REVISTA EL BONDI ENERO/FEBRERO 2020

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Ph.: Mara Moreno

ENERO / FEBRERO 2020

entrevistas JUANCÍN - POTRA - ZAHARA FEDE CABRAL - UVA MONDAYS coberturas JUAN INGARAMO Y MALA FAMA MOLOTOV - BESTIA BEBÉ COSQUÍN ROCK 2020 1

CONTENIDO COBERTURAS Juan Ingaramo - Mala Fama 4-5 Attaque 77 6-7 Palo Pandolfo y La Hermandad 8-9 Andrea Álvarez y Knei 10-11 Molotov 12-13 Daniel Melero 14-15 La Polla Records 16-17 Cosquín Rock 2020 18-23 La Vela Puerca 24-25 Festival Buena Vibra 2020 26-29 Los Tabaleros 30-31 Raly Barrionuevo 32-33 Bestia Bebé 34-35

ENTREVISTAS Potra - Sofía Vitola 36-37 José Palazzo 38-39 Cosquín Rock 2020 40-41 Luciano Gagliesi 42-43 Uva Mondays 44-45 Fede Cabral 46 Zahara 47 Juancín 48-50

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Ph.: Alan Guex

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COBERTURA - Juan Ingaramo - Mala Fama

CAMPEONES Y AMIGUEROS Cronista: Juani Lo Re | Fotos: Mara Moreno 16 de Enero

El Parador Konex inauguró su edición 2020 con los shows de Mala Fama y Juan Ingaramo, una combinación explosiva y veraniega.

Como si se trata de una broma del destino, el jueves 16 fue el día más frío de la semana, justo en la fecha indicada para la apertura del Parador Konex 2020.

Si pudiésemos decir que los artistas funcionan mejor en determinada estación, Mala Fama y Juan Ingaramo son para el verano tan compatibles como es la coca para el fernet.

Por eso poner a los dos juntos para abrir un nuevo Parador Konex al aire libre fue un acierto de antemano.

Cerca de las 19 horas, la Ciudad Cultural del Abasto empezó a colmarse de gente, en su mayoría joven, con tragos en la mano, jugando fichines, y sacándose fotos con Hernán Coronel, que salió minutos antes de su set a saludar a sus fans.

A Mala Fama le tocó abrir el escenario y fue tremendamente bien recibido por la gente a pesar de un conflictivo arranque. Tras comenzar con “Soy Mala Fama”, al cantante se le ocurrió que era buena idea presentar a sus músicos en el segundo tema.

Varios minutos de show se comieron los músicos haciendo un pequeño solo cada uno, mientras Coronel repetía sus ya ilustres frases, un argot exclusivo en los seguidores de la banda, como “vamos a agitar el avisperouuu”, “viva la sagrada musiquera” o el clásico “japish” mientras simula una cachetada.

Luego esa oda a la infidelidad llamada “A las cuatro vos te vas”, para “Te Volviste Uto”, el frontman decidió cambiar ciertas frases de la canción

para adecuarla a los tiempos que corren, y “La Motito de Carlitos” comenzó a levantar el nivel del recital casi a mitad del set.

Pero el mejor momento llegó al final, cuando el Malajunta Malandro fue invitado a cantar “Made in Argentina” en una cumbre de la vagancia, con el trapero improvisándole unas coplas en homenaje al malafamero.

Tras un breve receso, Juan Ingaramo salió decidido a transformar la capital en su Córdoba natal. Con una gran presencia en el escenario, musculosa de Elvis incluida, el cordobés plantó bandera con “El Campeón”.

Solo con un baterista, un bajista y una corista, si algo sabe Ingaramo es cómo levantar la temperatura del show, con 5

mucha soltura, una actitud seductora y su irresistible tonalidad cordobesa. Por su repertorio pasaron “Matemática”, que cuenta con la participación de Adrián Dárgelos en su versión estudio, y “Clave”, que tuvo la presencia de Miranda! pero solo a través de la pantalla de led.

Y si hablamos de Córdoba tenemos que hablar de Rodrigo, leyenda del cuarteto. “Fuego y Pasión” fue tocada en clave de reggaetón con cientos de celulares iluminando el Konex. Bajo la propuesta “doble o nada”, siguió una versión acústica de “Por lo que yo te quiero” -otro himno cuartetero, popularizado por Walter Olmos- que fue cantada casi en su totalidad por el público presente Luego de la hiper-bailable “Cuartefunk” y “Ladran”, Ingaramo abandonó el escenario tras casi una hora de shows, dejando la pista caliente para los próximos shows del Parador.

En los papeles fue un gran acierto poner a estos dos artistas para abrir un nuevo Parador Konex.

En los hechos, Juan Ingaramo tuvo lo que le faltó a Mala Fama, presencia y valentía para salir a jugar de local.

Para arrancar el año a puro punk y rock, Attaque 77 llevó sus melodías al Teatro Flores, el pasado 18 de enero, y renovó sus votos con el fiel público que los acompaña desde hace ya más de treinta años. Acá, te dejamos nuestra cobertura fotográfica para que puedas disfrutar de las mejores fotos de su presentación.

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COBERTURA FOTOGRÁFICA - Attaque 77

¡PODRÁN PASAR MIL AÑOS! | Fotos: Paula Ruiz 18 de Enero

La banda de Mariano Martinez, Luciano Scaglione y Leo de Cecco se presentó en Flores y brindó un potente show en el teatro porteño.

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COBERTURA - Palo Pandolfo y La Hermandad

VOLVIENDO A LA PAMPA Cronista: Milagros Carnevale | Fotos: Pilar Guevara 24 de Enero

Junto a La Hermandad, el cantautor le dio comienzo a un nuevo año de música, amor y experimentación la noche del 24 de enero en La Tangente.

Palo Pandolfo empezó el 2020 en La Tangente y para abrir su show las invitadas fueron las mujeres del conjunto Igra Voces. Con sus historias milenarias y su ritual musical, que sale de las entrañas y se mezcla con el aire, le dieron la mano al público y lo llevaron a través de alguna puerta mágica a otra dimensión, para encontrarse con Palo.

“Drácula” fue el primer tema y la premonición de lo que luego sería toda la noche: buscar la emoción del mágico sabor de la música. Para Palo Pandolfo y La Hermandad este fue un show de transformación: “nos estamos reencontrando con nosotros mismos”, algo así como plantea una de las canciones que siguieron, “Un reflejo”: “reinventó el sol / reinventó la luz / reinventó el amor”.

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El show estuvo signado por dos cosas: el aniversario de Luis Alberto Spinetta y el pedido del público por “La Pampa”, un clásico de Los Visitantes, la banda que lideró el cantante allá por 1989 luego de la separación de Don Cornelio y La zona. No importaba cuántas veces Palo asegurara que estaba en la lista, la gente seguía reclamando. Anduvieron y anduvieron: rezaron frente al altar de la risa roja, esperaron la primavera, se bañaron en sangre lenta, homenajearon a Spinetta con “La Búsqueda de la Estrella”, murieron ceniza y renacieron diamantes, se enamoraron en un bar que cerraba a medianoche y finalmente llegaron a “La Pampa”.

Como un grito del suelo, como una llegada luego de un largo viaje, como una guerra de

amor recién ganada, como un perdón, aparece “La Pampa” entregándose a todos nosotros, a todo el público de Pandolfo que acepta el viaje psicodélico hacia la transformación, una vuelta a la naturaleza. Una vuelta, esa noche, en La Tangente, a los orígenes del rock nacional.

Spinetteano en el humor y ceratiano en el sombrerito piluso, argentino desde los pies hasta el pelo. Palo recuerda siempre a la música eterna que él se ocupó de mantener en vilo. La noche del 24 de enero hubo un poco de cada época: 1987, 1994, 1996, 2007, 2013 y mucho del 2016. Un retrato perfecto del artista, antes, mediante y luego de cualquier transformación: una experiencia miscelánea.

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COBERTURA - Andrea Álvarez y Knei

UNA NOCHE DE rock & roll EN NICETO CLUB Cronista: Maximiliano Novelli Frutos | Fotos: Pilar Guevara 01 de Febrero

Andrea Álvarez y Knei compartieron fecha por primera vez en el predio de Palermo, con canciones nuevas de la baterista, más el repaso por la última placa del grupo pampeano.

Rock de pura cepa fue el que se concentró en la calle Niceto Vega, en un recital que unió a Andrea Álvarez, una de las grandes instrumentistas y compositoras del rock argentino, con el trío Knei, que tiene un recorrido que inició en el under pampeano a principios de la década anterior y que continúa su franco ascenso. Además, invitaron a la guitarrista Sol Bassa, quien fue la encargada de abrir la velada mediante un set acústico.

Luego de que Bassa dejara el escenario preparado para la baterista, Álvarez irrumpió con el poder que la caracteriza frente a los parches, para crear un terremoto sonoro junto a sus secuaces, Tomás Brugués en las seis cuerdas y Lonnie Hillyer en el bajo. Así, la música inició con “Te lo juro”, uno de los varios tracks de su último disco a la fecha, Y lo dejamos venir (2015).

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De ese mismo trabajo, sonaron también el que le da título, “Vamos viendo”, “Vende humo”, entre otros.

“Discrimina, te lastima, nos enferma y me duele”, cantó Álvarez en “Esa belleza”, cuya versión original publicó en Dormís? (2006), pero que aún hoy se mantiene totalmente vigente. Luego del único rescate de su segundo registro, fue oportunidad de mostrar un tema nuevo, que empezó, interrumpió para ajustar sonido y retomó hasta rematar con un enfático “¡Éste es un tema nuevo!”, luego de mostrarlo por primera vez en vivo. Al revés de esa dinámica que expone las novedades luego de ser plasmadas en el estudio, “todavía lo estamos investigando”, explicaba la artista.

un segundo estreno, aún sin título oficial, que empezaba con la siguiente frase “Cuando me muera voy a pedir que no me entierren, para subir y desde arriba voy a escupir, a las alimañas que nos hicieron sufrir”. Toda una declaración de principios que se conjugaba con una potencia muy notoria en cada nota que se escuchaba.

Los efusivos aplausos del público y la felicidad de Andrea fueron evidentes desde el comienzo hasta el final de su set, “estoy re contenta de que estén acá”, remarcó y agradeció a los y las músicas presentes en la noche, como así también a la audiencia. Fue entonces que decidió cerrar con “un homenaje a las mujeres y a la mujer en el rock”, mediante el cover “Me vuelvo cada día más loca”, aquella pista que originalmente compuDespués de más hitos de su último so Celeste Carballo a principios trabajo, los y las presentes vieron

de los 80. Así eligió despedirse y guitarrista y cantante de Ayersentenció: “una noche de Rock and maniana, banda con la que han Roll en Niceto Club”. compartido andanzas en fechas majestuosas en el pasado.

Posterior a un breve intervalo para refrescar la garganta, Knei hizo su A continuación, la tercera invitada aparición en las tablas con “Nuvem fue Karina Vismara, quien aportó leopardo” y el aire se volvió más su voz y su guitarra acústica en la denso. “Buenas noches Buenos entrañable “Jardín”. El conjunto Aires”, saludó a la concurrencia volvió a su formación base para el guitarrista y cantante Nicolás interpretar “Mensaje eterno” y Lippoli, quien para la segunda pis- nuevamente hicieron metamorta invitó a Martín Rodríguez -Po- fosis para incluir a quien abrió la seidótica- que sumó un segundo noche, Sol Bassa, esta vez con bajo para “Vieja mujer”. No sería guitarra eléctrica, quien mostró su el último invitado del trío. talento en “Caso perdido” La mayor parte de la lista del grupo pampeano repasó su más reciente creación, III (2019), y sólo rescataron “Hasta que se ponga el Sol”, procedente de La puerta del Sol (2011), su debut. Para interpretar esa canción trajeron a su propio técnico, Maximiliano Leivas, quien también oficia de

“¿Qué está bien y qué está mal?”, otra más de su tercer LP.

Andrea Álvarez describió a la perfección la noche en el club de Palermo. Rock en estado puro, que atravesó diferentes climas, letras, distorsiones, golpes, armonías y también una interesante fuerza femenina que hizo el balance perfecto. Así, la música, y en particular, el rock, fue protagonista. Knei una vez más demostró un sonido impecable, una potencia descomunal y por qué sigue vigente el rock desde las bases, con un disco antológico que hace del vivo una En ningún momento las miradas experiencia única. fueron apartadas del escenario, las cabezas se movían, los cuerpos vibraban con cada nota y se observaba quienes seguían las letras a la perfección. El agradecimiento que expresó Lippoli no se hizo esperar y siguió esa suerte de trance hasta el final, que ocurrió con 11

COBERTURA - Molotov

DESCONEXIÓN SIDERAL Cronista: Juani Lo Re | Fotos: Daniel Prieto 06 de Febrero

Molotov presentó su MTV Unplugged “El Desconecte” ante un Teatro Coliseo explotado.

Viven de los aplausos y de los monedazos. También de arremeter contra gobiernos totalitarios. Viven de hacer bailar a miles de personas. De hacer rock, acariciando el hardcore sin dejar de lado sus letras irreventes y de protesta. El Desconecte es el formato MTV Unplugged de Molotov, tan popular por la década del ’90, en el que el cuarteto reversiona sus clásicos en versiones acústicas y sin perder la explosión que las caracteriza Así fue pensada toda la cita en el Teatro Coliseo, que arrancó con un miniset de Manu Martínez -hija de Andrés Ciro- quien mostró las canciones que formarán parte de su disco debut 19, bajo la atenta mirada de su papá desde las consolas. Mientras, los fans miraban las historias de Tito Fuentes vía Instagram, 12

quien minuto a minuto iba informando su llegada al teatro tras un demorado vuelo.

Incidente que no fue pasada por alto por él mismo y sus compañeros que le hicieron chistes toda la noche sobre el asunto.

Ahora si, después de las 22 horas las luces se apagaron, las banderas rojas con la letra M se desplegaron y el cuarteto mexicano se ubicó en sus pocisiones, listo para el ataque.

“Here we Kum” fue la primera bomba. Sin embargo, y a pesar de tocar rápidamente “Ama-

teur (Rock me Amadeus)” y “Chinga tu Madre”, el público no lograba o no se animaba a despegarse de sus asientos.

“Pueden pararse si es que quieren”, invitó Paco Ayala. “Si no se paran ustedes, me paro yo”, dijo Micky Huidobro abandonando el sofá donde tocaba en el que invitaba a varias chicas a sentarse junto a él. Así fue como Chicho saltó a la platea para cantar “Gimme the Power”, con selfies a pedido incluidas.

El cóctel explosivo “Dance and Dense Denso” y “Mátate Teté”, terminó de levantar a más de mil personas, que si no hicieron pogo fue porque las butacas se lo impidieron, mientras Money Mark -ex- te-

cladista de los Beastie Boysvolaba desenfrenado a sus casi 60 años.

Un cambiazo de instrumentos entre Paco Ayala y Randy Ebright dio paso a “Dreamers”, cantado por éste último, el inédito del Desconecte, que habla sobre los inmigrantes que la América de Donald Trump quiere echar.

“Hit me (gimme the power II)” y “Frijolero” se corearon todavía con la mirada puesta hacia el norte con las cálidas luces formando la bandera de México. Luego, los mexicanos pidieron por la igualdad de raza en pleno siglo XXI en “Voto Latino”, con el percusionista Carlos Salas castigando los timbales como si estos tuviesen la cara del mandamás

norteamericano.

El descontrol vino en los bises.

El ritual de “Rastaman-dita”, con cientos de mujeres bailando en el escenario (algunas de ellas hasta haciendo topless) no terminó mal porque los guardaespaldas de la banda devolvieron al público a todo varón que intentó colarse. Y la recontra revisitada “Puto” fue la última canción con los cuatro músicos parados bien juntos como en un recital enchufado.

Locales como siempre, Molotov pasó otra vez por Buenos Aires antes de presentarse en el Cosquín Rock 2020 y dejó bien claro que aún les quedan muchas ganas de seguir gritando: “¡Viva México, cabrones!”

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COBERTURA - Daniel Melero

CLIMAX DE MEDIANOCHE Cronista: Maximiliano Novelli Frutos | Fotos: Bar Sardi 07 de Febrero

Luego de haber pasado por el festival Mar del Pop, el músico regresó a Capital Federal para mostrar reversiones y canciones roqueras transformadas, en La Tangente.

La noche que invitaba a una necesaria salida hasta las profundidades de la madrugada comenzó en una fecha en la que Daniel Melero, consola y sintetizador mediante, exploró una vez más canciones, texturas, melodías y sonidos con capas, tal como hizo desde los comienzos de su carrera allá por los tempranos años 80, para generar un clima especial a aquella velada que abría el fin de semana.

y una marejada sonora invadieron el recinto. Los pulsos invitaban al baile y desde el principio, el movimiento que producía, la música se mantuvo inalterable hasta el final.

Además, las canciones que iban una seguida de la otra, no dejaron lugar para el silencio entre las pistas y éstas hicieron que los cuerpos no tuviesen descanso durante aproximadamente hora y media.

Pero no sería una fecha instruEn esa sintonía, a medida que las mental, sino que las canciones personas ingresaban al recinto también tuvieron su lugar, de la calle Honduras pudieron aun cuando el ex Los Encargaver que en esta ocasión la aperdos cantaba en «Palabras», que tura no fue con música sino con éstas «todo lo infectan, definen las proyecciones que estuvieron a cosas pero no son ellas”. La ironía cargo de Ayar Blasco, que fue el formó parte del juego, como un creador junto a Juan Antín del estilo de composición que no sólo largometraje animado «Mercano experimenta con los loops, la el Marciano”, y esta vez introdujo infinidad de posibilidades de los a la concurrencia con animaciones sintetizadores o de la computadopsicodélicas del mundo absurdo ra, sino también desde la lírica. del personaje “Chimbonga!”.

Hubo tiempo para reformular Tras levantarse la pantalla que temas de otras épocas, como cubría todo el escenario, Melero “Amor difícil” -publicado orig-

inalmente en Cámara (1991)o «Sangre en el volcán» -de M (2002)- y traerlas al presente junto a otras pistas más nuevas, como aquellas editadas en uno de sus últimos larga duración. Así, desde tiempos más actuales, mostró «Así asá» y «MK Ultra», ambas de Cristales de tiempo (2017) y algunos simples como «Prueba el fuego», publicado en 2019 y el novísimo «El mal de San Vito», que vio la luz el 31 de enero pasado y que fue el cierre del recital.

Con un set compacto de doce tracks, Daniel Melero llevó tanto a los cuerpos como a la imaginación hacia paisajes sonoros desconocidos. Canciones travestidas, llevaron al futuro a aquellas pistas del pasado e invitaron a sumergirse en la noche, como una fiesta que parecía extenderse hacia el infinito. Y es hacia ese lugar donde la obra del polifacético productor parece dirigirse.

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COBERTURA FOTOGRร FICA - La Polla Records

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DER! | Fotos: Paula Ruiz 08 de Febrero

La vuelta de La Polla Records en el Punto Único de La Plata.

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Sara Hebe 18

COBERTURA FOTOGRÁFICA - Cosquín Rock 2020

STEJO A LO GRANDE

| Fotos: Mara Moreno 08 de Febrero 19

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Cosquín festejó a lo grande con la mezcla de clásicos y los nuevos exponentes de la escena local. De Ciro a Wos, de Los Gardelitos a Cazzu.

Y además: la fiesta de Los Auténticos Decadentes, otra vuelta más de Los Caballeros de la Quema, o la vigencia de León Gieco, Babasónicos, Las Pelotas, Skay o Attaque 77, Y por qué no: los nuevos aires de Nathy Peluso, Neo Pistea, Duki, Valen Etchegoyen, Catriel & Paco Amoroso y más, mucho más.

1 - Nathy Pelusso 2 - Divididos 3 - WOS 4 - Bándalos Chinos

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Skay Beilinson

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COBERTURA - La Vela Puerca

UNA RELACIÓN QUE NO TERMINA Cronista: Juani Lo Re | Fotos: Daniel Prieto 12 de Febrero

Después de pasar por el Cosquín Rock en Córdoba, los uruguayos completaron dos funciones en el Konex con shows al aire libre.

El Parador de Verano de la Ciudad Cultural Konex sigue a pleno y, al igual que el año pasado, recibió por partida doble a La Vela Puerca. La luna ya se encontraba detrás del escenario, cerca de las 20 horas, cuando los uruguayos salieron a las tablas. Una puesta austera de luces y pantalla espejó a 2300 personas que cantaban el ya clásico “Vamos la Vela de mi corazón”.

Apoyados en las canciones de Destilar (2018), su último disco de estudio, “Atála” y “Casi todo”, arrancaron con un repertorio de casi 30 temas.

Tras el saludo inicial de Sebastián “El Enano” Teysera y una advertencia para cuidar pertenencias, el show continuó con un irregular repaso de la discografía velera.

“Frágil” y “Sanar” camuflaron la oscura atmósfera de El

Impulso (2007) con el negro de la noche del miércoles.

“Polidoro” y “Todo el Karma”, en la voz de Sebastián Cebreiro, desplegaron la potencia de Piel y Hueso (2011).

Del cajón de los recuerdos desempolvaron “Potosí” de De Bichos y Flores (2001), con el ya histórico plomo Manolo al frente de la arenga. También hubo momentos para que Rafael di Bello y Santiago Butler vomiten toda la rabia de sus guitarras en “La sin Razón” y, si alguno esperaba alguna canción de Deskarado (1996), se tuvo que quedar con las ganas.

El Enano apaciguó las aguas con su acústica al ritmo de “Hoy” y “Canción para Uno”, que fue la calma que antecedió al huracán. La recta final del show llegó con los hits de A Contraluz (2004), disco que les

permitió el salto a la masividad en Argentina.

“Haciéndose pasar por Luz”, “Va a Escampar”, y el cierre con “Llenos de Magia”, no dejó a nadie con ganas de saltar y ser parte de un pogo mezclado de cerveza y sudor. Antes de irse, el Enano avisó que la luna que antes se había escondido tras el escenario volvería en junio en un show en el Luna Park.

La Vela Puerca pasó una vez más por Buenos Aires con un show algo sucio y desprolijo, pero nunca carente de energía, confirmando que la relación con su público parece no tener principio ni final.

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COBERTURA - Festival Buena Vibra 2020

CANCIONES DE JUVENTUD Cronista: Juani Lo Re | Fotos: Alan Guex 15 de Febrero

El Festival Buena Vibra ofreció una paleta de artistas híper variada en el Hipódromo de Palermo bajo un calor agobiante.

Quince bandas. Un paseo sonoro con doce horas ininterrumpidas de música. Un gigantesco escenario dividido en dos. Casi 20 mil asistentes. Mujeres con glitter. Hombres con camisas floreadas. Foodtrucks, juegos, diversas atracciones, todo esto acompañado de un calor infernal.

La edición más grande que se haya hecho del Festival Buena Vibra tuvo lugar el sábado en el Hipódromo de Palermo con alta convocatoria y una grilla que combinó artistas que marcaron la historia musical del pasado, presente y futuro De entrada un desfasaje en los horarios hizo que las primeras bandas tengan que acortar varios temas de sus repertorios. Le pasó a El Zar, a Nafta, a Paula Maffía y a Barbi Recanati. Un escenario que 26

pretendió funcionar como un reloj suizo se descompaginó un poco. La idea fue que ni bien terminase una banda en una mitad del escenario, inmediatamente arranque la otra, y por momentos no pudo lograrse.

La ex Utopians, que mostró todo su poderío punk jun-

to a Marilina Bertoldi en bajo, anunció felizmente que esta edición del Buena Vibra se convirtió en el primer festival de nuestro país que cumplió la Ley de Cupo Femenino certificado por el INAMU Argentina. Algo histórico para los festivales

de música, y para las artistas mujeres.

para que asistan a personas desmayadas.

Y si de mujeres talentosas hablamos, Fémina y Perotá Chingo consolidaron años de trabajo de hormiga para ganarse un merecido lugar dentro de los festivales para tocar ante un predio que de a poco comenzaba a llenarse.

Miles de personas se acercaron al costado izquierdo del escenario para escuchar de cerca las canciones de Mateo Sujatovich. El líder de Conociendo Rusia hace rato que dejó de ser “hijo de...”, con su pop guitarrero mostró muchísima madurez en sus nuevas composiciones como “30 Años” o “Puede Ser”.

Se hicieron las cuatro de la tarde y el sol no dio tregua, mientras cientos de personas hacían colas kilométricas para buscar algo de agua en los puestos de hidratación, Julián Kartún repartía helados en el puesto de NotCo. Por momentos, buscar sombra se hizo imposible, y el calor fue tan protagonista que hizo que Conociendo Rusia y Bándalos Chinos deban detener su set

Desde Chile llegó Alex Anwandter, y el festival subió varios niveles. Gran parte del público dejó de estar sentado para ponerse a mover las caderas al ritmo de “Siempre es Viernes en mi Corazón”. Puro ritmo, talento e irreverencia, el ex Teleradio Donoso no dejó de lado ni

su humor punzante ni temas políticos. “Como no tenemos tiempo para cantar contra los carabineros de Chile vamos a hacer una canción contra la Iglesia Católica”, bromeó antes de “¿Cómo puedes vivir contigo mismo?”. Y dedicó “Éramos todos felices” a los heterosexuales con “una canción bien guitarrera como les gusta a ellos”.

Para Lisandro Aristimuño la grilla ya había acomodado su horario. El rionegrino tuvo la difícil tarea de ganarse a un público que lo recibió algo escéptico, y vaya que lo logró. Con un look parecido al de Skay Beilinson pero con una voz mucho más cálida, el prolífico Aristimuño ofreció un set eléctrico y ecléctico, que 27

bien sorteado en “Cosas Dulces”. La pose de Rockstar Diva que tan bien le queda apareció en “Y deshacer”, y una exacerbada Marilina no dejó mente sin explotar en “O no?”.

incluyó canciones como “Para vestirte hoy”, “Elefantes” y “Me hice cargo de tu luz”.

Si se pudiese elegir un horario para tocar o ver una banda, esa sería la hora de El Kuelgue.

Con un atardecer anaranjado pintado como un cuadro por detrás del escenario, la banda comandada por Julián Kartún ofreció un set bien festivalero. Con una mixtura de estilos bien ejecutados, un argot propio en connivencia con sus fans (Kartún diciendo “se picó” o «uach» cada dos por tres) y un set algo repetitivo a lo que ya venían haciendo, “Chiste”, “Circunvalación” y “Parque Acuático” pasaron por su repertorio.

Si bien todas las bandas tuvieron estrictos 45 minutos para tocar, Fito Páez dispuso de exactamente una hora al caer la noche. Primera figura histórica de la música nacional que pasó por este festival, el rosarino maravilló a casi 20 mil personas con sus hits 28

Parte de la multitud salió apurada de refrescarse en el patio cervecero porque ya arrancaban los Bándalos Chinos, quienes brindaron un recital prolijísimo y muy ensayado.

Con melodías que se pegan cual melaza en “Tu órbita”, y inoxidables. letras para no dejar de creer en el amor (y en el desamor) en Vestido enteramente de viole“Super V”, la banda de Goyo ta, pasaron por su lista la furia Degano ofrece canciones que de “El Diablo de tu Corazón”, suenan tan ochentosas como el mar de luces de los celulares actuales. en “Brillante sobre el Mic”, y “Ciudad de Pobres Corazones” Pero si se menciona al pop con un incendiario solo de hay que hablar de Miranda!, guitarra de Juani Agüero. “Ám- que pueden dar cátedra en bar Violeta” (para la hija de el género, mucho más cerPáez su mejor composición), ca del tecno-pop y el synth a bajó varios decibeles, antes comparación del indie-pop de de que la nueva corista Flor Bandalos Chinos. El frente Villagra se luzca en la hermosa de ataque Ale Sergi-Juliana “El amor después del amor”.

Gattas, vestidos de rojo y neComo casi siempre, “Mariposa gro, no dejó títere con cabeza.

Tecknicolor” puso fin a un “Mentía”, “Fantasmas” y “Pridemoledor show de Fito Páez sionero” son muestras de que en Buenos Aires. no hay que esperar que pase un tiempo para establecer que Enojada y preparada, Mariya están metidos en la historia lina Bertoldi salió decidida a del pop nacional. prender fuego en el escenario.

Con un show bastante Ale Sergi es uno de los mejores parecido a la edición del frontmen que tiene la esceaño pasado, la ex Connor na local y sería un error decir Questa mostró (una vez más) que Gattas sólo acompaña. por qué es una de las artistas Es el complemento perfecto del momento. Al arranque de para una banda que, sin ella, “Fumar de día” le siguió algún quedaría insulsa. Esta última que otro problema técnico se encargó de “Enamorada”

y una magnífica versión del hit ochentoso “Groove is in the Heart” de Deee-Lite. “Yo te Diré” y “Don”, dos himnos pop que ya quedaron en el cancionero argentino, fueron la despedida para un show que dejó a la gente pidiendo más Lo’ Pibitos fueron la frutilla del postre para un público que no mostró síntomas de cansancio a pesar de tocar casi a la una de la mañana.

Los MC’s Tomás Bacigaluppi y el Dog Ruggiero entraron rápidamente en juego con “Empuja”. Las rimas se dispararon como balas en “Nada que Ver” y todo el ritmo funky acapararon los versos de “Anda corriendo

el rumor”. Amanda Querales se encargó de abrir, como siempre, en ritmo inevitable de “En Espiral”.

El tono de reggae llegó con “El Ritmo de la Vida” antes de la clásica versión de “La Rubia Tarada” de Sumo. “Yastá” encontró a la banda armando un trencito de despedida antes de pedir al público un buen regreso a sus hogares.

Esta edición del Buena Vibra fue aún más grande que la del año pasado en el Malvinas Argentinas. Todavía con los mismos errores (desfasajes de horarios, modalidades desactualizadas para comprar bebidas y comidas), pero con una

apuesta mayor en artistas de renombre.

El Buena Vibra 2020 va a quedar marcado a fuego por el cumplimiento de la Ley de Cupo Femenino. Por las atracciones de siempre, como los juegos de arcade, el merch oficial, las barberías, entre otras, siempre son una buena opción paralela a la música en vivo. Y sin duda, por la comunión de artistas consolidados como Fito Páez o Miranda! que se acoplan a otros más emergentes como El Zar, Fémina o Nafta, atravesando la historia de la música en canciones que hablan del pasado, presente y futuro.

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COBERTURA - Los Tabaleros

NO SE VAYANA DORMIR Cronista: Maximiliano Novelli Frutos | Fotos: Paula Ruiz 16 de Febrero

Los Tabaleros regresaron al Teatro Vorterix para convertir la noche del domingo en una verdadera fiesta.

El clima caluroso de la tarde presionaba sobre la Ciudad de Buenos Aires y parecía que no habría salida posible para ganar unos minutos más al fin de semana, antes de regresar a la rutina frenética de los días laborables. Una vía de escape la ofrecían Los Tabaleros en el Teatro Vorterix, que se proponían hacer vibrar a todas las almas presentes en ese rincón de Colegiales.

Sin preámbulos, el grupo irrumpió en el escenario con el sonido de aves y golpes a los bombos legüeros que dieron el inicio a la celebración con un aire refrescante y rockero a la vez.

“Turquesa” fue la que abrió el juego y el público empezó a delirar desde el principio, con bailes, saltos, cánticos, movimientos que se producían al compás de las voces y la música que provenía desde las tablas con la fuerza de un tornado en el medio de la pampa.

La primera parte de la extensa lista de canciones repasó principalmente Lolita (2013) y Tuy (2016).

Tal es el caso de “El refugio”, “Avión de papel”, “Mancha de humedad” y “Bicicleta”, que tuvo como invitado a Martín “Mono”

Fabio. El festejo de los y las presentes no se hizo esperar cuando el carismático cantante de Kapanga apareció en escena, y una vibra de rock se hizo sentir cuando se acercó al borde del vallado y se armó el pogo.

Más tarde, una versión de “Chakay manta” -original de Los Hermanos Ábalos-, fue dedicada en homenaje a Juan Carlos Saravia, el cantante líder de Los Chalchaleros, como una suerte de visita hacia las chacareras más tradicionales y un tributo a sus influencias. Luego, la segunda invitada de la noche fue Natalie Pérez, quien aportó su voz en “Escalera”.

Después de infinitos bailes, el conjunto continuó el camino a través de su más reciente larga duración, Chuy (2018). De ahí se escucharon “Amazona”, “Sirena vampiro”, “Aguará guazú”, “Vino en cartón”, entre otras.

Nuevamente el “Mono” Fabio regresó al escenario en “El amor no existe”, para la locura de la sala, y luego de que termine esa canción toda la audiencia entonó el estribillo de “El mono relojero”, el hit que catapultó a Kapanga a fines de los noventa. Una clara

muestra de admiración y gratitud hacia el cantante quilmeño.

“Qué hermosa noche”, remató el cantante y guitarrista José María Martínez como conclusión de la velada. Pero la lista continuaría un poco más, con tres temas de su último trabajo, “Cacique”, “A las tres” y “Demonio paraguayo”. Una verdadera hinchada enloquecida festejó hasta el último minuto y demostró las ganas de que el recital se extienda más allá de las veinticinco canciones que fueron interpretadas con una pasión inigualable.

Los Tabaleros rompieron una vez más el escenario con esa mezcla de influencias que potencia sus presentaciones, desde el folklore más tradicional hasta el punk.

La felicidad de la concurrencia quedó plasmada en los cánticos dedicados a la banda y se generó un ambiente que invitaba a continuar la fiesta por el resto de la madrugada, hasta donde el cuerpo lo permita.

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COBERTURA - Raly Barrionuevo

KONEX CELESTE Y BLANCO Cronista: Matias Fangi | Fotos: Daniel Prieto 22 de Febrero

Raly Barrionuevo se presentó en la antesala del fin de semana de carnaval en Ciudad Cultural Konex, dando un espectáculo ATP. Buena energía y mucho carisma fueron los pilares de un show de dos horas donde desplegó su nuevo material y sus grandes éxitos.

Una inmensa araña de hierro hacia las funciones de centinela, observando y protegiendo a las casi dos mil personas que se presentaron en el patio del Konex para escuchar y vivir las canciones que Raly Barrionuevo trajo desde el corazón del país a la Ciudad de Buenos Aires.

de una oportunidad.

Una multitud descansaba en la tribuna esperando que el cantante y compositor se presentara en la noche porteña. Otro malón de gente se distribuía frente al escenario, algunos descansaban en las hamacas paraguayas, otros aprovechaban a tomar mate sentados Nacido en Santiago del Esen el piso formando pequeños grupos repartidos a lo largo y tero, Raúl Eduardo Barrionuevo comenzó su carrera ancho del patio. Se podía ver desde ese momento que era musical adoptando el apodo de Raly e interpretando su un espectáculo pensado para música en distintos festivales toda la familia. Padres, madres, provinciales y nacionales. A los parejas, grupos de amigos, 18 años se radico en Córdoba y niños y niñas de todas las su música folclórica alimentada edades esperaban como con de rock, tango y folk, entre tanta naturalidad como entuotros géneros, comenzó a siasmo. A modo de previa, alexpandirse desde el centro gunos celulares ya reproducían hasta llegar a cada rincón la música de Raly. El clima era del país, hasta atravesar las tan cálido que hacia olvidar fronteras territoriales en más el frio viento que inesperada32

mente azotó en pleno febrero.

Cuando el cantante subió al escenario, todos se pusieron pie como en aquellos actos escolares en los que entraba la bandera de ceremonias y comenzaron a desgastarse en aplausos y ovaciones. La noche comenzó muy tranquila y relajada al ritmo “De mi madre” canción que le pidió prestada un ratito a Los Chalchaleros para empezar armoniosamente una noche que sería muy movida.

“El paisano” trajo consigo más color y algarabía. La gente acompañaba con muchas palmas haciéndole caso a la letra, disfrutando la experiencia; “vivir como solo se vive una vez”. Continuo tocando “Circo criollo”, “La libertad” (dedicándolo a Paulo Freire y a todos los docentes) y el tema que

nombro su último disco “La niña de los andamios”.

El público se empezó a reunir en rondas e improvisaron pasos de zamba mientras Junto a la gaitera Pamela todos acompañaban en un Schweblin interpretó una solo grito la letra de “Gato de versión irlandesa de “Y Festival”, dándole una gran seremos agua”. Se estaba satisfacción al cantante quien gestando un indicio de lo que luego de interpretar la cansería el resto de la noche: ción agradeció a todos por la varias canciones muy movidas buena onda y pidió que sean mechadas con algunas que retirados los espacios vip de ayudaban al público a relajarse los festivales, asegurando que y disfrutar del espectáculo en los festivales son “del y para el el antiguo patio de lo que hasta pueblo, para que todos comlos años 90 fue una aceitera. partan la música y el arte y que no es justo que algunos estén El show del oriundo de la ciusentados frente al escenario obdad de Frías, continúo con un servando mientras en el fondo canciones de sus últimos discos “La niña de los andamios” la gente de pie baila y canta dándole color y vida a los eventos”.

(2017), “El sueño de los viajeros” (2015) y algunos de sus Tras despedir a su banda éxitos más reconocidos como y agradecer a cada uno de “Zamba de usted” y “Cuarto los involucrados que le perMenguante”. mitieron llegar al escenario

(transportista, productores, sonidistas, gente de prensa y amigos), Raly se retiró acompañado al ritmo de las palmas y la ovación de las dos mil almas con las que compartió la noche. Éxitos éxitos Un espectáculo con mucho color y algarabía. Un momento para toda la familia, donde se pudo disfrutar de música autóctona, de sonidos modernos y de inspiraciones musicales provenientes de lugares tan remotos como Irlanda.

Queda en el corazón y el gusto de cada uno determinar la calidad del espectáculo o la organización, pero si se puede asegurar que nadie la pasó mal. Colores hubo muchos, pero el celeste y blanco se llevó todos los aplausos en la noche del Konex.

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COBERTURA - Bestia Bebé

LOS VERDADEROS GANADORES Cronista: Juani Lo Re | Fotos: Pilar Guevara 29 de Febrero

Bestia Bebé arrancó un año prometedor con un gran show en Niceto Club.

Es fácil adivinar cuando va a comenzar un show de Bestia Bebé. La gente comienza a entrar a Niceto con camisetas de fútbol e indumentaria deportiva. Las luces se tornan rojas y la música comienza a sonar al ritmo de “It’s a Heartache” de Bonnie Tyler.

Los cantitos de cancha empiezan a bajar a coro, reemplazando la letra del tema en cuestión por la futbolera “jugadooooores, la concha de su maaaadre, a ver si ponen hueeeevo, que no juegan con naaaadie” a modo de incentivación.

Con el boliche ya convertido en una popular, los cuatro músicos de Boedo salieron a la cancha con “El más grande de todos”. El barrio, el fútbol, el cine y los amigos del barrio son algunos alicientes para el proceso compositivo de las canciones de Bestia Bebé. Canciones que en su versión discográfica agrega diálogos de películas o relatos de jugadas históricas que esta vez decidieron incluir en el recital en una acertada decisión.

La inspiración en los ídolos

está clara en “El Gran Balboa” para Rocky, el legendario boxeador interpretado por Sylvester Stallone en la pantalla grande. O en «El uruguayo», la oda a la zurda prodigiosa de Rubén Paz, donde Tom Quintans demuestra toda su devoción por su amado Racing Club de Avellaneda.

El repertorio tuvo espacio para que suenen canciones que hace tiempo la banda no hacía, como “La Mentira del Verano” de Bestia Bebé (2013) o “Sombras del Mal”, incluída en Las Pruebas Destructivas (2017), incluso para que el guitarrista Boui Vilche improvise un fraseo de “I Wanna be Adored” de la mítica banda mancuniana Stone Roses.

En lo sonoro la banda suena ajustada, enérgica y contundente, como un delantero de área en busca del gol. Con un mural de guitarras rabiosas que crean un híbrido del sonido ramonero y el de los Strokes con impronta barrial, “Rondador Nocturno” de Jungla de Metal 2 (2015), invitó

al público a hacer crowd-surfing hasta que el personal de seguridad los sacó volando de la pista. Como todo quedó entre amigos, Ronnie Crispo salió, como de costumbre, a hacerse cargo de «Patrullas del Terror», no sin antes criticar duramente al gobierno macrista.

Mientras seguía el aliento del público “vamos Bestia vamos, ponga huevo que ganamos”, Tom Quintans anunció que en mayo editarán un nuevo disco de estudio.

“Un documental sobre mí” sonó a modo de adelanto en un track que encuentra al cuarteto en una etapa más madura en lo sonoro y compositivo. “Fiesta en el barrio” incentivó a que varios fans exacerbados suban al escenario para arrojarse de nuevo al campo como en los recitales de punk, y con “Omar” llegó el fin del recital.

Consolidado en sus tres discos de estudio, Bestia Bebé arrancó el año en Niceto y se prepara para un 2020 que traerá muchas cosas nuevas.

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ENTREVISTA - Potra

SOFÍA VITOLA

“LA MÚSICA Y LA MATERNIDAD SON DOS MUNDOS COMPATIBLES” Cronista: Lucas González | Fotos: Lucas Iborra 13 de Enero

La rosarina habla sobre el nuevo trabajo de Potra y analiza cómo puede combinarse el hecho de ser madre y artista.

A Sofía Vitola siempre le costaron las comparaciones y, tal vez, sea por eso que sienta que señalar y etiquetar le es ajeno, casi impropio. Sin embargo, ante la consulta de Revista El Bondi, define que “Ninja” (el flamante lanzamiento de Potra) es una suerte de bolero que mezcla cumbia y pop. De hecho, sostiene que por la instrumentación (que incluye acordeón y guitarra con cuerdas de nylon) está más cerca del trío Los Panchos y Luis Miguel que de Gilda.

Si bien la mixtura del ritmo irrumpe como una novedad que se celebra, la letra de “Ninja” es un ejercicio recurrente en Vitola y no por eso menos efectivo. Especialista en esto de abordar el devenir de una relación que excede lo estrictamente amoroso (confesó en más de una ocasión que le genera mucha intriga las personas y sus vivencias), en esta oportunidad, la compositora presenta a la protagonista de su obra como a una persona frágil y al mismo tiempo segura de lo que busca (“Necesito darme cuenta que soy una ninja en 36

el amor. Soy tu aliada en esta guerra”), que empatiza por la franqueza y sinceridad que expone (“Me estás rompiendo el corazón, puede ser que lo merezca, por ser una niña en el amor”).

es una de las mejores compositoras de la escena local. “Tiene una exquisitez que no es común. Con Nico nos planteamos el desafío de darle otra posibilidad a su música”, agrega el cordobés.

“No es quebrar con lo que vengo haciendo, sino sumar algo nuevo y entender que Potra también puede ser esto”, analiza la vocalista, al tiempo que anticipa tener listas dos canciones más para publicar: una que ahonda aún más en la movida tropical y otra más tranquila y melancólica.

Las tres, sin embargo, tienen en común “una sonoridad que pasa sobre todo por lo acústico”.

Con siete años al frente de este proyecto, en el que acumula un puñado de singles, dos EP’s (Electricidad, de 2017, y Súper, de 2018) y un disco (el homónimo, de 2017), Vitola reconoce que Potra es más que un personaje, que desde el día cero se siente muy identificada con lo que representa, tanto que, casi, puede afirmar que aprende a diario de su alter ego. “Me enseñó a ser fuerte, a creermela”, dice y comenta que además reperfiló el significado de la palabra y le otorgó otra dimensión.

El resultado final se desprende de la búsqueda y el consenso entre la rosarina y la dupla que produjo los tracks, Juan Ingaramo y Nico Cotton. Al respecto, aclara que no hubo una bajada de línea concreta por parte de ellos. “Al contrario, el trabajo fue hablado y en conjunto, muy lindo y compartido. Todos propusimos”. Para Ingaramo, que trabajó en el álbum debut de Salvapantallas, ella

“Recuerdo de chica a los hombres grandes, desde su machurilismo y patriarcado, hablar sobre qué mujer le parecía linda, y no sentirme dentro de ningún estereotipo. Por eso, hoy con Potra intento derribarlos. Resignificar el concepto de belleza, que no pasa más por el

modelo impuesto por la sociedad.

Es algo mucho más gigante que eso. Todas somos potras”.

En paralelo, y mientras piensa el siguiente paso de su carrera, Sofía está próxima a ser madre de una niña, Miel. “La música y la maternidad son dos mundos compatibles”, asegura. “Siempre tuve el miedo de no poder seguir con lo profesional por el embarazo, pero no me pasó. Trabajé y toqué un montón, hice temas y hasta un video. Hay que resignificar el lugar de la madre, porque si bien existen cosas que sólo nosotras podemos hacer, como gestar internamente a una persona, la crianza es algo compartido con el hombre”.

Esta última es una cuestión que, la ex integrante de Lavial, conversa a menudo con su pareja, el actor Mike Amigorena.

Una cuestión que -gracias a la transversalidad del feminismogana cada vez más espacio en la sociedad. Una vez más, ella insiste: “Mi objetivo es que sea una cosa muy de par, resignificar ese vínculo con el padre. Me genera algo muy lindo esa igualdad”.

-Vos y tus hermanos, Joaquín (Indios) y Gonzalo (La Zimbabwe), crecieron en un ambiente que los estimuló desde muy jóvenes. ¿Cómo te imaginás la relación con tu hija?

-Lo más importante es que te den libertad y motivación. La guía y el empuje hacia el deseo. Me pasa cuando doy clases de guitarra, trato de no interferir con la persona, pero sí entender por qué viene, por qué me busca, cómo puedo ayudarla a que se acerque a lo que quiere, que es hacer música.

¿Y qué representa para vos la música?

-No podría concebir mi vida sin la música. Soy una persona sensible, que la necesita para sobrevivir.

Es un refugio, una compañera.

Me parece muy difícil pensarme sin ella. Es mi motor, lo que me ayuda a despertarme todos los días. Respeto mucho lo que hago, lo cuido y lo trabajo. Me puedo quedar horas con la guitarra y el cuaderno.

-¿Te ocurre lo mismo con la composición?

-Escribir me ordena los sentimientos. Es como ir al psicólogo, lo hago para saber qué me pasa.

Poner las palabras en papel me permite darle rienda sueltas a mis pensamientos.

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ENTREVISTA - Cosquín Rock 2020

JOSÉ PALAZZO

“NO ME SIENTO EL PERRY FARRELL CORDOBÉS” Cronista: Fernando Villarroel | Fotos: Gentileza: Prensa 22 de Enero

A semanas de una nueva edición del Cosquín Rock, su fundador y cerebro, conversa sobre las polémicas, los nuevos sonidos, el éxito y las veces que pensó en no hacerlo más.

“Queridos argentinos, los esfuerzos de este año dieron sus frutos”, así, monocorde y aburrido, a fines del 2000, Fernando De la Rúa anunciaba el Megacanje. Argentina empezaba a incendiarse, el hastío social ya se hacía sentir y el presidente cerraba el año anunciando por cadena nacional eso que iba a terminar convirtiéndose en uno de los colapsos financieros y sociales más sangrientos del país. “Que lindo, es dar buenas noticias”, decía De la Rúa al final de su mensaje. Monocorde. Aburrido.

Sin embargo, al mismo tiempo pero a 840 kilómetros de la Casa Rosada, en Cosquín, un coterráneo suyo emprendía la mayor de sus aventuras: José Palazzo sabía internamente que era posible combinar chispa, tonada y fernet con rock.

Cosquín, el suelo serrano en el que la doma y el folklore supieron hacerse fuertes. Donde Mercedes Sosa, Víctor Heredia y, hasta el mismísimo, Atahualpa Yupanqui hicieron de las guitarras criollas y el culto a la tradición una marca registrada, el cordobés (que trabajó como gerente en la extinta señal de videocable VCC) creyó que era posible hacer algo similar, sólo que rockeros en lugar de folkloristas.

“Al primer Día 1 lo recuerdo en las calles. Estábamos abriendo las puertas y toda mi atención y adrenalina estaba puesta en eso. Había llegado muchísima gente del interior del país, algo que no habíamos imaginado porque el festival no contaba con

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presupuesto para hacer publicidad”, recuerda Palazzo sobre aquel Día 1.

Pailos, esté en dónde esté, ligando así su destino al humor y la suerte.

El hombre de la cabeza plateada, los pelos revueltos y la voz rasposa se ríe fuerte cuando se le consulta si se sabe así mismo como a un ‘empresario respetado’. Entiende de qué se trata todo esto y de que sabe ponerse a prueba y rendir exámenes todo el tiempo. “Estoy orgulloso de la empresa que tengo y de la cantidad de trabajos que hemos llevado adelante con mi equipo. Sé que soy la cara visible pero siempre estoy aprendiendo”, agrega con cierta humildad.

-Te molestó la crítica que se te hacía sobre aquello de la repetición? (NdeR: en una entrevista al sitio Silencio.com, en 2018)

-¿Hiciste el festival con el que soñaste alguna vez?

-Nunca lo logré porque siempre estoy pensando en qué agregar y, como vivimos en un país complicado, mucho de lo que se proyecta no se puede concretar por las vicisitudes de nuestra economía. Jamásme conformo,pero me gusta que esto siga creciendo.

Palazzo es una persona de cábalas y, a falta de una, tiene dos atadas al Cosquín Rock. La primera pasa por pararse en las puertas del predio el día en que todo comienza y entregar merchandising oficial a las primeras treinta personas que entran al Aeródromo de Santa María de Punilla (espacio en el que se lleva adelante el encuentro desde 2011); la otra, se trata de presenciar una función del humorista Fernando ‘El flaco’

-El festival tiene coherencia. Hace 20 años que trabajamos sobre los errores y reconocemos que, cuando tomamos malas decisiones, tenemos que corregirlos, pensando todo el tiempo en el público y en los artistas.

Igualmente, si el que viene y los que tocan la pasan bien, si se descubren y disfrutan cosas, esto tiene una vida larga.

-¿Alguna vez dijiste “este año no lo hago”?

-(Risas) Casi todos los domingos, cuando termina el festival, digo: “No lo hago más, estoy agotado”.

De hecho, ahora estoy cansado y ¡todavía no empezó! me ha pasado varias veces, porque le pongo mucho el cuerpo . Tengo que encontrarle la vuelta para estar más tranquilo y ocuparme sólo de la parte más artística, delegar lo del día a día, que toma mucho tiempo y cansa bastante. Pero, todos los lunes 10 de febrero, a la mañana, arranco con un “bueno, a ver que hacemos el año que viene”.

-Cuando recordás que hubo una empresa de cerveza y otra de gaseosa que quisieron armar algo parecido en Buenos Aires y no lograron la

continuidad del Cosquín, ¿lo vivís como a una “pequeña victoria” sobre esos que te pudieron haber subestimado en un principio?

-No, nunca viví como una victoria que se descontinuara un festival: para que esta industria siga creciendo, tienen que existir más. Sólo en Córdoba, entre fines de diciembre y principio de marzo, hay 250, porque la gente en los pueblos está acostumbrada a ir a ver a sus artistas.

Y por eso, para nosotros, es muy importante que haya muchos más; debería haber -por lo menos- un festival de rock por provincia, bien consolidado. Por eso, lo mejor sería que Buenos Aires tuviera cuatro buenos festivales de rock.

Cambia todo cambia Palazzo no tiene reparos en reconocer que fue su hija Agustina la que lo interpeló en cuanto a lo que estaba pasando en la escena y los nuevos sonidos. “Ella fue la que generó espacios y nuevos ámbitos para la música. Después, estudió arte, se recibió, hizo un master en España y se radicó allá. Además del cariño, extraño mucho su capacidad”, suelta con cierta melancolía y confiesa que todavía recuerda el día en que ellale dijo que debía introducir cambios porque se estaba perdiendo del talento de mucha gente.

“Un día, Adrián Dárgelos dijo que yo era un ‘cabezaurio’, porque para mí

era todo Black Sabbath, Led Zeppelin y Pappo. Me gustan las cosas nuevas, pero en mis ratos libres escucho clásicos, y eso es una realidad inexorable. Por eso, estuvo muy bueno que en un principio Agustina me haya dado una mano con eso.

En la actualidad, hay un montón de gente –como Hernán Castro, Eric Davis, el Vampi Avallay y Pocho Rocca– me ayuda con las nuevas cosas de la grilla.

- ¿Te arrepentís de aquella frase “no hay suficientes mujeres con talento a la altura del Cosquín”?

-Tomamos todas las críticas positivas, las anotamos y las usamos.

Muchas terminan siendo elementos que ayudan a mejorar el festival. Lo que me embola es la crítica del ‘hater’, porque sólo está en el terreno del entretenimiento y de la pelea en Twitter, también me embolan posturas dramáticas, como si esto se tratara de algo más importante: no creo que un festival le cambie la vida a nadie.

-¿Qué es para vos Cosquín Rock?

-¿Por qué creés que pasó eso?

-El rock argentino ayudó mucho a esto. Los Cadillacs, Soda Stereo, Charly García, Fito Paéz, los Deca, Miguel Mateos, Los Enanitos, entre otros. Esos tipos que pusieron el cuerpo recorriendo latinoamérica, haciendo difusión de la música argentina y transformándola en uno de los baluartes del rock latino fue más que importante. Hoy goza de una muy buena reputación en la región y eso hizo más fácil que el festival se pueda desarrollar.

-¿Te sentís “el Perry Farrell cordobés”?

-(Risas) No, no me considero el Perry Farrell cordobés. (Piensa) Aunque ahora, el festival gira por toda latinoamérica (Bolivia, Paraguay, Uruguay, Perú, Colombia, Chile, México). Ya pasó por Estados Unidos y España, y el año que viene irá a Costa Rica.

Hagolo que me apasiona y le pongo muchísimo huevo. El hecho de cómo trascienda, por ahí, es una vicisitud y una coyuntura.

-Es un festival que ha recorrido todo. casi toda Latinoamérica, solo nos falta Ecuador y algunos países de Centroamérica. Esto se inició como una experiencia argentina pero creció. Hoy, en México, es considerado uno de los diez festivales más importantes.

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ENTREVISTA - INFORME

COSQUÍN ROCK 2020 VEINTE AÑOS SON TODO Cronista: Fernando Villarroel | Fotos: Daniel Prieto 31 de Enero

Ricardo Tapia de La Mississippi, Goyo Degano de Bandalos Chinos y Daniela Doffo reviven anécdotas y analizan la importancia del festival en la previa de una nueva edición.

Gardel y Lepera no tenían razón. Es que contrario a lo que supieron afirmar en la letra de “Volver”, veinte años son mucho más que nada. Pocas cosas en Argentina tienen la continuidad suficiente como para convertirse en tradición y Cosquín Rock es una de esas. Ricardo Tapia, el líder de La Mississippi, recuerda los primeros años en los que el festival era más “una promesa que una realidad consolidada” y asegura que su éxito está en “el poder de convocatoria en un lugar tan alejado como las sierras cordobesas: son días de convivencia generacional y variedad artística”.

Tapia y sus compañeros de banda ya tenían varios años de carrera cuando participaron por primera vez. La Missisippi es una de las bandas con mayor presencia del Cosquín, con un total de seis presenta40

ciones en su haber: la primera, en la segunda edición del festival (cuando todavía tenía lugar en la plaza Próspero Molina) y, la última, el año pasado. Otros más noveles, pero ya con experiencia sobre los escenarios ubicados en el Aeródromo de Santa María de Punilla, son los Bandalos Chinos.

acomodarse, y uno tenía que estar muy pendiente y muy atento para subirse al escenario y a que el resto de las cosas no te afecten y puedas darlo todo”.

Daniela Doffo, una de las mujeres debutantes en la próxima edición, comenta que cuando se enteró de su inclusión en el line-up en esta edición todo fue una “hermosa sorpresa” y que fueron varias las sensaciones que la atravesaron cuando supo la noticia. “Al principio me puse nerviosa y, después, contenta aunque siguiera nerviosa (risas).

La verdad es que, la sorpresa más grande, fue el hecho de saber que iba a estar en el escenario principal con muchos y muchas artistas que una admira”, confiesa.

“La verdad es que cuando nos confirmaron la primera vez, no lo podíamos creer. Es un festival importantísimo, con historia y de gran trascendencia para la cultura de nuestro país”, dice Goyo Degano sobre aquella presentación debut en 2017 y agrega una anécdota de ese día: “Me acuerdo que, propio de nuestra inexperiencia, vivimos todo de manera muy caótica y con mucho nerviosismo. Salimos Para Doffo lo mejor del Cosquín a tocar sin hacer la prueba de Rock es la variedad de géneros sonido, los horarios se iban en las grillas, porque, cree que corriendo y después volvían a cuando los festivales apues-

tan a juntar artistas de renombre, con otros que no lo son, le abren el juego a los más “chicos” y los acercan a un público mucho más amplio. Goyo coincide con su colega, sostiene que el evento “es una vidriera y una oportunidad para llegar a orejas nuevas a la que no podrías llegar haciendo tus propios shows” y agrega que parte del atractivo está en que es una experiencia para disfrutar en familia y al aire libre.

Tapia además de cantante y músico, se desempeña como manager de su banda y comenta que gran parte de su trabajo depende de que los eventos estén coordinados correctamente para que todo salga bien

y que las presentaciones se encuentren a la altura de lo que esperan los fanáticos y fanáticas de ellos.

cionales posibles y la inclusión de muchos niveles de artistas nacionales que no, hoy, tienen vidriera para lo suyo.

Cuando hace memoria sobre lo que significó la aparición de este festival, Ricardo hace especial hincapié en que, anteriormente y a pesar de que existían eventos de este tipo –y muy convocantes–, nadie tenía la regularidad en materia de organización que tiene este en particular. Curiosamente, cuando se le pregunta que debería pasar para que existieran más eventos así en el país responde que, quizás, lo más importante sea lograr una estabilidad económica que permita planificaciones realistas, contrataciones interna-

Cientos de artistas. Talentos consagrados y jóvenes promesas. El cordobés José Palazzo logró consolidar, en su tierra, un evento que reúne a los mejor de la escena local en dos días, en el medio de las sierras, y con un espíritu federal. En las vísperas a lo que será una nueva edición, y con todo listo para poner la música a sonar, la ansiedad va ganando terreno y, al final, sólo se puede afirmar que (afortunadamente) Gardel y Lepera no tenían razón. Al menos, en lo que se refiere al Cosquín Rock.

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ENTREVISTA

LUCIANO GAGLIESI

“HACER CANCIONES Y MOSTRARLAS ES LO QUE MÁS ME GUSTA” Cronista: Nahuel Perez | Fotos: Gentileza prensa 04 de Febrero

Aunque presentó su último trabajo discográfico hace apenas unos meses, el músico ya está trabajando en dos nuevos proyectos.

Durante más de una década, Luciano tocó en Familia Costa, con quienes sacó cinco discos, a la vez que participaba en otros proyectos; fue parte de Fantasma, con el Fanta Roisi y el Negro Antico, Los Mundos Posibles de Rosario Bléfari, Los Reyes del Falsete, Amor Elefante, Mi Pequeña Muerte y hasta compuso para cine.

ene ni qué tiene como objetivo.

La inspiración para componer, la emoción que me produce tocar con mis amigos, la mismisima Musica. Creo que son entidades a las que no se les puede dar forma física y a las que incluso cuesta mucho poner en palabras. “Permanece Invisible” es casi una suplica para que todo eso siga existiendo y permanezca invisible.

Hoy, se desempeña en los escenarios como solista aunque, para él, es un más un mote que una intención. Recientemente presentó su segundo trabajo discográfico, “Permanece Invisible”, y lejos de aquitarse, ya tiene dos nuevos proyectos bajo la almohada.

-¿Cómo fue la experiencia de componer y producir para cine (“El otro verano” del director Julian Giulianelli, 2018)?

-Realmente maravillosa. Una conexión poética con la imagen. Es muy lindo componer pensando en generar sentido, tratando de acompañar el discurso del director de la película. Pensar en qué esta queriendo comunicar y tratar de que la música haga el aporte justo y necesario. Realmente, fue un trabajo muy hermoso y me gus-

-¿Qué “permanece invisible” en este nuevo disco?

-La conexión que me lleva a hacer música. Esa motivación que no sabemos de donde vi42

to mucho el resultado.

-¿Por qué elegiste “Cómo me gustaría ser negro” para versionar, de entre tantas grandes canciones de Charly García?

-Soy muy fanatico de toda la obra de Charly y esa canción siempre me llamo la atención.

Creo que uno de los motivos es que no esta en ninguno de sus discos, si no que la hizo para un proyecto de Oscar Moro. Otro es la letra, que es algo que siempre me gusto de sus composiciones. Esa manera que tiene de decir las cosas cotidianas de una forma tan poetica.

Por último, me gustaba la idea de cruzar dos epocas de Charly y grabar una canción que hizo en los 70 con un sonido mas relacionado con los 80.

-¿Existe el disco perfecto?

-Si, creo que si. Al menos para mi. El primero de los Ramones, “Loveless” de My Bloodie Valentine, “Marquee Moon”,

“Teen Dream”, “Exile on main Street”, “Clics Modernos”…Creo que no se pueden concebir como “el” disco perfecto, si no que el tiempo va dando las circunstancias historicas y la coyuntura para que luego se transformen en discos perfectos, pero –sin lugar a duda– cada uno de estos artistas tuvo la “antena” funcionando a pleno como para plasmar en su trabajo ese instante que luego va a tener una lectura mucho mas amplia que la obra misma. Cuando pienso en discos perfectos, pienso tambien en discos que se transformaron en inspiración de artistas que lograron llevar esas ideas a otro nivel.

-¿Qué sigue para el 2020?

-¡Ya estamos trabajando en dos discos nuevos! Quiero tocar un poco más “Permanece Invisible” que ya fue presentado en el CC Richards, y me gustaría seguir compitiéndolo. ¡Pero hacer canciones, grabarlas y mostrarlas es lo que mas me gusta!

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ENTREVISTA

UVA MONDAYS

“SI HUBIÉSEMOS TENIDO MÁS RECURSOS LO HUBIÉRAMOS GRABADO EN CINTA ABIERTA” Cronista: Nahuel Perez | Fotos: Gentileza prensa 04 de Febrero

El quinteto de rock psicodélico lanza su primer disco, Skypunch, un viaje entre California y Liverpool. Daniel Casale, bajista de la banda, cuenta como fue el proceso de grabación.

Uva Mondays está formada por Federico Blotta en guitarra, Daniel Casale en bajo, Lucas Herbin en batería y coros, David Fernandez en piano y Diego Lezcano en voz y guitarra. La aventura musical comenzó cuando Diego, nacido en Chicago, conoció a David en un hotel donde ambos trabajaban como recepcionistas. Intercambiaron canciones y talentos, pero no fue hasta mediados del 2017 con la llegada de Federico y ‘Nano’ Casale la banda encontró su sonido definitivo y comenzaron a grabar su primer LP, Skypunch, completamente en inglés. Daniel responde como fue la génesis este trabajo.

-¿Cómo fue grabar su primer disco en Estudios Panda?

–Todos los integrantes ya habíamos grabado en ese mismo estudio y cuando se presentó la oportunidad no lo dudamos. Si bien el disco se terminó de grabar y mezclar en La Cocina de Betti, empezar en Panda fue fundamental para marcar el rumbo que buscábamos en cuanto a sonido.

-¿Por qué eligieron un estudio de perfil analógico en una era de música digital?

–Todo el disco tiene perfil analógico, desde la composición hasta el arte de tapa. Conceptualmente, el sonido y la composición de Skypunch es super clásico, así que tratamos de llevarlo lo más analógico posible. No hay instrumentos virtuales ¡y si hubiésemos tenido más recursos lo hubiéramos grabado en cinta abierta!

-¿Cómo fue la dinámica compositiva de Skypunch?

–Diego Lezcano tenía varios temas y durante un año nos dedicamos entre todos a desarrollarlos en conjunto. Durante el proceso surgieron temas nuevos, como “Skypunch” o “We Love”, que fluyeron de forma natural y se ganaron rápidamente un lugar en la lista.

-¿En qué gran disco tiene sus raíces Uva Mondays?

–No sé si hay un gran disco, pero todos tenemos a Los Beatles en común. Más que nada, las raíces 44

están en la música de finales de los sesenta y setenta, y el sonido más moderno diría que viene por el lado de Blur o Radiohead, de mediados de los noventa.

-¿Qué sigue para el 2020?

–Antes de mitad de año tenemos programado un single y en enero arrancamos con el disco nuevo, tenemos unas 10 canciones un poco más orquestadas pero con el mismo sonido cálido de Skypunch.

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ENTREVISTA

FEDE CABRAL “EL ESTUDIO ES MI LABORATORIO SONORO” Cronista: Anabella Reggiani | Fotos: Gentileza Prensa 18 de Febrero

Con “WU” en las calles, desde fines del año pasado, y en plena presentación, el músico habla de su último trabajo y confiesa sus expectativas.

Fede Cabral hace ya un buen tiempo que desanda su camino como solista. Atrás quedaron los años en los que supo ser el líder de Sancamaleón. Hoy, con cuatro discos editados bajo su nombre, apuesta a seguir consolidándose como músico independiente y a dejarse sorprender por lo que le pueda deparar su travesía indie.

-¿Cuál fue la búsqueda artística de “WU”? ¿Por qué se llama así?

-Quise hacer un disco universal, un disco que se entendiera en cualquier lugar del mundo. El nombre no es literal, simplemente quería que fuera algo corto, ponerle un nombre a la criatura sonora. Es el nombre de un emperador del Japón que fue muy fan de la música.

-Estas constantemente viajando, España, Japón, Suecia, Chile, Paraguay, ¿qué diferencias encontras como músico independiente en estos países?

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-En general, en los festivales de world music de Europa están muy atentos y abiertos a nuevas propuestas, quizás allá mi show sea algo exótico por la instrumentación y los timbres. Definitivamente, me siento muy bien en esos lugares y a ellos les resulta muy interesante. Me encanta tocar acá también por supuesto, pero no hay tantos espacios o festivales para este tipo de música.

-¿Cómo vivís el proceso de creación dentro del estudio, siendo alguien que esta en constante movimiento?

-Para mí, el estudio es mi laboratorio sonoro. Si bien hago canciones y es lo que siempre hice, los sonidos y el audio, cada vez son más importantes en mi búsqueda. Por ejemplo, para “WU”, empecé generando un banco de sonidos que sampleé en la patagonia, con toda clase de aves e insectos. Quería que estos sonidos tiñeran el disco. A partir

de ahí, me puse a trabajar con esos colores. Veo a los sonidos como los colores para un pintor.

-Elegiste presentar el disco en el Centro Cultural San Martín, ¿por qué en un Centro Cultural y no otro tipo de espacio, como un boliche o bar?

-El San Martín fue un lugar muy importante en mi formación musical “porteña”. Era el lugar donde siempre veía cosas nuevas, que me sorprendían. La convocatoria a presentar el disco en un festival de música electrónica me parecía muy motivadora. Fue una noche muy especial.

-Se viene una gira por Europa en el 2020, ¿y después? contamos como sigue la agenda de tu disco - Sigo apostando a viajar, la verdad que es algo que me encanta y me nutre musical y humanamente. Y cada vez veo más oportunidades ahi, así que, ¡ahi vamos!

ENTREVISTA

ZAHARA

“ESPERO QUE ESTA SEA LA PRIMERA DE MUCHAS VISITAS” Cronista: Lucas González | Fotos: Gentileza Prensa 29 de Febrero

A horas de debutar en Buenos Aires, la cantante española anticipa cómo será su show en La Tangente.

“Tengo tantas ganas de este concierto que no espero nada a cambio”, reconoce la española Zahara (Úbeda, 1983) a pocas horas de hacer su debut en Buenos Aires (07/03). Para la cantante, venir, estar, descubrir y explorar es todo ganancia, más allá de que el tiempo no le sobre. Además, aclara: “Poder presentarme en una sala íntima (La Tangente), conectar con un público más pequeño, me emociona. Espero que sea la primera de muchas visitas”.

De acuerdo a la artista multifacética (escribió libros, pasó por la radio y el mundo del teatro), el show será un repaso de su discografía, aunque ahora mismo esté promocionando su más reciente producción, Astronauta (2018). “Pasaré por La fabulosa historia de... (2009) y La pareja tóxica (2011). Canciones

que han estado en mi vida mucho tiempo y que ahora las reencuentro. Quiero aprovechar la oportunidad”.

-Con más de 20 años de carrera, ¿qué valor le das a la música en tu vida?

-¿Ahora mismo? Es absolutamente todo. Un faro que siempre me ha permitido remontar. Un modo de expresión, es algo que necesito consumir, hacer. Es mi salvavidas.

-¿Aunque estés atravesada por diversas disciplinas?

-Por más que haga otra cosa -me gusta escribir, el cine- no hay nada que se pueda equiparar con ella. Lo que siento al crearla, interpretarla o escucharla es inigualable.

-He dicho que hago melodrama, un tipo de género que existe en el cine. Describe muy bien lo mío, porque es una búsqueda de la melodía, de la emoción, de la expresión. Se trata de exorcizar, de sacar los demonios afuera, de liberarse.

-¿Y cuál es tu relación con la música local?

-Cuando era muy joven, Los Rodríguez fue un grupo que me marcó. (Andrés) Calamaro ha sido un referente y una constante en mi vida. También (Gustavo) Cerati me ha gustado mucho: es un hacedor de canciones y melodías perfectas.

Sin dudas, es una de mis grandes influencias.

-¿Cómo definís lo que tu propuesta musical?

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ENTREVISTA

JUANCÍN Y SU OBSESIÓN POR LA ALTA FIDELIDAD Cronista: Lucas González | Fotos: Paula Ruiz 22 de Febrero

En su nuevo disco, Quiero decir todo (2019), el ideólogo de Cultura Rap toma distancia del ruido las batallas de freestyle y se pone introspectivo.

Aunque desde hace algunos años es una palabra autorizada dentro del freestyle local, regional e internacional, debido en parte a sus sesudos análisis en YouTube, la identidad musical de Juancín poco tiene que ver con los géneros urbanos que se relacionan al mundo de la improvisación. “Es que vengo de otro lado”, se ataja y señala, con la misma meticulosidad con la que vota en la FMS Argentina, que su educación sentimental está conformada por “mucho” rock nacional, pop e indie. “MGMT, Louta y Charly García condensan mi formación solista”, reconoce y agrega que recién en los últimos años, cuando incursionó de lleno en la batalla de gallos, adoptó elementos del rap y trap.

-¿Cómo te llevás con el reggaetón?

-Tenía una relación de bastante negación y desprecio. La consideraba música comercial, de boliche.

No me interesaba, más allá de alguna que otra cosa que me podía llegar a divertir. Ahora cambió un poco mi visión, porque de pronto entendí lo que significó para la movida de la música urbana.

No escucho en mi día a día, pero comprendí mejor a Daddy Yan48

kee, sus melodías, lo genio que es como compositor. Bad Bunny me parece muy bueno también. De pronto, hay ciertos costados de este reggaetón moderno, retomado por los artistas actuales de trap, que sí me parece que tengan cosas interesantes. Incluso, con Chic Dorapa (NdlR: dúo de rap experimental que lleva adelante con Egno) estamos laburando algo que va por ese lado.

con amigos. Era privada y cerrada.

Hicimos dos ediciones, gané una final y otra la perdí contra Egno.

Me gusta el misticismo acerca de que nadie sepa cómo improviso.

Aunque hubiera sido interesante, cuando encontré mi lugar como juez y analista sentí que era muy difícil seguir compitiendo, dado el perfil que había generado.

Ante cada pregunta, piensa. Debate consigo mismo. No le sobra tiempo, pero se toma un momento para reflexionar y responder con una frescura que contrarresta la elevada temperatura ambiente. “Es difícil sacar un álbum que te represente y que sea contemporáneo, porque para hacerlo bien necesitás tiempo y eso nunca es fácil”, admite y reconoce que el flamante Quiero decir todo (2019), subido en las plataformas el 29 de diciembre, tendría que haber salido mucho antes, pero su agenda le jugó una mala pasada.

La anteúltima siesta de enero es calurosa y Juancín no parece percatarse. Está presente en cuerpo y alma, pero con la cabeza funcionando a mil, repasando mentalmente todo lo que le depara el calendario. “Disfruto mucho de crear, de emprender, de hacer. Soy bastante apasionado y obsesivo con mis proyectos. Voy a full con lo que me interesa”, comenta el artífice de Cultura Rap, competencia que tomó la posta del legendario Quinto Escalón y que en marzo iniciará su segunda temporada: “Conseguimos que sea -¿Cómo te manejás con el tiempo? un lugar en el que los competidores -A veces me doy el lujo de no serse sientan cómodos”. lo, pero en general soy bastante organizado. Sobre todo desde -¿Batallaste alguna vez? que dejé de laburar en relación -Cuando empezamos a conocer el de dependencia y tomé las rienda mundo de las batallas de freestyle de mi vida. Tenés un bichito que organizamos una competencia te pica y te dice: “Ahora todo de-

pende de vos”. Es más difícil quedarse quieto. Entonces, trato de mantenerme al día con todas las cosas que me interesan y soy muy autoexigente conmigo mismo, me castigo más de lo que debería.

-Seguramente en producir y hacer más música. Es un campo que me interesa y que construí con mucho amor, donde se me abrieron posibilidades, pese a que el mundo de las batallas y del análisis a veces no me deje mucho tiempo para componer.

conmigo”. Desde su home estudio, y sin abusar de los sintetizadores ni del Waves Tune, orquestó un trabajo que suena moderno, digital y humano, que remite vagamente a su antecesor, Planeta (2017), y al mismo tiempo rompe con una mecánica de laburo. “Me animé a componer desde la computadora, buscando un beat o un sonido. Y si bien me descolocó, salieron cosas que me coparon”, revela y usa de ejemplo la robótica “Quemenme”.

Al respecto, apunta: “Puede resultar abrumador, porque las posibilidades son infinitas, pero el desafío no deja de estar buenísimo”.

El ex co-conductor del programa radial DAMN! produjo su álbum en solitario. “Tiene sus limitaciones no contar con una segunda mirada, pero a la vez lo hace súper genuino y fiel a uno mismo. Me gusta la cuestión autosuficiente, sentir que de principio a fin todo tiene que ver

Egno confirma que su colega y socio es un “creador de contenidos nato” que después de 20 años de amistad lo sigue sorprendiendo por su capacidad administrativa. “Vuelca en el arte su forma de actuar. Proyecta, organiza, ordena e imprime. Es

-Si tu día tuviera más horas, ¿en qué las invertirías?

un cóctel de emoción, influencia y obsesión. ¡Puede estar siete horas buscando el sonido de un bombo!

Encima tiene una sensibilidad enorme y es pura solidaridad. En medio de su organigrama, siempre está dispuesto a integrar, invitar y mostrar”.

Más allá de cómo suena y las herramientas utilizadas, Quiero decir todo funciona como “una carta de presentación” o “un ejercicio de introspección” en el que Juan Goldberger, la persona que carga con el alias, exterioriza lo que siente. Otra vez, piensa. “En Planeta me escondía detrás de esos universos que creaba con capas de sonidos. No digo que ahora tenga letras súper transparentes o directas, pero sí traté de condensar el mensaje de una manera más concisa. Salí de la concepción abstracta y fui por algo más concreto. Mi carrera lo necesitaba”.

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Esquivando las imágenes y lo impreciso, aquello que se esconde, ronda y materializa en la imaginación, ese lugar indeterminado en la mente, Juancín optó por escucharse y mostrar lo que es, lo que le molesta y lo que quiere.

Porque si Walter Lezcano escribe para ejercer su libertad y Pablo Ramos para civilizar el dolor, él lo hace para conocerse. Así, con frases sintéticas y de alto impacto (“si me la paso en la computadora, es porque quiero convertir la silla un trono”; “colecciono llantos que mi propio cuerpo censura”; “el celular no representa las ganas que tengo de verte”), resume el espíritu de una época y dialoga con autorxs contemporánexs: Alejandro Schuster (Viva Elástico), Santiago Barrionuevo (El Mató), Marina Fagés, entre otres.

-Para bien o para mal, gracias a tu canal de YouTube, a Cultura Rap y a que juradeas en la FMS, desde hace dos años estás mucho más expuesto. ¿Cómo te llevás con el ego?

-Es algo con lo que hay que tener cierto cuidado. Es verdad que te inyecta una cuota de euforia y seguridad, y que de repente en muchos casos está buenísimo, pero en otros tenés que medirlo y cuidarte.

Por ejemplo…

-Por cuestiones de votos en la FMS, a principio de 2019 me heitearon mucho. Nunca me había pasado algo así, que gente hable públicamente mal de mí. Hasta me llegaban mensajes a Instagram.

En ese momento me sentía súper mal, no quería hacer más nada.

Quería olvidarme de toda la figura que se había construido en torno 50

a Juancín. Después la situación se revirtió, pero me enseñó a tener cuidado con los estados. Ser medido y entender que va fluctuando mucho a lo largo de las etapas que se transitan.

me permita ser lo más fiel posible al sonido del disco”.

-Siempre me gustó Mark Knopfler, de Dire Straits. Toca con los dedos, igual que yo. Nunca me pude acostumbrar a la púa.

-No obstante, “La historia” plantea que hay un “Dios que va a juzgar tu felicidad”. ¿Cuál es tu relación con la religión?

-En “La selva a la noche” cantás: “No hace falta fe, no hace falta reclamar tirando cartas por doquier, esto se trata de actuar”.

-Hablando de etapas, antes com- Llama la atención, entre todas las ponías desde la guitarra, que por palabras, la utilización de “fe”. mucho tiempo fue tu instrumen-No tengo una explicación muy to madre. lógica y fuerte en realidad. Apunta -Sí, pero cada vez estoy dependi- a que las acciones terminan estanendo menos de ella... do por encima de todo. Valen más de lo que digas, expliques, creas y -¿Referentes? demás.

-¿Cómo y cuándo llegaste a tener una banda de rock progresivo?

-No creo en Dios y no me gusta la iglesia como institución. Me -Mi viejo y mi tío, al que le robé vari- parece que hizo mucho daño a lo os discos, eran fanáticos de Emer- largo de toda la humanidad. Igual, son, Lake and Palmer, Yes, Cam- que cada uno crea en lo que quiel, Jethro Tull, Genesis, que nunca era. Respeto. me entró mucho. Me volví súper -Siendo tan analítico, ¿cuál es tu nerd y con cuatro amigos de la se- relación con la muerte? cundaría armamos en 2012 el grupo Error 404. Duró hasta el 2015: -Por ahora la veo lejana. Si bien la tocamos en vivo varias veces y idea de desaparecer por completo hasta hubo un intento de regreso y perder todo tipo de conciencia y existencia plenamente en esta en 2016 que fracasó. tierra es bastante fuerte y cruda, Con un pasado en la publicidad, tampoco me genera ansiedad. Tradonde aplicó sus estudios en soni- to de tomarme la vida como un esdo e imaginó su presente, hoy pacio limitado y finito, que debeJuancín se entusiasma con el futu- mos aprovechar para hacer todo ro. Trabaja en dos canciones -una lo que se nos ocurra. No tiene que de ellas junto a su coequiper Egno- quedar nada en el tintero. que continúan la línea evolutiva de su impredecible obra. “Lo nuevo suena más ganchero, grande y pop”. Entre tanto, planifica. Diagrama una eventual presentación del material: “No me interesa generar un universo totalmente distinto en vivo. Al contrario, quiero hacer algo bastante minimalista, que

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