a lo que yo estaba acostumbrado, ideal para un adolescente. La música que ya me alucinaba de antes sumada a la estética de los videoclips era algo que me resultaba

hipnótico. También desde los 8 años de edad más o menos que estudiaba inglés, entonces el idioma no era un impedimento para hurgar en las letras de las canciones y tratar de entender que quería decir Kurt Cobain cantando esas canciones, del modo que las cantaba. Cobain ya estaba muerto para cuando llegué a Nirvana pero me convertí en fan de todos modos. Es una de las pocas bandas de las cuales tengo todos los discos oficiales, más alguna que otra rareza rescatada de la feria de discos del Parque Rivadavia. Yo era totalmente consciente de que mis gustos musicales tenían poco que ver con los gustos musicales de la mayoría de mis compañeros y compañeras con los que compartía la primaria.

En ese momento me pude identificar más con la música que escuchaba en mi intimidad que con el mundo a mi alrededor. En ese entonces también empezó a sonar mucho “Wonderwall” de Oasis y “Creep” de Radiohead.

Todo bastante guitarrístico, los 90 a pleno. Así que después de www.elbondi.com

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aprenderme todas las canciones de Cobain, tratar de cantar como Liam Gallagher y Thom Yorke me empecé a dar cuenta de que yo quería hacer mis propias canciones también y así ya con 13 años me llegó mi primera guitarra eléctrica.

-En tu descripción de Spotify dice que tus sonidos proponen renovar el rock latino de autor. ¿Qué significado adquiere Latinoamérica en tu música?

-Como te contaba antes, al estudiar inglés desde los 8 años, y al escuchar tanta música en ese idioma hubo algo de eso que se me quedó impregnado. Cuando empecé a “componer”, para mí era totalmente normal escribir la mitad de las canciones en inglés y el resto en castellano.

Todo esto reforzado además porque ya con 14/15 años vivía en San Telmo y el mítico Cemento me quedaba a 4 o 5 cuadras de casa. Cemento empezó a ser como mi segunda casa, sobre todo por los shows que daban ahí Nekro con su banda de aquel momento: Fun People.Y Nekro cantaba también en ese momento todo mitad en inglés, mitad en castellano. Eran los 90, el 1 a 1, MTV, ponele lo que vos quieras, yo era muy chico todavía para darme cuenta de todo eso, pero había una fuerza extranjerizante muy fuerte de nuestra propia cultura. El tango y el folklore no existían para mi, me quedaba muy lejos esa música, no sabía apreciarla. Así fue que en el año 2002 empecé a colaborar con Martin Van, un guitarrista y productor musical oriundo de Tandil que vivía en Buenos Aires en ese momento.

Martin había oficiado de productor e ingeniero de un demo 50

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que yo había grabado en su estudio con mi primera banda que se llamaba Mosh y se ve que algo de lo que pasó ahí le gustó y me convocó como cantante para la grabación de un disco.

Así, en 2005 editamos de forma independiente un disco que se llamó Orquest. Ese álbum fue grabado con todo lo que teníamos al alcance en ese momento, lo mezclamos en el estudio El Pie y lo masterizó Eduardo Bergallo, un referente total del audio en Argentina. Esa fue mi primera producción profesional se podría decir.

Una de las particularidades de ese disco es que todas las canciones fueron escritas y cantadas en inglés. Hubo un momento en la pre-producción de ese material que se tomó esa decisión. Había un consenso general en el grupo de que gustaba más como sonaba la banda en inglés. Yo tengo una pronunciación bastante aceptable, asi es que al escuchar el disco no parecía en absoluto una banda argentina, latinoamericana. Las influencias de ese momento eran más bien Stone Temple Pilots, Pearl Jam, Deftones, Incubus, etc. Creo que existía en el grupo un pensamiento más bien ingenuo y aspiracional de que al generar un material de calidad cantado en inglés, eso nos iba a convertir automáticamente en artistas internacionales. El chiste es que mi madre por ese entonces escapando de lo que fue el 2001 en Argentina se había ido a vivir a Toronto, Canadá. Y se había casado con un argentino que residía allá, baterista él, y que tenía algún que otro contacto con gente que trabajaba en la industria de la música. Asi fue que en 2004

viajé por primera vez a Toronto con el disco entero cantado en inglés, todavía sin editar, y logré tener una reunión con un tipo que era dueño de una de las cadenas más importantes de instrumentos musicales y que también era productor de bandas. Me dijo algo así, todo en inglés obviamente: “Todo bien con tu banda, suena muy bien el disco. Pero acá yo tengo 8 millones de bandas que suenan igual. No sé porque tendría que ir a Argentina a buscar algo que puedo conseguir acá muy fácilmente. Si vos sos argentino y de Latinoamérica hay algo de eso que tu música tiene que reflejar, sino no tiene ningún diferencial tu proyecto con cualquiera de los que ya tengo acá”. Eso, que en un principio fue como una cachetada, luego lo tomé como una enseñanza.

A partir de esa experiencia, paulatinamente dejé de componer en inglés. En ese momento empecé a entender que toda música tiene un correlato territorial, cultural e histórico.

En ese momento empecé a entender de un modo más cabal la tergiversación cultural de la cual de alguna manera todos somos parte de alguna u otra manera y a intentar marcar algunos límites en cuanto a mi propia producción. Desde ese momento escribir en español para mi es de alguna manera un acto de reivindicación y de resistencia.

El día que entreguemos definitivamente nuestro idioma no deberíamos llamarnos más Argentina, se le tendría que poner otro nombre a este suelo.

Por otro lado, hay algo con el idioma nativo que es irremplazable. Hoy, cuando una letra en

español se complementa perfectamente con la música me produce algo muchísimo más profundo que algo cantado en inglés. Y tampoco es español de España o de Centroamérica, hablo de mí, de nosotros o de vos, pero nunca de tú. Eso remite directamente a cómo hablamos en Buenos Aires. Desde lo musical, este es un disco bastante rockero, creo que rinde honor a todas las influencias que fui recogiendo a lo largo del tiempo.

-El amor es el tema base de varias discografías en la actualidad, ¿por qué lo elegiste?

-Amplío un poco lo que de alguna manera propone la pregunta: El amor es el tema base de varias discografías, filmografías, performances, y todo tipo de arte de la actualidad, del pasado y del futuro porque el amor es uno de los grandes temas ineludibles y sin respuesta que tenemos en esta existencia efímera.

La vida, la muerte, el tiempo y el amor creo que son los grandes misterios de los cuales nunca vamos a poder librarnos del todo. Las canciones no escapan a la tradición del relato oral, siempre son historias que reflejan algún matiz de estos grandes temas. En este sentido, como sucede en la vida, uno no elige bien cuándo es el momento adecuado para enamorarse.

Simplemente (y complejamente) sucede.

Siento que tampoco se elige mucho cuando una canción es de amor o de desamor, uno puede tomar la decisión de no abordar el tema, así como puede tratar de tomar la decisión de intentar no en-

amorarse nunca más, con las dificultades que eso conlleva también. A lo largo del disco, el amor y estos grandes temas están presentes todo el tiempo, incluso, por lo general, se mezclan en una misma canción.

Me interesa el amor porque me parece una fuerza muy potente.

Las veces que me he enamorado o “enganchado” con alguien siempre fue una emoción que me pasó literalmente por arriba.

Ese desborde emocional de éxtasis o de tristeza que provoca el amor es un material muy digno para escribir canciones, hacer catarsis, sacarlas de uno y transformarlas en algo estético, algo artístico. Incluso con el potencial de que alguien más la tome para sí y quizás deje de ser exclusivamente MI canción de amor.

algo de eso. También me parece importante, corriéndome del lugar de compositor y viéndolo más desde el rol de productor: hacer una canción de amor puede parecer “sencillo” a priori, pero que esté buena es todo un desafío.

-¿A dónde querés ir con Big Bang cuando termine la pandemia y podamos volver a los recitales?

-En principio, si todo va bien, el próximo 30 de Octubre vamos a estar participando de un festival vía streaming con los amigos de https://nacionstream.cl Y cuando termine la pandemia, esperando que eso suceda más o menos rápidamente, me gustaría mucho llevar a cabo los conciertos que teníamos -¿Qué plus pensás que propone programados antes de que empiece la cuarentena. Íbamos tu disco en cuanto al tema del a tocar en la Jam Club del Konex amor? y estábamos hablando con el -Es difícil de saberlo. Me parece CC Matienzo para organizar un que el eje del disco es más lo show más fiesta. Hay demasiaexistencial y desde ese lugar da incertidumbre ahora como tomo al amor como algo muy para proyectar largo. Ojalá relevante dentro la existencia. volvamos a algo parecido a la No lo pensé de antemano, como “normalidad”, ojalá se puedan si lo hizo la genia de Rosalía, cambiar algunas cosas para que pero dentro del disco es como si la realidad no sea tan desigual. se desarrollara paralelamente la En lo que a mí respecta, estoy línea de tiempo de una historia dispuesto a ir adonde la música de amor. De todos modos, como me lleve. Creo que los recitales compositor, soy totalmente en vivo, así como leer un buen consciente acerca del hecho de libro en papel o ver una buena que hacer canciones de amor es peli en el cine, va a seguir siencomo un gran lugar común en la do irremplazable. música popular y por eso suele ser bastante menospreciado y denostado de antemano. En lo que a mi respecta, tengo muchas canciones de amor que me sé de principio a fin y me encanta cantarlas. Mi abuela cantaba boleros hermosamente y con mucho sentimiento, quizás haya www.elbondi.com

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ENTREVISTA

“LO VERDADERAMENTE REVOLUCIONARIO ES PONER EL CUERPO” “Existo”, la nueva canción de la mendocina, llega luego de “Me gusta”, para continuar un camino más electrónico por el que transita en esta nueva etapa musical, con la universalidad y el eclecticismo de siempre.

Cronista: Sergio Visciglia Fotos: Barbi Sardi 31 de Octubre

En un presente en el que festejó su cumpleaños con un show vía streaming desde El Galpón de Guevara, Sol Pereyra lanzó un nuevo corte, “Existo”, gestado a distancia como también sucedió con su anterior canción “Me gusta”. “Teníamos muchas ganas de tocar y se armó un gran equipo de trabajo”, resalta la cantante refiriéndose al vivo del que destaca que se construyó perfectamente lo que querían transmitir.

Con respecto a esta modalidad casi obligada de trabajo a distancia, advierte que era un plan que ya estaba en mente desde antes de comienzos de la pandemia y que ya había probado esa fórmula. “Junto a un trío de República Dominicana hicimos una producción en conjunto 52

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que funcionó muy bien, trabajamos en ciertos procesos con las chicas que armamos la canción, el master se hizo en México y la mezcla en España”.

-¿Facilita el concepto musical más electrónico que le estás dando a estas canciones?

Sí, estoy metida en un concepto de música más electrónico, entonces eso hace más fácil ese feedback con el productor, David Baluetau que es de Francia, porque yo le mando una idea de la canción más guitarreada, en formato fogón, y él la transforma y propone desde la producción el sonido que estábamos buscando para este disco, mucho más cercano a la electrónica, al world beat, al electro pop. Como te decía, es todo por

un criterio artístico y no por la pandemia. Y la idea también de que los instrumentos que hay tocados por distintas personas sean de todas partes del mundo es para tener esos colores variados en el sonido. Entonces grabó un hiphopero súper respetado de Guatemala, unas marimbas de Nicaragua, percusiones de Suecia. Realmente la música ha viajado. No viajamos nosotros pero sí la música.

-Tu música siempre tuvo ese concepto internacional, de sentir distintos pedacitos de tierras en tus canciones.

-Es un chip que me sale natural.

Por un lado siempre escuché música muy variada, y bueno, también el hecho de que nací en Mendoza, después me fui a

SOL PEREYRA

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-A mí me sale ahora decir desde otro lugar. Cuando me he sentado a escribir no me conectaba tanto con esa cosa irónica, ponía la lucha, la protesta desde otro lugar. Lo sentía más orgánico y más real, lo otro ya lo dije muchas veces de otra forma, sentía también el desafío de cambiarlo porque muchas veces si no eso se agota. El humor ya -¿Cómo son estos tiempos para estuvo, justamente si tomamos alguien que viaja tanto? como ejemplo alguien que hace humor, el gag ya lo hiciste tres -Se puso rudo, es difícil, pero veces, hay que cambiarlo si no le he buscado todo el tiempo pierde sentido. Si no siento que la vuelta. Esta decisión de que uno empieza a ser esclavo de su quienes grabaron sean de dispropio estereotipo y yo a eso le tintos lugares es como que me trajeron eso, hizo que me trajer- huyo. Hay algunos artistas que sabés que siempre te van a dar an sus lugarcitos, el viaje está, lo mismo, a mi no me gusta que siento que está en la música, siempre piensen que les voy a ella me hizo viajar. dar lo mismo. ¡Igual se viene Sol Pereyra tiene en su disalgo de ese estilo medio irónico cografía un estilo lírico que para diciembre! Es como los ha coqueteado mucho con la principios, siempre hay un tema ironía, ya desde su etapa en la en mis discos que va por ahí, banda Los Cocineros. Las dos de decir quién soy, dónde estoy canciones de este año viajan por parada en ese momento. otros rumbos, más introspectivas, con “Me gusta” mostrando -Alguna vez dijiste que “bailar un toque de optimismo y “Exis- es un acto revolucionario”, una to” más una declaración de prin- frase que me quedó muy grabacipios, muy presente también en da. sus canciones. “Siento que a la -Siento que a veces muchas cohora de escribir son muchas las sas se quedan en el acto discurcosas que vienen atravesando. sivo. He sentido, sobre todo en En este disco y en el anterior me este momento, que las luchas pasó que el humor se corrió un incluso se pusieron de moda, poco de lugar, tenía una necesi- las tomaron ciertas marcas si dad de decir desde otro lado, se quiere, y así las transforman naturalmente, más introspectien algo políticamente correcto. vo. Incluso en esta cosa optimis- Para mí ahí pierden un poco de ta de ‘Me gusta’ era una necesi- valor y lo verdaderamente revdad de buscar adentro, conectar olucionario es poner el cuerpo, con cosas muy simples que me no solo la palabra. Porque la hagan bien, que me conecten palabra la vas a defender y se va con sensaciones”. a tornar real si después le ponés Córdoba, luego a México, ahora vivo en Buenos Aires. Sumado a eso las giras siempre me mantuvieron en movimiento, algo hay de eso, de estar en contacto todo el tiempo con diferentes idiosincrasias, cada lugar tiene lo suyo y eso ha sido muy fuerte como aprendizaje y en cómo se ha impregnado en lo que hago.

-Ahí queda entonces un poco de lado lo irónico.

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el cuerpo. Para mí, el animarnos con el cuerpo, por ejemplo en el baile que es algo que des-

contractura, que en los hombre siempre ha sido “las que bailan son las mujeres”, que cómo bailamos, que si mostrás el culo, toda esa cosa que hay detrás de poner el cuerpo en algo tan simple como es bailar y a veces nosotros como blanco lo tenemos como lejano, me parece que nos moviliza y es un buen punto de partida.

-Aquello de que las marcas toman las luchas y las vuelven producto, ¿lo ves hoy en el feminismo?

-Sí, por supuesto. Por eso más que nunca hay que tratar de estar un pasito delante de eso, o por lo menos ser conscientes de que sucede, para que no terminen acaparando la lucha desde ahí sino que realmente sea algo genuino. Hay que seguirlo construyendo, escuchar a todas las mujeres disidentes y construir desde ese lugar y no desde lo que propone el mercado de cómo nos tenemos que uniformar.

En 2014 la cantante editó su tercer trabajo solista Tirame Agua, que contenía la canción “Nadie te preguntó”, dueña de un pegadizo estribillo que complementa unas estrofas cargadas de contenido y de lucha ante las constantes sugerencias/órdenes que recibimos acerca de qué es lo mejor para nuestras vidas.

Hasta ahí, una gran canción más de Sol Pereyra, pero desde hace un tiempo su estribillo se volvió ultra viral cuando a un pibe se le ocurrió volverlo meme junto a una ranita bien divertida y todo explotó. “Me resultó muy divertido y honesto, y como sucede en las viralizaciones parte de gente común y corriente que no

-¿Lo llevás un poco también al ambiente de la música?

-Todo el tiempo, ¡básicamente es por uno de los motivos que salió! Siempre hay gente para dar cursos y para decir qué y cómo hacer para que tengas éxito en lo que hagas, en la música o lo que fuera. Para mí es un “por favor, déjenme construir mi camino”.

-Y tiene de bueno eso, que cada uno lo puedo utilizar en su propio micromundo.

-Sí. Me gusta también que descontractura con humor. La gente usa eso y con el humor destraba una situación tensa, a veces realmente uno no tiene ganas de escuchar ciertas cosas, me he dado cuenta de que mucha gente ha usado esa ranita. Yo por supuesto pedí que me la pasen, tengo el meme en mi teléfono. sabe lo que va a pasar luego. Esto lo hizo un chico de Ciudad Juárez, Hace poco me la aplicaron a todo el mundo me lo empezaba a contar, es un adolescente que mí también (risas), me divierte seguramente su gente, su círculo más cercano están orgullosos de como distiende. eso, de que haya puesto una rana a bailar justamente con ese estri-Hace poco subiste una foto a billo y hacer con eso una especie de caricatura”.

Instagram contando que el mar -¡Él fue el culpable de todo! te inspira mucho a la hora de componer. ¿Qué otros lugares -Después unos youtubers de Córdoba a los que también les iba re te inspiran? bien lo agarraron e hicieron su video que se viralizó en YouTube.

Fue hermoso lo que pasó, me divierte mucho, yo empecé a jugar -Es muy loco porque se concon la rana como algo que era propio y me encanta que a la gente trapone lo que voy a decir. de muchas edades les gusta esta canción. Hay algo fuerte en los Por un lado siento que en el adolescente que me firman el video diciendo que usan la canción mar decanta todo, pero me da para defenderse de la gente que los trata mal, y a me encanta que mucho la locura de la ciudad, el sea un anti bullying la canción. trasporte público es entrar a un cine personal. Me subo y emp-Es una frase de hecho que nació desde tu niñez, tu adolescencia, iezo a disparar para todos lados, ¿no? siento que filmo con los ojos -Sí, se ve que siempre me molestaba lo mismo, la gente que habla y situaciones y eso siempre se trasforma en algo, es uno de mis habla pero pasa poco, o la que te dice todo el tiempo lo que tenés mayores disparadores. Lo que que hacer y cómo tenés que hacerlo. La aplicaba de chiquita pero no me imaginaba que la iba a transforman en una canción y le iba a pasa es que aturde la ciudad, ahí el espacio de estar en el mar, ir tan bien en la vida (risas). el efecto de hipnosis que provoca y la calma, hace que las cosas www.elbondi.com

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puedan aparecer desde otro lado.

Las primeras herramientas con la música de Sol Pereyra se desarrollaron con la banda cordobesa Los Cocineros, nacidos a principios de milenio, con mucho eclecticismo musical y una lírica contestataria y divertida. “Me quedan recuerdos hermosos, éramos recontra irreverentes, ingenuos y eso de alguna manera nos hacía ir para adelante sin dudar nada. Espero tener ese espíritu ahora aunque sea en un porcentaje muy menor. Fue un motor increíble, la experiencia perfecta para luego salir a andar la música profesionalmente, fue mi escuela. Aprendimos a tocar tocando, incluso en los primeros discos había errores y los dejábamos, ¿para que lo íbamos a corregir si nosotros tocábamos así? ¡Éramos eso!”

-Y ahí entonces se metió en el camino de Julieta Venegas, desde aquel MTV Unplugged.

-Eso estuvo bueno, fue un contrapunto con la época de Cocineros. Era una B, una C, y de repente me pongo a jugar en la A, y ¡guau! Era otro ritmo, otras experiencias, cantidades enormes de público.

No era capitana de proyecto, seguía a Julieta y buenísimo que sea una mujer, eso para mí era muy fuerte como imagen. Una experiencia súper enriquecedora, viajamos un montón, aprendí de técnica, aprendí a cómo moverme en otro tipo de escenario, me dio un entrenamiento intensivo. Juntando la experiencia esta con la de Cocineros yo de alguna manera metí ese caudal en lo que iba siendo mi proyecto en paralelo como solista que arrancó cuando empecé a tocar con Julieta.

-Tu comienzo y desarrollo solista con cuatro discos no se dio en tu tierra.

-Como justamente empezaba en una etapa nueva, podía tener tranquilamente otra nacionalidad.

De alguna manera mi proyecto es de nacimiento mexicano, sus primeros pasos los dio allá, se formó dentro de ese ecosistema musical y cultural, y se nota. Mucha gente durante mucho tiempo decía que era un proyecto de México, estaba más asociado con México que con Argentina, por eso un poco regresé, tenía necesidad de arraigarlo acá, que tenga también esta presencia. Los productores de allá me abrieron las puertas, me lleve muy bien con ellos, tuve una banda muy firme, hubo músicos que estuvieron conmigo nueve años, algo que suele no pasar tanto en un proyecto solista. Por eso, si bien ahora estoy acá, no puedo ni quiero sacar un pie de allá, mi proyecto le pertenece también a México.

-Luego llegó el disco Resisto, ya completamente argentino.

-Sí, es made in argentina total. Estaba recién llegando e impregnada de nuevas cosas, instalándome en Buenos Aires. Pasan cosas parecidas pero de manera diferente que en México, cada uno tiene su tiempo, con el movimiento feminista por ejemplo y con todo en general.

-¿Cómo ves al movimiento feminista en México?

-Siento que Argentina es como una punta de lanza, pero México también tiene el movimiento muy fuerte, van a su tiempo porque también tiene una idiosincrasia distinta y hay otras realidades. Por ahí tiene grandes niveles de pobreza y hay mucha población indígena. En Argentina el feminismo está muy arraigado a un sector que es más de clase media, México es tan grande que tiene muchas realidades diferentes y por ahí también está pero no hace eco todavía en otros lugares, o por lo menos lo hace de distintas manera a como lo elabora el feminismo de la clase media.

-¿Tuviste oportunidad de verlo en los países que viajaste por Latinoamérica?

-He tenido una mirada más superficial, de seguirlo por redes, o he ido a tocar y estuve dos o tres días, por lo que se me hace difícil generar un análisis. Pero sí me ha llamado la atención ver los pañuelos verdes que antes no estaban, que alguien se acerque para hacer alguna referencia a temas míos que hablan de eso y que les llega por eso, cosa que antes no sucedía. Entonces sí, definitivamente está latiendo en todos lados.

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COBERTURA

LOS TABALEROS

UNA PEÑA VIRTUAL

El viernes a la noche, el septeto dio su segundo recital vía streaming.

El show incluyó trivias, sorteos, PNT’s, barbas largas, y mucho folklore.

Como si hubiese reinventado el formato late night, en donde los músicos son los protagonistas y anfitriones a la vez, el septeto presentó su show titulado Tabaleros Para Todo El Mundo. Incluso, una trivia invitó a los ¿televidentes? (raro, aunque aceptable término por estos tiempos para alguien que “asiste” a un recital) a adivinar datos sobre el origen de la banda, ocupando el tiempo que, en otros momentos, hubiese tenido una banda soporte.

A las 21.30 horas, el grupo de folklore comandado por los hermanos José María y Beto Martínez dio su segundo recital vía streaming, con distanciamiento social y libre de COVID-19. Con un repertorio que apuntó solo a los discos Lolita (2012) y Chuy! (2019); “Latas Vacías” -de éste último- fue la primera de una lista de, casi, 20 canciones.

“No tengas miedo” y “Niebla Rosada” viajaron entre el pasado y presente de la banda. Una original reversión del clásico de Atahualpa Yupanqui “El Arriero”, tuvo un comienzo lento hasta que acrecentó los bpm y culminó con aplausos grabados. Haciendo intervalos entre las canciones, los músicos pasaron a un atril, en donde, alcohol en gel de por medio, promocionaron varias marcas de bebidas alcohólicas y jugaron a hacer coctelería.

También aprovecharon para hacer publicidad no tradicional 58

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(PNT’s) a sus camisas, sorteos por merchandising de la banda y tirar varios pasos de comedia.

Los saltos temporales entre Lolita y Chuy! continuaron hasta el final del show y, en ese momento, avisaron que su disco en vivo “Una Noche en el Paraíso” (grabado en la Ciudad Cultural Konex en diciembre del año pasado) tardará un poco más en ver la luz.

La ternura de “Por los Dos”, con Félix Mateos dejando de lado un rato el bombo legüero para pasar al piano, anticipó a la divertida “Vino en Cartón”. Las

pistas “Cacique” y “A las Tres” quedaron confinadas para cerrar la lista y que nadie se quede con ganas de zapatear desde sus casas.

Así pasó un nuevo recital de Los Tabaleros. O mejor dicho, un nuevo recital vía streaming.

Formato a lo que nos tendremos que acostumbrar por varios meses más.

Cronista: Juani Lo Re Fotos: Barbi Sardi 18 de Septiembre

PREMIOS GARDEL

COBERTURA

DAVID LEBON SE LLEVÓ EL GARDEL DE ORO 2020 En la vigésimo primera entrega de premios, el ex Serú Girán fue el gran ganador de la noche.

Pandemia. Reversiones.

Coronavirus. Colaboraciones.

Distancia social. Muchos clásicos y algunas joyas nuevas.

Premiaciones. Todo y eso, y varias cosas más, se combinaron en la vigésimo primera entrega de los Premios Carlos Gardel, que tuvo como máxima figura destacada a David Lebón, quien se consagró como el artista del año y se llevó la estatuilla de oro.

Con Natalie Pérez y Ale Sergi a cargo de la conducción, el resto de los presentadores y ganadores desde sus hogares, y un variado listado de sesiones musicales de corte intimista (al mejor estilo YouTube), la ceremonia contó con el dinamismo necesario.

por su disco “Lebón & Co.”. Para ese momento, toda la apuesta visual ya estaba tirada sobre la mesa: shows con cruces entre artistas de diferentes edades, presentadores de nominaciones en formato de stories de Instagram, lista de nominados con estética de playlist y los ganadores grabando los agradecimientos de su casa.

El primero de los crossover generacionales llegó con YSY-A, Cucuza Castiello y Amelita Baltar, quienes llevaron adelante un mash-up de las canciones “Traje unos tangos”, Lali Espósito y Miranda! es“Irresponsables” y “Balada para un loco” (esta última, con una tuvieron a cargo del primenotable interpretación de Amelita). Minutos antes, “Chuncaro de los sets versionando no” de José Luis Aguirre había ganado como “Mejor álbum “Tu amor”, de Pedro Aznar y Charly García. Inmediat- artista folklore” y Lebón sumaba otra estatuilla, esta vez en el amente después, fue el turno rubro “Ingeniería de grabación”. de la primera categoría de la Wos, junto con Lebón, también se convertiría a lo largo de noche -“Mejor álbum artista la entrega en otro de los grandes ganadores. El músico ganó rock”-, en la que David Lebón en las categorías “Artista nuevo”, “Mejor álbum / canción de se consagró como ganador música urbana / trap” por su disco Caravana y “Canción del www.elbondi.com

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rock local, el otro leitmotiv fue la inclusión. De hecho, esta entrega de los Premios Gardel pasará a la historia como la primera de sus El espíritu “homenaje al ediciones que contó con la rock nacional” se dejó percparticularidad de no tener ibir desde el minuto cero y, distinción de género entre las con Ricardo Soulé a la cabeza, categorías. varios artistas -Elena RogPara este momento, la lista er, Ricardo Mollo, Gustavo de ganadores había aumenChizzo Nápoli, Mery Granados y Juanchi Baleiron, entre tado sus filas y entre ellos otros- entonaron el clásico de estaban: Omar Mollo, por su Vox Dei, “Presente”. También disco “Embretao, tango y milonga”; Dante Spinetta, por la hubo tiempo para recordar banda de sonido de la película los 30 años de “Canción Animal”, de Soda Stereo, con un 4x4; Lito Nebbia, como Mejor video que contenía imágenes Álbum Canción de Autor; Los Cafres, por su trabajo “Tres de las giras y grabaciones de décadas”, en el rubro “Mejor videoclips de ese disco, y un picadito de canciones mezcla- álbum reggae/ska” y Julieta das por el histórico ingeniero Rada, por su disco “Bosque”, de Sonido de la banda, Adrián entre varios otros.

Taverna.

La última hora de transmisión estuvo a cargo de las nuevas El momento festivo llegó generaciones interpretando de la mano de Sol Pereyclásicos y canciones nuera, Los Caligaris, el Negro Rada y Ángela Torres, quienes vas. MYA, Ruggero y Emilia Mernes llevaron adelante el con las canciones “Y ya ves, “momento centennial” de la no te puedo olvidar”, “Amor noche, con su interpretación clasificado” y “Todos locos” de las pistas “Probablemente” le brindaron distensión a la ceremonia. Minutos después, e “Histeriqueo”; Zoe Gotusso, junto a Escalandrum, verllegaría Eruca Sativa -interpretando una potente versión sionó el clásico de Soda, “Té para tres”; Nicki Nicole tuvo de “Creo” junto a León Gilugar para sus “Plegarias”; eco y Susy Shock-; y, para y Trueno y Lil‘ Killah hicieron cerrar la primera hora de de las suyas con sus respectivtransmisión, las elegidas as presentaciones. fueron Cazzu y Marilina Bertoldi (juntas hicieron un mix Eruca Sativa también tuvo su entre las canciones de ambas, momento de gloria en esta “Bounce” y “O no?”), aportanedición. La banda se haría do la cuota de frescura y con el premio a “Mejor álbum energía necesaria. grupo de rock” por su trabajo “Seremos primavera”, deAdemás de homenajear al año” por “Canguro”; además, compitió por ser el artista del año, pero perdió a manos del ex Serú Girán.

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jando en claro porque sigue siendo una de las bandas más importantes de la actualidad.

Dentro de su agradecimiento, y más allá de la emoción, Lula Bertoldi expresó que, lejos de ser un material solo de rock, “‘Seremos primavera es un disco de música”.

Minutos antes del final, Valeria Lynch, Poncho y Mariano Martínez rindieron un justo homenaje al músico popular Sergio Denis, con una versión del hit “Te quiero tanto”. Ya para el cierre, Marilina Bertoldi (ganadora del Gardel de Oro 2019) fue la encargada de anunciar que el máximo galardón de este año se lo llevaría David Lebón. “Gracias por premiar a un hombre de los sesenta”, dijo en su discurso el artista, dejando en claro que los hombres y mujeres de su generación todavía tienen mucho para dar.

Cronista: Fernando Villarroel Fotos: Gentileza Prensa 19 de Septiembre

ATTAQUE 77

COBERTURA

YO VOLVERÉ A LAS CALLES

Desde Strummer Bar, local que manejan Leo De Cecco (batería) y Luciano Scaglione (bajo), Attaque 77 se sumó a la ola del streaming para repasar toda su historia en un show de casi tres horas y media de duración.

Los tiempos son otros, ya lo sabemos.

Algunos habrán cocinado, otros pidieron una pizza, otros con picadita y muchos con alguna bebida espirituosa al pie del cañón para ponerse al frente de la compu, el celu o la tele si logramos que funcione el HDMI. ¿Ropa para la ocasión y pijama y ya fue todo?

Mientras tanto, para los que van ingresando, la música elegida por Sergio Rotman suena para amenizar la previa.

Los dilemas de la actualidad se vuelven canción y se vuelven homogéneos cuando Mariano Martínez canta para saludarnos todo eso que deseamos: “yo volveré a las calles” es el grito de guerra para empezar esta velada y para avisarnos que, todo muy lindo, disfrutemos, pero no hay comparación con aquello de mirarnos las caras y empapar nuestros sentimientos transpirados mientras el pecho ataja todos los embates de los graves.

“Canción inútil” y “Plaza de perros” continúan un comienzo que ya nos augura que la lista de Attaque 77 va a ser una de esas que luego aplaudiremos. Entre “Vacaciones permanentes” y “América” pintan algunos olvidos de letra que se sortean de manera divertida y dan lugar a la primera de muchas largas charlas que escucharemos entre

los integrantes. Los primeros tópicos: halagar el lugar elegido (el sonido será muy logrado durante toda la jornada) y joder un rato a su público, especialmente a los quejosos.

Mientras tanto, del otro lado de la pantalla, varios enojos por las fallas en la conexión, un clásico de estos tiempos. No estamos preparados para esto aún, nos agarró de sorpresa. Ni nosotros, ni las plataformas, ni los servicios de streaming, ni los artistas, ni nadie. Pero el show sigue y todo se va acomodando. Hagamos de cuenta que es como cuando se nos para un gigante adelante, o tenemos que ir al baño, o nos perdemos en el pogo, o estamos demasiado ebrios, ponele (?)

Con “Caminando por el microcentro”, “Western”, “Cuál es el precio” y “El pobre” reafirmamos el poder de la lista que avecina y lanzamos, con un dejo de nostalgia, una frase que repetiremos varias veces más: “qué temazos tiene Attaque, la pucha”. Y ahí, otro parate para charlar, esta vez para despotricar contra el trap, como ya lo habían hecho en alguna ocasión, pero más que nada contra los periodistas que les preguntan su www.elbondi.com

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opinión al respecto de esta nueva oleada musical.

“Sin tierra” es el primer tema que suena del último disco Triángulo de Fuerza (2019) y se engancha con la siempre conmovedora ”Ángel” para desembocar en el clásico “Vuelve a casa” y volver a charlar, esta vez con grandes anécdotas de la visita de la banda a Tierra del Fuego.

Con una interpretación tan sensible como sentida de parte de Martínez, “La gente que habla sola” se nos resignifica en estos tiempos y a más de uno se nos cae una lágrima en un bloque más alternativo completado por “Tres pájaros negros”, “Luz” y “Sueños”. Todos se dispersa rápido con el set two tone de “Ska del éxodo”, “El jorobadito” y el cuarteto “Cartonero”. Entre medio, más charla y más bronca para con los haters. También más anécdotas de las buenas, recordando peripecias de Otras Canciones (1998) como una versión de un tema de Nino Bravo que quedó afuera, otra de un clásico de Joan Manuel Serrat que dudaron si alguna vez existió y el lapidario comentario del ingeniero de sonido Adrían Taverna respecto a la aventura de covers que estaban tramando: “se están cavando su propia tumba”.

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Mucho, pero mucho punk quedaba aún con los viejazos “Combate”, “Armas blancas, “Ángeles caídos”, “Pagar o morir”, “Todo está al revés” o “San Fermín” entre otros. ¿A esta altura cuántos objetos de la casa rompieron? El pogo se nos sale por las venas pero no conviene andar a los golpes con la compu, menos ahora que los problemas del streaming parecen estar arreglados.

“Soldaditos” es uno de los más bellos temas del último disco y tal vez de la discografía de la banda, es la primera vez que suena en vivo (tendrá la marca de ser la canción que debutó sin público presente en el lugar) y abre más charlas, como las tragicómicas aventuras de Luciano Scaglione y sus bajos a lo largo de toda su trayectoria, con la ocasión que se olvidó uno en un taxi en los ‘90 como máxima proeza.

Ya pasamos la 1 de la madrugada y los muchachos siguen a pleno.

El último tramo es de los hits y salen a la cancha “Chance”, “Arrancacorazones”, “Amigo”, “María” y “Hacelo por mí”. Ahora sí, llega el final tras más de tres horas de cuarenta canciones, largas charlas y divertidas anécdotas de más de 30 años de recorrido. El

pedido de unión más que nunca del cantante es el preludio para la inoxidable “Donde las águilas se atreven” y el bonus track “No me arrepiento de este amor”.

Linda noche pasamos disfrutando un paseo por la historia de las grandes canciones de una de las grandes bandas del rock argentino.

Seguimos subsistiendo a estos tiempos como podemos.

Fotos y Crónica: Sergio Visciglia 02 de Octubre

LA MISSISSIPPI

COBERTURA

UNA SANA COSTUMBRE

La Mississippi celebró sus 90 presentaciones en el escenario de La Trastienda. En su primer show a través de streaming, la banda ofreció un brillante concierto de la mano de sus clásicos y nuevas versiones.

El debut de la La Mississippi en la modalidad de conciertos vía streaming llega para saldar una cuenta pendiente. El festejo por los noventa conciertos en uno de sus hogares a lo largo de más de treinta años de trayectoria, La Trastienda, se encontraba programado originalmente para el mes de abril. Con el comienzo del período de aislamiento social, preventivo y obligatorio, el grupo trasladó la fecha a mayo y la continuidad de la cuarentena aplazó los planes de la banda, que finalmente regresa a los escenarios en la tarde de un soleado sábado de primavera. “¡A rockearla!” es la consigna que lanza Ricardo Tapia en la transmisión previa al inicio del concierto, y luego de una lista de dieciséis canciones puede decirse que La Mississippi cumple con creces, como de costumbre.

El primer tramo del show combina clásicos de los inicios del grupo como “Blues del equipaje” y “Café Madrid” con canciones que integran su último disco de estudio, Criollo (2017), como “La Montaña” y “Cuando el corazón te guía”. Juan Carlos Tordó en batería y Claudio Cannavo en bajo ofrecen su habitual solvencia y precisión en la base, mientras las pantallas permiten disfrutar de los inspirados solos de guitarra que elabora tema tras tema Gustavo Ginoi, una de los puntales en los que se asienta el sonido característico de la banda.

“En esta pandemia hicimos versiones.

Nos pusimos creativos y salieron cosas buenas”, relata un Tapia que pasa de la guitarra eléctrica a la criolla y de la flauta traversa a la armónica, pero que en todas las canciones estampa el sello inconfundible de su voz. El cantante se refiere a “Valentín Alsina

(ritmo y blues)”, que el grupo interpreta con aires latinos y en donde se destaca el gran trabajo de Gastón Picazo en teclados, y a una reversión de “Incidentes en la ruta”. Los músicos no olvidan a los artistas con los que crecieron y convidan el clásico popularizado por Muddy Waters “Babe Please Don´t Go”, con Tapia y Ginoi sacándose chispas en armónica y guitarra respectivamente, para minutos después regalar una apasionante versión de “Post-Crucifixión”, de Pescado Rabioso.

“A esta altura del show ya me estoy imaginando a la gente, el sudor humano… Mi imaginación me lleva a que esto esté lleno de amigos, haciendo despelote, cantando y bailando”, suelta Tapia entre canción y canción.

Las referencias a la situación que se vive a escala global se vuelven inevitables, pero el cantante las expresa en clave esperanzadora y envía saludos a lugares tan distantes como Tucumán y Madrid, enalteciendo la posibilidad de llegar a través de la tecnología a diversos lugares del mundo.

La Mississippi toca con una energía desbordante y en el tramo final del

show pisa todavía más el acelerador de la mano de “Matadero”, con soberbias ejecuciones de Tapia en guitarra y Picazo en órgano, “Búfalo” y “Un trago para ver mejor”. Definitivamente, en tiempos de pandemia, incertidumbre y dolor, el retorno de una banda acostumbrada al calor de los escenarios resulta sanador.

Sobre el final del concierto, las palabras de Ricardo Tapia no pueden sonar más oportunas: “Muchas gracias por haber compartido con nosotros este momento único de volver a tocar. Sabemos que están ahí, y saben que siempre vamos a estar acá para ustedes”. La Mississippi, con más de tres décadas sobre sus espaldas, se despachó con una impactante actuación para su público alrededor del mundo y, por si alguien lo dudaba, para dejar en claro que “está ahí” a pesar de la distancia, dispuesta a seguir iluminando con su música aún en tiempos de oscuridad.

Cronista Augusto Fiamengo Fotos: Silvio Cornejo - Prensa 10 de Octubre

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COBERTURA

LA VELA PUERCA

LEALTAD CHARRÚA

El sábado 17 de octubre, los uruguayos presentaron “Donde Estés”, su primer show vía streaming y hubo mucho más que música.

La Vela Puerca, desde su estudio de grabación en Montevideo. Los fans, desde sus casas en Argentina, Paraguay, Chile, Bolivia e, incluso, Estados Unidos. Todos presentes en un mismo concierto virtual. Esa fue la premisa de la banda uruguaya para dar su primer recital vía streaming en solitario, al margen de su presentación en el Pilsen Rock, en julio de este año.

20 años en la cancha de Atlanta.

Todo esto mientras se cortaba el salame, el queso, servía las papas y preparaba el fernet porque, claro, la música en vivo ya estaba a punto de arrancar.

Con el repertorio más atípico y arriesgado que haya conformado la banda en años, “Pino” dio inicio al show. La puesta contó con los músicos formando un semicírculo, como si fuese un ensayo en vivo. Las luces tenues Desde las 19.30 horas, y a modo de previa, la transmisión arrancó dejaron ver las caras de miles de fans conectados vía Zoom, cancon varios videos e imágenes de archivo, entre los que se destaca- tando las canciones a las espaldas ron las “Des Memorias Puercas”, de la banda. En el repertorio, se colaron dos inéditos (“Hablamos una serie de entrevistas a los de lo mismo” y “Mirá como es”) músicos y staff de la banda en y la ocasión invitó a más de uno el que contaron anécdotas que a pensar si en aquel show trunco iban desde sus comienzos, hasque iban a dar, en junio de este ta las giras por Europa. Los fans también pudieron revivir recitales año, en el Luna Park los hubiesen incluído. históricos como el festejo de los 64

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Casi tan tranquilo como un cumpleañero en cuarentena, Sebastián “El Enano” Teysera tomó asiento e invitó a Luciano Supervielle a tocar el piano en una introspectiva versión de “Va a Escampar”, a la que si bien hubo que reanudarla por un pequeño furcio del cantante, tuvo la cuota necesaria de frescura. El otro Sebastián, “El Cebolla”, -como siempre- estuvo al mando de “Todo el Karma”, y fue ahí cuando a uno mismo le agarraron ganas de saltar y hacer un poquito de quilombo sin romper nada, pero ponderó el no tener problemas con el consorcio.

Cuando todos pensaron que, por el tiempo transcurrido, el show promediaba la mitad, los uruguayos comenzaron a despedirse y lo hicieron con canciones que ya tienen más de 20 años: “Gente”, “El bandido Salto de Mata”, y la siempre concluyente “José Sabía”. 17 canciones, una hora y diez de música neta, que nos dejaron bastante manija si se piensa en el show como solo canciones, pero al que se le agregaron muchos recuerdos.

Fotos y Crónica: Juani Lo Re 17 de Octubre

MIMI MAURA

COBERTURA

BRILLANTE EN LA OSCURIDAD

Gran concierto de Mimi Maura desde Niceto Club vivimos el pasado viernes disfrutándolo en nuestro casas.

“Desde la última noche que tú estuviste conmigo, hoy se cumplieron seis meses de amargura que yo he vivido”. Casi solitaria, con luz tenue, algo lúgubre, así nos saludaba Mimi Maura en su primer streaming desde Niceto con este durísimo tema de su padre Mike Acevedo. Tan actuales esos versos que el escalofrío traspasó la pantalla y nos metió de lleno en lo que sería una hora de perfecta performance de la cantante y su banda para la ocasión. El lado oscuro estaba entre nosotros.

Con algunos cambios respecto a la formación más frecuente (por ejemplo, sin vientos), destacaba en la previa la presencia de Leroy Rotman en bajo y la ausencia de su padre, Sergio. Pero esta última no fue tal, ya que antes y después del show se despachó en las bandejas pasando unos temazos en la faceta, que según sus propias palabras, es la que más le gusta en la actualidad.

Así, entre viejos covers y temas propios sonaron de entrada la bella “Fallin’” de Connie Francis de 1958 junto a la calidez de “Al borde del tiempo” de Fernando Ricciardi (baterista que esta vez no fue de la partida) y la ¿premonitoria?

“Cuándo llegará (el fin del mundo)”, compuesta por marido e hijo de Mimi cuando este era tan solo un niño.

La puesta de luces, escenografía que jugaba entre las visuales y el fondo de ladrillos de Niceto complementaban perfectamente a una sólida banda en vivo que acom-

pañaba con creces a la gigantesca impronta de la cantante boricua, quien ya sabemos, deslumbra en cada concierto una y otra vez.

Y entre más covers que desnudaron este lado oscuro llegó también “Dime sí” un estreno compuesto por Rotman previo a piezas de diferentes tiempos como “Runnin’ out of fools” (Aretha Franklin, 1964, incluida también en el trabajo de Mimi junto a Los Aggrotones), “I am the cosmos” (Chris Bell, 1978), o las sensibles “Amor” y “Todos los días de sol” del álbum Días de Sol (2010).

Puerto Rico fue una referencia constante desde la primera canción, pasando por varias piezas de artistas de la escena, destacándose “El recipiente” del grupo Alegría Rampante que Mimi editó en 2018 y la conmovedora “Alma adentro” de la compositora Sylvia Rexach,

dedicada en esta ocasión a su mamá. También sonó un clásico de la banda que es “Loiza aldea” para transportarnos directamente a aquel “paraíso en la tierra” de la isla. El círculo se cerró perfectamente con “El apartamento”, también de Mike, para que el lado oscuro nos abandone de la mejor manera posible.

Una hora de show y nos quedamos con ganas de más, mucho más. Por lo corto pero sobre todo por lo exquisita de una propuesta que se posiciona como una de las mejores performances que vimos en tiempos de streaming y pandemia.

Fotos y Crónica: Sergio Visciglia 23 de Octubre

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INFORME

BANDAS Y SHOWS EN VIVO: STREAMEAME QUE ME GUSTA

Mientras la Ciudad se prepara para la vuelta de los espectáculos al aire libre, el streaming sigue siendo la opción más elegida para disfrutar de propuestas artísticas. Matías Lozaga, de PopArt, y Juan Cruz Saibene, de Plateanet, analizan la escena mainstream.

El verbo de moda en la industria del entretenimiento es streamear. Desde youtubers a artistas consagrados, nadie alrededor del mundo quiere quedarse afuera del fenómeno al que la pandemia convirtió en una de las principales alternativas para poder sobrevivir en una de las actividades más golpeadas por la crisis sanitaria. La ecuación parece simple: con casi 4500 millones de personas con acceso a internet, las posibilidades de montar espectáculos online se muestran ilimitadas y la idea de ganar dinero vendiendo acceso a esos shows seduce a más de uno. Sin embargo, la cosa no es tan fácil.

“Cada negocio tiene su modelo y, por supuesto, que hay mucho de prueba y error. Lo del autocine o auto evento es algo que existe hace mil años, pero que ahora por esta cuestión del distanciamiento y la higiene se vuelve algo necesario, no es algo que uno buscaba. Uno no está completamente preparado, ni es un contexto fácil, porque los costos son muy altos”, dice Matias Loizaga, uno de los socios de PopArt, una de las empresas líderes en materia de música. El productor no deja de mostrar optimismo ni de decir que el presente los “entusiasma y divierte” en materia de proyectos artísticos, y deja en claro que tiene la esperanza de que esto “sea el comienzo de algo, antes de que aparezcan los shows con distanciamiento y nuevos formatos”.

En sintonía con su pensamiento, el pasado 7 de octubre, el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires anunció

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una noticia tan esperada en el mundo de la música como cuestionable en materia de salud, como lo es la vuelta de los eventos culturales en espacios públicos al aire libre con una participación máxima de 300 personas. La idea de volver a disfrutar de un espectáculo en vivo es algo que ilusiona a muchos; sin embargo, para Loizaga la vuelta no va a ser tan sencilla: “Después de un mensaje tan fuerte como lo fue el “Quedáte en casa”, ahora que se puede empezar a salir, es todo un desafío convencer a la gente de que venga y compre una entrada”.

Transmitir un show por internet no es tan fácil como suena. Uno de los hombres fuertes de PopArt explica que a diferencia de los grandes eventos, en los que la gente concurre a un predio y accede al lugar, en este universo virtual aparece una variable incontrolable, incluso para personas que llevan más de una década en el rubro, como lo es la velocidad de bajada de cada persona en su casa. “Cuando encaras un emprendimiento de esta naturaleza tenés que estandarizar algunos procesos y realizar inversiones para que la subida del material sea buena y que no se corte”, comenta, mientras recuerda la primera propuesta artística de la empresa en este contexto: por el mes de mayo, el Quilmes Rock Solidario tuvo más de un millón de vistas, con una simultaneidad de conectados altísima (de más de 50.000 al mismo tiempo). Números que si bien internacionalmente están lejos, a nivel nacional son bastante altos para un universo que, hasta el momento, había sido poco explorado.

“El primer desafío fue encontrar la manera de transmitir desde el hogar de cada artista, en un contexto de aislamiento total y con el nivel de calidad que buscábamos. Hoy, en una fase de mayor flexibilidad, la cuestión de conectividad está resuelta y nos enfocamos más en lo artístico, en hallar el lenguaje visual que identifica nuestro producto”, confiesa Juan Cruz Saibene, uno de los coordinadores de Marketing en PlateaNet, otra de las empresas nacionales más importantes en materia a la producción de espectáculos, con un fuerte peso en propuestas teatrales.

Saibene comenta que la plataforma PlateaLive surgió como una respuesta a la problemática del cierre de salas que paralizaron la actividad en forma completa. “La innovación está en nuestro ADN y siempre buscamos la forma de seguir generando valor para nuestros clientes y consumidores.

Hoy, con más de 100.000 espectadores, estamos muy orgullosos de lo que creamos y la forma en que lo hacemos”, sostiene.

Costos y variables del modelo de negocio mainstream Hablar de números en Argentina no es sencillo, sobre todo en una economía tan volátil como frágil. Loizaga hace mucho hincapié en la variabilidad de los costos y afirma que buena parte de eso se debe a que “mucho va a depender de la cantidad de gente que se conecte, lo cual te va a subir o bajar el precio del ancho de banda y, por consiguiente, va a variar la

inversión que tengas que hacer en streaming, en encodear las imágenes, en la cantidad de cámaras que uses”; incluso agrega que también entran en juego los arreglos económicos con las bandas, las cuales pueden tener un fee fijo o fee variable. “Son un mar de alternativas y cada una con muchas variables”, aclara.

“En una transmisión hay involucrada mucha tecnología, soft y hard, pero también staff técnico, de operaciones, atención al cliente, audiovisual, entre otras cosas, además de licencias y derechos que están directamente vinculados al tipo de evento. Por todo esto que te digo, sería difícil precisar un costo ya que el mismo depende de factores como el formato y las características propias del show, la locación desde dónde se transmite y los recursos técnicos con los que ya cuente la producción o el teatro”, dice Saibene cuando es consultado por los valores que maneja el mercado local.

Algo para tener en cuenta es que, ya en mayo de este año, se supo que los organizadores de estos espectáculos deben pagar a la Sociedad Argentina de Autores y Compositores (SADAIC) un 9 por ciento de los ingresos totales -era del 12 pero hasta fin de año tendrá un descuento del 25 por ciento- a los shows para los que se cobren entradas. Además, en el

caso de realizar una transmisión por internet se deberá abonar un monto de $250.000 exclusivamente para la ocasión y, en caso de realizar la transmisión en conjunto por otros medios de comunicación, ese canon ascendería a $400.000.

Me parece que es una transición esto. Creo que en unos meses, habrá otra alternativa, ya sea con distanciamiento, cómo lo es en el caso de España, Alemania, ó algunos lugares de Estados Unidos en dónde se están abriendo algunos lugares, pero a una capacidad del 10 o 20 por ciento de la totalidad. Ese creo que es el próximo paso antes de volver a operar como se hacía antes de la pandemia.

El futuro llegó “En principio el panorama general de la actividad teatral y musical es muy incierto todavía, nadie sabe aún cuándo se podrá volver a disfrutar de un evento presencial. Durante el período de aislamiento el streaming apareció como la única forma de capitalizar el talento artístico, y entendemos que en la medida que se pueda ir retornando a la actividad presencial. Es por eso que funcionará como un complemento sinérgico”, afirma Saibane y agrega que esta modalidad relativizó el concepto de las limitaciones de la cantidad de butacas, la ubicación geográfi-

ca, y hasta la idea de una entrada por persona.

Para el Loizaga, todo esto “es una transición hasta que salga la vacuna y vuelva todo, de alguna manera, a como era antes de la pandemia”, mientras cree que de esta tragedia sanitaria nos vamos a llevar un gran aprendizaje y un conocimiento enorme de lo que es el mundo digital, del streaming y de la monetización de esos contenidos. “Creo que mucho de todo esto llegó para quedarse. De hecho creo que, a partir de ahora, no va a existir show en vivo que no tenga la alternativa en streaming”, concluye.

Cronista: Fernando Villarroel Fotos: Barbi Sardi Arte: Anabella Reggiani 12 de Octubre

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