REVISTA EL BONDI MARZO / ABRIL 2020

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Ph.: Lucas Iborra

MARZO/ABRIL 2020

entrevistas SISTA V - EVE CALETTI - PEQUEÑO77 LA INDUSTRIA DEL NO PENSAR coberturas ZAHARA - BLACKFLAG AMON AMARTH

discos BARBI RECANATI - TOPONAUTA 1

CONTENIDO COBERTURAS Zahara 4-5 Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado 6-7 Amon Amarth y Powerwolf 8-11 Blackflag 12-13 DISCOS Bersuit Vergarabat 14 Toponauta 15 Barbie Recanati 16 EPs 17-26 ENTREVISTAS Konsumo Respeto 27 Pequeño77 28-29 Enrique Campos 30-31 La Industria del no Pensar 32-33 Tomas Calvano 34 Emilio Nícoli 35 Sista V 36-39 Fígaro Banda V 40-44 Eve Calletti 45-46

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Blackflag en El Teatrito - 07 de Marzo - Ph.: Paula Ruiz

COBERTURA - Zahara

CON LAS GANAS DE VOLVER Cronista: Maximiliano Novelli Frutos | Fotos: Anabella Reggiani 07 de Marzo

La cantante española Zahara visitó por primera vez la Argentina y realizó un popurrí de toda su carrera en La Tangente.

María Zahara Gordillo Campos, conocida simplemente como Zahara, es una artista que exploró diversas facetas del arte y la comunicación. Desde muy pequeña la música tiene el rol protagónico en su vida, al punto de tener un magisterio en esa rama, y hace casi dos décadas tiene una prolífica carrera que finalmente la trajo a estas latitudes australes, no sólo para mostrar canciones de su último disco, sino para realizar un paneo por diversos momentos de su trayectoria.

batería electrónica mediante.

La española fue recibida con un efusivo aplauso del público, gran parte del mismo ubicado en mesas dispuestas a lo largo y ancho del recinto, que le dio un aire mucho más íntimo al concierto que estaba por ocurrir, donde sólo su potente voz y la guitarra ocuparon la totalidad del espacio.

“Espero que lo que vaya a pasar esta noche sea la primera de muchas”, declaró la vocalista antes de empezar, y por medio de las primeras notas se remontó al Acostumbrada a presentarse en pasado con “La gracia”, publicada teatros importantes de su tierra en Santa (2015), luego fue más natal y a aparecer en diversos medios audiovisuales, en Buenos atrás con “Leñador y la Mujer América”, de La pareja tóxica Aires realizó una fecha a voz y guitarra en la sala de la calle Hon- (2011) y regresó más acá con “El diluvio universal”, de su último duras. Previamente, la apertura local estuvo a cargo de Hana, que larga duración al día de la fecha, puso la sintonía pop en órbita con Astronauta (2018). un tinte que bordeaba el tecno, La oriunda de Úbeda reveló a la pistas desde la computadora y 4

audiencia que la lista de la noche sería diferente a las que realiza en España para mostrar la mayor parte de su carrera, por tratarse de su primera fecha en el país.

Así, exhibió otros hitos de su discografía como “Pregúntale al polvo”, editado en Bestiario 1 (2016), “Photofinish”, registrado en La fabulosa historia de...

(2009), entre otros.

El único tema en el que tuvo compañía fue “Guerra y paz”, en el que se sumó Martí Perarnau en teclado y coros, quien además ofició de sonidista para la ocasión. Luego, la intérprete se posicionó en las teclas para tocar el cover “Soy un aeropuerto”, original de la banda Mucho (de la que también forma parte Perarnau) y ante la risa de la audiencia confesó que aprendió a tocar el piano únicamente para esa canción.

Zahara retomó las seis cuerdas

y continuó su paneo por diversos trabajos de su catálogo entre los que se destacó “Hoy la bestia cena en casa”, que plantea una crítica a muchos políticos y que ella misma invitó a cambiar los nombres de quienes aparecían en la letra por aquellos que los y las presentes quisieran.

“Gracias por esta noche”, dijo con un notorio nivel de emoción al público argentino -y algunos compatriotas también presentes- por los constantes aplausos y “la paciencia” a través del recital. “Olor a mandarinas” y “Con las ganas” fueron las que cerraron la extensa lista, sin el clásico movimiento de abandonar brevemente las tablas y volver para el famoso segmento de “una más y no jodemos más”.

El título del último track dio cuenta de la intención de quedarse más tiempo mientras bailaba al ritmo de la música grabada que empezó a escucharse tras finalizar el concierto. Zahara bajó del escenario mientras saltaba y, feliz, se despidió de los y las fans locales. Dejó en claro así que volverá en el futuro y que ella sola puede ponerse todo un recital al hombro y viajar a donde las canciones lo deseen.

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COBERTURA - Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado

UN EQUIPO DE PRIMERA Cronista: Augusto Fiamengo | Fotos: José Fuño 08 de Marzo

Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, la banda del Indio Solari, ofreció un conmovedor concierto al aire libre en el Estadio Malvinas Argentinas con entradas agotadas.

La atmósfera de celebración se adueña de todo. La ausencia física del Indio Solari (afectado por el Mal de Parkinson) parece convertirse apenas en una anécdota y su público redobla la apuesta y confirma que el Indio está más presente que nunca: en miles de remeras, a través de sus canciones y con la actuación de Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, la banda que montó luego de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Tras el recital en 2019 a beneficio del baterista Martín Carrizo, que padece Esclerosis Lateral Amiotrófica (ELA), y con el aliento del propio Solari, la agrupación prosigue con dos shows al aire libre en el Estadio Malvinas Argentinas, dispuesta a saciar sus ansias de escenario y repasar ante miles de personas buena parte de la vasta y luminosa obra de su líder.

Pasadas las nueve y media de la noche del domingo, Los Fundamentalistas inician el recorrido de 6

la segunda función con tres canciones de su primer trabajo junto a Solari, El tesoro de los inocentes (2004). “Nike es la cultura” cuenta con el tecladista Pablo Sbaraglia en la voz, “Amnesia” corre por cuenta del formidable guitarrista Baltasar Comotto y Gaspar Benegas, el otro mago de las seis cuerdas, se hace cargo de “El charro chino”. Desde el comienzo queda delineado el

modus operandi de la velada: los músicos van alternando en el rol de voz líder, acompañados verso tras verso por un coro de miles de fans que emociona de comienzo a fin.

Las primeras descargas del arsenal ricotero no se hacen esperar, y el saxofonista Sergio Colombo se luce en “¡Me matan Limón!”, seguido

por la legendaria Deborah Dixon y “¡Es hora de levantarse, querido! (¿dormiste bien?)”. El trompetista Miguel Tallarita abre surcos con su instrumento desde el inicio del concierto y le llega el turno con “Gualicho”. El sonido es un punto alto de la noche y la puesta escenográfica resulta imponente, con pantallas al centro y a los costados del escenario y un impresionante juego de luces.

Luego de una primera pausa, Los Fundamentalistas con se despachan con “Rock para el Negro Atila”, con Comotto en la voz, quien le pasa la posta a Sbaraglia en “El pibe de las astilleros”. El bajista Fernando Nalé se anota con “Preso en mi ciudad”, uno de los clásicos de Oktubre (1986), el segundo trabajo de Los Redondos.

Comotto conmueve con sus solos en “A la luz de la luna” y Benegas no se queda atrás en “¿Por qué será que no me quiere Dios?”, con una soberbia performance de la

corista Luciana Palacios.

Por esperado, el momento no es menos impactante: el Indio se hace presente a través de las pantallas y canta “Salando las heridas”, un ataque certero al corazón de su feligresía, que suma su garganta al rojo vivo estrofa tras estrofa.

Amante de las posibilidades que ofrece la tecnología, Solari sube la apuesta y aparece en modo de holograma para interpretar dos canciones de su último disco El ruiseñor, el amor y la muerte (2018), las entrañables “La oscuridad” y “El callejón de los milagros”. Sorpresa, alegría y desconcierto son algunas de las sensaciones que atrapan a buena parte del público, que no saca su vista del centro escenario y registra el momento con la cámara de sus teléfonos.

Luego de una segunda pausa, el tridente Sbaraglia-Comotto-Benegas se reparte las interpretaciones de clásicos redondos en el tramo de los bises, y suenan demoledo-

ras versiones de “Un ángel para tu soledad”, “Vencedores vencidos” y “Mariposa Pontiac-Rock del país”.

La infaltable “Jijiji” y “el pogo más grande del mundo” son el broche de oro para una festiva noche de domingo y una experiencia que tendrá un nuevo capítulo el 28 de marzo en el Anfiteatro de Rosario, con la segura aparición del Indio Solari en forma virtual.

Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado confirman en Malvinas Argentinas por qué el Indio Solari los definió en su libro de memorias como “una big band demoledora”. La banda desborda energía y talento sobre el escenario a lo largo de veintiséis temas, y los músicos se amalgaman para apabullar con sus interpretaciones, su sobrada experiencia y su espíritu amateur. Darle vida a este grupo es otro punto que Solari puede anotarse a su favor.

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POWERV S DEATH

Johan Hegg , vocalista de Amon Amarth 8

COBERTURA FOTOGRĂ FICA - Amon Amarth y Powerwolf | Fotos: Laura Torres 10 de Marzo

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Attila Dorn, el barĂ­tino despliega tu descomunal voz al frente de Powerwolf 10

Ted Lundström, bajista y Johan Söderberg, guitarrista de de Amon Amarth

Amon Amarth, una de las bandas más representativas del death metal melódico a nivel mundial se presentó nuevamente en Argentina el pasado 10 de marzo en Teatro Flores, acompañados de los alemanes abanderados del power metal Powerwolf.

Roel van Helden, baterista de Powerwolf 11

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COBERTURA - Blackflag

PLANTANDO BANDERA Cronista: Matías Fangi | Fotos: Paula Ruiz 10 de Marzo

El pasado 7 de marzo, un grupo de personas fue testigo de un hecho histórico: por primera vez, el californiano Greg Ginn se presentó con su banda en el país. Crónica de un show tan deseado como ansiado.

Lo de marzo bien podría no haber sucedido nunca. Luego del 27 de junio de 1986, cuando la banda tocó por última vez en Michigan, muchos eran los que aseguraban que Blackflag ya era parte de la historia y de que su legado solo viviría en sus discos y sus fanáticos. Sin embargo, más de 30 años después, aquel presagio falló y varios fueron los que disfrutaron de su primera visita a la Argentina en el marco de su gira latinoamericana.

En la puerta, algunos se amontonaban con fiereza. Adentro, otros mostraban cómo el amor por la música traspasó generaciones. “Jamás hubiera imaginado poder compartir este momento con mi hijo”, confesaba un hombre emocionado, mientras sabía que era parte de un hecho histórico.

El Teatrito de la calle Sarmiento fue la sede en la que Greg Ginn (miembro fundador) en guitarra, Mike Vallely en la voz, Tyler Smith en bajo y Brandon Pertzborn en batería hicieron enloquecer a sus fanáticos. Tocando varios de sus éxitos como “Damage” o “Nervous Breakdown” y algunas canciones de su último disco What the... (2013) hicieron temblar las paredes del lugar. El pogo llegó a su momento más intenso cuando Vallely y Ginn saludaron al publicar, estrecharon manos y chocaron puños. El único punto oscuro se vivió cuando alguien subió al escenario y pareció echar por la borda toda la fiesta.

Pasado ese momento agridulce, la banda normalizó el espectáculo y continuó con “To Hell and Back” y “This is Hell”, ambas canciones de su último disco

y, aunque el final parecía estar cerca, en ningún momento los músicos levantaron el pie del acelerador.

Para el recuerdo, quedarán anécdotas memorables de los privilegiados que lograron disfrutar del primer espectáculo de Blackflag en Argentina.

Privilegiados de un logro del que solo pocos podrán dar testimonio, porque el día en que muchos se preocupaban por un resultado deportivo, otros disfrutaron de un suceso que dejará huellas en sus vidas: fueron testigos del día en el que una bandera negra no fue sinónimo de luto, sino de absoluta emoción.

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DISCOS - Bersuit Vergarabat

DE LA CABEZA 2 (SEGUNDA PARTE) Finalmente, salió el material en vivo de De La Cabeza 2, grabado en mayo de 2019 en Estadio Obras. Las grandes canciones clásicas se roban el protagonismo en esta segunda parte.

De La Cabeza 2 llega con una propuesta doble que encontró una primera parte editada en 2019 con reversiones en estudio de viejos clásicos, previa al show en Obras que conmemoraría un recuerdo de lo que fue aquel histórico disco en vivo grabado en el mismo lugar en el año 2001.

Y el show entonces se dio el 11 de mayo del año pasado para registrar la segunda parte de esta segunda vuelta. Un show extraño, con momentos muy altos y otros no tanto, y con un volumen imposible para un concierto de rock que obliga el lugar debido a las constantes quejas de vecinos.

Cancionera arranca la lista de los veinte temas elegidos para el álbum con “Huayno 14” y “La soledad”. Ahí, al toque, “La bolsa” (uno de los que repiten de aquel viejo disco) enfiesta la escucha que explota con “A los tambores” junto a Limón García.

Ahí llega el bloque tranquilo, tal cual como sucedió en el recital.

Pero a diferencia de ese momento que se volvió bastante largo, 14

en esta escucha queda perfecto, resaltando exquisitas versiones de “Sencillamente” (con la voz de Emiliano Brancciari de No Te Va Gustar calzando perfecto y Sbarbati brillando) y “Convalescencia en Valencia” con la gran performance de Dani Suárez, dos de los puntos más altos sin dudas.

Los invitados siguen desfilando al ritmo de las palmas uruguayas, con las bellas “Desconexión sideral” (Piti Fernández de Las Pastillas del Abuelo) y “Murguita del sur” (Beto Olguín de Los Pérez García).

También aparece el inédito “La marea” junto a Malena D’Alessio de Actitud María Marta, quien la rompe toda hiphopeando al mango con coritos bien bersuiteros de fondo. Otro puntazo bien enérgico del álbum.

De ahí en adelante, avalancha de hits que escuchamos por doquier, e incluso la mayoría ya en el anterior disco en vivo. El final, clásico de los recitales desde hace varios años, es con la conmovedo-

ra “El viento trae una copla”, como terminar bien emocionados. Pero hay un bonus track, que es una reversión más de “Sr. Cobranza” de Las Manos de Filippi que habíamos escuchado tres temas antes en vivo, y que también formó parte del De la cabeza original. Demasiadas veces escuchando los nombres de Cavallo y el Carlo.

Más que sólida segunda parte de De La Cabeza 2, como para reivindicar a la primera de estudio que no fue tan festejada. Un gran momento para recordar la cantidad de temazos que tiene esta banda que sin dudas es parte de la historia grande de la música argentina.

Sergio Visciglia

DISCOS - Toponauta

EL RIESGO Un fresco y placentero viaje de siete canciones para este séptimo trabajo de Toponauta.

En medio del apocalipsis asoma El Riesgo (2020), nuevo trabajo de los santafesinos con un puñado de siete canciones con todas las letras. A pura armonía y melodía, César (bajo) y Fran Cantero (voz, guitarra y piano) comandan una fresca aventura musical, con mucha influencia del rock nacional de décadas pasadas y su impronta tan característica luego de ya cinco discos y dos EPs en su haber.

Bien cancionera y al frente arranca “Parecido” (sin dudas el hit) con la perfecta presencia de las voces de Romina Rojkes Tellarini y Noelia Celayeta acompañando y tomando el protagonismo. Más tranquila, como flotante, como si el vino le hubiese pegado, pero para bien, aparece a su término “Apolo ebrio”.

Como ejemplo perfecto de algo de lo que insinuábamos en el primer párrafo, llega un tándem bien rock nacional. “Sportivo dolor” se pone bien ochentosa y argenta, al tiempo que su letra nos enseña a perder con esperanza (“en mí la ilusión no se fue y es canción”). Con un piano a modo de intro, con una bella interpretación de Fran Cantero, “Me dedico a esperar” es de lo mejor del álbum. Hermosa canción.

Pasa rápido “Momento monumento” para darle pie al rocanrol de “El riesgo”, que además da nombre a toda la obra. Para el final, en plan pseudo electroacústico, “Rendirse ahora” es una especie de fade out perfecto que redondea un trabajo bien Toponauta.

Diego López en batería y Tomy Hepner en teclados, son los instrumentistas que completan la ejecución de este muy agradable disco de bellas canciones, algo más que necesario para estos tiempos de soledades encerradas.

Sergio Visciglia

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DISCOS - Barbi Recanati

UBICACIÓN EN TIEMPO REAL El debut de la ex Utopians trae una fuerte impronta new wave que se mezcla con rock alternativo a través de siete canciones.

Barbi Recanati no tardó en avanzar en su trayectoria solista luego de la disolución de su banda histórica en 2017. Así, al año siguiente publicó su primer EP, Teoría Espacial. Finalmente, llegó el turno del primer larga duración de su carrera, titulado Ubicación en tiempo real (2020), que fue pensado para publicarse en vinilo, dada la cantidad y duración de los tracks que lo componen. Este trabajo fue producido por Juan Manuel Segovia y Tomás Molina Lera y editado en el sello Goza Records, que ella misma dirige.

Desde la que abre el álbum, “Los demás”, hasta el final, el ambiente que genera cada una de las pistas tiene un halo de oscuridad que se torna más denso a medida que se avanza en el registro. Ese paisaje sonoro está conformado por guitarras con reverb y sintetizadores que remiten a los 80, particularmente a los grupos dark de aquella década, con The Cure a la cabeza.

y suma un ingrediente de dream pop en la pista más melancólica de las siete que trae el LP. La electricidad vuelve a tener protagonismo en “Para darte” y más impulso aún en “¿Qué le ves?”, canciones en las que la lírica da indicios sobre el momento en el que una relación empieza a resquebrajarse.

Es evidente, entonces, que Recanati estuvo empapada del sonido alternativo que absorbió incluso desde antes de su anterior agrupación. El mayor movimiento se encuentra entre los primeros tracks, como el mencionado anteriormente y “Que no”, el cual fue el primer corte que vio la luz el año pasado. A partir de allí, las baladas y ritmos más lentos generan una atmósfera casi cinematográfica.

Los últimos dos temas, “En la frente” -otro simple que fue publicado como adelanto en 2019- y “Al fin” completan ese aura de banda sonora, con guitarras que parecen perderse en el infinito, la voz inconfundible de Recanati que funciona como un catalizador de las letras contundentes con la música en la que se dio el lujo de experimentar más allá de los sonidos del pasado.

En “Los días que no estás”, se escucha la voz de la invitada estelar, Paula Trama -cantante de Los Besos-, que funciona como contrapunto a los fraseos de Barbi 16

Maximiliano Novelli Frutos

EPs

y algo más Por Sergio Visciglia y Pablo Andisco

SUDESTE ASÍATICO: “ SAFARI DIGITAL”

La propuesta popera con sintes protagónicos arranca de entrada este nuevo trabajo de Sudeste Asiático, que comienza con “Disconectado”. “Estabas en la fiesta y querías bailar conmigo”, arremete “El apagón” como para marcar un rumbo que encuentra perfectas inspiraciones en una estética musical bien popularizada por Babasónicos que ya desde ese timbre nasal en la voz de Roy Buchanan propone no disimular los decoros que afloran a partir de unas bases muy prolijas.

Tras el paso rápido de “En el fuego” aparece “Víctima”, la balada que ya había ofrecido la banda como adelanto apenas comenzaba el año y creíamos que toda esta realidad era un cuento chino. “Velocidad” nos hace viajar un poco hacia los ’80 y a los vientos sónicos noventosos, emparentándose perfecto con la arista visual del arte de tapa. Todo dentro de un sonido que también nos suena a presente. El fin llega con “La playa”, como para despedirnos en calma e imaginándonos sentaditos mirando al mar, hasta que de repente las olas nos envuelven y nos colgamos en una outro flotante al mejor estilo Patrick Swayze queriendo atrapar la última ola. ¿Volveremos de allí?

FOCO: “ (A)CUÁTICO”

La premisa aconseja: “deberíamos viajar”. La intro se acomoda entonces como previa a “3 veranos” en la que empezamos entonces a ver la impronta compositiva de Mariano Castro tras su salida de Mi Amigo Invencible, en la que parece acomodarse toda su fluidez compositiva pero dándose todos sus gustos posible.

Así entonces, mansas y tranquilas, pasan “Me dijiste” junto a Flor Otero, y “Deberíamos viajar” para cerrar lo que había prometido aquella introducción. “Qué calor” es el epílogo y lo más interesante de esta primera aventura solista del cantante, en la que se nota que se propuso jugar con todas sus piezas y dejarse llevar con frescura.

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MARRA Y LES PRACTICANTES: “EL CAMINO DEL TIGRE”

ROBEN COUSO: “ CUARTO LUMINOSO”

Los rasgos de una cultura oriental asoman desde la movediza y extraña “Bai shi”, en la que se destaca por demás la voz invitada de Lara Alarcón hasta la suspensiva y misteriosa “El camino del tigre” que cierra este trabajo de cuatro canciones.

I Ching y Kung Fu para flashear un buen ratito.

Los toques en donde se vislumbra la experimentación son los que más sorprenden en esta propuesta poprockera de Roben Couso que conforma su segundo trabajo discográfico. Así entonces, las canciones que tranquilamente podrían parecer redonditas de entrada, se intrincan y logran matizar una escucha que comienza con “Mi cuarto”, ejemplo perfecto de todo lo que citamos.

Entre medio se vislumbran la redondísima “Julia kilómetros”, cancionera y efectiva con menos de dos minutos de duración y con todos los condimentos para el hit. Queda lugar entonces para “Uruguay” y todos los resabios del tablado en un candombe guitarreado tipo a las seis de la mañana, cuando la fiesta ya terminó pero queda tanto por hacer y sobre todo por prometer. “Quisiera poderte besar y recorrer juntes la banda oriental”.

La emotiva “Lo que das” es una gran canción que pide no quererse “levantar de este sueño tan real” y su último minuto justamente es un pasaje onírico propiamente dicho que invita a cerrar los ojos y abrir más aun los oídos. “Colina” podría ser perfectamente su continuación en una especie de despertar. Bah, ciertamente lo es, ya que es el tema que le sigue, ¿no? El cierre llega con “Verdad” y su “ya verás el final”.

RAVIOLIS: “Un lugar mejor”

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Hermosamente emotiva y alegre canción cuyo estribillo lo es todo: “Me voy a la casa de mi abuela, ahí nadie me dice que no” y cierra con la confesión: “es lo que quiero aunque tenga 42”. El video acompaña de la mejor manera, con niños y abuelos jugando, y un cierre muy especial cantando con las Abuelas de Plaza de Mayo. Lanzado el 23 de marzo, un día antes de tan fuerte día, y en medio de esta pandemia que más ataca al rango etario homenajeado.

ATROPELLO CARREGAL: “Gente copia” #MunroLiveSession el nombre de esta nueva apuesta de una banda imprescindible para ver en vivo. Una reversión casera de un tema propio que demuestra toda su esencia actual. Acompañan también una intro y una reversión de otra vieja canción propia, “Aquel tiempo”.

LA VELA PUERCA: “Menos mal” Los uruguayos siempre manifestaron su amor por Las Pelotas. Recordamos meses después de la partida del entrañable Bocha Sokol, algunos shows en vivo con “El cazador” en la lista de temas a modo de homenaje. Y ahora vuelven a sentirlo, con esta emotiva versión de un tema tan hermoso como desgarrador como es “Menos mal”, pero imponiendo su impronta puerca.

PIROLO: “Angelito” En un plano un tanto diferente a lo que venía ofreciendo musicalmente, Pirolo nos trae esta fresca canción en modo ska con un invitado de lujo como Cucho Parisi, quien termina de darle una impronta bien al estilo cancionero decadente, y a modo del angelito que aconseja: “la vida no se repite más”.

PASAJE OSAKA: “El jugador”

El fútbol una vez más presente en este adelanto de lo nuevo de Pasaje Osaka, en un estilo musical y lírico alineado a la estética propuesta por Bestia Bebé. “¿Por qué me dijiste que sí, si sabés que no vas a llegar?”. Una frase que resume perfecto una problemática que tanto golpea a la cotidianeidad futbolera amateur. Alguien tenía que volverla canción. Nada peor que ir a jugar un picado y que falte uno. Nada.

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VIRTUAL FRIZZ: “Salazar” Rock, garage, jazz, metal, blues, punk. Todo en una misma canción, sonando como un relojito este power trío que adelanta otra pieza de lo que será su nuevo trabajo. Acompaña un video bastante bizarro y divertido, con el picadito futbolero como temática principal.

NIKKA LORACH: “Les dos” Con solo dos años de vida como drag queen, lanza al mercado musical su nuevo single, el primero escrito en lenguaje inclusivo. La canción nace de una búsqueda interior de Nikka, un himno al coraje y a la fuerza que la llevó a exteriorizar sus emociones. Nicolás Contardi tenía adentro una reina esperando, que venía acompañada de la música como lenguaje de comunicación. Así nació Nikka Lorach, drag queen, cantante y actriz.

PONCHO: “Tiempo” (ft Goyo) La maquinaria bailable que pilotean Zuker, Lea Lopatin y Fabián Picciano no puede encontrar una voz más apropiada en la nueva escena del rock argentino que la de Goyo Degano. El cantante de Bandalos Chinos le mete todo su swing pop a una base house para bailar en el balcón hasta que todo pase.

RUBEN RADA: “Dias de esos”

Acompañado por una banda impecable y el placer extra de compartirla con sus hijos Julieta, Lucila y Matías, Ruben Rada visita este clásico del álbum debut de Totem (1971). El tema se registró en vivo en el Teatro Solís, en el primero de los conciertos “Parte de la Historia”, en los que el Negro celebró más de 50 años con la música. “Días de esos” muestra una gema del candombe beat, macerada en la bodega del tiempo y descorchada con elegancia y dulzura.

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DANI FERRETI: “Redemption song” Con el dulce sonido del weisserborn como aliado, y el acompañamiento del stomp box marcando el ritmo, Dani Ferretti logra darle un sello propio a un clásico de todos los tiempos, como lo es “Redemption song”, del rey Bob Marley. El tema fue grabado en vivo en Maniac Records, y es el primer adelanto del nuevo disco de Ferretti, que se completará con siete temas propios que el músico irá soltando hasta completar el álbum.

SOL BASSA: “Compra-Venta” A puro rock y blues, Sol Bassa adelanta su tercer disco poniendo su alma en juego con la enérgica “Compra-venta”. Cuenta con la participación especial de Ciro Fogliatta en teclados quien en su momento la llevó a tocar con su banda.

Todo el poder blusero que ya nos tiene acostumbrados desde sus trabajos anteriores se ejemplifica perfecto en este adelanto que forma parte de Errores Coleccionables, próximo a salir en estos días de abril.

ALAN SUTTON Y LAS CRIATURITAS DE LA ANSIEDAD: “La era del Rivotril”

Nuevo corte que forma parte de lo que será el álbum Hombrecito con los pies en la tierra. Una crónica de la actualidad cotidiana en tono irónico, con la rutina aniquilando nuestras almas. La ansiedad nos gana y el video esboza una toxicidad que de repente frena todo, casi como en modo pausa y tras el frenesí llega una calma en el medio del campo, de la nada. Pero todo vuelve. “Todos eligiendo pero nadie elige nada”. Gran canción, gran videoclip. Ideal para estos días, con o sin cuarentena.

FALSA CUBANA: “Volverte a ver”

El nuevo corte del disco Viajando Así viene en forma de video colaborativo grabado en cuarentena con la colaboración estelar de todos sus fans. Muy arriba, bien enérgico, para poner el énfasis en esta característica tan típica de la banda de Chubut. ¡Esperamos pronto volver a verlos!

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LEIVA: “Mi pequeno ChernÓbil” A caballo de un mid tempo e impulsado por guitarras ascendentes, Leiva flota por las calles de una ciudad desierta y repasa su vida en “Mi pequeño Chernóbil”, una canción que conmueve. La compuso en Buenos Aires, la estrenó en vivo en Madrid y la registró en estudio para soltarla al mundo, acompañada de un videoclip cautivante.

En un relato confesional, Leiva recorre sus inicios, reflexiona sobre la fama y el éxito, se pregunta qué vendrá y repasa la experiencia con Pereza. “Durmiendo con Rubén en las pensiones más inmundas / rebañamos los manjares de la euforia y las burbujas”. Cuando el nombre se hace cuerpo en la soledad de un piso deshabitado, las mitades se acercan y la pregunta se dispara en los fans de todo el mundo ¿Será el primer paso para el regreso de dúo?

NACIÓN EKEKO: “Arriba quemando el sol” (ft Maryta de Humahuaca)

Hace más de veinte años que Diego Pérez viene fusionando los ritmos latinos con los electrónicos en Tonolec, el dúo que comparte con Charo Bogarín. Desde 2012, le sumó la experiencia de Nación Ekeko, el proyecto con el que ya publicó dos discos y en el que profundiza aquella búsqueda.

En “Arriba quemando el sol”, el músico revisa un original de Violeta Parra cosecha 1962, lo viste de huayno electrónico y lo pasea por el rap y el reggaetón. La voz de Maryta de Humahuaca completa la obra que invita a reflexionar sobre medio siglo de injusticias en esta parte del mundo.

BESTIA BEBÉ: “¿QuÉ clase de ciudad es esta?”

En días de flamante cuarentena, la banda liderada por Tom Quintans nos trae otro adelanto de lo que será el disco Gracias Por Nada, próximo a editarse en principio durante este extraño 2020.

Luego de la premonitoria (?) “Un documental sobre mí” en la que deseaban en febrero que se termine rápido el año, ahora llega “¿Qué clase de ciudad es esta?”, una especie de baladita muy al estilo de la banda, con arpegios de guitarra maravillosos y con Mora Sánchez Viamonte y Santiago Motorizado como invitados especiales.

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GERMÁN FRATARCANGELLI: “Rasguido doble en DO# menor”

El acordeonista presenta ”Rasguido doble en do# menor”, primer single adelanto de lo que será su disco Cuestión de Tierra. La canción está dedicada a su maestro y amigo Juanjo Dominguez y es una mixtura entre lo tradicional y lo clásico, surgida de una conversación en donde Chopin fue el tema central de la charla.

Germán toca el acordeón desde los cinco años, instrumento que le permitió viajar por el mundo y tocar con todos. El disco completo estará disponible a mitad de abril y está dedicado a toda la música del litoral.

PAPRIKA: “Alza” La banda que suele deleitarnos con su combo callejero en vivo, en esta ocasión se queda en casa y graba el nuevo video completamente en cuarentena. Así entonces, se ven a sus integrantes en la vida cotidiana y hogareña de estos días que corren.

“Alza” tiene una letra que pide a gritos viajar por el mundo, en esta ocasión será nada más (y nada menos) que a través de nuestra mente y nuestro corazón. El tema pertenece a Por la Borda (2019) presentado el año pasado a sala llena en La Trastienda.

MUÑE: “Vos me dirÁs” El baterista de Atropello Carregal, Juan Manuel “Muñe” Fernández, lanza su primer single solista en el que aborda una lírica que ya asomaba en las canciones de su autoría de la banda. Entre nostálgica y existencialista, con aires de la parte más melódica de, por ejemplo, El Cuarteto de Nos, cumple con un estribillo de esos que dan ganas de cantarlos una y otra vez con los puños apretados.

Lo acompaña instrumentalmente y en programas Charly Valerio, más un lyric que parece ideal para la temática de la canción. Auspicioso debut.

SOBRA MILONGA: “Copas vacias” ft. Juanchi BaleirÓn

El grupo de zona sur reversiona “Copas vacías”, tema incluido en El bar de los errores, su placa editada en 2016. Con la producción de Juanchi Baleirón, que también aporta su voz, y la presencia bien al frente de los vientos, Sobra Milonga potencia la sonoridad conservando la línea melódica de la versión original. Con un clip que mezcla la cocina de la grabación con la habitual potencia escénica de la banda el grupo acompaña el tercer adelanto de su nuevo trabajo, siempre con un artista invitado. Para “Callejón” contaron con el Cabra de Las Manos de Filippi y “Deberíamos”, invitaron a Sebastián Andersen, de El Plan de La Mariposa.

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FEMIGANGSTA: “Matar” Con una compilación de videos que espían y observan a la ciudad en cuarentena. El encierro, la desesperación y las imágenes apocalípticas se conjugan como un contexto ideal para una canción que se titula nada menos que “Matar”. La canción resalta crudeza, violencia y ansiedad, envueltas en un sonido electrónico y oscuro, con resabios de rock experimental bien alternativo.

DON FULGENCIO: “Estrellas” El segundo corte del disco Lo que nos toca propone un paralelismo entre humanos y estrellas, envuelto en una fresca canción. Las luces de estas últimas emparentadas con la luz interior de cada uno de nosotros. Y entonces, ¿quién observa a quién?

LOUTA: “De este lado de la foto” En un plan minimalista al extremo, tanto en la música como en el video, Louta sorprende con ese trance que parece explorar el costado más hipnótico de un actual Residente. Extremadamente ideal para sentir esta canción en el limbo de la cuarentena, siempre hay cuando esta misma no nos esté afectando demasiado. Bueno, y si lo hace también, pero no nos hacemos cargo de las consecuencias.

JUAMPI SPARO: “Fogonazo”

Todo lo que pide un tema redondísimo y con un estribillo ideal para comprarnos en un rock canción. Con tintes de los mejores destellos de No Te Va Gustar o Los Pérez García, se complementa de un video que arrancó en libertad y terminó en cuarentena. La letra nos guiña el ojo a todos remadores de la música autogestionada: “Un fogonazo entre los dos en el ambiente más under del rock, nuestro cuento será bueno”.

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THE ROLLING STONES: “Living in a ghost town”

ATERCIOPELADOS: “Los 90”

En menos de una semana, las Majestades nos regalaron dos momentos inolvidables.

A la versión casera de “You can´t always get what you want” se le sumó “Living in a ghost town”, el primer tema nuevo en ocho años.

Una buena dosis de los mejores Rolling Stones, minimalistas y grandilocuentes, bluseros y poperos, en el estudio y de viaje a través de una gopro que refleja instantáneas urbanas y globales de estos tiempos, la versión pandémica de aquella ciudad somnolienta a la que le cantaban en los ’60.

El grupo colombiano mira por el retrovisor y ubica la década de su explosión con nostalgia y algo de temor. Ambientada como una Stranger things de corte cafetero y con un sonido entre clásico y moderno, Andrea Echeverri y Héctor Buitrago se ven a sí mismos cuando todo estaba por suceder, y describen a su Bogotá, su propia ciudad de furia y fuego, amenazada por la violencia política y con la música como única salida: “Parces armemos la banda / Que la conciencia se expanda / Está jodida la vaina / Vámonos hoy de parranda.

LOCOS DE NACIMIENTO: “Desvelada” Tres años después de su última producción, Locos de Nacimiento se pone a tono con la cuarentena y estrena “Desvelada”. Con producción de Gaspar Benegas y Lucas Honigham la banda de Almagro refleja una historia de insomnios y frustraciones, entre beats ochentosos y guitarras que surfean los estados de ánimo. La letra, como tantas, se nutre de sentido en estos tiempos y el adentro y el afuera se vuelven conceptos bien difusos. “Estás anestesiada viendo como la vida pasa /Tal vez mañana sea tarde /quizá no te quede otra que escapar” 25

FLOR LOVAGLIO: “Sanansiedad” La cantante nos invita a quedarnos quietos para ven dentro nuestro, como insertándose en la pausa que este mundo nos propone. Los matices de calidez y potencia de su voz conviven en estos tres minutos que nos curan un poco de toda esta ansiedad de cuarentena, como si hubieran presagiado todo en su momento de gestación. Producida artísticamente por Pepe Céspedes y Juan Bruno, de Bersuit Vergarabat.

ATTAQUE 77: “Una canciÓn” El video del tema perteneciente a Triángulo de Fuerza, llega en tiempos de cuarentena dándole una fuerza más grande aún a su letra. Los tres integrantes van al barrio Rodrigo Bueno llevando una guitarra restaurada que será donada para construir la radio barrial. Los paisajes del lugar se mezclan con el show en vivo. “Cuando llegue el amor y atraviese la tempestad”.

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KONSUMO RESPETO

ENTREVISTA

“DESPUÉS DE TANTO TIEMPO, TENEMOS INQUIETUDES DISTINTAS”

Cronista: Redación El Bondi | Fotos: Gentileza Prensa 05 de Marzo

El grupo español de punk rock se despide de su público con un tour que desembarca el viernes 6 en nuestro país.

Tras 20 años de trayectoria, Konsumo Respeto decidió poner un freno definitivo a su carrera. “No tiene sentido hacer música sin la motivación y la química necesaria”, confiesa el guitarrista Alberto Valdés al respecto. “Después de tanto tiempo, tenemos inquietudes musicales distintas. Así que creímos que lo mejor era ir cada uno por su lado, pero sin que ello repercutiera en nuestra relación personal”.

-Pese a todo, se pusieron de acuerdo para realizar un último tour que los traerá a nuestro país una vez más.

-Tenemos muchas ganas de tocar por última vez en la Argentina.

Esperamos que venga mucha gente y que quede un buen recuerdo de nuestro paso. Va a ser un recorrido por toda nuestra discografía y vamos a recuperar muchas canciones míticas que hace años que no tocamos.

-A lo largo del tiempo, ¿cómo creen que será recordada la banda?

-Para algunos ha sido la banda sonora de sus fiestas. Otros se han sentido muy identificados con nuestro mensaje. Estamos recibiendo muchísimos mensajes emotivos desde que anunciamos la separación, así que podemos estar bien orgullosos de lo logrado.

-Teniendo en cuenta que son referentes del género, ¿cómo le explicarían hoy día a un centennial lo que es el punk?

-Es un estilo de música que, pese a no ser tan masivo y no estar de moda actualmente, significó una revolución a nivel mundial y cambió la mentalidad de mucha gente.

Por lo general tiene mucha carga política y contestataria, y ha conseguido denunciar y dar a conocer muchas injusticias.

-¿Qué los atrajo del punk a ustedes cuando eran más jóvenes?

-Supongo que era un estilo muy accesible, fácil y directo para chicos de 15 años sin mucha idea de cómo tocar. En aquel momento escuchábamos muchas bandas de punk rock, tanto españolas como americanas, que nos influenciaron muchísimo.

-¿Por dónde se ingresa a la obra de Konsumo Respeto? ¿Qué álbumes recomendarían?

-Hay tres discos que representan las distintas épocas musicales de Konsumo: Ahora que se ha ido el sol (2002), que es nuestro debut y surgió de manera muy espontánea, Elige la ruina (2016), un trabajo muy completo, y también el EP Los primeros días de la ley seca (2018), donde logramos la mejor calidad musical.

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ENTREVISTA

PEKEÑO 77

SE MUERE RICOÓ SE MUERE POBRE Cronista: Lucas González | Fotos: Laura Torres 14 de Marzo

Entre influencias de la vieja escuela, canciones que evocan el barrio y colaboraciones de alto vuelo, hoy Facundo Cedrés es uno de los traperos con mayor proyección de la escena uruguaya.

Facundo Cedrés luce cansado.

Lo demuestra su rostro y el tono entre apagado y tímido de su voz. Parece la antítesis del alter ego que se forjó para jugar con la música, el gigante Pekeño 77.

Militante del desprejuicio sonoro (“si no hay libertad creativa, estás en la B”), integra junto a Mesita, Zanto, Arquero y Clipper una camada de jóvenes que está renovando y potenciando la música urbana de Uruguay.

Ante las consultas de Revista El Bondi, Facundo responde con la paciencia de un budista y la precisión de un samurai. A sus oraciones no le sobran palabras, pero brillan como el filo de sus métricas. Dice que nació hace 20 años en Canelones, departamento con menos de 20 mil habitantes. Que gracias a un vecino desde gurí mamó la cultura Hip Hop, sobre todo la nortea28

mericana, la que dominan los Real G. “Tenía una computadora donde escuchábamos Eminem y 50 Cent”, evoca. ¿Y el reconocido rock charrúa? ¿La Vela Puerca, No Te Va Gustar, Los Buitres, Once Tiros? Bien gracias: “Era algo que escuchaban mis papas”.

recién debutaría en 2018, con “Tony Love”. La canción, un trap hecho y derecho, resume buena parte del imaginario que posteriormente desarrollaría el emece: “Tu olor en mi piel pegada/ Siempre tengo la cargada/ Por eso nunca te hacen nada”.

La aparición de Cedrés no es un caso aislado en Uruguay. Al Alejado de los cánones rioplatenses, las primeras letras llega- contrario, es gracias a un moviron bien entrada la adolescencia miento que hace dos años crece a pasos cortos pero seguros, y funcionaron (literalmente) como una cura para Cedrés, que ganando terreno y ocupando espacios. No es una moda ni es por ese entonces sufría ataques de pánico y encontró en algo pasajero, hay profesionalismo y continuidad: salen discos, las rimas un suerte de bálsamo singles y feats al por mayor lírico. Hoy, reconoce que, medicación mediante, la situación (escuchar Los Buenos Modales, 2016), se organizan competenestá controlada, aunque volcar cias de freestyle (en 2019 volvió las preocupaciones/reflexiones en un papel no deja ser sanador la Red Bull Batalla de Gallos) y se producen cada vez más para el autor de “Rango”. espectáculos masivos, como el Uruguay Música Trap 2020.

Peke Siete Siete, personaje que nació y se curtió en el hood,

“Resultó importante para la escena”, analiza Peke, que formó parte de aquella grilla fundacional y también de la última edición del Buenos Aires Trap.

Enfundado en una camiseta de Lanús y armado con una batería de hit callejeros (“Tamo’ lindo”, “Perdido y loco”, “Pistola II”), tomó por asalto un escenario que hizo propio en poco tiempo.

“Fue como ir a la guerra”, dispara y sonríe cuando se le pregunta si salió o no victorioso de la contienda: “Obvio”, asegura.

De acuerdo a él, hay similitudes estéticas entre su propuesta (maneja un registro que va del trap al rap, pasando por el reggaetón) y mucho de lo que se produce de este lado del Río de La Plata. No es casual, en-

tonces, que cuente con el aval de Bardero$ (grabó con C.R.O., “Arriba las manos”, y con Homer El Mero Mero, “Detenidos”).

Tampoco que haya colaborado en dos ocasiones con Bizarrap.

“Tiene una cabeza distinta”, comenta sobre el productor y beatmaker argentino, la sensación del momento. Primero hicieron la recordadísima Music Session #5 (“la escribí el mismo día”) y luego la inclasificable “Lil Baby”.

que ya tiene terminada. Parece arriesgado, pero tiene un plan. Y la ambición de los que pasaron hambre. Además, ya lo aclaró en “N‘Xalá”, donde parafrasea al rapero que sobrevivió a nueve balazos: “O me muero rico o me muero pobre”.

De la nada a la gloria, y en el medio, trabajo. Mucho trabajo.

Por caso, en lugar del Niceto Club que tenía previsto para el 27 de marzo, postergado por motivos de público conocimiento, lanzó “Muevel” con Franux BB, la primera de una tríada 29

ENTREVISTA

ENRIQUE CAMPOS

ENTRE EL TANGO Y LA IDENTIDAD PROPIA Cronista: Maia Kisz| Fotos: Gentileza prensa 16 de Marzo

En 2019, el músico sacó su primer disco: Roto. Al tiempo que crece como artista, dice no estar pendiente del género y sueña con una sociedad cada vez más libre.

Radiografía de un hombre en constante búsqueda.

Si algo prima en las palabras e ideas de Enrique Campos es la libertad. Estudió teatro, canto y escribe poesía. El tango llegó a su vida como propuesta de una de sus profesoras y se quedó por la profundidad de las poéticas letras y por el dramatismo con el cual se las puede interpretar en vivo. “Yo no componía, pero tampoco quería hacer covers. Mi intención era poder sumar algo propio desde lo artístico. Quería que me genere algo, no pararme ahí y solo cantar”, define el artista en conversación con Revista El Bondi.

Su disco más reciente, Roto, salió en 2019 y trae 12 temas en los cuales Enrique deja claro que la definición del género no lo limita. El tango es la forma que encontró para expresarse pero es, también, un punto de partida para seguir creando. “Trato de no quedarme con lo establecido. No pensar que el tango es de determinada manera y la persona que canta tango es de otra manera porque tiene que ser así para siempre. Me gusta salirme de los límites que implican esas etiquetas para crear cosas nuevas”, define y agrega que ya está incursionando en otros géneros para poder mezclarlos y grabar. En esa unión de estilos,

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encuentra un espacio liberador. “No termino de ser un tanguero, tampoco un cumbiero ni un trapero. Es un lugar muy impune que está buenísimo”.

-Tu música es innovadora, ¿qué pasa con el público que te va a ver?

-Generalmente, la gente a la que le gusta lo que hago no sabe mucho de tango o, por lo menos, no tiene una cercanía fuerte con este género. De hecho, a mi me pasa algo similar. Le tengo respeto, pero no me es cercano. No es que escucho un tango y me acuerdo de cuando era niño. Tengo cierta distancia que me permite pensar que, actualmente, lo que se puede hacer con el tango es reinterpretarlo.

Sin desmerecer, claramente, pero cagándose un poquito en lo que se hacía en los 20´, 30´ o 40´. La gente de esa época lo hacía con todo el amor del mundo y, en ese momento, era actual. Pero yo no voy a poder cantar como se hacía en esos años. Sería un imitador. Yo soy gay, me pinto los ojos, hago algo casi performático, creo un personajito sobre el escenario y ese combo genera un híbrido que muchas veces no es lo que se espera. No soy el gay bien exagerado que hace tango, tampoco el tipo que hace tangos clá-

sicos quietito frente al micrófono con un moño y esmoquin, mucho menos soy alguien medio hippon que está haciendo una especie de tango experimental. En definitiva, lo que hago es un híbrido rarísimo.

-Todo eso se ve plasmado en la versión de “Indiferente” que grabaron para el video, que es diferente a la del disco.

-Fue el primer tema que compuse en mi vida. Soy re cabulero y, no sé por qué, en el momento de hacer el disco me gustaba el número 12 y quería que esa sea la cantidad de canciones. Entonces, tenía un tema que iba a grabar con otro artista y, como ese proyecto se cayó, me puse a escribir obligadamente para que no queden 11. Fue medio rápido, pero me sirvió para desmitificar el escribir una canción.

Era algo que, hasta ese momento, me parecía toda una ceremonia enorme.

Cuando la compuse, me salió con una estructura medio cumbiera. Pero, como el disco tenía un tinte tanguero, forzamos la versión para que sea en ese mismo tono. Ahora, cuando la tocamos en vivo, lo hacemos como cumbia. Así que lo que se escucha en

el video salió natural. Es la verdadera naturaleza de la canción.

tiempo se nota que no está bien. Nos gustaba esa dualidad.

-¿Y el video?

-Fue divertido. El primer video que grabé fue “Luna Nueva” y lo hice con un amigo que trajo un equipo inmenso que se copó en sumarse. Era una rareza un videoclip para un tango. Era todo interesante y divertido, pero yo perdí un poco el control. Para “Indiferente” fue una grabación más chica y artesanal. Me junté con el director y lo armamos. La letra tiene una vuelta divertida e interesante de explorar porque es una especie de amenaza.

Amenzar a alguien con serle indiferente es una ridiculez. Es como querer olvidarte de alguien a propósito. En el video buscamos el doble efecto de que el personaje se hace el canchero, pero por dentro está sufriendo. Y, como tiene un ritmo un poco latinoaméricano, sumamos esa energía que tiene que ver con el mundo regguetonero, sin olvidarnos de la parte romanticona, pero menos lumpen, venido un poquito a menos. Entonces, jugamos con esa idea: está vestido todo despilfarrado, pero al mismo

-Pareciera haber una idea de sacar cosas de diferentes lugares para generar una identidad propia.

-Es una búsqueda divertida e interesante que no termina nunca. Me gustan esas cosas caóticas que, después, cada persona que lo ve puede completar con sus propias vivencias. Me pasa mucho con la poesía, que hago y leo hace mucho, y da, a quienes leen cada texto, libertad para completar con su imaginación o sus vivencias. No obliga a sentir algo determinado. Y a mi me gusta eso: ser un poco ambiguo. Un poco lejano y aéreo. Que parezca tango, pero que no lo sea. Que parezca cumbia, pero que tampoco. Cuando se espera algo, ir para otro lado.

-Vos estudiabas música. ¿Te pasó de tener que estudiar bastante cosas clásicas y, después, decir: “bueno, ahora tomo todo esto y hago lo mío”?

-Si. Estudié un montón, lo sigo haciendo y lo haré siempre. Es súper importante conocer bien las cosas, aprender y saber la historia. De dónde

vienen las cosas y qué son. Entender, no solo la parte técnica del armado matemático de cada estilo de música, sino la filosofía, lo social y lo cultural.

Todo eso es importante tenerlo a un costadito y, después, ser un filtro y transformar en otras cosas. No hay manera de generar cosas nuevas si no es mezclando y rearmando. Cuando termino una poesía o una canción no me pertenece más. Aunque yo haya pensado un orden para la lectura o para las canciones del disco. Al público hay que generarle el espacio para que, también, pueda jugar desde su lugar y completarlo, ponerle su 50% a la obra.

-¿Qué hay planeado en tu futuro?

-Con la nominación al Latin Grammy se nos abrieron mucho las puertas fuera de Argentina. Hicimos toda la presentación allá y empezamos a pensar este año en Estados Unidos y Latinoamérica. Tenemos una gira y, después, vuelvo para presentar el libro en junio y me voy, otra vez, para México, Nueva York y seguimos allá para grabar el segundo disco.

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ENTREVISTA

LA INDUSTRIA DEL NO PENSAR

DISTOPÍA, REALIDAD Y CULTURA

Cronista: Maia Kisz | Fotos: Gentileza prensa 29 de Marzo

En su segundo trabajo, la banda propone un material para reflexionar los puntos de contacto entre ficción y realidad.

La Nefelia imprimió un libro. El material llegó a manos de La industria del no pensar y ellos lo ponen a disposición del pueblo. Maitén y Joaquín hablan de la Nefelia con la claridad necesaria para suponer que está ahí, aunque no la veamos.

La Nefelia es un gobierno. Una realidad ideada en 2018, en pleno mandato macrista, y el origen de su nombre se encuentra en la palabra Nefelibata, que significa “persona soñadora que no se apercibe de la realidad”. “Básicamente, es un mundo de glóoboludos. Gente ensimismada y muy alienada”, define Joaquín, quien pone su voz para entonar las diversas estrofas que se encuentran plasmadas en el libro.

La semilla que dio origen a la historia de ciencia ficción fue el trabajo conjunto entre Maitén López Braun, fotógrafa, y Joaquín Enríquez, cantante, guitarrista y compositor. Después, el crecimiento y desarrollo se dio en conjunto con La industria del no pensar. En el disco, cada canción tiene una temática diferente elegida en base a los sentimiento que, a quienes forman parte del grupo, les despierta la vida en sociedad. “Por nuestra edad, el macrismo fue la primera vez de algo terrible a nivel 32

político, social y económico. Veníamos de cierta estabilidad y se fue todo a la mierda muy rápido. Que le den domiciliaria a los genocidas, que pongan vallas en la plaza. Era algo que nunca habíamos vivido”, recuerda Joaquín. “Tanta policía en tantas partes”, agrega Maitén y ambos coinciden en la necesidad de no pensar sólo en Argentina, sino que fueron estallidos que se dieron en toda Latinoamérica.

“Para las fotos me concentré en la situación local que, igualmente, es muy parecida a la que está pasando en Latinoamérica. Los femicidios, por ejemplo, son terribles. O la economía. Los temas son más o menos los mismos en todo el mundo”, explica Maitén. “Hubo estallidos en toda Latinoamérica.

Cuando se termina el gobierno de Macri explotan muchísimas cosas en Bolivia, Ecuador o Chile. Lo de Chile fue impresionante y que Piñera siga siendo presidente me parece vergonzoso”, postula el cantante en referencia a la represión que sufren las manifestaciones en busca de igualdad de posibilidades educativas, económicas y sociales.

La banda se completa con Facundo Miguez (bajo), Luciano Benotto (teclados y coros), Marina Storti

(voz y coros) y Julián Enríquez (batería). Ellos tomaron esa realidad que en 2018 sentían cruda y la transformaron en cultura. En un libro con ilustraciones acompañado de un CD. La idea es ver las fotos, leer la historia y acompañarlo con la interpretación de La industria del no pensar. Orden que se altera para las presentaciones en vivo.

“Sacar un poco de belleza de todo ese caos está bueno”, asegura Maitén y agrega que la militancia es una parte importante de su vida y que, como artista, siempre busca aportar a cambiar la realidad.

El debate sobre el rol de la cultura en la sociedad es amplio. Queda claro cada vez que una persona se disgusta porque alguien, sobre un escenario, lleva un pañuelo verde.

Ante todo esto Joaquín es claro: “El arte tiene la posibilidad de decir un montón de cosas. No tiene por qué hacerlo, pero puede. Nosotros tenemos muchas posturas políticas diferentes, pero confluimos en la idea de cómo entendemos el arte siguiendo el ejemplo de Pink Floyd o John Lennon. Contestaban. Decían cosas fuertes”, explica.

La estética de Nefelia fue premeditadamente amarilla. El cantante destaca que el posicionamiento del

material es explícito, pero metafórico y la fotógrafa celebra que, gracias a eso, hay gente con diversos ideales que lo escucha. El disco empieza con el himno de la sociedad ensimismada, una oda a la Nefelia, y termina con una melodía que representa lo opuesto: la rebelión y la resistencia. En el medio, la tensión, la posibilidad de revelarse y salir de una realidad impuesta se convierte en mensaje.

“Tanto Gris” cuenta una relación tóxica entre la naturaleza y la humanidad. “Cerca tuyo cuesta respirar”, denuncia el décimo tema del disco y el planteo de que Nefelia sea una distopía se convierte en un cuestionamiento a la realidad.

“Es como vivir en una película”, reflexiona Joaquín recordando a 1984, la novela de George Orwell que ilustra un mundo hiper controlado similar a lo teorizado en el panóptico de Foucault. Medios de comunicación manipulados y lenguaje controlado por una organización extremadamente cerrada pueden ser algunos de los puntos en los cuales la ficción y la realidad se disuelven. “No es que vivamos en

1984, pero hay cosas que se cumplieron. No solamente por la tecnología, las pantallas y el celular. Sino que se tiende a no prestar atención a lo que está pasando. Creamos un mundo en donde la economía no se puede parar 10 días porque se cae”, define el artista.

“Pasado Vivo”, anteúltima canción de Nefelia, sobrevuela fronteras físicas y temporales para pensar los procesos políticos del bloque latino. A la vez, da lugar a la reflexión sobre los discursos televisivos de quienes están al frente de los Estados. “Quisimos que se escuche a los presidentes, o pseudo presidentes, de Latinoamérica actuales, a los de los ‘70 y a los de los ‘90. Hay muchos discursos repetidos. Sin ir más lejos, Bolsonaro es una máquina de tirar frases que no se pueden creer. Y lo dice acá al lado”, comenta Joaquín haciendo referencia al presidente de Brasil. El mandatario es artífice de frases que declaran estar a favor de la tortura, ser incapaz de amar a un hijo homosexual y, en el último tiempo, es respondable de descuidar la salud del pueblo que gobierna en favor

de la economía. “El brasileño no se contagia de Coronavirus. Si bucea en alcantarillas y no le pasa nada”, argumentó.

Al momento de realización de esta nota, Argentina se encuentra en cuarentena obligatoria por el Coronavirus. “Si hablábamos un mes antes decía que nuestro país venía a contramano de todo lo que está pasando. Pero ahora no sabemos para dónde vamos a ir económicamente cuando se termine todo esto. Todo lo que se tenía pensado probablemente cambie.

La prioridad es la salud. El arte, que siempre queda en último lugar, cuesta pensar dónde va a quedar”, reflexiona Joaquín y, entendiendo la importancia de cuidar a las personas, la presentación en vivo del proyecto queda postergada hasta que sea posible que las personas puedan asistir con tranquilidad. El libro, que viene acompañado con el CD, es único e intransferible a la virtualidad total, pero la espera por conseguirlo se puede mitigar reproduciendo el disco completo en YouTube.

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ENTREVISTA

TOMÁS CALVANO

“HABÍA UN VACÍO LÓGICO DE HABER TERMINADO UN DISCO”

Cronista: Anabella Reggiani | Fotos: Gentileza Prensa 02 de Abril

El músico y compositor argentino edita de manera solista su nuevo EP, “Amor Zafral”.

El Bondi habló con Tomás Calvano sobre su nuevo material, producido por Fede Cabral, el cual cuenta con tres canciones de autoría propia.

“Son composiciones que nacieron en el contexto de la presentación de mi último disco, Manjar Vulgar”, contextualiza.

“Había un vacío lógico de haber terminado un disco y creo que me relajó un poco eso, me vino bien”.

-¿Cómo viviste el proceso de creación de estas canciones? ¿Es material que crees que podría haber formado parte de “Manjar Vulgar” o sentís que es 34

parte de otro proceso creativo?

-Es bastante distinto a lo anterior, acá los temas se armaron en el ensayo con la banda, yo llevé las canciones y cada músico aportó su magia, se nota en el groove de los temas, estábamos todos en la misma.

-Las letras de tus canciones son muy ricas en metáforas y palabras dulces, ¿Cómo vivís el proceso musical? ¿Las letras surgen con la música o a revés?

-Sinceramente nunca es igual, a veces encuentro una letra en cosas que tengo escritas, otras veces aparece una melodía en la viola, o acordes, también tengo un socio y amigo llamado

Dañel Vidal con quien comparto noches donde encendemos la machine y salen cosas.

-¿Cómo sigue la presentación de este EP? -Estamos con muchas ganas de presentarlo, posiblemente en el Teatro de arte dramático Borges 1975, cuando termine la cuarentena. Mientras tanto se puede escuchar en mi bandcamp #quedateencasa

ENTREVISTA

EMILIO NICOLI

“MÁS QUE BUSCAR, FUE ENCONTRAR” Cronista: Anabella Reggiani | Fotos: Gentileza Prensa 02 de Abril El músico presenta su segundo disco “Piscis Piscis Piscis”, donde invita a emprender un viaje sin moverse del lugar, preguntandose a si mismo cómo conectar con lo esencial, lo elemental, con la materia básica.

Piscis Piscis Piscis es el segundo trabajo discográfico de Emilio Nicoli.

Y quiere hacernos viajar desde casa.

“Gran parte de las canciones de este disco las escribí o empecé estando de viaje, o inspiradas en ellos, por lo que de alguna forma están impregnadas de algo muy particular que pasa en los viajes, de los lugares que uno conoce, la gente y las cosas que vive”. Así entonces, viajemos.

-¿Cuál fue la búsqueda artística de este disco?

-Se dio un poco al revés. Al recopilar las canciones que había hecho en el ultimo año y ver que había una unidad, un cierto hilo conductor es que decidi que todo eso fuera parte de un mismo disco. O sea que mas que buscar, fue encontrar. Y después el trabajo fue organizar y darle forma a todo ese material, cosa que hicimos codo con Mariano Cuello, productor del álbum.

-¿Cómo viviste el proceso de creación dentro del estudio? ¿Cuál fue el momento en que dijiste ‘Listo. Lo

tengo’?

-Fue muy arduo y muy intenso. Fueron casi 11 meses de trabajo dentro del estudio, donde buscamos y pulimos el sonido del disco tema por tema, instrumento por instrumento.

Nos dimos muchísima libertad en la búsqueda de sonidos y arreglos para cada canción y nunca dejamos nada que no fuera convincente para todos.

Un par de veces nos paso de llegar al estudio, borrar todo lo que habíamos hecho el dia anterior y empezar de cero. Asi que el “listo, lo tengo” se veía bastante claro en el horizonte unos meses antes de terminar porque realmente llegamos muy seguros con el material a los últimos días de trabajo. Asi y todo hubo unos cambios de ultimo minuto, el ultimo toque, ¡la ultima pincelada antes que se lleven el cuadro!

-Hablabas antes de la insipiración constante en tus viajes, como un pasajero de mundo.

-Sí, incluso las canciones que no hablan literalmente de un viaje, si están relacionadas con la metáfora del

viaje como transformación. “Todos esos monstruos”, que termino siendo el corte de difusión, la escribi una semana antes de empezar el disco y creo que de algún modo resume el espíritu de todas las demás, y también fue la única que la banda no había tocado nunca, ni conocía, ni sabíamos remotamente donde nos iba a llevar (las demás ya habían sido casi todas ensayadas, preproducidas y tocadas alguna vez en vivo).

-¿Cómo te preparas para la presentación de este disco?

-¡Muy intensamente! Estamos, como es mi costumbre, trabajando con un equipo de gente muy talentosa. Preparándonos musicalmente para darle vida a esas canciones que siempre es un desafio hermoso. Es una de las partes mas lindas del proceso y me pone muy contento trabajar con toda la banda, todo el equipo de producción. (*) por razones de público conocimiento y atendiendo a la cuarentena obligatoria dispuesta por el Gobierno Nacional, la presentación del disco queda suspendida hasta nuevo aviso. #quedateencasa

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ENTREVISTA

SISTA V

SCRATCH, MILITANCIA Y CULTURA AFRO

Cronista: Lucas González| Fotos: Lucas Iborra 07 de Abril

Comenzó de manera fortuita como DJ y, trece años después, Valeria Vieytes es productora musical, además de activista del movimiento Hip Hop y un faro artístico para muchas pibas que recién empiezan. “Asumo la responsabilidad de ayudar a mis pares”, aclara.

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Las funciones de los y las DJ varían de acuerdo a las circunstancias.

Porque no es lo mismo tocar EDM que Hip Hop ni tampoco da igual intervenir en una batalla de freestyle o participar de una competencia de breaking. Si le preguntan a Sista V -aka de Valeria Vieytesdirá que cada nicho tiene su regla y que podés mezclar lo que sea si sabes del oficio.

Eso sí, aunque no lleguen a diez, hay un puñado de mandamientos que no se pueden desoír, como el de infiltrar canciones que no figuran habitualmente en las playlist, las radios del SXXI. “Es nuestra responsabilidad que las personas escuchen algo nuevo, diferente, que experimenten con otros géneros para que abran un poco la cabeza”, admite la productora de 31 años y asegura que, por sobre todas las cosas, para ella “lo más importante es que la gente baile”.

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época le quedan recuerdos varios, su gusto por la salsa y una entendible devoción por los Los Wawancó.

-¿Primer vínculo con la música afro?

-Reuniones familiares donde veía padres, abuelos, tíos y primos bailando, cantando y riendo.

Disfrutando el ritmo de la música.

Eso me atrapó, el ritmo, porque la música afro es alegría, fiesta. El tiempo me enseñó que es una gran herramienta de transmutación y transformación.

-¿Artista de cabecera?

-Nina Simone. De hecho, la tengo tatuada.

-Entonces, para vos, ejercer de DJ es algo que trasciende lo estrictamente laboral...

-Es un hecho artístico. Mezclar los diferentes tipos de tracks requiere saber de armonías y compases para que sea auditivamente atractivo, pero no deja de ser un oficio. Hay que sentarse, investigar, descargar. Laburar para que el set suene como corresponde. Es un equilibrio de las dos cosas. A menos que no te importe. En ese caso, Spotify y listo.

-¿Por qué?

-Es muy represent, mal. Siempre escucho su obra, me transmite mucha fuerza y me motiva para seguir adelante. Me recuerda mucho a mi niñez.

Con mirada encendida y algo perdida por el sol de una tarde inclemente, pone a girar el vinilo de su vida y recupera algunos tracks: nació y se crió en Remedios de Escalada, en el seno de una familia humilde y afrodescendiente que nunca ocultó o negó sus raíces. “Mi abuelos y mi mamá son afroargentinos. A ellas les encantaba bailar y a él hacer candombe, tanto que le enseñó a tocar el bongó a mi viejo.

Lo sentaba y lo tenía horas”. De esa

A ella sí le importa, por eso es rigurosa al imaginar cada set (“cambian de acuerdo a la ocasión, pero nunca puede faltar la música afro”) y versátil a la hora de desenvolverse por fuera de la consola: tan sólo en 2019 formó parte de la producción de la BDM Femenina, juradeó Camet Camino a la Deluxe y se ocupó de los beats en la primera edición de la Federación Femenina de Freestyle (Triple F). “Los voy compilar en un disco. Es importante visibilizar el laburo de los beatmakers”, anticipa quien apunta a vivir de sus propios remixes y mashups. “No soy David Guetta, pero con el tiempo, y a mi ritmo, evolucioné: ¡ya no mezclo como

al principio!”, explica y la reciente “Danza trapperreo” (instrumental disponible en YouTube) sirve de ejemplo: “Es la primera de varias cosas que saldrán este año”.

Suerte de antropóloga musical, Sista V se sumerge a menudo en un océano cada vez más profundo de tracks para armar su repertorio.

Bucea, explora y rescata. Se considera una persona “open mind” y aclara que no todo lo que consume termina engrosando sus sets, pese a que esté escuchando de todo en todo momento. Si se sitúa en el presente, la deejay residente de la Fiesta Prestige sugiere prestarle atención a lo que están haciendo Burna Boy, Mahalia, Solange, HER, Jorja Smith y Mr Eazi.

De la vieja escuela menciona a 50 cent, Wu Tang Clan, Tupac, Biggie, Queen Latifah, Mc Lyte, TLC, J Dilla, The Roots, Slum Village, James Brown, Aretha Franklin y Whitney Houston, nombres que la formaron, educaron y hasta acompañaron en su debut, cuando en 2007 tomó la posta en una fiesta de amigues que se había quedado sin el responsable de pasar temas.

Y si bien no sabía de qué manera hacerlo, poseía la impunidad propia de les adolescentes y alguna noción gracias a que su padre, Carlos Vieytes, había sido DJ de música disco.

-¿Cuáles fueron tus herramientas aquella noche?

-CD’s. Al principio era así, todo muy humilde: a veces dos discman, un mixer. Nada de compactera, hasta que me pude comprar mi primera compu gracias a un laburo. Ahora tengo tres setups: el primero (y el que más uso) es con controlador; el segundo tiene bandeja y mixer,

que lo controlo con Serato (software); mientras que el tercero es un mix que me permite lanzar pistas con Ableton Live (secuenciador) y dispararlas con un pianito midi. Al último le sumo una bandeja chiquita portable que uso para tirar scratch (técnica con la que se producen sonidos a través del movimiento hacia delante y hacia atrás de un vinilo).

-Al mundo del scratching ingresaste de la mano del histórico DJ Rolex, ¿no es así?

-Hice un curso de scratch con él, donde también daba todo lo que era mezcla y tiraba un montón de tips. Todavía me sigue bajando data sobre turntablism (sinónimo de DJing) y portabilidad (bandejas portables). Es lindo compartir con un referente de la disciplina. DJ Black es otro copado y humilde, un pionero con el que pude compartir cabina.

La fiesta significó la primera aventura del ahora rebautizado camino de la heroína que trece años después tiene a Vieytes como militante full time de la cultura Hip Hop. “Me dio la oportunidad de tener una profesión, de tocar en la Cúpula del CCK”, aclara. Está satisfecha con lo recorrido hasta el momento, sí, pero su memoria emotiva no le permite bajar la guardia. Al principio, comenta al pasar, hubo mucho laburo y autogestión. Un Do It Yourself que no le impidió desarrollar el músculo de la empatía: un día se la puede ver pidiendo por la absolución de Eva Analía “Higui” y al otro siendo parte de un festival en apoyo a la fábrica recuperada Madygraf.

Hoy, junto a Tatu Franchi (periodista/divulgadora), Taty Santa Ana (host/agitadora cultural), Mirna (productora), Kris Alaniz (MC), Tink (primera jurado mujer de la FMS local), es referente de una escena donde las pibas tienen cada vez más presencia y protagonismo. Por caso, la última final nacional de la Red Bull Batalla de los Gallos Argentina tuvo entre lxs 16 finalistas a dos mujeres, NTC y Roma, que alcanzó el cuarto puesto.

-¿Solían ser muchas al inicios?

-¿Al inicio? ¡Re pocas! Ahora creció.

-Teniendo en cuenta tu experiencia y que integraste el colectivo feminista y disidente Hip Hop Sororo, ¿sentís el peso de orientar a la camada que está surgiendo?

-Ayudar a mis pares no es una mochila. Todo lo contrario, es una responsabilidad que asumo para que no pasen por las cosas malas que atravesé (gente que no te paga o trata como corresponde). Al ser mujer, toca hacerse respetar y valer por lo que una hace. Se puede, claro, pero lleva tiempo, cuesta y no deja de ser una cagada.

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ENTREVISTA

FÍGARO BANDA DONDE EL HIP HOP VIVE 40

Cronista: Lucas Gonzรกlez| Fotos: Lucas Iborra 14 de Abril

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El grupo de Rock & Rap liderado por el freestyler Klan acaba de publicar su nuevo disco, Volumen III. “Son letras con mucha realidad”, aclara el MC. Rodeado y amparado por sus tres compañeros, Klan asegura que Fígaro Banda es un grupo difícil de clasificar, mal que le pese a más de un purista. “Somos muy rockeros para los raperos y muy raperos para los rockeros”, define el cantante y compositor sobre una propuesta musical que no abunda por estos pagos: un híbrido que combina el flow callejero de los Beastie Boys, la impronta avasallante de Rage Against The Machine y la retórica rabiosa de Cypress Hill.

El MC sostiene que, a diferencia de lo que ocurre con otros géneros, hay puntos de contacto entre el rock y el rap que exceden lo estrictamente sonoro: “La forma de vestir, la gente con la que te juntás, los ambientes que frecuentás. Son estilos de vida. Y eso facilita que rockeros y raperos también empaticen”, improvisa uno de los competidores más avalado y respetado en el circuito del freestyle argentino.

Introducido el tema, la primera aclaración: es Fígaro Banda, sin artículo, a secas. La segunda: no es el proyecto solista de Klan, ni un conjunto al que se acopla eventualmente, como solía hacer Wos con Banzai FC. En realidad, el artífice de este eslabón perdido entre Cadena Perpetua y Militantes del Clímax fue Ulises Gagliardino, un bajista con el look de Kevin Parker y la versatilidad de Flea. “Tenía en la cabeza la idea de hacer algo con un rapero, y luego por medio de un amigo en común nos conocimos personalmente con el Klan”.

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-¿Qué pasó después de ese primer encuentro, Ulises?

Ulises Gagliardino: -Lo llamé y le dije de juntarnos. Por aquella época (2016), todavía no estaba muy ocupado (risas).

Klan: -Aparte, ya sabías cuál era mi estilo.

-Klan, entre tu paternidad, la participación en competencias y los ensayos de la banda, ¿cómo hacés para escribir?

K: -Escribo muchísimo. Es mi desahogo. Por ahí paso meses sin hacerlo, pero cuando me agarra la ansiedad compongo una letra y posiblemente en media hora la tenga terminada. Y al otro día haga otra, y otra. Tengo etapas creativas que me duran una o dos semanas en las que me cuesta parar.

-Por fuera de Fígaro, tenés once discos de estudio. ¿Encontrás diferencias entre un proyecto y otro en cuanto a las letras?

K: -Cambian los flows, los estilos y no tanto de lo que hablo, porque nunca hice letras genéricas o comerciales: siempre escribí lo que sentía, o una fusión de ideas que me nacen de la cabeza. Fígaro me brinda la posibilidad de sonar diferente.

-¿Cómo sería eso?

K: -Me cuesta explicarlo, pero siento que lo gozo más al ritmo, que lo puedo bailar. A las letras las veo más forreadas, sabrosas. En cambio, con lo otro me vuelvo una persona seria, me encierro, porque me gusta sonar completamente poderoso. Es algo mucho más egocéntrico. Me pasó de usar una letra

de mi proyecto solista en Fígaro, pero en ese caso cambié el “yo” por el “nosotros”, porque quiero hacerlas más familiares.

-Pero hay temas del reciente Volumen III (2019) con referencias personales, caso “Serena morena” (“Tenga mucho cuidado, porque la fama activa y también engaña”) o “Game over” (“La calle te condena, me decía la abuela”).

K: -Parafraseando a Akapellah: “Si hayan contradicciones en algunas de mis canciones es porque mis letras están fundamentadas en mis emociones”. Me pasa de todo, soy una persona. No puedo evitarlo.

Tampoco salir ni escapar de lo que sufro.

-Y a nivel personal, ¿en qué momento te encontró el proceso de composición?

K: -Me agarró en una versión adulta y sana, donde puedo divisar las toxicidades de la vida. Además, decidí volver a mi fundamento.

Siento que en un momento dejé de hablar de lo que realmente importa. Me preocupé más por pulir estilos, métricas y demostrar habilidades en lugar de transmitir lo que realmente me pasaba. Estas letras tienen precisamente eso, realidad. Mucha realidad.

-Y no es la única diferencia entre la placa nueva y las anteriores, Volumen I (2017) y II (2018). ¿Cómo la pensaron? Porque se nota que aumentaron las dosis de harcore (“King”) y funk (Stylo”).

UG: -Sí, en Volumen III primero trabajamos la música y luego se la pasamos al Klan para que escribie-

“Escribo muchísimo. Es mi desahogo. Por ahí paso meses sin hacerlo, pero cuando me agarra la ansiedad compongo una letra y posiblemente en media hora la tenga terminada.”

ra las canciones.

K: -Cuando me comentaron la idea de hacer un disco les dije que sí, porque ya sabía que tenía letras. Aprendemos sobre la marcha qué es lo más cómodo para trabajar. Se pierde un poco la magia de estar con ellos, es cierto, pero esta dinámica me permitió frasear más cómodo. Por eso junto a Diego buscamos que sea el disco más raperizado de los tres.

Con un pasado variopinto (tocó punk, folklore y cumbia), Diego Juantorena fue un testigo privilegiado de la manera en la que se formó y desarrolló artísticamente Fígaro: previo a sumarse como baterista, para hacer Volumen II, ofició de drum doctor en la grabación del iniciático Volumen I. “Desde afuera me llamó mucho la atención Klan. No lo conocía, pero al toque me di cuenta que era un sarpado. También me gustó el sonido envolvente de la viola”.

A cargo de Sego Segovia, la guitarra ocupa un lugar protagónico y tradicionalmente destinado al teclado en el Hip Hop. Emula la función de los samplers, pero sin descuidar la escuela rockera que lo formó (La Renga, Redondos, Nirvana, Smashing Pumpkins). Por eso abundan los riffs y los efectos. Por eso Fígaro es lo que es.

-Pero tu estilo evolucionó a lo largo de los años.

Sego Segovia: -Cuando todo empezó, recién ingresaba al mundo de los pedales. Era más una onda Pappo, distorsión, zapar y ver qué magia se le podía meter. Ahora, en cambio, se refinó todo. Hasta retomé el estudio en la Escuela de Música de Lanús, después de muchos años de hacerlo de forma autodidacta.

-Ustedes dos son los pivotes sobre los cuales muchas veces se articula la dinámica del grupo. ¿Con cuánto tiempo de antelación comenzaron la producción de Volumen III? Diego Juantorena: -Unos cuantos meses antes. En realidad, recurrimos a una carpeta que se llama “Ideas Fígaro” donde tenemos material como para tres o cuatro discos más.

-Y al momento de seleccionar esas ideas, ¿pensaban en lo que podía llegar a componer Klan o no necesaria43

mente?

DJ: -A él le tenemos una confianza muy ciega, sabíamos que haría un trabajo espectacular llegado el momento de grabar. ¿Por qué? Me pasó de escucharlo rapear arriba de cualquier cosa, literal: un día lo hizo sobre la baliza de un auto, ja.

-Con respecto a esto último, Klan, ¿se puede batallar y apostar por la música al mismo tiempo?

K: -Competir me brinda otro tipo de llegada a las nuevas generaciones. Me beneficia siempre y cuando lo fundamentalice (sic): si yo no digo que soy músico en una competencia, que tengo una banda que se llama Fígaro, es difícil que un chico se entere de lo que hago.

Me parece muy necesario ir y diferenciarse del otro, marcarle que yo soy músico, rapero. ¿Te quedan muchos años en las competencias?

K: -Sinceramente, no lo sé. Creo que sí, porque no podría dejarlo hasta que no cumpla ciertos objetivos.

-¿Cómo ganar la internacional de Red Bull?

K: -No importa tanto qué internacional, pero sí me gustaría que sea un título mundial. También me falta competir con algunos adversarios: Skone, Aczino, si algún día vuelve. Después de todo eso, me dedicaré a la música, porque este año me estoy profesionalizando más que nunca. Me gustaría decir que el próximo año voy a poder vivir sólo de esto…

-¿En serio?

K: -Si este año salen las cosas bien, sí. Esperemos.

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ENTREVISTA

EVE CALLETTI

MUTAR PARA SER MEJOR

Cronista: Lucas González | Fotos: Gentileza Prensa 22 de Abril

A fuerza de música urbana, la cantante, compositora y guitarrista renueva el manso indie.

La estadounidense Eydie Gormé (1928-2013) debutó discograficamente en 1950, tras fichar por el sello MGM. Tenía 22 años y más de 30 álbumes por delante, aunque el clímax de su extensa carrera ocurrió durante la década del 60, cuando comenzó a cantar boleros en español, idioma que aprendió gracias al origen hispano-turco de su familia. Su versión de “Échale la culpa a la bossa nova” (conocida en inglés como “Blame It on the Bossa Nova”) llamó la atención de Los Panchos, que la ficharon de inmediato, formando así una dupla imbatible: ellos aportaban la estructura y ella una cadencia irresistiblemente singular al vocalizar.

De acuerdo a Eve Calletti, nueva exponente del manso indie, la oriunda de Bronx es un nombre indispensable si de canciones románticas se trata. “No habrá nadie como ella”, confirma la mendocina de 26 años que se referenció en Eydie Gormé para componer su reciente lanzamiento, “Corazón”.

Orquestado sobre una base rítmica moderna (prestar atención al quirúrgico rasgueo de guitarra), esta suerte de bolero millennial aborda con la dosis justa de dramatismo un tema tradicional (las relaciones) evitando el cliché de “la letra súper fatalista”: “Dame tus manos esta noche / Quiero sentirlas acariciar el vendaval que hay en mí”.

Corta pero eficaz. La sociedad, que coincidió en tiempo-espacio con la “invasión inglesa” a Estados Unidos, arrojó tres recordados trabajos de estudio (Amor, Más amor y Blanca navidad) que entre 1964 y 1966 instalaron al cuarteto en varios mercados hispanoparlantes, incluido el argentino. Posteriormente, el trío se convirtió en un clásico y la cantante, por su parte, en una figura de culto que sumó galardones y colaboraciones (Frank Sinatra, Roberto Carlos y Armando Manzanero).

Producto de una formación autodidacta -a los diez años tuvo su primer approach con la viola- y del paso por la Universidad Nacional de Cuyo, donde estudió música popular, Calletti se mueve de manera fluida a través de los ritmos. Tiene una relación íntima e intuitiva: los asimila, deforma y da forma, al igual que Bad Bunny, artista que también incursionó en el bolero y al que no le pierde pisada (“me parece un copado”). Otro vaso comunicante con el boricua: previo al aislamiento social obligatorio, ella trabajaba en “Lento”, un reggaetón

producido por Christ Sonic aka Jxyerx y del que hay un anticipo en Instagram.

Al género ingresó por el lado del baile y de la mano de amigues.

Reconoce que el soundtrack ideal contiene J Balvin y El Conejo Malo, claro, pero sobre todo a la vanguardia ibérica: C Tangana, Kaydy Cain, Bad Gyal, La Mafia del amor.

Además de la idiosincrasia, le atrae la fonética y la manera de expresarse. Es una cosa cercana, próxima, y al mismo tiempo distante y distinta. Lo suyo también toma distancia del mainstream, por lo menos en lo discursivo. Del dicho al hecho hay un trecho que zanja con soltura. “Siempre discrepé con las canciones de cosificación, que son casi todas”, aclara. “Por eso, desde mi lugar, intentaré hacer letras que me identifiquen, que no sean ofensivas para nadie”, concluye.

La misma inquietud que la llevó al reggaetón hizo que, tras la publicación del onírico Dixa (2019), se alejara de Té con King Kong. “Por el momento está pausado, cada una tomó un camino distinto”, dice acerca del trío que formó en 2017 con la pianista Paula Sánchez y la baterista Silvina Ormeño. “Yo soy 45

una manija, tenía ganas de investigar, de urbanizar un poco el estilo del grupo, pero las chicas son de otro palo”.

El flirteo de Calletti con la música urbana aparece explícitamente en tres de los seis tracks de Vintage futurista (2019), su álbum debut: “Tu cuerpo incendio” apela al scratch; “Soft Babe” tiene un beat ralentado y a los MC‘s cuyanos Padawvn y Akafortysuave; mientras que la soulera “Mi vida como vacaciones” suma las ingeniosas barras de Doppel Gangs, alter ego raper de Simón Saieg. La otra mitad del trabajo, embebida en un registro más íntimo -aunque no por eso menos efectivo-, la completan “Trémulas”, “No quiero ser normal” y “Confesiones”.

“Me encanta el Hip Hop. Ahora estoy mucho con el lo-fi. Cuando quiero trabajar sobre algún géne46

ro, me he acostumbrado a hacer una escucha atenta, ver tutoriales, buscar referencias para que me sirvan de inspiración”, cuenta y reconoce que, uso de Ableton Live mediante, diagramó la arquitectura de su obra. “Son temas que traen una base conocida (funk, rhythm and blues), pero con un toque moderno. Según el bajista de mi banda, el disco es re Nickelodeon: sonidos flasheros, efectitos, ruiditos y cositas”.

Entre tanto, la música generada en Mendoza sigue su curso y añade ramificaciones. Muta para ser mejor y diferente. ¿Qué le depara luego del boom generado por el manso indie? Calletti opina: “Cada uno hace su propio camino. No es lo mismo Perras On The Beach y Usted Señalemelo que el universo planteado por Anyi, un poco más electrónico. O con lo mío, que se sale un poco de los marcos de lo

que es el indie. Hay que ir despacio, sabiendo que lo primero y principal es hacer buena música. El resto viene por añadidura”.

-¿Ya pensaste en tu próximo movimiento? ¿Interpretar algún cover de Eydie Gormé, tal vez?

-No lo creo, aunque lo hice durante muchos años. Mientras iba a la facu, como era un mundo más latinoamericano, tenía una banda con la que hacíamos versiones de Drexler, carnavalitos. Pero cuando empezás a crear tus propias temas te olvidás de todos los que sacaste.

-Entonces, ¿qué se viene?

-Además de seguir con Anyi (NdlR: es parte estable de su conjunto), tengo muchas ganas de pinchar discos. Es un universo nuevo y por ahí esas skills me ayudan a componer otro tipo de música.

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FOTOGRAFXS Anabella Reggiani, José Fuño, Lucas Iborra, Laura Torres y Paula Ruiz.

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